Se nos van los grandes

Ya les comentaba más arriba, esta semana perdimos a cuatro pilares fundamentales de la cultura pop que, de una u otra manera, marcaron hitos importantísimos en la identidad de varias generaciones.

Comenzamos la semana despidiendo a la diva definitiva, que murió el 25 de agosto. Puede que, si eres de la Gen Z, no sepas mucho sobre ella, pero la verdad es que Dolly Parton, la legendaria «Reina del Country», era mucho más que esa figura recurrente en cameos memorables o si la escuchaste en la clásica From 9 to 5. La cantnate, que falleció 80 años, trasciende por completo las barreras de la música. Con una prolífica carrera de más de seis décadas, escribió más de 3000 canciones, regalándonos himnos universales como Jolene y I Will Always Love You (que Whitney Houston inmortalizó a nivel global). Sin embargo, su verdadero impacto fue ser una promotora de conocimiento y cultura: para la historia queda su inmensa labor filantrópica a través de iniciativas como su fundación Imagination Library, la cual ha distribuido de forma gratuita más de 330 millones de libros infantiles para combatir el analfabetismo, además de sus millonarias donaciones a la investigación médica y el desarrollo de vacunas.

Todavía un poco golpeados por la noticia, nos llegó la del fallecimiento del inmenso Tim Curry. Este hombre magnífico no solo era un actor extraordinario; también tiene un legado entrelazado con la contracultura, el cine de culto y algunos de los villanos más memorables del entretenimiento. Su salto definitivo a la inmortalidad pop ocurrió al encarnar al extravagante y transgresor Dr. Frank-N-Furter en el clásico musical The Rocky Horror Picture Show (1975), un papel revolucionario que desafió las normas de género de la época. Con una imponente presencia escénica, una voz barítona sumamente expresiva y una maleabilidad facial única, Curry aterrorizó a toda una generación como el payaso Pennywise en la miniserie original de It (1990), e hizo reír al público en comedias magnas como Clue (donde interpretó al icónico mayordomo Wadsworth) y Home Alone 2. A pesar de haber quedado confinado a una silla de ruedas tras sufrir un grave derrame cerebral en 2012, se volcó con maestría al doblaje de voz y el año pasado publicó sus íntimas memorias tituladas Vagabond, consolidando el recuerdo de un artista que enseñó al mundo a abrazar lo extravagante, lo oscuro y lo deliciosamente teatral.

Y las malas noticias no dejaron de llegar: El 26 de agosto nos dejó Peter Cullen, la voz de Optimus Prime, el líder de los Autobots en la franquicia Transformers; un papel que originó en la serie animada de 1984 y que defendió durante más de cuatro décadas en películas de acción real, videojuegos y series de televisión. Inspirado por su hermano Larry (un veterano de la guerra de Vietnam), Cullen esculpió la personalidad de Optimus bajo la premisa de ser «lo suficientemente fuerte para ser amable», transformando a un robot gigante en un símbolo universal de heroísmo, liderazgo y compasión. Más allá de Cybertron, su asombroso registro vocal nos regaló la entrañable y melancólica voz de Ígor (Eeyore) en el universo de Winnie the Pooh, el amenazante rugido de King Kong (1976) y los icónicos e inquietantes chasquidos alienígenas en la película original de Predator (1987), consolidando un vacío gigantesco pero eterno en la memoria auditiva de múltiples generaciones.

Definitivamente, el mundo es un poco menos bonito en ausencia de estos maravillosos ejemplos de hacer de la cultura pop, una forma de crear resistencia, belleza y sensibilidad.

Ridley Scott te quiere matar de aburrimiento

a constelación del perro es una distopía (y una especialmente deprimente), pero podría solo ser un western. Eso, gracias a que buena parte de sus escenas transcurre entre paisajes interminables y una notoria sensación de desolación. Todo, mientras sus personajes intentan sobrevivir como pueden a una tragedia apocalíptica que ocurre fuera de cámara y que arrasó con el mundo por completo. Pero al contrario de la novela homónima de Peter Heller de 2012 en que se basa, el guion de Mark L. Smith no logra encontrar un punto de equilibrio entre sus temas. De modo que la primera hora de la película va de describir el mundo en que viven sus personajes a la nada absoluta.

De hecho, la constelación del perro carece de verdadero vigor o, en cualquier caso, de una premisa que pueda sostener la escala de su apartado visual. El director Ridley Scott se esfuerza por mostrar este mundo devastado a través de una serie de instantáneas de considerable belleza. Por lo que la película pierde tiempo e interés en dejar claras tres cosas básicas. En primer lugar, que la epidemia de gripe que arrasó con casi toda la población en 2035 convirtió al mundo en un jardín desolado en decadencia.

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El Coyote le gana a ACME

Hace poco, el crítico de cine Brian Tallerico comentaba que ver “Coyote Vs Acme” de Dave Green era un poco un acto de resistencia y de amor al cine tradicional. En especial, porque la cinta, descartada por Warner hace tres años y que luchó por sobrevivir hasta convertirse en un curioso hito del cine, se transformó en un símbolo involuntario. La representación del cine (y el muy machacado y menospreciado mundo de los dibujos animados), contra una industria cada vez más cínica y dependiente de la IA. Por supuesto, aunque el especialista de la icónica página de Roger Ebert indagó en el sentido metafórico de la batalla de Wile E. Coyote contra su infame y rápido enemigo, acertó en una cosa.

La travesía de “Coyote Vs Acme” representa mucho más que una excentricidad cinematográfica. También viene a demostrar que un tipo de cine artesanal, basado en el amor al arte y en la reflexión sobre el valor artístico, se va quedando progresivamente con menos espacios para sobrevivir. De modo que hay mucho de acto de resistencia en solo disfrutar de esta rareza. Mucho más, de indagar en ella como una excepción en la habitual regla que insiste en que el poderoso siempre aplastará al más chico.

Claro está, hay algo deliciosamente absurdo en que una película protagonizada por un coyote obsesionado con atrapar un pájaro veloz termine hablando de monopolios, abogados y responsabilidad empresarial. Esa mezcla define “Coyote Vs Acme”, que explora con habilidad el ADN de Looney Tunes y, al mismo tiempo, se atreve a convertir una persecución interminable en un pleito legal. Uno además, fuera y dentro de la pantalla, lo que le lleva a plantar cara al vendaval de los cambios corporativos a través de la poco convencional herramienta del humor.

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‘Cien años de soledad’ se despide

No hay palabras para describir la belleza total, devastadora e inolvidable del último capítulo de #Cienañosdesoledad. Una obra ENORME que captó por completo la desolación de la estirpe Buendía, sino el tiempo implacable y el miedo. ¡Gracias, @NetflixLAT!

Una obra de arte excelsa que, además, evolucionó en lenguaje, técnica y discurso visual. Una metáfora asombrosa sobre el transcurrir del tiempo y que, además, rindió homenaje a mi libro amado y a Latinoamérica en toda su vastedad y riqueza.

Maravillada por las actuaciones de Sebastián Osorio como Aureliano Babilonia y de la encantadora Estefanía Piñeres como Amaranta Úrsula. Ambos con una química instantánea y total que sostiene la parte más desoladora de la serie. Una elección brillante de casting. Mención aparte al rigor fotográfico para documentar la identidad estética de nuestro continente en 1960 en un apartado visual para la historia. “Cien años de soledad” no solo es una adaptación, es un homenaje amoroso y total a nuestra identidad. Llorando, fascinada y feliz por este cierre monumental. ¡Increíble!

Para los interesados, les dejo el detrás de las cámaras de la ascensión de Remedios, la bella Daniella Reyes

Anthony Bourdain tiene película

Tony de Matt Johnson no es un biopic tradicional y no pretende serlo. De hecho, es mucho más una exploración en clave apasionada y profundamente sensible, sobre la noción de la necesidad de crear. Y en especial, en cómo Anthony (interpretado de manera elegante e ingeniosa por Dominic Sessa), necesitaba entender el mundo desde lo sensorial. Por supuesto, la premisa es una forma de refundar de origen la percepción de Bourdain como un símbolo sibarita y en esencia, maravillado con las delicias del mundo gastronómico.

Pero en lugar de cometer el error de ir de descripción en descripción de los grandes eventos de la vida de Bourdain o en cualquier caso, resumirlos todos en una premisa que le enaltezca, Tony reflexiona sobre la evolución de un hombre destinado a convertirse en mito de la cultura pop. Por lo que la cinta profundiza en Bourdain antes de ser leyenda televisiva, cuando todavía era un joven convencido de que las palabras podían abrirle todas las puertas y era además, un seductor nato que basaba buena parte del éxito en su vida en el carisma. De modo que la cinta prefiere mostrar a un Anthony joven, arrogante y en crecimiento. Pero también uno en busca de su propia identidad a partir del privilegio de considerar al mundo como un escenario para construir su visión del futuro y sobre sí mismo.

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ABC del crítico de cine (Minuto de descarada autopromoción)

ente querida, mis adorados de @circulo_amarillo y yo hemos venido cocinando esto hace unos meses y finalmente llegó el momento:
¿Quieres aprender a crear contenido de Cine, televisión y streaming para redes sociales? Aquí les dejo esta invitación.

Creo que lo saben, pero si no les cuento: Soy críitica verificada por @rottentomatoes, y me pueden leer en Hipertextual, El Estimulo, El Nacional y PopConCine. En todos los medios en que he trabajado, he aprendido muchísmo sobre cómo analizar el cine y divulgarlo para nuevas audiencias. Y ahora resumo esto por acá.

¿Quieres aprender todo lo que puedo enseñarte del tema? Pues nos vemos por aquí :D

¡Nada más por esta semana!

¡Nos leemos en la próxima!

Cuando conocí a Nelson Garrido, él ya era un coloso de la fotografía venezolana. Era, además, el hombre responsable de reformular desde los cimientos lo que la experiencia fotográfica del país podía ser. Acostumbrados al arte protesta y a la imagen callejera política, buena parte de la generación de artistas visuales con la que crecí tenía a la cámara como un recurso para la protesta. Y también como una herramienta para captar la realidad de la historia compartida de la democracia que se resquebrajaba en el siglo XX.

Pero Nelson Garrido hizo todo lo contrario. O mejor dicho, hizo lo que mejor supo: subvertir ese orden blanco y negro del documental y sacudir a la Venezuela en film hasta rehacerla por entero.

Un logro que le valió el Premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela en 1991. Un reconocimiento que abrió debate, discusión y polémica, además de encumbrar a Nelson Garrido como lo que fue la mayor parte de su vida: un agente subversivo y de cambio, un interlocutor político que hizo tragar grueso a la élite artística venezolana y que sorprendió por recombinar su refinada educación artística europea con la sensibilidad tropical de nuestras latitudes.

La fotografía de Nelson Garrido era vida pura. De Caracas sangrando por los cuatro costados, a una versión del Viacrucis lleno de figuras esotéricas, a reproducciones de cuadros de Grant Wood, pero a la venezolana, con cabeza de cerco y estatuillas de María Lionza. Nelson Garrido sacudió la fotografía venezolana, la reinterpretó a su manera, la enalteció en toda su rareza y todo su poder. La dignificó sin olvidar la combinación de lo raro, lo exótico y lo mestizo de nuestro país. Un mensaje complicado, duro y raro que caló hondo y que no siempre fue bien recibido.

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“La noche del demonio: están entre nosotros” (Insidious 6), intenta reinventar la franquicia… y se queda corta

a noche del demonio: están entre nosotros” demuestra un punto esencial en las nuevas franquicias del género de terror. La longevidad de una saga del género suele medirse por su capacidad de ser cada vez más impactante o al menos, agregar elementos de origen a medida que la historia central avanza. Y “La noche del demonio”, que desde su estreno en 2010 logró sacudir los cimientos de lo terrorífico, lo logró.

Es por ese motivo que “La noche del demonio: Están entre nosotros”, la sexta parte que se estrena 20 años después de la primera, sabe a poco. Peor aún, parece un intento de retorcer todos los elementos que identifican a la serie de películas, sin la capacidad narrativa y la habilidad para provocar miedo de las anteriores.

Eso, a pesar de que el director Jacob Chase toma algunas decisiones interesantes. Por un lado, en lugar de intentar reconstruir exactamente lo que funcionó durante la primera etapa de la saga (con la familia Lambert al frente), convierte a “La noche del demonio: están entre nosotros” en una variación exagerada y singular sobre el mismo escenario. ¿Qué pasaría si los demonios capaces de poseer y destruir encontraran finalmente una vía sencilla para entrar en nuestro mundo y arrasar todo a su paso? La idea es interesante en la medida en que subvierte el género por completo. También, que analiza la posibilidad del mal desde un punto que ha sido central en “La noche del demonio”: ¿Qué es exactamente el más allá?

Miedo para nuevas generaciones

Al contrario de otras sagas que se acercan más al llamado terror elevado o se reinventan desde la idea de refundar su premisa en elaborados teoremas filosóficos, “La noche del demonio” siempre ha sido más directa, frontal y extraña que cualquier otra. A la vez, ha dejado espacio en su trama para la experimentación acerca de lo que puede (o no) ser el lugar del que brotan las amenazas espectrales con las que deben batallar sus personajes.

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“Teenage Sex and Death at Camp Miasma”, terror para nostálgicos

Una de las mejores cosas del argumento de Teenage Sex and Death at Camp Miasma es que comprende que una película de terror puede comenzar mucho antes de que aparezca el primer cadáver. Y que, de hecho, el género depende de lo mucho o lo poco que analice sus referencias para crear una atmósfera y dialogar con la idea de lo terrorífico en sí. Algo que la directora Jane Schoenbrun explora al utilizar los créditos como una especie de cápsula de memoria colectiva de referencias y también, de la idea más amplia acerca de lo que el terror puede ser.

Más allá de sustos, monstruos aterradores o escenas icónicas, el género se basa en su capacidad para analizar las pulsiones y temores. También, para reconstruir la idea del bien y del mal a la medida de todas las épocas. Por lo que Teenage Sex and Death at Camp Miasma dedica tiempo e interés a reflexionar sobre esa percepción y de hecho, la toma como su premisa central casi de inmediato. Para eso, la cinta reconstruye durante sus primeros minutos una franquicia que jamás existió y que, sin embargo, parece haber formado parte de nuestra adolescencia.

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Las 10 películas más aburridas de la historia

¿Qué hace a una película ser tediosa, insoportable o poco atractiva? A veces, es una tormenta perfecta entre varios factores distintos. Desde las fallas de un guion desastroso hasta un insípido apartado visual. Pero otras veces delata nuestra propia incapacidad contemporánea para tolerar el silencio, la introspección y la quietud. Como sea, si para ti la cuestión es un punto para analizar, te dejamos las diez películas más aburridas del cine. De un icónico blockbuster sin pies ni cabeza a una obra de autor que sorprendió por su caos narrativo. Todo para los fanáticos del cine, interesados en el lado más singular del mundo del entretenimiento.

50 sombras de Grey (2015)

La adaptación del superventas erótico de E. L. James es ampliamente recordada como una de las mayores decepciones cinematográficas de la década. Y el motivo es desconcertante: lo tediosa que resulta la película. Lo más sorprendente es que se trata de la adaptación de un libro conocido por sus extensas y ultradetalladas escenas sexuales. Por lo que la producción prometía trasladar a la pantalla grande la intensa carga erótica que se le atribuía a la historia.

Pero en realidad, el resultado fue un melodrama corporativo carente de vitalidad. Para comenzar, la química entre los protagonistas, Dakota Johnson y Jamie Dornan, era prácticamente inexistente. Lo que convirtió sus interacciones en momentos incómodos y sumamente planos. En lugar de construir una atmósfera de tensión psicológica o sensualidad, la cinta se estancó en diálogos aburridos. Lo peor, en repetitivas escenas sobre contratos de confidencialidad y negociaciones financieras que restaron cualquier atisbo de pasión. Al final, la producción resultó ser tan tediosa como para volverse una burla casi involuntaria al libro original.

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¿Mi recomendación de la semana? París Paloma

¡Nada más por esta semana!
¡Nos leemos la próxima!

El lunes 10 de agosto de 2026, un devastador terremoto de magnitud 7,4 sacudió el centro y occidente de Colombia, consolidándose como el sismo más potente que ha golpeado al país en el presente siglo. El movimiento telúrico, originado por la subducción de la placa de Nazca bajo la placa suramericana, tuvo su epicentro en el municipio de San José del Palmar, en el departamento del Chocó, a una profundidad de unos 103 kilómetros. A pesar de su profundidad profunda, la liberación de energía provocó más de 130 réplicas, cortes masivos en los servicios de electricidad y comunicaciones, el colapso de decenas de edificios e infraestructura aeroportuaria, y graves daños estructurales en ciudades clave como Cali, Pereira y Manizales. El balance trágico de la emergencia nacional continúa en aumento, registrando hasta la fecha más de 200 personas fallecidas, más de mil heridos y cientos de desaparecidos, lo que obligó al gobierno del presidente Abelardo de la Espriella a decretar el estado de desastre natural para coordinar los esfuerzos de rescate y activar planes de reconstrucción de vivienda con apoyo internacional.

¿Y si quiero donar?

Puedes realizar aportes económicos o consultar los centros de acopio físicos para los damnificados del terremoto a través de la campaña oficial de la Cruz Roja Colombiana, la cual lidera la recolección de fondos nacionales e internacionales junto con la Alcaldía Mayor de Bogotá, entidad que ha dispuesto puntos estratégicos como el Palacio de los Deportes y el Estadio El Campín para recibir alimentos no perecederos y kits de hábitat. De igual manera, si te encuentras en el exterior, puedes canalizar tu ayuda mediante plataformas de recaudación verificadas como GoFundMe, sumarte al fondo de resiliencia comunitaria Colombia Se Levanta de la Corporación Presentes, o apoyar la distribución de raciones alimentarias y suministros de emergencia coordinados por las ONG internacionales World Central Kitchen y Global Empowerment Mission (GEM).

Un eclipse para la historia

Otra cosa que ocurrió esta semana extrañísima: El pasado miércoles 12 de agosto de 2026, millones de personas presenciaron un excepcional eclipse solar total, un hito astronómico histórico por ser el primero visible en la Europa continental en más de un siglo. La franja de totalidad, donde la Luna bloqueó por completo el disco solar y transformó el día en un crepúsculo absoluto, recorrió una trayectoria de 8,300 kilómetros que comenzó en el Ártico y cruzó Groenlandia, Islandia, Portugal y España, provocando un fenómeno único de "doble noche" al coincidir con el atardecer local. El evento desató una auténtica fiebre científica y turística que colapsó carreteras y ocupaciones hoteleras en regiones privilegiadas como Ibiza, Zaragoza y el norte español. Mientras agencias como la NASA desplegaron aviones WB-57 a 50,000 pies de altura para estudiar la corona solar, en el resto de Europa, el noroeste de África y Norteamérica se pudo contemplar de forma parcial, consolidando este acontecimiento como el inicio de una "época dorada" de la astronomía que continuará con nuevos eclipses en los próximos dos años.

Y esta es mi fotografía favorita

Esta maravilla fue tomada por el skater olímpico Danny León y el fotógrafo Jai Cano en España. Sincronizaron un salto en rampa exactamente con la totalidad del eclipse solar del 12 de agosto de 2026. Lograron alinear la silueta del patinador perfectamente dentro del anillo de fuego en solo un segundo.

Anne Hathaway contra los dinosaurios

“El final de la calle Oak” tiene claro su origen. Se trata de buen cine de aventuras y ciencia ficción, llevado a cierto terreno tenebroso y de humor negro que sorprende. Esta singularísima cinta dirigida por David Robert Mitchell, apuesta por una idea considerablemente más pequeña que el tamaño de sus peligrosas criaturas: una familia corriente atrapada en un vecindario corriente que, de pronto, deja de pertenecer a su época. Peor aún, que deberá enfrentar una sucesión de peligros cada vez más extravagantes, mientras navegan en la infelicidad conyugal y en los problemas de convivencia con un grupo de vecinos.

Si la premisa te parece disparatada, es porque lo es.

El guion apuesta a tomar toda esa sensación de desorden caótico y envolverla en ciencia ficción que notoriamente está inspirada en el cine de Steven Spielberg. Y lo está porque combina con éxito la noción sobre algo extraordinario (y este caso, peligroso) ocurriendo en medio de un suburbio como cualquier otro, con un rasgo más oscuro. Por lo que, más allá de la idea de un cuento fantástico contado a través de una familia típica, está un peligro que se vuelve cada vez más complicado y extravagante.

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“One Night Only”, el amor bajo fianza

One Night Only (2026) podría parecer una combinación entre cualquier temporada de El cuento de la criada y una película de Woody Allen en su mejor época. Que de hecho lo es en cierta forma: hay algo casi admirable en la temeridad de Will Gluck al plantear el punto de partida de su premisa: un Congreso estadounidense que, en un futuro no muy lejano, aprueba una ley que reduce todo el sexo extramatrimonial del país a una sola fecha permitida, el 7 de agosto. Nadie en la película explica por qué ese día y no otro, y esa falta de explicación termina siendo, sin querer, lo más honesto del guion: da igual el motivo, lo que importa es la obediencia.

Sobre ese esqueleto distópico se monta una noche de Nueva York enloquecida, calles tomadas por parejas ansiosas y en medio de ese caos dos personajes que no quieren participar del frenesí colectivo. Allie (Monica Barbaro) compone jingles publicitarios disfrazados de canciones pop y arrastra una timidez que la aparta del carnaval sexual de la ciudad. Owen (Callum Turner) regenta una pizzería y acaba de escuchar que su novia (Maya Hawke, en un papel que le queda pequeño y que la película apenas se molesta en desarrollar) prefiere pasar la noche con otra persona.

El destino, como manda el género, los cruza una y otra vez mientras la noche avanza y Manhattan se comporta como una versión de saldo del delirio bosquiano que Gluck parece haber tenido en mente sin lograr nunca materializarlo del todo. Pero por interesante que pueda parecer la premisa anterior, Gluck no solo no la desarrolla, sino que además, evade esos puntos más complejos, elaborados y raros. Por lo que One Night Only tiene la extraña capacidad de parecer intrigante sin tener nada que ofrecer o, lo que es peor, profundizar tan poco en los horrores que anuncia que la cinta es poco más que una combinación poco clara de señalamientos y comentario social sin mucho que decir.

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Linterna Verde llega a DC

Linternas, que podrás ver a partir del 16 de agosto por HBO Max, es la más reciente adición al recién renacido universo de DC. Y una especialmente buena. En particular, porque Linterna Verde no solo es uno de los personajes más enigmáticos y poderosos de la casa editorial. También, porque está rodeada de una mitología lo suficientemente rica y variada como para, además de extenderse por décadas, sostener el futuro de la franquicia. De modo que el estreno de la serie que narrará las aventuras del superhéroe es más que solo una historia. También es la llegada de toda una dimensión nueva de la casa editorial DC a nuevos formatos.

Y claro, eso se debe a que el Cuerpo de Linternas Verdes representa uno de los pilares cósmicos fundamentales de la editorial DC Comics. Uno, además, que permitió expandir de manera definitiva las fronteras de su universo de superhéroes más allá de la Tierra. Desde su concepción, esta corporación policial intergaláctica introdujo una rica mitología de ciencia ficción que transformó una franquicia predominantemente urbana en una vasta epopeya espacial. Por si eso no fuera suficiente, con miles de mundos interconectados.

Creado por Bill Finger y el dibujante Martin Nodell en 1940, Linterna Verde estableció un nuevo hito en DC. La de asumir la autoridad de los Guardianes del Universo y al planeta Oa como los administradores del orden cósmico. De hecho, los guionistas de la editorial lograron edificar un escenario donde la magia, la ciencia y la política alienígena convergen orgánicamente. Por lo que las aventuras de Linterna Verde son además el tejido conectivo que une las amenazas terrestres con los peligros multiversales. Lo que obliga a los héroes clásicos a mirar hacia las estrellas.

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Y estamos a mitad de año y, a menos que vivas bajo una piedra, ya lo sabes: Spider-Man: Brand New Day ha desatado una auténtica locura en las salas de cine de todo el mundo. La producción de Sony y Marvel Studios logró destronar a Avengers: Endgame al conseguir el mayor fin de semana de estreno en la taquilla doméstica de EE. UU. con 360 millones de dólares, además de firmar el segundo mejor debut global de la historia con unos impresionantes 932 millones de dólares. El impacto de la cinta protagonizada por Tom Holland y Zendaya fue tan inmediato que alcanzó la marca de los 1.000 millones de dólares en tan solo seis días, convirtiéndose en la película que más rápido ha superado esta barrera en lo que va de 2026.

Por su parte, La Odisea, la ambiciosa producción épica dirigida por Christopher Nolan, también se ha consagrado como un rotundo éxito comercial al superar oficialmente los 1.000 millones de dólares en la taquilla mundial tras solo tres semanas en cartelera. El largometraje protagonizado por Matt Damon, que adapta el poema de Homero, debutó previamente rompiendo récords personales para el director al recaudar 264 millones de dólares globales en su primer fin de semana. Este histórico desempeño cruzado generó un fenómeno inusual a principios de agosto de 2026, ya que la coincidencia de ambos títulos en cartelera impulsó el fin de semana con mayor recaudación en toda la historia de la taquilla norteamericana, sumando conjuntamente más de 430 millones de dólares.

Pero además, la semana en el mundo del espectáculo tiene algunas cosas que contar, que incluye una segunda temporada brillante de un experimento de Netflix, terror del bueno y todo lo que necesitas saber, que te cuento por aquí:

‘Cien años de soledad’ estrena segunda temporada y sorprende

La segunda parte de la adaptación de ‘Cien años de soledad’ de Netflix tiene algunas escenas asombrosas y creo que el guion logró captar de forma brillante varias de las partes más duras del libro. Pero me asombra la forma de crear un microcosmos macondiano cuidadoso. Eso a pesar de que la historia avanza un poco apresurada y hay un par de cambios para hacer más fluida la narración, que son muy notorios porque la fidelidad del argumento es uno de sus puntos fuertes. Pero los cambios se justifican (casi todos) y embellecen el relato.

Me asombró la forma en que la trama exploró temas tan complejos como la naturaleza ambigua y singular de Remedios, La bella (Daniella Reyes), a la que la trama dotó de una conexión con arquetipos de belleza y deseo eternos, magnífica decisión. Adoré, además, la elaborada forma de indagar en todo lo relacionado al conflicto de los jornaleros en la compañía bananera (y su traumática resolución), sin perder el hilo conductor de los Buendía y sus tragedias puertas adentro. Todo envuelto en un Macondo que es pura luz dorada y de una ternura remota que me rompió el corazón.

Mis favoritos: La Remedios de Daniella Reyes, el Coronel Aureliano Buendía de Claudio Cataño y mi favorita total, la Úrsula Iguarán de Marleyda Soto (en su etapa adulta) y Susana Morales (en su juventud). Un elenco ENORME ENORME que ha hecho maravillas al encarnar a personajes tan amados. Mención aparte, LA CASA Buendía; no les puedo ni explicar lo precioso que es el diseño de producción de Eugenio Caballero y Bárbara Enríquez, quienes optaron por construir físicamente a Macondo en lugar de usar efectos virtuales.

Pero la casa como entidad y como centro nuclear de todas las historias familiares es una delicia, con sus corredores de begonias, su patio interior de bananas y sus aleros azules, verdes y blancos. Fantástica decisión de construir el corazón de la vida cotidiana Buendía al detalle. Por supuesto, lo sé, no es una adaptación perfecta y quizás, que tenga problemas en algunas escenas, demuestra que el libro es casi inadaptable. Pero sin duda, es el mejor intento y el más precioso homenaje a la obra. ¡La van a amar!

Lo que debes saber de ‘Cien años de soledad’

La ambiciosa adaptación de Cien años de soledad, dirigida por Alex García López y Laura Mora para Netflix, se filmó íntegramente en Colombia con un elenco local encabezado por Claudio Cataño como el coronel Aureliano Buendía, Marco González como José Arcadio Buendía, Susana Morales como Úrsula Iguarán, y la incorporación de Julián Román en su aclamada segunda temporada. Para dar vida al mítico pueblo de Macondo sin depender de efectos digitales excesivos, la producción ejecutó una hazaña arquitectónica en Alvarado, Tolima: construyeron desde cero cuatro versiones distintas del set en un terreno de 560.000 metros cuadrados, permitiendo que las estructuras, las calles y la vegetación envejecieran cronológicamente para reflejar físicamente el paso de un siglo de historia. Esta titánica obra requirió el trabajo de más de 1.100 constructores, el uso de mobiliario comprado en tiendas de antigüedades locales, y telas hechas a mano por artesanos tradicionales, logrando materializar con un realismo impecable la icónica atmósfera del realismo mágico de Gabriel García Márquez.

‘Matilda’ cumple 30 años (sí, tienes esa edad)

Si tienes más de treinta años, seguramente amas este clásico. La célebre adaptación Matilda, dirigida por el polifacético Danny DeVito y estrenada en 1996, tiene mucho que celebrar este año. Y no solo haber alcanzado tres décadas como favorita indiscutible de buena parte del público. Además de haberse convertido en un ejemplo inmejorable de la forma de adaptar clásicos infantiles para nuevas audiencias. Algo que convirtió a la cinta no solo en un éxito desde su estreno. También, en una producción de culto que todavía puede presumir de tener uno de los fandoms más fieles del mundo del séptimo arte.

Razones no faltan. Esta joya del cine familiar mezcla fantasía con comedia oscura de forma magistral y de una manera tan original como para marcar un hito. Basada en la famosa novela homónima del autor británico Roald Dahl, la trama principal sigue las andanzas de Matilda (Mara Wilson), una niña excepcionalmente brillante. Una además, dotada de una inteligencia prodigiosa y una curiosidad insaciable por la lectura desde muy temprana edad. Pero a pesar de sus extraordinarias capacidades intelectuales, Matilda crece incomprendida en el seno de una familia disfuncional, frívola y deshonesta. Mucho más, al cuidado de padres negligentes que ignoran por completo su potencial y lo desprecian constantemente.

Todo se vuelve todavía peor cuando Matilda, después de años de insistir, finalmente es inscrita en el tétrico colegio Crunchem Hall. Una institución hostil regida con puño de hierro por la tiránica directora Tronchatoro (Pam Ferris). Esta, una antigua atleta olímpica que aborrece profundamente a la infancia. Pero no todos son sinsabores. Matilda no solo encuentra el apoyo incondicional de su dulce maestra, la señorita Miel (Embeth Davidtz). También descubre que posee asombrosos poderes telequinéticos. Una capacidad que utilizará como una herramienta de justicia para defender a sus fieles compañeros y transformar radicalmente su propio destino familiar.

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De qué va ‘Insaciable’, la terrorífica película de terror que seguro no conoces y te sorprenderá

Insaciable no es una película de terror sencilla de definir. Y no lo es, por tomar el body horror y transformarlo en una forma de criticar temas más mundanos, como la violencia estética y la discriminación. Pero también es un relato escalofriante que no se limita a su comentario social o solo a usar el miedo para apuntar traumas culturales. El segundo trabajo de la respetada directora y guionista Natalie Erika James es una mirada al tropo de los hungry ghosts que sorprende por su cualidad depravada. A la vez, por ser una propuesta impredecible y lo suficientemente terrorífica para sorprender a los amantes del género.

Para eso, esta perturbadora historia sigue de cerca la trágica vida de Hana (Midori Francis), una joven estudiante de medicina sumergida en una severa crisis de dismorfia corporal. Desesperada por encajar a toda costa dentro de los destructivos e inalcanzables ideales estéticos contemporáneos, Hana toma una fatídica decisión. La de adentrarse en una peligrosa, misteriosa y macabra moda clandestina diseñada específicamente para perder peso de manera sumamente acelerada y drástica. Eso sin medir las nefastas consecuencias físicas que este método experimental provocará de forma inevitable.

Si estás pensando en la tendencia con el medicamento Ozempic, vas por buen camino. Solo que, como es de suponer, Insaciable tiene poca o ninguna relación con un medicamento en apariencia milagroso, sino con algo más retorcido. Lo que será más que evidente cuando Hana comience a consumir unas extrañas pastillas milagrosas conseguidas en el mercado negro. ¿El dato terrorífico? El ingrediente secreto y macabro resulta ser cenizas humanas reales provenientes de cadáveres que originalmente habían sido donados de forma altruista a la ciencia médica. Por lo que Hana pronto enfrentará algo más que bajar de peso. También una entidad furiosa y violenta que debe vencer.

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Olivia Wilde sorprende

Diez años sin dirigir un largometraje son muchos, incluso para alguien tan acostumbrado a desaparecer entre proyecto y proyecto como Gregg Araki. Desde White Bird in a Blizzard en 2014, su nombre solo había vuelto a aparecer asociado a los diez capítulos de Now Apocalypse, aquella miniserie de Starz donde trasladaba al formato episódico sus obsesiones de siempre: cuerpos queer, deseo desbordado y una estética que recuerda a un sueño después de comer demasiados dulces de colores. Pero con I Want Your Sex, el director cambia de rumbo hacia algo bastante más vendible y menos hostil con el espectador promedio, aunque conserva ciertos tics inconfundibles de su cine: cuero, ataduras, fantasía sexual explícita que se cuela incluso en sus proyectos más amables y digeribles.

El resultado se siente menos como una rareza de festival marginal y más como un producto pensado deliberadamente para un público amplio, algo poco habitual viniendo de un cineasta que construyó buena parte de su reputación provocando justamente al espectador que ahora parece querer conquistar. Hay algo casi entrañable en ver a Araki suavizar sus aristas sin perder por completo su identidad visual: los colores siguen siendo estridentes, los personajes siguen obsesionados con el sexo como forma de escape, pero el envoltorio general apunta claramente hacia la comedia romántica de estudio, ese territorio que históricamente había esquivado.

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Cuando tenía once años, mi tío me obsequió un cómic de Spider-Man. En esa época, sabía del personaje lo básico (y casi todo, muy simple y gracias al animado televisivo), pero ese obsequio, me permitió indagar en un mundo extraordinario que, además, sostenía a un héroe poco común. The Amazing Spider-Man #200, Publicado originalmente en enero de 1980, el relato es un hito histórico escrito por Marv Wolfman que destaca por el cierre poético y definitivo del trauma fundacional del héroe. En esta entrega especial, Peter Parker se encuentra temporalmente desprovisto de sus poderes arácnidos tras sufrir una sobredosis de antidepresivos provocada por Mysterio. A pesar de esta extrema vulnerabilidad, se ve obligado a enfrentarse cara a cara con el Ladrón, el mismo asesino que le quitó la vida a su tío Ben. Todo, después de que este regresara para aterrorizar a la tía May en busca de un viejo tesoro oculto en la antigua casa de los Parker. El cómic, que contó con el regreso simbólico de Stan Lee como coguionista y una icónica portada de John Romita Sr., brilla por su profunda exploración del trauma, el deber y la justicia, culminando en una resolución humana donde Spider-Man no derrota a su némesis con superfuerza, sino infundiéndole un miedo tan absoluto que le provoca un ataque cardíaco fatal, logrando así un cierre definitivo para el héroe y redefiniendo el verdadero peso de su famosa responsabilidad. Y por supuesto, me enamoré hasta la última viñeta de este magnífico punto de vista sobre un héroe que simboliza todo lo extraordinario del heroísmo, de la fe en el sentido del propósito y el poder de la voluntad.

En “Spider.Man: Brand New Day’ de Destin Daniel Cretton, encontré mucho de esa fascinante visión acerca del sentido de ser un héroe y también, ser un hombre que intenta encontrar su lugar en el mundo que siempre ha definido a Spider-Man. Sobre todo, porque esta película magnífica, recuerda un punto esencial dentro de la mitología del vecino amistoso de Nueva York: cualquier obra basada en el héroe arácnido, será mejor mientras más cercano, más vulnerable y más fuerte en toda su humanidad sea Peter Parker. ¡Y qué estupendo trabajo hace Tom Holland para brindar al personaje un corazón enorme, un espíritu de pura bondad y la fortaleza de un hombre que trata de encontrar su lugar en el mundo! La cinta, es quizás la más cercana al cómic, al espíritu de Spidey, pero sobre todo a la sustancia misma de la historia de este chico de Nueva York con una máscara, que se esfuerza por hacer el mundo mejor.

Pero te dejo todo lo que debes saber de la película y el porqué deberías verla:

‘Spider-Man: Brand New Day’ llegó para demostrar el poder de Peter Parker

La película Spider-Man: Brand New Day ha desatado un fenómeno comercial sin precedentes al romper múltiples récords globales en la industria del cine. Su éxito comenzó desde la campaña de promoción, donde su primer avance oficial se convirtió en el tráiler más visto de la historia al registrar la impresionante cifra de 718.6 millones de reproducciones en sus primeras 24 horas, superando ampliamente los hitos previos de la industria del entretenimiento.

Tras su ansiado debut en cartelera, el largometraje de Sony Pictures y Marvel Studios pulverizó el récord histórico de recaudación en funciones de preestreno en Estados Unidos tras acumular 72 millones de dólares, desbancando la marca de $60 millones que ostentaba Avengers: Endgame desde 2019. Además de registrar el mejor primer día de estreno en la historia del cine en España con una recaudación superior a los 3.2 millones de euros, la cinta firmó el mejor debut para una película de superhéroes en China desde 2019 al sumar $35 millones en su jornada inaugural, consolidando su camino hacia proyecciones que estiman un fin de semana de apertura masivo a nivel mundial.

Y los récords no se quedan ahí

Las proyecciones para el primer fin de semana completo de Spider-Man: Brand New Day apuntan a un debut histórico y sin precedentes. Tras haber reventado la taquilla en su primer día con 168 millones de dólares en Norteamérica (superando el récord histórico de Avengers: Endgame de $157 millones), las estimaciones de los principales analistas de la industria sitúan la recaudación del fin de semana en Estados Unidos y Canadá en un rango que va desde los 325 millones hasta los 358 millones de dólares. De alcanzarse el extremo superior de estas proyecciones, la cinta se convertiría en el mayor estreno de todos los tiempos en el mercado doméstico, amenazando directamente el trono que ostenta Endgame con $357.1 millones desde 2019. A nivel internacional, impulsada por un rendimiento descomunal que incluye el mejor día de estreno de la historia en España y un arranque masivo de $35 millones en China, la película de Sony Pictures y Marvel Studios proyecta una recaudación global de entre 550 y 800 millones de dólares en sus primeros tres días, consolidándose con fuerza como el segundo mejor debut de la historia del cine mundial.

¿Y qué tal es la película? Te lo cuento por aquí

En “Spider-Man: un nuevo día” pasan dos cosas en simultáneo en sus primeras escenas. Por un lado, la película (a cargo esta vez de Dustin Daniel Cretton) demuestra que abandonó el tono cósmico de las anteriores entregas para enfocarse en uno más elaborado, brillante y singular relacionado con la idea acerca de qué es ser un héroe. Por el otro, analiza de manera amable y sincera lo más importante de cualquier película de Spider-Man que se precie: la personalidad y fuerza del Peter Parker de turno.

Y ese es el punto más alto de la cinta, que finalmente se aleja del personaje tutelado para brindarle un nuevo cariz.

El Peter Parker de Tom Holland ya no es un niño preocupado y abrumado por un mundo de superhéroes que lo supera. Ha encontrado su valor y peso. Pero sobre todo, es capaz de indagar en las grandes preguntas existenciales que siempre han atormentado al personaje desde un punto de vista más firme y mejor narrado que la trilogía de Jon Watts. Para la ocasión, Peter dejó atrás la inocencia, el capullo de protección de la familia y de los amigos, para aventurarse a solas en una Nueva York hostil. Más interesante todavía, una ciudad que se convierte en terreno de una batalla moral que recuerda los momentos más inspirados del vecino amistoso durante su etapa en manos de Sam Raimi.

Regreso a los orígenes en “Spider-Man: un nuevo día”

Durante muchos años, las películas de Spider-Man han encontrado distintas formas de contar la misma inquietud: crecer implica aceptar pérdidas, un punto esencial para comprender el impulso del trauma en el héroe. “Spider-Man: un nuevo día” toma esa idea y la lleva hasta un territorio mucho más íntimo. En lugar de convertir el espectáculo en el centro de la experiencia, la película apuesta por observar qué ocurre cuando Peter descubre que salvar el mundo resulta bastante más sencillo que reconstruir una vida destruida.

De modo que el personaje ya no vive el entusiasmo de sus primeras aventuras ni la emoción de convertirse en un héroe. Ahora carga con el peso de una decisión que lo dejó completamente aislado, abatido y destrozado.

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Ha transcurrido un mes desde los terremotos gemelos en Venezuela y tengo la sensación de que, en realidad, el tiempo se ralentizó, se volvió un bucle interminable de situaciones dolorísimas, absurdas y destinadas a dejar su huella en lo que resta de mi vida. Este ha sido el mes en que jamás dormí más de dos horas cada noche, el mes en que dormí casi 22 días en la sala de mi departamento, suspendido en un piso diez y que se sacudió como una caja rota, robándome la seguridad doméstica para siempre.

Ha sido el mes en que lloré al sentarme de nuevo en el cine, para viajar con Odiseo, como en mi niñez, por el reino de mi imaginación y que su arco me salvara la cordura. Lo mismo que pasó cuando tenía once años y Venezuela ardía en violencia política. . El mes en que me dio vergüenza sentir miedo y tristeza, porque la mitad de mi país está en escombros y estoy convencida de que no tengo derecho a hacerlo. De entender la pena profunda y desigual del sobreviviente, que te hace sentir aplastada, sofocada y desanimada, un cíclope con el que batallar que no puedes vencer con una flecha. El mes en que he llorado de pie en el pasillo del odontólogo, en mitad de la calle, temblando de pánico mientras intento vencer la agorafobia sin saber si puedo hacerlo. El mes, en cada tantos minutos, miro el vaso de agua en mi escritorio para saber si el cuerpo se equivocó de nuevo, si la sensación de que la tierra no puede sostenerme es real o algo peor.

Ha sido el mes de reconciliarme con la vida. De vencer la resistencia a solo sentir el pánico que me sofoca cada vez que recuerdo el momento en que comprendí estaba a punto de morir, que seguramente estaba muriendo y no lo sabía. De obligarme a escuchar música a pesar de no dejar de pensar en los gritos de miedo de mis vecinos, de la carrera enloquecida hacia la calle. De obligarme a escribir para desentrañar la oscuridad, para avanzar hacia cualquier parte y tratar de vencer a la criatura espantosa que me espera en cada esquina y que solo es el miedo. Una forma de miedo nueva cada día.

Un mes de intentar vencer la sensación de desastre pensando en nudos gordianos superficiales como una hamburguesa triple en una primera cita, de intentar reconstruir mi vida pedazo a pedazo. De perdonarme por no tener nada más que dar, de darme el derecho de llorar, de brindarme la oportunidad de volver solo a sentir que la vida puede ser simple, que cada día no significa únicamente la conciencia del horror que me rozó como el ala de una bestia mitológica y violenta.

Un mes de comenzar a correr por las calles desiguales, llenas de piedras y escombros de mi calle. Un mes de llamar a todos mis amigos y conocidos para agradecerles ser parte de mi vida, pensando que quizás de haber muerto, jamás habrían sabido lo mucho que los amo. Un mes de tomar fotografías a cada atardecer, de quedarme en pie en la plaza a dos cuadras de mi casa y ver a las palomas volar, en la fragilidad de ser libres, tan libres.

Un mes de llorar cada día, de sentir miedo cada hora. De perder el gusto por comer y beber café, solo para esforzarme por recuperarlo. Un mes de pedir disculpas por mi trivialidad y mi dolor.

Un mes para comenzar a construir el futuro.

Un mes. Solo un mes. Seguimos como podemos.

¿Y qué ha pasado en un mes?

Un mes después de los terremotos, mi país enfrenta una profunda crisis humanitaria. El balance oficial de las autoridades ya asciende a 5.546 personas fallecidas y 16.740 heridos, concentrándose la mayor devastación en el Distrito Capital y el estado La Guaira, este último declarado formalmente en zona de desastre natural. Las labores de rescate inmediatas han dado paso a una fase de asistencia de transición en la que los equipos médicos se centran en la identificación forense, mientras la ciudadanía denuncia vacíos de información oficial ante un registro civil independiente que estima decenas de miles de desaparecidos.

En el ámbito habitacional e infraestructural, unas 17.907 personas continúan sin vivienda debido al daño o colapso total de 856 edificaciones, lo que ha obligado a mantener operativos 107 campamentos temporales para albergar a miles de familias damnificadas. Por su parte, la actividad sísmica no ha cesado por completo, acumulándose un total de 1.463 réplicas que mantienen en alerta y zozobra constante a los habitantes de la región. Finalmente, un informe técnico del Banco Mundial ha estimado los daños físicos directos en unos 19.600 millones de dólares, divididos casi equitativamente entre la destrucción de hogares, el colapso de infraestructuras públicas esenciales —como escuelas y hospitales— y las pérdidas en las zonas comerciales e industriales.

Ante esta monumental destrucción económica y civil, que desbordó severamente la ya mermada capacidad de respuesta institucional del Estado venezolano, el país ahora depende de manera crucial del financiamiento internacional y del despliegue logístico de brigadas extranjeras y organizaciones humanitarias para iniciar el largo proceso de estabilización y reconstrucción urbana.

Y ahora cultura pop para el corazón

Esta película será de culto, pero le llevará tiempo encontrar a su público

¿Puede predecirse si una película será de culto? Quizás analizar las pistas que llevan a eso. Que es el caso de Her Private Hell, la nueva propuesta de suspenso, terror y ciencia ficción, que marca el regreso a la gran pantalla del aclamado y divisivo director danés Nicolas Winding Refn tras una década de ausencia desde su última película, The Neon Demon (2016). Presentada inicialmente fuera de competición en el Festival de Cannes, la cinta comparte ciertos vínculos temáticos con una película homónima británica de 1968 dirigida por Norman J. Warren sobre la explotación en la industria del modelaje. Sin embargo, la propuesta actual de Refn se transforma en una fábula hiperestilizada, vanguardista e incómoda que promete altas dosis de brillo, sexo y violencia visual a lo largo de sus 109 minutos de duración.

La enigmática trama se desarrolla en una metrópolis futurista y distópica inspirada en un Tokio cyberpunk, la cual se ve envuelta por una misteriosa niebla que desata a una letal entidad conocida como el Hombre de Cuero. En medio de este caótico escenario, la historia entrelaza dos búsquedas paralelas: por un lado, una joven actriz atormentada por la fama llamada Sophie (Sophie Thatcher) intenta localizar a su peligroso padre mientras comparte el rodaje de una película junto a su joven madrastra (Havana Rose Liu); por el otro, un soldado estadounidense interpretado por Charles Melton emprende una violenta y caótica odisea para rescatar a su hija secuestrada de las garras de la mafia yakuza.

Y aquí viene lo bueno: Fiel al estilo radical de su autor, la recepción crítica tras su estreno ha sido polarizante, siendo catalogada por algunos como una obra vacía e incoherentemente pretenciosa, y por otros como un fascinante festín visual. El largometraje destaca por su estética neón, secuencias de combate inesperadas y una atmósfera onírica fuertemente influenciada por los códigos del cine de terror giallo y el estilo abstracto de David Lynch. Además de las actuaciones de su joven elenco, los apartados técnicos han recibido grandes elogios, especialmente la hipnótica fotografía de Magnus Nordenhof Jønck y la banda sonora compuesta por el legendario Pino Donaggio.

‘Dune’ y ‘La Odisea’ unidas por un dato genealógico

Si eres fanático de ambas sagas, esto te va a encantar: Para la obra cumbre de Frank Herbert, Dune, la genealogía de la Casa Atreides no es una mera coincidencia de nombres. En realidad, se trata de un pilar fundamental que conecta la ciencia ficción con los mitos más arraigados de La Odisea. Paul Atreides, el protagonista y el mesías conocido como Muad’Dib, carga en sus venas con el linaje directo de los antiguos reyes de Micenas. Por lo que, dentro del canon de la saga, se le considera el descendiente más ilustre del legendario rey Agamenón. Como se recordará, este último, el líder de las fuerzas griegas en la Guerra de Troya.

Un detalle que se incluye en el universo expandido de la saga que fue desarrollado en las precuelas escritas por Brian Herbert y Kevin J. Anderson. Estas, basadas en las notas originales del autor. Por lo que esta conexión entre La Odisea y Dune no es un simple detalle de fondo. La Casa Atreides traza de manera documentada y oficial su árbol genealógico a través de milenios de historia humana. Pasando por la Antigua Grecia, el Imperio Romano y la convulsa Era de la Inteligencia Artificial conocida como la Yihad Butleriana. Eso en un intento de mantener vivo el orgullo de un linaje real que comenzó en las costas del mar Egeo. Esta herencia define el carácter, el honor y el trágico destino que acompaña a cada uno de los miembros de la familia a lo largo de las eras.

El puente histórico y dinástico que une a Paul Atreides con Agamenón (y, por tanto, une a La Odisea con Dune) está en los registros históricos guardados por la nobleza del Landsraad. Esta última, la asamblea de las Grandes Casas del Imperio. Dentro del lore de la saga, se establece que los Atreides son los herederos de la dinastía de los Atridas. Un término derivado del patronímico griego que significa hijos de Atreo, el padre de Agamenón y Menelao en la mitología clásica.

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Y hoy cumple 459 años mi ciudad, Caracas y así la veo

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‘La Odisea’ de Christopher Nolan acaba de estrenarse para dejar en claro un par de cosas. La más interesante, que el cine épico todavía tiene músculo para captar multitudes. La más hermosa, que el poema clásico de Homero todavía contiene multitudes, contiene todas las historias del mundo y nos puede conmover, incluso a la distancia de milenios. Mientras veía la película, me emocionó la mera idea de pensar que veía la adaptación de un relato que ya era viejo antes del cristianismo. Que ya era mágico incluso antes que la literatura adoptara la magia como vehículo de expresión metafórico. Por lo que la película, en si misma, es un evento. Pero a la vez, es muchas otras cosas.

En especial, porque Nolan despoja al mito de la fantasía digital genérica, recurriendo a efectos prácticos y prótesis masivas para encarnar amenazas como el Cíclope, al tiempo que reduce el peso de los dioses tradicionales para centrarse en los dilemas de la supervivencia y la psicología humana. La banda sonora de Ludwig Göransson, rica en instrumentos antiguos como la lira, complementa una trama que reimagina cambios clave (como un Odiseo completamente fiel justificado por la amnesia del loto) para priorizar la xenia (la empatía y hospitalidad) como la fuerza definitiva contra la barbarie. Así, el filme trasciende la aventura de acción convencional para consolidarse como una profunda exploración sobre el trauma de la guerra y la inexorable resiliencia del amor familiar frente a la hostilidad del mundo.

Pero…¿es tan buena como insiste la crítica? Mejor, querido lector de este, su newsletter de confianza. Mejor, y les dejo por aquí un resumen de todo lo que hay saber al respecto. Comencemos desde la polémica y qué ha hecho Christopher Nolan con la obra universal.

Polémicas van, polémicas vienen

A menos que vivas bajo una piedraa, ya lo sabes: La controversia en torno a la adaptación cinematográfica de La Odisea estalló principalmente en redes sociales debido a las decisiones de casting inclusivo y el diseño artístico. Sectores conservadores y puristas de la literatura clásica criticaron duramente la elección de la actriz negra Lupita Nyong’o como Helena de Troya, argumentando que rompía con la supuesta descripción eurocéntrica del poema original de Homero. El debate se intensificó con la inclusión del actor transgénero Elliot Page como el soldado Sinón y del rapero Travis Scott como el bardo Demódoco, lo que provocó que el tráiler oficial en plataformas como YouTube acumulara una cifra récord de “no me gusta” para la filmografía del director.

Por otro lado, los entusiastas de la precisión histórica cargaron contra el diseño de producción y el vestuario visto en los adelantos. Los críticos reprocharon la estética sombría de las armaduras, destacando especialmente el casco de Agamemnon (Benny Safdie), al cual tildaron de parecer “fibra de carbono barata” o una imitación de la máscara de Batman de la trilogía de Nolan. Asimismo, el uso declarado por parte de Nolan de la traducción de Emily Wilson (famosa por aportar una perspectiva contemporánea y accesible) generó debate entre quienes temían una modernización excesiva del texto clásico. Pese al intenso ruido mediático, tanto el director como el reparto desestimaron las quejas calificándolas de “irrelevantes”, mientras que analistas de Fox News y la taquilla aseguraron que la agitación solo incrementó la curiosidad del público general de cara a su masivo estreno.

¿Y qué dice Nolan sobre todo este alboroto?

Christopher Nolan ha calificado toda la polémica previa al estreno como "irrelevante" debido a que gran parte de las críticas provinieron de personas que ni siquiera habían visto la película. En declaraciones ofrecidas a The Telegraph, el director comparó este revuelo digital con el intenso escrutinio que enfrentó cuando tomó las riendas de la trilogía de Batman, explicando que este tipo de debates apasionados en redes sociales "vienen implícitos en el territorio" al adaptar una propiedad intelectual tan masiva y querida a nivel global. Frente a los reclamos de supuesta "falta de fidelidad histórica", Nolan defendió firmemente su libertad creativa argumentando que su prioridad absoluta como cineasta es honrar el texto original de Homero mediante una interpretación artística sincera y personal, en lugar de someterse a las expectativas rígidas o quejas superficiales de internet.

¿Y los historiadores?

A pesar de lo que pueda parecer, los historiadores y académicos de la cultura clásica han adoptado una postura mayoritariamente más desenfadada hacia la película, restando importancia a las quejas virales de internet bajo el argumento de que la obra original de Homero tampoco pretendía ser un documento con rigor histórico masivo. Te pongo un par de ejemplos: Expertos citados por la revista HistoryExtra recuerdan que los poemas épicos pertenecen al terreno del mito y que el propio Homero mezcló tecnologías y costumbres de la Edad de Bronce micénica con elementos de su propia era (la Edad de Hierro), alterando la realidad para adaptarla a su público. En cuanto a las críticas por la diversidad étnica del elenco, reputados historiadores señalan que la reinterpretación de figuras legendarias como Helena de Troya (Lupita Nyong’o) responde a una tradición milenaria de actualizar los mitos griegos para conectar con los contextos socioculturales de la audiencia contemporánea.

Por otro lado, aunque algunos especialistas puntuales bromean con el hecho de que las oscuras armaduras de Matt Damon pertenecen a una época 800 años más moderna que la ambientación micénica, el consenso académico ha aplaudido con entusiasmo el núcleo temático de la cinta. Historiadores y veteranos de guerra elogiaron en portales como Slate la crudeza psicológica implementada por Nolan, afirmando que el largometraje captura a la perfección la esencia real de la Odisea como un desgarrador relato sobre el trauma del combate y el estrés postraumático (TEPT). Asimismo, el célebre historiador británico Tom Holland defendió públicamente la producción en sus redes sociales, calificándola como “la mejor adaptación cinematográfica de un mito griego” debido a su asombrosa capacidad para honrar el alma del texto clásico mientras se construye una obra completamente nueva.

¿Qué debes tener en cuenta para ver esta versión de ‘La Odisea’? Esto:

En primer lugar, no esperes una película de fantasía tradicional llena de monstruos digitales y magia divina; Nolan ha despojado el mito de la pirotecnia de Hollywood para ofrecer un drama bélico y psicológico sumamente realista, donde criaturas como el Cíclope cobran vida mediante efectos prácticos. En segundo lugar, debes prepararte para una narrativa de alta complejidad temporal, ya que el director respeta el desorden cronológico del poema original de Homero utilizando una intrincada arquitectura de flashbacks y saltos en el tiempo para contar el viaje. Por último, es fundamental entender que el peso de la historia no recae en la acción épica, sino en el impacto psicológico del combate y el trauma del veterano, abordando el relato como una profunda exploración sobre el estrés postraumático y la resiliencia del amor familiar ante la hostilidad del mundo.

Y la gran pregunta, ¿qué tal me pareció ‘La Odisea’?

Usualmente, al hacer una crítica, intento no incluir un ingrediente personal, porque al fin y al cabo, se trata de una reseña sobre una película y suelo creer que eso no incluye a la persona que soy. Pero decidí hacer una excepción en esta oportunidad con «La Odisea». Porque, además de una crítica, también soy una sobreviviente de una catástrofe a gran escala en mi país. Hace casi un mes, Venezuela fue sacudida por terremotos gemelos que dejaron a su paso miles de víctimas, un número todavía desconocido de desaparecidos y un enorme sufrimiento colectivo. Además, un trauma mayor que convierte en una experiencia distinta cada cosa que vivo.

Y una de ellas, es el sentido del arte y mucho más “La Odisea”, la adaptación de una obra que reflexiona sobre el sufrimiento y la redención a una escala total que me sorprendió como espectadora y también, como escritora sobre el cine. En particular, porque Christopher Nolan no cuenta la guerra de Troya. Cuenta lo que viene después, que resulta mucho más incómodo, y analiza ese impacto total a través del miedo, el padecimiento espiritual y la búsqueda para llegar al hogar.

El director toma el poema homérico y lo convierte en un relato sobre hombres que sobreviven a la batalla, pero no logran sobrevivir al recuerdo de ella.

Ahí está la verdadera odisea: no la travesía marítima, sino el trayecto interior de alguien que ya no reconoce su propia casa ni a su propia familia. Un sentimiento que en Venezuela ahora mismo podemos reconocer, pero que, mucho más, enlaza y completa la idea de una obra universal que cuenta la historia del dolor en todas las épocas. El director filma el estrés postraumático como si fuera una maldición divina, algo que persigue al soldado después de haber colgado la espada.

También recuerda que el dolor se convierte en una especie de cuidadoso escenario que atraviesa el tiempo. Una sensación de asombro angustiado que transforma la película en algo mucho más sustancioso y elegante que solo una adaptación de un libro clásico. También es un homenaje a la voluntad humana, a las vivencias y cómo cada persona sobrevive al trauma.

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Antes de irte, escucha el soundtrack.

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Tres semanas después del terremoto y ahora sí, empiezo a sentir que el miedo, la angustia y la preocupación llegan en oleadas distintas. Supongo que durante los primeros días, la urgencia, el miedo, el trauma reciente es un empujón de energía desordenada y caótica para seguir. Por lo que esas semanas transcurrieron intentando en lo posible mantenerme cuerda y ayudar en lo que pudiera. A la vez y con la poca energía que no dormir, ni comer y sentir pánico a toda hora me dejaba, claro está. Pero ahora mismo, la vida comienza a retomar su ritmo (o, en cualquier caso, sigue su trayecto, que no es poca cosa) y llegó ese momento de asumir que hay que seguir. Que no importa la conciencia de todos los muertos, heridos, desaparecidos y el horror; debes encontrar algún punto en tu interior para continuar. Y es lo que he intentado hacer. A pesar de todo. Quizás por todo.

De modo que comencé de nuevo a escribir (es mi trabajo), tomar fotografías (es mi consuelo) y solo… intentar encontrar en qué punto de esta etapa intermedia entre el vivo terror y asimilar lo ocurrido me encuentro. ¿Y dónde estoy? No lo sé. Por ahora tengo claro que no entenderé la magnitud del dolor que todos atravesamos ahora mismo. Que llevará meses mirar atrás y entender qué país dejó y que experiencia puedo asimilar de esta tragedia inimaginable. Por lo pronto, seguiré haciendo lo que mejor puedo. Moviendo las piezas de un lugar a otro en el tablero de mi vida, sin dejar que se caigan, supongo.

¿Y qué ha pasado en estas tres semanas desde el terremoto? Esto:

La última semana en Venezuela ha estado marcada por una profunda crisis humanitaria y el incremento sostenido de las víctimas tras el doblete sísmico del 24 de junio de 2026. Según el balance oficial más reciente, la cifra de fallecidos ascendió a 4.118 personas, mientras que los heridos superan los 16.740 y miles continúan desaparecidos bajo los escombros. El estado costero de La Guaira se mantiene como la “zona cero” del desastre, concentrando la mayor cantidad de las casi 18.000 personas que se quedaron sin vivienda. La población vive en un estado de alerta y ansiedad constante debido a que la tierra no ha dejado de temblar; la Fundación Venezolana de Investigaciones Sismológicas (Funvisis) ha contabilizado más de 1.170 réplicas, incluyendo un temblor de magnitud 3,9 que recientemente provocó la evacuación preventiva de torres financieras y residenciales en Caracas.

Ante la magnitud de la tragedia, la respuesta del aparato estatal se ha visto fuertemente desbordada debido al deterioro de los servicios públicos, la falta de agua tratada y un sistema de salud ya debilitado, lo que ha llevado a la Organización Panamericana de la Salud (OPS) a advertir sobre el riesgo inminente de brotes epidemiológicos en los campamentos temporales. La comunidad internacional ha intensificado su despliegue mediante el envío de miles de toneladas de alimentos y brigadas de rescate de decenas de países. Mientras que misiones médicas como la de la India concluyeron sus labores de emergencia tras miles de procedimientos, agencias como la ONU han solicitado recaudar cerca de 300 millones de dólares para financiar la asistencia inmediata. En paralelo, el gobierno ha empezado a convocar a empresas extranjeras para trazar planes de reconstrucción de las más de 850 edificaciones afectadas y agilizar la evaluación de estructuras habitables.

¿Qué dice la NASA sobre lo ocurrido en Venezuela durante el terremoto? Te va a sorprender:

La NASA confirmó un desplazamiento masivo del terreno en el norte de Venezuela tras el doblete sísmico, detallando que el satélite NISAR capturó movimientos extremos del suelo en la región costera de La Guaira y áreas circundantes. Utilizando radares avanzados, los científicos de la agencia diseñaron un mapa satelital experimental de probabilidad de daños que estima la afectación o destrucción total de 69.431 edificaciones. Este monitoreo de alta tecnología expuso una devastación significativamente mayor a la documentada en los primeros reportes locales, identificando miles de colapsos en viviendas multifamiliares y estructuras pequeñas ubicadas en las zonas más vulnerables.

El mapa satelital de la agencia utiliza un código de colores para marcar con puntos rojos los sectores críticos con daños severos, concentrándose la mayor destrucción en localidades como Playa Grande, Puerto Viejo y Macuto. La NASA aclaró que este análisis es una evaluación rápida con una resolución de 30 metros, por lo que funciona como un indicador científico preliminar para guiar el despliegue de la ayuda humanitaria sobre el terreno.

Aquí te dejo el video con toda la explicación:

Y ahora cultura pop, de a poco, para alegrar el corazón

Moana live-action es un desastre y no solo por la peluca de ‘La Roca’

l live-action de Moana se enfrenta de entrada a un problema difícil de manejar. El de ser un remake de una cinta exitosa estrenada apenas 10 años atrás, que además tuvo una reciente secuela. Que, a su vez, fue un fenómeno de taquilla. De modo que la cinta de Thomas Kail (conocido por Hamilton) debía superar no solo ambos hitos. Además, de encontrar la manera de justificar su mera existencia. Algo complicado cuando el animado original de 2016 es una inspirada pieza de animación con una banda sonora extraordinaria que todavía resulta sorprendente.

Pero el problema es que el live-action, no solo no logra encontrar su propia personalidad, algo ya complicado. También es una copia barata, sin gusto y sin vigor de la historia de la princesa polinesia. De hecho, buena parte del problema de Moana radica en su incapacidad para ser algo más que una colección de escenas idénticas a las del animado. Mucho peor, realizadas sin el mejor sentido del gusto o del homenaje autoconsciente. En lugar de eso, la cinta (que tiene problemas de ritmo y tono desde el comienzo) tiene dificultades para desarrollar su sencillísima premisa. Que, aunque es la misma que en el original de 2016, parece simplificada para su nueva versión.

De modo que la cinta hace de Moana (Catherine Lagaʻaia) una heroína destinada a triunfar, casi sin motivos para suponer que podrá vencer las dificultades. Al contrario del animado, en la nueva producción apenas hay capas de complejidad. Y su protagonista titular parece ser mucho más una aventurera malcriada que una líder en formación que necesita aprender sus propias lecciones. Buena parte del problema de Moana (Vaiana) es el hecho de que toda la historia es plana, directa y sin mucho que contar. Y cuando logra superar sus propios problemas de ritmo y tono, se encuentra con personajes de poco carisma y sin ningún espíritu. Lo que hace las comparaciones no solo inevitables, sino directamente desagradables.

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‘Supergirl’ es un desastre y eso indica varias cosas complicadas

Supergirl de Craig Gillespie tenía todo para triunfar. O al menos, para convertirse en otro de los superéxitos descafeinados del verano estadounidense, que suele premiar a cualquier cinta medianamente entretenida y un reparto atractivo. Pero lo curioso es que la más reciente cinta del recién rehabilitado Universo DC era mucho más que eso. Con un director competente, una Milly Alcock derrochando carisma y una historia basada en el icónico cómic Supergirl: Woman of Tomorrow, todo parecía apuntar a una película capaz de reconquistar a los incrédulos sobre la permanencia del cine de superhéroes. O al menos, una adición más que digna a la franquicia, que busca encontrar su lugar en la cultura pop.

Solo que no ha ocurrido. Peor aún, se trató de un fracaso tan duro que ya se habla como un indicio de que el género de superhéroes está luchando por sobrevivir sin tenerlas todas consigo. Ambas perspectivas catastróficas para un aspecto del cine de entretenimiento que, por más de diez años, fue el centro total de toda la industria cinematográfica. Pero lo cierto es que el comienzo del trayecto comercial de Supergirl fue un tropiezo de proporciones históricas, de esos que obligan a los ejecutivos de un estudio a reunirse en salas cerradas con café frío y caras largas.

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Y ‘Dune 3 estrena tráiler.

Tenemos sorpresas para los amantes de la épica: El espectacular tráiler oficial de Dune: Parte Tres, dirigida por Denis Villeneuve, anticipa una conclusión épica y sumamente oscura para la aclamada trilogía de ciencia ficción. El avance sitúa la historia diecisiete años después de los eventos previos, mostrando a un atormentado Paul Atreides convertido en el emperador mesiánico de Arrakis. El metraje revela conspiraciones galácticas, el doloroso distanciamiento con Chani y la sorpresiva presencia de Robert Pattinson como el enigmático villano Scytale. Con una escala visual colosal filmada para IMAX, este esperado desenlace llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026. Te lo dejo por aquí:

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¡Nos leemos en la próxima!

Aunque todavía me lleva esfuerzos creerlo, ya pasaron diez días desde el terremoto del 24 de junio de 2026. Diez días en que Venezuela cambió para siempre, en que mi vida también lo hizo. Todavía no sé muy bien cómo afrontar toda la experiencia y, como creo natural, me lleva esfuerzos encontrar un modo de retomar lo cotidiano. ¿Y qué es lo cotidiano? La verdad, no lo sé. Vivo en un país en que una ciudad entera está en escombros; en la que vivo, los sobrevivientes están en plazas y avenidas, refugiándose en campamentos improvisados. En que todavía no hay una cifra de fallecidos cierta, pero es evidente que será a una escala espeluznante y desconocida para nuestra historia. Todos los días desde el terremoto, la incertidumbre es parte de cada momento, de pensar que la vida y la muerte están separadas por una línea delicada, fina y brumosa. Una tragedia como esta te enseña eso y muchas cosas más.

Una tragedia como esta te deja herido, aunque puedas agradecer que todavía tienes un hogar, una familia y que puedes conciliar el sueño de vez en cuando. Una tragedia como esta te arroja a lugares nuevos (y la mayoría tétricos) de tu mente. Una tragedia como la que vivió Venezuela hace que debas aceptar que, aunque estés sano en lo posible, también estás traumatizado; también te dejó abrumado por un tipo de miedo complicado de definir porque impacta en todo, devasta todo, salpica todo. Y es una lección sobre la vida y cómo creemos que puede ser. Una durísima, definitiva y sin vuelta atrás. Asumir que sobreviví a un evento que me supera en experiencia, que es algo por completo devastador y que la persona que soy ahora es completamente distinta a la que fui hace apenas diez días. Mucho para analizar, pensar y asumir como futuro; ya veremos a dónde me lleva todo.

¿Cómo está la situación hoy?

A diez días del devastador doblete sísmico de magnitudes 7,2 y 7,5 que azotó al norte de mi país, Venezuela enfrenta una catástrofe humanitaria sin precedentes en su historia reciente. Al día de hoy, 4 de julio, las cifras oficiales consolidadas por las autoridades elevan el número de víctimas a 2.595 fallecidos y más de 12.400 heridos, mientras que las estimaciones de personas desaparecidas e impactos satelitales sitúan los daños materiales preliminares en unos 6.700 millones de dólares. El estado La Guaira permanece catalogado como zona de desastre debido al colapso masivo de infraestructuras hoteleras y residenciales, sumado a afectaciones estructurales graves en centros de salud y el patrimonio de la capital que han colapsado el sistema de atención médica en Caracas.

La situación actual se mantiene en una tensa alerta debido a la recurrencia de más de 780 réplicas que siguen atemorizando a la población y forzando a miles de personas a pernoctar en las calles o refugios temporales. A pesar de los importantes desafíos logísticos y de la severa destrucción vial, las labores de rescate continúan sin descanso con el apoyo estratégico de más de 4.000 brigadistas internacionales provenientes de países como España, México, Colombia y Estados Unidos, junto con la movilización de más de 700.000 toneladas de ayuda humanitaria coordinadas por las Naciones Unidas. El foco operativo se centra ahora en restablecer por completo los servicios básicos de agua y electricidad en el litoral central, mientras el país entero intenta asimilar el luto nacional en medio de denuncias de corrupción focalizadas y un complejo reordenamiento de la agenda política internacional debido a la emergencia.

Y ahora un poco de cultura pop para consolar el corazón en lo posible

Una serie: adiós a ‘The Bear’

The Bear ha tenido un vertiginoso e intenso recorrido en el mundo de las series. En especial, porque desde su estreno en 2022, la producción marcó un hito que sorprendió. El de utilizar el espacio diminuto y destartalado de la cocina de un restaurante familiar para contar varias cosas a la vez. Por un lado, todo lo relativo a la vida de Carmy Berzatto (Jeremy Allen White). Este es un cocinero de altos vuelos que debe afrontar el reto de evitar la quiebra del negocio familiar. Todo después del suicidio de Mikey (Jon Bernthal) y el caos financiero del local.

Pero además, la serie de Christopher Storer tomó la decisión de utilizar ese sentido de la urgencia, el estrés y la presión por el éxito para narrar algo más. Y esa fue la manera en que la familia Berzatto al completo encaraba el duelo por la muerte del hijo muerto y, además, sus propios conflictos generacionales. Por lo que en The Bear, un plato nunca era un plato, ni tampoco un servicio de cocina, solo una combinación formidable de sabores. También era una metáfora sobre la necesidad de sobrevivir al sufrimiento. A la vez, de entender la magnitud de los propios errores y la forma de lidiar con el duelo. Todo con una brillante puesta en escena que apostó por una estética que exploró la naturaleza humana desde el acto primario de comer y triunfar sobre el dolor emocional.

Por eso, la quinta y última temporada de The Bear no solo parece muy lejos de esa histórica primera entrega. En realidad, toda la serie se mueve hacia lugares distintos, y mucho de lo que resta calidad y solidez a los ocho capítulos de despedida es su irregularidad. Mientras la gran mayoría son el resumen de todos los temas que hicieron a la serie famosa, algunos son innecesario relleno. Unos pocos parecen solo complacer la idea de que, desde la temporada tres, la cocina dejó de ser una metáfora para convertirse en un objetivo único. Lo que, por supuesto, no tendría nada de malo de no ser porque la serie basó su éxito en ser algo más que un grupo de talentos tratando de deslumbrar el paladar de comensales exigentes.

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Una película. La rareza de ‘The Death of Robin Hood’

The Death of Robin Hood de Michael Sarnoski toma una decisión que a primera vista parece arriesgada para el mito fundacional británico. La de hacerse la pregunta sobre qué ocurriría si, en realidad, en lugar de un esforzado héroe de pobres y desesperados, el valiente caballero de Sherwood fuera alguien más oscuro y retorcido. En el mejor de los casos, más cercano a un hombre envilecido por los horrores de su época y en especial, por el dolor de la pérdida. Por lo que el personaje (interpretado para la ocasión por Hugh Jackman) tiene poco o nada que ver con la manera en que Hollywood exploró el mito hasta ahora.

De hecho, el cine ha reinventado a Robin Hood mil veces pero siempre desde una perspectiva esencialmente positiva. De bufón aventurero, un héroe romántico que sentó las bases, gracias a Errol Flynn, para toda una generación de amantes risueños parecidos. Incluso hubo una versión de Disney, que convirtió al héroe en un zorro de dibujos animados que todavía recordamos con cariño. Pero el mensaje es concreto: Robin Hood demuestra que se puede hacer el bien siendo por completo subversivo. Algo que La muerte de Robin Hood reconstruye como una siniestra acerca del mal necesario.

Por lo que la gran pregunta de Michael Sarnoski, que también escribe el guion, toca el tema sensible acerca de la historia oficial y lo que la cultura decide creer como una forma de esperanza. Eso, porque desde sus primeras escenas, la cinta se inclina por una posibilidad que resulta aterradora: ¿Qué pasaría si el relato heroico fuera apenas una tapadera, una mentira fabricada para esconder a un hombre que mataba con frialdad absoluta, sin compasión ni límites?

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¡Esto es todo por la semana, cuídense mucho!

El 24 de junio del 2026 a las 5:58, estaba por tomar el ascensor para ir a comprar un poco de pan a mi panadería favorita, cuando escuché sonar una alarma en mi teléfono. Una que jamás había escuchado hasta entonces. Miré la pantalla y vi un globo de notificación de Google: Puede que haya un temblor de tierra en el lugar en que te encuentras, leí. Las puertas del ascensor se abrieron y me quedé de pie, aturdida. Lo demás, es un borrón de imágenes. El peor terremoto en la historia de Venezuela comenzó unos instantes después y antes de entender qué ocurría en realidad, me encontré corriendo, con todo a mi alrededor sacudiéndose de una manera que creo recordaré en cada pesadilla el resto de mi vida. El bramido de la tierra era un eco que subía por el hueco de la escalera del pasillo de mi edificio, un retumbar violento que me hizo llorar de puro miedo. Los vecinos gritaban y en algún punto, me caí al suelo y pensé que moriría. Un pensamiento sencillo, simple, crispado de pavor y horror. Pero uno exacto que recuerdo con más claridad que cualquier otra cosa. Iba a morir. Eso era todo.

Lo que cuento más arriba ocurrió en menos de un minuto. Que duró mi vida completa, todo mi futuro. El terremoto parecía no acabarse jamás y yo solo corría, gritando, despavorida, hasta que tropecé con mi prima y mis vecinos, cuando todos nos abrazamos en medio del puro terror para esperar lo que sea que pasara después. El suelo no parecía detenerse jamás; el miedo estaba en todos lados. El miedo era todo, el miedo era el mundo.

No sé cómo narrar mejor la que es probablemente la peor experiencia de mi vida. Estoy viva, ilesa, no me pasó nada pero me pasa el país. Me pasan los 50 mil desaparecidos en La Guaira, me pasa la desaparición de Daniel Licón, hermano de mi amada Azalia, me pasa la muerte de Deborah, mi alumna tan adorada en mis clases de autorretrato. Me pasa cada persona de la que no tengo noticias. Me pasa cada persona que no sé si está bien: las lágrimas de mis vecinos, el horror de los que duermen en la plaza frente a mi casa, el miedo en todas partes y el sufrimiento.

Estoy viva, estoy ilesa, pero herida para siempre.

Sin otra intención que guardar algunos datos para que sean parte de la historia de mi vida, dejo a continuación seis cosas sobre lo que ocurrió.

¿Qué ocurrió en Venezuela el 24 de junio de 2026?

El terremoto fue extremadamente destructivo debido a la inusual ocurrencia de un doblete sísmico, un fenómeno en el que dos terremotos masivos de magnitudes 7.2 y 7.5 golpearon la región con solo 40 segundos de diferencia. Esta sucesión tan rápida provocó que las ondas expansivas se solaparan, sometiendo a las estructuras a una vibración violenta y continua por más de un minuto. Los edificios que lograron resistir el primer impacto ya se encontraban severamente debilitados estructuralmente cuando la segunda y más fuerte sacudida los azotó, lo que causó el colapso inmediato de numerosas edificaciones y viviendas multifamiliares en el área metropolitana.

A esta brutal fuerza de la naturaleza se sumaron las características geológicas del suelo de la ciudad y las vulnerabilidades urbanas existentes. Zonas como Los Palos Grandes y Altamira están asentadas sobre una cuenca sedimentaria profunda que amplificó de forma crítica la intensidad de las ondas sísmicas, un fenómeno conocido como efecto de sitio. Esta amplificación, combinada con la falta de aplicación a las normas sismorresistentes en construcciones antiguas y la densa urbanización no planificada en los sectores populares de los cerros de Caracas, maximizó el nivel de destrucción, dejando miles de estructuras colapsadas o inhabitables.

¿Cuántas víctimas hay actualmente?

El balance oficial más reciente registra 920 víctimas mortales y 3,360 heridos, aunque medios como Univision señalan que la cifra real de fallecidos ya roza los 1,000 debido al constante hallazgo de cuerpos en los escombros. Entre los decesos confirmados se encuentran numerosos ciudadanos extranjeros, destacando 28 de nacionalidad portuguesa, 7 chinos y 5 españoles que residían en las zonas del desastre. Los hospitales de la Gran Caracas se encuentran completamente desbordados, intentando atender la masiva afluencia de lesionados en medio de severas fallas de insumos y servicios básicos.

Por otro lado, la Organización de las Naciones Unidas estima que existen más de 50,000 personas desaparecidas. Las autoridades aclaran que este alarmante número se debe en gran parte al colapso total de las redes telefónicas y eléctricas, lo que mantiene a miles de ciudadanos incomunicados pero potencialmente a salvo. Para hacer frente a esta emergencia, brigadas de rescate especializadas provenientes de 17 países ya se encuentran desplegadas en las zonas más golpeadas, como Los Palos Grandes y La Guaira, en una carrera contrarreloj para hallar sobrevivientes bajo las estructuras colapsadas.

¿Cuál es el estado más afectado?

El estado La Guaira es el territorio más devastado por la tragedia y ha sido declarado formalmente como “zona de desastre” por el gobierno nacional. Esta entidad costera sufrió el impacto más violento debido a su cercanía con la costa y a la vulnerabilidad de sus construcciones, lo que provocó el colapso absoluto de más de 100 edificios residenciales y comerciales. Las localidades de Caraballeda y Catia La Mar concentran los escenarios más críticos, donde los sobrevivientes comparan la magnitud de la destrucción con el deslave de 1999, afirmando que esta catástrofe ha sido aún peor.

La gravedad de la situación humanitaria en la costa obligó al despliegue urgente de 11,500 funcionarios militares para mantener el orden público y evitar saqueos en los comercios locales. Toda la región litoral padece la falta total de energía eléctrica, agua potable y comunicaciones, por lo que el hospital naval y los campamentos de campaña internacionales instalados en la zona concentran la poca ayuda médica disponible. Los equipos de rescate centran allí sus esfuerzos prioritarios, intentando despejar las principales avenidas para permitir el ingreso de la asistencia humanitaria que llega desde el exterior.

¿Cómo puedes ayudar?

Puedes colaborar realizando donaciones económicas directas, que es la vía más rápida y eficiente recomendada por la embajada [▲], o entregando insumos en los centros de acopio autorizados si te encuentras en Caracas o en el exterior. Para aportes financieros o ayuda médica a gran escala, puedes donar en las plataformas internacionales activadas por Cáritas Venezuela el Comité Internacional de Rescate (IRC), y el International Medical Corps, organizaciones que actualmente despliegan unidades médicas y distribuyen agua potable en las zonas de desastre.

Si deseas donar insumos físicos en Caracas, los centros de acopio prioritarios reciben agua embotellada, alimentos no perecederos, pañales y suministros médicos de primera necesidad. Puedes acudir directamente a la Concha Acústica de Bello Monte (de 9:00 a.m. a 7:00 p.m.) , a la Plaza Francia de Altamira o a la Clínica La Floresta, que funciona las 24 horas recolectando fórmulas lácteas e insumos pediátricos para los niños afectados. Si estás fuera de Venezuela, puedes revisar guías de acopio locales en plataformas verificadas como EL PAÍS América o consultar centros habilitados por fundaciones aliadas en el extranjero.

Junio va avanzando rápido y ya podemos marcar un par de ítems en la lista de los estrenos más esperados del año. Pero nos quedan casi dos meses de una oferta suculenta que incluye el regreso al cine de superhéroes y la gran aventura de ‘Supergirl’ en la gran pantalla, por supuesto, ‘La Odisea’ de Christopher Nolan y el regreso de ‘Spider Man’ por la puerta grande. Pero en particular, a mí me preocupaba un estreno y es porque amo a Pixar en cada una de sus versiones. Por lo que el regreso de la saga ‘Toy Story’ me hizo cuestionarme si uno de mis estudios favoritos, simplemente ya consumió sus cartuchos y no tiene nada qué decir.

Pero… debo decir que me equivoqué y vamos a hablar sobre es tema (y varios más) a continuación:

El hito de ‘Toy Story’

Toy Story (1995) marcó un hito histórico e irreversible en la cinematografía mundial al convertirse oficialmente en el primer largometraje de la historia totalmente animado mediante computadoras digitales. Antes de su estreno, la animación comercial de los grandes estudios dependía por completo de complejas técnicas tradicionales en dos dimensiones dibujadas laboriosamente a mano sobre acetatos.

Por lo que Pixar hizo historia creativa: la innovación tecnológica revolucionó de inmediato todos los estándares de producción de Hollywood, obligando de manera directa a las compañías rivales a reestructurar por completo sus divisiones creativas internas para adoptar rápidamente herramientas digitales de vanguardia. Más allá de su pulida factura técnica, la película estableció un nuevo lenguaje visual con texturas realistas e iluminación ambiental que transformó la concepción del cine familiar para siempre. Su descomunal éxito en taquilla y la unánime aclamación de la crítica consolidaron la viabilidad financiera del modelado tridimensional en la pantalla grande. Asimismo, inauguró una brillante era dorada para la animación digital global, alterando permanentemente las dinámicas reales mediante las cuales hoy consumimos, producimos, financiamos y entendemos el entretenimiento audiovisual contemporáneo.

Además de su innegable impacto tecnológico, el verdadero legado conexión emocional colectiva. La película redefinió conceptualmente el cine animado al alejarse radicalmente de los tropos clásicos de cuentos de hadas tradicionales, princesas y musicales melodramáticos, apostando decididamente por una historia profundamente humana contada desde la ingeniosa perspectiva de los juguetes vivientes. A través de la compleja dinámica de rivalidad y posterior hermandad incondicional entre Woody y Buzz Lightyear, la trama explora magistralmente temas universales como el miedo al abandono, las crisis de identidad, los celos, la lealtad y el melancólico paso del tiempo. Este brillante enfoque multidimensional permitió conectar de forma simultánea con el público infantil, mediante su comedia física y visual, y con los adultos, a través de capas psicológicas sutiles y una profunda nostalgia compartida. De modo que Toy Story estableció las inamovibles bases conceptuales de Pixar, priorizando históricamente la solidez del guion sobre los fuegos artificiales de la pura tecnología informática moderna y abriendo nuevos caminos creativos impensables para futuras generaciones de cineastas independientes.

¿Es buena ‘Toy Story 5’? ¡Lo es!

“Toy Story 5” resuelve desde sus primeras escenas, el conflicto que parece haber condenado a toda la saga a ser cuestionada desde su tercera parte. ¿Vale la pena otra película de una franquicia que parecía haber terminado de forma elegante, perfecta y emotiva en 2010? En realidad, uno de los grandes méritos de esta nueva entrega es demostrar que el mundo de los juguetes de PIXAR tiene mucho que decir.

Pero que, además, tiene mucho espacio todavía para ser explorado. Y que su quinta parte, lo recuerda al no solo retomar íntegro el espíritu de las primeras dos y muy recordadas cintas, sino además demostrar que PIXAR no ha olvidado cómo narrar una historia entrañable, mientras hace reír y llorar en el proceso. Todo a través de la imagen siempre encantadora del anaquel de juguetes de un niño. En este caso, una niña.

Por supuesto, hay algo paradójico en que una franquicia construida sobre la obsolescencia programada siga siendo, treinta años después, tan difícil de superar y en especial, tan relevante. Pero Toy Story lo logra en su quinta parte tomando una decisión brillante: encapsular toda su trama en la premisa original del mundo de los juguetes analizando el entorno humano. Además, explorando la idea sobre el poder de la imaginación y la importancia de asumir la niñez desde su inocencia. Nada nuevo bajo el sol, pero que en manos de PIXAR, se convierte en una perspectiva elegante sobre crecer y encontrar la sensibilidad de hacerlo con gracia.

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La mejor película de acción del año ya llegó

The Furious del director japonés Kenji Tanigaki, podría ser solo una película de acción y limitarse a únicamente ser una colección bien construida de escenas impactantes de balaceras y puñetazos. Pero, además, el director decidió profundizar en una percepción elegante de la venganza, como una violenta idea sobre lo peor de la naturaleza humana y su capacidad para ser cruel. Que claro está, no es un tema sencillo. No obstante, lo más sorprendente es que la película es además de eso, un ejemplo brillante acerca de la capacidad del cine violento para justificar sus propias conveniencias y giros trillados, sin parecer aburrido.

De modo que The Furious, a pesar de todas sus virtudes, aspira a ser un espectáculo ruidoso, caótico, a veces absurdo, y quizá debido a todo eso, completamente fascinante. Mucho más, porque lleva la fórmula de la brutalidad entre enemigos jurados a un nivel tan impactante, que la cinta termina por ser una especie de enigma visual. Por lo que de la misma forma como de vez en cuando ocurre con la saga John Wick, no queda menos que preguntarse cómo fue filmada determinada escena o si toda la habilidad extraordinaria de los actores, es una especie de truco complejo que incluso realza la cualidad singular de la cinta.

Pero en específico, The Furious es una brillante y brutal versión acerca del cliché del hombre solitario capaz de arrasar con todos y con todo, en busca de una niña secuestrada. Por supuesto, no es un giro infrecuente. Pero lo que hace que la cinta sea mucho más que su aparentemente sencilla premisa, es la capacidad del director Kenji Tanigaki de transformar el universo que plantea en algo más llamativo, retorcido e interesante de lo que podría esperarse. En específico, al dotar a cada escena de acción (y tiene al menos tres que pasarán a la historia del género), de una cualidad visual extraordinaria y hasta inexplicable.

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El true crime que no te dejará dormir: ‘Instinto maternal’

Instinto maternal, el true crime que sorprende y causa horror en Netflix, es mucho más que el relato de un crimen terrorífico. Que lo es y quizás podría catalogarse como uno de los casos policiales más perturbadores y escalofriantes de la historia reciente de los Estados Unidos. Pero también, es una reflexión sobre los fallos del sistema policial y jurídico del país, todos muy evidentes al investigar un asesinato perturbador. Más allá de eso, el escenario que muestra la serie es una complicada red de situaciones que tuvieron la más terrorífica consecuencia. La muerte de una madre y de su bebé.

Para eso, el documental reconstruye de manera minuciosa la retorcida red de mentiras patológicas y manipulación psicológica tejida por Taylor Parker. Esta, una mujer residente de New Boston, Texas. La producción cuenta cómo Parker fingió meticulosamente un embarazo completo durante diez largos meses. Eso, con el único propósito de retener a su pareja, una obsesiva farsa que escaló de forma trágica y descontrolada hasta culminar en un atroz asesinato.

A través de su minucioso relato, Instinto maternal se aleja por completo del morbo sensacionalista tradicional. En lugar de eso, la directora Jessica Dimmock prefiere enfocarse en las devastadoras secuelas humanas de la tragedia. Eso, para analizar cómo el engaño puede hacer crecer una comunidad pequeña hasta desatar un horror inimaginable. Mucho más, para mostrar la gravedad de una situación que pudo haberse detenido antes de que se convirtiera en la tragedia que después desconcertó a Norteamérica.

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¡Esto es todo por hoy!
¡Nos leemos la semana que viene!

Por lo que este capítulo es especial: El cine de terror contemporáneo reconfigura la noción tradicional de la brujería al transformarla en una fuerza sobrenatural ligada a la obsesión, el trauma social y los rituales modernos. En Obsesión, dirigida por Curry Barker, la brujería se manifiesta a través de un pacto involuntario mediante el árbol "One Wish Willow", donde un simple deseo romántico altera el libre albedrío y desata una maldición de codependencia destructiva. Por su parte, la esperada adaptación cinematográfica de The Backrooms por Kane Parsons canaliza una suerte de brujería espacial y analógica, donde los espacios liminales actúan como un laberinto maldito que devora la realidad y somete a sus víctimas a un aislamiento ritual provocado por fuerzas incomprensibles. En una vertiente más explícita y folclórica, el largometraje de A24 Undertone entrelaza la brujería y el ocultismo clásico con las plataformas digitales; aquí, grabaciones sonoras anónimas sirven como canales de invocación para la entidad demoníaca Abyzou, convirtiendo la tecnología en el nuevo altar de los antiguos mitos. Finalmente, la aclamada producción australiana Leviticus, dirigida por Adrian Chiarella, aborda el misticismo desde la opresión dogmática: la brujería se redefine a través de un exorcismo retorcido y terapias de conversión extrema que invocan a un demonio con la forma del ser amado. Así, estas cuatro obras demuestran cómo el cine actual ha dejado atrás los calderos tradicionales para retratar la brujería como una extensión de las debilidades humanas, las mitologías del internet y la violencia psicológica institucional.

¡Nos escuchamos!

Esta semana me pregunté un par de cosas mientras disfrutaba una de las películas que más esperé del año cinematográfico: ‘El día de la revelación’. ¿Cómo habrían recibido las redes sociales 'E.T., el extraterrestre’, una película emotiva, dulce, optimista, entrañable pero en esencia simple? ¿Cuáles habrían sido las críticas a ‘Tiburón’ llena de conveniencias pero brillante en lo técnico? Reflexioné sobre el tema mientras leía el aluvión de críticas contra ‘El día de la revelación’, lo más nuevo de Steven Spielberg y ya tildado como ‘producto menor’ y sobre todo, como ‘lleno de errores’ por nuestras impacientes y sin duda inquietas plataformas de opinión. ¿Dónde quedó el sentido de la maravilla, la necesidad de explorar una obra a pesar de sus errores y en especial, de profundizar en sus temas con más cuidado que solo lo que nos impacta de inmediato?

Claro está, se trata de una cualidad de nuestros tiempos y por eso, vale la pena darle un repaso cuidado al primer estreno de verano y además, unas cuantas noticias que te dejo a continuación.

Spielberg siendo Spielberg

Pero claro está, se trata de Steven Spielberg, siendo Spielberg. No solo por el hecho de traer de vuelta su gran obsesión por la vida alienígena (que ya es decir), sino la gran controversia en torno a la sensación que la película llega en un momento especialmente complicado. Eso, porque su premisa (qué ocurriría con el mundo al descubrir el primer contacto real extraterrestre) tiene una impactante coincidencia temporal con las recientes desclasificaciones de archivos OVNI por parte del Pentágono. T

ras declaraciones promocionales donde el director afirmó que “todo esto es real”, numerosas comunidades en internet y teóricos de la conspiración han viralizado la idea de que la cinta es en realidad una estrategia de “apertura suave” orquestada por el gobierno para preparar a la humanidad ante un inminente contacto alienígena masivo. Esta ola de especulaciones ha obligado al propio Spielberg a desmentir públicamente las teorías, aclarando entre risas que no es un “agente encubierto del Pentágono” ni del “Estado profundo”, sino simplemente un cineasta inspirado por informes reales, testimonios de inteligencia y por el histórico artículo de 2017 de The New York Times sobre fenómenos anómalos no identificados.

¿Y el tema religioso?

Además, el enfoque religioso en El día de la revelación ha encendido un debate teológico muy intenso debido a las declaraciones del propio Steven Spielberg, quien afirmó que una confirmación extraterrestre real obligaría a los cristianos a cuestionar sus "creencias fundamentales" sobre Dios. La trama de la película introduce este debate a través del personaje de una exnovicia (interpretada por Eve Hewson), quien teme que la humanidad comience a idolatrar a los alienígenas como deidades y abandone su fe tradicional. Esta postura contrasta en el mismo guion con la de una madre superiora (Elizabeth Marvel), quien argumenta pacíficamente que un universo tan vasto no pudo haber sido creado solo para nosotros y que la vida en otros planetas solo engrandece la obra divina.

Mientras varios medios culturales elogian que la cinta use metáforas bíblicas inspiradas en la Capilla Sixtina para ilustrar un "choque ontológico" y un renacer del pensamiento humano, ciertos sectores y líderes cristianos han reaccionado con hostilidad en redes sociales, acusando al cineasta de atacar la religión organizada o de intentar llenar un "vacío espiritual" mediante la ufología secular.

¿Pero es tan mala la película como se queja todo el mundo? La verdad, no

En “El día de la revelación” hay al menos dos escenas que pasarán a la historia del cine. Y lo harán por las mismas razones por las que lo hicieron el plano del tiburón emergiendo del agua para dar una dentellada en la película de 1975 y el paseo de Elliot con E.T. en la cestita de su bicicleta en 1982: la capacidad de captar la emoción de lo terrorífico y lo extraordinario en una sola imagen. Mucho más, de construir su propia versión de géneros establecidos.

Con “El día de la revelación” retoma un terreno que ayudó a definir durante buena parte de su carrera y lo hace en un momento especialmente oportuno: la vida extraterrestre o la posibilidad de su existencia, en todo caso.

Durante los últimos años, las conversaciones sobre el fenómeno OVNI y FANI han abandonado los márgenes de la cultura popular para mezclarse en debates políticos, mediáticos y científicos. Spielberg detecta con habilidad esa corriente cultural y la transforma en combustible narrativo.

Mucho más, le agrega su propia percepción del tema y lo reconstruye para una audiencia que ha vivido los últimos treinta años en una conversación incesante sobre el terror alienígena. Por lo que “El día de la revelación” tiene mucho de pertinente, relevante, pero también, dolorosamente familiar.

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Stop-Montion con acento mexicano en ‘Yo soy Frankelda’

⁠Soy Frankelda, la cinta animada mexicana que acaba de llegar a Netflix; es un hito en la industria cinematográfica latinoamericana. Eso, debido a que es el primer largometraje de fantasía oscura musical stop-motion rodado en México. Esta magnífica producción de 2025 expande con maestría el universo gótico que conocimos originalmente en la miniserie antológica ⁠Los sustos ocultos de Frankelda. Pero además, hace algo más interesante: demuestra que el horror, el humor y un toque de terror pueden funcionar en un perfecto equilibrio.

Escrita, dirigida y creada paso a paso por los talentosos hermanos Arturo y Roy Ambriz, a través de su estudio Cinema Fantasma, Soy Frankelda es un trabajo de pasión. Eso, debido a que la obra requirió más de veinte meses de extenuante rodaje físico en los sets de filmación de la Ciudad de México. Los realizadores contaron con la valiosa asesoría y mentoría del aclamado director ganador del Oscar, Guillermo del Toro. En especial, porque el cineasta de Frankenstein aportó su invaluable experiencia en el género para pulir el montaje cinematográfico final. Lo que aseguraba que la cinta mantuviera un ritmo impecable, una rica profundidad emocional y una atmósfera visualmente cautivadora para todo tipo de públicos.

Pero en especial, Soy Frankelda es un experimento afortunado. Eso, al combinar el stop-motion con una reflexión compleja acerca del deseo de crear y el espíritu del talento artesanal. Temas, además, que toca sin caer en sermones, melodrama y analizándolos desde una perspectiva fresca y humorística. Todo, sin perder el sentido de la oscuridad de toda obra gótica que se precie y que brinda a la producción un aire que va entre clásicos como La novia cadáver y la muy querida Coraline. Grandes referencias que la cinta homenajea de una manera u otra.

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Y Pedro Almodóvar regresa para contar una historia curiosa

En Amarga Navidad, Pedro Almodóvar, de regreso luego de 7 años de ausencia, indaga su pasión por los autorretratos fílmicos. Todo, a partir de la idea del renacimiento de la propia historia como punto central de todo hecho artístico. Desde los primeros minutos de la cinta, queda claro que la nueva propuesta del director no pretende esconder sus intenciones de ser una especie de laberinto de reflejos de momentos diversos de su vida. Al contrario. Las exhibe todas con una mezcla de orgullo, ironía y cierta picardía, como si su vida fuera el centro motor de cada cosa que hace.

Mucho más, incluso indaga en su propia cualidad icónica. Una conversación temprana sobre la palabra “culto” (un malentendido sobre significados entrelazados entre sí) marca el tono general de la historia, pero, además, se cuestiona la ambigüedad de lo que se interpreta, que es, de hecho, el punto central de toda la premisa. El comentario es por supuesto un guiño hacia la relación que el director mantiene con su propio prestigio y con la comunidad de admiradores que ha seguido su carrera durante décadas.

Por lo que Amarga Navidad entiende perfectamente el lugar que ocupa su autor dentro de la cultura cinematográfica contemporánea y convierte esa posición en materia dramática. Lo interesante es que nunca lo hace desde la solemnidad absoluta, sino desde el humor y la autocrítica. Una evidente fascinación por el fenómeno Almodóvar que el director y también guionista explora con entusiasmo, elegancia y una simpática pedantería. Una mezcla que hace de la cinta uno de sus trabajos más personales y, a la vez, una reflexión elegante acerca del dolor y la belleza.

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¡Es todo por esta semana!
¡Nos leemos en la próxima!

El cine ha interpretado la brujería como un espejo cambiante de los temores, tabúes y evoluciones sociales de cada época. En los inicios de Hollywood, la gran pantalla consolidó el arquetipo clásico y caricaturesco heredado de los cuentos de hadas tradicionales: la vieja malvada, de nariz ganchuda, piel verdosa y motivaciones puramente siniestras, cuyo único fin era corromper la virtud de los inocentes. Este enfoque moralista y estrictamente binario servía para reforzar las normas de conducta impuestas y mantener el orden social establecido. Sin embargo, con el nacimiento del cine de terror moderno y el auge de las revoluciones feministas del siglo veinte, esta narrativa experimentó una transformación radical e irreversible. La bruja cinematográfica dejó de ser concebida como un simple monstruo satánico y destructivo para convertirse en un poderoso símbolo de resistencia de género, autonomía femenina, sabiduría ancestral y rebelión directa contra la opresión patriarcal.

Las películas contemporáneas exploran hoy la brujería desde una perspectiva profundamente psicológica, estética, antropológica y folclórica. Ya no se retrata únicamente mediante pactos diabólicos en bosques oscuros y sangrientos, sino como una conexión íntima con las fuerzas místicas de la naturaleza, el autodescubrimiento espiritual, el duelo y la aceptación de un poder interno oculto que la sociedad convencional intenta reprimir con violencia cruda. Así, la cinematografía actual oscila hábilmente entre el horror visceral que explota el eterno miedo a lo desconocido y el drama fantástico que dignifica la compleja figura de la hechicera. En última instancia, el séptimo arte ha dejado de castigar sistemáticamente a la bruja en la hoguera del celuloide para empezar a comprender su psicología interna, transformando un antiguo e injusto mito de persecución histórica y misoginia en un relato moderno, empático y magnético sobre poder, diversidad cultural y misticismo fascinante.

¡Nos escuchamos!

Y ahora sí, queridos lectores de este, su newsletter de confianza, llegó la mitad del año. O al menos, el momento en que comienzan a ocurrir los grandes eventos de la cultura pop. Esta semana, además, estuvo cargada de noticias de todos los estilos: por un lado, el regreso de la icónica saga de parodias Scary Movie 6 y el debut en cines de Masters of the Universe, ambos hitos de la cultura pop de varias generaciones. En especial, un llamamiento a la nostalgia luego del fin de semana anterior, cuando Backrooms y Obsession, hicieron hincapié en la novedad del experimento y en la complicada gen Z.

Por otro lado, la animación de internet demostró su poder de arrastre con el estreno en cines de The Amazing Digital Circus: The Last Act, logrando una recaudación récord de $7.8 millones de dólares en sus funciones especiales de un solo día. En el streaming, Netflix estrenó la comedia romántica Office Romance, protagonizada por Jennifer Lopez y Brett Goldstein, un acontecimiento que reunió a J.Lo con Edward James Olmos tras casi 30 años de la película Selena. Finalmente, en el ámbito musical, Taylor Swift rompió récords en plataformas con el lanzamiento de “I Knew It, I Knew You”, el tema oficial que compuso para la banda sonora de Toy Story 5, mientras Ariana Grande dio inicio formal a su esperada gira mundial The Eternal Sunshine Tour. Lo demás, te lo cuento a continuación:

Muerte y controversia para una mujer espléndida: le decimos adiós a Marjane Satrapi

La aclamada historietista, cineasta y activista franco-iraní Marjane Satrapi falleció en París a los 56 años de edad, víctima de una profunda tristeza. Su círculo cercano confirmó el deceso mediante un comunicado de la agencia AFP, detallando que la autora nunca logró recuperarse emocionalmente de la muerte de su esposo y productor sueco, Mattias Ripa, ocurrida en abril de 2025 [dw.com, elpais.com]. Diversas fuentes y allegados relataron que, tras perder al amor de su vida, Satrapi manifestó haber “dejado de luchar”, apagándose paulatinamente hasta su fallecimiento.

La noticia causó conmoción global y el propio Palacio del Elíseo emitió un comunicado lamentando la pérdida de una figura cumbre de la cultura [cnn.com].Su trágica partida deja un vacío incalculable en la novela gráfica y la defensa de los derechos humanos, campos donde se consolidó como una voz inquebrantable de resistencia frente al régimen integrista de Irán [hola.com]. Satrapi alcanzó el estrellato internacional con Persépolis (2000), una obra maestra autobiográfica en blanco y negro que narra su infancia durante la Revolución Islámica.

El éxito del cómic se expandió al cine en 2007 con una adaptación homónima codirigida por ella misma, la cual obtuvo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y una nominación al Óscar. Su legado, condecorado recientemente con el premio Princesa de Asturias 2024, perdurará como un símbolo universal de libertad y del combate feminista.

¿Por qué hay controversia con la muerte de Marjane?

A pesar de su éxito global, la obra de Marjane Satrapi ha recibido duras críticas tanto de sectores conservadores como de académicos e intelectuales de izquierda. Por un lado, el régimen fundamentalista iraní y diversos sectores islámicos la han censurado y acusado de islamofobia, occidentalización y de ofrecer una imagen distorsionada y difamatoria de la Revolución Islámica.

Por otro lado, críticos postcoloniales la acusan de “orientalismo estratégico”, argumentando que Persépolis simplifica la compleja historia de Irán y adopta una perspectiva marcadamente burguesa y eurocéntrica para complacer el gusto del público occidental, reduciendo los matices políticos de su país de origen a una simple dicotomía entre opresión oriental y libertad occidental.

Pero, hasta el último día de su vida, Marjane Satrapi defendió a Persépolis como una memoria personal honesta enfocada en humanizar a su pueblo, enfatizando que el fanatismo religioso no representa la verdadera identidad iraní, argumentando además, que el velo obligatorio es un símbolo de opresión y no una elección cultural. Por lo que la escritora, buscaba generar empatía universal al mostrar que los iraníes comparten las mismas experiencias humanas fundamentales que el resto del mundo. En este hogar, te amaremos para siempre, mi Marjane tan admirada!

‘Scary Movie 6’ , ya no es tan fácil hacer reír solo ofendiendo

ay algo curioso en “Scary Movie 6”: gran parte de su existencia parece construirse alrededor de una pregunta incómoda. No se trata de quién es el asesino ni de qué película de terror será la siguiente víctima de la parodia. La cuestión central es otra: ¿cómo sobrevive una saga nacida en los años del humor más descarado dentro de una cultura que ha cambiado radicalmente? Esa tensión atraviesa la película de principio a fin, a pesar de que el director Michael Tiddes entiende bien que no está filmando para el mismo público que vio la quinta entrega en 2013.

A lo largo de diez años cambiaron las conversaciones públicas, las sensibilidades colectivas y hasta la forma en que se consumen las bromas. De modo que “Scary Movie 6” debe encontrar su lugar en una época que se ha vuelto crítica y reaccionaria con el humor, y donde las redes sociales producen contenido exagerado a una velocidad imposible de competir.

Por eso los primeros minutos son casi como una declaración de intenciones: aquí se viene a ofender y se ofenderá a todo el que se pueda y esté al alcance del chiste.

El guion de Rick Alvarez, Marlon Wayans, Shawn Wayans y Feeney Ivory Wayans intenta reorganizar la maquinaria habitual de la saga para que sea tanto una burla macabra, como un comentario político. Así que la película conserva el caos que la caracteriza, pero procura darle una estructura ligeramente más ordenada.

En esta ocasión existe una línea argumental que conecta los distintos episodios: un Ghostface homicida sirve como guía para recorrer una enorme colección de referencias cinematográficas y culturales. No es exactamente una trama sólida, aunque sí una excusa funcional para enlazar situaciones. El resultado se siente menos salvaje que en otras entregas, menos obsesionado con la provocación visual extrema y más interesado en disparar comentarios sobre cualquier asunto disponible.

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Fiesta para nostálgicos: regresan He-Man

“Amos del universo” (el dibujo animado), tiene algo de lo que presumir: es probablemente el programa sabatino (o el de las 6 pm de la tarde en una antiquísima Venevisión de hace más de 30 años), con más adeptos en la actualidad. De hecho, He-Man ha hecho el viaje completo: de héroe de la infancia de al menos dos generaciones, muñeco favorito por Navidad, a meme para milenials y Gen Z.

El héroe con el corte de tazón y consejos ridículos da para todo. Y ha sido una leyenda de la cultura pop prácticamente desde que Mattel (sí, la misma gente de Barbie) decidió que quería un titán hipermusculado para el sector de niños del amplio universo de la juguetería infantil.

De modo que resulta extraño que, durante años, la posibilidad de una nueva adaptación de “Amor del universo” (ya hubo una en 1987 con Dolph Lundgren como el príncipe de Eternia) pareció pertenecer a la misma categoría que los rumores sobre secuelas imposibles o reuniones de bandas retiradas. Una idea que reaparecía cada cierto tiempo para desaparecer poco después.

Por lo que el recuerdo de la película de 1987 permaneció suspendido en una posición extraña dentro de la cultura popular. Fue objeto de burlas durante mucho tiempo, aunque con los años encontró una audiencia dispuesta a reivindicar sus excesos y su sinceridad. Mientras tanto, la marca sobrevivió gracias a nuevas series animadas, cómics y reediciones que mantuvieron vivo el interés por Eternia.

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‘Lestat, el vampiro’, llegó el vampiro más famoso en los últimos cincuenta años

En 1985, Anne Rice tomó el mito del vampiro tradicional y lo reinventó. Más que eso, lo transformó en una recombinación total, violentamente salvaje y posmoderna sobre la inmortalidad, el miedo a morir y la búsqueda de la trascendencia total. Todo mientras exploraba la orientación sexual, la identidad de género, el no binarismo y hasta teorías sobre el feminismo tan adelantadas a su época que todavía sorprenden por novedosas. The Vampire Lestat, continuación de The Interview With The Vampire publicado en 1976, sorprendió por su fuerza motora para reconstruir el gótico y dotarlo de una personalidad transgresora, subversiva y glam. También por empujarlo al nuevo siglo en una explosión de nuevo significado, capas superpuestas de metáforas y una radiante reconstrucción de la idea del bien y del mal. Para la historia del género.

Ahora, 40 años después de hacer su debut en la literatura, tener dos encarnaciones distintas en la pantalla grande (de la mano de Tom Cruise y después de Stuart Townsend) y convertirse en símbolo perverso de la belleza siniestra, Lestat llega finalmente a su propia adaptación a través de una temporada entera, vía el formato rey de la televisión y el streaming actual. Lo hace de la mano de Rolin Jones y 7 episodios en que el libro se convierte en un diario musical a través de una gira acelerada, en la que se relata no solo la vida de Lestat (interpretado por un carismático, extraordinario y sorprendente Sam Reid). También del mundo de los vampiros imaginados por Anne Rice, ahora reconvertidos en símbolos de la decadencia de la cultura de masas, fascinantes, perversos e inquietantes como brutales depredadores de hipnótica belleza.

Si algo sorprende de la serie es su brillante capacidad para mezclar en un mismo escenario mucho del poder oscuro y retorcido del libro para crear su propia mitología, con una descarada energía contemporánea. Lestat, ya no es un personaje secundario en la historia de Louis (un trágico e introspectivo Jacob Anderson), sino que ahora, es una bomba de pura energía sexual, erótica y traumática a punto de estallar. El guion hace la transición entre sus dos personajes, para crear una tensión profunda, latente y después, demoledora. Amantes, víctima y agresor, pupilo y creador, esta pareja de enamorados inmortales atraviesa la historia haciendo cuidadoso equilibrio entre los horrores de la sangre derramada y un amor tan cruel, capaz de destruirlos a ambos. Una combinación que convierte a The Vampire Lestat en una joya insolente del terror actual.

La reseña la lees la semana que viene

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Ya se sabe, en el cine contemporáneo, la brujería y las brujas han dejado atrás el viejo estereotipo de la anciana malvada de cuento de hadas para convertirse en símbolos complejos de empoderamiento femenino, trauma histórico y rebelión antisistema. Películas de terror moderno y folk horror como The Witch, Midsommar o la reinvención de Suspiria utilizan la figura de la bruja para explorar la autonomía de la mujer, el miedo social al poder femenino y la reconexión con la naturaleza y lo oculto. Esta evolución cinematográfica ya no presenta a la bruja como una simple villana a la que derrotar, sino como un personaje subversivo, incomprendido y profundamente ligado a la emancipación y a la resistencia frente a las estructuras patriarcales.

¡Todo eso lo hablamos en la primera parte de este capítulo que sigue la semana que viene!

Y en este, su newsletter de confianza, estamos de celebración: El cine de terror vive una era dorada sin precedentes y este fin de semana lo parece demostrar, consolidándose como el género más rentable de la taquilla global y un motor de conversación cultural constante. Esta explosión comercial y creativa se ha sostenido sobre dos pilares: la consolidación de grandes franquicias taquilleras como Alien: Romulus (2024), The Conjuring: Last Rites (2025) o Scream 7 (2026), y un arrollador fenómeno de cine independiente impulsado por la viralidad en redes sociales. Pero todavía más interesante: hay toda una nueva generación interesada en el cine de terror y que indaga en sus temas de manera interesante y brillante.

¿No me crees? Echa un vistazo a lo que está pasando por estos días: Producciones de micropresupuesto han roto récords históricos en las últimas semanas de mayo de 2026; un claro ejemplo es la película independiente de terror psicológico Obsession, que se convirtió en la cinta más barata en liderar la taquilla en 17 años, seguida inmediatamente por el masivo e instantáneo éxito en salas de Backrooms de A24, dirigida por el joven debutante Kane Parsons. El género ha demostrado una flexibilidad única al atraer masivamente a audiencias jóvenes a los cines mediante narrativas frescas ajenas a los clichés de Hollywood, superando incluso la rentabilidad de los tradicionales blockbusters de superhéroes. Pero vamos a que te voy a explicando todo paso a paso:

El fenómeno ‘Obsesión’ que sacude al cine

Ya de esta película les conté hace un par de semanas, pero volvamos a ella porque ahora, se volvió algo más que un éxito. El fenómeno cinematográfico de Obsión (Obsession), dirigida por el joven realizador y youtuber de 26 años Curry Barker, se convirtió en uno de los hitos más extraordinarios en la historia del cine de terror contemporáneo. Producida de forma independiente con un micropresupuesto de apenas 750,000 dólares, la película desató una intensa guerra de ofertas entre grandes estudios tras su ovacionado estreno en el Festival de Toronto. Finalmente, Focus Features adquirió sus derechos de distribución por 14 millones de dólares y la lanzó en cines masivos a mediados de este mes. En menos de dos semanas, el largometraje rompió esquemas industriales al superar los 100 millones de dólares en la taquilla global, multiplicando por más de cien su costo inicial y reviviendo la mística de rentabilidad extrema que en su día tuvieron clásicos como The Blair Witch Project o Paranormal Activity.

¿Y de qué va la película?

La trama de la película da un giro macabro al clásico concepto de “cuidado con lo que deseas” al estilo de The Monkey’s Paw. Sigue a Bear (Michael Johnston), un tímido empleado de una tienda de música que utiliza un juguete sobrenatural llamado One Wish Willow para hacer que su amiga y amor platónico, Nikki, interpretada magistralmente por Inde Navarrette, se enamore perdidamente de él. Lo que inicia como una comedia romántica adolescente muta rápidamente en una asfixiante pesadilla de terror psicológico, violencia explícita y horror corporal cuando la fijación de ella destruye su propia autonomía.

Más allá de su curiosa propuesta visual, el verdadero motor del fenómeno ha sido un comportamiento en taquilla sin precedentes históricos: impulsada por un arrollador boca a boca y la viralidad en redes sociales, la película logró recaudar en su segundo fin de semana un 30% más que en su estreno (sumando 22.4 millones de dólares). Este insólito crecimiento la convirtió en la única película de terror de estreno masivo en la historia en registrar un pico de retención y crecimiento semejante fuera de la temporada navideña.

Y espérate que te cuento lo más interesante

El rodaje de Obsession fue una auténtica hazaña de guerrilla cinematográfica que Curry Barker completó en tan solo 20 días en Los Ángeles. Con un presupuesto inicial que como ya dije, era de menos de un millón de dólares, Barker asumió un control total del proyecto al ejercer no solo como director y guionista, sino también como editor principal de la cinta. Para maximizar cada segundo de grabación y optimizar los recursos, el equipo técnico se redujo a la mínima expresión esencial, utilizando esquemas de iluminación natural y locaciones reales de bajo costo. Esta velocidad y economía en la producción fueron posibles gracias a la experiencia previa de Barker creando cortometrajes virales en YouTube junto a su compañero Cooper Reynolds, una escuela digital que le enseñó a filmar a un ritmo frenético sin sacrificar el impacto visual.

La clave para sostener la intensidad del rodaje en un tiempo tan ajustado radicó en la química y el compromiso de su elenco principal, liderado por Inde Navarrette y Michael Johnston. Al no contar con el presupuesto para largas jornadas de ensayo en el set, los actores llegaron con un dominio absoluto de sus personajes, permitiendo que la mayoría de las complejas escenas de terror psicológico y deterioro emocional se capturaran en muy pocas tomas. Barker diseñó la puesta en escena para que la cámara fuera un observador claustrofóbico, adaptándose a los espacios reales en lugar de construir costosos decorados. Esta urgencia temporal no demeritó el resultado; al contrario, inyectó a la película una atmósfera cruda, orgánica y sumamente realista que se convirtió en el pilar de su posterior éxito y viralidad.

¿Y qué pasa con ‘Backrooms’?

Backrooms representa la cumbre definitiva del salto del internet al cine comercial, coronándose a finales de mayo de 2026 como el estreno más grande en la historia de la prestigiosa distribuidora A24. El concepto nació originalmente en foros como 4chan y Reddit bajo la estética del “terror liminal”, ue no es otra cosa que el miedo generado por espacios vacíos, infinitos y nostálgicos como pasillos de oficinas iluminados con luces fluorescentes amarillas. Sin embargo, la mitología cobró verdadera fuerza gracias a Kane Parsons (Kane Pixels), un joven que a los 16 años comenzó a subir una magistral serie de videos cortos estilo found footage en YouTube. Tras acumular decenas de millones de reproducciones, A24 y los productores James Wan y Shawn Levy ficharon al creador para dirigir la adaptación cinematográfica oficial, convirtiéndolo con solo 20 años de edad en el cineasta más joven de la historia en liderar un gran estudio de Hollywood.

Lanzada globalmente el 29 de mayo de 2026, la película expande el inquietante lore digital a través de la historia de una terapeuta que debe adentrarse en esta dimensión paralela tras la desaparición de un paciente. Con un elenco estelar liderado por Chiwetelejiofor y Renate Reinsve, el largometraje rompió todas las proyecciones industriales al recaudar la descomunal cifra de 10.4 millones de dólares solo en sus funciones de preestreno de jueves, superando los récords de franquicias veteranas como Scream 7. Impulsada por una demoledora asistencia de audiencias de entre 18 y 24 años, la producción de apenas 10 millones de dólares se encamina a un primer fin de semana histórico de entre 75 y 85 millones de dólares. Este arrollador éxito comercial no solo reescribe las reglas de rentabilidad del cine de terror, sino que valida oficialmente a las plataformas digitales como el nuevo semillero de grandes narradores de la industria cinematográfica.

¿Y de qué va ‘Backrooms?

“Backrooms” de Kane Parsons no es una película sencilla de ver y, en realidad, podría resultar confusa o incluso incomprensible para buena parte del público. Pero a pesar de eso, la cinta tiene algo de lo que pocas producciones de terror pueden presumir: una arrolladora y perturbadora personalidad. La premisa, que indaga en la creepypasta sobre una dimensión alternativa en la que cualquiera puede entrar pero nadie puede salir, impacta por necesidad.

Eso, debido a que toma el imaginario de internet sobre el tema y lo transforma en una estructura visual sólida, que además se interconecta en una visión del miedo contemporánea. Lo que asusta es mucho más que una colección de jumpscares. Antes que eso, el terror de “Backrooms” analiza las obsesiones de la época para crear un discurso que indaga sobre la paranoia y la sustancia misma de la realidad. Una cuestión que la cinta plantea como una grieta en la percepción, pero que también vincula a la idea de ocultamientos de la verdad, megaconspiraciones y otros horrores del siglo.

Para eso, la cinta parece comenzar casi de manera sencilla. La historia, ambientada en una tienda de muebles en apuros, parece ser el escenario cotidiano de toda cinta de terror que se precie y más, una de A24: un terreno misterioso del que se sabe poco. Clark (Chiwetel Ejiofor) el dueño, es un hombre que pasa por dificultades económicas que no se explican del todo, pero que en el 1990 en que transcurre la película, parecen estar relacionadas con la quiebra financiera. Un día encuentra un portal, pero no se trata de un evento metafórico. Kane Parsons, que por casi un lustro dirigió cortometrajes sobre la leyenda urbana de los backrooms, sabe qué hacer para presentar la idea de manera novedosa pero sencilla.

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‘Leviticus’, el mejor terror psicológico que verás este año

Leviticus, del director Adrian Chiarella, logra lo que parece complicado y retorcido a primera vista: tomar el horror sobrenatural y convertirlo en un termómetro de diagnóstico social. O lo que es lo mismo, psicoanalizar de manera consciente y retorcida el sentido del horror para señalar la violencia cultural y social. Todo poniendo el punto de mira en las brutales terapias de conversión que millones de jóvenes queer sufren en el mundo cada año.

Pero en lugar de tomar la vía sencilla de analizar un tema semejante desde el terror psicológico, el director lo hace desde el sobrenatural. Además, desde una visión terrorífica que convierte a la cinta en una mezcla inquietante sobre la oscuridad espiritual y la que aguarda más allá. Por lo que el punto de partida es deliberadamente mundano: un pueblo gris de Victoria, Australia, con chimeneas industriales y cielos perpetuamente nublados. El tipo de lugar donde la gente va a la iglesia no por fe, sino por no tener nada más que hacer.

Pero en especial, el guion (que también escribe el director) explora en Niam (Joe Bird), un adolescente recién llegado junto a su madre (Mia Wasikowska), que sonríe de una manera que te hace desconfiar de todas las sonrisas. Como es de suponerse, Niam desea escapar en cuanto pueda del pueblo o, al menos, encontrar un lugar que pueda considerar suyo. Doblemente aislado por la mudanza y su orientación sexual, pronto el personaje parece luchar con una idea retorcida: encajar pasa por suprimir su identidad u homogeneizarla por el método violento de extirpar cualquier comportamiento que pueda resultar incómodo.

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‘Pasajero nocturno’, terror elegante para todos los gustos

El pasajero nocturno podría ser una de las tantas películas sobre el miedo a las carreteras oscuras (y lo que puede pasar en ellas), a excepción de un detalle. No solo evita cualquier cliché, sino que además convierte la rarísima visión de su director, André Øvredal, en un punto esencial. Eso, al llevar una corriente road trip, se vuelve casi de inmediato una exploración sobre el mal, el miedo y la violencia. Más raro aún, en una historia de terror con sus propias reglas.

De hecho, el director toma la extraña decisión de mezclar tres tropos distintos del terror en un mismo escenario. Por lo que la película explora en criaturas, criaturas, acoso sobrenatural y drama romántico. Todo mientras el guion de T.W. Burgess y Zachary Donohue transforma una situación de manual en una premisa cada vez más terrorífica. Para eso, sigue a dos amigos, Tyler (Jacob Scipio) y Maddie (Lou Llobell), que en medio de una parada en una carretera deben enfrentarse a lo desconocido. Peor todavía, a una amenaza que no está clara y que acecha entre los árboles.

Sin embargo, el director evita salidas sencillas y convierte a El pasajero nocturno en algo más que un juego del gato y el ratón. Antes que eso, la cinta se acerca más a un estudio cuidadoso acerca de la naturaleza del horror en su dimensión más primitiva. Lo que Tyler y Maddie deben enfrentar es tanto un monstruo como lo peor de ellos mismos. Por lo que, en mitad de esta batalla por sobrevivir, ambos comprenderán que el peor enemigo es tanto el miedo como la confusión y el dolor.

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Y ya estamos en casi la mitad del año (y con el Mundial de Fútbol a punto de llevarse a cabo, a pesar de todos los inconvenientes), y el mundo de la cultura pop, comienza a moverse hacia su momento de mayor brillo, que incluye los blockbusters de verano y diversos festivales. Aunque, claro está, el acontecimiento más comentado fue la emisión del emotivo último episodio de The Late Show with Stephen Colbert, que cerró un ciclo de 11 años en la televisión nocturna con la sorpresiva aparición musical de Paul McCartney.

Paralelamente, la música celebró a dos grandes legados generacionales: Miley Cyrus fue inmortalizada con su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood tras dos décadas de una camaleónica trayectoria artística, mientras que el fenómeno global BTS hizo historia al ser incluido en la prestigiosa lista de "Íconos" de los Guinness World Records, convirtiéndose en el primer grupo musical asiático en alcanzar esta distinción junto a figuras como Taylor Swift y Beyoncé.

En la escena musical actual, Olivia Rodrigo sacudió las plataformas digitales con el estreno del videoclip de su nuevo sencillo titulado "The Cure", una balada de tintes noventeros que sirve de antesala para su próximo álbum de estudio. Finalmente, el ámbito del entretenimiento se tiñó de luto tras confirmarse el repentino fallecimiento del legendario piloto de NASCAR, Kyle Busch, a los 41 años, desatando una oleada de homenajes y tributos por parte de celebridades y fanáticos de todo el mundo. Pero sigamos hablando de todo por aquí:

Cannes para todos los gustos

La 79.ª edición del Festival de Cannes, celebrada del 12 al 23 de mayo de 2026, consolidó al cine europeo y asiático en una de las selecciones oficiales más densas y competitivas de la última década. Bajo la presidencia del aclamado director surcoreano Park Chan-wook, el jurado evaluó 22 largometrajes en competencia marcados por tensiones geopolíticas y agudos comentarios sociales. Entre las obras más aplaudidas por la crítica destacaron Minotaur de Andrey Zvyagintsev, un crudo retrato de la oligarquía rusa contemporánea, y Soudain del japonés Ryûsuke Hamaguchi. Asimismo, la delegación española hizo historia gracias a la enorme expectación generada por producciones como la desmesura kitsch de La bola negra, dirigida por Los Javis, junto a los esperados regresos de cineastas consagrados como Pedro Almodóvar con Amarga Navidad y Rodrigo Sorogoyen con El ser querido.

Más allá de la reñida disputa por la Palma de Oro, esta edición destacó por sus emotivos homenajes y por el éxito comercial de las secciones paralelas. El festival otorgó Palmas de Oro de Honor a leyendas de la industria cinematográfica como el director Peter Jackson y el actor John Travolta, cuya sorpresiva premiación conmovió a los asistentes. En el apartado de negocios, la distribuidora A24 protagonizó la mayor transacción del certamen al adquirir por 17 millones de dólares Club Kid, el aclamado debut de Jordan Firstman presentado en Un Certain Regard. Paralelamente, en dicha sección se coronó la producción austríaca Everytime de Sandra Wollner, un desgarrador drama sobre el duelo que reafirmó el compromiso de la Croisette con el cine de autor más arriesgado.

De España para el mundo: ‘La bola negra’ de los Javis sorprende

El fenómeno de La bola negra en Cannes 2026 se consolidó como uno de los momentos más memorables de la 79.ª edición, desatando una histórica ovación de 20 minutos en el Grand Théâtre Lumière que conmovió hasta las lágrimas a su elenco. Dirigida por la dupla conocida como Los Javis (Javier Calvo y Javier Ambrossi), esta ambiciosa epopeya de dos horas y media entrelaza tres épocas distintas (1932, 1937 y 2017) para explorar la memoria histórica, la homosexualidad y el deseo reprimido, inspirándose directamente en los últimos textos inconclusos de Federico García Lorca.

Aunque la crítica internacional se dividió entre quienes alabaron su conmovedora y audaz mezcla de melodrama, estética pop y cine clásico frente a los que cuestionaron su grandilocuencia, el impacto emocional del filme fue incontestable, impulsado además por la magnética presencia de Penélope Cruz, un reparto coral encabezado por el debutante Guitarricadelafuente (sí, así se llama), y una encarnizada guerra de ofertas en el mercado que culminó con Netflix adquiriendo sus derechos de distribución en EE. UU. por una cifra récord de entre 4 y 5 millones de dólares con miras a la temporada de premios. ¡Para la historia!

Vuelve Star Wars al cine pero…’The Mandalorian and Grogu’ decepciona

‘Star Wars: The Mandalorian and Grogu” de Jon Favreau sabe de dónde proviene y hacia dónde va. Desde sus primeras escenas está muy consciente de que pertenece a un universo mayor que necesita desesperadamente volver a ser relevante. Solo que esta aventura de Din Djarin (de nuevo Pedro Pascal) y su hijo adoptivo Grogu es insípida y en sus peores momentos, confusa y tediosa. Una combinación complicada que el guion que firma el mismo Favreau junto a Dave Filoni y Noah Kloor no logra resolver.

Lo preocupante es que esta nueva cinta parece ser parte de la serie de errores que se han cometido en los últimos años con la franquicia. Después de todo, han pasado casi dos décadas desde que George Lucas dirigió su última película ambientada en esa galaxia muy, muy lejana y entregó su patrimonio intelectual a Disney sin mirar atrás. Desde entonces, el universo Star Wars ha sido territorio de experimentos, tropiezos y algún que otro milagro. “The Mandalorian and Grogu”, con toda la fanfarria que merece un debut cinematográfico de dos de los personajes más queridos de los últimos tiempos en la franquicia, tenía todo para asombrar.

Pero además, para inyectar un nuevo sentido de la maravilla y de la aventura a una saga que no la ha tenido todas consigo. De la prescindible trilogía de secuelas, pasando por el fracaso de “The Acolyte”, “El libro de Boba Fett”, “Obi-Wan Kenobi” y el relativo éxito de “Ashoka”. Para llegar a la sobria, inteligente, pero muy lejos del espíritu de la franquicia “Andor”. Lo cierto es que la saga ha dado golpes de efecto de aquí para allá buscando un resurgir que solo pareció llegar con “The Mandalorian”, la primera serie live-action de Star Wars y la que recuperó el sentido total del western galáctico del universo imaginado por Lucas.

Sin embargo, la película tiene mucho de capítulo extendido de la tercera temporada de la serie, de la que hereda todos sus problemas, baches y problemas de ritmo. La cinta va de un lado a otro, con Mando y Grogu siendo adorables, divertidos y entrañables. Pero que sin que la película aproveche ese carisma o saque provecho a la historia. Una hora después de comenzar “Star Wars: The Mandalorian and Grogu” se convierte en una combinación sin alma de clichés, atornillados en una trama absurda y desordenada. Mucho peor, que es tan prescindible como para ser parte de un intento frustrado de convertir a la cinta en un puente entre la herencia de la saga y el futuro.

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‘Is God Is’: el horror, la venganza y el dolor en un mismo escenario

Is God Is de Aleshea Harris podría parecer una épica de venganza retorcida y con varias capas, que de alguna forma recuerda a Beloved de Toni Morrison. Y lo hace por una razón muy específica: el dolor desencadena una historia que atraviesa la raza, la violencia y, al final, toca el fino borde de lo irracional para crear algo más denso.

Lo más interesante es que esta historia de dos hermanas que recorren Norteamérica en busca de venganza, está hilvanada y construida para analizar la derrota de los sueños, las esperanzas. También, el triunfo de la codicia y la forma en que se reconstruye como una visión del horror muy poco común y que sorprende por su elocuencia, sinceridad y elegancia.

Racine (Kara Young) y Anaia (Mallori Johnson) son gemelas que llevan su tortuosa historia familiar escrita en la piel. No metafóricamente. Las marcas son reales, visibles, parte de su identidad desde la infancia y parte de la trama de Is God Is las analiza como un mapa retorcido de horrores que se enlazan con el pasado y el futuro. Un incendio devastó sus vidas siendo muy pequeñas y las empujó al sistema de acogida, un laberinto burocrático que el argumento describe como una isla legal en que los niños aprenden a no necesitar a nadie.

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Lo bueno, lo malo y lo feo del final de ‘The Boys’

La quinta y última temporada de The Boys tenía un problema de origen. El de lograr dar un cierre digno, interesante y completo a su variado y cada vez más extenso grupo de personajes. Pero además, resolver su propio enigma. ¿Cómo matar o al menos detener a Homelander (Antony Starr), después de hacerle el superhéroe más poderoso? No solo eso, sino un dictador virtualmente indestructible y, además, al borde de la locura. Un giro de los acontecimientos que llevó a The Boys a cuestionar su propia premisa e incluso ignorar sus propias reglas para su final.

Pero además de sus conflictos de guion, The Boys debió enfrentar el serio desgaste de su historia. Eso, al perder el tono de impacto de años anteriores para enfocarse en construir un universo que podría rivalizar con el mundo ficticio de Vought International. Por extraño que parezca, la serie, que comenzó burlándose de las franquicias de superhéroes, terminó por construir su propia saga. Que incluye una variedad de spin-off en producción, además de varias versiones del mundo central en distintos países. Algo que impactó en la última entrega, que pareció más interesada en ampliar la mitología central, en lugar de explorar en su historia con más profundidad.

Pero finalmente, The Boys pudo concluir su relato de manera más o menos satisfactoria con un final de impacto que seguramente hará correr ríos de tinta. A su paso, deja un legado amplio, complicado y extraño que, aunque estuvo llamado a cambiar el género de superhéroes, terminó quedándose corto. Uno, además, que demostró los problemas que supuso la adaptación del denso cómic original de Garth Ennis. Con todo, The Boys deja varias lecciones a su paso que te resumimos a continuación en este análisis de lo bueno, lo malo y lo feo del final de la serie.

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¡Los leemos en la próxima!

En la cultura pop actual, el cine de terror reinterpreta el origen de la magia a través de la brujería folclórica y el esoterismo visceral, como se observa en películas como The Witch o Hereditary, donde los símbolos antiguos y los pactos demoníacos sirven como metáforas de traumas familiares y dinámicas de poder. Así, la magia ha cerrado un círculo perfecto: comenzó como un intento humano por controlar lo desconocido mediante el mito, se transformó en una técnica de ilusión óptica en las salas de proyección, y hoy sobrevive en el cine de terror como el recordatorio definitivo de que las fuerzas oscuras que nuestros antepasados temían en la oscuridad siguen vivas a través de la pantalla digital.

¡Nos escuchamos!