Cosa mi ha insegnato Talete sulla prima uscita dallo studio

C’è un momento preciso, quando stacchi il cavo di tethering dal computer e metti la reflex in borsa per uscire dal fotografare in studio, in cui provi una strana sensazione di vulnerabilità.

In studio hai il controllo totale. Decidi la direzione di ogni raggio, la potenza di ogni illuminatore, la temperatura colore esatta. Ma quando varchi la soglia ed esci in esterna, il controllo cade. Ti trovi di fronte al caos del mondo reale, alla luce improvvisata, agli elementi che si muovono senza chiedere il tuo permesso.

Per la mia prima sessione fuori dalle quattro pareti dello studio, la destinazione naturale è stata il mare. E proprio lì, davanti all’acqua che si perde nell’orizzonte, ho capito che non stavo solo facendo uno shooting: stavo ripercorrendo, a modo mio, lo stesso identico gesto compiuto più di duemilacinquecento anni fa da Talete di Mileto.o.

Il coraggio di fare il primo passo

Non è un caso che Aristotele abbia identificato in Talete il primo vero filosofo della storia. Prima di lui, il mondo veniva spiegato attraverso i miti, le divinità capricciose, i racconti fantastici. Talete è stato il primo ad avere il coraggio di compiere una “prima uscita”: ha messo da parte la comodità delle spiegazioni tradizionali per guardare la natura con i propri occhi, cercando una spiegazione razionale e interna al mondo stesso.

Uscire dallo studio per andare sul mare ha rappresentato per me la stessa cosa: abbandonare la certezza del “costruito” per cercare una verità più autentica, primordiale.

Mentre scattavo di fronte alla distesa marina, il legame tra la fotocamera e la filosofia di Mileto è diventato evidente. Per Talete, la risposta a tutto era l’arché — il principio originario, la sostanza fondamentale che genera, sostiene e riassorbe ogni cosa. E questo principio era l’acqua.

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La fisica dell’umido e la sostanza delle immagini

Oggi la parola “filosofo” ci fa pensare a una figura accademica, iper-specializzata. Ma nell’antichità il sapiente era una figura totale, quasi un pioniere pragmatico:

• In geometria, Talete fu il primo a capire che non serviva scalare una piramide per misurarne l’altezza: bastava piantare un bastone a terra e aspettare il momento in cui l’ombra del bastone fosse lunga quanto il bastone stesso. L’ombra della piramide, in quel momento preciso, ne avrebbe rivelato l’altezza reale. (Un principio di lettura della luce e delle ombre che noi fotografi usiamo ogni giorno).

• In astronomia, studiò il cielo a tal punto da prevedere l’eclissi solare del 585 a.C. e da insegnare ai navigatori a non guardare più la Grande Orsa, ma l’Orsa Minore, più vicina al polo e quindi guida più fidata.

Ma il suo colpo di genio metafisico fu l’osservazione del vivente. Talete non teorizzava a tavolino; osservava. Notò una catena di indizi incontrovertibili:

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C’è una tendenza dominante nella fotografia contemporanea: l’ossessione per il dettaglio visibile a tutti i costi. Sensori capaci di vedere nel buio pesto, software che aprono le ombre fino a renderle trasparenti, immagini dove tutto, dal primo piano allo sfondo, deve essere nitido, esposto, digerito.

Ma quando mostri tutto, cosa resta da immaginare?

Il mio ultimo lavoro in studio nasce da una ribellione visiva a questo bombardamento di informazioni. Volevo un’immagine che non si limitasse a documentare un corpo, ma che ne evocasse la presenza attraverso l’assenza. Un lavoro di pura sottrazione.

Lo Scalpello della Luce Laterale

L’immagine che vedete non è illuminata nel senso classico del termine; è piuttosto “scolpita”. Ho utilizzato un’unica sorgente di luce posizionata lateralmente e leggermente arretrata rispetto al soggetto. In gergo tecnico lo chiamiamo rim lighting (luce di contorno).

Il risultato? La luce smette di essere un mezzo per svelare e diventa una linea sottile, un confine grafico netto che separa la tridimensionalità della pelle dall’abisso del fondo nero.

L’oscurità, in questo scatto, non è un vuoto o un errore di esposizione. È materia viva. È il contrasto che permette alla linea del corpo di vibrare con tanta forza. Quando guardiamo un’immagine simile, la nostra mente compie un lavoro straordinario: unisce i punti, ricostruisce i volumi nascosti nell’ombra, rendendo l’osservatore un partecipante attivo dell’opera.

L’Anarchia del Rosso

In questa sinfonia di toni scuri e transizioni morbide, c’è un elemento che rompe le regole del gioco: il rosso fuoco dei capelli.

Mentre il profilo del corpo si fonde quasi timidamente con l’oscurità, la capigliatura cattura la luce laterale, rivelando una texture accesa, quasi elettrica. È il fulcro concettuale dello scatto. Crea una tensione cromatica violenta ma controllata: l’energia pura e calda del rosso contro il silenzio imperturbabile del nero low-key.

Il Fascino dell’Indefinito

Scegliere la strada del fine art e del nudo artistico in chiaroscuro significa accettare il mistero. Significa capire che l’eleganza non risiede nella perfezione del dettaglio svelato, ma nella sensualità dell’indefinito. Il volto parzialmente nascosto, il tatuaggio che si intuisce appena sul fianco... sono dettagli che non pretendono risposte, ma sollevano domande.

La fotografia, alla fine, è sempre una scelta tra cosa includere e cosa escludere dal fotogramma. E a volte, spegnere le luci è l’unico modo rimasto per vedere davvero.

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Come il pensiero di Pascal e Schopenhauer si intreccia alla fotografia per esplorare la fragilità, la costanza e lo spazio dell’interiorità.

La mia ricerca si inserisce nel campo della filosofia, una passione che spero, un giorno, possa diventare il mio lavoro come insegnante. Ho approfondito il pensiero di alcuni autori che trattano i temi della cornice e della natura — in particolare di piante e fiori — e da questi studi ho sviluppato una riflessione personale che intreccia la teoria con il mio vissuto.

Per alcuni filosofi, la cornice rappresenta un limite ben definito tra interno ed esterno: segna l’inizio e la fine dell’opera d’arte, delimitando il campo della rappresentazione di un’immagine e la sua interpretazione soggettiva.

La cornice svolge quindi una duplice funzione: da un lato separa, dall’altro unisce. È una zona intermedia che non appartiene né completamente all’opera né al mondo esterno. Isola e protegge ciò che racchiude, ma allo stesso tempo crea un collegamento tra la realtà quotidiana e lo spazio dell’arte. La cornice definisce un “qui”.

Il corpo come finestra aperta

Nelle mie fotografie ho utilizzato la cornice proprio per dare questo significato: non ho incorniciato il mio corpo nella sua interezza, ma solo alcune parti, variando di scatto in scatto la posizione di questo limite.

In questo modo ho voluto espresso come ogni limite che ci poniamo dipenda da noi stessi: siamo noi a stabilirne l’inizio e la fine. Il corpo viene così visto come un’opera d’arte, in cui ogni parte è espressione di me e può essere delimitata, ma non imprigionata.

Siamo troppo complessi per essere compressi in uno spazio unico: per me, quello spazio diventa piuttosto una finestra aperta sulla mia interiorità.

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Nella Grecia classica, il nudo non celebrava la fragilità umana, ma la perfezione degli dèi. Attraverso il concetto di canone (come quello celebre di Policleto), il corpo veniva sezionato e ricostruito secondo proporzioni matematiche perfette. Il nudo maschile incarnava la virtù civica e atletica, mentre quello femminile (introdotto magistralmente dall’Afrodite Cnidia di Prassitele) univa la sacralità alla grazia formale. Non c’era malizia, ma una ricerca dell’assoluto.

Nota dell’autore: L'Afrodite Cnidia ci insegna il potere della narrazione nella posa. Il nudo diventa arte non quando è una semplice esibizione del corpo, ma quando racconta un'azione, un prima e un dopo, creando una connessione psicologica e intima tra il soggetto, l'obiettivo e chi guarda.

2. Il Rinascimento: La Rinascita dell’Umano

Dopo i secoli medievali, in cui il corpo nudo era quasi esclusivamente sinonimo di peccato e vergogna (legato alle raffigurazioni di Adamo ed Eva cacciati dal Paradiso), il Rinascimento ribalta la prospettiva. Il corpo torna al centro dell’universo. Con artisti come Michelangelo, il nudo diventa un veicolo di potenza espressiva, muscolare e spirituale. La carne è viva, anatomica, studiata scientificamente, ed è lo specchio dell’anima e della dignità umana.

Nota dell’autore: La plasticità del Rinascimento si ritrova nella gestione delle ombre. In questa fotografia, il contrasto netto (chiaroscuro) serve a dare tridimensionalità e forza drammatica alla posa, enfatizzando la struttura anatomica.

3. L’Ottocento e la Nascita dello “Sguardo Moderno”

Con l’arrivo dell’Ottocento, il nudo esce dal mito. Non si dipingono più solo Veneri o eroi greci. Quando Édouard Manet espone l’Olympia nel 1863, sconvolge Parigi: la donna ritratta è un nudo reale, contemporaneo, e il suo sguardo diretto verso lo spettatore rompe l’illusione idealizzata. Il nudo diventa un terreno di scontro politico, sociale e psicologico. È l’inizio della modernità, dove il corpo non deve più essere “perfetto”, ma vero.

Nota dell’autore: La modernità ci ha insegnato l’importanza dello sguardo e della vulnerabilità. In questo scatto non c’è idealizzazione: c’è la verità di un corpo calato nel suo spazio, che rivendica la propria presenza senza filtri.

4. Il Novecento e l’Era Fotografica: Frammentazione e Identità

La nascita e l’evoluzione della fotografia cambiano tutto. Da Edward Weston, che trasforma il nudo in forme astratte che ricordano paesaggi o conchiglie, fino alle provocazioni identitarie della seconda metà del secolo, il corpo si frammenta. Diventa un manifesto di liberazione, di esplorazione di genere, di rottura dei canoni.

Oggi, fotografare il nudo significa decidere quale storia vogliamo raccontare attraverso la pelle e le sue imperfezioni.

Nota dell’autore: Oggi l’arte del nudo è astrazione e dettaglio. Le foto di Edward Weston sono puro piacere per gli occhi, suscitato dal richiamo una sensualità

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tattile, dalla purezza della superfici e della forma.

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L’arte del nudo ci costringe a guardarci allo specchio. Quale di queste epoche storiche senti più vicina al tuo modo di vedere il corpo?

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