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Olivia Wilde estreou na direção com “Booksmart” (2019), mais tarde, enfrentou uma baixa na carreira, em termos de recepção da crítica e do público pelo ritmo lento das resoluções do lançamento subsequente chamado “Não Se Preocupe, Querida” (2022), que contou com Harry Styles e Florence Pugh como os protagonistas. No entanto, para a surpresa de alguns, Olivia se mostra afiadíssima na sua habilidade como diretora capaz de estruturar cortes rápidos e diálogos que beiram o frenesi em “O Convite”.

O longa, que é inspirado no filme espanhol “Sentimental” (2020), se passa ao longo de uma noite, onde o casal frustrado Angela (interpretada brilhantemente pela própria Olivia Wilde) e Joe (Seth Rogen) convida os vizinhos do apartamento do andar de cima, Piña (Penélope Cruz) e Hawk (Edward Norton), para conhecerem o seu apartamento depois de uma reforma em uma noite regada à vinho, uma quantidade absurda de queijos chiques, um suposto jámon (que, na verdade, era prosciutto), um baseado e alguns shots de tequila.

Por um lado, Angela e Joe encaram as consequências do desgaste comum em muitos relacionamentos duradouros onde ela se sente isolada no casamento e ele, está totalmente desgostoso com os rumos da sua carreira. Os dois seguem cansados da rotina e amargurados, sem esconder que pouco se suportam. E o cansaço abre espaço para brigas intermináveis, que parecem ser a única forma que eles se comunicam efetivamente. Enquanto isso, Piña e Hawk parecem personificar o contraponto exato: eles são um casal boêmio e excêntrico em alguns aspectos, com uma sinergia absurda, muita paixão e, ao que tudo indica, ambos seguem extremamente satisfeitos sexualmente.

“O Convite” também trata sobre assuntos que poderiam, facilmente, receber o status de “tabus”, mas acerta em como retratar essas realidades de forma leve e aproximada.

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Atuações divertidas e recheadas de sinergia

O quarteto protagoniza uma série de acontecimentos dentro das quatro paredes daquele apartamento que, em muitos momentos, é quase descartável o lembrete de que existe um roteiro por trás daquelas interações. Tamanha a sinergia do grupo! Parece que todos estão improvisando as falas e, principalmente, as reações cômicas de forma muitíssimo natural. Aqui é preciso dar os devidos créditos ao roteiro assinado por Will McCormack e Rashida Jones, a dupla não só dá o tom ácido e ansioso necessário à trama, mas permite aos atores carregarem as suas interpretações com um ritmo excelente.

No entanto, o desfecho recebe um peso secundário: o filme não se propõe – e nem promete – um clímax absurdo, mas faz que os telespectadores fiquem com os olhos vidrados na tela sedentos pelo desenrolar das situações. É como um “efeito dominó”, onde cada ação e reação está entrosada na próxima sucessão de acontecimentos, e o filme segue essa lógica de obra bem-amarrada. E o desconforto é o denominador comum dessa equação da interação entre os casais.

Em “O Convite”, o foco maior não é na resolução do conflito mas no desenrolar das interações em si – “Será que haverá mais brigas?”, “Como Angela e Joe vão reagir à determinada fala de Hawk e Pinã?” ou “Sou só eu está rolando uma espécie de tensão sexual agora?”, todo esse mar de questionamentos torna a simples premissa do filme algo extremamente atrativo.

Trilha sonora e fotografia espetaculares

Um fator que aprofunda as tensões e os relaxamentos deste cabo de guerra, é a trilha sonora. Aqui, as canções assumem um papel tão presente e visceral nas cenas, dando a pitada correta de acidez, de alfinetadas e de humor para o desenrolar dos acontecimentos no filme. Os créditos por este feito vão a Dev Hynes, que construiu uma composição complexa de violoncelo, onde as falas ganham um acompanhamento das cordas ao fundo.

Outro ponto que é importantíssimo é a fotografia assinada por Adam Newport-Berra: o apartamento se transforma em um labirinto onde vamos pegando peça por peça para montar a imagem completa do que está acontecendo. Existem muitas cenas com reflexos em espelhos, indicando que – pelo menos na primeira metade do longa – os personagens guardam alguns segredos capazes de causar muitas cisões.

Apesar de arrasar na comédia e por esse aspecto já valer o seu ingresso, o filme tenta ser profundo e não consegue submergir nas camadas mais densas das discussões extremamente atuais sobre casamento, relacionamentos e a linha tênue das responsabilidade de cada um. Humor e piadocas à parte, o filme se torna distante quando ele tenta vender esse “lado B” mais complexo e sóbrio. Neste ponto, ao meu ver, os personagens perdem justamente o charme da chatice que tanto os tornam interessantes (como é o caso do personagem de Rogen).

Em conclusão, o final é previsível mas a comédia é sagaz, divertida e lembra que um filme bom não precisa de trocentos efeitos visuais e locações absurdas. O simples também entretém, e como bom jantar, saí satisfeita desse convite caótico e um tanto absurdo.

Mas me diz: Já assistiu ao novo filme dirigido por Olivia Wilde? Responde ao e-mail ou comente na publicação :) Bora amplificar mais narrativas por aí?

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Aviso da editora: Pessoal, infelizmente não consegui subir este texto durante a semana passada. Então teremos dobradinha nesta semana como forma de recompensar vocês, ok?

“Obrigada por vir. Às vezes, eu gosto de simplesmente me esconder nas sombras. Criar uma nova persona, uma identidade diferente. Eu posso ser quem eu quiser ser, criar uma nova persona. Honestamente, eu queria poder ser como as outras pessoas e simplesmente não me importar. Mas aqui fora, na pista de dança, eu me sinto tão livre”.

– introdução de “I Feel So Free”, primeira faixa do mais novo álbum.

“Don’t Phunk With My Heart” do Black Eyed Peas, “Candy Shop” do 50 Cent, “It’s Like That” da Mariah Carey são exemplos dos ritmos de pop rap, hip-hop e R&B que estavam dominando as paradas musicais e as rádios por todo o mundo durante o ano de 2005. E o que Madonna fez neste mesmo período? Nadou contra a correnteza das tendências, recuperando as referências das danceterias dos anos 70 e 80.

Mesmo com todas as polêmicas e deslizes envolvendo a artista, não dá para negar que “Confessions on a Dance Floor” (2005) é e sempre será um dos trabalhos mais aclamados da carreira da Rainha do Pop (podemos entrar nesse consenso, por um instante?). Tudo sobre aquela estética de festas disco, lantejoulas e brilhos – passando pelas batidas dançantes e indo até as cores saturadas como a do famoso e característico body rosa-choque que Madonna vestiu durante o clipe do single chiclete “Hung Up” – soava como um convite para a diversão através da dança e da liberdade vivida nos ballrooms.

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Agora, quase 21 anos depois, a artista norte-americana com mais de 40 anos de carreira retorna a este ambiente familiar: o espaço efervescente, dramático e extremamente contagiante das pistas de dança regadas à disco music. Em “CONFESSIONS II”, Madonna se propõe a escrever um novo capítulo da sua parceria com o produtor britânico Stuart Price, responsável justamente pelo álbum de estúdio da cantora que foi lançado em 2005.

Com 16 faixas ao todo, Madonna divide faixas como “Bring Your Love” com Sabrina Carpenter, “Read My Lips” com Feid, “Bizarre” com Martin Garrix, “My Sins Are My Savior (feat. Stromae)” com Stromae e até com a sua filha mais velha, Lourdes Leon, sob o nome artístico Lola Leon presente na faixa “The Test”.

A sacralidade da pista de dança

Se existe a definição de um lugar que representa a cantora, este local é a própria pista de dança. Talvez seja por isso que este trabalho recente tenha tanta robustez e coesão, pois é para a pista de dança que a cantora se volta quando precisa se redescobrir na música (para além do gênero pop) ou se reconectar consigo mesma. Também existe a possibilidade de ser uma grande coincidência, já que a artista iniciou a carreira na música por meio da dança, quando a artista se mudou para Nova Iorque com uma bolsa de estudos em 1978.

Neste novo álbum, podemos mergulhar na relação que a artista nutriu com o casamento do movimento com o som. Para Madonna, a pista de dança não é apenas um lugar. “É um limiar, um espaço ritualístico onde o movimento substitui a linguagem, onde todos são obras de arte” – é o que ela afirma nas faixas “One Step Away” e “Danceteria”.

Nos mais de 60 minutos de duração de “CONFESSIONS II”, a voz de Madonna ecoa como se estivesse em um set de DJ em uma festa muito bem ritmada com referências de música eletrônica, dance e house, onde cada canção abre espaço para a próxima. Esse detalhe emula o modus operandi da obra de 2005, de certa forma. Sem perder a essência de que estamos observando a Madonna de 2026 e não mais a de 2005.

No entanto, não é apenas essa tal reminiscência que me faz apreciar TANTO o “CONFESSIONS II”, mas a habilidade de Madonna de contar uma história progressiva, com capítulos, detalhes e estrutura. Neste trabalho, cada música soa como um novo capítulo de uma mesma história.

O álbum te convida a saboreá-lo por inteiro, sem pular as faixas, sem deixar de dançar ou parar para pensar demais e sem esperar pelos 15 segundos virais do refrão que podem se tornar uma trend nas redes sociais. Todas as faixas compõem uma grande narrativa, aprofundando a perspectiva de Madonna e Price, ao mesmo tempo que mergulham nas tão esperadas novas confissões em meio aos sons de sintetizadores.

Para os fãs mais atentos ávidos por easter eggs, Madonna também soube servir autorreferências, como é o caso de “Erotica” (em “My Sins Are My Savior”) , “Bedtime Stories” (presente em “Betrayal”) e até a menção à “Ray of Light” (nos acordes de “LES Girl”).

Mas, claro, “CONFESSIONS II” é um álbum do seu tempo e, por esse motivo, caí em algumas pré-determinações atuais do mercado fonográfico, como por exemplo, a quantidade extensa de faixas – detalhe que torna o material mais “vendável” e interessante para marcas de streaming. E sim, as faixas são relativamente menores do que as canções apresentadas em “Confessions on a Dance Floor” de 2005.

Afinal, o que Madonna veio a confessar?

Madonna compartilha seus pensamentos líricos sobre amor, diversão, separação e, claro, tristeza e luto. Dito isso, os primeiros 37 minutos da discografia passam como uma miragem, um flash, é um verdadeiro deleite ouvir essa parcela do “set”. Para mim, essa parte do projeto foi quase um teletransporte para as festas durante as madrugadas que costumava ir com meu melhor amigo, quando ainda tínhamos energia de jovens para tais aventuras pelas ruas de São Paulo.

Mas, para mim, o álbum perde um pouco a tração a partir de “Bizarre”, uma faixa em parceria com Martin Garrix. Mesmo me identificando mais com a primeira parte do trabalho, em nenhum momento esse detalhe se torna um demérito para a proposta deste projeto. Como de costume, Madonna aproveita o seu espaço para também apresentar lados das facetas mais introspectivas, como na canção “Fragile”.

Faço uma menção honrosa à “Danceteria” – uma das minhas músicas favoritas de todo o projeto –, faixa onde Madonna compartilha um pouco da energia experimentada na cena das artes, música e entretenimento em uma discoteca de Nova Iorque conhecida por receber as festas do artista plástico Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, os B-52’s e outros grandes nomes do setor (que são abertamente mencionados nas linhas da composição). Ela traz a cultura clubber de volta, não porque ela está hypada, depois de lançamentos como o “BRAT” (2024) de Charli xcx.

Pelo contrário, Madonna fala do que ela vive e viveu. Essas são as confissões de uma mulher madura, que já viveu alegrias e desapontamentos, a solidão e a sensação de completude. O trabalho da cantora se conecta com tantas pessoas porque Madonna traz a sua vivência e ressalta o que existe de mais humano nela, com temas universais sobre a vida como amor, prazer, dor e toda uma série de questionamentos no meio disso tudo. E “CONFESSIONS II” é mais um capítulo da interpretação de Madonna sobre uma série de acontecimentos, dispostos na forma de canções.

É justamente essa proximidade, pela perspicácia em permitir se libertar e refletir sobre a sua jornada que, ao meu ver, se torna o propulsor capaz de abrir os caminhos para toda uma nova geração do pop se levantar depois dela. Madonna não apenas criou um projeto extremamente coeso mas, criou algo com um nível de excelência excepcional, sendo sagaz, ácida e transparente como só ela poderia ser. Mais uma vez, Madonna veio para provar o porquê que “Music makes the people come together”.

Mas me diz: O que você achou do retorno da Madonna, qual é a sua faixa favorita do álbum? Responde ao e-mail ou comente na publicação :) Bora amplificar mais narrativas por aí?

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“Backrooms é, por excelência, aquilo que aproveitaria da nossa curiosidade e do nosso desejo de saber mais, de juntar significado a partir do que parece ser ruído aleatório. É sobre cair na toca do coelho e chegar a um lugar onde você percebe que existe uma crise que está afetando muito mais gente do que apenas o Clark. Está em todo lugar” – afirmou Kane Parsons para o Los Angeles Times.

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O lançamento mais recente do estúdio norte-americano, A24, “Backrooms: Um Não-Lugar”, traz uma proposta refrescante ao gênero dos audiovisuais de terror. Esqueça os inúmeros jumpscares consecutivos ou até a estética ensanguentada do gore, o filme dirigido pelo artista estreante de 20 anos, Kane Parsons, traz o terror para um lugar mais próximo do telespectador: o espaço do cotidiano (ou o limiar próximo a ele?).

E talvez seja isso que torne o filme tão desconfortável, a aposta não poderia ser mais acertada – tanto é que somente entre os dias 28 e 31 de maio deste ano, mais de 400 mil brasileiros foram às salas de cinema para descobrir o plot por trás de uma das promessas cinematográficas do ano. De acordo com informações do The Wrap, 86% dos espectadores têm menos de 35 anos, 66% têm menos de 25 e 44% têm menos de 21 anos.

Apesar de soar revolucionário (e, em muitos sentidos alcançar este patamar) pela proposta de trazer o horror para espaços conhecidos, o embrião – por assim dizer – desta narrativa não é tão recente assim. Mas um fato essencial para entender a lore por trás deste filme é que a aventura é nativa da internet. Isso mesmo que você leu! Em 2019, um usuário do 4chan compartilhou a imagem de um escritório com carpete amarelo totalmente vazio e uma iluminação um tanto desconcertante acompanhado de uma legenda sobre atravessar realidades e parar em um lugar que, segundo ele, não deveria existir.

O diferencial aqui foi a criação colaborativa, onde outros usuários da plataforma contribuíram compartilhando as suas ideias para a criação daquele ambiente comum mas meio assustador, simples mas realmente intrigante. A lenda se tornou referência e, em 2022, no auge dos seus 16 anos, Parsons publicou um curta-metragem no YouTube (assinando o trabalho com o perfil Kane Pixels) criado com o Blender, um software de animação 3D gratuito. Com isso, a lenda virtual foi elevada ao status de uma história bem amarrada com personagens e uma mitologia expandida própria do universo.

Mais de quinze uploads depois, Parsons somava algo em torno de 300 milhões de visualizações no canal. Essa conquista permitiu ao jovem uma contratação pela A24 com apenas 17 anos para se debruçar no desafio de expandir a história apresentada. O resultado chegou às salas de cinema e, com isso, Kane conquistou o posto de diretor mais jovem na história do estúdio.

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O que são os backrooms?

Os backrooms representam uma realidade paralela a que vivemos, com cômodos, salas e corredores com paredes de um amarelo característico distribuídas como um verdadeiro labirinto confuso e capaz de desnortear. Móveis são distribuídos de maneira descompassada, amarrotados ou engolidos em partes pelo chão, sem cumprir uma função aparente. Placas apresentam as palavras ao contrário, escolhas essas que unem o conhecido à uma sensação de estranheza bastante presente ao longo dos 111 minutos de filme.

É uma mensagem clara: algo com aquele lugar (ou com o não-lugar) está errado. Apesar da alegoria por trás da história, dos personagens que esbarram neste abismo, as criaturas (ou monstros) que vivem ali (e o corporativismo que explora aquele ambiente!!!), Parsons não foi um criador muito preocupado em dar explicações – sejam elas, explícitas ou não – sobre os significados da sua narrativa.

Contextualizações à parte, o filme acompanha a vida do dono de uma decadente loja de móveis chamado Clark (vivido por Chiweter Ejiofor), que precisa confrontar a sensação de descontrole tanto na sua vida conjugal que está ruindo, como no aspecto profissional, que também não vai nada bem. Então, não é algo de outro mundo afirmar que Clark é um homem frustrado, com o rosto marcado por um semblante cansado.

No entanto, ele se vê obstinado pelo desconhecido (e pela falta de respostas sobre ele…?) a partir do momento que esbarra com uma espécie de passagem secreta em uma fresta no porão da sua loja, ao se questionar sobre gastos excessivos de energia. E, apesar de estar lutando contra a solidão, a psicóloga, a dra. Mary Kline, que acompanha Clark (interpretada lindamente por Renate Reinsve), e outros conhecidos, como a Kat (Lukita Maxwell) e seu namorado Bobby (Finn Bennett) acabam atraídos para os backrooms por conta da preocupação com Clark e da curiosidade de se existir uma suposta outra dimensão.

O limiar entre passado e presente (e talvez até futuro?)

Eu não sou a maior assídua consumidora de filmes de terror, confesso, até costumo brincar com as pessoas mais próximas que eu encontro jumpscares onde nem deveria ter. Então, eu confesso a minha falta de letramento no tema. Mas, pensando durante alguns bons dias sobre quais lições eu poderia refletir sobre essa história, cheguei à conclusão que o filme tem um subtom de identidade (e a busca pelo reconhecimento?).

Assim como já vimos em diversas obras tanto escritas como audiovisuais, os backrooms se tornam um personagem da trama e, além disso, uma representação do que existe de mais humano em Clark: dor, desconforto e desconexão em um mundo onde há a procura incessante por sentido, ou até uma saída para o caos. Existe um “q” de teor psicológico. Neste espaço, as fronteiras entre a memória (realidade) e a dor (ilusão) se dissolvem rapidamente. Então, existe essa noção do não-limite, da falta de pertencimento e a construção estruturada da ideia da fuga. Em entrevista ao Los Angeles Times, Parsons descreveu o apelo desses espaços como "um presente que arma armadilhas com o passado, usando a nostalgia como isca".

Também há uma dissolução importante na relação paciente-psicóloga, entre Clark e Mary e os traumas que cada um carrega sobre a ideia de pertencer (ou não) à algum lugar. O atordoamento e a estranheza são tão grandes e densos que nem os personagens, nem nós, telespectadores, sabemos ao certo o que é real e o que é inventado naquele ambiente amarelado angustiante.

Tal dualidade me lembra bastante a proposta de “Ruptura” (2022), uma das séries mais promissoras da história da Apple TV+. Os corredores imensos que mais se assemelham à labirintos. Enquanto em “Backrooms: Um Não-Lugar”, as cores predominantes são mais puxadas para os tons de amarelo, “Ruptura” brinca com um contexto semelhante mas com cores como azul, cinza e verde. Nas duas narrativas existe essa construção de que somos multifacetados e dicotômicos, ou seja, não somos os mesmos em todos os lugares. Assim como Mark em “Ruptura”, aqui Clark encara essa dualidade quando está nas sessões de terapia e quando está no reino que constrói para si nos backrooms, onde existem cópias mal-feitas da realidade.

Nativos digitais dominam as telonas

É fácil dizer que Parsons apresenta maturidade tanto na sua habilidade de direção, como no roteiro (!!!). Pois o artista foge do que é costumeiro para alguns diretores: a reprodução do que já era bastante conhecido por parte do seu público na internet.

Quem já conhecia o trabalho pode se surpreender ao notar várias semelhanças estéticas, mas “Backrooms: Um Não-Lugar” funciona como uma versão estendida do que ele iniciou há alguns anos atrás no YouTube. E com isso, mais um diretor – com experiência anterior na internet, como também é o caso de Jordan Peele, com “Corra!” (2017) e “Nós” (2019), e Curry Barker, com “Obsessão” (2026) – se consagra no mercado Hollywoodiano.

Mas me diz: Você já assistiu Backrooms? Se sim, responde ao e-mail ou comente na publicação a sua opinião, eu vou adorar saber o que achou :) Bora amplificar mais narrativas por aí?

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Fazer um spin-off de uma obra audiovisual já conhecida (e premiada!!!) envolve uma “matemática” complexa, ao lidar com uma legião de fãs apaixonados – geralmente, apegados aos significados e símbolos atribuídos à obra original – além de exigir da equipe de produção em assuntos administrativos e logísticos na criação de um novo capítulo da empreitada.

Foi em 2017 que “The Handmaid’s Tale” estreou e, ao longo destes anos, foram lançadas seis temporadas no total e muitos prêmios foram conquistados, como o Globo de Ouro de 2018 na categoria de Melhor Série Dramática de TV. Os telespectadores que acompanharam a vida de June Osborne em Gilead, um país com regime autoritário e teocrático onde as mulheres perdem todos os direitos e são resumidas aos papéis de serviço aos homens, puderam conhecer a mais nova série derivada deste universo.

Tanto “The Handmaid’s Tale” como “Os Testamentos – Das Filhas de Gilead” são inspirados nos livros de distopia da autora canadense Margaret Atwood. A primeira das séries teve o livro de mesmo nome (“O Conto de Aia”, em tradução livre), publicado em 1985, como embasamento para a adaptação para as telas. Em “O Conto de Aia”, a história acompanha uma mulher chamada June (interpretada brilhantemente por Elisabeth Moss!!! Que é produtora executiva de “Os Testamentos”, vale fazer essa espécie de menção honrosa) que mora na Nova Inglaterra durante a tomada de um governo totalitarista com inspirações no cristianismo após um golpe que derrubou o governo norte-americano como o conhecemos.

Um fato importante para reforçar é que o segundo livro foi pensado após a recepção calorosa dos fãs com a série. Um dos pontos altos da série é que June tenta se reencontrar com sua filha Hannah, que foi sequestrada e separada da família pelo regime. Com todo esse contexto em mente, em 2019, Atwood publica o livro “Os Testamentos”, que serviu como fonte de referências para o spin-off “Os Testamentos – Das Filhas de Gilead”.

Na série derivada, retornamos a Gilead a partir de uma outra perspectiva. Aqui, podemos observar as problemáticas das adolescentes filhas dos Comandantes deste regime distópico e as suas desventuras na escola para futuras Esposas, situadas cinco anos depois que June e a frente revolucionária Mayday derrubaram o regime em algumas cidades estratégicas.

As personagens principais são Agnes Mackenzie (Chase Infiniti) e Daisy (Lucy Halliday) e a dupla personifica uma dicotomia bastante curiosa. Enquanto a primeira foi criada sob o regime de Gilead e, por esse motivo, é extremamente inocente e devota ao sistema, a segunda é uma convertida recente vinda do Canadá, ou seja, de além dos limites daquela sociedade. Daisy diz acreditar no regime, mas a personagem esconde algumas pitadas de segredos.

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O poder da amizade entre mulheres

O que é um dos detalhes mais interessantes sobre essa adaptação é que não é obrigatório ter assistido à série original para acompanhar o desenrolar dos fatos durante essa nova trama. O plano de fundo é que o Mayday, a resistência da qual June faz parte, ainda está lutando para libertar as pessoas daquele governo autoritário e restaurar os Estados Unidos.

Essa tensão de conflito ideológico e bélico paira sobre Gilead e soma-se à repressão corriqueira do sistema. A amizade entre mulheres é totalmente desincentivada pois, para os Comandantes, resulta em traição. Mas Daisy, que viu com seus próprios olhos a realidade de fora daquele regime é, de longe, a personagem que mais questiona aquele modus operandi e que não aceita esse cerceamento com tanta facilidade.

Apesar disso, o clima de “Os Testamentos” é bem menos violento que a trama mostrada em “The Handmaid’s Tale”. Ainda existem execuções e violência mas, aqui, o assunto principal é o amadurecimento de um grupo de amigas – uma noção bastante trabalhada em inúmeras séries na história do audiovisual contemporâneo (sério, eu nem consigo começar a mencionar todas).

A resistência ainda é importante mas a tensão das torturas – sejam elas, físicas ou psicológicas – abrem espaço para a descoberta da vida adulta. Acredito que este é um fator de aproximação muito importante capaz de reforçar o apelo positivo da série e a recepção acalorada por parte dos fãs. É como se “Os Testamentos” contasse a história a partir de um olhar mais jovem, mais inocente mas não menos revolucionário.

A série conta com detalhes na produção que fazem com que a história se aproxime do público, como as escolhas de fotografia mais vívida e satura ou até a inclusão da faixa “Dreams” de The Cranberries na trilha sonora. “A chave foi pegar o que aprendemos com ‘The Handmaid’s Tale’ sobre como criar tensão e usar isso aqui para brincar com essa sensação – e criar esperança. E essas personagens são cheias de esperança, então o ponto de vista delas nos ajuda nisso”, afirmou Bruce Miller em entrevista à CNN.

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Há uma linha invisível, mas um tanto sinuosa, que conecta as geografias da dor e do estranhamento durante a 79ª edição do Festival de Cannes, que ocorreu de 12 a 23 de maio.

No último sábado, as telas da Riviera Francesa não se voltaram apenas para o encerramento de um dos espetáculos mais luxuosos do cinema, mas para a complexidade daquilo que é capaz de marcar as nossas narrativas nos níveis mais profundos e pessoais: a estrutura familiar, sob a lente do atrito cultural e da perda.

No centro deste cenário está o grande vencedor da noite, “Fjord”, dirigido pelo romeno Cristian Mungiu – anteriormente premiado pelo longa “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias” na mesma categoria em 2007.

Ao conquistar a Palma de Ouro, o longa-metragem que concorreu neste ano escava as contradições vividas na rotina de uma família romeno-norueguesa que tenta fincar as raízes conservadoras em um solo progressista, evidenciando o choque áspero mas silencioso entre a tradição e a contemporaneidade.

Um detalhe importantíssimo da conquista de “Fjord” é a consolidação consistente da distribuidora norte-americana Neon, através da sequência histórica de presença no festival. Tudo começou quando, em 2019, a empresa foi responsável pela distribuição de “Parasita”, vencedor da Palma de Ouro naquela edição do festival.

Desde então, a Neon também esteve relacionada a outras produções premiadas como “Titane” (2021), “Triângulo da Tristeza” (2022), “Anatomia de uma Queda” (2023), “Anora” (2024) e “Foi Apenas um Acidente” (2025).

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Coprodução brasileira marca presença na premiação

Na mesma medida em que “Fjord” investiga o choque entre universos distintos, “Elefantes na Névoa”, dirigido e roteirizado por Abinash Bikram Shah, constrói uma poética em volta da ideia de desamparo.

Vencedor do Prêmio do Júri na mostra Un Certain Regard, o filme do Nepal – com coprodução brasileira das produtoras Enquadramento Produções e Bubbles Project – nos convida a partilhar os silêncios de uma matriarca que assiste ao desaparecimento da sua filha. Entre a névoa física e a névoa social que engole as mulheres daquela vila, o cinema se impõe como denúncia e como um espelho urgente das fragilidades humanas.

Consolidado como o farol da temporada, o Festival de Cannes funciona mais como uma espécie de bússola estética das pautas das próximas premiações do que apostas somente comerciais.

A premiação que acontece na Riviera Francesa não apenas antecipa os concorrentes ao Oscar ou até ao Bafta, mas valida a urgência das narrativas ali compartilhadas, transformando a Palma de Ouro e os destaques das mostras paralelas no termômetro inicial do que a indústria definirá como a excelência cinematográfica do ano de 2026.

Confira a lista dos vencedores do Festival de Cannes em 2026:

• Palma de Ouro: “Fjord” de Cristian Mungiu

• Grand Prix: “Minotaur” de Andrey Zvyagintsev

• Prêmio do Júri: “The Dreamed Adventure” de Valeska Grisebach

• Melhor Diretor: Javier Calvo e Javier Ambrossi por “La Bola Negra”, além de Paweł Pawlikowski por “A Terra do Meu Pai”

• Melhor Atriz: Virginie Efira e Tao Okamoto por “All of a Sudden”

• Melhor Ator: Emmanuel Macchia e Valentin Campagne por “Coward”

• Melhor Roteiro: “Notre Salut” por Emmanuel Marre

• Câmera de Ouro (filme de estreia): “Ben’imana” de Marie Clémentine Dusabejambo

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Sabe aquela mania comum das pessoas mudarem algo sobre a aparência para marcar um momento de transição ou personificar uma nova era? Acho que eu precisava disso, mas para a newsletter. Se você sentiu um “vazio” no feed da amplificando narrativas ou notou algo diferente nas últimas semanas, não foi só uma impressão sua. Estávamos em reformas!

A vida deu uma boa chacoalhada por aqui apresentando inúmeras demandas (e desafios), desde um semestre bem puxado na minha segunda graduação, passando até por momentos mais críticos da saúde das minhas cachorrinhas (que já são senhoras em idade canina). Então, tive que dar uma pausa nas produções para reorganizar as coisas (sem surtar no processo, detalhe importante!).

Nessa chamada da vida pela mudança, movimento e mais dinamismo, veio a vontade de mudar um pouco a newsletter amplificando narrativas. E não é apenas um “filtro” ou uma nova estética, mas é uma maneira de reafirmar o que sempre foi prioridade aqui: que olhar para notícias pode, sim, ser algo divertido.

O que mudou?

Desde agosto de 2024, tenho criado este universo com todo o carinho e acreditando no sonho que podemos, sim, trazer notícias para não só apenas informar, mas questionar o status quo e nos fazer refletir sobre as nossas próprias vidas.

Eu sempre tive um olhar um pouco mais ativista para a notícia. Não era muito fã da ideia de escrever e relatar fatos para apenas informar. Mas – com os novos desafios de uso recorrente das supervalorizadas “inteligências” nos processos criativos que deveriam ser puramente humanos, na minha opinião – o papel da notícia tem sido posto em cheque diariamente. E nasce a necessidade de oferecer algo além…

De 2024 para cá, nós nos tornamos uma comunidade muito maior do que imaginaria (somos mais de 4 mil pessoas leitoras!) e eu notei que uma mudança mais intencional seria não só interessante mas uma forma de comemorar essa comunidade incrível! Aliás, se você continua aqui, muito MUITO obrigada! Agora, bora falar das mudanças:

• A paleta de cores: Agora, as cores assumem uma nova configuração, com uma mistura de azul, amarelo, verde e vermelho para conferir um tom mais leve, meio funky e dinâmico à news;

• O nome: Quando criei este espaço online, sabia que um nome maior seria um desafio... Mas eu realmente acreditava (e ainda acredito!) na proposta de amplificar narrativas diversas por meio dos meus textos. Eu sonho que, através dos meus textos, eu possa criar pontes entre pessoas e ideias e, torço para compartilhar um pouquinho de inquietação, curiosidade e vontade de transformar os nossos cotidianos com você (mesmo que seja só uma pitada!). Mas, no decorrer desses meses escrevendo aqui, comecei a chamar a news de “ampli”, apenas. E, nessa nova roupagem da newsletter, eu quis acrescentar a expressão na identidade visual de alguma forma;

• E outras aplicações: Além disso, criei mais formas de aplicar estes detalhes nos cabeçalhos das edições, rodapés, na marca d’água e, também, em detalhes visuais, como essa divisória aqui embaixo. Olha só!

Uma nova temporada da nossa revolução!

Para comemorar essas mudanças, fiz algumas modificações nas editorias (ou seções) da newsletter. Quando comecei, não queria segmentar o projeto porque, naquele momento, isso parecia limitar a minha criatividade.

Mas, agora, com o projeto apresentando mais solidez, sei quais caminhos quero seguir e, por esse motivo, uma segmentação mais pontual se mostra não só necessária, mas um movimento natural. Então, a partir de maio de 2026, teremos as seguintes seções:

Um costume que eu mantinha durante os primórdios aqui do ampli eram as narrações em áudio que eu mesma gravava com uma mesa de som improvisada diretamente do meu quarto. Foi por causa de algumas edições aqui e ali em textos já publicados que acabei apagando os áudios editados e, também, perdi os originais no limbo do lixo digital (também conhecido como o meu finado computador que sofreu um acidente envolvendo uma garrafa d’água semiaberta em uma bolsa).

Na época, não tive a coragem de regravar todos os textos porque eu editava o áudio e dava um trabalhão. Por isso, pensei em abrir mão do perfeccionismo e fazer uma gravação mais solta e descontraída. Isso mesmo, você leu certo!!! Esse era um detalhe legal demais sobre a minha escrita neste espaço que vou retomar. As narrações por áudio dos escritos estão de volta.

IMPORTANTE! Eu também aproveitei esse momento de “reorganizar a casa” para atualizar e REDUZIR os preços de todas as assinaturas permanentemente, e caso você não seja um assinante premium, te convido a checar os nossos precinhos camaradas clicando no botão abaixo:

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E falando em vantagens, todos os assinantes podem:

• Comentar em todos os posts e participar do chat de membros;

• Ter acesso às edições sazonais e conversas em áudio extras;

• Participar do clube de leitura exclusivo (que vai começar oficialmente, em julho!!!).

Com essas mudanças, torço para cocriarmos uma maior identificação e aproximação entre nós e os meus textos!

Para que, assim, seja fácil reconhecer a news independente da natureza da escrita, seja ela, alguma resenha sobre os últimos longas lançados, uma discussão mais aprofundada (e exclusiva!) no nosso clube de leitura ou até com um artigo maior em forma de entrevista quentinha.

Mas me diz: O que você achou do visual? Responde ao e-mail ou comente na publicação :) Bora amplificar mais narrativas por aí?

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O Festival de Sundance 2026 se deparou com uma grande protagonista na edição deste ano. Entre os dias 22 de janeiro e 1º de fevereiro, as atenções em Utah se voltaram para Beth de Araújo.

Nascida na cidade de São Francisco e filha de pai brasileiro, a cineasta e roteirista não apenas apresentou seu novo trabalho, como fez história ao conquistar os dois prêmios mais cobiçados da noite: o Grande Prêmio do Júri e o Prêmio do Público, de acordo com a revista norte-americana Variety.

“O cinema é a minha igreja“, declarou a diretora em discurso emocionado. A devoção de Beth se traduz em “Josephine”, um drama ambientado nos anos 90 que caminha sobre a linha tênue entre o amadurecimento e o trauma a partir dos olhos e vivências de uma criança lutando para decifrar o mundo à sua volta.

O longa foi apresentado no Festival de Cinema de Sundance no dia 23 de janeiro de 2026 e foi exibido no Festival de Cinema de Berlim.

O impacto do olhar de uma criança

A trama acompanha Josephine, uma menina de oito anos interpretada pela revelação Mason Reeves, cuja atuação tem sido apontada como uma das grandes surpresas do ano com uma maturidade para lá de extraordinária com as câmeras. A pequena protagonista testemunha um crime brutal no Golden Gate Park e, por esse motivo, acaba se tornando o ponto central de um dilema social e jurídico que capaz de fraturar a sua família.

O pai (Channing Tatum), movido pelo senso de justiça, incentiva a filha a colaborar com os investigadores e advogados. Enquanto a mãe, interpretada pela atriz Gemma Chan, dá voz ao instinto protetor e questiona o custo emocional de expor uma criança ao tribunal. Mas, o filme expõe um terceiro componente nesta equação: a própria Josephine, que luta para sequer compreender um crime cruel.

Semiautobiográfico, o filme compartilha acontecimentos extremamente específicos para tratar sobre questionamentos universalmente humanos. O foco aqui não é no veredito do tribunal, mas em como acontecimentos traumáticos podem impactar a vida e as percepções de uma criança.

“Josephine” é, ao mesmo tempo, sensível e complexo e, com certeza, é o trabalho que veio para consolidar ainda mais Beth de Araújo como uma das vozes extremamente autênticas da nova safra do cinema.

No último dia 11 de fevereiro, o mundo celebrou o Dia Internacional das Mulheres e Meninas na Ciência.

Para quem acompanha as métricas da UNESCO (Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura), o dado que abre esta conversa soa como um soco no estômago: apenas 31,1% dos pesquisadores no mundo são mulheres1. Ao voltar o olhar para a tecnologia de ponta, o cenário é de um deserto em representação, onde apenas 12% dos profissionais de computação em nuvem são mulheres.

Mas aqui no Brasil, o paradoxo tem um molho sofisticado. Segundo dados da SECOM (Secretaria de Comunicação Social da Presidência da República), nós não sofremos por falta de vocação. Pelo contrário, somos a maioria na base acadêmica: 57% das pessoas com títulos de mestrado e doutorado no país são mulheres2.

O Brasil forma, titula e reconhece mulheres enquanto ainda somos limitadas à base de trabalho. Porém, conforme o caminho afunila enfrentamos um corte considerável. Apenas 35% das bolsas de produtividade no topo da pirâmide são ocupadas por nós, mulheres.

A ciência brasileira é feita por mulheres!

Mas, falar sobre esse teto de vidro é, inevitavelmente, falar sobre quem está

conseguindo estilhaçá-lo. Não há como pensar a ciência brasileira hoje sem a ética da pneumologista e pesquisadora da Fiocruz, Dra. Margareth Dalcolmo, ou sem a visão estratégica da Dra. Sue Ann Costa Clemens, coordenadora dos testes da vacina Oxford/AstraZeneca no combate à pandemia da covid-19.

Trajetórias como a da Dra. Sônia Guimarães, primeira mulher negra doutora em Física no Brasil e professora do ITA, não é apenas um currículo; é um voz em meio à multidão. Sônia nos ensina que ocupar as ciências pode, sim, ser um ato de retomada de território.

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Esse mesmo fio condutor nos leva à Dra. Jaqueline Goes de Jesus, que ao sequenciar o genoma do coronavírus em tempo recorde (em apenas 48 horas após o primeiro caso no Brasil!), deu rosto à agilidade científica nacional, inspirando meninas negras que, finalmente, se enxergaram em uma cientista no topo de uma descoberta mundial.

Pensando nisso, celebrar o 11 de fevereiro no amplificando narrativas é entender que o dado da UNESCO é um alerta de que o mundo não está operando com todo o seu potencial. Nós precisamos de políticas que garantam que o domínio feminino nas especializações se transforme em poder de decisão.

Assim, o “efeito de corte” só será vencido quando a excelência de mulheres como Jaqueline, Margareth e Sônia deixar de ser uma exceção para ser o motor cotidiano e potente da ciência brasileira.

A tradução de clássicos literários para as telonas é uma tarefa comumente complexa que marca gerações. Mas, enquanto obras como “Clube da Luta” (1999) e a trilogia “O Senhor dos Anéis” se entregaram à densidade dos escritos originais, a nova adaptação de “O Morro dos Ventos Uivantes” (cujo título é propositadamente apresentado entre aspas, como defendeu a diretora Emerald Fennell) levanta um questionamento: teria a estética se tornado o verdadeiro triunfo das produções contemporâneas?

Nesta versão distribuída pela Warner Bros. Pictures e lançado em 12 de fevereiro de 2026, o enredo original de Emily Brontë sofre alterações sob a visão da diretora de “Bela Vingança” (2020) e “Saltburn” (2023). Vale o parêntese: Fennell é a mesma diretora que se destacou por “Barbie” (2023). Entre as mudanças, o irmão de Cathy (Margot Robbie) faleceu, Edgar Linton (Shazad Latif) e Isabella (Alison Oliver) não são irmãos e a governanta Nelly (Hong Chau) tem ascendência asiática.

Paixão, Vingança e o Apelo à Geração Z

Na trama original, Heathcliff é adotado pelo severo patriarca da família Earnshaw e criado sob as condições de um serviçal. No entanto, o isolamento do morro sela o destino de Cathy e do garoto, que desenvolvem uma conexão profunda desde a infância. Já adultos e consumidos por uma paixão secreta, os protagonistas veem o vínculo ser testado pelas convenções sociais. Cathy, em busca de estabilidade e status, decide se casar com o abastado vizinho Edgar Linton.

Devastado pela escolha, Heathcliff foge, desaparecendo por anos. Tempo depois, o reencontro ocorreu quando Heathcliff retorna rico para as colinas e com uma sede de vingança que beira o limite da tensão sexual. Esse retorno relança fagulhas às chamas de uma obsessão alimentada desde cedo, agora confrontada por um ponto central: o compromisso de Cathy com a família Linton.

É nesse embate emocional que os visuais da produção se tornam protagonistas, em uma tentativa de convidar a “geração TikTok” aos cinemas. O design de produção de Suzie Davies dá vida à mansão no Morro e, a direção de arte de Caroline Barclay e Neneh Lucia faz da Casa dos Lintons uma peça de surrealismo visceral, onde paredes mimetizam até às texturas orgânicas do corpo humano.

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Polêmicas e o "Moodboard" de Emerald Fennell

E como falar de “O Morro dos Ventos Uivantes”, sem citar a mágica fotografia orquestrada por Linus Sandgren. Sob suas lentes, as caracterizações assinadas por Jacqueline Durran surgem extravagantes na medida certa, permitindo que Margot Robbie e Jacob Elordi encarnem versões extremamente saturadas dos seus respectivos personagens, ambientados entre a natureza das colinas e os corredores exagerados, revelando uma artificialidade deliberada.

No entanto, o ponto que mais inflamou as discussões online foi o casting de Heathcliff. Na obra original, o personagem é descrito como uma espécie de forasteiro de pele escura, frequentemente associado a origens ciganas ou indianas, o que torna as questões raciais latentes na trama.

A escolha de Jacob Elordi, um ator branco e inglês na ficção, foi recebida por parte dos fãs como mais um exemplo de apagamento histórico. Entre o punhado de adaptações do Norte global, apenas a versão de 2011, dirigida por Andrea Arnold, escalou um ator preto para viver Heathcliff. Porém, o filme mais recente propõe profundidade e entrega uma espécie de role-play intenso com beijos molhados, encontro às escondidas e até coleiras, investindo tempo de tela nas “bizarrices” vividas pelo quarteto principal e suas vontades.

A estética como “A” protagonista

Ainda assim, o longa tem todos os ingredientes para gerar um alvoroço cultural. Além da base literária de 1847, traz o peso midiático dos australianos Robbie e Elordi, embalados pela trilha sonora de Charli xcx, a voz da Geração Z. Mas, embora o filme se apresente como uma festa maximalista se avaliado frame a frame, a pergunta que persiste é: em uma obra tão visceral, a estética, por si só, se sustenta?

Ao fim da sessão, resta a sensação de que Emerald Fennell não adaptou um livro, mas sim uma versão do seu próprio moodboard. Se por um lado a diretora entrega o espetáculo visual que a era do compartilhamento exige, por outro, ela parece domesticar a fúria de Brontë. No novo “O Morro dos Ventos Uivantes”, o que parece ser mais importante é a “moldura” da obra. É um cinema que enche os olhos, mas que corre o risco de deixar o coração (e a respectiva densidade literária) em segundo plano. Fennell deixa claro que sua lealdade não é com o cânone de 1847, mas com o zeitgeist1 de 2026.

Afinal, quem é a protagonista da nova versão de “O Morro dos Ventos Uivantes”?Talvez a resposta não seja Cathy nem Heathcliff, mas a própria lente que os capturou. Em um mundo atual saturado por feeds extremamente instagramáveis, Fennell tenta elevar a beleza ao status de linguagem para traduzir a estranheza da obsessão. Apesar do trabalho fenomenal de Margot Robbie, aqui, a estética é a verdadeira protagonista.

Nota: ★★★ (3/5)

Desfiles de tirar o fôlego durante o tapete vermelho, apresentações com coreografias milimetricamente planejadas e discursos emocionados moldam o imaginário do Grammy Awards desde 1959. No último dia 1º de fevereiro, a 68ª edição da premiação não foi diferente ao celebrar o melhor da indústria fonográfica produzida entre 31 de agosto de 2024 e 30 de agosto de 2025. Mas, para além dos gramofones dourados, o que se viu na Crypto.com Arena foi um momento que abriu mão do glamour de uma cerimônia protocolar pela urgência dos recentes acontecimentos no país.

O evento, realizado logo após uma tentativa de greve geral no país, ecoou o furor de recentes protestos que tomaram as ruas norte-americanas sob um mesmo lema: “ICE Out” (em tradução livre, “Fora ICE”). O movimento é uma resposta direta ao episódio em que agentes do United States Immigration and Customs Enforcement, uma espécie de milícia civil recrutada pelo governo Trump para atuar como soldados anti-imigrantes, assassinaram a tiros os cidadãos estadunidenses Renee Nicole Good e Alex Pretti em Mineápolis12.

A mando do governo federal dos EUA, a cidade de Mineápolis foi um dos alvos de uma enxurrada de agentes do ICE em janeiro. Com traços de narrativas distópicas dignas de Suzanne Collins, a justificativa oficial foi o combate à imigração ilegal; na prática, porém, a violência não poupou nem as crianças, detidas durante as investidas.

Protestos no palco: A música como resposta política

Foi nesse cenário de tensão que vozes como a do porto-riquenho Bad Bunny ecoaram no palco da premiação: “Antes de agradecer a Deus, eu vou dizer ‘Fora ICE!’. Não somos selvagens, não somos animais, não somos alienígenas e somos americanos”, ao agradecer o prêmio de Melhor Álbum de Música Urbana. O artista ainda conquistou a honraria de Álbum do Ano com “Debí Tirar Más Fotos” (2025). Durante os discursos, ovacionados pela plateia, era possível observar vários artistas com bottons com os dizeres “ICE Out”.

A californiana Billie Eilish, vencedora do Grammy de Canção do Ano, relembrou os presentes que as terras, hoje conhecidas como os EUA, já foram território indígena há pouco mais de 500 anos. “Ninguém é ilegal em terras roubadas”. Kehlani, que levou dois gramofones para a casa, convocou a indústria para a ação, dizendo:

“Todos os que estão aqui nesta sala, e todos os que estarão aqui depois, são muito poderosos. Juntos, somos mais fortes para protestar contra injustiças que estão acontecendo no mundo agora. Em vez de apenas sermos uma turminha de pessoas aqui e ali, eu espero que todos tenhamos a inspiração de nos unirmos à comunidade de artistas e falar sobre o que está acontecendo. F*da-se o ICE!”.

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A Artista Revelação a inglesa Olivia Dean, se descreveu como “fruto da coragem, neta de imigrantes” e aproveitou para se posicionar contra os assassinatos. No mesmo tom, Shaboozey, premiado por Melhor Performance Country ao lado de Jelly Roll, dedicou a vitória àqueles que construíram o país:

“Os imigrantes construíram este país, literalmente. Este prêmio é para eles, para todos os filhos de imigrantes. E também é para todos os que vieram para cá em busca de melhores oportunidades, de fazer parte de uma nação que promete liberdade e oportunidades iguais para todo mundo que quer trabalhar. Obrigado por nos trazerem sua música, suas histórias e suas tradições. Vocês dão cor à América”.

A cerimônia do Grammy, embora centrada nas feridas abertas dos Estados Unidos, também abriu espaço para narrativas que transcendem fronteiras. Foi nesse cenário que o Brasil reafirmou sua potência: Caetano Veloso e Maria Bethânia levaram o prêmio de Melhor Álbum de Música Global.

Enquanto Los Angeles fervia em protestos e discursos inflamados, a imagem de Caetano recebendo a notícia de pijama, em casa, assistindo a desenhos animados com o neto, serviu como um respiro em meio à recente notícia do afastamento dos agentes envolvidos na morte de Alex Pretti e pelo recuo do ICE3. A dupla é a prova de que a nossa música pode ser uma das formas mais potentes de diplomacia cultural, capaz de resistir ao tempo, às distâncias e outras barreiras.

Entre o brilho das estatuetas e o eco dos gritos por justiça, a 68ª edição do Grammy deixou uma lição clara para quem, como nós, busca amplificar novas narrativas: a arte não deve existir no vácuo. Em 2026, o som mais alto da noite não veio dos amplificadores, mas da coragem de quem entende que o microfone é, antes de tudo, uma ferramenta política.

Ao matutar sobre este texto e os caminhos que eu atravessaria para criá-lo, uma pergunta me perseguia, como um verdadeiro quebra-cabeças sem peças específicas: como posso retratar a população trans sob uma ótica que não se limite aos ecos estrondosos da violência vivida pelo grupo no nosso país?

Dias vão e escrever o material, que agora você lê, parecia um desafio com um nível de complexidade acima da média, afinal existia uma certa ambição no desafio de retratar o Dia da Visibilidade Trans, 29 de janeiro, como a celebração de respeito que torço para que um dia a data se torne.

No entanto, é impossível fechar os olhos diante da triste realidade de que, segundo dados fornecidos pela Associação Nacional de Travestis e Transexuais (Antra), apesar de estarmos ensaiando uma queda no número de assassinatos de pessoas trans, o Brasil ainda é o país que mais mata pessoas trans no mundo. Para Bruna Benevides, a presidente da associação, essas mortes são como o estágio final de um processo que começa muito antes: no abandono institucional e na exclusão social1.

Nesse contexto onde a existência de cerca de 3 milhões de brasileiros – este é o contingente estimado de pessoas trans e não-binárias no nosso país, segundo dados da Antra – é frequentemente apagada pelo preconceito, viver se torna um verdadeiro ato de resistência contra um sistema que teima em oprimir indivíduos e corpos trans. Por esse motivo, eu escolhi e escolho a celebração e este é um convite para lembrarmos da luta (e, principalmente) da vida de muitas pessoas trans que estão reescrevendo a história da nossa geração.

O rosto da visibilidade na política

Aos 33 anos, Erika Hilton é figura central de um novo imaginário político que se forma no Brasil, representando uma voz na luta pelos direitos humanos e por mais justiça social. Sua caminhada, que começou no ativismo estudantil e amadureceu, mais tarde, na Câmara Municipal de São Paulo, onde ela se tornou uma das maiores lideranças negras e trans do país na Comissão de Direitos Humanos.

O trabalho de Hilton no Congresso brasileiro tem como enfoque principal a mobilização em volta de grupos vulnerabilizados, como a população LGBTQIAPN+, para que sejam criadas novas políticas públicas que combatam as desigualdades estruturais – além de falar sobre dignidade, empregabilidade e o direito à vida.

Onde a arte e a moda se encontram

A música brasileira encontrou novo fôlego na voz aveludada de Liniker. Primeira mulher trans brasileira a conquistar um Grammy Latino, a artista elevou a sua arte à um patamar ainda mais alto com o álbum intitulado “Caju” (2025). Mas o brilho da artista não se limita aos palcos: na série “Manhãs de Setembro” (disponível no Prime Vídeo), Liniker se veste de toda a sua vulnerabilidade para narrar narrativas complexas trazendo para as telas a complexidade de uma mulher trans que busca estabilidade em todas as áreas da vida.

Na mesma trilha de ruptura, Linn da Quebrada segue utilizando o espaço da performance e como ferramenta política. A passagem pelo reality Big Brother Brasil 2022 foi um verdadeiro marco na televisão aberta brasileira, onde ela não só discutiu mas trouxe aspectos didáticos para discussões acerca da linguagem e identidade de pessoas trans. Linn também é apresentadora e pensadora que questiona as estruturas de poder com muito humor e sagacidade.

Já na moda, o corpo e a vivência do modelo Sam Porto rompe o monólogo dos padrões de beleza. Primeiro homem trans a desfilar na São Paulo Fashion Week, Sam não só desfila looks super criativos nas passarelas, mas questiona as fronteiras da masculinidade. Além das passarelas, Sam usa o seu perfil nas redes sociais para compartilhar detalhes da transição com uma autenticidade que demonstra como as vidas trans têm deixado de ser invisibilizadas.

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Educação, trabalho e a sensibilização

Maite Schneider, co-fundadora da Transempregos, entende que falar de cidadania é tratar sobre trabalho, sendo uma das maiores especialistas em diversidade e inclusão (D&I) no mercado de trabalho brasileiro. Com décadas de ativismo, ela atua como ponte estratégica entre talentos trans e o mercado formal, combatendo o estigma que empurra essa população para as margens profissionais. Veja abaixo um vídeo da pesquisa mais recente da organização liderada por Maite:

Na comunicação, o jornalista e escritor Caê Vasconcelos é uma das vozes mais potentes na comunicação voltada para direitos humanos. Autor do livro “Transresistência: Pessoas Trans no Mercado de Trabalho” (2021), ele dedica a carreira para compartilhar as histórias de pessoas trans de forma humanizada, fora das lentes sensacionalistas e dos estereótipos de violência que o jornalismo tradicional pode muitas vezes reproduzir.

Outro escritor trans é Jonas Maria, que também é criador de conteúdo e pesquisador. Com uma linguagem acessível e bastante didática, Jonas se tornou uma referência ao promover reflexões profundas sobre como as normas sociais moldam nossos corpos e identidades. O trabalho de Jonas vai além do entretenimento ao se tornar uma via educativa que ajuda milhares de pessoas a compreenderem a si mesmas e ao mundo que as cercam.

O que você estaria disposto a sacrificar para que os seus sonhos se realizassem? Para o esportista Marty Mauser, a resposta para o questionamento é bastante simples: absolutamente tudo.

Sob a direção intensa e eletrizante de Josh Safdie (de “Joias Brutas“, o thriller de 2019), que não ousa pedir licença nem por um segundo, o longa compartilha uma espécie de cinebiografia de um dos ícones do tênis de mesa (não, nem pense em chamar o esporte de pingue-pongue!). Marty, que é interpretado por ninguém mais e ninguém menos que Timothée Chalamet, alimenta dentro de si uma inquietação: ele ama a ideia de ter sucesso e é obstinado (e em outros momentos, seduzido) pelo desejo de se tornar um gigante do esporte, em uma busca incessante que beira o narcisismo.

A grandeza de Mauser se contrapõe ao físico esguio, rosto marcado por cicatrizes de acne e óculos arredondados característicos do personagem. Essa poderia ser apenas mais uma das milhões de histórias de jovens trabalhadores em Nova Iorque durante os anos 1950, mas Marty parte para uma aventura rumo à Londres onde sonha ser reconhecido como o melhor jogador de tênis de mesa que o mundo já encontrou.

Um novo desafio para Chalamet

A narrativa, que estreia nos cinemas neste dia 22 de janeiro, é levemente inspirada na história do mesa-tenista americano Marty Reisman, que se tornou o campeão de tênis de mesa mais velho a vencer um campeonato nacional, quando tinha mais de 65 anos. Mas, com o direcionamento de um dos irmãos Safdie, o filme assume um tom mais rudimentar, quase cru, mas da melhor forma possível. Muito disso vem da fotografia que é assinada por Darius Khondji, responsável pela direção fotográfica de “Se7en: Os Sete Crimes Capitais”.

Para quem já viveu as descobertas de um jovem apaixonado em “Me Chame Pelo Seu Nome” (2017), uma figura messiânica em “Duna” (2021) e “Duna – Parte Dois” (2024) e as desventuras de um cantor e compositor em “Um Completo Desconhecido” (2024), incorporar as camadas de arrogância necessárias para a criação do protagonista foi como explorar novas nuances das habilidades artísticas de Timothée. Mas, o que poderia se apresentar como um desafio exorbitante, foi, na verdade, a personificação do que o ator franco-americano de 30 anos parecia procurar, pois este papel parece ter sido feito sob medida para ele.

Em “Marty Supreme”, vemos Chalamet emergir em um novo nível da sua capacidade interpretativa, o que comprova que o ator pode ser um dos grandes concorrentes de Wagner Moura como indicados ao Oscar de “Melhor Ator”. Outros personagens que brilham nas telonas durante o filme são: a sua amiga de infância Rachel Mizler (interpretada pela fascinante Odessa A’zion), com quem Marty mantém um relacionamento às escondidas e quem ele engravida logo nas cenas iniciais.

Abel Ferrara, Tyler, The Creator e mais!

Também não podemos esquecer o Kletzki, ex-campeão de tênis de mesa e um dos parceiros do personagem de Chalamet (vivido por Géza Röhrig) e, além dele, o gângster Ezra Mishkin, interpretado pelo ator Abel Ferrara, que divide uma cena tragicômica totalmente inesperada, envolvendo um acidente com uma banheira e um cachorro em um motel decadente ao lado de, é claro, Timothée Chalamet.

No quesito interpretação e nomes de peso no elenco, também vale a menção honrosa ao trabalho do rapper e compositor Tyler, The Creator como o taxista, jogador de tênis de mesa chamado Wally e fiel escudeiro de Mauser. Mesmo com a ajuda do amigo, o caminho de Marty se interpola com as histórias vividas por dois atores emblemáticos, sendo eles: Gwyneth Paltrow, que interpreta uma atriz aposentada ao tentar voltar à ativa (a sra. Kay Stone), e Kevin O’Leary, no papel do marido empresário, dono da Rockwell Ink.

A interação com os demais nomes do elenco apenas reforça as ambições do jovem judeu americano ao escancarar como ele fará tudo o que estiver ao seu alcance para provar a todos que o seu sucesso está escrito, quase como uma predestinação. Mas, nesse processo em busca do seu propósito, Mauser tenta, acima de tudo, provar o seu valor a si mesmo de maneira incessante.

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A rivalidade entre EUA e Japão: a memória do pós-guerra

No entanto, essa busca incessante por reconhecimento apresenta alguns percalços na vida do esportista e o maior deles tem nome e sobrenome japonês: Koto Endo. Interpretado brilhantemente pelo mesa-tenista Koto Kawaguchi, que, assim como seu personagem, é um atleta com deficiência auditiva, o jogador japonês se consolida como o principal oponente de Marty, personificando o obstáculo final entre o americano e a glória que ele tanto persegue.

A partir dessa rivalidade, o filme é extremamente sagaz ao trazer temáticas como o ideal do “sonho americano”, crença muito propagada na época ao afirmar que, através de trabalho duro e determinação, o sucesso é inevitável. Além disso, o filme também trata sobre a diáspora judaica nos EUA. Em outras palavras, Marty é um personagem que se vê correndo o tempo todo, seja figurativamente ou não, do presente e passado, alimentando a dedicação quase delirante à um futuro idealizado.

Para além da técnica na mesa, o confronto entre Mauser e Endo carrega os fantasmas de um pós-guerra. Em 1952, cada ponto disputado ressoa como uma disputa pela hegemonia cultural. Enquanto Marty representa o individualismo ruidoso e o desejo de reinvenção de uma América que quer esquecer o passado, a presença de Endo e a precisão do seu jogo evocam uma memória resiliente e as cicatrizes de um Japão que reconstrói sua identidade.

Na lente de Safdie, o tênis de mesa deixa de ser apenas um esporte de reflexos rápidos para se tornar um campo de batalha simbólico, onde o silêncio de um e o frenesi do outro duelam pela chance de reescrever uma história.

Então, o frenesi apresentado pelo não é só uma ferramenta narrativa, mas a expressão da própria identidade do protagonista inquieto e obstinado. E o esporte não é só o plano de fundo de mais um drama de época, pelo contrário, é o verdadeiro palco dos acontecimentos e encadeamentos da trama. Marty é tão rápido com as suas manipulações e tramoias quanto é com a raquete. Dito isso, escrevo tranquilamente que “Marty Supreme” vale a sua audiência!

Nota: ★★★★★ (5/5)

A promoção de um filme cotado para as grandes premiações se aproxima à vivência em uma maratona de resistência: exige suor, muito (mas muito!) trabalho com boas estratégias de preparação e um fôlego incansável. Se em 2024 vibramos com a trajetória de “Ainda Estou Aqui”, com Fernanda Torres e Selton Mello, agora o Brasil percorre os “metros finais” de uma nova corrida eletrizante. O protagonista? É “O Agente Secreto”, obra de Kleber Mendonça Filho, diretor de “Aquarius” (2016) e “Bacurau” (2019).

Com cerca de 2 horas e 40 minutos de projeção e em cartaz desde novembro de 2025, o longa nos transporta para a Recife de 1977: um Brasil onde a ditadura militar ainda operava a plenos pulmões, em um cenário de tensão que sucedeu a falência do “milagre econômico brasileiro”. Como definiu o próprio Kleber na abertura do filme: “Neste Brasil de 1977, tem muita pirraça”.

A trama acompanha Marcelo (Wagner Moura), um pai obstinado que desembarca na capital pernambucana com uma missão clara: resgatar o filho, Fernando, e escapar do país. Nessa jornada, Marcelo se vê dividido entre o resgate da memória materna e o instinto visceral de proteger Fernando.

Para viabilizar o plano, ele se instala em um prédio gerido por Sebastiana, interpretada brilhantemente (!!!) por Tânia Maria, uma senhora de humor magnético que transforma a sua propriedade em um refúgio para perseguidos não só pelo regime, mas pelas mais diferentes camadas sociais. O thriller se instaura quando o destino prega uma peça: o protagonista, que buscava se esconder nas sombras do anonimato para planejar a fuga, acaba sendo lançado no olho do furacão de onde tentava escapar.

Ao mesmo tempo, o filme é marcado por decisões de roteiro e direção de arte que universalizam a narrativa sem perder a essência regional. Esse cuidado transborda na caracterização minuciosa dos figurantes, no uso estratégico de recortes de jornais da época e até no resgate lúdico do folclore urbano, como o conto da “perna cabeluda”, conferindo à obra uma autenticidade extremamente nostálgica.

O título "O Agente Secreto" carrega uma ambiguidade importante: pode se referir tanto ao Estado repressor que se infiltra na vida cotidiana quanto à própria resistência silenciosa e potente do povo. Ao utilizar pilares do cinema de espionagem, como identidades falsas, telefonemas clandestinos e perseguições, Kleber discute a corrupção e o desaparecimento sistemático de registros e pessoas, tratando o Recife de 1977 como um organismo vivo capaz de conter detalhes, muitas vezes, esquecidos da nossa própria história.

O filme busca desenterrar novas narrativas dos "anos de chumbo", sugerindo que, embora os traumas sejam geracionais, valores positivos também podem ser herdados.

A tração do filme, que resgata esse viés da memória muito explorado pelo diretor em “Retratos Fantasmas” (2023), começou em maio de 2025, ganhando robustez entre a crítica e o público. O primeiro grande marco dessa jornada aconteceu na 78ª edição do Festival de Cannes.

Após a exibição, o elenco foi ovacionado por 13 minutos ininterruptos, um reconhecimento raro que antecipou as vitórias de Kleber (“Melhor Diretor”) e Wagner (“Melhor Ator”). Foi nesse cenário que a Neon, a mesma distribuidora do premiado “Anora” (2024), adquiriu os direitos do filme para os EUA, garantindo o “combustível” necessário para a temporada de prêmios.

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Contudo, as grandes corridas podem apresentar uma série de percalços e, com “O Agente Secreto” não foi diferente. Como posso, sequer começar a descrever a cena onde o diretor pernambucano não pôde contar nem com pouquíssimos minutos para agradecer adequadamente a conquista de um dos prêmios?

Além de desrespeitoso, e beirando o inacreditável, essa situação aconteceu durante a 31ª edição do Critics Choice Awards 2026 , em 4 de janeiro. Em vez do palco, o prêmio de “Melhor Filme em Língua Estrangeira” foi entregue à Kleber de maneira abrupta, ainda no tapete vermelho para dar espaço aos comerciais. No vídeo que selecionei, vemos o choque e a surpresa ao receber a notícia, sem o devido cerimonial. Porém, o elegantérrimo Wagner Moura usou o seu tempo no palco para agradecer e celebrar a diversidade do cinema internacional.

Mas a justiça cinematográfica não tardou. No último domingo, 11 de janeiro, o clima de “final de campeonato” tomou conta das redes sociais brasileiras. Durante a 83ª edição do Globo de Ouro, o Brasil não foi apenas respeitado, mas foi aclamadíssimo. “O Agente Secreto” conquistou os prêmios de “Melhor Filme em Língua Não-Inglesa” e “Melhor Ator em Drama” para Wagner Moura.

Essa produção, que une em sua produção o Brasil, a Alemanha, a França e a Holanda, agora serve de palanque estratégico para os votantes do Oscar. Como bem sintetizou o jornalista e crítico Roberto Sadovski: “O filme tem temperatura de Brasil, tem cheiro de Brasil e, ao mesmo tempo, é universal1”. Essa visibilidade não se resume às vitórias em premiações, mas vemos uma espécie de motor que catapulta investimentos e gira a economia da nossa indústria cultural.

A torcida agora se volta para o dia 15 de março, com a esperança de que esta maratona termine no degrau mais alto do pódio em Los Angeles. Apesar disso, de uma sequência de reconhecimentos internacionais e da euforia digna de uma “final de campeonato”, o maior triunfo de “O Agente Secreto” reside no seu brilhantismo de fazer o povo brasileiro relembrar as cicatrizes da própria história.

Ao estabelecer um paralelo direto entre o passado da ditadura e as tensões políticas atuais, o longa convida os telespectadores para uma reflexão sobre como o país lida (ou falha em lidar) com seus próprios traumas históricos. Por todos esses motivos, torço para que o brilho das estatuetas conquistadas (e o reflexo de sucesso de bilheteria tanto no Brasil como mundo afora) nessa maratona sirva, acima de tudo, para iluminar as sombras históricas que ainda lutamos para compreender.

De acordo com o levantamento chamado “Global Entertainment & Media Outlook 2025 – 2029” (do inglês, Panorama Global do Entretenimento & da Mídia) feito pela PwC, o setor do entretenimento, mais especificamente as indústrias do cinema e da música agrupadas, deve movimentar cerca de 300 bilhões de dólares até 2029 e, ao mesmo tempo, os gastos com bilheteria de cinema devem passar de US$ 41 bilhões até a mesma data.

Já sobre os jogos, segundo estudo “Global Games Market Report 2025” da consultoria holandesa Newzoo, a expectativa era que o setor de games fosse capaz de movimentar até US$ 188,8 bilhões durante o ano passado.

Além disso, a cultura de assinaturas dos streamings está cada vez mais presente no dia-a-dia dos brasileiros, de acordo com a pesquisa “Assinaturas 2025”, da Opinion Box com parceria com o hub de pagamentos da LWSA, a Vindi. Entre os serviços digitais, os streamings de vídeo lideram com 73% de adesão, seguidos por streamings de música (45%) e apps de comida com benefícios (40%).

Quando o assunto é tendência para o entretenimento, duas podem se sobressair em diferentes áreas, seja para o cinema, música, jogos ou streamings, as plataformas podem começar a adaptar seus conteúdos, ajustando duração de episódios com resumos inteligentes para tentar manter o público engajado.

Como se não bastante, o consumo de vídeo em dispositivos móveis supera o da televisão no Brasil, então as plataformas querem otimização, usando formatos curtos, verticais e projetados para o mobile, é o que afirma um texto publicado pela Forbes americana.

Abaixo, seguem as outras tendências de cada setor aqui destacado, saiba o que você precisa ficar de olho em 2026 para não perder nada:

Entre blockbusters e estreias, o cinema encontra um novo fôlego

Em 2026, o cinema contará com uma infinidade de gêneros e estilos. Entre retornos de franquias cult, adaptações e épicos literários ousados, biografias musicais e continuações aguardadas, o setor tem disponibilizará uma pedida para todos os gostos, indo do drama ao blockbuster mais “pastelão”.

Alguns dos filmes mais aguardados são:

Enquanto “The Chronology of Water” marca a estreia de Kristen Stewart assumindo a cadeira de diretora, Al Pacino – acompanhado por Bill Skarsgård – volta às telonas com “Dead Man’s Wire”, um drama criminal baseado em uma história real dos anos 1970. Também teremos a nova adaptação de “O Morro dos Ventos Uivantes”, que promete movimentar os cinemas de todo o mundo.

Misturando comédia, acidez e autorreflexão, “The Moment” é o que os norte-americanos chamam de mockumentary e este em específico trata sobre a carreira e trajetória de Charli xcx. E na onda de produções inspiradas em Frankenstein, “A Noiva!” é um musical, que conta com Christian Bale e Jessie Buckley.

Em abril estreia “The Drama”, uma comédia com Zendaya e Robert Pattinson que promete tirar o fôlego até dos mais desavisados. Outra grande promessa é a continuação que une, mais uma vez, a dupla composta por Meryl Streep e Anne Hathaway em “O Diabo Veste Prada 2”, onde o elenco terá que se aventurar pelo mundo contemporâneo da moda. Ainda pensando em moda e estilo, “Stop! That! Train!” é comédia camp com participação de RuPaul e queens icônicas.

Fantasia e ficção também estão em alta com “The Odyssey”, épico assinado por Christopher Nolan baseado no clássico homérico. Já Sandra Bullock e Nicole Kidman dividirão a tela em “Practical Magic 2”, continuação do filme cult “Practical Magic”.

Já quando o assunto é saga famosa, nós teremos o retorno de As Crônicas de Nárnia com “As Crônicas de Nárnia: O Sobrinho do Mago”, dirigido por ninguém mais que Greta Gerwig, e, inspirados nos livros de Suzanne Collins, “Jogos Vorazes: Amanhecer na Colheita” também chegará aos cinemas. Vale fazer uma menção honrosa para a terceira parte de “Duna”, dirigida por Denis Villeneuve, é claro.

Jogos inovam em formatos, linguagens e possibilidades mais imersivas

Em se tratando de jogos de videogame, os estúdios indies devem continuar movimentando o mercado com inovações. Sustentabilidade vira regra para o setor, que tem voltado seus olhos para entender como consumir menos energia, utilizando mais materiais recicláveis e outras decisões éticas que impactam como as marcas são percebidas pelos jogadores.

Hoje, os jogadores estão mais atentos às marcas com políticas ambientais que são transparentes e publicamente defendidas. Por esse motivo, estúdios e fabricantes que adotarem a sustentabilidade ganharão participação de mercado, sendo este um posicionamento estratégico.

Além da imersibilidade ser uma questão de peso, outra tendência é que os jogos multiplataforma vão virar o padrão do mercado, onde fãs conseguem jogar tanto no celular, console ou PC e ter seus salvamentos carregados simultaneamente em nuvem.

Falando em nuvem, a prática deve eliminar downloads pesados, que exigem hardwares mais potentes para garantir um funcionamento de qualidade. Outro ponto que chamou a minha atenção quando estava pesquisando para fazer este texto foi entender sobre a crescente tendência da existência de narrativas mais inclusivas e que pensam no bem-estar emocional dos jogadores, como em “South of Midnight”, jogo premiado no The Game Awards de 2025 na categoria de Game for Impact. Você pode ler sobre o jogo nesta outra matéria que escrevi.

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O setor musical se divide entre dance, lo-fi e revival dos anos 50

Uma tendência que observei foi a fusão entre diferentes gêneros musicais para a criação de algo autêntico, como referido nos álbuns “Debí Tirar Más Fotos” de Bad Bunny ou em “LUX”, de ROSALÍA.

Alguns dos gêneros em alta são: dance music, lo-fi e sons que remetem à estética dos anos 1950, mas com um toque moderno. O EDM e a música eletrônica também ganharão protagonismo comercial como trilhas sonoras para publicidades de marca e vídeos em redes sociais.

A palavra do ano para os streamings é “personalização”

Com os streamings se consolidando como centro midiático brasileiro e superando a TV tradicional durante o ano de 2025, as empresas de entretenimento querem aumentar a personalização para aumentar o tempo de tela dos usuários. À medida que mais serviços deste setor surgem, o mercado caminha para a criação de mais modelos de pacotes e bundles entre plataformas, assim os espectadores conseguem ter acesso a múltiplos serviços em uma única oferta, com preços e experiências integrados.

Para 2026, o streaming está evoluindo para plataformas ainda mais conectadas e personalizadas. O uso de recomendação de conteúdo e anúncios e o levantamento de dados durante a interação deve transformar a maneira como consumimos produtos audiovisuais, onde o consumidor segue no centro.

Ainda assim, filmes como “O Agente Secreto”, “Homebound” e “Sirât” e tantos outros nadam contra essa lógica ao voltarem os olhares do Oscar para produções fora do eixo da América do Norte e da Europa Ocidental, abrindo espaço para cinematografias que historicamente são postas em segundo plano.

Um marco para aumentar a representatividade na premiação, sem dúvida, foi a criação da categoria de “Melhor Filme Internacional” – anteriormente conhecida como “Melhor Filme em Língua Estrangeira” – que surgiu na edição de 1957 da premiação, embora prêmios a filmes estrangeiros tenham sido entregues desde 1948.

Ainda assim, especialistas do setor questionam se a existência de uma categoria voltada ao cinema internacional não contribui para limitar a visibilidade de filmes internacionais, que raramente alcançam protagonismo em prêmios centrais da noite como os de “Melhor Filme” ou “Melhor Direção”.

Abaixo seguem alguns dos filmes pré-selecionados para a votação para você conhecer:

Do Brasil: “O Agente Secreto” e “Apocalipse nos Trópicos”

Com direção de Kleber Mendonça Filho, “O Agente Secreto” acompanha as desventuras de Marcelo, um especialista em tecnologia nos seus 40 anos, vivido brilhantemente por Wagner Moura. Na tentativa de reencontrar seu filho, Marcelo viaja para Recife durante o Carnaval de meados de 1970, mas logo percebe que a cidade está longe de ser a espécie de refúgio que esperava.

A premissa deste documentário gira em torno da seguinte pergunta: qual é o limite entre uma democracia e uma teocracia? Em “Apocalipse nos Trópicos”, Petra Costa investiga o avanço de líderes religiosos na política brasileira. Com acesso a figuras de poder, como o presidente Lula, o ex-presidente Jair Bolsonaro, entre outros, a cineasta revela os bastidores de uma engrenagem que mistura a tríade de fé, poder e influência.

Da Argentina: “Belén”

Ambientado em Tucumán e baseado no livro de Ana Correa, “Belén” é inspirado em no caso real de Julieta, uma jovem que foi acusada falsamente de infanticídio. Além disso, o filme acompanha Soledad Deza, a advogada que assume o processo. Logo, o julgamento se transforma em um ponto de ebulição pela luta dos direitos reprodutivos das mulheres. Ao confrontar um sistema jurídico corrupto e patriarcal, Soledad ajuda a transformar a história da jovem em um catalisador coletivo, impulsionando um movimento pela autonomia dos corpos.

Da Coreia do Sul: “No Other Choice”

Dirigido por Park Chan-Wook, este filme sul-coreano acompanha a história de um homem que é abruptamente demitido da empresa de papel onde trabalhou por diversos anos. “No Other Choice” trata sobre a busca pela sobrevivência na sua forma mais crua, onde o protagonista passa a afundar em um estado crescente de desespero.

Da Índia: “Homebound”

“Homebound” conta a história de dois amigos de infância de uma pequena vila no norte da Índia, que perseguem o sonho de ingressar na polícia. Essa oportunidade, representa a dignidade que foi negada à eles ao longo das suas vidas. No entanto, à medida que se aproximam do tão sonhado objetivo, a pressão e o desespero ameaçam o vínculo que mantém os amigos unidos.

Do Iraque: “The President’s Cake”

Enquanto os iraquianos dos anos 90 lutam pela sobrevivência, Lamia, uma menina de nove anos, é escolhida para preparar um bolo para o aniversário do presidente. Em um cenário de medo e de escassez, no qual ingredientes são quase impossíveis de encontrar, ela embarca em uma jornada pela cidade em busca de ovos, farinha e açúcar. Acompanhada pela avó, pelo seu amigo Saeed e por seu galo, Hindi, Lamia atravessa os mais diversos locais, revelando, assim, as contradições de um país que vive sob o olhar atento da opressão.

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Do Japão: “Kokuho”

Ambientado na cidade portuária de Nagasaki, um líder de um grupo yakuza, o jovem Kikuo, de 14 anos, passa a ser protegido por um renomado ator após a morte de seu pai. Ao lado de Shunsuke, filho único do artista, ele decide se dedicar a essa forma tradicional do teatro japonês. Ao longo de décadas, os dois crescem e se transformam juntos, da escola de atuação aos maiores palcos do país, em meio a escândalos e à glória. No fim, apenas um deles se tornará o maior mestre japonês da arte do kabuki.

Da Jordânia: “Tudo o que Resta de Você”

Nos instantes anteriores ao confronto de um adolescente palestino com soldados israelenses em um protesto na Cisjordânia, sua mãe revisita os acontecimentos que levaram o jovem até aquele momento. Em “Tudo o que Resta de Você”, um drama histórico de fôlego épico, acompanhamos a trajetória de uma família ao longo de três gerações e seus traumas.

Da Palestina: “Palestine 36”

Sob o comando britânico, vilarejos de toda a Palestina se levantam contra a colônia e Yusuf transita entre a sua casa no campo e a energia inquieta de Jerusalém, alimentando o desejo de um futuro que vai além de toda a inquietude experimentada. Com o aumento da imigração judaica e a população palestina unida na maior e mais longa revolta contra os 30 anos de domínio britânico, todos os lados caminham para uma colisão inevitável: um momento decisivo para o Império Britânico e para o futuro da região.

De Taiwan: “Left-Handed Girl”

Uma mãe solo e suas duas filhas retornam a Taipé após anos vivendo no interior para cuidar de uma barraca em um movimentado mercado noturno. Cada uma precisa se adaptar ao novo ambiente para garantir a sobrevivência financeira e preservar a família. No entanto, quando o avô tradicional proíbe a neta mais nova, canhota, de usar a chamada “mão do diabo”, segredos familiares guardados por gerações começam a vir à tona.

Da Tunísia: “A Voz de Hind Rajab”

“A Voz de Hind Rajab” acompanha um grupo de voluntários da Red Crescent Society (em tradução livre, Sociedade do Crescente Vermelho Palestino) permanecem ao telefone com uma menina de seis anos que fica presa dentro de um carro em meio aos bombardeios em Gaza.

Seja explorando a Terra Média de Tolkien, as distopias de Orwell ou os incêndios de Bradbury, a leitura tem o poder de nos transportar. Mas, na era da conectividade, parar para ler se tornou um desafio, como uma verdadeira corrida de resistência.

Uma pesquisa da King’s College (2022) revelou que 49% das pessoas sentem que sua capacidade de atenção está menor. Estamos viciados na recompensa rápida das redes sociais. Por isso, ler hoje é “nadar contra a correnteza”. É exigir um respiro, um momento de descompressão em um mundo que não para nunca.

A leitura nos tira do imediatismo e nos faz ouvir nossa própria voz interna. É o antídoto para a correria e o combustível para a nossa criatividade.

Criar espaço para a curiosidade se tornar hábito

Desde o ano passado, decidi ser mais intencional. Experimentei ler de manhã, antes de dormir, em grupo e, também, sozinha. Sem fórmulas mágicas de “gurus da internet”, eu apenas me permiti sentir o silêncio da contemplação.

E é aqui que você entra. Eu quero estender esse convite a você: vamos criar um espaço onde a curiosidade literária se torne um hábito?

O CLAN: Clube de Leitura Amplificando Narrativas

No universo da amplificando narrativas 💫, consumir literatura de forma consciente é um ato revolucionário. E é assim que nasceu a ideia embrionária do CLAN.

Mais do que um clube, o CLAN é um espaço disruptivo para amplificar vozes que o status quo costuma silenciar: mulheres, pessoas periféricas, indígenas, LGBTQIA+ e pessoas com deficiência.

Como o CLAN funciona?

• Um livro durante quatro semanas: Escolhido por mim ou por votação no Instagram da newsletter. A partir de julho de 2026, cada leitura será dividida de acordo com as semanas do mês, com um texto por semana para os assinantes mensais, anuais e fundadores estelares.

• Leitura flexível: No rush, no pressure. Vou compartilhar as minhas reflexões direto do meu caderno de anotações, mas não esqueça, você deve seguir o seu próprio ritmo de leitura!

• Conteúdo extra: Vou tentar separar materiais complementares, artigos e, quem sabe, compartilhar entrevistas exclusivas com os autores.

• Diversidade é a nossa prioridade: O foco principal do CLAN são narrativas que nos ajudem a (re)pensar futuros mais justos, sobre mulheres, pessoas periféricas, LGBTQIAPN+ e outros grupos minorizados.

• Mimos para apoiadores: Assinantes pagos também podem sugerir títulos e participar ativamente da nossa curadoria.

Quero fazer parte do CLAN!

Leitores sem plano de assinatura também são bem-vindos! De vez em quando, abrirei as edições para todos sentirem o gostinho da conversa :)

O nosso Zeitgeist!

Pense no CLAN como aquele clubinho escondido em uma cafeteria alternativa. Um lugar com café fresco, bons drinques e conversas profundas sobre como fortalecer o coletivo e respeitar nossas vivências.

Te encontro na nossa primeira aventura literária em julho,

Fernanda Bastos ✷

Desde o clássico jog de combate entre naves, “Spacewar!”, até os mais modernos como “Hollow Knight: Silksong”, jogos fazem parte da nossa cultura, impactando gerações com suas narrativas e diferentes jogabilidades. E este período do ano é conhecido por abrir espaço, dar palco e celebrar grandes feitos no universo dos jogos por meio de premiações anuais importantes. Dentre elas, estão o The Game Awards (TGA) e também se destacou o Indie Game Awards (IGA), relevante para os jogos produzidos de maneira independente, na contramão das grandes produtoras do ramo.

O TGA, por exemplo, concedeu nove troféus para o game “Clair Obscur: Expedition 33”, dentre eles, os prêmios de Melhor Narrativa (Best Narrative), Jogo Independente (Independent Game) e o tão esperado GOTY, o Game of The Year (ou, em tradução livre, Jogo do Ano). A premiação, que aconteceu em Los Angeles durante 11 de dezembro, entregou uma série de reconhecimentos à indústria de jogos. Conheça algumas das categorias importantes da noite!

The Game Awards entrega reconhecimento em quesito de acessibilidade e impacto positivo

Outro tema que vem ganhando cada vez mais tração no universo geek são os jogos que inovam quando o assunto é acessibilidade digital, para que jogadores neuro divergentes e com deficiência também tenham a possibilidade e protagonismo durante este momento lúdico.

Pensando nisso, o TGA reconhece desenvolvedores de softwares ou hardwares que introduzem novos recursos, tecnologias e conteúdos que permitem que os jogos sejam apreciados por um público ainda mais amplo. Neste contexto, o jogo que conquistou a honraria da premiação foi o “Doom: The Dark Ages”.

O jogo foi desenvolvido para ser um convite à mais gamers para assumirem o papel de DOOM Slayer e travarem uma guerra medieval contra o inferno, se destacando na categoria porque a dificuldade de combate é configurável com modificadores, que incluem velocidade do jogo (variando de 50% a 150%), velocidade dos projéteis inimigos, duração do estado de atordoamento, combinados com assistências automática, entre outros.

A acessibilidade visual também foi uma prioridade para a empresa, possibilitando configurações de alto contraste na jogabilidade que permitem ajustes na coloração do game. Também há escala de texto, HUD em alto contraste, ampliação de pop-ups e retículo configuráveis, criando uma experiência mais acessível para jogadores com baixa visão. O jogo conta, ainda, com áudio descrições que indicam a direção e o tipo de ataques recebidos, cenas cinematográficas intencionalmente projetadas para sons importantes, o que eleva a acessibilidade da franquia DOOM a um novo nível.

Outra categoria que, na minha opinião, deveria receber mais reconhecimento é a Games for Impact (Jogos de Impacto). Neste caso, o TGA premiou um jogo com uma mensagem social, afirma o site da premiação. E o ganhador foi o “South of Midnight”. Ambientado em Deep South fictício, este é um jogo de ação e aventura desenvolvido pela Compulsion Games, e publicado na Xbox Game Studios.

Além disso, durante a cerimônia de premiação, a organização norte-americana Girls Make Games (GMG) recebeu o Game Changer Award por capacitar meninas de 8 a 18 anos no desenvolvimento de jogos e, assim, propor diminuir o abismo de oportunidades entre gêneros. A GMG funciona por meio de acampamentos e oficinas para voltada somente para meninas e foi homenageada por seu impacto na última década. Você pode checar mais detalhes sobre este momento super impactante no vídeo abaixo:

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Indie Game Awards destaca e premia mulheres, pessoas latinas, africanas e mais!

No dia 18 de dezembro, o Indie Game Awards premiou os jogos-destaque no universo dos games independentes. O IGA, como também é conhecido pelo setor, entregou uma série de prêmios, dentre eles, o GOTY (Jogo do Ano) para “Blue Prince” da Raw Fury. Tudo isso porque “Clair Obscur: Expedition 33”, jogo com mais honrarias no The Game Awards, foi desclassificado do IGA após controvérsia de uso de inteligência artificial (IA).

Sobre o caso, o time da premiação afirmou: “O The Indie Game Awards mantém uma posição contra o uso de IA generativa durante o processo de indicação e ao longo da própria cerimônia. Quando foi enviado para indicação, representantes da desenvolvedora Sandfall Interactive concordaram que não houve uso de IA generativa no desenvolvimento de “Clair Obscur: Expedition 33”. À luz da Sandfall Interactive ter confirmado o uso de IA generativa no dia da cerimônia do Indie Game Awards 2025, isso desqualifica “Clair Obscur: Expedition 33” de suas indicações”.

Mas, neste texto, trago outros destaques, principalmente, em questão de diversidade e inclusão. Um dos prêmios que me chamou a atenção foi o Achievement in Accessibility (traduzindo, Conquista em Acessibilidade) que reconheceu o jogo “PEAK”, um jogo cooperativo que pode ser jogado por até quatro jogadores simultaneamente, desenvolvido pela Team PEAK.

Com um visual caterístico e bastante colorido, “PEAK” desafia os jogadores, que tomam os papéis de um grupo de escoteiros perdidos em uma ilha, onde “o menor erro pode ser a sua ruína”, Para serem resgatados, os jogadores devem alcançar o topo da montanha enquanto exploram quatro biomas diferentes, vasculham o local atrás de alimentos um tanto duvidosos e ainda cuidam dos seus ferimentos. O jogo foi reconhecido por abraçar a inclusão, com alternativas para assegurar uma experiência agradável, independentemente das habilidades dos diferentes jogadores.

Outro reconhecimento importante foi o prêmio Women Led Indie (do inglês, Indie liderado por mulheres) que reconheceu o jogo chamado “Urban Myth Dissolution Center”, que foi publicado em 2025 pela SHUEISHA GAMES. O jogo acompanha Azami ao resolver mistérios envolvendo artefatos amaldiçoados, lendas urbanas e distorções dimensionais em um universo sobrenatural. Veja o trailer do jogo abaixo:

Nesse mesmo ensejo de reconhecer grupos minoritários no setor de jogos, a categoria Black Voices in Gaming (Vozes negras nos games) premiou “Altheia: The Wrath of Aferi”, desenvolvido pela MarsLit Games, onde os jogadores vivem em uma jornada para derrotar o Vazio que ameaça o seu lar, ao resgatar espíritos, resolver quebra-cabeças e enfrentar monstros do Vazio.

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Já na categoria Latin American Indie (Indie latino-americano), o jogo reconhecido dentre os indicados foi “Pipistrello and the Cursed Yoyo”, da Pocket Trap e distribuído pela PM Studios, Inc. Um jogo metroidvania, que propõe aos jogadores usar truques de ioiô e movimentos especiais para enfrentar chefes do crime e desvendar segredos escondidos tanto acima quanto abaixo das ruas da cidade, onde o jogo é ambientado.

Eu gostei bastante que o Indie Game Awards tenha inúmeras categorias regionais. Uma delas é o African Indie Game (do inglês, Jogo indie africano), que, neste ano, premiou o “Stick It To The Stickman”, desenvolvido pela Free Lives. O jogo é um roguelike de briga caótico, com chutes, grampeadores como armas e motosserras.

Outra categoria que me chamou a atenção neste sentido foi a Southeast Asian Indie (do inglês, Indie do Sudeste Asiático) que premiou o jogo “Artis Impact”, distribuído pela Feuxon. Neste RPG de aventura pós-apocalíptica, os jogadores assumem o papel de Akane e exploram um mundo desenhado à mão, participando de combates em turnos ao lado de sua companheira de IA, Bot.

Este é o segundo texto que estou escrevendo sobre o álbum “LUX“. Se quiser conferir a resenha mais aprofundada que escrevi, clique abaixo:

Apesar de “LUX” ter grandes referências ao catolicismo, ROSALÍA estudou também sobre os sábios védicos, os xian do Taoísmo, os Tzadikim do Judaísmo e, é claro, os “amigos de Deus” do Islã, entre muitas outras referências para chegar no resultado do seu quarto álbum de estúdio, que foi disponibilizado em todas as plataformas digitais no início do mês de novembro.

Mas, durante os estudos de obras de fé conhecidas em diversas culturas, algo chamou a atenção da artista. Qual é o lugar das mulheres em toda essa busca pelo divino?

Cada escolha do álbum é inspirada em histórias de santas, mestras e monjas presentes ao redor do globo, além das suas próprias referências. E enquanto mulher, gostaria de aproveitar o espaço da news amplificando narrativas para ressaltar essas histórias, escolhidas à dedo pela cantora.

Abaixo, você poderá conhecer – quase que faixa à faixa – todas as referências que encontrei em entrevistas da artista:

(Faixa 2) Reliquia

Isabel Flores de Oliva foi uma mulher peruana, natural de Lima, que dedicou sua vida à fé, em uma vida de oração e apoio e cuidado de pessoas doentes e pobres. A faixa é inspirada na história de Santa Rosa de Lima (1586-1617), a primeira santa da América, padroeira do Peru, da América Latina e das Filipinas, que foi canonizada em meados de 1670.

Invocada no catolicismo como protetora dos floricultores e jardineiros, a referência à santa aparece fazendo alusão aos seus restos mortais que foram distribuídos como relíquias ao redor do mundo. A faixa é cantada em espanhol e tem uma acentuação de cordas, combinadas com toques de piano e uma bateria discreta.

(Faixa 4) Porcelana

A quarta faixa, cantada em espanhol e japonês, é inspirada na história da poetisa japonesa Ryōnen Gensō (1646-1711), que foi forçada a casar de forma arranjada não uma mas duas vezes (!!!). Depois de se dedicar ao matrimônio e aos filhos, ela queria estudar em templos. Mas sua beleza estonteante era um obstáculo, no templo Kofukuji, em Edo, disseram que ela era “bonita demais” para se juntar aos estudiosos budistas do local. O mesmo aconteceu no eremitério zen Daikyuan.

Frustrada, ela desfigurou o próprio rosto para iniciar seus estudos. Causando, assim, uma mudança violenta na sua própria imagem. A partir do seu ato, ela foi aceita em Daikyuan. E em 1682, ela recebeu um certificado de iluminação sendo reconhecida como mestra Zen, o que permitia que ela fundasse o seu próprio templo. Musicalmente falando, é uma faixa caótica, que te leva para muitos lugares para reforçar essa ideia de conflito.

(Faixa 5) Mio Cristo Piange Diamanti

Nesta faixa cantada em italiano, ROSALÍA queria escrever uma ária, uma peça solo em ópera. Para isso, seus olhos se voltaram para a Itália e, mais precisamente, para a amizade platônica entre Santa Clara de Assis (1194-1253) e São Francisco de Assis.

A figura de Santa Clara fala muito sobre o abandono dos luxos para seguir uma vida de fé, já que – aos 18 anos – Clara de Assis fugiu de casa com a ajuda de sua tia para seguir os ensinamentos de São Francisco. Ela cortou seus cabelos em sinal que pertencia a Deus. Mais tarde, durante a vida dedicada à religião, Santa Clara fundou a Ordem das Clarissas (Segunda Ordem Franciscana) e foi a primeira mulher a escrever uma regra de vida religiosa que foi aprovada pela Igreja e pelo Papa. Este é o final do primeiro ato.

(Faixa 6) Berghain

Na emblemática “Berghain” que conta com linhas em alemão, espanhol e inglês, a cantora e compositora se inspirou na teóloga, filósofa e escritora (entre outras funções) alemã Hildegarda de Bingen (1098-1179) e a professora espiritual e ativista indiana Vimala Thakar (1921-2009).

Não há ligação clara entre ambas, mas a primeira ensinou sobre sua obra ilustrada “Scivias”, que significa “Conhece os Caminhos do Senhor” em latim, com mais de 20 visões que experimentou. Já Vimala falava sobre a importância da meditação e da observação silenciosa para a transformação da consciência.

(Faixa 9) De Madrugá

Aqui neste interlúdio, ROSALÍA conta um pouco da história de Santa Olga de Kiev (969 d.C) – ou Helga de Kiev –, que é venerada como santa nas Igrejas Ortodoxas Orientais por ter sido uma regente poderosa e a primeira governante da Rússia de Kiev a se converter ao cristianismo. Ela era conhecida por ser vingativa e orquestrar várias retaliações sangrentas após o assassinato de seu marido, o Príncipe Igor I. A faixa, que contou com a ajuda de Pharrell na composição, é cantada em espanhol e ucraniano.

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(Faixa 11) La Yugular

Também conhecida como Rabi’a de Baçorá, Rabi’a al-’Adawiyya (713 d.C-801 d.C) foi uma ex-escrava, poetisa e santa muçulmana do século VIII. Rabi talvez seja a figura feminina mais conhecida em todo o Islã, ela ensinou que o amor divino (Mahabba) deveria ser puro, sem temer ao inferno ou desejar o paraíso, mas pelo próprio amor à Deus.

Além disso, foi conhecida por viver com o mínimo para se dedicar à sua relação com Deus, evitando qualquer ideia de apego. Ela também foi conhecida como uma mística sufi. Vale menção honrosa para o uso do sample de uma entrevista com Patti Smith ao final da faixa, sobre como devemos almejar sempre mais. A canção combina cordas e percussão com uma parte quase a capella, com tímpanos que constroem uma atmosfera épica.

(Faixa 12) Sauvignon Blanc

Santa Teresa de Ávila (1515-1582) foi uma freira espanhola e reformadora, que viveu uma vida de dedicação à simplicidade e à oração, além de escrever sobre a “embriaguez divina”. Foi a fundadora dos primeiros conventos das Carmelitas Descalças, e foi a primeira mulher a ser Doutora da Igreja.

Aqui, ROSALÍA fala que se desfez de bens materiais, como Rolls Royces, sapatos Jimmy Choo e mais, para viver ao lado da pessoa amada, em um sentimento doce e de sacríficio.

(Faixa 15) Magnolias

Conhecida como “Mãe da Bem-Aventurança”, Anandamayi Ma (1896-1982) foi uma filósofa indiana nascida em Bangladesh que viajou o país para construir centros espirituais. Na Índia e ao redor do mundo, ela foi considerada uma figura sábia autodidata que ensinava sobre autoconhecimento e devoção à Deus. Para ela, vida e religião são uma coisa só e aceitava todas as crenças como caminhos que levavam, verdadeiramente, para Deus.

“Magnolias” fala sobre morrer em paz, e ROSALÍA queria transmitir essa emoção, na mesma entrevista com Zane Lowe, ela diz que preferiria que as pessoas fizessem uma festa se alegrando na sua morte, do que experimentar o luto. É um fechamento com chave de ouro para a versão disponível nas plataformas digitais!

EXTRAS!!!

(Faixa 1) “Focu ‘ranni”

Nascida em Palermo, Santa Rosália de Palermo (1130-1170) foi uma nobre siciliana conhecida por uma vida de desapego e de oração. A moça cancelou seu casamento na noite anterior à cerimônia para viver de forma eremita, nas grutas do Monte Pellegrino, onde recebia viajantes. Em 1624, a santa apareceu em sonho para um caçador, indicando o local da sua morte e, muitos afirmaram na época, que a procissão com os seus ossos curou a cidade de Palermo de uma epidemia.

(Faixa 2) Jeanne

Em “Jeanne”, ROSALÍA conta a história da camponesa francesa Joana d’Arc (1412-1431) que, acreditando ter visões divinas, liderou o exército francês para a vitória na Guerra dos Cem Anos entre a França e a Inglaterra, garantindo a coroação do rei Carlos VII. Com isso, Joana se tornou padroeira da França e símbolo de resistência, além de ser uma feminista e um símbolo de independência. Ela usava roupas masculinas e era considerada herege, tanto que foi executada por isso.

(Faixa 3) Novia Robot

Nesta canção cantada em espanhol, a compositora se inspira nas narrativas de Miriam (1400 a.C-1274 a.C), figura bíblica, irmã mais velha do famoso Moisés (e também de Arão, não se esqueça) que foi importante na libertação dos israelitas da escravidão no Egito, e Sun Bu’er (1119-1182), foi uma sacerdotisa taoísta chinesa, que fundou a Escola da Pureza e Tranquilidade e é conhecida como a “humana livre, clara e calma”.

“Eu acho que as melhores obras de ficção têm essa linha tênue entre o que é pessoal e o que é universal ou o que é detalhado e abstrato. Tem que existir um tipo de verdade para mim ali mas, ao mesmo tempo, eu acho que é muito mais sobre o outro”

Conhecidas como “eras”, artistas da contemporaneidade têm dividido seus trabalhos em espécies de capítulos muito bem estruturados daquilo que desejam contar aos fãs. Seja por meio de sonoridades marcantes expressas em seus álbuns mais recentes ou, principalmente, de visuais excêntricos, essas fases têm sido ferramentas adotadas por cantoras como Taylor Swift, em reputation (2017), e, mais recentemente, por Charli xcx, com BRAT (2024).

No entanto, a densidade de histórias tão bem construídas, com universos conceituais recheados de espaços para teorias de fãs e easter eggs, também pode trazer seus desafios. À medida que cada obra é construída e dividida com o público, surge também a dúvida: será que determinado performer conseguirá superar o próprio catálogo e seus trabalhos anteriores por meio de um novo capítulo da sua narrativa musical?

E a resposta é: sim!

Um exemplo recentíssimo de que este é, sim, um caminho bastante possível (apesar de não ser nada óbvio), no mundo da música é o quarto e último trabalho de Rosalía Vila Tobella, ou somente ROSALÍA, com o álbum intitulado “LUX” (que significa luz, em latim), que rompe as convenções do que significa produzir um álbum pop na atualidade e traz novas cores ao gênero. O trabalho, que soa quase como um batismo, é contemplativo, intenso e misterioso.

Tudo isso porque ROSALÍA combina com reinvenção.

Desde o álbum “El Mal Querer” (2018), que foi o seu Trabalho de Conclusão de Curso (TCC) da Escola Superior de Música da Catalunha, e mescla o pop e o flamenco, ou por meio da reimaginação do reggaeton no mais recente “MOTOMAMI” (2022), a artista prova que sabe lidar com a inovação à cada novo trabalho.

“Quanto mais vivemos na era da dopamina, mais eu quero o oposto”, disse ao Popcast, podcast do The New York Times, sobre seu anseio para que as pessoas consigam ouvir o seu mais novo álbum sem dividir a atenção entre estímulos.

Já como uma preparação do terreno para a chegada de “LUX”, a cantora compartilhou partituras com linhas da música sob o nome de “Berghain” em seu Substack, no dia 13 de outubro. O feito, foi como um soco na boca do estômago demonstrando a complexidade de um trabalho com instrumentação orquestral que causou um grande frisson, tanto na internet quanto fora dela, com musicistas ao redor do mundo tirando a partitura em diferentes instrumentos.

R O S A L Í A

BERGHAIN

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Com participações de Björk e Yves Tumor, a movimentação só se intensificou com o lançamento do videoclipe no YouTube em 27 de outubro. 10 dias depois, ROSALÍA nos encantou e agraciou com a chegada de “LUX”. Na capa, a artista catalã aparece vestida com uma roupa que remete a um hábito de freira, clique creditado ao artista Noah Dillon.

Em entrevista para o apresentador neozelandês Zane Lowe, para o programa The Zane Lowe Interview da Apple Music, a artista compartilhou detalhes do processo de criação do álbum, que levou cerca de três anos para alcançar a versão que hoje conhecemos e podemos apreciar.

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A era do maximalismo emocional

“MOTOMAMI era minimalista, LUX é maximalista”, afirma a cantora e compositora, que, enquanto está escrevendo, compondo e produzindo, diz usar seus projetos musicais para se debruçar sobre assuntos que a interessam, desta vez, a temática foi outra: a teologia, a espiritualidade e as diferentes interpretações de santidade na experiência humana.

E este maximalismo, referido pela artista, está impresso na quantidade de diferentes culturas representadas no trabalho fonográfico, ROSALÍA não só canta em espanhol e catalão mas em alemão, árabe, chinês, francês, hebraico, inglês, italiano, japonês, latim, português (de Portugal) e até ucraniano.

No total, são 18 faixas, mas apenas 15 delas estão disponíveis nos streamings, e “Focu ‘ranni”, “Jeanne” e “Novia Robot” seguem dispostas nas versões físicas do trabalho, onde sua voz se destrincha em sussurros, cantos quase líricos e tons de ópera.

Acompanhada pela Orquestra Sinfônica de Londres sob a regência de Daniel Bjarnason, ROSALÍA compartilhou que, em muitos momentos, se emocionou ao gravar os vocais.

“São tantas mulheres incríveis [presentes nas religiões]. E eu queria, de alguma forma, canalizar as suas histórias [...]. Estou à serviço da emoção”, diz a artista. E ROSALÍA faz exatamente isso: trazer o tema da fé sem soar datada, falar sobre Deus sem abrir mão das suas referências modernas.

No soy una santa, pero estoy blessed

Mas, emocionar desse jeito tem o seu preço: a compositora de 33 anos compartilha que essa jornada de mergulho profundo em direção aos estudos a colocou diante da sua própria introspecção, onde ficou imersa convivendo quase que absolutamente com os demais envolvidos na criação do álbum, meio alheia ao próprio círculo social. Apesar da fé ser a temática central da construção sonora, ROSALÍA também fala sobre a dor, introspecção, a ideia do prazer, a busca por algo maior que a nossa humanidade e a superação.

Em entrevista, ela comentou como criou o costume de caminhar à noite ouvindo grandes compositores da música clássica, como Frédéric Chopin, Richard Wagner, Gustav Mahler, Isaac Albéniz Enrique Granados, Manuel de Falla, Johann Sebastian Bach, Pau Casals e Maria Callas, inspirações diretas para o trabalho. “LUX” é dividido em quatro atos:

• 1º ato: O afastamento humano da pureza;

• 2º ato: A paz no mundo;

• 3º ato: A aproximação da Graça de Deus;

• 4º e último ato: O encerramento do ciclo.

Com uma sonoridade onde é possível escutar toda a fisicalidade dos instrumentos de metais e cordas, ROSALÍA quis nadar contra a correnteza ao escolher, propositadamente, não utilizar loops nas gravações.

Em “LUX”, toda repetição é cantada para expressar a ideia de que aquela canção foi composta por um ser humano, onde o foco principal não é ir do ponto A para o B em um corte, mas, sim, a jornada entre esses pontos. Uma das canções, “Mio Cristo Piange Diamanti”, demorou um ano para ser produzida, o que só demonstra a primazia impressa em todo o trabalho.

“Sete céus? Grande coisa... Eu quero ver o oitavo céu. O décimo céu. O milésimo céu. Sabe… é como atravessar para o outro lado. É como passar por uma porta. Uma porta não é suficiente. Um milhão de portas não são suficientes”2

Nota: ★★★★★ (5/5)

Oi, oieee! Nesta edição especial, falo sobre o Ghibli Fest, o festival que tem levado títulos clássicos do Studio Ghibli aos cinemas brasileiros. Eu fui convidada pelo time da distribuidora Sato Company para assistir ao filme “O Serviço de Entregas da Kiki”! Aqui, conto um pouco mais sobre a experiência e trago informações importantes para quem não quer perder a 2ª fase da exibição em 2026. Então, espero que goste do texto!

“A Viagem de Chihiro” (2001), “Meu Amigo Totoro” (1988), “Princesa Mononoke” (1997) e “O Serviço de Entregas da Kiki” (1989) são alguns dos títulos que compõem o catálogo de animações do Studio Ghibli. Fundado em 1985, o estúdio de animação japonês é fortemente admirado pelo público e, também, pela crítica, recebendo uma extensa coleção de prêmios por suas produções, como o Oscar de Melhor Filme por “A Viagem de Chihiro” e “O Menino e a Garça” – além da conquista de outros prêmios como o BAFTA, Globo de Ouro, Palma de Ouro e Urso de Ouro.

Como forma de celebrar este legado de 40 anos de história, a distribuidora brasileira Sato Company propôs uma experiência inigualável: a oportunidade dos fãs assistirem aos títulos clássicos nos cinemas.

Como repórter que vêm acompanhando os lançamentos culturais e cinematográficos há alguns anos, sei como a promoção de encontros como esse marcam não apenas os fãs, mas também movimentam o cenário cultural como um todo. Aqui na news amplificando narrativas falo, constantemente, sobre a importância de dar espaço a histórias que merecem ser contadas.

E o Ghibli Fest é mais um exemplo disso: o evento é um convite para mergulharmos em narrativas que superam os limites geracionais, unindo os amantes de boas histórias e do cinema por meio de diferentes universos fantásticos.

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Do impacto de Chihiro à doçura de Kiki

A primeira vez que tive contato com um filme do Studio Ghibli, estava no período do ensino fundamental, e a professora de artes da escola onde estudava havia passado “A Viagem de Chihiro” durante uma das aulas. Na época, eu já era uma criança que demonstrava certa inclinação e gosto pelo ato de desenhar, achei fascinante os detalhes contidos em cada cena do filme. Mesmo sem entender muito da premissa sobre amadurecimento contida nos tons do longa-metragem, adorei os aspectos fantásticos e a jornada de Chihiro na busca pelos pais. E algumas cenas do filme estão, até hoje, na minha lista pessoal de cenas cinematográficas favoritas. Tamanho o impacto do filme na minha jornada.

Quando assisti “O Serviço de Entregas da Kiki”, pela primeira vez, lembro que estávamos vivendo coletivamente o isolamento social devido a pandemia da covid-19. Ali, na quietude do meu quarto com a minha gatinha, ainda filhote, me lembro de acompanhar as aventuras daquela bruxinha de 13 anos curiosa, destemida e cheia de disposição em busca do seu propósito em Koriko, cidade à beira-mar onde a personagem decide se estabelecer após sair de casa (que, no enredo, é uma tradição entre as bruxas para aprimorarem a magia).

Lembro que, na época, eu estava finalizando o Trabalho de Conclusão de Curso (TCC) da minha graduação em jornalismo e, algumas cenas específicas, me marcaram muito sobre a questão de respeito aos processos criativos. O desenho, apesar de falar sobre a vida de uma bruxinha, pode ser uma boa metáfora da vida de um artista (ou qualquer pessoa que trabalha criando algo. No meu caso, trabalho com a criação de frases e sentenças).

Só para contextualizar, o longa de 1 hora e 52 minutos, dirigido pelo grande animador e roteirista Hayao Miyazaki, é inspirado no livro de Eiko Kadono, sob o mesmo nome. Este é o meu filme favorito do estúdio e ter a chance de rever a obra em uma sala de cinema durante o Ghibli Fest foi uma experiência totalmente imersiva, onde consegui notar novos detalhes nesta animação que tem um lugar especial no meu coração.

Apesar de todos os elementos fantásticos, como bruxas com poderes mágicos e animais falantes, o filme – que foi totalmente desenhado à mão sem o uso de ferramentas computacionais – trata sobre a busca pela autoconfiança por parte da adolescente.

Na cidade praiana, Kiki conhece pessoas queridas, faz alguns amigos, vive seu primeiro amor e busca pela sua independência como jovem bruxa mas, o caminho conta com algumas linhas tortuosas e desafios: em um momento específico da narrativa, Kiki passa por uma experiência crítica de dúvidas e confusões sobre si mesma e sobre o seu valor enquanto bruxa (sem spoiler aqui!).

Mas, é na compreensão de pessoas queridas e dos seus amigos que a jovem recupera a confiança e a autoestima, e volta a acreditar no poder da sua própria magia.

Em certa cena, a amiga pintora de Kiki chamada Úrsula mostra a pintura que está criando, inspirada no voo da amiga bruxa, o que faz com que Kiki fique maravilhada pela obra. E aí vem uma das frases mais marcantes do longa, na minha opinião:

“A pintura e os poderes mágicos parecem a mesma coisa. Às vezes, não consigo pintar nada (...) Sabe, talvez você esteja se esforçando demais. Talvez você devesse dar uma pausa: Faça longas caminhadas, observe a paisagem, cochile ao meio-dia e nem pense em voar. E então, em breve, você estará voando novamente”.

Então, é a partir do distanciamento das suas dúvidas que Kiki começa a enxergar a sua própria vivência por outra perspectiva, assim como quando podemos ver um quadro por outro ângulo.

“Eu amava pintar. Pintava o dia todo até adormecer no meu cavalete. E então, um dia, por algum motivo, simplesmente não consegui mais pintar. Tentei e tentei, mas nada do que eu fazia parecia bom. Eram cópias de pinturas que eu já tinha visto em algum lugar... Eu simplesmente sentia que tinha perdido minha habilidade. É exatamente a mesma coisa, mas aí eu encontrei a resposta: Eu não tinha descoberto o que ou por que queria pintar. Eu precisava descobrir meu próprio estilo. Quando você voa, você confia no que está dentro de você, não é?”, comenta a amiga, quando Kiki pede ajuda sobre as suas inseguranças.

E sem spoilers sobre a cena final, mas Kiki acaba entendendo que a sua magia pode, também, crescer e acompanhar o seu próprio amadurecimento. Aqui, também vale uma menção honrosa para Joe Hisaishi, criador da trilha sonora impecável do longa, composta por 21 canções que dão o tom necessário para as alegrias e os dramas vividos pela jovem.

Ghibli Fest já tem retorno confirmado em 2026

Ao todo, serão exibidos 22 filmes animados, com lançamentos em dois momentos. A primeira etapa do Ghibli Fest vai até 1º de outubro (quarta-feira) e conta com a transmissão, em todas as regiões do país, dos seguintes filmes em telas grandes:

• “Vidas ao Vento” (2013)

• “Da Colina Kokuriko” (2011)

• “Ponyo: Uma Amizade Que Veio do Mar” (2008)

• “O Castelo Animado” (2004)

• “A Viagem de Chihiro” (2001)

• “Meus Vizinhos, Os Yamada” (1999)

• “Sussurros do Coração” (1995)

• “PomPoko - A Grande Batalha dos Guaxinins” (1994)

• “Eu Posso Ouvir o Oceano” (1993)

• “Porco Rosso - O Último Herói Romântico” (1992)

• “Memórias de Ontem” (1991)

• “O Serviço de Entregas da Kiki” (1989)

• “Meu Amigo Totoro” (1988)

• “Nausicaä do Vale do Vento” (1984)

Já a segunda parte do festival está prevista para o ano que vem, 2026, e contará com a exibição de mais oito clássicos:

• “As Memórias de Marnie” (2014)

• “O Conto da Princesa Kaguya” (2013)

• “O Mundo dos Pequeninos” (2010)

• “Contos de Terramar” (2006)

• “O Reino dos Gatos” (2002)

• “Princesa Mononoke” (1997)

• “Túmulo dos Vagalumes” (1988)

• “O Castelo no Céu” (1986)

Para checar a disponibilidade dos filmes, basta acessar o site da CineSystem.

Agora, aproveite a oportunidade para deixar a sua curtida no texto. Essa é uma forma para saber que você está gostando do conteúdo, comentários e compartilhamentos também são suuuuuuuper bem-vindos!

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