Quando publicamos a última edição de ArteLetter, em 24 de novembro de 2024, nos despedimos prometendo voltar no início do ano seguinte. Mas como, às vezes, a vida zomba dos nossos planos, nosso retorno só está sendo possível hoje 🥳

Durante esse período off, aproveitamos para repensar e redefinir duas coisas. Primeiro, nosso formato: ele não será mais pré-definido e fixo como nas edições passadas. A partir de agora, alternaremos edições em um formato mais ensaístico, com temas mais diversificados, e edições sobre o trabalho de artistas contemporâneos (algumas vezes em formato de entrevista). Segundo, nossa periodicidade não será mais fixa (todos os domingos, como era antes). Ao invés disso, publicaremos cerca duas edições por mês 😊

Enfim, estamos felizes por estar de volta e especialmente gratas a todos que continuaram conosco e aos que se juntaram a nós durante esse longo período de pausa. Esperamos seguir trazendo edições que agreguem conhecimento e reflexão sobre arte ao mesmo tempo que seja uma leitura aprazível para vocês.

E aqui está a primeira edição dessa nova era de ArteLetter! Boa leitura e um abraço afetuoso,

Lu e Chris

Um dia desses, nos deparamos com uma discussão sobre qual é a obra de arte brasileira mais valiosa. Havia um consenso nessa discussão: Abaporu (1928), de Tarsila do Amaral, seria a obra de arte brasileira mais valiosa. À primeira vista, todos nós estávamos corretos, mas não demorou muito para que outra pergunta tomasse conta da discussão: mas, afinal, o que entendemos por “mais valiosa”?

Há bons motivos para que Abaporu surja quase automaticamente quando se faz essa pergunta. Pintado por Tarsila em 1928 e dado de presente de aniversário a Oswald de Andrade, o quadro se tornou a imagem-símbolo do movimento antropofágico e uma das obras mais reconhecíveis da arte brasileira. Décadas depois, em 1995, apareceu em um leilão da Christie’s, em Nova York, e foi arrematado pelo empresário e colecionador argentino Eduardo Costantini por US$ 1,3 milhão (um recorde, na época, para uma obra brasileira). Hoje, o quadro integra a coleção do MALBA, o Museu de Arte Latino-Americana de Buenos Aires, fundado por Costantini. Em 2018, em entrevista publicada pela própria Christie’s, Costantini estimou o valor da obra em US$ 40 milhões1.

Vejam o que escrevemos: estimou! Os US$ 40 milhões não correspondem a uma transação efetivamente realizada, mas a uma estimativa de quanto a obra poderia valer no mercado. E essa diferença, que parece pequena, começa a desmontar nossa pergunta inicial. Afinal, se “mais valiosa” significar a obra brasileira à qual se atribui o maior valor de mercado, Abaporu é uma candidata fortíssima ao posto. Mas, se decidirmos adotar um critério aparentemente mais simples, de quanto alguém efetivamente pagou por uma obra, precisamos olhar para outro quadro. Coincidentemente, também de Tarsila.

Em dezembro de 2020, A Caipirinha (1923) foi levada a leilão pela Bolsa de Arte, em São Paulo. A venda decorreu de uma execução judicial. A própria documentação da Bolsa de Arte registrava uma avaliação judicial de R$ 45 milhões e estabelecia um preço mínimo superior a R$ 47 milhões. Na noite de 17 de dezembro, três colecionadores disputaram a tela durante cerca de quinze minutos até que um deles a arrematou por R$ 57,5 milhões (cerca de US$ 11,4 milhões na cotação da época)2.

E é aqui que a discussão começa a ficar quente: se, por um lado, Abaporu possui um valor estimado de US$ 40 milhões, por outro, os R$ 57,5 milhões de A Caipirinha não são uma hipótese sobre o que alguém poderia pagar. Alguém de fato pagou! E esse é, até hoje, o recorde para uma obra de artista brasileiro em venda pública. Isso torna A Caipirinha uma resposta igualmente defensável para a nossa pergunta, pois se Abaporu pode reivindicar o título pela estimativa de mercado, A Caipirinha pode reivindicá-lo pelo preço efetivamente observado.

Mas a discussão não termina aí. Até aqui, estamos falando de valor em termos do que o mercado consegue, de alguma forma, traduzir em cifras. Porém, há obras cujo valor parece escapar um pouco dessa lógica. Tomemos como exemplo Guerra e Paz (1952-1956), de Candido Portinari.

Não há uma cotação pública de Guerra e Paz comparável aos US$ 40 milhões estimados para Abaporu, muito menos um preço de leilão como os R$ 57,5 milhões de A Caipirinha. Isso não significa, porém, que os dois painéis tenham menos valor. Pelo contrário, significa que estamos diante de uma categoria diferente de valor, que escapa às condições normais de funcionamento do mercado.

Vejamos alguns aspectos dessa obra. Primeiro, há a sua biografia. Guerra e Paz não foi simplesmente adquirido por uma instituição importante: nasceu de uma encomenda feita pelo governo brasileiro especialmente para a recém-criada ONU (o presente foi dado à ONU em 1957). Sua história está, portanto, ligada simultaneamente à história da arte brasileira, ao contexto da participação do Brasil na ONU (e à diplomacia brasileira) e à própria história da ONU.

Depois, há a monumentalidade. São dois painéis de dimensões excepcionais (cada um mede aproximadamente 14 por 10 metros), concebidos como um conjunto e para um espaço institucional específico. Há também a carga simbólica da obra. Em 2015, na ocasião da reinstalação na sede geral da ONU após passar por uma restauração, o secretário-geral da ONU na época, Ban Ki-moon, destacou seu caráter de mensagem dirigida aos líderes que passam diariamente diante delas: de um lado, as consequências da guerra; de outro, a aspiração universal pela paz.

Há ainda sua posição na trajetória de Portinari. O artista trabalhou nos painéis nos últimos anos de vida, mesmo depois de ter recebido recomendações médicas para parar de pintar devido a uma intoxicação provocada pelo contato com as tintas.

Por fim, há um elemento que costuma ser decisivo para a formação de valor no mercado de arte: a impossibilidade de substituição. Não há outro Guerra e Paz. Não apenas porque toda obra de arte é, por definição, singular, mas porque dificilmente seria possível reproduzir a combinação de autoria, escala, contexto histórico, localização, função diplomática e carga simbólica daqueles painéis.

Por tudo isso, se fossem colocados no mercado, quanto valeriam? Dificilmente temos como saber ou mesmo estimar! Podemos imaginar especialistas procurando obras comparáveis, analisando recordes de Portinari, dimensões, proveniência, importância histórica, raridade e demanda. Ainda assim, qualquer cifra carregaria uma boa dose de ficção, porque não existe propriamente um mercado de painéis monumentais de Portinari feitos para a sede das Nações Unidas.

É por isso que Guerra e Paz pode entrar seriamente nessa disputa, ainda que nunca tenha recebido uma valoração de mercado capaz de colocá-lo em um ranking objetivo de preços.

No fim das contas, talvez nossa conversa inicial estivesse menos errada do que incompleta. Se a pergunta for qual obra brasileira possui um dos maiores valores de mercado estimados, podemos responder Abaporu, de Tarsila do Amaral. Se perguntarmos qual alcançou o maior preço comprovado em uma venda pública, a resposta é A Caipirinha, também de Tarsila. Mas, se ampliarmos a ideia de valor para incluir importância histórica, singularidade, função institucional, significado cultural e patrimônio, Guerra e Paz, de Portinari, torna-se uma candidata difícil de ignorar.

O curioso é que nenhuma dessas respostas anula as demais. Elas apenas revelam que a palavra valor ilustra algo mais diverso e complexo. Pois, quando falamos em valor pensando no preço, estamos nos referindo àquilo que efetivamente aparece em uma transação de compra e venda. Já quando pensamos em termos de valor de mercado, pensamos em uma expectativa: quanto uma obra provavelmente alcançaria se fosse negociada, levando em conta sua autoria, raridade, proveniência, importância, estado de conservação e, é claro, o quanto que os compradores estariam dispostos a disputá-la. E se pensarmos em valor patrimonial, aí é outra história. Ele incorpora dimensões históricas, culturais, sociais e simbólicas que nem sempre podem ou precisam ser traduzidas em dinheiro.

Assim, talvez a resposta mais precisa à pergunta “afinal, qual é a obra de arte brasileira mais valiosa?” seja aquela de que ninguém gosta muito quando começa uma boa discussão: depende! Depende do que estamos chamando de valor. E, nesse caso, Abaporu, A Caipirinha e Guerra e Paz não disputam exatamente o mesmo primeiro lugar. Cada uma ocupa o topo de uma classificação diferente.

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esta é a última edição de ArteLetter neste ano de 2024. Estaremos de “férias” durante o próximo mês de dezembro e voltaremos em janeiro de 2025. ArteLetter foi publicada pela primeira vez em 31/03 deste ano com apenas quatro assinantes, sendo duas delas essas que vos escrevem. De lá pra cá, 34 edições foram publicadas, ao longo das quais mais de 300 assinantes se juntaram a nós e foram essenciais para nos incentivar a seguir escrevendo e publicando. Por isso, nosso muito obrigada a cada um de vocês! Durante essa pausa, vocês podem revisitar (ou ler pela primeira vez) algumas dessas edições; elas estão disponíveis aqui.

Desejamos que tenham um excelente final/início de ano e que possamos, a partir do ano que vem, seguir nossa jornada de apreciação e aprendizado da arte.

Um abraço afetuoso,

Chris e Lu

A edição de hoje traz a obra Reflecting My Grace (2019), da artista americana Calida Rawles (1976). As pinturas de Rawles são uma combinação de hiper-realismo e abstração poética. Seu processo de criação é composto por duas etapas: primeiro, ela fotografa os modelos (frequentemente pessoas próximas, como suas filhas), muitas vezes submersos ou parcialmente imersos em água, capturando detalhes como a interação entre os corpos, a luz e as ondulações aquáticas; segundo, ela utiliza essas imagens fotográficas como referência para suas pinturas(majoritariamente tintas acrílicas sobre tela), permitindo que ela construa composições altamente detalhadas e hiper-realistas, que posteriormente incorpora elementos abstratos e poéticos.

Sua técnica envolve a criação de camadas translúcidas que capturam texturas, refrações e ondulações aquáticas, conferindo um efeito etéreo e tridimensional às composições. Rawles frequentemente retrata figuras negras em meio a ambientes aquáticos, onde a água assume consiste num elemento alegórico utilizado para evocar narrativas simbólicas de cura, resiliência e transcendência.

Reflecting My Grace (2019) é uma das imagens da série A Dream for my Lilith, na qual Rawles reinterpretou a história de Lilith, a primeira esposa de Adão, que foi demonizada por se recusar a se submeter a ele. Assim como as demais imagens da série, Reflecting My Grace retrata uma figura soberana que emerge das águas, simbolizando rebeldia. Influenciada também por escritoras negras contemporâneas e suas abordagens interseccionais, nesta obra Rawles pinta uma Lilith negra em vestido branco, flutuando com graciosidade em um ambiente de calma e alívio espiritual, afastadas de julgamentos, perseguições e traumas geracionais. Com olhos fechados e postura serena, ela irradia na luz refratada das águas azuis, em um momento de lazer e deleite.

A carreira de Rawles teve início no final dos anos 1990 e, de lá pra cá, ela realizou exposições individuais em instituições como o Pérez Art Museum Miami (2024), The Delaware Contemporary (2024) e Lehmann Maupin em Nova York (2023 e 2021). Seu trabalho também integrou diversas exposições coletivas, incluindo a 12ª Bienal de Berlim de Arte Contemporânea (2022) e "Black American Portraits" no Los Angeles County Museum of Art (2021). Além disso, suas obras fazem parte de coleções públicas e privadas, como o Dallas Museum of Art, Los Angeles County Museum of Art e Pérez Art Museum Miami. Se você quiser conhecer outros trabalhos dessa artista, visite o site oficial ou o perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

Encerramos o mês com nosso último capítulo sobre o movimento Impressionista, que, com sua potência, ainda hoje influencia nosso senso estético na arte.

Hoje, destacamos o papel artístico das mulheres no Impressionismo. Com estilos inovadores, elas foram reconhecidas por seus pares e críticos em sua época, mas, ao longo da história da arte, muitas vezes foram esquecidas. O registro histórico privilegiou as trajetórias dos renomados pintores homens, enquanto a produção das mulheres artistas foi frequentemente relegada a uma posição secundária.

Entre as pintoras que aderiram ao Impressionismo, e estão ligadas ao círculo mais íntimo do movimento, estão Berthe Morisot, Mary Cassatt, Marie Bracquemond e Eva Gonzalès.

Morisot, Cassatt e Bracquemond ganharam destaque na história da arte em 1928, quando o crítico Henri Focillon as descreveu como Les Trois Grandes Dames ou “As Três Grandes Damas” do Impressionismo.

Essas artistas produziram obras tão inovadoras quanto as de seus colegas homens. Apesar de suas biografias distintas, todas superaram obstáculos significativos para contribuir com o desenvolvimento do movimento. Ao moldarem suas carreiras e estilos únicos, enfrentaram não apenas desafios pessoais, mas também as barreiras impostas pelas normas sociais da época.

Neste texto, nos concentraremos na obra de cada uma dessas artistas. Contudo, é fundamental observar alguns aspectos do contexto social em que elas viveram.

No final do século XIX, uma mulher de classe alta que vivia em Paris estava submetida a um rígido código de regras sociais. Por exemplo, uma mulher solteira não podia sair de casa sem acompanhante, frequentar cafés ou ir ao teatro sozinha, sob o risco de comprometer sua reputação. Como resultado, as mulheres eram incentivadas a desenvolver interesses em artes decorativas, música ou pintura, atividades que poderiam ser realizadas em companhia de outras mulheres. Esses esforços eram vistos como formas de auto-aperfeiçoamento, e não como caminhos para uma carreira.

Comparado a movimentos anteriores, caracterizados por grandes telas com temas heróicos, históricos ou religiosos, o estilo impressionista se mostrou especialmente adequado para as pintoras. O menor tamanho das telas facilitava o transporte e a pintura ao ar livre (en plein air). Os temas menos formais, como “instantâneos” da vida cotidiana - retratos de família, crianças, amigos e paisagens do jardim ou do campo -, se integravam facilmente ao ambiente cotidiano dessas mulheres.

Berthe Morisot (1841–1895)

Sem dúvida a Impressionista mais conhecidas, Morisot se destacou pela dedicação à pintura da vida moderna.

Ela foi a única mulher a expor na primeira Exposição Impressionista e participou de sete das oito exposições subsequentes do movimento. Casada com o irmão de Édouard Manet e amiga íntima de Renoir, tornou-se uma das integrantes mais prolíficas do círculo Impressionista. Seu amor por pintar ao ar livre (en plein air) permaneceu ao longo de sua carreira, e sua filha Julie foi uma de suas modelos favoritas.

Como um crítico observou na época, “sua pintura tem toda a franqueza da improvisação; é realmente a impressão capturada por um olhar sincero e precisamente reproduzida por uma mão que não trapaceia.”

A obra acima foi exibida pela primeira vez na quinta Exposição Impressionista, em 1880, e faz parte de uma série de pinturas em que Morisot retrata momentos íntimos de mulheres se arrumando. Além de refletir suas próprias experiências cotidianas, a pintura dialoga com obras de artistas Impressionistas homens, como Edgar Degas, Auguste Renoir e Édouard Manet, que também capturavam cenas de intimidade feminina, muitas vezes com uma carga erótica mais evidente.

Em Mulher em sua Toalete, a intimidade é apresentada de forma contida e respeitosa. A figura feminina, de costas para o observador, evita o olhar direto e preserva sua privacidade. A composição transmite sofisticação e elegância, com elementos como pérolas, cetim, pétalas de flores e um penteado meticulosamente arrumado, além de exalar feminidade através da predominância de tons pastéis de lavanda, rosa, azul, cinza e branco. Esses aspectos remetem ao estilo rococó, inspiração evidente em Morisot, que era influenciada pelos trabalhos de Jean-Honoré Fragonard (1732–1806), seu tio-bisavô materno.

Mary Cassatt (1844–1926)

Nascida em Pittsburgh, Pensilvânia, Mary Cassatt destacou-se como a única americana no círculo Impressionista. Após estudar pintura na Academia de Belas Artes da Pensilvânia e em diversas cidades da Europa, estabeleceu-se definitivamente em Paris, em 1875. Lá, tornou-se amiga íntima de Edgar Degas e participou de quatro Exposições Impressionistas.

Cassatt, influenciada pelo movimento feminista iniciado nos Estados Unidos a partir de 1848, rejeitou as expectativas tradicionais de casamento e maternidade, optando por uma vida independente e uma carreira artística bem-sucedida. Suas obras, marcadas por uma abordagem inovadora, retratavam mulheres como sujeitos, e não como objetos. Embora seja mais conhecida por seus retratos de mães e filhos, Cassatt inicialmente explorou o mundo das interações sociais íntimas, antes de se concentrar nos laços profundos entre adultos e crianças.

Menina na Poltrona Azul é considerada a estreia oficial de Cassatt no movimento Impressionista. Rejeitada no Salão de 1878, a obra ganhou reconhecimento quando Degas a convidou para participar do grupo. No ano seguinte, a pintura integrou a Quarta Exposição Impressionista.

A modelo desta obra é a filha de amigos de Degas. Utilizando um tom dominante de turquesa profundo, Cassatt explora o universo feminino desde a infância. A composição apresenta uma menina esparramada em uma poltrona azul no primeiro plano, em uma sala onde outras três poltronas idênticas. A menina olha para o chão à sua frente, demonstrando aparente desinteresse em ser retratada; seu semblante sugere cansaço e tédio. À frente da menina, um pequeno cão cochila, criando uma mancha escura que equilibra os tons de sua roupa e com os tons neutros da sala, iluminada por grandes janelas ao fundo.

A composição como um todo é marcada pela ambiguidade. A sala, organizada e sem acessórios, transmite uma atmosfera de impessoalidade. As roupas da menina, impecáveis e dentro dos padrões rígidos da época, reforçam esse contexto formal. No entanto, a cena rompe com essas normas: a menina, displicentemente jogada na poltrona, exibe uma atitude rebelde para os padrões da época, desinteressada tanto pelo ambiente quanto pelos observadores. Por meio dessa representação, a artista sinaliza seu desejo de explorar as tensões entre os papéis tradicionais impostos às mulheres e uma nova visão de liberdade e individualidade.

Marie Bracquemond (1840–1916)

A trajetória de Marie Bracquemond como pintora, ceramista e gravurista é marcada por resiliência e determinação diante de desafios pessoais e sociais. Diferentemente de suas contemporâneas Cassatt e Morisot, Bracquemond teve origem em familiar abastada e, por tanto, as mesmas oportunidades. Autodidata em grande parte de sua formação, ela enfrentou o preconceito da sociedade e até mesmo de seu próprio marido.

Detentora de um talento nato, Bracquemond teve um de seus quadros aceitos no Salão de Paris em 1857, o que impulsionou sua carreira. Nesse período, ela estudou sob a orientação de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867). No entanto, a austeridade e o ceticismo de Ingres em relação à capacidade feminina na arte a levaram a buscar outros tutores. A partir de 1864, ela começou a participar regularmente dos Salões.

Em 1869, casou-se com Félix Bracquemond, pintor, ceramista, gravurista e pioneiro do japonismo na Europa, já renomado no meio artístico e participante da primeira Exposição Impressionista de 1874.

Marie participou da Exposição Universal de 1878 com um grande painel de cerâmica que chamou a atenção de Edgar Degas. A partir desse contato, mediado também por seu marido, ela se inseriu no círculo Impressionista. Sua prática artística então evoluiu do rígido formalismo e realismo até abraçar o Impressionismo. Participou das Exposições Impressionistas de 1879, 1880 e 1886. Nesse último ano, conheceu Paul Gauguin, cuja influência foi decisiva em sua produção artística.

Apesar da oposição de seu marido, Marie Bracquemond persistiu em sua paixão pelo Impressionismo. Seu trabalho, caracterizado pelo uso vibrante de cores e composições inovadoras, reflete seu comprometimento com os ideais do movimento e sua luta pela liberdade criativa. No entanto, a desaprovação de Félix Bracquemond culminou na interrupção de sua carreira artística em 1890, quando a tensão conjugal tornou insustentável sua dedicação à pintura.

A Dama em Branco foi uma das três pinturas de Bracquemond exibidas na Quinta Exposição Impressionista, em abril de 1880. A obra retrata Louise Quivoron, meia-irmã da artista, que frequentemente posava como modelo em suas pinturas.

Como muitos Impressionistas, Bracquemond trabalhou nesta obra ao ar livre, em seu jardim em Sèvres, mas a composição foi cuidadosamente planejada, com esboços preliminares, refletindo a influência clássica de sua formação. O tema da figura em um jardim era recorrente no Impressionismo, permitindo às mulheres artistas da época certa autonomia para pintar ao ar livre dentro dos limites culturais impostos.

A pintura, de tamanho real, apresenta a modelo sentada sobre um tapete estampado colocado na grama, com as mãos cruzadas no colo. A figura está voltada de perfil três quartos para a esquerda, enquanto encara o observador com um olhar frio e distante. O fundo é preenchido por uma vegetação exuberante, formando um halo ao redor do tronco e da cabeça da modelo.

O vestido branco da modelo destaca-se como um elemento central da composição, refletindo a obsessão de Bracquemond em explorar as nuances da cor branca, a atmosfera e as mudanças da luz do sol. A obra exemplifica sua habilidade técnica e seu compromisso em desafiar os limites artísticos e sociais de sua época.

Eva Gonzalès (1849–1883) 

Gonzalès veio de uma família artística. Seu pai era escritor, sua mãe era musicista e através deles ela conheceu uma variedade de membros da elite cultural parisiense. Desde jovem, foi exposta às novas ideias em torno da arte e da literatura da época. Começou a ter aulas de arte quando tinha 16 anos. Poucos anos depois, conheceu Édouard Manet, se tornou sua modelo e única aluna formal, e muitas vezes foi criticada por fazer trabalhos muito semelhantes aos dele. Em 1870, ela expôs suas obras no Salão de Paris. Ela nunca expôs com os Impressionistas, mas era considerada um membro de seu círculo por seu estilo de pintura. Embora a carreira de Eva Gonzalès tenha sido interrompida por sua morte repentina aos 34 anos, ela se tornou conhecida por seu estilo característico de retratos. Ela incluiu emoção sutil e riqueza de detalhes em suas obras, como A Loge in the Théàtre des Italiens (1874), descrita como uma das pinturas mais provocativas de sua época e apresentada no Salão de 1879.

Emoldurada pelo exuberante veludo vermelho e as borlas douradas da cortina, além do apoio de mão ligeiramente curvado, a irmã da artista, Jeanne Gonzalès, está sentada em um camarote no Théâtre des Italiens. Ao seu lado, em pé, encontra-se Henri Guérard, o homem com quem Eva se casaria mais tarde.

O casal parece emocionalmente distante: o homem está de perfil, enquanto Jeanne adota uma postura frontal, com um grande par de binóculos de ópera em uma das mãos. Sua expressão combina alerta e serenidade, sugerindo o tipo de fascínio que se experimenta durante uma apresentação arrebatadora. Suas mãos repousam, transmitindo uma entrega calma ao momento, enquanto Guérard, perpendicular a ela, inclina-se para trás com o cotovelo apoiado no descanso de veludo, em uma linguagem corporal que reflete introspecção e distanciamento.

O tema do camarote era um dos preferidos dos impressionistas. Além da moldura natural que o espaço oferece, ele possibilita uma exploração de contrastes intrigantes, como artifício versus natureza, aparência versus realidade e, sobretudo, o espetáculo da vida moderna — uma preocupação central dos impressionistas. O camarote é um espaço ambíguo, simultaneamente público e privado, onde os ocupantes assistem e são assistidos, refletindo o dinamismo social da Paris do século XIX, onde até mesmo as ruas se tornavam palcos e os transeuntes, atores.

No entanto, dentro do camarote, os ocupantes são retirados do caos da multidão e transportados para um espaço mais privilegiado, associado à riqueza e ao status social. Por essas razões, o tema certamente atraía a burguesia aspirante, e um artista atento teria em mente a possibilidade de comercializar uma obra com essas características.

Outro aspecto interessante do camarote é a sugestão de narrativas que transcendem a cena representada. As direções dos olhares das figuras, por exemplo, levantam questões intrigantes. Imaginando o camarote levemente à esquerda do palco, os olhos de Jeanne parecem fixos na performance, enquanto Guérard olha na direção oposta. O que está capturando sua atenção? Seria o público? Talvez algum acontecimento no corredor, já que era comum que as portas dos camarotes permanecessem abertas durante as apresentações, permitindo interações sociais fora da sala principal?

Independentemente da interpretação, esses olhares divergentes permanecem misteriosos. Eles podem sugerir um comentário sobre o relacionamento entre os dois, indicando que estão emocionalmente em direções opostas. Alternativamente, podem oferecer uma reflexão mais ampla sobre os papéis de gênero na sociedade parisiense do século XIX: o homem, voltado para o mundo exterior, engajado no entorno, enquanto a mulher assume uma postura introspectiva e quase ritualística.

As flores que adornam o camarote, perfeitamente combinadas com o vestido e os acessórios de Jeanne, intensificam essa ideia de exibição e ornamentação. A cadeira vazia ao lado dela pode simbolizar sua disponibilidade, deixando no ar um leve mistério sobre o cenário e suas implicações sociais e culturais.

Essas quatro mulheres não apenas capturaram a beleza do cotidiano com seus pincéis, mas também deixaram marcas profundas que ressoam até hoje. Elas nos lembram que o ato de criar, de persistir e de expressar a própria visão do mundo é um caminho poderoso de resistência e de conexão com o que nos torna humanos.

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👀 Arte em Pauta

• Uma balsa foi transformada em centro de cultura flutuante e levará arte pelos rios da Amazônia.

• De autoria de Lelia Lofego, com ilustrações de Sofia Rodrigues Barbosa, Arte Contemporânea em Brasília para Crianças acaba de ser lançado.

• De novo a banana presa na parede com fita adesiva!! Dessa vez, ela foi vendida em leilão da Sotheby’s por US$ 6,2 milhões, na última quarta-feira (20), para o empresário de criptomoedas Justin Sun.

• Com 100 galerias participantes, a Abu Dhabi Art 2024, que termina hoje, é uma sucesso tão grande que já correm rumores de que ela pode se tornar mais uma edição da Art Basel em 2025.

• E para encerrar nossa temporada sobre Impressionismo mostrando que, 150 depois, ele ainda está com tudo, a Sotheby’s acabou de leiloar uma das para Nymphéas de Monet por US$ 65,5 milhões (com taxas).

Esta semana destacamos Metamorphosis (2024), uma escultura de Gil Bruvel (1959), pintor e escultor nascido na Austrália, filho de pais franceses, atualmente baseado no Texas. Desde a infância, ele teve aulas de desenho e escultura. Seu pai, um marceneiro, o ensinou sobre design e a funcionalidade na arte, influências que permanecem evidentes em sua obra. Bruvel persegue uma expressão artística orgânica, já passou por uma variedade de meios como pintura, grafite, fundição em bronze, mobiliário funcional, mídia mista, escultura pública, aço inoxidável e, atualmente, trabalha com madeira. Seu percurso artístico é profundamente influenciado pelo surrealismo, cubismo e abstração.

Em seu trabalho de elaboração de esculturas com ripas de madeira, Bruvel adota um processo ritualista: transforma a madeira em camadas cuidadosamente formadas, submetendo-as ao fogo, que marca e acentua sua textura. Em vez de queimar completamente a madeira, Bruvel a carboniza levemente, destacando os veios naturais. Ele constrói as imagens meticulosamente, ripa por ripa, antes de aplicar as camadas de pintura gradiente que simbolizam emoções fluindo pela mente. A repetição e a uniformidade do processo geram um senso meditativo.

Em Metamorphosis, Bruvel desenvolve um retrato pixelado, construído com várias ripas rígidas de madeira de maple, pintadas em gradientes vibrantes que realçam as feições. A obra retrata um rosto meditativo e sereno, enquanto as ripas que predominam nas laterais e na parte de trás formam padrões abstratos, sugerindo caminhos neurais, emoções ou estados de espírito. Essas figuras se preocupam com o que se passa na mente do observador, explorando também a efemeridade do tempo, sugerida pelos veios que revelam a idade da madeira.

Vistas de perto, as ripas parecem um agrupamento aleatório de formas geométricas, mas, de longe, revelam um rosto coeso que emerge do caos aparente. Segundo o próprio Bruvel: "essa fragmentação revela um todo coerente", que, ao combinar controle e caos, se torna metáfora da vida.

Para saber mais sobre o artista, visite seu site ou sua página no Instagram. 

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📄 Mudando de assunto…

Na verdade, voltando ao assunto do Impressionismo...1

Se tivéssemos que definir o que é o Impressionismo, poderíamos dizer que foi um movimento artístico que surgiu na França no final do século XIX, com o intuito de romper com os padrões acadêmicos da época, e inaugurou um estilo de pintura que buscava registrar o cotidiano e a modernidade, era feita ao ar livre, com pinceladas rápidas e soltas, e usava a luz e a cor para criar efeitos que transmitissem a impressão de efemeridade do momento.

Contudo, ao longo de suas edições, as exposições Impressionistas receberam muitas críticas, entre outras coisas, pela forte heterogeneidade de técnicas e temas das obras expostas, o que conferia ao grupo expositor falta de unidade e de uma narrativa expositiva coerente. Ou seja, ter participado de uma exposição Impressionista não necessariamente significava que o artista se encaixava na definição colocada no parágrafo acima.

Na verdade, apenas um subconjunto dos artistas que participaram das exposições Impressionistas se dedicaram àquele estilo de pintura. Ainda assim, mesmo entre aqueles que podem ser considerados o “núcleo duro” do Impressionismo no sentido técnico, é possível identificar diversas diferenças estilísticas. Alguns dos que compõem esse grupo são: Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas e Berthe Morisot. A seguir, poderemos ver, através de suas obras que, embora todos eles estejam sob a mesma denominação de movimento artístico, eles estavam longe de formar uma unidade estilística.

Claude Monet é considerado o pai do Impressionismo devido sua obra Impressão, Nascer do Sol (1872) ter dado nome ao movimento, mas sua contribuição foi muito além disso. Monet foi um mestre em captar a luz e suas variações ao longo do dia e das estações. Sua técnica incluía pinceladas rápidas e curtas, com cores vibrantes aplicadas lado a lado para criar efeitos luminosos e atmosféricos. Ele aplicou esse tipo de técnica à pintura dos mais variados temas, como paisagens, jardins, cenas de água e a interação da luz com a natureza. Em séries como Nenúfares e Catedral de Rouen, Monet explorava as mudanças de luz e atmosfera ao pintar a mesma cena em diferentes momentos do dia, criando um estudo quase científico das variações ópticas.

Femme à l'ombrelle tournée vers la droite (1886) é uma obra que encapsula os princípios centrais do Impressionismo, com sua ênfase na luz, movimento e a experiência fugaz da natureza. A obra mostra uma mulher, possivelmente Camille Monet, segurando uma sombrinha ao ar livre, em um cenário onde a luz natural é protagonista, criando contrastes suaves e uma atmosfera luminosa. Com pinceladas rápidas e perspectiva ligeiramente inferior, Monet transmite movimento, espontaneidade e uma sensação de contemplação serena, evidenciando a conexão entre a figura e o ambiente ao seu redor.

Já Pierre-Auguste Renoir era mais reconhecido por suas cenas vibrantes e alegres da vida urbana cotidiana. Ele utilizava pinceladas leves e arredondadas, que davam uma qualidade quase tridimensional às figuras humanas, e era obcecado pela interação entre luz e cor nas superfícies, especialmente nas sombras coloridas. Uma marca constante em suas pintura é a mistura de tons quentes e frios para criar contraste e vitalidade.

Em O balanço (1876) é uma obra que exemplifica o domínio do artista na criação de cenas luminosas e vibrantes da vida urbana cotidiana. A pintura retrata uma jovem em um balanço, cercada por figuras em um jardim ensolarado. Renoir utiliza pinceladas soltas e vibrantes para captar os jogos de luz e sombra que atravessam as folhas das árvores, criando uma atmosfera de dappled light (luz filtrada), que é quase palpável. Ele está particularmente tentando capturar os efeitos da luz solar salpicada pela folhagem. Essa luz é representada pelas manchas de cor pálida, particularmente na roupa e no chão. A paleta de cores suaves, composta por tons de azul, branco e verde, reforça a leveza e a serenidade da cena. A composição transmite a alegria simples e a espontaneidade de um momento ao ar livre, mostrando o talento de Renoir em transformar cenas triviais em celebrações de luz, cor e vida.

Camille Pissarro abordou uma diversidade temas, tanto urbanas quanto rurais. A série de de pinturas do Boulevard Montmartre em diversos horários do dia e da noite está entre as obras mais bonitas e reconhecidas do artista. Mas Pissarro também era um dos mais politizados e progressistas do grupo e sua obra frequentemente se voltava ao registro de trabalhadores comuns em vez de cenas idealizadas.

Em Fenação em Éragny (1901), Camille Pissarro retrata trabalhadores rurais colhendo feno na vila de Éragny-sur-Epte, onde o artista residiu de 1884 até sua morte em 1903. A composição destaca a harmonia entre figuras humanas e a paisagem, com uma disposição cuidadosa que cria um ritmo equilibrado de linhas e formas. Ele utiliza pinceladas soltas e uma paleta de cores suaves para capturar a luz natural e a atmosfera serena do campo francês. A obra reflete seu interesse contínuo pela vida rural e sua habilidade em representar o cotidiano da classe trabalhadora.

Por outro lado, Edgar Degas ficou famoso por suas representações de bailarinas e cenas da vida moderna, muitas delas em ambientes internos. Tecnicamente, ele combinava Impressionismo com o Realismo, e fazia uso da fotografia como um auxilio para executar suas pinturas. La Classe de Danse, criada entre 1873 e 1876, retrata um momento íntimo no estúdio de balé. Degas escolhe mostrar o cotidiano nos bastidores, focando nas poses naturais e descontraídas das dançarinas enquanto se ajustam ou conversam. A composição utiliza uma perspectiva diagonal que guia o olhar por toda a sala, enquanto a iluminação suave e difusa realça a textura do tule e o piso de madeira, criando profundidade. A obra reflete a habilidade de Degas em capturar cenas cotidianas com espontaneidade e precisão, equilibrando influências impressionistas e realistas. Com pinceladas soltas e uma paleta de tons suaves, ele humaniza as bailarinas, destacando o esforço e a disciplina envolvidos no balé, longe da idealização comum.

Berthe Morisot também se destaca pelo registro de cenas cotidianas em ambientes internos, ao contrário de boa parte de seus colegas de movimento, que retratavam a vida ao ar livre. Frequentemente, sua obra retrata o cotidiano feminino. Le Berceau (1872), uma obra emblemática da artista, retrata uma cena íntima de maternidade. A pintura mostra Edma, irmã de Berthe, observando carinhosamente sua filha Blanche enquanto ela dorme em um berço. A composição destaca a conexão profunda entre mãe e filha, evidenciada pelo olhar atento de Edma e pela posição de seus braços, que une as duas figuras. Morisot utilizou pinceladas suaves e uma paleta de cores claras para capturar a luz natural que permeia a cena, conferindo uma atmosfera de serenidade e ternura. A cortina translúcida do berço, que Edma segura delicadamente, adiciona uma camada de intimidade e proteção, simbolizando o cuidado materno. A obra foi apresentada na primeira exposição impressionista em 1874, marcando a presença de Morisot como a primeira mulher a expor com o grupo. Apesar de inicialmente não receber grande atenção, O Berço é hoje reconhecido como uma representação sensível e inovadora da maternidade na arte do século XIX.

Por fim, destacamos a obra de Alfred Sisley. Ele foi um dos principais artistas do Impressionismo, conhecido por suas paisagens tranquilas e luminosas. Sua técnica é marcada por pinceladas fluidas e uma paleta de cores claras, que capturam com maestria os efeitos da luz e da atmosfera em diferentes momentos do dia e estações do ano.

Seus temas predominantes incluem rios, pontes, campos e vilarejos, muitas vezes retratando áreas ao redor de Paris e localidades como Moret-sur-Loing. Sisley evitou figuras humanas como foco principal, concentrando-se na interação entre natureza, luz e espaço. Sua obra exemplifica o compromisso impressionista de captar a experiência visual de forma imediata e sensível.

Tudo isto pode ser percebido em The Flood at Port-Marly (1876), que mostra a elevação das águas do rio Sena em Port-Marly. A obra se destaca pelo uso cuidadoso da perspectiva, que contrasta com a natureza dinâmica da cena. Sisley emprega pinceladas espontâneas e uma paleta de cores suaves, especialmente tons de azul e preto, para criar uma atmosfera poética e emocional, focando nos reflexos e na luz que interage com o cenário da cheia. A obra destaca a beleza transitória do impacto da natureza sobre o espaço urbano.

Nós poderíamos trazer muitos outros exemplos de obras, e até mesmo de outros artistas Impressionistas, para analisar as nuances que os diferenciam e faz desse um grupo bastante heterogêneo. Mas as seis obras abordadas aqui já mostram que, embora todos tenham em comum um obra que rompe com padrões acadêmicos e inauguram uma nova forma de pintura e, especialmente, abre um caminho para liberdade artística, cada um tinha sua assinatura estilística própria ao se diferenciarem pelo uso das cores, pela representação de luzes e sombras e pelas escolhas das temáticas.

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👀 Arte em Pauta

• A mais antiga placa de pedra com os Dez Mandamentos vai a leilão.

• Os Estados Unidos devolvem a India antiguidades saqueadas.

• Mais de 2000 obras de arte falsas foram apreendidas na europa.

• Pequeno busto do artista Edmé Bouchardon (1698-1762), adquirido em meados de 1930 pelo equivalente a U$6, poderá ir a leilão por aproximadamente U$4 milhões.

Márta Kucsora, Beautiful Error, 2022, videoarte. Fonte: https://kucsora.com/video-installation/

A edição de hoje traz Beautiful Error (2022), um vídeo-instalação, ou videoarte, da artista húngara Márta Kucsora (1979). Embora seja mais conhecida por pinturas de estilo abstrato experimental em telas grandes, o trabalho de Kucsora também abrange vídeo-instalação, ou videoarte, modalidade que começou a desenvolver mais recentemente.

Para criar esses vídeos, Kucsora prepara uma superfície ou recipiente onde mistura substâncias diversas, como diferentes tipos de tinta, solventes e outros elementos. Ela então filma cada momento dessa mistura e as reações e transformações químicas que decorrem dela, utilizando técnicas digitais para ampliar a escala e o impacto visual dessas reações, mas evita a pós-produção, preferindo manter a “pureza” das imagens.

Diferentemente das pinturas estáticas, os vídeos registram o movimento fluido e orgânico das misturas de tinta, destacando mudanças de forma e cor em tempo real, sem a intervenção direta da artista durante a filmagem. Ela considera esse processo como uma espécie de “instantâneo em movimento” dos padrões criados pelos materiais, captando momentos efêmeros que uma tela tradicional não conseguiria exprimir.

O resultado final é uma experiência imersiva para o espectador, que observa uma espécie de “nascimento” das formas, parecendo observar o mundo a partir de uma perspectiva subatômica ou cósmica. Seus vídeos, ao capturar a imprevisibilidade das interações químicas, revelam o que ela considera como a natureza “viva” dos materiais, propondo uma visão crítica sobre a relação entre natureza e controle humano​.

Todo esse processo pode ser visto em Beautiful Error (2022), onde a combinação da imagem e do som convidam o espectador ao relaxamento, ao mesmo tempo em que é surpreendido a cada segundo com as novas formas e cores decorrentes das reações provocadas pela mistura entre os materiais. Recomendamos reservar 18 minutinhos deste domingo para assistir a esse vídeo e se permitir relaxar!

Para conhecer outros trabalhos de Márta Kucsora, visite o site oficial ou o perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

Em continuidade ao nosso mês dedicado ao Impressionismo, celebramos nesta semana Claude Monet, um dos artistas mais venerados de todos os tempos, nascido em 14 de novembro de 1840, em Paris. Mestre do movimento impressionista, Monet revolucionou a arte ao estabelecer novas diretrizes para a prática artística, que perduram até hoje.

Aqui estão alguns fatos sobre ele:

1. Monet foi batizado como Oscar-Claude Monet, e era chamado de Oscar por seus pais e pessoas mais próximas. Desde cedo, demonstrou talento para a pintura e ingressou na Escola Superior de Arte e Design de Le Havre, na Normandia, aos 11 anos. Ali, ficou famoso por suas caricaturas em carvão, que vendia nas ruas.

2. Entre 1856 e 1858, conheceu o pintor de paisagens Eugène Boudin (1824-1898), que o incentivou a abandonar as caricaturas e a explorar a pintura de paisagens ao ar livre, uma prática que se tornaria a base de seu estilo. Durante uma expedição de pintura em Rouelles, Monet desenvolveu um fascínio pela natureza e pelos efeitos da luz e da atmosfera nas cores, um tema central em sua obra. Sua primeira pintura conhecida, Vista de Rouelles (abaixo), datada de 1858, foi apresentada em uma exposição municipal em Le Havre no mesmo ano.

3. Em 1861, após ser convocado para o serviço militar na Argélia, Monet contraiu tifo e foi dispensado, retornando a Paris com a condição de retomar seus estudos artísticos. Desiludido com o conservadorismo da Academia, ele se matriculou na Academia Suisse em 1862, onde conheceu outros futuros impressionistas, como Pierre-Auguste Renoir, Frédéric Bazille e Alfred Sisley. Juntos, buscavam novas maneiras de pintar, capturando os efeitos fugazes da luz com pinceladas rápidas e cores vibrantes, fora do estúdio, ao ar livre. Foi também onde conheceu  a modelo Camille Doncieux (1847-1879), sua primeira mulher e musa em várias de suas obras, como a que mostramos abaixo, onde Monet retrata Camille e, supostamente, esse retrato foi criado quando Gustave Courbet pediu a Monet que pintasse algo “rápido e bom, de uma vez só”, para que ele pudesse submeter a tempo ao Salão de 1866. É dito também que foi executada em quatro dias. O que se pode afirmar é que a obra foi aprovada para o Salão de Paris e foi um sucesso de crítica.

4. Como muitos artistas, Monet passou grande parte da vida sem dinheiro, dependendo de apoio constante de amigos e familiares para sobreviver. Em meio à pobreza e à frustração com o establishment artístico francês, Monet entrou em uma profunda crise emocional e tentou  suicidar-se ao se jogar no rio Sena  em 1868. A luta contra a depressão o acompanharia durante toda sua vida.

5. A Guerra Franco-Prussiana de 1870 o forçou a se refugiar na Inglaterra, onde estudou as obras de John Constable e William Turner, cujas influências são evidentes em sua obra Impressão, Sol Nascente (1872), que se tornaria famosa ao ser apresentada na primeira Exposição Impressionista em 1874. Este quadro, que deu nome ao movimento, foi adquirido por Ernest Hoschedé, patrono dos impressionistas e amigo de Monet.

6. A arte e a cultura japonesa também exerceram grande influência sobre Monet, especialmente após a abertura do Japão e a popularização das gravuras ukiyo-e na Europa. Ele colecionou essas gravuras e, inspirado pelo estilo japonês, criou os jardins em Giverny, que se tornariam um dos seus maiores legados. Em La Japonaise (1876), Monet funde elementos da estética oriental e ocidental ao retratar Camille com uma peruca loira, evocando a moda japonesa.

7. Em 1878, enquanto Camille enfrentava uma grave doença, a família Monet passou a dividir a casa com a família de Ernest Hoschedé, na vila de Vétheuil, que havia encomendado quatro pinturas a Monet. Nesse mesmo ano, Hoschedé declarou falência e perdeu todos os seus bens, partindo para a Bélgica em uma tentativa de reconstruir sua fortuna. Monet e sua família permaneceram na vila, na companhia de Alice, esposa de Hoschedé, que cuidou de Camille durante sua doença. Em 1879, Camille faleceu aos 32 anos e Monet imortalizou o momento em uma pintura feita em seu leito de morte (imagem abaixo). Monet e Alice, junto com os filhos das duas respectivas famílias, continuaram vivendo juntos em Poissy e mais tarde em Giverny. Casaram-se em 1892, após a morte de Hoschedé.

8. Claude Monet, fascinado pelos efeitos da luz e da cor na atmosfera, dedicou sua carreira a uma série de obras que exploravam as variações desses elementos sob diferentes condições, como hora do dia e estações do ano. Ele frequentemente pintava o mesmo tema repetidamente, buscando capturar a essência efêmera do momento e a constante mutabilidade da luz, como se cada objeto surgisse e desaparecesse com a iluminação que o envolvia. Entre suas séries mais icônicas estão Haystacks (1890-91), as Catedrais de Rouen (1892-94) e, especialmente, as célebres Ninféias, que se tornaram o foco central de sua produção nas últimas décadas de sua vida, totalizando mais de 250 obras.

   Sua técnica, marcada por pinceladas rápidas e o uso inovador de cores, permitiu-lhe capturar a luz do sol e as sombras de maneira revolucionária, afastando-se da tradição de representar sombras em tons escuros. As séries, com suas frequentes variações de uma obra para outra, evidenciam a contínua transformação da realidade percebida pelo artista, refletindo uma visão subjetiva e sensível do mundo. Esses efeitos podem ser observados nas duas obras abaixo: a primeira mostra a luz ao final do verão, enquanto a segunda revela a luz refletida na neve.

9. No final de sua vida, Monet desenvolveu catarata, e suas pinturas desse período são facilmente reconhecíveis por apresentarem um tom mais avermelhado, resultado da mudança de percepção das cores. A catarata tem o efeito de absorver luz, dessaturar cores e tornar o mundo visualmente mais amarelado e avermelhado. Refletindo essas mudanças perceptivas, suas pinturas de Ninfeias e salgueiros dessa época tornaram-se mais abstratas, com uma notável transição de um espectro azul-esverdeado para tons de amarelo, rosa e vermelho mais turvos. Embora Monet tenha ficado profundamente angustiado com os efeitos da perda de visão em seu trabalho, as obras desse período são reconhecidas como uma ponte significativa entre o impressionismo e a abstração moderna. A obra abaixo é considerada o último trabalho de Monet.

Agora nos conte: o que achou da vida de Monet e suas obras? Clique aqui para um tour virtual em sua casa em Giverny e seu jardim.

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👀 Arte em Pauta

• Retrato feito por um robô é vendido por US$1,08 milhão.

• Exposição no Museu do Ipiranga mostra efeitos da emergência climática no Brasil.

• A Galeria Espaço Arte MM, em São Paulo, apresenta a exposição coletiva Quimeras – 100 anos do Surrealismo, uma jornada que explora as profundezas do imaginário e do inconsciente em um contexto contemporâneo.

• No próximo dia 11 de novembro será anunciado o resultado do Prêmio São Paulo de Literatura 2024. Click aqui para conhecer os livros finalistas.

Nesta semana, trazemos um olhar de “esperança” com a série Hope, do pintor espanhol Pejac (Silvestre Santiago, 1977), cujas obras incluem murais, pinturas, esculturas e instalações. O artista é conhecido por seu domínio da tinta em praticamente qualquer ambiente, indo do papel e da tela tradicional às ruas e espaços públicos de várias cidades pelo mundo. Pejac busca criar pontos de reflexão e diálogo sobre questões sociais e ambientais. Seus primeiros passos na Arte Urbana ocorreram quando, desiludido com as ideias elitistas dos professores da Accademia di Belle Arti di Milano, decidiu criar uma arte acessível a todos. Utilizando a técnica de trompe-l’oeil, que cria uma ilusão de ótica tridimensional em superfícies planas, ele atrai olhares curiosos para suas figuras em pequena escala, que só são percebidas de perto e formam uma imagem completa à distância.

Hope nasceu em 2024, mas sua inspiração remonta a 2020, com o mural Social Distancing, criado no auge da pandemia. Na época, Pejac pintou três murais chamados Strength (força) na parte externa do Hospital Universitário Marqués de Valdecilla, em sua cidade natal, Santander. Cada mural recebeu um título: Caress (afago), Overcoming (superação) e Social Distancing (distanciamento social).

Em Social Distancing, vemos, à distância, o que parece ser uma grande fenda na parede. Ao nos aproximarmos, percebemos uma multidão de pessoas formando essa fenda, tentando escapar da rachadura. Essa obra de trompe-l’oeil é uma metáfora rica para as rupturas sociais causadas pelo vírus e a necessidade de cuidado e compaixão comunitária. A obra rapidamente viralizou nas redes sociais, tornando-se um símbolo de esperança, capturado na riqueza de detalhes de suas figuras.

Em 2024, surge o projeto Hope, uma releitura de Social Distancing, em parceria com o estúdio de serigrafia Make-Ready, de Londres. Esse projeto explora como a esperança é formada e cultivada. Pejac realizou uma residência no estúdio para criar a obra original, e, a partir dela, concebeu uma série de oito impressões que, gradualmente, vão adicionando novas figuras e interações, construindo uma metáfora inversa: enquanto Social Distancing representa a fragmentação social, Hope mostra como a criação de comunidade e compaixão podem resgatar a sociedade. Na última edição, a palavra “Hope” é destacada em ouro, simbolizando a formação de esperança social à medida que mais pessoas atuam como agentes de mudança diante das crises.

A série Hope teve 1.000 impressões criadas, divididas em 125 exemplares de cada uma das oito imagens, com cada peça sucessiva adicionando mais figuras em ações diversas. Essa série foi colocada à venda em julho deste ano e esgotou rapidamente. Uma nova edição já está sendo divulgada.E segue a determinação do artista em criar uma arte acessível.

Assista o vídeo abaixo para entender melhor a criação da obra e seus detalhes. Para saber mais do artista e seu trabalho visite o site oficial ou o perfil do Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

A essa altura, talvez você já saiba que em 2024 celebramos os 150 anos do movimento Impressionista. Por isso, ao longo das quatro edições desse mês de novembro, vamos abordar aspectos desse movimento em nossa seção “Mudando de Assunto…”. Para começar, abordaremos hoje, de maneira breve e sucinta, as origens do termo “Impressionista” e a história das exposições “Impressionistas”. 

Mas para compreender o surgimento do termo “Impressionismo” e as exposições, é necessário compreendermos antes o contexto em que tudo isso estava inserido. Em 1874, Paris passava por uma profunda transformação urbana e social. Um dos principais intelectuais que escreviam sobre essas transformações era Charles Baudelaire, que em 1863 escreveu “O Pintor da Vida Moderna” onde, entre outras coisas, defendeu que o pintor daquele tempo deveria registar o dia a dia e as transformações da vida urbana, incluindo a velocidade com as quais as coisas estavam acontecendo e o caráter transitória da vida moderna. Esse texto inspirou diversos artista da época, que trocaram a pintura nos ateliês pela pintura ao ar livre e começaram a desenvolver novas técnicas, capazes de representar a transitoriedade do momento, especialmente da luz, e a registrar a cena urbana que se instalava em Paris.

Ao mesmo tempo, naquela época, qualquer artista que quisesse fazer da arte um caminho profissional precisava expor no Salão. O Salão era um evento anual que marcava o ritmo da cena artística parisiense. Era uma enorme exposição oficial, totalmente sob o controle do Estado e da Escola de Belas Artes de Paris, que desde 1857 acontecia no Palácio da Indústria ou Palácio dos Campos Elísios, e apresentava todas as disciplinas artísticas (pintura, escultura, desenho etc.). E é importante frisar novamente que ser aceito para expor no Salão era obrigação absoluta para qualquer artista que quisesse fazer disso a sua profissão. Mas para ser aceito era preciso passar pelo crivo de um júri rigoroso, que privilegiava obras que correspondessem a critérios acadêmicos, com dimensão narrativa e intelectual. E este júri estava pouco inclinado a aceitar as últimas tendências em pintura.

E de fato não aceitavam! Quase todas as obras que não seguiam as técnicas mais clássicas ou que não abordassem os temas considerados mais nobres e acadêmicos - como retratos, mitologia e história - eram recusados. O volume de trabalho recusados passou a ser tão grande, que deu origem a outra exposição pública: O Salão dos Recusados. Era uma oportunidade para os não aceitos pelo Salão darem visibilidade aos seus trabalhos, mas, por outro lado, o caráter depreciativo da exposição não os favorecia profissionalmente. 

Foi então que em 15 de abril de 1874, um grupo de artistas reuniram os poucos recursos e a muita coragem que tinham e inauguraram sua primeira exposição independente1 em Paris. Foi a primeira vez na história da arte que isso aconteceu e representou uma profunda mudança no sistema da arte. Com trabalhos que não seguiam a rigor as regras acadêmicas e eram considerados inovadores para época, eles queriam criar um espaço para poder mostrar sua produção sem depender da aprovação em exposições oficiais. Faziam parte desse grupo Monet, Pissarro, Sisley, Renoir, Degas e Berthe Morisot e outros 31 artistas. 

Essa exposição ocorreu durante um mês e aconteceu no antigo ateliê do fotógrafo Nadar. O ateliê ficava no Boulevard des Capucines, uma parte muito nova da capital, porém com muita atividade comercial, empresarial e teatral. O local era dividido em dois andares, onde foram expostas 200 obras de todos os tipos, o que fez a exposição ser marcada por falta de homogeneidade. Foi justamente a grande heterogeneidade de peças e estilos e a falta de coerência entre elas que gerou fortíssimas críticas à exposição, que foi um fracasso não só de crítica como também de vendas. Foi nessa exposição que Monet expôs a pintura “Impressão, Nascer do Sol” (1872), de Monet. E foi num texto crítico à exposição, ao referir a esta obra, que Louis Leroy criou o termo “Impressionista” como algo de cunho pejorativo, com o objetivo de ridicularizar o grupo.

A segunda exposição do grupo aconteceu dois anos depois, em 1876, numa galeria de arte privada do marchand Paul Durand-Ruel. É preciso lembrar que, além de não terem lugar fixo, essas exposições também não tinham intervalos regulares. Não havia um calendário fixo ou pré-definido para esses eventos. Em vez disso, foram organizadas de acordo com as circunstâncias e a disponibilidade de cada um dos artistas dentro do grupo, cujos membros mudavam constantemente. Para esta exposição, o grupo desfez-se dos seus artistas menores e incorporou Gustave Caillebotte, que expôs a pintura The Floor Scrapers (1875), e a partir daí teria um papel fundamental na história dessas exposições, especialmente através do seu apoio financeiro significativo. Apesar das mudanças, novamente a exposição não foi bem recebida pelo público e crítica.

Em 1877 aconteceu a terceira exposição. Foi uma exposição importante, pois foi a mais unificada em termos de estilo impressionista. Com isso, o grupo conseguiu que o público e a crítica compreendessem seus motivos e objetivos. Foi também o ano em que os impressionistas decidiram apropriar-se dos termos Impressionista e Impressionismo. Adotaram-os, inclusive, utilizando em cartazes na entrada da exposição, e como título de uma revista artística, cuja publicação estava prevista desde 1874 e foi publicada em quatro volumes. A exposição foi bem recebida e até rendeu lucros. Foi nela que Renoir expôs Le Moulin de la Galette (1876).

A quarta exposição ocorreu em 1879. Nesse momento, ficou determinado, especialmente por Degas, que participantes do Salão não poderiam expor na exposição independente. Isso levou Renoir a não expor no Salão naquele ano (Renoir, embora adepto da técnica impressionista, também seguia fazendo algumas pinturas à gosto do Salão, com a expectativa de que isso lhe trouxesse mais visibilidade e oportunidade de vendas). Nesta quarta exposição também foram expostos pela primeira vez leques decorativos. Uma seleção de quase 20 leques, o que deu caráter à exposição e ajudou a estabelecer a sua identidade dentro das artes decorativas. E esse foi um aspecto dominante e onipresente da arte impressionista, sendo essa quarta exposição a mais significativa nesses termos. Sobre essa quarta exposição, também é importante destacar a primeira participação de Mary Cassat que, a partir de então, exerceu papel importante na organização das exposições.

As duas exposições seguintes, em 1880 e 1881, são consideradas o ponto em que o grupo começou a desmoronar. Havia uma discussão interna a respeito do nome das exposições; muitos não gostavam ser rotulados e outros não queriam ser associados a um nome desfavorável. Houve um aumento no número de cancelamentos em favor do Salão em 1880 e 1881. Em 1880, Renoir e Monet não expuseram porque preferiram o Salão, e Cézanne deixou o grupo definitivamente. Caillebotte juntou-se a eles em 1881. 

Também em 1881, Degas convocou novos membros ao grupo, seus amigos Frederico Zandomeneghi e Jean-Marius Raffaëlli, para expor ao lado dele. Este último expôs 32 obras, o que o tornou o artista mais representado daquele ano e criou um forte desequilíbrio em termos de conteúdo da exposição em favor de suas pinturas. A pintura de Raffaëlli se distanciava muito do estilo impressionista e sua forte presença na exposição foi o que levou Caillebotte a renunciar em sinal de protesto. Por outro lado, Renoir voltou ao grupo. 

A sétima exposição, em 1882, foi marcada pela mudança de formato e até de caráter. Desta vez, aconteceu num espaço bastante vasto, os Salons du Panorama de Reichshoffen. A esta altura, restaram no grupo apenas sete artistas. Foi a menor exposição em número de expositores. Mas dito isto, tal como a exposição de 1877, esta exposição destacou-se das demais pelo seu notável sentimento de homogeneidade, com uma pequena diferença: o formato organizacional era muito diferente.

Caillebotte voltou a expor com a condição de que Raffaëlli não se envolvesse. Como consequência, Degas deixou a exposição, e Cassatt também em solidariedade ao amigo. O negociante de arte Paul Durand-Ruel, então, se envolveu e teve um papel importante para essa exposição. A razão para isso foi que ele fez um investimento massivo em peças desses artistas que não encontraram compradores. Além disso, em 1882, sua galeria foi gravemente afetada pela crise financeira que atingiu Paris. E para sair dessa situação, ele decidiu expor tudo o que tinha nessa exposição, um número considerável de pinturas.

Como consequência, embora o número de artistas participantes diretos fosse baixo, havia um grande número de peças de Pissarro, Renoir, Sisley e de outros participantes do grupo em outras edições da exposição e, por isso, podemos de certa forma dizer que está é a mais impressionista destas exposições. Foi a primeira vez que a crítica reconheceu o grupo como uma escola. Por outro lado, por contradição, também poderia ser considerado o fim do impressionismo, ou seja, o fim do envolvimento dos impressionistas na exposição, uma vez que Renoir, Sisley e Monet se distanciaram da sua organização, e a exposição passou a ser dirigida por um marchand. Mas apesar dos esforços de Durand-Ruel, a exposição foi um fracasso financeiro.

A oitava e última exposição aconteceu em 1886. Desta vez, aconteceu no primeiro andar do restaurante La Maison Dorée, na rue lafitte. A novidade desta exposição é que foi a primeira a apresentar peças que se enquadravam na categoria Neo-impressionista ou Divisionismo. Eram novas variantes do Impressionismo, muito mais cientificas e lógicas, porém sem a espontaneidade característica do impressionismo. 

O que podemos apreender dessa história é que o Impressionismo se fez entre altos e baixos, sob muitas críticas, e através da união entre artistas com estilos diversos que, em comum, tinham apenas a vontade de inovar e de colocar no mundo novas formas de fazer pintura. Se hoje o Impressionismo é um dos movimentos artísticos mais apreciados, o oposto não acontecia 150 anos atrás. Boa parte de seus representantes – a exemplo de Sisley, Pissarro e Degas – morreram pobres e sem reconhecimento. Foi preciso muitos anos de uma luta implacável - que começou antes das exposições e continuou depois dela - para que o trabalho desse grupo ganhasse reconhecimento. 

Grupo esse que era tão heterogêneo que pode nos levar a perguntar: afinal, o que é um Impressionista? Do ponto de vista das exposições, um participante de qualquer uma delas. Do ponto de vista da técnica, aqueles que se dedicaram a pintar ao ar livre, com pinceladas curtas e rápidas, e/ou pintar as cenas do cotidiano moderno com o intuito de captar a transitoriedade do momento. De modo geral, eram todos aqueles unidos pela reivindicação de liberdade de expressão artística.

E eles conseguiram! Em 12 anos de exposições, o grupo impressionista transformou a cena da arte parisiense. Eles fizeram com que, aos poucos, o público e a crítica fossem se habituando a novas expressões artísticas, à arte vanguardista. Ao final desses 12 anos, o Salão já não era a única opção para um artista ter visibilidade e se firmar profissionalmente. Sua ousadia é o grande marco para o hoje conhecemos com Arte Moderna.

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👀 Arte em Pauta

• Cidade Maia é achada no México.

• Tendências no mundo da arte: o que foi vendido na Art Basel Paris 2024.

• Descoberta em Pompeia casa com afrescos elaborados.

• A Sotheby 's colocou à venda sua primeira obra creditada a um robô humanóide usando inteligência artificial (IA), Portrait of Alan Turing (2024) foi criada por Ai-Da Robot. Já há um lance de U$120,000.

Desde os ready-mades de Marcel Duchamp, o mundo da arte passou por uma transformação nas técnicas e formas de expressões: vimos o “feito à mão” dar lugar ao conceitual. Além do próprio ready-made, performance, instalação, land art e outras linguagens conceituais estiveram em lugar de destaque na cena artística das últimas décadas, especialmente a partir da década de 1960. Mas como tudo (ou quase tudo) é cíclico, neste exato momento, vemos no mundo da arte um movimento de retorno ao manual. Isso não quer dizer que o conceitual passou; pelo contrário, ele sempre terá amplo espaço no mundo da arte, mas significa sim que outras técnicas, por que muito tempo foram menos valorizadas, ou tradicionalmente relegadas à condição de artesanato, agora estão em alta no fazer artístico. É o caso das artes têxteis, como tapeçaria, crochê e bordado.

O trabalho da artista têxtil e designer italiana Francesca Colussi Cramer, aqui representado pela obra The Unveiling (2021), é um exemplo disso. Baseada no norte do País de Gales, no Reino Unido, Francesca se dedica a fazer bordados em postais e fotografias antigas. Com isso, ela transforma e recontextualiza essas imagens através de uma perspectiva contemporânea e tridimensional, explorando as interseções do que é considerado arte, design e artesanato através de um meio que tem sido tradicionalmente percebido como feminino, engajando-se em um diálogo entre passado e presente.

The Unveiling (2021) traz um bordado delicado sobre um cartão postal antigo, mostrando um “Ceiba Tree” seca, em preto e branco, com flores bordadas em tons vibrantes de rosa. O contraste entre o cartão vintage e os bordados modernos cria uma interação entre passado e presente. As flores bordadas adicionam um toque de vida e cor ao cartão monocromático e aos galhos secos da árvore, ressaltando a transitoriedade do tempo e a capacidade da intervenção manual de transformar algo antigo em uma nova expressão visual, trazendo delicadeza e poesia ao que seria um simples objeto de memória.

Com esse tipo de trabalho, Francesca já colaborou para várias grandes marcas, como IKEA, J. Crew, Nike, Toast e Uniqlo, e já fez várias exposições em diversas cidades. Para saber mais sobre seu trabalho, visite o site oficial ou o perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

Ao contrário dos livros produzidos em massa que temos hoje, um manuscrito iluminado é um objeto único. Em sua estrutura, layout, conteúdo e decoração, cada manuscrito carrega marcas distintas, resultado do conjunto exclusivo de processos e circunstâncias envolvidos em sua criação, passando sucessivamente pelas mãos do fabricante de pergaminhos, do escriba e de um ou mais decoradores ou iluminadores.

Iluminura é a arte de ornar um texto, página e letra capitular com desenhos, arabescos e miniaturas, entre outros elementos. Trata-se de ilustrar o manuscrito, frequentemente usando ouro e prata para “iluminá-lo” – ou seja, dar-lhe um brilho especial. Essas decorações, geralmente situadas nas margens e nas iniciais dos textos, desempenhavam tanto um papel estético quanto funcional. Elas não apenas embelezavam o conteúdo, mas também ajudavam a reforçar e transmitir a mensagem do texto. O termo “iluminura” vem do latim illuminare, que significa “iluminar” ou “tornar brilhante”, em referência ao uso de metais preciosos e cores vibrantes, que faziam as imagens literalmente reluzirem à luz.

Antes da invenção da imprensa, os primeiros manuscritos no Ocidente eram produzidos em mosteiros, já que a maioria tinha temas cristãos. As iluminuras eram aplicadas principalmente em manuscritos religiosos, como Bíblias, livros de salmos e hagiografias (biografias de santos). Com o tempo, essa arte também se estendeu a livros científicos, literários e até documentos jurídicos. A técnica envolvia criar desenhos à mão com penas e pincéis, usando tinta e pigmentos naturais. Para iluminar os detalhes, especialmente nas letras iniciais e capitulares, aplicavam-se ouro ou prata em pó sobre uma base de cola chamada goma-arábica. Isso conferia ao manuscrito um aspecto cintilante, quase mágico, aumentando seu valor simbólico e estético. A qualidade dos materiais usados variava conforme a riqueza do patrono que encomendava o manuscrito.

Alguns manuscritos, no entanto, como o Vergilius Vaticanus, de aproximadamente 400 d.C., não possuem douração, o que gera debates acadêmicos sobre a definição de iluminura. Esse manuscrito é uma das mais antigas fontes sobreviventes do texto da Eneida, do poeta clássico Virgílio (70 a.C.–19 a.C.). Hoje, restam 76 folhas, contendo 50 ilustrações. O texto foi escrito primeiramente, deixando espaço para as ilustrações, e como era comum na época, não há espaçamento entre as palavras. As imagens estão emolduradas, incluindo paisagens e detalhes arquitetônicos, e as figuras são representadas de maneira clássica, refletindo a estética da época.

Os manuscritos iluminados constituem um dos fenômenos mais importantes de nossa civilização e marcaram a Idade Média na construção de identidade cultural. Seu desenvolvimento mais significativo ocorreu justamente nesse período, entre dois grandes marcos na história do livro: a substituição gradual do rolo pelo códice (livro manuscrito) entre os séculos III e IV, e a invenção da imprensa em meados do século XV.

Com a invenção da prensa de tipos móveis por Johannes Gutenberg em 1450, a produção de livros passou a ser mecanizada, marcando o início do declínio das iluminuras. No entanto, algumas iluminuras continuaram a ser feitas em edições de luxo, e muitos manuscritos medievais passaram a ser colecionados e preservados como verdadeiras obras de arte. Graças à alta qualidade de conservação desses manuscritos, historiadores da arte e da cultura conseguem obter valiosas informações sobre o mobiliário, os trajes e os costumes antigos.

Outro exemplo, que contém os quatro evangelhos (Mateus, Marcos, Lucas e João) do Novo Testamento, decorado com representações dos evangelistas e cenas bíblicas, é o Livro de Kells (século IX). Seus textos são extraídos principalmente da Vulgata, a tradução da Bíblia para o latim do final do século IV, com algumas inclusões de traduções posteriores. A decoração do manuscrito combina iconografia cristã tradicional com motivos ornamentais em espiral, típicos da arte insular, figuras de humanos, animais e bestas míticas, juntamente com nós celtas e padrões entrelaçados em cores vibrantes.

Muitos desses elementos decorativos carregam simbolismos cristãos que reforçam os temas centrais das ilustrações. O Livro de Kells possui 340 folhas de velino (pele de bezerro de alta qualidade) e foi iluminado provavelmente por três artistas e quatro escribas. Um exemplo notável é a ilustração na página 27 verso, que apresenta os tetramorfos — um conjunto simbólico de quatro elementos comum na arte cristã, inspirado no Livro de Ezequiel. Nessa representação, o Homem simboliza Mateus, o Leão simboliza Marcos, o Touro simboliza Lucas e a Águia simboliza João. Os tetramorfos estão emoldurados por complexos padrões celtas, ressaltando a riqueza decorativa do manuscrito.

O tipo mais popular de manuscrito iluminado é o Livro das Horas, composto por orações a serem ditas em horários específicos ao longo do dia. Um dos exemplos mais famosos desse tipo de livro é o luxuoso Les Très Riches Heures du Duc de Berry (As Riquíssimas Horas do Duque de Berry), encomendado pelo príncipe francês João de Valois (1340–1416) em 1410. Este manuscrito possui 512 páginas, das quais cerca da metade são totalmente iluminadas, além de trezentas letras capitulares decoradas.

As iluminuras foram criadas pelos artistas conhecidos como Irmãos Limbourg — Herman, Paul e Jean — que deixaram a obra inacabada ao falecerem durante a peste de 1416, assim como o próprio patrono. Posteriormente, a finalização foi atribuída a Barthélemy van Eyck e Jean Colombe.

Um destaque das ilustrações dos Irmãos Limbourg é o Fólio 1v, Janeiro, abaixo. Nessa página, é ilustrado o mês de janeiro com um banquete de Ano Novo, onde o duque aparece à direita, vestindo uma túnica azul e um gorro de pele. O rosto do duque é um retrato fiel, de acordo com seu busto no túmulo na catedral de Bourges. A inscrição ao fundo, “Approche Approache” (“Aproxime-se, aproxime-se”), convida os presentes a se aproximarem do duque. À direita, um porteiro com um bastão e uma corrente sinaliza que um dos convidados pode se aproximar do príncipe.

Vários familiares do duque reúnem-se ao redor dele, enquanto os criados trabalham. Sobre a lareira, aparece o brasão do duque, decorado com flores-de-lis, ursos e cisnes. Animais de estimação estão representados em detalhes: cachorrinhos sobre a mesa e galgos no chão. Ao fundo, uma tapeçaria para aquecer o ambiente representa cenas da Guerra de Troia, trazendo ainda mais riqueza e simbolismo ao ambiente.

A iluminura em destaque abaixo, realizada por Barthélemy d'Eyck entre 1457 e 1470, pertence a um manuscrito que atualmente está preservado na Biblioteca Nacional Austríaca. Esse manuscrito, composto por 127 folhas de pergaminho no formato de 29 cm x 21 cm, foi deixado inacabado devido ao falecimento de Barthélemy d'Eyck em 1470. A página iluminada representa o Amor (Cupido) concedendo ao cavaleiro Coração o coração de um rei doente. A cena, cuidadosamente trabalhada, apresenta um ambiente noturno, com luz indireta e sombras detalhadas, criando um efeito visual delicado e dramático.

A primeira letra do texto inicia-se com uma capitular ricamente adornada e cercada por arabescos florais que formam um padrão elaborado. O manuscrito foi originalmente adquirido pelo príncipe Eugênio de Sabóia e, após sua morte, foi comprado em 1737 pelo imperador Carlos VI para a biblioteca da Corte Imperial. Durante o domínio de Napoleão, foi transferido para Paris em 1809, mas retornou a Viena com a Restauração (1814-1815), onde permanece até hoje.

Outra cópia deste manuscrito pode ser visualizada na Biblioteca Nacional da França através deste link.

Por último, mas não menos importante, apresentamos o Livro de Orações de Cláudia da França (1499-1524), feito para ela por volta de 1517, ano de sua coroação. Esse manuscrito minúsculo, escrito em latim, mede apenas 6,9 x 4,9 cm. O brasão de Cláudia aparece em três folhas diferentes, e o livro é ricamente ilustrado, com todas as bordas das folhas pintadas, frente e verso, exibindo 132 cenas da vida de Cristo, da Virgem Maria e de diversos santos. As iluminuras foram realizadas por um artista conhecido como o Mestre de Cláudia da França.

Nas páginas abaixo, vemos à esquerda a Anunciação. Abaixo, está o brasão de Cláudia da França. Na página à direita, a Visitação é representada: o encontro entre Maria e sua parente Santa Isabel após a anunciação, conforme narrado no Evangelho de São Lucas. Em ambas as páginas, o cenário é cuidadosamente construído, empregando a estética renascentista com um toque de perspectiva gótica.

Recomendamos que explorem os links para uma visão mais detalhada, observando a riqueza de detalhes em folhas tão pequenas, criadas por escribas, artesãos e artistas, que através de suas obras nos possibilitam entender nossa história.

Conte-nos: já conhecia a arte das iluminuras? Para nós leitores seria fascinante possuir um livro desses, não?

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👀 Arte em Pauta

• No dia 24 de outubro foi anunciado o título da próxima edição da Bienal de Arte de São Paulo: “Nem todo viandante anda estradas – Da humanidade como prática”. O evento acontecerá a partir de setembro de 2025.

• Solução ecológica promete conservar superfícies douradas em igrejas do Brasil.

• Menino de três anos pinta quadros que valem milhares de Euros. 

• A banana que dividiu o mundo da arte está à venda.

Essa semana destacamos a explosão de cores da estadunidense Marina Adams (1960), conhecida no mundo da arte por seus trabalhos dinâmicos e abstratos, que exploram cores vibrantes, formas e movimento. Adams frequentemente utiliza grandes escalas e sua prática é influenciada por uma variedade de referências, como arquitetura, cerâmica e tecidos, desde os tapetes marroquinos até os azulejos mouros da Espanha.

Seu trabalho é caracterizado pela escolha precisa de cores em combinação com as formas, que preenchem o espaço entre o geométrico e o orgânico,  criando uma sensação de movimento e ritmo.  As pinceladas aparentes e o gotejamento de tinta acrescentam um dualismo entre o gestual e a improvisação. O objetivo da artista é convidar para reflexão, sem traduzir as cores de maneira emocional, mas considerando suas complexidades, que geram pontos de tensão visual.

Adams usa os títulos das obras como porta de entrada para o observador, gerando um ambiente propício à contemplação e reflexão. Na obra acima, o título Nefertiti V, que foi uma rainha que até hoje é símbolo de uma mulher sensual, poderosa e independente, sugere a intenção da artista de explorar temas como feminilidade, identidade, cultura e história,  estabelecendo  uma conexão entre a figura histórica  e questões contemporâneas sobre o papel da mulher na sociedade. Ao utilizar cores ousadas e contrastantes,  cria um dinamismo na imagem, para refletir a força e a complexidade da identidade feminina, além de ressoar a ideia dos papéis que a mulher tem desempenhado ao longo da história. A rainha egípcia Nefertiti é frequentemente representada como uma figura poderosa e independente com a reputação de uma rainha forte e sensual.

Para conhecer mais trabalhos de Marina Adams acesse o site da artista e o perfil do Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

No próximo dia 25/10 celebramos o nascimento de Pablo Picasso (1881-1973), um dos artistas mais revolucionários e influentes do século XX. Nascido em Málaga, na Espanha, ele se destacou por sua capacidade de inovar, sendo um dos fundadores do Cubismo ao lado de Georges Braque. Sua obra abrange diferentes fases e estilos, como o Período Azul e o Período Rosa, e sua produção é vasta e diversa, incluindo pinturas, esculturas, gravuras e cerâmicas. Picasso deixou um legado imenso para a arte moderna, desafiando as convenções e explorando novas formas de representação. Em homenagem a essa data, trazemos hoje sete curiosidades sobre esse artista.

1. Apenas um nome, Picasso, é suficiente para sabermos de quem se trata, mas seu nome completo era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso. Certamente um artista de grande nome :)

2. Reza a lenda que a primeira palavra que Picasso falou foi “pencil” (lápis), mostrando desde cedo sua inclinação para o mundo das artes.

3. De cedo mesmo: ele entrou para escola de artes aos 7 anos e aos 19 já tinha uma pintura exposta no Pavilhão da Espanha na Exposição Universal de Paris.

4. Picasso tinha uma grande conexão com pombos, inclusive seu pai era pintor de pombos e o próprio artista possuía um pombo como animal de estimação. Mais tarde, ele chamou sua filha de "Paloma", que significa "pomba" em espanhol.

5. Picasso se posicionou fortemente contra o regime franquista na Espanha e criou “Guernica” - também exposta no Pavilhão da Espanha na Exposição Universal de Paris - em resposta ao bombardeio nazista da cidade basca durante a Guerra Civil Espanhola. Até hoje, Guernica é uma das obras mais importantes da história da arte e tornou-se um ícone do protesto anti-guerra.

   

6. Durante a Segunda Guerra, Picasso permaneceu na Paris invadida pelos nazistas que, conhecendo suas posições políticas, o vigiavam constantemente. Inclusive, reza outra lenda que, um dia, um militar do exército nazista fez uma visita ao ateliê de Picasso e, vendo numa mesa uma foto de Guernica (que àquela época estava sob a guarda do MoMA, em NYC), perguntou: “Você fez isso?”. Ao que Picasso teria respondido o encarando: “Não. Você fez isso!”.

7. Estima-se que Picasso fez cerca de 50.000 obras ao longo da vida entre pinturas, esculturas, desenhos, cerâmicas, gravuras, ilustrações e esboços. Algumas delas estão entre as mais caras já vendidas em leilão. Em 2015, "Les Femmes d’Alger" (Versão 'O') foi leiloada pela Christie’s por mais de 179 milhões de dólares.

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👀 Arte em Pauta

• Essa não é novidade, mas é sempre bom ver as obras do peixe que faz arte para conquistar as fêmeas.

• O Museu de Arte de Porto Alegre retomou suas atividades ontem com duas novas exposições.

• Em Maceió-AL, o Cine Arte Pajuçara abre uma nova sala.

• Artista ganha concurso de IA com fotografia real.

• Em Paris essa semana, a Sotheby’s vendeu a obra Rose Méditative (1958), de Salvador Dali, por US$4,23 milhões.

• Na Galeria Almeida & Dale de São Paulo, entra em cartaz a exposição: Paisagens Temporais: Perspectivas em Evolução.

• Em Salvador a Galeria Galatea abre a exposição: Mucki Botkay: Janelas Imaginárias.

Queridos(as) assinantes e seguidores!

Queremos abordar temáticas que sejam cada vez mais do interesse de vocês. Pensando nisso, gostaríamos de pedir sugestões para nossa seção “Mudando de assunto…”. Caso tenham interesse especial em algum tema, seja um artista, um movimento artístico, um tipo de processo de produção, etc., por favor, nos contem! Vocês podem fazer isso respondendo este e-mail ou deixando um comentário neste post. Nós agradecemos!

Um abraço,

Chris e Lu

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A edição de hoje traz a obra Simple Pleasure (2024), de Brianna Lance (1982), artista nascida em San Jose, na Califórnia e atualmente radicada em New York. Apesar de colecionar destaques na mídia e em eventos de arte - como Vogue, Miami Art Week e Harper's Bazaar - e já ter celebrado colaborações com grandes marcas, Brianna só iniciou sua carreira artística em 2020, depois de uma carreira no mundo da moda, onde trabalhou como designer, diretora criativa e consultora. Como artista, sua atuação é versátil, criando esculturas e bordados, mas seu foco é a pintura.

Especialmente em suas pinturas, Brianna faz uso de um processo criativo intuitivo, que começa frequentemente com pinturas de fluxo de consciência, permitindo que suas emoções e pensamentos subconscientes guiem o início do trabalho. À medida que avança, ela usa a meditação para refinar e aprofundar as peças, criando uma conexão espiritual com o processo. Assim, ela cria imagens que misturam movimento, meditação e temas subconscientes, que remetem ao Surrealismo.

É o que podemos ver em Simple Pleasure (2024). Nesta obra, Lance retrata uma série de bolhas translúcidas flutuando em um ambiente aquático de tons de verde e azul suaves. Dentro de algumas bolhas, há pequenos objetos e símbolos delicados: uma flor, velas, um cisne, uma ramo de planta e uma concha, todos emoldurados por essas esferas flutuantes. Essa obra parece evocar um sentimento de fragilidade e leveza, remetendo à efemeridade das "pequenas alegrias" do cotidiano, representadas por esses elementos sutis. As bolhas podem simbolizar momentos ou memórias preciosas, porém isoladas, sugerindo que as pequenas alegrias são fugazes e precisam ser apreciadas no instante presente. A escolha do fundo suave e as cores delicadas reforçam essa sensação de serenidade e contemplação. Lance parece se conectar com ideias espirituais e meditativas aqui, ligando o espectador à importância de valorizar o ordinário e o belo que nos cercam.

Para conhecer mais trabalhos de Brianna Lance, visite o site oficial ou perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

Em comemoração ao Dia das Crianças, trazemos uma reflexão sobre como a infância foi retratada ao longo da história da arte.

O status e o conceito de infância evoluíram significativamente ao longo dos séculos. Em diferentes épocas, as crianças foram vistas de maneiras curiosas: ora como brinquedos, fantoches, ora como adultos em miniatura. A própria ideia de infância como uma fase distinta da vida é relativamente recente. Até o final da Idade Média, considerava-se que a infância terminava aos sete anos, momento em que, segundo a Igreja Católica, as crianças já eram capazes de discernir entre o certo e o errado. A partir dessa idade, elas eram tratadas como pequenos adultos, convivendo, competindo, trabalhando e até brincando ao lado dos mais velhos.

Com o tempo, a sociedade passou a enxergar a infância como um período de desenvolvimento único, destinado à educação e à preparação para a vida adulta. Antes de 1500, retratos infantis eram raros e encomendados apenas pelos mais ricos. Quando apareciam, os artistas geralmente representavam jovens nobres com uma postura adulta e digna. No entanto, já no século XVII, começava-se a valorizar a infância como uma etapa especial e formativa na vida de uma pessoa.

Por volta do século XVIII, representações mais vibrantes e frequentes de crianças surgiram, não só por causa do aumento de encomendas da nova classe média-alta, mas também devido ao interesse dos filósofos da época por temas como a inocência e a educação infantil. Essa tendência se intensificou nos séculos XIX e XX, quando artistas passaram a ver na imaginação infantil uma fonte de inspiração para a criatividade pura e desinibida.

Na arte medieval, o menino Jesus era frequentemente representado como um homúnculo, do latim homunculus, que significa "pequeno homem". Essa representação não mostrava Jesus apenas como uma versão infantil, mas sim como alguém que, desde o nascimento, já era pleno em sabedoria, onisciente e destinado a transformar o mundo. Ou seja, diferente de um bebê comum, Jesus, mesmo em sua infância, era visto como dotado de poder divino. A intenção dos artistas era enfatizar essa natureza teológica de Cristo, retratando-o não como uma criança comum, mas como o Salvador desde o início.

Em contraste com o conceito de crianças como pequenos adultos, a obra de Bruegel nos mostra que as crianças também brincam. Nela, foram identificados mais de 83 jogos diferentes, praticados por cerca de 230 crianças, variando desde bebês até adolescentes. A pintura é uma verdadeira enciclopédia de jogos infantis, muitos dos quais são reconhecíveis até os dias de hoje. A riqueza de detalhes, com figuras pequenas e diversas cenas, convida o observador a explorar cada parte da obra de forma minuciosa, tornando essa exploração quase um passatempo.

Embora não exista um contexto histórico ou registro que forneça uma interpretação definitiva dessa obra, a principal teoria sobre seu significado sugere que ela funciona como uma parábola da insensatez e do comportamento humano. Ao olhar com atenção, percebemos que nem todas as crianças estão felizes: algumas estão isoladas, ridicularizadas ou até machucadas, refletindo a complexidade das interações sociais.

Reconhecemos traços impressionistas nas obras do pintor espanhol Joaquín Sorolla, embora ele preferisse ser chamado de “pintor da luz”. Em suas telas, retrata sua visão da infância em sua cidade natal, onde a luz e a energia são transformadas em cores que expressam o sorriso e a vitalidade das crianças. A infância, o mar e a luz são temas centrais e recorrentes em sua obra. Suas pinceladas largas e vibrantes capturam a liberdade, a energia e a espontaneidade com as quais ele enxergava a infância.

A série de pinturas que Sorolla realizou em Valência alcançou grande destaque, tanto na Europa quanto nos Estados Unidos. De acordo com estudiosos de sua trajetória,  era um pai afetuoso e devotado, apaixonado por crianças, e tinha o dom de retratá-las em seus momentos mais genuínos, capturando com maestria a alegria e o dinamismo próprios da infância.

Candido Portinari é amplamente conhecido por retratar a vida do povo brasileiro, frequentemente abordando questões sociais e protestando contra injustiças. No entanto, em meio a essa abordagem crítica, ele também explorou a infância de forma lírica, inspirando-se em suas próprias memórias. Sua obra abrange a vida em suas mais diversas facetas, mostrando tanto o drama quanto a alegria, em uma representação abrangente da experiência humana.

Na imagem acima,  dois meninos estão “plantando bananeira” e um burro está ao fundo amarelo, onde no centro há um círculo azul. Assim como nas brincadeiras o artista brinca com as cores, o burro talvez seja uma lembrança da vida do interior, e o círculo sugere ser o sol ou a lua, uma metáfora que as brincadeiras seriam o dia todo, como já relatado pelo artista em suas memórias da infância. Recuperando as brincadeiras infantis, ele leva o expectador a olhar para o papel da criança em nossa sociedade.

E você, que obra gostou mais? É sempre interessante como a arte nos faz refletir. Deixe seu comentário!

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👀 Arte em Pauta

• Está em cartaz no Museu Nacional da República, até novembro, a exposição Brasília, a Arte do Planalto.

• Escultura do artista chinês Ai Wei Wei, é destruída em museu na Itália.

• A obra Sunny, de David Hockney, foi arrematada essa semana em leilão da Sotheby’s por U$17 milhões.

• O papel da IA ​​no processo criativo ainda enfrenta disputas judiciais até que as instituições de arte cheguem a um consenso sobre o assunto.

• A performance 1000 Eggs: For Women, em Londres, de Sarah Lucas, convida qualquer pessoa que se identifique como mulher, ou homens vestidos de mulher, a atirar 1.000 ovos contra uma parede branca. Deve ser divertido, não!?

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Chris e Lu

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Olá, leitores!

Na edição passada, nossa seção “Mudando de assunto…” falou sobre a relação entre arte e fotografia. Uma relação nem sempre bem resolvida devido à linha tênue que as separa e que nos faz, até os dias de hoje, perguntar: quando a fotografia é arte? Para muitos, é quando ela deixa de ser um simples registro de uma cena real e passa a ser uma imagem construída a partir da criatividade, com o intuito de transmitir uma mensagem ou despertar uma emoção.

É o caso do trabalho realizado pelo casal de fotógrafos espanhóis Anna Davís e Daniel Rueda. Eles se conheceram quando estudavam arquitetura na Universidade de Valência (Espanha) e, embora tenham trocado a arquitetura pela fotografia, a influência dessa formação é evidente nas imagens, marcadas pela geometria, simetria e o uso frequente da arquitetura como cenário.

Em seu processo criativo, eles estudam e definem a mensagem que precisam passar, criam um conceito, montam o cenário - que pode ser tanto em estúdio como externo - e só então fazem o click. As imagens finais são tão perfeitas que podem até sugerir o uso de ferramentas de inteligência artificial, mas acreditem, eles não usam nada além de locais bonitos, muita luz natural, objetos cotidianos, e muita criatividade e senso de humor. Um dos objetos frequentemente usados é o chapéu, que rendeu uma série inteira, intitulada “What the Hat series”.

Uma das imagens dessa série é Hatventure (2024). Ela foi criada na ocasião de uma viagem a Melbourne (Austrália), à convite da Kia, para participar do torneio de tênis Australian Open. Eles usaram uma parede bege de fundo e sobre ela colaram recortes de papelão vermelho, que foi complementado pelo vestido e pelo detalhe na mala usada por Anna, para construir o emoji que simboliza a marcação de localização. A referência à viagem é complementada pelo chapéu e a mala. Eles usaram essa imagem como capa para um post em carrossel no Instagram, onde divulgaram os lugares que mais gostaram da cidade. Uma forma divertida e criativa para abrir um post com imagens de um destino de viagem sem “quebrar” a estética do perfil.

O trabalho da dupla é sucesso nas redes sociais, onde compartilham não só as imagens prontas, mas também o processo criativo. É sucesso também entre grandes empresas, para quem já desenvolveram imagens publicitárias, como: Netflix, Disney, Adobe e Pantone.

Você pode ver mais trabalhos deles no site oficial ou no perfil no Instagram da Anna e do Daniel.

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📄 Mudando de assunto…

Na verdade, excepcionalmente hoje, seguimos com o assunto! Damos sequência ao “Mudando de assunto…” da semana passada, trazendo mais três fotos que exemplificam como a fotografia atinge o status de arte.

Com seus retratos estilizados, o fotógrafo Richard Avedon (1923-2004) construiu uma ponte entre o mundo da moda e a arte. Esta fotografia de Marella Agnelli fez parte da matéria “Beleza de Nosso Tempo”, publicada na edição de abril de 1954 da revista Harper’s Bazaar. Marella, com sua beleza não convencional, pescoço longo e rosto em formato amendoado, evoca as figuras alongadas presentes nas pinturas de Amedeo Modigliani.

Avedon, conhecido por sua capacidade de capturar a essência de seus retratados, também atuou como fotógrafo nas Forças Armadas dos EUA, além de ter trabalhado para outras publicações famosas e ter fotografado várias celebridades. Seu estilo inovador redefiniu os padrões da fotografia de moda, e suas exposições foram realizadas em grandes cidades como Nova York, Paris e Londres.

Marella Agnelli, além de musa de Avedon, foi uma socialite italiana e grande incentivadora das artes. Seu fascínio e presença no cenário cultural também a tornaram objeto de obras de outros artistas notáveis, como Andy Warhol, que a imortalizou em suas pinturas.

Avedon conseguiu capturar a elegância e a sofisticação de Agnelli, e essa imagem se tornou um ícone da fotografia de moda e um exemplo da fusão entre arte e retrato editorial.

O trabalho de Cindy Sherman (1954) é amplamente composto por autorretratos fotográficos, onde a artista se coloca em diferentes contextos e assume diversos personagens imaginários. Sem Título #93 faz parte de uma série de 12 fotografias criadas para a revista Artforum. Embora as imagens nunca tenham sido publicadas pela revista, foram exibidas publicamente no mesmo ano, recebendo aclamação crítica.

A imagem gerou intensos debates. Nela, uma jovem loira está deitada em uma cama, com expressão perdida, cansada e suada, puxando um lençol preto contra o peito. A atmosfera perturbadora levou alguns a interpretarem a cena como representativa de um abuso, mas Sherman refutou essa leitura, afirmando que sua intenção era apenas provocar e incitar o espectador a refletir sobre a imagem.

Uma impressão desta fotografia foi vendida por 3,8 milhões de dólares em um leilão na Sotheby’s, Nova York, em 2014, destacando a importância de Sherman na arte contemporânea e seu impacto no mundo da fotografia conceitual.

A obra do renomado fotógrafo brasileiro Sebastião Salgado (1944) faz parte da série Êxodos (2000) e está inserida no Projeto Genesis, produzido entre 2004 e 2011. Essa série é composta por fotografias que capturam paisagens, vida selvagem e comunidades humanas que ainda preservam suas tradições e culturas ancestrais ao redor do mundo. Com esse trabalho, Salgado busca retratar o “planeta original”, em um esforço de documentar a relação harmoniosa entre o ser humano e a natureza.

A imagem em questão apresenta dois indígenas Kamiurá, do Xingu, em pé em uma canoa, remando sobre águas tranquilas. Os remos que utilizam são longos e finos, e suas figuras aparecem escuras, quase em silhueta. A cena é envolta em uma neblina densa que cobre grande parte do rio e também obscurece o sol, criando uma atmosfera de mistério e serenidade. Ao fundo, outras quatro figuras aparecem em duas canoas, com a silhueta de uma floresta emergindo ao horizonte.

Além de ser exposta em diversas galerias pelo mundo, essa série foi compilada no livro Genesis, publicado em parceria com a Unesco. O trabalho de Salgado é mundialmente reconhecido por sua sensibilidade em capturar a realidade e sua habilidade única de transmitir a profundidade das relações humanas e naturais.

Como você vê a fotografia na arte?

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👀 Arte em Pauta

• Começou a 38º Panorama da Arte Brasileira, no Museu de Arte Contemporânea da USP, com entrada franca até janeiro.

• Inaugurou na última quinta-feira a 41º edição da Arte Pará.

• Está em cartaz no Rio de Janeiro o espetáculo “O Banquete”, baseado na obra de Mário de Andrade que discute o papel social da arte.

• Uma pintura de Picasso, encontrada no lixo em 1962, teve sua autenticidade reconhecida e vale milhões de dólares. Conheça essa história incrível clicando aqui.

• Funcionário de museu na Holanda joga obra de arte no lixo por engano.

• Em Curitiba, a exposição Caixa Mágica, reúne obras de crianças do Hospital Pequeno Príncipe, a partir de 12 de outubro.

• Em cartaz na CCBB do Rio, a exposição Fullgás - Artes Visuais e anos 1980 no Brasil.

• No MON em Curitiba vale a pena conferir a exposição German Lorca, Mestre da Fotografia.

• Veja aqui o vídeo de lançamento do novo álbum da Lady Gaga, gravado no Louvre.

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Um abraço,

Chris e Lu

Hoje trazemos toda a vibração e potência da obra Iris Garden (2024), da americana Erin Hanson (1981). Suas paisagens se concentram no uso da cor para capturar as emoções do “ar livre”. Erin nomeou seu estilo como Open Impressionism, que une o Impressionismo clássico, o Expressionismo moderno e o plein air. Suas composições são inspiradas nos lugares em que morou e em suas visitas a parques, reservas, vinhedos e fazendas.

Iris Garden é uma composição criada a partir de uma visita à fazenda de plantas Schreiner’s Iris Garden em Woodburn, Oregon, onde vive atualmente. A artista trabalhou a partir de fotos que coletou e construiu sua composição com o foco primário nas irises, flores delicadas e de formas elegantes, também apreciadas por Van Gogh e Monet em suas pinturas.

A cor é central para Hanson; ela a utiliza para criar luz, sombra e forma. Em sua técnica, Hanson desenvolveu suas próprias cores a partir de uma paleta limitada, contrastando com os impressionistas, que usavam tons comerciais prontos. Em Iris Garden, tons exuberantes de roxo, azul e verde se complementam com amarelos, laranjas e vermelhos, criando contraste e equilíbrio visual. Como no impressionismo, a cor é o principal veículo de emoção, atmosfera e visão, capturando um instante no tempo.

Ao usar impasto - pinceladas carregadas de tinta espessa - ela se inspira no Expressionismo. Mas, diferente de outros artistas, ela não trabalha em camadas, exigindo movimentos soltos e precisos, sem sobreposições. De perto, vemos mosaicos de cor; à distância, as flores ganham corpo e brilho na tela.

Em Iris Garden, Hanson não busca precisão fotográfica, mas a essência da cena, criando uma sensação poética de harmonia entre o observador e a paisagem. A ausência de detalhes excessivos e contornos rígidos permite à imaginação do observador completar a cena, transformando a contemplação em uma experiência pessoal.

Agora, nos conte o que achou da obra. Recomendamos que você aprecie a obra com mais detalhes através deste link, para uma experiência mais completa.

Para saber mais sobre a artista, visite o site oficial ou o perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

Antes da invenção da fotografia, apenas artistas habilidosos conseguiam criar imagens realistas, muitas vezes carregadas de liberdades poéticas. Essa situação mudou em 1839 com a criação dos dois primeiros processos fotográficos viáveis: o daguerreótipo, de Louis Daguerre, e o processo negativo-positivo, de William Talbot. A fotografia democratizou o acesso à imagem realista, antes restrita a aristocratas, tornando retratos e registros acessíveis.

Contudo, seu status como arte gerou debates. Alguns, como o pintor Paul Delaroche, chegaram a declarar que “a pintura estava morta”, já que as imagens eram produzidas por uma máquina, não pela criatividade humana. Outros, como o pintor Ingres, usaram a fotografia como referência para suas obras.

Assim, a fotografia impactou profundamente a pintura. Movimentos como o pré-rafaelismo e o neoclassicismo exploravam o realismo sublime, mas a popularização das câmeras no final do século XIX fez os artistas questionarem seu papel. Se a fotografia podia reproduzir o realismo com exatidão, qual seria o novo objetivo do artista? Esse questionamento levou muitos a buscarem formas de abstração, rompendo com o realismo visual.

Assim, a fotografia não só trouxe uma nova forma de democratização da imagem, mas também motivou maior diversificação na pintura. Ao mesmo tempo, os fotógrafos começaram a lutar pelo reconhecimento da fotografia como uma forma de arte, argumentando que o controle criativo sobre a imagem permitia expressar uma visão artística.

Segundo Roland Barthes, a verdadeira alma da fotografia está em interpretar a realidade, não em copiá-la. O artista organiza símbolos que são interpretados pelo espectador, enriquecidos por seu próprio repertório.

Desde o movimento pictorialista, que surgiu no final do século XIX, a fotografia passou a ser vista como uma forma de arte. Os pictorialistas reinventaram a fotografia, priorizando a beleza, tonalidade e composição em vez do mero registro preciso da realidade.

Atualmente, termos como “fotografia de autor” e “fotografia de expressão pessoal” são mais adequados para descrever a fotografia criativa. Alguns fotógrafos adotam uma abordagem “expandida”, experimentando e manipulando imagens para subverter os padrões tradicionais e criar algo verdadeiramente artístico.

A subjetividade do fotógrafo e do espectador torna a recepção da fotografia como arte complexa, mas o fato é que, desde seu surgimento, ela transformou a forma como vemos e entendemos a arte.

Aqui estão alguns dos grandes representantes desse gênero artístico:

Nesta obra de Henry Peach Robinson (1830-1901), percebe-se a influência da pintura clássica como elemento central da composição. Atores foram cuidadosamente posicionados em várias tomadas fotográficas, criando uma cena única e narrativa. Seguindo a estética vitoriana da época, a imagem conta a história de uma jovem que está morrendo lentamente, cercada por familiares que desempenham papéis distintos: o pai, de costas, incapaz de encarar a realidade; a mãe, observadora e submissa; e, possivelmente, a irmã, mais próxima da jovem.

A fotografia não retrata a realidade, mas sim uma criação imaginativa de Robinson, considerada na época como excessivamente mórbida. No entanto, o príncipe Albert adquiriu uma cópia, o que trouxe notoriedade ao trabalho de Robinson.

Inaugurado em 1902, o edifício Flatiron rapidamente se tornou um dos marcos mais icônicos de Nova York, simbolizando o progresso e a modernidade da cidade. O americano Edward Steichen (1879-1973), um dos grandes pioneiros da fotografia artística, capturou esse emblema da arquitetura moderna com uma técnica inovadora. Utilizando a goma bicromato e sobreimpressão em platina, ele criou uma atmosfera etérea, com tons azul-esverdeados que evocam a sensação de um quadro impressionista.

Nesta fotografia, Steichen emula a estética pictorialista, borrando as fronteiras entre pintura e fotografia. A obra retrata o contraste entre o presente dinâmico e o passado romântico, com o Flatiron emergindo da névoa como uma visão futurista. A sensação de mistério e transcendência faz deste trabalho um ícone da fotografia do início do século XX.

Uma impressão desta fotografia foi leiloada na Christie’s em 2022 por 11,8 milhões de dólares, refletindo seu valor histórico e estético como uma das obras mais importantes da carreira de Steichen e da fotografia como arte.

Nesta icônica fotografia, o artista americano Man Ray (1890-1976) retrata sua musa, Kiki de Montparnasse, transformando seu corpo em um violino, em uma referência direta ao pintor neoclássico Jean-Auguste-Dominique Ingres. A obra é inspirada na pintura Baigneuse de Valpinçon (1808), onde uma mulher é vista de costas. Man Ray acrescenta à fotografia dois buracos em forma de "f", semelhantes aos de um violino, sobre as costas nuas de Kiki, criando uma fusão entre corpo humano e instrumento musical.

O título, Le Violon d’Ingres (O violino de Ingres) é uma referência ao fato de que Ingres tocava violino em suas horas de lazer. Com isso, Man Ray conecta a imagem não apenas ao mestre neoclássico, mas também à ideia de que a arte pode ser tanto uma atividade séria quanto uma forma de entretenimento e prazer pessoal.

Essa fotografia é um exemplo clássico do surrealismo de Man Ray, misturando ironia, erotismo e experimentação visual. Ele subverte as expectativas de representação feminina e da arte tradicional, criando uma obra que desestabiliza as fronteiras entre corpo humano e objetos inanimados, além de explorar a relação entre a alta cultura e o prazer pessoal.

Em 2022, uma impressão desta obra foi vendida por 12,4 milhões de dólares, tornando-se a fotografia mais cara já leiloada, o que reforça seu impacto cultural e sua importância histórica. Le Violon d’Ingres se destaca como uma das imagens mais reconhecíveis de Man Ray, sintetizando suas explorações vanguardistas e sua habilidade em mesclar o surrealismo com profundas referências culturais.

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👀 Arte em Pauta

• O Museu Noguchi, em NYC, está celebrando seu 40º aniversário com exposição de esculturas que não eram expostas em suas galerias originais desde 2009. A exposição vai até 14 de setembro de 2025.

• E em celebração aos 35 anos do CCBB-RJ, entrou em cartaz a exposição Fullgás com mais de 300 obras de artistas brasileiros.

• O Museu Nacional de Brasília inaugura a exposição “Brasília, a arte do planalto” com mais de 250 obras, criadas por 128 artistas, desde os ligados à construção da cidade até contemporâneos que também guardam relação com a capital.

• Está em cartaz no Centro Britânico, em São Paulo, a exposição Inspirações da Vida, em prol da ONG Vida Casa de Apoio.

• Essa matéria fala sobre o aumento da diversidade no mercado de arte no Brasil, a partir de um olhar sobre a ArtRio.

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A edição de hoje traz a beleza e a delicadeza do trabalho da artista dinamarquesa Inge Schuster (1963), através de uma das obras da série Mirror Sister (2024). Inge Schuster é formada em fotografia e design e iniciou sua carreira produzindo, expondo e vendendo fotografias com estética minimalista que buscavam, em sua maioria, mostrar espaços arquitetônicos ou a relação pessoa ou objeto e espaço arquitetônico.

Neste ano de 2024, Inge começou a produzir arte gerada por Inteligência Artificial. Desde então, ela tem visto seu trabalho alcançar cada vez mais sucesso e admiradores. Isso pode ser visto pelo aumento no número de exposições e no crescimento exponencial de seus seguidores no Instagram. As imagens produzidas por Inge remetem a um universo onírico e são carregadas de poesia, magia, beleza e espaço para reflexão. Elas convidam o expectador a explorar lugares, pessoas e criaturas únicas que existem apenas em seu mundo imaginário.

A imagem acima, uma das artes produzidas para a série Mirror Sisters, de 2024, exemplifica esse mundo de sonho e fantasia. Para esta série, Schuster produziu imagens de irmãs gêmeas tão parecidas que o expectador não consegue ter certeza se está vendo duas pessoas ou apenas uma e sua imagem espelhada. Em algumas imagens, o espelho está fisicamente presente, enquanto em outras, o expectador tem que imaginar o espelho. É o caso da imagem apresentada acima. Nela vemos duas garotas idênticas, usando vestidos quase iguais, não fosse pela diferença de tons (o vestido de uma delas é um pouco mais escuro), o que sugere que não se trata da mesma pessoa, ideia reforçada pela ausência de espelho. Não há muita informação sobre o ambiente onde elas estão, sendo o plano de fundo predominantemente composto por nuvens, enquanto o chão sugere um campo. As garotas estão de frente uma para outra, de cabeça baixa, expressões faciais serenas, e mãos dadas segurando um pequeno buquê de flores, o que nos remete a um momento de carinho entre as duas. Também nos leva a questionar se ambas pegaram as flores juntas ou se uma presenteou a outra. Se fosse a última hipótese, qual delas teria dado ou recebido as flores? Ou seria esse um gesto recíproco, uma vez que há dois ramos em suas mãos? Seja como for, essa é uma imagem que materializa a reciprocidade de sentimentos como carinho, gentileza e gratidão, representados pelas flores, e nos convida a pensar sobre como nos refletimos nos outros e vice-versa.

A mais recente exposição de Inge Shuster acontece na West Station Gallery, em Lunderskov (Dinamarca) e se encerra hoje, mas você pode ver as obras expostas clicando aqui. E para conhecer mais sobre o trabalho dessa artista, visite o site oficial ou o perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

Celebrando o início da primavera, esta semana contamos para vocês um pouco sobre o tema “Flores” na história da arte. Flores e arte, especialmente na pintura, têm mantido uma profunda e complexa interconexão que atravessa séculos e culturas. Esse vínculo multifacetado abrange estética, simbolismo, emoção, história e criatividade.

As flores oferecem aos artistas um vocabulário visual rico e versátil, permitindo que suas ideias sejam comunicadas ao longo do tempo e espaço. Historicamente, elas carregam significados simbólicos variados em diferentes culturas e épocas, e frequentemente servem como metáforas visuais para expressar emoções, ideias ou conceitos como amor, beleza, mortalidade, renascimento e espiritualidade.

Apesar de serem um tema recorrente, as flores continuam a inspirar artistas contemporâneos, seja na fotografia, escultura, desenho ou pintura. Admirar flores faz parte da essência humana, seja por sua promessa de frutos futuros ou por sua beleza que cativa nossos olhos. Elas ocupam um lugar importante em nossa cultura, influenciando moda, design e literatura. Seu poder visual e conceitual permanece inegável.

A pintura de natureza-morta se desenvolveu na Holanda do século XVII, em um período em que o comércio global incentivava o desejo por posses exóticas, enquanto a religiosidade protestante predominava. Os artistas da época criavam obras moralizantes que lembravam os espectadores da efemeridade da riqueza material, conhecidas como memento mori (lembrança da mortalidade) ou vanitas (vaidade, vazio).

Rachel Ruysch, pintora holandesa e filha de um botânico, utilizou o conhecimento adquirido com seu pai para compor arranjos florais detalhados e cientificamente precisos. Nessa obra, a natureza é retratada com minúcia: papoulas delicadas, folhas e pequenos insetos são representados com realismo. Uma abelha coleta pólen no centro de uma papoula, uma borboleta pousa sobre uma calêndula, uma lagarta rasteja por um caule, e uma concha solitária simboliza nascimento ou boa sorte. A pintura reúne tanto flores nativas da Europa quanto espécies raras, como bocas-de-leão, rosas, cravos, malvas-rosa, calêndulas, glórias-da-manhã e uma única tulipa vermelha e branca. Essas flores são retratadas em diferentes estágios de vida, mas em um arranjo imaginado, pois não florescem simultaneamente.

Embora muitas flores tenham significados simbólicos individuais, a composição transmite uma mensagem moral comum na época, extraída de passagens bíblicas: a beleza é passageira, e todos os seres vivos estão destinados a morrer. Na obra, algumas flores estão em plena floração, enquanto outras murcham e morrem, sendo devoradas por insetos. É um lembrete da transitoriedade da vida e um aviso contra o apego às posses materiais e aos prazeres mundanos.

Monet não apenas pintou as ninfeias, ele as plantou. Em sua propriedade em Giverny, organizou seu jardim como se fosse uma pintura viva. Com a ajuda de jardineiros, desviou um rio, plantou nenúfares, flores exóticas, chorões, bambus e salgueiros, e criou um lago, além de cercas com galinhas, patos e faisões. A natureza, moldada por suas mãos, começou a se refletir em sua arte. Como Monet declarou: “Minha melhor obra-prima é meu jardim”.

A série Ninfeias inclui cerca de 250 pinturas, criadas ao longo dos últimos 30 anos de sua vida, celebrando sua profunda conexão com a natureza. Hoje, muitas dessas obras estão expostas em museus ao redor do mundo.

Essa obra exemplifica o impressionismo em sua essência: captura o momento, a luz e a cor, sem se preocupar com precisão fotográfica, e foi executada en plein air (ao ar livre). Monet explora a grandeza da natureza, criando uma composição em larga escala que envolve o espectador, como se estivesse dentro da paisagem. Ele demonstra sua maestria ao utilizar cores de maneira não acadêmica, misturando tons complementares – amarelos, rosas, lavandas, verdes e azuis – e evitando o uso de preto para criar sombras.

Monet também rompe com a composição tradicional, eliminando a linha do horizonte e focando apenas na superfície do lago, seus reflexos e a vegetação. Com pinceladas rápidas e curtas, ele constrói as formas de maneira livre e fluida, permitindo que a cena seja percebida como uma celebração da natureza em constante mudança.

O Jardim da Celebração faz parte da série Pinturas do Jardim Secreto, criada especialmente para a exposição da Galeria Gagosian em comemoração aos 20 anos da Feira de Arte Frieze, em Londres, em 2023. Nesta obra, Damien Hirst retrata jardins exuberantes, onde diversas espécies de flores vibrantes emergem de cenários verdes, equilibrando o planejado e o natural, o harmônico e o caótico. Com pinceladas rápidas, ele detalha flores, arbustos e lagos, ao mesmo tempo em que introduz áreas propositalmente indistintas. Para finalizar, Hirst aplica uma camada abstrata, lançando tinta espessa na superfície, criando uma rede dinâmica de respingos brilhantes, que ele descreve como “algo que parece um ataque aos sentidos, como pólen”.

Nesta nova série, Hirst explora esses temas e a relação entre humanidade e natureza. Como o próprio artista afirma: “Quero que Pinturas do Jardim Secreto reflitam a esperança e a futilidade que sentimos ao tentar controlar a natureza”.A série foi totalmente vendida antes mesmo da exposição.

Nos conte, qual sua obra preferida com flores? 

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👀 Arte em Pauta

• Entre os dias 23 e 29 deste mês acontece a 18ª Primavera dos Museus - evento cultural anual promovido pelo Instituto Brasileiro de Museus (Ibram), que ocorre no início da primavera - com a participação de 930 instituições. Clique aqui para ver a programação na sua cidade.

• CCBB do Rio de Janeiro recebe exposição de Antonio Roseno até outubro.

• No CCBB São Paulo está em cartaz a exposição Tesouros Ancestrais do Peru.

• Já no MAC São Paulo acontece a exposição Acervo Aberto.

• Vai para Londres? A Feira de Arte Frieze, que acontece em outubro, está imperdível.

Na edição de hoje trazemos a obra Tug of War (2024), do artista americano Andrew Scott (1991). Fenômeno nas redes sociais, o trabalho de Scott chama atenção por sua técnica de intervenção em todos os elementos que compõem um quadro, incluindo o vidro e a moldura, além da inclusão de elementos externos à imagem em si, como barbantes e cola, ou até mesmo um rasgo no material de suporte da imagem (predominantemente papel) ou o deslocamento desse suporte para fora da moldura.

Assim, por exemplo, a imagem de uma garota atirando um balde de tinta para fora do quadro é complementa por uma porção de cola escorrida no vidro, dando a impressão de que a tinta foi de fato atirada para fora da imagem. Ou a imagem de um homem levantando um grande e pesado pedaço de madeira é construída quebrando um pedaço da moldura, fazendo com o a madeira seja não desenhada, mas representada pela moldura. Ou seja, no trabalho de Scott, todos os elementos que compõem o quadro exercem uma função tanto na estética quanto na mensagem que a obra pretende passar. O resultado são imagens que parem ter movimento, ter vida.

Tug of War (2024) é um exemplo disso. Em uma imagem convencional, teríamos todo o desenho dentro da moldura, e teríamos a impressão de uma cena “congelada”, de uma fotografia de um momento de movimento. Mas Scott faz diferente: ele desloca metade da imagem para fora da moldura, o que dá a impressão da brincadeira de cabo de guerra está acontecendo no momento em que olhamos para ela. Trata-se de uma imagem “limpa” – com poucos elementos e cores sóbrias -, mas esse simples deslocamento para fora da moldura a torna esteticamente mais rica. O tema de uma "guerra de forças" pode levar o espectador a questionar o equilíbrio entre oposições: resistência e rendição, controle e perda. E ainda podemos nos perguntar: qual o objetivo? O que seria o ideal: retirar toda a imagem da moldura ou pôr por completo dentro da moldura?

Para conhecer mais a obra de Andrew Scott, visite o site oficial ou o perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

No dia 5 de setembro, celebramos os 250 anos do nascimento de Caspar David Friedrich, pintor romântico que, apesar de não ter sido amplamente reconhecido em seu tempo, fundamentou parte de uma estética visual que influencia até hoje. Ele revolucionou as tradições da pintura de paisagem barroca e clássica, combinando elementos naturais e religiosos para criar alegorias de solidão, contemplação, morte e esperança, sempre permeadas por uma visão melancólica. Suas obras são mundialmente conhecidas, mas nem sempre vistas como de fácil apreciação, pois exigem tempo para que sua mensagem seja compreendida. Seu trabalho não oferece respostas prontas, mas nos provoca com perguntas.

O Andarilho (1818), acima,  é talvez o trabalho mais reconhecido de Caspar David Friedrich. A imagem sintetiza o Romantismo alemão ao evocar temas como solidão, sublimidade e o encontro transformador com a natureza espiritualizada e os mistérios interiores do ser. Nela, vemos um homem desconhecido de costas para o observador — um Rückenfigur, ou figura de costas, que nos atrai para a paisagem que se desenrola diante dele. Essa figura, como recurso composicional, serve para destacar a profundidade da paisagem no plano de fundo da tela.

A identidade do personagem é irrelevante, pois, através dessa técnica, o observador se projeta na cena, envolvendo-se na espacialidade da obra. Embora essa técnica tenha raízes na antiguidade, foi no Romantismo que ganhou pleno valor estético, pois nenhum outro artista, até então, havia colocado uma figura central sozinha, de costas, no primeiro plano, dando tanto destaque à paisagem.

Ainda hoje, é comum encontrarmos nas redes sociais e em outras mídias imagens que remetem à estética do Rückenfigur. Essa figura ressoa com questões contemporâneas sobre identidade, percepção e experiência estética. A projeção pessoal na cena, a solidão e a contemplação — simbolizadas pela figura solitária — reforçam temas de introspecção e isolamento, experiências humanas profundamente presentes em nossa vida moderna. O mistério e a distância, representados pelo anonimato da figura, permitem que a imaginação preencha o vazio. Por fim, a experiência do sublime — o confronto com a vastidão e o poder da natureza ou de um cenário — nos lembra da fragilidade humana diante da grandiosidade do mundo.

Na obra Mulher na Janela (1822), Friedrich retrata sua esposa olhando para fora. É uma cena simples da vida cotidiana, onde a composição e o anonimato da figura criam uma conexão empática com o observador, levando-nos a imaginar o que pode estar sendo contemplado além da janela, ao mesmo tempo que nos convida a revisitar nossos próprios pensamentos. A escolha de não mostrar o rosto da mulher nos permite projetar nossa própria experiência na dela, tornando a pintura uma reflexão íntima e universal sobre introspecção e contemplação.

Acima, na obra  Nascer da Lua sobre o Mar (1822), vemos duas mulheres e um homem admirando o nascer da lua no horizonte, todos de costas para o observador. A composição divide-se em dois planos: a costa e o oceano, separados por uma ruptura sutil entre ambos. Para nós, essa divisão se manifesta através do contraste entre o movimento da linha do horizonte e a imobilidade das figuras no primeiro plano, destacada pelo jogo de luz e sombra. Percebemos que, embora as pessoas estejam juntas, cada uma vive seu próprio momento de contemplação da vastidão do mundo.

E você já tirou uma foto assim? O que você achou dessa poética? Deixe aqui nos comentários.

Para saber mais: Centro Caspar David Friedrich, 250 Anos de Caspar David Friedrich, 92 Obras de Caspar David Friedrich

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👀 Arte em Pauta

• Última semana para visitar as exposições do ABERTO03, em São Paulo.

• Dia 15 de setembro inaugura o Centro Cultural Casa Bradesco em São Paulo com uma exposição de Anish Kapoor.

• Quadros de criança de 2 anos recebem lances de até R$1,6 milhões.

• Artista brasileira Tadáskía está em exposição no MoMa em Nova York.

• Obra de Rembrandt achada em um sótão em Maine nos Estados Unidos é vendida por U$1.4 milhões.

• Programe-se: a partir 17 a 20 de outubro acontecerá o Festival Internacional de Fotografia de Campos do Jordão.

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A edição de hoje é diferente e especial: trazemos uma entrevista com a ilustradora brasileira, baseada em Portugal, Paola Saliby. Ela compartilhou conosco, de maneira muito franca a generosa, aspectos sobre sua trajetória profissional, seu processo de criação e sua visão sobre o fazer artístico. É uma fala educativa e muito inspiradora para todo(a) aquele(a) que desenvolve uma atividade no ramo criativo.

Nossos mais sinceros agradecimentos a Paola por sua disponibilidade e gentileza!

A entrevista, na íntegra, segue abaixo. Boa leitura!

ArteLetter: Paola, nos conte um pouco sobre sua carreira. Qual a sua formação, como você começou a fazer ilustrações e como vê a evolução do seu estilo artístico desde o início da sua carreira até agora?

Paola Saliby: Em 2010 eu me formei em Desenho de Moda, um sonho que tinha desde o início da adolescência. Esse período foi essencial na construção da minha carreira como ilustradora. Foi uma fase de muita experimentação e liberdade criativa, um momento em que pude descobrir muitas coisas que me interessavam, e o desenho se revelou como um desses pontos de interesse.

Durante o curso, houve pouco preparo dos alunos em relação a entrada no mercado de trabalho, e toda aquela vivência artística da faculdade acabou se revelando uma grande fantasia. Essa desilusão com a moda me fez buscar outros caminhos voltados para o fazer artístico, e o desenho, que cresceu em mim durante aqueles anos, começou a surgir como uma possibilidade.

Parece que não faz tanto tempo, mas na época era estranho pensar que ilustração poderia se tornar uma profissão viável. Ainda é desafiador sobreviver de desenho, especialmente no Brasil, mas hoje em dia, pelo menos, temos mais referências e informações disponíveis, então a gente se sente mais acolhida dentro desse grupo.

Me dediquei a estudar desenho, e aos poucos, fui construindo um portfólio. Apesar da base em desenho que consegui na faculdade, ainda haviam muitas lacunas que precisei preencher ao longo do tempo. Meu desenho nunca foi tecnicamente bom, e não estou sendo modesta dizendo isso. Sempre tive uma conexão forte com arte e acho que nasci artista pelo menos na forma de enxergar o mundo, mas desenhar simplesmente não era algo tão natural para mim. É um desafio que persiste até hoje quando tenho que desenhar algo novo e me dou conta de que não faço ideia de como conseguir um resultado legal.

A evolução do meu traço foi lenta e orgânica. Passei por diferentes fases, testei e abandonei alguns caminhos, vivi minhas crises e já pensei em desistir diversas vezes. Mas é super legal olhar para trás e perceber esse crescimento. Cada imagem que criei reflete o momento da minha vida em que foi feita, e hoje, com mais maturidade, consigo perceber essa conexão de forma mais clara.

Meu estilo mudou bastante ao longo dos anos, e me permitir experimentar coisas diferentes foi essencial para descobrir quais caminhos fazem mais sentido para mim e, principalmente, para identificar o que não gosto de fazer, o que me ajudou a criar meu próprio jeito de desenhar. Por exemplo, nunca gostei de retratar formas e perspectivas de maneira realista, e acho que isso se reflete no meu estilo hoje. Também vejo como parte desse processo desistir, mudar de gosto e de opinião. Como ilustradora, sempre achei chato fazer a mesma coisa por muito tempo, então devo minha evolução à minha mente inquieta.

ArteLetter: Como você descreveria seu processo de criação e quais são suas principais referências e inspirações?

Paola Saliby: O foco do meu trabalho hoje são os projetos comerciais, e nesse caso, o meu processo é estruturado tendo em mente prazos e demandas dos clientes. Fora isso, eu não passo muito tempo desenhando. Nunca consegui criar o hábito de usar sketchbook, por exemplo. Eu sou muito mental, o que tem um pouco a ver com o medo de colocar as coisas em prática e fracassar, mas também vejo como algo positivo e que funciona pra mim. Eu sempre fui muito observadora e isso acaba tendo um peso grande no meu processo, talvez até mais do que sentar e rabiscar, ou desenhar de observação. Os sentidos e as emoções são conceitos que permeiam as cenas e personagens que gosto de criar, e eu gosto de deixar essas sensações marinando na minha cabeça antes de transpor para a tela. Muitos ilustradores relatam sentir uma necessidade de desenhar o tempo todo, como um impulso incontrolável. Por muito tempo, me senti confusa por não compartilhar desse desejo e achava que isso poderia ser um sinal de que não sirvo para ser ilustradora, mas hoje estou tranquila em relação a isso.

Quanto às referências, bebo de fontes diferentes de acordo com o momento, conforme descubro coisas novas e deixo de me interessar por outras. Na construção de um estilo próprio, quanto mais referências coletamos melhor, mas acho fundamental deixar coisas pra trás também.

Sou particularmente fascinada pela temática dos sonhos. O que é da ordem do surreal e do mistério me instiga a pensar, assim como os momentos de silêncio e introspecção, música, e as forças da natureza.

Minhas memórias de infância também reverberam e aparecem nas minhas ilustrações mais lúdicas e divertidas. Me lembro com carinho dos desenhos animados que cresci assistindo, das brincadeiras que eu inventava. Desenhar acaba sendo uma brincadeira que me ajuda a suavizar um pouco a rigidez da vida adulta.

Eu nasci e cresci em Ribeirão Preto, que é uma cidade grande no interior de São Paulo, mas o lado rural da região teve um efeito em mim que me inspira até hoje. Acredito que essa influência se manifesta nas cores que uso, nos silêncios e nas paisagens. Recentemente me mudei para o interior de Portugal e percebo que a vida cotidiana da cidade pequena me salta aos olhos, o que me faz pensar na infância também.

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ArteLetter: Nos últimos tempos, as tecnologias digitais, especialmente as de Inteligência Artificial, vêm se tornando instrumentos para criação... Como você vê essa questão no contexto da ilustração e como lida com essas ferramentas?

Paola Saliby: A inteligência artificial pode assumir tantas formas então é preciso ter cuidado antes de só condenar. O uso ético e inteligente dessa tecnologia por artistas pode ser muito interessante, mas assim como eu, acho que muita gente pegou ranço das imagem generativas produzidas em plataformas como o midjourney. Talvez a fascinação e o susto inicial que tivemos quando a ferramenta surgiu tenham passado, e agora isso se tornou algo banal, que ninguém dá muita importância.

Ao meu ver, o mais importante é se discutir sobre regulamentação da IA e a questão do direto autoral, assim como falar sobre a precarização, não só do trabalho de ilustração, mas de todas as profissões. Mas parece que perdemos mais tempo entrando em discussões sobre o que deve ou não ser considerado arte, e esse é um assunto que não vai muito longe e nem resolve as questões mais problemáticas que envolvem essa tecnologia.

Gosto de pensar que o avanço da IA no campo da arte vai fazer com que o as pessoas apreciem mais o que é manual, o que é fruto das emoções humanas e que máquina não consegue replicar. Pode soar ingênuo, mas talvez um sentimento de nostalgia nos leve a isso?

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ArteLetter: Você foi responsável por criar a ilustração de capa da edição em inglês do livro “Torto Arado” que, acreditamos, é um dos maiores fenômenos literários no Brasil dos últimos anos. Como essa oportunidade chegou até você e como foi o processo dessa criação?

Paola Saliby: Foi uma delícia e uma honra receber esse convite. Torto Arado foi um livro que cativou muita gente, incluindo a mim, e que merecidamente ganhou reconhecimento internacional. Eu não me recordo como a editora chegou até mim, mas provavelmente através do Instagram.

Como o prazo não era muito longo, a editora sugeriu algumas ideias de composição para que eu desenvolvesse, e então escolheram uma das imagens para a capa. É ótimo quando temos total liberdade criativa em um projeto, mas, por outro lado, essa liberdade pode gerar angústia quando é preciso criar dentro de um prazo curto. Então funcionou super bem dessa forma.

ArteLetter: Esse foi seu trabalho mais desafiador? Quais outros projetos você destacaria como desafiadores ou gratificantes?

Paola Saliby: Sem dúvida foi um trabalho desafiador. Quando recebi o convite, fiquei super empolgada, mas também me senti um pouco insegura, pensando no alcance que o livro estava tendo e pela legião de fãs que se formou desde o lançamento da obra. Quis muito que o Itamar e seus leitores gostassem da capa, e fiquei feliz de imaginar o livro na mão de tantas pessoas. É muito bom estar envolvida em projetos nos quais acredito e com pessoas que admiro, mas, quando isso acontece, meu lado mais crítico desperta com força total.

Faço muitas ilustrações para artigos de jornais e revistas, e projetos editoriais também acabam sendo desafiadores, dependendo do tópico abordado. Às vezes tenho receio de cair em metáforas clichês ou não conseguir ter uma boa ideia dentro dos prazos, que costumam ser curtos. Além disso, alguns temas são sensíveis, e preciso ser mais cuidadosa na escolha das imagens que vou propor. Mas é um processo prazeroso, pois geralmente há muita liberdade para criar, e eu adoro trabalhar com texto.

Também gosto muito quando sou convidada para projetos que têm o Brasil como tema, principalmente artigos e histórias que são importantes de serem compartilhados com o mundo.

Um outro projeto legal que fiz recentemente foi um mural para o escritório do Mail Chimp em Atlanta, que depois foi pintado à mão por artistas locais. Me inspirei no carnaval brasileiro de outras épocas e me diverti fazendo. É uma sensação boa ver meu trabalho aplicado em outras escalas e ocupando espaços físicos.

ArteLetter: Como você imagina a interação do público com sua arte e quais emoções ou mensagens você espera que seu trabalho desperte nas pessoas?

Falando sobre meu trabalho autoral, não tenho pretensão de passar mensagens específicas através das minhas ilustrações. Não penso sobre isso quando compartilho uma imagem. Acho que tem mais a ver com deixar sentir e viajar um pouco dentro da cabeça. Todos nós temos muita dificuldade de lidar com a falta de sentido, procuramos sempre um propósito, uma lógica por trás de tudo. Eu gosto de desafiar essa necessidade criando universos que rompem com essa noção de realidade, e por isso o mundo onírico é uma fonte de inspiração para mim. Não sei se isso realmente acontece, mas talvez eu espere que minhas ilustrações ofereçam uma pausa para contemplar, uma chance de olhar para dentro e sentir o que quer que seja, sem que as coisas precisem fazer sentido.

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Para conhecer mais o trabalho de Paola Saliby, visite o site oficial e o perfil no Instagram.

👀 Arte em Pauta

• Após 50 anos, 10 litografias de Salvador Dalí são encontradas em uma garagem. 

• Uma criança de 4 anos quebra acidentalmente jarro da era do bronze em museu em Israel.

• Nova sede da Christie's será inaugurada em Hong Kong, com a venda da obra Water Lilly de Monet, estimada em U$25 milhões.

• Programe-se para a Pinacoteca de São Paulo.

• Exposição Alex Flemming 70 anos e mais, no Museu Oscar Niemeyer em Curitiba.

• Está em Recife? Não deixe de conhecer o Museu do Homem do Nordeste.

A edição de hoje traz Hidden Tischbein IV (2022), um print da série de fotocolagens Hidden Portraits, do artista alemão Volker Hermes (1972). Baseado em Düsseldorf (Alemanha), Hermes é conhecido por suas pinturas, desenhos e fotocolagens que combinam rigor técnico e humor. Em suas fotocolagens, ele cria novas imagens a partir de imagens já existentes, seja modificando elementos ou combinando imagens diferentes. Assim, ele subverte imagens históricas de cunho clássico, buscando evocar novos significados que devem ser intuitivamente sentidos pelo espectador.

Na série Hidden Portraits, Hermes reinterpreta pinturas históricas através de uma lente moderna. Com o uso de um programa de edição digital de imagens, ele manipula visualmente famosos retratos de antigos mestres: elementos da obra original são expandidos para ocultar os rostos parcial ou integralmente, dando ainda mais destaque aos antigos códigos da moda como símbolos de auto-representação e status social. A intenção de Hermes é discutir os sinais e símbolos dos retratos, que durante séculos não eram apenas uma representação da pessoa, mas também, e principalmente, um indicativo de classe. Então, ao ocultar seus rostos, o artista faz com que a individualidade se perca e, com isso, convida o espectador a analisar o contexto da arte como meio de representação e a relação entre imagem e indivíduo.

Em Hidden Tischbein IV, Volker Hermes se apropria da obra Portrait of a young girl with a rose (década de 1760), do pintor alemão Johann Heinrich Tischbein (1722-1789), o Velho. Na imagem original, vemos uma jovem com os braços apoiados sobre uma superfície não identificada e um pedaço de tecido que remete a um lenço, seus cabelos estão presos, e ela usa colar de pérolas e um vestido acetinado, nas cores azul e laranja em tons pastéis, com rendas brancas nas mangas. Ela olha para fora da imagem com um olhar e um meio sorriso ternos que, juntamente com a flor que segura em uma das mãos, conferem doçura a sua imagem, que se trata claramente da imagem de uma mulher de alto nível social. Volker intervém nestas nesta imagem desprendendo e expandindo a gola do vestido, transformando-o numa fita que se entrelaça ao redor do rosto remetendo a uma máscara. A imagem de doçura feminina é então ofuscada por seus próprios enfeites e dá lugar a um ar de mistério. Ao esconder o rosto, o artista desafia a percepção de individualidade e nos convida a refletir sobre os símbolos de poder e a superficialidade da representação social, colocando ênfase nas vestes e acessórios como indicadores de status.

Para saber mais sobre o trabalho de Volker Hermes, visite o site oficial ou o perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

A arte e a propaganda sempre tiveram uma relação próxima e dinâmica. Na publicidade, a arte surge com frequência em suas mais variadas formas, das artes plásticas à música, cinema e literatura. A propaganda não apenas faz referência à arte, mas a reinventa, recria e adapta, muitas vezes utilizando sua linguagem e estética.

Curiosamente, o caminho inverso também aconteceu ao longo da história: a arte foi utilizada como uma poderosa ferramenta de propaganda. Na Antiguidade, artistas erguiam monumentos para glorificar as conquistas militares dos imperadores romanos. Na Idade Média e no Renascimento, a arte sacra foi criada com o objetivo de disseminar a fé cristã. Já na Rússia stalinista, o cinema foi transformado em um veículo de promoção da Revolução Russa e do ideal socialista.

Em uma outra camada dessa relação, vemos que a própria propaganda influenciou a arte. Movimentos como a Pop Art e a Art Nouveau se inspiraram diretamente na estética publicitária, utilizando embalagens, cartazes e outros elementos gráficos para suas criações. A publicidade, portanto, não só se alimenta da arte, mas também a nutre. Aliás, os princípios de direção de arte são a espinha dorsal da criação publicitária.

A ideia de que a arte e a propaganda compartilham objetivos similares não é novidade. Ambas buscam provocar uma resposta emocional e gerar um impacto no observador. Separamos aqui alguns exemplos dessa relação.

• Obra de Arte da Coca-Cola, 2023

Essa campanha publicitária batizada de Obra-prima da Coca-Cola, foi lançada mundialmente em 2023. A ideia central da peça é que tomando uma Coca-Cola algo mágico pode acontecer, inclusive a inspiração. O vídeo incorpora artistas renomados e emergentes, em um universo surreal onde obras de arte ganham vida, para ajudar um estudante de arte a ter uma inspiração. Entre as obras e personagens que aparecem na propaganda estão: Aket, Idílio Divino, 2022; Andy Wahrol, Coca-Cola Grande, 1962; J.M.W. Turner, O Naufrágio, 1805; Vikram Kushwah, Queda na Biblioteca, 2012; Fatma Ramadan, Secador de Cabelo, 2021; Edvard Munch, O Grito, 1893; J. Vermeer, Garota com Brinco de Pérola, 1665.

• Arte da Quarentena, 2020

Foi uma campanha criada pela agência Looma em nome do Ministério da Cultura e Informação Pública da Ucrânia. O objetivo era conscientizar a sociedade sobre como se comportar na pandemia. Para tornar a mensagem mais interessante e fácil de lembrar, foi escolhido usar obras de arte famosas. Essa peça publicitária fez parte da campanha mundial Flatten the Curve (achatar a curva), uma referência à redução do número de infectados pelo Coronavírus. O poster acima é uma das peças desta campanha e foi baseado na obra prima de Frederick Leighton (1830-1896), Orfeu e Eurídice, de 1864.

As demais obras que fizeram parte dessa campanha publicitária foram: O filho do Homem (1964) de René Magritte, A Criação de Adão (1508-1512) de Michelangelo, Sra. Morrell como Hebe (1775-1778) de Benjamin West, Dama com Arminho (1489-1491) de Leonardo da Vinci, Napoleão Cruzando os Alpes (1801-1805) de Jacques-Louis David, A Última Ceia (1495-1498) de Leonardo Da Vinci, Retrato de um jovem em vermelho (1485-1490) de Raphael, e Madonna orando (sem data) de Giovanni Battista Salvi. Abaixo, está o vídeo completo da campanha. Vale a pena assistir!

• Alimentos infantis da Nestlé - 1897

Nosso exemplo final ilustra o momento em que a propaganda se transforma em arte. Embora possamos rastrear avisos públicos feitos à mão desde a antiguidade, foi somente com os avanços nas técnicas de impressão, a partir da segunda metade do século XIX, que esse tipo de mídia se popularizou como veículo de propaganda. Por meio de cartazes coloridos e em grandes formatos, a propaganda se estabeleceu nas principais metrópoles mundiais. Artistas renomados foram contratados para criar essas peças, incluindo Henri de Toulouse-Lautrec e Alphonse Mucha.

Alphonse Mucha, um dos maiores expoentes da Art Nouveau, representou uma ruptura com os tempos modernos e a produção em massa. Esse movimento buscava integrar arte e vida cotidiana, valorizando a estética por meio de formas naturais, linhas fluidas e padrões florais estilizados. A principal ideia era fundir a arte acadêmica com as artes aplicadas, e os pôsteres e anúncios em jornais e revistas preencheram essa lacuna, tornando a arte mais acessível e útil para o público em geral.

Em uma de suas obras, Mucha promove os alimentos infantis da Nestlé, voltados especialmente para mães que, por razões puritanas (era vitoriana), sociais ou econômicas, não podiam amamentar seus filhos. As classes altas da época viam a amamentação com desdém, enquanto as mulheres de baixa renda precisavam trabalhar. Neste anúncio, Mucha retrata a mãe como uma figura altiva e confiante, vestida como uma deusa grega, transmitindo segurança ao alimentar seu filho com a fórmula da Nestlé.

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👀 Arte em Pauta

• Até dezembro, o Instituto Lina Bo Bardi promove, na Casa de Vidro, um Ciclo de Encontros que discute sua obra sobre várias perspectivas. Veja a programação até o final do ano clicando aqui.

• A exposição imersiva O Extraordinário Universo de Leonardo da Vinci chega em Belo Horizonte em setembro.

• Arqueólogos encontraram novos esqueletos de vítimas do Vesúvio em Pompéia.

• A exposição Leonilson: Agora e as Oportunidades está no Masp até novembro.

• O Museu de Arte Sacra da Bahia está fechado por problemas estruturais.

• O MAM-SP estará temporariamente fechado a partir de 26 de agosto até janeiro de 2025.

• Entre os dias 28 de agosto a 1º de setembro acontece a SP-Arte - terceira edição - Rotas Brasileiras na ARCA.

No próxima dia 22/08 é celebrado o Dia Mundial do Folclore. Por isso, a edição de hoje é toda dedicada a esse conjunto de tradições populares e traz a obra Pernambuco/Folclore (2022), em homenagem ao grande mestre da arte popular brasileira, José Francisco Borges, conhecido como J. Borges, nascido em 1935 na cidade de Bezerros, em Pernambuco, e falecido em julho deste ano.

A arte de J. Borges é profundamente ligada à tradição e ao folclore nordestino. Através de xilogravuras e histórias em cordel, ele ilustrou, com simplicidade e força, a vida cotidiana e as experiências sociais e imaginárias. Também figuram em seus trabalhos sua percepção da natureza, com representações da flora e fauna, muitas vezes como fábulas. O estilo de Borges é caracterizado por um traço firme e detalhado, onde as figuras ganham vida em composições cheias de movimento e expressividade. Ele consegue, com poucas cores e linhas, transmitir a riqueza cultural de sua terra, traduzindo o folclore em uma linguagem visual acessível e potente.

Em sua trajetória, suas xilogravuras ganharam admiradores de peso, como o escritor Ariano Suassuna. O artista tem vários prêmios, como a comenda da Ordem do Mérito Cultural, o prêmio da Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (Unesco) na categoria Ação Educativa/Cultural e o título de Patrimônio Vivo de Pernambuco. Ilustrou também a capa de livros de escritores como Eduardo Galeano e José Saramago, inspirou documentários e o desfile da escola de samba Acadêmicos da Rocinha, em 2018. Defensor de uma arte acessível, as obras de J. Borges estão presentes em muitas residências brasileira e em várias partes do mundo.

Em Pernambuco/Folclore (2022), ele retrata o rico universo do folclore e elementos culturais nordestinos, explorando as festividades populares de sua terra. Elementos folclóricos retratados de cima para baixo, da esquerda para direita:

Matinta Perera (ou Matinta Pereira): é uma figura do folclore brasileiro com várias versões. Geralmente, ela é retratada como uma bruxa idosa que, durante a noite, se transforma em um pássaro de mau agouro. Esse pássaro pousa nos telhados ou muros das casas, emitindo um assobio alto e penetrante, alertando os moradores de sua presença. Matinta costuma aparecer nas horas mais silenciosas da noite ou madrugada, perturbando o sono das pessoas. Nesse momento, um dos moradores da casa deve dizer em voz alta que oferecerá a ela o tabaco desejado. Após a promessa ser feita, o pássaro parte para assombrar outras residências. Em algumas regiões, as pessoas oferecem outros itens, como comida, bebidas ou presentes. No dia seguinte, sob a forma de uma bruxa velha, Matinta visita as casas para receber o que lhe foi prometido. Se não receber a oferta, ela amaldiçoa os moradores, trazendo doenças ou até mesmo a morte.

Papangu: são uma tradição carnavalesca típica de Bezerros, cidade natal de J. Borges. As máscaras de Papangu, feitas de papel machê sobre um molde de gesso, recebem uma pintura vibrante que lhes confere identidades únicas, com uma ampla variedade de cores e estilos. O objetivo principal dessas máscaras é garantir o anonimato de quem as utiliza. A história dos Papangus evoluiu ao longo do tempo; atualmente, eles simbolizam a folia carnavalesca. No passado, os mascarados alegravam as festas nos engenhos, caminhando de casa em casa e pedindo angu de milho, enquanto as crianças gritavam: "Lá vem o papa angu!". 

Caboclinho: é uma dança folclórica tradicionalmente apresentada durante o carnaval, na qual os participantes encarnam a cultura indígena. Eles usam cocares e adornos de penas na cintura, nos braços, nas pernas, além de colares. Datada do final do século XIX, essa manifestação cultural retrata cenas de caça e combate, demonstrando a resistência dos povos indígenas. O Caboclinho também está associado ao culto da Jurema, uma planta comum no Nordeste brasileiro, conhecida por seus possíveis efeitos psicoativos.

Frevo: dança de ritmo acelerado, originária de Pernambuco no final do século XIX. Surge da fusão de gêneros como a marcha, o maxixe, a polca e a capoeira. Inicialmente, o frevo acompanhava as bandas marciais, e os capoeiristas, para driblar a proibição da capoeira, disfarçavam-se e adaptavam seus movimentos à música. Os símbolos do frevo, como a sombrinha e a vassoura, eram, na verdade, armas estilizadas usadas pelos capoeiristas para se defenderem, uma vez que os confrontos entre blocos eram comuns.

Cavalo Marinho: manifestação popular que combina teatro, música e dança. Essa festividade ocorre entre o Natal e o Dia de Reis e é um auto, ou seja, uma peça teatral, composta por diversas apresentações. Conta com 76 personagens, divididos em três categorias: humanas, fantásticas e animais, que representam a sociedade colonial da Zona da Mata Nordestina. Um dos personagens centrais é o Capitão, que, montado em seu cavalo, simboliza o grande latifundiário, dono do engenho.

Bumba Meu Boi: celebração popular centrada na lenda da morte e ressurreição de um boi, envolvendo personagens humanos e criaturas fantásticas. Existem diferentes versões da lenda, sendo a mais conhecida aquela em que a escrava Catirina (ou Catarina), grávida, pede ao marido Chico (ou Pai Francisco) que lhe traga a língua de um boi para satisfazer seu desejo. Chico, para atender ao pedido, mata o boi, mas acaba preso por ordem do dono da fazenda. Com a ajuda de curandeiros, o boi é então ressuscitado. O boi é a figura principal da festa, representado por uma estrutura de madeira em forma de touro, coberta de veludo bordado e decorada com uma saia de tecido colorido. A pessoa que manipula essa estrutura é conhecida como o miolo do boi.

Para conhecer mais sobre o legado artístico de J. Borges, visite a web page do Memorial J. Borges ou o perfil no Instagram. Ou veja esse vídeo, feito em celebração aos 80 anos de J. Borges.

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📄 Mudando de assunto…

Na verdade, hoje não vamos mudar de assunto… vamos seguir falando sobre arte folclórica!

A Arte Folclórica refere-se às expressões artísticas tradicionais e populares que são transmitidas de geração em geração dentro de uma comunidade ou cultura. Ela geralmente está enraizada nas práticas culturais, mitos, lendas, rituais e costumes de um povo. Essa forma de arte é frequentemente criada por artistas que fazem parte da própria comunidade e reflete a identidade cultural, as crenças e os valores daquele grupo. Nessa expressão artística, muitas vezes, o artista é  anônimo.

É categorizada como uma arte funcional ou utilitária, não sendo originariamente feita para museus. A atemporalidade não é requisito, pois desde que a função fosse cumprida, ela poderia ser descartada. Os artistas utilizam os materiais locais disponíveis, o que dá autenticidade às criações. 

O Brasil é um país extremamente diverso culturalmente, e cada região possui suas próprias manifestações de arte folclórica, refletindo as influências indígenas, africanas, europeias e asiáticas. Aqui estão alguns exemplos da nossa arte folclórica:

• Ex-Votos

Abreviação do latim ex-voto suscepto, “o voto realizado” é encontrado em  paredes das Salas dos Milagres de Santuários e centros de peregrinação em todo o país e em museus. São testemunhos de fé do povo que agradece as graças recebidas e oferece a seus intercessores um quadro pintado, uma escultura, e os mais variados objetos que representam o milagre recebido. São registros ricos do imaginário coletivo sobre vida e morte e documentação das representações do universo religioso. É uma arte comovente na arte popular religiosa, testemunha da devoção e crença sem limites. No Brasil passou a ser disseminada a partir do século XVII, com a popularização da fé católica.

O quadro Batalha dos Guararapes - que retrata uma das mais significativas batalhas do período colonial, que resultou na perda do controle holandês sobre o território pernambucano fora do Recife - é um ex-voto de pedido relacionado à fundação da Igreja de Nossa Senhora dos Prazeres do Monte de Guararapes, em Recife.

• Carrancas

As carrancas são esculturas de madeira com feições antropomórficas ou zoomórficas, que podem ser pintadas ou deixadas em sua forma natural. Tradicionalmente, eram colocadas na proa das embarcações como amuletos para afastar espíritos malignos. Essas esculturas são encontradas em algumas religiões africanas, como o Candomblé e a Umbanda. Os primeiros registros no Brasil datam do século XIX, no Vale do Rio São Francisco. Hoje, as carrancas estão distantes de sua função original, sendo usadas principalmente como peças decorativas. As chamadas "carrancas pedestais" começaram a surgir na metade do século XX, e os mestres carranqueiros passaram a atender a essa nova demanda, produzindo-as também em barro.

• Dança

A dança é uma das formas mais antigas e universais de expressão artística. Desde tempos muito remotos, os movimentos do corpo ao som da música têm sido utilizados para comunicar emoções, contar histórias, celebrar eventos importantes e, acima de tudo, para manter vivas as tradições culturais. No Brasil, a dança desempenha um papel essencial na preservação e na transmissão do folclore. As danças folclóricas, em particular, são manifestações que carregam consigo os costumes, as crenças e a história das diversas regiões e grupos que formam o tecido social brasileiro. Elas não apenas encantam pelo seu ritmo e coreografia, mas também por serem um testemunho vivo da identidade cultural do povo, resgatando e perpetuando narrativas ancestrais através dos tempos. Abaixo, listamos quatro danças folclóricas, cada uma típica de uma região do Brasil.

Coco:

Típica do Nordeste, especialmente de Alagoas e Pernambuco, o Coco é uma dança de roda que mistura influências africanas e indígenas. É dançada ao som de tambores e é conhecida pelos movimentos dos pés, que seguem o ritmo marcado pela música.

Catira:

Também conhecida como Cateretê, é uma dança tradicional das regiões Sudeste e Centro-Oeste do Brasil. Os dançarinos batem palmas e pés no ritmo da música, geralmente acompanhados de viola caipira.

Carimbó:

Típica do estado do Pará, o Carimbó é uma dança sensual e envolvente, marcada pelo ritmo dos tambores e pela influência indígena e africana. Os dançarinos, muitas vezes em pares, fazem movimentos circulares com saias rodadas.

Fandango:

Com origem no Sul do Brasil, principalmente no Paraná e em Santa Catarina, o Fandango é uma dança típica das comunidades litorâneas, associada aos pescadores. Os passos incluem sapateados e movimentos que lembram uma coreografia de mar.

• Literatura de Cordel

 A literatura de cordel chegou ao Brasil com os portugueses e tornou-se uma tradicional forma de narrativa no Nordeste brasileiro, utilizada para propagar tradições da região. O cordel é escrito em métrica, com rimas que dão musicalidade aos versos e, no geral, abordam temas ligados ao folclore da região de onde surge. Além dos versos em rimas musicais e do conteúdo folclórico, a literatura de cordel também é muito conhecida pelas ilustrações em xilogravuras, como as de J. Borges.

O primeiro escritor de literatura de cordel no Brasil foi Leandro Gomes de Barros, que deixou um legado de cerca de 240 textos do gênero. Foi baseado no cordel de Gomes de Barros que Ariano Suassuna escreveu uma das peças mais célebres da cultura popular brasileira: Auto da Compadecida. Quem não lembra de João Grilo recitando:

Valha-me Nossa Senhora, 

Mãe de Deus de Nazaré! 

A vaca mansa dá leite, 

a braba dá quando quer.

 A mansa dá sossegada, 

a braba levanta o pé.

 Já fui barco, fui navio, 

mas hoje sou escaler. 

Já fui menino, 

fui homem, 

só me falta ser mulher.

Puro cordel carregado de folclore!

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👀 Arte em Pauta

• Em cartaz no Masp até novembro a exposição Lia D Castro: em todo e nenhum lugar, sua primeira individual em museu.

• A mostra “Iberê e o MARGS: Trajetórias e Encontros” apresenta 86 obras de Iberê Camargo, estará até novembro em Porto Alegre

• Em Florianópolis (SC), a exposição Exposição "Universos Imaginários: Youkai no Japão, Folclore no Brasil" até setembro.

• A partir de 20 de agosto em Brasília, entrará em cartaz a exposição: “Natureza Urbana“

• A mostra "Portinari: Entre Traços e Palavras", ficará até outubro na Caixa Cultural Salvador.

A edição de hoje traz a pintura Sem Título (2017), de Vânia Mignone (1967). Radicada em Campinas (SP), Vânia é formada em Artes Plásticas pela Unicamp e em Publicidade pela PUC Campinas. Seu trabalho é fortemente inspirado na música popular brasileira, nos meios de comunicação e na literatura de cordel, e consiste na criação de imagens através de um conjunto de técnicas que envolve recorte, montagem e colagem de elementos sobre a madeira (ou material semelhante, como MDF), finalizado com pintura. Ela também se utiliza de técnicas da xilogravura, como a inclusão de traços através de riscos na madeira, ao invés de pinceladas de tinta. A técnica, juntamente com a consistência no uso das cores, elementos e temáticas, dão ao trabalho de Vânia uma estética inconfundível.

No que diz respeito ao uso da cor, as cores vibrantes e sólidas contrastando com fundos escuros e densos são uma marca do trabalho de Vânia. Ela usa elementos como figuras humanas, plantas, animais, objetos do cotidiano e palavras soltas ou frases para compor imagens que abordam as relações entre as pessoas e entre as pessoas e seu meio. As palavras ou frases não consistem em legendas ou títulos dos trabalhos, mas sim em elementos constitutivos da imagem, de modo que imagem e linguagem se complementam para criar significados e auxiliar a leitura visual da obra. O resultado são imagens metafóricas e oníricas, que criam narrativas e ao mesmo tempo levantam questionamentos profundos.

O título "Sem Título" é uma escolha intencional que reforça a ambiguidade da obra. Ao não nomeá-la, Mignone convida o público a se envolver diretamente com a imagem e a encontrar seu próprio significado. Assim como no teatro, esta obra é composta por várias cenas com temáticas diferentes, unidas em um único "ato", que aqui é o MDF. Somos, mais uma vez, convidados a criar uma história.

Na primeira cena, há uma paisagem interiorana, com uma estrada laranja que se estende em direção a um horizonte escuro. Árvores de copas alaranjadas e amarelas cobrem o céu. Esse fundo escuro, recorrente no trabalho da artista, carrega uma ambiguidade simbólica: as cores contrastantes, onde o escuro representa um mistério inerente às nossas existências, uma melancolia em contraste com o positivismo das cores vivas.

Em uma segunda cena, incrustada ao fundo, vemos o acidente de um carro laranja, com a porta aberta, em chamas fora da estrada, ao lado de uma marca negra que presumimos ser uma derrapagem. Outros focos de chamas cor-de-rosa aparecem ao longe. Podemos deduzir que esta cena está ocorrendo no presente e que a porta aberta pode indicar que uma ou mais pessoas conseguiram escapar, apesar da ausência de figuras humanas.

A última cena é composta por uma mesa com oito cadeiras, cada uma com um estilo e cor diferentes, todas fora de posição. Há também um lustre com três lâmpadas e o que parece ser uma caixa de som. A perspectiva aqui é distorcida, permitindo ao observador enxergar todo o primeiro plano. Esta cena pode ser interpretada como um local de reuniões, onde cada cadeira representa um indivíduo e suas características. As cadeiras fora de lugar sugerem que as pessoas saíram às pressas, talvez para socorrer as vítimas do acidente. A caixa de som, aparentemente ligada à música que estava tocando, pode indicar que a reunião começou de forma alegre.

Na parte inferior da obra, está escrito: "A gente conversava aqui". O verbo "conversava" está no pretérito imperfeito, que, por definição, refere-se a uma ação anterior ao momento presente, não finalizada, podendo ter sido interrompida por outro acontecimento. Isso pode nos levar a interpretar que as pessoas estavam reunidas quando o acidente aconteceu. A referência ao passado também pode sugerir que essa reunião feliz, em que essas oito pessoas se encontravam, é uma memória feliz do passado.

Para saber mais sobre o trabalho de Vânia Mignone, visite o site oficial.

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📄 Mudando de assunto…

Amanhã, dia 12 de agosto, celebraremos o Dia Nacional das Artes, uma data especial marcada pela fundação da Escola Real de Ciências, Artes e Ofícios em 1816, hoje conhecida como a Escola de Belas Artes da UFRJ (Universidade Federal do Rio de Janeiro). Esta comemoração foi oficializada com a entrada em vigor da Lei 6.533 em maio de 1978, que regulamenta a profissão de Artista e Técnico em Espetáculos de Diversões.

Convidamos você a explorar algumas das obras mais emblemáticas dos principais movimentos artísticos do Brasil.

Pré-História

No Brasil, a Arte Rupestre se revela em diversos estados. As mais antigas, datadas de cerca de 15 mil anos, foram descobertas no Piauí, no Parque Nacional da Serra da Capivara. Este parque não só guarda esses tesouros pré-históricos, mas também abriga o Museu do Homem Americano e o Museu da Natureza, oferecendo uma imersão completa na história e evolução humana.

Arte Indígena

Antes da chegada dos portugueses, cerca de 5 milhões de indígenas viviam em nosso território, criando uma rica diversidade de expressões artísticas. Produziam vasos, estatuetas, máscaras, cocares, arte plumária e pintura corporal. A pintura corporal indígena, por exemplo, é uma tradição multifacetada, utilizada para diversas finalidades que variam de acordo com cada tribo, sendo empregada em ocasiões especiais ou como forma de proteção.

Destacamos a Arte Marajoara, criada pelos indígenas da região da Ilha de Marajó, no Pará. Suas peças são conhecidas pela complexidade e beleza, e podem ser apreciadas em vários museus, incluindo o  Museu de Marajó, o Museu Goeldi, o Museu de Arqueologia e Etnologia (SP), o Museu Histórico Nacional (RJ) e American Museum of Natural History (NY).

Arte Colonial

A arte colonial no Brasil se estende desde a chegada de Cabral até a independência do país, marcando presença na escultura, pintura, desenho e arquitetura, especialmente nas igrejas. Durante esse período, o Barroco, inicialmente influenciado pela Europa, desenvolveu características regionais únicas. Profundamente ligado à arte religiosa, também serviu como um meio eficaz para a disseminação da doutrina católica.

Dois dos maiores expoentes dessa época são Aleijadinho (c.1730-1814) e Mestre Ataíde (1762-1830). Suas obras podem ser admiradas no Santuário do Bom Jesus de Matosinhos, em Congonhas, Minas Gerais, um Patrimônio Mundial da Unesco. O adro da igreja é adornado com os Doze Profetas de Aleijadinho, enquanto as capelas abrigam cenas da Paixão de Cristo, compostas por 66 estátuas que retratam os sete Passos da Paixão.

Aleijadinho e seus assistentes talharam as esculturas da Via Sacra em madeira entre 1796 e 1799, enquanto os Doze Profetas, esculpidos em pedra-sabão, foram iniciados em 1800 e concluídos em 1805. Para dar vida às esculturas, Mestre Ataíde foi contratado para realizar a encarnação, imitando a textura da carne humana nas partes visíveis, e o estofamento, reproduzindo tecidos nas vestimentas das figuras.

Mestre Ataíde também foi um pintor extraordinário, cujo legado na pintura é tão significativo quanto o de Aleijadinho na escultura. Sua obra mais celebrada é o teto da Igreja de São Francisco de Assis, em Ouro Preto, Minas Gerais, um Patrimônio Mundial da Unesco, onde ele retratou a “Assunção de Nossa Senhora”.

Realizada entre 1801 e 1812, foi criada usando têmpera sobre fundo branco e finalizada com uma camada de verniz oleoso. As características do Rococó são evidentes, como o uso da perspectiva, direcionando o olhar para o vasto céu e criando uma grande ilusão.

Neoclássico até início do século XX

Com a chegada da família Real e sua corte no Brasil, um novo panorama artístico entra em cena. Em 1816 desembarcou no país  a  Missão Artística Francesa, trazendo consigo o Neoclassicismo e contribuindo para a profissionalização de pintores e arquitetos. Este influxo resultou na primeira exposição de arte realizada no Brasil, organizada por Jean-Baptiste Debret em 1829.

Esses movimentos artísticos brasileiros são marcados pela influência europeia do período e os artistas tinham a liberdade de absorver as mais variadas tendências para a criação da arte no país.  

Um grande representante do neoclassicismo brasileiro, Victor Meirelles (1832-1903), através de sua pintura histórica, buscava exaltar a história e a natureza do Brasil. A obra “A Primeira Missa no Brasil”, tornou-se sua obra mais famosa e foi exposta no Salão Oficial de Paris em 1861.

Temos também Almeida Júnior (1850-1899), que é considerado um artista que transita entre o romantismo e o realismo, suas obras retratam a cultura caipira. Aqui temos “Saudade”, uma pintura acadêmica que mostra o sofrimento e os sentimentos de uma mulher simples. A introspecção domina a cena.

A Pinacoteca de São Paulo estreará em novembro a “Mostra Coletiva – A Figura do Caipira na Arte Brasileira” com obras de Almeida Júnior.

Modernismo

O modernismo no Brasil teve seu marco na Semana de Arte Moderna de 1922. Este movimento foi impulsionado pelas vanguardas europeias, como o cubismo e o expressionismo, entre outros. Essas influências foram gradualmente assimiladas no contexto brasileiro, mas adaptadas para valorizar a cultura nacional.

Anita Malfatti (1889-1964) desempenhou um papel de destaque. Influenciada pelo expressionismo alemão, ela utilizava cores de maneira intuitiva e ousada. Em sua obra "A Estudante", vemos pinceladas rápidas, longas e marcadas, com o uso de cores complementares para criar maior contraste. A distorção das formas em suas pinturas causou estranhamento quando foram exibidas no Brasil, mas também marcou a inovação e a quebra de padrões tradicionais na arte brasileira.

Arte contemporânea

O contemporâneo brasileiro ganhou força na década de 1960 com o Neoconcretismo. As formas artísticas tradicionais foram acrescidas pelas  novas tecnologias. Pintura, escultura, instalações, vídeos, performance, arte digital são apenas alguns dos recursos explorados pelos artistas, onde a versatilidade é mostrada nas diversas formas de expressão. Uma das características é a variedade de temas abordados. Questões políticas e sociais, como reflexões de gênero e meio ambiente refletem a vida moderna e nossa vida em sociedade. Podemos notar também um grande diálogo com o passado, pela incorporação de referências históricas e estéticas.

O artista conceitual Ernesto Neto (1964) representa essa pluralidade e busca através da interatividade de suas obras a reflexão do observador através de suas instalações e esculturas, que nos envolvem com cores vibrantes, sons e materiais naturais promovendo um senso de comunidade. Suas obras estão presentes em diversas coleções importantes, entre elas: Centre Georges Pompidou (Paris), Inhotim (Brumadinho), Guggenheim (Nova York), MCA (Chicago), MOCA (Los Angeles), MoMA (Nova York), Museo Reina Sofía (Madri), SFMOMA (San Francisco), Tate (Londres) e TBA21 (Viena).

Sua obra  The Birth of Contemporous Blue Tree (em tradução livre “O Nascimento da Árvore Azul Contemporânea”) é uma instalação imersiva que evoca um espaço de harmonia e cura. O observador é chamado de maneira lúdica a experimentar todos os sentidos  explorando esta árvore monumental  de 13 metros de altura feita em crochê com fio de  algodão e aplicações de plantas, ervas e especiarias. Simboliza a ligação entre o céu e a terra. Esta instalação está na exposição I Feel The Earth Whisper  no Museum Fieder Burda, em Baden-Baden, na Alemanha.

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👀 Arte em Pauta

• O Museu de Pontal no Rio de Janeiro  inaugurou a exposição “J. Borges – O sol do sertão”, com mais de 200 obras do mestre da xilogravura.

• A exposição “uma cadeira é uma cadeira é uma cadeira”, está em cartaz na Galeria Luisa Strina em São Paulo, onde é explorada simplicidade e a complexidade deste objeto cotidiano.

• Pombo hiperrealista gigante, chamado Dinossauro, do artista Iván Argote, ficará em exposição, no parque elevado no lado oeste de Nova York.

• Museu das Civilizações Europeias e Mediterrâneas, em Marselha, França, comemora seus 10 anos com a exposição “Naturist Paradise”, dedicada ao nudismo. Em certos dias da semana os visitantes podem comparecer nus. 

• Abre neste domingo as exposições da Aberto3 em São Paulo, esse ano trazendo Tomie Ohtake e Chu Ming Silveira, reunindo arte e arquitetura.

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Na edição de hoje, vamos até o studio Saturday Factory, na cidade de Hanno, província de Saitama, uma área montanhosa e de natureza abundante perto de Tóquio (Japão), para conhecer o trabalho de fabricação artesanal de móbiles, especialmente a obra Mountain azalea with brass branch (2023), de Satoshi Odagiri.

Odagiri é arquiteto de formação e fundador do Saturday Factory, studio onde ele cuida de todo processo de produção, desde o projeto até a venda. "Sua filosofia de trabalho busca equilibrar a qualidade profissional do objeto com um processo de produção leve e tolerante ao erro, por isso o nome do studio é formado por Factory - que remete ao lado profissional/sério - e Saturday - aquele dia que ainda contém o senso de responsabilidade dos dias úteis de semana, mas também já possui a aura de relaxamento dos dias de folga. Tão poético, não?

As obras de Odagiri são feitas à mão e combinam seu conhecimento em engenharia - especialmente sobre leis físicas que proporcionam equilíbrio e movimento - e materiais cuidadosamente selecionados, como folhas e galhos desprendidos das plantas, e metais sem valor, reaproveitados de outras fábricas da cidade. A intenção de Odagiri é dar um novo valor aos materiais que já cumpriram um determinado propósito, permitindo que eles componham novos objetos, que terão outros propósitos. O resultado são peças que proporcionam experiência estética ao mesmo tempo que suscitam reflexões sobre o caráter cíclico da natureza e enfatizam a importância do equilíbrio e da harmonia.

As peças de maior destaque produzidas no studio são os móbiles. Mountain azalea with brass branch (2023) é um exemplo deles. É composto por uma base de madeira, metal, pedra e galho de azaleia, tudo reaproveitado. A pedra encaixada no gancho de metal dá sustentação e movimento ao galho de azaleia. O movimento pode ser provocado pelo vento ou pela ação humana. O conjunto da obra nos lembra com graciosidade que tudo está sempre em movimento, que a paisagem e todas as coisas mudam e que tudo que é vivo se faz e refaz em ritmo cíclico.

Gostou do trabalho de Satoshi Odagiri e quer ver outras obras? Visite @crafted_mobile.

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📄 Mudando de assunto…

A arte é uma forma de contar histórias por meio de suas formas, cores, movimentos e palavras. Os estilos e maneiras de representação raramente se isolam; pelo contrário, inspiram-se mutuamente, e filmes frequentemente se inspiram em obras famosas.

Sabemos que elementos da arte, especialmente da pintura, são extraídos do mundo real, onde elementos de cor, composição e figurino do mundo tridimensional são transformados pelo artista em um mundo bidimensional. Nos filmes, as histórias ganham vida de maneira realista, com imagens ajustadas para compor cenas que evocam emoção e reação. Além disso, as imagens precisam se adaptar às proporções das lentes e incorporar movimento.

Quando filmes fazem referências a obras de arte, os resultados podem ser variados, dependendo do reconhecimento dessas obras, o que nem sempre é óbvio. Às vezes, o diretor espera que o público capte a referência de imediato. Essas alusões podem ser usadas para criar uma sensação de época, mas o anacronismo também pode ser eficaz para transmitir a interpretação desejada pelo diretor.

A referência a obras de arte pode ser uma forma de comunicação onde a intertextualidade acrescenta um maior entendimento do contexto, brincando com a memória do público através da linguagem visual. Em filmes, obras de arte podem servir tanto como recursos visuais quanto como elementos integradores da história. E hoje trazemos alguns exemplos de filmes que se inspiraram em pinturas para criar algumas de suas cenas.

• Der Kuss, 1907/1908, de Gustav Klimt e Ilha do Medo, 2010, de Martin Scorsese

Neste thriller psicológico, Scorsese narra a história de um agente federal com um passado obscuro, que questiona sua própria sanidade enquanto investiga desaparecimentos em um hospital psiquiátrico. Na cena acima e à direita, o agente, interpretado por Leonardo DiCaprio, abraça intensamente sua esposa (Michelle Williams) na casa da família, com uma urgência que beira o desespero e uma profunda melancolia. Como o filme se passa em um hospital psiquiátrico, sabemos que a cena é um sonho. Scorsese usa aqui a referência a O Beijo de Klimt, um grande arquétipo da paixão e do amor, para enfatizar a paixão alucinada do agente por sua esposa.

Onde  assistir: Netflix, Amazon Prime , AppleTV

• Mann og kvinne, Adorasjon, 1908, de Gustav Vigeland e História de um Casamento, 2019, de Noah Baumbach

Gustav Vigeland (1869-1943) é considerado o mais famoso escultor norueguês, contemporâneo de Auguste Rodin, Edvard Munch entre outros. Seus trabalhos expressam suas reflexões sobre as relações humanas, psique e os vários estágios da vida, fortemente influenciado pela arte medieval e renascentista, bem como por mitos gregos. Atualmente, mais de 200 de suas esculturas compõem o Parque de Esculturas Vigeland, dentro do parque Frogner em Oslo, onde também se encontra o Museu Vigeland.

 Acima, à esquerda, vemos sua escultura Mann og kvinne, Adorasjon (Homem e Mulher – Adoração) de 1908, com 160 cm, feita em bronze, que atualmente pode ser visitada no Ekebergparken em Oslo, ou na sua versão em gesso no Museu Vigeland. Aqui ele retrata uma relação na qual a mulher, de maneira atípica para sua época, é a figura forte e dominante, enquanto o homem, ajoelhado a seus pés, tenta mantê-la ao seu alcance.

À direita, está a cena do filme História de um Casamento, de 2019, dirigida por Noah Baumbach. Conhecido por sua sensibilidade ao retratar a realidade nas narrativas, aqui ele conta a história de um casal, interpretados por Scarlett Johansson e Adam Driver, que passam pelo processo do  divórcio. Na cena, o casal discute os detalhes da separação, capturando a tensão e a complexidade emocional da situação.

Onde assistir: Netflix

• Ophelia, 1851 - 1852,  de John Everett Millais e Melancolia, 2011, de Lars Von Trier

Aqui, o diretor Lars Von Trier usa abertamente diversas obras de arte como referência para construção de seu filme “Melancolia”. A pintura que mais se destaca é Ophelia (1852), do pintor inglês John Everett Millais, (acima e à esquerda). A obra, exposta no Tate Museum, retrata a personagem em Hamlet de Shakespeare, que enlouquece após o assassinato de seu pai por seu amante. Na obra, Millais retrata sua morte afogada, simbolizando tristeza e loucura.

No filme, “Melancolia” é um planeta fictício e uma metáfora para “depressão”, doença sofrida pelo personagem de Kristen Dunst. O planeta Melancolia está destinado a colidir com a Terra e destruir tudo, e o diretor utiliza esse tema para refletir sobre o significado da vida humana. A imagem à direita, usada também para a divulgação do filme, mostra Kirsten Dunst flutuando em um lago cheio de lírios e plantas, em uma pose que remete diretamente à pintura de Ophelia.

Onde assistir:  Prime Video

• Campo de Trigo com Corvos, 1890, de Vincent Van Gogh e Sonhos, 1990, de Akira Kurosawa

Campo de trigo com corvos de 1890, em exposição no Museu Van Gogh,  é considerada a última obra de Vincent Van Gogh. Dramática, com seu céu nublado e paisagem turbulenta, ela transmite a sensação de solidão pelo caminho sinuoso que não leva a lugar algum.

Sonhos de Kurosawa é baseado em seus próprios sonhos. Cada vinheta descreve sua trajetória e reflexões: infância, espiritualidade, arte, morte e erros, repleta de referências artísticas, homenagens a outros cineastas e uma linguagem visual que une as diferentes histórias. Na quinta vinheta do estudante de arte, (Kurosawa era um grande admirador de van Gogh), ele se encontra dentro da tela do Campo de trigo com Corvos, e tem uma conversa profunda com  Van Gogh, interpretado por Martin Scorsese, que explica as razões o que o fez cortar a orelha. O estudante perde-se de Van Gogh e fica no campo. O filme captura a turbulência emocional na obra que ressoa com os conflitos do diretor.

Onde assistir: Prime Video

E você, costuma procurar referências em filmes? O que achou da seleção trazida nesta edição?

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👀 Arte em Pauta

• Uma pintura do século VIII do rei Henrique VIII, desaparecida dos registros há mais de um século, foi encontrada por um historiador através de um post em rede social.

• Arqueólogos encontram estátua de Hermes em antigo esgoto romano na Bulgária.

• O Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM São Paulo) ficará fechado de setembro deste ano até janeiro de 2025. Por isso, o 38º Panorama da Arte Brasileira acontecerá excepcionalmente no MAC-USP.

• Você já viu esculturas feitas com plantas? Essa exposição no Espírito Santo exibe algumas.

• Em clima de Olimpíadas, arte e esporte se encontram em várias exposições em Paris. Veja algumas delas aqui.

  

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Possivelmente, circulando por cidades como São Paulo, Rio de Janeiro e outras, você passou por arte de Priscila Barbosa (1991), a artista visual, muralista e ilustradora que trazemos para nossa edição de hoje. O mural Levante-se foi realizado em Paris, a convite do Colors Festival, para edição de 2023. Nele, vemos duas mulheres jovens, em trajes urbanos esportivos, usando lenços que escondem seus rostos do nariz para baixo. Uma mulher está caída enquanto a outra, agachada, tenta levantá-la, segurando-a e puxando-a pelo braço. Do outro lado, separada pela imagem de uma planta, está a imagem de outra mulher, também com parte do rosto coberto por um lenço, segundo um bebê. Atrás dela, há algumas cadeiras dispostas em círculo, algo que remete às reuniões de grupos de apoio.

Com esta obra, Priscila propõe uma reflexão sobre a relação entre as mulheres e como essas relações podem contribuir para a construção do feminismo e de uma mentalidade transformadora. Ela ilustra mulheres que fazem parte de sua vida e que influenciam sua visão de mundo, destacando que esse processo como algo coletivo e que alguns resultados poderão ser colhidos por gerações futuras.

Estudiosa do feminismo, essa é a temática central do trabalho de Priscila Barbosa, que também discute sobre padrões estéticos, relações de poder, relações intergeracionais e latinidade, através de imagens onde mulheres de corpos diversos são as protagonistas. Sua estética é marcada por tons rosados e avermelhados - como os que podemos ver em Levante-se (2023) - e pela presença de elementos tradicionalmente vinculados à atividade doméstica e ao feminino, porém em suas imagens eles subvertem o caráter tradicional de subordinação e ganham status de símbolos de insurgência e rebeldia. O resultado são imagens que transmitem delicadeza e força ao mesmo tempo.

Entre 2021 e 2023, Priscila Barbosa realizou três exposições individuais. Ela também já participou de diversas exposições coletivas e festivais no Brasil e em outros países, além de fazer colaborações para marcas como Granado, Brastemp e Renner. Para conhecer outros trabalhos dela, visite o site oficial ou o perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

No início do século 20, as vanguardas europeias começaram a desafiar a arte acadêmica tradicional e a própria essência da arte. Esse movimento pioneiro abriu caminho para novos suportes e formas de expressão nas artes visuais, além da pintura em tela e da escultura em mármore ou bronze.

Os artistas passaram a incorporar formas não tradicionais, como dança e suas próprias ações, à arte. Foi no bojo dessas transformações que surgiu a Performance Art, termo que, geralmente, se refere a uma arte conceitual que transmite significado mais relacionado ao drama do que ao entretenimento puro. A arte performática, intimamente ligada ao teatro, diferencia-se por não envolver personagens. Embora tenha florescido significativamente a partir década de 1960, Movimentos como Dada e Futurismo já haviam apresentado performances provocativas para chocar o público e despertar uma nova visão da sociedade.

Hoje, a arte performática é definida como uma forma de arte onde o artista usa seu corpo como principal meio de expressão, focando no momento presente e na interação direta com o público. É uma das linguagens mais desafiadoras da contemporaneidade, dependendo de uma conexão subjetiva entre público e artista, e tem o poder de questionar e ressignificar conceitos cotidianos como corpo, mente e tempo. É uma arte de "ação", efêmera, teoricamente não capturável ou comercializável, a menos que o artista permita registros como fotografias ou vídeos.

Com o tempo, o termo foi ampliado para descrever obras baseadas em filmes, vídeos, fotografias, instalações, body art, happenings e outras formas, nas quais as ações de artistas, performers ou do público são centrais. Aqui, melhor que palavras, escolhemos alguns artistas para que você mesmo possa conhecer e analisar este estilo.

• Marina Abramović

Marina Abramović (1946) é uma lenda viva no mundo da arte, com uma carreira de mais de 60 anos. Surgindo na década de 1970, ela convidou o público a questionar o que é arte. A artista sérvio-americana vê o corpo humano como o "ponto de partida para qualquer desenvolvimento espiritual". Através de seus experimentos controversos, ela frequentemente enfrenta provações físicas perigosas e intensas para explorar temas como mente, cultura humana, pureza e controle.

Sua obra mais famosa, The Artist Is Present (2010), explora a resistência e a emoção humanas. A poderosa performance ocorreu no Museu de Arte Moderna de Nova York ao longo de dois meses e meio. Abramović sentava-se em uma mesa todos os dias, convidando os espectadores a sentarem na cadeira oposta para uma conversa silenciosa diante de uma plateia ao vivo. Ao olhar nos olhos de cada participante, eles experimentavam uma série de reações. Segundo Abramović, a intenção da peça é demonstrar "essa enorme necessidade dos humanos de realmente terem contato.

• William Kentridge

Nascido em 1955, o artista sul-africano William Kentridge é reconhecido por suas gravuras, desenhos, animações, esculturas, performances e filmes. Fortemente conectado às artes cênicas, ele criou obras para produções teatrais e óperas. Em suas obras, o artista, suas emoções e pensamentos desempenham um papel tão importante quanto a própria produção.

Self-Portrait as a Coffee-Pot é uma série de vídeos em nove episódios de 30 minutos cada, em exibição até 24 de novembro no Arsenale  Institute for Politcs of Representation, em Veneza. Esse trabalho é um experimento de incorporação e experiência fenomenológica na era digital, refletindo sobre o que pode acontecer no cérebro e no estúdio de um artista hoje. Filmadas em seu estúdio durante e após a pandemia de Covid-19, as obras referenciam o espaço limitado durante a quarentena. O estúdio também simboliza a mente do artista, com uma câmara para pensamentos e reflexões, enquanto a performance, desenhos, fotos, objetos e detritos materializam esses pensamentos.

• Roman Signer

Este artista suíço, nascido em 1938, trabalha com diversas mídias: escultura, instalação, fotografia e vídeo. Fortemente ligado à Land Art e à Performance, ele evita se enquadrar em categorias específicas.

Ele cria “esculturas de ação” que envolvem montagem, execução e registro de experimentos com resultados estéticos. Utiliza objetos do cotidiano como seu vocabulário e segue procedimentos planejados para suas experimentações. Signer acrescenta um toque humorístico ao conceito de causa e efeito e ao método científico, sempre com uma pitada de surrealismo.

Na escultura The Sands of Time: Cascades of Society (2023), o artista faz parte da obra, que consiste em oito a doze baldes de areia empilhados em uma coluna. O balde mais baixo tem um pequeno furo que é ativado pelo artista, desestabilizando a coluna, que eventualmente cai. A obra é uma metáfora: cada balde representa uma classe social, a areia seus integrantes, e a intervenção do artista mostra a fragilidade do tecido social. A performance critica a instabilidade e a desigualdade das estruturas de classe.

O vídeo desta performance viralizou na internet, principalmente por vários questionamentos sobre o que é considerado arte.

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👀 Arte em Pauta

• O Brasil tem se consolidado como um dos países mais importante na arte de rua e muralismo. Nessa matéria você pode conhecer vários artistas brasileiros que se destacam nesse ramo da arte.

• Tem interesse em saber mais sobre muralismo? Então você pode gostar desse podcast, com participação da Priscila Barbosa.

• A ArtRio, uma das maiores feiras de arte do Brasil, acontecerá entre os dias 25 e 29 de setembro e algumas galerias participantes já foram anunciadas.

• Conheça mais sobre o bordado no uniforme da delegação olímpica brasileira nesta matéria.

• Itália quer punir turista que tirou uma foto sensual sob a escultura de Baco na Florença.

• Morreu esta semana J.Borges, considerado o maior xilogravurista do Brasil.

• Prêmio Pipa anuncia os premiados e a exposição deste ano.

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Quadro, escultura ou as duas coisas? A edição de hoje traz a obra Forêt (2023) da artista francesa Eva Jospin (1975). Com formação em arquitetura pela École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, Eva começou a se destacar na cena artística por volta de 2010, quando começou um trabalho considerado inovador devido ao uso de materiais cotidianos, e atualmente é uma das artistas mais celebradas da arte contemporânea francesa.

O trabalho de Jospin é fortemente inspirado pela natureza, especialmente florestas e paisagens naturais. Através do uso de materiais cotidianos mais acessíveis, como linha, madeira e principalmente papelão, ela cria esculturas e painéis de grande escala. Em sua maioria, as obras são tridimensionais, exploram a ideia de ambientes imersivos e a interação entre o natural e o artificial, e convidam os espectadores a se perderem em um mundo de fantasia e contemplação, ao mesmo tempo em que refletem sobre a relação entre o homem e a natureza.

Forêt (2023) é uma típica obra de Eva Jospin. Consiste num painel escultural de grande dimensão (medindo 170 x 240 x 36 cm), feito de papelão e madeira, que reflete uma floresta densa e imersiva, de camadas detalhadas, que borram a linha entre o natural e o artificial. Uma obra que convida os espectadores a refletirem sobre a beleza e a fragilidade da natureza, ao mesmo tempo que demonstra o excepcional artesanato e a visão imaginativa de Jospin.

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📄 Mudando de assunto…

No dia 20 de julho, comemoramos o Dia do Amigo no Brasil, e no dia 30, o Dia Internacional da Amizade. Em homenagem a essas datas especiais, destacamos algumas das amizades mais inspiradoras, desafiadoras, problemáticas e produtivas da história da arte. As grandes amizades desempenham um papel crucial na definição de quem somos ao longo de nossas jornadas.

• Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat

A amizade entre a lenda da Pop Art, Andy Warhol (1928-1987), e o jovem artista selvagem Jean-Michel Basquiat (1960-1988), definiu o mundo da arte na Nova York dos anos 80. Juntos, criaram quase 200 obras em colaboração. A amizade começou em um almoço em 1982 e, desde então, tornaram-se inseparáveis, alimentando-se mutuamente em busca de fama, inspiração e companheirismo. Warhol introduziu sua técnica de serigrafia, enquanto Basquiat acrescentava seus icônicos rabiscos e imagens visuais.

No entanto, seus esforços combinados não foram bem-sucedidos comercialmente, o que prejudicou sua amizade. Após complicações de uma cirurgia que resultou na morte de Warhol em 1987, a depressão e o uso de drogas de Basquiat se descontrolaram, levando à sua morte um ano depois, em 1988.

A obra Dos Cabezas de Basquiat, baseada em uma das Polaroids tiradas por Warhol durante seu primeiro encontro, foi pintada poucas horas após o evento e apresentada a Warhol ainda úmida. Em 2010, foi vendida pela Christie’s por U$7.82 milhões. A partir desse mesmo encontro, Warhol criou vários retratos de Basquiat, elevando-o à sua lista de ícones Pop do século XX. Utilizando uma técnica única que incluía a oxidação do metal através de urina, um desses retratos foi leiloado pela Christie’s em 2021 por U$40 milhões.

Neste livro você encontra mais sobre essa intrigante amizade: Warhol on Basquiat: The Iconic Relationship Told in Andy Warhol’s Words and Pictures. Não achamos a versão em português.

Para saber mais: Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat.

• Francis Bacon e Lucian Freud

A amizade entre Francis Bacon (1909-1992) e Lucian Freud (1922-2011), que começou em 1945, foi uma das mais intensas e influentes na história da arte. Eles rapidamente se tornaram próximos, compartilhando uma vida social vibrante e trocando influências artísticas significativas. Bacon, com seu estilo expressivo e chocante, incentivou Freud a experimentar novas técnicas, enquanto Freud, com seu detalhismo meticuloso, influenciou Bacon a considerar diferentes aspectos da figura humana. Ambos retrataram um ao outro em suas obras, com Freud criando vários retratos de Bacon e Bacon realizando estudos de Freud, refletindo a intensidade de sua relação.

Apesar da profunda admiração mútua, a amizade começou a se deteriorar nos anos 1970 devido a divergências pessoais e artísticas. Bacon via Freud como excessivamente tradicional, enquanto Freud criticava a repetitividade nas obras de Bacon. Esta rivalidade crescente levou ao afastamento, mas a amizade e a subsequente competição entre os dois deixaram um impacto duradouro na arte contemporânea.

Na pintura de Bacon por Freud, o único retrato a óleo sobrevivente que o artista pintou do amigo, podemos perceber o estilo de Freud na construção da imagem através de pinceladas marcadas, apesar da obra ser inacabada. Foi vendida pela Christie’s em 2008 por GBP 5.4 milhões.

Em contrapartida, Bacon fez diversos trabalhos usando o amigo como tema. Usando seu estilo expressionista surreal, pinta Freud com pinceladas em movimentos soltos a distorcer a fisionomia, seu objetivo é o impacto psicológico no observador.

Para saber mais: Francis Bacon e Lucian Freud.

• Paul Gauguin e Vincent van Gogh

A amizade entre Vincent van Gogh e Paul Gauguin foi marcada por admiração mútua e atividades artísticas compartilhadas, mas também por intensas dificuldades e conflitos.

Van Gogh e Gauguin se conheceram em Paris, em novembro de 1887. Em maio de 1888, Van Gogh alugou quatro quartos em uma casa em Arles, no sul da França, conhecida como "A Casa Amarela". Admirando o trabalho de Gauguin, Van Gogh o convidou para se juntar a ele. Gauguin aceitou o convite, e os dois artistas passaram nove semanas intensas pintando juntos, trocando ideias e estilos, bebendo absinto e conversando até altas horas da noite. Van Gogh foi fortemente influenciado pelas cores ousadas e formas simplificadas de Gauguin, enquanto Gauguin apreciava a paixão e a técnica de Van Gogh.

No entanto, a convivência revelou profundas diferenças em suas personalidades e abordagens artísticas, levando a tensões constantes. Van Gogh sonhava em transformar Arles em uma comunidade artística, ideia que Gauguin detestava. Frequentemente entravam em conflito sobre suas diferentes ideologias, causando debates turbulentos. Gauguin acreditava que a arte deveria ser criada a partir da imaginação, enquanto Van Gogh defendia que a inspiração devia vir da natureza.

A amizade culminou em um famoso incidente em dezembro de 1888, quando, após uma briga acalorada, Van Gogh cortou parte de sua própria orelha, em meio a um colapso nervoso. Após esse evento, Gauguin deixou Arles.

Acima, a pintura de Gauguin, feita em outubro/novembro de 1988, mostra o amigo trabalhando, na Casa Amarela. Sabemos que o uso de girassóis como modelo vivo era impossível,  assim Gauguin está retratando a essência do amigo em vez de um momento real. Em dezembro do mesmo ano, Van Gogh pintou o retrato de Gauguin utilizando camadas grossas de tinta e cores contrastantes. Nesta obra, Gauguin aparece de costas, também pintando na Casa Amarela. A posição de Gauguin sugere que Van Gogh o estava observando enquanto trabalhava.

Para saber mais: Vicent Van Gogh, Paul Gauguin.

• Édouard Manet e Berthe Morisot

Berthe Morisot (1841-1895) conheceu Édouard Manet (1832-1883) em 1867, através do pintor Henri Fantin-Latour. Morisot se tornou a primeira mulher impressionista, integrando o grupo ao lado de amigos como Monet, Renoir, Degas e Pissarro. Em 1874, ela se casou com o irmão de Manet.

A amizade entre Morisot e Manet se desenvolveu em uma forte afeição e respeito artístico mútuo. Inicialmente, Manet atuava como mentor, mas ambos influenciaram os estilos um do outro. Morisot, respeitada como par e musa, foi retratada diversas vezes por Manet. A intensa conexão e o diálogo artístico entre eles eram estimulantes, e a competição saudável entre suas obras enriquecia suas criações. Morisot era uma artista determinada e independente, o que ocasionalmente tumultuava sua amizade com o confiante Manet. No entanto, esses desafios eram instigantes e inspiradores para ambos. Manet manteve três pinturas de Morisot em seu quarto, e até hoje, especula-se sobre a natureza de seu relacionamento.

Este retrato de Berthe Morisot foi executado por Manet diferentemente de seus outros retratos. Ele colocou metade do rosto de Morisot na sombra e a outra metade iluminada, criando um contraste que transmite intensidade e atrai o olhar do observador para o rosto dela. Morisot está vestida com roupas sóbrias e segura um buquê de violetas, executado em baixo contraste para que o foco no rosto não fosse perdido. Alguns críticos consideram esta obra como uma das maiores pinturas de Manet.

Para saber mais: Édouard Manet e Berthe Morisot

Se você gostou, sugerimos o livro: Carta de los artistas: De Leonardo da Vinci a David Hockney, de Michael Bird, que trata sobre o tema da amizade por meio das cartas trocadas entre artistas, revelando uma comunidade criativa de pares artísticos que,  com apoio e apreciação, desmistificam o artista solitário. O livro possui alguns dos artistas que mencionamos aqui. Ainda não há tradução para o português.

👀 Arte em Pauta

• O fóssil mais caro do mundo foi vendido por quase U$45 milhões esta semana pela Sotheby’s.

• Uma escultura Crowning, da artista austríaca Esther Strauss, foi vandalizada em exibição na  catedral de Linz, na Áustria. A peça retrata Maria dando à luz, e mesmo com a “benção” da igreja, os mais extremistas não gostaram.

• Rio de Janeiro tem a primeira galeria no Brasil de criptoativos e arte digital.

• A exposição Calder + Miró, no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, vai até 15 de setembro e está imperdível.

• Gosta de unir arte e gastronomia? Aqui tem uma lista de locais em São Paulo onde é possível fazer isso.

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A edição de hoje traz a obra Waiting At Art Et Métiers (2024) da artista sueca, radicada em Estocolmo, Sofia Lind (1987). Sofia cria ilustrações e pinturas em uma variedade de mídias, incluindo pintura, ilustração e design têxtil. O tema mais recorrente em sua obra é a representação de figuras femininas, quase sempre em expressões de calma, introspecção e empoderamento. Nessas representações, as figuras femininas se misturam a formas e padrões geométricos e repetitivos, o que resulta em imagens que transitam entre o figurativo e o abstrato. A alternância entre cores suaves e vibrantes, a estética minimalista e elementos folclóricos e artesanais da cultura sueca também são motivos bastante presentes. Todos esses elementos juntos fazem o trabalho de Sofia ter um estilo inconfundível.

A ilustração Waiting At Art Et Métiers reúne e exemplifica todos esses elementos. Ela compõe a série The Paris Metro Collection, inspirada no período em que Sofia viveu e estudou na cidade de Paris e, por não conhecer ninguém e ter dificuldade com o idioma francês, sentia-se solitária. Nessa época, andar de metrô como uma parisiense local e misturar-se à multidão tornou-se um refúgio para Lind, então, ela se apropria das cores e ambientes de quatro estações de Paris para criar as imagens que compõem a série, sendo a estação Art Et Métiers uma delas.

Aqui, Sofia Lind retratou uma mulher em uma postura calma e introspectiva, sentada em um ambiente simplificado, composto por um fundo neutro e linhas que se cruzam e formam padrões quadriculados repetitivos. A composição minimalista e o uso de cores suaves reforçam a sensação de quietude e recolhimento que a imagem transmite. A referência no título à estação de metrô em Paris adiciona um contexto específico, evocando a ideia de trânsito e deslocamento e, ao mesmo tempo, em que a figura solitária evoca a condição de Lind: solitária mesmo em um espaço público muito frequentado.

Em entrevista para o The Post Club, Sofia disse o seguinte sobre Waiting At Art Et Métiers:

Minha impressão artística Waiting at Art et Métiers é uma homenagem às cores marrons e de cobre da estação. As grandes peças quadradas de cobre nas paredes e no teto são semelhantes aos quadrados do meu motivo. Elas conferem uma sensação arredondada, flexível e ondulada, ao mesmo tempo que constroem volume. (Tradução livre).

Para conhecer mais o trabalho de Sofia Lind, visite o site oficial e o perfil no Instagram.

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📄 Mudando de assunto…

A edição de hoje presta homenagem a David Hockney, que no último dia 09/07 completou 87 anos. Este renomado artista britânico é amplamente reconhecido e celebrado em todo o mundo, sendo um dos mais populares de nossa época. Com uma carreira artística que se estende por mais de seis décadas, Hockney se destaca por sua produção ousada e inovadora, abrangendo pintura, desenho, gravura, cenografia, fotografia e literatura. As obras de Hockney fazem parte dos acervos dos mais importantes museus e galerias, além de serem itens indispensáveis em coleções privadas ao redor do globo.

No início de sua carreira, nas décadas de 1950 e 1960, o mundo da arte estava imerso na abstração, mas Hockney sempre demonstrou interesse em representar os lugares e pessoas ao seu redor. Em uma entrevista à Audio Arts em 1978, ele afirmou:

Para mim, pintar é fazer imagens. Não estou tão interessado em pinturas que não retratam o mundo visível. Quer dizer, pode ser uma arte perfeitamente boa, mas não me interessa tanto assim.

Hockney divide seu tempo entre Londres e a Califórnia, o que resulta em dois estilos distintos em sua obra. Em Londres, ele retrata guarda-chuvas, sobretudo, ruas de paralelepípedos e paisagens brilhantes. Em contraste, na Califórnia, suas obras destacam laranjais, céus azuis, palmeiras e piscinas, que deram origem a suas séries mais conhecidas. Embora frequentemente associado ao movimento Pop Art, Hockney optou por não retratar celebridades ou o consumo. Sua arte busca tornar a experiência artística mais acessível e divertida, utilizando cores vibrantes e formas que refletem os lugares e pessoas de seu cotidiano.

Ao longo de sua extensa carreira, a obra de Hockney foi amplamente documentada e biografada. Selecionamos cinco fatos interessantes sobre o artista:

1. David Hockney estudou no Royal College of Art em Londres. Em 1962, para se graduar, era necessário um desenho de um modelo vivo e uma redação. Hockney recusou-se a escrever a redação, apresentando a pintura Life Painting for a Diploma em protesto, pois queria ser avaliado apenas por suas obras. Na pintura, ele usou uma foto de uma revista de fisiculturismo e colou o desenho de um esqueleto, mostrando sua habilidade anatômica. Devido a isso, o Royal College of Art revisou suas regras e concedeu-lhe a graduação.

   

2. Em 2018, David Hockney estabeleceu um recorde de venda em leilão para um artista vivo, além de superar seu próprio recorde pessoal, com a obra Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), que foi arrematada na Christie’s por 90,3 milhões de dólares. Atualmente, essa venda ocupa a terceira posição no ranking de obras mais caras de artistas vivos, atrás de Jeff Koons e Jasper Johns.

   

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3. Em 1973, o diretor Jack Hazan lançou o filme “A Bigger Splash", um documentário biográfico que revela a história por trás da icônica pintura A Bigger Splash (1967). O documentário conta com a participação de David Hockney e retrata o período em que ele enfrentou um bloqueio artístico após um rompimento amoroso. Hockney redescobre sua inspiração observando os movimentos da água em sua piscina na Califórnia. Atualmente, o filme não está disponível em plataformas de streaming, sendo possível encontrar apenas o trailer.

   

4. Além de ser um ícone no mundo das artes, David Hockney também se destaca como uma figura influente no mundo da moda. Sua expressão pessoal é marcada por cores vivas, óculos de aros grossos, meias descombinadas, gravatas borboleta, listras e ternos da tradicional marca inglesa Savile Row. Seu estilo frequentemente atrai a atenção da mídia global e o coloca em destaque em revistas de moda, como a Vogue. Suas pinturas ensolaradas inspiraram estilistas renomados, incluindo Yves Saint Laurent e Michael Kors. Mais recentemente, Hockney demonstrou seu interesse por Crocs. Em uma foto de 2022, ele é visto participando de um almoço no Palácio de Buckingham com o rei Charles, que elogiou sua escolha de Crocs amarelas.

   

5.  Por último, mas não menos importante, em 2018, aos 81 anos, David Hockney projetou um vitral  para a Abadia de Westminster em celebração aos 65 anos de reinado da rainha Elizabeth II. Hockney concebeu a obra utilizando um iPad. Intitulada Queen’s Window, a peça de vidro colorido retrata uma paisagem rural inglesa, os Yorkshire Wolds, uma região apreciada pela rainha.

   

   E você, o que achou deste artista cuja criatividade e versatilidade transcendem o tempo, demonstrando que a idade não limita a genialidade? Este ano haverá ainda mais duas exposições do artista, uma na National Gallery, em Londres, a partir de agosto e, na Aviva Studios, em Manchester a partir de dezembro.  Mais sobre o artista: David Hockney Foudation  e website.

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👀 Arte em Pauta

• Faleceu essa semana, aos 84 anos, Dorothy Lichtenstein, presidente do Roy Lichtenstein Foundation.

• Obra de arte mais antiga do mundo foi achada na Indonésia.

• Um dos maiores eventos de arte do mundo, a Art Basel Miami Beach, acontece em dezembro e mais informações sobre o evento foram divulgadas aqui.

• A Bangkok Art Biennale Foundation anunciou, que acontece entre outubro desse ano e fevereiro de 2025, anunciou essa semana a presença de artistas adicionais.

• O Palácio Tiradentes, no Rio de Janeiro, recebe a exposição Arte Tribal Africana com peças dos séculos XVII a XX, até 09/08.

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