Este verano lo cojo con muchísimas ganas.

El verano pasado fue completamente distinto a lo que imaginaba. Lo pasé trabajando en una galería de arte en Cannes, una experiencia que, sin saberlo entonces, acabaría marcando un antes y un después en mi vida. Allí comenzó, de alguna manera, el final de mi carrera como abogada y el principio de mi trabajo soñado: dedicarme profesionalmente al mundo del arte.

Desde entonces han sido meses muy intensos. Cambiar de sector, incorporarme a Helarea, seguir estudiando Historia del Arte, escribir Babukali y no dejar de aprender ha sido tan apasionante como exigente. Llegados a este punto, puedo decir que estoy cansada... pero inmensamente feliz.

Y precisamente por eso este verano me apetece algo muy sencillo: tumbarme en la playa, leer un buen libro, olvidarme del reloj durante unos días y disfrutar de esa sensación de que el tiempo pasa un poco más despacio.

La estación de la luz

Esta estación me parece magnética: ya he escrito sobre Sorolla y esa capacidad casi mágica de convertir la luz mediterránea en pintura. También he hablado sobre la Costa Azul, de cómo Matisse, Renoir o Picasso encontraron allí un refugio creativo. Incluso dediqué una newsletter a David Hockney y a sus icónicas piscinas californianas.

Parándome a pensar en qué iba a escribir sin repetirme demasiado, entendí que quizás el protagonista nunca había sido la luz de Sorolla. Ni la Costa Azul. Ni California. Al menos no exactamente. El verdadero protagonista siempre había sido el verano, y no es casualidad.

Antes de la invención de la fotografía, salir a pintar al aire libre era casi una necesidad para quienes querían comprender cómo se comportaba realmente la luz. Los impresionistas fueron quienes llevaron esta idea hasta sus últimas consecuencias.

Claude Monet convirtió su jardín de Giverny en un laboratorio donde estudiar las variaciones de la luz a cada hora del día.

Camille Pissarro hizo del paisaje cotidiano un motivo digno de ser pintado.

Alfred Sisley persiguió durante toda su carrera los cambios atmosféricos sobre ríos, caminos y campos.

Lo que les interesaba no era el paisaje, era ése instante concreto. Porque un mismo árbol nunca era exactamente igual dos horas después.

Pintar el tiempo libre

Hubo un momento en el que el verano dejó de ser únicamente un fenómeno natural para convertirse también en un fenómeno social. Con la Revolución Industrial aparecieron las primeras vacaciones de la burguesía.

Las playas comenzaron a llenarse, los paseos se pusieron de moda, los jardines se transformaron en lugares de encuentro…

Como resultado, los pintores empezaron a representar algo completamente nuevo: el ocio. Resulta curioso pensar que muchas de las escenas que hoy asociamos a un domingo cualquiera eran, en realidad, una novedad absoluta para la sociedad de finales del siglo XIX.

Así, grandes artistas como Pierre-Auguste Renoir pintaron escenas como comidas al aire libre, bailes populares y reuniones entre amigos donde el verdadero protagonista era la felicidad compartida.

Pero si hay una obra que resume como ninguna otra esa nueva manera de disfrutar del verano es Un domingo por la tarde en la isla de la Grande Jatte (1884-1886), de Georges Seurat.

Más de tres metros de ancho, decenas de personajes y miles de pequeños puntos de color construyen una escena aparentemente cotidiana: familias, soldados, niños, remeros y paseantes descansando a orillas del Sena en una luminosa tarde de domingo. Lo que podría parecer una instantánea cualquiera es, en realidad, uno de los manifiestos más importantes de la pintura moderna.

Con esta obra, Seurat llevó hasta el extremo las teorías científicas sobre el color, desarrollando el puntillismo: una técnica basada en pequeñas pinceladas de pigmento puro que es el ojo del espectador quien termina mezclando a cierta distancia.

La esencia del verano

Con el paso del tiempo, muchos artistas dejaron de interesarse por representar fielmente un paisaje estival. El verano dejó de ser un lugar para convertirse en una sensación.

Pocos ejemplos lo ilustran mejor que Helen Frankenthaler, una de las grandes figuras del expresionismo abstracto estadounidense.

Sus enormes lienzos, construidos mediante veladuras de color vertidas directamente sobre el lienzo sin imprimar, prescinden de cualquier referencia figurativa. No hay playas, ni cielos, ni árboles. Y, sin embargo, resulta difícil no pensar en la luz, el agua o el calor al contemplar muchas de sus obras.

Frankenthaler comprendió que un paisaje no siempre necesita dibujarse para ser reconocido. A veces basta con sugerir una atmósfera, una temperatura o una emoción.

Muy distinta fue la aproximación de Edward Hopper.

Aunque desarrolló casi toda su carrera entre Nueva York y su estudio, cada verano se refugiaba en Cape Cod (Massachusetts), donde construyó un estudio luminoso con vistas al Atlántico. Allí pintó algunas de las escenas más icónicas de la vida estadounidense de mediados del siglo XX.

Sus casas solitarias bajo el sol, las gasolineras perdidas, las habitaciones abiertas al mar o las carreteras desiertas transmiten una extraña mezcla de serenidad y melancolía.

No representan el verano turístico. Representan ese verano silencioso que llega cuando la ciudad se vacía y parece que el tiempo se detiene.

Dos artistas. Misma época.

Dos maneras completamente opuestas de entender una misma estación.

Ahora que empieza el verano

A veces me gusta imaginar qué ocurriría si reuniéramos a todos estos artistas en una misma sala y les hiciéramos una única pregunta: ¿Qué es el verano? No obtendríamos dos respuestas iguales.

¿Sería la luz cambiante de los impresionistas? ¿El silencio de una casa frente al mar o una tarde de domingo a orillas del Sena? ¿Podría ser únicamente con una mancha de color? Eso es, precisamente, lo que más me fascina de la Historia del Arte.

Porque, al fin y al cabo, el objetivo nunca ha sido representar la realidad de la forma más perfecta posible, sino conseguir que el espectador la sienta. Que casi pueda notar la sal en la piel, el calor del sol sobre la arena, la quietud de una tarde de agosto o la alegría de un picnic entre amigos. Todos hablan del mismo verano, pero cada uno habla un idioma distinto. Y, precisamente por eso, todos tienen algo verdadero que contarnos.

¿Quién sabe?

Puede que el verano siga siendo, todavía hoy, uno de los mejores maestros de la Historia del Arte.

¡Feliz verano!

¡Aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Iko Ishihara (@iko_ishihara_)

La obra de Iko nace de una búsqueda interior y de una sensibilidad cercana a la estética japonesa, donde lo inacabado, lo imperfecto y lo sutil se convierten en lenguaje. Forma parte de los artistas de Helarea, y sus obras han tenido una gran acogida desde el inicio.

A través de texturas, pigmentos suaves y superficies silenciosas, sus piezas abren un espacio de contemplación. Su trabajo explora la memoria, la infancia, la fragilidad y la resiliencia mediante formas abiertas que sugieren más de lo que explican.

Trabaja con lino, algodón, papel y acrílico, incorporando la imperfección como parte esencial del proceso, en diálogo con la filosofía wabi-sabi. En sus obras, cada fragmento se convierte en un testimonio de resistencia, memoria y transformación, ofreciendo al espectador un refugio íntimo donde reconocerse y detenerse.

2. Entre 1.000€ y 4.000€: Toni Benasar (@tonibennasarartista)

Toni Benasar investiga el espacio arquitectónico como sistema simbólico autónomo desde una perspectiva posthumanista. La serie ESSENTIA desplaza el eje de la representación desde la figura humana hacia estructuras autosuficientes donde la presencia humana se vuelve residual hasta desaparecer.

A través de arquitecturas abiertas al horizonte y al agua, la obra explora la relación entre luz, silencio y vacío, proponiendo una reflexión sobre la autonomía del espacio y la transformación de la autoría en la imagen contemporánea.

Su proceso combina investigación digital —incluida la inteligencia artificial— con una materialización pictórica realizada mediante aerógrafo, acrílico y óleo sobre lienzo.

Se incorporará próximamente a Helarea así que si te ha gustado su obra ya tienes un contacto que te las puede conseguir.

3. Más de 4.000€: Guim Tió Zarraluki (@guimtio)

“Soy pintor antes que ilustrador”. Así se define Guim Tió, un artista que, sin haber finalizado la carrera de Bellas Artes ha conseguido lo que muchos artistas persiguen: reconocimiento y notoriedad.

Sus obras exploran el paisaje y la condición humana. Abordan temas como la soledad, el paso del tiempo o el olvido con humor, ironía y provocación.

Sus pinturas han recorrido el mundo. Ha expuesto en países como Italia, China, Taiwán, Corea del Sur, México, Marruecos, Australia, Estados Unidos o Canadá.

¡Hasta la próxima entrega!

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Hay películas que espero con impaciencia durante meses, y una de ellas ha sido La Odisea, de Christopher Nolan.

Quienes lleváis tiempo leyendo Babukali podréis intuir que soy bastante cinéfila. Christofer Nolan es - sin duda alguna - uno de mis directores favoritos. Origen, Interstellar, Dunkerque, Oppenheimer... Por eso, cuando se anunció que su próximo proyecto sería una adaptación de La Odisea, supe que sería una de las películas del año.

Aunque tengo que reconocer una cosa.

El reparto me hizo cuestionar mis ganas de ver la película.

No porque dude del talento de los actores, sino porque me llevó a hacerme una pregunta sobre la representación de la cultura helenística: ¿hasta qué punto podemos reinterpretar unos personajes que llevan casi tres mil años formando parte de la cultura occidental?

Porque antes de ser una película, La Odisea fue uno de los relatos más representados de toda la Historia del Arte.

LA HISTORIA DE UNA TRAVESÍA

Escrita por Homero hacia el siglo VIII a. C., La Odisea narra el regreso de Ulises (u Odiseo) a Ítaca tras la Guerra de Troya. No obstante, lo que, sobre el papel, debería haber sido un viaje de unas pocas semanas terminó convirtiéndose en una travesía de diez años.

Monstruos, dioses, hechiceras, naufragios, tentaciones y criaturas mitológicas convierten el poema en algo mucho más profundo que una simple aventura.

Es un relato sobre la inteligencia, la perseverancia y el deseo de volver a casa.

Y por ello, no me sorprende que a lo largo de la Historia del Arte, se hayan encontrado tantas representaciones de esta historia.

ULISES: LA REPRESENTACIÓN DEL HÉROE

A diferencia de Aquiles, cuya fuerza era casi sobrehumana, Ulises nunca fue recordado por sus músculos. Su verdadera arma era la inteligencia.

Los vasos griegos ya lo representaban ideando el caballo de Troya o escapando del cíclope Polifemo gracias a un engaño.

A lo largo de la Historia, este personaje se ha representado en distintos medios, pero siempre como canon de belleza, haciendo apología de su inteligencia y heroísmo.

Un ejemplo de ello es “Ulises cegando a Polifemo”, un famoso ciclo de frescos pintado por el manierista italiano Pellegrino Tibaldi alrededor de 1549-1550. Esta obra maestra narra los viajes de Ulises y se encuentra en la Sala de Ulises del Palacio Poggi en Bolonia, Italia.

El conjunto destaca por su dinamismo y el uso del escorzo, rasgos propios de su estilo influenciado por Miguel Ángel.

LAS TEMIBLES SIRENAS

Si hoy pensamos en una sirena, probablemente imaginemos una mujer con cola de pez. Sin embargo, esa imagen pertenece a una tradición mucho más tardía.

En la mitología griega, las sirenas eran criaturas con cuerpo de ave y cabeza de mujer. Su poder no residía en la belleza física. Lo hacía en la voz.

No seducían con el cuerpo. Seducían con el conocimiento. Prometían revelar todos los secretos del mundo a quien decidiera escucharlas.

Resulta curioso comprobar cómo el arte fue transformándolas poco a poco hasta convertirlas en el icono romántico que todos conocemos. Es un magnífico ejemplo de cómo cada época reinterpreta los mitos según sus propios códigos visuales.

Un poco más arriba, dejaba una representación de esta escena en una ánfora clásica, donde podemos ver a estos seres alados mientras Ulises está atado al mástil. Es así como sabemos que se trata de la misma escena relatada en La Odisea. Sin embargo, nos es más fácil identificar este pasaje con obras como la de Herbert James Draper, donde las sirenas son representadas como seres mitad mujer, mitad pez.

PENELOPE: LA ESPERA

Mientras Ulises atravesaba el Mediterráneo, Penélope, su amada, lo esperaba.

Pero reducir su papel a la espera sería profundamente injusto. Durante veinte años sostuvo un reino entero, mientras se alineaban pretendientes tratando de conquistarla.

Ella prometía elegir nuevo marido cuando terminara de tejer un sudario para su suegro. Y, cada noche, ella deshacía en secreto todo lo tejido durante el día.

Uno de los cuadros que más me gustan dedicados a ella es “Penelope and the Suitors” (1912), de John William Waterhouse.

Waterhouse representa a Penélope aislada del bullicio de los pretendientes. Toda la fuerza del cuadro reside precisamente en su calma.

CIRCE: LA HECHICERA

Si hubo un personaje que cautivó especialmente a los pintores simbolistas y prerrafaelitas fue Circe. La hechicera que transformaba a los hombres en animales reunía todos los elementos que fascinaban al siglo XIX: belleza, poder, magia y peligro.

En La Odisea, Circe invitó a los marineros a un banquete, pero vertió una de sus pociones en la comida convirtiéndolos en cerdos mientras mantenían su conciencia humana. Odiseo había ingerido una hierba especial del dios Hermes que le hacía inmune a la magia de Circe, y cuando la amenazó con su espada consiguió que sus hombres volviesen a su estado original.

En la obra de Cittadini la escena resulta inquietante. Circe sostiene la copa envenenada, ofreciéndosela a Ulises, acompañado por Hermès. Nada está colocado al azar.

Como ocurre en toda gran pintura, la composición también cuenta la historia.

LA REINTERPRETACIÓN DE NOLAN

Con todo esto en mente, y por no hacerlo más largo (aunque se podría sacar mucho más), vuelvo a la película de Christopher Nolan.

Cada generación ha reinterpretado los mitos clásicos. La Historia del Arte está llena de reinterpretaciones, pero todas parten de un profundo conocimiento del original.

Por eso creo que el verdadero debate no consiste en si una adaptación debe ser completamente fiel. El arte nunca lo ha sido. La cuestión es otra.

¿Seguimos entendiendo el significado de esos personajes antes de reinterpretarlos?

Porque la cultura grecolatina no es un simple decorado sobre el que construir nuevas historias.

Es uno de los pilares de nuestra civilización.

En ella nacen buena parte de la filosofía, del derecho, de la democracia, de la literatura, del teatro y de los ideales estéticos que han dado forma a Europa durante más de dos mil años.

No se trata de impedir nuevas lecturas, al contrario. Cada época tiene derecho a hacerlas. Pero quizá también tenga la responsabilidad de conocer aquello que está reinterpretando.

Sólo así una adaptación deja de ser una sustitución para convertirse en un diálogo con el pasado. Y esa, precisamente, ha sido siempre la grandeza del arte.

¡Aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Iko Ishihara (@iko_ishihara_)

La obra de Iko nace de una búsqueda interior y de una sensibilidad cercana a la estética japonesa, donde lo inacabado, lo imperfecto y lo sutil se convierten en lenguaje. Forma parte de los artistas de Helarea, y sus obras han tenido una gran acogida desde el inicio.

A través de texturas, pigmentos suaves y superficies silenciosas, sus piezas abren un espacio de contemplación. Su trabajo explora la memoria, la infancia, la fragilidad y la resiliencia mediante formas abiertas que sugieren más de lo que explican.

Trabaja con lino, algodón, papel y acrílico, incorporando la imperfección como parte esencial del proceso, en diálogo con la filosofía wabi-sabi. En sus obras, cada fragmento se convierte en un testimonio de resistencia, memoria y transformación, ofreciendo al espectador un refugio íntimo donde reconocerse y detenerse.

2. Entre 1.000€ y 4.000€: Toni Benasar (@tonibennasarartista)

Toni Benasar investiga el espacio arquitectónico como sistema simbólico autónomo desde una perspectiva posthumanista. La serie ESSENTIA desplaza el eje de la representación desde la figura humana hacia estructuras autosuficientes donde la presencia humana se vuelve residual hasta desaparecer.

A través de arquitecturas abiertas al horizonte y al agua, la obra explora la relación entre luz, silencio y vacío, proponiendo una reflexión sobre la autonomía del espacio y la transformación de la autoría en la imagen contemporánea.

Su proceso combina investigación digital —incluida la inteligencia artificial— con una materialización pictórica realizada mediante aerógrafo, acrílico y óleo sobre lienzo.

Se incorporará próximamente a Helarea así que si te ha gustado su obra ya tienes un contacto que te las puede conseguir.

3. Más de 4.000€: Guim Tió Zarraluki (@guimtio)

“Soy pintor antes que ilustrador”. Así se define Guim Tió, un artista que, sin haber finalizado la carrera de Bellas Artes ha conseguido lo que muchos artistas persiguen: reconocimiento y notoriedad.

Sus obras exploran el paisaje y la condición humana. Abordan temas como la soledad, el paso del tiempo o el olvido con humor, ironía y provocación.

Sus pinturas han recorrido el mundo. Ha expuesto en países como Italia, China, Taiwán, Corea del Sur, México, Marruecos, Australia, Estados Unidos o Canadá.

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Hay artistas cuya muerte nos obliga a detenernos.

No porque hayan sido famosos. No porque sus obras alcancen cifras millonarias en las subastas. Sino porque, de alguna manera, han formado parte de nuestra forma de mirar el mundo.

Hace apenas unos días fallecía David Hockney a los 88 años, considerado por muchos el artista británico más importante del siglo XX y una de las figuras fundamentales del arte contemporáneo. Su desaparición marca el final de una época, pero también nos brinda la oportunidad de volver a mirar una obra que, pese a su aparente sencillez, cambió para siempre la pintura contemporánea.

David Hockney nació en Bradford, Inglaterra, en 1937. Su carrera comenzó en los años sesenta, en pleno auge del Pop Art, aunque siempre fue una figura difícil de encasillar. Dicho esto, prefiero no escribir un mero resumen de la biografía de Hockney, sino contar su visión, evolución e inspiración.

SU VISIÓN

Confieso que, durante mucho tiempo, asocié a Hockney únicamente con sus famosas piscinas. Seguramente os ocurra lo mismo. Ese azul intenso de California, las casas modernistas de Los Ángeles, los jardines perfectamente cuidados y ese estilo tan reconocible que parece resumir toda una época.

Sin embargo, cuanto más he leído sobre él, más me convenzo de que las piscinas eran sólo la superficie. Lo verdaderamente interesante de David Hockney era la pregunta que se escondía detrás de toda su obra:

Porque para Hockney la pintura nunca fue una simple representación de la realidad. Lo que le fascinaba era la experiencia de observarla.

Y esa obsesión le convirtió en uno de los artistas más originales de nuestro tiempo.

MAS ALLÁ DE LAS PISCINAS

Su traslado a California cambió para siempre su obra. Para un joven inglés acostumbrado a los cielos grises de Yorkshire, Los Ángeles debía parecer otro planeta. El sol permanente, la arquitectura moderna, las palmeras y, por supuesto, las piscinas.

Mientras otros artistas exploraban el consumo de masas o la cultura popular, él parecía más interesado en algo mucho más íntimo: las personas, los espacios y la manera en que los percibimos.

Su pintura destaca por la precisión de sus colores, la tensión emocional entre los personajes y la forma en que combina retrato y paisaje en una sola composición.

Aunque siempre rechazó ser considerado un artista Pop, realmente eso es exactamente lo que era: un artista que plasma su realidad contemporánea, aparentemente frívola y superficial, pero cargada de sutiles matices.

MÁS ALLÁ DE LA PERSPECTIVA

Si os fijáis en muchas de sus pinturas, las líneas de perspectiva parecen desafiar las reglas tradicionales. Los espacios se expanden, las escalas cambian y los puntos de fuga se multiplican.

No es un error. Es deliberado.

Siempre deja patente su punto de vista, haciendo converger las líneas de perspectiva explícitamente para que se vea quién es el artista, el observador. Hockney quería que el espectador fuese consciente de que estaba viendo el mundo a través de sus ojos.

De este concepto nació algunas de las imágenes más icónicas del arte contemporáneo:

Lo curioso es que la figura humana no aparece. Sólo vemos el instante posterior a un salto al agua. Sin embargo, sentimos perfectamente la presencia de alguien.

Hockney consigue que imaginemos lo que acaba de ocurrir y, de alguna forma, también lo que ocurrirá después.

No está pintando una piscina. Está pintando el tiempo.

Y el espectador, nosotros, somos el artista.

MÁS ALLÁ DE LA FOTOGRAFÍA

A pesar de ser un gran fotógrafo, Hockney nunca estuvo completamente satisfecho con la fotografía tradicional. Le parecía demasiado limitada.

Y cuando lo piensas, tiene cierto sentido: una fotografía captura un instante desde un único punto de vista. Pero nosotros no vemos así.

Cuando entramos en una habitación no permanecemos inmóviles. Movemos los ojos, giramos la cabeza, caminamos, recordamos lo que acabamos de ver hace unos segundos.

Nuestra percepción es dinámica.

Por eso, durante los años ochenta, Hockney comenzó a experimentar con lo que llamó joiners: composiciones formadas por decenas o incluso cientos de fotografías tomadas desde diferentes ángulos.

A primera vista parecen mosaicos fotográficos. Pero en realidad son algo mucho más complejo.

Cada fragmento muestra una perspectiva ligeramente distinta, obligando al espectador a reconstruir mentalmente la imagen. Es una idea fascinante porque rompe con la tradición visual.

¿QUÉ DEFINE A UN GRAN ARTISTA?

Durante mi estancia reciente en Londres para el curso de Gallery Management en Sotheby’s, una de las cuestiones que más apareció en las conversaciones con galeristas, coleccionistas y asesores fue precisamente ésta: ¿qué diferencia a un artista importante de uno simplemente exitoso?

Las respuestas fueron muy distintas, Pero todas tenían algo en común.

Y David Hockney hizo exactamente eso.

Nos enseñó que una imagen no es únicamente aquello que representa, sino que también es una forma de mirar.

Porque en una época saturada de imágenes, donde consumimos miles de fotografías cada semana sin detenernos apenas unos segundos en ninguna, Hockney nos obliga a hacer algo muy sencillo.

Pararnos. Mirar. Y preguntarnos si realmente estamos viendo lo que tenemos delante.

No es un mal legado para dejar detrás.

De hecho, quizá sea uno de los mejores del siglo XX.

¡Aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Iko Ishihara (@iko_ishihara_)

La obra de Iko nace de una búsqueda interior y de una sensibilidad cercana a la estética japonesa, donde lo inacabado, lo imperfecto y lo sutil se convierten en lenguaje. Forma parte de los artistas de Helarea, y sus obras han tenido una gran acogida desde el inicio.

A través de texturas, pigmentos suaves y superficies silenciosas, sus piezas abren un espacio de contemplación. Su trabajo explora la memoria, la infancia, la fragilidad y la resiliencia mediante formas abiertas que sugieren más de lo que explican.

Trabaja con lino, algodón, papel y acrílico, incorporando la imperfección como parte esencial del proceso, en diálogo con la filosofía wabi-sabi. En sus obras, cada fragmento se convierte en un testimonio de resistencia, memoria y transformación, ofreciendo al espectador un refugio íntimo donde reconocerse y detenerse.

2. Entre 1.000€ y 4.000€: Toni Benasar (@tonibennasarartista)

Toni Benasar investiga el espacio arquitectónico como sistema simbólico autónomo desde una perspectiva posthumanista. La serie ESSENTIA desplaza el eje de la representación desde la figura humana hacia estructuras autosuficientes donde la presencia humana se vuelve residual hasta desaparecer.

A través de arquitecturas abiertas al horizonte y al agua, la obra explora la relación entre luz, silencio y vacío, proponiendo una reflexión sobre la autonomía del espacio y la transformación de la autoría en la imagen contemporánea.

Su proceso combina investigación digital —incluida la inteligencia artificial— con una materialización pictórica realizada mediante aerógrafo, acrílico y óleo sobre lienzo.

Se incorporará próximamente a Helarea así que si te ha gustado su obra ya tienes un contacto que te las puede conseguir.

3. Más de 4.000€: Guim Tió Zarraluki (@guimtio)

“Soy pintor antes que ilustrador”. Así se define Guim Tió, un artista que, sin haber finalizado la carrera de Bellas Artes ha conseguido lo que muchos artistas persiguen: reconocimiento y notoriedad.

Sus obras exploran el paisaje y la condición humana. Abordan temas como la soledad, el paso del tiempo o el olvido con humor, ironía y provocación.

Sus pinturas han recorrido el mundo. Ha expuesto en países como Italia, China, Taiwán, Corea del Sur, México, Marruecos, Australia, Estados Unidos o Canadá.

¡Hasta la próxima entrega!

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Una de las cosas que más me ha hecho pensar durante mi semana en Londres no ha sido ninguna conferencia de Sotheby’s, ni ninguna conversación con coleccionistas o galeristas. Ha sido algo mucho más sencillo: caminar durante horas por galerías y preguntarme, una y otra vez, qué entendemos hoy por arte.

Antes de seguir, quiero aclarar algo. Esto no es una crítica al arte contemporáneo. Todo lo contrario. Algunas de las obras que más me han emocionado en los últimos años son contemporáneas. De hecho, uno de mis descubrimientos favoritos del viaje ha sido Alekos Fassianos.

Su pintura es profundamente personal y reconocible. En ella encontramos influencias de la tradición bizantina griega —algo lógico si tenemos en cuenta que su padre trabajaba en una iglesia ortodoxa—, figuras planas, colores intensos y una iconografía propia que repite a lo largo de toda su carrera. Me llamó especialmente la atención la presencia constante de pañuelos flotando al viento, una referencia a los años que vivió en París y a la sensación de libertad que asociaba con aquella etapa de su vida.

Eso es arte.

No porque sea figurativo. No porque sea bello en un sentido clásico. Sino porque transmite algo. Porque existe una conexión inmediata entre la obra y quien la contempla. Después podremos profundizar en su biografía, en sus influencias o en los significados ocultos, pero la obra funciona incluso antes de que alguien nos la explique.

Y ahí es donde me surge la pregunta.

¿En qué momento las Bellas Artes dejaron de poner el foco en la obra para ponerlo en la explicación de la obra?

Durante estos días vi propuestas que me hicieron reflexionar y otras que, sinceramente, me dejaron completamente indiferente. Instalaciones compuestas por objetos encontrados, acumulaciones de materiales cotidianos, estructuras cuya única justificación parecía encontrarse en el texto de sala.

No me refiero a que el concepto fuese malo. Muchas veces era incluso interesante.

Pero ¿es suficiente una buena idea?

Porque una idea, por brillante que sea, no convierte automáticamente algo en una gran obra de arte.

Lo que me preocupa es que parece haberse instalado la idea de que cualquier cuestionamiento equivale a no entender el arte contemporáneo. Como si el espectador tuviera la obligación moral de emocionarse ante todo lo que se expone en una galería.

Y no.

Existe el “mal arte”.

Igual que existe la mala literatura, el mal cine o la mala arquitectura.

No todo lo que se exhibe es necesariamente bueno por el mero hecho de estar dentro de una galería o de un museo.

Pienso en los retratos flamencos del siglo XV, donde los artistas representaban cada arruga, cada pliegue de la piel y cada imperfección con una precisión extraordinaria. No eran obras bellas en el sentido idealizado del término. Pero poseían una fuerza visual innegable. Había técnica, intención y una capacidad de observación casi sobrenatural.

También pienso en Goya, en Munch o en tantas obras que resultan incómodas, inquietantes o incluso desagradables. Nadie diría que son “bonitas”. Y sin embargo son grandes obras de arte.

Porque consiguen algo fundamental: hacernos sentir.

El problema no es que una obra sea fea.

El problema es que no diga nada.

Que no exista ningún diálogo entre ella y el espectador más allá del texto que la acompaña.

Cada vez tengo más claro que el arte es una de las expresiones más elevadas de lo que significa ser humano. Una necesidad casi ancestral de comunicar emociones, ideas, miedos, sueños o preguntas.

Por eso me cuesta aceptar ciertas propuestas donde parece que el resultado final importa menos que el discurso que lo justifica.

Como si la obra hubiese dejado de ser el centro para convertirse en una simple excusa.

Quizá estoy equivocada. Quizá dentro de cincuenta años algunas de las instalaciones que hoy me generan indiferencia ocuparán las grandes salas de los museos y yo no haya sabido ver su importancia.

Es posible.

Pero también creo que debemos reivindicar algo que parece casi revolucionario decir en voz alta: que el espectador tiene derecho a no conectar con una obra.

Que tiene derecho a salir de una exposición pensando “esto no me ha dicho nada”.

Y que eso no le convierte automáticamente en una persona incapaz de comprender el arte contemporáneo.

Porque si algo he aprendido en Londres es que las mejores obras, independientemente de su estilo, época o técnica, comparten una característica muy sencilla.

Te obligan a detenerte.

Te hacen sentir algo.

Y cuando eso ocurre, rara vez necesitas que alguien te explique por qué son importantes.

Simplemente lo sabes.

¿Vosotros qué opináis? ¿Dónde creéis que está el límite entre una idea interesante y una obra de arte capaz de perdurar?

¡Aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Aunque he seguido haciendo rangos de precios, esta no los he puesto porque depende un poco de las piezas concretas. Si os interesa alguno en concreto siempre me podéis preguntar.

1. Richard Paul a través de Gertrude

Conocí la web Gertrude en mi curso en Londres. Es un proyecto de galerista , con el fin de acercar el arte de una manera accesible. Cierto es que hay un poco de batiburrillo, no os voy a mentir, pero también se pueden encontrar joyas. Aquí te traigo una.

Las pinturas de Paul se desarrollan como impresiones táctiles más que como representaciones tradicionales de los temas, explorando la idea de los recuerdos residuales a través de la superficie de sus obras. Incorporando técnicas lenticulares, sus pinturas a veces incluyen fotografías, que aparecen como impresiones tridimensionales que luego se recubren con pintura; en este caso, las marcas gestuales y los elementos gráficos flotan y se transforman, desafiando la integridad de la superficie pintada.

En palabras de Stephanie Theodore, curadora y galerista de Theodore Art, Nueva York: “Richard Paul utiliza diversas herramientas visuales y técnicas fotográficas para recopilar, descomponer y reimaginar fragmentos de sus experiencias culturales. Con estos fragmentos, logra evocar algo extraño, algo que permanece en la penumbra entre el sueño y la vigilia”.

2. Carlota Pérez de Castro (@carlotapdc)

Conocí a Carlota Pérez de Castro durante mi verano en Cannes. Es una artista multidisciplinar reconocida por su profunda exploración del ritmo, el movimiento y la plasticidad a través de la pintura.

Si bien integra la pintura corporal y la performance en su práctica, su obra pictórica sigue siendo el eje central de su investigación artística, donde cada pincelada se convierte en un estudio del gesto y la vibración inherente al acto de pintar. Su obra trasciende la mera estética, transformándose en un espacio dinámico donde el color y la forma dialogan con la emoción y el movimiento, reivindicando la pintura abstracta como un poderoso medio para expresar lo inefable.

Reconocida como la artista más joven en exponer en el Palacio de Cibeles y fundadora del movimiento Exposición Andante, ha llevado su innovador enfoque a escenarios internacionales en ciudades como Nueva York, Seúl y Milán, desafiando los límites del arte contemporáneo. Su trayectoria incluye exposiciones en espacios emblemáticos como la Fundación Miró, el Palacio de Cibeles y el Museo Conde Duque.

Os contaré más en una entrada porque merece mucho la pena contaros todo sobre su técnica.

3. Not Vital

Not Vital es uno de los artistas que conocí en Londres y que me ha causado un gran impacto.

Con solo 14 años dejó su hogar para estudiar en Coira, en el cantón de los Grisones. Más tarde se instaló en París y posteriormente en Roma, donde se dedicaba a las performances con su circo callejero. En 1974 llegó el momento de ir a Nueva York donde coincidió con figuras como Warhol, Basquiat, Schnabel, Haring…

El arte de Not Vital se inspira en su estilo de vida nómada y sus experiencias viajando por el mundo, reflexionando sobre la vida, la naturaleza y los animales, así como sobre la relación entre la escultura y la arquitectura.

Vital inició una intensa exploración del retrato a través de la pintura. Mediante un proceso de aplicación y reducción, añade y retira repetidamente capas de pintura al óleo hasta que la figura parece emerger del material. De esa forma, parece que sus retratos reflejan el espíritu o “aura” de la persona retratada.

También da para un post entero porque realmente es un genio.

¡Hasta la próxima entrega!

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Londres tiene algo difícil de explicar.

No sé si es la mezcla entre tradición y vanguardia, la sensación constante de que todo está ocurriendo allí o simplemente el hecho de que puedes doblar una esquina y encontrarte una galería que representa a algunos de los artistas más importantes del mundo.

He estado haciendo el curso de Gallery Management en Sotheby’s Institute of Art y todavía estoy procesando todo lo aprendido.

Ha sido, honestamente, un sueño cumplido.

No solo por las clases o por estar rodeada de personas que aman el arte tanto como yo, sino porque hemos tenido acceso directo al circuito real del mercado del arte: galeristas, coleccionistas, art advisors, prensa especializada y artistas que están construyendo —ahora mismo— el panorama contemporáneo internacional.

¿Por qué te cuento esto? Pues porque muchas veces, cuando viajamos a Londres, hacemos el mismo recorrido de siempre: el Big Ben, Notting Hill, Camden… y nos olvidamos de que probablemente sea una de las ciudades más importantes del mundo para entender qué está pasando hoy en el arte contemporáneo.

ENTENDER EL MERCADO DEL ARTE DESDE DENTRO

Los dos primeros días del curso estuvieron centrados en charlas y sesiones más teóricas en Sotheby’s.

Hablamos sobre el funcionamiento interno de las galerías, las relaciones con coleccionistas, el papel de las ferias internacionales, la importancia del relato curatorial e incluso sobre algo que me pareció especialmente interesante: cómo se construye la carrera de un artista a largo plazo.

Porque una galería no vende únicamente obras.
Construye discursos, posiciona artistas y crea contextos.

Y creo que muchas veces eso, desde fuera, no se entiende.

UN PASEO POR MAYFAIR Y SUS GALERÍAS “BLUE CHIP”

El término “blue chip” se utiliza para referirse a galerías consolidadas, con artistas ya institucionalizados y presencia estable en museos, grandes colecciones y ferias internacionales como Art Basel o Frieze London. Son, de alguna forma, las galerías que marcan el ritmo del mercado global.

Pues bien, la zona de Mayfair en Londres es un must si estás pensando en visitar las mejores galerías del mundo del arte actual.

La primera visita fue a Thaddaeus Ropac, situada en Ely House, un edificio histórico absolutamente impresionante en una de las mejores zonas de Londres.

Allí descubrí la obra de Not Vital —sí, ese es realmente su nombre— y fue probablemente una de las mayores sorpresas del viaje.

Su trabajo mezcla referencias culturales, memoria y arquitectura de una forma muy libre. Había una reinterpretación del retrato de Velázquez que me pareció directamente brillante: contemporánea, extraña y elegante al mismo tiempo.

Subiendo a la planta superior, la atmósfera cambiaba completamente con la obra de Liza Lou.

Su trabajo gira en torno a la artesanía, el tiempo y el trabajo manual. Muchas de sus piezas están construidas a partir de miles y miles de cuentas diminutas ensambladas a mano, generando superficies hipnóticas entre lo escultórico y lo textil. Hay algo profundamente humano en esa obsesión por el detalle.

Después visitamos la galería David Zwirner, ubicada en una elegante casa georgiana, ofreciendo un entorno muy íntimo y casi institucional para disfrutar arte contemporáneo de primer nivel.

La exposición reunía a cinco artistas fundamentales del minimalismo estadounidense, en un montaje extremadamente limpio y silencioso. Allí entendí algo importante: muchas veces el lujo en el arte contemporáneo no está en el exceso, sino en el espacio, en la pausa y en dejar respirar a las obras.

La siguiente parada fue Sprüth Magers, cuya propuesta era mucho más experimental y contemporánea. Pantallas, instalaciones, nuevos medios… una galería muy conectada con el presente y con cómo consumimos imágenes hoy.

Terminamos el recorrido en Sadie Coles HQ, donde vimos obra de Wilhelm Sasnal.

Su pintura me fascinó por esa capacidad de transformar escenas aparentemente normales en imágenes inquietantes. Hay algo cinematográfico en su trabajo: como si cada cuadro fuese un fotograma detenido justo antes de que ocurra algo.

¿GALERÍAS…O MUSEOS?

Algo que me impactó muchísimo es que todas estas galerías tenían algo en común: no funcionan como simples espacios comerciales.

Funcionan como museos.

La iluminación está cuidada al milímetro, los recorridos tienen una narrativa clarísima y las obras respiran en espacios enormes y silenciosos. Todo está pensado para que entres en una especie de dimensión paralela donde solo exista el arte.

Y sinceramente… funciona.

LA REVOLUCIÓN DEL ARTE SE VIVE EN BLOOMSBURY

Al día siguiente nos llevaron a Bloomsbury, una zona que se está convirtiendo rápidamente en uno de los nuevos focos del arte contemporáneo londinense. Lo interesante aquí es que muchas de las galerías tienen menos de cinco años, pero ya participan en ferias como Frieze o Art Basel.

Visitamos Brunette Coleman, con una programación muy fresca y experimental, y también Herald St, donde pude ver obra de Alekos Fassianos, probablemente uno de mis descubrimientos favoritos del viaje.

Su trabajo tiene algo mitológico y cotidiano a la vez. Figuras planas, colores intensos y escenas que parecen suspendidas fuera del tiempo. Hay artistas cuya obra simplemente te hace feliz mirar, y creo que él consigue exactamente eso.

También visitamos A. SQUIRE, una galería mucho más conceptual y centrada en discursos contemporáneos, y finalmente Pusher, un espacio pequeñísimo, reciente y absolutamente libre en su planteamiento.

Y quizá ahí está lo interesante de Londres ahora mismo: conviven las grandes estructuras del mercado con espacios jóvenes que todavía se permiten experimentar.

ENTRANDO EN ESTUDIOS

Uno de los momentos más especiales fue visitar los estudios de dos artistas con perspectivas completamente distintas: I.W. Payne y Juliette Lena Hager.

Entrar en un estudio siempre cambia la manera en la que entiendes una obra.

Porque de pronto ves las pruebas, los errores, los materiales, las referencias pegadas en la pared… y entiendes que el arte no aparece mágicamente. Es trabajo, obsesión y muchísimas horas de búsqueda.

Como ves, no hace falta formar parte del mercado del arte para entrar en galerías. La mayoría son gratuitas, están abiertas al público y permiten entender muchísimo mejor qué está ocurriendo culturalmente ahora mismo.

Es otra forma de recorrer la ciudad.

Más lenta. Más observadora.

REFLEXIÓN FINAL

Todas estas visitas, junto con las conversaciones con galeristas, artistas, coleccionistas y art advisors, me dejaron pensando mucho sobre el momento en el que se encuentra el arte contemporáneo.

Tengo la sensación de que poco a poco nos estamos cansando del “arte por el arte”.

Cada vez más coleccionistas buscan obras que digan algo. Imágenes que te obliguen a detenerte, que te hagan sentir o reflexionar aunque sea durante unos segundos.

Y creo que eso, en realidad, es una buena noticia.

Pero como no quiero enrollarme demasiado… creo que todas esas reflexiones merecen una segunda parte.

Estate atento, llegará pronto.

¡Aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Aunque he seguido haciendo rangos de precios, esta no los he puesto porque depende un poco de las piezas concretas. Si os interesa alguno en concreto siempre me podéis preguntar.

1. Richard Paul a través de Gertrude

Conocí la web Gertrude en mi curso en Londres. Es un proyecto de galerista , con el fin de acercar el arte de una manera accesible. Cierto es que hay un poco de batiburrillo, no os voy a mentir, pero también se pueden encontrar joyas. Aquí te traigo una.

Las pinturas de Paul se desarrollan como impresiones táctiles más que como representaciones tradicionales de los temas, explorando la idea de los recuerdos residuales a través de la superficie de sus obras. Incorporando técnicas lenticulares, sus pinturas a veces incluyen fotografías, que aparecen como impresiones tridimensionales que luego se recubren con pintura; en este caso, las marcas gestuales y los elementos gráficos flotan y se transforman, desafiando la integridad de la superficie pintada.

En palabras de Stephanie Theodore, curadora y galerista de Theodore Art, Nueva York: “Richard Paul utiliza diversas herramientas visuales y técnicas fotográficas para recopilar, descomponer y reimaginar fragmentos de sus experiencias culturales. Con estos fragmentos, logra evocar algo extraño, algo que permanece en la penumbra entre el sueño y la vigilia”.

2. Carlota Pérez de Castro (@carlotapdc)

Conocí a Carlota Pérez de Castro durante mi verano en Cannes. Es una artista multidisciplinar reconocida por su profunda exploración del ritmo, el movimiento y la plasticidad a través de la pintura.

Si bien integra la pintura corporal y la performance en su práctica, su obra pictórica sigue siendo el eje central de su investigación artística, donde cada pincelada se convierte en un estudio del gesto y la vibración inherente al acto de pintar. Su obra trasciende la mera estética, transformándose en un espacio dinámico donde el color y la forma dialogan con la emoción y el movimiento, reivindicando la pintura abstracta como un poderoso medio para expresar lo inefable.

Reconocida como la artista más joven en exponer en el Palacio de Cibeles y fundadora del movimiento Exposición Andante, ha llevado su innovador enfoque a escenarios internacionales en ciudades como Nueva York, Seúl y Milán, desafiando los límites del arte contemporáneo. Su trayectoria incluye exposiciones en espacios emblemáticos como la Fundación Miró, el Palacio de Cibeles y el Museo Conde Duque.

Os contaré más en una entrada porque merece mucho la pena contaros todo sobre su técnica.

3. Not Vital

Not Vital es uno de los artistas que conocí en Londres y que me ha causado un gran impacto.

Con solo 14 años dejó su hogar para estudiar en Coira, en el cantón de los Grisones. Más tarde se instaló en París y posteriormente en Roma, donde se dedicaba a las performances con su circo callejero. En 1974 llegó el momento de ir a Nueva York donde coincidió con figuras como Warhol, Basquiat, Schnabel, Haring…

El arte de Not Vital se inspira en su estilo de vida nómada y sus experiencias viajando por el mundo, reflexionando sobre la vida, la naturaleza y los animales, así como sobre la relación entre la escultura y la arquitectura.

Vital inició una intensa exploración del retrato a través de la pintura. Mediante un proceso de aplicación y reducción, añade y retira repetidamente capas de pintura al óleo hasta que la figura parece emerger del material. De esa forma, parece que sus retratos reflejan el espíritu o “aura” de la persona retratada.

También da para un post entero porque realmente es un genio.

¡Hasta la próxima entrega!

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Si os soy sincera, he dudado mucho si escribir esta entrada o no. A decir verdad, me encanta la música, pero nunca he sido especialmente fanática de Rosalía. Ella es la protagonista de hoy.

Su último álbum, LUX —y todo lo que lo rodea— ha dado un giro a la imagen que tenía de ella. Es una auténtica explosión cultural: canciones en múltiples idiomas, referencias a santos, a literatura, arte... Un collage contemporáneo que bebe de tradiciones muy distintas y que mezcla sin miedo.

La verdad es que no he ido a su concierto ni tengo entrada. Pero hay veces en las que algo te interesa no por haberlo vivido, sino por lo que representa.

Y por eso mismo os quería hablar de esto aquí.

Porque su concierto es, literalmente, una puesta en escena artística.

LUX TOUR: UN MUSEO EN VIVO

El LUX Tour (2026) no plantea un escenario al uso. Lo que hace Rosalía es algo mucho más interesante: convierte el espacio escénico en una especie de museo en movimiento.

El espectáculo se plantea como un recital en 4 actos. Cada acto funciona casi como una sala expositiva.

Y, como en cualquier museo, vemos referencias claras a la historia del arte.

Desde el inicio aparecen ecos de Francisco de Goya y Diego Velázquez o Gaudí y va rotando hacia artistas internacionales, como Da Vinci o Degas. No tanto de forma literal, sino en lo que es la construcción de la imagen: contrastes de luz, teatralidad, una cierta oscuridad o un uso inteligente del entorno.

Nada es casual.

ACTO I: CUERPO, MOVIMIENTO Y DANZA

En el primer acto encontramos la faceta más pura y disciplinada. Esta disciplina la refleja con su vestuario, en el que aparece como una bailarina de ballet.

Aquí aparecen referencias más claras a Edgar Degas, especialmente en la forma en la que se construye el movimiento. No es solo coreografía: es composición.

Hay repeticiones, ritmos, tensiones… como en las bailarinas de Degas, donde lo importante no es el gesto individual, sino el conjunto.

Por otro lado, siguiendo este primer acto, hay un cambio donde aparece una estética casi religiosa. Las referencias a lo sacro —presentes también en su música— se trasladan aquí al lenguaje visual: composiciones frontales, gestos contenidos, iluminación dramática.

Es inevitable pensar en la pintura religiosa española, en esa manera de representar lo divino desde lo humano. No hay literalidad, pero sí atmósfera.

ACTO II: DE LA INOCENCIA Y LA PUREZA AL PECADO

Tras esta primera introducción, la pureza y la inocencia del primer acto dan paso al pecado. El negro domina el vestuario y, vemos una recreación perfecta de El aquelarre de Goya.

Las canciones están elegidas para recrear ese mundo alegado de Dios, de tentaciones y superficialidad. Poco a poco va dando paso a una transformación y reencuentro del camino.

ACTO III: EL PERDÓN

En este acto, Rosalía busca el perdón. Aquí aparecen referencias más amplias, más universales, donde se hace evidente la influencia de Leonardo da Vinci en la construcción de una imagen que nos recuerda a La Mona Lisa: equilibrio, composición, una búsqueda de armonía casi clásica.

Progresivamente el vestuario vuelve al blanco, pero lleva unos guantes negros: todavía hay un poco de oscuridad. Sin duda, nos encontramos ante una clara referencia a la Venus de Milo, donde el efecto de la mítica figura se consigue con unos guantes negros sobre un fondo negro.

Uno de los momentos más interesantes llega con la incorporación del vestuario histórico. El uso del guardainfante —esa estructura del siglo XVII que ensanchaba la silueta femenina— no es solo un guiño estético. Es una declaración que nos remite directamente al universo de las Meninas de Diego Velázquez, pero que aquí se reinterpreta.

El traje deja de ser símbolo de rigidez para convertirse en algo casi performativo. Rosalía lo lleva al escenario, lo mueve, lo transforma.

ACTO IV: LA MUERTE

El último acto abre el lenguaje. Todo se vuelve más limpio, más esencial.

Como si, después de atravesar distintas capas culturales, el espectáculo llegara a una especie de síntesis.

Terminando este último acto, Rosalía termina el concierto con unas grandes alas, lanzándose a un falso vacío donde desaparece. Este final es una alusión al mito griego de Dédalo e Icaro, en el que hay un terrible desenlace cuando Icaro sobrevuela el sol.

REFLEXIÓN FINAL

Lo interesante de todo esto no es hablar de Rosalía o de las referencias artísticas en su concierto —eso, en realidad, no es nuevo—, sino que lo interesante es cómo se utilizan.

No están ahí para ser reconocidas de forma explícita. No necesitas saber de arte para disfrutarlo.

Pero si lo sabes, la experiencia cambia. Se vuelve más rica, más compleja.

Estos momentos nos sirven para entender que, al final, las disciplinas no están tan separadas como creemos: música, moda, pintura, escenografía… todo forma parte de un mismo lenguaje.

Quizá por eso, aunque no haya ido al concierto, siento que de alguna manera sí lo he visto.

Y los que tengáis la suerte de ir, espero que lo disfrutéis.

¡Por si te lo perdiste, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

Lo que más me apasiona de mi trabajo es la libertad de poder presentar artistas en Helarea que sigo desde un tiempo y que creo que pueden encajar. También aprendo muchísimo del equipo, de sus propuestas y de todo lo que supone contactar con un artista hasta que forma parte de la galería. Pues bien, os traigo algunos artistas que hemos incluido hace poco en Helarea y llevo siguiendo un tiempo. ¡Ojalá os gusten tanto como a mí!

1. Hasta 1.000€: Iratxe Arteta (@iratxearteta)

Esta artista me la presentó Ana, responsable de curaduría en Helarea desde su fundación —y alguien de quien aprendo todos los días—, así que podéis imaginar el nivel.

Conocimos a Iratxe en el espacio Utopica, en Serrano, donde nos enseñó varias de sus obras. Desde el primer momento me recordó a Fernando Zóbel: una pintura delicada, contenida, donde todo gira en torno a la luz.

Aunque tiene obras de distintos tamaños y precios, os he traído una selección que me parece perfecta en caso de que quieras comprar una obra de una gran artista a un precio muy competitivo y que dará luz a cualquier rincón de casa gracias a que tienen tamaños muy fáciles de colocar.

Su trabajo surge del diálogo entre la materia y lo intangible. A través de veladuras y transparencias, construye superficies que invitan a mirar más allá, a detenerse. Cada gesto forma parte de un proceso lento y consciente, donde el color se transforma en espacio y la luz parece revelar lo invisible.

Trabaja siempre con óleo —y se nota—, tanto en la calidad como en esa calidez tan difícil de conseguir. Yo, sin duda, me haría con una pequeña composición como la que os he enseñado arriba: son de esas piezas que no te cansas de mirar.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Nuria Oliva (@nuria_oliva)

A Nuria Oliva la llevo siguiendo desde hace tiempo, y la verdad es que no solo es una artista increíble, sino que además, como persona, es un diez. Desde el primer momento nos ha puesto todas las facilidades para empezar a trabajar juntos en Helarea.

Su obra se centra en la exploración del color como lenguaje emocional. A través de la abstracción, construye composiciones donde el color no es solo forma, sino estructura y narrativa.

Nacida en Murcia, su imaginario bebe de recuerdos vinculados al paisaje y a lo sensorial, aunque nunca de forma literal. Es algo más sutil: aparece en los ritmos, en las tensiones, en la forma en la que los colores conviven entre sí.

Su proceso es muy interesante, basado en la superposición de capas y en una intuición muy controlada, que permite que cada obra evolucione de manera orgánica. El resultado son piezas que oscilan entre la fuerza y la calma, pensadas también para dialogar con espacios contemporáneos.

Sus obras funcionan casi como fragmentos emocionales: abiertas, íntimas y con una presencia muy especial.

¡No os perdáis su trayectoria! Ya ha estado expuesta a nivel internacional como en Francia o México, y sin duda va a despuntar.

3. Más de 3.000€: Luis Gómez Macpherson (@luisgomezmacpherson)

Cuando hablé con Luis Gómez Macpherson por primera vez, llegamos a la conclusión de que probablemente somos familia… así que poco más que añadir. Ya sabéis lo que me tiran los artistas del sur, y aquí hay algo de eso.

Su pintura, profundamente realista, se centra en objetos y escenas cotidianas que normalmente pasan desapercibidas. Elementos detenidos en el tiempo, cargados de memoria, envueltos en un silencio muy particular.

A través de una representación minuciosa, consigue despojar a los objetos de su función y convertirlos en algo casi simbólico. Sus composiciones, sin presencia humana, generan una atmósfera de calma que invita a mirar despacio.

Técnicamente es impecable. Hay un control absoluto del trazo, de la luz, de las texturas… pero sin perder nunca esa sensibilidad poética que atraviesa toda su obra.

Además, algo que me parece especialmente interesante es que permite personalizar los bodegones: desde una botella de Tío Pepe hasta un catavino o cualquier objeto que tenga un significado especial. Y ahí es donde ocurre algo bonito: lo cotidiano se convierte en algo único.

Todas estas obras están disponibles en Helarea, así que si alguna te gusta no dudes en escribirme.

¡Hasta la próxima entrega!

¡Gracias por leer La Galería de Babukali!

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¡He vuelto! Siento haber estado un par de meses sin escribir. Como os conté en Navidad, he empezado una nueva etapa profesional en la galería Helarea, y todo mi tiempo —y también mucha de mi energía— lo he dedicado a arrancar esta etapa de la mejor manera posible, con ilusión y, sobre todo, con muchas ganas de aprender y darlo todo.

Han sido semanas intensas, de esas en las que casi no te das cuenta de cómo pasa el tiempo. Pero también han sido semanas que me han recordado por qué empecé todo esto: por el arte, por lo que provoca, por cómo nos obliga a detenernos.

Y precisamente ahora, aprovechando el final de la Semana Santa, me parecía el momento perfecto para volver con una de las obras más conmovedoras y universales de la Historia del Arte: la Piedad de Miguel Ángel.

UN MOMENTO INMORTALIZADO

La Pietà de Miguel Ángel se encuentra hoy en la Basílica de San Pedro, protegida tras un cristal que, aunque necesario, no logra restarle ni un ápice de intensidad.

Es una escultura en mármol realizada entre 1498 y 1499, cuando el artista tenía poco más de veinte años. Y quizá eso es lo primero que impresiona: no solo la belleza de la obra, sino la edad de quien la creó.

La escena representa a la Virgen María sosteniendo el cuerpo sin vida de Cristo tras el descendimiento de la cruz. Un tema profundamente humano, cargado de dolor, pero tratado aquí con una serenidad que desconcierta.

No hay grito, no hay dramatismo excesivo.
Solo silencio.

La composición: equilibrio imposible

A primera vista, la escultura parece perfectamente equilibrada, casi serena. Pero cuanto más la observas, más consciente eres de la complejidad que encierra.

La composición responde a una estructura piramidal: la base la forma el amplio manto de la Virgen, que se abre como un soporte monumental, mientras que el vértice lo marca su cabeza, ligeramente inclinada.

Cristo descansa sobre su regazo con una delicadeza casi irreal. El cuerpo cae con naturalidad, pero sin peso aparente, como si el mármol hubiese olvidado su propia densidad.

Miguel Ángel logra aquí algo extraordinario: convertir la tragedia en armonía.

LA BELLEZA DEL DOLOR CONTENIDO

Hay algo profundamente moderno en esta escultura.

En una época en la que el arte religioso podía tender al dramatismo, Miguel Ángel opta por la contención. No busca conmover a través del exceso, sino a través de la calma.

La Virgen no llora. No se desgarra.
Sostiene.

Y en ese gesto hay una fuerza mucho más poderosa que cualquier grito.

Quizá por eso la Piedad sigue hablándonos hoy. Porque no representa solo un episodio religioso, sino una experiencia universal: la pérdida, el amor, la aceptación.

La juventud de la Virgen: una decisión intencionada

Uno de los aspectos que más llama la atención —y que más debates ha generado— es la juventud de la Virgen María.

A finales del siglo XV ya existía una tradición plástica de la escena de la piedad. Según esta, María debía ser representada con el rostro envejecido por los golpes de la vida y con señales visibles de sufrimiento.

Miguel Ángel rompe esa norma: frente a un Cristo adulto, cuyo cuerpo muestra las huellas del sufrimiento, María aparece como una mujer joven, casi idealizada, sin rastro del paso del tiempo.

¿Por qué?

El propio Miguel Ángel defendía que la pureza preserva la belleza. Para él, la Virgen no debía representarse como una madre envejecida por el dolor, sino como un símbolo eterno de pureza e incorruptibilidad.

Pero hay algo más.

Esa juventud introduce una dimensión casi inquietante: no estamos solo ante una madre y su hijo, sino ante una figura que trasciende lo humano. María no envejece porque no pertenece del todo al tiempo.

EL ARTISTA QUE, POR SU JUVENTUD Y DESTREZA, FUE CUESTIONADO

Cuando la obra se expuso por primera vez, no todos creyeron que aquel prodigio hubiese sido realizado por un escultor tan joven.

Se llegó incluso a atribuir la obra a otros artistas más consolidados de la época. Y aquí aparece una de las anécdotas más conocidas —y más reveladoras— de la historia del arte.

Cuenta la tradición que, molesto por las dudas sobre su autoría, Miguel Ángel decidió hacer algo que nunca volvería a repetir:
firmar la obra.

Lo hizo en la banda que cruza el pecho de la Virgen, donde puede leerse:
“MICHAEL ANGELUS BONAROTUS FLORENTINUS FACIEBAT”
(“Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo”).

Fue un gesto casi impulsivo, nacido del orgullo —o quizá de la necesidad de reconocimiento— de un artista que sabía perfectamente lo que había creado.

Y, sin embargo, nunca volvió a firmar ninguna otra obra.

Después de estas semanas de cambio, volver a escribir sobre una obra como esta me ha recordado algo importante: que el arte no siempre necesita explicaciones complejas. A veces basta con detenerse, mirar y dejar que la obra te llegue al alma.

La Piedad no es solo una obra maestra del Renacimiento. Es un recordatorio de que incluso en los momentos más difíciles puede existir belleza, equilibrio y silencio.

¡Prometo seguir escribiendo!

¡Y por fin, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

Lo que más me apasiona de mi trabajo es la libertad de poder presentar artistas en Helarea que sigo desde un tiempo y que creo que pueden encajar. También aprendo muchísimo del equipo, de sus propuestas y de todo lo que supone contactar con un artista hasta que forma parte de la galería. Pues bien, os traigo algunos artistas que hemos incluido hace poco en Helarea y llevo siguiendo un tiempo. ¡Ojalá os gusten tanto como a mí!

1. Hasta 1.000€: Iratxe Arteta (@iratxearteta)

Esta artista me la presentó Ana, responsable de curaduría en Helarea desde su fundación —y alguien de quien aprendo todos los días—, así que podéis imaginar el nivel.

Conocimos a Iratxe en el espacio Utopica, en Serrano, donde nos enseñó varias de sus obras. Desde el primer momento me recordó a Fernando Zóbel: una pintura delicada, contenida, donde todo gira en torno a la luz.

Aunque tiene obras de distintos tamaños y precios, os he traído una selección que me parece perfecta en caso de que quieras comprar una obra de una gran artista a un precio muy competitivo y que dará luz a cualquier rincón de casa gracias a que tienen tamaños muy fáciles de colocar.

Su trabajo surge del diálogo entre la materia y lo intangible. A través de veladuras y transparencias, construye superficies que invitan a mirar más allá, a detenerse. Cada gesto forma parte de un proceso lento y consciente, donde el color se transforma en espacio y la luz parece revelar lo invisible.

Trabaja siempre con óleo —y se nota—, tanto en la calidad como en esa calidez tan difícil de conseguir. Yo, sin duda, me haría con una pequeña composición como la que os he enseñado arriba: son de esas piezas que no te cansas de mirar.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Nuria Oliva (@nuria_oliva)

A Nuria Oliva la llevo siguiendo desde hace tiempo, y la verdad es que no solo es una artista increíble, sino que además, como persona, es un diez. Desde el primer momento nos ha puesto todas las facilidades para empezar a trabajar juntos en Helarea.

Su obra se centra en la exploración del color como lenguaje emocional. A través de la abstracción, construye composiciones donde el color no es solo forma, sino estructura y narrativa.

Nacida en Murcia, su imaginario bebe de recuerdos vinculados al paisaje y a lo sensorial, aunque nunca de forma literal. Es algo más sutil: aparece en los ritmos, en las tensiones, en la forma en la que los colores conviven entre sí.

Su proceso es muy interesante, basado en la superposición de capas y en una intuición muy controlada, que permite que cada obra evolucione de manera orgánica. El resultado son piezas que oscilan entre la fuerza y la calma, pensadas también para dialogar con espacios contemporáneos.

Sus obras funcionan casi como fragmentos emocionales: abiertas, íntimas y con una presencia muy especial.

¡No os perdáis su trayectoria! Ya ha estado expuesta a nivel internacional como en Francia o México, y sin duda va a despuntar.

3. Más de 3.000€: Luis Gómez Macpherson (@luisgomezmacpherson)

Cuando hablé con Luis Gómez Macpherson por primera vez, llegamos a la conclusión de que probablemente somos familia… así que poco más que añadir. Ya sabéis lo que me tiran los artistas del sur, y aquí hay algo de eso.

Su pintura, profundamente realista, se centra en objetos y escenas cotidianas que normalmente pasan desapercibidas. Elementos detenidos en el tiempo, cargados de memoria, envueltos en un silencio muy particular.

A través de una representación minuciosa, consigue despojar a los objetos de su función y convertirlos en algo casi simbólico. Sus composiciones, sin presencia humana, generan una atmósfera de calma que invita a mirar despacio.

Técnicamente es impecable. Hay un control absoluto del trazo, de la luz, de las texturas… pero sin perder nunca esa sensibilidad poética que atraviesa toda su obra.

Además, algo que me parece especialmente interesante es que permite personalizar los bodegones: desde una botella de Tío Pepe hasta un catavino o cualquier objeto que tenga un significado especial. Y ahí es donde ocurre algo bonito: lo cotidiano se convierte en algo único.

Todas estas obras están disponibles en Helarea, así que si alguna te gusta no dudes en escribirme.

¡Hasta la próxima entrega!

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La Navidad se acerca. Las ciudades se llenan de luces, los escaparates se transforman y, casi sin darnos cuenta, empezamos a reencontrarnos con imágenes que llevamos viendo toda la vida. La Virgen, el Niño, los ángeles, los pastores… pero hay una escena que, aun siendo menos celebrada que el Nacimiento, lo contiene todo: la Anunciación.

Antes del portal de Belén, antes de los Reyes Magos y del pesebre, está ese instante decisivo en el que el Arcángel Gabriel anuncia a María que será madre. Un momento silencioso, íntimo, profundamente humano y, al mismo tiempo, cargado de trascendencia. No es casual que haya sido una de las escenas más representadas de toda la historia del arte cristiano.

Y tampoco es casual que, con el paso de los siglos, la Iglesia haya ido fijando normas muy concretas para su representación. Hoy, si sabemos dónde mirar, una Anunciación puede contarnos mucho más de lo que parece: quién es quién, qué papel juega cada figura y, en muchos casos, en qué época pudo pintarse.

El origen de una iconografía

La Anunciación aparece narrada en el Evangelio de San Lucas (1, 26-38), pero su traducción visual no fue inmediata ni uniforme. En las primeras representaciones paleocristianas y bizantinas, la escena es sobria, casi esquemática: María aparece como una figura hierática, frontal, más símbolo que mujer; Gabriel es un mensajero solemne, sin gesto emocional.

Durante la Edad Media, la Iglesia comienza a entender el poder didáctico de las imágenes. El arte no solo debía emocionar, sino enseñar. Es en este contexto cuando se empiezan a fijar ciertos elementos iconográficos que se repetirán durante siglos.

Gabriel a la izquierda, María a la derecha

A partir de la Baja Edad Media, y especialmente desde el Gótico tardío y el Renacimiento, se establece una norma visual que se repetirá de forma casi sistemática: el Arcángel Gabriel se sitúa a la izquierda del espectador y la Virgen María a la derecha.

¿Por qué? No es un capricho compositivo.

En la lectura cristiana tradicional, la izquierda suele asociarse al mundo terrenal, al anuncio que irrumpe, al movimiento; la derecha, en cambio, se vincula con la aceptación, la espiritualidad y lo divino. Gabriel entra en escena, María recibe el mensaje. La composición refleja visualmente ese tránsito.

Este detalle es uno de los grandes “trucos” para reconocer una Anunciación incluso cuando no aparecen cartelas, títulos o atributos evidentes.

Cómo reconocer una Anunciación (y no confundirla)

Más allá de la posición de las figuras, hay una serie de elementos que nos ayudan a identificar la escena y, en muchos casos, a situarla cronológicamente.

1. El gesto y la actitud

El Arcángel Gabriel suele aparecer en actitud de movimiento: caminando, arrodillado o inclinándose.

María, en cambio, aparece recogida, sorprendida o en gesto de aceptación. En obras medievales, a menudo levanta la mano; en el Renacimiento, baja la mirada con humildad.

2. El espacio

En la Edad Media, el espacio es simbólico, plano, casi irreal.

Con el Renacimiento, María se sitúa en interiores domésticos: una estancia, un atril, un libro abierto (símbolo de las Escrituras).

En el Barroco, el espacio se dramatiza: cortinajes, luz intensa, ruptura de planos.

3. La presencia del Espíritu Santo

La paloma —símbolo del Espíritu Santo— aparece con más frecuencia a partir del Renacimiento, a menudo descendiendo en un rayo de luz hacia María. Su inclusión suele indicar una teología más elaborada y una cronología posterior.

4. El lirio

El lirio blanco, sostenido por Gabriel o colocado en un jarrón entre ambos, simboliza la pureza de la Virgen. Su presencia es muy común en el Gótico y el Renacimiento italiano.

De lo simbólico a lo humano: la evolución de la iconografía en la Anunciación

Uno de los aspectos más fascinantes de esta iconografía es cómo cambia la iconografía de éstas figuras con el paso del tiempo.

En el arte medieval, María es reina y trono de Dios: distante, casi inaccesible. En el Renacimiento, se convierte en una joven real, sorprendida en su intimidad. Y en el Barroco, es plenamente humana: se estremece, duda, siente.

Pensemos en Fra Angelico, donde la escena es silenciosa y contenida, casi suspendida en el tiempo. O en Leonardo, donde la Anunciación se abre al paisaje y la luz envuelve a las figuras con una calma racional. En contraste, las versiones barrocas de Rubens o Murillo introducen teatralidad, emoción y un uso de la luz que subraya el carácter sobrenatural del momento.

En un tiempo como el nuestro, lleno de ruido, la Anunciación nos habla del valor del silencio, de la escucha y de la aceptación consciente. De la valentía de decir “sí” sin saberlo todo.

A las puertas de la Navidad, volver a mirar estas obras con atención nos recuerda que el arte no solo ilustra historias sagradas: nos enseña a mirar, a comprender y a detenernos.

Y ahora, la próxima vez que te cruces con una Anunciación, fíjate bien:
¿Quién está a la izquierda? ¿Quién recibe la luz?
Puede que el cuadro tenga más que decirte de lo que imaginas.

¡Feliz Navidad!

¡Si te perdiste mi anterior entrada, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Alessandro Sartarelli (@alexsarta)

Ya he mencionado más de una vez lo mucho que me gusta la fotografía. El otro día estuve asesorando a un amigo que quería decorar un espacio y estuvimos viendo varios fotógrafos que me encantan.

Arraigado a una dualidad de intereses como son el cine y la pintura, Alessandro consigue elaborar obras refinado el carácter callejero. Presenta un discurso en el que trata la sombra y la luz como una metáfora para la búsqueda del significado propio. Dentro de esta búsqueda, encontramos unas composiciones construidas por equilibrios dentro de una aparente inestabilidad del cuadro.

Me parece una opción muy buena si buscas decorar un despacho, un pasillo para dar profundidad o incluso un comedor.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Elise Ansel (@eliseansel)

Elise Ansel nació y creció en la ciudad de Nueva York. Ansel obtuvo una licenciatura en Literatura Comparada por la Universidad de Brown en 1984. Mientras estuvo en Brown, estudió arte tanto en Brown como en la Rhode Island School of Design. Trabajó brevemente en la industria cinematográfica antes de decidir que la pintura fuera su primer medio encargado. Ansel ha expuesto su obra por todo Estados Unidos y Europa.

Ansel investiga los “diálogos” que sus pinturas establecen con los grandes maestros y da nueva vida a una tradición que se remonta a las deconstrucciones de interiores holandeses de Miró en 1928 y más allá a artistas contemporáneos como Mike Bidlo con su facsímil “no-bys”.

Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes del Museo de Arte Contemporáneo de Cracovia, el Museo de Arte Farnsworth, NYU Langone, el Museo de Arte del Colegio Bowdoin y el Museo de Artes y Ciencias de Evansville. Ha representado a Miles McEnery Gallery en Nueva York, Cadogan Gallery en Londres y Milán, y Galerie Martina Kaiser en Colonia.

3. Más de 3.000€: Zarya Austin-Fell (@zaryaaustinfell)

Esta artista me la recomendó mi amiga Blanca, que tiene un gusto impecable y se dedica al diseño de interiores. En cuanto me enseñó un par de sus obras pensé, “no voy a esperar, ¡la menciono ya!”

Zarya Austin-Fell es una artista multimedia y música afincada en Lisboa, Portugal. Su obra considera la relación entre la vida cotidiana y los objetos que la acompañan, explorando temas de rituales básicos y rutina, así como el placer que se encuentra en objetos y espacios poco destacados.

Zarya pasó 5 años viviendo y estudiando en Brighton y se graduó en 2018 con una licenciatura en Práctica Crítica de Bellas Artes, tras lo cual creó un espacio de galería sin ánimo de lucro para acoger exposiciones para artistas locales. Desde 2018 ha realizado 5 exposiciones individuales entre el Reino Unido y Lisboa.

Sin duda una artista a tener en cuenta, ahora que todavía su precio es asequible.

¡Hasta la próxima entrega!

¡Gracias por leer La Galería de Babukali!

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Tendría unos 14 años cuando supe lo que quería ser de mayor. Viajé a París con mi madre y mis hermanas porque mi hermana pequeña se quedaba el mes de julio con una familia francesa. Estuvimos paseando por Montmartre, cerca del Sacré Coeur —ese rincón que, todavía hoy, sigue siendo mi lugar favorito de la ciudad—, cuando dimos con una pequeña plaza repleta de artistas pintando al aire libre.

Me quedé hipnotizada. A mi alrededor, lienzos, pinceles, colores… y esos creadores tan concentrados que parecía que el bullicio de turistas no existía. Entonces vi un cuadro que me detuvo en seco: de cerca era pura abstracción, manchas sin sentido aparente; pero cuando te alejabas unos pasos, aparecía con absoluta claridad la silueta de un hombre. Me quedé allí, intentando descifrar su magia, como si me hubieran abierto la puerta a otro mundo.

Al marcharnos, todavía con la imagen del cuadro grabada en los ojos, le dije a mi madre: “Cómo me gustaría poder ayudar a que este artista llegue lejos.”

Y en ese instante supe cuál era mi sitio: detrás de los artistas, empujando su camino.

Nunca pensé que ese sueño sería más que una ilusión guardada en un rincón de mi cabeza. Y sin embargo… aquí estoy.

Hoy escribo con una mezcla de emoción, vértigo y gratitud. Babukali nació hace casi dos años como un pequeño rincón donde compartir con vosotros mis obsesiones artísticas, mis visitas a museos y galerías, y todas esas reflexiones que me rondan cuando una obra me habla más de la cuenta. Durante este tiempo, he estudiado Historia del Arte —robándole horas al sueño mientras trabajaba en derecho—, y he intentado cada día estar un paso más cerca de mi sueño: dedicarme al arte.

Este verano ocurrió algo que aún me cuesta asimilar. La oportunidad de colaborar con una galería en Cannes me hizo ver que sí, que aquí es donde tengo que estar, entre obras de arte y buscando artistas. Que si uno se lanza, si se toma en serio sus sueños, a veces las puertas se abren.

Y una de esas puertas, la que jamás pensé que me diría “pasa”, es la que hoy vengo a anunciaros:

¿Qué es Helarea?

Helarea no es una galería cualquiera. Nace de la pasión por el arte contemporáneo, cuidando tanto el talento español como una cuidada selección internacional. Su misión es impulsar carreras jóvenes, acompañar a artistas emergentes y acercar el arte a nuevos públicos y coleccionistas de forma fresca, honesta y sin barreras.

Es un espacio en pleno crecimiento, con una visión curatorial muy cuidada y una potente presencia en ferias, donde la innovación convive con una estética actual, elegante y profundamente contemporánea.

Para mí, es un honor formar parte de un proyecto que refleja justamente esa manera de entender el arte: cercana y ambiciosa a partes iguales.

¿Qué haré allí?

Mi nuevo rol en Helarea abarca todo aquello con lo que siempre he soñado:

• Organización de eventos y ferias de arte

• Búsqueda de nuevos artistas y ampliación del portfolio

• Asesoramiento a coleccionistas e interioristas

Así que si estás pensando en adquirir obra para tu casa, iniciar una colección, o si eres decorador y necesitas apoyo artístico…¡Escríbeme! Estaré encantada de ayudarte.

Acompañar a otros a encontrar “esa obra”, la que transforma un espacio y una vida, es una de las cosas que más ilusión me hacen en esta nueva etapa.

Babukali sigue

A todos los que lleváis conmigo desde la primera newsletter, a los que escribisteis para decir que una recomendación os había enamorado o que habíais descubierto un artista gracias a Babukali: vosotros también habéis hecho posible este futuro.

No os preocupéis que en Helarea han comprendido la importancia de este espacio para mí, así que seguiré escribiendo y recomendándoos artistas, exposiciones y reflexiones cada mes.

Y ahora, mientras me preparo para todo lo que viene, quiero invitaros a seguir acompañándome.

Porque los sueños no se cumplen solos.
Los construimos.

Y yo, por fin, estoy donde siempre quise estar.

¡Como siempre, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Alessandro Sartarelli (@alexsarta)

Ya he mencionado más de una vez lo mucho que me gusta la fotografía. El otro día estuve asesorando a un amigo que quería decorar un espacio y estuvimos viendo varios fotógrafos que me encantan.

Arraigado a una dualidad de intereses como son el cine y la pintura, Alessandro consigue elaborar obras refinado el carácter callejero. Presenta un discurso en el que trata la sombra y la luz como una metáfora para la búsqueda del significado propio. Dentro de esta búsqueda, encontramos unas composiciones construidas por equilibrios dentro de una aparente inestabilidad del cuadro.

Me parece una opción muy buena si buscas decorar un despacho, un pasillo para dar profundidad o incluso un comedor.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Elise Ansel (@eliseansel)

Elise Ansel nació y creció en la ciudad de Nueva York. Ansel obtuvo una licenciatura en Literatura Comparada por la Universidad de Brown en 1984. Mientras estuvo en Brown, estudió arte tanto en Brown como en la Rhode Island School of Design. Trabajó brevemente en la industria cinematográfica antes de decidir que la pintura fuera su primer medio encargado. Ansel ha expuesto su obra por todo Estados Unidos y Europa.

Ansel investiga los “diálogos” que sus pinturas establecen con los grandes maestros y da nueva vida a una tradición que se remonta a las deconstrucciones de interiores holandeses de Miró en 1928 y más allá a artistas contemporáneos como Mike Bidlo con su facsímil “no-bys”.

Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes del Museo de Arte Contemporáneo de Cracovia, el Museo de Arte Farnsworth, NYU Langone, el Museo de Arte del Colegio Bowdoin y el Museo de Artes y Ciencias de Evansville. Ha representado a Miles McEnery Gallery en Nueva York, Cadogan Gallery en Londres y Milán, y Galerie Martina Kaiser en Colonia.

3. Más de 3.000€: Zarya Austin-Fell (@zaryaaustinfell)

Esta artista me la recomendó mi amiga Blanca, que tiene un gusto impecable y se dedica al diseño de interiores. En cuanto me enseñó un par de sus obras pensé, “no voy a esperar, ¡la menciono ya!”

Zarya Austin-Fell es una artista multimedia y música afincada en Lisboa, Portugal. Su obra considera la relación entre la vida cotidiana y los objetos que la acompañan, explorando temas de rituales básicos y rutina, así como el placer que se encuentra en objetos y espacios poco destacados.

Zarya pasó 5 años viviendo y estudiando en Brighton y se graduó en 2018 con una licenciatura en Práctica Crítica de Bellas Artes, tras lo cual creó un espacio de galería sin ánimo de lucro para acoger exposiciones para artistas locales. Desde 2018 ha realizado 5 exposiciones individuales entre el Reino Unido y Lisboa.

Sin duda una artista a tener en cuenta, ahora que todavía su precio es asequible.

¡Hasta la próxima entrega!

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Algunos me preguntan de dónde saco la inspiración para escribir cada 15 días sobre un tema distinto dentro del ámbito del arte. A veces es por una exposición, un viaje o algún tema que he estudiado, pero otras veces la inspiración me viene de la manera más inesperada.

Hay frases que, sin saber muy bien cómo, se quedan en la cabeza y hace poco escuché una que me acompañó durante días:

Se trata de una frase de la novela Rayuela de Julio Cortázar, donde uno de los personajes - la Maga - intenta explicarle a su compañero (Oliveira) la distancia esencial que los separa. Esta comparación metafórica se refiere a la diferencia entre sus formas de percibir el mundo: mientras que Oliveira representa una mente analítica, que busca la unidad, la estructura y el orden abstracto (como las composiciones de Piet Mondrian), la Maga se asemeja a la obra de Vieira da Silva, que representa una percepción más intuitiva y caótica, pero llena de profundidad.

Es una forma amable y casi divertida de expresar que dos personas pueden vivir en universos distintos, aunque caminen juntas. De manera inmediata me transporta al viejo cliché de “los hombres son de Marte y las mujeres de Venus”, pero esta versión —esta metáfora pictórica— me pareció aún más perfecta, porque habla no solo de diferencias, sino de maneras radicalmente opuestas de ver y representar el mundo.

Y es que no existe contraste más elocuente que el de Piet Mondrian y Maria Helena Vieira da Silva: dos artistas del siglo XX que, aunque compartieron un profundo interés por la abstracción, se alejaron entre sí como dos planetas de órbitas distintas.

Mondrian: el orden absoluto, la geometría del mundo

Piet Mondrian (1872 - 1944), fue un artista holandés y principal órgano de difusión neoplasticista. Su estilo estaba vinculado con las teorías de moda en la Europa de la belle époque en las que se buscaba el sentido de lo divino, basado en la existencia de un único principio absoluto, del cual emanan todos los universos y seres.

Para Mondrian, el arte debía ser representado a través de líneas rectas y colores puros. Esto se debía a que lo rectilíneo y lo cromáticamente puro era un símbolo de la expresión del orden cósmico.

La abstracción de Mondrian era diferente al estilo de Kandinsky o de otros artistas de la época que buscaban representar un mismo mensaje, siendo Mondrian mucho más ordenado, más matemático y más frío.

En sus cuadros la realidad está reducida a lo esencial: líneas negras horizontales y verticales, colores primarios, equilibrio puro.

El artista buscaba eliminar cualquier rastro del caos del mundo exterior. Aspiraba a una armonía perfecta, casi espiritual, donde la pintura fuera un sistema cerrado que no necesitara nada más.

Su obra es un manifiesto sobre la razón. Una apuesta por la claridad.

Vieira da Silva: el laberinto como modo de estar en el mundo

Mientras Mondrian construía una cuadrícula perfecta, Vieira da Silva habitaba el territorio opuesto: el del laberinto, la fuga, la multiplicidad.

Vieira da Silva (1908–1992) nació en Lisboa en el seno de una familia acomodada que estimuló su pasión por el arte, la música y la literatura. En 1928, se trasladó a París, donde comenzó a forjar su carrera artística.

Sus obras parecen ciudades vistas desde dentro, lugares donde la perspectiva se quiebra, se multiplica, se vuelve inestable. No hay un único punto de vista, sino cientos. Líneas que se cruzan, paisajes que se abren y se pliegan, colores que se desvanecen como si estuvieran a punto de convertirse en memoria.

Todo ello refuerza su convicción —expresada en numerosas ocasiones— de que una pintura nunca se concluye del todo, sino que permanece siempre abierta.

A lo largo de su carrera, Vieira da Silva fue reconocida como una de las principales figuras del informalismo europeo y como una de las artistas más influyentes del siglo XX.

Y hablando de Vieira da Silva, el Museo Guggenheim Bilbao presenta la exposición temporal “Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio” hasta el 20 de febrero de 2026. Si tenéis pensado pasar por Bilbao en los próximos meses, es una visita obligada.

Esta muestra reúne algunas de sus obras fundamentales y permite adentrarse en sus paisajes interiores: sus arquitecturas imposibles, sus ciudades que parecen mapas mentales, su manera tan extraordinaria de convertir el espacio en emoción.

Dos sensibilidades que explican el mundo

Cuando pensamos en la frase “tú tan Mondrian y yo tan Vieira da Silva”, lo que realmente estamos diciendo es:

Si Mondrian es la certeza, Vieira da Silva es la duda.
Si él es la estructura, ella es la experiencia.
Si él ordena el mundo, ella lo recorre.

Frente al gesto nítido de Mondrian, ella construye espacios poéticos, delicados, llenos de profundidad emocional, donde parece que algo va a revelarse, pero nunca del todo.

Donde Mondrian busca lo absoluto, Vieira da Silva abraza lo humano.

Es una metáfora preciosa para hablar de relaciones, amistades, maneras de pensar. De cómo las personas pueden ser profundamente distintas y aun así coexistir, incluso complementarse.

En el fondo, todos somos un poco Mondrian y un poco Vieira da Silva.

A veces necesitamos ordenar el caos.
A veces necesitamos perdernos en él.

¡Si te perdiste mi anterior entrada, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Lisa Marie Jakab (@lisamariejakab)

Lisa Marie Jakab es una artista abstracta contemporánea que vive y trabaja en Pittsburgh, Pensilvania. Trabajando principalmente en pintura, dibujo y fotografía, crea vívidos paisajes abstractos.

Jakab recibió su MFA con distinción en la Universidad Americana y su BFA, magna cum laude, de la Universidad Alfred. Ha expuesto su trabajo en Nueva York, Washington D.C., Baltimore, Pittsburgh, Filadelfia, Arlington, Columbus, Berlín, Sídney y en línea.

Las residencias artísticas a las que ha asistido incluyen: Bunker Projects (Pittsburgh), GlogauAIR (Berlín), Chautauqua Institution (Chautauqua, NY), así como la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York.

Suele tener obras de pequeño tamaño, pero a muy buen precio y la verdad que me parecen preciosas.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Lena Baumgartner (@lena_b_art)

Lena Baumgartner es una pintora abstracta australiana afincada en Adelaida y, a pesar de no contar con una carrera de Bellas Artes, su aproximación al arte contemporáneo no repite formas ya vistas, sino que construye una estética propia, donde la textura y la vibración del color se convierten en vehículo de significado.

En sus lienzos, los tonos empolvados conviven con estallidos de color que parecen respirar, como si el pigmento buscara abrirse paso entre la calma. A menudo combina colores llamativos y contrastantes para provocar respuestas emocionales al ver su obra de arte desde lejos.

Lena utiliza la pintura acrílica como medio de elección y crea obras expresivas abstractas a gran escala. Crea pinceladas gruesas y texturizadas que quieres alcanzar y tocar. Su proceso creativo parte del gesto, de la intuición, y muchas de sus piezas nacen de una búsqueda constante por equilibrar el caos interior con la serenidad visual.

3. Más de 3.000€: Borja Colom (@borjacolom)

Arquitecto por la IE School of Architecture and Design, de Madrid, Borja Colom (Madrid, 1998) y artista multidisciplinar, compagina la creación de su obra con su profesión como arquitecto y diseñador de mobiliario. Estas influencias se ven sin duda en todas sus obras.

Su obra parte de un estudio filosófico de la arquitectura donde la función del espacio toma como punto de origen la experiencia. Basada en esta perspectiva distorsionada del espacio y tratando el color como elemento fundamental de la composición, la obra de Borja Colom busca convertir el lienzo en una ventana, no solo interactuando con el receptor de la obra pero también con el espacio en el que esta se sitúa.

Admirador de la obra de David Hockney y Edward Hopper, Borja considera que la arquitectura enriquece el mundo del arte, concibiendo su trabajo creativo de la misma forma que sus cuadros, que poseen la capacidad de “ampliar el espacio en el que se encuentran”, como así demuestra el hecho de que, además de trabajar como arquitecto, orienta su perspectiva también al mundo de la decoración, diseñando muebles y lámparas con materiales reciclados.

Me ha costado mucho seleccionar solo 3 obras, son todas increíbles.

¡Hasta la próxima entrega!

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De pequeña soñaba con trabajar dibujando para Disney o Pixar. Pasaba horas imaginando personajes, colores y escenas, creyendo que el arte podía dar vida a los sueños. Ya entonces era consciente de que, sin duda, el cine también es arte. La verdad es que soy bastante cinéfila, siempre he disfrutado de una buena película. Es un arte que combina pintura, música, palabra e imagen para conmover.

Mi abuelo me contaba que, en su época, el estreno de una película era casi un acontecimiento social. Una película podía pasar meses en cartelera antes de que llegara la siguiente, y cada estreno se vivía con ilusión. Su teoría —que comparto plenamente— era que antes los cineastas se tomaban el tiempo de pensar cada plano, cada diálogo, cada silencio.

Ir al cine no era simplemente “ver una película”: era sumergirse en una experiencia, volver a la sala una y otra vez para revivir un fotograma, una frase, una emoción. En los últimos años parece que la magia del cine se ha perdido por el frenesí de tener a disposición del consumidor una película nueva prácticamente cada semana.

Hubo una época en la que el cine respiraba arte desde la primera vez que se anunciaba hasta su último plano. Y si hubo alguien que entendió esa correlación fue Drew Struzan (1947-2025), el legendario ilustrador que marcó con su pincel la historia del séptimo arte: el cine.

El artista detrás de la magia

Nacido en 1947 en Oregón (EE.UU.), Drew Struzan nació en una familia pobre, pero desde muy pequeño mostró un talento innato para la pintura. Posteriormente decidió estudiar arte en California e intentar comenzar una carrera como artista, teniendo que elegir en ocasiones entre la comida y la pintura. Siempre eligiendo lo obvio para un artista. Y utilizando cada gota de pintura sabiamente.

Drew Struzan comenzó su carrera en los años 70, en una época en la que los carteles de cine aún se pintaban a mano y en la que el póster era, más que ningún otro medio, la verdadera carta de presentación de una película. Mientras otros optaban por el collage o la fotografía, él se mantuvo fiel al realismo ilustrado, logrando un estilo inconfundible: rostros bañados en luz cálida, fondos llenos de movimiento y una narrativa condensada en una sola imagen.

El séptimo arte

Su método era casi artesanal. Trabajaba con aerógrafo, lápices y acrílicos sobre papel, siempre intentando captar la esencia emocional de la historia. No necesitaba leer el guion completo; a veces bastaba con ver algunos fragmentos y dejarse llevar por su intuición. En sus propias palabras:

Struzan es el autor de más de 150 carteles icónicos, muchos de ellos tan célebres como las propias películas que representan. Entre sus obras más famosas están los carteles de Star Wars, Indiana Jones, Regreso al futuro, Blade Runner y Harry Potter. Su trazo no solo anunciaba una película: creaba su mito visual.

Su influencia fue tan grande que incluso después de la llegada del diseño digital, muchos directores insistían en trabajar con él. George Lucas, Steven Spielberg, Guillermo del Toro o Frank Darabont lo consideraban parte de sus equipos creativos.

Un legado imperecedero

El caso de Struzan nos recuerda que el arte no siempre cuelga de una pared. Sus carteles no solo acompañaban a las películas, las elevaban. Antes de la era del marketing digital y las campañas virales, un buen cartel podía ser el motivo que te llevase al cine, y Struzan supo convertir ese instante de curiosidad en arte. En una época donde la estética digital domina, la calidez de su trazo nos devuelve al origen: a cuando el cine era una experiencia artística completa.

Y sin embargo, su obra no se limitó al cine. Struzan también ilustró portadas de discos (como Alice Cooper o Tony Orlando) y libros, y fue un apasionado del dibujo figurativo, del estudio de la luz y del detalle casi renacentista.

Más allá del éxito

Struzan siempre se mantuvo humilde, alejado del glamour de Hollywood. Decía que lo suyo no era el espectáculo, sino la intimidad del estudio, la soledad de la creación. Nunca buscó la fama, y aun así, la encontró sin pretenderlo. Quizás porque, como todo verdadero artista, su éxito residió en emocionar a millones sin necesidad de ser visto.

Drew Struzan ha fallecido este 13 de octubre, a los 78 años, varios años después de que le diagnosticaran Alzheimer.

Struzan nos enseñó que el arte —sea pintura o cine— es una forma de resistencia frente al olvido. Así que la próxima vez que veas un cartel clásico de Star Wars o E.T., recuerda que detrás hay un artista que pintó emociones con la misma pasión con la que otros pintaron historia.

Porque sí: el cine también es arte.
Y Drew Struzan fue su mejor pintor.

¡Como siempre, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Lisa Marie Jakab (@lisamariejakab)

Lisa Marie Jakab es una artista abstracta contemporánea que vive y trabaja en Pittsburgh, Pensilvania. Trabajando principalmente en pintura, dibujo y fotografía, crea vívidos paisajes abstractos.

Jakab recibió su MFA con distinción en la Universidad Americana y su BFA, magna cum laude, de la Universidad Alfred. Ha expuesto su trabajo en Nueva York, Washington D.C., Baltimore, Pittsburgh, Filadelfia, Arlington, Columbus, Berlín, Sídney y en línea.

Las residencias artísticas a las que ha asistido incluyen: Bunker Projects (Pittsburgh), GlogauAIR (Berlín), Chautauqua Institution (Chautauqua, NY), así como la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York.

Suele tener obras de pequeño tamaño, pero a muy buen precio y la verdad que me parecen preciosas.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Lena Baumgartner (@lena_b_art)

Lena Baumgartner es una pintora abstracta australiana afincada en Adelaida y, a pesar de no contar con una carrera de Bellas Artes, su aproximación al arte contemporáneo no repite formas ya vistas, sino que construye una estética propia, donde la textura y la vibración del color se convierten en vehículo de significado.

En sus lienzos, los tonos empolvados conviven con estallidos de color que parecen respirar, como si el pigmento buscara abrirse paso entre la calma. A menudo combina colores llamativos y contrastantes para provocar respuestas emocionales al ver su obra de arte desde lejos.

Lena utiliza la pintura acrílica como medio de elección y crea obras expresivas abstractas a gran escala. Crea pinceladas gruesas y texturizadas que quieres alcanzar y tocar. Su proceso creativo parte del gesto, de la intuición, y muchas de sus piezas nacen de una búsqueda constante por equilibrar el caos interior con la serenidad visual.

3. Más de 3.000€: Borja Colom (@borjacolom)

Arquitecto por la IE School of Architecture and Design, de Madrid, Borja Colom (Madrid, 1998) y artista multidisciplinar, compagina la creación de su obra con su profesión como arquitecto y diseñador de mobiliario. Estas influencias se ven sin duda en todas sus obras.

Su obra parte de un estudio filosófico de la arquitectura donde la función del espacio toma como punto de origen la experiencia. Basada en esta perspectiva distorsionada del espacio y tratando el color como elemento fundamental de la composición, la obra de Borja Colom busca convertir el lienzo en una ventana, no solo interactuando con el receptor de la obra pero también con el espacio en el que esta se sitúa.

Admirador de la obra de David Hockney y Edward Hopper, Borja considera que la arquitectura enriquece el mundo del arte, concibiendo su trabajo creativo de la misma forma que sus cuadros, que poseen la capacidad de “ampliar el espacio en el que se encuentran”, como así demuestra el hecho de que, además de trabajar como arquitecto, orienta su perspectiva también al mundo de la decoración, diseñando muebles y lámparas con materiales reciclados.

Me ha costado mucho seleccionar solo 3 obras, son todas increíbles.

¡Hasta la próxima entrega!

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Cada 12 de octubre celebramos el Día de la Hispanidad, una jornada en la que deberíamos recordar lo que nos une como país y como comunidad cultural. No es solo una fecha simbólica, es la conmemoración de un legado compartido que ha trascendido siglos, océanos y fronteras.

Y sin embargo, vivimos tiempos en los que nuestra historia es tergiversada, simplificada o directamente atacada. Resulta paradójico: cuanto más acceso tenemos a la información, más superficial es la forma en la que muchos la consumen. Se habla de colonización, conquista, poder… ignorando la realidad olvidamos todo lo que significó aquel proceso histórico: un intercambio cultural sin precedentes, una red global que por primera vez conectó continentes, pueblos, idiomas, religiones, arte y conocimiento.

Pues bien, lamentablemente este 12 de octubre, el Museo Naval de Madrid, una de las instituciones culturales más importantes de España, ha sido escenario de un acto de vandalismo. Dos activistas del grupo “Futuro Vegetal” han atentado contra una de las obras más conocidas del museo: “El primer homenaje a Colón” (1892), del pintor José Garnelo.

Se situaron delante del cuadro, y arrojaron varios tubos de pintura contra el óleo sin contemplaciones, destrozando la parte izquierda de la obra, la pared y el mobiliario, sin dejar de gritar. A nadie le importa ya por qué gritan. ¿Y todo por qué? Por protestar a favor del ecologismo y criticar el cambio climático, porque de Cristóbal Colón poco saben y poco les importa.

Esto mismo ya ocurrió en noviembre de 2022 con las Majas de Goya en el Prado, y en otros países hemos visto a estos activistas ecologistas destrozar grandes obras como “Los girasoles”, de Van Gogh, “La Gioconda” en el Louvre, o “La primavera”, de Botticelli.

Este atentado no solo es un acto contra una obra de arte: es un ataque directo contra nuestra memoria colectiva. Restaurar un lienzo así supone un coste altísimo, además del daño, en ocasiones irreversible, que sufre la pieza.

Más allá de la ideología, no hay justificación posible para destruir o dañar el patrimonio cultural.

Hoy, con mucha pena, quiero dedicar la newsletter a esta magnífica obra y a la labor del Museo Naval de Madrid.

“El primer homenaje a Colón” (1892)

La obra de José Garnelo representa la recepción de Cristóbal Colón tras su primer viaje al Nuevo Mundo en la actual isla de Guanahani, rodeado de la corte de Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón. Garnelo —un pintor academicista con una técnica exquisita— supo capturar en esta escena no solo un momento histórico, sino la solemnidad de una época en la que España comenzaba a proyectarse al mundo como una potencia global.

José Santiago Garnelo y Alda fue un pintor español de estilo naturalista, conocido por sus escenas de género, retratos y escenas de la historia clásica. Nacido el 25 de julio de 1866 en Enguera, España, se convirtió en uno de los pintores más destacados de su tiempo.

El cuadro fue depositado en el Museo Naval por el anticuario Manuel González López en 1981 y con posterioridad fue adquirido por Juan Alvar González, miembro del Patronato del Museo Naval, que realizó una donación en 1996, pasando de este modo a formar parte de la colección del Museo Naval.

El legado de Garnelo como pintor de estilo naturalista sigue siendo celebrado, y sus obras siguen siendo una parte importante de la historia del arte español. Sus contribuciones al mundo del arte siguen siendo reconocidas hoy en día, y sus pinturas continúan inspirando a nuevas generaciones de artistas y amantes del arte por igual.

Un museo que guarda siglos de historia

El Museo Naval de Madrid, situado en pleno Paseo del Prado, es uno de los tesoros menos reivindicados de la ciudad. Fundado en 1843, alberga más de 12.000 piezas que narran la epopeya marítima española: desde las primeras expediciones hasta la exploración científica y la expansión cultural.

Algunas piezas imperdibles:

• Mapa de Juan de la Cosa (1500), uno de los primeros mapas del mundo que incluye América.

• Maquetas originales de galeones, fragatas y navíos que surcaron los mares durante el Siglo de Oro.

• Instrumentos de navegación, astrolabios, sextantes y compases que cuentan historias de exploradores.

• Retratos de grandes figuras navales, tapices y banderas históricas.

Es un museo que emociona, no solo por lo que muestra, sino por lo que representa: la huella que España dejó en el mundo.

Un relato que debemos defender

Este tipo de actos nacen, muchas veces, de una visión sesgada de la historia. Se critica un pasado desde el presente, olvidando el contexto histórico que lo explica. España fue una de las primeras potencias en crear un imperio global, pero también en integrar jurídicamente sus territorios de ultramar.

La Ley de Burgos de 1514 y la compilación en las Nuevas Leyes para el Tratamiento y Preservación de los Indios en 1542 ya consideraban a los reinos de Indias en los mismos términos que al resto del Imperio español - aboliendo así la esclavitud indígena. La Constitución española de 1812, lo deja claro: “Constitución española y de los territorios de ultramar”. No se hablaba de colonias como posesiones ajenas, sino de territorios que formaban parte de un mismo cuerpo político. Y ya antes, la última voluntad de la Reina Isabel en 1504 fue:

Que cinco siglos después se repitan consignas vacías para juzgar este pasado demuestra una pobreza intelectual alarmante. No podemos cegarnos con esa leyenda negra que, fruto de la propaganda anglosajona, reduce el descubrimiento a una mera y cruel conquista. No, no podemos olvidar a Cortés aliándose con todas las tribus mesoamericanas contra los aztecas; el mestizaje que no muestra sino esa intención de unificar nuestras raíces; la construcción de iglesias, monasterios, universidades; Magallanes y Elcano recorriendo por primera vez el planeta… Por no hablar de la gran labor de la Escuela de Salamanca, liderada por Francisco de Vitoria en defensa de los indígenas cuando el resto de Europa no quería considerarlos como criaturas de Dios.

España fue pionera en crear puentes culturales, lingüísticos y religiosos que aún hoy perviven. Nuestra lengua, nuestra cultura, nuestra historia están unidas con Hispanoamérica de forma indisoluble.

Reflexión final

Defender nuestro patrimonio cultural no es un gesto conservador: es un acto de responsabilidad y amor por nuestra historia. No podemos permitir que unos pocos, desde la ignorancia o la radicalidad, destruyan lo que generaciones enteras han construido, preservado y legado.

Para quienes deseen profundizar más allá de la superficie, recomiendo encarecidamente los documentales de “España: la primera globalización” y “Hispanoamérica: canto de vida y esperanza” ambos de José Luis López Linares.
Una producción que aporta contexto, rigor histórico y que desmonta muchos de los clichés repetidos sin análisis. Es una oportunidad para reconectar con una historia que nos pertenece.

Este Día de la Hispanidad, recordemos que ser español es ser heredero de una historia inmensa, compleja y brillante. Una historia que nos ha conectado con el mundo entero.

Feliz Día de la Hispanidad. Que nunca dejemos de defender nuestra historia.

¡Como siempre, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Xiguan Lei

Xiguan Lei, nacido en Dali, China, en 1994, es un escultor, pintor y poeta que actualmente vive y trabaja entre Chongqing y Dali. Su arte, a menudo sutil hasta el punto de casi invisibilidad, emerge de materiales orgánicos (hojas, musgo, piedras y corteza) que se mezclan a la perfección con entornos naturales. A pesar de su gentil presencia, su trabajo tiene una propuesta audaz y visionaria.

En el corazón de la práctica artística de Xi está la idea de que el Yo y la Naturaleza no son entidades separadas. Su trabajo no tiene como objetivo expresar, documentar o representar el Ser o la Naturaleza de forma aislada. En cambio, explora las formas dinámicas en que se relacionan e interpenetran, demostrando activamente que uno existe dentro del otro. Sus intervenciones son un proceso de “trabajo con” los materiales, las estaciones y los ciclos de la naturaleza, enfatizando la colaboración en lugar de la dominación.

Puedes adquirir sus obras a través de la plataforma de HopefullyArt, en este link.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Candela Picado de Blás (@candela_picadodeblas)

Candela Picado de Blas es una artista formada en arquitectura, cuyo trabajo refleja una fusión de su origen familiar y su educación académica. En sus obras, integra un enfoque analítico de la arquitectura con una visión artística que enriquece su creatividad.

Explora itinerarios y mapeos sensoriales en sus pinturas, inspirados en sus viajes. Utiliza acrílico sobre lienzos de lino o loneta para plasmar rutas más estáticas, y pasteles para las dinámicas, enfatizan do la importancia del control del espacio, la composición y el color en sus obras. Su arte anima a observar, a reducir la velocidad y a encontrar armonía entre elementos estáticos y dinámicos. La selección de colores y su disposición son clave en su expresión artística, donde cada trazo comunica más allá del lenguaje verbal.

3. Más de 3.000€: Ricky Lee Gordon (@rickyleegordon)

Conocí la obra de Ricky Lee durante mi verano en Cannes en la Galería Mo11 y me enamoré en el momento de su trabajo.

Nacido en Johannesburgo, Sudáfrica, en 1984, Ricky Lee Gordon es un artista y curador con una práctica de estudio que lo ve crear paisajes naturales en lienzos utilizando pigmentos y tintes que solo se encuentran en la naturaleza, un proceso profundamente personal que compara con la meditación por la forma en que ilumina la interconexión de toda la vida. Trabajando bajo la égida de pintar la naturaleza con la naturaleza, explora una variedad de medios, buscando la armonía a través de la alquimia de los materiales y la forma en procesos que incluyen tintes vegetales oxidantes, pigmentos de roca, impresión batik con cera de abejas, cianotipos, litografías, grabados en cobre y ácido.

En su práctica pública, Lee Gordon es conocido como uno de los “11 grandes del arte callejero” (National Geographic) por sus obras de arte a gran escala que destacan temas sociales y ambientales para organizaciones como Amnistía Internacional, Greenpeace y las Naciones Unidas.

Me encantaría que pudieras entender desde la pantalla lo especial que son sus obras: el color, casi translúcido, esa composición que recuerda al mar pero que de cerca apenas lo parece, el uso de telas que se alejan del lienzo tradicional…

¡Hasta la próxima entrega!

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Últimamente llevo tiempo pensando en el significado de la palabra “éxito”. Parece que, en nuestra sociedad, solo tienes valor si trabajas en una gran empresa, un despacho de renombre o una multinacional. Y no lo critico, ni mucho menos, pero creo que el éxito va mucho, mucho más allá de eso. En mi caso, no trabajo en una gran compañía ni pretendo hacerlo: mi sueño —que algunos quizá consideren poco ambicioso— es ser galerista, y aunque aún no he llegado, estoy convencida de que lo conseguiré. Al igual que muchos artistas, el éxito no siempre llega cuando lo esperamos, pero eso no hace que el camino sea menos valioso.

En el mundo del arte, hay historias que nos recuerdan que a veces el tiempo no juega a favor de los artistas, sino en su contra.

Una de esas historias es la de Hilma af Klint (1862-1944), una pintora sueca cuya obra permaneció prácticamente oculta durante décadas, y que hoy se considera la verdadera pionera del arte abstracto, incluso antes de Kandinsky, Mondrian o Malevich. Su vida y su obra son un ejemplo de cómo la innovación artística puede quedar silenciada por prejuicios, o por tener una visión adelantada a la de la sociedad.

Una vida entre la ciencia y lo espiritual

Hilma af Klint estudió en la Real Academia Sueca de las Artes, uno de los pocos centros de arte que aceptaban mujeres, donde se formó en dibujo naturalista, paisajes y retratos. Sin embargo, lo que realmente le interesaba estaba más allá de la realidad visible: el mundo espiritual y las fuerzas invisibles que mueven la vida.

Quizás debido a la trágica experiencia de acompañar en el lecho de muerte a su hermana de diez años, Hilma se interesó por la espiritualidad y el más allá (práctica que se puso muy de moda en aquella época). De esta forma, comenzó a pintar obras cargadas de símbolos geométricos, colores vibrantes y formas que buscaban representar lo inmaterial, abriendo paso al fascinante mundo del arte abstracto.

El gran proyecto: Pinturas para el Templo

Aunque seguía pintando paisajes y retratos para subsistir económicamente, se entregaba a la creación de nuevas obras místicas y disruptivas que no encajaban con los ideales de la sociedad.

Entre 1906 y 1915, Hilma realizó más de 190 obras que bautizó como “Pinturas para el Templo”. Se trataba de un conjunto visionario: enormes lienzos con espirales, formas biomórficas, triángulos, círculos y colores pastel que parecían adelantarse a todo lo que estaba ocurriendo en el arte europeo.

Mientras Kandinsky aún publicaba su famoso tratado De lo espiritual en el arte (1911), Hilma ya había plasmado un lenguaje visual propio, cargado de referencias a la naturaleza, la religión, la ciencia y lo esotérico. Su objetivo no era representar el mundo exterior, sino dar forma visible a lo invisible.

El silencio y la condición de su legado

Hilma af Klint estaba convencida de que su obra no sería comprendida en su tiempo. Por eso, dejó escrito en su testamento que sus pinturas no debían mostrarse hasta al menos 20 años después de su muerte. La realidad fue incluso más dura: sus lienzos permanecieron guardados hasta finales de los años 80, cuando el interés por el arte abstracto y por el papel de las mujeres artistas comenzó a crecer.

La verdadera explosión de Hilma af Klint llegó con la exposición organizada en 2018 por el Museo Guggenheim de Nueva York, que recibió más de 600.000 visitantes, batiendo todos los récords del museo. De pronto, el mundo comprendió que la historia del arte debía reescribirse: la abstracción no nació con Kandinsky, sino con una mujer sueca que pintaba en silencio, guiada por lo espiritual.

Reflexión final

Muchos artistas no vivieron el momento de su fama. Artistas como Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Amedeo Modigliani o El Greco, quienes a pesar de su genialidad, no obtuvieron el éxito o el reconocimiento que sus obras merecían en vida, quizás (tiendo a pensar) por haber sido artistas con una visión adelantada a su época.

Como ellos, Hilma af Klint nos enseña que el arte no siempre busca reconocimiento inmediato, sino que a veces se crea pensando en el futuro. Hoy, su obra no solo nos emociona por su fuerza visual, sino que también nos invita a cuestionar cómo se ha contado la historia del arte y a reconocer las voces que, por aquél entonces, no eran reconocidas.

Quizás lo más fascinante es que Hilma pintaba no para su tiempo, sino para el nuestro. Y al mirarla hoy, tenemos la oportunidad de contemplar lo invisible hecho color.

¡Como siempre, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Xiguan Lei

Xiguan Lei, nacido en Dali, China, en 1994, es un escultor, pintor y poeta que actualmente vive y trabaja entre Chongqing y Dali. Su arte, a menudo sutil hasta el punto de casi invisibilidad, emerge de materiales orgánicos (hojas, musgo, piedras y corteza) que se mezclan a la perfección con entornos naturales. A pesar de su gentil presencia, su trabajo tiene una propuesta audaz y visionaria.

En el corazón de la práctica artística de Xi está la idea de que el Yo y la Naturaleza no son entidades separadas. Su trabajo no tiene como objetivo expresar, documentar o representar el Ser o la Naturaleza de forma aislada. En cambio, explora las formas dinámicas en que se relacionan e interpenetran, demostrando activamente que uno existe dentro del otro. Sus intervenciones son un proceso de “trabajo con” los materiales, las estaciones y los ciclos de la naturaleza, enfatizando la colaboración en lugar de la dominación.

Puedes adquirir sus obras a través de la plataforma de HopefullyArt, en este link.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Candela Picado de Blás (@candela_picadodeblas)

Candela Picado de Blas es una artista formada en arquitectura, cuyo trabajo refleja una fusión de su origen familiar y su educación académica. En sus obras, integra un enfoque analítico de la arquitectura con una visión artística que enriquece su creatividad.

Explora itinerarios y mapeos sensoriales en sus pinturas, inspirados en sus viajes. Utiliza acrílico sobre lienzos de lino o loneta para plasmar rutas más estáticas, y pasteles para las dinámicas, enfatizan do la importancia del control del espacio, la composición y el color en sus obras. Su arte anima a observar, a reducir la velocidad y a encontrar armonía entre elementos estáticos y dinámicos. La selección de colores y su disposición son clave en su expresión artística, donde cada trazo comunica más allá del lenguaje verbal.

3. Más de 3.000€: Ricky Lee Gordon (@rickyleegordon)

Conocí la obra de Ricky Lee durante mi verano en Cannes en la Galería Mo11 y me enamoré en el momento de su trabajo.

Nacido en Johannesburgo, Sudáfrica, en 1984, Ricky Lee Gordon es un artista y curador con una práctica de estudio que lo ve crear paisajes naturales en lienzos utilizando pigmentos y tintes que solo se encuentran en la naturaleza, un proceso profundamente personal que compara con la meditación por la forma en que ilumina la interconexión de toda la vida. Trabajando bajo la égida de pintar la naturaleza con la naturaleza, explora una variedad de medios, buscando la armonía a través de la alquimia de los materiales y la forma en procesos que incluyen tintes vegetales oxidantes, pigmentos de roca, impresión batik con cera de abejas, cianotipos, litografías, grabados en cobre y ácido.

En su práctica pública, Lee Gordon es conocido como uno de los “11 grandes del arte callejero” (National Geographic) por sus obras de arte a gran escala que destacan temas sociales y ambientales para organizaciones como Amnistía Internacional, Greenpeace y las Naciones Unidas.

Me encantaría que pudieras entender desde la pantalla lo especial que son sus obras: el color, casi translúcido, esa composición que recuerda al mar pero que de cerca apenas lo parece, el uso de telas que se alejan del lienzo tradicional…

¡Hasta la próxima entrega!

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Septiembre siempre tiene algo de inicio y de despedida. Vuelve la rutina, las vacaciones parecen ya un recuerdo lejano y Madrid empieza a recuperar ese pulso vibrante que la convierte en una de las capitales culturales más activas de Europa. Para quienes amamos el arte, esta rentrée es una oportunidad única: las exposiciones que llegan en los próximos meses prometen un cierre de año espectacular.

En Babukali también estamos de estreno: nuevos proyectos, más contenidos exclusivos y un seguimiento cercano de lo que está pasando en la ciudad. Te iré contando todo en esta newsletter y también en mi cuenta de Instagram @babukali_, donde compartiré impresiones, fotos y detalles.

Aunque este año me ha pillado de vacaciones, Madrid ya ha arrancado la temporada cultural con el Madrid Gallery Weekend (11-14 de septiembre). Fueron cuatro días en los que la ciudad se llenó de vida con 55 galerías y 56 exposiciones abiertas al público, marcando el inicio oficial del curso artístico. Algunas de las propuestas más comentadas fueron la colectiva de Los Bravú en El Apartamento, la obra de Esther Ferrer en Galería 1 Mira Madrid, o la exposición de Cristina Lucas en Albarrán Bourdais.

Con todo esto en la cabeza, te traigo las exposiciones más interesantes en Madrid de aquí a fin de año. En orden cronológico, con lo que verás y por qué merece la pena anotarlas ya (te dejo el enlace a las exposiciones en cada apartado, pinchando en el título).

EXPOSICIONES DESTACADAS:

1. Luis Agulló – Solo Show

Dónde: Havet Gallery, Calle Velázquez 86A

Cuándo: Del 15 de septiembre al 15 de noviembre de 2025

Se trata de una recopilación de piezas de su serie “pájaros”, con esas bandadas que vuelan, que cambian de forma, y otras obras recientes que exploran el dinamismo, la multitud, la tensión entre lo que está lleno y lo que está vacío.

Por qué vale la pena: Agulló trabaja con una técnica de incisión directa sobre diversos soportes, lo que le da volumen, textura, presencia física. No solo se ve el trazo, sino el relieve, el espacio entre los elementos. Es ideal si te apetece algo contemporáneo con cuerpo y espacio para respirar.

Esta exposición me hace especial ilusión porque Luis es un artista que sigo desde hace tiempo y tengo la suerte de tener una de sus obras en casa. Sin duda me veréis ahí.

2. Leica, un siglo de fotografía

Dónde: Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa de Madrid

Cuándo: 10 septiembre 2025 - 11 enero 2026

La exposición “Leica. Un siglo de fotografía” celebra, a través de un excepcional recorrido por la obra de grandes fotógrafos internacionales, los cien años de la creación de la primera cámara de la marca, la legendaria Leica I.

Por qué vale la pena: Esta exposición muestra cómo la fotografía ha sido testigo de momentos clave de la historia, pudiendo disfrutar de la obra de autores como Bruce Davidson, Elliott Erwitt, Alberto Korda, Ralph Gibson, Sebastião Salgado, Steve McCurry, Joel Meyerovitz o Jane Evelyn Atwood, junto a otras más desconocidas, ampliando así nuestro conocimiento de la historia de la fotografía y de la propia historia de Leica

Se trata de una exposición fotográfica sin precedentes en un espacio emblemático como el Fernán Gómez.

3. Paolo Veronese (1528-1588)

Dónde: Museo Nacional del Prado

Cuándo: Hasta el 21 de septiembre de 2025

El museo del Prado inaugura una gran monográfica dedicada al gran maestro veneciano, con más de un centenar de obras (frescos, bocetos, óleos) procedentes de colecciones como el Louvre y el Metropolitan. Una explosión de color y dominio narrativo del Renacimiento. Podrás disfrutar de cuadros, bocetos y obras mayores de uno de los maestros del color veneciano: telas monumentales con escenas sacras y mitológicas, frescos reconstruidos, dibujos preparatorios que revelan su proceso.

Por qué vale la pena: Su uso del color, esa luz dorada, la gracia del paisaje, la elegancia en la narrativa pictórica. Ver un Veronese bien montado es siempre una lección de oficio, belleza y armonía.

4. Búcaros. Valor del agua y exaltación de los sentidos en los siglos XVII y XVIII

Dónde: Museo de América

Cuándo: Hasta el 19 de octubre de 2025

El museo de América nos trae una serie de vasijas barrocas llamadas “búcaros”, traídas de la América virreinal y otros lugares, objetos exóticos, simbólicos y con historias de lujo, sensualidad, poder.

Por qué vale la pena: Porque este tipo de objetos antiguos nos hablan de culturas, rituales y objetos cotidianos que cruzan fronteras. Y están tan cuidados que uno termina valorando la artesanía, el detalle, los materiales.

5. Instante eterno en el jardín

Dónde: CentroCentro (Palacio de Cibeles)

Cuándo: Hasta el 16 de noviembre de 2025

Se presenta el jardín como un espacio de vínculo profundo que nos conecta con lo más esencial de la experiencia humana: la búsqueda de belleza, serenidad y sentido. Un lugar donde se despierta una sensibilidad adormecida por la vida moderna: el tiempo se ralentiza, el aire se transforma y cada hoja revela un universo de significados.

Esta exposición muestra una serie de obras multidisciplinares que dialogan con la idea del jardín como espacio de calma, asueto, contemplación: pintura, escultura, vídeo, collage.

Por qué vale la pena: Necesitamos arte que haga parar, respirar, contemplar. En la vorágine del día a día esta exposición es una pausa que nos invita a reflexionar.

6. Warhol, Pollock y otros espacios americanos

Dónde: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Cuándo: Del 21 de octubre de 2025 al 25 de enero de 2026

Pop Art, Expresionismo Abstracto y obras que marcaron la estética americana en el siglo XX. Pinturas emblemáticas, instalaciones, diálogo entre movimiento, gesto, color y forma.

Por qué vale la pena: Siempre es saludable regresar a lo fundamental: Warhol y Pollock nos recuerdan que el arte puede ser explosión, reflexión, crítica y espectáculo. Si te interesa la base del arte contemporáneo moderno, esta muestra es obligatoria.

7. Banksy

Dónde: Museo Banksy, Paseo de la Esperanza 1

Madrid se enriquece con la llegada de un nuevo espacio cultural único: el Museo Banksy. Aunque probablemente ya te suene su nombre, Banksy es un artista británico cuya verdadera identidad sigue siendo un misterio. Su trabajo, centrado principalmente en el arte callejero, combina imágenes visualmente impactantes con mensajes cargados de crítica social, política y cultural.

Por qué vale la pena: Se trata de una exhibición de la mayor colección de obras de Banksy en Europa. Una inmersión accesible y sorprendente en el universo urbano y provocador del artista callejero.

Madrid vuelve a recordarnos que septiembre no es solo sinónimo de vuelta a la rutina, sino también de un renacer cultural que vale la pena disfrutar.

¡Si te perdiste la anterior entrada, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Este mes, os he categorizado los artistas como siempre, pero tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Bysisa - Isabel León (@bysisa.art)

Bysisa – Art & Deco es el proyecto artístico de Isabel León de Chiris, donde fusiona arte y decoración para crear piezas únicas que “cuenten historias”. Su enfoque parte de una biografía familiar vinculada a la pintura y al interiorismo; de ahí su misión: democratizar el acceso al arte con obra original hecha a mano.

Trabaja técnicas mixtas y acrílico sobre tela, ofrece obras por encargo (adaptadas a tamaño y paleta del espacio) y mantiene un catálogo de obras disponibles —incluidos dípticos y series como Serendipia o Aguamarina— en formatos pequeños y medianos pensados para integrar en proyectos de interior. En su web explicita una visión orientada a transformar espacios y emociones desde la autenticidad.

¿Qué puedes esperar de su catálogo?: telas pintadas a mano enmarcadas (madera natural, marco metálico o “cajón americano”), composiciones cromáticas limpias y títulos que subrayan estados de ánimo (Serenidad, Eclipse, Atardeceres, etc.). La oferta abarca piezas de precio accesible, además de encargos a medida, lo que encaja con su lema de “arte al alcance de todos”.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Paula Ruiz Belloso (@paularuizbelloso)

Paula Ruiz Belloso es una artista afincada en Madrid, con formación en arquitectura de interior (ETSAM, Cátedra de Construcción). Su trabajo destaca por el uso de texturas y pigmentos naturales —principalmente en papel— orientados a transmitir emociones positivas como la alegría, la fe y la esperanza que le inspiran la naturaleza y la arquitectura . Desde marzo de 2022, dirige un estudio en la calle Azulinas (Madrid), donde ha participado en exposiciones, colaborado con galerías, arquitectos, interioristas, y trabajado con clientes particulares y empresas .

Ha expuesto en galerías como Mercedes Urquijo, Kelly Deco y Helarea, y ha aparecido en publicaciones como Elle Decoration . También ha participado en varias subastas, como en Maza Art en Madrid y Barcelona .

Sus piezas incluyen desde collages de papel sobre lienzo de algodón (series de 12 unidades con certificación y numeración) hasta obras en cajas de madera con cristal “museo” . Las texturas derivan de pigmentos naturales y cada pieza, al ser artesanal, es única en color y tacto, lo que añade valor emocional y visual.

Hablando con ella, me comentaba: “trabajar con texturas y pigmentos naturales, siempre me ha producido emociones positivas y estimulo para la creatividad. Actualmente el “papel” es el material que me ha llevado a realizar composiciones abstractas y expresar formas de sentir inspiradas en la naturaleza y la arquitectura”.

En cuanto a su inspiración y uso del papel, me comenta:

“El papel me ofrece infinitas posibilidades para expresar formas de sentir y contar historias. La inspiración está en todas partes, pero posiblemente la mía este muy marcada por mis raíces Aragonesas, de las que me siento muy orgullosa”.

Su estudio en Madrid es una maravilla y su proceso de una delicadeza enorme, sin duda te recomiendo sigas su trayectoria.

3. Más de 3.000€: Anke Blaue (@ankeblaue)

Anke Blaue (Schleswig, Alemania), es una artista con gran recorrido. Sus inicios estuvieron ligados a la escultura en madera y más tarde, en Düsseldorf, amplió su formación en la Kunstakademie. Finalmente, en Barcelona encontró un lugar clave en su desarrollo artístico de la mano de Bruno Fonseca, discípulo de Augusto Torres. Con él se adentró en la pintura desde las enseñanzas del Universalismo constructivo de Joaquín Torres García, aprendiendo a comprender que “las leyes que rigen lo figurativo y lo abstracto son las mismas: composición, interrelación de tonos, materia, plasticidad”.

Desde entonces, Blaue ha expuesto en ciudades como Barcelona, Madrid, Berlín, Bruselas, Venecia, Londres, Taipei o Nueva York, consolidando una trayectoria internacional en la que ha evolucionado hacia una obra de gran simplicidad formal, donde el lino antiguo, los pigmentos y la relación entre materia y color se han convertido en protagonistas.

En cuanto a su obra, Anke trabaja distintos formatos, algunos más accesibles y que están por debajo de este rango de precio. Pero si quieres verdaderamente apreciar y “lucir” un Anke Blaue, los lienzos medianos y grandes son los que mejor transmiten esa mezcla de sutileza y fuerza que define su pintura.

Hablando con Jaime, su marido y asistente, estuvimos comentando sobre su trayectoria. Me permitió profundizar sobre el proceso de Anke y hacerle algunas preguntas.

¿Qué es para ti la pintura?:

“La pintura es algo que encuentro en mí. Sale de mi esencia y expresa mi esencia cuando permito que exprese lo que quiere expresar. Con la pintura tengo la experiencia que la creatividad tiene que ver más con permitir que con hacer. En los mejores momentos ‘no hago’ nada, sale solo, sale algo que me sorprende a mí misma. ¿Tiene algo que ver conmigo? No lo sé, a veces pienso que lo que pinto no tiene nada que ver conmigo. Soy instrumento para que pueda expresarse lo que el momento pide”.

Sobre el papel que ocupa la pintura en su vida, añadió:

“La pintura es para mí un gran maestro. Es la experiencia de permitir algo estando mi voluntad ausente del proceso. Es algo que me gustaría poder conseguir en todo. El cuadro sabe por dónde va, no yo. Si consigo seguir al cuadro, el proceso culmina en algo muy próximo a la felicidad. Pero cuando en lugar de seguir quiero dirigir, entonces empieza una lucha dolorosa. Así que ambas cosas están presentes: dolor y felicidad, aunque lo que expresan mis cuadros tiene que ver más con una paz profunda. Mis cuadros son como árboles o como el mar. Son lo que son. No exigen. Están, son, y quien quiera acercarse y escuchar siempre podrá hacerlo”.

En su proceso creativo, Anke se fija sobre todo en el color y en el diálogo silencioso con la tela:

“En un color que me inspire. En la tela y lo que ésta me pide. Muchas veces dejo una tela o un color en el taller, a parte, y sólo miro, observo, para que ese color o esa tela haga su proceso en mí, hasta que surge el impulso de acometer un cuadro. Luego, cuando pinto, es muy importante que lo haga sin interrupciones”.

Cuando le pedí que definiera qué expresa su pintura, sonrió y devolvió la pregunta:

“¡Dime tú!”.

Sin embargo, sobre su lenguaje plástico fue clara:

“Para mí es completamente abstracta. Sólo trabajo con colores, tonos, tela, textura, ritmo, espacio, composición. Quizás es más como la música. Es abstracta pero expresa y despierta experiencias y sentimientos concretos”.

Entre sus fuentes de inspiración cita a Velázquez, Cézanne, Bruno Fonseca, Rothko y Turner, pintores que, según ella, alcanzaron una vibración y vitalidad que siguen fascinándola. Y respecto a la experiencia del espectador, confiesa:

“En mi pintura el observador encuentra su propio diálogo en el espacio de lo ausente”.

Me encanta esta última frase, resume perfectamente la intencionalidad tras sus obras.

¡Hasta la próxima entrega!

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Septiembre siempre tiene un punto de nostalgia. Huele a final de verano. Las maletas vuelven al altillo, los bañadores se cambian por chaquetas ligeras y la rutina vuelve a reclamar su lugar… Pero este no ha sido un verano cualquiera para mí.

He tenido la suerte de vivir un pequeño sueño: colaborar con la Galerie Mo11 en Cannes, en pleno corazón de la Costa Azul. Un lugar donde el Mediterráneo parece pintado con óleo ultramar, donde las buganvillas trepan por las fachadas y donde la luz tiene algo casi sobrenatural.

Estos días me han recordado algo esencial: la importancia de parar, de respirar y de perseguir aquello que nos mueve por dentro. Igual que los pintores necesitan buscar inspiración, los galeristas, marchantes y coleccionistas de arte debemos “ejercitar el ojo” para descubrir obras que nos conmuevan y nos hagan vibrar.

En mi estancia, además de trabajar entre lienzos, he podido empaparme de arte visitando lugares únicos: el Museo Matisse en Niza, la casa de Renoir en Cagnes-sur-Mer, la Fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence, y las pequeñas galerías de este mismo pueblo, donde cada ventana es casi un escaparate hacia un mundo distinto.

Y en cada visita, una idea se repetía: la Costa Azul ha sido musa para algunos de los más grandes artistas de la historia.

El imán artístico de la Costa Azul

A finales del siglo XIX y durante el XX, este rincón del Mediterráneo se convirtió en refugio e inspiración para pintores franceses (y no solo franceses). La combinación de luz, clima, mar y colorido urbano fue un estímulo imposible de ignorar.

• Henri Matisse – La luz de Niza

En 1917, Matisse llegó a Niza buscando calor y descanso, pero lo que encontró fue un nuevo lenguaje pictórico. Fascinado por la claridad de la luz mediterránea y el colorido pesquero, brotó su inspiración y su paleta se vuelve más colorida y luminosa.

A Matisse ya no le importa el naturalismo sino que se libera de las tendencias a las que se había adscrito; aún así lo emplea exclusivamente en aquellos aspectos necesarios para que el cuadro se mantenga coherente.

Su revolucionario uso del color cambió la pintura y encabezó una de las primeras vanguardias, el fauvismo, si bien fue evolucionando hacia un estilo propio y más personal.

Este renovador discurso se hace público en la exposición del Salón de Otoño en 1905. Matisse y sus amigos, además de despertar una ferviente polémica, son bautizados como fauves («fieras») por la estridencia de sus obras. La primera vanguardia artística ha nacido para empezar una revolución estallada con batallas cromáticas y gritos de expresión.

El museo de Matisse en Niza es precioso y tiene una selección de obras que suponen una parada obligatoria para cualquier persona que esté visitando la Costa Azul (te dejo aquí toda la información)

• Pierre-Auguste Renoir – Jardines y azules infinitos

Renoir fue uno de los pintores del grupo impresionista, centrado a diferencia de la mayoría de sus colegas paisajistas, en la figura humana.

Renoir se instaló en Cagnes-sur-Mer en 1907, buscando un clima más suave para su artritis. Allí, entre olivares y jardines, pintó escenas de mujeres al aire libre, bañadas por un sol cálido, como Les grandes baigneuses (1901/1902).

Afectado por una artritis reumatoide que lo mantuvo en una silla de ruedas, Renoir, incapaz ya de mover sus manos libremente, siguió pintando hasta el fin de sus días con la ayuda de un pincel que se hacía sujetar con unas vendas a la muñeca.

Su casa, hoy museo, conserva el mismo encanto que inspiró sus últimas obras. Se trata de una casita de campo con un entorno mágico, donde se puede disfrutar de muchas de las obras del artista, tanto pinturas como esculturas. Además se conserva maravillosamente su estudio, lo que supone un auténtico viaje en el tiempo (te dejo aquí toda la información).

• Paul Signac – El puntillismo frente al mar

Signac, maestro del puntillismo, se instaló en Saint-Tropez a finales del XIX. Desde allí, pintó vistas marinas donde los puntos de color se funden en la distancia, como en Saint-Tropez, le port (1899), un estallido cromático que parece moverse con la luz del día.

Signac fué uno de los principales representantes de la liberación del color con respecto al objeto.

• Pablo Picasso – Cerámica y Mediterráneo

Aunque no francés, Picasso también cayó rendido ante la Costa Azul. Tras la Segunda Guerra Mundial, se instaló en Vallauris, donde exploró la cerámica y creó obras como La Joie de Vivre (1946), impregnadas de la alegría mediterránea.

Fin del verano, comienzo de algo nuevo

Paseando por las salas del Museo Matisse, asomándome a las ventanas de la casa de Renoir o perdiéndome en los patios de la Fundación Maeght, pensé en cómo la inspiración es un músculo que hay que entrenar.

Los artistas necesitan ver, absorber y reinterpretar. Y quienes trabajamos en el mundo del arte — o todo aquél que quiera disfrutar del arte dando un paso más allá — debemos aprender a mirar con esa misma curiosidad. Encontrar la obra que te detiene en seco, que te obliga a observarla más de la cuenta, es un ejercicio que empieza mucho antes de entrar en una galería o en un museo.

La Costa Azul, con su luz y su mar, es un lugar perfecto para recordar eso.

Septiembre no es solo el final de las vacaciones: puede ser también el inicio de un ciclo lleno de propósito. Igual que los pintores que llegaron aquí buscando algo y encontraron mucho más, yo vuelvo a Madrid con la sensación de haber recargado el alma y afinado la mirada.

El arte, como el mar, siempre está en movimiento. Y quizás lo importante sea no dejar nunca de buscar esa ola que nos inspire.

Prepárate, porque Babukali arranca de verdad.

¡Aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Este mes, os he categorizado los artistas como siempre, pero tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Bysisa - Isabel León (@bysisa.art)

Bysisa – Art & Deco es el proyecto artístico de Isabel León de Chiris, donde fusiona arte y decoración para crear piezas únicas que “cuenten historias”. Su enfoque parte de una biografía familiar vinculada a la pintura y al interiorismo; de ahí su misión: democratizar el acceso al arte con obra original hecha a mano.

Trabaja técnicas mixtas y acrílico sobre tela, ofrece obras por encargo (adaptadas a tamaño y paleta del espacio) y mantiene un catálogo de obras disponibles —incluidos dípticos y series como Serendipia o Aguamarina— en formatos pequeños y medianos pensados para integrar en proyectos de interior. En su web explicita una visión orientada a transformar espacios y emociones desde la autenticidad.

¿Qué puedes esperar de su catálogo?: telas pintadas a mano enmarcadas (madera natural, marco metálico o “cajón americano”), composiciones cromáticas limpias y títulos que subrayan estados de ánimo (Serenidad, Eclipse, Atardeceres, etc.). La oferta abarca piezas de precio accesible, además de encargos a medida, lo que encaja con su lema de “arte al alcance de todos”.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Paula Ruiz Belloso (@paularuizbelloso)

Paula Ruiz Belloso es una artista afincada en Madrid, con formación en arquitectura de interior (ETSAM, Cátedra de Construcción). Su trabajo destaca por el uso de texturas y pigmentos naturales —principalmente en papel— orientados a transmitir emociones positivas como la alegría, la fe y la esperanza que le inspiran la naturaleza y la arquitectura . Desde marzo de 2022, dirige un estudio en la calle Azulinas (Madrid), donde ha participado en exposiciones, colaborado con galerías, arquitectos, interioristas, y trabajado con clientes particulares y empresas .

Ha expuesto en galerías como Mercedes Urquijo, Kelly Deco y Helarea, y ha aparecido en publicaciones como Elle Decoration . También ha participado en varias subastas, como en Maza Art en Madrid y Barcelona .

Sus piezas incluyen desde collages de papel sobre lienzo de algodón (series de 12 unidades con certificación y numeración) hasta obras en cajas de madera con cristal “museo” . Las texturas derivan de pigmentos naturales y cada pieza, al ser artesanal, es única en color y tacto, lo que añade valor emocional y visual.

Hablando con ella, me comentaba: “trabajar con texturas y pigmentos naturales, siempre me ha producido emociones positivas y estimulo para la creatividad. Actualmente el “papel” es el material que me ha llevado a realizar composiciones abstractas y expresar formas de sentir inspiradas en la naturaleza y la arquitectura”.

En cuanto a su inspiración y uso del papel, me comenta:

“El papel me ofrece infinitas posibilidades para expresar formas de sentir y contar historias. La inspiración está en todas partes, pero posiblemente la mía este muy marcada por mis raíces Aragonesas, de las que me siento muy orgullosa”.

Su estudio en Madrid es una maravilla y su proceso de una delicadeza enorme, sin duda te recomiendo sigas su trayectoria.

3. Más de 3.000€: Anke Blaue (@ankeblaue)

Anke Blaue (Schleswig, Alemania), es una artista con gran recorrido. Sus inicios estuvieron ligados a la escultura en madera y más tarde, en Düsseldorf, amplió su formación en la Kunstakademie. Finalmente, en Barcelona encontró un lugar clave en su desarrollo artístico de la mano de Bruno Fonseca, discípulo de Augusto Torres. Con él se adentró en la pintura desde las enseñanzas del Universalismo constructivo de Joaquín Torres García, aprendiendo a comprender que “las leyes que rigen lo figurativo y lo abstracto son las mismas: composición, interrelación de tonos, materia, plasticidad”.

Desde entonces, Blaue ha expuesto en ciudades como Barcelona, Madrid, Berlín, Bruselas, Venecia, Londres, Taipei o Nueva York, consolidando una trayectoria internacional en la que ha evolucionado hacia una obra de gran simplicidad formal, donde el lino antiguo, los pigmentos y la relación entre materia y color se han convertido en protagonistas.

En cuanto a su obra, Anke trabaja distintos formatos, algunos más accesibles y que están por debajo de este rango de precio. Pero si quieres verdaderamente apreciar y “lucir” un Anke Blaue, los lienzos medianos y grandes son los que mejor transmiten esa mezcla de sutileza y fuerza que define su pintura.

Hablando con Jaime, su marido y asistente, estuvimos comentando sobre su trayectoria. Me permitió profundizar sobre el proceso de Anke y hacerle algunas preguntas.

¿Qué es para ti la pintura?:

“La pintura es algo que encuentro en mí. Sale de mi esencia y expresa mi esencia cuando permito que exprese lo que quiere expresar. Con la pintura tengo la experiencia que la creatividad tiene que ver más con permitir que con hacer. En los mejores momentos ‘no hago’ nada, sale solo, sale algo que me sorprende a mí misma. ¿Tiene algo que ver conmigo? No lo sé, a veces pienso que lo que pinto no tiene nada que ver conmigo. Soy instrumento para que pueda expresarse lo que el momento pide”.

Sobre el papel que ocupa la pintura en su vida, añadió:

“La pintura es para mí un gran maestro. Es la experiencia de permitir algo estando mi voluntad ausente del proceso. Es algo que me gustaría poder conseguir en todo. El cuadro sabe por dónde va, no yo. Si consigo seguir al cuadro, el proceso culmina en algo muy próximo a la felicidad. Pero cuando en lugar de seguir quiero dirigir, entonces empieza una lucha dolorosa. Así que ambas cosas están presentes: dolor y felicidad, aunque lo que expresan mis cuadros tiene que ver más con una paz profunda. Mis cuadros son como árboles o como el mar. Son lo que son. No exigen. Están, son, y quien quiera acercarse y escuchar siempre podrá hacerlo”.

En su proceso creativo, Anke se fija sobre todo en el color y en el diálogo silencioso con la tela:

“En un color que me inspire. En la tela y lo que ésta me pide. Muchas veces dejo una tela o un color en el taller, a parte, y sólo miro, observo, para que ese color o esa tela haga su proceso en mí, hasta que surge el impulso de acometer un cuadro. Luego, cuando pinto, es muy importante que lo haga sin interrupciones”.

Cuando le pedí que definiera qué expresa su pintura, sonrió y devolvió la pregunta:

“¡Dime tú!”.

Sin embargo, sobre su lenguaje plástico fue clara:

“Para mí es completamente abstracta. Sólo trabajo con colores, tonos, tela, textura, ritmo, espacio, composición. Quizás es más como la música. Es abstracta pero expresa y despierta experiencias y sentimientos concretos”.

Entre sus fuentes de inspiración cita a Velázquez, Cézanne, Bruno Fonseca, Rothko y Turner, pintores que, según ella, alcanzaron una vibración y vitalidad que siguen fascinándola. Y respecto a la experiencia del espectador, confiesa:

“En mi pintura el observador encuentra su propio diálogo en el espacio de lo ausente”.

Me encanta esta última frase, resume perfectamente la intencionalidad tras sus obras.

¡Hasta la próxima entrega!

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No sé cómo lleváis vosotros este calor madrileño, pero yo ya estoy soñando con las vacaciones. Ese momento en el que el termómetro baja unos grados, los planes se trasladan a terrazas al atardecer y, si tienes suerte, alguna escapada fuera de la ciudad. Aunque este año mis planes de verano van a ser muy distintos, porque en vez de estar en mi querido sur estaré trabajando en una galería (ya contaré los detalles…).

El pasado fin de semana, aprovechando que cada vez está más cerca agosto, me escapé con un grupo de amigos a la Ribera del Duero, liderados por una amiga que sabe de vinos como nadie. Buen clima, mucho vino y muchas risas. ¿Qué más se puede pedir?

Aparte de catar vinos y vivir un fin de semana “de campamento”, como saben de mi amor por el arte y me animan en todos mis proyectos, acabamos hablando sobre las colaboraciones entre grandes artistas y bodegas.

Por eso, en esta edición de la Galería de Babukali, quiero contarte cómo arte, vino y arquitectura pueden llegar a relacionarse más de lo que imaginas.

EL VINO COMO SOPORTE ARTÍSTICO

Desde hace décadas, muchas bodegas han entendido que una buena botella no solo debe saber bien, sino también contar una historia. Y qué mejor forma de hacerlo que a través del arte.

Las etiquetas del vino nacieron como simples identificadores: una forma de dar nombre y origen al contenido. Pero con el tiempo, se han transformado en auténticos soportes artísticos: grabados, litografías, pinturas originales y diseños de autor que hoy son objetos de coleccionismo.

En algunos casos, incluso antes de abrir la botella ya hay algo que admirar. La etiqueta es la carta de presentación de la bodega, la primera emoción visual antes de la cata.

¿BODEGA O MUSEO?

En España, algunas bodegas han convertido sus instalaciones y sus botellas en museos vivientes, donde el arte contemporáneo y el vino se funden:

1. Vega Sicilia

No se puede hablar de la relación entre vino y arte en España sin mencionar a Vega Sicilia, la emblemática bodega de la Ribera del Duero fundada en 1864, hoy símbolo absoluto de excelencia vinícola.

Pero más allá de su prestigio enológico, Vega Sicilia lleva años tejiendo un vínculo especial con el mundo del arte. No solo a través de su imagen de marca, sino mediante colaboraciones directas con artistas contemporáneos para ediciones especiales de sus vinos más exclusivos: artistas contemporáneos de la talla de Chillida, Tapies, Saura, Canogar, Hernández Pijuan, Barceló, Cristina Iglesias, o Antonio López.

2. Enate (Somontano)

Una de las bodegas pioneras en integrar arte contemporáneo en su imagen. Cada vino de su gama está ilustrado por un artista diferente: Antonio Saura (Chardonnay), Frederic Amat (Merlot), Eduardo Chillida (Reserva Especial ‘94), Tàpies, Victoria, Broto, entre muchos otros.

Además, la propia bodega es una sala de exposiciones, abierta al público, con una colección permanente que incluye piezas donadas y colaboraciones con artistas actuales, participan en ferias reconocidas como ARCO o ESTAMPA, organizan exposiciones con artistas contemporáneos…

Con más de 400 originales, su colección privada se convierte así en una de las pinacotecas más importantes de España de Arte Contemporáneo y única por su relación directa entre arte y vino.

- te podría contar más, pero estoy intentando no irme por las ramas…-

BODEGAS QUE SON AUTÉNTICAS OBRAS DE ARTE

Cuando hablamos de arte y vino no hablamos solo de etiquetas. En los últimos años, algunas bodegas han apostado por convertir sus instalaciones en obras de arte arquitectónicas.

El caso más célebre, moviéndonos de la zona de Ribera del Duero y yéndonos a la Rioja, es el de la Bodega Marqués de Riscal, en Elciego (La Rioja Alavesa).

¿Por qué es tan especial?

Porque su edificio principal fue diseñado por Frank Gehry, el mismo arquitecto que firmó el Guggenheim de Bilbao. Gehry creó para Marqués de Riscal un edificio con volúmenes curvos y tejados ondulados de titanio en tonos dorados, plateados y rosados que evocan los colores del vino y su botella. De esta forma, ha logrado captar en un edificio la sensación de cuando aireas el vino para desprender todos sus olores.

La experiencia de visitar esa bodega es, de verdad, impresionante. Te da la sensación de estar en un museo contemporáneo en mitad de viñedos centenarios. Pese a que inicialmente supuso un gran revuelo en el pueblo, tan tradicional, el contraste entre las casas de piedras y los colores de la bodega ha calado y ya es parte del entorno de La Rioja Alavesa.

Otras bodegas han apostado por grandes arquitectos, como Codorniú, bodega modernista de finales del XIX, obra de Puig i Cadafalch, uno de los grandes del modernismo catalán y declarada Monumento Nacional.

OTRAS COLABORACIONES FASCINANTES

Más allá de las etiquetas y la arquitectura, hay bodegas que encargan esculturas y piezas a artistas contemporáneos para colocar en sus fincas o catas privadas.

La bodega Vivanco, en La Rioja, posee un museo del vino que es una auténtica galería con obras de Miró, Chillida y Barceló. Si tienes ocasión de ir, y siendo la vendimia en septiembre, te lo recomiendo sin duda. Es una visita a una bodega muy bonita y con una colección de arte que asombra por su magnitud.

Aunque tengo más que claro que el vino español es el mejor (aunque no nos hayamos sabido posicionar), es cierto que hay una bodega en Francia que estoy deseando visitar: el Château Mouton Rothschild, en Burdeos. Es probablemente el “museo” más famoso en lo que a bodegas se refiere: cada cosecha colabora con un artista de primera línea desde que en 1945 el barón Philippe de Rothschild comenzó a pedir a pintores de vanguardia cuadros para sus vinos. De esta manera, sus etiquetados contienen obras de artistas de renombre desde Dalí hasta Jeff Koons, pasando por Chagall o Andy Warhol.

CONCLUSIÓN: EL ARTE DE BEBER DESPACIO

Lo que me gusta de esta fusión entre arte y vino es que comparten algo esencial: el placer pausado, la posibilidad de compartirlo, la celebración de los sentidos y esa capacidad de condensar tiempo y memoria.

Así que, si este verano o en la vendimia hacéis alguna escapada a Ribera del Duero, La Rioja o simplemente compartís un buen vino entre amigos o familia, fijaos bien en las pequeñas historias que nos cuentan cada una de estas bodegas a través de sus botellas.

Porque hay bodegas que no solo te ofrecen un buen vino, sino una experiencia completa.

¡Que tengas un buen verano!

¡Aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Este mes, os he categorizado los artistas como siempre, pero tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Litografía Pablo Ruiz Picasso en Setdart (@setdart_)

Si hay algo que suelo comentar con vosotros es lo difícil que resulta encontrar artistas de cierto recorrido por menos de 1.000 €. Sobre todo, cuando hablamos de nombres históricos o consolidados. Por eso, cuando me topé esta semana con una pieza de Pablo Picasso en Setdart, no pude evitar detenerme.

Se trata del lote 112 de su próxima subasta, abierto hasta el 17 de julio. La obra, titulada “Bouteille de vieux marc, verre et le journal” (1966), pertenece a la conocida serie ‘Papiers Collés’, litografías que Picasso publicó junto a Au Pont des Arts para conmemorar su donación de collages al Musée d'Art Moderne de París.

Lo interesante: la puja arranca en 650 €, con una estimación de 1.200-1.400 €. Teniendo en cuenta su origen editorial y que es una litografía firmada en plancha (no a mano, como es habitual en ediciones de tirada media-alta), es una oportunidad notable para iniciarse en obra gráfica de Picasso con buena procedencia y dentro de precios razonables.

Porque —y esto no es habitual— un Picasso por menos de 1.500 € es ya casi una rareza. La obra mide 64 x 49 cm, sobre papel vélin de Rives, y mantiene todo el carácter cubista de su etapa madura.

Puedes pujar aquí.

2. Entre 3.000€ y 5.000€: Ana Cardoso (@ana_cardoso_atelier)

Hay un nombre que llevaba tiempo siguiendo y que cada vez suena con más fuerza en ferias y exposiciones: Ana Cardoso.

Ana es una artista portuguesa con una sensibilidad extraordinaria, que combina figuración y simplificación formal en sus pinturas, explorando las relaciones entre lo personal y lo colectivo, la memoria y la emoción. Ha tenido la amabilidad de responder a algunas preguntas para esta newsletter, y me apetecía compartir aquí un pequeño extracto.

Preguntándole que cuándo supo que se dedicaría al arte, Ana confiesa que no hubo un momento concreto, sino un camino natural: "como muchos niños, empecé dibujando y guardando el dinero de los cumpleaños para comprar ceras de colores. Descubrí la pintura al óleo con 10 u 11 años y supe que ahí había algo importante para mí."

Su abuelo materno, buen dibujante, solía corregir sus dibujos los domingos por la tarde. Un detalle precioso que explica mucho de la delicadeza de su obra.

En sus cuadros siempre deja espacio para que el espectador complete el sentido. De hecho, Ana sostiene que sus obras no están completas hasta que alguien las contempla.

"No hay límites claros entre lo que es mío y lo que pertenece al otro. Quiero que quien mire mis cuadros pueda construir su propia memoria a partir de lo que propongo, sin que mi intención lo domine todo."

Sobre su proceso creativo, Ana me contó que la música es su primer acto cada mañana en el estudio. La canción que elige marca el tono de su día, y suele ser música portuguesa. También es una gran buscadora de imágenes, tanto en libros como viajando, y considera los viajes —y las pausas— imprescindibles para el proceso creativo.

Ana Cardoso será sin duda una artista de la que seguiremos escuchando. Te recomiendo que sigas su trabajo: sus piezas respiran honestidad, memoria y belleza suspendida en silencio.

3. Más de 3.000€: Mico Rabuñal (@micorabunal)

Otro nombre que no podía faltar en nuestra newsletter este mes es el de Mico Rabuñal. Artista joven, con una pintura potente y de carácter muy personal, Rabuñal ha sabido construir un lenguaje visual propio donde la figuración convive con atmósferas simbólicas y melancólicas. Vi sus obras en ArtMadrid y son increíbles, cargadas de personalidad y muy distintas.

Su obra mezcla referencias clásicas y contemporáneas, con un uso muy particular de la luz, los rostros ensimismados y los escenarios a medio camino entre lo onírico y lo cotidiano. Lo fascinante de su pintura es esa capacidad de sugerir más de lo que muestra, dejando siempre un espacio de misterio para el espectador.

Rabuñal es de esos artistas que te obligan a detenerte. Sus personajes parecen estar conteniendo un secreto que nunca llega a desvelarse del todo.

Si no le tienes fichado aún, te recomiendo que sigas su trabajo, porque se perfila como uno de esos nombres discretos pero imprescindibles del panorama contemporáneo. Además, tiene piezas muy asequibles por debajo de los 1.000€ y me parece un artista muy bueno para añadir a tu colección de arte. Yo lo tengo claro: quiero los sugus.

¡Hasta la próxima entrega!

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Hoy quiero compartirte algo que me tiene especialmente entretenida estos días. Durante el mes de junio he estado cursando una asignatura en la Universidad de Nebrija sobre el mercado del arte (lo sé, no paro quieta)…

En este mes he redescubierto una figura fascinante y muy desconocida para muchos: el marchante de arte. Aunque solemos poner el foco en artistas, museos y galerías, los marchantes han sido —y son— piezas clave en la historia del arte. Son quienes han impulsado carreras, protegido colecciones y marcado tendencias en el mercado.

A pesar de que suene como una figura arcaica y desvanecida hoy en día, nada más lejos de la realidad. Por eso, te quiero hablar sobre la importancia del marchante en el mercado del arte.

¿QUÉ ES UN MARCHANTE DE ARTE?

Un marchante es un intermediario profesional entre artistas, coleccionistas, museos y casas de subastas. Su papel va más allá de vender obras: asesoran a compradores, promueven a artistas y participan en la gestión, difusión y preservación de colecciones.

A menudo tienen una relación muy estrecha con los artistas, a quienes ayudan a posicionarse en el mercado, negociar precios y establecer contactos con coleccionistas o instituciones.

La figura del marchante aparece con fuerza en el Renacimiento, aunque se profesionaliza realmente en el siglo XIX, coincidiendo con la aparición de galerías privadas y grandes coleccionistas particulares. En ese contexto, los marchantes comienzan a mediar entre artistas y compradores, decidiendo qué obras exponer y a quién ofrecérselas. Eran, en muchos casos, los auténticos prescriptores del gusto.

Hoy su trabajo es aún más complejo. El marchante es quien conecta al artista con el coleccionista, quien media con galerías, subastas e instituciones, por lo que la confianza entre el marchante, el comprador y el artista es imprescindible.

Por ponerte un ejemplo, en septiembre de 2008, Damien Hirst realizó una venta histórica en Sotheby's donde subastó 223 obras de su estudio, recaudando más de 140 millones de euros. Esta venta fue un acontecimiento significativo en el mundo del arte, ya que Hirst vendió directamente sus obras sin la intervención de galeristas. No obstante, su éxito fue posible gracias a años de respaldo de figuras como Jay Jopling, que apostó por él cuando era un artista emergente. Jopling no solo le consiguió sus primeras ventas importantes, sino que tejió para él una red de coleccionistas privados, críticos y comisarios que le catapultaron a la fama.

Su caso ejemplifica que en el mercado del arte la independencia absoluta es ilusoria: el respaldo de marchantes y galeristas sigue siendo crucial para construir una carrera sólida y establecer vínculos con coleccionistas.

MARCHANTES CÉLEBRES EN LA HISTORIA

Actuando como sombras de la imagen de pintores o escultores, los marchantes han sido a lo largo del tiempo los hacedores desconocidos del arte. Entre ellos, destacan algunas figuras sin las que movimientos como el impresionismo, el cubismo y otras vanguardias no hubieran tenido su reconocimiento.

• Paul Durand-Ruel: esencial para el éxito de los impresionistas. Apostó por Monet, Renoir, Pissarro o Degas cuando nadie compraba sus obras. Fue de los primeros en organizar exposiciones itinerantes internacionales y garantizar la difusión global de sus artistas.

• Daniel-Henry Kahnweiler: marchante de Picasso, Braque, Gris o Léger. Sin él, el cubismo no habría alcanzado la proyección que tuvo. Fue un visionario que supo leer el potencial de los movimientos de vanguardia.

• Leo Castelli: clave en el mercado del arte norteamericano del siglo XX. Representó a Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein o Andy Warhol. Castelli entendió mejor que nadie la importancia de Nueva York como nuevo epicentro del arte contemporáneo.

EL MARCHANTE HOY: ENTRE LA EXCLUSIVIDAD Y LA GLOBALIZACIÓN

Actualmente, los marchantes trabajan en un mercado mucho más amplio, marcado por la internacionalización, las ferias de arte y las subastas online. Muchos de ellos combinan su labor con la dirección de galerías, participando en ferias como Art Basel, ARCO o Frieze.

Sigue habiendo figuras muy influyentes, como:

• Larry Gagosian: posiblemente el marchante y galerista más poderoso del mundo. Su red de galerías expone a los artistas contemporáneos más cotizados.

• David Zwirner: otro referente global, representa a artistas como Yayoi Kusama o Luc Tuymans.

• Helga de Alvear: en España, ha sido clave en la proyección de artistas internacionales y nacionales contemporáneos, además de ceder su colección a su propio museo en Cáceres.

Los marchantes son intermediarios privilegiados para las adquisiciones de museos, pues actúan como asesores sobre precios, procedencias y autenticidades. Muchas de las grandes colecciones privadas y públicas se han formado gracias a sus recomendaciones, llegando incluso a establecer grandes fundaciones de arte como Marguerite y Aimé Maeght. También funcionan como custodios del mercado, mediando en la reventa de piezas y garantizando la calidad y seguridad jurídica de las transacciones.

Me está pareciendo apasionante descubrir cómo, tras cada cuadro colgado en un museo o en la pared de una casa, hay una red de relaciones, intereses, apuestas y estrategias que el gran público no suele ver. Los marchantes no solo venden arte: deciden qué arte vale la pena ver y conservar.

Si te interesa el mundo del mercado artístico, te recomiendo seguirles la pista. Son la brújula de lo que vendrá.

Desde aquí quiero agradecer especialmente a Esperanza Belda y la Universidad de Nebrija por haberme acercado a esta fascinante figura en la que poder relacionarme.

¡Aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

Este mes, os he categorizado los artistas como siempre, pero tened en cuenta que los precios pueden ser mayores o menores dependiendo de la pieza y del tamaño de la obra.

1. Hasta 1.000€: Litografía Pablo Ruiz Picasso en Setdart (@setdart_)

Si hay algo que suelo comentar con vosotros es lo difícil que resulta encontrar artistas de cierto recorrido por menos de 1.000 €. Sobre todo, cuando hablamos de nombres históricos o consolidados. Por eso, cuando me topé esta semana con una pieza de Pablo Picasso en Setdart, no pude evitar detenerme.

Se trata del lote 112 de su próxima subasta, abierto hasta el 17 de julio. La obra, titulada “Bouteille de vieux marc, verre et le journal” (1966), pertenece a la conocida serie ‘Papiers Collés’, litografías que Picasso publicó junto a Au Pont des Arts para conmemorar su donación de collages al Musée d'Art Moderne de París.

Lo interesante: la puja arranca en 650 €, con una estimación de 1.200-1.400 €. Teniendo en cuenta su origen editorial y que es una litografía firmada en plancha (no a mano, como es habitual en ediciones de tirada media-alta), es una oportunidad notable para iniciarse en obra gráfica de Picasso con buena procedencia y dentro de precios razonables.

Porque —y esto no es habitual— un Picasso por menos de 1.500 € es ya casi una rareza. La obra mide 64 x 49 cm, sobre papel vélin de Rives, y mantiene todo el carácter cubista de su etapa madura.

Puedes pujar aquí.

2. Entre 3.000€ y 5.000€: Ana Cardoso (@ana_cardoso_atelier)

Hay un nombre que llevaba tiempo siguiendo y que cada vez suena con más fuerza en ferias y exposiciones: Ana Cardoso.

Ana es una artista portuguesa con una sensibilidad extraordinaria, que combina figuración y simplificación formal en sus pinturas, explorando las relaciones entre lo personal y lo colectivo, la memoria y la emoción. Ha tenido la amabilidad de responder a algunas preguntas para esta newsletter, y me apetecía compartir aquí un pequeño extracto.

Preguntándole que cuándo supo que se dedicaría al arte, Ana confiesa que no hubo un momento concreto, sino un camino natural: "como muchos niños, empecé dibujando y guardando el dinero de los cumpleaños para comprar ceras de colores. Descubrí la pintura al óleo con 10 u 11 años y supe que ahí había algo importante para mí."

Su abuelo materno, buen dibujante, solía corregir sus dibujos los domingos por la tarde. Un detalle precioso que explica mucho de la delicadeza de su obra.

En sus cuadros siempre deja espacio para que el espectador complete el sentido. De hecho, Ana sostiene que sus obras no están completas hasta que alguien las contempla.

"No hay límites claros entre lo que es mío y lo que pertenece al otro. Quiero que quien mire mis cuadros pueda construir su propia memoria a partir de lo que propongo, sin que mi intención lo domine todo."

Sobre su proceso creativo, Ana me contó que la música es su primer acto cada mañana en el estudio. La canción que elige marca el tono de su día, y suele ser música portuguesa. También es una gran buscadora de imágenes, tanto en libros como viajando, y considera los viajes —y las pausas— imprescindibles para el proceso creativo.

Ana Cardoso será sin duda una artista de la que seguiremos escuchando. Te recomiendo que sigas su trabajo: sus piezas respiran honestidad, memoria y belleza suspendida en silencio.

3. Más de 3.000€: Mico Rabuñal (@micorabunal)

Otro nombre que no podía faltar en nuestra newsletter este mes es el de Mico Rabuñal. Artista joven, con una pintura potente y de carácter muy personal, Rabuñal ha sabido construir un lenguaje visual propio donde la figuración convive con atmósferas simbólicas y melancólicas. Vi sus obras en ArtMadrid y son increíbles, cargadas de personalidad y muy distintas.

Su obra mezcla referencias clásicas y contemporáneas, con un uso muy particular de la luz, los rostros ensimismados y los escenarios a medio camino entre lo onírico y lo cotidiano. Lo fascinante de su pintura es esa capacidad de sugerir más de lo que muestra, dejando siempre un espacio de misterio para el espectador.

Rabuñal es de esos artistas que te obligan a detenerte. Sus personajes parecen estar conteniendo un secreto que nunca llega a desvelarse del todo.

Si no le tienes fichado aún, te recomiendo que sigas su trabajo, porque se perfila como uno de esos nombres discretos pero imprescindibles del panorama contemporáneo. Además, tiene piezas muy asequibles por debajo de los 1.000€ y me parece un artista muy bueno para añadir a tu colección de arte. Yo lo tengo claro: quiero los sugus.

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Hace unos días tuve la suerte de visitar en el Museo Thyssen de Madrid una exposición preciosa: “Proust y las artes”, que terminó el domingo, pero aquí estoy para contarte sus detalles y también reflexionar sobre cómo la obra de Marcel Proust dejó una huella sutil pero poderosa en las artes visuales del siglo XX.

No siempre se habla de la influencia de los escritores sobre los pintores, pero en el caso de Proust, su capacidad para detener el tiempo y sublimar lo cotidiano convirtió su literatura en fuente de inspiración para artistas que, como él, buscaban capturar el instante y la memoria.

¿Quién fue Marcel Proust?

Marcel Proust (1871-1922) fue un escritor francés cuya obra cumbre, "En busca del tiempo perdido", es una de las novelas más importantes de la literatura universal. Compuesta por siete volúmenes y más de cuatro mil páginas, es mucho más que una narración autobiográfica: es una reflexión sobre la memoria, el amor, el deseo, el arte y el paso del tiempo.

Proust creía en la idea de que la verdadera vida se encuentra en la memoria, en los detalles insignificantes que, evocando emociones, revelan verdades profundas. Y esto —igual que sucede en la pintura— permite capturar aquello que parece efímero.

Proust y la pintura: una fascinación mutua

Proust no solo era un gran lector, sino también un apasionado del arte. Desde muy joven visitó museos, coleccionó reproducciones y cultivó amistades con artistas y marchantes. En su obra hay constantes referencias a pintores como Vermeer, El Greco, Watteau, Carpaccio o Monet.

De hecho, algunos personajes de En busca del tiempo perdido están inspirados en obras pictóricas, como Elbergotte, que encarna al crítico de arte Robert de Montesquiou, o la descripción casi impresionista de los jardines y salones que recuerda a los ambientes de Monet o Renoir.

La exposición organizada en el Thyssen explora precisamente esa conexión. Reúne pinturas, esculturas, fotografías y objetos decorativos que ilustran el universo estético de Proust y su época.

Obras de John Singer Sargent, Claude Monet, Pierre Bonnard y Jacques-Émile Blanche dialogan con fragmentos de la novela y con fotografías de los salones y jardines parisinos que inspiraron al escritor.

Me impactó especialmente una Vista de Delft de Vermeer, una pintura que obsesiona al narrador de la novela y cuyo “pequeño parche amarillo” se convierte en símbolo de revelación estética y plenitud.

También se exhiben retratos de actrices, aristócratas y artistas que Proust frecuentó, muchos de ellos personajes camuflados en su novela.

La herencia de Proust en el arte del siglo XX

Aunque Marcel Proust no fue pintor ni artista plástico, su visión del tiempo, de la belleza fugitiva y de los espacios cargados de memoria influyó en muchas de las vanguardias.

• Los impresionistas compartieron su obsesión por atrapar el instante cambiante.

• Los simbolistas conectaron con su visión intimista y espiritual.

• Y los surrealistas encontraron en su idea de la memoria involuntaria una vía para explorar el inconsciente.

Incluso artistas contemporáneos como Christian Boltanski o Sophie Calle han reconocido su deuda con la literatura de Proust a la hora de trabajar con el recuerdo y la nostalgia como material artístico.

Lo maravilloso de exposiciones como esta es recordarnos que el arte, la pintura, la literatura, la música, la fotografía y la moda dialogan entre sí, se inspiran mutuamente y construyen un imaginario común.

Proust supo ver belleza en lo diminuto, detenerse en los detalles que otros ignoraban y elevarlos a categoría de arte. Y eso, al final, es lo que todos buscamos cuando entramos en un museo, abrimos un libro o asistimos a una exposición: revivir lo perdido y detener el tiempo aunque sea por un instante.

Las obras que he puesto son algunas de las que han formado parte de la exposición. Si quieres ver más puedes pinchar aquí.

¡Si te perdiste mi anterior entrada, aquí tienes los artistas del mes!

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

1. Hasta 1.000€: BACBAC studio (@bacbacestudio)

BACBAC Estudio es un estudio de Arte Contemporáneo formado por Beatriz Bonilla en colaboración con Cirenia Lamela. Beatriz es licenciada en ciencias económicas y empresariales por ICADE mientras que Cirenia estudió Restauración de Pintura.

De esta unión surge BACBAC, un estudio centrado en lo geométrico y abstracto y en el que prima el “menos es más”. La sobriedad de líneas y formas y su propia sencillez dotan a sus obras de un carácter propio con influencia arquitectónica. Se podría decir que su modus operandi es el cambio constante, interesándose mucho por investigar la incorporación al mundo del arte de nuevos materiales y técnicas.

Estuve hablando con Bea, que es encantadora, y viendo las nuevas piezas que tiene en su estudio. Tiene obras que van desde la escultura, pintura y metacrilato, todas llenas de color y de personalidad. No sabría deciros cuál me ha gustado más.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Inés Rubio (@rubioroa.art)

No podía hacer una newsletter de surrealismo sin mencionar a una de mis artistas favoritas ahora mismo, Inés Rubio (que además conozco desde el colegio). Tiene una sólida formación en Bellas Artes y también estudió arquitectura, completando su formación como artista en París y Nueva York.

“Mi obra a tiene un alto contenido figurativo y pictórico. No como un simple retorno nostálgico al pasado, sino como herramienta de representación para crear algo honesto. Para mí, pintar comienza por una idea vaga, sin definición, sin limitaciones; una visión tenue de un concepto que va tomando forma y cuerpo según lo voy ejecutando. Es el propio proceso de ejecución el que se revela como herramienta de creación. El propósito de mi obra es ex plorar física y visualmente esa idea que quiero y necesito mostrar al espectador. Quiero que la obra se convierta en un medio para transmitir. Cualquiera que sea la sensación provocada, la obra ya habrá tenido sentido, aunque dure sólo un segundo. El arte pictórico nos permite mostrar todo su contenido en tan solo un instante”.

Su obra es pura magia, nos transporta a un mundo surrealista e increíblemente conectado. Un mundo lleno de simbología donde cada objeto tiene un propósito y significado en el conjunto de su obra. En sus propias palabras:

“Mi recorrido artístico navega por la confluencia del surrealismo y el empirismo, dos perspectivas filosóficas aparentemente contradictorias. Mientras que el surrealismo se adentra en el vasto reino del inconsciente, enfatizando el poder de la intuición y la imaginación, el empirismo se basa en la realidad tangible de la observación y la experiencia. Me siento atraída por ambos enfoques, intrigada por su naturaleza contrastante pero complementaria. En mi pintura, abrazo lo irracional y exploro las profundidades del inconsciente. Ensamblo objetos cotidianos y nociones contemporáneas, a menudo fuera de escala y contexto, para crear una atmósfera fantástica que desafía la percepción de la realidad. Sin embargo, también incorporo la lógica del mundo físico, asegurando que mis paisajes surrealistas permanezcan arraigados en una realidad reconocible.”

“En un mundo a menudo definido por límites rígidos y marcos lógicos, mi arte ofrece una mirada a las posibilidades sin límites de la imaginación. Al infundir lo familiar con lo extraordinario, mi obra busca evocar empatía y conexión emocional en el público. Es un mundo donde lo familiar se vuelve desconocido, donde lo cotidiano adquiere una calidad onírica y donde el espectador es invitado a participar en un diálogo entre lo consciente y lo inconsciente”.

Ha expuesto en Madrid en sitios tan conocidos como la feria ArtMadrid o la Galería WhiteLab e internacionalmente en París, Londres y Nueva York. No le quites el ojo porque es absolutamente única.

3. Más de 3.000€: Thomas Bossard (@thomasbossardpainting)

Pintor francés nacido en Poitiers, en una familia numerosa y creativa. Su madre fomentó su interés por el arte desde muy temprana edad, llevándolo a varios museos donde descubrió, de forma memorable, las obras de Fernand Léger.

Trabajó en el Teatro del Capitolio, como pintor y decorador, Thomas Bossard podría empezar a expresar su paleta artística en toda su versatilidad: ilustración, pintura, escenografía, murales, fotografía, decoración... Como explica Bossard, el objetivo más importante para él siempre fue ejercitar su imaginación en cada ocupación que desempeñó. Sin embargo, cuando su deseo de crear de forma independiente se apoderó de él, abandonó el teatro para explorar y, tal vez, revivir el mundo de la interpretación a través del prisma de sus propios ojos y su ingenio.

En su obra reserva un lugar muy especial a dos campos aparentemente diferentes de la danza y el arte culinario. Independientemente del tema, Bossard inyecta humor y, como él espera, optimismo en sus obras.

Estuve hablando con él gracias a las redes sociales y justo exponía en una pequeña galería en Biarritz, coincidiendo con un viaje, así que no podía resistirme a no ir. En persona las obras siempre ganan. En el caso de las obras Thomas, si las ves en persona es difícil que te vayas sin una sonrisa en la cara porque enamoran.

¡Hasta la próxima entrega!

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Mi querido lector, ya estoy de vuelta. Este mes entre trabajo y exámenes no he tenido un minuto para dedicarme a escribir, pero aquí estoy, retomando como si mayo no hubiera pasado.

Como recordarás, en abril estuve comentando sobre el movimiento del surrealismo y el realismo mágico (puedes leerlo aquí), dos movimientos absolutamente fascinantes, con artistas que impactaron con su estilo único.

Hoy, en la Galería de Babukali, te quiero hablar sobre uno de los artistas más enigmáticos y fascinantes del siglo XX: Réné Magritte. Un pintor que, con su sombrero bombín y su manera discreta de desafiar la lógica, cambió para siempre la manera en la que miramos la realidad.

¿Quién fue Réné Magritte?

Nacido en Lessines, Bélgica, en 1898, Magritte creció en una familia burguesa. Su infancia se vio marcada por una tragedia que le acompañaría toda la vida: cuando tenía 13 años, su madre se suicidó arrojándose a un río. Se cuenta que cuando la encontraron, su rostro estaba cubierto por su camisón, una imagen que algunos críticos relacionan con la constante presencia de rostros ocultos en su obra.

Magritte estudió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, aunque su formación académica le aburría. Empezó a realizar sus primeras obras impresionistas, influenciándose posteriormente por el cubismo. Pronto se dejó seducir por el surrealismo, y hacia 1927 se instaló en París, donde se integró en el círculo de André Breton junto a Dalí, Ernst y Miró.

Ese mismo año expuso su primera exposición individual en Bruselas y, curiosamente, fue un fracaso total. Tanto los críticos como el público rechazaron su obra, lo que le obligó a marcharse a París, pero no dejó de defender su estilo. En París muy pronto empezó a relacionarse con algunos de los más ilustres fundadores del movimiento surrealista entre los que se encuentran Salvador Dalí, Max Ernst y Joan Miró. En los años siguientes, Magritte produjo obras tan importantes como Los amantes y El falso espejo.

En la obra “Los amantes” los velos húmedos aluden al suicidio de su madre, ahogada en el río.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, tanto la vida personal como la producción artística de Magritte dieron un giro radical. Al optar por permanecer en Bélgica durante la ocupación nazi, se distanció de André Breton y del núcleo surrealista de París. La angustia y el horror provocados por la contienda influyeron en su estado de ánimo y se reflejaron en obras de carácter más sombrío y desordenado, muy en sintonía con el espíritu surrealista. Curiosamente, durante esa etapa, Magritte incorporó colores más vivos y adoptó una técnica cercana al impresionismo en piezas como El retorno de la llama y La compensación. Tras la guerra, su ruptura con Breton se hizo definitiva, y junto a otros artistas firmó el manifiesto El surrealismo a plena luz del sol, donde defendían una versión más libre y alejada del surrealismo ortodoxo impuesto desde París.

¿Qué representa su estilo?

Magritte fue surrealista, sí, pero a su manera. A diferencia de Dalí, que pintaba sueños exuberantes, o de Ernst, que creaba mundos fantásticos, Magritte usó objetos cotidianos en contextos imposibles. Su pintura es conceptual: no busca impresionar con lo visual, sino provocar una reflexión filosófica, buscar lo mágico en lo cotidiano.

De esta forma, podemos decir que la obra del artista belga filtraba la realidad , consiguiendo imágenes sorprendentes e ingeniosas a la par que el cuestionamiento mismo de esa realidad. En “el hijo del hombre” vemos la esencia de Magritte: lo visible oculta más de lo que revela. Es decir que, en este caso, la manzana no solo tapa el rostro del hombre representado, sino que es una forma de enseñarnos que lo que a veces vemos es solo una parte de la realidad, pero lo realmente importante puede estar oculto. La manzana en sí tiene un sinfín de significados (fruta del conocimiento, del deseo, tentación…). Magritte juega con todo esto para que nos preguntemos qué es realmente lo que queremos ver y qué estamos dejando pasar: es el choque entre lo que mostramos y lo que escondemos, invitándonos a ver más allá, y es que para el artista la realidad no es sólo lo que captamos con los ojos, sino que va mucho más allá.

Magritte quería cuestionar los hábitos perceptivos y hacer tambalear nuestra visión lógica del mundo, fue un maestro en crear imágenes reconocibles pero cargadas de paradoja y misterio. En el cuadro de una pipa con la inscripción "Ceci n'est pas une pipe" (Esto no es una pipa), supone una crítica a la confusión entre la imagen y la realidad.

El 15 de agosto de 1967, René Magritte murió a la edad de 68 años. Su trabajo se convertiría en una gran influencia para los artistas pop como Andy Warhol, y desde entonces se han celebrado innumerables exposiciones por todo el mundo sobre su obra. En el año 2009 se inauguró el Museo Magritte en Bruselas, que te recomiendo sin duda que visites si tienes la oportunidad.

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES1:

1. Hasta 1.000€: BACBAC studio (@bacbacestudio)

BACBAC Estudio es un estudio de Arte Contemporáneo formado por Beatriz Bonilla en colaboración con Cirenia Lamela. Beatriz es licenciada en ciencias económicas y empresariales por ICADE mientras que Cirenia estudió Restauración de Pintura.

De esta unión surge BACBAC, un estudio centrado en lo geométrico y abstracto y en el que prima el “menos es más”. La sobriedad de líneas y formas y su propia sencillez dotan a sus obras de un carácter propio con influencia arquitectónica. Se podría decir que su modus operandi es el cambio constante, interesándose mucho por investigar la incorporación al mundo del arte de nuevos materiales y técnicas.

Estuve hablando con Bea, que es encantadora, y viendo las nuevas piezas que tiene en su estudio. Tiene obras que van desde la escultura, pintura y metacrilato, todas llenas de color y de personalidad. No sabría deciros cuál me ha gustado más.

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Inés Rubio (@rubioroa.art)

No podía hacer una newsletter de surrealismo sin mencionar a una de mis artistas favoritas ahora mismo, Inés Rubio (que además conozco desde el colegio). Tiene una sólida formación en Bellas Artes y también estudió arquitectura, completando su formación como artista en París y Nueva York.

“Mi obra a tiene un alto contenido figurativo y pictórico. No como un simple retorno nostálgico al pasado, sino como herramienta de representación par a crear algo honesto. Par a mí, pintar comienza por una idea vaga, sin definición, sin limitaciones; una visión tenue de un concepto que va tomando forma y cuerpo según lo voy ejecutando. Es el propio proceso de ejecución el que se revela como herramienta de creación. El propósito de mi obra es ex plorar física y visualmente esa idea que quiero y necesito mostrar al espectador. Quiero que la obra se convierta en un medio para transmitir. Cualquiera que sea la sensación provocada, la obra ya habrá tenido sentido, aunque dure sólo un segundo. El arte pictórico nos permite mostrar todo su contenido en tan solo un instante”.

Su obra es pura magia, nos transporta a un mundo surrealista e increíblemente conectado. Un mundo lleno de simbología donde cada objeto tiene un propósito y significado en el conjunto de su obra. En sus propias palabras:

“Mi recorrido artístico navega por la confluencia del surrealismo y el empirismo, dos perspectivas filosóficas aparentemente contradictorias. Mientras que el surrealismo se adentra en el vasto reino del inconsciente, enfatizando el poder de la intuición y la imaginación, el empirismo se basa en la realidad tangible de la observación y la experiencia. Me siento atraída por ambos enfoques, intrigada por su naturaleza contrastante pero complementaria. En mi pintura, abrazo lo irracional y exploro las profundidades del inconsciente. Ensamblo objetos cotidianos y nociones contemporáneas, a menudo fuera de escala y contexto, para crear una atmósfera fantástica que desafía la percepción de la realidad. Sin embargo, también incorporo la lógica del mundo físico, asegurando que mis paisajes surrealistas permanezcan arraigados en una realidad reconocible.”

“En un mundo a menudo definido por límites rígidos y marcos lógicos, mi arte ofrece una mirada a las posibilidades sin límites de la imaginación. Al infundir lo familiar con lo extraordinario, mi obra busca evocar empatía y conexión emocional en el público. Es un mundo donde lo familiar se vuelve desconocido, donde lo cotidiano adquiere una calidad onírica y donde el espectador es invitado a participar en un diálogo entre lo consciente y lo inconsciente”.

Ha expuesto en Madrid en sitios tan conocidos como la feria ArtMadrid o la Galería WhiteLab e internacionalmente en París, Londres y Nueva York. No le quites el ojo porque es absolutamente única.

3. Más de 3.000€: Thomas Bossard (@thomasbossardpainting)

Pintor francés nacido en Poitiers, en una familia numerosa y creativa. Su madre fomentó su interés por el arte desde muy temprana edad, llevándolo a varios museos donde descubrió, de forma memorable, las obras de Fernand Léger.

Trabajó en el Teatro del Capitolio, como pintor y decorador, Thomas Bossard podría empezar a expresar su paleta artística en toda su versatilidad: ilustración, pintura, escenografía, murales, fotografía, decoración... Como explica Bossard, el objetivo más importante para él siempre fue ejercitar su imaginación en cada ocupación que desempeñó. Sin embargo, cuando su deseo de crear de forma independiente se apoderó de él, abandonó el teatro para explorar y, tal vez, revivir el mundo de la interpretación a través del prisma de sus propios ojos y su ingenio.

En su obra reserva un lugar muy especial a dos campos aparentemente diferentes de la danza y el arte culinario. Independientemente del tema, Bossard inyecta humor y, como él espera, optimismo en sus obras.

Estuve hablando con él gracias a las redes sociales y justo exponía en una pequeña galería en Biarritz, coincidiendo con un viaje, así que no podía resistirme a no ir. En persona las obras siempre ganan. En el caso de las obras Thomas, si las ves en persona es difícil que te vayas sin una sonrisa en la cara porque enamoran.

¡Hasta la próxima entrega!

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Ya aparece a lo lejos mi querido Jerez, donde las calles se llenan de procesiones, pasos centenarios de una belleza profunda, olor a incienso. Martes de San Mateo, si la lluvia lo permite, tradición familiar que no se pierde ninguno de mis primos. El sonido a lo lejos de la banda que anuncia la llegada del paso de la Virgen.

Nosotros no somos de torrijas, sino de Tio Pepe en la terraza, antes de ponernos los zapatos más cómodos para no perdernos un solo paso de Semana Santa. Arreglarnos para los oficios y días en familia donde el centro de todo es El.

En esta edición de la Galería de Babukali, aprovechando que estamos en esta Semana Santa, tiempo de introspección y contemplación, nos adentramos en una obra que encapsula la profundidad del sacrificio y la entrega: "Cristo en el Monte de los Olivos" de Andrea Mantegna. Esta pintura no solo representa un momento crucial previo al desenlace de la Pasión de Cristo, sino que también nos invita a explorar la riqueza simbólica y artística del Renacimiento italiano.

CONTEXTO HISTÓRICO Y ESTILO ARTÍSTICO

Andrea Mantegna (c. 1431-1506) fue un pintor italiano del Renacimiento temprano, considerado uno de los mayores representantes del Quattrocento italiano.

Mantegna es un artista indudablemente reconocido por su dominio de la perspectiva y el escorzo. Trabajó en las cortes de Padua y Mantua, dejando un legado que influiría en generaciones posteriores de artistas. Su fascinación por la antigüedad clásica es evidente en muchas de sus obras, donde incorpora elementos arquitectónicos y escultóricos inspirados en el mundo grecorromano.

En "Cristo en el Monte de los Olivos", Mantegna emplea una perspectiva rigurosa y una atención meticulosa al detalle, características distintivas de su estilo. La composición equilibrada y la representación realista de las figuras y el paisaje reflejan la transición del Gótico al Renacimiento en el arte italiano. Uno de los grandes aportes de Mantenga en la historia del arte, fue la de dotar de una forma escultórica a las figuras, tomando las ideas de Masaccio y llevándolas a su máxima expresión.

DESCRIPCIÓN DETALLADA DE LA OBRA

La obra "Cristo en el Monte de los Olivos" de Andrea Mantegna (también conocida como “la agonía en el huerto”) es una representación magistral del episodio bíblico en el que Jesús ora en el huerto de Getsemaní antes de su arresto.

Se trata una pintura al temple sobre tabla, de 62,9 × 80 cm. Esta obra, realizada alrededor de 1460, se conserva en la National Gallery de Londres.​ Si bien no tenemos una fecha específica de la datación de esta obra, la nitidez gráfica de las líneas, del paisaje y de las vestiduras en “Cristo en el Monte de los Olivos” hace pensar que el artista lo realizó hacia 1460, cuando aún estaba influido por Donatello y Bellini.

Mantegna presenta una composición rica en detalles y simbolismo:​

• Parte superior: El cielo, teñido de tonos dorados y azulados, sugiere el amanecer, indicando el inicio de los eventos que conducirán a la Pasión de Cristo.​

  

  La parte superior izquierda nos muestra la figura de 5 ángeles desnudos y con semblante de niñez. Estos ángeles, sobre una nube y mirando hacia la figura de Cristo, portan los símbolos que se relacionan con la Pasión (denominados Arma Cristi): el pilar o columna donde se azotó al Hijo de Dios, la cruz donde sería crucificado, la esponja y la caña con la que dan de beber a Cristo, y por último la lanza del centurión con la que atravesó costado de Jesucristo.

  El sentido espiritual es tener presente los hechos memorables de la Pasión de Cristo para poder interiorizarlos y meditar en el dolor que Cristo pasó en esta Tierra, así, mirando cada objeto representado, se pasa de unos a otros, en el orden natural de los acontecimientos reseñados en los Evangelios.

• Centro: Jesús está arrodillado sobre una formación rocosa, con las manos juntas en oración y la mirada elevada hacia los ángeles que descienden desde una nube, portando los elementos la Pasión. Esta interacción subraya la aceptación del sacrificio que está por venir.​ Según el relato de San Lucas, Jesús “puesto de rodillas oraba, diciendo: Padre, si quieres, aparta de mí este cáliz; pero no se haga mi voluntad sino la tuya. Y se le apareció un ángel del cielo que lo animaba”. Lleno de angustia oraba con más instancia; cayendo sobre él sudor como gruesas gotas de sangre (Lc 22, 41-46).

  

  En la representación de Mantegna, no encontramos uno, sino 5 ángeles que consuelan a Jesucristo, mientras él ora en una formación rocosa que parece simular un altar. Los rizos del cabello de Cristo parecen rígidos, casi calizos.

• Izquierda: Detrás de Jesús, se observan tres de sus discípulos, que identificamos gracias al halo que se dibuja sobre sus cabezas, durmiendo, ajenos a la angustia de su maestro. Según los evangelios de San Mateo (Marcos 14:32-42) después de cenar por última vez con sus discípulos, Jesús se retiró junto a tres de ellos, Pedro y los dos hijos del Zebedeo, Santiago y Juan, por lo que podemos reconocer las figuras representadas en la obra de Mantegna.

  

  Uno de los discípulos yace con las piernas mirando hacia el espectador, una pose difícil de representar en la pintura, y que permite a Mantegna producir una sensación en el espectador que parece que nos introduce en el cuadro. Sus posturas relajadas contrastan con la tensión evidente en la figura de Cristo.​ Los pliegues de los ropajes, así como el uso de los colores son propios del Quattrocento.

• Derecha: En el fondo, una procesión de soldados liderados por Judas Iscariote se aproxima por un sendero serpenteante, portando lanzas y antorchas, representando la inminente traición y arresto de Jesús.​

  

  Esta escena nos muestra lo que está por venir. Así, según los Evangelios de San Marcos, San Mateo, San Lucas y San Juan, sabemos que la Pasión comienza con la agonía en el huerto de los Olivos, seguida por la traición de Judas, que hizo posible el traslado de Jesús: primero ante la autoridad judía y, después, ante la romana. La sentencia condenatoria emanada por la autoridad del gobernador de Roma, Poncio Pilato llevará a Jesús, tras pasar por indecibles sufrimientos simbolizados en los objetos que portan los ángeles, al Calvario, lugar de la ejecución de Cristo.

• Paisaje: El entorno está meticulosamente detallado, con árboles de olivo y una ciudad amurallada en el fondo que, si bien no es una representación fidedigna, podemos identificar como Jerusalén. La precisión arquitectónica refleja la influencia de la antigüedad clásica en Mantegna.

  

  Al fondo, en la ciudad representada por el artista, podemos vislumbrar un pilar sobre el cual reposa una estatua de un caballero sobre un caballo cubierto de pan de oro que nos recuerda a las estatuas ecuestres romanas, pero también a los renacimientos de la forma, como el notable bronce de Donatello en Padua que representa al general Gattamelata, que Mantegna debió conocer.

  Podemos decir que, en esta obra, el paisaje es un tema de representación pictórica en sí. Si en un principio el paisaje era sólo secundario para dar forma a un segundo plano, a finales del siglo XVI se convirtió en un género pictórico propio. En el siglo XVII se desarrollaron “paisajes idílicos” (como los paisajes glorificados de C. Lorena) y “paisajes heroicos” (como las vistas alegóricas de Nicolás Poussin). Sin embargo, experimentó su auge durante el barroco holandés.

COMPARACIÓN CON OBRAS SIMILARES

Es interesante comparar esta obra con la versión de Giovanni Bellini, titulada también "Cristo en el Monte de los Olivos" (c. 1459), y que también se encuentra en la National Gallery de Londres.

En 1453, el joven pintor de Padua, se casó con la familia artística más grande de la cercana Venecia: los Bellini. Así, el cuñado de Mantegna, Giovanni Bellini, también artista de reconocido talento, trabajó con el artista Mantegna en un estrecho diálogo creativo durante años, lo que indudablemente quedó reflejado en las representaciones de ambos.

En el caso de la representación de Cristo orando en el huerto de los olivos, ambos artistas abordan el mismo tema, si bien sus interpretaciones difieren notablemente.

• Mantegna: Su obra presenta una composición más escultórica y detallada, con una atmósfera dramática y un uso intenso de la perspectiva.​

• Bellini: Opta por una representación más suave y lírica, con una paleta de colores más cálida y una atmósfera serena.​ Mientras que Mantegna ejemplificó al artista intelectual, Bellini fue el arquetipo del pintor de paisajes, el primero en utilizar el mundo natural para transmitir emociones.

Estas diferencias reflejan las distintas sensibilidades artísticas de ambos maestros y su enfoque particular hacia la narrativa visual.

CONCLUSIÓN

De esta forma, Mantegna nos muestra que la Pasión de Cristo no es la historia de un condenado a muerte, sino el camino de la manifestación mesiánica de Jesús; es epifanía de su gloria.

“SPOTTED”: LOS ARTISTAS DE ESTE MES:

1. Hasta 1.000€: Bea Aiguabella (@anton.aiguabella)

2. Entre 1.000€ y 3.000€: Paul Anton (@anton.aiguabella)

No, no me he saltado el primer artista. Hoy te muestro un “2x1”.

En el contexto del arte compartido a través de las redes sociales, surge el proyecto de contemporary art gallery Anton Aiaguabella, una galería de arte virtual de dos artistas: Paul Anton y Bea Aiguabella. Ambos son arquitectos y artistas de Pamplona y Zaragoza que unen su talento para imbuirnos en su vibrante universo artístico de experiencias sensoriales y fusión.

En ambos predomina una estética minimalista, calmada y contemporánea, combinando telas y pigmentos que crean obras basadas en el concepto de kokoro, palabra japonesa para designar el corazón o la esencia de las cosas. Sus obras, que van desde pinturas hasta esculturas, encarnan una estética etérea moldeada por la geometría constructivista y la sensibilidad arquitectónica.

Anton Aiguabella cautiva a sus espectadores a través de experiencias inmersivas que invitan a la introspección y la contemplación.

El trabajo de Bea se nutre de la idea de repetición de elementos simples y aparentemente iguales para considerar la relación del binomio individual-colectivo.

3. Más de 3.000€: José Carlos naranjo (@josecarlosnaranjo)

El artista gaditano José Carlos Naranjo (Villamartín, 1983) ha ganado la 60ª edición Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura por su obra Extrarradio, poniendo su nombre en el punto de mira de cualquier galería o coleccionista. La obra de José Carlos Naranjo Bernal responde a una nueva línea pictórica basada en la construcción de un nuevo lenguaje figurativo propio, producto de una generación joven. El entorno urbano inmediato es el tema elegido para ubicar a unos personajes anónimos sorprendidos en mitad de la noche en actitudes poco frecuentes y distendidas.

Ha realizado diversas exposiciones individuales entre las que caben destacar las realizadas en la Galería Birimbao de Sevilla, la sala Rivadavia de la Diputación de Cádiz y SCAN Projects Room de Londres en 2018. No hay duda de su valor actual y de su trayectoria futura. Su obra está en colecciones como Ars Citerior, Scan Projects Room en Londres, Unit 1 Gallery Foundation en Londres, CAC Málaga, UNIA Universidad Internacional de Andalucía y BMW Ibérica de Madrid

¡Hasta la próxima entrega!

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