Llevo comprando hardware gráfico desde la Matrox Millennium y la Matrox Mystique, cuando ni siquiera las llamábamos tarjetas gráficas, sino aceleradoras. Después pasé por el 3DFX con la mítica Voodoo y, más tarde, por varias generaciones de Nvidia. Recuerdo el momento en que la GPU empezó a exigir alimentación propia porque, por no saberlo, empezó a salir humo de mi ordenador al arrancar el Oblivion. Así hasta llegar a nuestros días, en los que tengo una RTX 5080. Eso sí, principalmente por trabajo.

Siempre me ha gustado el hardware. Recuerdo la emoción de cambiar una tarjeta gráfica, comprobar hasta dónde podía llegar y ver cómo un juego que antes funcionaba a trompicones de repente se movía con soltura. Había algo especial en abrir la caja, desmontar el ordenador y sentir que acababas de darle unos cuantos años más de vida.

Sin embargo, hubo un momento, no sabría decir exactamente cuándo, en el que comprar una gráfica empezó a dejar de ser tan divertido.

Antes podía pasar perfectamente cuatro años con una tarjeta y sentir que había hecho una buena compra. Después, las generaciones empezaron a sucederse cada vez más deprisa, los precios subieron y la vida útil psicológica del hardware se redujo. Digo psicológica porque la tarjeta seguía funcionando perfectamente. Era yo quien empezaba a mirarla de otra manera. Al cabo de dos años, ya pensaba en modificar el equipo para intentar estar a la última.

Por supuesto, nadie te obliga a cambiar de GPU cada dos años. Yo mismo he conservado componentes durante mucho más tiempo cuando no he sentido la necesidad de sustituirlos. Pero todo el discurso que rodea al hardware está diseñado para conseguir que sientas que te estás quedando atrás, incluso cuando lo que tienes sigue cumpliendo de sobra.

El otro día me saltó en YouTube un fragmento de un podcast de Linus Tech Tips en el que le preguntaban qué consideraba actualmente una tarjeta gráfica de gama media. Su respuesta era que ya ni siquiera sabía dónde colocar esa etiqueta, porque los precios se habían desplazado tanto que la gama de entrada empezaba a costar lo que antes relacionábamos con productos mucho más ambiciosos.

Y creo que tiene razón. Muchas veces tengo la sensación de que nos han convencido de que lo mínimo necesario para montar un buen ordenador es algo parecido a una RTX 5070 Ti. Todo lo que se encuentra por debajo es porque has tenido que hacer concesiones y no es un equipo gaming “de verdad”. Sin embargo, cualquier GPU de entrada es ya un producto más que decente: una RTX 5060 cuesta unos 299 euros y la 5060 Ti 379 euros. No son tarjetas regaladas, precisamente, pero tampoco pertenecen a ese universo de los mil euros en el que parece empezar ahora el PC serio.

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Lo malo conocido

El otro día me dio por mirar cómo había sido la reacción del público japonés al anuncio de PlayStation y la eliminación del formato físico. Resumiendo un poco, la reacción no ha sido tan visceral como en occidente; no hay campañas de boicot ni un ajetreo en las redes sociales, pero esto tampoco significa que se lo hayan tomado bien. Como parte del públi…

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a month ago · 8 likes · 2 comments · Alejandro Pascual

Hemos adoptado las necesidades de los entusiastas

En esta situación tienen culpa los fabricantes, por supuesto, pero creo que nosotros también hemos contribuido bastante. Yo consumo análisis de Digital Foundry, de Linus y de muchos otros canales especializados que enseñan cómo debería verse un videojuego. Me gusta ver cómo funcionan el trazado de rayos, el path tracing, los reflejos, las sombras y todas esas pequeñas diferencias que se aprecian estupendamente cuando detienes la imagen, la amplías y colocas dos configuraciones una al lado de la otra.

Es un contenido que disfruto mucho. El problema aparece cuando empiezo a adoptar como estándar mínimo las necesidades de quienes se ganan la vida encontrando esas diferencias. Además de ser su trabajo, son verdaderos entusiastas. Les gusta analizar si un cristal refleja correctamente la calle que tiene detrás o si una sombra utiliza una técnica más precisa. Yo también puedo disfrutar observándolo, pero durante una partida normal, la verdad es que no siempre lo aprecio con la misma intensidad.

Y por eso tengo la sensación de que hemos convertido la gama entusiasta en una necesidad psicológica. A veces ya ni siquiera me basta con que el juego se vea estupendamente. También quiero tener la certeza de que estoy jugando a su mejor versión posible. Son dos cosas diferentes y, a la hora de pagar, esa diferencia puede salir bastante cara. Hay un puzle en The Secret of Monkey Island que me hace mucha gracia. El vendedor de barcos de segunda mano Stan intentaba colocarnos un barco lleno de accesorios que no podíamos pagar y nosotros teníamos que ir quitándolos uno a uno hasta quedarnos con lo básico.

Quizá es hora de que con los videojuegos hagamos lo mismo.

Quita el trazado de rayos. Quita el path tracing. Baja de Ultra a Alto. Prescinde de la generación de fotogramas si no te convence. Utiliza DLSS en Rendimiento si juegas en 4K. Este modo reconstruye una imagen 4K desde una resolución interna de 1080p y, aunque no ofrece la misma imagen que una resolución nativa, el resultado moderno puede dar extraordinariamente bien el pego.

De repente, una 5060 o, con algo más de margen, una 5060 Ti puede ofrecer una experiencia que hace pocos años me habría parecido una barbaridad. Un juego como Cyberpunk 2077, sin trazado de rayos y utilizando sus ajustes altos y las técnicas de reconstrucción, sigue viéndose espectacular. Quizá haya que tocar alguna opción para mantener los 60 fotogramas en todo momento, pero precisamente de eso se trata: ajustar unas cuantas cosas, jugar y dejar de asumir que cualquier configuración inferior a la máxima resulta inaceptable.

Yo ahora mismo puedo jugar a prácticamente la mejor versión de cualquier juego. Tengo una 5080, un ordenador puntero e incluso he probado una 5090. A la vez, utilizo otros equipos y consolas portátiles mucho menos potentes, y lo que he descubierto al cambiar entre unos y otros es que el agravio comparativo dura bastante poco. Sí, mi cerebro sigue comparando porque sabe que existe una versión mejor y que, además, la he visto funcionando.

Pero después empiezo a jugar y dejo de mirar los charcos y los cristales y vuelvo a fijarme en los personajes, los combates o la historia. La diferencia sigue ahí, claro, pero pierde importancia. Lo que unos minutos antes parecía una concesión dolorosa acaba convirtiéndose en algo perfectamente disfrutable. Por todo ello me pregunto cuánto valor real tiene una vez desaparece el momento de la comparación. Cuánto estoy pagando por mejorar mi experiencia y cuánto por esa tranquilidad psicológica que produce saber que no hay una versión técnicamente superior a la que tengo delante.

Toca hacer una criba

Quizá en otro momento podía permitirme estos excesos con mayor facilidad. Cuando la RAM, los SSD y el resto de componentes tenían precios más razonables, era posible montar un equipo muy bueno por 1.400 o 1.500 euros apretando un poco. Si quería gastar más en la gráfica, incluso aunque no fuera estrictamente necesario, podía hacerlo porque el resto del ordenador no se había disparado.

Ahora el panorama es distinto. La demanda relacionada con la inteligencia artificial está afectando a la memoria, el almacenamiento y a las propias GPU. Incluso las CPU han subido bastante, sobre todo en portátiles. Las previsiones cambian constantemente y un día nos prometen que los precios se estabilizarán mientras al siguiente nos dicen que el problema durará años, pero me cuesta imaginar que montar un ordenador vuelva pronto a ser tan asequible como antes.

Si la RAM, el almacenamiento y la VRAM de la GPU más la escasez de tarjetas terminan añadiendo varios cientos de euros al presupuesto, quizá es momento de bajar nosotros mismos. Pasar de la 5070 Ti que creía necesitar a una 5060 Ti, por ejemplo. O de esta a una 5060. Tendremos que aceptar que se puede vivir sin trazado de rayos o sin path tracing y reduciendo algunas opciones sin sentir que estamos jugando mal.

Con las consolas va a ocurrir algo parecido. Quienes antes podíamos comprar todas las consolas tendremos que hacer una criba, porque por lo que puede costar una sola máquina en el futuro antes casi comprábamos las tres de una generación. También tendremos que seleccionar mejor los juegos si continúan subiendo de precio y más aún si desaparece el formato físico, llevándose con él parte de las ofertas, el préstamo, la reventa y el mercado de segunda mano.

Yo no voy a dejar de jugar ni de comprar tecnología. Me conozco lo suficiente como para saberlo. Pero sí tendré que preguntarme con mucha más frecuencia qué me aporta cada gasto. Y cuando llegue el momento de recortar, los primeros en caer serán probablemente esos excesos entusiastas que durante años creo que hemos ido convirtiendo poco a poco en necesidades.

Quizá vuelva a conseguir que una tarjeta gráfica me dure más de una generación. Y, en el camino, quizá aprendamos también a disfrutar más lo que tenemos en vez de mirar que es lo que está viniendo después.

El otro día me dio por mirar cómo había sido la reacción del público japonés al anuncio de PlayStation y la eliminación del formato físico. Resumiendo un poco, la reacción no ha sido tan visceral como en occidente; no hay campañas de boicot ni un ajetreo en las redes sociales, pero esto tampoco significa que se lo hayan tomado bien. Como parte del público occidental, muchos lo ven también con resignación y como algo que iba a pasar, y la mayoría de jugadores se debaten entre si esto es un problema por la conservación del formato en sí mismo o por las implicaciones de pertenencia que suponen.

Me dio por mirarlo porque recordaba mi viaje a Japón y la gran cantidad de tiendas que siguen quedando en torno a los videojuegos y el formato físico. En mi viaje, de hecho, no solo compré retro, sino que compré algunos juegos de por entonces las consolas de Sony que estaban activas: PlayStation 4 e incluso PlayStation Vita. Buena parte de las quejas de los jugadores ha sido por esto mismo: mientras que hay algunos coleccionistas, muchos se lamentan de que ya no podrán decidir qué hacer con su juego: si prestárselo a a un amigo o venderlo para subvencionar el siguiente.

Las tiendas también ven esto con resignación. Sabían que terminaría pasando y por lo que he leído algunas ya han asegurado que se volcarán todo lo posible en Nintendo Switch 2, algo que ya estaban haciendo, porque sigue siendo sin duda la que más tirón tiene con el formato físico en Japón. Esto es una buena noticia, porque la desaparición del formato en juegos de Nintendo, sobre todo first-party (ya sabemos lo que está ocurriendo con las Game-key Cards), puede seguir forzando a Nintendo a mantener el formato al menos una generación más aparte de esta. Es, además, la pescadilla que se muerde la cola, porque se hereda un vasto catálogo de cartuchos de juegos de Switch 1 y 2.

También he visto algunos datos que espero que Sony esté teniendo muy en cuenta, como que Monster Hunter Wilds vendió unas 838.000 copias físicas en PS5 solamente en Japón, lo cual es una absoluta barbaridad. Me parece curioso que, pese a que Sony haya presentado unas cifras y estadísticas maquilladas con respecto a la venta de discos, realmente a nivel interno le salgan tan bien como preveen los números. Su lógica, ya lo sabemos, es la siguiente: si gano un 30% que se llevan las tiendas y a jugadores que no pueden comprar de segunda mano, aunque pierda una gran cantidad de jugadores que sigue comprando así. Pero viendo algunos números, tengo que decir que me sorprende.

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¿El autor o los autores?

Estos días estoy viendo el documental PsychOdyssey, de Double Fine, sobre la creación de Psychonauts 2. Podría haberlo hecho por la situación actual del estudio o por las múltiples ocasiones en las que lo ha recomendado Jason Schreier, pero lo cierto es que lo he hecho porque, desde la perspectiva de un desarrollador en solitario, tenía curiosidad por v…

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a month ago · 11 likes · 2 comments · Alejandro Pascual

Porque después de mirar estos números de Monster Hunter, me dio por buscar el rendimiento de todo el año pasado, y los resultados son bastante sorprendentes. Ya conocemos los datos que nos ha ofrecido la agencia de Matt Piscatella en Estados Unidos, en los que afirma que solo 7 juegos han superado las 100.000 unidades. En cambio en Japón, los 100 primeros juegos físicos (repito, solo los 100 primeros) vendieron más de 15 millones de unidades durante 2025. Por cierto, como dato adicional si sumamos las ventas históricas acumuladas de esos 100 juegos (es decir, no solo de 2025), el resultado sería 88.084.329 unidades.

¿El problema, quizá? De esos 15 millones de unidades, solo 2,2 millones de unidades son de plataformas PlayStation. El resto pertenecen a juegos de Nintendo Switch 1 y 2. Esto refleja bien la realidad que ha ido construyendo Sony en las últimas generaciones. Mientras que Nintendo seguía apostando por el formato físico incluso con las Game-Key Cards, el jugador de PlayStation ha ido virando al digital. Curiosamente, también lo ha hecho hacia Nintendo. Ahora mismo, y más que nunca, Japón es territorio Nintendo. He llegado a leer que algunos poseedores de PS5 tienen la consola con bastante poco uso (algunos diciendo que su último juego fue Final Fantasy XVI) mientras que su Switch es su dispositivo diario.

Otro usuario japonés se lamentaba: “ya no habrá ninguna diferencia con un PC”. Es un comentario bastante típico, no tiene nada de especial, salvo si tenemos en cuenta que sí que habrá diferencias, solo que en detrimento de la propia PlayStation. Si los precios de la siguiente consola se salen de órbita, como se teme, y desaparece el formato físico, a Sony no le quedan más armas que sus exclusivos para convencer al jugador de que su máquina es mejor que todo lo que ofrece el PC.

El problema es si su catálogo de exclusivos será suficiente. Viendo cómo los han tratado esta generación, me atrevería a decir que no. Con todas las cartas sobre la mesa, pueden haberle dado al jugador las razones que le faltaban para comprarse un ordenador. La diferencia de precio ya no será tan pronunciada, porque puedes tener unas especificaciones de consola por un precio cercano a los 1000 euros y luego añadir mejor hardware y potencia si la quieres. Puedes modificar componentes, puedes adquirirlo en formato portátil y tienes diversas tiendas digitales que compiten con ofertas. Por si fuera poco, Steam te saca los colores con un sistema de préstamo familiar que te permite compartir biblioteca con 5 amigos y miles de juegos. Y, por supuesto, lo que lleva ocurriendo toda la vida: que el gasto en un ordenador puede doler menos si se usa para trabajar o estudiar.

Con todo esto, espero que Sony sepa donde se está metiendo. Me queda claro que no van a dar marcha atrás, pero, dentro de su plan maestro que pasa por quedarse con todo el mercado eliminando intermediarios, no están viendo que, en el camino, se ha puesto a competir con un mercado en alza como es el del PC. Ellos pueden maquillar sus estadísticas todo lo que quieran, pero la realidad es que hay buena parte de esa cuota que esperan recuperar que se puede perder en usuarios que se vayan a otra plataforma; por estar ofreciendo lo mismo, pero peor. Y si esa lógica empieza a dominar la compra de los usuarios, quizá se den cuenta, demasiado tarde, que era mejor lo malo conocido.

Estos días estoy viendo el documental PsychOdyssey, de Double Fine, sobre la creación de Psychonauts 2. Podría haberlo hecho por la situación actual del estudio o por las múltiples ocasiones en las que lo ha recomendado Jason Schreier, pero lo cierto es que lo he hecho porque, desde la perspectiva de un desarrollador en solitario, tenía curiosidad por ver cómo se desenvuelve un estudio creativo desde dentro. Spoiler: estoy horrorizado.

Todavía no lo he terminado. Voy por la etapa en la que el estudio es adquirido por Microsoft, pero parte de los problemas ya han salido claramente a la luz. El que me resultó más interesante fue el despido de Zak McClendon. Zak es un diseñador tradicional. Había pasado por aquella 2KGames de la década de 2010, con juegos que querían ser interesantes y comerciales a la vez, como BioShock 2 o The Bureau: XCOM Declassified. Y, claro, ese estilo se llevaba mal con la cultura de una Double Fine acostumbrada a trabajar desde la creatividad pura y a encontrar la diversión después. A veces, por casualidad.

El problema venía de antes. Se nota que aquí Tim Schafer, alma y líder del estudio, venerado tanto fuera como dentro de él, quería delegar, pero su equipo no lo aceptaba. Schafer escribiría el juego, pero dejaría al equipo el resto: se pasaba por las reuniones si le apetecía o podía, pero casi todo el tiempo lo pasaba encerrado en su despacho. Zak se quedó en una posición incómoda, sin tener una autoridad absoluta porque la visión seguía siendo la de Tim, pero teniendo que ser él quien tomase las decisiones finales. Y, en un entorno creativo como Double Fine, eso se llevaba mal.

La liebre salta cuando una de las programadoras más veteranas del estudio, Anna Kipnis, presente casi desde su fundación, se marcha de la empresa al ver, en parte, cómo las decisiones algo más comerciales de Zak, que priorizaban el diseño estándar, el combate, etcétera, iban contra el alma creativa y narrativa de Double Fine y de Psychonauts. Al final ocurre lo que tenía que pasar: Zak es despedido tras crear una situación algo insostenible en la que el equipo no se sentía valorado.

¿Soluciona esto el problema? En absoluto, solo lo cambia. El estudio se siente más creativo, pero ha perdido el liderazgo y cada uno tiene su propio Psychonauts en la cabeza. Tim se vuelca más en el juego, asiste a más reuniones y toma más decisiones, pero queda claro que no quiere asumir del todo el papel de director. Y aquí es donde digo que ver el documental me estaba dando más miedo que un survival horror. A partir de ese momento estaban diseñando por descubrimiento. Una técnica muy creativa, pero también complicada, sobre todo si ya llevas tres o cuatro años de desarrollo.

Por un lado, queda claro que un estudio es lo que es gracias a todos sus trabajadores y a su creatividad. Ver a esta gente, día tras día, mejorando el diseño es increíble, pero, en parte, también ha reafirmado lo que ya pensaba: se necesita una figura con autoridad y control absoluto sobre un proyecto así de grande. Alguien respetado, con las ideas claras, que McClendon no supo (o no le dejaron) transmitir. Creo que por eso los proyectos denominados más autorales suelen funcionar tan bien conmigo. Se nota claramente el talento de todos, pero también la visión unificada. Cuando juegas a un juego de Kojima, tienes claro que él es el autor y quien toma las decisiones, le apetezca más o menos. De Miyazaki se decía que llegaba después de un mes de trabajo con una serie de carpetas preparadas para cada departamento. El juego, prácticamente diseñado de antemano sobre papel.

Y, aunque acepto que este método funciona, entiendo por qué Double Fine no lo busca demasiado. Todos quieren ser o sentirse un poco directores. Montaron esa empresa precisamente para escapar de la estructura corporativa que abunda hoy en el videojuego. Por ello creo que Double Fine está mejor sin Microsoft, porque se sienten más a gusto haciendo proyectos pequeños y creativos que algo como Psychonauts 2, que casi los destruye. Con Xbox, de hecho, eso es lo que han hecho: juegos relativamente pequeños, porque no los presionaban y el dinero no era un problema. Pero, claro, eso no funciona en la nueva Microsoft.

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No queda sino batirnos

Te guste o no Reverte por el personaje tuitero que se ha creado, creo que todos podemos apreciar algunas obras que ha dejado el escritor. Una de las más famosas es, por supuesto, Alatriste. La escena sitúa a Don Diego junto a Francisco de Quevedo en la taberna del Turco. Quevedo, borracho como él solo y cabreado como un mono porque alguien ha atribuido …

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2 months ago · 17 likes · 5 comments · Alejandro Pascual

Pienso en la cantidad de metraje que he visto de gente reunida en salas durante este documental, lo multiplico por las que debieron de ser las horas reales y me espanta. El hecho de ver cómo hay gente que decide que ha tenido suficiente y abandona el proyecto es algo que yo no podría hacer, claro está. En mi cabeza, además, todo va más rápido porque no tengo que explicarle a un montón de personas cada una de las decisiones que tomo y considerar las suyas. Simplemente conecto yo mismo los puntos y decido si el diseño que he elegido es correcto o necesita revisarse. Incluso cuando necesita una revisión, yo mismo la planifico y la ejecuto, lo que ahorra cientos de horas de trabajo. A cambio, no cuento con la ayuda de personas más creativas y talentosas que yo, lo que me entristece y me impide crecer como desarrollador.

Al final, lo único que importa es el resultado del juego y, por suerte, Psychonauts 2 es uno de los títulos más ingeniosos de los últimos tiempos y que más me gustaron de su año; derrocha creatividad por los cuatro costados. Incluso habiendo salido mal todo lo que podía haber salido mal, el caso de Double Fine demuestra que se puede conseguir cualquier cosa si se tiene la voluntad suficiente para hacer algo más grande que uno mismo. Y quizá ese sea el único requisito que hace falta.

Te guste o no Reverte por el personaje tuitero que se ha creado, creo que todos podemos apreciar algunas obras que ha dejado el escritor. Una de las más famosas es, por supuesto, Alatriste. La escena sitúa a Don Diego junto a Francisco de Quevedo en la taberna del Turco. Quevedo, borracho como él solo y cabreado como un mono porque alguien ha atribuido a Góngora uno de sus versos, saca el acero y sus amigos le detienen. Viendo que no le van a dejar llegar a la sangre, convierte el duelo en metáfora:

- No queda sino batirnos.

- ¿Batirnos contra quién, don Francisco?

- Contra la estupidez, la maldad, la superstición, la envidia y la ignorancia. Que es como decir contra España, y contra todo.

Y es que estos días, como en el siglo de Oro, también hay que batirse contra todo.

Estamos viviendo la que posiblemente sea la peor época para la industria del videojuego de los últimos años. No es que nos estemos dando cuenta de que nuestros derechos son pisoteados, sino que estamos descubriendo que no los teníamos en un principio. Que con las compañías solo existe un acuerdo de términos y servicio, que pueden modificar a su antojo sin mucho que podamos hacer al respecto. Por eso...

No queda sino batirnos.

Quizá educado por la historia de nuestro medio, por haber visto cómo Microsoft reculaba en la generación de Xbox One o la propia Sony se comía su propia arrogancia en la época de PlayStation 3, aún hay algo en mí que cree que esta situación se puede subsanar. Que tras el varapalo en redes y la respuesta furibunda del usuario, puede Sony lanzar un comunicado en que diga que seguirán dando soporte al formato físico. Pero sé que en esta ocasión eso no va a suceder. Los números son demasiado fríos incluso aunque las estadísticas estén demasiado alteradas. El propio Jason Shreier reflexionaba sobre ello en su canal: PlayStation confía en que la mayoría de usuarios descontentos aceptarán la nueva normalidad y aquellos que no lo hagan serán un número aceptable de usuarios perdidos frente a la mayoría. Las fábricas ya han recibido la orden de dejar de producir discos y tienen ya otros encargos pendientes, incluso.

Quizá si has adoptado del todo el modelo digital pienses que esto no va contigo. Yo mismo lo he hecho en parte. Uso mucho Steam y apenas tengo tres juegos en físico de PS5. En mi caso esto sucede porque, como periodista, trabajo mucho con códigos y me los dan para analizar los juegos. Esos mismos juegos yo los habría comprado en físico, aunque me resultara más incómodo. Lo haría porque, de primeras, se encuentran más ofertas; esto sucede porque las tiendas son más proclives a reducir los beneficios de su porcentaje (en torno a un 30%) para poder competir con otras tiendas. Es lo que ocurre cuando hay competencia real. Lo hago, también, porque tener el juego en físico no es tener un disco, es tener poder de decisión de qué quieres hacer con dicho juego. Puedes prestarlo, puedes venderlo, puedes comprar barato el de otro o puedes titarlo por la ventana. Incluso aunque todo el imperio PlayStation cayera, tú podrías seguir encendiendo tu máquina y jugarlo.

Pero si aún con todo esto, ya has hecho el paso a digital por completo, también deberías estar preocupado. No solo por la posibilidad, aun remota, de que cierren la tienda digital, sino porque los términos se endurecerán en el momento en que la única vía sea la propia Store de PlayStation. Eso de compartir cuenta con un amigo suena bien, ¿verdad? Será lo primero que corrija Sony en el momento en que ya no haya otra alternativa, al igual que hizo Netflix cuando calculó que sus usuarios ya estaban lo suficientemente enganchados como para darse de baja.

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El día que PlayStation decidió que tus juegos fueran aún menos tuyos

Nunca me he sentido del todo cómodo comprando novedades en formato digital. No tengo problema en juegos indie o con ofertas, pero eso de pagar más de 50 o 60 euros (80 ahora) por un juego digital me sigue provocando incluso hoy día una incomodidad de la que no soy capaz de desprenderme. Por mi trabajo, muchas de las novedades las consumo en digital, per…

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2 months ago · 16 likes · 3 comments · Botón de Pausa

Como dicen en la película de Peter Pan, todo esto ya sucedió y volverá a suceder. Porque en un futuro aún más lejano, cuando todos nos hayamos acostumbrado al digital, el negocio volverá a cambiar. Veremos un nuevo mensaje en el que se dejarán de comercializar juegos digitales y la única vía posible será jugarlos en streaming. Quizá ahí otros marquen su límite. Pero el resultado es el mismo: cuando eso ocurra...

No queda sino batirnos.

Así que, ¿por qué esperar a estar cada vez más arrinconados? ¿Por qué no batirse ahora? Seas consumidor o no del mercado físico, estás o estarás en la misma situación que el jugador que tienes al lado, que está luchando, gritando y rabiando por defender también tus derechos. Porque a día de hoy es ya lo único que podemos hacer: batirnos en rebeldía. Demostrar a esa compañía a la que le vuelve la arrogancia cada tres generaciones que no es intocable. Que se lleve un sustito.

Batirnos. Batirnos contra todo.

Nunca me he sentido del todo cómodo comprando novedades en formato digital. No tengo problema en juegos indie o con ofertas, pero eso de pagar más de 50 o 60 euros (80 ahora) por un juego digital me sigue provocando incluso hoy día una incomodidad de la que no soy capaz de desprenderme. Por mi trabajo, muchas de las novedades las consumo en digital, pero siempre que he tenido que comprar un título a precio completo lo he hecho en físico. Aparte de ser un hábito, siempre me ha dado un poco más de tranquilidad: si me decepcionaba o me arrepentía, podía venderlo o dárselo a algún amigo, en vez de quedarse muerto del asco en un disco duro.

Ahora PlayStation acaba de anunciar que dejamos de tener esa opción. A partir de 2028, Sony ha anunciado que dejará de vender juegos en discos, probablemente coincidiendo con la llegada de su nueva generación de consolas, PlayStation 6. Por cierto, casi han dibujado en el calendario la ventana de lanzamiento de PS6. Y segundo “por cierto”: 2028 coincide bastante con las previsiones de desescalada del precio de la RAM y otros componentes que se ha visto aumentada no solo por la inteligencia artificial, sino por otro tipo de artificialidad: la supuesta coordinación de precios y restricción de producción de los tres grandes fabricantes.

Capitalismo de buena mañana mientras te tomas un café.

La cuestión es que no podemos jugar ya la carta de la ingenuidad. Sabíamos que iba a pasar. Incluso Sony, cuando hizo ese famoso anuncio de PlayStation 4 riéndose de Xbox en el que se prestaban juegos físicos… ya entonces sabían que esto iba a pasar. La cuestión nunca fue qué, sino cuándo. Cuándo se le debía clavar la banderilla al toro. Cuándo hacerlo para que el posible revés que en su momento hizo tanto daño a toda una marca como es Xbox, y que aún colea, a PlayStation apenas le afectara.

Y el momento es ahora. En un marco postpandémico, en una crisis eterna, en un contexto donde hasta los presidentes de muchas naciones son capaces de decir barbaridades y mentiras sin consecuencias; en ese contexto, un anuncio como este puede colar, e incluso peor, verse como inevitable. La razón la esgrime la propia Sony y cualquiera de los periodistas que la han reportado como Stephen Totilo: el 80% de las ventas son en formato digital. Claro que ese porcentaje tampoco cuenta toda la historia. Incluso sabiendo que no se incluyen DLCs ni microtransacciones, ¿cuántas de esas compras son indies sin edición física? ¿Cuántas son juegos rebajados a 4,99 euros?

La realidad es la siguiente. Que tú y que yo, a partir de 2028, tenemos menos opciones como consumidores. Tu juego, aunque nunca fue tuyo, lo será aún menos, porque ni la licencia podrás revender. Todos esos planes fabulosos sobre la reventa de la propiedad de licencias digitales se quedan en agua de borrajas porque son menos importantes que el tapón de tus botellas de plástico. La segunda mano, en PlayStation, deja de existir. La cadena de tiendas Game, más que probablemente dejará de existir o se convertirá (ya del todo) en una tienda de muñecos. La beneficiada es Sony, claro está, que se ahorra el trabajo de logística en la certificación y distribución de copias físicas. Un dólar del total de la venta del juego, creo que les costaba según dice Totilo. Nada para nosotros, mucho dinero para ellos.

Para los analistas, la industria del videojuego se sentía como un rara avis. El cine y la música ya han abrazado el digital, decían. Son los videojuegos los que se niegan, decían. Pero lo cierto es que, en 2028, tú no podrás comprar un juego de PlayStation físico, pero sí podrás comprar el último disco de Rosalía en CD e incluso en vinilo. Podrás comprar La Odisea de Christopher Nolan en Blu-Ray y 4K UltraHD.

Una historia que aún no tiene final

Esto no será el último clavo en el ataúd, porque aún faltan Xbox y Nintendo por pronunciarse. Del PC ya sabemos que, de todas las ventajas que trajo Steam a los ordenadores, la claudicación del formato físico no fue una de ellas. Pero el amor del fan por la plataforma y su comodidad hizo que se olvidara pronto el problema inherente. Si yo fuera Asha Sharma al frente de Xbox, de hecho, no haría lo evidente. Aprovecharía para darle la vuelta a la narrativa histórica que le provocó un KO técnico hace más de diez años. Contraatacaría con una apuesta aún mayor por el formato físico, como el último bastión en el que pudieras conseguir así tus juegos y apoyándote en que has construido un catálogo retrocompatible estable, adaptado a discos y con store funcional. Como mínimo, te llevas gratis un 20% de jugadores que, según las estadísticas, no quieren pasar por el aro. Como máximo, reviertes una fama que todavía te persigue y señalas la ironía de la competencia.

¿Y Nintendo? Que se le ven las intenciones nos quedó claro desde el anuncio de las Game-Key Cards, pero todavía llevará tiempo. El problema es que ese porcentaje del 80% no lo veo tan claro en Nintendo. Primero tienen que sobrellevar toda una generación completa de Switch 2, a la que no puedes hacer este cambio tan repentino, y plantear la estrategia para la siguiente generación, haciendo incompatibles todos tus cartuchos de Switch 1 y 2, a no ser que pongan un puerto solo para retrocompatibilidad. Es un movimiento arriesgado que quizá un día tomen, pero no sé hasta qué punto les genera demasiada urgencia en este momento.

Dos noticias se entienden mejor que una sola. El mismo día que Sony ha anunciado esto, anuncia también el futuro cierre de las tiendas digitales de PS3 y Vita, que ya retrasó por presión popular. Un buen recordatorio de lo efímero de nuestro contenido digital, incluso aunque nos permitan descargar nuestros juegos hasta “un futuro indeterminado”. Es cierto que el problema de estas tiendas es que no tienen continuidad con el nuevo formato inaugurado en PS4, pero también es cierto que esto puede volver a ocurrir en cualquier momento que llegue un nuevo cambio de arquitectura.

Malos tiempos para la industria. Bueno… Malos tiempos para demasiadas cosas.

Esta semana os dejo un par de reflexiones a las que le he estado dando vueltas.

La primera, cómo no, tiene que ver con GTA VI, que se ha llevado gran parte de la atención tanto el juego como su precio de 80 dólares. Dentro de las opciones que se barajaba, no ha terminado siendo tan malo como el hecho de que no venga en formato físico. Supongo que Rockstar ha pensado que lo que perdían con el mercado de la segunda mano o los préstamos era más fácil de recuperar con esta política sin necesidad de subir el precio.

Pero eso eso no es de lo que os quiero hablar, sino del juego en sí. GTA siempre se ha caracterizado por transmitir el zeitgeist, el espíritu de su tiempo. Capturar nuestra sociedad y establecer una crítica y una sátira sobre ella. El problema es que, para esta edición, han sucedido dos cosas: hemos tenido el desarrollo más largo de toda la historia de la franquicia en el momento de nuestro mundo que más ha cambiado a cada año que pasaba. Si nos marcamos una fecha como 2018-2019 como arranque de, al menos, la pre-producción, podemos ver cómo ni nosotros ni el mundo es el mismo que por aquella época.

Es cierto que Rockstar puede añadir detalles aquí y allá, pero... ¿de verdad habrá sido capaz de integrar todos dentro de la esencia del juego como podía hacer antes? No lo creo. Todo va demasiado rápido. Desde una pandemia que vino y se fue, pasando por políticas cada vez más proteccionistas y extremistas, guerras relámpago e intereses geopolíticos que afectan a la economía mundial, la inflación y el coste de la vida que acabó con el lujo aspiracional, la normalización del desastre climático y el nacimiento y auge de la inteligencia artificial... no sé si la compañía habrá podido tan siquiera plantearse estos temas.

Por lo visto en los tráileres, es verdad que GTA VI cada vez es menos crítica y más sátira, pero creo que en lo que más se van a concentrar es en el auge de las redes sociales, el cinismo postmodernista de una sociedad sumergida en TikTok y las apariencias y, quizá, la guerra identitaria y la cultura de la cancelación. Creo que son temas que, aun polémicos, le dan a Rockstar más oportunidades de cuestionar con humor y que llevan el suficiente tiempo como para haber hecho mella. ¿El problema? Se le puede escapar la mirada analítica a nuestro tejido social moderno; la que está generando los problemas actuales y transformando nuestra sociedad día a día, dando lugar luego a esa sociedad enajenada en el teléfono móvil.

En fin, que necesitaríamos tres GTA para poder cubrir realmente todo lo que el mundo ha cambiado ya no desde GTA V, sino en los últimos ocho años.

Los precios siguen subiendo y el daño será irreparable

Esta semana también ha vuelto a ser protagonista el hardware. Gran parte de las polémicas las ha protagonizado Xbox... perdón, XBOX, y no solo por la escabechina de estudios que se avecina. Aunque al final se ha adelantado Sony con Bungie y los más de 400 empleados despedidos que la compañía que no ha sabido reubicar y cuyo talento perderá para siempre. De verdad que dejar escapar ese talento en vez de haberle dado un proyecto nuevo, como si hacen algo singleplayer para diversificar, es algo que nunca terminaré de explicarme.

La cuestión es que el precio de XBOX ha vuelto a subir, hasta colocarse en la friolera de los 800 dólares. Un absoluto sinsentido teniendo en cuenta que prácticamente puedes conseguir una PS5 Pro por esa cantidad, al menos hasta que se acabe la remesa actual y se encarezca de nuevo los precios.

El problema es múltiple: el agravio comparativo con el mundo del PC es cada vez menor. La esencia de una consola es ser “barata”, pero si los precios empiezan a parecerse a lo que puedes conseguir con un PC de sobremesa, se pierde un poco su sentido, más aún hoy en día donde dicho PC no es tan incómodo para jugar como antaño. Sí, la Steam Machine también ha salido a un precio demencial (en mi opinión nace muerta), pero sigues pudiendo conseguir a poco más de 1000 euros ordenadores montados con una 5060 ti (incluso de 16GB por un poco más). Si no eres muy sibarita, y con las técnicas de escalado modernas, puedes quitarte de 4Ks, trazados de rayos, 120 fps, y jugar muy decentemente a unos 1440p con DLSS y 60 fps a cualquier cosa presente o futura.

Y la cuestión es que, tal y como están las cosas en la generación actual, que va a ser más larga, y la que viene, que va a ser poco espectacular, mi teoría que os comenté sobre saltarse la generación siguiente tiene más sentido que nunca. Ya no merece la pena comprar hardware solo para jugar. Te compras un ordenador que uses para tu trabajo y proyectos y luego ya decides si quieres un hardware más o menos decente para videojuegos. Pero comprarse algo exclusivamente para jugar está empezando a ser una opción no solo de lujo, sino incoherente.

Y esto, por supuesto, arrastra el otro problema que planteamos en el Botón de Pausa: cuando pones tantas barreras a un medio, lo desmasificas. Alguien que quiere ver una peli o una serie solo necesita sentar el culo frente al televisor, nada más. Pero acceder a nuestro medio ya exige demasiado. Empieza a haber demasiadas fricciones para entrar en él si no lo conoces. Primero, la escasa variedad de géneros que no sean de acción. Segundo, el periodo de aprendizaje en dominar un sistema de control de mando o ratón+teclado. Tercero, el simple hecho de ser un hobby activo, en el que tienes que reaccionar e interactuar, en vez de ser una actividad pasiva (parece una tontería, pero esto es lo que mató un poco a la realidad virtual). Y ahora se le suma el hecho de ser brutalmente cara.

Ante ese panorama, pensará alguien que tenga curiosidad por nuestro medio, prefiero ponerme la tele y olvidarme un rato de este mundo que no deja de cambiar.

Ante este tipo de situaciones, uno de los comentarios que más se suele leer es: “No lo entiendo, si el español es el segundo idioma más hablado del mundo”. Quitando el detalle de que ahora somos el tercero (tanto de hablantes nativos como hablantes totales), el problema es que no hay una relación directa entre hispanohablantes y consumidores de videojuegos. Pero, más allá de esto, hay una serie de complicaciones, particularmente en España y no en Latinoamérica, que han dejado a nuestro país en un puesto muy poco prioritario para los desarrolladores; en particular, los estudios independientes que son los que tienen que medir muy bien donde ponen el dinero en sus traducciones. Ahora que estoy en el último año de desarrollo de mi videojuego, me ha tocado ponerme las pilas de cómo funcionan los mecanismos internos de todo eso, y espero poder arrojar un poco de luz sobre ello.

En primer lugar, The Pactmaker estará en español básicamente porque soy español, pero tengo que admitir que, si no lo fuera, probablemente no lo traduciría. De hecho, mi prioridad sería China. En mi caso una fuerte parte de mis wishlist son españolas por razones obvias, pero, para los estudios extranjeros, ocurre algo extraño. España es un país que suele destacar en sus estadísticas (es decir, no queda englobado en la categoría de Others), su página de la Store tiene muchas visitas procedentes de nuestro territorio... pero luego muchos desarrolladores afirman que es una de las regiones que peor convierte en venta.

Hay dos explicaciones para este fenómeno. Una, la que todos sabemos un poco. Spain is different y aquí la cultura de lo gratis o, al menos, de lo barato, está muy arraigada. Solemos comprar de oferta, tirado de precio o esperar que lo regalen, directamente. En cambio, los desarrolladores pueden ver en sus estadísticas cómo otros países son “más fieles” y convierten mejor en los primeros días en su ratio de wishlist/venta, que es cuando el desarrollador más lo necesita. Estos datos no pasan desapercibidos y suelen ser clave para decidir qué juegos se traducen en el futuro o incluso reciben un parche posterior con más idiomas.

El segundo factor es interesante. España está en medio de una tormenta de precios perfecta. Para que lo entendáis, primero hay que comprender cómo funciona ahora el mecanismo de precios de Steam, en el que que Valve cambió su prioridad hace relativamente poco y no sin cierta polémica. Antes lo común eran los precios internacionales; es decir, tu ponías un precio y Steam hacía las conversiones fijas para el resto de países y monedas. Ahora, se fomenta el precio variable, que se ajusta en base a la realidad económica de cada región. Esto significa que tu juego, que pones a 15 euros en Europa, Steam lo va a vender a unos 8-9 euros en China (no recuerdo la cifra concreta, así que tomad el dato solo como ejemplo).

Así que el desarrollador técnicamente está perdiendo dinero en ciertos mercados. ¿Y por qué Valve tiene que decidir esto? ¿No puedes poner el precio que te dé la gana? Sí, puedes, y muchos se han rebelado contra ello para descubrir que en esas regiones su juego ha sido un absoluto fracaso. Es como si aquí nos pusieran un lanzamiento AAA a 120 euros, nadie lo compraría. Por ello, si quieres participar en mercados masivos como el chino, no te queda otra cosa que apechugar.

Curiosamente, hay muchas regiones que se benefician de esto. Y pongo a China como ejemplo porque es el más paradigmático: China tiene un precio de región menor que el dólar o el euro. Aunque es una potencia mundial hoy día, la media entre ciudades ricas como Shanghai o Pekín y regiones empobrecidas baja el valor del yuan. Lo que ocurre es que quien compra videojuegos suele estar en estas ciudades con alto nivel económico y no en Gansu o Guizhou, por lo que los juegos son una ganga para ellos. Steam ha crecido enormemente en China los últimos años y esta es una de las razones por las que muchos desarrolladores lo tienen como idioma prioritario después del inglés (o incluso antes). Tendrías que haber visto mi cara cuando empecé a recibir más wishlist chinas que americanas en The Pactmaker, y eso que es una aventura gráfica.

Vale, ahora volvamos al español. Habiendo entendido esto, lo que sucede aquí es la otra cara de la moneda. Mientras China se beneficia de este sistema de Valve, a nosotros nos castiga. ¿Por qué? Lo adivinaste: por la Unión Europea. En Europa un juego cuesta lo mismo a un alemán, a un holandés y a un español, independientemente de su PIB. Creo que todos llegamos a entender que esto supone un esfuerzo extra para nosotros, porque no cobramos los sueldos de Luxemburgo. Existe una desigualdad clara. En países como Polonia o Rumania, con rentas más bajas, se quisieron bajar los precios, pero los jugadores de otras regiones empezaron a aprovechar esas diferencias para comprar más barato. Valve acabó endureciendo las restricciones regionales y, en la práctica, España terminó compartiendo precios con mercados europeos más ricos en lugar de tener una adaptación propia. Aunque nuestro PIB no es tan bajo, la situación sí hace que no se pueda ajustar el precio a las realidades de nuestro mercado (que nos haría comprar más juegos) y a su vez esto hace que los desarrolladores se lo piensen muy mucho a la hora de traducir su juego a nuestro idioma. Sencillamente, en muchas ocasiones, o no amortizan la inversión... o directamente pierden dinero.

No estoy diciendo con esto que no ejerzáis vuestro derecho a que los juegos vengan traducidos. Las compañías grandes tienen muchos más intereses y recursos unificados que permiten y justifican una traducción. Pero sí os pido que reflexionéis la próxima vez que un juego indie no haga la traducción al español. En muchos juegos, como el mío, hacerlo es algo impracticable. A ojo, The Pactmaker debe tener casi 100.000 palabras. Me costaría más traducirlo a otro idioma de lo que ganaría probablemente en ese país.

Este mes desde el anuncio de The Pactmaker he recibido muchos correos. Los que más, de traductores. Ahora mismo la profesión de traductor es dedicarle tanto tiempo a enviar correos ofreciendo sus servicios que al acto de traducir, lo cual es una lástima. La decisión de traducir un juego es muy compleja y, por supuesto, aquí entra el otro factor: la IA, que está diezmando muchos puestos de trabajo en esta disciplina. El problema es que, nos guste o no, la máquina cada vez lo hace mejor. Nunca lo hará tan perfecto y tan humano, claro, pero un estudio puede decidir apostar por el método MTPE (Machine Translation Post-Editing): traducir con IA y contratar a un proofreader profesional para verificar las imperfecciones. Porque es eso o invertir entre 8000 y 12000 euros en una traducción completamente profesional. Esto último lo digo porque es muy probable que, en el futuro, veamos muchos juegos llegar a nuestras fronteras mediante este modelo (o incluso saltándose el proofreader).

Por último, está el tema de la traducción fan. Es decir, que el autor acepte traducciones no profesionales y las incluya de manera oficial. Ciertamente, es un sistema que podría funcionar para estudios pequeños, pero es una espada de doble filo: una mala traducción es una mala experiencia, que puede llevar a reviews negativas, cortar el flujo boca a boca y, en definitiva, ventas posteriores. Además, en juegos donde la historia es muy importante, nadie quiere ver cómo su prosa, que tanto tiempo ha costado refinar, es machacada en una traducción descuidada.

Espero que el artículo haya ayudado un poco a esclarecer la complicada situación que tenemos en el tema de las traducciones, especialmente para estudios pequeños, y ni siquiera creo haber cubierto todos los flecos del problema. Lo que sí quiero es animar a la gente a no señalar públicamente nunca a un estudio independiente en estos temas, bien sea por ausencia de traducción a un idioma, bien sea por otros factores como la carencia de voces, que cuesta tanto o más dinero sobre todo en juegos de mucho diálogo como las aventuras. No podemos exigir lo mismo que a un estudio multimillonario, y exponerlos o no apoyarlos solo agrava el problema. Sé que hay mucha gente que vota NO con su cartera a juegos no traducidos, y están en su derecho, pero creo que la mejor manera de conseguir que más juegos vengan en tu idioma es justo lo contrario: comprando esos videojuegos aunque no vengan en tu idioma. Al menos en estudios pequeños, el mensaje que reciben no es “lo van a comprar igual aunque no lo traduzca”, sino “este es un mercado en el que merece la pena apostar en el futuro”. Y eso sí puede cambiar las cosas.

Ha concluido la época que antes conocíamos como E3. Ha sido una temporada de anuncios interesante, aunque quizá su lectura sobre la industria lo sea más que la relevancia de los juegos en sí. No es que sean malos anuncios, pero sí ha habido mucha iteración, mucho nombre conocido y ha faltado ese empuje autoral de algo que puede ser diferenciador y quizá histórico. He decidido abordarlo todo en una serie de breves reflexiones, para intentar abarcar mucho y sacar un marco mayor. Vamos a ello.

The Witcher 3: Songs of the Past. Aunque llegó antes de las conferencias, lo incluyo por todo lo que supone sacar una expansión de un juego de más de 10 años. Esto demuestra todo lo que hemos estado comentado últimamente aquí: que los buenos juegos son ya entes atemporales que no pierden relevancia artística ni tecnológica. CD Projekt ha sido inteligente en darse cuenta de que no hay por qué abandonarlos.

Lobezno. Se ha formado un pequeño debate sobre la disonancia de su violencia. El mismo que ha asediado a las películas de guerra que van con el discurso antibelicista por bandera mientras se recrean en la carnaza. ¿Será el caso de Lobezno? No lo sé, pero lo que sí sé es que otro nivel en un puerto comercial de containers no es exactamente la fantasía que buscaba. De momento le veo poco inspirado.

Onimusha: Way of the Sword. Iba a tope con este juego, y todavía voy. Pero reconozco que un poco menos después de su demo. Es buena, ojo, pero he visto unos niveles con pocas posibilidades y un combate algo facilón lleno de animaciones de esas que de tan hiperrealisas se hacen lentas e incancelables. Creo que Capcom está intentando tener mucho cuidado de no parecerse a un Souls y ser su propia cosa, y eso lo agradezco.

God of War: Laufey. El problema es que dijeron que la mitología nórdica serían dos juegos, que no hacia falta hacer trilogía. Pero este spin-off se siente como una manera de estirar el chicle. Sí, es “otra cosa”, pero lo interesante de God of War en lo referente a sus mitos es la exploración de estas historias familiares entre dioses que son cuna de la condición humana, la subversión de las mismas, y las relaciones que se forman entre sus piezas principales. Si en vez de eso creas un Smash Bros. de los dioses, pues pierdes eso. Lo jugaré con ganas porque me gusta la fórmula, me gusta lo que ha enseñado de su combate y me gusta Deborah Ann Woll, para qué nos vamos a engañar.

Until Dawn 2. Hay una especial obsesión en los juegos comerciales centrados en diálogos ramificados de querer sorprender en tus decisiones. Que la decisión que parece que es la buena y la que ayudas, en realidad termina con tu amigo estampado en una roca. Y ya huele un poco. El problema es que si el jugador no siente que tenga el control de sus acciones, tu mecánica principal se convierte en una lotería.

Resident Evil: Code Veronica. Una vez dije en un grupo que por mí Capcom podía sacar Resident Evils como Ubisoft Assassin’s Creed. Claramente me han hecho un “sujétame el cubata” al sacar dos el mismo año. Y yo que me alegro porque no bajan la calidad y, por lo que sea, no me aburro de su fórmula aunque cada vez sea más familiar. Puede ser uno de los juegos a los que más ganas le tenga.

Gen Atlas. Creo que es el juego de Fumito Ueda al que voy con menos expectativas. Hay algo que no me termina de encajar y no sé qué es. Quizá que le faltan los billetes de Sony detrás para traer del todo su visión, quizá los demasiados lugares comunes con otros juegos, como esos robots gigantes inspirados claramente en los colosos o el protagonista otra vez con un poncho. La escena shooter tampoco ha ayudado. Va a ser mejor de lo que espero; Ueda sabe que un autor tiene pocas balas y no se va a permitir fallar la que puede ser la última.

Crossfire. No es que me llamara especialmente la atención como juego, más allá de sus animaciones hiperrealistas adaptadas al terreno, pero lo traigo porque es una buena muestra de lo que siempre digo por aquí: la carrera por los gráficos está superada, sobre todo en el realismo. Aunque subas el listón más que este tipo de producciones, no vas a sorprender el doble.

Virtua Fighter Crossroads y Clutch. Creo que esto es algo que todos hemos pensado alguna vez y, de hecho, se ha intentado ya: añadir modo historia a un juego de género muy especializado. Pero tengo la sensación de que esta va a salir bien. Mezclar el universo de Virtua Fighter con una aventura a lo Yakuza puede ser exactamente lo que necesita la saga, y mucha gente para entrar en ella. Lo mismo con el nuevo juego de conducción de ex-desarrolladores de PlayGround. Dije en los últimos Forza Horizon que ya parecía que no había nada más que innovar, y quizá la respuesta era esta.

Stellar Blade: Blood Rain. El primero me gustó mucho, aunque reconozco que me salté unas cuantas escenas cinemáticas, el mundo abierto pocho, y sufrí sus niveles shooters y plataformeros. Si mejoran la narrativa y se centran en lo que saben hacer, puede convertirse en una de las franquicias de acción más fuertes de la actualidad. Se nota que van con todo.

Final Fantasy VII Revelation. Al final, el experimento Remake ha salido muy interesante a nivel de producción. Esta tercera entrega es lo que habría que haber hecho desde cero si hubieras querido sacar un solo juego. Imposible en esfuerzo y en coste. Un plan de tres juegos te permite sentar las bases mecánicas, expandir a mundo abierto y llegar a este nivel de libertad. Dudo que Square-Enix deje estra trilogía en un experimento y no se lance a hacer lo mismo con más obras, remakes o no.

Gears of War: E-Day y los exclusivos. Más allá del juego, que a los que nos gusta la fórmula nos entrará bien, la noticia aquí (y de todo el showcase) es la vuelta a algunos juegos exclusivos. Algo ha pasado en Xbox, no sé si Asha Sharma está recogiendo el testigo de ese cambio o lo está imponiendo (me decanto por lo primero), pero ha vuelto a haber un giro de políticas hasta el punto de que ya no tengo del todo tan claro que la próxima Xbox sea exactamente un PC caro. El problema es que, con tanto cambio de políticas, es dificilísimo confiar como usuario. Y otro problema añadido: siguen queriendo jugar a todas las bandas, haciendo algunos exclusivos y otros no. Entiendo el dilema, pero hay veces que la única solución es apostar todo al rojo. Si queréis mi opinión personal, tendrían que haber continuado el plan original cuando compraron los primeros estudios allá por 2018: hacer cartera exclusiva, abundante y atractiva. Mi teoría es que desde arriba pensaron que era demasiado dinero para continuar en un sistema cerrado (sobre todo desde la compra de Activision) y esto alteró el plan original. Esta deriva terminó siendo aún peor y ahora, bajo Asha Sharma, no saben demasiado bien qué hacer ante esta dicotomía: o ser la third-party más grande y perder en el camino y para siempre toda identidad de la marca Xbox, o apostar por la exclusividad como vía para seguir siendo una first-party fuerte aunque sea costa de perder clientes potenciales que nunca comprarán una Xbox. ¿Recordáis que en mi último post dije que PlayStation no tiene ni idea de qué hacer la próxima generación? Pues, como veis, Xbox tampoco. Yo solo sé una cosa: las medias tintas no les va a funcionar. Como un juego de Telltale, hay que tomar una decisión a tiempo o el juego decidirá por ti.

Fable. Tiene el dudoso honor de haber tardado tanto que hasta han anunciado su expansión antes de que salga el juego. Su sistema de NPCs y reacciones a la conducta del jugador llama mucho la atención, aunque en este juego de variables sofisticadas siempre corres el riesgo de crear situaciones estrambóticas y hay que tener en cuenta que Fable, aunque ya no esté Molineux, siempre ha prometido demasiado. Aun así, muchas ganas.

Halo: Campaign Evolved. Siento volcar en él lo que pienso de la inmensa cantidad de remakes que estamos teniendo, pero creo que ahora mismo la razón de tener esto es la falta de rumbo hacia el futuro que hay en la franquicia. Al menos, han incluido un arco narrativo nuevo, que puede hacer la rejugada interesante.

Senua. Me sorprendió que dejaran a Ninja Theory hacer un nuevo Hellblade, aunque ya no se llame así, después del tibio recibimiento del segundo. Quiero pensar dos cosas: que Hellblade 2 fue tan caro que hay que sacar un poco de partido a todo lo construido en él y que este cambio incluso de nombre es a un estilo jugable enriquecido que realmente haga brillar en posibilidades a la franquicia.

Persona 6. Nos vemos en tres o cuatro años.

Clockwork Revolution. Interesante lo mostrado por inXile y con personalidad. Aún tengo dudas con él y creo que son porque no sé si el tráiler era el mejor; es algo que noto de la forma de construir mundos moderna: personajes estrambóticos, colores chillones y hasta un muñeco macarra que habla... todo parece estar ahí no tanto porque la historia lo justifique sino porque quiere llamar desesperadamente tu atención.

Fire Emblem: Fortune’s Weave. El Four Houses que todos esperábamos. No solo tiene una inspiración grecorromana en lo estético, también se han inspirado en personajes de sus mitos, como Leda o Teodora y el reino de Saramis como una suerte de Salamina. Incluso el título alude a las Moiras del destino. Aún tengo dudas sobre si tendremos protagonista avatar o controlaremos solo uno de esos cuatro personajes principales, pero tengo unas ganas de Fire Emblem que no me aguanto, vaya.

Xenoblade Genesis: No debería quejarme de que Monolith haga otro Xenoblade, porque el camino de Nintendo es siempre este. Pero, al ser JRPGs, la sensación que tengo es que el estudio podría crear perfectamente algo más fresco, con un mundo completamente nuevo y lo mismo con su sistema de combate: variando un poco más la fórmula conocida.

Ocarina of Time: Remake. No sé qué esperar de un remake de este juego. El tráiler parece centrado en reproducir con mejores gráficos (que tampoco graficotes) una experiencia muy similar al original. Pero igual de interesante o más sería renovarlo más allá de sus gráficos, aunque enfades a mucha gente. Creo que lo poco que se mostró de él demuestra bien la sensación que tengo yo y mucha gente con la presencia de Nintendo en este evento.

Reflexión final.

Creo que el No E3 ha sido una buena representación de la dicotomía que tengo con la industria del triple A actual. No se le puede decir que no esté haciendo su trabajo. Me van a saltar los ojos en septiembre de todo lo que va a salir al mercado, y mucho de ello va a ser sin duda divertido, interesante y entretenido. Lo diré de nuevo: divertido, interesante y entretenido. Pero me ha faltado esa esperanza de lo memorable. De lo histórico. De aquello que rápidamente detectas que va a ser especial. De eso ha habido menos o casi nada. Si esto hubiera sido un evento cinematográfico, habríamos visto un montón de tráileres de películas de superhéroes. No me atrevería a perdirle a un evento así algo contracultural, pero me gustaría ver si entre todo esto hay, al menos, una equivalencia al Christopher Nolan o Denis Villeneuve de turno. Vamos, que me ha faltado un poco de autoría. De visión que haga avanzar esta gigantesca rueda de la superproducción más allá de los lugares comunes. Sin ello, corremos el riesgo de estar profundamente entretenidos.

Recientemente, Ken Levine ha hablado sobre algo que todos pensamos, pero pocos nos atrevemos a pronunciar: “Mirad la Switch 2 y las nuevas máquinas que están por llegar. No son saltos tecnológicos enormes… y ese no era el objetivo. Por fin empezamos a admitir que hemos alcanzado un punto de saturación en los gráficos.”

El número de consolas nuevas que está llegando a nuestras manos comparten un denominador común: su potencia técnica no es mayor, sino menor a lo que se espera de una nueva generación. Es algo que, en el caso de Nintendo no sorprende, pero lo que antes era la excepción ahora es la regla. Tu Steam Deck se vendió con tecnología obsoleta incluso para la época (y encima ha subido de precio). Las equivalentes portátiles de Asus, MSI o cualquier marca, tienen chips nuevos pero están destinadas para jugar títulos presentes y pasados más que futuros.

Incluso próximas consolas que están por salir tienen esta configuración en mente. Steam Machine sigue siendo una incógnita en cuanto al precio, pero ya sabemos sus especificaciones y son muy ajustadas incluso para la presente generación. Si los numerosos rumores son ciertos, PlayStation 6 no será la única consola de Sony, sino que vendrá acompañada con una versión diferente y portátil preparada para jugar juegos de PS5 hacia generaciones anteriores (aunque tenga posibilidad de hacer streaming con los nuevos).

Las consolas, están mirando hacia atrás por primera vez. No hacia delante. Quizá la razón sea que más adelante ya no hay nada.

Conviene preguntarse en este momento por qué Valve ha preferido estas especificaciones conservadoras para su Steam Machine, con una GPU equivalente a una RX 7600M o una RTX 3070. Y digo que conviene porque Valve no es tonta, tiene la mejor base de datos posible de PCs de jugadores en su ecosistema. Esto no solo le sirve para sacar medias perfectas de las GPUs más utilizadas, sino para hacer previsiones exponenciales de lo que se espera en los próximos años que pueda jugarse con comodidad y soltura. Más aún teniendo en cuenta los cada vez más perfeccionados sistemas de escalado de resolución y el relativo desinterés a las técnicas más demandantes de trazado de rayos sino eres un gamer entusiasta.

Como decía en el artículo sobre Uncharted 4, las compañías entienden que hay negocio en el hardware actual y no el puntero porque las condiciones son las idóneas para ello: costes desmesuradamente altos de componentes por la IA y por la vida en general. Despidos masivos y falta de creatividad. Falta de entusiasmo y diferencias notorias entre los gráficos actuales y los posibles hace 10 años.

En este panorama se van a presentar pronto, suponemos, las próximas consolas de PlayStation y Xbox (aunque esta sea presumiblemente un PC modificado). Ya os hablé de que las aguas están revueltas y la atención de las nuevas generaciones en las redes sociales hace que los precios altos sean peligrosos. Toda esta situación está haciendo plantearse a estas compañías en una endiablada dicotomía: ¿deberían frenar un poco o redoblar la apuesta?

Esto no es una elucubración mía. Mirad esta noticia. El propio Hiroki Totoki, CEO de Sony, no tiene ni pajolera idea de cómo encarar PS6. Porque las cosas ya no dependen del éxito que hayas tenido con la anterior generación. Se huelen que un precio alto puede espantar al público masivo y afectar a lo que es el negocio real de una first-party: los royalties. Por otro lado, ceder en la carrera por la tecnología puntera también da vértigo y tampoco justifica el salto generacional. En esta presentación de resultados financieros ya se aventura que de cara a PlayStation 6 se estudian “cambios en el modelo de negocio”, lo que básicamente significa que podemos esperar cualquier cosa. Desde precios ajustados sumados a modelos de suscripción agresivos, publicidad integrada o precios altos para costear los componentes. Quién sabe.

Imagino que Xbox lo tiene más sencillo en esta ocasión. Pese a que la sustitución de Phil Spencer por Asha Sharma suponga un cambio de aires, el plan para el hardware creo que sigue siendo el mismo: centrarse en el software y tener un modelo flagship para el hardware como hacen con Windows y Surface. Lo importante son los juegos y, si quieres, puedes comprar nuestra máquina potente y cara para jugar (con respecto al precio de una consola tradicional, no un PC), pero no te obligamos a nada.

Lo curioso es que los dos agentes encargados de llevar los gráficos a la siguiente generación, los que han sido toda la vida los principales, ahora no son los únicos ni tienen por qué ser los más relevantes. Saben que corren el peligro de volver a crear la fiesta más cara de la historia y que la gente prefiera ir al bar de la esquina donde las copas cuestan la mitad y están igual de ricas.

Phil Spencer dijo una vez que el videojuego se enfrentaba a un escenario más allá de las generaciones. Creo que se refería a que el progreso del hardware sería más similar al de un móvil que al de una consola tradicional.

Lo que ha terminado pasando es que al jugador promedio todo esto de justificar nuevas máquinas ya le da muy igual.

Solo quiere buenos juegos.

Y que le dejen en paz.

La mente del desarrollador es controladora. No lo hace porque quiera, en el fondo, sino porque tiene las herramientas para ello. Detrás de cada obra, hay un montón de funciones hechas para controlar el progreso y los valores cambiantes durante la partida. Una vez que comprendes como se guardan, almacenan y catalogan estas variables, entiendes perfectamente que durante tantos años a los juegos les chiflen los numeritos en pantalla.

Numeritos de daño, numeritos de experiencia y de nivel... he visto incluso numeritos que indican cuán en el bote tienes a esa compi del grupo a la que no paras de meter fichas cada vez que vuelves al campamento.

Esto, unido a la herencia del rol de lápiz y papel, ha conformado durante casi toda la vida del videojuego un tipo muy claro de progresión. Y, sin embargo, cada vez son más los juegos que rechazan los parámetros en pantalla e intentan hacer algo que, cuando lo escuchas por primera vez, te parece tan natural como el pan con mantequilla: que la experiencia, como la procesión, vaya por dentro. Que no sea tanto tu personaje a través de una compleja hoja de estadísticas el que crezca, sino tú como jugador el que mejores de verdad.

A esto se le está empezando a denominar juegos epistémicos, una forma rimbombante de decir que, por ejemplo, la clave al matar 100 esqueletos no es subir de nivel, sino que has comprendido sus patrones de ataque y sabes cómo responder a ellos. Uno de los juegos más representativos de esto es Tunic, un título que ha tenido éxito, pero que creo que merecía aún más relevancia incluso de la que ha tenido. Todo en Tunic es descubrimiento. Como un juego antiguo que “consigues” sin manual y te toca ir descubriendo casi con fuerza bruta cómo funciona, el mundo mudo de Tunic es impasible ante ti. Ni te ayuda ni te obstruye. Las llaves de Tunic son menos físicas que mentales. No dejarás de encontrarte objetos que no sabes exactamente para qué sirven hasta que no los pruebes o encuentres las pistas.

Tunic convierte el tutorial en un puzle.

Los tutoriales a veces matan la esencia de un juego. Te privan de la primera experiencia, la más genuina, con una mecánica. Los tutoriales se implementan no para enseñar al jugador, sino por miedo a que no entienda lo que quieres decir. Pero, al hacerlo, le arrebatas la oportunidad de experimentarlo por uno mismo. Para hacerlo bien, más que bien, hay que ser un verdadero genio y dedicar ese tiempo extra de desarrollo que a menudo hace peligrar una obra. Animal Well se tiró siete años en desarrollo precisamente para hacer esto correctamente. Cada uno de sus objetos viene sin manual de instrucciones. No te hacen más poderoso per se; te hacen más poderoso cuando sabes usarlos correctamente. El juego espera de ti que te pongas a jugar (porque es un videojuego y estás aquí para eso) con el yoyó y este se cuele por lugares imposibles. Que lances el disco y, una de esas veces, sin anticiparlo, terminas dándote cuenta de que puedes subirte a él y solventar abismos insalvables.

Incluso en los juegos de deducción, tan de moda últimamente, se está empezando a confiar más en el jugador. Como diseñador, uno se preocupa de mostrar en pantalla todo el proceso de deducción, ¿no? Interminables juegos de Sherlock Holmes han hecho esto, creando palaciones mentales de pistas y sospechosos que unir prácticamente con hilo rojo. Mientras tanto, una nueva oleada de juegos, casi herederos de juegos de mesa de misterio, han simplificado el concepto: el juego no tiene que verificar cada paso del puzle, solo tiene que verificar el resultado. El puzle en sí se juega en tu cabeza. Conectar los hilos sucede en la mente del jugador. El juego confía en que, ofreciéndote las pistas correctas, sepas unir los puntos. Juegos como Obra Dinn crearon escuela y otros como The Case of Golden Idol o The Roottrees Are Dead lo siguieron.

¿Por qué este cambio de paradigma? Por una razón bien sencilla. Antes los inteligentes eran los creadores. Demostraban en cada decisión lo listos que eran habiendo ideado un complejo mecanismo que tú experimentabas. Y estaba bien. Sigue estando bien. Pero ahora las reglas del juego han cambiado. La idea es que el listo seas tú. El que obtenga esa sensación de haber comprendido las reglas antes de leer el manual. Por eso los nuevos Zelda iteraron en esta idea. Lo que en Breath of the Wild fue experimentar con recetas y leyes de la física se convirtió en Tears of the Kingdom crear tus propias construcciones. No había una solución única. Había muchas.

Por eso hay juegos que se juegan y juegos que se viven.

El cuento más viejo de todos los ismos y todas las fobias es hacer pasar la intolerancia por ciencia. “Algo no me gusta, por tanto debe ser malo. Voy a demostrar que lo es y así a los demás tampoco les gustará y yo no seré el raro.” Casi todo ataque a lo diferente suele empezar con ese pensamiento primigenio, un miedo irracional y primordial a aquel que es distinto a nosotros. Los biólogos evolutivos lo explican como ese instinto de supervivencia que aún conservamos, en el que la perpetuidad de la especie era vital y, por tanto, aquello exógeno se percibe como una amenza y debe ser expulsado para proteger el grupo. Para no contaminar los genes dominantes.

Todos estamos familiarizados con estas dinámicas de grupos porque todos hemos ido al colegio. Así que, si alguna vez la veis en los videojuegos, no caigáis en sus argumentos. Porque es el mismo de siempre: “Algo no me gusta, por tanto debe ser malo.” Mixtape es, por tanto, el último juego que se une a la larga lista de títulos señalados por no ser suficientemente videojuego. Por supuesto, esto no tiene que ver solo con sus mecánicas, sino con su éxito. La gente solo señala cuando siente peligro de contagio. En este caso, respaldado por las buenas críticas, las notas perfectas de 10 y lo emocionados que estaban algunos jugadores.

Ahí es cuando saltan las alarmas y los miedos internos. “¿Y si este estilo de juegos triunfa? ¡Acabará con los juegos DE VERDAD! ¡Todo serán pelijuegos hablando de sentimientos humanos! ¿Es que nadie va a pensar en los niños?” Y la campaña de odio comienza sola. Como un partido político planeando el ataque a otro, comienza siempre por el eslabón más débil; en este caso, las mecánicas menos intensas que en los videojuegos predominantes: los de acción (¿Recordáis que dediqué un Botón de Pausa a explicar el problema de que todo sea acción? Pues de esos polvos, estos lodos.).

Lo cierto es que la polémica de Mixtape no deja de ser la misma guerra que hubo en su momento con los juegos de Telltale y Quantic Dream, los Walking Simulators y que se remonta incluso a principios de siglo cuando se quiso matar la aventura gráfica, no sin antes apropiarse de todo lo que le convenía de ella, como sistemas de diálogos, decisiones y algunos puzles. Pero el videojuego, desde su concepción, nunca firmó un contrato con el jugador de que tenía que tener un alto porcentaje de interactividad. Simplemente que requería la implicación de este. Y Mixtape, definitivamente, la tiene.

Los mejores momentos de Mixtape no podrían ser una película porque eres partícipe de ellos. Da igual si simplemente te mueves por una habitación examinando objetos y aprendiendo de la vida de estos adolescentes (algo idealizados), si pulsas botones al ritmo de la música mientras estás en el coche o te dejas llevar por la melodía hasta volar. El juego, de hecho, tiene un cierto homenaje a una película que adoro, Alta Fidelidad, y sin embargo el uso de la música se siente completamente distinto. ¿Por qué? Por la interacción del jugador.

A mí personalmente Mixtape ni me ha parecido tan rompedor como algunos medios proclaman, pero mucho menos la birria que están intentando contraprogramar. Lo cierto es que es un juego con un estilazo único, ese vibe que ahora mismo es lo más importante a la hora de vender una obra. Y nunca esperé escuchar Joy Division en un videojuego, así que eso que me llevo. Pero también tiene problemas narrativos: le cuesta encontrar el conflicto y eso hace que el personaje de Stacey Rockford, la más protagonista, te pueda llegar incluso a caer mal por no entender sus motivaciones. Y las comparaciones que se han hecho con What Remains of Edith Finch me parecen muy mal traídas. Las mecánicas ligeras de Edith Finch reforzaban siempre la historia de una manera que te rompía el alma y es de los mejores ejemplos de narrar con mecánicas, mientras que Mixtape solo consigue esto a medias.

Pero todo ello no evitará que defienda la vigencia de Mixtape como videojuego. Incluso más allá, porque lo cierto es que nuestro medio debería estar desesperado por historias como esta, que nos hagan sentir algo, lo que sea. Que tengan un mínimo de coherencia narrativa y traten de explorar la condición humana a través de, sí, la interacción y la implicación del jugador.

Quizá esa sea la verdadera amenaza y no las mecánicas...

Quizá aquel que se siente ofendido, de lo que tiene miedo de verdad, es de sentir algo.

Da igual cuántos años lleves de periodista, lo entusiasta que seas de la industria o lo estudioso y académico que puedas llegar a formarte: nada se compara con ponerte al otro lado y hacer tu propio videojuego. La cantidad de detalles que, como jugadores, ni tan siquiera llegamos a pensar son el día a día de un desarrollador que tiene en cuenta absolutamente todo a la hora de crear un videojuego es incontable. Cuando se dice eso de que cada videojuego es un pequeño milagro, tienen toda la razón.

Mi juego es mucho más humilde, claro. Se llama The Pactmaker, y es una aventura gráfica pixel art sobre un profesor de una prestigiosa institución, pero sobre todo un padre al que se le pone en un dilema tras ver a su hija en coma en el hospital. ¿Qué estarías dispuesto a hacer por que volviera a abrir los ojos?

Cuando empecé el proyecto no tenía ni idea de programar y no dibujaba desde los 15 años. No sabía ni usar una bool y los únicos píxeles que había colocado eran los de algunos personajes de aventuras de los 90 que copiaba píxel a píxel del manual. Por suerte, tenía experiencia en escribir y de diseño… Bueno, el diseño es lo más efímero; todos creemos saber algo y nunca puedes estar seguro del todo hasta que el juego no sale a la luz.

Pero tenía experiencia en otra cosa: sentar el culo en la silla. Eso se me da la hostia de bien. Desde que yo mismo soy padre, aprendí a valorar mucho el poco tiempo que tenemos. Y en otros proyectos me di cuenta de que, si quería hacer este tipo de cosas sin descuidar el trabajo o mi familia, no quedaba más remedio que sacrificar otras cosas. Es la etapa de mi vida que menos películas o series he visto. Me he tenido que quitar de jugar en mi tiempo libre a RPGs y JRPGs de 100 horas que me siguen fascinando. Y reconozco que a veces no salgo tanto a la calle como debería. Decidí arañar cada minuto al reloj e invertirlo en seguir aprendiendo y crear algo propio. No sé qué saldrá de esto, la verdad, pero no me importa demasiado. El proceso ha sido ya suficiente recompensa.

No sé dónde escuché que la creación de algo que requiere mucha dedicación, de años, es como llenar una piscina con tazas de agua. Y no podía haber definición más acertada. Cada día no parece que avances mucho, a veces incluso crees haber retrocedido, pero cuando miras atrás y ves lo lejos que estás, suceden dos cosas. La primera, te das cuenta de lo mucho que has progresado y lo diferente que eres desde que comenzaste a caminar. La segunda, que ya nunca te detendrás para mirar de nuevo atrás.

El mundo del videojuego, y del arte en general, está lleno de estas pequeñas anécdotas. Detrás de cada uno que llega a pulsar el botón de publicar hay una hermosa historia. Incluso si el proyecto no cumple las expectativas, la experiencia de vida detrás de ello tiene un valor incalculable. Ver las cosas desde este lado de la barrera da vértigo, pero también es una lección de humildad. Creo que nunca me atrevería a meter prisa ni a exigir a un desarrollador, menos aún uno independiente. Pero creo también que, si amamos esta industria, también hay que amar los fallos y los problemas. Como crítico, dedico buena parte de mi tiempo a analizar, escudriñar y comentar tanto lo que me convence como lo que no en el trabajo de otros. Ahora otros lo podrán hacer conmigo y eso está bien. Pero yo, que estoy en una extraña posición cuántica de ver las cosas desde ambas perspectivas a la vez, incluso cuando algo no me convenza, no puedo tener otra cosa que empatía por el trabajo del desarrollador y del crítico.

Con todo, entiendo perfectamente lo convulso que es el mercado. Hay mucha pasión, pero también mucho esfuerzo en un proyecto en el que te puedes dejar tus ahorros y cuatro años de tu vida y no conseguir ningún tipo de retorno económico. Y eso sí que da vértigo. Yo, por suerte, no estoy en esa posición. Mi trabajo principal es otro y no podría jugarme a un órdago el sustento de mis hijos. Además, a día de hoy, digamos que hay formas más fáciles de ganar dinero. Si alguien quiere hacer algo como un videojuego, tiene que tener muy claras las razones.

No soy quién para dar consejos. Soy el último mono en llegar aquí, pero si alguna vez te ha picado el gusanillo por hacer algo por ti mismo, lo que sea… desde crear un videojuego a construir una silla; esto es lo que pienso: no trates de quemarte al principio. Rellena la piscina con tacitas de agua. Aprende a amar el proceso y no solo el resultado. Crear algo, cualquier cosa, es un acto de amor a la humanidad y sus capacidades y a uno mismo. No lo pienses demasiado, tampoco. El talento no es haber nacido con un don marcado en tus genes.

El talento es sentar el culo en la silla.

Voy a empezar de la peor manera posible: “los que ya tenemos una cierta edad”. Toma ya, SEO. En fin, el caso es que los que ya tenemos una cierta edad tenemos ahí una mácula que no podemos quitarnos, que es la de compararlo todo con otra época en la que de un año al siguiente, de una generación para otra, los saltos gráficos eran inmensos. Un buen día estabas jugando a Doom II y aparecía Quake, o a Final Fantasy VIII y llegaba Final Fantasy X. Sí, ambos en cuestión de dos años entre medias.

Bueno, es hora de admitir que esa época acabó hace mucho tiempo.

El aplanamiento de esta gráfica es peor de las que creemos. Los cambios cada nuevo año son menores visualmente, llegando a un techo tecnológico que se mide más en términos de resoluciones, framerates y herramientas de escalado y trazado de rayos que en el nivel en que tus ojos hacen chiribitas. Vivimos en un mundo en el que hace falta aumentar un 8x la imagen para encontrar diferencias gráficas en imagenes side by side y el usuario le da muchísima importancia a ser capaces de encontrarlas. Mientras tanto, tu pareja te mira como si fueras capaz de ver las costuras de la realidad mientras para sus ojos “eso se ve que flipas” y ya está. A veces, creo que preferiría pagar por ser un poquito menos “conocedor” del medio en vez de por la próxima RTX 6080. Vería las cosas con mejor perspectiva... y mejores gráficos.

Disfruto mucho de estas ironías, no te lo voy a negar, como seguir intentando exprimir un limón que ya apenas tiene zumo, que es lo que está pasando con el empuje tecnológico actual. Creo que el motivo está en la inercia. La industria está tan acostumbrada a vender el videojuego por los ojos, la razón para comprar nuevas entregas y nuevo equipo, que seguimos aplaudiendo a una innovación tecnológica existente, sí, pero inapreciable. Como el cuento, el rey está desnudo y nadie se atreve a señalarlo. Y, para mí, el primero que llegó a la meta y se pasó la carrera de los gráficos y la tecnología fue Uncharted 4. Un juego que cumple ahora una década. Está tan separado en el tiempo de nuestros días como Super Mario 64 y Gears of War.

Si jugaras ahora mismo (de nuevo o por primera vez) a Uncharted 4 tendrías que limpiar las babas. Y sin necesidad de trazados de trayectorias ni hacer zoom a 8x. El secreto de que este juego haya envejecido tan bien creo que tiene varias explicaciones. La primera, que fue el momento de la industria en el que llegar a ese nivel de calidad te posicionaba en un estado de “belleza permanente”. Nunca serías feo ni anticuado. Aunque lo tiene, no necesitarías un remaster y mucho menos un remake. Además, el juego no es solo tecnología, es esa armoniosa mezcla entre técnica y diseño visual, un aspecto a menudo infravalorado hoy día, casi intangible, que los que solo miden píxeles no son capaces de comprender. Por otro lado, teníamos a la Naughty Dog más pletórica. Lo suficientemente inundada en billetes para hacer un trabajo demoledor y sin tanto prestigio como para tirarse una generación sin sacar juego (guiño, guiño). Sus desarrolladores iban tan de sobrados que descubrieron que podían aplicar la lógica del código de la hierba y hacer que el viento meciera los pelillos del pecho de Nathan Drake.

La verdad es que deberías de dejar de leer esto y ponerte a jugar a Uncharted 4. La última razón que esgrimo, más allá de que narrativamente hicieron bien en reescribir todo el proyecto, es que no son solo los graficotes. Lo que Uncharted 4 daba que juegos alabados gráficamente en 2026 no logran es una fisicidad y sensación del espacio que solo la iteración enfermiza es capaz de concretar. Cada vez que Nathan se golpea contra el suelo o la pared sujetado por una cuerda reacciona acorde a cómo tú antes de que choque has movido unos grados el stick a diferencia de otro jugador. Si algo le pediría a una remasterización de Uncharted 4 hubiera sido una opción de rebobinado en tiempo real, para ver cómo sus cientos de escenas y combates están llenos de pequeñas variaciones que lo hacen único, y probarlas todas.

Antes de que mi rinitis me hiciera perder mucho sentido del olfato, que espero recuperar algún día, me gustaba mucho el vino. Pero siempre tuve claro una cosa. Puedo entender la diferencia entre pagar por un vino común y un Arzuaga. Y entre este y un Carraovejas, por ejemplo. Pero llega un punto en el que, aunque fuera capaz de distinguir entre esta gama y una de 500-1000 euros, me atragantaría con el precio. El vino tiene que ser vino y los videojuegos, videojuegos, como bien diría Mariano Rajoy. Sin embargo, nos encontramos en un momento en que cada vez necesitamos más equipo, más resoluciones y frames por segundo, más tecnología de luces y sombras...

Y cuanto más veo esas intenciones de vendernos nuevo equipo y nueva generación, más pienso en Uncharted 4. En lo increíble que se ve hoy y en el poco equipo que necesita para verse así de bien.

Es la ironía definitiva. Nos hemos pasado los gráficos. Es solo que nos mentimos a nosotros mismos y no queremos aceptarlo.

Probablemente conoceréis el chiste. Dos vascos están por el bosque buscando setas cuando uno de ellos emocionado recoge un reloj del suelo. “¡Mira, un Rolex!”, dice. “Pero Patxi”, responde el otro. “¿Estamos a setas o estamos a Rolex?”. Creo que es algo que hay que preguntarse más en el mundo del videojuego. ¿Estamos a hacer videojuegos o a ganar dinero? ¿Estamos a setas o a Rolex?

Hay un meme que circula por ahí en el que se compara todo lo que ha hecho Capcom desde que Rockstar lanzó Red Redemption 2 hasta este año que teóricamente lanzará GTA VI. Y, aunque probablemente GTA VI pueda terminar siendo económicamente más beneficioso (todos los juegos de Capcom en este segmento habrán sumado 130 millones de unidades vs los 225 millones de un GTA V, por ejemplo), no me cabe duda de que no será tan relevante para el desarrollo de la industria de lo que está siendo la nipona. No es por desmerecer a GTA VI, que a buen seguro tendrá un impacto cultural importante (aunque quizá el mundo ya es más loco que la sátira que hace de él). Me refiero a que el trabajo que ha hecho Capcom en esta última década está insuflando más salud a una industria tocada por la cobardía y la falta de creatividad que prácticamente ninguna otra compañía del sector.

Hay alguien en Capcom, uno de esos nombres japoneses desconocidos y que nunca gozará de la popularidad de otros, que realmente ama los videojuegos. Que los ama de una manera muy distinta a los ejecutivos de otras empresas. No se explica de otra manera que un gigante como ellos con franquicias tan exitosas como Monster Hunter o Resident Evil siga queriendo hacer juegos tan absurdos como Kunitsu-Gami o Pragmata. En el libro de consulta de todo CEO, deshacerse de este tipo de ideas creativas y de menor rédito económico es lo primero que ocurre. Como mínimo, sueles tener una división mucho más pequeña, como la que tiene Square-Enix, para hacer juegos al estilo Octopath Traveller. No títulos caros y de largo desarrollo como Pragmata.

Y lo mejor es que funciona lo suficientemente bien como para seguir adelante: Pragmata, un título que se puede resumir al absurdo como un shooter en el que resolver minijuegos mientras apuntas y disparas, ha vendido más de un millón de unidades en 48 horas. Cuando lo jugué no podía dejar de pensar que esto era uno de esos rara avis que llegan a cuenta gotas en esta década, pero que antes los teníamos a patadas en la generación de PS3 y 360, por ejemplo. Una época que aunque ya empezó a acumular algunos vicios, se permitía rarezas y de las gordas. La propia Capcom ya las hacía a paladas: desde Dark Void o Bionic Commando hasta Lost Planet y Dragon’s Dogma. Algunas funcionaban y otras no, pero seguían intentándolo. Lo que pasa es que, en aquella época, no le dábamos el crédito que merecía. Porque nunca pensábamos que podríamos vivir un tiempo en el que los nombres nuevos y las ideas extravagantes podrían dejar de existir.

Y no lo han hecho, pero sí se han visto muy reducidas. Todos sabemos las razones: los costes de desarrollo se han incrementado y un poco también las ambiciones de los inversores, que hacen que haya que apuntar muy bien antes de disparar con cualquier propuesta. El propio Pragmata, que antes Capcom podría haber desarrollado en 2-3 años, ha tardado la friolera de 6 años en llegar a término. Evidentemente, por cambios y problemas en el desarrollo, pero ya sabemos que cualquier otro estudio habría tirado del enchufe hace mucho tiempo.

Esa noticia de las buenas ventas de Pragmata (que incluso fue recibida con escepticismo por los inversores) fue una de las que más me ha alegrado en todo el año. Significa que no solo hay espacio, sino demanda para juegos distintos. Que a pesar de que todos los estudios de mercado parecen decirnos que hay que apostar por grandes nombres y productos conservadores, todavía hay margen para la creatividad. Y son pocas las propuestas que he visto por parte de las grandes compañías que hagan honor a esto. Porque sí, nuevas IPs las ha habido. Desde Ghost of Tsushima a Star Wars Outlaws, de Starfield a Forspoken, con mayor o menor éxito, han llegado. Pero fijaos el patrón: Aventuras/RPG de mundo abierto y muchas horas de contenido. Creo que solo Returnal (junto a Saros ahora) han logrado colocarse como algunas de las propuestas más frescas que recuerdo. Microsoft lo ha hecho igual de bien, con extravagancias como Hi-Fi Rush, Pentiment o South of Midnight.

Antes hablaba de que debe haber un señor en Capcom que le gustan mucho los videojuegos. Que debe pensar que, si se dedica a una industria tan desafiante como esta, qué menos que intentar hacer buenas obras que reflejen un legado del que sentirse orgulloso. Y creo que lo están consiguiendo. Sí, probablemente usen la carta de que las franquicias grandes pagan las pequeñas. Los Resident Evils y Monster Hunters pagan los Pragmatas y Kunitsu-Gamis y sus riesgos, pero ¿por qué no deberían? Al fin y al cabo, estás aquí para esto, para hacer videojuegos que importen. Para ganar solo dinero hay formas mucho más sencillas.

Y creo que de eso se trata. Nos hemos repetido tanto a nosotros mismos ese comentario cínico de “al fin y al cabo esto es un negocio y las compañías están aquí para ganar dinero” que nos lo hemos terminado creyendo a pies juntillas. Sí, es un negocio, pero uno que se basa en lo artístico. Para ganar dinero y seguir siendo relevante no te queda otra que crear arte. Y el arte debe ser disruptivo, desafiante, transformador y nuevo. Si lo ignoras por demasiado tiempo, dejas de ser relevante. Gracias, señor de Capcom, por no olvidarlo. Gracias por estar a setas.

Está pasando algo en el mundo del videojuego de esa forma sibilina que no termina de asentarse en la cabeza hasta que no la miramos y estudiamos en los años posteriores. Sí, tenemos muchas pruebas y evidencias: los innumerables despidos, la alarmante falta de creatividad, los remakes y remasterizaciones, el encarecimiento de los componentes... Y lo peor del puzle es pensar que no todas las piezas encajan; que hay muchas razones detrás que no terminamos de conocer del todo.

Por ejemplo, con PlayStation yo siempre he tenido la sensación de que Sony se enfrentaba al fantasma de los 600 dólares de PS3. Era el precio maldito. Tanto, que no les permitía volver a poner una consola a ese precio por mucho que quisieran. Y creo que todo este escenario actual, que incluye el encarecimiento de los componentes, pero también el cambio de estrategia de Xbox que les ha puesto en una posición demasiado cómoda (recordemos que PS5 ha vendido 90 millones de unidades con el mínimo esfuerzo), ha hecho que la compañía haya conquistado esa barrera psicológica de los usuarios que era el temido precio.

¿Sabéis el problema? Que tengo la sensación de que el nuevo precio elevado de PlayStation 5 tiene que ver menos con el encarecimiento de los componentes (el precio de la RAM ya está bajando, por ejemplo) que con el posicionamiento futuro de ambas consolas. Cuando salga PS6 y cueste mucho más, algunos especulan que 800-900 euros, es más fácil compararla con los 650 euros de la PS5 actual que con el precio de lanzamiento. El encaje psicológico que tenemos que hacer, por decirlo así, será menor. Sony, además, se ve empujada a esta situación no solo por los nuevos costes (y su búsqueda de un mayor beneficio), sino por ofrecer una máquina que, sin ser un PC, siga pudiendo mirar de tú a tú a lo que vaya a hacer la competencia, que quitando Nintendo está enfocado ya al usuario avanzado.

Botón de Pausa

Hace demasiado que no te emocionas con un videojuego sin pelearte

Uno de los mejores juegos que voy a haber jugado este año va a pasar bastante desconocido entre el público general. Se trata de Perfect Tides: Station to Station. Un relato de juventud y el paso a la madurez de una joven que tiene que enfrentar los típicos desafíos de la adolescencia: el amor y sobre todo el desamor, el futuro laboral incierto y la búsq…

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5 months ago · 10 likes · 2 comments · Alejandro Pascual

Esto sienta un mal precedente que, ojalá me equivoque, puede tener consecuencias imprevistas aún más dolorosas que la del bolsillo: el decaimiento de una industria que se supone iba a ser la representante de mi generación millenial y las posteriores. El otro día leía a una compañera de Xataka decir que el sector de los videojuegos estaba perdiendo relevancia cultural y, me duele admitirlo, pero así es. No quiero dar demasiado la tabarra con esto, pero, si sentís curiosidad, mi teoría sobre esto es en parte la que os comenté la semana pasada. Como medio, no hemos logrado ser culturalmente atrayentes, y esto es un fallo tanto de los autores por no ofrecer suficientes productos que resuenen con la condición humana y los conflictos de gran parte de la población; como de los comunicadores, que no hemos transmitido bien el mensaje de su relevancia (a menudo por seguir modas de juegos más comerciales en vez de los más transgresores); y también como jugadores hemos fallado a la hora de seguir pasiones personales, secuelas y productos de bajo riesgo.

En este camino, todos hemos ido dejando de lado a aquel que estaba interesado por el videojuego, pero no conseguía encontrar suficientes títulos que le conmovieran y emocionaran como lo haría el cine, la música, la literatura o lo que sea. Pensábamos que esto era un síntoma de aquel segmento de población que no había nacido con el videojuego, y que en unos años sería sustituida por nuevos jugadores nativos, que crecerían dentro del sector. Pero lo cierto es que no ha sido así y, de hecho, cada nueva generación tiene menos oportunidades que los millenials y la generación Z de ser un jugador tradicional en vez de ocasional.

Todos sabemos las razones. El poderío de las redes sociales, tiktoks, stories, shorts e incluso plataformas de streaming compiten más que nunca con el videojuego. No solo son adictivas, sino fáciles de acceder, instantáneas y prácticamente gratuitas. Imaginad si a este escenario le sumamos la barrera de que, para jugar mínimamente a una superproducción, necesitas desembolsar casi mil euros. La tragedia se cuenta sola. En este futuro extraño, quizá no sería raro ver en pleno 2033 a jugadores comprando una PS5. Jugar a videojuegos exigentes se va a convertir, más que nunca, en un club elitista de difícil acceso. Y lo más irónico del asunto es que puede ser el salto generacional más birrioso de la historia. PS5 apenas ha exprimido su potencial. No creo que haya muchos juegos que, sin forzar la exclusividad, no sean perfectamente funcionales en la actual generación de consolas.

Dentro del panorama actual, quizá Nintendo pueda ser la más beneficiada del asunto. A día de hoy, la diferencia de precio entre una Switch 2 y una PS5 no es muy grande, pero entre Switch 2 (o incluso Switch 3) y el resto de plataformas va a ser escandalosamente grande. Tanto que se podrán permitir subir precios si lo necesitan, porque también pueden usar el recurso de una Switch 2 Lite para seguir ofreciendo una gama de entrada más asequible. Si Nintendo es ya la puerta de entrada de millones de niños (que se lo digan a mi hijo) imaginaos lo que puede hacer si las demás se vienen tan arriba.

Me da pena decirlo, pero preveo una cierta decadencia comercial del sector. Si el videojuego tradicional ya estaba un poco tocado entre tantos frentes (los juegos online, como servicio, móviles y redes sociales), creo que muchas compañías van a ver aún más desafiante la siguiente generación, con una barrera de entrada demasiado inaccesible para el gran público. Ante este panorama, ¿quién se va a atrever a hacer un juego muy demandante que no sea compatible con la anterior generación? Y por ello mismo, ¿quién se va a comprar una consola nueva cuando los juegos se ven prácticamente igual solo que sin Path Tracing y el milagro de los reescalados sigue haciendo su función?

Hablando de milagros, el del doble A creo que estará más presente que nunca. Muchas compañías no tendrán nada de ganas de meterse en el atolladero de tratar de impresionar visualmente a un público cada vez menos impresionable. Mi hilo de esperanza radica un poco aquí, en que se aproveche este factor para hacer juegos valientes y con riesgo. También en el juego independiente, claro, pero tenemos que admitir que está sufriendo su propia odisea a base de repetir las mismas fórmulas con el enésimo metroidvania, roguelike o juego de cartas, e incluso tonteando con peligrosas vertientes interactivas de casinos y tragaperras.

Como decía al principio, el puzle es demasiado grande como para poder ver con claridad el dibujo que contiene. Y la realidad es que quizá necesitemos un frenazo en seco. Una suerte de recesión videojueguil que ponga las cosas en perspectiva. Que nos haga entender que si cae una pieza, caen todas. Puede que nosotros, que estamos muy metidos en esto, nos guste mucho clasificar todo por años y generaciones, pero al público masivo eso le da igual. Lo único que le importa son los buenos recuerdos, y estamos en un punto en que esos recuerdos se lo puede dar la consola o el ordenador que ya tienen en casa. Como un teléfono, no pensarán en comprar una nueva consola porque es de nueva generación y ofrece algo único, sino porque se les ha estropeado y necesitan un reemplazo.

Uno de los mejores juegos que voy a haber jugado este año va a pasar bastante desconocido entre el público general. Se trata de Perfect Tides: Station to Station. Un relato de juventud y el paso a la madurez de una joven que tiene que enfrentar los típicos desafíos de la adolescencia: el amor y sobre todo el desamor, el futuro laboral incierto y la búsqueda de la autenticidad en tu propia identidad.

Es curioso, porque si os aseguro que este juego me ha sorprendido muchísimo, posiblemente pensemos “bueno, tampoco es que sea tan novedoso, eso ya lo hizo Life is Strange”. En parte es cierto, pero también creo que aparte de que LiS ha entrado en una barrena de la que no va a salir ya, su acercamiento al relato adolescente es mucho más idealizado. Incluso en sus temas conflictivos, lo adereza todo con una especie de nostalgia y belleza, pero le suma además una capa sobrenatural y de thriller (recordemos que hay un personaje que secuestra jóvenes, menudo relato adolescente). Station to Station, en cambio, es mucho más crudo y realista. Puedes notar perfectamente la autoría de Meredith Gran detrás de cada escena, no guardándose nada. En vez de confiar en una trama externa y expositiva, aquí todo es desarrollo de personaje en un tema tan difícil de explicar como sentir que hay algo dentro de ti que no funciona exactamente, que no sabes definir qué es, pero que forma parte de quién eres y nunca se va a ir del todo.

Es verdaderamente increíble vivir esto en un videojuego. En parte porque no son muchas las posibilidades que he tenido de ponerme en la piel de una joven adolescente y ver los problemas desde su perspectiva. Después de haberlo jugado, creo que lo entiendo mejor y también a algunas personas que he encontrado a lo largo de mi vida que han podido pasar por cosas parecidas. Y, sobre todo, como en una novela semiautobiográfica, también tienes la sensación de haber conocido mejor a su autora.

Si os interesa jugar, creo además que hace cosas interesantes para no quedarse solo en una aventura narrativa:

• El juego está dividido en cuatro estaciones de cuatro días, y en muchos de estos días tenemos una mecánica parecida a Persona en la que decidir a qué dedicamos el tiempo.

• Tenemos dos actividades: leer y realizar trabajos para clase. Dependiendo de qué libros tengamos, intercambiemos o encontremos para leer así varían nuestros conocimientos; y estos a la vez influyen en cómo enfocamos los trabajos de clase.

• No es un sistema demasiado profundo, me habría gustado que se explotara más, pero está claro que hacerlo habría complicado las cosas para Gran. En primer lugar, el propio desarrollo que ya le llevó 4 años; en segundo, quizá caer en la gamificación y diluir el mensaje de la obra.

En todo caso, os recomiendo que le echéis un vistazo incluso aunque técnicamente Station to Station sea una segunda parte. La primera es también muy buena, pero esta es mejor. En parte porque la historia está más lograda, pero también el enfoque. Abandona algunas mecánicas de aventura gráfica y se centra más en la narración y el life sim. Y sí, me puedo permitir decir esto como aficionado a la aventura gráfica, porque sé perfectamente cuándo sus mecánicas son favorables o no. En un juego que no tiene puzles, abandonar esa herencia de Sierra que el juego y enfocarse en lo que quiere ser, una aventura narrativa, es mucho mejor.

Pero decía antes eso de “eso ya lo ha hecho Life is Strange” porque es curioso que pensamos así. No es un pensamiento que diríamos del 99% de videojuegos. Uno no va a la siguiente gran superproducción pensando: “esto ya se ha hecho”, porque claro que ya se ha hecho. Se lleva haciendo desde toda la vida hasta el punto de que ya no nos extraña en absoluto. Lo que nos lleva a la segunda parte de este artículo.

El eterno pecado del triple A

Ocurre algo en el internet de los últimos diez años y es que escribimos desde la justificación. Antes incluso de empezar a desarrollar este post, ya estoy pensando en hacerlo. En deciros a todos vosotros que no odio al triple A. Que no es que lo critique porque no me gusta, sino por todo lo contrario: lo critico porque lo amo. Pero si de algo ha de servir este rincón mucho más autoral en el que se está convirtiendo esta red de Substack es en no necesitar defendernos con anticipación de nuestras opiniones. Así que se acabaron las justificaciones. Simplemente diré desde la postura de alguien que los ama que, en este siglo, siempre he sentido que las posibilidades que ofrece la superproducción se nos han arrebatado para convertirse en una sola cosa: videojuegos de acción.

En cierto sentido, tengo la sensación de vivir en una distopía en la que un bando ganó de forma tan aplastante que ya nadie se cuestiona si había otro modo de hacer las cosas. Imaginemos, por ejemplo, Rambo. Imaginemos que su éxito hubiese sido mucho mayor de lo que lo que fue en realidad. No me refiero a que ganase más dinero, sino a que fuera un acontecimiento tan grande que transformara el cine para siempre. Que, a partir de ese momento, cualquier presupuesto superlativo se aprobara en base a si se parece a Rambo o no. En cierto sentido, noto al triple A de esa manera. No tuvo un juego trascendental per se, pero si un género. La acción. A día de hoy, es muy difícil imaginarse un juego de gran presupuesto sin mecánicas de acción.

Por ello, si hablamos de géneros narrativos, nos es casi imposible imaginar cómo serían las mecánicas de una comedia romántica y de un drama familiar o social. Ni siquiera en el terreno independiente hay muchos ejemplos que puedan adherirse a la clasificación por género narrativo. Quizá por eso he disfrutado tanto de Perfect Tides. No significa que no haya buenas historias, pero sí que siempre tienen que tener un elemento compartido:

• Da igual si te llamas The Last of Us, Red Dead Redemption, The Witcher 3, God of War o Expedition 33. Siempre tendrás que encontrar una manera de expresar sentimientos mientras machacas o tiroteas a cientos de enemigos.

• Eso reduce muchísimo el espectro narrativo y las ambientaciones a las que puedes optar en un videojuego, obligando a los autores a hacer concesiones o limitar su expresividad artística.

• Tener una gran superproducción en un escenario realista, en una ciudad realista (sin ser invadida por demonios) es un unicornio.

¿Por qué funciona tan bien la acción?

No soy ingenuo. No es solo un problema de gustos. Las mecánicas de acción funcionan porque son estimulantes, proponen desafíos y se amoldan bien a las mecánicas de progresión. Por mucho que queramos establecer un sistema basado en las relaciones sociales entre personajes, o tratar de expresar cómo el protagonista se puede sentir ante la pérdida o ante el florecimiento de un nuevo amor, es verdaderamente complicado hacerlo a través de dinámicas de videojuego sin que se sientan artificiales. Y, si de alguna manera se consigue, no suelen crear ese ansiado “game loop” que se busca en la actualidad y que te permite iterar durante horas y horas de tiempo de juego. La superproducción siempre tendrá consumidores, claro está, pero también veo a jugadores que, tras consumirla durante muchos años, terminan cansados. El otro día, hablando con un amigo, me confesaba que apenas juega ya este tipo de productos y, curiosamente, había encontrado un refugio en un tipo de género que es un nicho entre los nichos, la aventura FMV moderna. Un tipo de juegos grabados con imagen real y basados en decisiones en su mayoría, con algunos que aportan mecánicas de deducción.

A mí mismo me pasa esto de refugiarme en algo pequeño. Creo que por eso siempre he guardado un rincón para uno de los géneros más denostados del medio: la aventura gráfica. No creo este género lo hiciera de manera consciente, pero sí ha terminado por demostrar algo curioso: que el puzle es uno de los mejores sistemas para combinar con una narración sin que este se apodere de lo que quieras contar. El puzle no exige a la historia ceñirse a unas solas ambientaciones o crear una dinámica en la que acabar con decenas de enemigos. La aventura gráfica, aunque me pese, ha perdido muchas oportunidades, pero no me cabe duda de que te permitiría, perfectamente, hacer esa historia de comedia romántica o de drama familiar/social de la que hablábamos antes. De hecho, hay algunos ejemplos de ello en la actualidad.

Tratando de hacer memoria, solo me vienen dos grandes producciones que en los últimos años ha intentado huir de la acción.

• El primero es LA Noire, un juego de detectives donde se dispara poco y se investiga más. Todos tenemos nuestros más y nuestros menos con su sistema de interrogatorio tan peculiar o con su forzada necesidad de ser un “mundo abierto”, pero a día de hoy lo veo como una bonita rareza que intentó hacer algo singular.

• El otro es Death Stranding, creando un sistema que castigaba el propio acto de matar. Pero, cuanto más pienso en él y en su secuela, más considero que Kojima es el primero que se dio cuenta de que luchar contra las mecánicas de acción era en vano. Para muchos jugadores, recuperar las mecánicas de acción y de matar enemigos sin consecuencias en Death Stranding 2 lo ha hecho mucho más divertido.

• No los considero superproducciones, pero creo que esta es la razón por la que los juegos de Telltale como The Walking Dead o The Wolf Among Us funcionaron tan bien: están hechos para un público al que no le apetecen mecánicas de acción. Y si pensamos que solo fue una moda, solo hay que mirar el éxito de Dispatch para darnos cuenta de que no.

El problema se agrava más cuando consideramos que ya ha habido varios relevos generacionales. Tanto de jugadores como de consolas y ordenadores. Las nuevas generaciones se han acostumbrado a que las grandes superproducciones son así, una suerte de fantasía de poder, y no hay nada malo en ello. Y ciertamente no lo hay, solo que siempre consideraré que podían ser más variados. Al haber girado tanto la rueda, creo que también ha afectado a muchos artistas a la hora de entrar en nuestra industria. Los escritores han sido los más afectados; aquellos que en su momento buscaron un medio de expresión moderno en el que transmitir sus inquietudes, pasiones e inseguridades, sobre todo con un cierto compromiso, se habrán sentido expulsados por una maquinaria que explota los géneros de la fantasía, la ciencia-ficción, el terror y sus derivados e incluso lo hace de maneras bastante tradicionales y conservadoras. A buen seguro dichos escritores habrán buscado refugio en el medio cinematográfico y la explosión de las plataformas en streaming que, si bien también sufren de una absoluta crisis creativa, al menos les permite contar historias que parecen no caber en nuestro medio. El caso de Meredith Gran que os comentaba antes es una buena excepción por ser prácticamente una solo dev. Ella controla todo el proyecto y, viniendo de la escena del comic online, ha encontrado en el formato videojuego el siguiente peldaño de expresión autoral. Vaya, lo que yo cuando era más joven pensaba que ocurriría a gran escala en nuestro medio.

Por una industria más valiente

Sé que es arriesgado comenzar un Substack sobre videojuegos con un artículo que parece ir en contra de su esencia. Y de nuevo tengo esa tentación de justificarme. De decir que “eh, soy de los vuestros. Llevo dedicándome a esto toda la vida y así seguirá siendo”. Pero siempre he considerado, aunque también me ha generado problemas, que la autocrítica es la mejor manera de crecer y mejorar. Si nos pensamos perfectos, nada crece y nada cambia. Confieso que voy a caer en el pecado de todos los ensayos modernos que reflexionan sobre el síntoma y no proponen la solución. No sé cómo se podría arreglar esto a gran escala. No tengo ni idea. Sí pienso, por el contrario, que el género independiente ha tenido y tiene mecanismos capaces de contar otro tipo de historias de los que me habría gustado que la superproducción aprendiera más de lo que lo ha hecho. Lo notas cuando juegas a Perfect Tides, pero también a un Papers, Please, a un Unpacking, a un Her Story o a un What Remains of Edith Finch. Creo que todos comparten una cosa. Todos consiguen fascinar sin necesidad de un game loop que enganche de manera tan sencilla como un sistema de combate, y que logra narrar mediante mecánicas las sensaciones de un conflicto dramático.

Este tipo de juegos tienen varios elementos comunes: su lenguaje no deriva del literario o el cinematográfico, sino del interactivo. No te emocionas por estar viendo una secuencia cinemática para rellenar los huecos con peleas. Sus mecánicas se basan menos en la adicción y más en el descubrimiento. Y el más curioso de todos: su forma de interactuar se basa más en la propia interfaz de usuario que en el movimiento cinético de un personaje.

Este último término es uno que me ha interesado más y más en los últimos años. De alguna manera, si el control es directo sobre un personaje, lo que se espera de él es movimiento y habilidad. Es decir, acción. Por otro lado, los juegos basados en interfaz de usuario, de manejo de menús o cursores en la pantalla, no son una expresión corporal como los sticks, sino una expresión intelectual. Lo que se traducen de los movimientos del jugador no son acciones físicas sino decisiones, estrategias y deducciones. Y eso sí que permite crear géneros diversos, más allá de la acción.

Ahora bien, ¿sería capaz un estudio de invertir millones en un título así?

Creo que todos sabemos la respuesta.

Tras la incursión del DLSS 5 la semana pasada, me gustaría cerrar este primer capítulo dedicado a la IA con una opinión más general y, con suerte, que en los próximos meses la actualidad nos deje descansar del tema lo suficiente para poder cubrir otras cosas.

Soy de los que opina que la IA ha venido para quedarse. Te guste más o menos, te afecte más o menos, va a ser como tener un vecino que está todo el día montando fiestas; puede caerte mejor o peor, pero no se va a ir. Si queréis saber mi postura en una frase: recibí su llegada con entusiasmo y nunca la he visto de forma pesimista; más que nada porque siempre he pensado que el destino del ser humano está ligado a la tecnología hasta conducirlo a su salvación o su extinción, lo que llegue primero. Dicho esto, considero que tanto las posturas de extrema positividad como negatividad son exageradas y, sobre todo, que la tecnología está menos depurada de lo que se nos intenta vender.

Hace poco fue la GDC y leía en Polygon la crónica de un periodista que se peseó por allí. Su conclusión:

• La IA fue la estrella del evento, pero nadie sabía muy bien qué hacer con ella.

• Jugó prototipos interesantes y ridículos y vio charlas sobre el tema completamente abarrotadas de público.

• Descubrió que cuando a los desarrolladores se les pone un micro en frente, su postura se vuelve inmediatamente conservadora.

• Lo que significa que en la industria se está volviendo una especie de tabú. De placer culpable con demasiados problemas y estigmas que resolver.

Si mi postura los últimos meses se ha templado un poco es por mi propia interacción con la misma. Tras la sorpresa inicial, las dinámicas de la IA empiezan a pasar una silenciosa factura. He tenido que refrenar mi confianza en ella tras detectar muchas alucinaciones y noto como mis hábitos han ido cambiando hasta el punto de percibir una cierta dependencia de consultarla, que tengo que limitar de modo consciente.

En videojuegos, el hábito es aún más extremo. Los informes se contradicen entre los que hablan de código que se empieza a escribir a sí mismo y desarrolladores que terminan dándose cuenta de que tardan lo mismo usándola que no. El otro día escuché a un dev que sí me asustó: se trata de una dinámica que aún no tiene nombre por la que ya no puedes ni vivir sin ella ni con ella. Confesaba que había perdido la pasión por escribir código desde que la usaba (sin ahorrar demasiado tiempo) y, cuando dejó de hacerlo para recuperar dicha pasión, todo le parecía fútil porque no podía quitarse de la cabeza la idea de que con la IA era más fácil. Básicamente, le había colocado en una especie de relación tóxica de “ni contigo ni sin ti”.

Creo que los que peor lo están pasando son los que trabajan en arte conceptual, ya que ahí la IA está haciendo estragos al ser capaz de generar, con cada vez más detalle, arte que sirve como referencia para crear el propio en el juego. No sin consecuencias, claro está, porque la IA técnicamente no es capaz de generar algo que no haya asimilado, pero sí que lo hibrida bien. La cuestión quizá es: ¿puede el hombre hacer ya tal cosa? ¿Podemos crear algo que no esté ya previamente imaginado?

El periodista del futuro es el bloguero de 2006.

La prensa también ha sido damnificada por la inteligencia artificial. A estas alturas ya sabrás que hasta los medios más grandes de prensa generalista o especializada (como The Verge) han registrado algunos de los peores resultados de su historia, con caídas espectaculares producto de la asimilación de muchas de las búsquedas de usuarios. La culpa es de la IA... pero también nuestra por depender de un modelo como el de Google Discover especializado en el click fácil y el titular tergiversado. Pero, para ser justos, también lo es un poco de los anunciantes que se dejan llevar por rankings y volúmenes de visitas poco claros y definidos, en vez de estudiar los nichos y dónde están los verdaderos clientes con voluntad de consumir sus productos. Y... aunque nos moleste, también es responsabilidad de los consumidores que nos dejamos llevar por pasiones y sensacionalismos y pinchamos más en cosas que nos llaman la atención que en cosas que nos interesan.

Si tenéis curiosidad por saber si estoy preocupado porque la IA me deje sin trabajo, lo cierto es que, de momento, no excesivamente. Por un lado, tenemos el ejemplo de lo que ha ocurrido con VideoGamer. Os lo resumo:

• Lo que otrora fue un medio de crítica bastante decente es ahora un cenagal absorbido por una compañía llamada ClickOut Media que decidió comprar medios de gaming para convertirlos en una factoría de textos de IA y enfocados a llevarlo al negocio de apuestas y casinos online.

• Los aficionados a la aventura gráfica no nos pilla de nuevas porque ya vimos a esta empresucha hacer lo mismo con un medio legendario, pero que estaba de capa caída, como AdventureGamers.

• Los textos son tan, pero tan malos que ni siquiera pasarían el corte de la línea editorial más ramplona. Quien los haya publicado ni siquiera se ha molestado en intentar hacerlos pasar por auténticos; ni se le ha pasado por la cabeza buscar el mejor modelo para alimentarlo de otros análisis o cosas así, sino que le ha puesto un prompt de medio pelo y lo ha publicado directamente.

• ¿El resultado? El medio ha sido baneado de Metacritic y desindexado de Google, para más paradoja de la situación, porque el buscador es el responsable directo de la actual debacle mientras te ofrece su AI Overview con respuestas de dudosa calidad.

En mi caso, los textos que más produzco son de contenido propio. Es decir, no adapto noticias ni historias de otros medios, sino que son textos de pensamiento crítico; todo pasa por mi propio filtro y perspectiva. En los últimos años, de hecho, mi posición corría más peligro porque la fiebre de Google Discover empujaba más a los redactores a escribir más y pensar menos. Curiosamente, la IA ha hecho que a día de hoy se necesite de nuevo más la distinción autoral. Podéis imaginarme aquí sonriendo con una mueca cínica digna de Indiana Jones ante la ironía. Incluso si todo cambiase tanto en el periodismo que la IA lo copase todo, seguiría necesitando detrás a un experto tanto en redacción como en manejo de IA, para alimentarse de buenas ideas, conocimiento acumulado y todo sabiendo construir prompts elaborados. Y tus padres que te decían que las carreras de humanidades no valían para nada… De hecho, ya estoy viendo surgir muchas empresas que piden redactores como yo (y les pagan bien) para alimentarse de su forma de razonar el medio, que sean capaces de definir y explicar ideas complejas en lo relativo a mecánicas y sistemas o conceptos narrativos… para volcarlos en sus modelos de lenguaje.

Diría también que no estoy preocupado porque en estos últimos años la IA ha demostrado ser más capaz en generar audio, vídeo, imagen y código... que texto plano. Sigue sin ser capaz de ofrecer una redacción convincente; o eso pensaba hasta que hice el test de The New York Times en el que ponía algunos pasajes de obras maestras comparados con otros escritos por inteligencia artificial. No te preguntaba si eras capaz de averiguar cuál era real y cuál no, sino cuál te gustaba más.

Saqué un 50% y una cicatriz en mi orgullo al elegir un párrafo de IA por encima de uno de Cormac McCarthy en Meridiano de Sangre.

Todo va a salir... ¿bien?

Con todo, tengo o quiero tener fe en las posibilidades de la IA en los videojuegos. El problema nuclear es que es demasiado difícil aventurar las posibilidades que aún no existen porque, como los propios LLM, solo somos capaces de conjeturar en base a nuestro conocimiento previo. Habría que tratar de recordar cómo era el mundo antes de Internet para ver si éramos capaces de adivinar en qué se iba a convertir... y decidir si ha sido a mejor o peor.

En los videojuegos, el discurso se dirige mucho hacia el código y los assets visuales, pero personalmente me interesa cómo la IA nueva puede afectar a la IA vieja. ¿Sabéis esa idea (ya implementada de forma bastante cómica) de hacer que puedas decir cualquier cosa a cualquier NPC? Sigo pensando que tiene posibilidades narrativas serias. En la literatura, y sobre todo en la fantástica, se habla mucho de la teoría del iceberg y del info dump.

• La teoría del iceberg es la de crear un mundo con una densidad tan grande como un iceberg, pero en la que el lector solo vislumbra la superficie.

• El infodump es la tendencia del escritor de sobreexplicar demasiado por estar enamorado de su mundo.

A mí esto me ha pasado, y entiendo por qué caemos en ello. Porque es una lástima. Uno quiere contarle al lector/espectador/jugador todo lo que ha creado para su mundo, con sus reglas y detalles. Pero hacerlo en la trama la vuelve soporífera. Los videojuegos se amoldan mejor a esto por sus tramas y personajes secundarios y todos hemos leído cómo BioWare tenía biblias de texto de miles y miles de palabras con todo su worldbuilding acumulado en juegos como Dragon Age o Baldur’s Gate.

¿Se podría alimentar a una IA cerrada con todo tu lore, de manera que hablar con un panadero, soldado o mago te diera detalles de ese conocimiento interno a demanda del jugador? Creo que en el futuro es una posibilidad muy real de que haya un núcleo de escritores centrados en la trama y muchos otros en el worldbuilding de alimentación. Y no será tan sencillo; habrá que programar la IA según el perfil de cada NPC sobre lo que puede o debe decir según spoilers, lo que conoce o no según su escalafón social. Las posibilidades son muy interesantes.

En resumen, las únicas certezas que tengo son:

• La AGI o singularidad no se va a alcanzar en mucho tiempo, por mucho que a gente como Sam Altman se le llene la boca con la palabra. La tecnología está más en pañales de lo que nos quieren vender.

• La tecnología era emocionante como la llegada de Internet, los smartphones y las redes sociales, pero su monetización y enmierdización está siendo más acelerada que cualquiera de estas.

• Nos encontramos en un estado en el que vemos un atisbo de utilidad en la IA, pero su implementación final es incómoda, inconsistente y a menudo ridícula y peligrosa.

• Negar la IA es ilógico. Puedes decidir no utilizarla porque prefieres realizar un trabajo creativo artesanal, pero dudo que se desinfle tanto como los NFTs o las criptomonedas.

• Da igual a qué te dediques, es probable que encuentres una forma de reinventarte que haga uso de la tecnología ahora o en el futuro. Piénsalo de esta forma: si la IA puede hacer tu trabajo, entonces tú puedes ser el técnico que la gestione.

• No es una tecnología independiente o autónoma. Sin el factor humano, la IA es un cascarón vacío.

• Habrá un punto de inflexión en el que la IA dejará de verse como un enemigo y formará parte del día a día.

• En todo caso, el enemigo no será la IA sino los humanos que la gestionen o hagan un mal uso de ella.

Douglas Adams lo expresó mejor:

• Todo lo que existe en el mundo cuando naces es normal y corriente, y forma parte del funcionamiento natural del mundo.

• Todo lo que se inventa entre los quince y los treinta y cinco años es nuevo, emocionante y revolucionario, y probablemente puedas hacer carrera en ello.

• Todo lo que se inventa después de los treinta y cinco años va en contra del orden natural de las cosas.

Soy el primero al que le cabrea cómo se está implementado la IA actualmente. La tecnología es tan cara que apenas hemos podido disfrutar de esos años bonitos y vírgenes que tiene toda nueva implementación antes de que se llene de publicidad y malas praxis. Pero, como decía antes, creo que lo más saludable es no ser excesivamente positivos o negativos. Incluso si la detestas, te recomendaría que la conocieras a fondo. Como un general aprende a conocer a su enemigo. Porque, como ese vecino ruidoso, es posible que nos terminemos yendo nosotros antes que él.

Esta semana me habría gustado hablar sobre un juego bastante desconocido que ha sido de lo que más entusiasmado me ha tenido en lo que llevamos de año, pero Nvidia ha puesto la actualidad patas arriba, así que tendréis que esperar un poco para saber cuál es y por qué me ha gustado tanto. Culpad a la IA. O al capitalismo. O a los dos. Además, quería hablar algún día de la IA en otros términos y no solo en lo que respecta a DLSS 5, así que la próxima semana habrá segunda parte, con opiniones más generales sobre esta tecnología.

El camino correcto se descubre, no se impone

A riesgo de que alguien con la carrera de filosofía me esté leyendo, lo diré de esta manera. Una de las generalizaciones más comunes derivada de la dialéctica de Hegel es la tríada Tesis > Antítesis > Síntesis. En ella surge una idea nueva, la tesis. Para ponerla a prueba, se proponen contradicciones y negaciones a esa idea, la antítesis. El resultado final, lo que termina permaneciendo, es la pugna entre estas dos: la síntesis. Es, por simplificarlo aún más, una especie de tira y afloja, y muchas de las corrientes de cualquier índole que terminan por implantarse en el mundo suelen tener este proceso interno.

La IA también lo tiene. Su llegada tan vertiginosa y fugaz está siendo una tesis que nos obligan a aceptar demasiado deprisa, y creo que esa es la razón por la que está generando tanto rechazo. Hace falta una respuesta negativa igual de contundente, porque solo a través de la crítica se puede llegar a los lugares comunes. Por eso siempre he creído que es bueno hacer autocrítica y no absorber los discursos externos. Dudar y cuestionar la realidad de las cosas no es estar en contra de ellas: es el camino a respuestas más sólidas y verdaderas.

DLSS 5 no es una actualización de la tecnología de escalado; es una reconstrucción interpretativa completa de la imagen. De todo lo que ha ocurrido con la polémica de esta semana lo que más me ha asustado han sido las declaraciones de respuesta de Jensen Huang, el CEO de Nvidia: “Están completamente equivocados”. Nosotros. Los jugadores. Y los devs que no lo vean con buenos ojos. Aquí, ahora mismo, se está dando esa dialéctica hegeliana y no muy saludable. Es una actitud combativa en la que se nos está diciendo, básicamente, que no sabemos lo que queremos. Que no entendemos. Que nuestros ojos nos engañan. Que ellos saben mejor que nosotros cuál es el camino. Es, en el fondo, la actitud que tomaría el jefe de la compañía más poderosa del mundo. Especialmente cuando no hace autocrítica.

DLSS 5 no ha sido criticado porque sea una tecnología mala, sino porque los árboles no le dejan ver el bosque. En pos de un cambio revolucionario , de añadir tanto detalle a una imagen y un personaje, sus desarrolladores no se han dado cuenta del problema principal: que los aleja de su esencia y su personalidad. Este es un problema endémico de la IA generativa de imagen, que va más allá de su aplicación en videojuegos: ha sido entrenada bajo unos estándares de belleza con el objetivo de “mejorar” lo que se ve sin entender la intención estética y artística detrás.

Por eso Digital Foundry, en su polémico vídeo de impresiones, ha sufrido un revés tan sonado. El público ha entendido que el entusiasmo tecnológico a veces no deja ver las implicaciones estéticas, artísticas y morales de la tecnología tal y como se ha presentado. Les ha salvado, en mi opinión, la acertada visión de uno de sus colaboradores, Alex Battaglia, cuando en la comparativa más icónica de DLSS 5, la de Grace al inicio de Resident Evil Requiem, expresó desde dentro lo que todos pensábamos: que esa no era Grace. Más aún, que la Grace de DLSS 5 es una mujer extremadamente maquillada para la situación que teníamos delante: una investigación en el lugar donde nuestra madre había muerto. Añado yo, realizada además por una persona como Grace cuya personalidad es introvertida y su absorción por el trabajo hace que no piense ni tan siquiera en cosas como el maquillaje. Incluso su pelo, más realista, es una contradicción al lore, porque denota raíces negras. Es decir, que no es rubia natural. Lo cual es importante que lo sea, por cierto.

Los fondos y escenarios, que han sido más aceptados, me han generado una cierta sensación de incomodidad. Todo “parece” verse mejor, pero no necesariamente transmiten más. Es como una imagen en Photoshop a la que subieras extremadamente el contraste y la nitidez. Así, las sombras tiran siempre a un negro impersonal, pervirtiendo los detalles camuflados y el tinte de color de las propias sombras. Los paisajes, que naturalmente tienden a tonos cada vez más claros a medida que se alejan los elementos, se contrastan más para enfocarlos, produciendo un aplanamiento de la imagen y armonía. Todo se ve y todo trata de llamar tu atención.

La reflexión de Colantonio, aunque sencilla, me parece interesante: ¿qué nos impide el día de mañana crear simples bloques y ajustar el prompt? ¿Qué diferencia hay entre eso y lo que a día de hoy ocurre con los juegos 2D en los que se usan fondos generados por IA?

Vuelta al valle inquietante

Según Huang, los desarrolladores tendrán control total sobre esta tecnología, pero ese argumento es, al menos por el momento, totalmente desmontable. No existe actualmente ninguna IA generativa de imágenes que te permita un control tan absoluto. Los pocos ejemplos que hay actualmente en el cine son de elementos secundarios y en planos relativamente cortos, no para tratar absolutamente toda la imagen el 100% del tiempo incluido tus personajes. Da igual qué modelo elijas, incluso con la consistencia que hay en la actualidad, afinar con los detalles específicos es algo que puede consumirte el 80% del tiempo y las iteraciones en la que cualquier que haya experimentado con IA nota claramente los vicios y manías del modelo en cuestión. Y el problema de esta tecnología es que el trabajo no es gradual. A diferencia de una ilustración, donde puedes seguir añadiendo y corrigiendo detalle, aquí puedes quedarte estancado justo al final del proceso sin llegar al resultado que quieres y con un abismo insalvable entre medias porque la manera de interactuar con la generación de imagen no es la más eficiente.

No digo que en el futuro esta tecnología no pueda implementarse en los videojuegos, pero no va a ser de 0 a 100 como quiere Nvidia, cuya intención, por cierto, ha sido la de anticiparse a los propios estudios y la creación de sus propios modelos personalizados. El otro día, jugando a Death Stranding 2, pude probar su método interno de escalado, el PICO. Es el único que permite entender la geometría del motor por ser una herramienta propia del Decima, su motor gráfico. No se ve todavía mejor que DLSS, pero te ahorra 30 fps y notas esa sincronía y naturalidad con el propio juego, algo que DLSS no puede conseguir porque trabaja como una capa 2D por encima de la imagen. Mi teoría es que Nvidia está anticipando esta tecnología antes de que cualquier estudio o motor pueda desarrollar la propia. El problema es que la ha acelerado demasiado.

De utilizarse este tipo de IA, debería empezar con elementos que aún ha día de hoy está costando demasiado esfuerzo y recursos, como el cabello, por ejemplo. Pasaremos también por una época en la que los desarrolladores se quejarán de que no consiguen afinar exactamente los detalles que quieren, si es que no les genera rechazo sustituir su modelo de plantilla por otra cosa que no han creado ellos, directamente. Y, tras este tira y afloja, tras esta síntesis, encontraremos una vía por la que la IA pueda participar en el pipeline habitual de un desarrollo sin que nadie se escandalice por ello.

No será fácil ni rápido ni mágico. Costará mucho domar los modelos, asegurase de que transmite exactamente lo que quieres sin convertirlo en una imagen realista, pero inquietante, y necesitará de una tolerancia de los artistas de modo que sientan que su trabajo es reforzado por ella y no sustituido, como cuando se retoca una imagen en post-procesado. Y todo esto me lleva a lo que será parte del segundo artículo sobre la IA: que a diferencia de otras tecnologías revolucionarias, veo en las compañías una voluntad (casi necesidad) de acelerar su implementación que es por momentos preocupante, porque incluso con los modelos de lenguaje que tenemos actualmente su eficiencia y grado de certeza siguen siendo muy cuestionables. A día de hoy hemos llegado al extraño punto en el que son más brillantes en aparentar saber que en demostrarlo. Y DLSS 5 es la representación visual de este paradigma. Parece más realista… y a la vez no lo es.

La cuestión va más allá de la anécdota porque creo que todos tenemos claro que esta va a ser la última generación tradicional de la historia. No es que todo se haya vuelto patas arriba, pero sí que hay una clara escisión entre lo que era la industria tradicional de videojuegos y la que está por llegar. Por eso era importante que la semana pasada dejáramos claro lo que significa a día de hoy el PC en todo esto. Ya no es un mercado aparte, sino uno de absoluta relevancia. Y la transformación de Xbox, ese famoso “beyond generations” que decía tanto en su momento Phil Spencer, ha resultado en, básicamente, transformarse en un PC.

Creo que queda claro a estas alturas: Xbox funcionará como un PC, lo que pasa es que vendrá con una serie de características propias que pueden hacer la experiencia más accesible para un jugador que solo quiera una máquina para el gaming. Quizá hace un tiempo nos habría resultado más extraño de asimilar este concepto, pero hoy no lo es tanto porque tenemos el ejemplo de Valve. Y ni siquiera me refiero a Steam Machine, sino a todo el ecosistema creado para Steam Deck.

Botón de Pausa

En 2008 lo daban por muerto y se hacían memes. Hoy, el PC es el nuevo rival a batir incluso en el peor momento tecnológico posible.

Estamos viviendo el momento más asqueroso tecnológicamente posible. Si te tienes que comprar un ordenador en los próximos años, te compadezco: vas a pagar un sobreprecio que no deberías. Estos últimos años he seguido mucho el mundo de los portátiles y lo que se viene para este año, que debería ser ilusionante por los nuevos chips de la Serie 3 de Intel…

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6 months ago · 12 likes · 4 comments · Alejandro Pascual

Si cambiamos Linux por Windows, la ruta de Xbox va a ser muy similar. Basado en el sistema operativo de Microsoft, pero con un interfaz propio que puede ser configurado incluso como arranque. Los que tenemos Xbox ROG Ally lo conocemos ya muy bien. La capacidad de arrancar en modo Windows o en modo Xbox, básicamente. Lo que a buen seguro se sumará, es un sistema de verificación/certificación de juegos para los que salgan en la Store de Xbox. Es decir, una especie de Xbox Verified como Steam Deck Verified. El check verde que te asegura que no te vas a encontrar incompatibilidades raras propias del PC y que las configuraciones gráficas por defecto van a ofrecer una experiencia perfecta. Y sí, digo perfecta. El otro día en una charla con David Carrasco de Vermila Studios, me comentaba que Valve pide varias cosas muy concretas para obtener el preciado check verde; entre ellas, que tu juego no puede bajar de ciertos fps marcados en ningún momento.

Este tipo de certificaciones son la esencia de lo que ha sido una experiencia de consola. Sí, volvemos a la palabra en cuestión: consola. Veréis, creo que desde siempre hemos asociado el término al aspecto exterior: una caja identificativa, compacta y con un menú propio. Pero lo que hace a una consola serlo es el sistema cerrado. Lo que a Steve Jobs le gustaba denominar end-to-end. El absoluto control de hardware y software para poder ofrecer una experiencia perfecta. Lo que nos enamoraba de una consola incluso a los que teníamos PCs más potente era lo bien que funcionaba todo. No nos dejaban tocar nada aunque nos gustara cacharrear porque ya estaba todo retocado para que no hubiera fallos. Bueno, eso y los exclusivos, claro, pero de ellos ya hablé también la semana pasada.

¿Lo mismo, pero distinto?

Así que, basado en estos términos, ¿será la nueva Xbox una consola? La respuesta no es tan clara. Creo que Keighley tiene un poco de razón ahí. Si llamamos a Steam Machine consola, entonces sí. Pero si la llamamos un PC, entonces la nueva Xbox también lo es. Lo mismo con las PC handhelds. Lo que están buscando estas compañías es intentar trasladar la experiencia de consola a un PC. Pero esto es algo relativamente difícil de conseguir. Incluso aunque quites Windows de por medio, aunque arranques con el menú de Xbox (que no va a ser muy diferente al que ya tenemos en su app de PC), ese “end-to-end” no se va a conseguir del todo. Sigue habiendo un caótico sistema operativo por detrás y muchos procesos y consideraciones que tener en cuenta. Esta era la razón por la que las consolas eran máquinas cerradas que incluso no confiaban en su momento en arquitecturas x86. En este sentido, la solución de Steam Machine, de hecho, se parece más al concepto de consola que la propia Xbox por salirse de Windows, lo cual es una paradoja para la posteridad.

Pero esto es solo el problema de hardware, del que creo que ni siquiera hace falta entrar en detalles de precios, que serán altos por múltiples razones. Está también el cliente, más importante si cabe. Aquí hay que entender el panorama:

• Steam tiene el dominio absoluto; tanto, que ni Epic con su Fortnite y sus juegos gratuitos es capaz de hacerle mella.

• El plan de Xbox es posicionarlo con el arrastre de la marca.

• Los juegos de Xbox serán compatibles porque necesitan que todo aquel que se haya hecho una biblioteca estos años no la pierda (aunque aún no sé lo que va a pasar con aquellos que no tienen la etiqueta de Xbox Anywhere).

• Ese reclamo de tus juegos les sirve para que permanezcan en su App de Xbox.

Pero es un arma de doble filo. Por primera vez, vas a llevar a los millones de jugadores de Xbox al PC y les vas a introducir a la plataforma dominante: Steam. Y puede que no todos, pero es bastante posible que muchos terminen convirtiendo esa Xbox en una máquina de reproducir Steam. Lo que es seguro es que, una vez lo hagan, no lo abandonarán. Steam es raro, es en cierto sentido hasta incómodo para un jugador de consola. Pero tiene un sistema de interacción brutal, basado en eventos, ofertas, juegos en tendencia, independientes, joyas ocultas... además de todas las superproducciones que ya llegan a la plataforma.

¿Y sabéis qué? Creo que a Microsoft no le importa demasiado. Su plan para la división ya no es ser el primero en consola o en PC, sino desarrollar sus juegos y poner a disposición del jugador una máquina interesante en la que poder reproducirlos sin exclusividad. Esto es, en el fondo, lo que llevan haciendo desde hace años con su marca de portátiles Surface. Hacen un producto muy bien construido, aunque un poco caro. En el caso de su nueva Xbox ocurrirá lo mismo, tendrá una forma parecida a una Series X, imagino, pero con hardware de gama media/alta. Eso sí, creo que no se espera de esta máquina que venda ni siquiera lo que ha vendido Series X/S. Esto es ya un dispositivo muy específico y más caro. Como Surface.

Tal y como lo veo en este momento, las cosas están así: la industria está cambiando y cada marca ha escogido dónde quiere estar.

• Nintendo no ha cambiado, seguirá haciendo lo que le funciona.

• Steam lo mismo, pero creando más opciones aprovechando el temporal porque lo que le interesa es su tienda, no el hardware.

• Sony con PlayStation ha reculado. Atrinchera sus juegos en el terreno de consola tradicional y, sinceramente, espero que lo haga con todas las de la ley; es decir, olvidándose de los experimentos GaaS que han dejado su generación single-player más floja de la historia (muchas ventas por inercia, pero floja).

• Xbox es la que más cambia. Abandona el end-to-end y abraza el ecostistema PC.

  Y todo esto significa que ahora tenemos el espectro más extendido en la historia del gaming, desde el sistema más cerrado y tradicional al más abierto. Que cada uno elija el que más le convenga.

Así, se dan hechos tan absurdos como tener ordenadores nuevos menos potentes y más caros que otros con GPUs dedicadas o con más memoria RAM, una de las grandes culpables de todo el desastre que está ocurriendo en la informática, debido a las altas demandas por parte de la IA. Ni siquiera Apple ha podido encajar el coste, y ha subido 100 euros sus nuevos portátiles, cuando se esperaba que no lo hiciera. Al menos, han tenido la deferencia de doblar la capacidad de almacenamiento base a 512 Gb...

El caso es que no es el mejor panorama posible y, sin embargo, es el mejor momento para jugar en PC. Comienzo con un dato: más del 50% de las unidades vendidas de Resident Evil Requiem, que ha sido un exitazo superando los 5 millones de unidades en cinco días, han sido en PC. Este escenario era impensable hace unos años en un juego multiplataforma y, sobre todo, con un legado consolero como Resident Evil. De hecho, el éxito ha sido tal que Capcom ya está hablando de seguir redoblando esfuerzos en tener versiones en el futuro cada vez más pulidas. Algo debía olerse cuando llevaba tiempo actualizando sus juegos anteriores de la saga.

Análisis de Resident Evil: Requiem

Y esto es otro de los alicientes que me hacen cada vez más elegir PC como mi plataforma principal: los juegos se remasterizan solos. Aunque siempre se pueden añadir nuevas opciones, no hace falta esperar para que la compañía decida desbloquear una resolución o una tasa. A medida que la tecnología se actualiza, tu juego también lo hace. Es más, a día de hoy no solo escala hacia arriba, sino que si tienes una Steam Deck u otra Handheld, también lo hace para abajo. Los dispositivos y máquinas se preparan con técnicas de escalado para poder funcionar en hardware y resoluciones más pequeñas de lo habitual.

El PC está fuerte. Xbox y PlayStation lo saben

Cuando era pequeño siempre quise tener una consola, pero mis padres nunca me quisieron comprar una. Decían que con el PC me bastaba, que era lo único que aceptaban quizá por el gran subterfugio de que “sirve para estudiar” o sencillamente porque mi padre era informático y no querían entrar en una contradicción. Lo cierto es que, aunque en retrospectiva ser pecero ha definido unos gustos que ahora me identifican como jugador, de pequeño no me parecía suficiente; había demasiados buenos juegos interesantes en consolas. Hoy, en cambio, quizá sí lo sea. No solo la gran mayoría de grandes juegos llegan a PC, sino que, de haber exclusividades, lo son todas esas preciosas rarezas independientes que nunca abandonan el ecosistema.

PlayStation ha ayudado a esto, pues ha lanzado muchos de sus grandes juegos en los últimos años. Sin embargo, según las últimas informaciones de Jason Shreier Sony dejará de lanzar sus juegos single player en PC. El periodista afirma que la publicación de sus juegos propietarios no solo significa la posible pérdida de venta de una consola de 500 euros, sino el 30% de comisión que se lleva otra compañía por publicar en su tienda.

Y tiene todo el sentido del mundo.

Shreier afirma que “una facción dentro de PlayStation ha expresado su preocupación de que lanzar sus juegos en PC pueda dañar la marca de la consola y perjudicar las ventas de PlayStation 5 y de sus futuras sucesoras”. Tiene sentido. Sony lanzó sus juegos en PC por varias razones. La principal es que eran demasiado caros de producir y estaban perdiendo una porción de las ventas. La segunda es porque no consideraba al PC competencia, que siempre fue Xbox. Pero, desde que Microsoft ha abandonado el espacio de las consolas (porque lo ha hecho) y el PC está creciendo tanto, quizá las exclusividades vuelvan a ser hasta cierto punto relevantes. Pensadlo: con una Valve dispuesta a irrumpir en la sobremesa con su propia Steam Machine y una Microsoft que va a hacer, en el fondo, la misma jugada de sacar un PC de sobremesa consolizado, los juegos de PlayStation podrían estar en prácticamente todas las plataformas.

¿No son acaso buenas noticias? Depende. Claro que lo son para los jugadores, pero desde el punto de vista empresarial, Sony debe estar pensando que no solo publicar en Steam supone perder el 30% de comisión que se lleva Steam, sino que ante plataformas tan aglutinadoras, que tienen ya las ventajas de un PC y de una consola, la marca PlayStation estaría ayudando a perder su propia razón de existencia. Sería una plataforma con menos juegos, más comprimida en el tiempo, sin exclusivos y que no siquiera tendría ya la ventaja del plug and play o siquiera el precio ajustado.

Creo que a Microsoft le pasa algo similar: su competidor es también el PC o, más concretamente, Valve, porque su próxima consola será un PC. Ambos tienen la misma idea de lanzar una máquina más sencilla, pequeña, atractiva y menos ruidosa que un PC Gaming, aprovechando todo el catálogo disponible. Y, como Valve, tampoco sería una prioridad. Si la quieres la compras y, si no, ahí tienes otras opciones. Es, en el fondo, la misma filosofía que ha seguido con Surface. Espero que nadie piense a estas alturas que Xbox piensa en número de consolas vendidas porque lo más probable es que su Project Helix venda incluso menos que Series. Pero más extraño aún es que uno de los grandes alicientes para comprarse una Xbox la próxima generación es, en el fondo, tener la plataforma Steam disponible.

Parece que no soy el único que piensa de esta manera. Mike Ybarra, ex-presidente de Blizzard y ex-vicepresidente de Xbox, ha dicho recientemente en X que “(Sony) ve el último clavo en el ataúd con Xbox y la pérdida de clientes que está sufriendo (esperemos que la situación cambie). Y lo más importante: consideran a Valve como un nuevo competidor importante. Valve entrará en el mercado de las consolas con Steam Machine y, probablemente, con variantes de terceros que funcionarán con SteamOS. Valve no comete muchos errores y Sony es inteligente al darse cuenta de ello.”

Ybarra termina diciendo: “Es importante lanzar buenos juegos exclusivos. No es ciencia espacial.”

Lo curioso de todo esto es que mientras todo el mundo ve al PC y a Valve como ese nuevo competidor, lo cierto es que ni Steam tienen nada de nuevo. Ni siquiera de competidores. A Gabe Newell no le quita el sueño lo que haga o deje de hacer PlayStation o Xbox. Trabajan como siempre lo han hecho y se expanden como consideran que debería hacer naturalmente el mercado. Si acaso ven un rival, ese es más el ecosistema Windows y no porque lo vean competencia sino por ineficiente. Estoy convencido de que si Windows funcionara bien a Valve le daría igual dejar de apoyar SteamOS y sacar una portátil Windows.

Y esto me lleva a la razón por la que creo que el PC, pero sobre todo Steam, está triunfando cada vez más. Parecen buscar su hueco cubriendo necesidades, no intentando conquistar el terreno del otro. No se perciben como una compañía que “lo intenta demasiado”. Que está deseando quedarse con un trozo más del mercado para sus accionistas. Hacen lo que creen que deben hacer, sin mucho ruido ni grandes movimientos contradictorios analizando las tendencias. No compran estudios o tecnologías para quitárselos al rival o reforzar su marca salvo si necesitan expertos en una determinada tecnología. Cuando el PC estaba en la mierda, lleno de instaladores terribles, marcas como Games for Windows y demás incomodidades, no salieron a vender un cambio de percepción, sino que ofrecieron soluciones mediante un ecosistema más intuitivo, incluso aunque eso requiriese ser algo más cerrado.

En definitiva, no se trabaja tanto en el marketing. Simplemente se trabaja. Y eso el jugador lo capta. Nunca ha hecho ruido ni ha copado grandes titulares, pero genera un boca a boca constante que no ha parado de crecer desde que en 2008 había titulares sobre “la muerte del PC”. Cuando alguien te dice que esta generación solo tiene PC y está encantado, transmite comodidad al que antes no se fiaba. Cuando otro se compra una Deck y está contentísimo, hace plantear a otros que es una opción tan viable como cualquier consola. Cuanto uno alucina con sus gráficos de alta gama que no sacrifican nada, añaden Path Tracing y una definición altísima, genera urgencia en el usuario más entusiasta. Y este siempre ha sido mejor marketing que un señor trajeado encima de un escenario con o sin camiseta de videojuegos.