A palavra “comunidade” é uma das favoritas do momento; toda marca quer criar e fomentar uma, se transformar em movimento cultural e ser vista como mais do que apenas uma etiqueta, e o streetwear já domina essa estratégia desde sua criação. Enraizado nas comunidades americanas de hip hop, skate e surf, o streetwear sempre foi mais do que roupas: é um estilo de vida. Revolucionário por democratizar a moda, esse estilo integrou pessoas do cotidiano ao sistema da moda, reconhecendo-as como criadoras de tendências, e abrindo portas para um mundo que tradicionalmente era reservado às celebridades, à imprensa e à elite compradora.

O streetwear nasceu nos Estados Unidos, mas o Brasil já o integrou ao mercado e vem criando sua própria maneira de fazer e viver esse movimento, com as realidades da vida e das culturas de rua nacionais. Foi essa a base da conversa de encerramento da BRIFW 7: “Terra em Transe: Novo Streetwear Brasileiro | Comunidades e Cultura Brasileira”.

Na mesa, Luiz Paes, fundador da Mad Enlatados, recebeu Felipe Metsavaht, diretor de arte da Osklen, Eric Cesar, fundador da Class, e Gregório Luz, fundador da Barra Crew, para uma conversa que atravessou décadas: da Osklen dos anos 90, que reinventou a estética carioca, até os coletivos regionais dos anos 2010 e o humor pós digital que vem definindo a cena de hoje.

Os convidados falaram sobre suas marcas, suas comunidades, a dificuldade de inovar nesse país, como criar marcas que fogem do óbvio e o que significa fazer moda brasileira.

Felipe Metsavaht - Osklen

Felipe Metsavaht é designer, artista visual e diretor de arte da Osklen, marca fundada por seu pai, Oskar Metsavaht, em 1989, e tem sido responsável por reaproximar a icônica label brasileira do público jovem.

Felipe contou sobre as estratégias e o trabalho que vem fazendo na marca para reposicioná-la para uma nova geração, sem abrir mão da identidade histórica. Como a criação da linha de sua autoria, a TRKK, com design de alta performance para esportes ao ar livre, e o desfile de retorno da Osklen às passarelas no Rio Fashion Week, em abril deste ano, assinado por Felipe e Oskar.

Durante o talk, Metsavaht falou bastante sobre como fugir do óbvio ao construir marcas regionais com temas e lifestyles específicos. Deu o exemplo da Osklen, que é uma marca completamente fundamentada na cultura e vida brasileiras, principalmente a carioca, mas não se apoia no que tradicionalmente se entende como “estética brasileira”, e foi revolucionária por criar uma linguagem carioca minimalista, inspirada em elementos visuais do Rio, como o preto e branco e o design do calçadão, por exemplo.

Gregório Luz - Barra Crew

Gregório Luz é cofundador e diretor criativo da Barra Crew, marca nascida em 2014 na vila de pescadores da Barra do Jucu, em Vila Velha, Espírito Santo. Sua atuação parte da pesquisa das raízes culturais brasileiras e da cultura popular, traduzindo o imaginário de beira de praia em coleções, campanhas e narrativas que constroem a identidade da marca.

Na mesa, Gregório falou sobre como o streetwear no Brasil, por ser uma estética relativamente nova no país, ainda carrega muitas referências estrangeiras, e sobre como é importante trocar essas linguagens por outras mais autênticas. Essa é exatamente a proposta da Barra Crew: reivindicar um olhar sobre a moda brasileira que escape das referências europeias e americanas, criando uma estética própria a partir de um território extremamente específico, a Barra do Jucu.

Eric Cesar - Class

Eric Cesar é cofundador e diretor criativo da Class, marca que criou em 2014 ao lado da companheira, Rafaela Sayuri, e hoje os dois são nomes de peso do streetwear brasileiro. A Class nasceu no ABC Paulista após Eric sofrer uma lesão no joelho que o impediu de continuar como skatista. No início, o casal aprendeu a fazer bonés do zero, se comprometeu a fazer o “melhor boné do mundo” e o resto é história. Criaram uma identidade visual e uma comunidade apaixonada por arte, música e skate. Mais do que vestuário, a marca desenvolve produtos autenticamente brasileiros, com profundidade cultural, que traduzem o estilo de vida urbano.

Os convidados falaram um pouco sobre internacionalização, que, segundo a mesa, é um dos grandes desafios do setor. Falaram sobre o teto de vidro que existe no país, as dificuldades de ir para fora e o desejo de trazer visões mais diversas sobre o que a moda brasileira pode ser para o mundo.

Luiz Paes - Mad Enlatados

A mediação foi conduzida por Luiz Paes, fundador da Mad Enlatados. Seu interesse por moda nasceu nas ruas do centro de São Paulo, imerso na cultura do rap, um ambiente que moldou sua percepção da cultura de forma mais ampla. Segundo Paes, a chave para a construção de comunidade no streetwear está em transcender o espaço virtual e materializar, na rua, a ideia construída online, sempre pelo humor e por uma leveza que aproxima o público da marca. Sob sua liderança, em 2023, a Mad Enlatados integrou o Je M’appelle Brasil, projeto que apresentou seis marcas da nova moda urbana brasileira, entre elas a Class, de Eric Cesar, em um showroom durante a Paris Fashion Week masculina.

Um dos pontos que ele trouxe à mesa foi o que os palestrantes chamaram de “caretismo brasileiro”: a contradição de um país que tem a dança, o corpo e a liberdade sexual como partes de sua cultura, mas que ainda carrega muitos valores conservadores sobre a estética, os quais se refletem no consumo de moda e travam a inovação.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

O streetwear brasileiro, assim como a cultura do país, não é um bloco único: é uma série de realidades de territórios diferentes que criam uma colcha de retalhos e caminhos diversos que as marcas podem seguir. Algo essencial dessa mesa foi o aprendizado de que marcas que têm impacto e criam comunidades autênticas nascem de um lugar, de uma vivência real, e não de uma tentativa de imitar referências de fora. Grandes marcas conseguem copiar visuais, paletas ou cortes, mas não replicam décadas de pertencimento, nem as relações pessoais com uma cidade, um esporte ou um gênero musical.

Confira abaixo os depoimentos dos palestrantes 👇

Obrigado a Felipe, Gregório, Eric e Luiz por essa conversa incrível.

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Tudo é construção de imagem. O jeito como enxergamos uma rua, uma comunidade, uma estética depende de quem decidiu apontar a câmera para lá primeiro e de como decidiu enquadrar. Numa época em que a maior parte das imagens que vemos todos os dias chega filtrada por algoritmos, quem ainda consegue propor um olhar próprio?

No palco “Cidade dos Sonhos: Olhares desviantes em um mundo algorítmico”, mediado por Julia Emiko, diretora criativa da Mad Enlatados, recebe o artista e filmmaker Papodipokas, o diretor criativo Gabe Lima e o diretor de filmes Paulo Nascimento. Atravessando o cinema, a arte, a publicidade e a produção independente, os convidados compartilharam como desenvolveram suas linguagens artísticas, as formas como veem o mundo, seus processos criativos, como criar imagens que permanecem com a audiência e desafios de produzir imaginários desviantes.

Gabe Lima

Gabe Lima é artista multidisciplinar, diretor criativo, designer gráfico e fundador da PURITANA.CO, um estúdio criativo multidisciplinar e de produção audiovisual, referência no mercado da música, das marcas e da arte brasileiras. E se você ainda não conhece o trabalho deles, está ficando por fora.

O estúdio é tocado por Gabe Lima e seu sócio Gustavo Vieira, e já fizeram os projetos gráficos para nomes como Marina Sena, Ludmilla, Rubel, Jup do Bairro, Jão, Mondepars, Globo, Havaianas e Linkiner, para quem fizeram a direção gráfica do seu álbum CAJU. O projeto foi vencedor de dois MVF Awards (Direção e Direção de Arte) e do prêmio de “Capa do Ano” no Prêmio Multishow 2024.

Segundo Gabe, em seus projetos ele prioriza o tempo de criação, as trocas e a intenção, indo contra a velocidade insana do mercado criativo que o mundo atual exige. Por isso, no talk, Gabe mencionou certa aversão à publicidade e disse que não gosta do mundo que quer tudo para ontem, que seja uma cópia de outro projeto, e que a PURITANA.CO vem quase como um refúgio desse mundo, onde eles fazem as próprias regras, trabalham em projetos que vão gerar impacto de verdade e que podem ser criados sem essas barreiras e distrações, para se manterem fiéis às suas visões.

Papodipokas

Papodipokas é o projeto artístico de Eduardo Nunes, artista visual e filmmaker brasileiro nascido e criado na Cohab 1, na Zona Leste de São Paulo. Sua estética é inconfundível, reconhecida pela textura de MiniDV e VHS. Ele combina inteligência artificial, imagem analógica, performance e cinema psicológico para investigar identidade, consciência, percepção da realidade e existência na era pós-digital. Eduardo utiliza o próprio corpo como elemento recorrente em sua pesquisa, explorando duplicações, mutações e diferentes versões de si como metáforas da transformação humana.

Começou sua carreira como filmmaker em 2021, como veículo de escape durante a pandemia, e hoje Nunes já fez projetos para nomes como Matuê, MC Hariel, Veigh e Ludmilla, além de marcas como Sauer, Misci e Piet e, mais recentemente, assinou o vídeo para a 12ª edição da festa MASP, patrocinada pela GUCCI.

Paulo Nascimento

Paulo Nascimento é diretor de filmes, reconhecido pelo olhar poético, sensível e esperançoso. Ele constrói filmes inspirados em suas próprias vivências na periferia, no extremo da zona leste de São Paulo. No talk, Paulo falou sobre a importância de representar a vivência periférica e suas comunidades de forma bela, sem recorrer a estereótipos que historicamente moldaram o imaginário sobre corpos e territórios marginalizados. Paulo também falou sobre a responsabilidade de quem decide quais contextos estéticos e sociais de um espaço merecem ser mostrados, e por que busca criar uma realidade visual diferente para o mundo em que cresceu.

Aos 28 anos, já assinou projetos com reconhecimento em El Ojo, D&AD e Clube de Criação para marcas como New Balance, Adidas e Ford, e fez a direção do curta da última colaboração entre Piet e Oakley, que explora o universo dos jovens da periferia e a música como refúgio e espaço de expressão.

Julia Emiko

A mediação foi feita por Julia Emiko, diretora criativa à frente da Mad Enlatados. Desenvolve pesquisas, campanhas e projetos que juntam moda, design e cultura contemporânea, transformando referências visuais em narrativas autorais. Seu trabalho é marcado pela construção de identidade de marca, direção artística e criação de experiências que conectam a comunidade, a criatividade e a expressão individual.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

Entre tantos assuntos trazidos no palco "Cidade dos Sonhos: Olhares desviantes em um mundo algorítmico", os mais importantes são como Gabe, Papodipokas e Paulo tratam a criação de imagem como um ato de responsabilidade, não só de estética, mas também de escolha: o que mostrar, como mostrar, com quem trabalhar e por quê. Além disso, provaram que não existe uma fórmula para criar uma linguagem visual própria: ela vem do acúmulo de referências, de vivência, de erro e de perspectiva.

Confira abaixo os depoimentos dos palestrantes 👇

Obrigado a Gabe, Papodipokas, Paulo e Julia pela conversa incrível.

Fiquem atentos: o recap do próximo palco da BRIFW 7 já está a caminho.

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O corpo sempre foi um palco de expressão, um suporte artístico, estético e político. São essas explorações da imagem que trazem à tona as questões sobre o que é belo, para quem e por quê. Para mergulhar nessa conversa, chamamos para o palco A Substância: O Corpo como Arte, 3 artistas que você precisa conhecer. Elas usam o corpo, o modificam, o embelezam, o maquiam, o vestem, expandindo limites e propondo novas formas de ocupar e se comunicar com o mundo.

Nessa mesa incrível, Julia Emiko, diretora criativa da Mad Enlatados, recebeu a artista transdisciplinar Aun Helden, a nail artist Cyshimi e a makeup artist, modelo e DJ Anddy Williams. Durante o talk, as convidadas contaram sobre suas carreiras, como começaram a vida de artistas, a importância da noite como um laboratório de experimentação e troca e os desafios de existir no mercado atualmente.

Anddy Williams

Anddy Williams é uma artista complexa de São Paulo, que transita entre a maquiagem, a música e a moda, com raízes na cena underground paulistana. Seu trabalho se manifesta como uma colisão entre o belo e o bizarro: ao aprimorar constantemente seu ofício e suas técnicas, ela apresenta uma visão provocadora da beleza, concebida para impactar, curar e explorar as complexidades da atualidade.

Durante a conversa, as três convidadas falaram muito sobre a vida noturna como uma origem comum. Segundo elas, foi na noite em que surgiram como artistas, e é lá que ainda encontram a liberdade de experimentação que sustenta seus trabalhos. A vida noturna cria oportunidades para encontrar seus iguais; é uma chance de se vestir e experimentar com a própria imagem e explorar identidades. Chegaram a descrever a noite quase como um templo, uma experiência religiosa, um espaço onde puderam se entender como pessoas.

Cyshimi

Cyshimi (Viviane Lee Hsu) é artista e designer residente em São Paulo. Seu trabalho parte do interesse por objetos que transformam a maneira como nos relacionamos com o corpo, com a imagem e com o cotidiano. Transitando entre arte, moda e design, desenvolve unhas e acessórios como pequenas esculturas vestíveis, explorando o potencial que um objeto tem de alterar gestos, provocar novas formas de uso ou simplesmente atrair o olhar. Sua prática se move entre o funcional e o fictício, o comercial e o experimental, a ornamentação e a transformação, mais interessada em despertar curiosidade e presença do que em buscar respostas.

Um dos assuntos mais importantes que surgiram na mesa foi como costumamos tratar a beleza como um simples gosto pessoal, mas, na realidade, os padrões que temos são muito mais complexos: são uma construção, algo que aprendemos a enxergar de acordo com a época, a política, o lugar e as imagens que consumimos. No trabalho das convidadas, é possível ver um forte questionamento à beleza tradicional e a experimentação de outras possibilidades de se apresentarem ao mundo.

Aun Helden

Aun Helden dedica sua prática artística à sobrevivência. Ela se descreve como uma "criadora de imagens", usando biologia, distorção e metamorfose para definir o eu e narrar sua própria trajetória de transformação. Materiais não convencionais e definições alternativas de beleza atravessam seu trabalho, que transita entre fotografia, performance, áudio e vídeo, sempre a partir do mesmo método: experimentar com simbolismo e dissecar estruturas de imagem usando o próprio corpo e a semiótica.

Saindo do mundo das ideias e entrando no mercado criativo, a mesa também apresentou os desafios enfrentados por artistas desse meio. As convidadas comentam que, muitas vezes, marcas gostam de seus trabalhos e da estética criada, mas, na hora de contratar, optam por quem consideram "mais fácil de trabalhar" para reproduzir o que criaram. Um apagamento que separa a estética da autoria. Segundo elas, ainda há falta de entendimento, por parte de marcas que querem trabalhar com artistas e pessoas com visões próprias, de que um artista e sua linguagem precisam ser tratados com o devido respeito, para que a relação entre marca e artista seja saudável para ambos os lados.

Julia Emiko

A mediação foi feita por Julia Emiko, diretora criativa à frente da Mad Enlatados. Desenvolve pesquisas, campanhas e projetos que juntam moda, design e cultura contemporânea, transformando referências visuais em narrativas autorais. Seu trabalho é marcado pela construção de identidade de marca, direção artística e criação de experiências que conectam a comunidade, a criatividade e a expressão individual.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

A conversa entre Anddy, Cyshimi e Aun trouxe diversas reflexões e aprendizados, entre eles, como devemos e podemos expandir nossas noções de beleza. Entre unhas, maquiagens, música, moda e performance, essas artistas criaram linguagens próprias, baseadas em belezas alternativas, e mostraram que o cerne da questão está em se libertar.

Em relação à indústria, elas deixaram claro que, se há desejo de se aproximar dessas linguagens e estéticas, é preciso aprender a lidar com a complexidade de quem as criou, entendendo que toda imagem carrega camadas que exigem cuidado e respeito, não apenas uma reprodução.

Confira abaixo os depoimentos dos palestrantes 👇

Obrigada à Aun Helden, Cyshimi e Anddy Williams por dividirem tanto do trabalho que vêm construindo, e à Júlia pela mediação brilhante.

Fiquem atentos: o recap do próximo palco da BRIFW 7 já está a caminho.

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Hoje temos a percepção de que nunca foi tão fácil produzir uma fotografia que nunca aconteceu, um rosto que não existe ou uma campanha inteira gerada do zero. Mas será que é qualquer pessoa mesmo que consegue fazer um trabalho artístico com IA, ou existe algo muito mais complexo acontecendo por trás dessas imagens e vídeos, desde o processo criativo até a forma como são referenciadas, protegidas e licenciadas? Foram essas perguntas que guiaram o talk “Todo Mundo em Pânico: A Imagem de Moda no Mundo da IA”.

Para dar vida a essa conversa, com perspectivas diferentes do mercado criativo, André Aloi, redator-chefe da Harper’s Bazaar Men, subiu ao palco com os artistas e diretores criativos Bruna Bismara e Iago Cruz e com Hellen Albuquerque, gerente de Desenvolvimento Criativo da Getty Images, referência global em conteúdo visual.

O talk abordou temas como os desafios de produzir trabalho autoral no cenário atual, a valorização dos criadores, direitos autorais, licenciamento, criatividade e os novos desafios da economia da imagem na era da inteligência artificial.

Bruna Bismara é diretora criativa e IA Image Maker, com mais de 20 anos de experiência entre moda, beleza, cultura e comunicação. Foi head de arte da Vogue Brasil e da Glamour Brasil, com passagens por Wieden+Kennedy, GUT e MTV. Hoje atua em seu estúdio criativo, BEGE, e em seu estúdio de IA, Touch of Oddity, criando campanhas, narrativas visuais e sistemas de imagem para marcas. Em paralelo, desenvolve uma pesquisa autoral em fotografia, com mais de 10 zines e fotolivros publicados de forma independente. Seu trabalho combina um olhar editorial refinado, pensamento estratégico e domínio de novas tecnologias.

No palco, Bruna compartilhou bastante de seu trabalho com a audiência, mostrando a evolução de sua carreira, seus projetos mais recentes e suas colaborações com marcas como Melissa, Bear Mate, NotoriousFish e Amissima. Contou como a IA entrou em seu processo, depois de anos fazendo projetos, e lhe deu uma liberdade criativa e um leque de possibilidades que mudaram a trajetória de sua carreira.

Bismara contou que, em seu processo, cada um de seus projetos tem o que ela chama de “cérebros”: uma central onde tudo acontece, com uma série de referências, ferramentas e plataformas diferentes, e versões que se acumulam antes de chegar a qualquer imagem final. Uma grande rede de curadoria.

Ela reforçou que anos de carreira em fotografia, design e publicidade não desaparecem quando a IA entra em cena; são seus anos de habilidades técnicas aprendidas e um olhar desenvolvido que permitem que a IA vire só mais uma peça de um quebra-cabeça em seu trabalho. Para Bruna, a curadoria humana, o ponto de vista e as habilidades de quem está por trás da máquina fazem toda a diferença, e não é todo mundo que consegue fazer o que ela faz e chegar aos mesmos resultados só porque há IA generativa envolvida. O produto final é uma colagem de referências, gostos e anos de opiniões e habilidades que ela incorpora em cada imagem.

Iago Cruz é arquiteto, artista 3D e fundador e diretor criativo da TØN (Theory of Nothing), estúdio autoral onde investiga as relações entre arquitetura, moda, tecnologia e imagem. Seu trabalho transita entre o físico e o digital, criando narrativas visuais, fashion films, imagens, ambientes digitais e projetos que unem pesquisa estética e construção de mundos.

Assim como Bruna, Iago falou sobre sua trajetória e sobre como a IA se somou, e não substituiu, sua expertise em 3D, seu conhecimento de arquitetura e seu repertório como artista. Contou também sobre seu processo de criação, sua rede de curadoria, as ferramentas que usa (Blender, Clo 3D, Mixamo, Kling, ChatGPT) e como a IA mudou a vida dele, principalmente em termos de tempo, quando comparada ao que ele conseguia fazer apenas com o 3D.

Iago contou que, para cada projeto digital, ele primeiro cria uma persona, uma essência que ele possa representar. Depois, ele cria os rostos dessas personas, com belezas estranhas e difíceis de entender, antes de vesti las ou inseri las em qualquer mundo que venha a criar. Só depois que a moda entra, ele cria looks para seus personagens que conversem com a essência e a beleza estranha de cada um.

Ambos, Iago e Bruna, apresentaram queixas semelhantes sobre a relação com alguns clientes e a dificuldade do mercado em entender o tempo e o trabalho que há por trás de cada imagem e filme, e a pressa de clientes que passam a exigir tudo para ontem, só porque acham que, com IA, o processo deveria ser instantâneo.

Hellen Albuquerque é Gerente de Desenvolvimento Criativo na Getty Images, liderando iniciativas junto à comunidade de fotógrafos e videomakers brasileiros. Com mais de uma década de experiência em direção criativa, branding e storytelling audiovisual, une sua formação em jornalismo e antropologia cultural ao desenvolvimento de narrativas visuais que refletem comportamento, identidade e diversidade. Atua na interseção entre estratégia, comunidade e criação de conteúdo. Poeta, fotógrafa analógica e viajante, Hellen investiga histórias por meio do olhar e do deslocamento, experiências que ampliam seu repertório e sua perspectiva global.

Hellen trouxe outro lado do mercado de imagem e conteúdo visual, o que acrescentou muito ao palco. Ela contou que, como a Getty Images abastece majoritariamente veículos de imprensa, a preocupação é grande em garantir que a maior parte do seu acervo não tenha intervenção de IA e seja o mais real possível, já que boa parte dessas imagens ilustra notícias e transmite informação.

Isso não significa que a Getty Images está suspensa do mundo da IA, pelo contrário. Hellen compartilhou sobre a parceria da Getty com a BRIA, uma ferramenta de imagem generativa treinada apenas com conteúdo já licenciado pela própria Getty Images, com compensação para os colaboradores cujas imagens foram utilizadas nesse treinamento, diferentemente de outras plataformas que coletam dados livremente da internet, sempre pensando na remuneração e na integridade da propriedade intelectual de seus artistas.

Essa ferramenta é perfeita para profissionais de marketing, agências e empresas que precisam de segurança jurídica no uso comercial de imagens. É supre uma necessidade do público. Hellen trouxe uma pesquisa global divulgada pela Getty, que ouviu 25 países, incluindo o Brasil, e mostrou que quase 90% dos consumidores querem saber quando uma imagem foi criada com IA.

A mediação foi conduzida por André Aloi, jornalista e criador de conteúdo, com atuação nos campos de lifestyle, luxo e mobilidade. Colaborou para as revistas GQ Brasil e Rolling Stone e atualmente é redator-chefe da Bazaar Man, publicação da Carta Editorial voltada ao universo masculino. Foi roteirista de um podcast para a Deezer e comandou mais de 100 edições de um programa próprio, o Aos Cubos, quando o formato ainda engatinhava no Brasil. É também cofundador da [AR] Conecta, agência de curadoria estratégica e relacionamento com influenciadores e marcas.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

A conversa deixou claro que, mesmo com a IA, o que separa uma imagem genérica de uma imagem autoral continua sendo o mesmo de sempre: repertório, ponto de vista e anos de ofício, agora aplicados a uma ferramenta nova. E, para quem licencia e distribui imagens em escala, como a Getty, trabalhar com essa tecnologia de maneira íntegra e construir sobre ela mecanismos de consentimento, remuneração e atribuição, para que a autoria e a procedência não se percam, é o futuro.

Confira abaixo os depoimentos dos palestrantes 👇

Obrigado a Bruna, Iago, Hellen e André por um papo tão necessário sobre autoria, ética e o futuro da imagem.

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A ficção muitas vezes pode ter um poder quase profético, e um desses trabalhos que vão de previsões distantes a espelhos do presente é o filme HER, de Spike Jonze, que inspirou a mesa “HER: Realidade em Tempos de Inteligência Artificial”, com a artista e pesquisadora Giselle Beiguelman e a especialista em ética Catharina Doria, com mediação de Olivia Merquior, idealizadora da BRIFW, CEO da IARA e presidente do Brazilian Fashion Council.

O filme de 2013 conta a história de um homem que desenvolve uma relação afetiva com um sistema operacional de inteligência artificial. Essa breve sinopse soa familiar diante de algumas manchetes de 2026 sobre jovens que vêm usando a IA como terapeuta, amiga ou parceira romântica, não é mesmo?

Nessa mesa, Olivia, Giselle e Catharina discutiram nossa necessidade de humanizar a máquina, quando e como a IA entrou na vida delas, os desvios do sistema (fantasmas algorítmicos) e o que acontece com a criatividade, a autoria e a liberdade quando sistemas algorítmicos passam a homogeneizar nosso pensamento e a guiar nossa relação com o mundo.

Catharina Doria é especialista em ética da inteligência artificial, consultora e criadora de conteúdo, com mais de 700 mil seguidores nas redes sociais. Reconhecida em 2023 como uma das 100 Mulheres Mais Brilhantes em IA Ética, ela educa pessoas ao redor do mundo sobre inteligência artificial e sobre como se proteger contra seus riscos. É fundadora do The AI Survival Club, uma comunidade de letramento em IA criada para ajudar pessoas a desenvolver o pensamento crítico, compreender sistemas algorítmicos e navegar pelo impacto da inteligência artificial na sociedade de forma consciente e informada. Seu trabalho já foi destaque em veículos como Forbes, Fast Company, BBC, CBC e ELLE Magazine.

Durante o talk, um dos pontos mais importantes mencionados por Doria é a homogeneização do pensamento, um dos riscos mais urgentes da IA. Segundo ela, quando todos recorremos às mesmas ferramentas para escrever, pesquisar, criar e decidir, corremos o risco de chegar às mesmas respostas. E o resultado disso é um mundo sem inovação, um grande upcycling de ideias e conversas guiadas por uma lente específica de valores.

Catharina deixou claro como essa homogeneização difere da necessidade humana de pertencer, especialmente na moda. Segundo ela, o problema da homogeneização não é o “seguir trends” ou o fato de um assunto ser mais comentado do que outros, pois já sabemos que vivemos em um mundo em que tudo é cópia de uma cópia e que nada existe no vácuo, mas o que está acontecendo é uma padronização da maneira como pensamos, não apenas do que pensamos, e é aí que mora o perigo. Essa infiltração na maneira como as ideias surgem pode vir a impedir que as pessoas geniais e desviantes dos padrões, as criadoras de tendências e de comportamento, como um Alexander McQueen ou um Rick Owens, se tornem ainda mais raras, pois o que fazia essas pessoas incríveis era a maneira única como viam o mundo.

Giselle Beiguelman é artista e professora titular da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo e Design da USP. Autora de Políticas da Imagem (UBU Editora, 2a. ed. 2023) e coautora de Tecnologias da Invenção (coautoria com Dora Kaufman, Autêntica Editora, no prelo) e Boundary Images (Minnesota University Press, 2023). Suas obras integram coleções como ZKM (Alemanha), Jewish Museum Berlin, KADIST, MAC-USP, MAR-RJ e Pinacoteca de São Paulo. Recebeu o Latin American Design Awards (2023) e o The Intelligent Museum (2022), entre outros prêmios internacionais. Pioneira no campo da arte digital, utiliza IA em seus trabalhos desde 2020. Coordena o projeto temático FAPESP Acervos Digitais e Pesquisa.

Na mesa, Giselle trouxe exemplos de seu trabalho sobre os “fantasmas algorítmicos”. Segundo ela, a máquina tem injetadas nela, devido à base do seu treinamento, uma variedade de regras e padrões sociais, como o racismo, o etarismo e os padrões de beleza. Ela contou sobre o longo processo de criação da imagem de Luzia Pinta para sua coleção Venenosas, Nocivas e Suspeitas. Luzia foi uma mulher africana e, na retratação que Giselle queria fazer, já era idosa, mas o sistema insistia em devolver corpos jovens, magros e brancos. Houve diversas versões e reajustes até se chegar a uma imagem bonita, sem trair a história daquela mulher.

É desse atrito, segundo a artista, que nascem os fantasmas algorítmicos. Imagens e resultados que desviam do sistema e de seus padrões previsíveis, pois foram conduzidos pelos artistas a lugares menos óbvios, uma forma de usar uma tecnologia feita para reconhecer padrões como instrumento de desvio, não de repetição. É com essa maneira de pensar e de ver as possibilidades da IA que nascem obras que dão vida a histórias, pessoas e realidades esquecidas.

Aproveitando a perspectiva de Giselle como educadora universitária que lida com jovens constantemente, ela trouxe o assunto da economia da solidão entre os estudantes de hoje. Segundo Beiguelman, a geração que teve a vida escolar marcada pela pandemia já chegou à universidade com um jeito mais isolado de se relacionar com o aprendizado, e a IA, em vez de aliviar isso, reforça a ilusão de que dá, e de que se deve, fazer tudo sozinho. O resultado é um grupo de alunos extremamente solitários, sem espaço para o erro, a troca e a elaboração em grupo, que sempre fizeram parte da formação de um pensamento próprio.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

Com essa conversa, fica claro que o atual desafio, quando o assunto é IA, é usá-la com competência e mantê-la sob um certo distanciamento crítico, para podermos ser capazes de questionar, recusar e não sucumbir à padronização do pensamento. Ademais, em um mundo de sistemas em que pensar livremente está cada vez mais difícil, preservar nossas ideias e expandir nossas referências passou a ser algo que precisamos proteger com unhas e dentes.

Confira abaixo o depoimento das convidadas 👇

Obrigado a Giselle Beiguelman e Catharina Doria por uma conversa tão brilhante e necessária. É sempre um prazer aprender com vocês.

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Os avanços tecnológicos na moda sempre vêm mudando nossos comportamentos: da invenção da máquina de costura, que permitiu a produção em massa, à praticidade do zíper e à expansão das possibilidades das fibras sintéticas. Hoje, vemos que tecnologias como os óculos de IA, wearables e smart fabrics estão redefinindo, novamente, a forma como nos relacionamos com o corpo, a moda e o espaço.

Foi essa a questão que guiou a mesa "De Volta para o Futuro: Novas Tecnologias que Moldam as Tendências de Comportamento" no palco da BRIFW 7. Com a mediação de Luigi Torre, diretor de moda da ELLE Brasil, a conversa reuniu Francesca Ciafrè, diretora de Marketing para Professional Solutions Brasil da EssilorLuxottica, e os founders e diretores criativos de suas próprias marcas: Felipe Matayoshi, da PACE, e Lucas Leão, com sua marca homônima.

Durante o papo, os convidados tocaram em diversos assuntos, como a evolução de materiais, os novos designs possibilitados pelas tecnologias emergentes, a influência do streetwear na construção de novos hábitos de consumo, como marcas icônicas e tradicionais incorporam inteligência artificial de maneira diferente do que labels menores e o uso de ferramentas digitais no desenvolvimento de produtos, em campanhas e no relacionamento com seus consumidores.

Felipe Matayoshi é designer, co-fundador e diretor criativo da PACE, marca brasileira reconhecida por sua abordagem autoral que conecta design contemporâneo, performance e herança cultural por meio do conceito “Brazilian Okinawan Design”. Seu trabalho explora a interseção entre moda, produto e narrativa, transformando memórias e identidade em coleções com linguagem global. Ao longo de sua trajetória, colaborou com marcas internacionais e foi reconhecido em listas como Forbes Under 30 Brasil e “Homens do Ano” da GQ. Em 2026, tornou-se o primeiro brasileiro a assumir a direção criativa de uma coleção global da On, assinando a linha LN1 – Lane 1.

Felipe contou como a tecnologia sempre fez parte da PACE. A marca nasceu no digital em 2017 e operou sem loja física até 2024, quando abriu sua primeira flagship em SP. Matayoshi contou que, quando houve a migração para o digital e todas as marcas tentavam entender como existir nesse espaço, eles já eram nativos. Segundo o founder, a PACE, que é uma marca muito ancorada na ancestralidade, na herança e na qualidade, usa a tecnologia como um meio de comunicação para criar soluções e aplicá-las em produtos e em pesquisa, mas sempre de maneira original, sem deixar que o bombardeio de informações da atualidade desvie a marca de seu propósito e a faça parecer algo que não é.

A Flagship deles é um encontro perfeito de como a PACE vem usando a tecnologia para elevar a experiência sem remover as trocas humanas. A loja contém os dois: o analógico, com espaço de café e um ambiente feito para oferecer uma experiência de varejo mais calma, e o digital, com um painel de led incrível que funciona como uma vitrine viva, na qual a marca colabora com artistas digitais.

Francesca Ciafrè é Diretora de Marketing da EssilorLuxottica no Brasil, onde lidera a estratégia de marketing da companhia e fortalece a conexão entre consumidores e marcas como Ray-Ban, Oakley e Vogue Eyewear. Com mais de 20 anos de experiência em marketing e gestão de negócios, construiu uma trajetória nos setores de alimentos, beleza e moda, atuando em empresas globais e contribuindo para o crescimento de marcas como Garnier, Nutella e Kinder, na Itália. Entre os destaques de sua atuação estão os lançamentos de óculos inteligentes, como os Ray-Ban Meta e os Oakley Plantaris SQ, no Brasil.

Francesca falou bastante sobre como marcas tão grandes e estabelecidas quanto a Ray-Ban e a Oakley conseguiram integrar a chegada da inteligência artificial vestível de maneira que faça sentido para a identidade de cada uma. A Ray-Ban, associada ao universo da moda, ao estilo de vida e à autenticidade, traz óculos inteligentes para os viajantes e para a vida diária. Já a Oakley, que tem tudo a ver com a vida ativa e com o desafio de limites, traz essa tech para a performance esportiva, como a análise de KPIs. Ciafrè também mencionou o avanço dos materiais e tecnologias para criar produtos que acompanhem as tendências de comportamento, como as lentes transition.

Lucas Leão é diretor criativo e estilista, fundador da marca homônima. Seu trabalho une a cultura brasileira aos códigos da alfaiataria tradicional para construir uma nova interpretação do luxo contemporâneo, combinando pesquisa, inovação e técnicas artesanais. Tem apresentações e desfiles na Rio Fashion Week e na São Paulo Fashion Week (SPFW), além de participações internacionais em Milão e Moscou. Também desenvolve experiências imersivas na BRIFW e foi finalista da primeira edição do Latin American Fashion Awards. Assina direção criativa e figurinos para Djavan, Alok, IZA e Sabrina Sato, e seu trabalho já foi destaque em publicações como Vogue, Vogue Italia, Dazed, Harper’s Bazaar e ELLE.

Lucas e sua marca sempre estiveram envolvidos em inovação e tecnologia. Em edições passadas da BRIFW o designer já fez desfiles digitais e phydigitais, com roupas virtuais e filtros interativos. A marca de Leão sempre trouxe à tona a interseção entre a alfaiataria clássica, os símbolos nacionais e a tecnologia. Durante o talk, o designer falou sobre como, sendo uma marca pequena, ele usa tech de ponta (3D e IA) como ferramentas em seu processo para potencializar sua produção e visualização para sua equipe e clientes. Depois de prontos, os projetos, que até então existiam somente no digital, ganham vida nas mãos de alfaiates, sendo feitos exclusivamente de maneira artesanal.

Lucas também contou da dificuldade, como a de ter acesso a materiais mais tecnológicos, muitas vezes restritos a operações de maior escala, e de enfrentar desafios e barreiras para trazer inovação à alfaiataria independente.

A mediação ficou por conta de Luigi Torre, diretor de moda da ELLE Brasil e autor da newsletter RE-SEE. Jornalista formado pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP), escreve sobre moda há mais de 20 anos, cobrindo as principais semanas de moda do Brasil e do mundo. Já passou pelas equipes do FFW, L'Officiel Brasil e Harper's Bazaar Brasil e colaborou com veículos como Folha de S. Paulo, Vogue Brasil e GNT.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

Uma marca icônica de óculos internacional e designers independentes brasileiros chegam à mesma conclusão por caminhos diferentes: a tecnologia funciona melhor quando serve a algo que a marca já é, e não o contrário. Seja para adaptar uma lente à luz do dia, acompanhar objetivos de lifestyle, ajudar um cliente a visualizar uma peça feita sob medida ou na comunicação e na experiência de loja, as novas tecnologias não substituem a necessidade humana de conexão e de criação.

Confira abaixo os depoimentos dos palestrantes 👇

Obrigado a Francesca, Felipe e Lucas por compartilharem seus trabalhos incríveis e sempre surpreendentes, e a Luigi pela mediação brilhante.

Fiquem atentos: o recap do próximo palco da BRIFW 7 já está a caminho.

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Perfumes com notas de croissant ou de couve-flor parecem difíceis de ser verdade, mas já são realidade em uma das maiores empresas de aromas e fragrâncias do mundo. No palco A Alquimista: A Ciência dos Sentidos, recebemos Luciana Knobel, vice-presidente de Criação da Symrise na América Latina. Com experiências interativas, ela mostrou o quanto a tecnologia humana do olfato pode ser poderosa e levou o público em uma jornada pela história da perfumaria, do começo, com a destilação, até o futuro que empresas como a Symrise estão construindo com tecnologias como a IA.

Luciana Knobel é vice-presidente de Criação da Symrise na América Latina, uma das líderes globais no setor de fragrâncias. Com mais de 30 anos de experiência na indústria, construiu sua trajetória liderando equipes de desenvolvimento criativo e atuando diretamente na criação de perfumes icônicos para o mercado latino-americano. Ao longo de sua carreira, tem sido uma voz estratégica na conexão entre marcas, consumidores e a arte olfativa, unindo sensibilidade criativa e conhecimento profundo do mercado.

No palco, Luciana mostrou como a história da perfumaria é também uma história de tecnologia. Tudo começa com a invenção da destilação, primeira tecnologia capaz de separar componentes aromáticos das plantas. Depois veio Grasse, hoje a capital mundial do perfume, famosa por suas luvas de couro perfumadas, que chegaram à corte francesa graças a Catarina de Médici, apontada por Luciana como a primeira “influencer” da história. Então nasce a perfumaria como indústria com a Lautier e, em 1874, ocorre um ponto de virada: a Haarmann & Tiemann sintetiza pela primeira vez a vanilina, tornando esse aroma acessível em escala.

Décadas depois, em 1920, chegam os aldeídos com o icônico Chanel Nº 5, a primeira vez que um perfume tinha um aroma totalmente novo, em vez de apenas reproduzir algo da natureza. Por fim, nos anos 70, surge o headspace, invenção revolucionária que permitiu aos perfumistas capturar as moléculas liberadas por flores e plantas vivas no ar, sem precisar colhê-las.

Chegando finalmente ao mundo Symrise. Fundada em 2003 pela fusão da Haarmann & Reimer (H&R) com a Dragoco, a empresa alemã já produziu fragrâncias para marcas como Boticário, Paco Rabanne, Adidas, L’Artisan Parfumeur, DKNY e Carolina Herrera.

Durante sua apresentação Luciana nos mostrou como a tecnologia vem avançando no mercado da perfumaria. Em 2018, a Symrise lançou a Philyra, a primeira fragrância do mundo criada por inteligência artificial, cruzando mais de 20 dimensões olfativas, 1.500 matérias-primas e 3,5 milhões de fórmulas. Em 2020, a neurociência vem com a tecnologia Actimood, capaz de mapear como ingredientes despertam sentimentos diferentes, de relaxamento a autoconfiança. Em 2022, a tecnologia patenteada Symtrap passou a capturar o que antes era descartado, unindo upcycling e novas notas olfativas. E, em 2024, modelos preditivos passaram a cruzar preferências de mais de 50 mil consumidores com inteligência olfativa e inteligência artificial para antecipar as fragrâncias que farão sucesso.

Durante esse keynote super especial, a plateia foi convidada a vivenciar na prática o mundo da perfumaria com uma sequência de experiências sensoriais guiadas. Primeiro vimos o quão incrível o olfato realmente é, apenas quando o desligamos, depois passando por notas herbais de floresta e terra molhada, por notas gourmand indulgentes e viciantes, e refletindo no que esses aromas nos fazem pensar, lembrar e sentir, e terminando com o Digital Flower, o novo aroma da Symrise criado por IA.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa

Luciana mostrou a todos na BRIFW 7 como o olfato é um sentido que não pode ser negligenciado, e como o passado e o futuro da perfumaria vêm da tecnologia. Da destilação à IA generativa, cada avanço não substituiu a sensorialidade humana, mas ampliou o que ela é capaz de captar, entender e recriar.

Confira o depoimento da Luciana Knobel 👇

Obrigado, Luciana e Symrise, por transformar nosso palco em laboratório e nos mostrar o futuro da perfumaria.

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Sair de casa nunca será uma mudança fácil, mas por que é que certos artistas sentem que precisam sair do Brasil para conseguir fazer e viver de sua arte? Foi esse o ponto de partida da mesa Bye Bye Brazil: Arte e Tecnologia do Brasil para o Mundo, que aconteceu no palco da BRIFW no SP2B. Nela, Olivia Merquior, idealizadora da BRIFW, CEO da IARA e presidente do Brazilian Fashion Council, recebeu dois artistas brasileiros que hoje vivem em Berlim: Gabriel Massan e Bernardo Martins, também conhecido como Figa.

Na mesa, conversaram sobre suas carreiras, o que os inspira, o porquê da mudança de país, as dificuldades e as oportunidades que vêm com morar e trabalhar na Europa, e quais são as maiores diferenças entre a cena artística no Brasil e em Berlim.

Antes de se estabelecer como artista de IA, Bernardo Martins (Figa), trabalhou em design gráfico e fotografia em publicações como a Interview Magazine e a Vice Germany. Aventurando-se na edição de vídeo e na arte com IA, ele descobriu a liberdade de criar visuais sem as limitações dos meios tradicionais. A arte de Bernardo mergulha no fascinante e no perturbador, provocando reações viscerais. Essa fusão de beleza sombria, moda e natureza inquietante desafia as preconcepções de beleza. Seu trabalho questiona a noção de beleza na era digital e explora o impacto das tecnologias inovadoras na arte.

Colaborou recentemente com o icônico designer Rick Owens (símbolo das subculturas) para o desfile de Fall 2026 da grife, que usou imagens generativas de Bernardo na construção estética do show.

“Rick me procurou, e rapidamente unimos forças. Ele pareceu entender de verdade as emoções por trás do trabalho, e foi extremamente surpreendente e emocionante comunicar algo tão pessoal sem precisar dizer uma palavra.” - Bernardo Martins para I-D Magazine.

Criado em Nilópolis, no Rio de Janeiro, Gabriel Massan trabalha com escultura, animação 3D, jogos, videoperformance, som e instalação. Sua prática reúne worldbuilding, machinima, live gameplay e sistemas interativos para criar ambientes especulativos marcados por violência, extração, deslocamento e sobrevivência. A partir de lógicas de jogo, simulação e imaginação política, Massan desenvolve sistemas narrativos nos quais espaços virtuais operam como infraestruturas sociais e locais de conflito.

Já expos em instituições como a Serpentine Galleries (Londres), Pinacoteca do Estado de São Paulo, BOZAR, The Photographers’ Gallery, Centre Pompidou-Metz, MAM-SP, Instituto de Design de Hong Kong e na Bienal de Arte de Bangkok. No fim de 2025, assinou o pavilhão na semana de arte MC2C, em Xangai. Foi comissionado pela Apple, pela Bulgari e pela Madonna, para a The Celebration Tour, e recebeu, em 2024, o Prêmio de Distinção da Ars Electronica em Arte Interativa.

A conversa trouxe à tona que, no Brasil, não falta riqueza de talentos nem de comunidades, mas falta estrutura para que esses espaços floresçam. Figa e Gabriel falaram sobre o nível de apoio institucional disponível para artistas na Alemanha, algo que ainda não temos no Brasil. Segundo Massan, existe uma ligação maior entre instituições e um esforço coletivo para apoiar seus artistas.

Por exemplo, além de programas nacionais como a Künstlersozialkasse (KSK, um sistema federal de seguridade social para artistas autônomos, que cobre cerca de metade dos custos com plano de saúde, seguro e previdência), artistas em Berlim também têm acesso às bolsas e fellowships do Senado da cidade, que financiam ateliês, produção e residências internacionais, entre outros programas de incentivo.

Ambos os artistas falaram sobre como Berlim, por ser uma cidade menor e mais concentrada, facilita o encontro com profissionais do mercado. É mais fácil chegar a quem pensa parecido e criar proximidade com curadores, marcas e outros artistas. A isso se soma um ambiente com menos julgamento sobre arte digital, estética e padrões de beleza, além de, segundo Figa, uma cultura jovem que impulsiona o tipo de trabalho que ele faz de um jeito que o Brasil, em muitos sentidos, ainda não permite. Como os dois disseram, o Brasil ainda pode ser um tanto careta.

Apesar do destino comum, as trajetórias de Figa e de Gabriel até Berlim foram diferentes. Figa saiu do Brasil no começo de sua vida adulta, ainda no início de carreira, e por isso não chegou a viver a experiência de ser artista em seu país de origem, sua formação e amadurecimento aconteceram majoritariamente na Europa. O contexto político do Brasil, segundo ele, teve peso direto nessa decisão de sair cedo.

Gabriel viveu a experiência de ser artista no Brasil antes de se mudar e conta que só encontrou reconhecimento real pelo seu trabalho depois de ir para fora, principalmente após conhecer e ser endossado por Hans Ulrich Obrist, um dos nomes mais influentes do mercado de arte internacional.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

A diferença entre Berlim e o Brasil não é talento, o Brasil tem isso de sobra. A diferença é o apoio: seguridade social para artistas autônomos, espaços com orçamento de produção, mercado disposto a apostar no diferente antes que o exterior valide. Enquanto essa estrutura não existir por aqui e o mercado não abrir sua mente para outras formas de fazer e ver arte, ir para fora vai continuar sendo, para certos artistas brasileiros, um caminho necessário mesmo com todas as dificuldades reais de ser estrangeiro em outro país.

Confira abaixo o depoimento de Figa e Massan 👇

Obrigada, Gabriel e Bernardo, por compartilharem seu trabalho e sua jornada com o público da BRIFW.

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Mulheres são as maiores consumidoras de moda, mas representam uma minoria nos cargos de liderança na indústria. De acordo com a 1 Granary, as mulheres representam 74% dos estudantes de cursos de moda, mas apenas 12% dos diretores criativos. Amnesty Internacional diz que entre 60% e 80% da força de trabalho global no setor têxtil e de moda é composta por mulheres, mas apenas 14% das maiores empresas de moda do mundo são lideradas por mulheres (Modaes). Claramente, é o dinheiro e o esforço feminino que fazem essa indústria rodar, mas, quando o assunto é tomar decisões, somos colocadas para fora da sala.

É esse o descompasso que deu nome à mesa GirlBoss: Mulheres como Protagonistas da Moda, na BRIFW 7. Uma mesa com o propósito de reunir mulheres que estão nas salas de decisão e fazem parte das minorias nos cargos de liderança e direção criativa, mas que representam a maioria das consumidoras de moda.

Para essa conversa, Mayari Jubini, fundadora e diretora criativa da Artemisi Gallery, Luanda Vieira, escritora e jornalista, Daniela Gontijo, General Manager das operações da Louis Vuitton na América do Sul, e Marília Marton, Secretária de Estado da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, subiram ao palco junto de Jorge Grimberg, jornalista de moda e pesquisador de tendências.

Durante o talk, falaram sobre suas trajetórias desde a infância até hoje, momentos marcantes em suas carreiras, os desafios enfrentados, as barreiras impostas pelo mundo em que vivemos, como a liderança feminina difere e a importância de participar das decisões que definem o futuro da indústria da moda e da cultura no Brasil.

Mayari Jubini é uma estilista brasileira de renome internacional, conhecida por seu trabalho inovador e impactante no universo da moda e que alcança palcos e red carpets ao redor do mundo. Natural de um bairro periférico do Espírito Santo, começou a desenhar e criar suas primeiras peças com recursos limitados na adolescência. Hoje sua marca, Artemisi Gallery, se tornou sinônimo de uma experiência artística que conversa com o futuro e explora a interseção entre arte, tecnologia e moda. Mayari está por trás de looks icônicos usados por personalidades internacionais como Katy Perry, Demi Lovato, Usher e Julia Fox. E no Brasil, já vestiu Anitta, Xuxa, Pabllo Vittar, Iza, Sabrina Sato, Glória Groove, Juliette, Marina Sena, entre outros.

No palco, Mayari falou sobre a importância de ter confiança para defender o próprio trabalho, sem vergonha de ser orgulhosa e dizer “meu trabalho é bom”, um gesto que, segundo ela, ainda causa estranhamento quando vem de uma mulher segura do que conquistou. Falou também sobre a excelência feminina, como as mulheres precisam sempre entregar seu trabalho acima da média para que seu lugar nunca seja questionado.

Mayari também falou sobre a importância do estratégico, para além do criativo, na gerência de uma marca, e sobre como buscou aprender sobre todo o sistema que sustenta a Artemisi. A artista compartilhou como gosta de estar a par de tudo e de ter domínio do próprio negócio, sem precisar depender de ninguém.

Luanda Vieira é jornalista, escritora e criadora de conteúdo. Lançou recentemente seu livro de estreia pela Companhia das Letras, “Nada é definitivo”, com memórias de sua vida sob a perspectiva da coragem, inclusive a de desistir. Apresenta o podcast O Corre Delas, sobre carreiras femininas, e passou pelas redações de Glamour e Vogue, na Condé Nast, onde foi a primeira e única brasileira a integrar o Comitê Global de Diversidade e Inclusão, comandado por Anna Wintour. Foi disruptiva na cobertura da sua primeira semana de moda internacional, indo na contramão do que os veículos faziam na época.

Luanda disse que sempre soube que teria sucesso e que sempre se esforçou dobrado. Segundo ela, sua família, principalmente sua mãe, a criou para “dar certo”.

No palco, falou sobre a importância de dar cara a tapa, de pedir e ir atrás, de não ter vergonha do que você quer; deu como exemplo quando foi puxar papo com Tommy Hilfiger em uma semana de moda internacional, quando todos tinham sido instruídos a não falar com o icônico estilista. Deixou bem claro que não tem medo de ter volume, de usar roupas que marcam presença, e que mulheres não devem ter medo de ocupar espaço.

Daniela Gontijo está há dez anos na Louis Vuitton, onde lidera como General Manager as operações da Maison na América do Sul, incluindo Brasil, Chile, Peru e Colômbia, sendo a primeira mulher a ocupar essa posição na região e a primeira executiva sul-americana a percorrer toda a jornada entre liderança de varejo, funções corporativas e a cadeira de General Manager. Sob sua gestão, a operação se tornou uma das principais plataformas de desenvolvimento executivo do setor de luxo na América do Sul, formando profissionais que hoje ocupam posições estratégicas no Grupo LVMH e em mercados internacionais.

Gontijo falou sobre como, depois de conquistar acesso a espaços historicamente fechados, o desafio real das mulheres hoje é permanecer, crescer e evoluir nesses lugares de liderança com a mesma naturalidade que os homens sempre tiveram, e ser tratadas e remuneradas de forma igual, e que essa evolução de ter mulheres em cargos de poder não seja passageira. Além disso, Daniela falou sobre que, como empresária, vê a importância de escolher pessoas pela competência, não pelo gênero, e que mantém essa mentalidade em sua liderança.

Marília Marton é graduada em Ciências Sociais pela PUC-SP e mestre em Cidades Inteligentes e Sustentáveis pela Universidade Nove de Julho, com uma trajetória construída dentro do setor público, passando pela Prefeitura e Câmara Municipal de São Caetano do Sul e pela Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo, onde foi chefe de gabinete. Hoje é Secretária de Estado da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, à frente de políticas públicas de fomento à cultura e à economia criativa

A Secretaria falou sobre seu amor pela cultura e pelo teatro e sobre como manifesta essa paixão, criando políticas públicas que fomentem esse espaço e deem oportunidade para que todos experienciem a cultura, participem e sejam representados na indústria criativa.

Marília compartilhou sua experiência como mulher na política, um universo ainda mais tradicionalmente masculino, como já foi a única mulher em várias salas, a única sentada à mesa, e como é essencial ter mulheres com poder de decisão que representem toda a população.

Jorge Grimberg é jornalista de moda, pesquisador de tendências, mentor de carreiras e estrategista criativo, reconhecido como uma das principais referências em análise de comportamento e inovação no mercado fashion brasileiro. Formado em Administração de Empresas pela FAAP, atuou por mais de uma década como diretor comercial e de marketing da WGSN na América Latina, a maior autoridade global em previsão de tendências, e já colaborou com publicações como Vogue America, Business of Fashion e CNN Style, sendo apontado pela Vogue Runway como uma das vozes mais influentes da moda brasileira. É autor do livro “Vida Criativa” e criador do projeto 3 Minutos de Moda.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

A mesa GirlBoss foi cheia de emoções, desabafos e aprendizados poderosos. As quatro convidadas fundaram marca, chegaram à General Manager de uma maison de luxo, ocupam uma cadeira de secretaria de estado, entraram em comitês globais que nunca tiveram uma brasileira antes, mas o desafio hoje, não é mais só entrar na sala é a permanência, é ser tratada, remunerada e reconhecida ali dentro com a mesma naturalidade que sempre foi dada aos homens, e seguir crescendo sem precisar fica provando por que merecem estar onde estão. A conversa também ressaltou a importância de ter confiança para reconhecer o próprio trabalho como bom, sem pedir desculpas por isso.

As mulheres nessa talk vêm construindo carreiras brilhantes e sólidas o suficiente para que a próxima geração de meninas possa dar o seu melhor, não porque precisam provar seu valor em comparação a um homem, mas porque amam o que fazem.

Confira abaixo o depoimento das palestrantes 👇

Queríamos agradecer a Mayari Jubini, Luanda Vieira, Daniela Gontijo e Marília Marton por compartilharem suas trajetórias e a Jorge Grimberg pela mediação brilhante.

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A indústria da moda tem um problema estrutural: o desperdício. Cem bilhões de peças de roupa são produzidas todo ano, das quais 10% nunca chegam a ser usadas. Existe uma pilha gigantesca de resíduos têxteis no Deserto do Atacama, no Chile, visível do espaço. 15 milhões de peças são descartadas em Gana toda semana. E 20% do que é produzido nunca sequer é vendido. O mundo está sobrecarregado por tanta roupa e já está farto dessa cadeia de produção quebrada. Então, qual é a solução? Segundo a The Fabricant, a IA.

No palco, Socorro, Agora ela é a chefe! : O medo de que a IA se torne sua nova Big Boss, confere? A BRIFW recebe novamente The Fabricant, parceiros de longa data do evento. Adriana Pereira e Kerry Murphy, cofundadores da The Fabricant, falaram sobre o que a empresa faz, qual é sua missão, os benefícios de inserir IA em processos de prototipação, o que a IA pode fazer e em que ela não é capaz de substituir a inteligência humana.

Fundada em 2018, a The Fabricant é uma empresa pioneira em tecnologia, com a missão de modernizar o processo de design de moda por meio de suas Ferramentas Inteligentes, viabilizando a exploração e o desenvolvimento criativo; e de ajudar designers e marcas a gastar menos tempo lutando contra softwares complexos e mais tempo criando, experimentando e inovando. Hoje, lideram o mercado de inovação tecnológica na moda.

Durante a palestra, Kerry e Adriana mostraram como o uso de ferramentas inteligentes no processo de prototipagem pode gerar ganhos enormes. De acordo com os founders, uma amostra física custa, em média, 15 kg de CO₂, 3.000 litros de água, tecido, linha, aviamento e transporte. Já uma amostra digital, com vinte gerações incluídas, custa cerca de 0,05 kg de CO₂ e 0,1 litro de água, com zero de material e zero de transporte. O fluxo com IA faz com que os prazos caiam de 6–18 meses para 3–6 meses e as amostras físicas de 3–5 para 1 ou nenhuma.

Com o sistema digitalizado e o modelo de vender primeiro e produzir depois, o primeiro exemplar físico já é criado como peça de produção. O resultado? Marcas têm 50% de ciclos de produção mais rápidos, 97% de redução no desperdício de amostras físicas e 90% de economia na produção de conteúdo.

Adriana e Kerry trouxeram exemplos reais de marcas já operando nesse modelo, como a Artisa, que desenha camisas com IA e 3D e produz em materiais sustentáveis; a Visage Eyewear, um designer independente que gera visuais de produto a custo marginal zero; e a Heijne, que só produz após o pedido ser feito. De acordo com os palestrantes, lançar uma coleção DTC (direct to customer) de vinte peças reduziu o custo médio de € 127.750 para € 19.800, e o ponto de equilíbrio passou de 3.200 para 495 peças vendidas.

Além de todos os benefícios apresentados pela The Fabricant, Adriana e Kerry também foram diretos sobre o que a IA ainda é incapaz de fazer. Segundo eles, a tecnologia continua falhando em quatro pontos:

Comportamento do tecido → caimento, peso e como uma costura realmente cai sobre o corpo.

Códigos de marca → a consistência dentro de uma casa de moda.

Caimento e modelagem → a diferença entre uma imagem e uma peça que alguém consegue vestir de verdade.

Gosto e curadoria → a máquina entrega quarenta opções, sem opinar sobre o que produziu.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

O palco Socorro, Agora ela é a chefe! Trouxe vários insights, entre eles, como as novas tecnologias têm a capacidade de solucionar um problema gigantesco de uma das indústrias mais poluentes do mundo. E como ferramentas inteligentes permitem que marcas pequenas e independentes entrem no mercado com times pequenos, sem precisar de muito capital.

Mas o mais relevante foi ver onde a tecnologia nunca vai chegar, o ponto de vista, a leitura cultural e a capacidade de fazer uma curadoria com intenção e coerência, mostrando que o repertório é insubstituível.

Confira os depoimentos dos palestrantes 👇

Queríamos agradecer a Adriana Pereira e a Kerry Murphy por compartilharem o trabalho que a The Fabricant vem realizando e as possibilidades que a IA oferece para o mundo da moda.

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Na União Europeia, o mundo da moda está em reforma: Passaportes Digitais de Produto (DPP) passam a valer fortemente em 2027, grandes empresas ficam proibidas de destruir estoque não vendido, proibição de comercialização de roupas malfeitas, certificações rigorosas passam a ser exigidas para que marcas possam usar os termos "eco-friendly", "verde" ou "consciente", evitando o greenwashing, leis obrigam grandes marcas europeias a monitorar e mitigar violações de direitos humanos e impactos ambientais em toda a sua cadeia produtiva (Digital Fashion Academy, 2026 e European Commission).Claramente, as coisas estão mudando, mas e dentro de casa? Qual é o futuro da sustentabilidade na moda no Brasil e quem está liderando a mudança nesse setor?

André Salem, cofundador da Blockforce, Taci Abreu, diretora de Sustentabilidade da Riachuelo, Cyntia Kasai, Gerente Sênior de ASG e Comunicação na C&A, e Artur Lemos, Head de Produto do Grupo Azzas, conversam com Rita Wu no talk The Good Hacker: O futuro da sustentabilidade na moda.

Nesta mesa, líderes em moda, tecnologia e sustentabilidade se juntam para trocar ideias e reflexões sobre novas exigências regulatórias, passaporte digital de produtos, o papel do consumidor na escalabilidade de uma moda sustentável, a blockchain, a rastreabilidade e como as novas tecnologias são peças essenciais na construção de uma moda mais sustentável, eficiente e preparada.

André Salem tem mais de 9 anos de experiência em arquitetura de soluções em blockchain, é pioneiro do ecossistema brasileiro dessa tecnologia desde os primórdios, ex-representante do Ethereum Brasil em São Paulo e fundador e líder da Blockforce, empresa de tecnologia especializada em soluções de rastreabilidade com blockchain e IA, na qual ajuda negócios a monitorar cadeias de suprimentos, cumprir regras de sustentabilidade e validar dados ESG de forma transparente.

Durante a conversa, André apontou que a blockchain tem potencial para ser o futuro da indústria e é capaz de oferecer informações e dados de alta qualidade, de forma descentralizada, sobre toda a cadeia produtiva, do plantio à linha de produção, registrando cada etapa e devolvendo essa informação ao consumidor, no famoso Passaporte Digital de Produto. De acordo com Salem, a blockchain é algo que nem deveria chegar à leitura do consumidor final; ela deve funcionar por trás das cenas, como a tecnologia que ninguém vê, mas faz toda a diferença.

Um dos problemas não está mais na engenharia, mas, muitas vezes, na recepção. Existe uma resistência, um medo da blockchain, muitas vezes por falta de informação sobre o seu funcionamento e seu real propósito para além dos NFTs.

Taci Abreu é Diretora de Sustentabilidade da Riachuelo, onde lidera a agenda ESG com foco em inovação têxtil, circularidade, ecoeficiência e impacto social. Antes, foi Head de Marketing e Sustentabilidade da FARM Rio e Head de Sustentabilidade do Grupo SOMA, passando por marcas como Fábula, Foxton, Animale, Cris Barros e Hering.

Taci mostrou durante o talk as iniciativas dentro da Riachuelo e como, em parceria com a Blockforce, conseguiram trazer a tecnologia da blockchain para a fábrica, rastreando a origem do algodão e identificando produtores certificados dentro da cadeia. Os maiores desafios, segundo ela, estão na informalidade que domina boa parte do mercado de matéria-prima no Brasil e na falta de interesse do próprio consumidor em considerar esse tipo de inovação e tecnologia na hora da compra. Mesmo com a informação disponível, poucos estão dispostos a pagar um pouco mais para reconhecer melhores condições de trabalho por trás de uma peça.

Demonstração da parceria da Blockforce com a Riachuelo para dar ao consumidor todas as informações da cadeia de produção de uma peça 👆

Artur Lemos é formado em Engenharia Eletrônica e de Computação, e atua há oito anos na interseção entre tecnologia, dados e negócios. No Grupo Azzas 2154, holding nascida da fusão entre Arezzo e Soma. Lidera iniciativas de IA corporativa, analytics e projetos estratégicos para marcas como FARM, Animale, Reserva e Maria Filó. Liderou a expansão digital da FARM na América Latina e a digitalização de processos de criação e operação, da estamparia ao planejamento de produto.

Artur compartilhou como a inteligência artificial surge como resposta a um grande problema da indústria: o desperdício da prototipagem. Na Azzas 2154, a equipe desenvolveu modelos próprios para simular linhas de produção e desenvolvimento de forma hiper-realista, antecipando processos que antes dependiam de diversos testes físicos, frequentemente descartados. A implementação da IA nesse passo do processo reduz o volume de amostras, tecido e tempo perdido.

Cyntia Kasai é Gerente Sênior de ASG e Comunicação na C&A, com mestrado em Sustentabilidade pela POLI-USP, graduação em Engenharia de Produção pela UNESP e MBA Executivo pela FGV. Com especializações pela Universidade de Cambridge e IBGC, atua há mais de 15 anos em estratégias de sustentabilidade e governança. Hoje lidera ESG, Comunicação e Impacto Social na C&A e membro de comitês de ESG.

Cyntia apresentou a frente da C&A voltada à circularidade, com um forte programa de recolhimento de peças de denim para a transformação em novos fios, que inclusive esteve presente no próprio SP2B; caixas de doação estavam disponíveis para qualquer visitante do evento doar suas peças de jeans para reciclagem. Cyntia reforçou que essas iniciativas dependem da adesão para que ganhem escala e que educar o consumidor sobre o que acontece com a peça após o descarte é parte essencial do trabalho.

A mediação foi feita por Rita Wu, pesquisadora e designer que trabalha com tecnologias digitais desde 2008. É membro-fundadora do primeiro Fab Lab brasileiro e já atuou como Diretora da Rede Fab Lab Livre SP. Atualmente apresenta os programas Ciência para Negócios e Crypto Brasil no Times Brasil, licenciado exclusivo da CNBC, além de atuar como analista de tecnologia, colunista, professora e Diretora de Conteúdo e Comunicação do Instituto Fab Lab Brasil.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

A conclusão dessa conversa é que a indústria da moda já tem a tecnologia necessária para uma cadeia de produção sustentável. Hoje podemos rastrear um algodão do plantio até a prateleira, simular uma coleção inteira antes de cortar um tecido sequer e comprovar, com dados verificáveis, que uma peça foi produzida de forma justa. O que os convidados dessa mesa deixaram claro é que a próxima fronteira é comportamental. Além de precisarmos de regulamentações fortes, se o consumidor continuar a decidir unicamente pelo valor e não tomar o cuidado de entender o que está comprando, toda a estrutura de transparência corre o risco de se tornar um esforço invisível.

Confira abaixo o depoimento dos palestrantes 👇

Obrigado a André, Taci, Artur e Cyntia por dividirem tanto do trabalho que vêm construindo, e a Rita pela brilhante mediação.

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Resiliência e adaptabilidade definem a indústria de moda brasileira; por isso, a mesa que discutiu o futuro desse setor recebeu o nome da obra mais recente do diretor Paul Thomas Anderson, Uma Batalha Atrás da Outra, e nenhum outro título poderia descrever melhor essa indústria que está sempre se reinventando e travando novas batalhas ano após ano, se encaixando perfeitamente aos assuntos discutidos pelos convidados que se reuniram nesse papo, mediado pela brilhante Maria Prata.

No palco, tivemos o prazer de ver representados três pilares essenciais da cadeia da moda: a indústria têxtil, com Newton Coelho, da Santista; o setor calçadista, com Carolina Galvão, da Grendene; e o varejo de vestuário, com Camila Gadioli, da C&A.

No talk Uma Batalha Após a Outra: O Futuro da Moda à Brasileira, os três gigantes do setor trouxeram à tona diversos assuntos. Falaram sobre a importância da resiliência das empresas, independentemente da escala, na hora de se reinventar e de adotar novas tecnologias. Falaram também sobre como a moda ainda é tratada como algo secundário no Brasil, apesar de ser uma das maiores empregadoras do país, o que se traduz em pouco apoio de políticas públicas para uma indústria como a têxtil, que precisa sobreviver a pandemias, tarifas externas e à falta de incentivos à modernização. E, por fim, falaram sobre o desafio de formar a própria mão de obra qualificada, já que o mercado não está recebendo esses profissionais prontos das instituições de ensino.

Os integrantes do talk

A mediação foi conduzida por Maria Prata, jornalista, comunicadora e consultora em inovação, comportamento e tendências. Foi apresentadora e editora-executiva do Mundo S/A e comentarista do Estúdio I na GlobNews, além de ter passado por posições de liderança em veículos como Vogue Brasil, Harper’s Bazaar e Fashion TV. Hoje é sócia da agência Out Of Office, assina a coluna Futuro Presente no UOL Universa e integra a lista BoF 500, do The Business of Fashion.

Carolina Galvão é executiva de Digital Commerce com mais de 20 anos de experiência no varejo, moda e consumo. Na Grendene, lidera um time de mais de 100 pessoas à frente da operação digital de marcas como Melissa, com foco em crescimento, rentabilidade e transformação digital. Passou pelo Grupo Arezzo, onde construiu operações de e-commerce do zero.

Galvão levantou um problema contemporâneo das grandes empresas da indústria da moda, resultado direto da rápida evolução tecnológica: a falta de mão de obra qualificada. O perfil do trabalhador de que essas empresas precisam mudou com o mundo, mas o setor educacional não está formando profissionais aptos às novas necessidades da indústria. Tanto que companhias como a Grendene criaram uma universidade própria dentro da empresa para formar profissionais com o conhecimento de que precisam. Carolina descreveu que, hoje, os times precisam de gente que entenda de tudo (estratégia, dados, marketing, tecnologia etc.), um perfil muito difícil de encontrar. Por essa razão, segundo Carolina, o novo profissional precisa ser curioso, sempre em busca de coisas novas e, acima de tudo, adaptável. Vemos um tema recorrente por aqui.

Representando a C&A, recebemos Camila Gadioli, Head Comercial de Estilo na gigante do varejo, onde atua há mais de 12 anos. Gadioli ingressou como trainee e, desde então, liderou diversas linhas de produtos e projetos estratégicos da companhia. Antes, passou por Westwing, Estilo 3G, LVMH e M. Officer.

Em relação à implementação das novas tecnologias, Camila compartilhou um pouco sobre como, no lado do design da C&A, a inteligência artificial vem sendo usada para adequar a demanda à produção, ajudando a reduzir peças extras e evitando o estoque parado diante de um mercado cada vez mais exigente e rápido.

Newton Coelho é Diretor de Negócios e Tecnologia da Santista Têxtil. Ocupou cargos de direção em empresas como GE, Owens Corning, INVISTA e Mexichem. Está na Santista desde 2019, quando teve participação importante no turnaround da empresa e hoje lidera a área de negócios, além de responder pelo programa de transformação digital.

Newton trouxe uma reflexão muito interessante sobre a importância de educar os funcionários mais antigos nas empresas sobre novas tecnologias, em vez de descartá-los. É algo fundamental, pois esses membros da equipe possuem tipos de conhecimento insubstituíveis para a indústria, que as novas gerações não têm. Quando colocamos todos na mesma página e combinamos forças, uma indústria é capaz de criar uma equipe com diversas maneiras de atacar problemas.

Outro ponto interessante sobre a integração de tecnologias na Santista, que Newton contou, é que hoje, por exemplo, comprar uma máquina nova não é mais só sobre o que ela faz; é sobre se ela conversa com as outras máquinas do parque industrial, no mesmo protocolo de linguagem computacional, já que o parque hoje é todo conectado.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

A maior lição vinda daqueles que lutam uma batalha atrás da outra nessa indústria é a seguinte: Mais do que um diferencial, a adaptabilidade é um pré-requisito. Não importa o tamanho da empresa ou o tempo de casa do profissional, é preciso estar disposto a aprender todos os dias.

Confira abaixo o depoimento dos palestrantes desse super palco 👇

Obrigado a Camila Gadioli, Newton Coelho e Carolina Galvão por compartilharem a realidade de suas empresas, e à Maria Prata pela mediação feita com maestria.

Fiquem atentos: o recap do próximo palco da BRIFW 7 já está a caminho.

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Estar com as pessoas certas no lugar certo é uma das chaves para uma carreira de sucesso, principalmente na área criativa. O The Pitch nasceu em parceria com a FFW, uma das maiores plataformas digitais de conteúdo sobre moda, cultura e comportamento, e parceiros de longa data da BRIFW. Esse foi um espaço criado com o objetivo de proporcionar oportunidades para que artistas e empreendedores de moda, design e novas tecnologias apresentem seus projetos aos key players do mercado e criem conexões que possam abrir portas e expandir o networking.

Foram 4 minutos contados, “tempo na tela!”, 2 minutos para a apresentação e 2 minutos para o feedback. O que carregou as apresentações que se destacaram foi o poder de uma boa síntese, a habilidade de comunicar o impacto do seu trabalho em pouco tempo e de uma maneira que intrigava quem assistia ao pitch.

Recebemos diversas inscrições, e apenas 10 projetos foram selecionados para subir ao palco: Ailton Pereira (Aiper), Bruno Giovanni Choi (Cohí), Fabiana Santos (Extoque), Carolina de Oliveira, Isabelle Severo (Belle Veste), Mr. Gattax, Júlia Lyz (Zimma), Paulo Faria (Mystique), Renan Rocha (Rocus) e Will da Afro (Afroperifa). Desses 10, 3 foram selecionados como finalistas e convidados a um evento super exclusivo da BRIFW. Pessoas certas no lugar certo.

Para avaliar esses trabalhos, chamamos quem realmente entende de mercado criativo, jornalismo, moda, beleza, cultura e tech. Conheça o júri e os vencedores do The Pitch 2026.

Os experts

Carolina Vasone é editora-executiva da FFW, já foi editora de moda do UOL, editora de projetos especiais da Vogue e editora de beleza da revista ELLE. Fez cobertura do SPFW por mais de 15 anos e cobriu, como enviada especial, a semana de moda de Paris por 6 anos. Já sentou para entrevistar nomes como Karl Lagerfeld, Valentino, Jean Paul Gaultier e Diane Von Furstenberg.

Vinicius Alencar é jornalista de moda há 16 anos. Iniciou como estagiário no Site Chic da Gloria Kalil, celeiro de comunicadores dos anos 2000. Depois, atuou como repórter de moda na Vogue Brasil por cinco anos, tanto no digital quanto no impresso. Colaborou com marcas em estratégia e posicionamento e, desde 2022, ocupa o cargo de editor de moda na FFW.

Lucas Rodrigues é o Líder de Marca, Estratégia e Cultura na Kenner, a icônica marca de sandálias. Lucas também é jornalista, produtor, DJ e estrategista, com mais de 10 anos de atuação em branding, cultura, comunidade e estratégia.

Olivia Merquior é a idealizadora da BRIFW, CEO da IARA e uma das principais vozes da moda, cultura, tecnologia e comportamento no Brasil. Formada em jornalismo na PUC-Rio e em moda na renomada Central Saint Martins, Olivia esteve por trás de eventos como a primeira edição do Rio Fashion Week, que estreou em abril desse ano, e é hoje presidente do Brazilian Fashion Council.

Os vencedores

Belle Veste da carioca Isabelle Severo. Com 15 anos de experiência no varejo e atualmente cursando sua graduação em Design de Moda, Belle fundou sua marca em 2019 e se especializou na reconstrução têxtil, ideia que teve ao se deparar com um estoque de mais de 300 peças da Belle Veste e ao começar a pensar em novas possibilidades de uso para elas. Suas peças são feitas com técnicas de manualidade que vêm se desenvolvendo ao longo dos anos e têm uma linguagem própria, com referências à cultura do subúrbio carioca, a símbolos de proteção, brilho e memória pessoal.

Lucas Elias, aka Mr. Gattax, é artista multidisciplinar, baseado em São Paulo e fundador do Egrégora Labs. Sua prática cruza arte digital, renderização 3D, IA generativa e música eletrônica, investigando o intervalo entre a realidade, a simulação, o corpo e a imagem. É formado em Artes Visuais pela FPA e mestre em Computação e Artes pela SRH Berlin, com bolsa DAAD. Já fez trabalhos para BRIFW e para a Casa de Criadores.

No The Pitch, Gattax apresentou Delírios Febris: uma série de fotografia sintética que usa a linguagem editorial de moda para encenar corpos fundidos a próteses, cabos e resíduos industriais, uma investigação sobre o que acontece quando a tecnologia deixa de ser ferramenta e passa a ocupar o corpo.

Aiper, de Ailton Pereira, desenvolve biopigmentos como alternativa sustentável aos corantes têxteis sintéticos. A tecnologia, patenteada, nasce da bioeconomia amazônica e promete reduzir em até 77% o uso de água, 80% o de químicos e 71% o de gás natural no processo de tingimento, com até 99% de aproveitamento da fixação na fibra. O primeiro produto, o BIOVIO, já funciona em seda, algodão, modal, poliéster e poliamida e já foi utilizado para tingir peças expostas no desfile da P.Andrade + Levi's no Paris Fashion Week e no desfile da Flávia Aranha no SPFW

O que o mundo deveria aprender com o The Pitch?

Quem esteve no The Pitch aprendeu muito, tanto quem esteve no palco quanto quem ficou na plateia. Os feedbacks dos jurados foram valiosos para qualquer pessoa com um projeto em desenvolvimento. Mas, desse palco, as lições mais importantes são: expor seu trabalho, ter coragem de se colocar em situações difíceis, saber sintetizar e ouvir feedback, mesmo quando ele expõe o que ainda falta, pois é assim que um projeto cresce.

E vou repetir mais uma vez: procure situações em que você se coloca na sala certa com as pessoas certas. Mais do que uma competição, um espaço como o The Pitch é um encontro entre pares do mercado criativo que estão construindo algo novo e quem tem experiência para ajudar a levar esse trabalho adiante.

Confira abaixo os depoimentos dos jurados do The Pitch 2026 👇

Obrigado à FFW pela parceria nesse projeto incrível, à Carolina Vasone, Vinicius Alencar e Lucas Rodrigues pela generosidade de avaliar dez projetos com tanto cuidado, e a todos os dez selecionados por dividirem seu trabalho com a BRIFW.

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Um grande dilema da vida do criativo: ser pago ou ser reconhecido? Para artistas que vieram do zero e batalharam para alcançar o sucesso, ter pessoas e marcas que os impulsionem é essencial, mas muitas vezes falta a essas parcerias um fator fundamental. Grana!

Nesse papo, as rappers Tasha & Tracie e o artista Emerson Rocha se juntam, a convite da Kenner, marca icônica de sandálias, a Lucas Rodrigues, Líder de Estratégia e Cultura. Juntos, eles conversam sobre a luta para "chegar lá", errar e acertar em frente às câmeras, o poder de sonhar, a necessidade de se provar como artista antes de qualquer reconhecimento, e como marcas podem ser agentes e apoiadoras da cultura.

A mesa leva o nome do filme de Gabriel Martins, Marte Um, que conta a história de uma família da periferia de Minas Gerais que segue sonhando mesmo quando o mundo parece dizer que aquele sonho não é para eles. É esse espírito de sonhador resiliente que define os convidados do talk “Marte Um: Grandes Negócios como Plataformas Culturais”.

Emerson Rocha, também conhecido como Saturno, é um artista visual contemporâneo que você precisa conhecer. Seu trabalho retrata as experiências e o cotidiano da população negra brasileira e é marcado pelo uso do azul anil. A pele de seus personagens é sempre pintada de preto bem escuro, que reflete o brilho do anil, uma escolha extremamente intencional. Rocha dividiu com a audiência que, na infância, ouvia que sua pele era tão preta que era quase azul, um comentário que, a princípio, o incomodava e via como depreciativo, mas que resignificou como a linguagem que usa para mostrar a beleza da pele negra.

No talk, Rocha falou sobre a potência do sonho e da felicidade negra em seu olhar artístico e sobre sua vontade de mostrar outro lado da existência dessa comunidade, que não seja definido pela violência e pela opressão, mas pela leveza e pela beleza.

Tasha & Tracie são irmãs gêmeas e figuras centrais do rap brasileiro, trazendo pontos de vista e vozes femininas a um gênero tradicionalmente masculino. Começaram suas carreiras em 2014 com o blog Expensive $hit e hoje são estilistas, artistas independentes, e sócias/fundadoras do selo Ehxis Studio. Se autodenominam “ItFavela”, uma brincadeira com o termo "It-Girl" que busca colocar a cultura urbana, de rap, funk e moda da quebrada no centro da cultura. A carreira delas começou cedo e, durante o papo, admitiram que grande parte da trajetória foi sobre tentar, errar e acertar na frente das câmeras, sem o luxo de esperar e sempre tendo que se provar, mas acreditando no próprio potencial.

Trazendo o lado das marcas que apoiam esses artistas, Lucas Rodrigues é Líder de Estratégia e Cultura da Kenner, jornalista, produtor, DJ e estrategista, com mais de 10 anos de atuação em branding, cultura, comunidade e estratégia. Lucas também vem da periferia, o que o faz entender muito bem o contexto que marca a vida de Emerson, Tasha & Tracie e dos artistas e consumidores com quem a Kenner se comunica.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

O papo da mesa Marte Um trouxe depoimentos, histórias inspiradoras e aprendizados essenciais para qualquer criativo começando e para marcas que querem se posicionar no mundo da música, da arte e da moda.

Em destaque, a constatação de que a visibilidade não é remuneração. Muitos criativos vêm de contextos em que o trabalho artístico não era apenas sobre imagem, uma viagem de ego ou um simples sonho, mas sim o projeto de vida que sustenta uma família. Não existe o luxo de esperar e uma marca só se torna parceira de verdade quando o apoio inclui investimento real: cachê, contrato, previsibilidade, não apenas repost e palco.

Confira abaixo os depoimentos de Tasha e Tracie e Emerson Rocha 👇

Queríamos agradecer a Tasha e Tracie, Emerson Rocha e Lucas Rodrigues, por um papo tão inspirador sobre a história de quem chegou lá.

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Ser artista ou pagar as contas? Essa é a grande pergunta, especialmente para os artistas digitais, que têm sua forma de expressão constantemente cooptada pelo mundo da publicidade. Já é difícil sustentar uma carreira sem ceder completamente ao mundo comercial, e para artistas digitais é ainda mais complexo, pois precisam lidar com um mercado que ainda enxerga seu trabalho com um certo preconceito e pouca paciência, querendo tudo para ontem.

Foram exatamente esses tópicos, o equilíbrio da visão artística e das demandas comerciais, o tempo que a criação exige, como resistir ao hype do mundo tech e outros diversos papos e desabafos que marcaram a mesa de abertura da BRIFW 7: Ainda Estou Aqui, Talento para além do Hype.

Para essa conversa, Olivia Merquior, idealizadora da BRIFW e presidente do Brazilian Fashion Council, subiu ao palco com dois nomes que, se você ainda não conhece, precisa conhecer agora: Je Kos e Matheus Leston.

Kos é designer e artista multimídia e uma das grandes referências de design no Brasil hoje. Muitas vezes referenciada como “a artista das flores digitais”, ela usa a inteligência artificial generativa junto de seu trabalho fotográfico e habilidades de design gráfico para dar vida a obras maravilhosas e sofisticadas que já ilustraram diversas campanhas.

É ela a responsável pela identidade visual de eventos centrais da moda brasileira, como o FFW Fashion Awards e o RIOFW. No talk, Je contou um pouco sobre seu processo de desenvolvimento de trabalhos para RIOFW, FFW, Cris Barros e Handred, sua exposição no Shining Hat, pavilhão principal da Expo Osaka 25, e como a IA generativa é uma das peças de um quebra-cabeça muito maior. Seus trabalhos e depoimentos criam um excelente panorama de como ela transita entre a demanda comercial e a liberdade artística, e o que ela é capaz de criar quando essa liberdade é total e vem de marcas que compreendem seu mundo.

Matheus Leston é artista, músico e desenvolvedor, e é o tipo de nome que todo mundo deveria conhecer: além de ser um gênio tech, ele tem uma sensibilidade enorme para criar experiências que desafiam a percepção de realidade através da tecnologia. Suas ferramentas, em vez de pincel e tela, são códigos, som, luz e sites de programação. Durante a conversa, ele relatou surpreendentemente que estudou letras, alemão, para ser exato, e que vê código como uma linguagem própria e poética, e isso se faz muito claro quando nos deparamos com seus trabalhos.

No palco da BRIFW, ele apresentou alguns de seus trabalhos. Entre eles, a Orquestra Vermelha, um projeto que criou em 2013 e mantém vivo até hoje. Nele, Matheus toca ao lado de uma “banda de sombras”, silhuetas em tamanho real, projetadas em telas de LED, de músicos convidados que gravaram suas partes separadamente, em um processo que não é nem improviso nem composição tradicional, mas nasce da edição e resposta de um músico ao outro.

Outro trabalho foi o Antitempo, de 2017, feito com o coletivo The Force. O trabalho é uma peça audiovisual com quarenta e dois lasers em movimento, sincronizados milimetricamente com o som. Surreal.

Matheus foi convidado a desenvolver o sistema de controle, a trilha sonora e a própria coreografia de luz, e o software que controla todos os equipamentos a partir de equações e padrões matemáticos. As experiências estéticas que usam som, luz e imagens não impressionam por acaso e têm uma linguagem própria e sofisticada.

O que o mundo deveria aprender com essa conversa?

A conversa com Je e Matheus trouxe vários insights e aprendizados, mas dois deles se destacam. O primeiro: a rapidez que a IA trouxe ao mercado tem estrangulado o processo criativo, tirando dos artistas o tempo de sentar, marinar e desenvolver soluções próprias. Cada vez mais, a relação entre empresas e artistas vira um pedido disfarçado de cópias, referências prontas, resultados para ontem, sem espaço para inovação de verdade. Arte precisa de tempo, mesmo na era digital.

O segundo: em resposta direta à provocação do título, os artistas e criativos que resistem às ondas de hype e à volatilidade das trends tecnológicas são aqueles que não dependem da IA, mas que a usam como ferramenta. São profissionais com hard skills reais, capazes de materializar seu trabalho, que construíram repertório e voz própria, e que entendem tecnologia como linguagem.

Confira abaixo o resumo do próprio Matheus Leston sobre o talk 👇

Queríamos agradecer a Je Kos e Matheus Leston por essa conversa tão honesta e cheia de aprendizado, vinda de quem continua criando apesar de tantas mudanças e desafios no mercado.

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Que experiência incrível! Durante 4 dias, a comunidade que reinventa moda, beleza e cultura por meio da tecnologia se reuniu na RIW + BRIFW para celebrar, compartilhar conhecimento e mostrar como novas ferramentas estão moldando o futuro do mercado criativo em uma programação completa de talks, arenas, oficinas, exibições e experiências inéditas.

Nosso muito obrigada a cada participante, palestrante, artista e apoiador que tornou esses dias inesquecíveis, contribuindo para a construção do futuro da cultura brasileira através da inovação e da tecnologia.

12/08 – Novas tecnologias aplicadas à moda

O primeiro dia da BRIFW 6 + RIW trouxe cases inspiradores e masterclasses que mostraram como a inteligência artificial estão transformando processos criativos e produtivos. Vanessa Rinaldi e Claudia Moraes mostraram o Fashion PLM na Reserva, Lissa Hamada apresentou as novas ferramentas de criação da The Fabricant Studio, e Raony Phillips compartilhou insights sobre cultura pop e criação digital.

A programação também contou com o The Immersive Community, reunindo obras de 15 artistas brasileiros e internacionais, e Arenas como “Expandindo processos criativos com IA” com Dobro Online e “Máquinas que deveriam existir” com Guilherme Durão.

13/08 – Futuro criativo, tecnologia e novas narrativas

O segundo dia trouxe reflexões sobre o futuro das carreiras criativas impulsionadas pela tecnologia. Romério Castro explorou processos de moda com IA na EGHO, Carol Barbosa apresentou soluções digitais em 3D criadas pelo Murph Studio e Leonardo Costa mostrou o Styling Digital da MYC, enquanto o coletivo Doce Acácia conduziu a Arena “Narrativas Apagadas”, resgatando histórias esquecidas com animação imersiva.

No palco principal, Andrea Santoniello, Newton Coelho, Rafael Sampaio e Thamires Pontes, em um talk apresentado pela Santista Jeanswear, debateram biotecnologia, blockchain e as macro tendências que estão redesenhando o novo sistema de moda global.

14/08 – Criatividade, moda urbana e experiências imersivas

O terceiro dia destacou projetos que cruzam moda, cultura urbana e tecnologia. No palco principal, nomes centrais do streetwear brasileiro, como Guadalupe Store, Notthesamo e Welcome, discutiram como atitude urbana, arte e tecnologia se combinam para criar um dos movimentos culturais mais potentes na atualidade. A Handred também mostrou como técnicas manuais tradicionais podem dialogar com ferramentas digitais para valorizar a singularidade da marca.

No cinema do Pier Space, arenas e oficinas exploraram a IA aplicada à moda, direção criativa, produção de conteúdo e criação visual, com artistas como Bruna Bismara, DREAD, Priscila Nassar, Gramashoo, Maia Blanchot e Bianca Nunes, do SOHI Studio. Will Da Afro ainda trouxe um encontro potente entre criatividade periférica, saberes populares e tecnologias emergentes.

15/08 – Futuro do mercado e inovação tecnológica

O último dia da BRIFW 6 + RIW reuniu vozes nacionais e internacionais para discutir como as novas tecnologias estão redefinindo o futuro do sistema de moda. Pedro Andrade, Paula Kim e Luana Sá conversaram com Julia Reis sobre blockchain, biotecnologia e street style brasileiro, enquanto Mayari Jubini apresentou a alta-costura da Artemisi.

SHOWstudio mostrou sua abordagem inovadora para criar imagens e fashion filmes, debatendo o “real em suspensão” com Hetty Mahlich e Michael Gossage, unindo transmissão ao vivo, iPhones e IA em experiências visuais únicas.

Encerrando a programação, a Delusional Garden Experience, assinada por Felipe Nunes e mais de 30 articuladores culturais, encantou o público unindo moda, tecnologia e cultura urbana em uma performance imersiva.

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No dia 15 de agosto, a BRIFW 6 encerrou sua programação na Rio Innovation Week com um espetáculo que marcou a cena criativa brasileira: a Delusional Garden Experience, apresentada pela Kenner e Rio Innovation Week e realizada com o apoio essencial de Santista Jeanswear e Senac Lapa Faustolo.

Idealizado pelo diretor criativo Felipe Nunes, o projeto reuniu mais de 30 articuladores culturais – entre estilistas, designers, músicos, artistas visuais e performers – em uma celebração da potência criativa que nasce da rua e se reinventa nas camadas do digital.

A performance apresentou um desfile inédito assinado pelo estilista Abacaxi, que trouxe à cena uma leitura única da moda periférica, e contou com peças em impressão 3D da designer de produto Mila, ampliando o diálogo entre arte, design e cultura urbana.

Segundo o próprio Felipe Nunes, “Jardim Delusional é uma experiência imersiva que cruza o real com a ficção, um mergulho no universo infinito das águas e nas presenças invisíveis do mundo etéreo”. Na passarela, essa visão se materializou em corpos em movimento, narrativas híbridas, sons e estéticas que transitavam entre o tangível e o imaginário. Uma construção coletiva liderada também por talentos como Bruna Soares, modelo e diretora de casting; Tago Oli, DJ da Cidade de Deus; Nathalia Carvalho e Andressa Nubia, VJs e artistas tech.

Guiado por tecnologia e inovação, pilares que pertencem ao propósito da Kenner, o projeto foi estruturado para sair do óbvio. "A criação da Delusional Garden Experience como uma vivência inédita revela como arte, moda e cultura podem se encontrar para transformar percepções", comenta Laura Leal, CMO da marca.

Já a Santista Jeanswear, referência nacional em inovação têxtil, entrou como apoiadora do projeto Delusional Garden contribuindo com os tecidos utilizados tanto na coleção desenvolvida pelo coletivo criativo quanto na confecção de peças especiais que receberam projeções mapeadas.

O Senac Lapa Faustolo também teve papel essencial nessa jornada, servindo de casa para o coletivo em São Paulo e abrindo as portas do seu ateliê de moda para a confecção das peças apresentadas.

A Delusional Garden Experience encerrou a BRIFW 6 como um momento de encontro e construção de futuro, reafirmando a potência da moda quando atravessada pela arte, tecnologia e colaboração. Mais do que um desfile, a experiência foi um mergulho nas intersecções entre moda periférica e tecnologias emergentes, abrindo novas lentes para pensar o futuro da cultura urbana brasileira.

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Chegamos ao último dia de RIW + BRIFW e, para fechar essa edição com chave de ouro, reunimos um line-up que vai deixar qualquer apaixonado por moda, tecnologia e cultura com o coração acelerado. Nesta sexta-feira, dia 15, a partir das 10h30, o Pier Kobra será palco de encontros inéditos entre mentes criativas que estão escrevendo agora o próximo capítulo da indústria.

O endereço desse grande final é o Palco 39, no 2º andar do Pier Kobra, onde a programação toma conta de forma intensa, inspiradora e 100% imersiva. Prepare-se para conversas, experiências e trocas que vão expandir suas referências e desafiar a forma como você enxerga a moda e a tecnologia.

Uma sexta-feira inteira para viver, aprender e se conectar com nomes que já são referência e com aqueles que vão definir o amanhã. Você vai perder essa, não é?

Confira a programação desta sexta-feira, dia 15 de agosto:

👾 11h30 | Palco 39 - Cities Of Tomorrow (Pier Kobra, 2º andar)

[THE IMMERSIVE TALK]

BLOCKCHAIN, BACTÉRIAS E O STREET STYLE BRASILEIRO

A Hypebeast Brasil se junta à marca P___A e à Oakley para mostrar como biotecnologia, blockchain e estética urbana estão se fundindo para criar novas linguagens de moda. Do uso de bactérias como matéria-prima até estratégias de engajamento baseadas em comunidade, esta conversa vai muito além do hype. É sobre como a moda pode ser laboratório e manifesto ao mesmo tempo.

Convidados:

• Pedro Andrade, fundador da Piet e P.Andrade

• Paula Kim, Co-fundadora P. Andrade

• Luana Sá, Head da Oakley Brasil na EssilorLuxottica

Mediador: Julia Reis, coordenadora sênior de conteúdo e comunidade na Hypebeast Brasil

👾 12h30 | Palco 39 - Cities Of Tomorrow (Pier Kobra, 2º andar)

[THE IMMERSIVE TALK]

ARTEMISI: O HIGH FASHION BRASILEIRO

Com um olhar afiado e uma trajetória que conecta a periferia capixaba aos red carpets internacionais, Mayari Jubini apresenta sua marca Artemisi, onde alta-costura se encontra com tecnologia, ancestralidade e arte. É luxo, sim — mas um luxo que carrega narrativa, política e transformação social na sua costura.

👾 14h30 | Palco 39 - Cities Of Tomorrow (Pier Kobra, 2º andar)

Screening SHOWstudio

Exibição especial de fashion filmes assinados pelo SHOWstudio e por sua comunidade de criativos. Uma oportunidade rara de ver na tela grande como a plataforma que revolucionou a imagem de moda traduz experimentação e narrativa visual.

15h30 | Palco 39 - Cities Of Tomorrow (Pier Kobra, 2º andar)

[THE IMMERSIVE TALK]

“O REAL EM SUSPENSÃO” com SHOWstudio

Encerrando a nossa programação, Hetty Mahlich e Michael Gossage discutem a abordagem experimental e inovadora do SHOWstudio para criar imagens e filmes de moda. Inspirados pelo trabalho de Nick Knight, fundador da plataforma, eles mostram como ferramentas como transmissões ao vivo, iPhones e inteligência artificial não apenas capturam, mas transformam o real em experiências visuais únicas.

Onde acontece a RIW?

Localizado na zona portuária do Rio de Janeiro, o Píer Mauá é um dos principais símbolos da revitalização urbana e cultural da cidade. E é lá que acontece a Rio Innovation Week!

Mas excepcionalmente nesta sexta-feira, dia 15 de agosto, toda a programação da RIW + BRIFW desembarca no Pier Kobra.

📍 Av. Rodrigues Alves, 10 - Praça Mauá, Rio de Janeiro - RJ, CEP: 20081-250, Brasil

🚨 DICAS RIW + BRIFW

• Programe-se, chegue cedo e garanta seu lugar: o credenciamento acontece na Praça Mauá a partir das 9h, e pode haver filas. Os portões da Rio Innovation Week abrem às 10h.

• Baixe o app da Rio Innovation Week: nele, você encontra mapas, alertas e a agenda completa de todo o evento. Assim, você pode navegar pelas experiências trilhas temáticas e conferências da com tranquilidade e foco no que importa.

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Não perca a chance de viver tudo isso de perto!

Transforme a maneira que você vê o futuro.

A RIW 2025 é um ambiente de troca, aprendizado e conexão — para quem quer entender o agora e cocriar o que vem depois. Garanta sua participação em uma das maiores plataformas de inovação do mundo.

🔗Confira a programação completa da RIW em: https://rioinnovationweek.com.br/

🎟️ Para conhecer todos os tipos de ingressos do RIW, clique aqui e escolha a melhor opção para você.

A 6ª edição da BRIFW acontece entre 12 e 15 de agosto como parte da programação oficial da Rio Innovation Week 2025, no Píer Mauá, Rio de Janeiro.

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A programação de moda e novas tecnologias continua na maior conferência global de tecnologia e inovação. Hoje, a partir das 10h30, o Pier Space recebe o terceiro dia da Rio Innovation Week + BRIFW. Um novo dia para mergulhar em ideias que conectam criatividade e futuro, com quem está redefinindo o próximo capítulo da moda brasileira.

Com painéis inéditos e discussões surpreendentes, você é nosso convidado especial para mergulhar no centro dessa transformação. Esteja frente a frente com quem está construindo o futuro e sinta a energia de ideias que só ganham força quando vividas e compartilhadas no agora. Quem chegar cedo garante o melhor lugar para viver tudo de perto, sem perder nenhum momento dessa imersão única. E aí, vai ficar de fora dessa?

Confira a programação desta quinta-feira, dia 14 de agosto:

10:30 - 11:15 | Palco Pier Space

[TALK]
SINGULARIDADES DO TEMPO: MANUAL VS. DIGITAL

Conheça o universo criativo da Handred na articulação da tradição e contemporaneidade.

Convidados:

• André Namitala, Diretor Criativo da Handred;

• Luísa Pollo, Diretora de Marketing e Produtora Executiva da Handred;

• JE Kos, Designer e artista.

11:30 - 12:30 | Palco Pier Space

[TALK]
TECNOLOGIA E O NOVO STREET STYLE BRASILEIRO

Como criadores estão moldando uma estética urbana contemporânea com ferramentas digitais.

Convidados:

• Bruno Luciano, Fundador Notthesamo

• Pedro Miceli , Co‑fundador e diretor criativo Welcome

• Pedro Prado, Sócio Guadalupe Store

Mediadora: Rachel Vieira, consultora e pesquisadora de moda

12:30 - 13:15 | Palco Pier Space

[TALK]
DELUSIONAL GARDEN EXPERIENCE: MODA, CULTURA URBANA E TECNOLOGIA

Uma conversa sobre o projeto DELUSIONAL GARDEN, uma experiência imersiva dirigida por Felipe Nunes e desenvolvida por mais de 30 articuladores culturais em parceria com a Kenner na Rio Innovation Week e com curadoria da BRIFW.

Convidados:

• Felipe Nunes, Diretor criativo

• Abacaxi, Estilista

• MilA, Designer de produto

• Beatriz Alvez, Diretora criativa Kenner

Mediador: Henri Moi, head BRIFW

13:00 | Pier Space Cine

[THE IMMERSIVE COMMUNITY]

RIW + BRIFW apresentam uma seleção especial que reúne obras digitais e experimentais da nossa comunidade de artistas e criadores brasileiros e internacionais.

Conheça os artistas do BLOCO A:

• Costas Kazantzis + Romeo Roxman Gatt [UK] - Wishing

• Denis Sheckler [RS] - Synthetic Intimacy

• Ed Marola [BR] - O agora do que já foi

• Henrique Cartaxo [BR] - Como sorrir e ainda ser percebido como normal

• Martchelaa [BR | NL] - I-Overload

• Priscila Nassar [BR] - Scroll Infinito

• lago Cruz [BR] - [A]Biogenisis: REM – Do sonho mais profundo

14:00 - 14:30 | Pier Space Cine

[ARENA]
DA CRIATIVIDADE AO PROMPT: A NOVA ERA DA DIREÇÃO CRIATIVA DE MODA

Bruna Bismara explora o futuro da direção criativa de moda na era da inteligência artificial.

14:45 - 15:15 | Pier Space Cine

[ARENA]
INTELIGÊNCIA ANORMAL: COMO A IA PODE DEMOCRATIZAR A PRODUÇÃO DE CONTEÚDO PARA PEQUENAS EMPRESAS?

Conheça a trajetória da Anormal Studio e descubra o potencial criativo da IA na produção de conteúdo.

Convidado:

• DREAD, Diretor Criativo ANORMAL

15:30 - 16:00 | Pier Space Cine

[ARENA] ARTE DIGITAL NO MERCADO CRIATIVO

Os artistas digitais Priscila Nassar e Gramashoo compartilham práticas, ferramentas e experiências com grandes marcas e arte digital

16:15 - 16:45 | Pier Space Cine

[OFICINA]
INTELIGÊNCIA ARTÍSTICA: COMO CRIATIVOS TRADUZEM CONCEITOS COMPLEXOS EM LINGUAGENS VISUAIS

Como transformar pesquisa, conceito e estética em narrativas visuais estratégicas.

Inscreva-se nesta Oficina RIW + BRIFW

Ministrada por:

• Maia Blanchot, diretora e fundadora SOHI© Studio;

• Bianca Nunes, derente de projetos SOHI© Studio.

17:00 | Pier Space Cine

[THE IMMERSIVE COMMUNITY]

RIW + BRIFW apresentam uma seleção especial que reúne obras digitais e experimentais da nossa comunidade de artistas e criadores brasileiros e internacionais.

Conheça os artistas do BLOCO B:

• Doce Acácia [BR] - EMI — O Sopro da Vida

• EAL [CH] - Like a Bird — without predators

• Gora [BR] - TRAMA

• Hanna Inaiáh [BR] - Metamorfose tropical: o corpo como flor, a flor como linguagem

• Matheus Carvalho [BR] - CRISE

• Nicole Chufi [BR] - Serei@ — o feminino submerso

• The Immersive Kind [UK] - SKYLOOP

• Ygor Marotta [BR] - Manifesto of the Unseen

18:00 | Pier Space Cine

[SCREENING SESSION]
“EVERYTHING IS (QUIETLY) BECOMING AN ECHO.”

Exibição do curta de Tabitha Swanson.

18:30 - 19:15 | Pier Space Cine

[ARENA]
CRIAR, TRANSFORMAR, INOVAR — TECNOLOGIAS POPULARES E INTELIGÊNCIA CRIATIVA DA PERIFERIA

Will Da Afro conduz um encontro potente entre a criatividade periférica, os saberes populares e as tecnologias emergentes como forças de transformação social e inovação cultural.

Onde acontece a RIW?

Localizado na zona portuária do Rio de Janeiro, o Píer Mauá é um dos principais símbolos da revitalização urbana e cultural da cidade. E é lá que acontece a Rio Innovation Week!

Com uma vista deslumbrante da Baía de Guanabara e uma infraestrutura que mistura história e inovação, o espaço se transformou em um polo estratégico para grandes eventos internacionais.

📍 Av. Rodrigues Alves, 10 - Praça Mauá, Rio de Janeiro - RJ, CEP: 20081-250, Brasil

🚨 DICAS RIW + BRIFW

• Programe-se, chegue cedo e garanta seu lugar: o credenciamento acontece na Praça Mauá a partir das 9h, e pode haver filas. Os portões da Rio Innovation Week abrem às 10h.

• Baixe o app da Rio Innovation Week: nele, você encontra mapas, alertas e a agenda completa de todo o evento. Assim, você pode navegar pelas experiências trilhas temáticas e conferências da com tranquilidade e foco no que importa.

• Siga a BRIFW: acompanhe a cobertura completa da RIW + BRIFW no Instagram e fique por dentro de todos os detalhes da nossa programação.

Não perca a chance de viver tudo isso de perto!

Transforme a maneira que você vê o futuro.

A RIW 2025 é um ambiente de troca, aprendizado e conexão — para quem quer entender o agora e cocriar o que vem depois. Garanta sua participação em uma das maiores plataformas de inovação do mundo.

🔗Confira a programação completa da RIW em: https://rioinnovationweek.com.br/

🎟️ Para conhecer todos os tipos de ingressos do RIW, clique aqui e escolha a melhor opção para você.

A 6ª edição da BRIFW acontece entre 12 e 15 de agosto como parte da programação oficial da Rio Innovation Week 2025, no Píer Mauá, Rio de Janeiro.

• Siga a RIW e a BRIFW no Instagram

• Visite os sites da RIW e da BRIFW

• Entre em contato com a BRIFW via WhatsApp

• Escreva para a BRIFW no prod@brifw.com

Estamos prontos para o segundo dia de Rio Innovation Week e, hoje, o Pier Space segue pulsando com moda, cultura e novas tecnologias em um só lugar. Nesta quarta-feira (13), a curadoria da BRIFW continua entregando encontros que provocam, inspiram e expandem o olhar.

Se ontem o dia já foi repleto de papos inovadores, hoje é dia de mergulhar ainda mais fundo. Mas atenção: quem chega cedo garante mais tempo para viver cada detalhe e evitar filas no credenciamento. Nosso encontro é no Pier Space (Armazém 1A), e a agenda está repleta de momentos que você não vai querer perder.

Confira a programação desta quarta-feira, dia 13 de agosto:

12:00 - 12:30 | Pier Space Cine

[ARENA]
STYLING DIGITAL: A NOVA FRONTEIRA DA MODA

Leonardo Costa, fundador e CEO da MYC, revela como a tecnologia da sua plataforma está criando uma nova categoria no mercado de moda.

13:00 | Pier Space Cine

[THE IMMERSIVE COMMUNITY]

RIW + BRIFW apresentam uma seleção especial que reúne obras digitais e experimentais da nossa comunidade de artistas e criadores brasileiros e internacionais.

Conheça os artistas do BLOCO B:

• Doce Acácia [BR] - EMI — O Sopro da Vida

• EAL [CH] - Like a Bird — without predators

• Gora [BR] - TRAMA

• Hanna Inaiáh [BR] - Metamorfose tropical: o corpo como flor, a flor como linguagem

• Matheus Carvalho [BR] - CRISE

• Nicole Chufi [BR] - Serei@ — o feminino submerso

• The Immersive Kind [UK] - SKYLOOP

• Ygor Marotta [BR] - Manifesto of the Unseen

14:00 - 16:45 | Pier Space Cine

[ARENA]
NARRATIVAS APAGADAS

O coletivo DOCE ACÁCIA resgata histórias esquecidas através da arte, espiritualidade e animação imersiva.

Convidados:

• Felipe Salvador, Diretor criativo

• João Acácia, Diretor criativo

14:45 - 15:15 | Pier Space Cine

[ARENA]
HACKEANDO O PROCESSO CRIATIVO DE MODA COM IA

Romério Castro revela os bastidores criativos da EGHO e o uso da IA como ferramenta de expressão autoral.

15:30 - 16:00 | Pier Space Cine

[ARENA]
O IMPACTO REAL DO 3D NA MODA: SOLUÇÕES DIGITAIS PARA MARCAS

Carol Barbosa, da Murph Studio, apresenta soluções digitais estratégicas em 3D que impulsionam resultados no setor de moda.

15:45 - 16:30 | Palco Pier Space

[TALK]
SANTISTA JEANSWEAR APRESENTA ALGODÃO, BIOTECNOLOGIA BLOCKCHAIN E MACRO TENDÊNCIAS GLOBAIS DO NOVO SISTEMA DE MODA

Inovação têxtil e tecnologias emergentes redesenhando os pilares da moda global.

Convidados:

• Thamires Pontes, CEO & Founder Phycolabs

• Rafael Sampaio, Engenheiro de Software Blockforce

• Newton Coelho, Diretor de Negócios Santista

• Andrea Santoniello, Analista de Desenvolvimento de Produto Unifi do Brasil

Mediação: Olivia Merquior, fundadora BRIFW

16:15 - 16:45 | Pier Space Cine

[OFICINA]
MANIPULANDO A REALIDADE COM UNREAL ENGINE

Novas possibilidades de criação de mundos interativos.

Inscreva-se nesta Oficina RIW + BRIFW

Ministrada por:

• Teo Tavares, Especialista Unreal Engine

16:45 - 17:15 | Palco Pier Space

[TECH CASE]
CRIATIVIDADE EXPONENCIAL: COMO A IA REDEFINE OS LIMITES DA IMAGINAÇÃO

Como a IA está transformando processos criativos.

Convidado:

• Daniel Alencar, Founder e CEO Pupila Brand Studio

17:00 | Pier Space Cine

[THE IMMERSIVE COMMUNITY]

RIW + BRIFW apresentam uma seleção especial que reúne obras digitais e experimentais da nossa comunidade de artistas e criadores brasileiros e internacionais.

Conheça os artistas do BLOCO A:

• Costas Kazantzis + Romeo Roxman Gatt [UK] - Wishing

• Denis Sheckler [RS] - Synthetic Intimacy

• Ed Marola [BR] - O agora do que já foi

• Henrique Cartaxo [BR] - Como sorrir e ainda ser percebido como normal

• Martchelaa [BR | NL] - I-Overload

• Priscila Nassar [BR] - Scroll Infinito

• lago Cruz [BR] - [A]Biogenisis: REM – Do sonho mais profundo

17:30 - 18:15 | Pier Space Cine

[TALK]
CYBERFUNK: TECNOLOGIAS DE UMA CIDADE RITMADA

Como o CYBERFUNK transforma a cidade em plataforma de ritmo, resistência e reinvenção.

Convidados:

• Pedro Pessanha, Artista e ilustrador

• Bernardo Pormenor, Cria-ativo

18:00 - 18:30 | Pier Space Cine

[OFICINA]
INTRODUÇÃO À INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL NO UNIVERSO DA MODA

Como aplicar IA na moda de forma prática e criativa.

Inscreva-se nesta Oficina RIW + BRIFW

Ministrada por:

• Michelle Douglas, Fashion Tech Voice & AI Creator

Onde acontece a RIW?

Localizado na zona portuária do Rio de Janeiro, o Píer Mauá é um dos principais símbolos da revitalização urbana e cultural da cidade. E é lá que acontece a Rio Innovation Week!

Com uma vista deslumbrante da Baía de Guanabara e uma infraestrutura que mistura história e inovação, o espaço se transformou em um polo estratégico para grandes eventos internacionais.

📍 Av. Rodrigues Alves, 10 - Praça Mauá, Rio de Janeiro - RJ, CEP: 20081-250, Brasil

🚨 DICAS RIW + BRIFW

• Programe-se, chegue cedo e garanta seu lugar: o credenciamento acontece na Praça Mauá a partir das 9h, e pode haver filas. Os portões da Rio Innovation Week abrem às 10h.

• Baixe o app da Rio Innovation Week: nele, você encontra mapas, alertas e a agenda completa de todo o evento. Assim, você pode navegar pelas experiências trilhas temáticas e conferências da com tranquilidade e foco no que importa.

• Siga a BRIFW: acompanhe a cobertura completa da RIW + BRIFW no Instagram e fique por dentro de todos os detalhes da nossa programação.

Não perca a chance de viver tudo isso de perto!

Transforme a maneira que você vê o futuro.

A RIW 2025 é um ambiente de troca, aprendizado e conexão — para quem quer entender o agora e cocriar o que vem depois. Garanta sua participação em uma das maiores plataformas de inovação do mundo.

🔗Confira a programação completa da RIW em: https://rioinnovationweek.com.br/

🎟️ Para conhecer todos os tipos de ingressos do RIW, clique aqui e escolha a melhor opção para você.

A 6ª edição da BRIFW acontece entre 12 e 15 de agosto como parte da programação oficial da Rio Innovation Week 2025, no Píer Mauá, Rio de Janeiro.

• Siga a RIW e a BRIFW no Instagram

• Visite os sites da RIW e da BRIFW

• Entre em contato com a BRIFW via WhatsApp

• Escreva para a BRIFW no prod@brifw.com