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Nesta edição da coluna “Longas em curtas”, recuperamos um lançamento da semana passada e abordamos dois filmes já disponíveis em meios digitais.

Boa leitura!

Muito Prazer

Mesmo se passando em um motel, “Muito Prazer” parece não ter o mínimo interesse em provocar tesão na audiência. Isso pode soar contraditório — ou até “broxante”, a depender do público —, já que dificilmente produções com tal temática resistem ao ímpeto de explorar sexualidade e desejo de forma gráfica.

No entanto, tal decisão não joga contra a obra dirigida por Jorge Furtado (“Saneamento Básico”). Pelo contrário. O roteiro privilegia a relação entre as personagens e cria situações para que o público simpatize, torça e, em última instância, aproveite o tempo na companhia daquelas pessoas. Guardadas as devidas proporções, o que “A História do Som” faz pelo drama, “Muito Prazer” faz pela comédia. O longa brasileiro chegou aos cinemas nesta quinta-feira (27/8).

O elenco é estrelado e responsável, em grande parte, pelo sucesso do longa. Rubem (Daniel de Oliveira) herda um motel decadente, cuja única funcionária remanescente, Grace (Luisa Arraes), está morando num dos quartos da propriedade por não ter para onde ir. Juntos, eles bolam um plano ilegal para tirar o negócio do marasmo, apostando em filmagens com câmera escondida, cujo suporte técnico será fornecido por Nalva (Samantha Jones).

Apesar da temática questionável, o longa não leva a sério a premissa. Tudo é uma desculpa para emplacar algumas piadas e momentos engraçados. Evidentemente não estamos diante de uma obra engenhosa, mas o mérito está em continuamente apresentar elementos interessantes e divertidos.

A Conspiração Condor

Já disponível para aluguel ou compra em plataformas digitais, “A Conspiração Condor” é um dos 15 filmes habilitados pela Academia Brasileira de Cinema para representar o Brasil no Oscar 2027. Sem meias palavras: não tem nenhuma chance real de ser escolhido.

A obra não é um desastre, mas caímos no velho problema que ronda a Academia na hora de selecionar o candidato brasileiro. Divulga-se uma lista inflada cujo único objetivo é fazer marketing para os títulos, recheada de filmes sem rodagem em festivais internacionais de peso (algo essencial para aspirações ao Oscar) e sem distribuição internacional garantida.

Ou seja, é uma lista ficcional que só atrasa o processo, algo que já foi criticado nesta newsletter ao longo dos anos. Com essa ponderação feita, voltamos ao filme.

“A Conspiração Condor” é dirigida por André Sturm, que hoje em dia é mais conhecido por ter sido secretário de Cultura da cidade de São Paulo do que por sua filmografia; desde 2008 ele não dirigia um longa.

Bebendo abertamente de fontes como “Todos os Homens do Presidente” (1976), Sturm realiza uma ficção história sobre as mortes dos ex-presidentes Juscelino Kubitschek e Jango Goulart, e do jornalista e político Carlos Lacerda. O longa trata diretamente da rede clandestina que ficou conhecida como Operação Condor, que teve apoio logístico e político dos Estados Unidos para ser articulada.

O cenário é interessante e o caso é mais do que relevante. No entanto, o modo como o roteiro conta a história é simplório e cheio de buracos; é lugar-comum falar isso de roteiros, eu sei, mas neste caso cabe perfeitamente.

Sturm cria uma jornalista ficcional, Silvana (Mel Lisboa), que será responsável por conectar as peças do quebra-cabeça. A personagem é terrivelmente mal escrita; uma jornalista de fofoca que, por acaso, assume em segredo uma investigação colossal em plena ditadura militar, tomando uma série de decisões questionáveis e confiando em personagens que, evidentemente, não são nem um pouco confiáveis.

É um thriller político clássico, sisudo (no bom sentido), bem atuado e com uma trilha sonora competente, característica das produções do gênero nos anos 1970. Ou seja, é um baita acerto em termos técnicos, mas não tem como ignorar todos os problemas narrativos.

Quinze dias

Já disponível para streaming na Netflix, “15 dias” é uma comédia romântica adolescente descompromissada, mas que tem o coração “no lugar certo”; um modo de dizer que, por mais que não ouse em nada em termos de execução, acaba compesando nas intenções.

Felipe (Miguel Lallo) é um adolescente acima do peso que sofre bullying dos colegas. Inseguro, anseia pelas férias para ficar sozinho em casa. No entanto, quando sua mãe (Débora Falabella) aceita hospedar o filho da vizinha, Caio (Diego Lira), por 15 dias, as coisas saem do controle. Especialmente porque Felipe começa a se sentir atraído por Caio.

A sinopse acima já te diz exatamente o que esperar do filme. Até há alguns momentos mais inspirados, com homenagens ao cinema e uma sequência musical (que não é lá muito bem coreografada), mas tudo transcorre mais ou menos do jeito que você pode imaginar.

O mérito acaba ficando mesmo pela mensagem. É difícil se achar bonito — e aceitar o próprio corpo — quando todos pedem que você mude hábitos para que deixe de ter a aparência atual. Isso é verbalizado por Felipe num momento cômico, mas pode ressoar com pessoas que já passaram por uma situação parecida.

“Quinze Dias” traz o olhar de um adolescente ainda imaturo, evidentemente, mas o cerne do sentimento é totalmente válido. Um tanto ingênuo em alguns aspectos, com soluções fáceis e momentos clichês, mas, no geral, é uma experiência divertida.

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Há uma universalidade notável na forma como “Nosso Segredo” aborda a quebra dos núcleos familiares quando não há mais vínculo afetivo entre os membros. As pessoas passam a viver dentro dos próprios “mundinhos”, vendo apenas relances das vidas daqueles que foram “seus primeiros amores”. Não se trata de um rompimento violento, mas sim de um processo lento e gradual.

A estreia de Grace Passô como diretora de longas-metragens aborda diretamente os impactos do luto na vida de uma família e as diversas formas de lidar — ou não — com a situação. A cineasta aborda questões sociais, dramas periféricos e ainda encontra espaço para tratar do simbólico como vetor de mudança.

Rodado em Belo Horizonte, o filme acompanha uma família negra que tenta reconstruir sua rotina após uma perda recente. Muito do roteiro é concentrado na figura do filho caçula da casa, Tutu (Efraim Santos), que é querido por todos, mas tem de lidar com a distância do mundo adulto para com crianças, com o peso da perda e com o “segredo” que permeia a trama.

Cada membro da família reage ao luto de modo particular, o que impacta a rotina do menino. Para além disso, há um distanciamento conformista no modo como os adultos e os adolescentes da casa interagem entre si. É mais fácil ignorar o irmão que sai à noite e não diz que horas volta, do mesmo modo que é preferível ficar dentro do carro ao invés de entrar em casa depois de um longo dia de trabalho e ter de encarar a ausência e aqueles que ficaram.

Grace Passô é didática ao trabalhar as temáticas do filme, tanto textualmente quanto visualmente, o que não significa dizer que a execução seja simplória. Pelo contrário.

A diretora conduz a obra de modo extremamente elegante. O uso da trilha sonora — assinada por Amaro Freitas — é espetacular, ajudando a potencializar sentimentos e nuances das personagens.

A sensibilidade com a qual ela filma também é notável. Há espaço para o lúdico (representado pelo filho caçula), para o introspectivo e até mesmo para o inexplicável, que dialoga com o “segredo” do título.

A revelação da reta final poderia enfraquecer o filme, mas o peso narrativo e o modo como as personagens encaram a situação transforma o episódio num evento catártico, servindo como vetor de transformação e reconstrução familiar. São muitas intenções que poderiam facilmente descambar no piegas, o que nunca acontece.

“Nosso Segredo” é uma estreia madura de Grace Passô como cineasta. Um filme sobre a crise nas relações familiares, sobre o peso da vida adulta e, em última análise, sobre a necessidade de acordar de manhã e seguir adiante, mesmo que o próprio mundo não seja mais o mesmo.

Nota: 3,5 de 5.

Circuito de festivais e Oscar

• “Nosso Segredo” estreou mundialmente no Festival Internacional de Cinema de Berlim (Berlinale) — um dos três mais importantes do mundo —, em fevereiro deste ano, na mostra Perspectives.

• Ainda internacionalmente, passou por festivais na França (Cinelátino Toulouse), Uruguai, Argentina e Jordânia.

• Em 22 de agosto, conquistou o Kikito de Ouro de Melhor Filme no Festival de Gramado. No mesmo evento, levou outras duas estatuetas: Melhor Fotografia (Wilssa Esser) e Melhor Direção de Arte (Lucas Osório).

• É um dos 15 filmes habilitados pela Academia Brasileira de Cinema para ser o representante do Brasil no Oscar de 2027. A lista com os seis finalistas será revelada em 9 de setembro, enquanto o escolhido será conhecido em 16 de setembro.

• “Nosso Segredo” chega aos cinemas nesta quinta-feira (27/8) com distribuição da Sessão Vitrine Petrobras.

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Apesar de sua importância simbólica, a Conferência Internacional pela Anistia no Brasil, realizada em Roma, na Itália, em junho de 1979, está longe de ser amplamente conhecida pelo público geral. Isso pode mudar com “Anistia 79”, documentário de Anita Leandro que chega aos cinemas nesta quinta-feira (20/8) com distribuição da Embaúba Filmes.

A obra resgata imagens registradas durante a conferência, que, na época, foi o maior encontro da esquerda brasileira fora do país. Estamos falando principalmente de exilados políticos que viviam no exterior para fugir da ditadura, mas não deixavam de lutar pela redemocratização do país.

Naquele contexto, a grande reivindicação era pela anistia ampla, geral e irrestrita para os presos políticos que foram vítimas do Estado. Chega a ser melancólico o quanto os participantes da conferência acreditavam na causa, que seria desvirtuada para beneficiar também os próprios militares.

Mais do que um filme sobre preservação de memória, “Anistia 79” é um documentário realizado com o intuito de reaproximar do próprio legado aqueles que fizeram parte desse momento histórico. As imagens da conferência foram recuperadas e restauradas pela diretora, que decidiu exibi-las para os militantes que estiveram no encontro.

De modo que o longa gira em torno da emoção dessas pessoas em se reencontrarem com o seu eu do passado, além de amigos e familiares. De forma hábil, Anita Leandro privilegia os sentimentos e as reações dos entrevistados, dando tempo para que processem suas memórias e, em alguma medida, reinterpretem o Brasil de hoje, ainda tão traumatizado pelos crimes do passado.

Não é um filme sobre a anistia em si, mas sim sobre os sonhos e as tristezas de quem lutou por ela. “É uma história trágica”, como bem resume uma das entrevistadas.

Vencedor dos prêmios de Melhor Filme da Mostra Olhos Livres e Prêmio do Júri Popular na Mostra de Cinema de Tiradentes, “Anistia 79” é um dos documentários mais interessantes do ano.

Nota: 3,5 de 5.

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A coluna “Longas em curtas” desta semana é totalmente dedicada a lançamentos que foram direto para o streaming. Todos dispensam maiores apresentações por terem viralizado e pautado o debate cinéfilo nas redes sociais.

Boa leitura!

Corrida dos Bichos

Não deixa de ser decepcionante o quanto o roteiro de “Corrida do Bichos” não se importa em estabelecer as bases do próprio universo. Tudo pode ser resolvido em uma linha de diálogo — ou até mesmo com uma única palavra — para privilegiar o que realmente importa para a produção: cenas de ação.

Estamos em um Rio de Janeiro distópico no qual uma grande tragédia ambiental simplesmente secou o oceano; ou fez o “mar recuar”, não fica exatamente claro. Tal acontecimento aprofunda as crises sociais da cidade e faz com que o tradicional jogo do bicho evolua para uma corrida de rua mortal, na qual os “bichos” são seres humanos explorados por um amplo sistema de apostas, que envolve tanto as bets do cidadão comum quanto as apostas dos magnatas da sociedade fluminense.

Por incrível que pareça, a tragédia ambiental citada acima não é importante para o filme em termos de desenvolvimento de roteiro. Sua maior aplicabilidade se resume a um antigo trecho de mar que agora serve como parte do circuito de uma das corridas.

Tal qual o jogo do bicho contemporâneo, a corrida também é ilegal. A vista grossa das autoridades é resolvida em uma cena risível de corrupção policial no início do filme e nunca mais dá as caras.

O fato de não ser estabelecido como funciona a política deste novo mundo também incomoda, já que, para além das corridas, há uma conivência gigante com o tráfico humano, impulsionado pelos “seguros” dos corredores, que nada mais são do que reféns que servem de garantia caso o corredor não termine em 1º ou 2º ao final da temporada (ou morra).

Além de poderem ser adquiridos pelos magnatas que orientam os bichos durante as provas, os seguros também servem para algum tipo de experimento farmacêutico. Jamais vimos por dentro a instalação que serve para isso, pois ela é apenas citada no filme como um “lugar ruim”, por motivos óbvios.

É possível supor que há algum tipo de organização política neste mundo por um cargo citado na reta final do longa. Talvez fosse a tentativa de espalhar elementos para justificar uma continuação? Pode até ser, mas não anula o fato de que a simplicidade de “Corrida dos Bichos” prejudica demais a experiência.

Com inspirações claras na franquia “Jogos Vorazes” (especialmente de um ponto de vista estético), o filme traz boas atuações, sequências interessantes de ação e, inegavelmente, uma ótima sacada ao imaginar um jogo do bicho distópico.

Dirigido a seis mãos (Fernando Meirelles, Rodrigo Pesavento e Ernesto Solis) e escrito por oito (Rodrigo Lages, Ernesto Solis, Eva Klaver e Marco Abujamra), “Corrida dos Bichos” reduz a dimensão política e foca apenas no entretenimento, entregando uma experiência rasa, para dizer o mínimo.

Elize: Sombras de Uma Mulher

O leitor mais atento desta newsletter já deve ter percebido que este crítico não é exatamente fã do texto de Raphael Montes (vide “Uma Família Feliz”). As obras do autor carioca tendem a não fazer jus às ambições a que se propõem.

Isso se aplica a “Elize: Sombras de Uma Mulher”, cujo roteiro é assinado por Montes (em parceria com Mariana Torres). O longa, dirigido por Felipe Vellas (que, até então, só tinha feito curtas), tenta trabalhar a dualidade da figura de Elize Matsunaga, que entrou para a história criminal do país ao matar o marido, o empresário Marcos Kitano Matsunaga, e cortar o corpo em pedaços para se desfazer do cadáver.

Muito já foi dito e publicado sobre a psique da mulher, além de revelações sobre o quão tóxico era o homem na relação. Aqui, no entanto, vamos nos concentrar naquilo que o filme mostra.

Há uma tentativa da produção — verbalizada numa série de entrevistas — de estabelecer a personagem como “vítima” e, ao mesmo tempo, “vilã”, mas o roteiro é incapaz de propor uma discussão complexa sobre o assunto. Principalmente porque o lado “vilã” é um tanto inexistente até a noite do crime. Temos aqui uma mulher lutando pela “liberdade”, tentando garantir a guarda da filha para sair do “relacionamento opressivo”.

Toda a cena do assassinato é construída, em algum nível, como “legítima defesa”, já que há uma certa suspeita de que Marcos pode tentar internar Elize para ficar com outra mulher. Porém, depois do tiro, entra o elemento que “chocou o país” em 2012: a destruição do cadáver, os pedaços nas malas, a frieza da ação.

Não há desenvolvimento dramático que nos leve até aquele ponto. Evidentemente que a realidade é mais complexa do que a ficção, mas, a partir do momento que o longa se propõe a contar tal história, soa no mínimo incompetente o modo trivial com o qual Elize esquarteja seu marido.

“Elize: Sombras de Uma Mulher” vive e morre pelas limitações de seu roteiro. De meritoso, apenas a boa atuação de Lorena Comparato, que tenta transmistir alguma complexidade para uma personagem tão mal escrita.

A Última Casa

Sim, eu sei que estou trapaceando. Esta newsletter é dedicada ao cinema brasileiro. Porém, convenhamos: é Wagner Moura ao lado de Greta Lee. Não tinha como não ficar ao menos curioso pela produção da Netflix, e me pareceu justo dedicar algum espaço para o filme.

E, infelizmente, é uma das grandes decepções do ano.

Há uma série de problemas em “A Última Casa”, a começar pela montagem frenética de Adam Gough, que parece incapaz de deixar o filme desacelerar, mesmo em sequências que não exigem dinamismo. O que surpreende negativamente, já que estamos falando do profissional que montou “Roma” (2018) ao lado de Alfonso Cuarón.

Já o diretor do filme, Louis Leterrier, está longe de ser brilhante, mas tampouco podemos classificá-lo como incompetente. Seu “O Incrível Hulk” (2008) é divertido, enquanto “Truque de Mestre” (2013) foi engenhoso o bastante para ter figurado em algumas listas de melhores daquele ano.

No entanto, Leterrier parece não saber como conduzir o roteiro de Matthew Robison, que não é maravilhoso, mas traz um bocado de elementos interessantes. Já vimos a maior parte daquelas ideias em outros lugares, é verdade, mas havia material suficiente para entregar um filme minimamente competente.

De modo que eu consigo imaginar um M. Night Shyamalan da vida salvando essa produção. É o típico filme que demanda uma proteção maior de seus mistérios, coisa que Leterrier não consegue — ou não quer — fazer. O resultado é uma produção um tanto óbvia, sem carisma e sem surpresas, cuja conclusão chega a ser boba de tão conveniente.

Wagner Moura não compromete, mas está reduzido a um ator comum aqui. O mesmo pode ser dito de Greta Lee. Em termos de qualidade cinematográfica, é um filme absolutamente esquecível na carreira de ambos. Resta torcer para que traga algum tipo de benefício a médio/longo prazo, como conexões para projetos futuros, especialmente para o ator brasileiro.

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A coluna “Longas em curtas” desta semana recupera as três principais estreias da última quinta-feira (30/07) no circuito comercial. Temos aqui dois ótimos documentários e um longa de ficção científica experimental.

Boa leitura!

Não Sei Viver Sem Palavras

O documentário sobre Ignácio de Loyola Brandão - um dos principais nomes da literatura brasileira - carrega muitas semelhanças com “Seu Cavalcanti”, de Leonardo Lacca. Ambos abordam a forte ligação paternal entre diretor e biografado e são, cada um do seu jeito, cartaz de amor ao cinema.

Dirigido por André Brandão, filho de Ignácio, “Não Sei Viver Sem Palavras” é recheado de memórias de infância. Com base em filmagens caseiras do próprio Ignácio, o cineasta reflete sobre a conexão com o pai e ressignifica momentos, até mesmo o do próprio nascimento.

Tal processo é verbalizado no filme com a premissa de que a imagem em vídeo é uma “fração do tempo”, que anos depois de seu registro pode ser reinterpretada com base na vivência e nas escolhas tomadas. É um elemento que faz muito sentido quando estamos analisando relações familiares.

A proposta do documentário permite que os montadores - Mariana Moraga, Ricardo Carioba e Fernanda Sgroglia - explorem de modo muito interessante os paralelos da vida de pai e filho. As oportunidades perdidas, os “saltos no escuro” que todos damos em algum momento e, inevitavelmente, os arrependimentos.

Para além da relação paternal, o filme aborda, obviamente, os principais momentos da vida de Ignácio, que completou 90 anos em 2026. É um filme legado, mas que não coloca o biografado num pedestal. Isso fica claro pelo bom humor com o qual o diretor evidencia como o pai gosta de contar as mesmas histórias, mesclando um mesmo relato em diversas entrevistas.

Novamente, a montagem tem papel fundamental para a fluidez do documentário, que certamente surpreenderá quem esperava apenas uma biografia convencional. A cena de abertura, sobrepondo o metrô de Berlim com a linha férrea de Araraquara - cidade natal do autor no interior de São Paulo - já passa muito bem o recado.

A Fabulosa Máquina do Tempo

Depois de seu relato extremamente corajoso e pessoal em “Incompatível com a Vida” (2023), a diretora Eliza Capai nos brinda com outro ótimo documentário. “A Fabulosa Máquina do Tempo” acompanha a vida de um grupo de meninas no município de Guaribas (PI), intercalando as vivências de suas mães e avós e debatendo machismo, desigualdades sociais e perspectivas de futuro.

Talvez o nome da cidade não chame a atenção da maioria das pessoas, mas a escolha não foi aleatória. O pequeno município no sertão do Piauí, de pouco mais de 4 mil habitantes, foi a cidade piloto para implementação do programa Bolsa Família, em 2003, durante o primeiro mandato do presidente Lula (PT). Para receber o benefício, as crianças e os jovens da família precisam frequentar a escola.

Fica clara a intenção da cineasta em evidenciar como programas sociais são necessários para o desenvolvimento de comunidades. Estamos falando de uma cidade com um dos menores Índice de Desenvolvimento Humano (IDH) do país no início dos anos 2000.

A título de curiosidade: entre 2000 e 2010, o analfabetismo em Guaribas caiu de 58% para 14,6%, bem como o índice de extremamente pobres, de 60% para 43%. Já o IDH subiu 137,38% no mesmo período, mas seguiu um dos mais baixos do país, como registrado pelo G1 nesta matéria.

De certa forma, o documentário traduz tais números na persona daquelas meninas. Questionadas sobre o que querem ser no futuro, uma responde enfermeira, outra advogada criminalista. Mas uma das respostas surpreende: empregada. É um reflexo de como o ambiente no qual nascemos e crescemos pode influenciar as perspectivas futuras.

Apesar do pano de fundo, Eliza Capai se preocupou em oferecer para as crianças uma experiência lúdica. Elas são incentivas a imaginar, brincar e até rodar seus próprios filmes. A cineasta também abre espaço para que as meninas falem o que pensam, gerando momentos engraçadíssimos, incluindo declarações sinceras sobre como elas odeiam ir à escola.

O documentário desenvolve ainda o misto de sentimentos que marca a passagem da infância para a adolescência, além de traumas que algumas delas sofreram pelo comportamento dos pais. De forma habilidosa, Capai consegue captar esses momentos e problematizá-los, mas sabendo a hora de mudar de assunto.

É um filme belíssimo, com uma montagem excepcional e que incentivou as meninas a sonhar com o futuro, daí o nome e a proposta do documentário.

Aquele Que Viu O Abismo

Aqui a situação é bem 8 ou 80: ou você embarca na proposta ou vai se decepcionar. “Aquele Que Viu O Abismo”, distribuído pela Embaúba Filmes, é uma ficção científica que abraça o cinema experimental. A estreia no circuito comercial ocorre dois anos depois da obra vencer o prêmio de Melhor Filme da Mostra Olhos Livres na 27ª Mostra de Cinema de Tiradentes, em 2024.

Dirigido pela dupla Gregorio Gananian e Negro Leo, o longa acompanha X (Negro Leo), um homem que tenta sobreviver em meio a uma trama de assassinatos, visões e experiências alucinógenas. No meio disso, há uma empresa multinacional que promete vida eterna por meio de um sistema de recrutamento de civis.

A premissa é essa, mas não espere uma narrativa convencional. A preocupação é estética e sensorial. A ideia é que a audiência se perca na experiência performática e teatral que o longa proporciona, abusando de lasers oitentistas que remetem à “Blade Runner”.

É uma obra totalmente aberta à interpretação do público, o que é sempre bem-vindo. Ao mesmo tempo, estamos diante de um universo cujos pilares não são desenvolvidos narrativamente.

Por vezes, as reflexões sobre aquela realidade são verbalizadas no grito pelo protagonista, o que soa um tanto juvenil de um ponto de vista dramático. São sugestões em prol da imersão estética pretendida, o que frequentemente pode soar simplista.

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No momento em que o Rio Grande do Sul volta a sofrer com fortes chuvas, um filme diretamente ligado às enchentes que assolaram o estado há pouco mais de dois anos chega aos cinemas. “Futuro Futuro”, de Davi Pretto (“Continente”), que estreou na última quinta-feira (23/7), é uma distopia ambientada no estado gaúcho e teve suas filmagens interrompidas justamente por causa das enchentes.

Trata-se de uma ficção científica de orçamento bem reduzido, então qualquer imprevisto poderia comprometer o projeto. Um dos meios que Pretto encontrou para finalizar a obra foi o uso de inteligência artificial (IA) para gerar determinadas imagens que dialogam com a proposta narrativa do longa.

O próprio cineasta faz um mea-culpa em materiais divulgados para a imprensa, reconhecendo os problemas de utilizar tal recurso, mas, ao mesmo tempo, busca o choque. Afinal, temos aqui um filme que fala diretamente sobre como a inteligência artificial pode afetar negativamente a psiquê do ser humano, para além de todas as questões econômicas envolvidas.

Num futuro próximo, um homem, chamado K (Zé Maria Pescador), acorda sem memórias. Aparentemente, é mais uma vítima de uma “síndrome neurológica” que afeta as pessoas. Acolhido numa espécie de escola da parte pobre de Porto Alegre – a cidade é dividida assim, de modo binário, entre ricos e pobres - , ele passa a frequentar aulas para aprender a “memorizar” e, em algum momento, “imaginar”.

Durante o processo, K é apresentado, dentro da própria escola, a um dispositivo de inteligência artificial – que lembra uma Alexa da vida – que “gera conteúdo” para o usuário. No entanto, claramente há algum nível de conexão entre a síndrome que afeta o mundo e o excesso do uso de IA.

Os locais que K visita são sempre precários e o clima é normalmente chuvoso. A parte baixa da cidade está sujeita a alagamentos, enquanto o lado rico é visto apenas à distância ou nos momentos em que K tem lembranças – ou pensa ter – do que seria a vida entre os privilegiados da alta sociedade gaúcha; nesses momentos, o diretor gera imagens com inteligência artificial.

O trabalho é escasso. Pessoas recorrem ao escambo para sobreviver e dependem da distribuição de comida pelo “governo”. A polícia é corrupta e também saqueia a população. E por aí vai.

São temas clássicos e interessantes de narrativas distópicas, mas tratados de modo simplista e sem profundidade. O protagonista é oco, sem complexidade alguma, bem como todas as personagens ao seu redor. Não há problematização sobre as mazelas sociais para além da exposição de que as mesmas existem. Ou seja: roteiro apresenta as temáticas, mas não as desenvolve.

Até mesmo o fator das enchentes poderia passar despercebido por um olhar menos atento senão houvesse um letreiro, já no início do filme, avisando a audiência que as filmagens foram interrompidas por conta do episódio. Novamente: as ideias do diretor são claras, mas o desenvolvimento das mesmas é precário.

No entanto, há de se reconhecer que a completa falta de apuro estético nas imagens geradas por inteligência artificial acaba se tornando um elemento digno de nota, sintetizando a principal crítica que “Futuro Futuro” mira. Eis aqui o que a IA pode fazer por nós de um ponto de vista artístico, e o resultado é exatamente o esperado: medíocre e sem alma.

Nota: 2,5 de 5.

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Vencedor do Troféu Redentor de Melhor Filme de Ficção no Festival do Rio de 2025, “Pequenas Criaturas” chega aos cinemas nesta quinta-feira (23/7). Dirigido e roteirizado por Anne Pinheiro Guimarães, o longa se interessa pela melancolia dos recomeços e pela forma como o não dito é capaz de cria barreiras entre as pessoas.

Ambientando em Brasília no ano de 1986, o longa acompanha Helena (Carolina Dieckmmann) e seus dois filhos tentando se adaptar à cidade. O marido da protagonista (Michel Melamed) acaba de viajar a trabalho e fica claro, desde a cena de abertura, que há um rompimento sentimental muito profundo entre eles.

Vivendo numa nova cidade e sem qualquer rede de apoio, os três têm dificuldades, cada um a sua maneira, de se acostumar com a nova realidade. Assim, a melancolia se torna um elemento predominante da narrativa.

Interessante notar que dos três filmes estrelados por Carolina Dieckmmann neste ano - depois do fraco “(Des)Controle” e do interessante “Aurora” -, este é o primeiro que realmente oferece um material complexo para que a atriz construa a partir dele.

Dieckmmann consegue transmitir a tristeza da personagem por meio de sua postura corporal e de sua expressividade. Nas cenas em que a vizinha de apartamento tenta ser simpática e puxar papo com Helena, a atriz é certeira ao demonstrar a impossibilidade de emular qualquer sentimento que remeta a algo que a personagem não sente.

Mesmo nos momentos de escapismo da realidade, na companhia do personagem vivido por Caco Ciocler, não há necessariamente alegria em Helena. A impressão é de que ela está à espera de que algo aconteça, mas incapaz de agir.

Isso fica muito claro na passividade com a qual cuida de uma cachorra que atropelou. O resgate tardio é motivado pelo filho mais novo, mas, depois disso, Helena se limita a deixar o animal em casa, deitado, também à espera de que ele simplesmente melhore.

Enquanto a protagonista é pura melancolia, seu filho mais velho, o adolescente André (Théo Medon), traz uma revolta contida para com o mundo adulto. Ele nunca explode com a mãe, mas nutre um grande desconforto com o modo como ela não verbaliza o que está sentindo, algo bem pontuado durante o diálogo do garoto com um amigo do prédio.

Já o filho mais novo, Dudu (Lonrezo Mello), é um sopro de otimismo em meio a tanta melancolia, o que remete em alguma medida ao cinema de Sean Baker, especialmente “Projeto Flórida” (2017), no qual o olhar infantil encontra um modo menos cruel de encarar a vida. Arteiro é intenso, Dudu é quem move as peças para que haja alguma perspectiva de recomeço não apenas para sua família, mas também para o novo núcleo social no qual estão inseridos.

É nesse aspecto que o filme de Anne Pinheiro brilha. Ao mesmo tempo em que é bela e futurista, Brasília também carrega uma certa indiferença para com seus moradores. As paisagens planas e as obras arquitetônicas impressionam e encantam, mas, na mesma medida, podem aprofundar diferenças e provocar uma sensação de distanciamento.

Por ter crescido na cidade, a cineasta consegue traduzir essa ambiguidade de forma interessante. E o faz sem ter de traçar paralelos com o mundo político, o que seria um caminho fácil para explorar a cidade-símbolo da política brasileira. O foco está nas pessoas comuns, em seus dilemas e angústias, o que dialoga perfeitamente com a “indiferença” de Brasília.

“Pequenas Criaturas” prioriza o fator humano e não se deixa seduzir pelo período histórico no qual se passa. Uma decisão pouco ambicioso em tempos tão frutíferos para o cinema político nacional, é verdade, mas totalmente consciente daquilo que deseja - e consegue - dizer.

Nota: 3,5 de 5.

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A coluna “Longas em curtas” desta semana contempla os dois filmes que chegam ao circuito comercial nesta quinta-feira (16/7). Além disso, recupera um dos destaques da da semana passada.

Boa leitura!

Herança de Narcisa

O elemento sobrenatural é acessório em “Herança de Narcisa”. Apoiada na ótima atuação de Paolla Oliveira, a dupla de cineastas Clarissa Appelt e Daniel Dias – que também assina o roteiro – estrutura a trama como um filme de terror, mas o que realmente importa - para bem e para o mal - são os temas, especialmente o luto e o peso da maternidade. O longa estreou nos cinemas semana passada.

Ana (Paolla Oliveira) retorna para a casa onde cresceu após a morte da mãe, Narcisa, uma ex-vedete que não tinha muito tato com os filhos e que “explodia” com uma certa frequência. As lembranças da infância estão por todos os lados, bem como a incômoda constatação de que a mulher é muito parecida fisicamente com a mãe.

Tal elemento é verbalizado pelo irmão de Ana, Diego (Pedro Henrique Müller), que também a julga por querer vender a casa. O homem carrega um certo ressentimento por não ter recebido tanta atenção da mãe na infância quanto a irmã, o que serve de base para o fato dele não conseguir permanecer muito tempo na casa.

Enquanto cinema de gênero, o filme tem alguns bons momentos. A câmera próxima ao chão quando Ana está de frente para a porta vermelha que leva ao camarim da mãe é, possivelmente, o ponto alto da obra enquanto forma. As movimentações de câmera na cena da visita do casal interessado na compra da casa é outro destaque por exacerbar o quanto Ana está “quebrando” por tentar confrontar os traumas do passado, elemento que remete ao estilo de Stephen King.

No entanto, tudo que “Herança de Narcisa” constrói com base no sobrenatural é escanteado na reta final, já que a história é reduzida a algo muito ordinário. O problema não está na mensagem em si - que tem seu valor -, mas na forma como a “revelação” é executada.

Tanto que o clímax do filme é o único ponto no qual Paolla Oliveira está mal em termos de atuação, uma vez que a construção da cena e o que ela exige emocionalmente soa simplista demais. O contraste com os bons momentos do longa é gritante, tal qual a cena da festa, quando, ao som de uma marchinha que verbaliza “Afasta, afasta, afasta, acende a luz aí”, Ana “incorpora” a personalidade da mãe, numa sequência perturbadora e narrativamente impactante.

A conclusão não anula os méritos da obra, mas certamente reduz o impacto do que fora previamente construído.

A Noite de Alaíde

Trabalhosa, a técnica de rotoscopia não é algo que se vê todo dia, ainda mais no cinema nacional. Por isso chama a atenção que um documentário sobre a cantora Alaíde Costa utilize da mesma técnica que filmes como “O Homem Duplo” (2006) e “Apollo 10 e Meio” (2020).

Dirigido por Liliane Mutti, “A Noite de Alaíde”, que estreia nesta quinta-feira (16/7), é um documentário que mescla entrevistas da cantora, arquivos históricos e cenas ficcionais baseadas no passado de Alaíde. São os momentos dramatizados que usam rotoscopia, abusando das cores azul, laranja, rosa e roxo.

Ainda que sirva para despertar uma certa curiosidade, tal recurso não agrega muita coisa do ponto de vista narrativo, diferentemente de um “Com amor, Van Gogh” (2017) da vida, que incorpora a identidade visual do autor ao filme. Pelo contrário: aqui, o recurso limita a expressividade dos atores.

Apesa disso, o documentário faz um ótimo trabalho narrativo ao repassar a vida de Alaíde da infância até os dias atuais. Sem pesar a mão no didatismo, a diretora consegue sintetizar os principais pontos da trajetória de uma das “mães da Bossa Nova”, explorando seu talento e contextualizando as dificuldades que enfrentou ao longo da carreira.

A timidez de Alaíde é um dos pontos mais interessantes. Por diversas vezes é difícil compreender o que ela dizia em entrevistas, pois sempre parecia falar mais para dentro do que para fora. Nesse ponto, o documentário novamente esbanja sofisticação, dando contexto para que a audiência compreenda as dificuldades vividas por Alaíde e que não ficavam totalmente claras em suas entrevistas.

Uma vez superada as perdas dramáticas impostas pela rotoscopia, “A Noite de Alaíde” se mostra um documentário competente sobre uma das figuras mais importantes – e subestimadas – da bossa nova.

Xica da Silva

Cinquenta anos depois do lançamento, “Xica da Silva” (1976) retorna aos cinemas nesta quinta-feira (16/7), pela Sessão Vitrine Petrobras. O clássico de Cacá Diegues ganhou uma versão restaurada em 4k que impressiona pela qualidade de imagem e de som.

Adaptado do livro Memórias do Distrito de Diamantina da Comarca do Serro Frio, de João Felício dos Santos, o longa levou mais de 3,1 milhões de espectadores em seu lançamento. Foi o maior sucesso comercial da carreira de Cacá Diegues.

Protagonizado por uma exuberante Zezé Motta, o filme é inspirado pela trajetória de Chica da Silva, uma mulher negra escravizada que conquistou a alforria e alcançou uma posição de poder no Distrito Diamantino durante o século XVIII. O modo como a protagonista usa sua sexualidade para emancipar-se é um dos aspectos mais interessantes da obra, provocando fascínio e curiosidade entre os homens, que dizem entre si que Xica “sabe fazer umas coisas que só ela”.

Os momentos em que a protagonista “arremata” os homens são construídos de forma muito inteligente pelo diretor: nunca vemos nenhum vislumbre da ação, apenas o grito das “presas” de Xica. É algo que instiga e também diverte.

E talvez seja esse um dos grandes méritos da obra: conseguir combinar crítica social, humor e erotismo de um modo tão fluido. Uma sessão de cinema imperdível.

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Quando o assunto é preservação da memória, um erro comum é acreditar que estamos falando necessariamente de um passado longínquo. Pode ter certeza que, seis anos depois, muitas pessoas já começaram a esquecer do sofrimento vivido na pandemia da Covid-19 e, principalmente, dos atores que agravaram o caos sanitário no país.

Por tal motivo, “Anatomia do Caos”, que estreia nesta quinta-feira (2/7), é um documentário pertinente ao debate público por relembrar as decisões tomadas pelo governo de Jair Bolsonaro e os personagens que propagaram suas ideias. Dirigido pela cineasta baiana Dandara Ferreira (“Meu Nome é Gal”), o longa tem como foco a CPI da Covid e os senadores que capitanearam o trabalho.

A CPI foi instalada em abril de de 2021. O nível de acesso que a diretora teve aos senadores chama a atenção: ela acompanha reuniões técnicas com assessores parlamentares e conversas de bastidores, algo pouco visto pelo público no período. Além, é claro, de entrevistas dentro de carros enquanto os senadores se deslocam por Brasília. Esse tipo de registro dá um dinamismo interessante quando o entrevistado é um político, reforçando a ideia de que eles não tinham tempo a perder.

O documentário mescla os registros colhidos pela diretora com as gravações da própria CPI, que eram transmitidas ao vivo pelo canal do Senado no YouTube. Em termos de montagem, é um resultado bem interessante, dando a sensação de que estamos, de fato, nos bastidores da comissão.

Há um esforço em sublinhar que o trabalho da CPI era liderado por políticos de diferentes espectros, unidos contra o “inimigo comum”, representado pelo governo Bolsonaro. Parte desse esforço narrativo se observa quando o documentário exibe o nome dos senadores sem o partido político. Randolfe Rodrigues é apresentado como senador do Amapá, sem a sinalização de que era filiado ao Rede (atualmente está no PT). Da mesma forma, Omar Aziz é um senador do Amazonas, sem menção ao PSD.

Também havia políticos governistas na CPI, evidentemente. O mais notável de todos era o negacionista Flávio Bolsonaro (PL-RJ), hoje pré-candidato à Presidência, que jogou contra os trabalhos da comissão desde o início.

Nesse contexto, novamente, a montagem de “Anatomia do Caos” merece destaque. Sempre que necessário, o filme recupera eventos passados para evidenciar quão irresponsável o governo federal foi na condução da pandemia. É um documentário com um discurso claro e uma leitura extremamente crítica dos acontecimentos do período.

Além disso, se diferencia de demais filmes brasileiros sobre a pandemia ao focar nos trabalhos da CPI. Apesar do objeto retratado pertencer ao mundo do fazer político, o longa não cai em tecnicismos, não se preocupa em explicar a tramitação legislativa e prioriza a fluidez de informação, um acerto em termos narrativos.

No entanto, nada do que está ali é necessariamente novidade. Apesar do acesso privilegiado aos senadores e do ineditismo do material, o documentário não traz algo que já não fosse de conhecimento público. Os momentos de maior estupefação são os próprios registros das entrevistas da CPI, contextualizados na obra de um modo muito eficiente.

“Anatomia do Caos” não surpreende, mas recupera um pedaço recente da história política do Brasil que não pode ser esquecido. Influenciadores, empresários e políticos tiveram papel direto na desinformação que tomou conta do país. Memória é essencial, ainda mais em ano eleitoral.

Nota: 3 de 5.

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Os meses de maio e junho foram de pouca movimentação aqui na newsletter por um misto de fatores, como férias do trabalho e mudanças na rotina. Faltou tempo para escrever. Pouco a pouco voltamos ao ritmo.

Para compensar, escrevo sobre três ótimos filmes vistos no período e que você certamente deveria manter no radar. Tem candidato a Top 10 da newsletter no fim do ano, hein…

Boa leitura!

Criadas

A discussão sobre o status social de trabalhadoras domésticas ganha camadas ainda mais dramáticas quando o elemento familiar exerce papel fundamental na exploração do trabalho alheio. “Criadas”, de Carol Rodrigues, acompanha duas primas que, ainda que tenham crescido juntas como “unha e carne”, eram separadas por estruturas invisíveis, mas muito bem delimitadas.

Na infância de Sandra (Mawusi Tulani), sua mãe era empregada residente na casa da tia e as duas viviam no local, dividindo um quarto no quintal da propriedade. Nessa casa, a garota cresceu ao lado da prima, Mariana (Ana Flavia Cavalcanti).

A trama parte do ponto em que Sandra, já adulta, volta para a casa de Mariana em busca de fotos de sua falecida mãe. A partir daí, ecos do passado começam a “assombrar” as duas primas.

Portanto, há duas camadas de conflito: a questão social e racial - o fato de Mariana não ser “tão negra” quanto a prima será tema de discussão - e o elemento da exploração da mão de obra exercida dentro do núcleo familiar.

Esse último é o grande atrativo de “Criadas”. Nada é tão simples quanto pode parecer no início, o que coloca as primas em rota de colisão contra as estruturas que a transformaram em estranhas uma para a outra.

A diretora Carol Rodrigues usa e abusa de planos detalhe, destacando elementos-chave para a narrativa,. Já o belíssimo trabalho de fotografia de Julia Zakia ajuda a dar o tom quase fantasmagórico da narrativa; há muito de azul e roxo, cores contrastantes que aprofundam a divisão entre as primas.

É um filme imperdível.

Copan

“É um exagero de cidade”

A frase acima é dita por um dos trabalhadores do prédio Copan enquanto olha a cidade de São Paulo do topo do prédio. Qualquer pessoa que já esteve na capital paulista deve ter tido a sensação, ao menos em alguma medida, de que São Paulo ultrapassou o limite de metrópole e se tornou um monstro indomável, que assusta, intimida, mas também fascina.

É um pouco a sensação que o próprio prédio do Copan provoca ao longo do documentário de mesmo nome, dirigido por Carine Wallauer e que estreou no final de maio. Antes, o filme se sagrou como grande vencedor do “É Tudo Verdade”, principal festival de documentários do país. Não é por menos.

Wallauer nos conduz por um dos maiores marcos arquitetônicos da capital paulista de um modo impactante. A abertura estabelece um inesperado tom de suspense, com uma lenta e gradual aproximação da câmera em direção ao prédio. Logo ganhamos os corredores, amarelos e impessoais. Pouco a pouco, vislumbres da vida dos mais diversos tipos de pessoas.

Ouvimos por trás das portas o que se passa nos apartamentos. Depois, temos a sensação de “seguir” os moradores, já que muitas das cenas observam as pessoas de costas.

Concebido por Oscar Niemeyer e inaugurado em 1996, o Copan é o maior condomínio residencial da América Latina. Wallauer morou no prédio por sete anos, o que explica o nível de acesso que ela teve para as filmagens.

E, em algum ponto, o grande brilho do documentário se revela: não estamos aqui pelos moradores, mas sim pelos 104 funcionários responsáveis por manter o funcionamento desse “colosso” da Avenida Ipiranga. As interações entre eles se tornam um microcosmo da polarização do país, já que o filme foi rodado em 2022, ano eleitoral que colocou à prova diversos setores da sociedade brasileira.

Curiosamente, além da divisão da eleição federal, também há um racha interno dentro do próprio Copan. Um dos principais personagens do filme é o síndico Affonso Celso Prazeres de Oliveira (visto na foto acima), que comandou o prédio por mais de três décadas, e faleceu em dezembro de 2025, aos 86 anos. No documentário, vemos o homem lutando para manter sua posição de um modo extremamente questionável, o que enriquece o debate sobre a fragilidade da democracia.

“Copan” é um senhor documentário, que impressiona tanto pela forma quanto pelo conteúdo. Um dos melhores filmes do ano.

O Silêncio de Eva

“Um rosto que se entregou ao esquecimento”

Fascinante o trabalho de recuperação de memória feito pela cineasta Elza Cataldo em “O Silêncio de Eva”. O documentário se propõe a reposicionar no imaginário do cinema nacional a figura de Eva Nil, atriz do cinema silencioso brasileiro que, apesar do talento, teve uma curta carreira. E com um agravante: a maior parte dos filmes no qual atuou se perdeu ao longo do tempo por falta de preservação.

Filha de Pietro Comello, imigrante italiano, Eva Nil nasceu no Cairo, no Egito, em 1909, antes da família se mudar para o Brasil, em 1914. Eles se instalaram em uma colônia de italianos em Cataguases (MG), o que já é um elemento interessantíssimo do ponto de vista histórico. Na cidade interiorana mineira, entre 1920 e 1930, se dará o chamado Ciclo de Cataguases, movimento de intensa produção cinematográfica, cujo nome mais conhecido certamente é o do cineasta Humberto Mauro.

Eva Nil trabalhou em filmes de Mauro – como o marcante “Na Primavera da Vida” (1926) - e de Adhemar Gonzaga, boa parte deles perdidos pela falta de preservação. No entanto, há uma série de conflitos – sociais e culturais – que fizeram com que a atriz não tivesse uma carreira longínqua. Não abordarei os detalhes aqui porque parte da graça do documentário é descobrir os “bastidores” da época; ou, ao menos, conhecer as leituras possíveis sobre o que aconteceu no período, já que há pouquíssimos relatos da própria atriz sobre sua trajetória.

Muito do foco do filme está na relação de Eva Nil com o pai, que trabalhava com fotografia e também se arriscava na direção. Um dos aspectos mais interessantes da relação se dá com o curta-metragem “Senhorita Agora Mesmo” (1927), dirigido por Comello e que traz sua filha no papel de uma cowgirl, de armas na mão, pronta para salvar o dia. Algo incomum para a época, já que o protagonismo era majoritariamente exercido por homens.

Pouco do filme sobreviveu ao tempo: os fragmentos não somam 30 segundos. No entanto, o documentário faz um excelente trabalho em recuperar matérias de jornais da época repercutindo a obra, bem como depoimentos de pesquisadores do cinema brasileiro que ajudam a evidenciar os diferenciais da obra, bem como suas limitações e as dificuldades de exibição no eixo Rio-São Paulo.

Como pouco da filmografia de Eva Nil sobreviveu, o documentário recria algumas sequências com a atriz Inês Peixoto, seu esposo, o também ator Eduardo Moreira, e a filha do casal, a jovem atriz Bárbara Luz (“Ainda Estou Aqui”), que vive Eva Nil em boa parte desses momentos. Nasceu de Inês a ideia do filme - ela também assina o roteiro ao lado de Elza Catado e Christiane Tassis.

“O Silêncio de Eva” exerce papel essencial para a recuperação da história do nosso cinema. Evidentemente o nome de Eva Nil não é estranho à cinefilia brasileira, mas filmes como o de Elza Cataldo são importantes no sentido de apresentar a atriz para novas gerações, de um modo acessível e muito bem executado.

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Dois documentários brasileiros recentes me instigaram pela forma como estabelecem conexão com países fronteiriços de modo afetivo, tanto por questões culturais quanto pela idealização do modo de vida do hermano ao lado.

“Buenos Aires”, da diretora Tuca Siqueira (“Amores de Chumbo” - 2017), é um exemplo curioso de como tal conexão pode ser originada apenas por uma ideia do que seria o país vizinho. No filme, que estreou em 11 de junho, a cineasta registra o cotidiano dos moradores de Buenos Aires, uma pequena cidade brasileira no interior de Pernambuco que compartilha o mesmo nome da capital argentina.

Tal fato basta para que haja, automaticamente, um grande carinho e certa idealização pelo povo argentino. Isso é refletido fortemente na relação das pessoas da cidade pernambucana com a seleção de futebol da Argentina.

Parte da população local não torce para a seleção brasileira. Preferem Messi do que Neymar, pois o craque geracional da argentina “joga com raça e não é cai cai”, como afirma categoricamente um dos munícipes.

O time de futsal local? Boca Juniors, em homenagem ao time argentino. Pelas ruas da cidade é normal ver bandeiras da Argentina e camisetas da seleção a venda nas lojas do centro.

No entanto, pouco se ouve da língua espanhola na cidade, o que é totalmente compreensível, já que Pernambuco não faz fronteira com a Argentina. Tal elemento só torna mais curioso o fato de haver tanta admiração pelo país vizinho num estado tão distante. A fronteira, neste caso, é sentimental.

Um morador argentino, casado com uma brasileira, é o ápice da presença hermana no local. E uma professora brasileira oferece aulas gratuitas de espanhol para incentivar a ampliação dos vínculos com o “país vizinho”.

“Buenos Aires” é um documentário leve, divertido e que mostra quão curiosas são as relações humanas, além de evidenciar quanto uma ideia é capaz de moldar a identidade de uma comunidade.

Já em “Tambor Sem Fronteiras”, de Adriana Gonçalves Ferreira (“Fronteriz@s” - 2021), a conexão é bem mais direta. Acompanhamos a relação entre brasileiros e uruguaios por meio do candombe, expressão cultural e musical afro-uruguaia, baseada no toque de três tambores (piano, repique e chico), que acompanham desfiles de rua, especialmente no Carnaval de Montevidéu.

Aqui a fronteira é, de fato, física. O filme foi rodado nos municípios gaúchos de Bagé, Santa Maria, Porto Alegre e Santana do Livramento, e nas cidades uruguaias de Rivera, Vichadero, Melo e Montevidéu.

O ponto de partida é a aquisição de um jogo de tambores - ou uma “cuerda” - pelo ponto de cultura Pampa Sem Fronteiras, de Bagé. A instituição é um projeto da Associação Pró Santa Thereza, dentro da dimensão da política Cultura Viva. Com isso, é iniciado um processo de oficinas e trocas com os saberes dos mestres da cultura afro-uruguaia.

Não chega a ser uma novidade, mas é sempre interessante constatar como a música funciona como elemento de conexão entre as pessoas, superando barreiras linguísticas e sociais. O longa estreou em circuito reduzido em abril deste ano, no Rio Grande do Sul.

Ambos os documentários evidenciam que a questão da língua pesa muito pouco e não é um elemento essencial para que haja conexão com nossos vizinhos da América do Sul. A cultura compartilhada fala por si.

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Há de se reconhecer que a premissa de “Eu Não Te Ouço” é suficiente para vender o filme para qualquer pessoa. Quem não se lembra do Patriota do Caminhão, uma das figuras mais surreais dos atos antidemocráticos de novembro de 2022?

No contexto dos protestos que fecharam estradas pós-eleição, um manifestante bolsonarista simplesmente se agarrou na frente de um caminhão para tentar impedir que o motorista furasse o bloqueio. Não funcionou: o caminhoneiro saiu dirigindo mesmo com o homem pendurado. Depois de alguns quilômetros, o condutor parou e o sujeito desceu. As imagens foram postadas na internet e pronto: meme instantâneo – e um dos vários retratos da loucura do período.

O filme dirigido por Caco Ciocler, que chega aos cinemas nesta quinta-feira (14/05), traz uma versão ficcionalizada dos eventos, focada especialmente na tentativa de diálogo entre o motorista e o patriota, ambos vividos pelo mesmo ator: Márcio Vito.

O roteiro de Ciocler, Isabel Teixeira e Márcio Vito trabalha a ideia de que o país está dividido porque aqueles que pensam diferente não conseguem dialogar. Nesse sentido, o para-brisa do caminhão serve como barreira simbólica, já que os homens gritam um para o outro, mas são incapazes de compreender o que está sendo dito por diversos motivos.

Ao longo da curta jornada – o filme tem cerca de 1h10 -, conhecemos mais da personalidade dos personagens. O caminhoneiro é uma pessoa antipolítica, com todas as contradições que a despolitização pode provocar no cidadão. Ele acredita que há uma roubalheira generalizada, que políticos não prestam, mas, ao mesmo tempo, defende que é necessário votar. Também acredita na democracia, ainda que flerte com pensamentos autoritários aqui e acolá. De modo que o caminhoneiro não pode ser considerado, de modo algum, uma pessoa de esquerda.

Já o patriota, bem… é um fanático de ultradireita. Ainda que o longa não verbalize nomes de políticos, é óbvio que o personagem é símbolo do eleitor bolsonarista. Nem tinha como ser diferente, em virtude do evento histórico que serviu de inspiração para o filme.

Em determinada cena, o caminhoneiro questiona a pessoa que está filmando os eventos que se passam na cabine do veículo; uma figura faz as vezes de um documentarista, mas sem ser um personagem ativo em momento algum.

“Onde você vai chegar com isso? Qual é o ponto?”, pergunta o caminhoneiro, irritado com a continuidade das filmagens.

E a mesma questão pode ser estendida a Caio Ciocler. Qual é o seu ponto com este filme? Que os apolíticos não conseguem dialogar com o eleitor radicalizado de direita? Que o problema do Brasil é a incomunicabilidade entre aqueles que não se importam com o fazer político? De novo: não há uma figura de esquerda e outra de direita. O motorista tampouco pode ser considerado alguém de centro.

Há, evidentemente, uma tentativa de trazer a perspectiva do “cidadão comum” que, assim como o motorista, só quer trabalhar e ganhar a vida. Isso, por si só, já é uma simplificação terrível do problema, mas vá lá, pode ser um interpretação. Mas contrapô-lo a um extremista não justifica o manifesto sobre a incomunicabilidade que Ciocler parece ter a pretensão de realizar.

“Eu Não Te Ouço” é uma metáfora simplista e míope sobre a polarização do Brasil, que passa a impressão de ter sido realizada para agradar uma parcela do público que não acredita em política, mas acha importante a continuidade da democracia. São as mesmas pessoas que, neste ano, cogitam votar no filho do ex-presidente golpista, já que o descendente se vende como “moderado”. E assim a história se repete.

Nota: 1,5 de 5.

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“Zico, o Samurai de Quintino” poderia perfeitamente ser uma reportagem de telejornal esportivo. Um especial dividido em algumas partes para contar a trajetória de um dos maiores jogadores da história do futebol brasileiro. E isso é um problema.

Falta uma visão, um ponto a ser explorado e, a partir dele, dar sentido ao todo. Fugindo, assim, da superficialidade de tentar resumir a vida de um ícone em pouco menos de 1h45. O longa chega aos cinemas nesta quinta-feira (30/4).

Inicialmente, o documentário dirigido por João Wainer até dá a impressão de ter um tema a ser desenvolvido: o fato de Zico ter escolhido jogar na segunda divisão japonesa em 1991, no Sumitomo Metals, literalmente o time de uma fábrica de aço situada na cidade de Kashima, na província de Ibaraki. Não é algo que acontece todo dia no âmbito das superestrelas esportivas.

No entanto, após uma boa sequência de abertura, o documentário já adota um formato extremamente tradicional, contando a trajetória do “Galinho” desde sua infância. Só voltamos para o Japão depois de quase uma hora de filme. Mas de um modo extremamente mal executado.

Até então, o filme seguia uma ordem cronológica. Só que, ao retratar a conquista do mundial do Flamengo contra o Liverpool em 1981, no Japão, a produção aproveita “o gancho” geográfico para abordar a transferência de Zico ao Japão, que só viria a acontecer em 1991.

Depois de cerca de 15 minutos no país Ocidental, o longa simplesmente volta para 1982, sem nenhuma contextualização, para seguir contando a história do craque de modo cronológico. É uma das decisões de montagem mais equivocadas que já vi em um filme.

Posteriormente, quando retornamos ao Japão, há outro salto temporal, mostrando a profissionalização do Sumitomo Metals, que se tornou o atual Kashima Antlers, equipe com a qual Zico mantém ligações até hoje. O atleta brasileiro foi peça fundamental para a profissionalização do esporte no país, mas não vemos isso acontecer.

A montagem do filme foca muito em gols, na adoração da torcida japonesa, mas não no impacto estruturante. É dito brevemente, é verdade, mas causa espanto tamanha superficialidade, já que a ideia que o documentário aparenta vender no início é a odisseia de Zico no Japão, o que não é explorado de modo verdadeiramente satisfatório.

Obviamente é possível olhar para o copo meio cheio. Para os fãs do ex-jogador, especialmente flamenguistas, o documentário é um prato cheio. Boas entrevistas, presenças ilustres – como Ronaldo Fenômeno e Carlos Alberto Parreira - e muito material de acervo, belissimamente restaurado. É um pacote atraente.

Porém, se você quer olhar o copo meio vazio, é possível apontar que tudo é tratado de modo superficial. O documentário não respira e insere muitas informações a todo momento, de modo que o peso de diversos eventos é reduzido pela montagem frenética. Chega a ser atordoante. Além do fato de que detalhes interessantes, como a perseguição de familiares de Zico durante a ditadura, são pouquíssimo explorados, especialmente em relação ao que o próprio Zico pensa sobre o assunto.

Mais do que aspectos técnicos, o que realmente joga contra o documentário é a já mencionada falta de foco. Algo que te faz por em perspectiva quão raros são filmes esportivos como “Maradona por Kusturica”, (2008) do cineasta croata Emitir Kusturica, que foge de qualquer convenção para abordar uma visão muito particular do diretor sobre o atleta, sem deixar de lado todo o entorno que faz da figura alguém notável.

É o que mais falta em “Zico, o Samurai de Quintino”: a visão de um diretor, que seja capaz de entregar uma obra cinematográfica, não um programa dominical esportivo.

Nota: 2 de 5.

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As fontes das quais “Cinco Tipos de Medo” bebe são bem claras. Por isso não é difícil entender os problemas estruturais que carrega, ainda que, enquanto filme de ação, o resultado seja satisfatório. Dirigido por Bruno Bini, o longa estreia nos cinemas nesta quinta-feira (09/04).

Ambientado em Cuiabá, no Mato Grosso, a trama começa do ponto de vista de Murilo (João Vitor Silva), um jovem músico que perdeu a mãe durante a pandemia da Covid-19. Eventualmente, ele começa a se relacionar com Marlene (Bella Campos), uma enfermeira que o atendeu durante a crise sanitária. O problema é que a mulher vive um relacionamento abusivo com Sapinho (Xamã), um traficante da comunidade na qual mora, dando início a uma série de eventos trágicos.

O roteiro – também assinado por Bini – não é linear e tenta evidenciar como a vida de pessoas tão diferentes acaba se conectando por conta de um evento em comum; no caso, o relacionamento entre Murilo e Marlene. Tal aspecto tem um quê de efeito borboleta (não o filme, mas sim o conceito), algo muito bem explorado em “Babel” (2006), de Alejandro González Iñárritu, que é uma das claras inspirações deste filme.

Ou seja: a decisão de uma pessoa pode impactar uma série de vidas de forma definitiva. Se em “Babel” a escala é internacional, em “Cinco Tipos de Medo” a ideia é de que funcione de modo intersocial. Os eventos afetarão não só a vida e a rotina de quem mora na favela (Marlene e a população em geral), mas também daqueles que compõe a famigerada classe média (Murilo, que estuda violino) e núcleos de uma camada mais abastada da sociedade cuiabana (o advogado Ivan, vivido por Rui Ricardo Diaz).

Assim como o diretor mexicano faz em seu filme hollywoodiano, Bini compõe seu longa de modo que todas as peças se encaixem apenas na reta final. Porém, duas decisões enfraquecem o impacto pretendido. A primeira delas é a narração em off no início, que tenta estabelecer o tom da trama de um modo equivocado, e desaparece ao longo do filme, sendo uma muleta para verbalizar algo que o roteiro não consegue fazer de modo natural. Não há coesão dramática entre a narração que abre o filme e a conclusão sentimental da reta final.

A outra decisão questionável, mais grave, é a incapacidade do roteiro de lidar com o tempo. Em tese, a partir do início da crise, o longa se desenrola em questão de dois dias. Pelo menos essa foi a impressão deste crítico, já que a montagem não consegue transmitir tal informação de modo compreensível.

Para além do tempo, o diretor acaba fazendo uma série de sacrifícios de verossimilhança para que o roteiro funcione, o que destoa da proposta mais realista do filme. Entre elas: personagens articulam tramas super elaboradas sem que haja conhecimento prévio para tal; e protocolos da Polícia Civil são rasgados para que determinado personagem esteja onde precisa estar em prol dos desejos do roteiro.

Filmes não precisam buscar a realidade. É um entendimento consolidado. No entanto, quando sua proposta busca a verossimilhança, o ideal é de que o roteiro respeite as regras do universo no qual está inserido; o próprio filme diz logo na abertura que é inspirado por histórias reais. A proposta era clara.

Com seus problemas estruturais, “Cinco Tipos de Medo” ainda busca um tom ultradramático para permear a vida das personagens, o que não é uma novidade para quem já viu “Crash – No Limite” (2004), de Paul Haggis, infamemente conhecido como um dos filmes mais frágeis a vencer o Oscar de melhor filme. A dinâmica é parecida: vamos conhecendo as personagens e descobrindo como suas vidas estão conectadas por eventos trágicos.

Apesar disso, é inegável que o filme tem ótimos momentos de ação. As sequências são bem dirigidas, a trilha sonora compõe de modo eficiente o clima desejado e a tensão é constante. De modo que “Cinco Tipos de Medo” é quase um filme pipoca, apesar de claramente mirar o caminho contrário.

Nota: 2,5 de 5.

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A coluna “Longas em curtas” desta semana está totalmente fluminense… e a semelhança entre os filmes para por aí. Para além do elemento geográfico, as obras que serão abordadas não poderiam ser mais diferentes.

As duas primeiras chegam ao circuito comercial nesta quinta-feira (02/04). Já a terceira estreou na semana passada. Temos opções para todos os gostos.

Boa leitura!

Cheiro de Diesel

Em dado momento do documentário “Cheiro de Diesel”, a jornalista Gizele Martins, codiretora do filme (ao lado de Natasha Neri), declara se orgulhar de fazer um jornalismo “que tem lado”. Assim como ela, este filme também tem lado, e o objetivo é claro: evidenciar os traumas deixados pela atuação do exército brasileiro nas favelas do Rio de Janeiro, que são alvo de operações militares desde 2014.

Portanto, não espere ver aqui qualquer tipo de relativização sobre a “necessidade” da presença militar para combater traficantes. Pelo contrário. O longa busca desconstruir a ideia de que havia risco iminente - por conta da escalada da violência - para justificar qualquer intervenção.

A tese defendida é de que o movimento foi realizado para tentar, de certa forma, “esconder” a Favela da Maré durante a realização de megaeventos esportivos, como a Copa do Mundo e as Olimpíadas de 2014. A favela é localizada num território “estratégico”: perto de áreas nobres, perto do aeroporto, etc.

Os registros do documentário têm início neste contexto e se estendem até os dias atuais. A intervenção militar de 2018 é abordada, paralelos com o contexto político atual são traçados e há um esforço para evidenciar que não se trata de um fenômeno isolado, mas sim parte de um contexto global, com conexão com o massacre do povo palestino, por exemplo. É um exercício de costura interessante.

Porém, o elemento mais chocante é também o mais elementar de qualquer “guerra”: o impacto na vida do civil, do trabalhador, da pessoa que estava no lugar errado na hora errada. Uma das histórias retratadas é a de um morador que acabou numa cadeira de rodas por ter sido atingido por disparos de militares. A partir daí, inicia-se a busca por justiça. No entanto, “o militar faz, o militar julga e o militar inocenta”, uma vez que supostos crimes cometidos por militares são julgados no Superior Tribunal Militar (STM).

Outro elemento aterrorizante, mas não surpreendente, é como a herança da ditadura militar é algo vivo, presente e nutrido nos quartéis do país. Ao longo da intervenção federal em 2018, ficou famosa a famigerada Sala Vermelha, utilizada para “interrogatórios”. Algumas vítimas desse espaço foram ouvidas no documentário. Não se trata de semelhanças com a ditadura, a palavra mais adequada é outra: método.

“Cheiro de Diesel” é didático, direto e certeiro em seus objetivos. Não há espaço para “o outro lado”, é verdade. Mas como poderia haver, uma vez que aqueles que deveriam zelar pela segurança do povo são os mesmos que atiram primeiro, perguntam depois e torturam na sequência?

Ruas da Glória

Em algum nível, “Ruas da Glória” é o “Baby” (2025) desta temporada. Saem de cena as ruas do centro de São Paulo, entram as do bairro da Glória, no Rio de Janeiro.

Em comum entre os filmes, está o fato de termos um protagonista deslocado, lidando com traumas e buscando algum nível de afeto/segurança/direção. A “virada de chave” se materializa na figura de um homem mais experiente, atraente e que atua como garoto de programa.

“Baby” é um tanto mais cru, mais denso e marginal. Já “Ruas da Glória” carrega um charme latente, especialmente por conta da casa noturna que os personagens frequentam. O protagonista também é mais interessante, ainda que, em algum momento, seja reduzido a uma figura abandonada, o oposto do que acontece na obra paulistana.

Podemos parar as comparações por aí porque, a essa altura, já está claro com que tipo de história estamos lidando. Dirigido por Felipe Sholl, “Ruas da Glória” acompanha Gabriel (Caio Macedo), um jovem professor de literatura que acaba de se mudar para o Rio de Janeiro. Quando seu caminho cruza com o do uruguaio Adriano (Alejandro Claveaux), tem início uma paixão intensa, mas com consequências imprevisíveis.

Um dos méritos da obra é o olhar afetuoso que lança para configurações familiares distantes da “tradicional família brasileira”. Carinho, afeto e segurança podem ser encontrados nos mais diversos lugares, já que família é aquilo que lhe faz bem e te oferece suporte emocional para seguir em frente.

É ainda interessante o modo como o protagonista lida com a ausência da pessoa amada. Adriano é conhecido na região por “sumir” em momentos de dificuldade. Para lidar com isso, Gabriel assimila parte da personalidade do outro, o que ocasiona rupturas emocionais significativas.

“Ruas da Glória” abraça o clichê do personagem em rota de autodestruição e, por consequência, segue um modelo de narrativa que não deixa espaço para muitas surpresas. Apesar disso, é bem atuado e competente dentro de sua proposta, se equilibrando entre cenas de sexo intensas e momentos de reflexão pertinentes.

Velhos Bandidos

Chega a ser impressionante como “Velhos Bandidos”, de Cláudio Torres, falha em quase tudo que se propõe a fazer. Há problemas de ritmo, montagem e, principalmente, de roteiro. De modo que não há elenco que compense tantas limitações.

A comédia parte da premissa de que um casal de aposentados (vividos por Fernanda Montenegro e Ary Fontoura) vai chantagear uma dupla de ladrões (Bruna Marquezine e Vladimir Brichta) para executar um furto a banco, enquanto são perseguidos por um investigador obstinado (Lázaro Ramos). Logo se vê que é uma trama um tanto genérica, abrilhantada apenas pelo pelo carisma do elenco.

O interessante é ter o protagonismo em um casal de idosos, tendência que vem ganhando mais espaço, tanto no cinema - com filmes como “O Último Azul” e o “O Clube do Crime das Quintas-Feiras” – quanto na televisão; “Only Murders in a Building” é um bom exemplo.

Porém, o roteiro parece ter medo de tratar os idosos como anti-heróis, fazendo de tudo para que a audiência entenda que, no fim do dia, eles são os heróis da história. Do mesmo modo, o texto tenta estabelecer ligações afetivas entre personagens para justificar a reta final, ainda que falhe em desenvolver tais relações em tela. Ou seja: tudo soa pouco natural, saído “do nada”.

Com diálogos frágeis, o longa tenta transmitir emoções com base na trilha sonora, que é extremamente invasiva e pouco inspirada. A montagem também peca em dar fluidez ao longa, deixando as transições de cena truncadas e um tanto abruptas. Há ainda uma insistência em filmar sequências inteiras como se fossem videoclipes, recurso estilístico que agrega pouco ao filme.

Humor é algo subjetivo. O que funciona para você pode não funcionar para outra pessoa. Dito isto, me parece justo afirmar que “Velhos Bandidos” não funciona enquanto comédia. O potencial das situações é desperdiçado com piadas simplistas e situações pouco desafiadoras para um filme que claramente busca inspirações em obras policiais e de espionagem. O resultado é uma obra tola, que não emociona nem diverte.

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Unir o pessoal e o político nem sempre é fácil. Refletir sobre si enquanto tenta entender o outro, tampouco. As limitações e os méritos de “Pele de Vidro” residem na curiosidade da cineasta Denise Zmekhol em buscar compreender a história do próprio pai enquanto algo muito maior do que um drama familiar estava em curso.

A diretora é filha de Roger Zmekhol, arquiteto modernista que construiu o edifício Pele de Vidro, no Largo do Paissandú, na capital paulista. Uma verdadeira joia do modernismo que passou de mão em mão ao longo dos anos até ser abandonada. E aí a desigualdade da metrópole entra em cena, com a ocupação do prédio por pessoas sem teto.

O ano é 2017 e Denise Zmekhol toma conhecimento da situação. Retorna ao Brasil depois de duas décadas nos Estados Unidos para tentar falar com as pessoas que moram no local. Durante o processo, roda um documentário sobre suas memórias em relação ao pai.

O aspecto pessoal move o filme, mas é também um ponto frágil. Narrado pela própria diretora, o roteiro verbaliza que pai e filha se distanciaram por conta do relacionamento do homem com uma nova mulher. Um episódio específico, no qual a diretora se desentendeu com o filho dessa mulher, é sublinhado como a gota d’água para o rompimento emocional.

A superficialidade com a qual o episódio é citado dificulta a criação de uma identificação com a situação. Parece faltar informações para que a audiência compreenda porque o distanciamento do pai pesou tanto para a diretora nesse momento de sua vida. De modo que, ao final do filme, toda a ressignificação que ela busca dar para a própria relação entre eles soa pouco orgânica.

Assim, o aspecto realmente interesse do documentário é a história do próprio Pele de Vidro, apelido do edifício que, na verdade, se chamava Wilton Paes de Almeida. A busca pelos esboços originais do prédio, os detalhes únicos da construção e a relação de admiração das pessoas com o edifício são interessantíssimos. O grau de afeto que havia entre dois arquitetos franceses com a obra brasileira, por exemplo, é o ponto mais emotivo do filme, o que diz muito sobre as dificuldades narrativas da obra.

Outro aspecto instigante é que o documentário joga luz sobre os diferentes tipos de grupos que organizam movimentos por moradia. A diretora entrevista lideranças de ocupações que trabalham de forma íntegra pela causa, o que serve de contraponto em relação a quem “administrava” a ocupação no Pele de Vidro.

O contraste evidencia a problemática da situação, já que o prédio estava longe de oferecer condições mínimas de moradia, além de ter sérios riscos estruturais. A “liderança” do Pele de Vidro barrou todas as tentativas da diretora de conversar com os moradores do prédio.

Por conta de uma tragédia, um incêndio em 2018 muda o cenário e o destino do documentário. Com os moradores em acampamentos improvisados, a cineasta finalmente consegue conversar com eles. Algumas histórias emocionam, enquanto outras são superficiais, muito pela aparente falta de um ponto a ser abordado pela documentarista para além do óbvio: o que será dessas pessoas agora?

“Pele de Vidro” parte do aspecto emocional, sem um norte muito claro, e encontra suas forças no social, ao se distanciar do drama particular e olhar para algo maior do que si próprio. Um verdadeiro exercício - não planejado - de desapego.

Nota: 2,5 de 5.

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Os dois filmes brasileiros que chegaram aos cinemas na última quinta-feira (5/3) estão nesta edição da coluna “Longas em curtas”.

Um deles certamente será lembrado no fim do ano como uma das melhores obras de 2026. O outro, bem… talvez não encante tanto quanto as belas paisagens nas quais foi rodado.

Além disso, temos o novo documentário de Lúcia Murat, que chega aos cinemas na próxima quinta-feira (12/3) e certamente encontrará seu espaço no debate público

Boa leitura!

A Vida Secreta de Meus 3 Homens

“Memória é ficção”

O mês é março e já temos um dos grandes filmes brasileiros do ano. Dirigido por Letícia Simões, “A Vida Secreta de Meus 3 Homens” é um ensaio reflexivo sobre memória e laços familiares, além de um exercício que tenta sintetizar algumas das feridas históricas do país.

A cineasta se inspira nas figuras do pai, do avô e do tio para promover o encontro de “três fantasmas”. Logo no início há uma ruptura com a imersão típica de obras de ficção, já que a própria diretora é questionada pelos atores sobre suas memórias com tais figuras. Além dos três homens, uma atriz (Nash Laila) interpreta “a narradora”, que é uma versão ficcional da própria diretora.

Filmes sobre memórias de seus realizadores, com conexões e reflexões políticas, estão longe de ser uma novidade no cinema brasileiro contemporâneo. “O Marinheiro das Montanhas”, de Karim Aïnouz, e “Retratos Fantasmas”, de Kleber Mendonça Filho, são dois ótimos documentários que exemplificam bem a ideia.

No entanto, o caráter experimental de “A Vida Secreta de Meus 3 Homens” é o que diferencia a obra, já que não se trata de um longa de fiçcão, tampouco um documentário convencional, de modo que encará-lo como um ensaio fílmico me parece a melhor opção. O segmento dedicado ao avô, interpretado por Guga Patriota, começa com o ator elencando as informações que lhe foram passadas sobre o homem para, em seguida, tentar traduzir, com sua interpretação, o que seria sua versão daquela pessoa. Ou melhor: do fantasma daquele homem.

Pouco a pouco, fica claro que a violência é um fator determinante na história dos três retratados – e da narradora/diretora. Há uma investigação em como tal elemento moldou a vida daquelas pessoas, e parte da ideia de Letícia Simões é tentar estabelecer paralelos com as chagas do Brasil. Extermínio de povos indígenas, machismo, violência de gênero e crimes da ditadura são alguns dos temas debatidos.

Ainda que os três segmentos retratem histórias independentes, há um esforço narrativo – além do fator da violência - para conectar emocionalmente todas as partes, muito baseado nas memórias da diretora. Letícia Simões investiga o passado da própria família para tentar entender lacunas que “não fazem sentido”. Isso é especialmente interessante quando o assunto são as viagens do pai, Fernando, durante sua infância.

É neste segmento que o filme realmente brilha, tanto pela leitura da diretora sobre o passado do pai quanto pelo “confronto” entre a narradora e o fantasma de Fernando, interpretado por Giordano Castro. Um momento fabuloso no qual o filme permite que os atores improvisem com base nas “memórias” que receberam sobre quem são suas personagens, o que resulta numa sequência arrebatadora.

“A Vida Secreta de Meus 3 Homens” trabalha brilhantemente a ideia de que nossos medos são “espasmos do passado” e que não há acaso para traumas geracionais, sejam eles de foro íntimo ou coletivo.

De Volta à Bahia

Para bem e para o mal, “De Volta à Bahia” é a uma comédia romântica tradicional. Longe ser memorável, tampouco desprezível. Não há ousadia, mas também não há grandes deslizes. A definição perfeita de ordinário.

Dirigido pela dupla Eliezer Lipnik e Joana di Carso, com roteiro de Joana di Carso, o longa não força a mão nos conflitos entre o casal. Os fatores que dificultam o final feliz e, por consequência, movem a trama, são mais relacionados aos problemas das duas pessoas com suas respectivas famílias.

Pedro (Lucca Picon) sonha em ser surfista profissional e viajar para o Havaí, mas sua mãe teme pela sua segurança, o que afeta o emocional do homem. Já Maya (Barbara França) tenta superar a morte da mãe e, ao mesmo tempo, evita se reaproximar do pai.

O roteiro tenta costurar como eles superarão essas questões familiares para, eventualmente, poderem se concentrar nos sentimentos que sentem um pelo outro. No papel é interessante, mas o desenvolvimento não é dos melhores.

Tudo se resolve de modo relativamente simples e sem peso. O roteiro usa elementos sem apresentá-los previamente, de modo que a montagem fica rendida; a cena do “acidente” no início do filme é um exemplo gritante da falta de cuidado na construção das sequências.

De modo que o transcorrer do filme é desinteressante. Com alívios cômicos frágeis, a obra aposta na tensão entre o casal, piadas bobas e mais um bocado de situações que deveriam ser engraçadas, mas que não passam de perfumaria.

A falta de profundidade também fica evidente pelo excesso de establishing shots. Qualquer transição é uma desculpa para colocar uma vista área de Salvador, como se as belíssimas paisagens da capital baiana fossem suficientes para que a audiência relevasse as limitações da trama.

Barbara França e Lucca Picon estão bem em seus respectivos papéis, mas nada que tire o filme do ordinário. Assim, “De Volta à Bahia” só funciona para quem busca romance descompromissado.

Hora do Recreio

Há ao menos dois momentos notáveis em “Hora do Recreio”, novo documentário de Lúcia Murat (“O Mensageiro”) que estreia na próxima quinta-feira (12/3). Em comum entre eles, está o apreço da cineasta por brincar com o formato, quase antecipando questionamentos da audiência sobre uma possível encenação dos relatos.

O filme reúne depoimentos de estudantes de escolas de ensino fundamental e meio do Rio de Janeiro. São jovens periféricos, em sua maioria negros, que compartilham traumas, episódios de violência familiar e preconceitos.

Foram ouvidos estudantes de quatro escolas, de modo que temos quatro blocos temáticos. O formato de entrevista varia. O primeiro grupo está dentro do que poderíamos considerar algo mais tradicional: alunos numa sala de aula compartilhando experiências após um questionamento da professora.

É já neste primeiro núcleo que Lúcia Murat afasta o documentário do ordinário, provocando uma quebra de imersão para colocar a produção do filme dentro da obra. É um sinal de reconhecimento de que aqueles depoimentos poderiam soar “programados”.

Em algum grau isso é verdade, já que os estudantes aceitaram participar do filme, sabiam sobre o que seriam questionados, provavelmente pensaram no que falariam, etc. No entanto, isso não diminui em nada a emoção, pois os relatos são pesados e não é raro que os jovens chorem ao relembrar seus tramas, esquecendo do dispositivo fílmico presente e dando um caráter genuíno ao propósito do documentário. Eis o primeiro momento notável.

O longa também tenta - de modo menos inspirado - situar o espectador nas “peculiaridades” que envolvem o dia a dia de uma escola no Rio de Janeiro. Exemplo: se há algum conflito ou operação policial na favela, a escola fecha, situação que pode se estender por dias, como visto no caso da “escola 2”, localizado no Complexo da Penha. Um desafio adicional para jovens que, muitas vezes, abrem mão da escola para trabalhar.

Voltando ao cerne da obra, por vezes, “Hora do Recreio” se vende como um espaço de debate qualificado. Todos os jovens que estão ali tem algum nível de engajamento com as causas defendidas pelo filme, evidentemente variando de intensidade. Por isso, o “outro lado” se torna uma ausência um tanto óbvia.

Ainda com os alunos da primeira escola, uma das estudantes diz que o governo estadual não autorizou a produção a rodar o filme no prédio real porque não querem que os alunos falem sobre os problemas daquele espaço, que envolve ofensas, machismo e homofobia. Nada disso é visto no filme. Parece-me uma decisão consciente: de violência, já basta o que esses jovens vivenciaram; ela não precisa ser exposta no filme.

Os relatos das escolas 2 e 3 (são classificadas assim no filme) também carregam alto teor dramático, mas é a escola 4 que realmente encanta de um ponto de vista audiovisual - nosso segundo momento notável. Ao discutirem sobre o livro “Clara dos Anjos”, de Lima Barreto, os alunos encenam uma peça teatral sobre a obra de um modo intenso.

Alguns dos melhores momentos estão nos questionamentos sobre a trama do livro e sobre termos utilizados no passado. E é realmente encantador ver como aqueles estudantes traduzem os acontecimentos da obra com base em suas próprias vivências, fazendo praticamente uma localização temporal, por assim dizer.

“Hora do Recreio” se notabiliza pela qualidade do debate, com a realidade servindo de contraste e, ao mesmo tempo, contraponto.

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Depois de um início de ano morno, o circuito comercial brasileiro começa a nos oferecer opções de forma mais consistente. Na edição de hoje da coluna Longas em Curtas, abordaremos três filmes que chegaram aos cinemas na última quinta-feira (26/2).

São dois lançamentos e a versão restaurada de um clássico absoluto da cinematografia nacional. Boa leitura!

É Tempo de Amoras

A busca por companhia e afeto é o grande motor narrativo de “É Tempo de Amoras”. Dirigido por Anahí Borges, o longa acompanha a relação entre uma senhora de 91 anos e uma menina de 8, que se encontram por acaso e passam a preencher as lacunas sentimentais de suas respectivas trajetórias.

Pasqualina (Rosamaria Murtinho) vive em uma casa de repouso e passa a desejar o reencontro com um antigo amor do passado. Antes mesmo de tal elemento ser revelado, o roteiro sabiamente estabelece, na cena de abertura – com um um gato -, que a mulher precisa de algo ou alguém em sua vida. A princípio cômica, tal sequência é ressignificada a medida que conhecemos melhor aquela personagem.

Já Petrolina, ou Pety (Analu Reis), é uma criança que se sente um tanto abandonada. Os pais são separados e ela vive com a mãe, que trabalha muito e “nunca” está em casa. O sentimento de distanciamento de laços afetivos é potencializado durante uma atividade escolar, na qual as crianças precisam falar sobre suas avós. E Pety não tem ninguém que ocupe esse espaço.

É uma união clássica entre personagens que se complementam. Bem-humorado, o longa consegue unir naturalmente o caminho das duas e a relação floresce de um modo genuíno. As interações, brincadeiras e diálogos entre elas são o coração do filme.

No entanto, o roteiro cai em um lugar-comum na sua hora final. Ainda que não cometa o erro de abraçar o melodrama, o texto não consegue fugir do óbvio: a desconfiança da mãe sobre o futuro de tal amizade; as ilusões impossíveis de uma criança; a saúde debilitada da idosa, etc.

Para verbalizar mensagens, o roteiro coloca na boca das personagens (especialmente de Pety) diálogos que quebram a naturalidade vista nas interações entre Pasqualina e sua “netinha do coração”, o que enfraquece o filme. O excesso de sequências em câmera lenta também causa incômodo por tentar ressaltar emoções que poderiam surgir de modo mais orgânico na narrativa.

Mesmo com deslizes, “É Tempo de Amoras” é um filme belo, com o coração no lugar certo, e uma ótima pedida para discutir as fases da vida com crianças.

A Miss

Se encarado apenas como uma dramédia familiar, “A Miss” é relativamente bem-resolvido. No entanto, o longa de Daniel Porto trata questões de gênero como algo que está sempre escondido. Há uma intenção narrativa, evidentemente, mas a execução é falha.

Na trama, Iêda (Helga Nemetik) é uma ex-vencedora de concurso de beleza na juventude que sonha que sua filha, Martha (Maitê Padilha), siga a tradição da família, apesar de a adolescente claramente não ter interesse. Depois de flagrar o irmão gêmeo, Alan (Pedro David), usando roupas femininas, a garota bola um plano para que ele a substitua no próximo desfile.

O longa encontra seus melhores momentos no melodrama familiar. Porém, há sempre um excesso no tom, já que os conflitos contrastam com o ar cômico que o roteiro tenta empregar.

Iêda é uma mãe extremamente autoritária e ríspida com seus filhos, dispensando uma série de ofensas quando é contrariada ou quando os adolescentes cometem algum erro. O nível dos insultos é realmente pesado, com frases como “você é seu próprio fracasso”.

O roteiro não traz elementos que justifiquem completamente tal comportamento. Iêda também foi treinada por uma mãe rígida desde a infância para ser uma modelo. No entanto, nos breves flashbacks, a sensação é mais de carinho do que de trauma. De modo que a “resolução” de parte do conflito proposto pela trama se prova simplista, tamanho o nível de toxidade familiar.

Já a discussão sobre identidade de gênero tem papel quase acessório. Ainda que faça sentido narrativo os irmãos esconderam da mãe que Alan substituía Martha no desfile, os sentimentos dele em relação a tudo aqui nunca são desenvolvidos. Bem da verdade, o personagem mal fala no filme. Quais são seus conflitos? Ele entende exatamente pelo o que está passando?

Ao mesmo tempo, o modo como os irmãos estruturam o plano também revelam outro ponto questionável do roteiro. Eles pedem ajuda do “tio Athena” (Alexandre Lino), um cabeleireiro que trabalha com a mãe deles e que é praticamente membro da família. A forma encontrada para justificar a participação de Athena no esquema envolve a ocultação de sua sexualidade, algo que reforça o incômodo em como filme sempre parecer tratar o tema como algo a ser escondido.

“A Miss” só funciona quando encarado como uma dramédia simples, centrada na figura de uma mulher “barraqueira”. Garante uns risos fáceis e sem profundidade.

São Paulo Sociedade Anônima

Clássico absoluto do cinema nacional, “São Paulo Sociedade Anônima” (1965) retorna aos cinemas em cópia restaurada em 4k, como parte da programação da Sessão Vitrine Petrobas. Dirigido por Luiz Sergio Person, o longa segue extremamente atual, tanto em forma quanto em conteúdo.

Interessante constatar o caráter profético do longa. Passadas seis décadas do lançamento, Person já diagnosticava perfeitamente a característica que seria fundamental para o sucesso e o fracasso de São Paulo: é uma cidade em que tudo passa depressa. As oportunidades, os relacionamentos, os dramas, as frustrações, as perdas, as tragédias. E, de modo até contraditório, mas não inesperado, é também um local oportuno para recomeços.

Retratando a euforia desenvolvimentista do final dos anos 1950, com o setor automobilismo em pleno desenvolvimento na capital paulista (graças ao investimento estrangeiro), a trama acompanha Carlos (Walmor Chagas), um jovem de classe média que se vê pressionado a abraçar o “sonho” do sucesso capitalista. Se tornar um homem relevante, respeitado, que proverá tudo que há de melhor para a esposa e os filhos que virão. Praticamente o “sonho americano” adaptado para o terceiro mundo.

Concomitantemente às pressões capitalistas, Carlos não consegue lidar com seus relacionamentos amorosos. Relações fugazes se misturam com ideias de família com as quais ele nunca se identificou. O resultado é uma pessoa frustrada e pressionada, que nunca soube ao certo o que queria e se vê sem saída.

A direção de Person é esplêndida. Para além de enquadramentos que contrastam o sentimento das personagens com a frieza da cidade, o diretor executa algumas cenas realmente geniais, como a movimentação de câmera que enfatiza o distanciamento de duas personagens durante um reencontro.

“São Paulo Sociedade Anônima” é um filmaço. Caso a versão em 4k não esteja disponível na sua região, a saída mais prática é recorrer à Netflix, que tem uma cópia excelente no catálogo. Só não deixe de assistir.

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Lançado há 24 anos, “O Quarto do Pânico”, de David Fincher, é um filme estiloso. Ainda que algumas resoluções possam ser telegrafadas, o que salta aos olhos desde o início é a forma como o diretor norte-americano nos insere naquele micro universo.

Os establishing shots do início, mostrando a colossal Manhattan, contrastam com o quarto de segurança máxima da casa da protagonista, compacto e claustrofóbico. Já a residência em si vira praticamente um personagem graças a movimentação de câmera de Fincher, que passeia pelos ambientes para que a audiência compreenda a geografia daquele espaço, algo fundamental para que o filme funcione. Mais do que isso: nos mostra todos os elementos que serão utilizados pelo roteiro, como o botijão de gás do lado de fora.

É um exemplo de obra que prende a atenção por conta do talento do diretor, ainda que alguns vejam certo grau de exibicionismo na condução. De qualquer modo, tal característica, por si só, já deve causar arrepios para qualquer cineasta que pretenda filmar uma nova versão, já que emular o estilo de Fincher seria algo difícil e, de certo modo, repreensível.

Por um lado, a diretora brasileira Gabriela Amaral Almeida não cai nessa armadilha. Responsável por “Quarto do Pânico”, adaptação brasileira do longa, ela não busca a estilização dos movimentos de Fincher, tampouco os recursos visuais que marcam o longa. Mas, por consequência, o que acontece é uma simplificação estética drástica, tornando este novo filme um suspense sem identidade própria. A obra foi lançada diretamente no streaming do Telecine em 13 de fevereiro.

A principal mudança em relação ao longa original é a motivação. Diferentemente da protagonista de 2002, que por acaso compra uma casa com um quarto do pânico, Mari, a mãe vivida por Isis Valverde, deliberadamente busca por um local seguro para ela e a filha Bel (Marianna Santos) morarem após a morte do esposo, assassinado a tiros durante um assalto.

Ainda que esse trabalho de adaptação faça sentido (e seja bem-vindo), ele também evidencia o quanto o roteiro original pesará na construção do novo filme. E aqui eu me permito dar um pequeno spoiler dos 10 minutos iniciais do filme. Na obra de 2002, a protagonista não ativa a linha telefônica do quarto do pânico porque ela não se importa com nada daquilo (e não espera usá-lo). Já na versão brasileira, o fato de a protagonista não chamar os técnicos para ativar plenamente os recursos da estrutura antes de se mudar soa inverossímil para uma pessoa que está obcecada por segurança.

De modo similar, a diretora repete fórmulas e situações do longa original que não se encaixam no roteiro deste novo filme, tal qual a sequência da cadeira na reta final ou o uso do botijão de gás. O roteiro, adaptado por Fábio Mendes, parece respeitar demais o texto-base, com nomes, frases, situações e soluções idênticas.

Até pequenas coisas são mantidas, como a pizza e o vinho no primeiro jantar na casa nova. Alguns acontecimentos são alterados, é verdade, mas praticamente não mudam a dinâmica dos eventos que já conhecemos.

Já a casa em si é consideravelmente maior do que a do original e com espaços abertos, deixando a experiência menos claustrofóbica, especialmente por conta dos planos abertos utilizados pela diretora. Até mesmo o quarto do pânico é mais confortável e funcional, o que também joga contra a imersão supostamente pretendida.

A questão tecnológica contemporânea, por sua vez, é pouquíssimo explorada. Não faz diferença alguma vivermos em um mundo com smarthphones, já que eles são tratados como meros telefones. Há uma passagem sobre “cortar a internet” da casa (novamente, adaptando o corte da linha telefônica do original) que chega a ser hilária. Afinal, conexão móvel existe.

Há também um esforço para repetir a ambientação. A trilha sonora de Rafael Cavalcanti claramente evoca a trilha original de Howard Shore, numa homenagem bem competente, é preciso dizer.

Como “Quarto do Pânico” praticamente não atualiza nada em termos estruturais, é realmente difícil compreender porque Gabriela Amaral Almeida abraçou o projeto. Trata-se de uma diretora autoral, com bons títulos no currículo, mas que não consegue trazer muito do seu cinema para essa releitura. E trabalhar a tensão em um ambiente isolado não é uma novidade para ela, visto o seu competente “O Animal Cordial” (2017), que se passa inteiramente num restaurante.

O ponto positivo fica na conta do elenco. Isis Valverde consegue traduzir fisicamente o trauma da protagonista e conduz de forma intensa a evolução da personagem ao longo da trama. O trio de ladrões - Marco Pigossi, André Ramiro e Caco Ciocler - está ótimo e a jovem Marianna Santos tem momentos inspirados.

“Quarto do Pânico” é uma adaptação sem identidade e que não consegue se justificar em momento algum. Só não é um desastre completo por conta do elenco e porque o material base funciona bem até hoje.

Nota: 2 de 5.

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Pelo segundo ano consecutivo, a diretora Rosane Svartman emplaca um filme sobre um tema pesado, mas conduzido com certa leveza, e que depende da protagonista para funcionar.

Em 2025, a cineasta nos entregou “Câncer com Ascendente em Virgem”, uma obra ordinária sobre a batalha de uma mulher contra o câncer. O filme é prejudicado pelo excesso de narração em off e de momentos clichês, mas que encontra sua força na atuação de Suzana Pires e do elenco de apoio, composto por Nathalia Costa e Marieta Severo.

Agora, em 2026, Svartman repete a fórmula com “(Des)controle”, codirigido por Carol Minêm. O longa, que estreou nos cinemas em 5 de fevereiro, acompanha Kátia Klein (Carolina Dieckmann), uma escritora de livros infantis que volta a beber depois de 15 anos de sobriedade, o que resulta numa série de problemas. Porém, diferentemente do trabalho anterior da cineasta, este não é salvo pela protagonista, que não consegue entregar muita coisa tamanha a falta de material para se trabalhar.

A narrativa parte de um momento de auge da crise, com Kátia numa situação inusitada (a imagem que abre este post), o que já alerta a audiência de que o filme terá um quê de comédia. Imediatamente voltamos ao passado, com o roteiro de Svartman e Felipe Sholl (“Manas”) tentando justificar por que a protagonista terá uma recaída.

O motivo para Kátia ter parado de beber era, basicamente, a “falta de controle”. Não sabemos como ela parou no passado, apenas fica claro que ela tornava-se uma “outra pessoa” quando bebia. Esse elemento é importante porque servirá de base para os momentos mais “sombrios” da crise. A personagem se vê, metafórica e psicologicamente, como outra pessoa quando bebe. Porém, a forma como o filme lida com isso é um tanto simplista.

É como se Kátia tivesse uma segunda personalidade quando está alcoolizada, um verdadeiro alter ego, com vontade própria e que afasta a personagem do “bom caminho”. O alcoolismo é uma doença séria, e por isso soa simplista materializar tal condição na forma de uma “segunda personalidade”.

Posteriormente, tal elemento narrativo deixa de ser cômico para se tornar dramático. É a tônica do filme como um todo: supostamente engraçado no início para falar sério na parte final. Tudo é escrachado na primeira hora, enquanto os 35 minutos finais tentam ser sérios e instrutivos, com reunião do Alcoólicos Anônimos (AA) e tudo.

No entanto, há mérito na forma como o longa discute a normalização do álcool na vida das pessoas desde cedo. Na casa dos 30 e poucos anos, este crítico já cansou de ouvir histórias de amigos sobre como o consumo de bebidas era incentivado em suas casas desde a infância. Sabe aquela história de colocar cerveja na chupeta do bebe? Ou achar engraçado a criança virar o restinho de cerveja da garrafa? Pois é.

Fora esse breve momento de inspiração, “(Des)controle” se posiciona como um filme simplista. Nunca chega a ser realmente engraçado, não consegue emocionar e, quando fala sério, é do modo mais institucional possível. Não há personalidade própria, muito menos alguma provocação, como visto no controverso “Druk - Mais uma Rodada”, do diretor dinamarquês Thomas Vinterberg.

Carolina Dieckmann é boa atriz. Se esforça para dar profundidade a personagem, mas o roteiro não consegue criar situações que fujam do esperado, independentemente do tom do momento. E, quando tenta passar recados, o faz de forma rasa, como a risível sequência na qual a protagonista pega um táxi, e calha de ser uma mulher na direção.

Veja, o tema é sério, o filme pode servir de alerta, mas é tudo tão maniqueísta que se torna impossível não perder a pouca imersão proporcionada.

Nota: 2 de 5.

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