Eu costumo utilizar fotografias como referência para desenhar. Poses, expressões faciais, cenários, etc. Não consigo desenhar de imaginação. Queria ser tipo aquele coreano doido, o Kim Jung Gi e desenhar um mundo inteiro de imaginação. Dizem que basta dominar as formas básicas — cubos, esferas, cilindros e pirâmides — que você consegue desenhar qualquer coisa a partir delas, mas eu não aguento ficar desenhando essas coisas nem por 5 minutos.

Acontece que sempre tive um problema sério em fazer dever de casa. Desde criança, minha mãe assinava os bilhetes falando que eu não tinha feito a tarefa. Cresci e o padrão se manteve no ensino médio, na faculdade, nas aulas de desenho. Esses dias pensando sobre isso, eu concluí que não consigo estudar só para aprender. No caso de aprender a desenhar, quero aprender desenhando coisas do meu interesse. Entendo minhas limitações e resolvo utilizando fotografias como referências, tal como fazem/fizeram milhares de artistas, famosos ou não.

A fim de resolver essa questão, de onde achar boas fotos para desenhar, eu cheguei em uns sites que simulam sessões de desenho de modelo vivo, mas no caso com fotografias. Você programa o tempo de cada sessão para fazer cada desenho e o motivo, por exemplo, figura humana. O site vai te dando imagens aleatórias de pessoas em poses também aleatórias para você desenhar. Já tentei estes sites e também não funcionaram para mim. Foi tipo fazer dever de casa. Umas poses que não me entusiasmam, uma figura sem vida, que eu não queria ver de novo. Então resolvi montar meu próprio banco de imagens, com aquelas que me dão vontade de desenhar. Abri uma pasta no Pinterest, mas aí veio outro problema, dois para ser mais exato.

O Pinterest, assim como qualquer rede social, existe para fazer você rolar o feed e te prender ali um, quanto mais olhos presos na tela, melhor é o argumento para convencer anunciantes. Você que já tem uma certa idade, sabe como era ali no final dos anos 90 quando Gugu e Faustão ficavam disputando números do IBOPE? Então, hoje acontece quase a mesma coisa, mas a disputa se dá entre as big techs. Bem, voltando ao que eu estava falando sobre o Pinterest; ao abrir o site para acessar a pasta de referências, uma imagem PAH me salta aos olhos e então sou sugado para o buraco do coelho de Alice no País das Maravilhas. Então o que era para ser uma sessão de desenho se torna mais uma sessão de coleta de referências. O mesmo acontece com o Instagram, eu entro para ver uma coisa específica e, quando percebo, passei 3 dias vendo reels. O segundo problema é a performance das imagens. Tudo que está lá passou pelo filtro do algoritmo, da curadoria de alguém para então chegar na minha. Você escolhe uma foto e, lá mesmo no Pinterest você já vê uma porção de desenhos feitos a partir dela. O site te dá boas referências, mas a profundidade bate ali na canela. Onde estão as fotos da cena punk de Nápoles? Onde estão os zines Riot Grrrl da cena da Andaluzia? Onde estão os manuscritos sufis? Onde estacionei o carro?

Para fugir do scroll e dos algoritmos, minha saída foi fazer um caderno de referências. Dei nome e tudo: Caderno Pitoresco Universal. Nada como a boa e velha atividade manual, offline. Revistas velhas — algumas muito velhas — e fotos impressas, tesoura, cola e um caderno feito na copiadora. O objetivo é preencher as páginas com as imagens. Depois abro o caderno aleatoriamente e desenho. Tudo que está ali passou pela minha curadoria, logo eliminei o atrito da escolha. Eliminar atrito é um conceito-chave. Se você passa tempo demais escolhendo, as chances de você não fazer são muito grandes. Então, com o trabalho de curadoria feito e sem a distração de novas recomendações, o caminho para pegar no lápis e desenhar estava trilhado. Mas eu gosto de complicar as coisas.

Meu trabalho tem essa estética de colagem, que normalmente eu vou “colando” enquanto desenho. Isso significa que, eu não desenho a figura inteira da foto. Escolho uma parte, o tronco por exemplo, depois procuro umas pernas que encaixem ali e por aí vai. Mas com as revistas, eu resolvi criar personagens de colagem, à maneira clássica. Então, o que era para ser um arquivo de fotos, passou a ser o laboratório do Frankenstein onde todo dia um ser esquisito é adicionado às páginas. Colagem é uma parada massa de fazer. É comum eu juntar duas ou três peças, formar uma figura ridícula e achar graça dela.

Problema resolvido. Não preciso ligar o computador nem o celular para escolher uma foto e então desenhar. É muita etapa. Agora basta pegar o Caderno, abrir em qualquer página que o objeto já está lá, é só fazer. Porém surgiu outro problema. Agora passo mais tempo folheando revista, recortando e colando, do que desenhando. O Caderno Pitoresco Universal vai enchendo rapidamente enquanto o de desenho continua uns 98% em branco.

Troquei a dopamina do scroll pela dopamina de colar fotos em um caderno. No meu caso a distância entre quem a gente acha que é e o que a gente faz de fato é de uma tesoura.

Ou talvez eu não seja um desenhista, e sim um cortador.

Memorando

No dia 12/09, participo da feira E-Cêntrica, no Centro Cultural Octo Marques. Vou levar trabalhos autorais, gravuras e publicações. Se estiver por Goiânia, apareça — e se não estiver, responda a este e-mail que a gente conversa.

Nestes rolês de trombar amigos e colegas, uma pergunta recorrente deles é querer saber o que eu ando fazendo, o que eu ando produzindo. E aí eu sempre respondo um “Ah, correria, trabalhando.” A verdade é que nos últimos dois meses eu andei envolto em reformar meu site e é uma tarefa nada empolgante de se comentar. Pelo menos eu não sinto nenhum entusiasmo nisso. É tipo quando eu trabalhava de assistente administrativo na CELG (antiga Companhia Energética de Goiás, antes de ser privatizada) fechando protocolos de reclamação. Zero interesse em comentar com alguém sobre aquilo.

O antigo site era deveras ruim. Mostrava apenas uma parcela mínima da minha produção, deixando de fora um monte de coisa que eu acho legal. Fiz aquela primeira versão numa época em que eu queria ser visto somente como um artista visual e não como um artista/ilustrador/designer que sou de verdade. Logo, uma galera simplesmente não sabia que consigo fazer cartazes, diagramar livros, fazer estampas de camisetas, etc, etc. Essa semana eu terminei essa primeira etapa do site, o portfólio — ainda faltam a loja e o blog. Fazer o site, do jeito que eu estou imaginando, é tipo lavar louça, quando acha que acabou, aparece mais coisa para lavar. Toda semana eu mexia um pouco nele e riscava itens da lista de tarefas. Poucas coisas são tão prazerosas quanto riscar itens de uma lista.

Passei grande parte da minha vida profissional sem um lugar adequado para mostrar meu trabalho, sempre pulando de uma rede social para outra, fazendo amigos e contatos e perdendo esses amigos e contatos quando eles — e eu — decidiam encerrar a conta numa rede. Às vezes nos reencontramos em outra, mas muitas relações foram perdidas para sempre. Então, dois anos atrás, após ver alguns colegas abrirem contas novas no Instagram, porque perderam a antiga por qualquer motivo, me bateu uma noia de eu perder a minha. Tenho uma conta lá há 10 anos, e então me dei conta que foi tudo que eu construí em relação à presença na internet. Não tinha coisa minha em quase lugar nenhum. Se minha conta caísse eu tinha um problema sério pois perderia grande parte do meu público. Uma galera silenciosa, que me acompanha, interage pouco, e eu não sei quem são.

Outra coisa que ficava me incomodando é o próprio funcionamento das redes, o funcionamento dos algoritmos e a estratégia de esquecimento, apagamento. Simplesmente acho uma merda ter que ficar implorando engajamento para os amigos, para tentar não cair no buraco negro da “irrelevância”. Meio absurdo uma máquina decidir o que é irrelevante. Na era dos blogs o ato de acessar a internet era ativo. Era tipo abrir a Wikipédia. Você lia um artigo, que linkava outro. Ali do lado tinha uma lista de sites parceiros, e você podia abrir eles e aprofundar em determinados assuntos. Conheci um milhão de bandas em blogs. Era uma opção muito boa ao ato de zapear os canais de TV em busca de um programa minimamente decente, ou fugir do cardápio determinado pelos anunciantes. As redes sociais quebraram a dinâmica dos blogs, na real ninguém lê blog mais, só as IAs, e o que recebemos de volta é uma TV, com bilhões de canais para ficarmos zapeando num feed infinito. E para mim a maior questão não é o que chega ou deixa de chegar, é o que permanece, porque “salvar” o conteúdo nem sempre significa que vamos voltar a ele. A engenharia da rede não é feita para isso.

Em 2022 eu trabalhei em uma exposição retrospectiva do quadrinista Júlio Shimamoto. Exposição essa que contava com trabalhos produzidos desde os anos 50. Esta exposição girou uma chave de como eu cuidava do meu próprio arquivo, que na verdade não existia. Foi a partir dessa experiência que comecei a entrar de cabeça em arquivos públicos. O meu favorito, talvez seja o Arquivo Edgard Leuenroth, localizado na Unicamp. Leuenroth foi um tipógrafo e jornalista anarquista que criou um arquivo das lutas operárias no Brasil. Sua obra foi um ato de resistência ativa. Ele entendeu que a memória é uma forma de poder. Ao guardar a história dos trabalhadores, ele garantia que as gerações futuras tivessem acesso a um conhecimento que o poder hegemônico constantemente tenta apagar ou distorcer. E pensando na nossa vidinha cotidiana, eu tenho uma teoria de que qualquer pessoa deveria ser um arquivo próprio, mesmo aquelas que se acham as mais desinteressantes.

Somos acostumados à história dos líderes, dos vencedores. Steve Jobs é deus, mas quase ninguém sabe do nome do nerd que fez o computador funcionar. O próprio Instagram, que eu critico aqui edição sim e outra também, é cheio de contas de pessoas comuns que decidem mostrar na rede a sua rotina comum, e no final das contas a gente descobre o quão extraordinário é aquilo. Não estou falando de influencer fingindo surpresa com recebidos, mas sim do cara que colhe mandioca e mostra como faz, ou da senhora que planta tomate em caixas de isopor na laje de casa. E a ideia de fazer isso em um site, fora de uma rede, é tentar preservar aquilo online o máximo de tempo possível, de vez em quando mandar no e-mail das pessoas, como eu faço com esta newsletter. Ou seja mais radical e apenas guarde, offline. Quem sabe no futuro você cria um museu ou um arquivo a partir da sua obsessão por algum assunto.

Meu site/portfólio foi publicado no mesmo dia da exposição do Calaça e quando eu o vi no ar, foi tipo uma vitoriazinha. Depois de semanas abrindo pastas e pastas, revirando backups de fotos, consegui separar o mínimo necessário para mostrar às pessoas o que consigo fazer. Esse processo me relembrou muito trampo que merece ser visto novamente, e outros que merecem ser enterrados de vez, tipo lembrar para esquecer. Risquei as tarefas da lista, desliguei o computador e fui ver as pinturas mais legais da cidade.

Memorando:

Meu site/portfólio está no ar. Nele você encontra uma seleção do que faço — e se algo fizer sentido para um projeto seu, responda a este e-mail.

diogorustoff.com

Em uma ocasião, eu e Thata fomos ao Museu do Ipiranga. Eu já conhecia, para ela era novidade. Depois de muito custo e um bronzeado involuntário na fila de entrar, eu estava novamente diante de todas aquelas pinturas maravilhosas que vemos nos livros de história. Realmente muito bonitas e impressionantes, ao vivo é outro rolê. Fico admirado com a técnica, as dimensões das obras, mas naquele dia algo me incomodava. Tudo muito bonito, mas sei lá. Peguei o celular por hábito, para ver qualquer coisa, e então me deparo com a notificação de mensagem de um amigo, compartilhando uma charge do Robert Crumb. Li e ri, bem ali, em frente ao Grito do Ipiranga.

Sempre estou de olho na história da arte, na arte contemporânea, na arte de rua. Passo a limpo todos os indicados do Prêmio Pipa, acompanho os destaques das Bienais, dos festivais de street art, gasto dinheiro com livros e ingressos de museus. É preciso estar atento e forte, já cantava Gal Costa. Se quero me fazer artista, é preciso ver arte; não com o objetivo de copiar ninguém, mas para se atualizar do que estão fazendo e do que já foi feito e saber os nomes de quem faz/fez as coisas. Ninguém cria nada sozinho, ninguém constrói uma carreira sozinho.

E nesta observância toda, eu acabo me deparando com artistas ou obras que batem forte, aquelas que me fazem soltar um “nossinhora, aí sim”; mas confesso que muitas outras não são para mim. Às vezes por não entender os signos, outras por não ter interesse no formato e outras vezes por achar o autor um idiota tentando me fazer de trouxa. Mas está tudo certo, como eu disse, não é para mim. Da mesma forma que sei que meu trabalho não é para uma galera, e muitos me acham um idiota também. Entretanto, depois de anos lendo zines anarco-punk eu consegui matar o policial da minha cabeça, cada um é livre. Se você acha que está bom, então deve que esteja mesmo. Faz o que tu queres, pois é tudo da lei, já cantava Raul Seixas.

Por mais boa vontade que eu tenha em acompanhar o que a galera está fazendo na arte contemporânea e na arte urbana, basta uma charge do Robert Crumb no Whatsapp para a contracultura me chamar para um café. E então é como sentar com uma velha amiga e colocar a conversa em dia, aí sim a coisa flui naturalmente, tipo Mano Brown cantando “Jesus Chorou”. Eu entendo os signos dela, sei das dores e sei do que acha graça.

Tenho uma teoria, que eu desenvolvi junto com as vozes da minha cabeça, que as melhores obras nascem a partir de situações que vivenciamos em algum momento da vida. Com certeza, gente mais inteligente do que eu, já estudou isso e estou aqui descobrindo o fogo. Talvez se eu fosse mais atento a estudos de psicologia, assim como sou com a arte, eu estaria por dentro desse assunto, mas assim, eu não consigo me inteirar de tudo, ninguém consegue. De qualquer forma, cheguei à conclusão da minha brilhante teoria, depois de ler, ver e ouvir, centenas de entrevistas com profissionais criativos, sejam eles artistas ou não, falando de suas criações. Muitas vezes são eventos em seus anos de formação, como o Chris Rock e a série Todo Mundo Odeia o Chris, ou as histórias que o Gabriel García Marquez ouvia quando criança em Aracataca, que resultaram no Cem Anos de Solidão. Claro que se alimentar da infância e adolescência não é regra, mas é o período em que os primeiros marcos se estabelecem.

Essas experiências vão criando âncoras, marcos, estéticos e conceituais. Eu consigo nomear algumas das minhas âncoras. Acho que a primeira foi as revistas Chiclete com Banana e Piratas do Tietê do Angeli e Laerte, respectivamente. Depois veio punk o skate, tudo isso antes de eu imaginar que alguém poderia viver de desenho — ou sobreviver. Mais tarde veio a arte moderna e uma chave se abriu. Descobri ali que eu não precisava ser um mestre do desenho, da anatomia para ser um artista. Após isso vieram outros, mas não vou me prolongar na lista. De qualquer forma, minhas âncoras mais firmes estão na contracultura, ou em algum movimento que foi contracultura antes de ser assimilado pelo espetáculo. Hoje até tento encontrar algumas na arte contemporânea, mas poucas se mostraram firmes o bastante para me fazer voltar a elas.

Naquele mesmo dia em que fomos ao Museu do Ipiranga, depois de horas na fila e onde eu andava meio assim diante de algumas das pinturas mais importantes do país, havia uma reprodução de uma obra minha. Só passamos pelo martírio da fila porque a Thata queria ver tanto a obra quanto o museu em si, que, dentre outras coisas, está na dissertação de mestrado dela. A obra em questão é a pintura Grau - Fake Hero, que ilustra a estátua do Anhanguera — de Goiânia — jogada em uma caçamba de entulho enquanto dois adolescentes passam empinando a bicicleta. Esta reprodução está na sala, cercada por obras primas de mestres que fizeram retratos de bandeirantes ou imaginaram cenas históricas. Ela está lá como contraponto de como artistas contemporâneos lançam um olhar crítico sobre a história de glórias dos bravos bandeirantes. Traduzindo em palavras, minha humilde pintura representa meu desprezo pela estátua e glorificação de colonizadores escravocratas. Esteticamente ela bebe das histórias em quadrinhos underground, conceitualmente ela come do punk.

Depois de uma hora, cansado de andar naquele prédio enorme, cozido do sol e com fome, fomos embora. Passei numa loja para comprar o então novo quadrinho do Victor Bello, Sinuca Paranoid. Thata abriu seu mapa de restaurantes e localizou o café mais próximo. Fomos matar o que nos matava.

Enquanto íamos bebendo o café da prensa francesa, eu folheava a revista e ria dos desenhos horríveis do Victor. Já a Thata, me olhava com a cara de julgamento das idiotices que eu consumo.

Memorando

Esta newsletter é escrita sem Supervisor e sem IA — conforme atestado pela IA Pangram (risos). Se você quiser apoiar esse espaço, responda a este e-mail ou assine o plano pago. E se quiser ver o que ando fazendo quando o Gerente de Vendas assume, solicite o catálogo enquanto o site não fica pronto.

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A ideia inicial era tirar esse tempo matutino para desenhar à toa, estudar desenho, passar o olho nos milhares de PDFs e livros acumulados, rabiscar ideias. Eu chamo de meditar no caderno. Fazer um desenho automático, tomar notas, despejar o fluxo de pensamentos. Mas eu sou um fruto da Revolução Industrial. Apesar de toda essa imaginação e os desenhos estranhos que faço, tem um Supervisor de Produção muito FDP batendo ponto na minha cabeça todo santo dia.

Eu queria chegar no ateliê, fazer alguns estudos de desenho (logo serão feios porque eu vou tentar coisas que não sei fazer) e então começar a trabalhar nas tarefas daquele dia. Isso nunca funcionou por conta de uma parada da qual descobri o nome recentemente: Síndrome do Segundo Propósito. Esse lance é o ego que não aceita que a obra exista por si só. Ela precisa ter impacto para justificar a minha própria existência. O que era para ser um estudo, ou seja, material que possivelmente iria para o lixo, se tornou matéria-prima para outra coisa. E aqui entra o parça da Síndrome: a Paralisia Por Excesso. Que é o ego superestimado, que acredita que precisa fazer a escolha perfeita. O que fazer com os desenhos que eu IREI fazer? Um zine? Não, uma revista? Uma revista anual, com convidados. Não, um livro... E assim nasce outro projeto que nunca vou desenvolver. Eu nem fiz os estudos e já estou pensando o que fazer com eles. Já estou julgando que os desenhos serão legais o suficiente para eu gastar uma grana publicando-os em uma mídia física e que a galera vai gostar. Como eu me dou muita importância, viu!

A escolha de propósito é aceitar que existe uma Ordem nas coisas, no mundo. Os roteiristas do país Brasil nos mostram todo dia que vivemos no puro Caos. O mundo gira e o grupo que governa ele é borderline, muda de humor toda hora, quebra as coisas, tira de um lugar para colocar no outro. E no meio disso tudo, estamos nós, fazendo nossas listas de metas e tarefas no app de organização do momento. A Ordem não vai julgar meu “passo em falso”, até porque ela não existe e ninguém se importa. Meus amigos vão lamentar comigo se meu plano não der certo, mas beleza, vou sobreviver. A parada é não criar caso demais.

Por mais que eu tente despedir o Supervisor, ele continua lá. Tentando otimizar o tempo, aproveitar tudo que eu faço, tudo tem que ser bom, para virar produto. O pior é que eu sei que as coisas não funcionam dessa maneira. Tipo, o Tony Hawk levou 10 anos para conseguir acertar a manobra 900º. 10 anos caindo naquela rampa. Quando ele finalmente acertou o primeiro, foi na 12ª tentativa do dia. Para fazer um bom trabalho é preciso jogar muita coisa fora. Mas o Supervisor não aceita isso. Tempo e materiais são escassos. Eficiência acima de tudo, a utilidade acima de todos.

A arte é meu negócio. Eu não posso ser romântico demais (mais do que já sou) e transformar o que faço em um tipo de deus do deleite e da criatividade. Mas por outro lado, tratar o processo criativo e a rotina do ateliê de maneira racional, produtivista e utilitária é mandar tudo para o abatedouro. Porque eu tenho controle apenas sobre mim mesmo e olhe lá. Frequentemente eu tenho uma imagem na cabeça e ela sai totalmente diferente no papel, por razões mil. Às vezes eu dou sorte e consigo uma boa imagem. Mas isso só ocorre quando o Supervisor vira as costas e eu me deixo levar pelo fluxo. Aí sim, quando essa boa imagem ganha vida, eu aciono outro ego, o Gerente de Vendas, para trabalhar esse material.

Um exemplo claro de como tudo isso funciona é minha newsletter. Nela não há Supervisor nem Gerente, porque não há mercado envolvido. A ideia é só escrever e mandar para vocês. Alguns poucos, de pura generosidade, apoiam financeiramente, mas nunca tive a ilusão de pagar contas com ela. O resultado disso tudo é um espaço de experimentação e desenvolvimento da minha habilidade de escrita. O que vou fazer com isso no futuro, talvez nada. Mas ela é um território livre onde o único poder exercido é o prazo de entrega, quinzenal. Aqui o motor de criação é o desejo, que nasce do meu Caos. Assim como eu tiro uma manhã para mandar o Supervisor passear e me dedico à escrita, a experiência de escrever a newsletter me mostra caminhos de como fazer isso naquela uma hora e meia toda manhã. Um período de tempo autônomo, entregue à brincadeira. Não se dê tanta importância, fí.

Hoje, no dia em que escrevo este texto, não aproveitei minha hora matutina. Acordei mais tarde, tive uma recaída e me perdi nos feeds, vi notícias ruins, e depois das 9h cheguei no ateliê com meu café e um pouco de dor de cabeça. Mesmo atrasado para iniciar os trabalhos, peguei o caderno rabisquei coisas, escrevi frases que provavelmente nunca vou reler. O Supervisor já estava cobrando as tarefas do dia. Como eu odeio esse cara.

Memorando:

Esta newsletter é o território onde o Supervisor não entra. Se você quiser apoiar esse espaço, é só responder a este e-mail ou assinar o plano pago. E se quiser ver o que ando fazendo quando o Gerente de Vendas assume, solicite o catálogo enquanto o site não fica pronto.

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A Lâmina está de volta. O Artista Operário achou que poderia passar despercebido por nós. Saímos do papel e chegamos no seu email. O espírito é o mesmo - borrar a fronteira entre verdade e mentira, atacar a moral, praticar terrorismo poético.

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Passar horas procurando a foto de uma obra no meu computador bagunçado desencadeou um trabalho de organização e arquivo que eu nunca tinha feito antes. Um tipo de basta. Um tipo de crise de meia idade “vou mudar as coisas por aqui.” Mais de semana nessa peleja. O lado bom é que estou aproveitando o rolê para reformar meu site. Hoje ele parece um tipo de casa fechada, que o dono vai as vezes só pra ver se ainda está de pé. O lado bom é encontrar ideias abandonadas, mas com potencial. Encontrar trabalhos que merecem aprofundamento. Uma dessas ideias seria um tipo de filhote do zine A Lâmina. Mas antes de divagar sobre o futuro é preciso conhecer o passado, como diz a frase: “Quem não conhece a História está condenado a repeti-la. Dito isso:

A Lâmina é um zine que tem 14 edições. Começou em setembro de 2022, durante as ridículas comemorações dos 200 anos da Independência do Brasil. Era produzido por mim com colaboração de alguns colegas aliados do Ateliê Estilete. Lançado mensalmente, continha entrevista com algum artista do stencil, tutoriais, seção de cartas, jogos, calendário de datas comemorativas e a história do ateliê. Borra a fronteira entre verdade e mentira.

Convocação

O Comitê Nacional dos Operadores de Ferramentas Perfuro Cortantes – OFEPEC. convoca todos os interessados nas atividades de cortes, profissionais e amadores, para reunião extraordinária a ser realizada no próximo dia 27 na sede da Fundação do Serrote Cego localizada na Rua Tupinambás, n° 1312, Conjunto Anhanguera. Estará em pauta a atual política de emburrecimento/embrutecimento promovida pelas Bigs Techs através do incentivo do uso indiscriminado de IAs. O OFEPEC convoca a todos para traçar estratégias de rompimento dessa política através do corte dos membros vitais. Serão debatidos as melhores ferramentas para a execução de cortes rápidos e precisos, sabotagem de pontos vitais, descomunicação oficial e receitas de macarrão. Evento aberto a todos os interessados, sem necessidade de reserva.

História do Ateliê Estilete.

O Ateliê Estilete nasceu em 1922 como sede recreativa da Manufatura Cutelaria Talha S/A, localizada no então gracioso município de Campinas, no estado de Goiás. O Ateliê tinha como missão promover o uso recreativo dos produtos da manufatura por meio de cursos de escultura em madeira, a produção de estênceis para a estamparia, e a criação de imagens por meio da colagem. Somado a isso, o Ateliê também promovia debates a respeito das técnicas modernas de corte. Em 1968, devido à sua forte postura crítica em relação ao então regime militar, a Manufatura foi fechada e seus dirigentes presos. Nesta ocasião, o Ateliê teve sua sede ocupada pelo Exército, suas atividades foram proibidas e seus integrantes se dispersaram. Entretanto a comunicação entre os associados e as atividades permaneceram ativas por meio de Zonas Autônomas Temporárias. Os encontros eram marcados através de uma extensa rede clandestina de comunicação, e aconteciam mensalmente, sempre em locais diferentes. Em 1991, o sócio Domingus Filho adquiriu um terreno no bairro Jardim Bela Vista em Goiânia e deu início à construção da nova sede do Ateliê Estilete. Com a construção do novo espaço, foram retomadas as atividades educacionais e científicas, as pesquisas tecnológicas relacionadas à prática do corte, a leitura de textos políticos, a produção de obras de arte e as atividades recreativas. Essa expansão também permitiu ao Ateliê Estilete iniciar sua produção editorial voltada à divulgação de obras literárias e trabalhos de artistas emergentes.

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Existe uma moral que santifica o trabalho árduo, penoso, braçal, de longuíssima duração em detrimento do trabalho intelectual ou artístico, ou mesmo aquele trabalho simples que é feito com prazer, a não ser que este também seja árduo, como um escultor que trabalha um enorme bloco de pedra. É uma moral que acredita que devemos sofrer para obter o lucro, que devemos trabalhar enquanto eles dormem, que a remuneração só deve ser proporcional às longas e exaustivas horas trabalhadas.

E o enriquecimento, a obtenção de bens só pode vir a partir desse trabalho duro. Enriquecer é muito bem visto e almejável. Mesmo um golpista, ou criminoso, recebe a admiração de todos quando, começa a ostentar bens de luxo, fingindo o lucro de uma empresa de fachada.

O segredo para adquirir o respeito de grande parte da população, educada pela moral trabalhista é fingir que está sempre ocupado. Não importa a ocupação. Mas mantenha sempre uma cara séria e um ar preocupado, comente que o dia foi longo e cansativo.

O Lâmina existe para bagunçar as certezas. Num mundo que exige produtividade, transparência, autenticidade, fazer um zine que mente descaradamente é um ato de preguiça produtiva. Uma simpatia contra a moral do trabalho. Já pensei em retomar a produção das edições impressas, mas entendi que o ciclo foi fechado, porém ainda gosto da ideia. De vez em quando, é bom lembrar que a ficção é uma ferramenta de trabalho tão legítima quanto o estilete.

Atenciosamente
Es Editores

Memorando

Estou reformando meu site e reorganizando meu portfólio. Se você precisa de um ilustrador, designer ou artista para seu projeto, responda a este e-mail. E se quiser conhecer todas as edições do zine A Lâmina, elas estão disponíveis neste link

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No capítulo anterior: “…Os quatro rapazes estão na pasta, mas já quero transformar em lambe. Daqui a 15 dias eu conto para vocês se deu certo...”

Passaram-se duas semanas e eu não fiz os lambes. Não porque o método falhou, mas porque fui tragado por dezenas de tarefas de trabalho interno. Sabe aquela analogia da ponta do iceberg? Para cada peça divulgada, existem camadas e camadas de trabalho feito, que não vêm a público. Comigo não é diferente. Meu ateliê tem suas temporadas. Períodos em que eu produzo muito e períodos em que o trabalho de base precisa ser feito. Este mês de junho está um pouco por aí.

Uma das tarefas que precisei fazer foi organizar meu portfólio de ilustração. Passei uma manhã inteira abrindo várias pastas no computador para separar trabalhos. Categorizar por finalidades, temas, estéticas e por aí vai. Apensar de meu computador ser uma bagunça, eu tenho um mínimo de organização, separando pastas por ano. Eis que na pasta do ano 2021 eu me deparo com um projeto que me desafiou. Durante aquele ano, eu desenhei 365 pessoas ligadas ao rap (MCs, DJs e produtores). Publiquei um por dia na página Rap É Compromisso.

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Em 2019 eu comprei os livros Hip Hop Genealogia. Uma história em quadrinhos muito legal que conta a história do movimento, de maneira bem detalhada, com centenas de personagens obscuros. Tanto o trabalho de pesquisa quanto o conjunto de ver toda essa galera reunida me chamou bastante a atenção. No final daquele ano, mais ou menos ali por novembro, numa noite ouvindo rap e a chuva, peguei um pedaço de papel e umas tintas para desenhar o MF DOOM (“Just remember ALL CAPS when you spell the man name”). Fiz para mim mesmo e vi que era bom. Resolvi fazer outro personagem e então saiu o Old Dirty Bastard do Wu-Tang Clan. Guardei os dois.

Sempre gostei de coleções — tenho uma de adesivos de frutas, outra de arte punk. Aqueles quatro rapazes que falei semana passada vão fazer parte de outra coleção. A ideia de um conjunto padronizado de coisas do mesmo tema me pega. E foi isso que me fisgou no Rap É Compromisso, uma coleção de 365 pessoas. Ver um conjunto, mais ou menos padronizado de coisas do mesmo tema me chama muito a atenção e eu sempre recorro a essa ideia de ter um conjunto de alguma coisa. Lá no final de 2020, depois de cruzar por uma página no instagram que publicava um Mano Brown por dia, eu decidi fazer o mesmo, e publicar um rapper por dia. Claro que fiz sem pensar, no impulso. Não tinha noção do tamanho do dragão que eu estava enfrentando.

Projeto novo é aquela coisa, você começa no pique, tipo das vezes que comecei a fazer musculação. Fica todo empolgado uns dias, depois o entusiasmo some. Eu havia tomado a decisão de fazer o projeto, mais ou menos ali pelo meio de dezembro, já tinha dois desenhos prontos, logo faltavam só 363. Como eu sabia que não ia conseguir desenhar todo dia, eu precisava de uma folga, de uma reserva de desenhos. Logo, fiz um tanto e a cada semana eu fazia no mínimo cinco. Para não enlouquecer, eu evitava fazer nos fins de semana. Mais de mês, depois de ter feito do desenho do MF DOOM, a notícia da morte dele tornaria aquele desenho ainda mais significativo. No dia 31 de dezembro de 2020, a mídia noticiou o seu falecimento, dia 1º de janeiro de 2021, triste pela perda, eu comecei o projeto justamente com ele.

Manter a meta de cinco desenhos por semana se mostrou difícil já no primeiro mês. A cada semana eu via minha reserva diminuir. O que sustentou o projeto foi o anúncio público. Falei para todo mundo que ia publicar um desenho por dia, não queria falhar. Teve desenho que foi bom de fazer, teve desenho que fiz só para não falhar o compromisso. Teve o mês em que a pandemia me jogou num buraco. Crise de pânico atrás de crise. Eu desenhava com a mão tremendo, olhando para o papel sem saber o que estava fazendo. Aquele desenho do Emicida saiu num dia desses. Não ficou bom, mas foi feito. E só de ter feito, o dia já não era totalmente perdido. Além do compromisso público, que não me deixava interromper o projeto, o que me motivou foi a evolução no desenho, o estudo de cor. Usei o projeto como estudo. Testei materiais, tintas e pratiquei o retrato. O projeto me trouxe amigos, conheci uma porção dos rappers que eu desenhei, alguns poucos eu cheguei a presentear com o original.

No mês de novembro eu já não aguentava mais o compromisso e corri para finalizar o que faltava. Neste fim de jogo a qualidade já não estava tão boa, oscilava entre um desenho legal e vários ruins, já tinha deixado de ser divertido. Dia 31 de dezembro de 2021 publiquei o último personagem, o nome que começou a parada toda DJ Kool Herc.

Na época uns amigos me incentivaram a fazer um livro, uma exposição, imprimir em lambe e colar pela cidade. As ideias foram muitas, mas não fiz nenhuma. Essa semana, olhando a pasta, ficou claro para mim que o projeto do ano inteiro não passa de um estudo. É uma porcentagem muito grande de desenhos que, pelo menos hoje, está abaixo do meu padrão de qualidade. Porém tudo é um processo e a página do projeto no instagram está ativa até hoje, e lá você pode conferir todos os 365. De qualquer forma, está tudo arquivado, posso fazer qualquer coisa com eles, talvez o livro saia, talvez não faça nada. Mas o que importa é que mesmo no caos eu consegui manter a disciplina com o próprio trabalho.

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Estou reorganizando meu portfólio de ilustração. Se você precisa de um ilustrador para capas, livros, discos ou cartazes, responda a este e-mail. Posso te mostrar o que já fiz e o que posso fazer por você.

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Engraçado pensar nessas coisas. Dez anos atrás eu estava trabalhando com uma galeria de arte. Eu tinha uma pilha de obras que entregava para a galeria vender. Por pura conveniência, eu não me envolvia em quase nada, somente acertava o preço de venda. Hoje, seis anos após minha saída, eu tenho orçamentos para entregar, um cliente esperando a diagramação, um festival para organizar e uma pilha de projetos que tento tocar, tudo ao mesmo tempo. Acho que se eu pegasse o DeLorean emprestado e voltasse no tempo para falar para mim mesmo este cenário, o Diogo do passado ia ter um piripaque. Não sabia como negociava, como entregava para o cliente, nota fiscal... Nada... Do mesmo jeito que hoje eu fico preocupado demais com o futuro, sendo que, às vezes, eu estarei fazendo outra coisa. Tipo administrando uma agrofloresta no norte goiano... Vai saber.

Mas voltando ao que eu tenho hoje, na minha mesa. Meu maior gargalo criativo, a coisa que está me incomodando, é tentar criar um sistema em que eu consiga trabalhar nos meus projetos e em que um alimenta o outro. Talvez as coisas pareçam óbvias para vocês, e pode parecer uma coisa sempre alimenta a outra, mas cada coisa – uma tela, um lambe, um livro – cada uma responde a questões específicas. Quando estou trabalhando em uma, e mudo para outra, há uma quebra de raciocínio brusca, o que me custa alguns dias para conseguir entrar num fluxo. Tipo tentar achar a ponta do durex. E aí, quando estou neste fluxo, ele é interrompido novamente por outras questões sobre as quais preciso pensar. O resultado disso tudo é que parece que estou sempre começando do zero. Sempre perco a ponta do durex. Normalmente é que ocorre é que eu entro no fluxo de produção de uma coisa, por exemplo: a série de pinturas sobre retalhos de lona que fiz há cerca de dois meses. Por várias questões, eu quebrei o fluxo de produção das pinturas e com isso, todo o raciocínio criativo também foi quebrado. Para eu retomar essas pinturas, vou levar uns dias vasculhando os cadernos, fazendo novos rascunhos, respondendo a novas questões que apareceram, procurando a ponta do durex. Eu sei que consigo achar essa ponta e retomar, mas quando acho uma, eu perco as outras. A pergunta é: Como fazer um projeto alimentar o outro?

Tenho um projeto ambicioso que é lançar um livro no final do ano ou no ano que vem. Na verdade tenho ideia para uns 3 livros. Mas tem um que está mais estruturado. Um livro com fotos dos lambes, imagens de processos, desenhos originais e mais um tanto de coisa boa. Esta semana, finalizando o livro do Carlos, a vontade de fazer um meu falou mais alto. Comecei a pensar a paginação, pesquisar livros, estruturar um plano de trabalho. E nisso a primeira coisa que preciso fazer é trabalhar no conteúdo. Comecei pelo começo, o desenho. Tenho muitos desenhos aqui em casa, da minha antiga pasta de flash de tatuagem, da época em que eu tatuava. O método era escolher um desses desenhos, e a partir dele, criar um personagem. Pois bem, consegui fazer quatro (e mais dois para o LambesGóia) e guardei numa pasta.

Quando você vai fazer a revisão de um texto, ou de um livro, é bom você deixar o olho descansar daquilo. Dá um tempo do material e na volta você enxerga coisas que haviam passado despercebido. Fiz a mesma coisa com os desenhos, não no sentido de revisar eles, mas para pensar sobre o que fazer com eles. Guardei e fui regar as plantas, trabalhar em um outro projeto que estou fazendo com a Thata (este não posso dar spoilers). Enquanto isso, meu amigo, o Inconsciente, trabalhava sobre o que vou fazer com aqueles quatro rapazes que nasceram na minha mesa. A pergunta de como um projeto alimenta o outro não saía da minha cabeça. A resposta veio olhando os desenhos que fiz para o LambesGóia: todo desenho que nasce pode ser testado como lambe. Toda textura que funciona no lambe pode migrar para a tela. Todo original será guardado para o livro.

Semana após semana eu penso que encontrei uma maneira de trabalhar que vá resolver estes conflitos criativos, mas quando chega na sexta-feira eu vejo que muita coisa deu errado. Esta semana cheguei a um método, como dobrar a ponta do durex para não o perdê-lo. Os quatro rapazes estão na pasta, mas já quero transformar em lambe. Daqui a 15 dias eu conto para vocês se deu certo.

Memorando

O livro O Condomínio, do Carlos Lopes, com diagramação minha, será lançado em breve pela MMarte. E se você precisa de um designer para diagramar seu livro ou cartaz, responda a este e-mail. É um serviço que faço há tempos, mas nunca divulguei direito — fica a dica.

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Wilko é um artista inglês que conheci por intermédio do lambe-lambe, via rede social. Certo dia, eu vendo uma página de um festival que estava compartilhando os trabalhos que chegavam, os cartazes deles me chamaram a atenção. Um desenho desconstruído, meio cubista, muito diferente do que eu costumava ver. Comecei a segui-lo, ele fez o mesmo, trocamos mensagens e material, e uma amizade se estabeleceu. Certo dia, convidei-o para colar em Goiânia, ele disse que viria. Não botei fé — normalmente a galera não anima de adentrar ao Brasil Central. Mas ele veio. Agendou voos para Buenos Aires e Goiânia. Por aqui, todo mundo achou graça, o cara pisou no Brasil e só conhece Goiânia.

Chegou por Brasília. Eu, que já estava pelo DF, fui buscar no aeroporto, e então seguimos para Pirenópolis. A ideia era relaxar lá uns dois dias antes de começar a maratona de colagem. Ele veio obcecado com a ideia de colar todos os dias, o máximo possível, pilhado. Já eu, que tenho minhas baterias viciadas, descarrega muito rápido, tratava de proteger minhas energias levando o homem para comer ou apenas conversando fiado. O plano funcionou por uns dias até que a fissura dele falou mais alto.

De volta em Goiânia. Quilos de grude de farinha de trigo cozido1 e cartazes separados, rumei para o Centro. Eu não tinha nenhum lugar mapeado previamente, mas sei que este bairro é o mais tranquilo para a arte urbana. Muito lugar abandonado, muito lugar que já tem algum trabalho, pixo, ou propaganda. A população não liga muito. Mas mesmo com tudo isso a favor, a ansiedade no primeiro dia foi cruel. Fazia muito tempo que eu não saía para fazer trabalhos nas ruas, e quando isso acontece, a gente desacostuma, pelo menos eu. Depois de andar algumas quadras, paramos na frente de uma loja que deve estar fechada desde a República Velha. Fica na rua 4, as lojas vizinhas todas abertas, barulho de caixa de som, o fedor rançoso da parede velha, gente passando pra lá e pra cá. Wilko não se fez de rogado e colou três posters. Ninguém falou um A. Andamos mais um pouco, achamos outra parede abandonada, ele colou mais três, passou uma viatura da polícia por nós, novamente não aconteceu nada. Meus batimentos cardíacos voltaram ao normal.

Saíamos para colar quase todos os dias durante a semana que o gringo passou por aqui. Percorremos quase todas as ruas do Centro. Conversamos com vários nóias, alguns deles arranhando o inglês com o colega, encontramos Jesus, conhecemos admiradores. A rotina era cozinhar grude de manhã, sair para colar depois das 15h, quando o sol inclemente começava a dar trégua, na volta para a casa eu o levava para comer alguma iguaria local. Pamonha, picolé do cerrado, empadão goiano, coxinha, guaraná, açaí e o preferido dele, X-tudo com creme de cupuaçú2. Ele disse várias vezes que gostou de tudo que comeu por aqui. Não sei se foi só a educação inglesa ou se realmente o brasileiro come melhor que os britânicos. Preciso ir lá tirar a prova.

Claro que no rolê todo, eu também larguei alguns lambes por aí. Mas meu estilo de intervenção é muito diferente. Enquanto o Wilko vai pelo volume e repetição, os meus são cuidadosamente encaixados na arquitetura. Escolho a parede o personagem que caiba proporcionalmente a aquele espaço, para que arte e arquitetura entrem em sintonia. De repente, um personagem passa a viver ali. Enquanto o Wilko deve ter colado uns duzentos cartazes em Goiânia, no espaço de uma semana, eu colei só sete. Menos de 5%. São estilos totalmente diferentes de trabalhar o mesmo objetivo. A produção dele é fordista, a minha é artesanato. Não sei se um é melhor que outro, não faz diferença para mim. Cada um tem sua maneira de trabalhar e o porque de fazer da maneira que faz.

O ápice do rolê foi a exposição pop-up “Efêmero”, que organizei junto com os camaradas da Müquifü Cultural. Wilko cobriu uma parede inteira com seus personagens além de compor mais duas, mostrando assim a variedade da sua produção. A montagem durou uma tarde inteira pregando papel na parede, escolhendo qual conversava com qual. No sábado a noite, dia 2 de maio, um número considerável de gente passou pelo espaço para ver, conhecer o artista e comprar alguma peça. O mais legal de tudo, é que deu gente de fora dos nossos círculos, gente que notou cartazes colados em várias ruas e foi lá ver de quem era. A arte urbana tem dessas, não precisa de intermediadores, nem pedir licença, nem massagear o ego de ninguém. Simplesmente ocupa. Conversa com quem não se encaixa às formalidades dos espaços oficiais.

Wilko deixou muito do seu trabalho aqui, e levou muitos para lá. Eu mesmo entreguei quase tudo que eu tinha. Para mim, a possibilidade da troca é a maior vantagem do lambe-lambe. E no caso dessa experiência, muito além de ter meu trabalho colado na Inglaterra, a troca de vivências é o que mais valeu a pena. Esse tipo de coisa me faz lembrar que a vida é muito maior que nosso mundinho cotidiano.

Com estima

Memorando

Parte da troca de materiais estará disponível em breve. Dia 30/05 estarei participando da feira SubMercado, que vai rolar no BeGreen (cartaz abaixo). Levo meus trabalhos, os lambes do Wilko e outras peças do meu acervo. Venha ser feliz.

Esta crônica é sobre uma obra que volta para casa. Ela estará na Fargo a partir desta quarta-feira, 13 de maio.

No xadrez, você pensa primeiro e move a peça depois. Na arte eu demorei anos para aprender isso. Tenho o Chess no celular e todo dia jogo umas partidas, umas contra os robôs, outras contra jogadores reais. Ainda sou ruim. Perco por falta de atenção, por ansiedade, excesso de confiança ou medo. Mas também ganho muitas. Então a média está equilibrada. Você aprende xadrez perdendo.

Na internet, as pessoas usam uma expressão, … faz pelo amor ao jogo, para qualquer pessoa, em qualquer área. Tudo na vida é encarado como um jogo. Sobreviver no capitalismo é um jogo, ascender na carreira, pegar o melhor muro na melhor rua para fazer um graffiti. Nesse rolê todo, trabalhar com arte é pura estratégia, posicionamento, discurso, movimento, avanço, sacrifício, espera.

Demorei um bom tempo para aprender isso. Por muitos anos eu trabalhei com uma galeria e delegava essa função para ela. Eu só pintava. Ela vendia - ou não. Nessas eu queimei centenas de ótimas ideias. Peças que poderia ter ido para salões de arte, para museus, para fora do país... as opções são várias, mas o destino dessas obras foram coleções particulares, a preços baixos. A situação era tal, que eu não tinha obra boa em casa, então quando aparecia a oportunidade, eu não tinha como atender.

Pula para 2025. Tenho um trabalho que se chama Refugiado. Trata-se de uma personagem correndo, carregando um coração enorme amarrado às costas. Refugiado climático, de guerra, político, econômico, não importa do que ele está correndo, mas está, e só leva seu coração às costas. Este desenho nasceu um dia, rabiscando no modo automático no caderno. Boneco de pauzinho mesmo, rapidão, quanto mais rápido melhor, tipo grindcore. O objetivo desses exercícios é só liberar o fluxo, tal como as hidrelétricas abrem as comportas e sai aquela torrente de água. Às vezes a gente precisa fazer isso com o cérebro, deixar os pensamentos fluírem. No meio de toda a torrente eu consigo pegar uma ideia boa. O Refugiado foi uma delas.

Desenvolvi uma colagem, depois desenhei várias versões, fiz outras colagens, tudo teste de composição, de material, de estética. Pintei uma tela, fiz um stencil para ser usado na rua. Tudo feito em fluxo, explorado, e quando dei fé, O Refugiado foi mais rápido que eu. Tipo com uma rainha do xadrez, peguei uma coluna aberta e consegui posicionar a peça do outro lado do tabuleiro, na China. Integrou a exposição Urban Dreamspaces em Guangzhou, ano passado. Ele foi, eu fiquei. Jogou lá uns meses, mas precisei recuar, voltou para casa. Ficou abrigado até semana passada, quando foi visto correndo pela Av. Tocantins na forma de lambe-lambe.

Por alguns dias, hospedei um amigo britânico, também artista de lambe-lambe, em casa. Saímos quase todos os dias para colar. Eu tinha dois lambes do Refugiado, colei um, entreguei o outro para ele, assim como outros vinte que foram embora para Inglaterra. Material que eu vinha produzindo e acumulando, esperando a melhor ocasião para usar, e como usar. Minha produção de lambe é pequena, apesar do uso do stencil, são quase peças únicas, pintadas um por um. Não posso sacrificar a esmo. Em algum momento na minha trajetória, eu aprendi a segurar um pouco as coisas, para o melhor momento. Timing é importante, peças são importantes. Semana passada foi uma dessas boas ocasiões quando eu e Wilko saímos para ocupar o centro de Goiânia.

Dois Refugiados, um no muro, outro na tela. Enquanto um corre pelo centro, o outro aguarda seu momento. Nesta quarta-feira, dia 13, acontece outra edição da Fargo – Feira de Arte de Goiás. No processo de escolher as obras, a tela que voltou da China era uma opção natural. Quero mostra-la na cidade natal. Outra vez que o timing foi bom. Contando assim fica parecendo que foi tudo orquestrado, mas posso jurar que ainda sou muito ruim com calendários, marketing e táticas. Entretanto, acontece que uma hora precisei parar de correr do que não gosto para aprender a lidar com a situação. Tipo no xadrez, quanto mais joga, mais você percebe padrões e estratégias.

Nesta quarta, o Refugiado estará na Fargo. Não sei se vai vender ou se alguém vai sequer olhar para ele. Mas sei que não está mais encostado no ateliê. Saiu da casa inicial para ocupar uma casa mais ativa. E isso, depois de tantas peças sacrificadas, já é uma vitória.

Com mui estima.

Memorando

Refugiado — a tela que voltou da China — estará na Fargo a partir desta quarta-feira, 13 de maio, até domingo, 17. Quem estiver em Goiânia pode vê-la no espaço MMarte.

Para os que estão longe: esta obra e outras da mesma série estão disponíveis. Responda este e-mail se quiser receber imagens e informações.

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Existem muitos artigos, estudos, o próprio livro que citei acima, os livros dela, e uma porrada de material que fala muito bem sobre a autora, e eu não vou me prolongar nisso. Mas comecei essa conversa sobre a Carolina, porque este assunto dos artistas marginalizados é algo que sempre me chama a atenção. Como a galera, em situações tão desfavoráveis, produzem arte de qualidade? Olham para seu entorno e apontam o dedo nas feridas do mundo. Sem dom pra ser tilelê, alheio da paz de Gandhi1.

Outro que me chama atenção, assim como Carolina, é o maldito Plínio Marcos, que também contou histórias sobre as quebradas do mundaréu. Lá de onde o vento encosta o lixo e as pragas botam os ovos2. Aliás, Barrela, peça de teatro do Plínio conta com versão em HQ, também do João Pinheiro. Pancada. Tem também o João Antônio, o hoje cancelado Bukowski, a Hilda Hilst. A lista de degenerados é grande.

À margem do sistema, à margem dos centros culturais, à margem das políticas de desenvolvimento, à margem do eurocentrismo. Não lembro como e quando eu conheci o VH, O Escrivão, rapper de grande talento, vizinho aqui descendo 10 quadras. Revirei o córtex-temporal e nada. Error 404 not found. Mas e dai? Não faz diferença. Só sei que a gente troca umas ideias as vezes, quando o capitalismo esquece de nós e conseguimos respirar. E seus sons estão sempre tocando no meu radinho. Eu vivia enchendo o saco dele para eu fazer a capa de algum álbum, ep, mixtape, seja lá o que fosse. Até que rolou.

Carolina e Plínio Marcos, Fenon e Lélia Gonzales, Grada e Krenak. Quando escutei Margynalia, chapei o coco. A gente não escuta muitos MCs falando de suas leituras, muito pelo contrário, o lance é falar de suas posses e fodas. De boa também, cada qual no seu qual. Mas meu tênis imundo e minhas camisetas pretas desbotadas, puídas, denunciam minha falta de entusiasmo com o materialismo. É que se emancipar tá muito além de ter um Nike3. Falar sobre ideias e as tretas do dia a dia, não é novo no trampo do VH. O bicho já vinha fazendo isso a um tempo. Margynália foi a coroação.

Minha relação com o rap vem de antes do punk. Onde cresci e onde estudei até concluir o ensino fundamental, só se ouvia rap entre os meninos. Depois o rock chegou para dividir a casa, ajudar no aluguel. Desde então tenho as fases, hora escuto mais um que outro, depois inverte. Nunca me considerei do rap, por me achar um poser e por ser muito creme de avelã comparado aos meus colegas. Da BR pra cá filhão não vai tá mamão4. Entretanto meu respeito pela cultura é grande.

VH foi aprovado em um edital de cultura para produzir o álbum. Meu ligou um dia, convidado para fazer a capa: Dessa vez vai rolar, bora? Foi o mesmo que perguntar se macaco quer banana. Colei no barroco um dia para saber sobre o projeto. Referências, beats e rimas, livros na estante, plantas por todo lado. A margem era o centro.

Sua ideia para a capa era fazer uma referência à clássica bandeira poema do Hélio Oiticica, Seja Marginal, Seja Herói. A mesma imagem estampada na camiseta daquela professora, que foi demitida, depois que um zé ruela fez escândalo na internet. Tudo isso, coincidentemente, dois meses depois do lançamento do álbum. Fiz o amigo deitar no chão do estúdio/casa e imitamos a pose do marginal da bandeira, além de variações, muitas delas. Cartão de memória da câmera cheio, cafezim, rap du bom, clima fresco, conversa em dia. Tipo o filme Perfect Days. As vezes que você não precisa de muita coisa. Gastei um tempo no trampo. Aprovado e entregue.

A história da Carolina me lembrou o VH, que me lembrou um monte de MC, grafiteiro, escritor, desenhista e etc. Uma galera que foi marginalizada. Marginal por imposição. Uma galera que tem o olhar de quem sabe como a banda toca5, mas não se entrega. O sucesso da Carolina durou só 4 anos. De 1960 a 1964. Com o golpe militar seus escritos foram sistematicamente silenciados, até porque não ficava bem ficar falando das misérias do povo preto no governo revolucionário. Ela faleceu em 1977 mas sua obra continua, e pelo andar da coisa continuará por muitos anos. A carne morre, as ideias ficam.

Vibes6

Com mui estima.

PS: Você pode ouvir e ver o album completo aqui

Dizem por aí, nesses textos mais cabeçudos que a gente lê pra tentar entender o mundo, que existe uma tal de “alta cultura” e uma “cultura de massa”. A primeira seria aquela coisa intelectualizada, cheia de vanguarda e estilo próprio, enquanto a outra seria só clichê pra consumo rápido. Mas olhando pro meu processo — que começa com resto de lona, cola e desenho de caderno de rascunho — eu me pergunto onde é que eu me encaixo nessa prateleira.

Muitas vezes, quem dita o que é “bom gosto” o faz justamente para se distanciar do que é popular, como se a beleza só pudesse existir em estilos inacessíveis e familiares apenas a um pequeno grupo. É o que alguns autores chamam de estratégia de poder: não é que o que a elite consome é necessariamente melhor, mas porque ela consome, aquilo passa a ser legitimado como superior. Mas a verdade é que o “popular urbano”, esse nosso cotidiano de vendedor de milho e prédio de luxo convivendo com barraco, é uma trama muito mais complexa de submissão e resistência do que os livros de história da arte costumam mostrar.

Na minha colagem, eu tento justamente isso: pegar o que é considerado “baixo” ou vulgar e dar a ele o peso da narrativa. Quando eu coloco aquela fruta impossível no primeiro plano da “Colheita”, eu sei que o público vai ser atraído pelo brilho dela. O público gosta da fruta que promete algo novo, do consumo rápido de sentidos. Mas, como já diziam os estudiosos da cultura visual, o consumo não é só um ato passivo de quem recebe o que a mídia empurra; é também um lugar de produção de sentidos, onde as pessoas usam os objetos e imagens para criar suas próprias táticas de vida.

O meu trabalho de “artista operário” é um pouco isso: uma tentativa de furar essa bolha que separa a arte da vida. Se a “alta cultura” tenta manter uma distância higiênica das massas, a cultura visual nos ensina que o que importa não é o objeto em si, mas a relação que mantemos com ele no dia a dia. No fim das contas, a minha Goiânia inventada, com seus personagens cabeçudos e ruas que não existem no mapa, é tão real quanto o simulacro de guerra que a gente vê na TV.

Estes últimos três textos da newsletter eu os fiz com a mão suja de tinta e a certeza de que a arte não precisa estar fora das contingências do mundo para ser autêntica. Ela pode —e deve — ser esse entrelaçamento de imagens que a gente colhe no asfalto, transformando o que seria apenas “resto” em uma nova forma de ver o que sempre esteve ali, debaixo do nosso nariz. O resto, é só tinta na parede.

PS: este texto eu escrevi a partir da leitura desse artigo gostoso aqui. Bom demais.

Abraço

Foi num dia de calor — sempre é calor — que comecei a montar a colagem. Espalhei na mesa o que havia juntado: fotografias impressas em papel comum, desenhos a nanquim dos cadernos de rascunho, uns recortes de revista que estavam guardados numa caixa desde uns meses. A colagem, para mim, não é o fim. É o primeiro gesto. O rascunho que me permite errar rápido, sobrepor sem compromisso, testar o que não tenho coragem de testar direto na tela.

Na mesa, fui juntando. Recortei de uma fotografia um homem de macacão, desses que trabalham em obra de saneamento, mas a foto eu tinha tirado no Setor Bueno, perto de um prédio em construção. Parecia deslocado, o que servia. Do lado, colei um desenho dos cadernos, outro homem, curvado, a mão estendida ao chão. No desenho original, ele colhia uma fruta que eu inventei; oval, com dois espinhos pretos saindo de cada lado. No caderno, ao lado do desenho, estava escrito “ganhos colaterais” e mais nada. Não lembro por que pus aquilo ali. Talvez porque a fruta parecesse algo que ninguém pediu mas que insiste em crescer. Ou porque fico juntando palavras aparentemente sem conexão.

Ao fundo, sobrepus três lugares. Um portão cinza, que vi numa rua perto de casa. Um carro sem rodas, suspenso por tocos de madeira. Uma árvore, recortada de uma revista que guardei porque a luz estava estranha, quase doentia. A última figura veio da produção de lambe-lambe, um stencil que já existia, mas só troquei a cabeça por um tomate. Um corpo de homem, com uma cabeça de tomate. Recortei, colei, sobrepus. Ficou pronto. A colagem representou uma rua, dessas que todo mundo já passou, mas ninguém sabe dizer onde fica.

A lona era um retalho. Sobra. Estiquei com grampeador desses de grampear cabo de vassoura, num mdf, e passei uma camada de tinta acrílica PVA. O algodão cru bebe tinta demais. Com a lona seca, fiz o caminho inverso. Em vez de pintar sobre a colagem, usei a colagem como desenho. Transpus a composição para a tela, copiando o que havia montado no papel. Tudo no lugar que a colagem havia definido. Neste ponto que começa horas e horas de trabalho sem muita emoção. Só tinta na paleta, tinta no pincel, tinta na lona e assim começa tudo de novo.

Enquanto trabalhava, fui pensando no caso Epstein. Não sei bem por que veio à mente. Talvez porque a colagem me faça pensar em arquivo, em escolha, em o que se mostra e o que se deixa de fora. Durante semanas, o caso ocupou todas as telas. Depois, do dia para a noite foi coberto pela guerra EUA/Israel x Irã, como quem passa uma camada de tinta sobre um desenho. O que estava ali continua ali, mas você já não vê, tem que fazer um esforço. Assim que se controla a narrativa, não apaga, apenas sobrepõe. Deixa que o público perca o interesse, que mude de assunto, que vá colher a fruta do momento.

Porque há sempre uma fruta para ser colhida no primeiro plano. Algo que brilha, que promete, que é novo. No meu caso, era uma fruta que não existe, mas no quadro, com a tinta por cima, ela parecia real o suficiente.

Terminei, limpei os pincéis, arrumei a praça. Fiquei olhando o quadro por um tempo. O carro sem rodas suspenso por tijolos, o portão cinza, a árvore com o corte reto na copa. A figura com cabeça de tomate carregando o peixe enorme. Os dois homens, um colhendo do chão aquela fruta impossível.

Às vezes penso que a arte é o último lugar onde a gente controla a narrativa sem precisar dar satisfação. Você escolhe o que mostrar, o que esconder, o que sobrepor. O público, se um dia vir, vai olhar e vai achar que entendeu. Ou não. Talvez olhe, estranhe a fruta, estranhe a cabeça de tomate, e siga adiante. Perde o interesse. Vai colher outra coisa.

O público perdeu o interesse no caso Epstein. Perde o interesse em tudo que exige paciência para ver o que veio antes, o que foi rascunho, o que foi coberto. Prefere a fruta no primeiro plano. E quem pode culpá-los? A fruta está ali, ao alcance da mão, brilhando. Que importa se tem espinhos? Que importa se não existe?

Esse lance de pegar o real e distorcer, de fazer a fotografia mentir mais que político em ano de eleição, é o que eu ando estudando. O povo chama de pós-verdade, de simulacro, esses conceitos que a gente lê e fica com dor de cabeça. Mas no fundo, é o seguinte; cê já parou pra pensar que a gente vive mais dentro da mentira do que na verdade? A foto que eu tiro do calçadão da Rua 44, com as barracas de ambulante e o povo empurrando, é real. Mas quando eu coloco um cabeça de pequi andando de boa ali, aquela imagem vira uma verdade nova. Ela nunca aconteceu, mas ela existe agora, no papel. É uma realidade paralela, uma história contado pela metade.

Mas isso não é ideia minha, os donos dos jornais fazem isso desde sempre. Liguei a televisão sábado retrasado, depois do café com pão de queijo, e estava só o peteco. Israel e Estado Unidos pelejando com o Irã que mais parece discussão de boteco que vira briga de faca. Mas a faca era míssil. E o que me chama atenção nem é a fumaça subindo, mas a novela que veio antes da primeira bomba cair.

Galera estava em cima dos arquivos Epstein. Estava sobrando para todo mundo. A coisa ficou meio feia pros bilionários, então, para livrar um pouco pro lado deles, resolveram atacar o Irã. A mesma conversa de sempre que vocês já ouviram e não vou repetir aqui. Americano fica na briga entre republicano e democrata, mas a política ali é um teatro. Aquilo não é um país, é um centro comercial gerido por, sei lá, dez pessoas. Os políticos são gerentes eleitos para resolverem as brigas do empregados. O Brasil é a mesma coisa, viu?

Mas aí, vocês viram aquela história dos iranianos pintando avião e helicóptero no chão? Doidera. Pegaram o deserto, alisaram a areia igual alisa a massa de cimento pra fazer laje, e pintaram uns caças e umas aeronaves. Tudo na tinta, no pincel tipo eu colando lambe pelas ruas. Mas aí o rolê muda de figura: a intenção não era criar arte, era criar mentira. Era fazer o satélite espião, ou o drone do inimigo, bater foto e pensar: “Uai, tem uma base aérea aqui”. A bomba caía no deserto, na tinta, e a de verdade tá lá, seguro de baixo do chão. É a colagem tomando conta do mundo. É o desenho virando escudo. Estratégia Looney Tunes.

E o mais doido? O sistema de defesa israelense, o tal do Escudo de Ferro, que o ocidente fala que é a última Coca-cola do deserto, não tá dando conta. A tecnologia americana, que é de outro mundo, enfrentando resistência. Os iranianos, que não tão nem aí pra ISO 9000, tão lá com os deles, fazendo a festa. Israel usa um míssel térmico não sei o que que custa U$1mi contra um drone de U$50 mil. A conta não vai fechar. Mas para nós, do ocidente, está tudo bem, está tudo dando certo. A guerra é isso, um jogo de desinformação, um cabo de guerra de mentira. É o Goiás e Vila, mas com país inteiro no meio.

Isso me fez lembrar de uma vez que eu fui pra Pirenópolis e tirei um monte de fotos. Parei num morro e fiquei olhando a cidade lá embaixo. A cidade é linda, pacata, cenário de novela. Mas quem já foi em feriado prolongado sabe: é briga, é som alto, é turista dando rata. A foto mentiu. Ou a foto contou só um lado da história? Tipo a mídia cobrindo o genocídio de Gaza.

Meus desenho são essa guerra. Eu tiro foto de um vendedor de milho na rua, mas eles medem 1m de altura. Goiânia vira cenário de filme de ficção científica, mas é a mesma Goiânia de sempre, com famílias construindo barracos de baixo das passarelas da BR e prédio de luxo no Alto da Glória. A cidade existe e não existe. É real e é desenho. É uma colagem que mistura o que eu vejo com o que eu invento.

E é nessa hora que eu paro e penso no simulacro. O filósofo francês, o Baudrillard, que Deus o tenha, dizia que a gente já não vive mais a realidade. A gente vive a representação dela. É o mapa que vira maior que o território, o Waze que toma o lugar das ruas. É a foto do prato que importa mais que o gosto da comida. É a briga na internet que vale mais que o abraço. E nesse trem todo, a verdade vira artigo de luxo. A mentira, bem feita, vira moeda corrente. O caso dos aviões pintado no chão é a prova. Eles não estavam tentando esconder a verdade, eles estavam criando uma verdade nova. Uma realidade falsa, mas com endereço, com coordenada geográfica, com imagem de satélite. É a pós-verdade em formato de míssil. É o desenho usado para o desperdício de um míssil de U$2 milhões.

E eu aqui, no ateliê, com meus papéis e minha cola tenaz, desenhando personagens cabeçudos e juntando ruas de Goiânia, tô fazendo o mesmo. Só que minha arma é papel. Minha bomba é um traço torto. Minha guerra é tentar entender se o que a gente vive é verdade ou se é só mais uma camada de tinta no deserto, esperando um míssil. É a vida. Ou o desenho dela. Nesse mundão de meu Deus, onde até guerra tem roteiro, o que sobra pra gente é a invenção. O resto é tinta no chão.

Com estima e quentura

Martin Scorsese é famoso por duas coisas. Ser um ótimo diretor de cinema (isso é meio óbvio) e também por assistir e recomendar muitos filmes. Há um vídeo onde ele fala sobre o Glauber Rocha, e também menciona outra dezena de cineastas, mas mais especificamente, ele discorre de como dois filmes, Terra em Transe e O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro, o influenciaram e continua influenciando até hoje. O bicho é tão obcecado, principalmente com o segundo, a ponto de mostrar o filme para todo mundo. Scorsese é fascinado como Glauber fala de política com uma poesia que torna seus filmes atemporais. A política é temporária, a poesia é eterna.

Toda vez que vejo o Scorsese falando de filmes, eu fico me perguntando como o cara tem tanto tempo. Como o cara consegue fazer filmes e assistir tantos filmes? É uma conta que não consigo fechar. Fico lutando para começar e terminar uma tarefa em um dia, desafio que sempre perco. Nada se faz rapidinho. Mas eu entendo uma coisa. O cara é cineasta, logo, é parte da pesquisa dele assistir o máximo de filme que conseguir. Eu procuro ver o máximo de obras de arte que conseguir, mesmo que 95% delas seja através de uma tela, já que o calendário de exposições de Goiânia raramente exibe algo de fora da produção local. Não sei se o cineasta consegue falar de tantos artistas visuais e suas obras, tal como fala de filmes. Mesmo assim, a maneira como administra seu tempo é um feito.

É uma constante nesta newsletter eu reclamar de ter que fazer tantas coisas. Todos nós temos; eu, você, nossos pais, o Scorsese… A diferença está em onde depositamos a maior parcela de energia. Tem muita cosia que é enxugar gelo, apagar incêndio ou insistir em movimentos que não levam a muitos lugares. E tem as coisas que realmente queremos fazer. Aquela que nem é uma opção, que chega a ser uma necessidade, mas que sempre acaba de lado, cedendo espaço para as coisas da lista acima.

Fechei o ano de 2025 com uma produção baixíssima de obras. Só uns pequenos formatos, uma ou outra tela, uns desenhos soltos. Estou desde janeiro tentando entender o que fiz no lugar de produzir, mas não achei a resposta. Diante deste cenário, uma resolução deste ano era voltar a produzir com regularidade. Foi o que fiz nas últimas duas semanas. Engatei a marcha e segui o rumo. Semana passada até lembrei que era semana da newsletter, mas não desviei o foco dos pincéis, ademais, acho que a galera estava mais interessada no carnaval.

Passei o feriado dentro do ateliê. Mas não venha com aquela baboseira produtivista “trabalhe enquanto eles se divertem”, meu lema continua sendo “durma enquanto eles trabalham”, o lance é que eu gosto muito de ficar em casa. E, a parada rendeu. Desenhos em papel, desenhos/pintura em lona de algodão, colagem de desenhos. Desenhos. Para mim é a coisa mais importante que um artista precisa saber. É a base da pintura e também da escultura. Sem saber desenhar você não consegue fazer o resto muito bem. Sabe aquela tatuagem realista toda zoada? Então, mesmo colando o stencil na pele, você precisa saber desenhar, e saber onde vai a luz a, e a sombra, para poder fazer a parada bem-feita. A não ser que seja seu estilo. Você pode usar essa resposta para tudo. Por que você abandonou seu colega no alto da montanha? Porque é meu estilo de vida.

No carnaval também assisti a muitas entrevistas de artistas. Numa delas, um pintor chamado George Condo, que gosto demais, dá um concelho: Primeiro você faz, depois você pensa a respeito. Curiosamente, hoje (no dia que escrevo este texto) vi outro vídeo, um trecho do documentário de 1994 do Robert Crumb, no qual ele fala a mesma coisa. Primeiro ele só faz, sem saber exatamente o que é e onde vai dar, depois ele vê do que se trata. o Scorsese também fala uma parada nesse sentido: Que ele não é um intelectual, não consegue ficar teorizando o cinema. Bem, seguei o conselho. Uma das minhas suspeitas sobre o baixo volume de obras do ano passado é justamente o pensar demais e fazer de menos. Um desenho se faz com linhas e não com conceitos. Estes são tipo as páginas da Wikipédia, linkadas, que sempre nos levam para outra, e para outra, e para outra. O conceito já está lá, no meio de várias coisas na nossa cabeça. É a obra que filtra tudo e entrega o extrato do pensamento.

Separei materiais, uns papéis e uns retalhos de lona, separei uma porção de fotografias, de rascunhos e ideias. Sentei. Com a insegurança se aquilo ia realmente funcionar, comecei a trabalhar. Colagens, feitas conforme o formado do suporte e depois transpor aquilo para o desenho. Esboço tosco, esquematizado, e eu já achei que ficou ruim, mas não quis voltar atrás. Fui decidido a fazer ficar legal. Cinco desenhos/pintura antes, durante e depois do carnaval, mais quatro colagens de papel sobre papel. O conceito não sei ao certo. São personagens fazendo coisas. É comum vermos pessoas envolvidas em atividades que não termos a mínima ideia do que se trata. É o mistério da vida, não precisamos saber todas as respostas. Por outro lado, foi a resposta que eu precisava para destravar certos incômodos, e retomar o estado de fluxo da produção. É neste estado que os detalhes ficam claros, que você consegue fazer ligações mais claras entre coisas aleatórias. Flui como os versos que saem da boca do Sabotage.

Agora o ano começou. Feliz ano novo. 春节快乐！恭喜发财！
Com mui estima
Diogo.
Carnaval de 2026

Meu padrão de compra naquele site se baseia no menor preço. Claro que leio o anúncio por completo para não comprar um chaveiro achando que é algo funcional. Por toda a internet tem altos vídeos de gente que “caiu no golpe da Temu”. As vezes é bom desconfiar quando você vê um sofá por vinte dólares, talvez ele seja só um brinquedo de plástico. Leia com atenção. No entanto, mesmo comprando o que eu queria comprar, no caso uma máquina fotográfica que tire fotos, e um jogo de pincel, escolher o mais barato é escolher a pior qualidade. A câmera tem uma resolução tão ruim que parece vinda da primeira geração das digitais, aquelas de disquete (geração Z, busquem conhecimento). O pincel que comprei na mesma leva solta pelo só de olhar para ele. Deve ser stress. Coitado.

Mas aí vocês devem pensar que sou muquirana, ou um quebrado, que eu deveria ter comprado algo melhor. Deveria mesmo. Mas em certos casos, não me interessa muito a melhor qualidade e sim o contrário. Como posso tirar um bom proveito de algo tão limitado? Além do mais, na maior parte do tempo a gente precisa de um objeto ou equipamento para uma função específica e somente. Para meus objetivos, uma câmera barata resolve, um pincel com calvície também. Já para outras ocasiões, vou precisar de um fotógrafo profissional e um pincel com todos os pelos.

A limitação funciona bem como técnica de processo criativo. É libertador. No meu entendimento, liberdade não é poder fazer o que quiser, mas escolher o que não fazer. É diferente de querer ser livre para poder ser um nazista sem arcar com as consequências e querer ser livre para não ter que compactuar com quem detesta por pura conveniência. Mas voltando ao processo criativo, quando escolho que vou usar só isso e aquilo para produzir uma peça, isso me liberta de querer abraçar o mundo. Me obriga a gastar uns neurônios para fazer dessa limitação a melhor peça que consigo fazer. O mais legal, é que frequentemente chego à um lugar que não esperava. Criatividade é isso, é encontrar respostas para questões não previstas. O contrário chama Inteligência Artificial.

Somos o tempo todo induzidos a comprar materiais e equipamentos para conseguir alcançar resultados melhores. Alguns casos precisam mesmo. Por exemplo, eu passei uns 15 anos cortando stencil sobre vidro, até que experimentei a base de corte — um tipo de tapete de borracha próprio para se fazer cortes em cima — e isso melhorou minhas condições de trabalho em 1000%. Entretanto, é mais comum nos depararmos com reinvenções toscas de coisas que já funcionam muito bem. Esquecemos que muitas vezes só precisamos de um básico de qualidade. Os chineses estão aí a 3000 anos fazendo lindas pinturas usando somente papel, pincel, tinta nanquim e água. Já eu dependo de uma indústria de tinta spray, lâminas de aço, derivados de petróleo para a tinta acrílica, lona de algodão — que gasta toda a água da Bahia mais os piores agrotóxicos do mundo para ser produzido — mais uma infinidade de tranqueiras que eu acho que PRECISO.

Mesmo soterrado de coisas, mesmo achando que elas serão usadas, meu hábito de produção acaba se restringindo aos mesmos materiais. Pode haver uma empolgação inicial com o brinquedo novo, mas depois de um tempo acabo voltando ao bom básico que funciona. Volto por escolha consciente. Só vou usar isso hoje. Meu projeto só consiste nisso e naquilo. A Thata, que é cozinheira, faz pratos deliciosos só com o que tem na geladeira.

O grande problema é a escolha dessa limitação. Como ter certeza que fizemos a escolha certa? São tantas opções boas. Te digo que ninguém sabe que fez até chegar lá, porque ninguém sabe onde está indo. “Para quem está perdido, qualquer caminho serve” já escreveu Lewis Carrol a muito tempo atrás. Ninguém é uma palavra forte, pois não é tudo mundo que está perdido. Há artistas que escolheram fazer um tipo de obra e levaram isso até as últimas consequências. Para mim o lance é não pensar no que poderia ser. A escolha é feita sem refletir muito, meio aleatória e sigo com ela. Se o outro caminho poderia ser melhor, nunca vou saber. O que sei é que não tem como eu seguir outro caminho que não seja o meu, porque não há outro eu. Então se escolho desenhar um peixe ou um estilete e levar isso até as ultimas consequências, o resultado vai ser algo meu, que habita meu universo. Mesmo mudando a técnica, as condições os objetos, continuará sendo meu porque tem coisas que estão intrínsecas e isso não se muda. Então meu amigo, não pense demais. Se joga.

Não sou fotógrafo, não preciso de uma máquina fuderosa 4k, modo RAW e trenhera para tirar foto de lixo na rua, portão descascado e cachorro. Meu objetivo é outro, logo, uma básica é suficiente. Liberdade criativa não é poder fazer qualquer coisa, essa possibilidade só nos prende e paralisa. Liberdade é não precisar de tanta coisa para poder fazer as coisas. O bom e velho arroz com feijão bem-feito.

Eu sempre me espanto com a descoberta de lugares novos nos dias atuais, dominados por câmeras, satélites e GPS. Meu espanto se dá principalmente porque ando obcecado com um assunto, a segurança digital. Estou longe de ser um hacker ou um paranoico, mas me incomoda bastante saber que minha vida digital está na mão de, sei lá, seis empresas. Então acho louco, mesmo com todo o circo da hipervigilância armado, que haja lugares no mundo que ninguém, ou quase ninguém, sabe da existência.

O sonho de um mundo integrado, global, com troca de conhecimento livre e acesso às maravilhas produzidas nos lugares mais distantes, se transformou na melhor cadeia jamais imaginada por qualquer Estado. Todo mundo controlado e consumindo. Entretenimento de qualidade 24h por dia, 7 dias por semana. Lojas abertas todos os dias, sem feriado, sem dia santo. Até mesmo no meio da tragédia.

Tudo que a gente precisa para viver já foi inventado. Hoje, o consumo se dá basicamente por três motivos. O primeiro é uma classe de produtos que, depois de criados, passaram a ser necessidade. Um smartfone por exemplo. Até para ler um cardápio precisamos de um telefone, com internet ativada, para poder ler um famigerado QR code. Isso sem contar milhares de serviços (incluindo serviços básicos e universais) que você PRECISA de um telefone para poder ter acesso. A outra classe é a da aprovação. Cada nicho, cada círculo, tem seus códigos e você é obrigado a consumir se quiser ser aceito. Além da compra de bens materiais, você precisa também adquirir uma maneira de falar, de se comportar, preconceitos e estéticas novas. E mané faz de tudo para ser aprovado. A terceira e última classe é a de produtos de necessidade real. Coisas que faz sentido. Comida, produtos de higiene, uma camiseta e um calçado. A sesta básica.

Quando se fala de aprovação, eu sempre lembro do sistema da arte contemporânea brasileira. É o melhor exemplo. Você é um artista, tá lá produzindo todo dia e resolve que quer expor seu trabalho, vender, participar de algum evento importante e etc. Primeiro você precisa da aprovação de um curador, depois de algumas instituições do baixo clero, tipo um pequeno museu local ou centro cultural. A etapa seguinte, é conseguir chegar numa instituição maior, tipo um grande museu local, ou um grande prêmio nacional, para então chegar á uma instituição gigante, um MASP da vida. É uma jornada longa, caso você não seja herdeiro ou apadrinhado de um grandão do do rolê.

A coisa é um jogo de melindres. O artista perde sua liberdade pois, trabalhar com a pessoa errada, ou a instituição errada é punição. Volte para a casa “início”. Neste jogo, a arte é algo que depende de mediadores demais para ser entendida como tal. Você precisa agradar muita gente, fazer um curso tailandês de massagem de ego, desenvolver a habilidade da conversa fiada e convencer os outros que seu trabalho é bom. A boa notícia disso tudo é que seu trabalho não precisa ser bom. Você nem precisa de um trabalho, basta ter lábia o bastante para convencer alguém a comprar uma escultura feita de ar ou uma banana presa com fita adesiva.

A descoberta do parque industrial das fadas, lá na gloriosa Campos Belos, e o fato dela ter passado desapercebido dos olhos humanos por mais de milhares de anos, e que agora provavelmente será destruída pelo turismo, me lembrou de um texto clássico: Zona Autônoma Temporária do Hakim Bey. O conceito se refere a um espaço onde grupos ou indivíduos buscam estabelecer uma forma de autogoverno e liberdade temporária, geralmente afastando-se de estruturas de poder convencionais e hierárquicas. É uma zona viva, tipo uma planta, nasce, deixa frutos e sementes e morre. Não quero me aprofundar no livro, ele é pequeno e você consegue nesse PDF aqui. Mas me lembrei dele por conta de um conceito que o autor chama de desaparecimento, ou de recusa.

Não se trata de um desaparecimento no sentido de sumir de um lugar para sempre — desaparecer no espaço e no tempo — mas sim, desaparecer do radar do poder. Não há sentido em combater ou reformar um sistema que é puro teatro. Desaparecer para as frestas. Um pé de goiaba que insiste em crescer na rachadura da calçada. Um grupo de ex-escravizados que foram montar sua cidade no alto de uma montanha lá na cidade de Cavalcante, pertin de Campos Belos. Atacar e fugir, não porque você é covarde, mas sim, fugir para poder atacar novamente. A criação de outra coisa que o poder não tem conceito, não consegue classificar, não consegue colocar numa caixa, ou numa cadeia. Não é arte, não é ilustração, não é desenho nem pintura, nem escultura. Talvez os dois italianos, o da escultura e o da banana, entenderam isso e tiraram uma grande onda com a cara de todos nós.

Que deus lhe guarde e a virgem lhe proteja.
Diogo.

Pois bem. Mês passado, durante o recesso da newsletter, eu dei uma diminuída drástica no meu tempo de uso de tela. Meu dezembro foi tipo a sexta-feira do ano. Corri para finalizar algumas tarefas no prazo e no mais, foi só aquele ritmo meio parado de quem espera pelo fim de semana. Neste mês, cansado e devagar, fiz um balanço do ano, planejei mais ou menos este que inicia, li e assisti filmes. Pegava o celular de vez em quando e era abrir um feed que vinha a preguiça. Tipo uma versão do Séc. XXI de Alegria Alegria do Caetano Veloso.

O sol nas bancas de revista
Me enche de alegria de preguiça
Quem lê tanta notícia?

Uma semana era o Francisco Bosco repetindo a máxima machista de botar a culpa na vítima. Quase chamando as mulheres de histéricas por, vejam só, pedir para não serem assassinadas. Pelo que parece, ele acha o tom da conversa agressivo demais. Mais agressivo que feminicídios diários. Na outra semana, era o Zezé, na outra era doido brigando com chinelo. Cada vez que eu abria uma rede social era uma cortina de fumaça. Enquanto isso a boiada vai passando. A estratégia é só jogar um boi para nós, piranhas, ficarmos ocupados devorando ele, enquanto o resto passa batido. Tipo a aprovação do orçamento do governo para este ano, ou os 400 mil na casa do deputado lá do Rio. Mas aí, nessa minha rehab das redes, as vezes alguém me vinha com o assunto do dia, ou da semana e eu estava totalmente por fora. E eu me sentia bem por isso. Foi nessas que descobri sobre FoMO e JoMO.

O sol nas bancas de revista
Me enche de alegria de preguiça
Quem precisa de tanto conteúdo?

Alegria de estar por fora do manicômio que se tornou as redes sociais com tanto vídeo de IA e gente defendendo narrativas distorcidas e sem sentido. Alegria que me coloca no grande dilema do artista autônomo: Como viver de arte fora das redes sociais, sendo elas os principais canais de divulgação? Eu sei que essa pergunta que me faço todo dia é errada, porque sei que as verdadeiras redes sociais são off-line, ou, pelo menos fora dos apps das big techs. Toda vez que participei de um evento presencial, ou abordei as pessoas, uma por uma, por mensagens, e-mails e etc, tive mais sucesso do que alimentar feeds, stories, vídeos curtos e afins. A internet morreu. As fronteiras da realidade e da imaginação caíram e agora temos que nos perguntar todos os dias se é falso ou não. Este texto que você lê é falso ou não?

O sol nas…
Me enche de…
Pra quê vê tanta mentira?

Há um mês atrás eu escrevia o último texto de 2025. Entrei me recesso para repensar a newsletter e escrever com calma. Coisas que não fiz. Mas isso não significa que fiquei de bobeira, só assistindo filme. Meu rolê é visual, e é com desenhos e pintura, com os recortes do stencil ou nas colagens que meu trampo se desenrola. Mas a pausa foi necessária para saber se eu realmente preciso manter tantos pratos girando no meu número de equilibrista, ou se só caí no golpe de que tem que ser correia. Não cheguei à conclusão nenhuma. Retomo a Artista Operário do jeito que larguei: deixando as coisas para última hora. O que eu acho uma bosta, porque não gosto de trampar sobre pressão. Esse rolê de “trabalho melhor sobre pressão…” até os ratos fazem isso. Mas não significa que o resultado sai melhor. Ele só sai. Por outro lado é o compromisso que mantém a engrenagem funcionando. Eu disse que voltaria dia seis de janeiro, junto com os palhaços do dia Reis e aqui estou.

A carta de hoje é só um lembrete de que estou vivo, e um alô para os muitos assinantes novos (foram quatro) que chegaram e encontraram a repartição meio abandonada. Foram só férias coletivas, mas esquecemos de trancar a porta. Espero que ninguém tenha roubado nada.

Dou fé.
Diogo

Well, you’re in your little room
And you’re working on something good
But if it’s really good
You’re gonna need a bigger room
And when you’re in the bigger room
You might not know what to do
You might have to think of how you got started
Sitting in your little room

Bem, você está no seu quartinho
E está trabalhando em algo bom
Mas se for realmente bom
Você vai precisar de um quarto maior
E quando estiver no quarto maior
Talvez não saiba o que fazer
Talvez tenha que se lembrar de como tudo começou
Sentado no seu quartinho

(tradução livre via google)

Letra de Little Room do White Stripes.

Um tempinho atrás a música acima deu uma viralizada, pelo menos na minha bolha, por conta de um vídeo em que os caras do Outkast falam dela em algum evento. Contam que o grupo nasceu assim, num quartinho, fazendo rap sem compromisso. Essa música é massa, de um álbum massa. Gosto muito do White Stripes, só não gosto da música 7 Nation Army porque, assim como todo hit, foi tocada à exaustão e eu fiquei meio de saco cheio dela. Ver o vídeo sobre a música me relembrou como a banda é divertida mas ela estava meio esquecida por aqui. Tirei a poeira dos CDs e botei para rodar. Sim, tenho CDs e mais importante, onde tocá-los.

Comecei a Artista Operário, doravante denominada AE, para criar um hype sobre mim mesmo. Contar minha história, meu processo criativo, certos posicionamentos e ideias. Comecei em março deste ano com cerca de 60 assinaturas — uma galera importada do meu site. 42 edições depois, o número saltou para 230, com alguns pagos. Acho esse número impressionante, levando em consideração o baixo comprometimento com essa newsletter. Nunca escrevi pensando em ganhar dinheiro com ela. Como disse no começo, o lance era me posicionar, já que raramente tenho a oportunidade de falar sobre as coisas que faço. Não tem muitos, jornalistas ou curadores me procurando. E de boa também. Dito isso, eu também nunca prestei atenção às métricas, e o substack é cheio dos dados. Eu sei quem são meus leitores assíduos. Há dados de tudo. A porcentagem de abertura de cada texto, de leitura, gráficos de crescimento, taxas comparativas por períodos, localidade dos assinantes, etc, etc. Nunca dei bola para nenhum. Mesmo assim, o número de assinantes cresce um pouquinho toda semana. Pouca coisa, mas constante.

42 semanas publicando textos, sem faltar nenhuma. Uma vitória levando em consideração meu histórico de abandonos de projetos. Periodicidade semanal, que eu consigo atender, uma semana melhor que outras. Ou pelo menos conseguia. Iniciar a newsletter teve aquela empolgação de início de projeto novo. Muitas possibilidades. Mas 9 meses depois, e eu estou meio de saco cheio. Tipo grávida. Cansado. Tá na hora de parir. Todo mundo sabe que a AE não é minha única atividade, conforme disse no parágrafo anterior, ela nunca foi uma prioridade. Sempre à vi como hobbie e é aí que a coisa pega.

Hobbie a gente faz quando dá, nas horas livres, por prazer. Semana passada eu falei uma parada assim sobre minha prática com cadernos. Também falei sobre proteger coisas do dinheiro, e, a partir do momento que abri os planos pagos, eu contaminei tudo. Alguns amigos bem intencionados me incentivaram a abrir planos de assinatura, e assim o fiz, e eles cumpriram suas promessas. Legal entrar uma grana com uma parada que estou fazendo só por que quero. Mas, aquela relação de amizade, de zuera, foi substituída por compromissos e expectativas. E tenho certeza que é uma noia 100% minha. Mas ainda sim, uma noia.

Ser artista é quase ser uma bolsa de valores ambulante. É lidar com noia de muita gente. Há muita especulação em cima da classe. Estão sempre de olho onde o artista está pisando, onde está expondo, o que faz com sua arte. Se ganhou prêmios, se foi escolhido para a exposição, se tem obras em museu. A qualidade do trabalho pouco importa mas sim quem validou aquilo como arte. E a validação é necessária porque muita gente não tem coragem de assumir os próprios gostos. Na verdade, muita gente nem gosta de arte. É só mais um ativo. Compra hoje para revender amanhã. A comparação com a bolsa de valores não é por acaso. Mas mesmo os que gostam de arte e querem colocar na parede, têm medo de botar uma peça qualquer e ser tirado de ridículo. Vive-se e compra-se para mostrar para os outros. Poucos são aqueles que tem coragem de assumir seus gostos, e para estes eu pago um pau. O sistema da arte é tipo o Mercado, esse ser invisível noiado e abstrato, todo melindroso que se irrita com qualquer coisa. Você está sempre pisando em ovos.

No meu caso, sou validado por muita gente, mas por pouquíssimas instituições. Nunca ganhei um prêmio, nem mesmo fui indicado. Se eu fosse uma banda, seria uma de hardcore, há 20 anos no underground, tocando na porta da Hocus Pocus. Como diz meu amigo Márcio Jr. (Mmarte e Mechanics): 20 anos de sucesso é fácil, quero ver aguentar 20 anos de fracassos. Comecei dentro do meu quarto, depois fui para a área onde lava-se as roupas, depois para outro quarto e então para o espaço atual. O quarto é maior e muitas vezes me perco no que estou fazendo, mas o alicerce é firme. A casa não vai cair. Conto essas coisas a título de informação e não de lamentação. “Olha como sou injustiçado”. Nada disso. Assim como em todo lugar, na arte a coisa funciona como uma pirâmide. Você tem os Pablo Picasso e Basquiat da vida, lá no topo, tem os famosos nacionais, os regionais, os locais e os da comunidade. Eu estou ali no meio do rolê, assim como milhões.

Estava falando da AE e do nada comecei a falar de outro assunto. É muita coisa para administrar e eu ando meio desfocado ultimamente. O que eu estava dizendo é que comecei a publicar a newsletter de auê, só para trocar ideias, e a coisa foi crescendo. Descobri que não tenho tanta dificuldade para escrever e que muita coisa que eu achava que era uma questão minha, encontrou eco em vocês leitores. Mas os últimos dois meses foram zoados. É aquela velha conversa de sempre. Correria atrás de trabalho, ter que trabalhar quando se consegue um, equilibrar a vida cotidiana, os planos para o futuro e no meio disso tudo, escrever. Vários dos textos que saíram ultimamente foram de última hora, sem eu saber sobre o que falar, com aquele sentimento de ter que cumprir a promessa de ajudar o amigo na mudança. Este texto é o mesmo caso.

Dito isso, anuncio algumas mudanças na AE. A primeira é que a periodicidade vai deixar de ser semanal. Provavelmente quinzenal, para eu conseguir pensar com calma sobre os assuntos, e voltar sem correria. O segundo anúncio é a extinção da edição extra, a Caderno Vermelho, como recompensa aos planos pagos. Eu não consigo escrever edições extras, pensar um assunto extra e tal. Mas fiquem à vontade para me pagar um café. O terceiro anúncio é que as coisas podem ficar meio estranhas. Esse formato de carta já está me enjoando e muito provavelmente publicarei coisas sem sentido, tal como os desenhos que venho fazendo.

Por último anúncio muito importante. Está no ar o meu tradicional catálogo de fim de ano, tradição essa que iniciou semana passada. Você pode encontrá-lo neste link aqui e nele tem desde pinturas em telas até desenhos, a Rasura, camiseta e lambe-lambe. Um leque grande de material. Vem ser feliz.

Comecei a escrever esse texto sem saber onde ia dar. Eu poderia só avisar as mudanças sem dar explicação nenhuma, mas foi isso, aproveitei que precisava de algo para amanhã e troquei esse papo com vocês. Enquanto estamos lutando contra a escala 6x1, eu estou me impondo uma 7x7 e nem cheguei ao meu primeiro milhão. Aí não, pô!

Fim da primeira temporada. Sei de janeiro estamos de volta.
Com mui estima.
Diogo.

Memorando

1. Mês passado foi caótico, uma correria danada de trampo para tapar algum buraco do orçamento, o que resultou na falta da edição da Caderno Vermelho, que pretendo compensar este mês. Dito isso, só gostaria de lembrar algumas coisas listadas abaixo:

2. Esta newsletter, assim como muitos dos meu projetos são feitos de maneira independente, em muitos casos sozinho, sem assistentes e nunca com ajuda de IA. Se você gosta do que lê, considere assinar um dos planos pagos.

3. No site tem gravuras, feitas com stencil ou serigrafia, além da Revista Rasura, camiseta e demais materiais.

4. Não tem interesse em adquirir nenhum destes materiais mas está precisando dos serviços de ilustração? Só entrar em contato que será um prazer poder contribuir.

Desde já muito obrigado pelo carinho e apoio. Abraços e beijos.

É meio comum as pessoas me oferecerem as coisas mais aleatórias quando elas querem se desfazer de algo. Pelo fato de eu ser artista, eu posso vir a usar aquilo de alguma maneira, é o que elas concluem. E não estavam erradas porque eu acabava usando para algo. Antigamente eu aceitava de tudo. Um garrafão, uma pintura a óleo antiga e detonada, uma caixa simples de madeira nem pequena nem grande, um Preto Velho, um crânio de boi, um botijão de gás refrigerante. Certa vez fui buscar umas baias de call center. Elas tinham um formato interessante e pensei que daria um bom suporte para pintura. Mal consegui colocar no carro e foi uma canseira para tirar de lá. Pesadas, grandes, a madeira prensada se esfarelando em alguns pontos. Elas ficaram encostadas na garagem umas três semanas até que liguei para o cata-treco levar embora. Não deu. Hoje sou mais seletivo, porque meu ateliê estava virando um ferro velho de tanta tralha. Entra mais rápido do que sai, leva um tempo para eu achar a melhor ideia para o suporte, então as coisas vão se acumulando. Ou simplesmente me empolgo com a possibilidade de usar aquele material, mas acabo deixando de lado enquanto dou preferência ao bom e velho papel. Tipo a lista de favoritos da netflix que você vai adicionando títulos, mas que na hora de assistir, acaba escolhendo algo fora da lista depois de passar 15min navegando no catálogo. Ou vai direto na série que está maratonando.

Este ano um colega me deu uma bobina de papel bem grande. Fui buscar e vi que não era tão grande, mas é pesada. Quero dizer, ela só tem 26cm de largura, mas sei lá, deve ter uns 700m de comprimento? Quando vi a foto da bobina, achei que ia usar para fazer lambe, mas como é estreita demais, e meus lambes são meio grandes, não vai rolar. Entretanto, para mim papel nunca é demais e nunca é de má qualidade. Não importa se é papel pardo ou se é algum italiano 100% algodão. Podem me dar sem nem perguntar se quero. Manda pra cá. Ainda não sei o que farei com a bobina, que já está amarelada, deformada e suja, mas sempre sai algo. Só ficar quietinho que você pesca a ideia, já dizia David Lynch. Ela vem como um peixe, você fisga e coloca num aquário chamado caderno, ou qualquer outro dispositivo que tiver à mão. Mas só funciona se você parar para pensar sobre o assunto. Coisa que ainda não fiz. Enquanto o melhor uso para a bobina não vem, o que decidi fazer com ela foi um dos objetos que mais gosto. Justamente os cadernos. Cortei um monte de pedaços, fiz uma capa com um cartão duro e levei numa papelaria para colocar o arame. Gosto de caderno de arames. Você abre ele a 180º. Às vezes, quando estou mais empolgado eu faço cadernos costurados, capa dura. Mas estes nunca ficam muito bons, não tenho os equipamentos certos, não sei costurar direito, nem colar. Mas ficam legais para mim. Esta é a graça de não ter dinheiro envolvido nas coisas. Você pode fazer de qualquer jeito. Não precisa atender um padrão de qualidade, pois você está fazendo por diversão, não para atender expectativas mercadológicas. E mesmo que eu venha a ficar muito bom costurando e encadernando, o prazer está em fazer o objeto, não em ganhar dinheiro com ele. Este eu consigo de outras maneiras, mas tem coisas que preciso proteger dele, ou tudo ficará contaminado. Tipo aquela frase: Trabalhe com o que gosta e nunca mais gostará de nada.

O último caderno que fiz, aquele com o papel da bobina amarelada, manchada e amassada, eu o fiz para moer. Digo, fiz para gastar sem dó, tocar o foda-se. Escrever qualquer besteira, encher uma folha com círculos e quadrados, fazer desenho feio e escrever o que vem à mente. Caderno para moer. Ontem desafiei minha sobrinha a desenhar 90 formigas. Ela fez 34. Moeu. Tenho vários cadernos, uns que fiz, outros que comprei de amigos ou na loja de algum museu. Todos começados, alguns abandonados no meio, nenhum em branco. Mesmo quando ele é muito bonito, nunca tive medo do caderno, nem da página em branco. Eles são um tipo de centro de treinamento. Existem para eu fazer o errado, é uma máquina de produzir erros. Mas é errando que a gente ganha expertise para fazer o certo. Frase clichêzona, mas a gente esquece todo dia.

Venderam a ideia do bloqueio criativo. O medo da página em branco. Medo de um pedaço de papel em branco. Que bobo. Se nele ao menos tivesse uma maldição escrita, ou uma ameaça de morte, ou pior ainda, um boleto vencido, vá lá. Mas em branco… Na real nos venderam duas ideias, a primeira é que temos que ser bom em tudo que fazemos, um tipo de deus, bom o tempo todo. E a segunda ideia é que não podemos desperdiçar nenhuma oportunidade. Um caderno novo e bonito, não posso estragar com qualquer besteira. Custa dinheiro. Mas bicho, se na vida a gente é obrigado a fazer um monte de coisas sem saber, responder perguntas sem nunca ter pensado no assunto, e então sobrevivemos, por que ter medo de uma folha em branco? Medo de uma parada que é para ser divertida. Jogamos a pressão de um orçamento milionário em uma parada que é para ser um lazer. Pega leve.

Eu desenho desde criança, logo eu tenho meus cadernos de desenho desde sempre. Mas a primeira vez que vi alguém usar cadernos sistematicamente para registrar, não somente desenhos mas ideias e colocar a cabeça no lugar, foi em uma viagem, quando fiquei na casa de uma amiga. A gente conversava diariamente pela internet e ela nunca havia comentado sobre este hábito. Em sua casa, ela me mostrou uns dez cadernos. Meio diário, meio sketchbook. Todo dia ela colocava algo naquelas páginas e isso foi formando um arquivo privado. Um google privado que ela sempre recorria quando precisava de ideias para algum trabalho. Um google formado pelo melhor algoritmo de todos, o gosto pessoal e profundo.

Meus cadernos são uma parada bem privada. Nele tem um monte de ideias pela metade mas com potencial, listas de coisas para fazer — incluindo compromissos pessoais. Emails, senhas de sites (que eu nunca lembro onde anotei e tenho que reiniciar toda vez), desenhos e impressões sobre as coisas, notas tiradas de textos ou aulas. Uma coleção de adesivo de frutas, desses que vem colado nas maças e no melão. É bem pessoal. Quando falo que é pessoal, quero dizer que nunca virá a público, ou caso isso venha a acontecer, só depois de uma curadoria minuciosa. Assim como minha amiga, usar o caderno é um hábito para colocar as ideias no lugar. Tem gente que pensa melhor com uma cerveja antes do almoço, eu penso melhor quando estou escrevendo. Numa era de blogueiros online 24h divulgando suas “rotinas” e opiniões sobre tudo, de geopolítica à micro retíficas, pensar que algo que NÃO virá a público é uma doidera.

Tudo desemboca na produção de conteúdo, e eu acho isso triste. Triste ver, um engenheiro ter que fazer vídeo curto para conseguir trabalho. Zoado né? E aí você tem que fazer a audiência participar, engajar seu conteúdo. Perguntar para ela qual opção prefere, o azul ou o vermelho? Como se as decisões fossem aleatórias, baseadas em gosto pessoal e não em pesquisa. Mas aí você percebe como tudo está interligado? Percebe que o que está embaixo é como o que está no alto? Tudo é uma questão de performance, de entregar o certo, o que querem todos os dias. Crescer e apresentar seus números para o contratante. O que importa é o número, não se o trabalho é de excelência. Acumulamos atividades suficientes para fundar uma pequena empresa, mas a remuneração é de um estagiário e está todo mundo chupando manga e assobiando. Detalhe: Sem ter muita noção do que está fazendo. Com isso não há espaço para a experimentação, para moer o caderno, para colocar as ideias em ordem, porque não há tempo, nem para fazer, nem para ser absorvido pela audiência. Então todo mundo já vai no que está validado. É por isso que existem tantos filmes da Marvel ou remakes de novelas, ou tantos desenhos de Espada de São Jorge.

Eu tenho medo de muitas coisas, mas da folha em branco nunca, porque ela é a única que aceita qualquer besteira que eu faça sem me julgar. E ela é sempre generosa comigo. Esse é um conselho que dou a qualquer um de vocês, tenha um caderno. Compre o mais barato de todos (ou faça o seu). Rabisque qualquer coisa, encare seus medos, desenhe direto com a caneta, escolha os materiais certos e use os errados, escreva sem saber o final da história. Faça, mesmo sem saber. Se a gente é jogado na vida adulta do nada, e de repente temos que escolher uma carreira, tirar documentos, abrir a primeira conta em banco, conta no GOV, carta de motorista, imposto de renda e então sobrevivemos à tudo isso. Uma página em branco é nada, é um favor que você faz a si mesmo. Com certeza, depois de várias páginas, você pescará um boto-cor-de-rosa.

Com mui estima,
Diogo

Parou uma senhora. Pelas rugas e o cabelo branco neve eu julguei que era 60+. Ficou olhando a capa da Rasura por uns minutos. Silêncio. Passava a mão na revista, virava a cabeça para ver melhor, esboçou um leve sorriso e disse: Isso me lembra os anos 70, quando eu era rebelde. Elogiou tudo e saiu. Imaginei ela com seus 17 anos, no quarto, ouvindo Raul Seixas ou Pink Floyd. Som alto irritando os pais.

De fato, a pintura dos anos 60 e 70, principalmente a Pop Arte brasileira, ou a Nova Figuração como é conhecida na França e na Argentina, tem uma influência pesada em mim. Movimento este que surgiu por influência da pop art americana, Warhol e cia, que por sua vez tinha a cultura de massa como influência. Os movimentos, além de deixarem milhares de obras de arte foda, ainda influenciaram um sem fim de designers, ilustradores, quadrinistas. Outro tijolo que edifica minha biblioteca de referência é a ilustração. As mais tortas, as mais erradas, são as mais legais. Aquelas que viram dos hippies, do quadrinho underground, dos punks e metaleiros.

Naquele mesmo dia, mais tarde, parou uma mana e viu os postes na parede. A punk tocando o estilete e a coruja com seu corvo punk. A vi arregalar os olhos. Falou que tinha gostado e queria algo para colocar no estúdio de tatuagem que estava abrindo. Viu a Rasura e disse que lembrava a cena de skate dos anos 90. Levou a revista e o poster. Não sei o nome do estúdio. Saiu comentando com a colega num entusiasmo que chamou atenção de outro senhor. Este, pelas rugas, calvície e o resto de cabelo branco neve, também julgo 60+. Folheou a revista toda umas 3 vezes, olhou os stencils com atenção, voltou para a revista. Também atraído por memórias setentistas. Citou a capa do primeiro disco do Lou Reed. Fiquei feliz.

Minha obra já passou por algumas fases e todas tem o alicerce na linha do desenho ou na sombra, dura e muito preta, tipo essa que a gente vê debaixo do sol do meio dia. Outro aspecto é a cor sólida e lisa como o Planalto Central. Sem gradientes, sem degradês. Estas duas características encontram correspondentes em várias épocas e localidades diferentes. Mas é na produção gráfica da segunda metade do século XX que ela se encontra. Coisas obsoletas. Páginas com cheiro de rinite.

Pessoas 40, 50 e 60+ são comuns nas minhas bancas. Constatei isso, este ano, depois de passar por três feiras, em três cidades diferentes. Acho curioso conversar com essa galera, porque sou mais novo que eles, mas entendo mais dos signos deles, do que os da minha geração. Acredito que são atraídos pela estética que se assemelha com a que fez parte das suas juventudes. Se não for isso, não tenho a mínima ideia. Por outro lado, não acredito que os três que pararam tenham brisado só no visual, acho que o rolê foi mais profundo alí e eu nunca saberei o que é. Isso que eu acho doido, o mistério das coisas. A gente só gosta do que gosta, sem saber muito bem porquê. Assim como gostamos de quem escolhemos estar perto. Até tentamos justificar. A Thata é inteligente, é bonita, é isso e aquilo, mas muitas outras também são e não gosto delas. Às vezes nem um pouco. Às vezes tenho até preguiça. Provavelmente alguém tem explicações científicas sobre o porque gostamos de algo, ou como o gosto é formado. Beleza. Mas nem tudo precisa de explicação. O mundo regido pela razão é paia demais.

Comecei este texto tentando falar um pouco dos tipos que vem falar comigo e também falar das minhas influências, mas me deparei com o problema acima. Não sei dizer muito bem porque gosto da arte que gosto. Eu teria que fazer uma análise profunda, provavelmente chegaria em vários aspectos técnicos e conceituais e o texto ficaria mais chato que picada de muriçoca no pé, aquela que fica coçando uma meia hora. Palestrinha demais. Desinteressante já no segundo parágrafo. Também corre o risco de virar uma lista interminável de nomes citados, um exibicionismo de artistas obscuros que interessa a quase ninguém.

Assim como minha obra, que faço como uma resposta às coisas que eu e meus amigos gostamos e acabou atraindo um público que veio antes de mim, percebi que essa newsletter segue um caminho não planejado. Vocês são pouco mais de 200 inscritos e a maioria não é artista. Acho engraçado isso para um publicação chamada Artista Operário no qual fico numa egotrip contanto minhas coisas de artista. Mas fico muito feliz em saber que ela conversa com qualquer um e não só com artista, que muitas vezes é um bicho muito chato, tipo muriçoca.

Memorando

1. Esta newsletter, assim como muitos dos meu projetos são feitos de maneira independente, em muitos casos sozinho, sem assistentes e nunca com ajuda de IA. Se você gosta do que lê, considere assinar um dos planos pagos.

2. Estou disponibilizando alguns desenhos, estudos e colagens das peças que venho produzindo, em sua maioria do ano passado e desde, muitas das quais, venho refletindo nessa Newsletter. O material está disponível neste catálogo.

3. No site tem as gravuras, feitas com stencil ou serigrafia, além da Revista Rasura, camiseta e demais materiais.

4. Não tem interesse em adquirir nenhum destes materiais mas está precisando dos serviços de ilustração? Só entrar em contato que será um prazer poder contribuir.

Desde já muito obrigado pelo carinho e apoio. Abraços e beijos.