Autor: Diego

En una escena donde el foco está únicamente puesto en el escenario, El Festín propone detenerse y mirar todo lo que ocurre a su alrededor. El proyecto nació en Colombia durante la segunda mitad del 2025, impulsado por la necesidad de abrir espacios para las bandas locales y, al mismo tiempo, registrar su música con una calidad que no estuviera únicamente reservada para las grandes producciones.

Lo que comenzó en la sala de un apartamento terminó convirtiéndose en un formato con identidad propia: bandas tocando mientras la comida se prepara y las conversaciones, errores y las risas también forman parte de la sesión.

Conocí el proyecto durante la gira de mi banda en Colombia y me pareció súper innovador, creativo y divertido. También fue mi primera vez probando ensalada de frutas con queso. Muy de Colombia, o eso creo.

Para esta entrevista conversamos con Juan (@cubio_metafisico), quien formó parte del equipo de dirección y cámara de El Festín, programa realizado por la productora Último Jardín.

Nuestro primer encuentro fue precisamente a raíz de este programa, cuando invitaron a nuestra banda (Ok Boomer) a grabar una sesión. Más allá de estar detrás de la cámara, Juan ha sido parte de ese equipo que se ha encargado de registrar y dar espacio a distintas propuestas de la escena musical, construyendo una mirada audiovisual alrededor de estos proyectos y de las personas que los hacen posibles.

A partir de esa experiencia surgió la curiosidad por conocer un poco más sobre quién hace posibles estos registros: cómo entiende el documentar una escena, qué significa grabar a otros artistas y qué hay detrás de un proyecto como El Festín y Último Jardín.

Hola, Juan, para empezar la entrevista me gustaría preguntar cómo nace El Festín, y qué los motivó para iniciar el proyecto.

Nace en la segunda mitad del 2025 como fruto de la necesidad de abrir espacios para las bandas de nuestros amigos. En esa ocasión comenzamos nosotros mismos, DistoArmo y Espantapájaros. Asimismo teníamos interés en los registros en vivo por lo que se nos ocurrió la idea de comenzar con sesiones. David (Pancho) contaba con equipos debido a que contaba con conocimientos en producción audiovisual y después de posponerlo un mes, él montó todo en su sala y nos propuso la primera fecha.

Me parece loquísimo que hayan podido resolver esa necesidad que vieron también reflejada en ustedes mismos ya que empezaron por grabarse, además de abrir espacios para las bandas de sus amigos ¿Qué necesidad sentían que existía dentro de la escena colombiana cuando decidieron crear el proyecto??

En su momento sentíamos que hacía falta que quedara grabada la música que estábamos haciendo en video, y con buena calidad. Si bien existían registros, estos solían realizarse con cámaras de baja calidad o producciones profesionales grandes y poco accesibles. Nosotros queríamos hacer algo intermedio en lo que pudieran participar más personas.

Eso último que mencionaste es algo que he visto en pocos proyectos que realizan producciones audiovisuales con música independiente, eso le da identidad. Apropósito, ¿cuál crees que es la identidad del proyecto? Yo siempre digo que esto es un programa de cocina con música de fondo (risas).

Creemos que puede ser el paralelo que se hace entre música y comida. Tratamos de expresar que ambas son formas en las que es posible realizar un acto de cuidado, además de ser muy parecidas en algunos aspectos. Ambas implican una idea, una selección de elementos y darles un tiempo y orden específicos. Al final, ambas nos abren el camino para sentarnos el uno frente al otro y compartir partes de nosotros mismos. Por eso se cocina mientras se toca.

¿Qué creen que diferencia El Festín de otros formatos de sesiones en vivo?

Además de lo del punto anterior, creemos que una diferencia importante es que no tratamos de imponer una solemnidad innecesaria a la grabación. Buscamos justamente lo contrario. Lo que se suele esconder pero que para nosotros es fundamental: la conversación, los errores, la risa, etc.

¿Cómo es el proceso de elegir a las bandas que participan?

Muchas de ellas nos escriben porque les gusta el formato, otras las elegimos pensando en gustos personales y otras las pensamos muy cuidadosamente con el objetivo de brindarles mayor exposición. En general se van volviendo amigos que entienden la idea del formato.

¿Qué esperan mostrar de una banda que normalmente no se ve en un videoclip o concierto?

Aunque lo respondimos antes, vale la pena añadir que buscamos poner al artista al mismo nivel que el espectador. Por eso no hay tarima y se hace en un espacio casero, por decirlo así, donde uno compartiría con sus seres queridos.

¿Cómo construyen cada sesión?

Consta de tres partes: La preparación, que es la búsqueda de los ingredientes y el recibir las bandas para prepararse. Luego la ejecución/cocinada, que es literalmente comenzar la presentación y a la par la preparación de la comida. Y el cierre, que es juntarnos todos a comer y a hablar de la música, qué tal salió todo, compartir.

¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde sus inicios hasta su última sesión?

Ha pasado por varias etapas, comenzando con que a Pancho lo sacaron de su anterior apartamento por el alto volumen mientras grabábamos. Esto nos llevó a buscar otro espacio. Han cambiado algunas herramientas: más manos ayudando, más visibilidad. En sí mismo, el formato ha ido cogiendo una escencia específica con el paso de los capítulos de manera natural.

¿Hay alguna sesión que recuerdes en especial o que haya marcado un antes y un después del proyecto?

Siento en lo personal, que una sesión que marcó un punto de inflexión fue la de Telesquí, de Juan Pablo. Un par de semanas después de grabarla y sin aun publicarla, él falleció de manera muy repentina. Esto fue muy fuerte para nosotros ya que era un chico de nuestra edad, buscando lo que de alguna manera soñamos todos los que hacemos arte. Fue muy difícil de asimilar y al mismo tiempo nos enseñó muchísimo. De esto podríamos hablar extensamente pero creo que para responder aquí diría que cambió la perspectiva sobre el valor que tiene cada cosa que hacemos y la importancia de hacerlo con mucho amor frente a la fragilidad de la vida.

¿Qué impacto esperan obtener dentro de la escena colombiana?

Más allá de pensar en la escena colombiana, diríamos que nos gustaría que más gente se animara a hacer cosas con los demás sin importar las herramientas con las que cuenten. El énfasis está justamente en crear en conjunto y compartir, es por ello que las sesiones siempre fueron pensadas para reunir a las bandas, para que el foco deje de estar en el artista como individuo aislado y se enfoque en todas las relaciones que se tejen alrededor de él.

Si alguien descubre una banda dentro de El Festín, ¿que les gustaría que también descubran de la escena a la que pertenece la banda?

Que todos somos a final de cuentas esa misma persona que estuvo en algún momento en su cuarto con una guitarra tocando solos, pero que siempre lo lindo de todo esto es poder compartir con las personas que queremos, ya sea en un escenario gigante o en la sala de nuestras casas.

Autora: Killa

Durante el mes de junio, el power trío de indie rock, Cometa a la Deriva, pisó tierras mexicanas por primera vez. Desde el momento en que aterrizaron, Vanessa, Gustavo y Mariano se enfrentaron a la incertidumbre de llevar su música a un entorno completamente nuevo, pero lo que no sabían era que México les tenía preparado mucho más que una serie de conciertos.

Basta con revisar los antecedentes. En plataformas de streaming, Cometa registra una audiencia en México casi tan grande como en Perú, y hasta hace unos meses, sus redes sociales estaban inundadas de fanáticos pidiendo presentaciones desde Guadalajara hasta Tijuana. Resulta difícil no preguntarse si, en este momento, existe alguna otra banda nacional en el circuito independiente con un alcance similar.

Entonces, llegó la oportunidad: seis fechas compartiendo escenario junto a Déjenme dormir (Chile) y Honey Pot! (México), otras dos agrupaciones que vienen gozando de un amplio recibimiento en la escena latinoamericana.

Pero, como quizás algunos creen, irse de gira al extranjero no es tan simple como conseguir los boletos de avión y ya. Antes de emprender el viaje —y el sueño, también— había que sentarse a hacer cuentas. Ahí es cuando entra su manager, Valeria, quien, según los integrantes de la banda, los mantiene vivos. Con su ayuda, se organizó un exitoso show pro-fondos para cubrir los gastos del tour y, para comer, como comenta Gustavo. A propósito, los chicos de Cometa quedaron encantados con los chilaquiles, uno de los platos que más disfrutaron durante su paso por México.

Si bien no era la primera vez del grupo en tierras foráneas, sí era su primer tour siendo completamente conscientes de lo queridos y esperados que eran fuera de Perú.

La primera parada del tour era Puebla, y el camino hacia allá fue particularmente pesado. Un partido de la selección nacional de fútbol había movilizado a miles de personas por las calles.

Entre risas, Vanessa cuenta que se pasó todo ese día sentada: primero en un avión y después en una van, acompañada de las otras bandas. El viaje parecía no tener fin, hasta que, a mitad del recorrido —o más bien, odisea—, les informaron que las autoridades del municipio habían clausurado el local donde tenían previsto tocar.

A pesar de este trago amargo, la gira apenas comenzaba y el ánimo seguía intacto, y sobre todo, expectante por la siguiente fecha, ahora en Ciudad de México: la terraza de La Bestia Radio.

Al ser la primera parada del tour, estaban algo nerviosos. Sin embargo, el hype que se desató terminó siendo, en palabras de Gustavo, “hermoso y distinto”.

Antes de continuar, vale la pena detenerse en La Bestia Radio. Se trata de una emisora digital dedicada a la difusión de música alternativa. De hecho, Cometa a la Deriva pasó por uno de estos espacios para una entrevista.

Esta radio cuenta con una sede física que, como mencionó Mariano, se ha convertido en un verdadero hub para los fanáticos de la música. En su interior no solo hay salas de ensayo: también funcionan tiendas donde se pueden encontrar discos, instrumentos, merch de distintas bandas y hasta pedales. Y, por si fuera poco, está la terraza, donde se realizan todo tipo de eventos. Sería un sueño tener algo así en Perú. Vayan tomando nota.

Hablando de venues increíbles, también está Sangriento, un recinto instalado en las inmediaciones de lo que alguna vez fue una fábrica de harina. Aquí fue la segunda presentación de la banda, todavía en la capital.

No cuesta entender por qué esta fue la fecha favorita de Mariano: desde la acústica del lugar hasta la conexión con el público.

Por su parte, Vanessa relata emocionada cómo los asistentes a este show se sumaron al instante a una dinámica que la banda suele realizar justo antes de tocar su tema “Avísame cuando llegues”, que aborda la inseguridad y violencia que sufren las mujeres en el día a día. En ese momento, se llama al frente a las mujeres y disidencias presentes, para que ocupen las primeras filas antes de que empiece la canción al fiel estilo riot grrrl. Normalmente esta dinámica toma un poco más de tiempo, pero aquella noche la respuesta de la audiencia fue inmediata

En Cuautitlán, la tercera parada del tour, las emociones siguieron a flor de piel, esta vez por una razón especial: recibieron la visita de los integrantes de Flores Secas, una agrupación que fusiona géneros alternativos. Vanessa no ocultó su emoción al conocer a Azul, la frontwoman de la banda, a quien ya admiraba desde antes del encuentro.

Este no fue el único encuentro que dejó huella durante la gira. Vanessa habla de las “amistades de gira”, esos vínculos que nacen en circunstancias muy particulares y que, sobre todo, difícilmente podrían existir fuera de dicho contexto. Un muy directo shout out a Honey Pot! y Déjenme Dormir por las risas, la convivencia y todas las anécdotas que dejó el tour. Probablemente podríamos dedicarle un artículo entero a esto último.

Entonces llegó el turno de Querétaro, la penúltima fecha. Ahí notaron un interesante contraste respecto a los locales en Perú: el lugar donde tocaron, aunque funcionaba como una especie de bar, estaba mucho más condicionado para realizar conciertos. Una diferencia que, según Mariano, también pudieron notar en otros espacios durante el tour.

Finalmente, Monterrey. Parece ser que esta ciudad quedará por siempre en los corazones de Vanessa, Gustavo y Mariano: afirman que el show que dieron fue como de película.

Durante “Frances Ha”, probablemente la canción más nostálgica de su set, integrantes de las bandas que los acompañaron durante el tour subieron al escenario junto a Valeria. Entre abrazos y los últimos acordes, queda claro que no podía haber un cierre más apropiado.

Al cierre de esta crónica, Cometa a la Deriva está de vuelta en Lima y ahora con más fuerzas que nunca. La banda prepara su próximo álbum, previsto para el próximo año, mientras ensaya nuevas canciones y alista algunas sorpresas para los próximos meses.

Quizás México quedó atrás, pero el viaje de Cometa parece estar lejos de terminar.

Autor: Chelo

Cuando hablamos de personas influyentes en la escena musical independiente, sería un pecado omitir el nombre de Daniel Carpio Guzmán. Después de la pandemia, organizó una serie de conciertos llamados Game Over, donde reunió distintos artistas emergentes de la escena local para presentarles juntxs. Luego, entre 2024 y 2025, habilitó un espacio en Magdalena al que llamó la “Casa Carpio”, donde músicxs y público se reunía después de las tocadas para seguir pasando el rato en un ambiente tranquilo. Y este año, revivió un sello antiguo llamado Gato Robot, que reune bandas como Bipoxx, Sacachispas, Triste Vieja, TLC, Parka y más.

Hoy en día, Carpio podría ser considerado un experto en escenología músical (si es que existiera esa disciplina). Y se le puede observar más centrado y enfocado en sus proyectos que nunca. En esta entrevista, conoceremos algunos detalles de la vida de este prolífico personaje:

¿Qué te inspiró a dedicarte a la música?

—Pensaba que en cualquier otra carrera, me iba a aburrir. Desde los 14 años toco el bajo, inicié en las bandas escolares, presentándonos con mis amigos para el día de la madre y eso. Desde ahí ya imaginaba melodías, aunque no era algo consciente; simplemente aparecían en mi cabeza y no las podía etiquetar. Hasta que en un momento me dije “puedo transponer lo que estoy haciendo en mi cabeza en un lugar: lo puedo grabar con mi celular”. Y así comencé a hacer canciones—.

¿Recuerdas alguna de esas canciones que produjiste en aquella época?

—Recuerdo la primera canción que hice conscientemente, era una balada, pero no los primeros sonidos que llegaron a mi cabeza sin querer—.

¿En qué momento conociste la música nacional independiente?

—De adolescente me gustaba el metal: Bandas como Slipknot o Bring Me The Horizon son bandas que escuchaba. Gracias a eso, conocí el rock peruano. Me pegué con Cuchillazo, 6 voltios, Terreviento y Ni Voz Ni Voto. La primera banda de la escena indie que conocí fue Angelo con Baja Autoestima, gracias a las recomendaciones de la plataforma que usaba para escuchar música—.

¿Cuál fue la primera tocada a la que asististe?

—Se llamó Astral Fest, y fue en 2019, antes de pandemia. Me acompañaron Jorge Ramírez (ex Sacachispas) y Matteo Braschi (Comandante Espinar). Recuerdo que tocaron Paradero Astral, Suerte Campeón, Ángelo con Baja Autoestima, Los Niños Vudú, etc. Solo fui a dos tocadas antes de la pandemia. La segunda fue el Festival Bizarro, cuando volvió Almirante Ackbar (uno de sus tantos regresos). Recuerdo que ese día tocaron Los Niños Vudú y, justo después, Fiesta Bizarra. Un contraste bien loco, ahora ya no se ve tanto de eso, ¿no lo sientes?—

Ahora cada uno está en su escena

—Sí, escenas. Ya no podemos hablar de nichos, esos eran más pequeños. Antes se mezclaban más las escenas. Ahora, se ha se ha diversificado más—.

¿Fuera del colegio, cuál fue la primera banda que tuviste?

—Se llamó Distimia y era una banda de metal. Ahí tocaba junto a Franco Arancivia, Rafael Nestares (produjo Demonitos y Triste vieja) y mi mejor amiga Majo. Hicimos un álbum durante la pandemia llamado Desampáramo—.

¿Cuánto duró ese proyecto?

—Hasta 2021. De ahí entré a mi exbanda Buho Clan invitado por Miki Marciano, a quien conocí por un grupo de WhatsApp. Y por esas mismas fechas, fundé Parka—.

¿Ese sería el segundo proyecto que fundaste?

—No. Con Rafael Nestares siempre hemos estado haciendo música. Primero, hacíamos punk melódico, luego grunge, y al final midwest emo; en un proyecto que ahora se llama “GUMO!” Pero como siempre hemos tenido proyectos en paralelo, no le hemos dado la prioridad debida. Aun así, tenemos por lo menos 50 canciones compuestas—.

¿En serio? ¿50?

—Sí, son como tres álbumes—.

¿En qué otras bandas participaste?

—En Casa del Árbol, Super Fuzz, Antibióticos y Santino Amigo—.

Ahora que regresó Parka, ¿Cuáles son sus planes?

—Lanzar un álbum. Hace poco hicimos un reto de grabar un single en una semana, así nació “Bruxismo”—.

Ese grupo nació en 2024, pero lo detuvieron varias veces por la salida de integrantes y otros asuntos, ¿Te apena que haya habido estos hiatus?

—Los dos primeros singles de Parka salieron en 2024. Luego de eso, en 2025 y 2026, vi que salieron varias bandas de emo gritado por chicas, no solo en Perú, sino en Latinoamérica. Pienso que, si Parka se hubiera lanzado un álbum en 2024, hubiera sido un hito en la música. Algo adelantado a su época—.

¿Te alegra volver a tocar en escenarios?

—A mí me encanta hacer música. Me gustaría poder darles más importancia a mis bandas, pero, realmente es difícil vivir de tocar. He estudiado la carrera de música precisamente porque quiero poder vivir de esto. Y, si bien, te puedes volver super exitoso con un proyecto en algunos casos, yo encuentro más seguridad formando una empresa como un sello o siendo representante de varias bandas—.

Por eso creaste Gato Robot.

—Siento que ese es mi proyecto principal—.

¿Cómo lo describirías?

—En un inicio yo lo planteé como un sello, pero, mientras un sello grande financia lanzamientos de artistas, uno independiente funciona más como un colectivo. Así fue como empecé. Junto a Rafael Nestares producíamos artistas a bajo costo, por lo que era como una semi financiación. También organizamos conciertos—.

¿Recuerdas su primera tocada?

—En enero de 2022, organizamos Gato Robot Fest, donde se presentaron Juan Gris, Ángelo con Baja Autoestima, Santino Amigo, Chilltucos (conformada por miembros de lo que ahora es Mimo) y más—.

¿Cómo financiaron esa experiencia?

—Yo saqué un préstamo, pero fueron varios inversores en realidad—.

¿Quién te prestó?

—Mis padres. Ellos siempre me han apoyado y tenemos una comunicación constante—.

¿Tus padres apoyan tus proyectos?

—Sí, siempre me han apoyado—.

¿Ellos saben lo que son Bipoxx, TLC, Triste Vieja…?

—Incluso, una vez, mi mamá fue a vender hamburguesas en un evento que hice en Casa Bagre—.

Si bien Gato Robot nació en 2022 y estuvo activo por un tiempo, tuvo una larga pausa hasta que regresó en 2026. ¿A qué se debió esa interrupción?

—Problemas personales, estar enfocado en otras cosas, o a veces simplemente perdía los ánimos—.

¿Podrías mencionar algunas bandas que hayan pasada por el sello?

—Demonitos, Teruyoshi, Triste Vieja, TLC y más bandas—.

En un momento, cuando llegaste a cierto nivel de popularidad en la escena, comenzaste a hacer afters en tu casa, luego de las tocadas. ¿Cómo se dio eso?

—No lo tengo claro. Solo se daba la posibilidad porque tenía un espacio más o menos amplio. Simplemente invitaba amigos a seguir la diversión en un espacio que, de alguna manera, era más controlado que un concierto—.

¿Cuál fue el máximo de personas que estuvo al mismo tiempo en esa casa?

—Treinta y tantos. Había momentos donde no se podía ni caminar, y otros donde llegaba más gente que no conocía, que la que sí conocía. Pero cuando se terminaba yendo la mayoría de gente, era que podía conocer a esas pocas personas que se quedaban—.

¿Qué relaciones forjaste ahí?

—Mucha gente. Gente que ya no está en mi vida, tal vez. Ahora he limitado bastante mi círculo de amigos—.

¿Te arrepientes de esas épocas?

—Fue un momento de la vida que creo que es creo que es saludable tener en algún momento. Y de todas las experiencias se aprende, sean buenas o malas—.

¿Qué es lo más denso que te ha pasado en la escena?

—Ver funas a gente con la que yo he compartido—.

¿Cuántas veces te ha pasado eso?

—Concretamente dos—.

¿Crees que hay un problema de malos comportamientos en la escena?

—Hay mucha gente que se comporta mal. Hay muchos que se piensan intocables, y también hay inmaduros, personas tal vez muy jóvenes que no tienen el criterio para saber bien cómo actuar. O, a veces, por el consumo de sustancias, también pierden ese criterio. Y en otras ocasiones, es cuestión de egos—.

¿Con qué bandas te gustaría trabajar?

—He estado viendo la chamba de Lo q’ sea y he trabajado con ellos algunas veces. Me empilan. Siento que The Faites están jalando bastante gente, y también me gustaría trabajar con ellos. En cuanto a participación en eventos, me gustaría llamar algún día a Cataratas en Siberia—.

¿Qué se viene para Gato Robot?

—El Ya Es Muy Tarde 3, el regreso de otra banda y revivir Game Over con un formato completamente nuevo—.

Esta entrevista ha sido editada únicamente para mejorar su legibilidad, manteniendo intactos el sentido, las opiniones y la información proporcionada por el entrevistado.

Autora: Socris

La intervención en tocadas o espacios culturales es un fenómeno que, pese a ser percibido con mayor fuerza en estos tiempos difíciles, tanto a nivel político como social, ha caracterizado a diversas escenas autogestionadas en todo el país. Por ello, se recopilaron distintas anécdotas con el objetivo de analizar el común denominador y sus diferencias.

Comencemos por el hecho de que la gran mayoría de estas intervenciones fueron realizadas por agentes del “orden” como la Policía y el serenazgo, así como también servidores públicos, como los fiscalizadores.

Nos remontamos a Arequipa, donde la banda Ronchas Kill tuvo una anécdota un poco más agridulce y hasta divertida: durante el 2023, en un concierto reunión de la banda Cuchillazo, hubo una previa clausura horas antes de comenzar el evento, con unos 15 fiscalizadores, según el testimonio recopilado. Afortunadamente debido a que no se le informó al público sobre este abrupto suceso, este siguió llegando al local, de forma que el evento inició.

Más adelante, la banda telonera tuvo problemas cuando se rompió la cuerta de una guitarra, y pese a que el imprevisto pudo haber interrumpido el show, terminó generando un momento de mayor cercanía entre la banda anfitriona y el público.

Y siguiendo por las provincias del Perú, ahora nos trasladamos a Ayacucho, donde a finales de los 90s comenzaron a organizarse nuevamente conciertos con el resurgimiento del movimiento musical subterráneo. Tal y como se lo imaginarán, estos sufrieron intervenciones muy intensas, a pesar de la aparente calma que el gobierno de turno prometía. Manolo Huamanchau, autor de Ayacucho Subte, nos comenta de dos casos.

El primero fue en 1999, en un concierto en el local La Luna, donde la policía irrumpió violentamente y, por coincidencias de la vida, una banda presente tocó ese día Sucio Policía de Narcosis. Los asistentes fueron golpeados, insultados y trasladados a una comisaría, donde algunos permanecieron toda la noche en condiciones precarias.

El segundo caso se dio en el año 2000 —específicamente en abril— en una tocada llamada “Gritos de Guerra”.

El evento, de carácter político, criticaba con firmeza a los candidatos de las próximas elecciones que se celebrarían pocos días después. La policía intervino una vez más, pero en esta ocasión no se registraron mayores incidentes, salvo algunos asistentes indocumentados que fueron detenidos.

Mientras esto sucedía, en Lima —específicamente en Barranco—, a inicios de los 2000, estaba previsto un concierto de la banda Asmereir en el local Pinball. Sin embargo, las cerca de 280 personas que asistieron al evento se encontraron con las puertas cerradas.

Ante esta situación, Kamilo, de Plug Plug, y su amigo Mauricio Cerna tuvieron que buscar como locos un local que pudiera recibir a más de 200 personas y que, además, estuviera habilitado para llevar a cabo el show. Para su suerte, encontraron “El Más Allá”, un espacio que contaba con licencia para eventos musicales, por lo que terminó siendo un verdadero golazo para salvar la fecha. El local funcionó por última vez ese mismo año, bajo el nombre de “El Fashion”.

Pasando ahora de eventos subtes y chiki punks, vayamos ahora a la escena metalera, donde tenemos una anécdota más que impactante contada por Oscar Reategui.

Todo comenzó en el local El Averno, en algún momento entre 2006 y 2010, pocos años antes de su cierre. Durante una tocada de la banda Reino Ermitaño, efectivos policiales intentaron ingresar al recinto de forma violenta. Como dato curioso, los asistentes notaron que, desde el exterior, los agentes estaban lanzando pequeños bolsitas con un contenido muy particular, ya ustedes se imaginarán.

Finalmente, los tombos lograron su cometido: entraron, empezaron a asustar a la gente y a imponerles una requisa general. Sin embargo, un poeta que se encontraba en el lugar se negó de manera rotunda, pues, estaba convencido de que le iban a plantar algo teniendo como antecedente el lanzamiento de las bolsitas.

Entre otros recuerdos de este suceso, Oscar mencionó cómo a una de sus amigas la jalonearon y golpearon los efectivos de la policía para llevársela en su camión; además de presenciar un corte de luz en el local.

Entonces, vamos notando que los tombos son muy fans de la música fuerte y contestataria, pero lamentablemente su presencia lejos de transmitir “orden y autoridad” como les gusta presumir, aumenta más la resistencia del público, sobre todo si esto va acompañado del ejercicio de la violencia por parte de estos agentes.

Pero, siguiendo con las anécdotas, existen registros de casos más recientes, como el ocurrido en el local El Calabozo en 2015. Debido a la falta de permisos, la Policía acudió a clausurarlo. Lo más llamativo fue la reacción de los efectivos al encontrarse con la decoración del lugar, repleta de ilustraciones y referencias paganas, que rápidamente asociaron con supuestos “rituales satánicos”.

También están los casos ocurridos en algunas de las tantas tocadas organizadas por el colectivo Rock Liberado. En una presentación de la banda Dekreto Supremo, los tombos fueron muy agresivos, llegando a tumbar algunos altavoces, provocando que el público huyera por temor a ser encarcelados.

Además, en los eventos chalacos organizados por mi 2do colectivo favorito, Suicidio Cotidiano, nunca faltaba alguno que otro carro de la Policía con las sirenas encendidas, intentando pasar frente al evento para, como quien dice, “bajarla” y apagar la noche.

Sigo este recorrido no sin antes hacer mención a algunas audaces tocadas organizadas durante o después de la pandemia que, estés de acuerdo o no con ellas, reflejan un grito de liberación frente a un contexto de incertidumbre mundial en torno a la salud en nuestro planeta.

Las primeras que se me vienen a la mente son las organizadas por el colectivo Ruido y Destroy, especialmente el evento “200 años de nada”, que contó con bandas como Vaselina, La Banca Cana, Escremento Social, entre otras. Según Joshua, uno de los organizadores, los tombos ingresaron junto con los fiscalizadores al lugar donde se estaba realizando la tocada, en plena Plaza San Martín. Ante las amenazas de arrestarlos y llevarse los equipos, terminaron el evento con solo dos bandas por tocar, lo cual fue frustrante en ese momento.

Luego, en Ventanilla, la banda Ezkizofrenia realizó una tocada ya con el toque de queda levantado, lo que terminó en una reunión de media escena punk de Lima y sus alrededores. La cosa se puso interesante cuando milicos y tombos intentaron ingresar y mucha gente del lugar intentaron impedirlo. Incluso, esto motivo a que cada banda suba a tocar una canción de tema policial.

Pero, lamentablemente, los efectivos terminaron tumbando la puerta e ingresaron con metralletas, mientras insultaban a los asistentes y desconectaban todo lo que encontraban a su alrededor.

Nevamente en Arequipa, Omar nos relata que durante los toques de queda organizó clandestinamente un concierto en una antigua casona que anteriormente había funcionado como colegio. A mitad del evento, varias patrullas y motos se estacionaron frente al lugar. La angustia fue tal que los organizadores comenzaron a discutir cómo esconder rápidamente a unas 50 personas, hasta que el dueño planteó una solución: subirlas y esconderlas en el techo.

La policía entró por la fuerza y mientras revisaban la casa y los equipos, unas 10 o 15 personas que se habían quedado abajo fueron identificadas e interrogadas. Los organizadores intentaron explicar que estaban realizando una grabación/streaming, mientras los tombos presionaban y amenazaban con multas o detenciones. La parte más curiosa ocurrió con quienes se habían escondido en el techo: mientras esperaban que la policía se retirara, empezaron a escribirle a Omar preguntándole cuánto tiempo tendrían que seguir allí porque se estaban muriendo de frío. Después de que los policías se fueron, todos bajaron y terminaron desarmando el concierto.

Y si creen que todas las intervenciones o cierres de locales y eventos contraculturales la han vivido solo los punkekes, subtes o gente abiertamente política, créanme que no del todo.

Fue una sorpresa para mí enterarme de que, durante el concierto de la banda ecuatoriana No Gracias en Vichama Conciertos, la policía ingresó con armas tanto al local como a otros establecimientos de los alrededores. Hasta los emos son una amenaza para el “orden”, dicen por ahí.

Ahora, una de mis intervenciones “favoritas”: ” ocurrió en 2025, durante una tocada realizada frente a la nueva Puerta 2 de mi alma mater, San Marcos, en memoria de Inti y Bryan, jóvenes asesinados por la Policía. El vocalista de Ente Inerte comenta: “Lo paja es que justo cayeron cuando tocábamos una canción contra la represión policial. Firme, lo más gracioso es que la sirena marcaba los BPM de la canción”.

No recuerdo muy bien si el evento terminó antes debido a la presencia policial, pero el pogo estuvo de la csmr.

Por ahí también existe una leyenda según la cual un evento organizado por la banda SuperFuzz en Barranco fue intervenido y hasta hubo mecha de por medio.

Pero una de las intervenciones más lamentables que he podido escuchar en estos últimos meses fue la censura de los últimos dos o tres eventos que realizó Quilcazo. Sus fechas coincidieron con días de elecciones y con el largo conteo de votos. Ante el temor del gobierno a posibles levantamientos o manifestaciones, se decidió cerrar todo Cercado de Lima, afectando no solo el libre tránsito, sino también el libre ejercicio cultural.

A lo largo de este relato hemos podido conocer los motivos por los cuales se suelen realizar estos operativos: cuestiones legales, contextos políticos/sociales, sesgos, buscar coimas, etc. Si bien algunas intervenciones pueden tener como finalidad garantizar el correcto funcionamiento de un espacio, esto no justifica los actos arbitrarios que, en la práctica, se han llegado a reportar, especialmente cuando terminan perjudicando el ejercicio cultural.

Y ustedes, ¿conocen algún otro caso de intervención arbitraria a tocadas o eventos culturales?, los leo.

Autora: Killa

Me parece increíble pensar que, en nuestro país, de alguna forma u otra, la prensa musical (casi) siempre ha estado ahí. Quizás al margen, sí, pero presente y firme. Desde fanzines que ahora son lost media hasta revistas especializadas y suplementos de los grandes diarios, la música nacional ha sabido hallar un espacio donde ser contada, discutida y, sobre todo, documentada.

Como comentaba mientras editaba este artículo, me resulta todavía más increíble saber que, pese a la precariedad de ciertas épocas, había gente apasionada que sabía arreglárselas. Muchas veces, siguiendo el espíritu del DIY —hazlo tú mismo—, sacaban adelante publicaciones hechas completamente a mano, armadas con pocos recursos, pero con muchísimas ganas de hablar de aquello que tanto adoraban.

Algo así como lo que hacemos en e.c_na, pero al menos ahora tenemos internet y plataformas de difusión. No pretendo hacer esto sobre nosotros, lo juro.

En memoria de estos valientes trabajos, presento un breve pero necesario listado de publicaciones que se encargaron de contar, registrar y acompañar las historias de la música en nuestro país a lo largo de los años.

Créditos por los archivos fotográficos a Fanzines del Mundo.

Caleta (1995 - 2002)

Su nombre lo dice todo (buenísimo, por cierto) y es que Caleta es, muy probablemente, el primer nombre que se nos viene a la mente cuando hablamos de periodismo musical independiente en el Perú. Fundada por Percy Pezúa y Julián Rodríguez, esta publicación contó con 28 ediciones a lo largo de 7 años, convirtiéndose en un importante referente del rock alternativo nacional y, sobre todo, la juventud de la época: sus hábitos de consumo, tendencias, intereses y formas de relacionarse con la música.

De esta revista, destacan sus entrevistas y reseñas, que con algo de suerte todavía pueden ser encontradas navegando por internet. Qué fomo.

Averok (1984 - 1986)

Creada por Alfredo Rosell y Franklin Jaureguí, jóvenes universitarios, rápidamente se convirtió en un pilar fundamental de la movida subterránea de los años 80. Y cómo no, si además de difundir a las bandas y artistas de la escena, fue el medio encargado de organizar algunos de los conciertos más emblemáticos de la época, como “El Rock Subterráneo Ataka Lima”. El icónico Leo Bacteria estuvo detrás de las gráficas y emblemas de este y otros eventos.

Jaureguí comentó que la revista inicialmente cubría el panorama del rock internacional, pero que poco a poco fue virando al nacional, en respuesta a las preferencias del público. Tanto fue su éxito que llegó a ser una marca registrada y casi concreta un programa en Radio Doble Nueve.

Esquina (1986 - 2011)

Es, básicamente, la continuación de Averok. Fundada por Franklin Jaureguí, alcanzó la popularidad suficiente para ser comercializada en múltiples kioscos de Lima y otras regiones del país. Una de sus particularidades era la inclusión de reportajes de bandas extranjeras, a cargo de colaboradores foráneos. Gracias a este medio, icónicos eventos como “Rock en Acho” y “Condorock” encontraron un espacio de difusión y lograron llegar a un público más amplio.

Tras 22 ediciones físicas, su legado se mantiene vigente en el formato digital, donde continúa difundiendo y dando visibilidad a la escena local a través de sus redes sociales.

Cuero Negro (1988 - )

Clásico de clásicos. La publicación con mayor trayectoria de esta lista y con un enfoque particularmente interesante: la escena metalera nacional e internacional. Lo que comenzó como un fanzine fotocopiado por un jovencísimo Giuseppe Risica Carella, “Pino”, terminó convirtiéndose en un magazine de referencia que sigue publicándose. La edición número 22 vio la luz en febrero de este año.

Asimismo, la iniciativa impulsa la organización de festivales, actividades y la edición de casettes compilatorios con bandas locales. Y por si les parece poco, también cuenta con una tienda física en Galerías Brasil. Muchísima aura.

Punto de Placer (1986)

A este punto, es imposible hablar de la historia de la música nacional alternativa sin mencionar a la subte entre subtes, María T-Ta, y, junto a ella, su fanzine Punto de Placer. Si bien apenas cuenta con 2 ediciones, es un valioso registro de una de las etapas más caóticas del país. En sus páginas convivían comentarios y entrevistas a bandas junto a reflexiones sobre el rol de las mujeres, la discriminación y otras inquietudes.

En la segunda edición, su fundadora relató cómo fue detenida y torturada por miembros de las fuerzas del orden, luego de que una copia del fanzine fuera confiscada. La persecución y criminalización de los músicos eran parte del contexto de la época, especialmente en un país marcado por la violencia política.

Dosis (2012 - 2014)

Se presentaba como una revista de arte y cultura, en la que se podían encontrar desde reseñas de álbumes de la época hasta interesantísimos reportajes sobre temas sociales, siempre desde una perspectiva joven. Su gestión estuvo a cargo de Búho Comunicaciones, agencia dedicada a las relaciones públicas y la difusión de propuestas vinculadas al entretenimiento y la cultura.

¿Lo mejor? Llegó a repartir 2000 ejemplares gratuitos cada mes, que podían encontrarse en librerías y centros culturales. Además, también contó con una radio virtual. Qué fomo x2.

Autor: Rafa

Esta entrevista fue realizada un mes antes de la gira de Ok Boomer en Colombia.

Ok Boomer, banda de emo trujillana formada en diciembre de 2019, anunció una gira a través de cuatro ciudades del país vecino Colombia: Bogotá, Cali, Medellín y Pereira. Para esta entrevista, nos contaron detalles de su pasado, presente y futuro.

¿Cómo ha sido el recorrido de Ok Boomer hasta ahora, 2026?

Anthony: Diríamos que bastante accidentado, pero se ha logrado a fin de cuentas. Una formación de cinco bastante… sólida.

Diego: Hemos tenido muchas formaciones desde 2019, como tres o cuatro cambios, pero sentimos que la actual es la que se ha consolidado más, en la que hemos podido coincidir con todos los miembros y poder hacer lo que nos proponemos, más que todo. Hemos tenido pequeños logros dentro de la banda y eso nos ha ayudado a crecer como tal.

Hasta ahora ustedes han lanzado un single, un EP y un split.

Anthony: Sí, bueno, dos splits.

Diego: Más de dos splits.

Anthony: Lo que pasa es que, en general, no hay mucho tiempo de grabar, pero es que siempre tenemos canciones nuevas, eso sí. Por eso estamos grabando un disco que no sabemos cuándo sale, pero sale.

Diego: Tenemos el single que todo el mundo corea siempre, que es Girasoles. La última vez que lo tocamos en Vichama todo explotó fue loquísimo, loco. El recibimiento estuvo bien bonito. Tenemos el EP que lo vamos a tocar, vamos a tocar todo lo que tenemos en Spotify y nuevas canciones que tenemos. [Sobre su gira internacional] Probablemente salga un single más, no sé, antes de que vayamos, porque nos queda todavía, queda exactamente un mes.

Anthony: Un mes.

Diego: Exactamente desde la fecha de hoy (la entrevista se grabó una noche del sabado 27 de junio), un mes para que vayamos.

¿Tuvieron algún artista referente local o internacional por el cual les inspiró la trayectoria?

Bruno: Yo diría que Un Viejo Arcoíris, Foals y, por ahí,Turnstile.

Anthony: A mí me ha inspirado bastante Wanderlust en cuanto a local, e internacionalmente, No Somos Marineros.

Diego: Me gusta mucho el trabajo de Incendios Forestales del Viejo Continente, no me ha influenciado, pero sí me ha inspirado. También, Viva Belgrado, Øjne y Orchid.

Yeimz: Por mi parte, me encanta Angkor Wat de Lima. Y Beards in Row y Viva Belgrado me parecen geniales.

Alessandro: De mi lado, nacional, El Robot con Cabello Humano, e internacional, Viva Belgrado.

Ok, respecto al recorrido de Ok Boomer fuera de la ciudad, yo recuerdo haberlo seguido. No en todas, pero sí: Lima, Chiclayo, Cajamarca…

Diego: Chimbote.

Sí, Chimbote… Ok, sí, veo que ahí hay cuatro ciudades. Pero hay rumores de que van para otro lado también. Y todavía no se revela, pero podrían darnos una pista acerca de ello.

Diego: La próxima semana sale el flyer. De hecho, lo anunciamos en Vichama, en el último concierto que dimos en Lima, el mes pasado, donde dijimos que íbamos a hablar sobre el tour a Colombia. Serán cuatro ciudades: Cali, Medellín, Pereira y Bogotá. Presentaremos un setlist completo con las quince canciones que tenemos, aparte de una reedición en la que va a estar Vientos Cruzados.

Ustedes han conseguido bastante como banda de Trujillo, esto de viajar para otro país también, de mi parte me parece bastante admirable ¿qué recomendarían a las bandas jóvenes que están empezando?

Anthony: Yo creo que recomendaría que crean mucho en su música, que graben, que no pospongan las cosas, y que aprendan, que aprendan en el camino, que no dejen de ensayar…

Diego: … y que tengan un Diego Escobedo en su vida porque si no, no sale nada.

Anthony: Que sepan hacer amigos, nada más.

¿Cómo fue que lograron concretar este tour en Colombia?

Diego: Yo me encontraba viviendo en Lima un tiempo, entonces tuve la oportunidad de conocer a Luisa, que es una de las personas que está involucrada en la escena de Bogotá y que se encarga de traer bandas al país. Ella es miembro de Vientos Cruzados. Tuvo un pequeño viaje a Perú, fue a Lima y estuvo con los chicos de MCDLA. Yo también estuve por ahí porque MCDLA es nuestro sello, se podría decir entonces nos conocimos y hablé sobre un posible tour en Colombia. Ha sido un sueño siempre que hemos tenido Anthony y yo. Posteriormente, hablé con los chicos de la banda cuando se dio la oferta y, genial, así terminó.

¿Cómo dirían que Ok Boomer logró hacerse popular en Latinoamérica?

Anthony: Nuestro lanzamiento, Extramonio, fue con La Falsa Sensación de Avanzar y Todo por Hacer, que son ambas de Colombia. Eso fue en mayo de 2022, y luego hicimos un split en 2023 con Kentucky Hut, que es local, y gente de Chile: Cuando El Problema No Existe, e Ipswe. Después participamos en un compilado de MCDLA, Algunas Ideas Pueden Ser Peligrosas volumen 2. También las playlists de Spotify, donde nos agrega la gente, que son de varios países. Les agradecemos mucho por eso.

Yeimz: Y también mencionar acerca del último split que tuvimos con No Trucks Over Seventy-Five Hundred Pounds de Estados Unidos.

Anthony: Un bandón.

Autor: Irribari

Nos encontramos en un estacionamiento cerrado, donde estaba preparada una pequeña feria de emprendimientos. A la mano izquierda, hay una barra para pedir cócteles; a su lado derecho, una mini cevichería; y más allá, muchos otros espacios donde distintos sellos y medios (¡también estábamos nosotros!) ofrecían merch como posters, polos, arte en forma de stickers, ilustraciones, encendedores, ceniceros, CDs, vinilos y más. Toda una variedad de productos que eran reflejo de las bandas que se iban a presentar. Lo más interesante que vi fueron polos This Heat y un vinilo de Buy de James Chances & The Contortions (eso ya podía decirte algo acerca de la música que ibas a encontrar en este evento).

A un costado, se encontraba un cuarto amplio dividido en dos, tal como en el anterior No Nunca. Ahí es donde se iban a dar las presentaciones: a un lado las de formato de banda, y en el otro espacio las de instrumentos electrónicos. El lugar fue decorado con distintas pancartas que contenían mensajes como “Por justicia y dignidad, Fujimori nunca más”.

A las 8:30 p. m., tocó Bahay Kubbo. Mientras intentaba ingresar a aquel espacio, sentí inmediatamente muchas emociones por el caos armónico que construían. El saxofón jugaba con una narrativa difusa en conjunto con el resto de instrumentos que bailaban entre distintos ritmos y silencios: Por momentos, se iba la batería, o sonaba solo la guitarra. Parecía que cada integrante se había puesto de acuerdo para engañarte. Los espacios de supuesta paz eran interrumpidos bruscamente por la fuerza del siguiente arresto, cada uno más caótico que el anterior, pero también más dulce. Desde la visceral interpretación del vocalista, hasta los ritmos de bajo, me recordaron a lo que ya veíamos en la escena de Windmill (de la que forman parte bandas como Black Country New Road, Black Midi, etc).

Después vino Teté Leguía, con un acto de improvisación libre en solitario. Él, sentado y sosteniendo una guitarra personalizada junto a una luz roja que iluminaba todo el escenario uniformemente, llenaba todo de ruido y tensión. Teté hacía gritar su guitarra preparada, esto es, un instrumento intervenido con distintos objetos dentro de su estructura, con la intención de construir sonidos y texturas que serían imposibles de otra forma. Sonaba a una versión de Keith Rowe o Otomo Yoshihide pero mucho más malvado y controlado, casi calculador. Se notaba que , en cierta forma, no era todo una improvisación, Teté habría planificado este sonido de antemano desde la modificación de su propio instrumento. Fue algo sorprendente y emocionante de presenciar por primera vez. Había una larga distancia entre él y el público (asumo que por su propia voluntad), y hubo pocos valientes que se atrevieron a acercarse más. Yo lo hice queriendo responder a mis preguntas “¿qué hizo con su guitarra?” “¿de verdad era una guitarra siquiera?”.

Siguiendo aquel drenaje emocional, venía Kamikaze con su sonido estridente y coros agridulces. Ahí pensé en la curiosa yuxtaposición entre géneros y artistas de este evento, que hubo también en anteriores ediciones. En un rato, podía estar sonando un poco de infierno, y en otro, ser de esas noches de eventos independientes con alguna banda de la escena local. El sonido de Kamikaze era exactamente lo último, pero en aquella noche todos sus temas eran innegablemente pegajosos. Cada solo que marcaba la guitarra líder parecía estar en su punto, en lo que parecían ser una banda tocando sus mejores éxitos, pero que, en verdad, eran todos temas nuevos (al menos a mi parecer, porque no los había escuchado en vivo hacía tiempo).

Después de un rato, comenzó Calefactor. Su set electrónico a distintos pulsos le ganó gran parte del público. El trance podía ser tanto bailable como envolvente, e invitaba a cualquiera al movimiento. De alguna forma, la gente se las ingeniaba para bailar con algo que quizás no era tan familiar, pero era irresistible. Progresivamente, sus melodías se deshacían a lo largo de las texturas construidas en los primeros minutos.

Volviendo al formato banda, Fe Baca, cantautora auto-reveladora, recitaba en manifiesto sus temas acompañada de un teclado que endulzaba cada nota. La fuerza de su voz transmitía por sí sola sus ideas y emociones. Pero en algunos momentos, le seguía un instrumento de viento tradicional, luego, un charango; estos componentes me agarraron desprevenido y me recordaron la importancia de recoger como influencia lo autóctono, por lo menos, tratar de crear algo más propio.

En lo que me tomaba un tiempo para salir afuera y respirar, Valeria Aragón retomaba el set electrónico. Su dinámica irregular podía catalogarse en la sección pop, uno muy apasionado por lo que ella ofrecía. En ciertos momentos, hacía sonar al espacio del escenario como algo más amplio de lo que en verdad era. Me vino una especie de dejá-vu de cuando vi a Luminiscencia en la anterior fecha. La iluminación jugó un papel igual de importante que en aquella ocasión: parecían adaptarse y cambiar al ritmo y performance de Valeria.

Entonces llegó una de las actuaciones más destacadas, la de The Faites. Tocaron todos sus temas de aquel EP de hace unos años, un single más y uno que estrenaron; además de una cumbia sobre ajusticiar policías justo cuando se incorporó la seguridad debido a que ya había demasiada gente, lo que fue hasta algo poético. El público vivió todo el set como solo uno, moviéndose desenfrenadamente con los primeros temas ya característicos de los Faites, aquellas guitarras envueltas de fuzz, y leads tan agrios como psicodélicos y alpinchistas. Finalmente, bailamos todos en conjunto al ritmo de aquella cumbia como si se tratase de una reunión familiar y nos conociéramos desde hace unos cuantos años. Justo al final del set, Antibióticos se subió para tocar una sola canción. A pesar de ser un tema de poco más de medio minuto, hizo mucho ruido en todos.

Después de ese estallido, seguía Dafne Castañeda. Afuera había comenzado a llover un poco, lo que creó un ambiente melancólico. Las canciones de Dafne servían perfectos para aquel momento. El crescendo que armó y cómo conjugó tan bien esos instrumentos electrónicos y samples con la potencia de su voz, junto a los beats en forma de golpes sónicos muy familiares, le dieron mucho poder dentro de aquel escenario. Su puesta en escena siempre es de las más llamativas, todo el escenario se incorpora al mundo que transmite.

Una de las bandas que más anticipaba ver personalmente era Ertiub, quienes gozan de una longeva trayectoria, siendo una banda que se formó de los restos de Electro-Z allá por los 2000s. Construyeron cada una de sus piezas de forma en que cada instrumento tenga algo que decir y demostrar, con una dirección muy a lo art rock con tintes de post-rock como haría Long Fin Kylie, o algo más metropolitano y cercano a lo que fue el segundo disco de Bark Psychosis. Todo hecho sin necesidad de voces. Ertiub rescató también bastantes elementos y patrones rítmicos propios latinoamericanos, o jugaban a hacer una canción rock dentro de una de techno, jugando con distintos sampleos tanto musicales, hasta en proyecciones audiovisuales. ¿Por qué de la nada había un clip de South Park?

A continuación sonó Elva Cío, que se estableció como uno de esos proyectos que te ponen a prueba en cierta forma durante sus presentaciones. Que intentan incomodar dentro de un país donde hacer música es ya de por sí es muy incómodo. Ellos retratan justamente esa imagen. El ambiente se tornó más oscuro con la atonalidad que lo plagaba por completo. El local adquirió un aire fúnebre, o hasta ciertamente tétrico por momentos.

Algo más oscuro pero emotivo lo viví con San Germán, representantes del nuevo post-rock de la escena. A pesar de las dificultades técnicas del principio, el set siguió como debía: dándole vida a escenarios desolados que cada una de sus canciones parecía representar. La dirección que tomaba San Germán al momento de invocar sus riffs, tanto en efectos como en progresiones, inspiraba una soledad intensa, vívida y extrañamente atractiva. Los breves momentos de blackgaze que atraviesan repentinamente al paso que dejan los silencios y construcciones melancólicas, me recordaron mucho a algo que haría GY!BE si decidiera tomar ideas de Deafheaven. El frenetismo de la batería intentaba superarse a sí misma todo el tiempo. Y el movimiento de los guitarristas junto a los tan reforzados bajos, denotaron la fuerza que destaca mucho en este proyecto.

Siguiendo una línea algo similar, Puppies in the Sun apuesta por algo similar pero con un acercamiento más acorde al noise rock. Sus riffs angulares se mezclaban hasta perderse en el acompañamiento de un sintetizador igual de irregular, generando una cacofonía controlada por sí misma. Las texturas no invitaban a algo cómodo o a ninguna impresión que pudiera ser fácilmente identificable o descriptible, eran experimentos sónicos en forma de una carga muy densa sobre el aire que se respiraba en aquel día.

Finalmente, Terrokal Boys cerró la noche con un muy esperado broche. Se notaba el cambio repentino de los anteriores sets con este último. El escenario fue tomado por 3 MC’s que brillaban con vitalidad en cada una de sus barras. Los despreocupados beats consistían de samples saturados, propios del colectivo, atreviéndose hasta a tomar sonidos que resemblaban a los plunderphonics, saltando de un ritmo hacia otro sin cesar. Todo vibraba de una forma muy distinta desde que entraron al escenario y todo el público saltaba con los versos que hasta los 3 micrófonos gritaban como si nada ya no importase más. Una experiencia muy ecléctica, sin duda, el haber pasado de lo que parecían ser sets ideados para el fin del mundo a lo que ahora parecía ser el reinicio de una fiesta en plena madrugada.

¿Sabías que en e.c_na también producimos fanzines? A la fecha, hemos publicado cuatro ediciones: La Nueva Escena, Historias de la Música, Experiencias y Trujillo. Cada uno es una pieza clave para conocer la escena emergente de música alternativa peruana

Si te interesa adquirir uno, ya sea en versión digital o impresa, y, de paso, apoyar a que sigamos creando contenido nuevo, escríbenos por Instagram.

Después de esta fecha, me gusta decir que puedo sentirme algo tranquilo porque, después de bastante tiempo, nuevos referentes, actos y géneros musicales están siendo explorados dentro de las escenas nacionales.

La primera edición del No Nunca fue un acercamiento a estos nuevos actos, que pretendían salirse de la norma y retomar sonidos del rock subterráneo dándole tintes más experimentales. Después, siguió la ambiciosa segunda edición en el Salón Imperial, una de esas noches en la que este movimiento “subterráneo” revivió al menos por una noche, tanto con bandas nuevas que ya ganaron cancha, como con otras que ya tenían un espacio cimentado de respeto en la escena desde hace años. Estuvimos ahí en aquella ocasión y teníamos que estar de nuevo para este último en el distrito de Barranco.

Desde que vi el anuncio de la tercera edición, pude sentirme feliz de que ya se haya establecido un espacio para la música alternativa y experimental con este evento como algo que va a estar organizándose de forma regular (y por la recepción que tuvo). En cierta forma, la nueva música está siendo recibida, escuchada y difundida con una mente más abierta por organizadores, músicos y, sobre todo, un público cada día mejor informado.

Esto es algo mucho más palpable que sólo internet. Son espacios donde pequeñas subculturas están convergiendo y “asaltando” al mismo tiempo por un día. Este tipo de esfuerzos son los que, definitivamente, hacen posible una mayor difusión de la música que existe dentro de nuestra realidad y pueden nutrir a la nueva escena que está por venir. Estaremos pendientes de eso.

Por: Killa

E.c_na (se lee /escena/), medio digital dedicado a la música independiente, presenta tres nuevos fanzines —publicaciones autogestionadas— enfocados en las escenas alternativas de Arequipa, Huancayo y Trujillo.

Estos materiales buscan dar a conocer el trabajo de artistas y proyectos locales, además de contribuir al registro de escenas que suelen tener poca presencia en los medios nacionales. La edición dedicada a Trujillo corresponde a una reedición.

Mediante artículos, reseñas y registros fotográficos, cada publicación recorre la historia musical de su ciudad, rastreando cómo se sostienen sus circuitos independientes y qué proyectos están marcando su presente.

Contenido

En el fanzine dedicado a Huancayo, pueden encontrarse los textos ¿Hay escena en Huancayo?, de Franck Roca (Visión Arcana); El Pulso Wanka, de Joanna Palomino; y Cuando el rock abraza al folclore, de Sebastian “Chelo”. Además, incorpora los registros fotográficos Huancayo de gira, por Karim Chanjan (Psyblue), y El Roots Reggae de Huancayo, de Nicola Amaranta.

Mientras tanto, la edición dedicada a Arequipa reúne los artículos La época del renacimiento, de Luisa Barrantes (Bruja Sin Aquelarre); Cómo organizar una tocada con 5 soles o menos, de Martín Flores; y Dos proyectos musicales arequipeños que debes conocer, de Fernando Morales (Impulsor FM). La publicación también incluye las fotogalerías El clímax punk de Arequipa, de Alessandro Chama (Alessuki), y El Templo de Arequipa, de Yohan H. Meza.

Adicionalmente, los fanzines incluyen una playlist con temas inéditos de proyectos como Advyyyy, PerZona, Club de los Poetas Muertos y Vida en Marte (Arequipa), junto con Estación Abisal, Licorize Pizza, 5 Cm por Segundo y Blake Limbuzz Griss (Huancayo).

Obtén el formato físico

Los fanzines ya se encuentran disponibles y puedes conseguir uno enviando un DM de Instagram de e.c_na. Cada ejemplar tiene un precio de S/10, mientras que la colección completa puede adquirirse por S/21. Asimismo, por la compra de una revista e.c_na, los lectores podrán llevarse un fanzine de su elección completamente gratis.

Este fanzine fue editado por Sebastian “Chelo” Rosas, con asistencia de Killari Cáceres. El diseño de las portadas estuvo a cargo de Joshua Salazar y Zianeth Cruz, mientras que el diseño de los contenidos fue desarrollado por Sebastian “Chelo” Rosas y Jorge Ramírez. Las piezas de difusión digital fueron creadas por Zianeth Cruz.

Lee gratis la versión digital

Autora: Socris

Desde que entré a las escenas musicales, he notado que mucho del gusto en el “female gaze” escenero, suelen ser de bandas indies experimentales, muy risueñas o coloridas; aunque no todas las bandas (sobre todo conformadas por chicas) cumplen esa regla, sí he de admitir que no siempre van con mi mood, ya que en lo personal me he sentido más identificada con géneros “fuertes” como el punk, el metal o similares.

Y se preguntarán: ¿por qué el “no soy como otras chicas”?, ¿acaso estás incentivando a ser una “pick me”?: definitivamente no. Existe un lore detrás del concepto de “no soy como otras chicas” y justamente proviene de una idea machista de clasificarnos en la chica “básica” o “girly” frente a la chica “cool” o “alternativa”, que se encuentra más cerca de gustos asociados a lo masculino o, mínimamente, alejado de lo “femenino y común” para la época.

Un ejemplo de ello podría ser que una chica “básica” del 2016 le gustarían canciones de moda, mientras que una “not like other girls” (lo sé, concepto gringo) le gustarían cosas consideradas alternativas: desde el rock hasta leer El señor de los anillos, Harry Potter o fanfics en Wattpad, y parar horas en internet (como yo). Dentro de ese nicho incluso había otra clasificación más radical en la que existía la “no soy como otras “otras” chicas”, en la que entraban las que escuchaban bandas pesadas de nicho como Mayhem o veían películas de clasificación B como Holocausto Canibal.

Vaya, ver esas épocas donde ese término era bastante popular me hace sentir nostálgica, pero me hace repensar que en algún momento hemos vuelto a caer en algo similar cuando se empezó a mal usar el término “pick me girl”; y sí, siempre hay mucho trabajo por hacer cuando se trata de escapar de las garras del machismo.

Y como parte de mi contribución a difundir bandas nuevas, emergentes o poco conocidas que se encuentren integradas en su mayoría por mujeres, es que me doy la tarea de hacer una dizque curaduría (o sea, seleccionar bajo mi criterio y medio al azar) sobre bandas que te pueden gustar como a mí, una persona que es social y biológicamente vista como una mujer, pero que no suele encajar en el estereotipo de lo femenino, pero no en balde eso significa que rechace lo femenino. Más bien mis años de madurez y de dejar de ser tan crónicamente en línea me ayudaron a reconciliarme con la feminidad; pero bueno… ¿en qué estaba?, ah, sí, bandas duras y radicales conformadas en su mayoría por integrantes mujeres o LGBTIQ+ para chicas como yo que tuvieron una faceta egdy en la adolescencia y que están cansadas de escuchar solo bandas de calzoncillos en géneros “fuertes” (punk, metal, etc):

La bestia

• Una banda hardcore punk con harta energía en sus canciones, con letras que hablan sobre temas políticos y sociales a través de riffs agresivos y duros, y con una calidad de escucha en su CD homónimo muy limpia, pero sin perder el toque DIY. Si les vacila esta banda, compren su merch. Las hará ser cool y hacerse notar.

Mi vieja me va a sacar la mierda

• Esta banda de emo screamo no te asegura que tu madre te saque la “m”, pero sí unos buenos pogos. Han estado recordados eventos como “el cumpleaños de @” y otros más.

Moskas

• Desde el egg punk, con una destacada bajista emergente, goza de un sonido casero característico de este género musical, así que si ya te aburriste de escuchar siempre a Superfuzz o Huaman (es broma), esta banda es para ti.

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Fluffy

• Con letras directas y ácidas, tienen una influencia directa del riot grrrrrl que recuerda a bandas como Bikini Kill o Las Vulpes. Escuchar este proyecto es obligatorio.

Damonik

• Ya pasando por el lado metalero, esta banda death es una parada obligada para este género musical. Con una nueva alineación, su sonido conserva esa crudeza a través de una voz podrida y vibrante, con una guitarra que combina lo melódico y la rapidez de su técnica acompañada de una batería rauda que se asemeja a una metralleta.

Red Crusher

• Esta banda de post-hardcore, con una voz melódica e imponente, se ha ganado su lugar en varios eventos under, como el Quilcazo. Esa combinación, entre la atmósfera etérea de sus instrumentos y la agresividad en sus letras, es una excelente fórmula con la que traen de vuelta este género, que ha sido popularizado en bandas como Bullet For My Valentine.

  

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Violet

• Una propuesta grunge al estilo de Hole, y tomando en cuenta que no hay muchas bandas grunge en la “escena limeña” (que yo sepa), este es un buen proyecto para empezar.

Ruri

• Con una mezcla de rock alternativo y tintes new wave, su música ofrece una experiencia inmersiva a través de una catarsis auditiva. Ya sea escuchándola en tus audífonos en una mañana o en vivo en algún evento en Expresarte.

¿Sabías que en e.c_na también producimos fanzines? A la fecha, hemos publicado cuatro ediciones: La Nueva Escena, Historias de la Música, Experiencias y Trujillo. Cada uno es una pieza clave para conocer la escena emergente de música alternativa peruana.

Si te interesa adquirir uno, ya sea en versión digital o impresa, y, de paso, apoyar a que sigamos creando contenido nuevo, escríbenos por Instagram.

Para finalizar con esta sección, quiero aclarar que esto no busca menospreciar a las bandas de las escenas que suenen más “pop”, sino dar a conocer estas propuestas que no encajan con el molde “femenino” que la sociedad suele asociarnos; por lo que al final del día nosotras mismas podemos construir nuestra propia identidad ya sea adaptando uno de los dos binarismos (masculino y femenino) como descubriendo nuevas formas de conocer y escuchar música sin prejuicios sexistas. Así que espero que les hayan gustado estas recomendaciones y les den una oportunidad por si quieren escuchar algo más pesado o expandir su bagaje cultural en bandas esceneras.

¿Y tú, qué otras bandas punk/grunge/rock y metaleras con integrantes mujeres recomiendas?

Estos últimos meses han sido fructíferos para la música independiente peruana. Entre abril y junio, hemos visto proyectos que son el nacimiento de una carrera por el sonido. Tal es el caso de Un Lugar al que Volver de Advyyy, el cual promete ser el primero de tres lanzamientos que hará el solista este año. Al mismo tiempo, aparecieron discos que, al menos para mí, ya se perfilan como serios contendientes a álbum del año: San Martín de Perros de Hungus Segundus, Bool3gs.mp3 de Dankadelic y En Ruinas de Ancestro, este último demostrando, una vez más, que algunas de las propuestas más interesantes siguen llegando desde fuera de Lima; en este caso, desde Trujillo.

No solo los álbumes han dado de qué hablar. Singles como el popular “Piscanos” de Bipoxx se han ganado rápidamente el cariño del público, mientras que promesas como Yamil Quiere Ser Artista y Grosero celebran sus regresos con “Aura” y “Nueva Guinea”.

Tenemos muchas expectativas de lo que nos puefa traer esta segunda mitad del año. Esperamos los próximos lanzamientos prometidos de Mi Mochila Huele a Semen, Umi Murasaki y el EP de Bahay Kubo, una banda que poco a poco se ha convertido en uno de los nombres más comentados entre quienes siguen de cerca la escena.

Ahora, les dejamos esta selección de 34 reseñas dedicadas a algunos de los lanzamientos más destacados de la música independiente peruana publicados entre abril y junio. Esperamos que encuentren aquí su próximo disco favorito.

Editorial por Chelo

Revolución - The Waris

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 17 de abril de 2026
Géneros: Rock, Indie, Pop Rock

Por: Arilú

A pesar de sus marcadas irregularidades, el segundo álbum de estudio de The Waris demuestra su versatilidad y apuesta por incursionar en estilos nuevos.

Empecé a escuchar el álbum con muchas expectativas, ya que su portada sugería un fuerte contenido político. El álbum abre con “Verbo Revolución”, una canción de rock con mucha energía, pero que sónicamente resulta desconectada de la lucha colectiva que evoca su letra. El álbum continúa con canciones que siguen el corte político, en la cual destaca “Inmigrantes”, un track interesante por sus arreglos de guitarra. Hay un giro sorpresivo hacia el country en “La cena miserable” que, aunque no logra acompañar el mensaje, tiene una de las mejores letras para transmitir el concepto político del álbum.

Sin embargo, lo mejor llega cuando explora temas distintos al concepto central. “Infinitos” es mi canción favorita. Tiene un ritmo suave que favorece a la voz principal y la composición se siente sincera, tanto en letra como en instrumental, crean una atmósfera potente de yearning por el amor que no fue. La calma se rompe con “Ondas”, un indie que impacta con un solo de sintetizador funky: el pico musical del álbum. Incluso el cierre con “Requiem”, expone una valiosa ambición experimental al explorar la voz al desnudo, con vientos y atmósferas caóticas.

En síntesis, el principal desafío de Revolución radica en la falta de cohesión y en la ejecución de sus promesas. Hacia la mitad, el concepto político se diluye para saltar a temas de amor y fe, cayendo en clichés e instrumentaciones débiles como en “Tu” y “Amor”. Pero, The Waris demuestra que tiene las herramientas y la ambición para proponer algo distinto saliendo de su zona de confort.

Puntuación: ⭐⭐ y 1⁄2

En Ruinas - Ancestro

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 13 de junio de 2026
Géneros: Stoner Doom

Por: Diego

Hay álbumes para relajarse, manejar o solo contemplar. En ruinas no es uno de ellos, es una producción que busca incomodar desde el principio y nunca dar un respiro. Más que una propuesta de doom metal, se siente como vivir en Trujillo: salir a las calles con la sensación de que cualquier cosa puede pasar.

“13001” (código postal de Trujillo) abre con esa ansiedad constante de vivir en una ciudad donde el peligro parece común. Cuando baja la intensidad, la calma nunca llega, solo queda el desamparo. “Status Quo” te da la sensación de habitar el mismo lugar, pero ahora de forma distinta. La nostalgia no nace para irse, sino para ver cómo la violencia transforma lo que antes se llamaba hogar. ”Andante”, uno de mis tracks favoritos, se percibe como seguir avanzando porque no queda de otra más que solo aceptar que ir hacia adelante también cansa y que mañana podría ser peor. ”Wachuma” es el momento más incómodo del disco, suena fea a propósito —según Diego Cartulin, guitarrista de la banda— tanto que provoca dejar de escucharla, y justo ahí está su fuerza, al retratar una realidad que tampoco es agradable vivir.

”Horizontes Salvajes” ofrece un pequeño respiro que recuerda a la tranquilidad engañosa de las 5am, cuando la ciudad parece descansar antes de que todo empiece. La canción central “En Ruinas” es la más emocional del álbum y representa tragedias, impunidad e indiferencia. No solo la muerte, sino lo rápido que la sociedad aprende a convivir con ella. ”Guerra” representa el enfrentamiento de esa realidad: no es buscar entenderla, sino resistirla. Finalmente, “Mar desierto” deja un enorme vació en lugar de cerrar la historia. Frente al mar, no hay respuesta ni esperanza, solo la sensación de volver a dormir para despertar en el mismo caos. Al escuchar el loop, el final conecta otra vez con “13001”, como un ciclo que nunca acaba.

En Ruinas no busca caer bien. Puede que lo ames o que no lo soportes, pero difícilmente te dejará indiferente. Es un disco devastador que transforma el doom, el stoner y el heavy pysch en el retrato de una ciudad donde el miedo ya forma parte de la rutina.

Puntuación: ⭐⭐⭐ y 1⁄2

Lofiu - Monnoglitch

Formato: Single
Fecha de estreno: 1 de mayo de 2026
Géneros: Math Rock

Por: Alvarock

CHON inmaculado. Me recordó también a “Sea Dragon” de Covet. Aunque hubiera preferido que sea completamente instrumental, sin distraerme de la música.

Puntuación: ⭐⭐ y 1⁄2

Lo absurdo - Leo Azul

Formato: Single
Fecha de estreno: 13 de junio de 2026
Géneros: Rock Alternativo

Por: Irribari

Un “de vuelta a básicos” en el rock alternativo, muy bienvenido por la producción pulcra que refuerza la melancolía de su estribillo. Para los fanáticos de un rock más tranquilo o limpio como Libido o hasta ciertas canciones Steven Wilson, pueden disfrutar de este nuevo tema casi reminiscente a ellos.

Puntuación: ⭐⭐

Boy Decay - Bruno Pinillos

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 12 de marzo de 2026
Géneros: Electro pop, Dance

Por: Socris

Este álbum te transporta a distintas fases de una noche de fiesta en el centro. 9 canciones que oscilan entre el disco, el french house y el drum and bass me hacen pensar en influencias como Daft Punk, Doja Cat o hasta Pendulum. Sin embargo, existen dos canciones que salen de la norma: “Prayer Away”, donde empiezas a entrar auditivamente a un espacio liminal, perfecta para una larga caminata nocturna; Y con “Lo que soy”, que cierra de forma solemne esta propuesta.

Puntuación: ⭐⭐⭐

San Martín de Perros - Hungus Segundus

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 30 de abril de 2026
Géneros: Rock fusión, Noise

Por: Killa

Este álbum suena exactamente como su nombre, y lo considero uno de sus más grandes atributos. La mayoría de tracks se sienten algo caóticos, como una suerte de improvisación entre samples y acordes que no parecen llegar a ningún lado, pero que sí logran destacar eventualmente. Considero que, de haber optado por letras y estructuras más elaboradas, habría funcionado mejor.

Puntuación: ⭐⭐ y 1⁄2

Bootl3gs.mp3 - Dankadelic

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 8 de mayo de 2026
Géneros: Latin Electronic, Hyper Pop, Vapor Wave

Por: Diego

¡Una locura total! Dankadelic ha creado uno de los LP más interesantes de la electrónica de la escena peruana. Aunque resulta un poco “chabacano” se entiende que es su esencia. Algunos temas mezclan vaporwave con todo el estilo de frutiger aero y hasta el breakcore. Son lo justo y necesario, no necesitan más. Temas destacados: “sad3AP”, “me resigne”, “Tra(MurderDnRemix)”

Puntuación: ⭐⭐⭐ y 1⁄2

El Búnker de Sánchez - El Búnker de Sánchez

Formato: EP
Fecha de estreno: 19 de marzo de 2026
Géneros: Indie Rock, Rock Alternativo

Por: Cocona

Los títulos lo dicen todo antes de que suene algo: “Miedo”, “Luces de Colores”, “Encima de tu nube”. Palabras que pesan en el papel y no pesan en ningún otro lado. El EP abre con algo parecido a la tensión y cierra con más forma, pero en el medio hay cuatro canciones que simplemente ocupan espacio. Ninguna melodía se queda, ninguna decisión sorprende. Para una escena que ya aprendió a exigirse, esto llega como si nadie les hubiera dicho que hay un estándar.

Puntuación: ⭐ y 1⁄2

Círculo de Fuego - Légamo (🇨🇱)

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 10 de abril de 2026
Géneros: Jazz rock, Post Hardcore, Spiritual Jazz, Post Rock

Por: Mar

Grandioso. Lo que Légamo entrega con “Círculo de fuego” es algo realmente ardiente. Balanceos diversos y profundos entre la épica del post-hardcore y la pedantería del jazz más experimental que marcan un paso descomunal en la lista de los mejores álbumes chilenos del año. Destaco “Tar Tar” como una de las canciones más preciosas que ha salido del sur de América esta década. 30 minutos que se sienten como 5.

Puntuación: ⭐⭐⭐⭐

Nueva Guinea - Grosero

Formato: Single
Fecha de estreno: 19 de marzo de 2026
Géneros: Grunge, Rock Alternativo

Por: Alvarock

Me encantó la mezcla. Buenísima. Hay algo en la melodía del primer verso que me capturó el oído. Mi única crítica es que el climax no me pareció tan convincente.

Puntuación: ⭐⭐⭐ y 1⁄2

Mákina Cobaltá - tomitomi y Cobalto Drew

Formato: Single
Fecha de estreno: 30 de abril de 2026
Géneros: Electro House

Por: Irribari

Esta reciente colaboración intenta dar un giro propio a la nueva estética bloghouse-sinvergüenza-indie-sleaze-raver que se propaga últimamente. El jugar sin cuidado con una melodía a un ritmo quieto e incontrolable puede llamar a un nuevo público que aún no está muy adentrado. Siempre es agradable escuchar nuevas perspectivas.

Puntuación: ⭐⭐⭐

Caso Omiso — Panaqa

Formato: Single
Fecha de estreno: 29 de mayo de 2026
Géneros: Nu Metal Fusión

Por: Socris

Una combinación acertada de nu metal con ritmos peruanos que logran darle identidad a la canción. Más de la mitad sus riffs, logran infundir un ambiente etéreo, convirtiéndose en una propuesta ecléctica. La letra logra mezclar elementos del rap conciencia sin sentirse denso con estribillos dinámicos que potencian ese toque subversivo. A diferencia de su repertorio habitual, este single es de los más oscuros y prometedores: está a otro nivel.

Puntuación: ⭐⭐⭐ y 1⁄2

Flor de piel - Caleidoscopio

Formato: Single
Fecha de estreno: 25 de marzo de 2026
Géneros: Shoegaze, Dreampop

Por: Killa

Grato punto de inicio para esta propuesta emergente del shoegaze. Aunque considero que sus cerca de dos minutos podrían haberse aprovechado mejor en cuanto a exploración sonora, “Flor de piel” nos envuelve en un trance de ensueño y fulgor, con uno que otro guiño al característico —y entrañable— sonido noventero. Tenemos altas expectativas por sus próximos lanzamientos.

Puntuación: ⭐⭐ y 1⁄2

Gabriel - L.I.F.H.

Formato: Single
Fecha de estreno: 1 de junio de 2026
Géneros: Emogaze, Nu metal

Por: Diego

Este single me gustó mucho más que el anterior, Algo no está bien, quizás estaban probando aún encontrar su sonido. Gabriel suena denso, con recursos mejor pensados del gazing y guitarras reventando. Suena algo parecido a “Drug Lord” de William Bonne —me agrada el guiño— pero con estética más oscura, emo y shoegazer.

Puntuación: ⭐⭐ y 1⁄2

Las chicas solo quieren - Ashlyn y Camiluz

Formato: Single
Fecha de estreno: 20 de marzo de 2026
Géneros: Indie pop, Pop Alternativo

Por: Cocona

Ashlyn ya probó en “Terca Soy” que tiene algo propio. Aquí lo guarda. Con Camiluz hay química vocal de verdad (ninguna opaca a la otra) pero la producción las mete en una caja tan ordenada que no les deja brillar. El título engancha antes de que empiece la canción. El problema es que la canción nunca lo alcanza. Dos minutos y medio correctos, sin una sola decisión que innove. Juntas pueden hacer algo mejor que esto, ojalá lo intenten.

Puntuación: ⭐⭐

Por culpa de un huevón perdí en el lol y ahora tengo depresión - Primal

Formato: Single
Fecha de estreno: 18 de enero de 2025
Géneros: Post Hardcore, Digital Hardcore

Por: Mar

Es algo confuso de definir lo que nos está entregando Primal con este single: una feroz colisión de momentos que resuenan entre la agresividad sintética del digital hardcore y la elasticidad sonora de géneros como post-hardcore y nu-metal. Es un resultado interesantemente caótico. Es una mezcla bastante extravagante de escuchar en este país.

Puntuación: ⭐⭐⭐

Aura - Yamil quiere ser artista

Formato: single
Fecha de estreno: 31 de mayo de 2026
Géneros: ???

Por: Alvarock

Aura.

Puntuación: ⭐⭐⭐

Nuestra gran ventaja - Estación Abisal

Formato: Single
Fecha de estreno: 29 de mayo de 2026
Géneros: Indie Rock, Post-Punk Revival

Por: Irribari

Recogiendo elementos diversos del post-punk más reciente y familiar, ciertas percusiones que nos harían pensar en coldwave y un coro que podría venir fácilmente de cualquier otra banda indie de estos años, es una propuesta agradable. Destacan los sintetizadores en su buen uso para envolver efectivamente a toda la canción.

Puntuación: ⭐⭐

La chica n10 - Ariel Str y Ashlyn

Formato: Single
Fecha de estreno: 17 de mayo de 2026
Géneros: Pop Alternativo

Por: Socris

Con unos riffs rockeros similares a los de Olivia Rodrigo, alimenta esta fantasía pop sin mucha ostentosidad y de manera directa. Su letra es un grito desesperado digno de ser cantado por Carrie Bradshaw, ya que describe las consecuencias del amor romántico y la irresponsabilidad afectiva, logrando que un perfecto complemento para un soundtrack chick flick. Entre el tránsito de la desesperación amorosa y mandarlo al diablo, esta canción es un buen acompañamiento.

Puntuación: ⭐ y 1⁄2

Lapras - Estampita Satánica

Formato: Single
Fecha de estreno: 5 de diciembre de 2025
Géneros: Indie Rock, Lofi

Por: Killa

Hay fórmulas que, para bien o para mal, han llegado para quedarse, y una de ellas es la del rock chistoso, bajo la cual se autodenomina esta propuesta tacneña. “Lapras” se mantiene fiel a esa premisa entre guitarras distorsionadas y letras sencillas, pero la ejecución termina por sentirse algo descuidada.

Puntuación: ⭐⭐

Latinameric Anfutbol - Varios artistas

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 25 de febrero de 2026
Géneros: Math Rock, Midwest Emo, Skramz

Por: Diego

Uno de los juntes de bandas math de Latinoamérica más alocados. Mientras más avanza el compilado, mejor se pone: cambios de ritmo, tapping, voces armoniosas, vientos, synths… lo tiene todo. Sin duda, el math rock emotivo latino está en su peak. Con representantes como Kidchen, Honey Pot! Y Cataratas en Siberia, el compilado es uno de los trabajos mejor pensados de este 2026.

Puntuación: ⭐⭐⭐ y 1⁄2

Masōka - Búho Clan

Formato: Single
Fecha de estreno: 22 de mayo de 2026
Géneros: Indie Rock, Noise pop

Por: Cocona

Búho Clan tiene suficiente historia acumulada para que un single menor no los hunda. “Masoka” vive exactamente de eso. Están la identidad y el sonido de siempre, pero no está la tensión que hace que sus mejores canciones te hagan sentir algo. No añaden nada a lo que ya dijeron, y se sienten más como una señal de que la banda está activa, que como algo nuevo pensado. No es un mal single. Para cualquier otra banda, sería un logro. Para ellos, es quedarse cortos.

Puntuación: ⭐⭐ y 1⁄2

Uma - Bahay Kubbo

Formato: Single
Fecha de estreno: 2 de mayo de 2026
Géneros: Math Rock, Rock Progresivo

Por: Mar

Bahay Kubbo se presentan como los nuevos ahijados latinoamericanos (peruanos) de la Windmill Scene con su single “Uma”. Este es un buen y valiente intento de algo que actualmente está surgiendo en escenas menos conservadoras como la chilena pero que aquí aún no ha explotado tanto. Destaco de gran forma la destreza y magia que transmite la ejecución de los instrumentos jugando entre el progresivo, post-hardcore y math rock. Simplemente una gran e interesante promesa de la que vale la pena seguir de cerca.

Puntuación: ⭐⭐⭐

Escrito en agua - Diles que no me maten (🇲🇽)

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 12 de junio de 2026
Géneros: Alternativo, Indie, PostRrock

Por: Alvarock

No me convencen las vocales. Pero me encantan las texturas de este álbum. Tiene una vibra que me hace visualizar un holograma del flautista de Hamelín tocando post-rock.

Puntuación: ⭐⭐⭐

Sentir,creer,dejar. - Caer sin ti

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 8 de mayo de 2026
Géneros: Shoegaze

Por: Irribari

El segundo lanzamiento de estos nuevos shoegazers es un intento por recuperar y explorar nuevas texturas y atmósferas pero sin ninguna evolución. Se recogen algunos temas del anterior álbum (perdido) hecho por la banda y unos nuevos que son también fiel a su estilo desordenado pero melodramático. Con samples inocuos y un ambiente que aún falta madurar, es recomendable para los recontra-fanáticos.

Puntuación: ⭐⭐

¿Sabías que en e.c_na también producimos fanzines? A la fecha, hemos publicado cuatro ediciones: La Nueva Escena, Historias de la Música, Experiencias y Trujillo. Cada uno es una pieza clave para conocer la escena emergente de música alternativa peruana.

Si te interesa adquirir uno, ya sea en versión digital o impresa, y, de paso, apoyar a que sigamos creando contenido nuevo, escríbenos por Instagram.

LOQ’SEA - LOQ’SEA

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 9 de enero de 2026
Géneros: Garage Noise

Por: Socris

Si hablamos de arrebatos musicales, este álbum es un ejemplo de ello. Una jungla urbana donde el desorden, el sinsentido y las pausas entre canciones se concentran en 30 minutos similares a un pogo. “GTB” funciona como un breakdown para lo que sigue un torbellino al resto del álbum, con elementos emo (con algo de midwest) que traen a colación de sus primeros trabajos, y se puede percibir en “Sensible Kid”. Ellos no prometen el caos, lo ejecutan.

Puntuación: ⭐⭐ y 1⁄2

Todos mueren en abril - Todos mueren en abril (🇲🇽)

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 14 de febrero de 2026
Géneros: Jrock, Noise, Emo

Por: Killa

Llegado desde México, este proyecto evoca a la perfección la experiencia de ver creepypastas y jugar Yandere Simulator en una cabina de internet por allá de 2015. Aunque la voz que lo sostiene es artificial y por momentos parece desorientar el rumbo de las canciones, resulta interesante por la fuerza y el color que transmite. Queda como precedente de nuevas formas de creación.

Puntuación: ⭐⭐⭐

Me Pones Crazy - Troy Laurent ft. Yamil quiere ser artista

Formato: Single
Fecha de estreno: 22 de abril de 2026
Géneros: Latin Trap, Urbano

Por: Diego

Sin duda alguna, Yamil quiere ser artista es uno de los proyectos revelación de este año. Esta collab con Troy Laurent funciona bien como intro. Me gustaría oír más de esto porque siento que me quedó corto, siento que un beat le daría más peso. Pero como vuelvo a recalcar, cumple muy bien su función como apertura.

Puntuación: ⭐⭐

RABIA - Marzenit

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 27 de febrero de 2026
Géneros: Rap, Trap

Por: Cocona

El más prometedor y el más frustrante por eso mismo. Marzenit tiene todo el potencial: hay barrio, hay rabia que no se siente prestada y las colaboraciones con Sayita, Skillbea y Yamil suman sin estorbar. Pero la producción no acompaña la fuerza que debería tener. Varios tracks suenan a ideas sin terminar. Con otra producción, RABIA sería una conversación distinta. Por ahora es un debut que muestra de qué está hecho sin poder demostrarlo del todo. Un buen debut.

Puntuación: ⭐⭐⭐

Tiburón - Oliver Castillo y Luis Jimenez Casana

Formato: Single
Fecha de estreno: 19 de marzo de 2026
Géneros: Rock, Stoner, Doom

Por: Alvarock

Me gustan las lineas de bajo, le dan peso y personalidad al tema, y la composición me parece genial, muy bien lograda e interesante; pero la mezcla está tan enterrada que no me permite disfrutar la canción. Es un gran tema, solo merece una re-mezcla que le haga justicia.

Puntuación: ⭐⭐ y 1⁄2

Una cara rota - Duzski

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 17 de diciembre de 2025
Géneros: Synthpop, Experimental

Por: Irribari

Existen proyectos que sirven tanto para ser agradables como para disfrutar el momento, y otros que pueden cuestionarnos. Este álbum se presenta como una coexistencia entre ambos. Construido a base de instrumentalización electrónica, sintes progresivos, pero “pop” como música de videojuegos, con ritmos cinéticos y una voz descuidada pero sincera, es sobre todo un buen experimento musical.

Puntuación: ⭐⭐ y 1⁄2

Paraosincasco - Flipown

Formato: Single
Fecha de estreno: 6 de junio de 2026
Géneros: HipHop

Por: Socris

Una producción atrevida, pegajosa y contestataria que caracteriza este nuevo lanzamiento. No hay mejor forma de expresar la rabia y el descontento a través del flow, y Flipown lo sabe perfectamente. Este manifiesto rescata su experiencia y la de muchas víctimas de la brutalidad policial, con un sonido que logra el equilibrio entre un ritmo novedoso para los pitucos y un himno para los sobrevivientes del Estado asesino y corrupto.

Puntuación: ⭐⭐⭐⭐

Piscanos - Bipoxx

Formato: Single
Fecha de estreno: 27 de marzo de 2026
Géneros: Indie Rock

Por: Cocona

170 mil reproducciones que tienen más que ver con el título que con la canción. “Piscanos” transmite algo antes de sonar: la imagen del verano, la bebida, incluso hasta rage bait, y eso hace casi todo el trabajo antes que el sonido. Un single sin tensión ni resolución, rock que encubre una canción que probablemente no sobrevive sin esa capa.Comparado con su EP debut, es un paso hacia atrás. Bipoxx puede más que esto, y lo saben.

Puntuación: ⭐ y 1⁄2

Un lugar al que volver - Advyyyy

Formato: Álbum
Fecha de estreno: 15 de mayo de 2026
Géneros: Shoegaze, IDM, Rock Alternativo

Por: Alvarock

Mi favorita de lejos es “Sanky”. “Reiki”, mientras tanto, me parece un viaje en el tiempo a un mundo antes de la inteligencia artificial, cuando escuchaba Tame Impala todo el día.

Puntuación: ⭐⭐⭐

Sobre lxs reseñistas:

• Arilú es cantautora solista, realizadora audiovisual y colaboradora de e.c_na.

• Alvarock es productor musical y bajista de la banda de post-harcore y math rock Cataratas en Siberia.

• Diego es guitarrista de la banda de screamo trujillana Ok Boomer, actualmente planeando una gira por Colombia.

• Cocona es difusor de la escena musical desde hace más de siete años.

• Killa es periodista, estudiante de comunicaciones y colaboradora de e.c_na.

• Mar toca guitarra en el proyecto de post-rock No Dejen Salir A La Nieves y en Piedras Al Rio. También tiene un proyecto solista, Duzski.

• Irribari es guitarrista de la banda de neo-psicodelia Okinawa 2000.

• Socris es socióloga enfocada en el estudio de las escenas musicales, y bajista de las bandas de punk y metal MalGesto y TronË. También escribe en e.c_na.

Sobre las puntuaciones: Cada reseñista y el editor tuvieron la oportunidad de puntuar los temas que quisieran de esta lista con un número del 1 al 10. La cifra seleccionada es un promedio de la calificación de todxs.

Autor: Fernando Pinzas

Más allá de la avenida General Paz, en la periferia del Gran Buenos Aires, se encuentra el famoso barrio de Lanús, cuna de grupos como Babasónicos y 2 Minutos. Allá, en 2019, surgió Las Eras, uno de los grupos más representativos de la música oscura argentina. Sin manager ni disquera, ignorados por la prensa musical y en una escena dominada por el indie y la música urbana, el trío ha convocado por el boca a boca a una legión leal de fans. Agustín Sperlee (bajo y sintetizadores), Lucas Loto (sintetizadores) y Sofía Castro (voz) nos recibieron en su centro de operaciones y nos hablaron de sus orígenes, de la situación argentina y de su próximo lanzamiento.

Cuéntennos un poco sobre Lanús, su barrio.

Sofía: Lanús empieza como un asentamiento, básicamente, de obreros que vinieron a vivir cerca de sus trabajos, cuando Argentina se comenzó a industrializar. Pero con las crisis económicas y el cierre de todas esas fábricas, el paisaje cambió mucho. El Lanús que habitamos desde chicos es de fábricas abandonadas, de gente sin trabajo, de contaminación atmosférica.

Lucas: El Riachuelo funcionaba como una especie de desagüe de toda la fábricas donde desechaban todos los las impurezas. Es olor a muerto, porque de hecho se han encontrado cuerpos ahí.

Sofía: Sí, bueno, también durante las dictaduras militares, se sabe que se hacía desaparecer la gente tirándola a las oscuras aguas.

Lucas: Las Eras surge para darle un poco de musicalidad a esa sensación de ser parte del paisaje. Nosotros veíamos que en los géneros que nos gustaban, lo oscuro siempre estaba representado de una forma más romántica, no tan realista. Y nosotros estamos atravesados por algo que sí nos parecía que era oscuro y que había que contarlo desde un lugar que no está siendo contado. El mismo tema Constitución habla de un lugar en capital que también es oscuro. Hay trata de personas, drogas, roban un montón. Todas nuestras historias hablan del paisaje, la cotidianidad, lo urbano, del barrio.

¿Cuál es su postura ante el gobierno de Milei, los recortes que propone y que afectan incluso al tema artístico?

Sofía: Creo que nosotros, y perdón que lo diga de mi parte, nos vemos muy perjudicados como trabajadores porque es muy irrespetuosa la ideología que está gobernándonos. Y lo artístico siempre va a serlo primero que se recorte cuando se plantea un gobierno con este tipo de tintes neoliberales extremos.

Lucas: Sí, pero también es un lugar de trinchera para hacerle frente. Antes de que pasara todo esto, nos pidieron que recomendáramos unos discos de Argentina y pensamos en discos contestatarios del 2000-2001, cuando hubo una crisis muy parecida a esta. Grupos como Todos Tus Muertos, Actitud María Marta, A.N.I.M.A.L.. Crecimos con esa música y no puedo no sentirme comprometido. Quizás las letras de Las Eras son un poco más abstractas, pero quieren decir un poco lo mismo.

¿Sabías que en e.c_na también producimos fanzines? A la fecha, hemos publicado cuatro ediciones: La Nueva Escena, Historias de la Música, Experiencias y Trujillo. Cada uno es una pieza clave para conocer la escena emergente de música alternativa peruana.

Si te interesa adquirir uno, ya sea en versión digital o impresa, y, de paso, apoyar a que sigamos creando contenido nuevo, escríbenos por Instagram.

En Buenos Aires está muy en boga el indie, también el trap, lo urbano. ¿Hay espacio para grupos de música oscura?

Sofía: Sí. La escena electrónica ha acogido mucho a las bandas oscuras. Y creo que también la escena electrónica argentina es bastante oscura.

Lucas: Creo que tenemos que ver más con las bandas electrónicas de techno, electro o EBM que con las bandas indie rock, si bien ellos también nos han propuesto pertenecer a esa escena. Porque estamos en el formato banda, formato canción, estamos en el medio. Y acá es difícil también diferenciar lo que es un DJ de lo que es hardware.

¿Se sienten parte de este revival post punk que se viene dando no solo en lanzamientos sino también a través de tiktoks, por ejemplo? ¿O lo ven de lejos?

Lucas: Ayudó, pero no sé si fuimos un proyecto que estuviera muy metido en las redes o que sepa hacer marketing. Por mucho tiempo no estuvimos en Spotify.

¿Por flojera o una elección personal?

Lucas: Un poco de ambos. Nos gusta tocar y las cosas se van dando sin presión.

Cuéntenos un poco sobre el disco que van a sacar, ¿cuántos temas, cuándo lo lanzan?

Lucas: Va a ser un disco con una duración parecida al Volumen 1, con tendencia a seguir en esa línea. El corte de difusión es Virginia. Vamos a sacar algún otro vídeo. La idea es apuntar a que nos puedan editar en formato físico. Mucha gente nos pide vinilo o caset.

¿Hasta donde quieren llegar con el grupo?

Agustín: Seguir grabando, viajando y aprendiendo; seguir poniendo temas y nuevas canciones.

Sofía: A mí me gustaría hacer la música de una buena película de terror. Épica, que asuste a una generación completa y que cuando piensen en esa escena que tanto miedo les da se acuerden de una canción de Las Eras.

Lucas: Que Las Eras, en algún punto, pueda generar una especie de click en alguien y que pueda llegar a replantearse o dudar de ciertas cosas que creía que eran ciertas. Que cuestionen su comodidad, que se sienta incómodo en algún momento. Y si genera eso acá o en otro país o en otra cultura, ya estoy rehecho.

Autora: Socris

Miguelón, junto a sus amigos, creó el popular Quilcazo en 2025; un espacio para visibilizar proyectos emergentes, muchos aún carentes de contactos para introducirse en alguna escena, en el tan artístico e histórico Jirón Quilca. Sin embargo, este no siempre se llamó así ni tuvo el mismo concepto que tiene hoy en día.

En esta entrevista, conoceremos más del fundador de esta popular iniciativa y cómo logró consolidarla entre los fanáticos de la música peruana independiente.

¿Desde cuándo te encuentras inmerso en las escenas musicales peruanas y qué cambios has notado con el pasar de los años?

—Inicié en los años 90, época en la que vivíamos una dictadura y nuestra generación, que se manifestó en contra de ella, se sintió libre de alguna manera—.

¿En qué momento cambió eso?

—Lamentablemente, medios de difusión que sirvieron para que se mantenga un poquito la escena en los 2000 como Tv Insomnio, Distorsión y algunas radios que todavía pasaban rock peruano independiente, cortaron. Ahí es cuando siento que empezó la debacle a la que solo sobrevivieron aquellas bandas que tenían dinero y contactos, cosa que marginó a muchas otras agrupaciones—.

¿Cómo nace el concepto de Quilcazo?

—Un día, Nicolás, que maneja la página Unidos por el Rock Nacional, nos comentó que tenía la idea de hacer algo en el Jirón Quilca. Hicimos nuestra primera tocada llamada “Unidos por el Rock Nacional”, buscando responder a aquella necesidad de espacios para grupos que no tenían mucha vitrina, organizando nuestra propia productora llamada “Los Kraken”. El nombre Quilcazo se lo dimos a partir de la tercera o cuarta edición. Por diversos motivos, quienes comenzaron el proyecto junto conmigo se alejaron, pero aún nos siguen apoyando con alguna que otra cosa; y a partir de esa experiencia es que Quilcazo nace como un proyecto propio—.

¿Ese concepto sigue vigente hoy en día?

—Considero que el Quilcazo se ha convertido en un movimiento. Ya no es solo quien está detrás de la organización: son sus auspiciadores, la gente que va y el grupo que apoya en nuestras labores sociales—.

Como tal, el Jr. Quica siempre ha sido un espacio para ser tomado a fin de realizar eventos al aire libre.

—Yo soy de la idea de que la calle es de todos, pero siempre manteniendo limpios los espacios y respetando a los vecinos—.

¿Cómo logran construir una programación tan diversa, incorporando bandas de géneros tan distintos y manteniendo, además, una presencia equilibrada de proyectos liderados tanto por hombres como por mujeres?

—Pues esa necesidad de espacios existe en todos los géneros musicales; estos encuentran en el Quilcazo, un medio para conectar con otros públicos. Sobre el tema de las mujeres, sigue habiendo una deuda histórica con ellas, por eso fue que nació Furia Quilcazo para bandas femeninas; porque hay mucha segregación, muchas brechas y las mujeres también están bastante relegadas. Con esta inclusión, tratamos de compensar en parte—.

El año pasado, hubo dos casos de músicos de la escena indie que terminaron en el hospital tras haber sufrido de electrocución al momento de tocar en concierto. Uno de ellos se dio en el Jirón Quilca, aunque no fue en un evento que tú hayas gestionado ni promovido. ¿La autogestión debe ir de la mano con medidas de seguridad?

—La seguridad siempre ha sido una preocupación para nosotros y la hemos abordado de distintas maneras. A pesar de que empezamos con equipos básicos, nos preocupamos por su cuidado. Una anécdota que te puedo contar es que, en el Furia Quilcazo que hicimos el 29 de noviembre, hubo un terrible problema eléctrico que retrasó el evento algunas horas. Un par de bandas se molestaron, lo que fue comprensible, pero tampoco íbamos a sacrificar la seguridad de las personas. Semanas después, pasó que en otro evento, 2 artistas se electrocutaron. Un concierto autogestionado no tiene por qué ser informal. Y sobre el tema de la seguridad, recuerdo que hubo un robo en el Quilcazo del 2 de agosto, cuando tocó Dale Vuelta; sin embargo, y gracias a los audiovisuales que tomaron fotos, los reconocimos y ya no han vuelto a aparecer—.

¿Qué desafíos enfrenta actualmente Quilcazo como organización?

—Uno claro es el tema de la autogestión, para lo que hemos buscado alternativas de financiamiento: hicimos merch, que ha tenido bastante respuesta, pero también estamos buscando asociarnos con otras iniciativas. Asimismo queremos descentralizar Quilcazo, para tener un canal alternativo paralelo, donde de repente haya una entrada con un pago mínimo y así que sea sostenible—.

¿Cuál es su idea con la descentralización?

—Queremos iniciar conversaciones con gestores culturales de distintas zonas de Lima y otras provincias como Cuzco, Huancayo, Trujillo o Chimbote; para hacer alguna versión de Quilcazo en un parque o local y así reactivar bandas que estén por allá. Eventualmente, invitar a algunas para que vengan también a un Quilcazo de Lima, y así unirnos poco a poco. La escena no solo es Lima, es todo el Perú—.

Actualmente, muchas bandas de Arequipa, Huancayo y otras ciudades del país optan por construir sus propias escenas locales, mientras que otras buscan abrirse camino en Lima para ganar mayor visibilidad.

—Hay un montón de bandas buenas, como Coyote y The Mocos de Huancayo, o Huaraca Punk de Cuzco. Sería bueno trasladar el concepto de Quilcazo a esas zonas y tomar la calle—.

¿Qué otro plan tienen para el futuro?

—Esto te lo comento como primicia: se va a buscar un semillero, que es la convocatoria para una batalla de bandas escolares. En diciembre, decidiríamos a un ganador para que pueda grabar un EP con alguna productora. De esa manera, iremos reactivando la escena de niños y jóvenes, para que sientan que su arte puede ser escuchado y que podría, incluso, en algún momento hasta ser rentable—.

¿Qué opinas de que “la escena” sea vista como una pequeña industria?

—Bueno, en realidad es una pequeña industria y siento que es responsabilidad también de los medios masivos de comunicación. Es irónico que haya medios con cientos de miles de seguidores y estos se cuestionen: “¿Por qué la música independiente peruana no crece, por qué es tan minúscula?”. Porque ellos mismos también son los responsables de que no sea así. Actualmente existen bandas geniales como Berilio o Epifanía que podrían llegar a más público, por ejemplo—.

¿A qué crees que se deba?

—Pienso que es por miedo, porque muchas bandas traen un mensaje político detrás que está en contra de lo que pasa actualmente. Y es irónico que usen a bandas Candelabro para criticar que nuestra escena no es como la de ellos. Nosotros sí tenemos una escena que reclama, pero no la muestran—.

¿Sabías que en e.c_na también producimos fanzines? A la fecha, hemos publicado cuatro ediciones: La Nueva Escena, Historias de la Música, Experiencias y Trujillo. Cada uno es una pieza clave para conocer la escena emergente de música alternativa peruana.

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¿Qué opinas sobre la cobertura de los medios de comunicación independientes a las escenas musicales?

—Me he dado cuenta de que muchos de los medios de difusión independientes, no son tan “independientes” que digamos, porque están direccionados a que crezcan determinadas bandas más que otras. ¿Por qué? Bueno, si tienen entre treinta mil y cien mil seguidores, y un productor de conciertos les dice: “Oye, te doy algo, pero solamente muestra a tal banda” El tema de dinero está en juego, ¿no?—

Existe una diferencia importante en el acceso a recursos dentro de la escena: algunas bandas cuentan con más posibilidades para financiar grabaciones, instrumentos, giras o presentaciones, mientras que otras deben desenvolverse con presupuestos mucho más limitados. ¿Cómo percibes esta brecha y de qué manera crees que influye en las oportunidades que tienen los distintos proyectos para crecer y darse a conocer?

—No tengo ninguna opinión negativa ni positiva sobre eso porque son situaciones que uno no elige. Si nacieron en una familia con recursos, con padres que los apoyan y con un entorno que le da seguridad, entonces bien por ellos; pero el plus sería que tengan conciencia social y por lo menos sepan que hay colegas que no viven la misma realidad que ellos. Y que, en ese entendimiento, también colaboren con su entorno y promuevan que los medios también apoyen a quienes no tienen la oportunidad. Nosotros estamos enfocados en brindar espacio para las bandas que no tienen esas oportunidades, sin discriminar a las otras agrupaciones de todas maneras, para que haya un equilibrio—.

Porque al final todos deben tener la misma oportunidad de poder captar un público.

—Yo le recomiendo a los proyectos musicales trabajar en su ensayo, tratar de buscar mejores instrumentos y también dar un espectáculo. En el Quilcazo, los grupos no solamente muestran su arte, también van mejorando y creciendo—.

¿Quisieras dejar algún último mensaje para el público que nos lee?

—Sigan apoyando esta propuesta. Quilcazo es una comunidad, un movimiento. Esto no sería posible si el público no estuviera ahí apoyando. Como le digo a todos, esto es gracias a ustedes, a cada una de las personas que van porque, al apoyar estos eventos, están apoyando a bandas que necesitan ser escuchadas. Siempre vamos a tratar de dar un mejor show en cada edición—.

Esta entrevista fue editada para mejorar su legibilidad. Sin embargo, se han mantenido fielmente las ideas, opiniones e información expresadas durante la conversación original.

E.c_na, el medio independiente encargado de difundir la nueva música alternativa peruana y latinoamericana a través de textos como artículos, reportajes, entrevistas y reseñas; ahora también cuenta con una revista física para que la lleves contigo y leas en cualquier lugar.

Este magazín, el primero en cubrir la nueva escena musical alternativa peruana, contiene los siguientes artículos:

• Estas son las bandas que están sonando en 2026: Una lista de grupos musicales de distintas partes del país que deberías agregar a tu playlist.

• ¿Dónde son las buenas ferias?: Recorre los mejores espacios para disfrutar de ferias y shows musicales gratuitos en Lima.

• 40 años de Maria Tta y el Empujón Brutal: Recordamos a la primera mujer en hablar abiertamente del machismo en el punk nacional, en el aniversario de su único álbum.

• La escena chilena frente a los ojos de las bandas peruanas: Conoce cómo Candelabro y más bandas del país vecino están influyendo en las agrupaciones locales.

• ¿Cómo hacer de una tocada, segura?: Aprende cuáles son algunos de los aspectos que aún nos falta mejorar para hacer de nuestra escena un lugar más seguro.

También encontrarás en esta edición los reportajes:

• El sentimiento no entiende de fronteras: Recorre cinco ciudades de Chile y Argentina junto a la banda de post-hardcore y midwest emo, Cataratas en Siberia, recordando su gira del 2025 que les trajo importantes revelaciones e inolvidables experiencias.

• Los Membrillos y su camino hacia el gran cielo: Conoce cómo se formó la banda de adolescentes que está revolucionando el shoegaze en el país, desde que se conocieron en el colegio hasta que produjeron su primer álbum Distimia.

• De Laredo a Lima y de banda a solista: Sigue los pasos de Bianca, artista del norte del país quien se mudó a Lima con el objetivo de triunfar en la música; pasando por el complicado proceso de vivir sola en un lugar donde no conocía a casi nadie.

Además, este número cuenta con cinco crónicas de conciertos, y reseñas de 21 lanzamientos peruanos de este año.

Finalmente, encuentra un poster doble de las bandas Los Membrillos y Cataratas en Siberia, para que puedas tenerlos en la pared de tu habitación.

Cómo obtenerla

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1. Enviar mediante Yape o Plin, S/. 28 al número 908 779 269.

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3. Si quieres recibirlo en la puerta de tu casa, deberás adicionar S/. 10 (total: S/. 38) si resides en Lima, o consultar la tarifa a tu localidad si vives en otra región.

4. También podemos entregarte la revista de forma gratuita en alguna feria o concierto donde estemos presentes. Para esto, deberás consultar nuestra disponibilidad antes de realizar el pago.

Ojo con la promoción: Si, además de nuestra revista, estás interesadx en obtener nuestros fanzines “La Nueva Escena”, “Historias de la Música”, “Experiencias” y “Trujillo”; puedes conseguir el pack e.c_na que contiene las cinco publicaciones por S/. 50 (delivery no incluido).

Versión digital

Si te encuentras fuera de Lima o quieres disfrutar de la revista desde tu dispositivo, puedes acceder a la versión digital yapeando S/. 15 al número +51 908 779 269 o enviando 5$ mediante Wise.

Tras realizar el pago, manda una foto del voucher al Instagram de e.c_na junto con tu nombre y correo. Te lo estaremos enviando máximo dos días después de haber realizado el pago.

E.c_na es un proyecto independiente y autogestionado. Cada revista, fanzine o publicación que adquieres nos permite seguir entrevistando artistas, recorriendo nuevas escenas y produciendo contenido sobre la música alternativa del Perú y Latinoamérica. Si te gusta nuestro trabajo y quieres que sigamos documentando historias, adquirir alguno de nuestros productos es una de las mejores formas de apoyarnos y contribuir a que este proyecto continúe creciendo.

Autor: Cholo Terco

Todos tenemos un pasado: Puede que hoy tengas que dar explicaciones a tus padres, pero, ¿te has puesto a pensar que eventualmente también tendrás que dárselas a tus hijos?

En mi habitual andar nostálgico por internet, reviví algunos archivos de YouTube de la vieja escena underground. No underground como Suerte Campeón, sino a lo DEM, de quienes tal vez nunca escuchaste hablar; o Lake Eola Band, enmascarado antecesor de Super Fuzz; o Africanito, cuya partición dio paso a los grupos Sacachispas, Búho Clan y Kamikaze.

Pero también recordé a una agrupación que acuñó el nombre de Banda Sorpresa. Con mucho cariño, escuché sus temas “Perdiendo_Ganando” y “Luces de Colores”, que conforman el EP Finales tristes otra vez (2020), una joya infravalorada que subieron a su canal de YouTube.

Esta producción se siente como una tarde de verano pueblolibreño, repleta de confesiones y emociones adolescentes; y me traslada a una escena musical totalmente diferente, donde el sonido era genial, fresco y disfrutable para la escucha.

No obstante, la agrupación duró pocos años y, como pasó con sus co-generacionales, desaparecieron así sin más.

Así, la vida continuó. Lo curioso de nuestras escenas musicales es que nunca terminan del todo: se transforman. Las bandas se reconfiguran y los nombres cambian, pero las conexiones permanecen. Al ser un circuito pequeño, todo parece estar a no más de dos contactos de distancia. Y, en ese movimiento constante —entre idas, vueltas y recomposiciones—, yo dejé de ser un simple espectador.

Cuando la banda existía, mi relación con la escena seguía siendo más bien distante. Iba a algunos conciertos, pero no siempre coincidía con todas las agrupaciones. Durante mucho tiempo, Banda Sorpresa fue una de esas que conocía más desde afuera que desde la experiencia en vivo. Ni siquiera tenía claro quiénes estaban detrás.

Por eso, me resultó bastante sorpresivo descubrir que, durante todo este tiempo, Gustavo —baterista de mi banda Búho Clan— había sido también parte de Banda Sorpresa. Ese dato generó en mi cabeza un punto de conexión: no solo reducía la distancia entre esa música que había disfrutado como oyente y el circuito en el que ahora me movía, sino que además me permitió, por fin, ponerle rostro a la voz de esas canciones que tanto me habían marcado.

¿Sabías que en e.c_na también producimos fanzines? A la fecha, hemos publicado cuatro ediciones: La Nueva Escena, Historias de la Música, Experiencias y Trujillo. Cada uno es una pieza clave para conocer la escena emergente de música alternativa peruana.

Si te interesa adquirir uno, ya sea en versión digital o impresa, y, de paso, apoyar a que sigamos creando contenido nuevo, escríbenos por Instagram o envíanos un WhatsApp al +51 986141717.

Me comentó Gustavo que, en ese intervalo de tiempo, Antonino, el vocalista, había explorado nuevas direcciones bajo el nombre de Post Ilusiones, incorporando elementos de trap, el uso de autotune, y movidas que me recuerdan a Rojuu en Roku Roku, sin dejar de lado la composición de canciones para la banda. Sin embargo, Banda Sorpresa no existía más como la conocía.

¿Qué pasó con ella? Se cambiaron de nombre. Ahora, como El Búnker de Sánchez, en honor a la casa de uno de sus amigos de la secundaria, manejan un código bastante alejado de lo que recordaba, comprendiendo sus raíces entre el sonido del pop punk, el indie rock y ciertos elementos cercanos al trap y el R&B.

El proyecto muestra una evolución clara en ese tránsito. Entre el lanzamiento del primer EP Finales tristes otra vez y su posterior álbum homónimo El Búnker de Sánchez, se percibe un sonido más completo y arreglos electrónicos que permiten una experiencia pegajosa y etérea al escucharlos. Si bien conserva cierta continuidad estética a lo que era antes, incorpora composiciones nuevas que amplían el alcance del proyecto y evidencian una intención de renovación.

En ese marco, destacan temas como “Miedo”, con una crudeza frontal tanto en lo lírico como en lo sonoro, y “3X16”, que recupera con claridad la sensibilidad dosmilera de la balada de pop punk melódico. Ambos temas no solo introducen un aire fresco al proyecto, sino que además permiten entender mejor la dirección que quieren asumir para esta etapa.

Tampoco sería justo desplazar a los viejos conocidos, que siguen funcionando como pilares dentro del repertorio. “Luces de Colores” ahora tiene un impulso más marcado, se presenta potenciada y más enérgica, además de reforzar ese carácter coreable que la convierte en uno de los puntos altos del disco. Por otra parte, “Perdiendo_Ganando” —mi favorita personal— mantiene intacta su carga emocional, sosteniéndose en una honestidad que trasciende el paso del tiempo y conectando desde un lugar más íntimo.

Y, en particular, esta última canción me provoca un sentimiento extraño. Ya no soy el mismo chiquillo que disfrutaba de escuchar esta música en su computadora de monitor potón. Eso, más que decepcionarme, me alegra. El hecho de que esos días no volverán y que nunca podré disfrutar un concierto de la Banda Sorpresa, es solo una ilusión de que, en realidad, todo sigue ahí, pero los miro desde otro lugar. Ya no es lo mismo, claro, pero tampoco tiene que serlo. Y quizá ahí radica su verdadero valor: en acompañar ese cambio sin perder lo que les hizo importantes en primer lugar.

Todos tenemos un pasado, tú decides si te hunde o te transforma.

Abrimos la convocatoria para redactorxs y fotógrafxs de las ciudades de Arequipa y Huancayo quienes quieran colaborar en la creación de dos fanzines acerca de las escenas musicales de estas ciudades.

Si escribes sobre música y quieres compartir un fragmento del sonido de tu ciudad, nos encantaría tenerte dentro.

Para postular como redactorx, envíanos un mensaje al Instagram @e.c_na con los siguientes datos:

— Una breve presentación sobre ti.
— Enlaces a uno más artículos, reseñas o textos que hayas escrito o publicado.
— La ciudad sobre la que te gustaría escribir y una lista de tres artistas locales que consideras imprescindibles conocer.

Si eres fotógrafx, envíanos:

— Una breve presentación sobre ti.
— El enlace a tu Instagram de fotos o portafolio.
— La ciudad que te interesa retratar y una lista de tres artistas locales que consideras imprescindibles conocer.

Nos interesa recibir postulaciones diversas, de personas con distintas trayectorias y perspectivas.

Si sientes curiosidad por documentar y compartir lo que está ocurriendo en tu ciudad. ¡Nos encantará conocer tu trabajo!

Autora: Killa

Ningún vecino del desoladísimo —casi aterrador— jirón Pedro Heraud, en Barranco, podría haberse imaginado que, dentro de un viejo taller automotriz, ocurría un hito de la música independiente. Tinta y Ruido, concierto de lanzamiento de la revista e.c_na, primera en cubrir la nueva escena de música alternativa peruana, se llevaba a cabo un domingo 3 de mayo desde las 6:00 p. m.

Lo primero que podías divisar al atravesar el portón principal era una playa de estacionamiento al aire libre y, justo al lado, una caseta que parecía funcionar como almacén. Ahí ocurrió todo.

Adentro, el ambiente era similar al de un set de grabación. La iluminación, tenue, oscilaba en todo momento entre el verde y el azul, mientras que del techo colgaban decenas de estrellas que caían justo sobre el escenario. Los instrumentos todavía reposaban, como preparándose para lo que se venía, a la par que un ejemplar de la publicación pasaba de mano en mano entre un grupo de chicos. Algunos lo hojeaban con curiosidad, mientras otros lo sostenían con cuidado, como si temieran arrugarlo demasiado pronto.

A Chelo, editor de la revista, se le veía caminando de un lado a otro. Pasaba por el puesto de bebidas, iba a la entrada para revisar la lista de invitados, se detenía apenas para devolver un saludo efusivo y regresaba al interior para ver una que otra gestión. Mientras tanto, el local iba llenándose de a pocos.

Entonces inició la proyección del documental Nunca Fue Ficción que sigue el rastro de los desaparecidos Electro-Z, dúo de rock alternativo nacional que se hizo popular a finales de los noventa. No hay muchos registros de sus presentaciones, ni siquiera fotografías, pero es notable su influencia en proyectos de esta generación –ahí es donde uno recuerda porqué es tan importante documentar–.

Ya bordeando las siete, Los Entrópicos comenzaron con un set melódico. Ellos fueron ganadores de una convocatoria realizada por la organización para darle espacio a una agrupación emergente. Un grupo de chicas, hasta entonces al margen, grababan con sus celulares emocionadas, coreando las canciones. El resto, miraba la escena con ternura. Por un momento, sentí que el mundo era sólo de ellos. Entre sus temas se encontraba “En Barranco”, una pieza que recorre distintas locaciones del distrito en cuestión, atravesadas por una historia de amor.

Moskas, una de las propuestas más sobresalientes del egg punk, fue la siguiente banda en presentarse. Su creciente acogida en la escena local resulta difícil de ignorar, quizás por eso tenía tantas ganas de escuchar a esta banda pese a que el género no me convence del todo.

Aunque el público todavía estaba algo disperso, la energía y dinamismo de la banda hizo que el apoyo se sintiera de todas formas. Disfrutamos toda su presentación, sobre todo, el cover que hicieron a la intro de Ben 10 llevándolo completamente a su estilo. El mismísimo Ben Tennyson lo aprobaría.

A eso de las ocho de la noche, se llevó a cabo la presentación de la revista, uno de los momentos más esperados y emocionales de la fecha.

Consistía en una dinámica de entrevista moderada por Socris, socióloga y colaboradora del proyecto; a Chelo, Charli y Cloudy —editor, directora de fotografía y directora de arte, respectivamente—. Ellos son quienes sostienen e.c_na desde dentro.

Durante un buen rato, la conversación giró en torno al motor principal de la iniciativa: el amor por la música.

Ya con el público completamente inmerso, casi dejé pasar la siguiente frase por parte de Socris: “Esta bonita revista surge de manera autogestiva e independiente, como tiene que ser”. Así es como tiene que ser, pues, porque si no, ¿cómo? En estos tiempos, atreverse a sacar adelante un proyecto de manera independiente es admirable e incluso necesario. Casi un acto de resistencia.

Adelantándome al final de la jornada, cuando quise llevarme un ejemplar, ya no quedaban. Mi teoría es que la mayoría se vendieron justo después de la presentación: como si a todos les hubiera agarrado el sentimiento y las ganas de colaborar con la noble causa. Lo menciono porque, para este punto, ya muchos tenían su revista. Las conversaciones iban sobre los artículos, principalmente, y por ahí hasta escuché a alguien quejándose de que había salido con cara de “pavo” en una de las fotos. Qué real.

La siguiente banda en presentarse fue Licorice Pizza. Ellos son de Huancayo y era su primera vez tocando en Lima. Yo me siento en deuda con su ciudad por mis raíces familiares; por eso, si una banda es de Huancayo, me gusta el triple automáticamente. Y esta vez fue justa la razón. No sé cómo no quedé sorda después de pasarme toda su intervención pegada a uno de los parlantes. Quería verlos bien. Recordarlos bien. Hacer que valga la pena.

Hay algo en sus temas que me dejó con más preguntas que respuestas, y no lo digo como algo malo. Aparte de lo habilidosos que me parecieron con sus instrumentos, debo destacar la increíble atmósfera que llegaron a crear con un set relativamente corto. Rato después, me crucé con los integrantes de esta banda y, en mi momento más efusivo, les dije que escucharlos me había cambiado la vida. Creo que así se entiende mejor.

La cantautora de pop/rock Bianca fue una excelente adición al line-up, que ya venía bastante cargado de sonidos pesados. Sus melodías, frescas y sensibles, se sintieron como un respiro para muchos. También fue un recordatorio de lo diversas que son las escenas, y de que hay propuestas interesantes más allá de Lima –ella viene desde Trujillo–. A la mitad del show, se detuvo a repartir preservativos con diseños de gatitos y frases impresas. Qué detallazo.

Si bien el recinto nunca llegó a estar completamente lleno, si noté mayor afluencia a partir de las nueve, probablemente por las bandas que se aproximaban, que ya tienen público asegurado.

Cataratas en Siberia es el grupo que más veces he visto en vivo en lo que va del año, y no creo cansarme pronto. Los admiro aún más desde que los entrevisté meses antes para un artículo de la revista, pero incluso sin eso, cualquiera sentiría curiosidad inmediata por su propuesta. Nunca decepcionan y me gusta decir que sus presentaciones se sienten bastante íntimas, cercanas. Ya deben ser conscientes de que vienen creando algo sumamente especial con su público, y saben sacarle provecho.

Su espectáculo fue increíble y, casi al final, el baterista desmontó uno de los tambores con algo de esfuerzo y lo llevó a la zona del público, donde nunca dejó de golpearlo en sintonía con los demás instrumentos. Todo esto mientras un grupo lo rodeaba en lo que parecía más un abrazo grupal que un pogo.

Salí un rato a recuperar el aliento, compartí un cigarrillo y hablé con conocidos y desconocidos. Entre ellos, uno de los sponsors de la revista: Jorge Mau. Me contó sobre el fanzine que él mismo creó, Ruido en Papel, dedicado a compilar setlists de tocadas. ¿Quién no se ha peleado alguna vez por uno? Una vez terminé en el piso con los lentes hechos trizas por eso. Me contó también que, pese a pertenecer a otra generación, le parecía importante apoyar la nueva escena. Ese tipo de respaldo se siente valioso.

A propósito, y saliéndome un poco de la tocada, mientras estaba en la fila para el baño, hice una lista de formas de abordar desconocidos que he empleado en más de una ocasión:

• Preguntarle cuánto le costó su trago.

• Hacerle un cumplido de su outfit. Puntos extra si lleva un polo de una banda muy de nicho. No cuenta Radiohead.

• Preguntarle si conoce a la banda que está tocando.

• Decirle, despreocupadamente, que crees haberle visto en la última tocada a la que fuiste.

• Si eres mujer, pregúntale si tu maquillaje se ve bien.

• Pregúntale si tiene señal en su celular. Funciona mejor en bares de mala muerte y sótanos como Casa Bagre o Aedos.

• Si te sientes confiado, pídele prestado su encendedor.

• Pídele disculpas por haberle empujado en el pogo incluso si no lo hiciste.

También están esas personas a quienes siempre ves, con las que nunca has cruzado palabra, pero sabes que también están ahí porque les emociona la música. Cuando vi a un grupo de amigos a unos metros de mí, pensé en eso: los reconocí de eventos pasados, sé que uno hace tatuajes y me gusta el piercing de su amiga. Es genial coincidir así.

Hömi Hömi es otra banda que tenía pendiente escuchar desde hace tiempo. ¿Superaron mis expectativas? Sí, y hasta me dejaron con ganas de más. No pude distinguir dónde empezaban ni terminaban sus temas, así que el show se sintió más como una especie de improvisación continua de math rock finísimo. En todo momento, parecía que las guitarras cobraban vida por sí solas, como si los músicos ni siquiera estuvieran ahí realmente.

Hasta esa noche, Haiti Bon Aire era casi una leyenda urbana para mí. Sabía que existían, pero su rastro se limitaba a un tema perdido en Spotify que escuché a mediados de 2024, y al vago recuerdo de un video donde aparecían destrozando toda clase de objetos en pleno show.

Caóticas e incómodas, así eran ambas propuestas. Pero creo haber entendido el mensaje: había que entregarse a ese ruido desbordado sin mayores pretensiones de por medio.

¿Sabías que en e.c_na también producimos fanzines? A la fecha, hemos publicado cuatro ediciones: La Nueva Escena, Historias de la Música, Experiencias y Trujillo. Cada uno es una pieza clave para conocer la escena emergente de música alternativa peruana.

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Miré alrededor. Algunos estaban completamente entregados e incluso empujándose entre sí, a modo de pogo, mientras que otros parecían no entender muy bien qué estaba pasando. Yo estaba en el limbo.

La energía siguió igual de intensa con Voley 2014, y con ellos sí noté una especie de orden dentro del caos. Como si cada grito —o más bien, alarido— y cada acorde estuvieran calculados para mantener la fuerza. No es para todos.

Terminada la tocada, mi cuerpo siguió vibrando por un buen rato, como si todavía estuviera ahí en medio de la gente, pero sin la música. Recién en ese silencio empecé a procesar lo ocurrido. Volver a casa después de una noche así siempre tiene algo que me agita. Seguía con esa sensación de haber estado en otro lugar donde todo parecía cobrar mayor sentido. Pensé en demasiadas cosas en el taxi.

Y supongo que basta con eso: saber que ese lugar existe, y que siempre se puede volver.

Me cuesta un poco recordar cuántas chelas me tomé, pero sí recuerdo que fueron de las más ricas de mi vida. También recuerdo que invité trago como nunca, de lo empilada que estaba.

¿Disfruto más la música bajo los efectos del alcohol? Definitivamente no. Pero se siente distinto. En medio del vértigo y el calor, el ruido parece ser la única verdad.

El 23 de mayo participamos en Ya es muy tarde 2, evento por el aniversario de Lince, donde e.c_na presentó una exhibición fotográfica sobre músicxs e historia del distrito. Días después, nos sumamos a un concierto frente a la UNMSM en apoyo a la toma estudiantil. También publicamos fotografías del MCDLA Fest 2026 y creamos un formulario para que postulen las personas quienes quieran colaborar en e.c_na.

Autora: Arilú

A raíz de diferentes casos de discriminación, acoso y accidentes que pusieron en riesgo la vida de músicos y asistentes en las tocadas, muchos gestores culturales buscaron generar un lugar donde primara la seguridad y el respeto para todos. Sin embargo, ¿qué tanto se ha logrado ese objetivo?

Hay tres ejes que, a mi parecer, demuestran claramente que aún nos queda camino por recorrer.

Para empezar, la complicidad existe dentro de una escena que, lamentablemente, se encuentra en un ciclo constante de funas –el acto de denunciar públicamente a alguien– y apañamiento. Recuerdo claramente un evento que se había promocionado como un “espacio seguro para chicas”. No obstante, recuerdo también cómo me cambió la sonrisa al enterarme que una persona del staff era alguien a quien habían funado hacía poco. Pronto, mi incomodidad se convirtió en cólera: ¿Por qué yo tendría que sentirme incómoda cuando los culpables son ellos?

El espacio dejó de ser seguro, o bueno, nunca lo fue, y quedarme ahí significaba mirar hacia otro lado como suele ser la costumbre, así que me retiré.

Por otro lado, como artista también he sufrido de negligencia por parte de promotores que optan por lo más barato. Hasta hace poco, creía que era normal sentir descargas eléctricas cuando me acercaba al micrófono, sin ser consciente de los riesgos que podía sufrir.

El año pasado, ocurrieron dos casos que se hicieron virales en los que músicos terminaron hospitalizados por electrocuciones graves en tocadas. Y existen lugares que, aunque son piezas claves –como Casa Bagre, un espacio subterráneo donde han tocado la mayoría de bandas de Lima–, no tienen el mantenimiento adecuado para asegurarnos de que resistirán accidentes. Muchos artistas emergentes normalizamos este tipo de recintos pensando “así es como se empieza”, sin conocer el estándar que tienen otros locales con más renombre, lo que nos lleva al siguiente punto.

El Perú se concentra en Lima. Lima se concentra en Pitukilandia, y los locales con mayor llegada forman parte de esta centralización. Gran parte del público pertenecen a lugares alejados de la urbe. Ser parte del “under” y lo marginal no es solo una moda, sino una realidad. Para una mujer que además es conera –así nos denominamos quienes vivimos en las zonas alejadas del centro, llamadas “conos”–, pertenecer a la escena de música alternativa se vuelve una tarea agotadora, cara y hasta peligrosa.

La mayoría de eventos comienzan en la noche y acaban de madrugada, lo que vuelve casi imposible tomar un transporte público para retornar a nuestros hogares y, si llevas instrumentos, es peor, porque no nos queda otra opción que tomar un taxi –por dar un ejemplo, desde Ritual Virtual ubicado en Miraflores hasta mi casa suelen cobrar aproximadamente 50 soles–.

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Aunque el Centro de Lima pueda parecer una zona accesible para todos, el mal sistema de transporte implica tomar uno o más buses que demoran. En esos momentos, la comunidad se ayuda entre sí. Nos juntamos para tomar taxi entre varios y así salga más barato, vamos caminando en mancha para evitar el acoso y la inseguridad de las calles, hablamos sobre qué espacios son seguros y cuáles sólo aparentan serlo.

Una escena autosostenible y responsable empieza por nosotros mismos. Desde tomar la decisión de no participar en espacios que no tomen en cuenta la integridad de sus asistentes, hasta aprender a mejorar la gestión de eventos. Si quieres ver crecer tu escena, toma conciencia.

El pasado sábado 23 de Mayo, regresó la fiesta del emo en Lima gracias a Movimiento Circular de los Árboles, en una edición acompañada por Mis Sueños Son de tu Adiós de Argentina y Recuerdo Acariciar con Miedo las Alas de un Ave Herida desde Colombia. Ambos cabezas del cartel.

Este evento va reuniendo cada año bandas nacionales e internacionales dentro del nicho. Jugando de local estuvieron: ERNHI, Agkor Wat, Un Viejo Arcoíris, Razones para el Olvido y Ok Boomer desde Trujillo.

Esta última anunció su próximo álbum y gira por Colombia, a través de las ciudades de Bogotá, Medellín, Cali Y Pereira.

Esperamos con ansias lo que nos tendrá preparado MCDLA el próximo año.

Fotos

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Los estudiantes de diferentes universidades públicas alrededor del país han tomado sus instituciones porque no están de acuerdo con cómo las autoridades están decidiendo respecto a su educación.

San Marcos, la más antigua funcionando de América, siempre se ha caracterizado por su espíritu combativo; pero también por unas autoridades corruptas. Este Congreso de la República, que ha llegado a superar el 90% de desaprobación a nivel nacional, quiere promulgar un proyecto de ley para favorecer la reelección de la actual rectora, famosa por amedrentar alumnos y aliarse con mafias.

Así, un grupo de jóvenes que mantiene su identidad oculta tras máscaras, mascarillas y telas, secuestró la universidad en forma de protesta a lo que se le suma: discriminación y terruqueo por parte de la prensa, intentos fallidos de matones por desarticularles, etc.

El jueves pasado, los estudiantes organizaron un concierto frente a la nueva Puerta 2 de la instalación, como muestra de apoyo a la protesta por parte de diversas agrupaciones musicales y también como demostración de que el arte es combativo

Participaron desde las 7:00 p. m. hasta las 2:00 a. m. los grupos Jhon V y Los No Olvidados, con un set divertidísimo de canciones propias y covers de clásicos como “El Oso”; Tau Ceti, que tocó por primera vez en vivo; La Escuelita, colectivo de música folklórica conformada por gente de la universidad; LYRA, banda tributo a Rage Against The Machine; Sueño Púrpura, con un increíble set de space rock que dejó boquiabiertxs a lxs asistentes; Violet Noise, rudo y enérgico; Buho Clan, con gritos que subieron la temperatura del lugar; el clásico del emo peruano Procastinación 1 Yo 0, presentando además una canción nueva; la banda llegada de Colombia RACMLADUAH, visceral y catárquico resaltó por sobre todas las bandas esa noche; Los Ronderos, casi cerrando con un broche punk de oro; y San Germán, que llenó las calles de ruido para dar fin al recital.

Además, los espacios muertos fueron aprovechados por la Comunidad de Egresados de San Marcos y la Federación de Estudiantes para lanzar mensajes de conciencia y llamar al apoyo a la toma.

El evento fue increíble. Los asistentes, en su mayoría estudiantes en pie de lucha; cantaron, gritaron y bailaron al ritmo de diferentes subgéneros del rock alternativo y la música folklórica. Quizás lo que más llamó la atención fue la abundancia de géneros screamo y hardcore, que dice mucho acerca de las emociones que contiene Lima en este momento.

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Actualmente, la medida de toma ya se levantó tras lograr que la universidad se pronunciase en contra de la reelección de rectores, pero los estudiantes quedan vigilantes ante cualquier otro abuso que se vaya a cometer en su contra.

Lince es un distrito musical por excelencia. Ahí nacieron algunas de las mejores bandas y proyectos que ha tenido el país. Los Saicos es posiblemente el más reconocido, pero también fue cuna de Los Steivos, Los Mads y Los Belkings, algunos de los primeros grupos de rock. Y crecieron aquí cantautores como Eva Ayllón, Yola Polastri, Maria Tta, Nicómedes Santa Cruz, Monique Pardo, Luis Abanto Morales, entre otros, de distintos géneros.

El pasado sábado 23 de mayo, los linceños pudieron disfrutar de “El Ruido de Lince”, una exhibición de fotos históricas y actuales de Lince organizada por nosotrxs en Ya Es Muy Tarde 2, recital dedicado a celebrar el aniversario del distrito con música electrónica, rock alternativo y rock clásico. Este último traído gracias a uno de los primeros rockeros del Perú: Raul Herrera de Los Belking’s.

Además, presentamos un fanzine homónimo a la exposición, que trae breves historias de la música en el distrito junto con una selección de fotos de artistas y paisajes antiguos.