Me he encontrado con una palabra. Y he sido feliz.

He sido feliz porque las letras me acompañan desde antes que la ropa; porque las palabras, las historias, son mi gasolina. Y porque a veces se escurren y se esconden, y el escondite era de mis juegos favoritos de niña.

Entiendo que esto no sea atractivo para la industria de la moda. Al menos, para la que pretende vender productos deprisa y corriendo antes de que te pares a pensar en que ibas a ahorrar para ir a ese restaurante o para el para la escapada del find e semana; incluso para ese bolso que lleva en tu lista de deseos desde 2023. Una palabra no se puede fotografiar, colgar de una percha y publicitar en redes sociales con links de venta directos. Y aun así, ahí está, saltándome a los ojos igual que el número que crees que te persigue y que te encuentras por todas partes.

La verdadera tendencia de esta temporada es una palabra: Intención.

Te explico cómo he llegado hasta aquí, porque, como diría Sanderson, “viaje antes que destino”.

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La mujer que sale de esta temporada me cae muy bien (y yo quiero caerme bien)

Te dije que después de ver una temporada entera, te queda una lista de estilos y prendas. Lo que no te he dicho es que no existen de manera aislada: conforman una persona. No tiene un rostro definido y todavía no sabes si lleva gafas, cuál es su libro favorito o qué le gusta hacer al salir del trabajo, pero empiezas a conocerla. Despacio, sin prisa; como a la amiga de tu amiga que se apunta al aperitivo del domingo.

Esta me cae particularmente bien.

La mujer que he visto esta temporada es una mujer que sabe lo que quiere y que se conoce, y precisamente por eso se da permiso para jugar con distintas estéticas según la situación se lo pida. No va dando tumbos de una tendencia a otra: sabe que cada una sirve para un propósito concreto, así que las utiliza en vez de dejarse arrastrar por ellas.

Esta mujer, como escribió Whitman hace años, contiene multitudes. O por lo menos contiene cuatro arquetipos que van asomando y poniéndose al mando según el momento, como vimos en el análisis de estilos de otoño-invierno 2026/2027.

La trampa de la palabra

Ya te conté que durante siete años vestí prácticamente solo de negro y que eso tenía mucho —todo— que ver con encajar en el molde que me habían contado que tenía que entrar. Y ahí también había intención, claro. Muchísima. La de fundirme en el entorno. Funcionaba: era una intención perfectamente ejecutada.

Esa no es la intención de la que te estoy hablando.

Esta temporada, no hay perfil bajo por ninguna parte. Esta mujer no quiere pasar desapercibida, no quiere disolverse en el fondo. Nada de agachar la cabeza por vergüenza, por miedo a las miradas, al qué dirán. Nada de apagarse para no asustar a otros.

Así que no: intención no significa acertar, ni gustar al resto. Significa haber decidido algo antes de salir por la puerta, y si eso es que hoy no quieres que nadie te mire porque no te apetece estar bajo los focos, también está bien. Pero es por tu decisión, no porque los otros hayan elegido por ti. Lo contrario de la Intención no es la sencillez: es la inercia, el maldito piloto automático que nos tiene moviéndonos sin pensar, sin estar presentes.

Así lo comentaron en el Club el otro día:

Creo que justamente el concepto de intención es lo que separa claramente el estilo de vestirse sin más. En ambos casos te vistes, pero no en ambos casos expresas y, en ese punto, es donde la intención es el diferencial

“En ambos casos te vistes, pero no en ambos casos expresas”. Perfecto.

Cómo se lleva una tendencia que no se compra

La Intención es algo que puedes aplicar desde ahora mismo, desde esta noche, o desde mañana, que es finales de agosto y a todas nos da por reordenar el armario como si reordenar el armario fuese a reordenarnos a nosotras.

Llevo la mitad de agosto abriendo el mío a las nueve de la mañana —de las cinco a las 9 lo que llevo es la ropa de deporte para trabajar y entrenar antes de que toda la casa se ponga en marcha porque ✨conciliación✨— como quien abre la nevera llena sabiendo perfectamente que no le apetece nada de lo que hay dentro. No es falta de ropa. Es que hay días en los que me visto y días en los que dejo que la ropa —o peor, el pijama— me vista a mí. Desde fuera y para otros son idénticos, pero yo sí lo noto. Mucho.

Lo único que he cambiado es la pregunta. Ya no me pregunto “¿qué me pongo?”, que es una pregunta sobre ropa, sino “¿qué quiero que pase hoy?”.

No es que tenga control sobre la vida y el destino; eso es imposible hasta en Prácticamente magia. Pero sí cambia la manera en la que me presento ante la jornada.

Hay días en los que la respuesta es “quiero entrar en esa reunión y que se me tome en serio antes de abrir la boca”. Hay días en los que es “quiero sentirme guapa aunque no me vea nadie más que mi familia y el espejo del pasillo”. Y hay días en los que solo quiero atravesar el día sin pena ni gloria.

Lo interesante es que la ropa no cambia, o no demasiado; quizás la manera de combinarla. Lo que cambia es que he decidido y eso, por algún motivo, me sigue pareciendo un poco mágico, se nota hasta en como andas.

Lo único que no vale es no haber contestado a la pregunta. Porque dentro de seis meses, las prendas de esta temporada estarán en rebajas. La palabra, no.

Así que dime: ¿te acuerdas de la última vez que te vestiste con intención? ¿Qué llevabas puesto y qué querías que pasara?

Te leo 🫂

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Y con esos mails y anuncios, hay una… llamémoslo anécdota, que me ha venido a la cabeza. Con el cambio de localización de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid esta temporada (¿cómo de emocionante es que vaya a haber varias localizaciones?): ¿cómo se gestionarán los siempre complicados asientos?

(Aviso a navegantes antes de seguir: al final de este email hay un regalo. Te lo digo ahora porque, salvo en las novelas, gestiono fatal el suspense, pero no te saltes lo del medio, que es lo bueno.)

¿Por qué todo el mundo quiere estar en front row?

Te puede sonar a banalidad, pero el tema de los asientos en un desfile siempre trae cola. Y no solo por dónde la firma coloca a las personas —cada una tiene sus compromisos y como sea un desfile concurrido o el diseñador tenga a muchos amigos y clientes, apaga y vámonos— sino por los asientos asignado a prensa y a, redoble de tambores, creadores de contenido. ¿Que cómo seguimos con esta discusión a estas alturas del partido? Ay, si te contase la de enfados que he visto en front row por este motivo a lo largo de los años. Te diría que hasta discusiones más acaloradas de lo que profesionalmente se consideraría adecuado.

Porque sí, el front row es, con diferencia, el sitio más codiciado de un desfile. Y por mucho que pueda parecer una tontería, y ya que estamos con las confesiones: sí, yo también lo he querido y lo sigo queriendo. Evidentemente. Cualquiera lo haría y me atrevería a decir que quien te lo niega, te está mintiendo. Porque, primero, desde ahí todo se ve mejor. Literalmente. Y ya que vas a trabajar cubriendo un desfile o, si eres clienta y amiga, a disfrutarlo, pues, qué leches, lo haces de la mejor manera posible.

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Un tejido no se comporta igual en una foto que a cinco metros que a solo uno. El peso de una lana, el movimiento de un plisado; si los dobladillos y las costuras están bien rematados o, por el contrario, los hilos caen cuando las modelos caminan —he perdido la cuenta de las veces que he visto hilos volar en un desfile—. Hay información física que solo existe a esa distancia, sobre todo si la estructura física de los asientos no está bien planteada. Todavía recuerdo mi primer desfile de Prada: aquello fue una auténtica fantasía pero no vi ni uno solo de los zapatos porque para mí, de rodillas para abajo no existía nada. ¿Me importó? Ni lo más mínimo; los vi al día siguiente en el resee. Y si no, para eso están las fotos que acompañan a la crónica.

A esto es a lo que me refiero: estar delante es una maravilla pero el front row también es una cuestión de mirada y de actitud. No de las que posan con el look completo de la marca y están en lo alto de la jerarquía del desfile; tampoco la de la condescendencia con la que te miran otras tantas personas —sin demasiado disimulo—. La actitud de querer remar a favor del trabajo o de la experiencia. Porque, además, entender un desfile no tiene que ver con el lugar en el que te sientas.

La mirada del front row importa más que la foto desde el front row

Los desfiles se entienden cuando llegas a ellos sabiendo lo que ha hecho la casa anteriormente, lo que estaba pasando en el negocio; por dónde va —más o menos— la conversación de moda según lo visto la temporada pasada, los últimos meses, los últimos días. Y digo desfiles igual que te digo lo que luego ves en tiendas. Porque sí, lo que aparece en las marcas de Inditex y compañía sigue bebiendo enormemente de lo que antes ha estado en pasarela. Entender uno es entender otro y eso no lo da un asiento, lo da el contexto.

Y hay otra cosa que no me quito de la cabeza desde que empezaron a llegar esos mails que te contaba al principio: un asiento no se puede compartir, pero un punto de vista sí. Por eso, puedes pasarte la vida sin pisar una pasarela y mirar un desfile mejor que alguien que se sienta en el front row por compromiso y que no se ha molestado siquiera en saber de qué va la colección. Te lo digo con conocimiento de causa.

Así que igual la primera fila es algo más que un asiento. Igual se trata de una manera de mirar. Y esa sí se aprende.

Esa es la que intento transmitir desde hace tres años en el Club DModa. Ahí te cuento lo que he aprendido en los últimos diez años de trabajo y te lo pongo delante para que tú uses lo que necesites. No para que te aprendas más nombres de diseñadores o de marcas —aunque si te llevas eso, pues estupendo también— sino para que cuando mires una colección o los escaparates de las tiendas, sepas lo que estás viendo.

Y septiembre es el mes en el que más se nota la diferencia porque es cuando pasa todo a la vez: por un lado, las pasarelas en directo para presentar las colecciones de primavera-verano 2027; por otro, las novedades que vimos en febrero y que ahora llegan a tienda, al street style y a los looks. Un cúmulo de estímulos que, si no sabes manejar, puede llegar a abrumar. Pero como aquí ya dijimos que vamos a controlar esos imputs y que no nos vamos a dejar manejar por los mareos del algoritmo, vamos a ordenar para convertir en manejable y factible. Para que estés en un front row rodeada de personas que te entienden y que van a disfrutar contigo.

¿Cómo lo voy a hacer? Con el siguiente calendario:

• 24 de agosto: estilos y prendas tendencia en otoño-invierno 2026/2027. Un análisis visual y cultural de estilos y piezas concretas, cómo se relacionan entre ellas y qué vas a comunicar con cada una, para que puedas crear tu propia fórmula según quieras transmitir autoridad, comodidad, elegancia, creatividad… He llegado a cuatro estilos principales y a —si no he contado mal— 18 tendencias. Y viene acompañado de un PDF resumen para que lo tengas todo a mano.

• 28 de agosto: colores tendencia en otoño-invierno 2026/2027. Vamos a detectar los principales colores de la temporada con datos, veremos sus implicaciones y cómo encajan dentro de las principales estéticas de la temporada con una escala de puntos.

• 7 de septiembre: cómo valorar si un desfile es bueno o no. Buen jardín para prepararnos para el mes y que si nos sale un vídeo de alguien comentando una colección o una propuesta, tengamos criterio propio y no nos la cuelen.

• 14 de septiembre: accesorios tendencia en otoño-invierno 2026/2027. Otro análisis de bolsos, zapatos y complementos que hemos visto en pasarela, veremos en tienda y cómo podemos usarlos a nuestro favor según los mensajes que queramos comunicar para cada estilo.

• 21 de septiembre: cómo llevar las tendencias de otoño-invierno 2026/2027 en la vida real. De la pasarela a la calle; una propuesta de looks con piezas disponibles en tiendas (no de lujo) para que puedas tener ideas que te resulten útiles y prácticas.

• 28 de septiembre: la venganza del nerd. Un análisis sobre cómo el capital cultural ha empezado a dominar la conversación en moda y cómo eso se muestra —o no— en los looks. Las respuestas a por qué de repente parece que las marcas están obsesionadas con los libros, los clubs de lectura, los pódcast, la música y todo aquello que, en realidad, no implica ropa… y cómo lo trasladan a la ropa.

Si nunca te has asomado por el Club, ahora es el mejor momento porque, como te prometí al principio, hay un regalo: con el arranque de temporada, tienes 15 días gratis para probar. Entras, te sientas en nuestro front row y decides con criterio, que es de lo que va todo esto.

Así que en definitiva: te sientes donde te sientes esta temporada, adopta la mirada de front Row. No la de los que en realidad no quieren estar allí (que también los hay porque nunca llueve a gusto de todos) sino nuestra mirada de front row. La mirada curiosa, educada, consciente.

Te espero en tu asiento 🫂

Sé que no estoy sola en ese barco y que hay a quien estrenar agenda le hace más ilusión que las promesas de año nuevo. De hecho, las que hacen —hacemos— para el nuevo curso parecen más estables, fiables, que las que se pronuncian con un cambio de dígito. A lo mejor es porque sabes que solo te quedan cuatro meses por delante y así es más fácil hacer un sprint; qué se yo. Pero con la emoción más de una vez caí, como espero que muchas otras, en sobreestimar mi capacidad de ejecución.

No es algo extraordinario: ¿cuántas veces has escuchado, leído o incluso usado la expresión “llegar a todo”? Ana Morales, directora de belleza de Vogue España y autora de Estado civil: cansada disecciona ese mito y propone distintas estrategias para paliar el cansancio asociado a la autoexigencia perenne. Por supuesto, aborda el melón de las redes sociales o, si lo prefieres —y citando a la psicóloga clínica Brígida H. Madsen—, el síndrome de Instagram: “Queremos hacerlo todo aún más bonito y perfecto para compartirlo en nuestras redes sociales y hacer que el like suba de manera efímera nuestra autoestima”, explica Morales en su libro. Y como recoge la periodista, la psicóloga afirma que ese perfeccionismo es “enemigo de lo práctico”. “Querer hacerlo todo bien ya agota de por sí”, reflexiona la autora. “Pero si encima queremos igualar nuestra vida real a la idílica —y a veces, muchas veces, falsa— de Instagram, perdemos el norte”.

Llegados a este punto, me pasan varias cosas. La primera es que sé que necesito un truco muy efectivo para salir de ese bucle inútil, porque una se sabe la teoría pero la práctica, ya es otra cosa. Lo segundo es que soy consciente de que tengo que rendirme, en cierta medida, a mi inclinación natural por la renovación. Vamos, que no está mal que me apetezca hacer unas cuantas promesas o propósitos para el nuevo curso siempre y cuando no sean demasiados. Y por último, que necesito un sistema que me ponga más fácil comportarme como la persona que consigue esos objetivos.

Esa es la palabra clave: persona.

No sé si eres fan de Sanderson, pero si has leído el Archivo de las Tormentas, entenderás por qué no me quito a Shallan de la cabeza. A ellas y a sus multitudes, como diría Whitman. Y cómo terminaba (spoiler, si no quieres, para y salta al siguiente párrafo) usando a sus alter ego según lo necesitase de manera controlada. Con cada una, se movía, actuaba y se vestía de manera diferente.

Ahí es donde está el truco que me pone más fácil el nuevo curso y que espero que te sirva.

Basándome en el concepto de enclothed cognition, no me tiembla el pulso al decir que vestirte como una persona con un rol concreto hace más probable que te comportes tal y como esperarías que actúe alguien así, acercándote más a las acciones necesarias para conseguir lo que quieres. Un concepto muy extendido en la psicología de la moda que se relaciona, en parte, en las virales ideas de James Clear sobre hábitos e identidad.

Vaya, que para no terminar frustrada solo tienes que llevar más allá la división natural de tus roles diarios —no te comportas exactamente igual en tu trabajo que en tu casa, lo mismo ni siquiera en vacaciones— y crearte personajes… de estilo.

Hace uno o dos años, Allison Bornstein hizo un ejercicio similar para salir del bucle de las tendencias estivales: crear personajes a los que dotó de un estilo concreto alineado con su personalidad. La propuesta que le hice hace varias semanas a la comunidad del Club DModa para verano y que les repito mañana para el nuevo curso es la de hacer personajes que tengan algún rasgo que ya esté presente en su personalidad, para que esos personajes o alter ego tengan que ver con ellas.

Aquí te confieso que para mí, ese ejercicio es magia: me permite tener los mensajes que quiero comunicar clarísimos, en qué momento necesito que salgan cada uno y cómo abordar los moodboards. La inspiración está más ordenada y los looks me salen con muchísima más facilidad —y si me atasco, tengo a Emily, que es la coach de estilo que tienen las suscriptoras al Club dentro de la sección de armario digital—. Gano claridad mental, visual y espacial al tiempo que disfruto, porque disfruto muchísimo, que eso es algo que parece que se olvida en los procesos de rebranding o glow Up o transformación o como quieras llamarlo.

En verano vimos entre otras, a la sirena moderna y a la hija del olivar. Mañana veremos a cuatro mujeres que tienen que ver con las cuatro de verano… o no. Ese es otro juego que abriremos en el foro. ¿Una de mis favoritas? La decana de septiembre. Sí, tengo bastante de ella y va a ser una de mis brújulas visuales para estos próximos meses… Pero no la única.

No sé si habías pensado alguna vez en un ejercicio parecido pero si te animas a probarlo, te leo 🫂

Por supuesto, el estilo no iba a ser menos.

Hay millones de personas en Internet hablando sobre estilo; no llegamos a verlas a todas porque la cantidad no es asumible por un único par de ojos. No sé exactamente lo que aparece en tus feeds, pero los míos últimamente están poblados del último discurso de moda: decirte que para desarrollar estilo propio de verdad —porque por supuesto, para estas personas no cualquier estilo es válido— tienes que usar tu capital cultural. Todo muy elevado y muy estupendo; no falto de razón, en cierto modo, pero tampoco exento de trampas. Las del privilegio y las de intentar embotellar una fórmula mágica que, a veces, incluye un buen chorro de culpa para que el vídeo pase mejor garganta abajo.

El mecanismo es fácil: si no has conseguido tener claro cuál es tu estilo es porque o bien no estás aplicando el capital cultural que ya tienes —qué sabes, qué cine, literatura, música o arte consumes—, con lo cual, culpa tuya, o… que no tienes el suficiente para tener ese estilo que te están enseñando. Uno que, curiosamente, se parece mucho entre sí, independientemente del vídeo que estés viendo. Porque no nos engañemos: históricamente, el capital cultural visible ha estado en un sector de la población y, además, la espiral del silencio sigue funcionando de maravilla. Por poner un ejemplo: no he visto ni rastro de imágenes relacionadas con el flamenco en ese tipo de vídeos. Ahí lo dejo.

Por si no te ha quedado claro: culpa tuya. Y claro, te sientes mal peeeero con un rayito de esperanza, viendo un oasis en el horizonte. Uno que, en realidad, hay que mirar con detenimiento.

Lo que llaman capital cultural tiene nombre, apellido y letra pequeña

El término lo acuñó Pierre Bourdieu, un sociólogo que en 1986 explicó que el capital cultural existe en tres formas, y la que estas cuentas invocan es la incorporada. Son las disposiciones de la mente y el cuerpo que acumulas por socialización, por el ambiente en el que creciste, por el tiempo libre que tuviste para cultivarlas. Bourdieu decía algo que la versión de Instagram suele omitir: ese capital no se transfiere. No te lo puedo pasar. No se descarga dejando un comentario para que alguien te lo envíe por privado.

Hay quien no está del todo de acuerdo con esa teoría: el tiempo te va dando acceso a cierta cultura. Pero ahí hemos vuelto a topar con lo que muchos definen como el nuevo lujo. El tiempo. La paciencia. El espacio físico y mental para poder tener acceso a determinada cultura que irá cincelando tu persona y tu gusto. Un gusto que, según el estudioso, marca la clase y establece distancia entre unos grupos y otros. Con lo cual, cuando un tutorial te hace sentir que “no tienes estilo”, está jugando con tu punto de partida y vendiéndotelo como fracaso personal. No es que no lo hayas conseguido: es que te piden llegar sola a un sitio al que otras llegaron con ventaja. Por eso lo del flamenco no es una anécdota: es el ejemplo de qué cultura cuenta como capital y cuál no, según quién reparte los puntos.

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El cuerpo ya nos enseñó a salir de esta

Hay algo que a mí me da cierta paz, y es saber que este mismo bucle lo vivimos hace años con el cuerpo, y hay una salida que ya tiene nombre: la neutralidad.

Tengo grabada a fuego una escena de Euphoria en la que la sociedad, las redes o el ente que tú prefieras termina gritándole Love yourself! con ira. La voz de Zendaya lo dejaba claro: “El problema de odiarte a ti misma es que no puedes hablar de ello, porque en cierto punto, la p**a vida se encargará de recriminártelo”.

La salida que no podía ver Kat, igual que millones de mujeres, es la que popularizaron, entre otras, Anne Poirier o la actriz y activista Jameela Jamil: el body neutrality. No tienes que amar tu cuerpo ni odiarlo, puedes sentirte neutral respecto a él. Especialmente si vienes de un lugar de odio en el que el amor no funciona. Exactamente el caso de Kat en la serie: esa orden resulta imposible y, además, te hace sentir todavía peor por no lograrlo.

¿Te suena? Es exactamente el rayito de esperanza con culpa incorporada del que hablábamos.

Y no es una intuición bonita, está medido. Un estudio de Lisa Legault y Anise Sago, publicado en la revista Body Image en 2022, hizo cuatro experimentos comparando mensajes que te presionan a quererte con mensajes que respetan tu autonomía. Los que presionaban hicieron más daño a la imagen corporal que los que no: generaban más presión, menos sensación de control sobre una misma, menos aceptación, mientras que solo los que respetaban tu autonomía subían la autoestima. Fingir que amas algo que no amas no te acerca a amarlo: te deja más lejos.

Cambia “cuerpo” por “estilo” y vuelve a leerlo. Funciona igual.

Tu incomodidad no es un suspenso, es información

Hay un detalle de ese estudio que lo cambia todo: dicen que sentirte mal con algo es informativo, que sirve para avisarte de que una necesidad no está cubierta.

Así que si te miras al espejo y tu imagen no te enamora, esa incomodidad no prueba que hayas fracasado en el proyecto “estilo propio”: te está diciendo algo. Quizá que persigues una estética que no es tuya, quizá que llevas tres meses comprando cosas porque las viste en una cuenta y no porque las quisieras. La neutralidad no te pide ignorar ese malestar fingiendo entusiasmo: te pide escucharlo sin castigarte por tenerlo.

La escritora Steffi Cao tiene una tesis demoledora: el estilo personal es para las redes lo que el arsénico fue para la belleza victoriana. Es decir, un ingrediente que promete hacerte más guapa, que el mercado se traga entero, y que resulta tóxico. Piensa en la lista de reglas que te han vendido solo en los últimos años: paleta de color estacional, tipos de cuerpo, peso visual alto o bajo, la teoría del zapato equivocado, la de las uñas rojas. Una regla nueva cada temporada que sigue poniendo el foco en lo que tienes que conseguir, no en lo que ya haces, ejerciendo cada vez más presión.

Pero ¿y si sales del bucle? ¿Y si durante un rato, una semana, una temporada, aceptas que no te hace falta que tu armario te produzca fuegos artificiales y que basta con que te sirva para tu día a día? Si hay trabajos que pagan el alquiler, hay looks que simplemente te valen para pasar el día y está bien que sea así: no todo puede producirte éxtasis o no seríamos capaces de ponderar. Además, si ni el cuerpo ni el gusto se dejan domar a base de obligarte a amarlos —porque uno es tuyo y el otro es capital que se construye en años—, entonces la meta a corto plazo no es el enamoramiento, si no la neutralidad amable: que tu imagen te guste, te sirva, te represente lo suficiente.

Ojo: “que me guste” no es bajar el listón, es soltar una exigencia que nunca fue justa. Soltar el látigo innecesario y la urgencia de pensar que no eres suficiente porque no tienes tu estilo personal definido o porque no sabes materializarlo.

Tómame de la mano mientras repetimos esto: está bien que no todos tus looks sean un 10 en emoción. Está bien que haya días en los que te veas “meh”. Está bien que haya días de confusión que se muestren a través de lo que llevas. Está bien no estar siempre en el pico máximo de enamoramiento. Y no sé qué círculo cercano has tenido, pero a mí no tienes que justificármelo. Espero que a ti misma, tampoco.

Si sientes que necesitas un espacio seguro para explorar este tema y otros relacionados con la imagen, la moda, la cultura y la sociología, tengo que invitarte al Club DModa: la comunidad de mujeres que se está creando allí es maravillosa y vas a poder sentirte abrazada cada vez que entres. Allí no se juzga: se aprende —y mucho— desde el cariño y el conocimiento profundo.

Te espero dentro ❤️‍🩹

Eso es justo lo que he sentido al ver algunos de los desfiles de Alta Costura más importantes de esta semana de presentaciones.

Pierpaolo Piccioli y el legado de Balenciaga

Terreno pantanoso este, aunque aficionados a la moda han poblado sus historias de muchos “Cristóbal descansa en paz” tras ver la propuesta del italiano para la firma que ahora capitanea. Una apuesta clásica e interesante a partes iguales, teniendo en cuenta que el de Guetaria es uno de los grandes referentes de Piccioli; nunca lo ha escondido y ahora, menos.

Los guiños a grandes hitos de Cristóbal Balenciaga tenían que aparecer, no tanto por una cuestión de contentar a los espectadores y a los potenciales clientes como por la devoción de Pierpaolo: si ya lo hacía en Valentino, tiene que hacerlo ahora. Pero esos coqueteos con el archivo de la marca —palabra repetida hasta la saciedad en moda en los últimos años— no pretenden ser un homenaje ni riguroso ni devoto: quieren mirar a lo que fue para construir el futuro. Al director creativo de Balenciaga le interesan los valores más que los diseños concretos y no es la primera vez que cuenta que traer de manera literal vestidos de hace años al presente carece de sentido. Si los tiempos cambian, las líneas y preferencias del público, también. Lo que es constante es el amor por lo bien hecho, y de eso, ha habido.

Ha habido también color, un elemento con el que Pierpaolo siempre ha mostrado seguridad y que se echaba de menos en las dos anteriores colecciones de prêt-à-porter. Parece que ha estado esperando el momento, igual que para incluir elementos distintivos como volúmenes ligeros, pantalones amplios, algún detalle de plumas y contraste entre líneas más rígidas y fluidas para dejar que el cuerpo se sienta libre dentro de la ropa. Junto a ella.

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El cuento de hadas de Chanel

Sería fácil ver mucha más nostalgia en la idea de Matthieu Blazy para la Alta Costura de otoño-invierno 2026/2027 de Chanel y, sin embargo, la ligereza de la que ha conseguido empapar la maison hacen que la pena no tenga cabida.

El punto de partida es la biblioteca de la propia Coco Chanel; un libro olvidado entre las estanterías, un cuento de hadas. Infancia, pasado, fantasía; mundos imposibles en los que la belleza en casi cualquier forma campa a sus anchas: si eso no es caldo de cultivo para la melancolía, apaga y vámonos. Pero puede que sea la paleta de color suave, la querencia por las texturas ricas, las siluetas rectilíneas o todo junto, que Blazy no parece recurrir a pasado más que para pensar en lo que haría la joven Gabrielle. Y eso ni resta valor a sus predecesores ni significa que haya descubierto la penicilina, pero sí que ha conseguido lo que otros no pudieron: eliminar la capa de polvo que recubría a la firma ya desde los últimos años de Karl Lagerfeld para devolverle el lustre que se merecía.

Lo hace gracias a lo que parece una intuición muy fina para saber lo que el público desea ver… y comprar. Porque aunque sus colecciones todavía no hubiesen llegado a boutiques, los últimos resultados compartidos por la compañía revelaban un aumento de las ventas que explicaban gracias al bolso Chanel 25 y al efecto Blazy.

Antes de pasar a otro de sus colegas, dejo apuntado un concepto que parece unirlos a ambos y que desarrollaré en profundidad en las próximas semanas en el Club DModa: su relación con el movimiento y cómo esta idea está siendo fundamental en la moda moderna.

El estilo se aprende aquí

El arte de Dior

Jonathan Anderson es otro director creativo al que se le referencia —o se le echa en cara— el archivo cada dos por tres, especialmente cuando se deja llevar por sus preferencias más conceptuales y artísticas y se aleja de la elegancia normativa y previsible que esgrimen quienes creen que desde que el siglo XX no se hace nada interesante en moda. Pero la nostalgia y Anderson jamás han hecho buenas migas: el diseñador consiguió construir una identidad visual para el prêt-à-porter de Loewe basada en sus filias y fobias, en su tendencia a experimentar con las siluetas hasta más allá de lo funcional —y a veces, generando preguntas sobre la integridad de los cuerpos femeninos en la moda, porque es ahí donde experimenta, no en los masculinos— y, por supuesto, en su amor por el arte. Un amor que la compañía dice que comparte con la maison de Christian Dior, que acumula todo un catálogo de colaboraciones con artistas.

En esta ocasión le ha tocado a la escultora estadounidense Lynda Benglis, cuya obra parte de materiales bidimensionales que gracias a anudados, plisados o moldeados se transforman en tridimensionales. Ese mismo proceso es el que Anderson parece haber seguido con los tejidos para crear muchos de los looks, que han profundizado en esos gestos. “La colección busca contemplar la materialidad y la forma desde otro ángulo”, ha declarado el diseñador. “En última instancia, se trata de observar la abstracción en el material y preguntarse cómo se puede extraer la realidad a partir de él”.

¿Significa eso que ignora el archivo? No, en absoluto; hay numerosos guiños y referencias, solo que no siempre literales. ¿Que parece que se le nota los looks que le gustan más y los que tiene que hacer porque toca? Puede ser. Pero que tire la primera piedra quien esté libre de preferencias. Mientras tanto, él seguirá experimentando y fusionando, cuando puede, dos visiones creativas alejadas que, sin embargo, pueden reconciliarse. Para muestra, el look anterior.

El laboratorio de Schiaparelli

A riesgo de sonar exagerada, el hecho de que Daniel Roseberry haya vuelto a reivindicar la parte más experimental de la Alta Costura es un respiro —al parecer, similar al que han experimentado no pocas personas al ver el debut de Duran Lantnik en la costura de Jean Paul Gaultier—. No es que de repente el estadounidense se haya entregado a los modos de Rick Owens o Rei Kawakubo, pero sí parece haberse recreado en cierto entusiasmo creativo que parecía estar faltándole en anteriores colecciones: había espectacularidad, había maestría, había ganas de epatar, pero también cierto aire previsible en líneas y materiales. Y precisamente despojarse de la fórmula o del método que él mismo comentaba haber encontrado es lo que, en teoría, ha hecho que las ideas fluyan de un modo si no más natural, sí algo diferente. Sorprenderse a sí mismo al, como ha comentado en las redes de Schiaparelli, asomarse al abismo.

En un nivel más superficial, lo ha hecho recurriendo a materiales que habitualmente no se suelen ver en la costura más tradicional: silicona y luces integradas. La narración de que sirven para iluminar el interior de cada mujer y dejar que brille con luz propia es bonita y evidente; la que habla de empujar los límites de la Alta Costura planteando que haya espacio para materiales poco nobles es, quizás, más interesante. El símil con la joyería está ahí: las fronteras entre la joyería y la bisutería han estado marcadas durante años por los tipos de materiales pero ¿y si ampliamos la mirada? ¿Y si recordamos que el término Alta Costura protege oficios y técnicas y no materiales o estéticas determinadas, o que, según la propia Federación, la Alta Costura debería ser un lugar de innovación?

Es más, ¿y si resulta que la mejor forma de honrar el legado y el trabajo de un fundador es dar pasos hacia delante en vez de quedarse anclado en lo que ya fue?

Aunque lo más fácil es pensar que las falacias campan a sus anchas en los discursos políticos, la industria de la moda no se queda atrás. De hecho, empecé a verlas con demasiada facilidad, como cuando te hablan de un modelo de coche que no conocías y de repente te lo encuentras en todos los semáforos.

Estas falacias aparecían en más discursos de los que me imaginaba a priori, por no hablar de titulares. Tiene todo el sentido del mundo: hay secuencias lógicas defectuosas que son una chuchería porque te traen clics inmediatos… y porque se llevan repitiendo muchos, muchos años. Justo el argumento Ad antiquitatem (para los amigos, apelación a la tradición) es uno de mis favoritos: como algo se ha hecho así “toda la vida” o tiene cierto recorrido histórico, automáticamente es o inamovible o mejor. Fíjate, porque lo vas a ver por todas partes: que si quinta generación haciendo una actividad, que si la marca tiene 150 años y vistió a X persona de la realeza en un momento determinado, que si la cintura marcada es lo elegante porque se hace así desde Christian Dior… La lista puede alargarse todo lo que quieras.

Otra de mis falacias favoritas (sí, tengo una lista) es la ad populum. Me vuelve loca porque funciona tremendamente bien: la popularidad como prueba de valor es algo que te vas a encontrar en medios de comunicación y, si te descuidas, hasta en tu procesamiento de las tendencias de la temporada.

«El bolso más deseado de la temporada», «la pieza que agotó existencias en 48 horas», «todo el mundo está llevando esto»... Es que claro que funciona: apela al miedo a quedarse fuera, a la exclusión. Llámalo FOMO si te sientes más cómodo con las siglas anglosajonas, pero entre tú y yo: es que no quieres quedarte atrás ni estar perdiéndote algo estupendo. Y claro, si mucha gente está llevando algo, adoptando algo, comprando algo, será la decisión correcta, y cómo vas tú a fallar o a correr el riesgo de que te marginen. Apaga y vámonos.

El problema, lógicamente, es que la cantidad de personas que adoptan una tendencia no dice nada sobre si esa tendencia es buena para ti, si el objeto está bien fabricado, ni si la demanda fue orgánica o construida, porque por supuesto que esto también pasa.

En mi top tres está otra con un nombre que parece un galimatías: post hoc ergo propter hoc, es decir, «después de esto, por tanto, a consecuencia de esto». Y si crees que he perdido la cabeza o que qué tiene esto que ver con moda, aquí te dejo el bonito «viste bien y tendrás éxito».

Te confieso que esa me dio en el centro del esternón y con un «iiissshh» saliendo entre los dientes, porque ¿cuántas veces lo has visto y o lo has creído o has deseado creer en ello?

Esa, junto a otras seis, es una de las que he desmontado en el vídeo del Club DModa de esta semana: me parece justo y necesario dedicar un tiempo a reflexionar sobre ello, sobre todo ahora que vienen las rebajas y tu feed y tu bandeja de entrada del Mail se van a llenar de mensajes y falacias destinados a hacerte comprar sin pensar.

Empezaré a preparar la segunda parte en breve, así que si tienes alguna, soy toda ojos y oídos.

Nos leemos 🫂

Piénsalo un momento: nos encanta hablar de gusto. De que para gustos, colores. De que no, tener dinero no te da buen gusto porque (y esto no es opinión personal sino resumen de pensamiento popular) mira todos esos famosos con cuentas bancarias abultadas y logos gigantes, o con prendas más ajustadas que el corsé de Elisabeth Swan. Ellos son la prueba definitiva de que el gusto no se compra, ¿verdad? Si es que fíjate en Lauren Bezos en la Met Gala, con el Schiaparelli menos Schiaparelli de la historia de los Schiaparelli.

Pues. Bueno. Igual tenemos que repensar un poco el asunto.

Empezando por plantearnos de dónde ha salido la idea del buen gusto contemporáneo y cuánto de mi idea de gusto es mía y cuánta me han instalado sin que me dé cuenta.

Yo también caí, por supuesto. Porque la estrategia de venta del buen gusto es, en general, impecable, y la que tiene que ver con la renuncia, una obra maestra del marketing. Pasé años, Como muchísimas personas, aprendiendo el vocabulario correcto, eligiendo las referencias correctas, evitando ciertas cosas por intuición. Una intuición que, ahora lo sé, no era instinto. Era adoctrinamiento muy bien disfrazado de criterio.

El primer atisbo de libertad empezó el día en el que una de mis mentoras, Marta Hurtado de Mendoza, dijo en clase que no hay referencia mala. Te juro que sentí un alivio que casi me hace llorar. Y con el paso del tiempo, aquella emoción se transformó en un planteamiento que ha tomado distintas formas a lo largo de mi carrera pero sobre todo, desde que el llamado lujo silencioso empezó a copar las conversaciones.

Y cuando pensaba que era imposible, llegó un libro que condensaba todo esto: Mal gusto, de Nathalie Olah. La tesis es tan sencilla como incómoda: el buen gusto no es una cualidad innata, sino una herramienta construida por la sociedad y que, en muchas ocasiones, sirve para mantener estructuras que les conviene a los poderosos. No a nosotras, no a la mayoría, no. A los que tienen de verdad dinero y poder. Alguien lo inventó, alguien lo mantiene, y no fue pensado para que todo el mundo pudiera tenerlo.

Lo vamos a leer juntas.

Le hablé a Sandra Cañedo, compañera con la que coincidí en Vogue, sobre el libro cuando me pidió recomendaciones para su proyecto, The Blooks. Y las dos terminamos tan metidas en la conversación que quisimos llevarla fuera del chat y sentarnos a hablarlo en persona. Entre nosotras, y entre quien quiera participar; por eso tenemos el Book Club de The Blooks y DModa.

El 10 de junio a las 19:00, en Escala House, en Madrid, vamos a unirnos para comentar uno de los libros que más nos ha hecho pensar este año. Porque os juro que da para mucho, muchísimo. Y también para que nos abracemos y podamos hablar, además de sobre el libro, de lo humano y lo divino de la moda. No sé tú, pero yo no tengo a tanta gente alrededor con la que poder hablar de estos temas y estas ocasiones me parecen un momento único para poder conectar con personas que comparten intereses y pasiones. Para construir.

Será un encuentro íntimo para poder tener esa conversación que sume y lo haremos entre picoteo, vinos y un pequeño detalle sorpresa. Si ya has leído el libro, mejor. Si no, tampoco hace falta llegar habiéndolo terminado. Hace falta llegar con ganas de hablar.

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Ojalá te vea por allí 🫂

No es que el matrimonio entre en un despacho a decidir qué se va a poner de moda en materia estética; eso se parece más a lo que hace Anna Wintour y compañía, aunque hoy sabemos que nada es tan simple. Pero la intervención del magnate merece una reflexión que no, no vas a encontrar en los medios tradicionales. Entre otras cosas, porque los patrocinios de Amazon son amplios y regulares para muchas cabeceras.

Amazon es, entre otras cosas, uno de los mayores distribuidores de fast fashion del mundo. Prendas a precios imposibles, producidas en condiciones que para muchos trabajadores de la industria textil no tienen nada que ver con la dignidad de la que, precisamente, habla la exposición del museo.

Esa tensión no la resuelve nadie esta noche. Ni la exposición, ni los looks, ni ningún comunicado de prensa. Pero me parece importante nombrarla antes de que empiece el desfile de alfombra roja y todos nos olvidemos de preguntarnos quién paga la fiesta y por qué. De hecho, Leticia García publicó hace meses un artículo hablando sobre cómo Jeff Bezos parecía empeñado en comprar su capital cultural.

En una nota más ligera, también te confieso que después de varias temporadas en las que mi noche favorita me producía cierta apatía, tengo ganas de ver la alfombra roja. Sospecho que habrá más naked dresses de lo que me gustaría (al fin y al cabo, el cuerpo desnudo es una categoría de la exposición), pero me apetece comprobar si alguien se va a atrever a rescatar algún Viktor&Rolf, si van a ser capaces de superar lo de tirar de archivo (como si llevar un vestido antiguo fuese algo bueno per se sin tener en cuenta el contexto) y lo de cincelarse como esculturas. Eso, reconozco, lo veo más complicado, por eso de que a muchas celebridades les gusta interpretar el código de vestimenta de manera literal.

Todo esto y mucho, mucho más (enfado incluido), lo tienes disponible en el Club DModa, donde tienes un vídeo de 20 minutos sobre todo esto: la relación entre moda, cuerpo e historia del arte desde los griegos hasta hoy, qué puede significar realmente el dress code Fashion is Art el lunes, y lo que el dinero detrás de la gala revela sobre la industria ahora mismo. Es decir, el vídeo que tienes que ver si quieres llegar a la gala preparada y no dejarte llevar por los análisis superficiales del “esto es bonito y esto no”.

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Te leo 🫂

Una de ellas es poder decirte que quiero que nos veamos en persona porque es una posibilidad real que está sucediendo por, redoble de tambores, un trabajo muy especial con MAX&Co.

Sí, si a mí a principios de 2026 alguien me dice que en cuatro meses iba a pasar esto, me habría reído incrédula.

Resulta que MAX&Co. lanza su primer podcast, The Sound of MAX&Co., una iniciativa de la marca que nace para conectar moda, música y cultura a través de conversaciones cercanas y con identidad propia. Y tengo el honor de ser su conductora en español en esta primera edición. Es que lo escribo y me tiemblan los dedos sobre el teclado.

La idea es tan sencilla como maravillosa: estaré charlando con la protagonista, Laura Put, una artista multidisciplinar fantástica, sobre música, estilo, actitud y, por supuesto, la nueva colección SS26 de la marca italiana. Que por si no la habías visto, te aviso desde ya que te va a enamorar porque está llena de conceptos que sé que nos encantan: fuerza, versatilidad y expresividad. Después de la charla en directo que se grabará para el podcast, lo celebraremos con un cóctel y el DJ set en directo de Laura; un momento perfecto para poder abrazarnos, hablar y crear eso que hoy en día es tan necesario y relevante para nosotros como seres humanos y como sociedad: conexiones, comunidad.

Te dejo aquí el link para que puedas registrate (cosas del aforo, ya te imaginas) y los datos para que lo apuntes en tu agenda:

• Madrid: 9 de abril de 18:00 a 20:00 en Serrano, 18.

• Barcelona: 10 de abril de 18:00 a 20:00 en Pg. de Gràcia, 47.

Quiero mi sitio para este evento 💕

Sobra decir que me encantaría que te unieses a este evento porque creo que es una oportunidad fantástica para que continuemos en persona lo que hemos ido creando desde hace tiempo online, para que conozcas a personas con tus mismos intereses y para que te dejes sorprender por la vida. Al fin y al cabo, no sabes cuándo llegará el plot twist.

Y sí, te prometo que todo esto te sirve para aplicártelo a ti y a tu armario. Y sí, también te prometo que sin complicaciones.

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Es bastante más sencillo observar este fenómeno en marcas de lujo internacionales; la historia que atesoran y su popularidad lo ponen fácil. Lo complicado es ponerle nombre y apellidos a lo que te ha hecho pensar: “es muy Prada”, “es muy Dior” o “es muy Miu Miu”. Hay que reconocerlo: estas empresas llevan tanto practicando y alimentando el aura que las rodea que a veces nos dejamos llevar por cierto misticismo y nos quedamos encantadas en el parpadeo posterior a un fogonazo. Y ojo, porque eso es perfectamente válido, igual que cuando en tu niñez sospechabas que los Reyes Magos tenían sucursal en tu casa pero preferías ignorar las escapadas de tus padres o el papel de regalo que curiosamente coincidía con el de tu último cumpleaños. En ocasiones, se está muy bien en el limbo del desconocimiento y el misterio; hay disfrute ahí. Pero si te apetece mirar al foco que te ha dejado las pupilas noqueadas y lo haces con atención, verás las bombillas que lo forman. Pues con los adjetivos y las marcas es exactamente lo mismo.

Asumiendo que el resultado siempre será algo más que la suma de las partes (porque el encanto y el carisma de cada empresa o persona no puede obviarse), cuando te encuentres pensando que algo es muy Chanel, Dior, Prada, Massimo Dutti, laagam, o la marca que se te pase por la cabeza, te propongo el siguiente ejercicio: escanea la imagen/look/pieza y la historia de la firma para ver los hilos conductores.

Hay distintos planos que puedes analizar, pero los más llamativos y recurrentes son:

1. Paleta de color. Si la dirección creativa de una firma es estable, seguramente habrá un serie de colores a los que recurre de manera más o menos habitual. A no ser que seas Pierpaolo Piccioli y nos traiciones a todos abandonando la maestría en los bloques de color para irte a un negro facilón, pero eso es otro tema del que no voy a hablar porque me trae oscuridad y estoy intentando quedarme en la luz.

2. Siluetas. Va a haber una estructura o una categoría de prenda que sea recurrente, tanto por el gusto de la persona al mando como por la historia de la casa. Ejemplos fáciles: el traje de chaqueta de tweed de Chanel, la chaqueta Bar de Dior; las camisas blancas y las faldas midi lánguidas de María Grazia Chiuri; las faldas midi mas estructuradas de Prada… Importante: estas siluetas se irán reinventando con el paso de las temporadas y los años, no son intocables.

3. Tejidos. Es más difícil capitalizar este sector, pero el tweed de Chanel vuelve a ser un gran ejemplo. Añadiría ahora, si necesitas otra imagen, las gasas de Chemena Kamali para Chloé.

4. Estilismo. Absolutamente interesante, teniendo en cuenta que debería cambiar según la propuesta de la temporada. Sin embargo, la cabra tira al monte y vas a poder ver una serie de mezclas y combinaciones que se repiten una y otra vez: los volúmenes con cinturones y gorros de Bottega Veneta, los vestidos vaporosos con chaquetas de Chloé; las piezas formales presentadas con aparente descuido y ligereza en Chanel; las combinaciones arriesgadas y con capas casi siempre presentes en Prada y Miu Miu…

Con estas cuatro coordenadas tienes más que suficiente para ir aplicando filtros a lo que te vayas encontrando. Y también a ti misma: si consigues detectar qué repites en colores, siluetas, tejidos y estilismo vas a tener más información sobre ti misma y sobre tu estilo que la gran mayoría de los mortales. Porque además vas a estar haciéndolo desde tu realidad y no desde plantillas prefabricadas que no se ajustan a ti, como ya hemos repasado en muchísimos vídeos del Club y que, me comprometo, seguiremos haciéndolo para refrescar y actualizar conceptos.

Pero entonces, ¿por qué es importante para las marcas y para ti conocer esos datos, traducirlos a palabras y asumirlas como propias hasta convertir el nombre propio en adjetivo? Por la claridad del mensaje: la identidad genera definición y, por los malabares del cerebro humano, fiabilidad, presencia y relevancia. Te conviertes en memorable. Los beneficios para las marcas son claros; los tuyos para tu cotidianidad, también: en el ámbito laboral son muy visibles mientras en el personal te puede dar, al contrario de lo que pueda parecer, una libertad tremenda para experimentar y explorar distintas facetas de ti misma; jugar con cómo te presentas ante el mundo y ante ti misma. Como la flexibilidad metabólica de la que tantos nutricionistas hablan, pero a nivel visual… y mental.

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No sé si te habías parado a reflexionar sobre esto, si te has encontrado a ti misma pensando “esto es muy —insertar nombre de marca—“ o si es algo que te gustaría aplicar a ti misma (y si quieres hacerlo en comunidad, ya sabes dónde estamos).

Te leo 🫂

Suelo mirar las pasarelas desde distintos prismas, pero uno de los prioritarios, especialmente para el contenido práctico del Club DModa, es precisamente el de las tendencias de uso que se pueden implementar de inmediato, independientemente de la temporada en la que nos encontremos. Al menos, en la mayoría de las ocasiones. Y revisando los principales de desfiles de la semana de la moda de Nueva York (que aunque lo intenta, sigue sin recuperar el entusiasmo que generaba hace unos años), he visto tres gestos de estilismo facilísimos que, al pertenecer a las colecciones de otoño-invierno 2026/2027, puedes usar la próxima vez que vayas a vestirte.

El cárdigan descolocado de Carolina Herrera

Me saltó a los ojos en cuanto lo vi: qué fácil, qué efectista al mismo tiempo; qué manera tan sencilla de darle una vuelta a la rebequita sobre los hombros. No hay más que cerrar el primer botón y girar la prenda para que una manga quede un poco más hacia delante y hacia atrás de lo que debería. Con looks más relajados o incluso deportivos puede aportar un contraste muy interesante.

El jersey como bufanda de Michael Kors

El 45 aniversario de la marca ha dado una colección sin sorpresas que, como no podía ser de otro modo teniendo en cuenta la fecha, la firma y el interés general del lujo por el mercado estadounidense, se ha centrado en la reinterpretación del chic neoyorquino. De entre todos los looks que te puedes esperar, quédate con los trajes que se rematan con jerséis, solo que en vez de colocarlo sobre los hombros, los envuelven trepando hasta el cuello. No es modo de uso nuevo, ni mucho menos, pero no está de más recordarlo porque añade textura, capas, color y profundidad a un estilismo sin ningún esfuerzo.

Las mangas de camisa de Tory Burch

La firma de la diseñadora es una de las grandes olvidadas por parte de cabeceras y público general: se habla muy poco de ella para la cantidad de tendencias y estilismos sencillos e imitables que ofrece. Puedes ver y oír más sobre la colección de otoño-invierno 2026/2027 en la review que hice horas después de la presentación, y aprovecho para confesarte que tanto el look de apertura como los que siguieron después me tienen obsesionada. Tanto, que no he podido evitar fijarme en cómo las mangas de los jerséis y las sudaderas no solo sube por los brazos, sino que dejan ver los puños de las camisas, que no siempre asoman. Es un ademán desenfadado que, sin embargo, encierra más cuidado del que parece y, para rematar, te va a permitir introducir color en tu estilismo sin abrumar.

Ahora, una pregunta: ¿te parece interesante esta aproximación práctica a las pasarelas?

Te leo 🫂

Me perdí visualmente hace años. Creo que ya lo he contado en alguna ocasión (soy reservada e introvertida y cuando me abro sufro una curiosa amnesia que me hace olvidar cuánto he contado para protegerme de la ansiedad del oversharing —aunque esto en sí mismo sea compartir demasiado—), pero haciendo los últimos vídeos del Club DModa, he vuelto a recordarlo. Y al contrario de lo que les pasa a muchas mujeres, me perdí no en la maternidad (que eso es otro melón que no sé si abordar) sino al entrar en el mundo laboral.

Tiendo a no querer repetir en exceso las cosas, pero como me he encontrado a gente que incluso no sabía que ya tenía un hijo antes de este bebé que ha llegado a nuestras vidas hace cuatro meses, me voy a permitir el lujo de dar contexto: estuve seis años trabajando en dos revistas de moda, tanto en versión web como en versión papel; 2026 marca el tercer año en el que di carpetazo a la vida de redacción tradicional y monté DModa, un retoño laboral al que hay que seguir mimando y al que no le puedo pedir más (porque igual que el desarrollo infantil, todo lleva su tiempo).

El caso.

Antes de entrar a trabajar, vestía con mucho color. Pero mucho, mucho. Mi adolescencia fue tremendamente colorida y recuerdo sin problema algunas de mis piezas favoritas: un vestido de punto con falda skater en rosa fucsia que guardaba para ocasiones especiales y que me sentaba increíble; otro vestido de base naranja con estampados en rojos y turquesas; otro vestido verde césped que combinaba con chalecos de traje, esos shorts ligeros blancos con estampados en tonos saturados que encontré en Zara y que combinaba con una blusa de gasa sin mangas en verde menta, un color por el que nos dio a todas en algún punto de 2013 y que también tiñó unos pantalones pitillo que llevaba sin parar y que sustituyeron a otros en amarillo mantequilla. Entiéndeme, también había espacio para colores neutros, pero estaban muy lejos de ser mi prioridad. Tanto es así que incluso llevé durante tres años el pelo teñido en distintos tonos de turquesa y azul, variando longitudes y flequillos. Ahí los tonos neutros ocuparon un poco más de espacio porque llevaba el color incorporado sí o sí en el estilismo, pero también me recuerdo jugando con rosas más suaves y con jerséis y labiales rojos que contrastaran con el turquesa del pixie.

Me lo pasaba bien; me lo pasaba fenomenal.

Abandoné el tinte por una cuestión de practicidad (me apetecía llevar el pelo más corto y no quería tener que ir a la peluquería cada dos semanas a retocar las raíces y mantener el color) pero lo que fue sucediendo al mismo tiempo fue que quería encajar con desesperación en el lugar en el que pasaba la mayor parte de mis horas.

No, las redacciones de una revista de moda no son como El Diario Viste de Prada, por mucho que haya tres o cuatro que te quieran vender la moto. O al menos, esa no es mi experiencia en las dos en las que he estado. En esas redacciones he encontrado mentoras, compañeras de batalla, personas a las que admiro profundamente y hasta amigas; grupos de mujeres dispuestas a compartir consejos profesionales, cafés, descubrimientos, risas, ibuprofenos y pañuelos con los que limpiar las lágrimas. Ahí es donde aprendí a darle sentido al concepto de comunidad. Y precisamente por eso, pertenecer era algo crucial.

De manera inconsciente e involuntaria, tirando de malos patrones de adaptación aprendidos en la infancia (sí, soy una de esas personas que no lo pasaba bien en el patio del colegio y las lecciones teóricas sentadas en una silla eran lo más parecido a un remanso de paz), apagué mi vestuario para fundirme con el entorno. Y no es que quisiese pasar desapercibida per se, porque una tiene su orgullo y siempre me he divertido con la ropa, pero sí que había algo de, llamémoslo, disimular. Si me parecía a lo que veía, quizás nadie se daría cuenta de que me había colado allí, que era la manera en la que, entre risas y bromas, verbalizaba a mi marido (entonces novio) cómo me sentía al respecto de haber conseguido mi sueño laboral de adolescencia y juventud.

Por supuesto, sé que eso era el archiconocido síndrome de la impostora hablando. Te diría que lo he superado (y no es casualidad que por eso ahora esté vistiendo más color), pero teniendo en cuenta cómo he llorado de emoción al leer lo que ha escrito Ana Morales en Estado Civil: Cansada para presentarme antes de abordar cómo aligerar la carga mental de vestirse cada mañana, igual todavía hay algo de mala hierba por ahí. Inciso final: leed a Ana, es de lo mejor que vais a hacer por vuestro autocuidado.

A todo ello hay que sumarle lo que pasa en algunos círculos de la industria. He tenido la suerte de no toparme con ellos más que de manera aislada, pero su influencia se dejaba sentir más de lo que a una le gustaría. Los tentáculos de la concepción moderna y esnobista del buen gusto y mal gusto (que con tanta agudeza analiza Nathalie Olah en Mal gusto: La política de lo feo) son pegajosos y largos. No es que esa idea se mencione explícitamente, sino que está enraizada de tal modo en los interlocutores que se da por supuesta; en la mayoría de las ocasiones, sin mala intención pero con consecuencias que pueden ser nefastas. Me recuerda a la jerga médica o a la de los criptobros: si lo sabes, sabes; si no, estás fuera. Uno de los axiomas fundacionales era, es, que los colores neutros son más elegantes e incluso más cool; los colores son demasiado llamativos y quien los lleva es que lo está intentando demasiado, y no hay nada que genere más miradas despectivas que alguien que demuestra haberse esforzado con su estilismo. En fin.

Tomar distancia para montar mi propio proyecto me ha otorgado perspectiva sobre mi carrera, sobre la situación de la profesión y también sobre mi manera de relacionarme con ello laboral y estéticamente. Sin esperarlo, la persona que durante siete años solo vestía con colores neutros se encontró (como me ocurrió en el pasado con otras estéticas), encarcelada, aprisionada tras los barrotes de lo negro y lo beis. Y no sé tú, pero yo no me llevo bien con las restricciones de libertad.

El deseo de evolución y de celebrarme se exacerbó a finales de 2024, uno de los peores años de mi vida. Tenía que alejarme mentalmente de la realidad que me había tocado y también abrazarme a mí misma y recordarme un par, o muchas, cosas buenas. En 2025, el camino estaba claro; 2026 va a seguir en la misma línea: reconectar con partes de mí que de los 25 a los 30 había olvidado porque creía que no me servían y que, sin embargo, están asentadas en mi hígado y trepando por el esternón como enredaderas que suben esperando la época de floración. Y una de esas partes es, como ya te puedes imaginar, el color.

Llegados a este punto, igual te estás haciendo la pregunta que me taladraba: ¿por qué demonios nos han hecho creer que vestir colores no es cool ni elegante? ¿Quién nos ha vendido la moto?

Pues mucha gente, amiga, mucha gente. Y no siempre del mundo de la moda, sino gente del mundo del arte y de la tecnología.

En busca de respuestas y tratando de ofrecérselas a otras mujeres que han pasado por situaciones similares (o que sencillamente le han cogido miedo a vestir con colores sin saber por qué) he terminado haciendo un vídeo llamado “El gran apagón cromático” que se publica el 26 de enero (mañana, hoy o ayer, según estés leyendo esto) en el Club DModa. Y a este le seguirá un vídeo la próxima semana con soluciones prácticas, porque en esta comunidad queremos entender, pero también resolver.

Me encantaría saber si tú te has sentido alguna vez así, si te has dado cuenta de que, como sociedad, nos estamos apagando (en moda, diseño de interiores, producto y arte) y cuál es tu relación con los colores.

Te leo 🫂

Los principales que he marcado para 2026 son, en realidad, continuación de los que marqué para 2025: seguir experimentando con el color y con las piezas maximalistas para usar estilismos teatrales sin que me tiemblen las rodillas. Han sido y son meses en los que necesito (sí, soy consciente del peso del verbo) celebrarme. Y quiero hacerlo a través de esas herramientas porque, qué quieres que te diga, un jersey negro sin forma no me transmite jolgorio o alegría.

El escollo que tengo que sortear es el de que mi armario acompañe: al construir los fundamentos en una época en la que quería fundirme para pertenecer, escasean las piezas de las que tengo hambre ahora. Sin embargo, y mientras el estómago se me va calmando a golpe de burdeos y accesorios potentes, los ejercicios de estilo son un salvavidas visual al que me puedo agarrar para ir de compras a mi propio armario y reconciliarme con piezas que pueden seguir funcionando a la perfección para mis objetivos: solo hay que incluirlas en las ideas adecuadas. Las que van a surgir de pasar algo de tiempo experimentando.

Para no ir a ciegas, he hecho un recopilatorio de 9 ejercicios de estilo que se publicará mañana en el Club DModa en un vídeo de 10 minutos y un PDF por escrito para que sirva de guía durante todo el año (y los siguientes, para qué nos vamos a engañar). Es una de esas lecciones que amamos en el Club porque mezclamos bienestar y moda práctica, autocuidado y narrativa personal y visual. Vaya, lo que necesitamos para empezar el año con buen pie.

Hace unos días, te compartí 3 que me parecen básicos para arrancar, pero como la lista ha aumentado, quiero dejarte un cuarto ejercicio (y uno de mis favoritos).

Vestir como la protagonista

Podrías pensar que me refiero a ese discurso online de ser la protagonista de tu vida en vez del personaje secundario, pero no. Al menos, no exactamente: esto es algo mucho más práctico y surge de una anécdota laboral.

Con unos tiernos 26 años, nula experiencia en el mundo de los eventos y un síndrome de la impostora que me agujereaba el costado a mordiscos, ir a press days y cenas de trabajo era una experiencia agridulce; generadora de ansiedad en muchos casos. En varias ocasiones, lo pasé francamente mal: me parecía que era la más tonta, la menos interesante y la peor vestida de la sala. Por sistema.

No sé cómo, un día terminé hablando de ello con una compañera a la que hoy tengo la tremenda suerte de poder llamar amiga. ¿El truco que me regaló? Pensar que en esas ocasiones yo no era yo, sino alguien que se desenvolvía bien en esas situaciones. Y para no complicar la historia demasiado y no caer en el “es que yo no puedo/es que no me sale”, recurrir a personajes de ficción era la mejor opción.

Dependerá de cada una, pero a mí aquello me resultó milagroso: pensar en una protagonista de ficción que encarnase los atributos que necesitaba para esos eventos me hizo ganar confianza tanto interna como externa. Sin saberlo, estaba poniendo en práctica el concepto de enclothed cognition del que tanto he hablado en el Club DModa; una idea que, además, está muy ligada a los arquetipos que también repasamos en un vídeo hace unos seis meses.

La clave de este ejercicio de estilo es que cuando tengas a tu protagonista o al arquetipo que necesitas encarnar, no te disfraces: o lo sientes lo más natural posible o no hay mucho que hacer porque no hay interpretación fiable que se sostenga indefinidamente en el tiempo (a no ser que seas actriz, claro). Entonces, ¿cómo se llega a ese equilibrio y se construye un alter ego estético que no es más que otra faceta de ti misma por explorar? Detectando elementos de estilo concretos y usando los que convengan.

Usemos el manido pero efectivo ejemplo de la ejecutiva agresiva, porque tienes una reunión con señores de traje un tanto complicados de gestionar y quieres sentirte y presentarte como más asertiva de lo que habitualmente haces. ¿Cómo te la imaginas? Probablemente, porque así lo tenemos configurado en el imaginario colectivo, le hayas plantado un traje de chaqueta, unos zapatos de tacón más o menos altos; barbilla alzada, hombros cuadrados (literal y figuradamente).

Si eres de natural tímido o retraído, no puedes plantarte el kit completo de este arquetipo porque te vas a hacer pequeña en el outfit y lo que necesitas es hincharte de orgullo y poder. Aquí, el helio que te hará flotar es elegir el elemento que más resuene contigo. Uno o dos, no te hacen falta más. En mi caso, solían ser las blazers o los pendientes XL. Y si resulta que ninguna de esas coordenadas van contigo, ¿por qué no fijarte en otros personajes que están reescribiendo ese arquetipo, como Sylvie de Emily in Paris? Aquí hay mucha más sensualidad implicada, pero es que quizás es eso lo que te están pidiendo las entrañas; hay mucho de estómago en saber si algo te funciona o no.

Por si te lo estás preguntando, ahora mismo ya no tengo que usar este ejercicio por necesidad cuando voy a eventos; ahora uso este ejercicio cuando tengo alguna ocasión más extraordinaria (tipo ponencia) o cuando, y esto es lo más importante, quiero divertirme. Y me resulta importante porque “diversión” es una palabra que por algún motivo se ha demonizado mucho en el discurso de moda y mira, ya está bien.

No sé si tú has usado en alguna ocasión uno o varios de estos cuatro ejercicios que te he compartido, pero recuerda que tienes otros cinco, con su explicación correspondiente, en el Club DModa a partir del día 12 de enero. Y los tienes para siempre junto con los otros 167 vídeos de nuestra biblioteca.

Te leo 🫂

Empecemos por estricto orden cronológico… inverso.

Dario Vitale abandona Versace después de ocho meses y una única colección para la firma

Es hasta doloroso. No quiero pillarme las manos diciendo que ha sido el director creativo que menos tiempo ha estado en una marca, pero probablemente estará cerca del récord en brevedad.

Nos hemos acostumbrado a que cuando una dirección creativa no cumple con los objetivos de ventas o de reputación, la empresa hace cambios rápidos y drásticos, cercenando toda oportunidad de adaptación y de desarrollo. Lo hemos visto en Blumarine, lo hemos visto en Gucci. Lo que no se esperaba es que Vitale no pudiese expandir su visión para Versace, ya que su desfile despertó opiniones encontradas entre el público y un aplauso unánime entre la prensa especializada. Pero con el dinero hemos topado.

Horas antes del anuncio de la salida de Vitale, se consumaba la compra de Versace por parte del grupo Prada, una operación gestada durante meses que ha finalizado con el desembolso de 1.250 millones de euros. Como dato que quizás te interese, Capri, anterior propietario de Versace, pagó en 2018 unos 2.100 millones de dólares.

Lo que resulta sorprendente son los movimientos de Vitale y del gigante italiano.

Al parecer, el diseñador napolitano abandonó la dirección de diseño del prêt-à-porter de Miu Miu después de años en el puesto, algo que, según plasma Modaes.es, no habría sentado bien en la compañía. Sin embargo, y según dejan caer en la publicación, Vitale ahora querría un futuro que no estuviese ligado a ellos, lo que explicaría que cuando el grupo Prada ha vuelto a cruzarse en su camino, ambas partes (hasta donde se sabe) hayan decidido separarse nuevamente.

Y así concluye un breve idilio en el que un futuro estético distinto se marchitó antes de florecer. Lo que vendrá, sigue siendo un misterio.

La generación Gucci y los arquetipos de Demna

Horas después del revuelo de Chanel, Gucci publicaba un lookbook bajo un título muy concreto: la Generación Gucci. Las imágenes, una sucesión de estilismos sorprendentemente neutros teniendo en cuenta el trabajo de Demna en los últimos cinco años. Lo que no es una sorpresa es que, por un lado, recuerden al trabajo de Tom Ford, y por otro, vuelva a recurrir a los arquetipos que tantas veces ha explorado.

La obsesión del diseñador por el vestido social está documentado en imágenes y palabras; sus diseños para Vetements ya recorrían el camino de señoras de bien, estudiantes, oficinistas y personajes que se asomaban en colecciones decididamente transgresoras, no tanto por diseño como por concepto e intención. Y si lo primero que mostró en Gucci mostraba a las claras que iba a retomar su tema favorito, lo segundo sigue la estela, solo que de un modo (un poco más) sutil.

Aquí los looks no tienen nombre propio, pero están enmarcados bajo la idea de grupo que tan bien le funcionó, entre otros, a Olivier Rousteing en Balmain: la llamada #BalmainArmy fue una revolución en redes sociales cuando los fandoms eran marginales y no motivo de orgullo. Y en medio del individualismo galopante que nos asfixia, el concepto de comunidad vuelve a resultar potente. También como motor de ventas, claro.

En la nueva generación Gucci hay sabor a pasado, porque como la propia firma ha dejado escrito, representa la búsqueda activa que Demna está haciendo por “el archivo y los códigos visuales de la casa, combinando diferentes generaciones de producto e imágenes en una narrativa estética”. Es decir, el famoso mirar el pasado para construir el futuro. La pregunta es si para aprender de él y no repetirlo sin análisis ni crítica: el “cualquier tiempo pasado fue mejor” entraña una serie de peligros culturales que trascienden la ropa. Pero si nos quedamos en el plano de las telas, el riesgo reside en repetir looks que perpetúen roles sociales obsoletos. Puede parecerte algo superficial, pero en la era de la performance, que no deja de ser otra manera de construir identidad, es de todo menos banal.

Otra lectura curiosa de este lookbook, dejando de lado los looks que podría haber llevado David Beckham en su época del Real Madrid, es lo que Leticia García llamó en su artículo sobre Chanel “lujo realista”. Y esto me lleva al último punto de esta carta.

Chanel, el respeto por los códigos y lo deseable

La periodista, inteligentísima, apuntaba a dejar de diseñar o bien lujo silencioso o bien lujo ruidoso y quedarnos, sencillamente, con lujo realista, ese que está destinado a ser usado de verdad. Yo añado que lo realista no tenga que ser, por favor, ni aburrido ni previsible, porque si no volvemos a caer en la falacia de que hay una única realidad y una única manera de plasmarla.

Esta cuestión, junto a las presentaciones y los conceptos tras ellas, me llevaron a pensar, una vez más, en que por mucho que lo intentemos, no tenemos ni idea de cómo visten de verdad las personas que compran esa ropa. O las que las marcas quieren que compren, claro. Es difícil hablar en singular cuando probablemente en la élite haya la misma fragmentación visual que en la clase media, porque aunque en círculos distintos, los estímulos globales son los que son. Alguien que gana cientos de miles o millones al año y que compra en Chanel o en Gucci no viste de un modo radicalmente distinto a quien coge el metro todos los días para ir a la oficina, y ahí es donde está uno de los puntos de interés tanto de la investigación de Demna como de la de Blazy para Chanel, o de la de Miuccia para Miu Miu o de la que le tocará realizar a quien tome el control de Versace.

Precisamente el metro ha sido el (un poco polémico) lugar que ha escogido Chanel para mostrar la colección Mètiers d’Art 2026. No creo que haya intención irónica, pero el contraste es llamativo: la excelencia artesana sobre el epítome de lo mundano. “Es que la clienta de Chanel no va en el metro”. Bueno, igual la que tú te imaginas no, pero la que ha ahorrado lo indecible para un accesorio, o ha juntado a toda su familia para un regalo especial; o la que lleva desde hace años uno de los perfumes o sale corriendo a comprar la nueva paleta de ojos como excepción navideña, sí. Y a dirigirse a ellas es hacer un alegato realista y pretendidamente cercano que en manos de Blazy, lejos de infantilizar al espectador, lo estimula.

Aunque la sensación de inspiración es subjetiva puesto que cada uno tiene sus propios puntos sensibles, no se puede dudar de que lo que está haciendo Blazy en Chanel impacta en tanto que es un cambio de intensidad; solo por eso, la indiferencia es casi imposible. Si los sentimientos que se despiertan van más hacia el aplauso o hacia el desdén dependerá de si se vibra con la visión estética del diseñador (que no la de Bottega, la del diseñador; no es lo mismo), con el uso del color y con una mezcolanza de referencias que parece decir que en Chanel tienen cabida tanto la estudiante de universidad como la viuda del barrio de lujo de la ciudad, pasando por la turista (menospreciada en innumerables ocasiones por sus decisiones estéticas y, sin embargo, protagonista indiscutible de los dividendos positivos para cualquier conglomerado de lujo) y por las intelectuales. No todas pueden comprar Chanel, pero Chanel sí puede inspirar a todas: los looks más simples son el ejemplo perfecto no solo de ese lujo realista, sino de tendencias de uso que hace que las fans de las pasarelas vuelvan a tener a Chanel como una de sus firmas favoritas… y querer ser una mujer Chanel.

Querer pertenecer es uno de los conceptos más utilizados por las marcas: de necesidad antropológica que garantiza la supervivencia a catalizador de ventas. Si estás en ese grupo, no solo vas a estar a salvo, sino realizada; tus deseos satisfechos. Y ese anhelo es lo que construye iconos personales y empresariales: no quieres vestir de Chanel solo por vestir de Chanel, sino porque quieres ser una mujer Chanel y encarnar esos atributos que la sociedad le ha concedido poco a poco y que, quieras o no, viven en tu cabeza.

En estas líneas hay unas cuantas ideas que, puestas negro sobre blanco, quiero seguir explorando en el Club DModa. Así que si quieres saber más, ya sabes dónde tienes que ir (y recuerda que tienes un 10% de descuento).

Te leo 🫂

Vamos al lío.

Vestir bien es un constructo social volátil orquestado por una élite, y las interpretaciones pueden cambiar de grupo en grupo

Esto ya lo tenía en mente desde hacía tiempo, pero tras el último vídeo del Club sobre el gusto (creo que ahí solté todo lo que tenía que soltar) y las propuestas del coach, certeras, lo he reconfirmado. Y es algo que hay que tener muy en mente para no caer en la trampa de creer que hay una única manera de vestir bien, que lo hortera tiene que ver con cuestiones estéticas formales (no, no se determina por patrones o colores) o que el cashmere es la panacea. Y ahora que vienen las fiestas y los encuentros (cuando no encontronazos) con personas con las que no convivimos diariamente se multiplican, no está de más colocar la idea en la sala central de nuestro palacio mental. Tanto para no juzgar a tu tía Concha como para ignorar (o contestar, si te va la marcha) a tu tío Jose Manuel cuando intente hacerse el gracioso con tu look, con el de tu primo o con el de la presentadora de turno.

Vestir bien va de tener tiempo

Ni armarios infinitos, ni tejidos o colores concretos. Va de tiempo. Es ese recurso el que te va a dar espacio para reflexionar, ejercicio que te llevará (idealmente) a la coherencia, que es una de las claves de las personas que suelen ser admiradas por su manera de vestir. Solo con tiempo puedes plantarte frente al armario después de haber dado con tus palabras de estilo o, si lo prefieres, con las emociones que quieres transmitir, para ponerte a construir estilismos nuevos. Es con pausa con lo que puedes ponerte a combinar prendas que ya tienes de forma diferente. Sin ello, el atropello, la repetición vacía y automática y la desidia ganan la partida.

Puede que este sea el principal reto con el que la mayoría nos encontramos: o bien estamos en modo supervivencia porque hay que pagar las facturas y llenar el frigorífico como buenamente se pueda, o bien hemos entrado ahí por cuestiones de salud mental, tanto por vicisitudes de la vida como por trabajos extenuantes que nos dejan unas escasas tres horas diarias de vida fuera de lo laboral.

Vestir bien es una cuestión de práctica

Al contrario de lo que unos cuantos quieren hacer creer al mundo, el llamado buen gusto no es algo que vaya en el código genético, sino algo aprendido que puede entrenarse. Saltárselo y construir tu propio lenguaje, también.

Vestir bien no es quitarte cosas de encima antes de salir de casa

Que sí, que tú también has escuchado esa frase hasta la saciedad y te la has creído. A veces puede funcionar, pero no es infalible (¿qué lo es en esta vida?) y en ocasiones lo que necesitas es precisamente lo contrario: sumar. Sumar una capa, una joya, un accesorio grandilocuente, un labial contundente que subraye tus palabras.

Vestir bien es mirar con mimo tu armario y tu reflejo

De nada sirve que tengas el look completo de la nueva colección de turno si no sientes un mínimo de aceptación y ternura por ti misma. Fíjate que no hablo de quererte, porque no todas podemos hacerlo en todos los momentos de nuestra vida, sino de dejar que la corriente de simpatía que experimentas por otras personas te lleve hasta ti.

Diría que siento haberte decepcionado si estabas buscando una lista de consejos de estilismo (eso lo haremos otra semana), pero en el fondo te estaría mintiendo: estos cinco puntos me parecen más importantes que recomendarte cualquier broche o combinación de superposiciones. Son los fundamentos, la base sobre la que poder colocar esos gestos tan codiciados y a veces esquivos. Y ahora que lo pienso, de los que también hablamos hace un par de semanas en el Club.

Por cierto, ahora que he abordado este tema y que viene el Black Friday, tengo dos cosas para ti:

-Un pequeño test para que veas qué vídeos del Club son los que mejor te pueden ir y con los que vas a hacer compras verdaderamente inteligentes.

-Un código para que tu suscripción tenga un 25% de descuento tanto en la opción mensual como en la opción semestral: BLACKFRIDAY25. Sí, se nos ha ido la cabeza, así que ojo, que solo será válido hasta el lunes 1 de diciembre. Y por supuesto, si tienes cualquier duda con los enlaces o similar, no tienes más que escribirnos.

Cierro esta carta/reflexión con un comentario frívolo: qué ganas tengo de diciembre y sus looks. Hemos vuelto a planear un calendario de adviento en redes, los vídeos del Club van a estar centrados en cuestiones muy prácticas para que vestir en diciembre (te guste o no la Navidad) sea tremendamente fácil y estoy dándole vueltas a las newsletters, así que si tienes cualquier sugerencia o petición, soy toda oídos.

Te leo 🫂

Este no es un texto dedicado a explorar el significado de Berghain, el adelanto de Lux que ha revolucionado Internet y que, en una lectura positiva, ha recordado a muchas personas que el arte sigue siendo relevante; que en la era de lo efímero hay espacio para la reflexión y la disertación. No lo es porque, como te puedes imaginar, ya hay suficientes temas explorando la labor de estilismo y la preferencia por Alexander McQueen, la recreación de Blancanieves o incluso buscando relicarios que se parezcan al del vídeo (por si no lo has visto, este de Alhaja, una de nuestras marcas favoritas, te puede quitar el antojazo).

Este texto es para hablar de cómo hemos pasado de la Motomami a la neopurista.

Si dentro de milenios alguien se encontrase con imágenes de Rosalía, quizás le costaría darse cuenta de que son la misma persona: el rostro no cambia, pero el aderezo alrededor es radicalmente diferente. Lo es incluso cuando pasamos del Malquerer a Motomami, a pesar de que había elementos compartidos. Pero ¿cómo podemos hablar de coherencia cuando pasamos del chándal, los aros, las uñas infinitas, el cuero y los cascos a vestidos blancos, telas ligeras y envolventes y colecciones vintage delicadas? ¿Tienen algo que ver el mono de piel rojo con el vestido de Balenciaga de Ghesquière? No, claro que no. Y sin embargo, son parte de lo mismo.

La evolución estética de Rosalía resulta coherente porque acompañan cambios vitales y/o artísticos, dejando ver por fuera lo que sucede por dentro. Es igual que cuando hay un cambio en la dirección creativa de una firma de moda: si el “borrón y cuenta nueva” se ejecuta como es debido, puede apreciarse un hilo conductor que tiene que ver con la esencia, con el origen. El de la catalana tiene que ver con los símbolos, con la historia, con algo de surrealismo y con las alegorías pero como te decía, ese análisis se lo dejo a otros.

Menos sacro y más prosaico es el cambio de Victoria Beckham. Me bebí el documental en una noche y aunque previsible, sobre todo si conoces la narrativa de la Spice pija y ya habías visto los episodios de David, me supo como si en el fondo de la copa se escondiesen algunas burbujas. El recordatorio de que todas pasamos por distintas etapas y todas merecen su espacio en nuestra historia.

No voy a caer en que el “persigue tus sueños” de Victoria es inspirador porque viene del privilegio más absoluto: cualquier otra persona habría cerrado el negocio porque no habría podido sostenerlo económicamente viendo las pérdidas que generaba. Lo que sí me parece inspirador son las ganas de intentarlo. En general, en cualquier ámbito; también en el estético. Y me resonó mucho esa sensación de sentirse fuera de lugar, el fuego en el esternón al sentir que no te toman en serio y que vas a demostrar que se equivocan. El deseo que te lleva a tomar acciones dentro y fuera de tu armario.

Me resultó también muy llamativo cómo Victoria caía en patrones en los que es (creo) más o menos fácil reconocerse: usar la moda para dar motivos para hablar cuando ya estabas siendo criticada (un “pues aquí tenéis doble ración” de libro), parapetarse tras la ropa para fingir seguridad; utilizar estilismos para enmarcarse en distintos grupos, para posicionarse. Incluso las privilegiadas parecen tener que hacerlo cuando tienen que recolocarse en el imaginario colectivo, o al menos, actualizarse.

Creo que ese es el término que mejor encajaría con la trayectoria de Beckham y, en parte, con la de Rosalía: actualizarse. Ninguna de esas mujeres ha dejado de ser quienes eran, sino que se han actualizado. Como en toda actualización, hay partes que han tenido que quedarse atrás para dejar espacio a la novedad, a nuevas funciones que gustarán más o menos, pero que son las que hay ahora. Y eso es justo lo que pasa con el estilo personal.

De adolescente me molestaba el “nunca cambies” que algunos compañeros te podían decir como un cumplido. Aunque entendía la intención, la inmovilidad me parecía una falacia y al mismo tiempo, un escenario terrorífico: si no cambiaba significaba que no crecía, que no maduraba, que no vivía. Por eso nunca me he sentido cómoda con las etiquetas escritas en piedra y por eso en el Club DModa siempre he abogado por la flexibilidad, por repensar los términos absolutos con los que se habla en muchas (demasiadas) ocasiones de la estética.

No, no hay un estilo mejor que otro. No, la elegancia no es lo único a lo que aspirar visualmente. No, no hay por qué comunicar poder a toda costa. No, el buen y el mal gusto no son cosas estancas. No, tu cuerpo no dictamina lo que puedes o no ponerte. No, un buen look no depende de vestirte según tu morfología o tu colorimetría, hay muchas otras cosas en juego.

No, no tienes que sentirte mal si sientes que has cambiado pero que no sabes cómo vestirte ahora.

Ya sabes que todo esto lo abordo en el Club en general, pero pensando en esas personas que necesitan con urgencia tomar acción para salir de esos pozos demasiado profundos, he creado un mini curso dentro del Club: “Encuentra tu estilo y crea looks perfectos (para ti)”.

En él he recopilado todo el contenido de estos años orientado a aprender a definir a tu estilo y a vestirte como deseas, repasando conceptos teóricos que tienes que conocer para luego pasar a la práctica. Abordamos tanto psicología del color como herramientas prácticas para combinarlos; distinguimos armario cápsula y fondo de armario y vemos cómo construir uno y otro; cómo las siluetas de la ropa comunican distintos mensajes y muchísimo más. Y todo sin los límites que tradicionalmente te han intentado vender.

Las prohibiciones y las restricciones que hay al hablar del estilo me chirrían tanto como lo inamovible. Dime tú qué habría sido de Rosalía o de Victoria Beckham si nunca hubiesen cambiado o si la elegancia fuese la única constante en sus expresiones estéticas.

Te leo y espero verte dentro del Club 🫂

No puedo estar más de acuerdo. Y sé que vendrán puristas del protocolo a decirme que me equivoco, porque claro que se puede estar sobrevestida en tanto que te sales de lo adecuado según la situación, y que hay que adaptarse a los contextos porque ahí es donde está el buen gusto (uf, cómo me chirría cada vez más esa expresión y cómo de a gusto me voy a quedar con el vídeo que publicaré próximamente en el Club DModa al respecto). Ojo, no es que no los entienda; creo que adaptarnos a los entornos en los que nos vamos a mover (estética, psicológica y socialmente) es una estrategia no solo inteligente, sino inevitable en tanto que sistema de protección. Pero hay una fina línea que separa el adaptarse del esconderse.

A lo largo de mi vida personal y profesional, me he encontrado a muchísimas personas que la atraviesan inconscientemente sintiéndose fatal en el proceso (porque evidentemente si te sientes bien haciéndolo, palante). Porque lo que intentan es fundirse y no llamar la atención. Sus motivos tendrán. Pero que la mala sangre con respecto a quien no se pliega a esos estándares salga de la ecuación, por favor.

Esto es personal: creo que no recuerdo una sola etapa vital en la que no me hayan criticado más o menos directamente por mis elecciones estéticas. En concreto por vestirme demasiado. Y sí, lo han hecho también personas de mi familia que me quieren, y no por mi bien, sino porque esos outfits se salían de su configuración, de cómo ellos creían que tenía que vestir alguien como yo. Fíjate lo que actúa aquí: cómo creen los otros que debes verte, no en lo que tú opines.

Recuerdo una minifalda rosa bebé de tablas que me chiflaba cuando tenía 13 o 14 años que me gustaba ponerme con casi todo, pero especialmente con unas botas camel que eran mis favoritas (eran los 2000 y la época bling-bling, hemos estado ahí). Dejé de ponerme las dos cosas con dolor cuando alguien de mi familia, referente para mí, me criticó con maldad por usarlas aludiendo, entre líneas, a que eran de mal gusto, vulgares. Pero no te creas que las prendas formales me salvaban: con 17 o 18, cuando casi nadie llevaba todavía blazers con vaqueros, tuve lo que parece ser osadía al llevar esa combinación una noche de fiesta. Me pasé unas dos o tres horas soportando burlas de mis supuestos amigos por haberme puesto una chaqueta porque a dónde iba yo con eso, ni que fuese a una boda. Y aunque no tan directamente, algo similar pasó con la falda de tul que escogí para mi graduación en la facultad, y con otras tantas prendas que han pasado por mi armario y por mi cuerpo.

Más allá de la reflexión de los contextos, que daría para otra newsletter diferente (si te interesa, dímelo y me pongo a ello), lo que quiero resaltar es el hecho de que, como tantas otras personas a lo largo de la historia, me vi apagándome para no molestar y, en última instancia, para protegerme social y psicológicamente. Solo que el efecto a largo plazo era algo que no podía prever: perder mi voz. Mi Úrsula interior fue muy hábil con las negociaciones y no tardó mucho en convencerme.

Tanto fuera de los círculos de la moda como dentro, los códigos que se me presentaban de manera constante como adecuados, aun con matices, eran los de rebajar. No en vano la cita atribuida a Coco Chanel de quitarte algo antes de salir por la puerta se repite como un mantra hasta en las casas donde la doble C se conoce solo de oídas. Pero ¿qué pasa si lo que quiero es ponerme algo?

Aunque ha habido momentos en los que el “menos es más” podía tener su sentido social y estético, en ocasiones se me antoja como un tirano de la peor calaña: de los esnobs. De los narcisistas que miran por encima del hombro y te perdonan la vida porque, pobrecita, no entiendes nada y por eso quieres vestir con colores en vez de con un look monocolor en negro impoluto. Como si no hubiese espacio para las dos cosas en un armario, como si siempre tuviésemos que transmitir el mismo mensaje o sentirnos exactamente igual día tras día. Como si los ciclos no existiesen y el hedonismo visual fuese solo una quimera.

Más allá de los mensajes concretos que necesite comunicar en diferentes momentos, los derroteros de mi profesión me llevaron a averiguar que esa intuición que me decía que tenía que practicar el overdressing porque me salía de forma natural era una buena idea. Y por si tú necesitas leerlo, aquí tienes algunos datos que te pueden ayudar:

• La universidad de Warwick realizó una investigación en 2015 que determinó que somos un 12% más productivos cuando somos más felices, y que en ello influye llevar ropa que te haga sentir bien y alineada con tu mensaje.

• Independent publicó una encuesta global en 2019 que determinaba que más de dos tercios de los británicos veían cómo la ropa influía en su estado de ánimo, que al 40% la ropa podía hacerles sentir seguros y confiados y que el 35% aseguraba que su día les había ido mejor de lo previsto por su ropa.

• Kumar en The Journal of Experimental Psychlogy sostuvo que más del 96% había experimentado un cambio en su estado emocional al cambiar su estilo de vestir”.

• Forbes-Bell repasa en su libro Big Dress Energy un estudio realizado en 2010 que demostraba que “cuando usamos nuestras prendas favoritas, nos ayudan a controlar nuestras emociones, fomentan un sentido de unión e incluso nos hacen sentir más extrovertidos”.

• La psicóloga de la moda Dawnn Karen (conocida como “La doctora de la moda” por The New York Times y “la primera psicóloga de la moda del mundo” por The Times), explica en su libro Dress Your Best Life (2020) que los colores brillantes, los estampados llamativos y las texturas suaves pueden tener un efecto estimulante en el bienestar, sobre todo cuando se sienten niveles elevados de ansiedad o estrés.

Hay muchos matices que aplicar aquí, desde luego, pero si resulta que tu prenda favorita es una camisa estampada o unas botas de tacón o un vestido ajustado o un traje de chaqueta con flores, que no te hagan sentir mal por ello.

Ponte esa chaqueta oversized para recoger a los niños del colegio. Ponte ese top transparente para salir a cenar con tu pareja aunque sea al bar de la esquina. Ponte la gorra con los pendientes XL para pasear un domingo. Ponte las gafas de sol de colores. Ponte los pantalones de rayas para salir a comprar el pan. Ponte, en definitiva, lo que te pidan las entrañas aunque no tengas un evento como excusa; no solo porque puede que un día no tengas ni plan ni salud para ello de manera literal, sino porque ni tu bolsillo, ni tu ojo, ni tu mente se merecen estar esperando un momento ficticio dibujado por el miedo. Se merecen anclarse en el presente y encontrar consuelo en el día a día, en una cotidianeidad que puede ser extraordinaria.

Si quieres, hablamos 🫂

No está siendo la primera vez, ni será la última, que atraviese una etapa de cambio vital que se ve reflejada en un cambio estético. Pero lo que sí es más extraño, aunque no novedoso en mi historia, es que ese crucero me deje tan mareada que me pierda ante el armario y me cuente a mí misma que no sé qué ponerme. Y no es que no lo sepa: es que en el fondo no tengo demasiadas ganas de vestirme como siempre porque ese mal de tierra me hace cuestionarme que para qué. Para qué, si no voy a salir de casa. Para qué, si voy a terminar manchada y con el pecho fuera, deshecha. Para qué, si no voy a terminar de verme demasiado bien con nada, si tengo toda mi ropa muy vista, si mi cuerpo ha cambiado, si me va a ver la(s) persona(s) de siempre; para qué, si…

Imagino que ves el problema tan claro como yo al escribirlo.

Lo bueno es que de 21 días postparto (porque esta es mi realidad ahora), esto solo lo he sentido un solo día en el que no dormí más que una hora en total. Del resto, me he librado. Y no por arte de magia, aunque hay que reconocer que aquí mi tendencia natural al overdressing ayuda tanto como la buena recuperación física que estoy teniendo. No, lo que de verdad creo que me ha ayudado a sortear los “y si” tan comunes en las sobrepensadoras y en quienes atraviesan un momento de cambio es plantearme pequeños retos estéticos que me mantengan el ojo vivo.

Quizás estés pensando que lo último que necesitarías tú en un momento así, o en el que te estés encontrando, es añadir presión extra. Y si esto lo entiendes como una presión, por supuesto que te voy a decir que lo olvides. Tratarse bien es prioritario, y por eso ponerme retos de estilo me funciona: porque forma parte de mi autocuidado.

Vestirme como quiero es un acto de resistencia frente a la desidia y el malestar. Es un recordatorio visual de (parte de) quién soy; de quién era y de quién puedo llegar a ser. Y como es normal no tenerlo siempre claro, las pequeñas victorias que suponen el tachar la tarea del coach de estilo de DModapp son una brújula que me ayuda a no perderme. Ni en el pozo que muchas veces creamos sin darnos cuenta ni en narrativas ajenas, que ya sabemos que las comparaciones las carga el diablo.

Tener el coach en la aplicación (a la que solo se puede tener acceso si se está en el Club DModa) es una fantasía: hace que todo el proceso sea muchísimo más fácil. Porque además, siendo sinceras, ¿de verdad que con la cabeza embotada tú te ibas a poner a pensar en retos que sean verdaderamente retos y no palmaditas en la espalda que no te lleven a ningún sitio? Porque yo no, ya te lo digo.

En estos 21 días (¿no eran los que se tarda en instaurar un hábito?) he podido terminar el reto de los looks maximalistas que me había planteado consiguiendo:

• Volver a mezclar estampados.

• Probar una tendencia de temporada que se me resistía.

• Experimentar con una silueta de pantalón que he descubierto que me encanta.

• Tener 15 looks completamente nuevos con ropa que ya tenía en mi armario.

• Recordarme que me tiene que dar igual el miedo a verme “demasiado”. Demasiado es el tiempo que pasé coartándome por ello.

Con este finalizado, voy a arrancar con el siguiente: crear looks cómodos y en tendencia que me ayuden a averiguar mis nuevas palabras de estilo. A la hora de darle los detalles para que haga el reto a la perfección, le podré dar la información de la sección del Club “la moda práctica y profunda”: me va a venir bien repasar los conceptos para poder actualizar esos sustantivos y adjetivos que actúan como mapa de coordenadas de armarios y looks. Porque por si te lo preguntabas, no tienes que quedarte con las mismas palabras toda la vida: esto va de evolución. Hasta la mismísima Alison Bornstein lo asume.

La primera tarea que me ha planteado el coach de estilo ya la he cumplido: revisar el armario actual y elegir entre cinco y siete piezas comodín que se adapten a los requisitos de comodidad y versatilidad y que me generen una gran sensación de bienestar tanto en casa como en la calle. De hecho, empecé mi cápsula de temporada con ellas y a partir de ahí fui sumando. Confesión: me encanta tener la opción de organizar el armario por cápsulas para crear looks solo con las prendas que quiero/necesito en ese momento y que no se cuele ninguna otra, especialmente en el modo de creación automática de looks (basados en mis preferencias y mis retos activos).

No pretendo tener las respuestas de un día para otro, y eso que el vídeo que sale el 13 de octubre (pongo esa fecha porque no sé cuándo me estarás leyendo) me ha ayudado a clarificar unas cuantas ideas. Creo que por eso tener espacios más o menos pequeños delante de la aplicación y del espejo es algo saludable: es un rato en el que no le rindo cuentas a nadie más que a mí misma, y he aprendido a hacerlo desde el cariño. Y no, no siempre ha sido así ni significa que resulte sencillo; hay días en los que la ternura no es algo que pueda conseguir y en ese caso, mejor dejar pasar la cita. Pero presentarme cada cierto tiempo me llena de compasión y de energía a partes iguales. De entusiasmo. Y la vida con (al menos una pizca de) entusiasmo se lleva bastante mejor.

Si quieres, nos leemos por aquí o por mail. Y por supuesto, espero verte dentro del Club, porque eso sí que te hace la vida estética más fácil e interesante.

Un abrazo enorme 🫂

Para mí, y mal que me pese porque significa que no le he ganado la partida a la impaciencia, mi curso no comenzará hasta que dé a luz. Qué le voy a hacer. Bueno, sí sé qué remedio puedo ir poniendo: el empezar a darme espacios que me sepan a canela y a nuevo para amenizar la espera y no dejar mi vida en pausa hasta que la naturaleza decida actuar.

¿Va a ser un reset diferente a otros años? Sin duda; básicamente porque las circunstancias son las que son (que sí, que el límite es el cielo pero las leyes físicas están ahí, queramos o no: ni voy a volar ni mis pantalones de talle alto me van a entrar como por arte de magia). Pero voy a pensar que esto me da la opción de una mirada más elástica.

1. Guardar las cosas de puro verano que ya no voy a usar más. Digo puro verano porque en Madrid sigue haciendo calor, pero si no voy a usar más ni los bikinis ni los pareos, no tiene sentido que estén ocupando sitio en el cajón. Creo que también me toca despedirme del top de croché que más uso para ir a la playa.

2. Reflexionar sobre cómo me quiero sentir con mi ropa los próximos meses. Aquí hay un cambio importante con respecto a la pregunta que suelo hacerme: ¿qué mensaje quiero transmitir? Lo hay porque aunque en el fondo me vaya a llevar a (casi) lo mismo, sé que en las circunstancias de postparto en las que espero encontrarme más pronto que tarde, la pregunta sobre las emociones me va a funcionar mejor; me resulta más amable. Y, además, va a ser más fácil encajarla con alguno de los arquetipos que ya vimos en el Club DModa. Así que me toca darme espacio en Notion para reflexionar sobre ello y sobre qué papeles (visuales) quiero jugar estos próximos meses.

3. Buscar las tendencias que me ayuden a ello. Es un paso que me sale de manera natural, pero tú ya tienes la investigación hecha en el Club DModa; especiales en PDF con el resumen incluido. Una joyita.

   

4. Hacer un moodboard con la información anterior. Una vez tenga claro cuáles son las emociones y los arquetipos que quiero encarnar esta temporada y las tendencias que me van a ayudar a ello, me gusta hacerme un collage con imágenes para divertirme e inspirarme. A veces sale uno, a veces salen varios; me dejo llevar. Lo que siempre hago es incluir alguna foto de mí misma que encaje con la temática: así es más sencillo visualizarme y me recuerda que puedo conseguirlo.

5. Terminar el reto de estilo que tengo pendiente en DModapp y empezar uno nuevo. Ya te lo comenté: con el calor y la barriga, ha sido casi imposible vestirse. Pero ahora que las temperaturas son más sorportables, tengo muchas ganas de terminar el reto del coach de estilo de nuestra app; me sigue pareciendo un bombazo tener a un coach de imagen en el bolsillo 24/7 y sé que a las mujeres de la comunidad del Club DModa que lo han probado (porque está solo disponible para ellas), también. Me quedan pocas tareas de mi reto sobre maximalismo, y el siguiente está bastante claro (aunque tenga que terminar de perfilarlo cuando haga todo lo anterior): conseguir looks cómodos para casa que sean interesantes y compatibles con la crianza y la lactancia. Ahí es nada.

6. Hacer mi armario cápsula de tendencias de temporada. Es una costumbre que adquirí hace un año y que me ha hecho la vida mucho más fácil (como distinguir entre fondo de armario y armario cápsula y saber cómo manejar los dos conceptos; cosa que también expliqué con detalle en el Club). Lo haré en las cápsulas de DModapp, por supuesto, pero tampoco descarto el buscar un pequeño hueco físico en mi armario. Lo que sí tengo 100% claro es que en la cápsula de este año, lo primero que entra son unas botas que estoy deseando estrenar y sobre las que hablaré en el vídeo del lunes 8.

   

7. Buscar looks de transición. Vale que nunca he sido una grandísima fan de la moda de verano, pero a estas alturas ya estoy bastante cansada de todos los looks puramente estivales: el ojo me pide cambio con más intensidad que el cerebro café. Así que quiero empezar a integrar ya mismo las novedades visuales que vaya pudiendo y así crear looks puente que, sin renunciar a la practicidad, me sepan a nuevo.

8. Personalizar prendas que tengo abandonadas. Cuando digo abandonadas, es abandonadas de verdad. Pero como ya te confesé la verdad incómoda de mi armario en Stories (¿deberíamos hacerlo una sección fija?) he pensado que la customización sencilla puede ser una buena solución. Voy a empezar por una blazer cropped ajustada que solo me he puesto este año una vez para ir a una boda y un puñado de charms y cuentas de colores, a ver qué sale.

9. Hacerme (de nuevo) una manicura más otoñal. Sé que o eres de manicura o no, pero yo que amo mi buen rato de hacerla sola en casa y llevo sin ellas un mes y pico (porque sí, te siguen recomendando que no lleves las uñas hechas al hospital y una es previsora), estoy que me subo por las paredes. Además, me parece una excusa estupenda para volver a meter un toque tendencia, probablemente a través de los colores.

¿Que si estoy sufriendo porque la lista tiene nueve puntos en vez de diez? Evidentemente. Pero hay bastante con esto: las citas con una misma y las evaluaciones hay que hacerlas desde el disfrute, no desde la angustia. Para eso, ya tuvimos (tuve) el instituto y la universidad.

No sé si tú tienes algún protocolo/ritual/costumbre enfocada a los nuevos inicios visuales y estéticos, pero si es así, me encantará conocerlo 🫂

Con el Club DModa y su relanzamiento me pasa lo mismo.

“No te enamores de tus ideas” es otro de esos clichés que escuchas en el mundo del emprendimiento (¿soy la única a la que le chirría esa palabra más que una tiza patinando sobre la pizarra?). Uno que tiene mucho de verdad para evitar sufrimientos. Uno que me salto todos los días porque 1) me encanta lo que hacemos 2) creo que de verdad pone la vida más fácil (en el plano estético y personal) a los demás.

No siempre he sido consciente de ello; como en cualquier relación, hay altos y bajos. Es una carrera de fondo. Pero hace poco he vuelto a reconectar con una de las constantes de mi vida (¿estaré ante mi objetivo vital, ese propósito que te dicen que garantiza la plenitud?): contar historias desde la pasión para que otras personas se emocionen con ellas tanto como yo. Y quizás, solo quizás, les hagan un poco más felices, aunque sea durante unos minutos antes de volver a meter las manos en el fregadero de la rutina.

Pero esas historias tienen que entenderse. Igual que los looks que vemos en la alfombra roja: por muy buena investigación y narrativa que tengan detrás, si el objetivo es que sea comprensible por parte de la mayoría, tiene que serlo a simple vista. Si no, algo ha fallado en el camino.

Espero que las redes sociales, la digitalización y todos los avances de la última década (quedándome corta) hayan cambiado la manera de enseñar Periodismo en las facultades, pero tanto en la Universidad como en las prácticas se da un fenómeno curioso: te pones a escribir para que tus mentores te aplaudan en vez de que para que el público te entienda. Porque eres joven y buscas aprobación en forma de nota, carta de recomendación o contrato (de freelance, no nos flipemos). Porque necesitas encajar en el sistema y si para eso hay que caerle bien a los jefes, por supuesto que vas a adquirir sus modos: es lo que probablemente te pague las facturas. Lo que te desconecte de buena parte del público al que se supone que te diriges, también.

Y cansa.

En una de esas revelaciones que te da la desesperación del domingo por la tarde y la ansiedad enredada en el pecho porque no quieres que llegue la hora de volver a la oficina, me di cuenta de que estaba harta de hacer las cosas como me habían dicho que había que hacerlas. Llevaba años apagando mi voz, tratando de defenderla sin demasiado éxito porque ¿quién puede permitirse construir una atalaya teniendo que apagar fuegos cada cinco minutos? ¿Quién puede permitirse ser creativo y conectar con los lectores (o con quien quieras conectar) cuando desde los despachos te atosigan para producir temas virales como si fuesen churros y como si conocieses la fórmula mágica?

No era esto con lo que soñaba de adolescente, aunque en su momento creía que sí. No era esto a lo que me había apuntado. Quería contar historias desde la honestidad y la sencillez, desde la complicidad y la pasión; a veces desde la ligereza y otras desde la intensidad, porque son las dos caras de la misma moneda.

Investigar, desmenuzar, construir, enseñar, traducir.

Lo bonito es que en este camino me he encontrado con muchas personas que desean lo mismo.

De ahí nace el Club DModa. De ahí nace su nuevo diseño. De mi objetivo vital, pero también de vuestras necesidades, de vuestros anhelos. De lo que a veces os da miedo admitir en público y confesáis en privado para aligerar vuestra carga. La mochila compartida pesa menos.

Es increíble que en solo dos años (porque sí, solo llevamos dos años funcionando) hayamos hecho tanto. No son solo los más de 140 vídeos, sino los ratos de charla, los aprendizajes compartidos, las recomendaciones, las anécdotas, los abrazos virtuales. El entendimiento, la comprensión, el cariño; el saber que estamos en un espacio seguro para explorarnos (iba a decir estéticamente, pero las que estamos, sabemos que va más allá) sin juzgarnos. Aceptando que somos cíclicas, complejas, con derecho al cambio. Que contenemos multitudes y todas ellas merecen ser escuchadas y comprendidas. Que un día puedes ir con un look deportivo y al siguiente con uno formal y sigues siendo tú, porque se te entiende.

Hablando de ello, una de las principales novedades es que si tú ya formas parte del Club e invitas a una amiga a que se una, a las dos se os regala 5€ para la próxima factura, así que si invitas a dos amigas y se registran, a ti la próxima mensualidad te sale gratis. Y si resulta que no estás en el Club pero quieres unirte por menos, deja por aquí un comentario o avísanos y creamos una cadena de contacto para que os podáis pasar las invitaciones ❤️

Pero hay más: como hicimos el año pasado, para celebrar este aniversario, tienes un 25% de descuento en tu primera suscripción. Tal cual. El mayor descuento que hacemos en todo el año, ni en Black Friday, ni en Navidad ni en nada. Ahora, con el nuevo curso. Que además este venga con un bebé (humano) que nacerá dentro de poco lo hace todavía más especial.

¿Que todavía dudas? Pues te ves los cinco vídeos gratis que tenemos para ti de regalo y así ves lo que el Club puede aportarte, aunque ya te digo que esto se queda corto. Porque es más, mucho más.

Es ganas de aprender. Ganas de transformarse. La pulsión incómoda en tus entrañas que te dice que ya no puedes seguir así, porque no te lo mereces. Que te mereces verte y sentirte bien, aunque no tengas muy claro cuál es el camino que tienes que seguir.

Aquí tienes un mapa.

Estoy aquí para resolver cualquier duda que tengas y para escucharte.

Un abrazo gigante 🫂