© image dossier de presse The Walt Disney Company France, Disney et ses sociétés affiliées. Tous droits réservés.

Cela faisait un petit moment que je n’avais pas écrit d’article car je me suis d’avantage concentré sur le Podcast ces derniers mois en publiant de nombreux épisodes.

Je reprends donc la plume pour vous proposer un nouvel article !

Je dois le dire, j’ai un peu de retard sur les séries Marvel et pour être honnête je m’en étais éloigné ces dernières années.

Le fait de replonger dans « Daredevil: Born Again saison 2 » m’a donné envie de me remettre à jour côté séries Marvel.

C’est comme ça que je suis tombé sur la série Wonder Man.

Une série lancée dans la discrétion sur Disney+ avec le sentiment qu’elle était complètement passée sous les radars…

Et pourtant en creusant j’ai noté que cette série a atteint le top des visionnages dans 69 pays après sa sortie ! Un paradoxe assez fascinant.

Le Pitch officiel

« L’acteur hollywoodien Simon Williams peine à faire décoller sa carrière. Lors d’une rencontre fortuite avec Trevor Slattery, un acteur dont les plus grands rôles semblent derrière lui, Simon découvre que le légendaire réalisateur Von Kovak est en train de refilmer un long-métrage de super-héros consacré à “Wonder Man”.

Deux acteurs à des moments opposés de leur vie vont alors s’accrocher à une opportunité qui pourrait tout changer »

© Marvel Studios Canada. Tous droits réservés.

Je lis des comics depuis des décennies et pourtant je vais être honnête, je n’ai jamais lu une seule histoire centrée sur Wonder Man.

Je partais donc sans aucune attente particulière et c’est peut-être précisément pour ça que la surprise a été encore plus agréable pour moi.

Sans vous spoiler, voilà ce qui m’a marqué sur cette série Wonder Man

D’abord le retour de Trevor Slattery, un acteur raté qui jouait le faux Mandarin dans Iron Man 3.

Un personnage que j’avais franchement détesté à l’époque (tout comme le film) mais qui a brillamment été réhabilité, notamment dans Shang-Chi. Avoir réussi à rendre ce personnage attachant relevait de l’impossible et pourtant cette serie y parvient.

C’est même l’un de ses plus grands tours de force. Il incarne ces acteurs oubliés d’Hollywood un peu paumés mais qui sont toujours animés par cette passion d’acting. Et c’est précisément ce qui le rend profondément touchant.

Parce que oui, il faut savoir que Wonder Man n’est pas vraiment une série de super-héros. C’est une série qui parle surtout de cinéma.

Simon Williams (Wonder Man) est quelqu’un de taiseux, de presque effacé mais qui devient littéralement lumineux dès qu’il joue un rôle. Il vit pour ça, respire pour ça et n’hésite pas à donner son avis sur ses personnages lors des tournages (ce qui généralement ne plait pas aux productions). Il a une passion presque obsessionnelle qui peut rappeler des figures comme Quentin Tarantino.

Ce personnage est magnifiquement porté à l’écran par Yahya Abdul-Mateen II (vu par exemple dans The Matrix Resurrections).

©️ JRM 2026

Je trouve que son jeu est d’une grande justesse. Parfois, un simple regard suffit à faire comprendre sa solitude et ce besoin presque viscéral d’exister.

Petit bonus qui m’a fait sourire, la présence de Joe Pantoliano (l’acteur qui incarne Cypher dans Matrix) qui apparaît en jouant son propre rôle. Quand on est fan comme moi de Matrix, voir deux acteurs de cet franchise réunis ça fait clairement plaisir.

Mais la série ne s’arrête pas là.

Elle aborde aussi des thèmes plus intimes comme les relations familiales compliquées.

Le rapport avec son frère apporte une vraie tension émotionnelle. Et c’est peut-être là que la série surprend le plus. On est vraiment loin des standards Marvel habituels.

Wonder Man est une série plus introspective, presque mélancolique qui est centrée sur un homme qui cherche simplement à vivre de sa passion dans un monde où ses pouvoirs ressemblent davantage à une malédiction qu’à un don.

En effet, la série explore aussi les dégâts involontaires causés par les super-héros, dans un esprit qui peut rappeler The Boys (en beaucoup, beaucoup plus nuancé) mais c’est suffisamment inédit pour servir pleinement son propos.

Chaque épisode est narré pour nous plonger au cœur des dilemmes insolubles de Simon.  Aucune solution n’est simple et aucune victoire évidente, seulement des choix et leurs conséquences inévitables.

Enfin, un mot sur Los Angeles qui est filmée sous un angle différent. La série explore des quartiers moins exposés, loin des clichés habituels ce qui change agréablement de l’éternel décor new-yorkais du MCU.

Pour conclure…

Si vous avez envie de sortir des sentiers battus du Marvel Cinematic Universe, je ne peux que vous recommander de donner une chance à cette série plutôt discrète.

Parce que parfois, les meilleures surprises sont aussi celles dont personne ne parle.

Je vous donne rendez-vous prochainement pour un nouvel article (ou épisode de Podcast).

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Wonder Man

Univers : Marvel Cinematic Universe

Plateforme : Disney+

Genre : Super-héros, comédie dramatique, satire hollywoodienne

Créateurs : Destin Daniel Cretton & Andrew Guest

Production : Marvel Studios

Casting

• Yahya Abdul-Mateen II : Simon Williams / Wonder Man

• Ben Kingsley : Trevor Slattery

Réseaux et site officiel

• Site officiel : http://disneyplus.com

• Facebook : www.facebook.com/DisneyPlusFR

• X : www.twitter.com/DisneyPlusFR

• Instagram : www.instagram.com/DisneyPlusFR

• TikTok : https://www.tiktok.com/@disneyplusfr

©️ JRM 2025

Étant un fan ultime de Jean‑Claude Van Damme, de Nicolas Cage et de M:I-2 (mon Mission Impossible préféré avec un Tom Cruise cheveux au vent au top de la classitude), c’était un véritable honneur d’avoir pu rencontré la légende des films d’action de ma jeunesse. John Woo a clairement influencé le cinéma d’action hollywoodien, sans lui des œuvres comme John Wick ou The Matrix n’auraient sans doute jamais existé et des talents comme Yuen Woo‑Ping n’auraient peut‑être jamais collaboré sur des grosses productions américaines. Il à même inspiré le créateur de jeux vidéo Hideo Kojima avec par exemple l’intégration de mouvements de caméra très « John Woodien » ou bien encore en utilisant le thème de l’honneur et du duel en intégrant de l’émotion.

Malgré le poids des années, le regard de John Woo continue de briller lorsqu’il parle de cinéma. Je vous invite à découvrir les principaux points qu’il a partagés lors de cette masterclass.

©️ JRM 2025

L’échange a été animé par David Martinez et traduit du chinois par le maître de conférence Gwennaël Gaffric. Je tiens d’ailleurs à saluer son travail, sa traduction ultra fluide réalisée sans aucune prise de notes était tout simplement exceptionnelle. Du jamais vu depuis les traductions de Massoumeh Lahidji qui est la meilleure traductrice que j’ai pu voir dans ma vie.

L’entretien ayant duré 1h30, je vous propose un condensé de cette conférence. Bonne lecture !

©️ JRM 2025

Apprentissage du cinéma

David Martinez : Vous êtes connu pour vos films d’action mais vous avez commencé difficilement votre carrière de réalisateur. Pouvez-vous nous raconter vos débuts avant le triomphe du Syndicat du crime ?

John Woo : Quand j’étais petit je n’ai pas fait d’études de cinéma. J’allais voler des affiches de films, consulter des livres sur la théorie du cinéma dans les bibliothèques. Le cinéma je l’ai appris à travers les images et les livres qu’on pouvait récupérer, pas à l’école. 

David Martinez : Vous parlez beaucoup du cinéma français. Comment l’avez-vous découvert ?

John Woo : Dans les années 60, le cinéma européen a commencé à arriver à Hong Kong. Pour nous, jeunes passionnés c’était une révolution de voir la Nouvelle Vague française avec Truffaut, Godard, Chabrol…

Le romantisme et l’amour qui se dégageaient de leurs films m’ont beaucoup marqué. Même aujourd’hui, mon style en garde des traces. 

Les difficultés dans le cinéma hongkongais

David Martinez : Pendant vos débuts, le cinéma de Hong Kong était dominé par le cinéma d’arts martiaux. Était-il difficile de faire les films que vous vouliez ?

John Woo : Il faut comprendre qu’à l’époque il était extrêmement compliqué de faire des films à Hong Kong. Le cinéma était dominé et monopolisé par un nombre restreint de familles et de cercles fermés. Si vous n’en faisiez pas partie, il était très difficile de se faire une place. Parfois il fallait passer par de longues étapes avant de pouvoir devenir réalisateur soi-même. Certains pouvaient attendre jusqu’à 60 ou 70 ans pour tourner leurs premiers films. À 45 ans on était déjà considéré comme un très jeune réalisateur.

À l’époque il était rare de passer par des académies de cinéma ou des écoles d’art. L’apprentissage se faisait surtout par le biais d’un système maître/disciple en travaillant directement avec les réalisateurs en place. Pour les jeunes passionnés comme nous, intéressés par la théorie et l’histoire du cinéma et parfois critiques des films contemporains, nous étions souvent marginalisés voire exclus de ces cercles.

À cette époque, les moyens étaient extrêmement limités. Les caméras et le matériel ne permettaient pas toujours d’enregistrer le son correctement ce qui ajoutait une difficulté supplémentaire à l’apprentissage du métier.

On entendait les moteurs tourner avec les caméras et il fallait rajouter le son en post-production. Cela m’a appris qu’un réalisateur doit avant tout avoir un bon regard et savoir choisir ses plans. 

David Martinez : Vous avez travaillé avec Tsui Hark. Comment s’est passée cette rencontre ?

John Woo: C’était autour de 1975. Beaucoup de jeunes réalisateurs étaient revenus de l’étranger avec des idées pour réinventer le cinéma hongkongais. Nous avons fait connaissance et fait une promesse. Améliorer le cinéma hongkongais. Grâce à un studio indépendant, j’ai pu recommander Tsui Hark qui a signé son premier film avec eux. Cela a ouvert un nouveau chemin pour le cinéma de Hong Kong. 

Le Syndicat du crime

David Martinez: Dans ce film, vous mélangez influences occidentales et chinoises. Comment est né ce projet ?

John Woo : Tsui m’a encouragé à réécrire le scénario et à chercher dans mes sentiments profonds ma vision de la vie et du monde. L’amitié entre les personnages est au cœur du film, il est le reflet de notre propre amitié. 

David Martinez : Comment avez-vous dirigé des acteurs de générations différentes ?

John Woo : Avant même d’écrire le scénario, je rencontre les acteurs pour comprendre leur vie, leur environnement, leurs gestes. Ainsi quand je leur donne le scénario ils comprennent intuitivement ce que j’attends. Parfois je fais croire qu’une scène est une répétition pour obtenir un jeu plus naturel. 

Failles et Violence dans ses films (exemple avec le film Volte/Face)

David Martinez : Vos personnages montrent leurs failles et leurs larmes contrairement aux héros américains.

John Woo : À mon avis une grande partie du succès de Volte/Face ici comme dans le reste du monde tient au fait que contrairement aux films d’action américains mes personnages n’hésitent pas à montrer leurs failles, notamment à pleurer. John Wayne ou Bruce Willis par exemple ne faisaient jamais cela.

À l’époque le standard dans beaucoup de films américains voulait que les héros masculins ne montrent jamais leurs larmes à la caméra. Même dans les scènes où ils étaient censés exprimer leurs émotions ils se détournaient pour ne pas les montrer et parfois une fois leurs larmes versées, ils se retournaient pour regarder l’objectif.

Le cinéma américain de l’époque suivait une sorte d’équation stricte. Les films étaient très cloisonnés par genre et chaque public allait voir un type précis de films. Dans ce cadre, un public de films d’action ne voulait pas voir le héros pleurer. Pour moi c’était compliqué car j’avais envie de montrer toute la palette émotionnelle du personnage. Le cinéma américain était très circonscrit par ces règles, ce qui n’était pas le cas ailleurs.

Sur Volte/Face je voulais faire ressentir qu’un personnage se remémorait des souvenirs avec sa compagne. Dans mon scénario initial il s’agissait d’une petite blague. Il rappelait un épisode où un dentiste lui avait arraché la mauvaise dent. J’ai alors dit à Nicolas Cage

« C’est le moment de raconter cet épisode à ta compagne pour exprimer toute la tristesse de ne pas être reconnu par elle. Mais pourrais-tu essayer malgré le côté amusant de l’anecdote de laisser transparaître cette émotion, de verser quelques larmes ? »

Habituellement, les studios interdisent toute larme.

Mais je lui ai dit « Si c’est ce que tu ressens, si c’est l’émotion que tu veux transmettre, n’hésite pas. »

J’ai donc gardé les deux versions, celle où il pleure et celle où il ne pleure pas et je lui ai montré les deux pour qu’il choisisse.

Nicolas a préféré la version avec les larmes car elle permettait de mieux ressentir l’expression du personnage au-delà des mots à travers le regard, les larmes et tout ce qui relève du non-dit.

Vision du cinéma

David Martinez : Quel conseil donneriez-vous aux jeunes cinéastes ?

John Woo : Observer la vie. Chaque plan est comme une peinture. Capturez la beauté, la tristesse, la colère. Comprenez vos émotions et transmettez-les. Le spectateur doit comprendre ce que vous voulez montrer. 

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Un grand merci au Festival Lumière (Grand Lyon Film Festival) pour l’organisation de cette rencontre.

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Après Martin Scorsese, Clint Eastwood, Francis Ford Coppola ou bien encore par exemple Quentin Tarantino, c’est au tour de Michael Mann de succéder à Isabelle Huppert pour recevoir le Prix Lumière.

Une reconnaissance unique, presque sacré pour les amoureux et amoureuses du septième art. Le Prix Lumière n’est pas une récompense comme les autres, il célèbre une vie d’artiste dédiée au cinéma.

En 2013, Quentin Tarantino résumait parfaitement ce que représente ce prix

« Le cinéma m’a donné quelque chose à faire, je suis tellement bouleversé. Je veux accepter ce prix pour tous les cinéphiles qui considèrent le cinéma comme plus important que leur vie »

©️ JRM 2013

Cette année, après une soirée hommage au cinéma et une magnifique projection d’un film réalisé par l’Institut Lumière pour les 130 ans du cinéma (un beau montage clin d’œil au film Babylon), Michael Mann a livré un discours passionné sur son amour du 7ᵉ art.

Dans cet article, je vous propose de revenir sur les moments forts et les propos marquants tenus plus tôt dans la journée par le cinéaste lors de sa masterclass, une rencontre animée par Thierry Frémaux, directeur de l’Institut Lumière et traduite par le journaliste Didier Allouch.

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Thierry Fremaux : On ne peut pas faire de cinéma sans technique, ou en tout cas que votre cinéma repose sur une maîtrise et une réinvention constante des moyens techniques. Pouvez-vous nous parler de ce rapport entre la technique et la création ?

Michael Mann : Pour moi, l’idée artistique naît souvent d’une question très simple. Comment montrer ce qui jusque-là était impossible à filmer ? Je me souviens d’un moment à Los Angeles, la nuit, quand les nuages glissent lentement au-dessus des palmiers. C’est une vision presque irréelle. Pendant longtemps, il était impossible de la capturer avec la pellicule traditionnelle. Puis le numérique est arrivé. J’ai voulu essayer et c’est ainsi qu’est né Collateral, le premier film tourné entièrement en HD numérique. Ce n’était pas seulement un choix technique, c’était une façon de rendre visible la beauté nocturne, de raconter autrement.

Thierry Fremaux : Vous avez déjà fait une analogie avec l’architecture, notamment avec Chicago ?

Michael Mann : Oui. À New York quand on a commencé à construire des gratte-ciels, on empilait simplement les étages les uns sur les autres. À Chicago, on a repensé le modèle, on a créé une nouvelle façon de construire. C’est la même chose avec le cinéma et la technologie. Il ne faut pas se contenter de reproduire ce qui existait avant mais inventer de nouvelles formes, de nouveaux récits à partir des outils contemporains.

Thierry Fremaux : La nuit à Los Angeles semble être un élément central dans vos films. Qu’est-ce qui vous fascine dans cette ville à ce moment-là ?

Michael Mann : La nuit à Los Angeles est fascinante. C’est une ville récente, construite de manière étrange, presque chaotique. Et la nuit des animaux sortent, des coyotes qui ne savent même pas qu’ils vivent au cœur d’une mégalopole. Cette idée d’un territoire sauvage au milieu d’un espace urbain me captive. Elle nourrit le ton de mes films. Un monde de transition entre lumière et obscurité, entre civilisation et nature.

Thierry Fremaux: Dans Collateral, les personnages de Tom Cruise et Jamie Foxx se confrontent, mais aussi se révèlent mutuellement. Était-ce intentionnel ?

Michael Mann : Oui, totalement.Le chauffeur de taxi (Jamie Foxx) met le tueur (Tom Cruise) face à ses échecs et inversement. Chacun oblige l’autre à se regarder en face. La ville devient le miroir de cette confrontation. Un espace transitoire où les destins se croisent, où les identités se redéfinissent.

Didier Allouch : Dans Révélations, la caméra est souvent très proche des personnages, presque intrusive. Pourquoi ce choix ?

Michael Mann : L’idée était de créer une subjectivité intense, de montrer de l’extérieur l’état intérieur des personnages. Le personnage de Russell Crowe est détruit de l’intérieur. Il fallait filmer cette tension psychologique sans passer par le dialogue. Pour cela, j’étais l’un des trois opérateurs caméra. Je connaissais les répliques donc j’anticipais les réactions pour capter les moments les plus justes. Je fais confiance au public. Il comprend les nuances. Il faut aller plus loin, lui faire ressentir sans forcément expliquer.

Thierry Fremaux : Vous travaillez avec des acteurs très différents, Will Smith, Penélope Cruz, Russell Crowe… Quelle est votre relation avec eux ?

Michael Mann : Je respecte énormément les acteurs. Leur travail m’impressionne. Dès le casting ils s’exposent, ils se mettent en danger. Sur Ali, Will Smith et moi étions très proches, nous le sommes restés des années. Avec Penélope Cruz sur Ferrari, c’était la même intensité. Oui, ils « jouent », mais ils vont chercher en eux une vérité profonde, souvent douloureuse. Et c’est là que réside leur grandeur.

Thierry Fremaux : Quel conseil donneriez-vous à un jeune cinéaste ?

Michael Mann : J’en ai deux. D’abord, évoluez constamment. Allez vers ce qui vous enthousiasme, même si c’est risqué. Ensuite, trouvez votre frontière. Placez-vous au bord du précipice, et franchissez-le. C’est là que naît la créativité, dans la prise de risque. C’est vrai pour le cinéma, comme pour la vie.

Question du public : Vous avez exploré le polar, le fantastique, le film urbain. Y a-t-il un univers que vous aimeriez encore aborder ?

Michael Mann : Oui, la science-fiction. J’adore la SF des années 70/80, celle qu’on retrouvait dans Métal Hurlant. J’aimerais un jour explorer ce genre, à ma façon.

Thierry Fremaux : On a aussi entendu parler d’un projet de western ?

Michael Mann : J’en avais deux. L’un que je ne réaliserai pas mais que je produirai. Ce sera mis en scène par Scott Cooper, et le film s’appelle Comanche. C’est un genre que j’aime profondément, mais je veux le laisser entre de bonnes mains.

Question du public :

Allez-vous tourner Heat 2 en numérique ou en pellicule comme pour le premier ?

Michael Mann : Je n’ai aucune orthodoxie.Si le projet exige la pellicule, ce sera la pellicule. S’il demande du numérique, ce sera le numérique. Pour Miami Vice, j’ai choisi le numérique car c’était le meilleur moyen de recréer l’esprit technicolor de la série originale. Je choisis le support qui sert le mieux l’histoire.

©️ JRM 2025

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Dans ce nouvel article je vous propose de revenir sur les propos tenus par Natalie Portman lors de deux événements exceptionnelles dans le cadre du Festival Lumière 2025.

Visiblement émue par l’accueil chaleureux du public lyonnais lors de la projection de Black Swan, l’actrice oscarisée s’est livrée sur son parcours dans le monde du cinéma. Face au journaliste Didier Allouch, elle a également participé à une Masterclass où elle a mené une conversation profonde et passionnée en revenant sur ses débuts dans Léon, ses choix de rôles ainsi que sa vision d’aborder le septième art.

À cette rencontre s’ajoute un entretien mené par Thierry Frémaux (qu’elle connaît depuis longtemps via le festival de Cannes) à l’occasion de la projection de Black Swan.

L’actrice y évoque le rôle qui est certainement celui qui a le plus marqué sa carrière, sa transformation physique et psychologique pour incarner Nina Sayers ainsi que l’impact durable que ce film a eu sur sa vie d’artiste.

J’ai ajouté aussi des propos qu’elle a tenue lors de sa présentation de V For Vendetta.

À noter aussi que vous pouvez retrouver en parallèle mon podcast que j’avais réalisé sur Black Swan

🔗-CINE- « Black Swan » Quand la quête de la perfection vire à l’obsession

©️ JRM 2025

Les actrices qui l’ont inspirée dans sa carrière

Didier Allouch : J’ai regardé pas mal d’interviews de vous pour me préparer et quand on vous demande de citer des actrices que vous admirez, plusieurs noms reviennent souvent. Parmi elles, il y en a une que vous mentionnez régulièrement et qui nous a malheureusement quitté ce week-end, c’est une immense perte pour le cinéma mondial, c’est Diane Keaton. Est-ce que vous pourriez me dire en quelques mots pourquoi elle compte autant pour vous ?

Natalie Portman : C’était une immense actrice et sa disparition ce week-end m’a énormément touchée. Elle a eu l’opportunité d’être complexe, étrange, drôle, intelligente. Elle savait être émotive, décalée et j’adore ça. J’aime quand on ose être un peu bizarre à l’écran et elle le faisait si bien. Je l’ai aimée dans Le Parrain, je l’ai adorée dans Something’s Gotta Give. Elle avait cette capacité incroyable à tout jouer, à tout incarner et elle était toujours belle dans sa singularité. C’était quelqu’un qui ne s’excusait jamais d’être elle-même et je pense qu’on le ressentait profondément. Elle a peut-être été la première à incarner à l’écran des rôles féminins aussi complexes que les rôles masculins, drôle, brillante, libre et surtout singulière. Elle apportait une humanité merveilleuse à chacun de ses personnages. C’était une actrice absolument exceptionnelle.

Ses débuts dans Léon de Luc Besson

Didier Allouch : Revenons à vos débuts. Léon est un phénomène. Comment cette première expérience vous a-t-elle formée ?

Natalie Portman : J’ai eu une chance incroyable. Tout le monde sur le tournage m’a traitée avec une vraie bienveillance.J’avais onze ans et j’avais juste l’impression de jouer, dans le sens enfantin du terme. Le mot “jouer” dit tout, c’était un terrain de jeu. Et j’ai observé Jean Reno, Gary Oldman, Luc Besson… leur concentration, leur précision. Luc accordait autant d’attention à la caméra qu’à l’émotion des acteurs. C’était une école fabuleuse.

Didier Allouch : Quand on est enfant, est-ce qu’on se rend compte qu’on “joue” ?

Natalie Portman : Tous les enfants sont des acteurs. Ils jouent à être profs, docteurs, parents. C’est naturel. Ce n’est pas de la tricherie, c’est une manière d’explorer le monde. Le vrai défi, plus tard, c’est d’apprendre à gérer la pression, la compétition, le rejet… Un ami acteur m’a dit un jour : “Pour être un bon acteur, il faut avoir la peau dure et le cœur tendre.” Je crois que c’est vrai.

À propos de HEAT

Didier Allouch : Vous avez tourné Heat à 14 ans avec Al Pacino et Robert De Niro. Comment c’était ?

Natalie Portman : J’étais trop jeune pour être intimidée ! Ils m’ont accueillie comme une des leurs. Al Pacino surtout, il a créé une vraie relation de père avec moi pour qu’on ressente ce lien à l’écran. Jean Reno était plus distant sur Léon, ce qui servait aussi le film. Chaque acteur a sa méthode, il faut savoir s’adapter, sentir la distance ou la proximité à avoir.

Ses études à Harvard après le succès de Star Wars

Didier Allouch : Après tant de succès, vous avez mis votre carrière entre parenthèses pour étudier à Harvard. Pourquoi ?

Natalie Portman : Je viens d’une famille très académique. Aller à l’université, c’était naturel. Mais j’en avais aussi besoin. Ces quatre années m’ont permis de grandir, d’apprendre à vivre seule, à me construire en dehors du cinéma. Et puis j’ai rencontré des amis précieux que j’ai encore aujourd’hui.

Didier Allouch : Vous avez obtenu un diplôme de psychologie. Ça influence votre jeu ?

Natalie Portman : Oui, beaucoup. Jouer un rôle, c’est comprendre la psyché d’un personnage, observer, analyser, ressentir. C’est très proche du travail d’un psychologue. Et dans le cinéma, il y a souvent des personnages avec des failles mentales, des désordres, des névroses… Connaître leurs mécanismes m’aide à les incarner plus justement.

Star Wars, le vertige de la première grosse production en numérique

Didier Allouch : Pendant plusieurs années, vous devenez aussi Padmé Amidala dans Star Wars. C’était comment ?

Natalie Portman : C’était gigantesque. C’était le premier film tourné entièrement en digital avec énormément de fond vert. C’est un exercice très particulier. On joue face à rien, parfois face à une balle de tennis et il faut imaginer tout l’univers. C’est très enfantin, comme jouer dans une boîte en carton et se dire “je suis dans un vaisseau spatial”. Mais c’est aussi un vrai défi d’actrice.

Didier Allouch : Et voir votre figurine en magasin ?

Natalie Portman : (Rires) C’est étrange, mais merveilleux. C’était la première fois que je faisais un film pour les enfants. Mes propres enfants ne les regardent pas, ils détestent me voir à l’écran ! Mais leurs copains eux en parlent tout le temps. C’est touchant de partager quelque chose qui a du sens pour eux.

Didier Allouch : Comment gère-t-on le succès mondial et la célébrité ?

Natalie Portman : La notoriété ne vous définit pas. Elle dit juste que vous êtes reconnaissable. J’ai toujours essayé de garder une vie normale, des amis en dehors du cinéma, des activités quotidiennes. La célébrité peut devenir une bulle confortable mais vide. Il faut rester ancré dans la réalité pour créer des histoires vraies.

Didier Allouch : Vous avez dit que “le cinéma est un art éthique”.

Natalie Portman : Chaque film dit quelque chose du monde. Choisir ce qu’on montre et comment, c’est déjà un acte moral. Le cinéma peut humaniser ou déshumaniser. Quand je joue, je me demande toujours qu’est-ce que ce rôle dit de notre époque ? C’est une responsabilité et une chance.

Son expérience dans Black Swan

©️ JRM 2025

Lors de la projection de Black Swan, Thierry Frémaux (directeur général de l’Institut Lumière et délégué général du Festival de Cannes) a interrogé Natalie Portman sur son expérience pour son rôle dans Black Swan.

Thierry Frémaux : Ce rôle a-t-il été le plus exigeant physiquement pour toi ?

Natalie Portman : Oui, de loin. Je m’entraînais huit heures par jour, six jours par semaine. Mon corps n’était pas celui d’une danseuse classique. Chaque ampoule, chaque courbature m’a rapprochée de Nina. Son obsession pour la perfection était destructrice et je la ressentais dans ma chair.

Thierry Frémaux : Et comment as-tu géré la frontière entre le personnage et toi-même ?

Natalie Portman : C’était difficile. Le rôle me hantait après le tournage. J’ai appris qu’on peut explorer l’ombre d’un personnage sans s’y noyer à condition de garder conscience de soi. C’est un équilibre entre immersion totale et protection personnelle.

Présentation de V For Vendetta par Natalie Portman

Présentation animée par Maelle Arnaud, programmatrice et co-créatrice du Festival Lumière.

©️ JRM 2025

Maelle Arnaud : On présente ici « V pour Vendetta ». Comment avez-vous réagi en lisant le scénario, notamment sur le côté politique ? Est-ce que c’est quelque chose qui apparaissait immédiatement quand on vous a proposé le film ? Et mesuriez-vous l’impact du propos à l’époque ?

Natalie Portman : J’ai passé de nombreuses auditions pour avoir ce rôle et les thèmes au cœur du film m’ont tout de suite interpellée. Je n’avais pas conscience immédiatement de toute la portée politique mais je me suis dit que si ces sujets me touchaient, ils toucheraient forcément d’autres personnes. Et malheureusement ce sont des thèmes qui restent d’actualité de manière cyclique.

Maelle Arnaud : Vous tenez le film merveilleusement bien. Est-ce que le fait de tourner dans une grosse production comme celle-ci a été un moment charnière pour vous ? Vous avez une filmographie très variée, qu’aimez-vous dans ces grandes productions ?

Natalie Portman : Malgré les apparences, V pour Vendetta n’était pas pour moi une “grosse production” typique. C’était un film profondément intellectuel et émotionnel avec de vraies scènes de drame, pas un blockbuster classique. Je n’ai pas eu à tourner devant des fonds verts, tout semblait concret et incarné. Le travail sur ce film était très différent des autres grandes productions auxquelles j’ai pu participer.

Maelle Arnaud : Dans le film vous allez très loin, on vous voit notamment la tête rasée. C’est un geste fort pour une actrice. Vous y êtes allée sans hésitation ou avec appréhension ?

Natalie Portman : C’était une expérience incroyable. Le moment où la pluie est tombée sur ma tête pour la première fois après m’être rasée a été magique. C’était une sensation très spéciale, à la fois étrange et libératrice. J’ai vécu ce moment avec beaucoup d’émotion, mais aussi avec une forme d’humour.

(Si vous souhaitez découvrir le comics V For Vendetta, je vous partage un article que j’avais écrit il y’a quelques mois) 🔗👉 V For Vendetta, retour sur le comics culte d’Alan Moore & David Lloyd)

Un grand merci au Festival Lumière (Grand Lyon Film Festival) pour l’organisation de ces rencontres.

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©️JRM 2019

Drogue, crise cardiaque de l’acteur principal, fortune personnelle du réalisateur engagée, préparation brouillonne de Marlon Brando, typhon meurtrier, hélicoptères réquisitionnés par l’armée… Je pense que très peu de tournages peuvent se vanter d’avoir flirté avec autant de folie que celui d’Apocalypse Now de Francis Ford Coppola.

238 jours de tournage, un budget explosé, un réalisateur au bord de la ruine et aux frontières de la folie pour au final nous offrir un chef-d’œuvre.

Moi qui ai toujours eu une passion dévorante pour les Making-of (j’ai vu par exemple celui de Matrix une dizaine de fois), je ne pouvais qu’être captivé par cette plongée dans ce mythe.

©️JRM 2025

Ce film documentaire a été présenté lors du Festival par Delphine Valloire, autrice du livre « Il était une fois… Apocalypse Now » (RockyRama) ». Ce retour sur le tournage le plus fou et aussi sans doute le plus polluant de toute l’histoire du cinéma s’accompagne d’une série d’anecdotes et d’interviews d’époque (comme par exemple George Lucas et un tout jeune Laurence Fishburne)

Si vous souhaitez découvrir un jour ce film documentaire, je vous partage quelques propos de Delphine Valloire au sujet de ce film avant le début de la projection.

À la base Apocalypse Now est un film miraculeux. Il n’aurait jamais dû exister. Il est né dans un chaos total, pendant quand même quatre ans si on compte le tournage et la post-production et c’est un miracle qu’il soit là. Ce documentaire n’aurait pas dû non plus exister. Je vais vous expliquer comment ça s’est passé.

Francis Coppola était évidemment producteur de ce film. Il en était aussi le réalisateur, il avait carte blanche et avait les pleins pouvoirs. Mais pour monter le film, il a quand même eu besoin de la United Artists qui lui a donné plusieurs millions de dollars pour le financer. En contrepartie ils lui ont demandé qu’un documentaire, ce qu’on appelait à l’époque une « featurette » soit tourné, une sorte de making-of du tournage. Ils voulaient envoyer une équipe pour tourner ce mini-documentaire qui devait être diffusé à la télévision.

Or, Coppola n’avait aucune envie d’avoir une équipe extérieure, spécialement de la United Artists qui vienne le surveiller sur son tournage. Donc il a trouvé une solution. Il a demandé à sa femme, Eleanor Coppola de devenir documentariste et de filmer les coulisses du tournage. Comme ça, il faisait tout en famille et il pouvait faire venir ses enfants et sa femme pendant toute la durée du tournage à Manille aux Philippines.

Elle n’était pas complètement novice, puisqu’ils s’étaient rencontrés en 1962 sur le tournage de son premier film. Elle faisait les décors. C’était une étudiante en art, elle avait déjà fait des courts-métrages, c’était quelqu’un qui avait un vrai tempérament d’artiste et qui était extrêmement discrète.

Donc voilà, on arrive en mars 1976, premier jour de tournage. La famille débarque à Manille avec les trois enfants. Eleanor découvre le matériel qui lui a été envoyé par la United Artists, matériel qu’elle ne connaît évidemment pas. Donc elle apprend à se servir des caméras, etc… un petit peu sur le tas et elle commence à tout filmer tout ce qu’il se passe. Le tournage qui était prévu pour trois mois va durer un an, dans un chaos démentiel (ce que vous allez voir pendant une heure et demie)

Elle va tourner soixante heures de documentaire. Elle rentre en 1977 à San Francisco. Le couple est au bord du divorce. Le chaos a absolument envahi le tournage et leur vie. Ces soixante heures vont rester dans le grenier des Coppola, dans les archives de American Zoetrope dans une boîte et ne seront pas touchées jusqu’en 1990. Il n’y a finalement jamais eu de featurette faite pour la United Artists.

En 1990, deux chercheurs réalisateurs demandent à Zoetrope d’accéder aux archives pour leurs recherches et on leur donne les soixante heures. Et là, ils découvrent des images tournées pendant le tournage… mais folles !

Les acteurs sont interviewés et il faut savoir que pendant ce tournage il y a eu un typhon qui a tué deux cents personnes et en a déplacé des milliers. C’est un des typhons les plus extraordinaires du siècle aux Philippines qui pourtant en connaissent chaque année.

Le tournage a été fou, la crise cardiaque de Martin Sheen, c’était dingue. Donc les chercheurs découvrent ça et se disent :

« bon, on va faire un film à partir de ça ! »

©️ JRM 2025 (livre « Il était une fois… Apocalypse Now, RockyRama)

Pour prolonger l’expérience, je vous recommande également l’excellente BD biographique « Don Coppola » d’Amazing Ameziane qui revient entre autres sur la genèse d’Apocalypse Now et sur la folie de cette aventure. Une BD hyper bien documentée et magnifiquement illustrée.

©️ JRM 2025

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Trailer

Aux cœurs des ténèbres : L’Apocalypse d’un metteur en scène (Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse)
États-Unis, 1991, 1h36, couleurs, format 1.37
Réalisation & scénario :Fax Bahr, George Hickenlooper
Réalisation documents originaux :Eleanor Coppola
Musique :Todd Boekelheide; Cole Porter, The Doors, Richard Wagner, Giacomo Puccini
Montage : Michael Greer, Jay Miracle
Production : Les Mayfield, George Zaloom, American Zoetrope

Présentation au Festival de Cannes : mai 1991
Sortie aux États-Unis : 27 novembre 1991
Sortie en France : 3 juin 1992

Restauration : 4K par American Zoetrope, la société de Francis Ford Coppola pour Apocalypse Now
Distributeur Pathé

©️ JRM octobre 2025

Dans cet article, je vous propose une retranscription des propos les plus marquants tenus par un acteur qui l’est tout autant, Sean Penn.

À la fois comédien et réalisateur, cette figure majeure d’Hollywood a d’une manière ou d’une autre marqué le parcours cinéphile de beaucoup d’entre nous.

Sean Penn, c’est une carrière brillante jalonnée de performances inoubliables comme par exemple Mystic River, 21 Grams ou bien encore Into the Wild. Au cours de cette masterclass, il est revenu sur son parcours, sur sa manière d’aborder ses rôles mais aussi sur son rapport avec les différents réalisateurs qui ont jalonné sa carrière. L’entretien ayant duré près d’une heure et demie, il m’était impossible de tout retranscrire ici.

J’ai donc choisi d’en extraire l’essence, ces petits moments où l’homme et l’artiste se révèlent le plus.

Cette interview a été menée par le journaliste Didier Allouch.

©️ JRM 2025

Didier Allouch : Puisque nous sommes à Lyon au cœur d’un festival dédié aux classiques, je voudrais commencer par une question simple. Quelle est votre relation avec les films classiques ? Quels sont ceux qui ont façonné l’homme et l’artiste que vous êtes devenu ?

Sean Penn :

J’ai grandi au début des années 60 et pour moi le cinéma c’est avant tout celui de cette époque magique, la fin des années 60 et toutes les années 70. C’était un moment extraordinaire où les meilleurs films étaient aussi les plus populaires. J’ai grandi en voyant les films de Bob Fosse, Hal Ashby, John Cassavetes… Mes parents étaient acteurs, mon père réalisait des séries télé mais jamais je n’aurais imaginé devenir acteur. Le cinéma c’était leur monde, pas le mien.

L’influence du cinéma américain des années 70

Didier Allouch :

Vous parlez souvent de cette liberté de ton des années 70. On sent dans votre jeu ce naturel propre à cette époque. Vous le recherchez encore aujourd’hui ?

Sean Penn :

Oui. Quand je tourne, j’aime retrouver cette sensation de liberté qu’on voyait dans les films des années 70. C’était une époque où les réalisateurs comme Hal Ashby ou Cassavetes cherchaient avant tout la vérité, pas la perfection. Sur un plateau, j’essaie de retrouver cet esprit, quelque chose de vivant, d’imparfait, mais de profondément humain.

Le rapport de Sean Penn vis à vis du streaming

Didier Allouch :

Vous avez dit avoir du mal avec le streaming. Pourquoi ?

Sean Penn :

Parce que je suis tombé amoureux du cinéma en salle. C’est une expérience collective, j’aime partager avec des inconnus un moment, une émotion. Je crois que c’est pour ça que j’ai du mal avec la consommation de films sur petit écran. Le cinéma c’est fait pour être vécu, pas seulement regardé.

L’apprentissage du jeu

Didier Allouch :

Comment avez-vous appris à jouer ? Vous aviez une approche instinctive au départ ?

Sean Penn :

Complètement. J’étais instinctif, je ne savais pas ce que je faisais. Puis j’ai suivi les cours de Peggy Fury, une prof extraordinaire. Un jour elle m’a dit :

“Ne fais pas entrer ton personnage dans la scène. Fais entrer la scène en toi.”

C’est là que j’ai compris comment aborder un rôle, il faut se laisser traverser par la situation, pas la contrôler.

Didier Allouch :

À quel moment l’instinct a-t-il laissé place au métier ?

Sean Penn :

Quand on travaille beaucoup, tout devient un réflexe. C’est comme un soldat. Il répète jusqu’à ce que son corps sache quoi faire sans réfléchir. Mais il faut garder une part d’instinct. Le danger, c’est de devenir trop conscient de ce qu’on fait. L’acteur doit jouer la musique, pas seulement lire les paroles.

La préparation des rôles

Didier Allouch :

Vous êtes connu pour vos préparations extrêmes. Comment trouvez-vous la juste mesure ?

Sean Penn :

Parfois je me suis trop préparé, parfois pas assez, parfois les deux. Le but c’est que la préparation devienne un souvenir sensoriel, quelque chose d’incorporé. Une fois que c’est en vous, vous pouvez oublier tout le reste. C’est comme une tactique militaire, un soldat ne cherche plus son fusils et ses munitions, s’entraîner jusqu’à ce que le geste devienne naturel.

Didier Allouch :

Quand vous jouez un personnage réel comme Harvey Milk, comment trouvez-vous l’équilibre entre imitation et interprétation ?

Sean Penn :

Je ne cherche jamais à imiter. Il faut trouver ce qu’on a en commun avec la personne, pas la copier. C’est comme quand on chante sous la douche ou dans notre voiture , on croit chanter comme Clapton même si ce n’est pas vrai. Ce sentiment-là, c’est la clé du jeu. Ressentir la justesse, même imparfaite.

Travailler avec les réalisateurs

Didier Allouch :

Vous avez travaillé avec de grands réalisateurs, Eastwood, De Palma, Terrence Malick… Qu’avez-vous appris d’eux ?

Sean Penn :

Clint Eastwood m’a appris l’adaptabilité. Il tourne très vite, souvent une seule prise. Il faut donc être prêt dès la première. Avec Malick, c’est l’inverse, il cherche la contemplation, la poésie. Quand j’ai commencé « La Ligne rouge », je ne comprenais rien. Puis j’ai compris que c’était un poète, pas seulement un cinéaste. Le scénario de « The Tree of Life » est sans doute l’un des plus beaux poèmes jamais écrits.

L’expérience de Mystic River

Didier Allouch :

La scène centrale de « Mystic River » est bouleversante. Comment l’avez-vous vécue ?

Sean Penn :

C’était une scène très dure. Je ne voulais pas la ramener chez moi surtout en tant que père. Je l’ai répétée mécaniquement sans émotion pour me protéger. Je me suis dit un truc. Dans des circonstances comme ça, deux policiers ça ne suffit pas à retenir un homme à qui il arrive cela.

À l’écriture, il n’y avait que deux agents de police qui retenaient le personnage. Et alors évidemment, je pense qu’aucun de vous dans cette salle ne pourrait le retenir. Donc, ça ne suffirait pas. Donc, je suis allé voir Clint et je lui ai expliqué ça.

Il m’a dit : « Écoute, va dans ta loge, habille-toi, je vais m’en occuper. »

Quand je suis je revenu , il n’y avait plus seulement deux policiers, ils étaient maintenant quinze agents de police.

C’était à la fois des acteurs et des cascadeurs qui devaient me retenir. Qui a été déjà essayé d’être retenu par quinze bonhommes très balèzes ? En termes d’exercice c’est bien mieux que du pilates !

J’avais vraiment envie de leur faire mal, voir même de les tuer, mais je ne pouvais pas bouger un muscle, ils m’avaient complètement bloqué.

Sean Penn parle de sa carrière de réalisateur et de son rapport à Jack Nicholson

Sean Penn :

Il n’y a pas grand-chose à dire là-dessus, à part que je suis complètement, follement, follement, follement chanceux d’avoir pu travailler avec lui, d’avoir pu le diriger.

Je vais vous raconter une histoire. Je ne vais pas vous dire de quel film je parle mais sur un de mes films j’étais en conflit avec les producteurs. Des problèmes d’endroits de tournage, d’un strip club en ville, des trucs comme ça… Et ils menaçaient d’arrêter le film. Je leur ai dit :

« Mais non, c’est pas possible tout se passe super bien, on ne va pas arrêter le film. »

Mais ils étaient vraiment, vraiment à ça de tout stopper.

Et puis le lendemain, ils sont arrivés sur le plateau et ils ont dit :

« Je veux absolument qu’on se parle dans la loge, venez me rejoindre. »

J’y vais. Ils m’attendaient, ils étaient là tous les deux, assis et je sentais que ça allait mal se passer. On commence à parler, et au bout d’un moment j’entends « toc toc » à la porte » c’était Jack Nicholson.

Il dit : « Ça vous dérange pas si je viens discuter avec vous ? »

Et là, tout d’un coup tout a changé. Au bout de cinq minutes, les producteurs disaient à quel point ils aimaient ce strip club dans cette ville.

C’est ça , c’est Jack Nicholson. C’est un type qui peut vraiment tout faire changer d’un coup.

L’engagement de Sean Penn dans La Dernière Marche

Didier Allouch :

« La Dernière Marche » a eu un énorme impact sur le débat autour de la peine de mort. Vous en aviez conscience à l’époque ?

Sean Penn :

Pas vraiment. J’étais concentré sur le projet, sur mon personnage. Mais c’est vrai que les discussions autour du film m’ont fait évoluer. Malheureusement, aux États-Unis, peu de choses ont changé sur cette question. Je n’étais pas dans un engagement politique mais dans une vérité humaine.

©️ JRM 2025

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©️ JRM 2025 (Variant cover Comic Shops Assemble)

Depuis la sortie de la série en France en 2016 chez Glénat Comics (qui au passage fait de l’excellent travail d’édition), je suis devenu un fidèle lecteur de Lady Mechanika ! Elle est pour moi l’un des personnages les plus intéressants de l’univers du comics indépendant. Ce personnage qui existe aux USA depuis 2010 chez Benitez Productions et qui est publié par Image Comics s’est clairement imposé comme une véritable icône du steampunk moderne.

©️ JRM 2025 (print collector Comics Zone)

Il n’y a qu’à voir le nombre de cosplay du personnage qu’il y’a en convention pour comprendre que c’est un personnage plutôt populaire. J’ai d’ailleurs eu l’immense privilège de rencontrer son auteur Joe Benitez lors d’une séance de dédicace. Un artiste exceptionnel dont le trait au scalpel a donné toute son identité à un univers tout entier

©️ JRM 2023

Une enquête glaciale au cœur de la Sibérie

Le récit « Le diable du lac » emmène cette fois-ci notre Lady en Sibérie. Une histoire qui s’ancre dans les légendes qui hantent les profondeurs d’un lac. Lady Mechanika a en effet été mandatée par une riche famille russe pour enquêter sur la disparition d’amis scientifiques qui sont partis explorer les abysses d’un mystérieux lac. L’objectif de cette expédition était de découvrir la vérité derrière une étrange dent géante retrouvée au bord de l’eau, une dent non pas fossilisée mais belle et bien récente… Un indice qui laisse entrevoir la présence d’un mystérieux « Dragon » qui se cache sous les eaux de se lac glacé.

Benitez délègue les planches à une autre artiste

©️ JRM 2025 Glénat Comics

Le seul petit bémol pour moi de ce neuvième tome vient du fait que les dessins ne sont pas réalisés par Joe Benitez lui-même. Cette fois-ci c’est Siya Oum qui prend les commandes des dessins sur l’intégralité de cette mini série. Si son style tente de se rapprocher de celui de Joe Benitez, je trouve que certains éléments détonnent notamment sur les visages et surtout sur les animaux. Il y’a pour moi comme des problèmes de proportions qui se font ressentir. Par moments, j’ai même eu l’impression de voir des traits plus proches du franco-belge que du comic book américain.

Heureusement, la colorisation reste superbe et conserve cette identité propre à l’univers de Lady Mechanika. Benitez signe quand même quelques covers ce qui maintient un lien esthétique. Il est également toujours co-scénariste garantissant ainsi une parfaite cohérence avec le ton et la mythologie qu’il a créé pour cette série. À savoir que Joe Benitez a expliqué qu’il souhaitait collaborer avec Siya Oum depuis plusieurs années et que ce nouveau récit était l’occasion de travailler ensemble. Personnellement j’aimerais que Joe Benitez reprenne les dessins des prochains numéros. Son style est pour moi indissociable de l’œuvre. Comme pour Sean Murphy, on parle d’artistes dont le trait est si singulier qu’aucun successeur ne peut vraiment prendre le relais même avec la meilleure volonté du monde.

Une héroïne définitivement ancrée entre aventure et introspection

©️ JRM 2023 Portfolio de Joe Benitez

Lady Mechanika reste pour moi une aventurière digne d’un Indiana Jones mais en version bio-mécanique. Ce que j’aime particulièrement, c’est la variété de ses récits et ses voyages qui la guide parfois en quête de ses propres origines afin de comprendre pourquoi et comment elle a été transformée en une personne mi-femme mi-machine. J’aime cette plongée dans des aventures qui sont teintées de mythologie et de mysticisme.

Ce neuvième tome ne déroge pas à la règle. On y retrouve à la fois l’épique, le fantastique mais aussi une vraie part d’émotion. Lady Mechanika est toujours hantée par son mal-être à la recherche de son identité morcelée. Il faut cependant avoir lu les tomes précédents pour pleinement saisir les multiples références disséminées dans l’histoire car l’univers s’est étoffé au fil des années. Comme dans chaque récit, l’univers steampunk est magnifiquement exploité. J’ai particulièrement apprécié par exemple l’idée d’un carrosse à chenilles alimenté par de la vapeur.

Pour conclure

Ce tome n’est peut-être pas le tome le plus marquant sur le plan visuel en raison de l’absence de Benitez aux commandes des dessins. Cependant il continue de faire vivre un univers unique où se mêlent l’univers steampunk, les émotions et surtout l’aventure. Lady Mechanika reste une héroïne à part, une véritable icône du comics indépendant que je prends toujours autant de plaisir à suivre.

Lady Mechanika Tome 9 « Le Diable du lac »

Scénario : Joe Benitez et Marcia Chen

Dessins : Siya Oum

Couleurs : Mike Garcia, Beth Sotelo et Sabine Rich

Éditeur : Glénat « Glénat Comics »

Genre : Science-fiction, action et aventure steampunk

Date de sortie : 27 août 2025

Format : Couverture cartonnée

Nombre de pages : 112 pages

Prix : 15,50 € et 16,50 € cover CSA

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Avant de commencer cet article, est-il utile d’avoir lu les tomes précédents ?

©️ JRM 2025 Fox Boy Komics Initiative

Je dirais que dans les faits, il est préférable d’avoir lu les tomes précédents de Fox Boy, notamment pour comprendre le parcours de Pol Salsedo (le héros de la série) pour analyser son évolution psychologique et morale.

À l’origine, Pol n’était pas un personnage très vertueux, loin de là !

Et c’est précisément ce défaut qui sert de point de départ au développement du personnage, celui d’une personne en quête de rédemption qui est mise au défi de devenir quelqu’un de meilleur.

©️ JRM 2025 Fox Boy Komics Initiative

Mais il est quand même possible de lire ce tome 4 en stand-alone !

Pour les nouveaux lecteurs ou lectrices qui découvriraient la série par ce tome 4, l’auteur a tout prévu et a réalisé un petit récapitulatif en ouverture du tome.

Cela permet de resituer rapidement l’histoire et de rentrer dans ce nouveau chapitre sans être complètement perdu.

©2025 Komics Initiative. Montage : Nicolas Rineau. Musique proposée par Matthew May

Un héros made in France ancré dans notre réel !

©️ JRM 2025 Fox Boy Komics Initiative

Dans ce nouveau tome, on découvre que Fox-Boy a raccroché les collants de super-héros depuis cinq ans. Une parenthèse qui rappelle le fameux “Spider-Man No More”. Mais comme tout bon super-héros qui se respecte… le retour semble inévitable. Même si ce tome est essentiellement centré sur Pol, l’ombre de Fox-Boy plane toujours.

Laurent Lefeuvre continue d’imposer son style unique. J’adore son trait, son ambiance et sa capacité à retranscrire le froid, la pluie ainsi que les éléments qui traversent les pages qui nous immergent dans un quotidien tangible et local.

Fox-Boy ne saute pas de building en building à Manhattan, il évolue dans les rues de Rennes, un décor que nous pourrions voir depuis notre propre fenêtre. Cet encrage dans notre quotidien est total ! Le récit aborde des sujets de notre réalité comme par exemple, le Covid, la guerre en Ukraine, la réforme des retraites, les enjeux climatiques… Des thèmes rarement abordés dans le comics mainstream américain.

Au-delà de ces références, Laurent Lefeuvre en profite pour distiller une forme de critique sociale fine et pertinente sans jamais perdre le fil de son intrigue. Il y dénonce les absurdités de notre société comme l’indifférence, la peur, la désinformation et l’analyse de l’actualité mais toujours au travers du prisme du fantastique. Même si le côté « légende urbaine » est de mon point de vue moins présent que dans les tomes précédents, l’ensemble reste profondément romanesque et magique.

C’est quelque chose de plutôt rare dans le genre super-héroïque.

Un sens du détail qui impressionne.

Autre point fort de l’album, la richesse graphique et narrative de ce tome 4.

Comme à son habitude, Laurent Lefeuvre fourmille de détails que ce soit dans les dessins ou dans les nombreux petits encarts disséminés dans les cases. Et ce n’est pas que du simple remplissage, tout est toujours lisible, exploitable, et surtout pertinent là où beaucoup de comics US utilisent simplement des gribouillis illisibles pour illustrer des documents lus par les personnages (comme par exemple un rapport psychiatrique).

Ce soin du détail m’évoque par exemple un autre auteur, Jonathan Hickman qui insère lui aussi par exemple des extraits de journaux dans ses récits pour donner du poids à son univers. Il ne s’agit pas de documents illisibles, mais bel et bien de vrais (faux) articles de presse

©️ JRM 2025 Black Monday Murders Urban indies

Les planches oscillent entre couleurs chaudes et couleurs froides. Depuis ses débuts, Fox-Boy tisse un monde où la mythologie, les légendes urbaines et le fantastique celtique s’entrelacent. Cet ensemble forge un univers partagé appelé ROAyaume, un univers qui n’a rien à envier aux univers Marvel ou DC.

©️ JRM 2025 Fox Boy Komics Initiative

Si vous avez par exemple aimé Gideon Falls de Jeff Lemire et Andrea Sorrentino, vous reconnaîtrez ici une ambiance comparable, beaucoup moins sombre mais aussi étrange, presque hallucinatoire par moments. Laurent Lefeuvre explore des sortes de zones mentales en forme de rêveries éclatées où le héros se perd et où les pages deviennent foisonnantes comme dans une sorte de rêve.

Visuellement, ce Fox-Boy m’a aussi un peu rappelé les dessins de Mike Del Mundo dans l’excellent « WeirdWorld » qui est sans doute l’un des meilleurs tie-ins de l’événement Secret Wars de 2015. Il y’a cette même puissance graphique avec une imagination visuelle sans limite.

Nous naviguons entre hallucination visuelle et références mythologiques, tout en restant accessible avec également des dédicaces à des personnage comme Calvin et Hobbes.

©️ JRM 2025 Fox Boy Komics Initiative

Un petit mot sur la gestion de la lumière, notamment dans les scènes de nuit. Je trouve qu’il parvient à créer des contrastes dans des grandes planches sombres qui sont régulièrement tranchées par des lumières artificielles qui donnent de la profondeur aux cases. C’est comme si les lumières des logements apportaient une sorte de chaleur au milieu de ces rues pluvieuses.

Autre originalité, ce tome joue avec le quatrième mur. Comme pour Deadpool ou She-Hulk, certains passages viennent interpeller la personne qui lit le récit. C’est super habile et bien dosé

Une édition soignée

Comme pour les tomes précédents, l’édition est de grande qualité. Lors du financement participatif, plusieurs couvertures étaient proposées. J’ai personnellement opté pour la version inspirée des éditions Lug, un format vintage qui a profondément influencé Laurent Lefeuvre dans sa vision de la bande dessinée super-héroïque à la française. Un choix éditorial qui donne une saveur nostalgique tout en respectant les codes modernes du comics.

©️ JRM 2025 Fox Boy Komics Initiative

L’édition participative comprenait de nombreux goodies comme par exemple un joli aimant collector qui trône sur mon frigo ! C’est le genre de petits plus qui renforcent le lien entre les lecteur.trice.s et l’auteur.

Pour conclure

Ce nouveau tome de Fox-Boy est une nouvelle réussite. Un récit ancré dans notre quotidien servi par un dessin expressif avec un sens du détail exceptionnel, une mythologie riche, et une édition de qualité !

Avec Fox-Boy, Laurent Lefeuvre nous prouve une fois encore qu’on peut faire du super-héros autrement, sans cape ni ville américaine.

🎤🎧Si vous souhaitez en savoir plus sur Laurent Lefeuvre, vous pouvez écouter une interview que j’avais réalisé il y’a quelques années.

Fox-Boy : Fox & Pol (Tome 4)

Auteur (Scénario & dessins) : Laurent Lefeuvre

Éditeur : Komics Initiative

Parution : 27 Juin 2025

Format : Cartonné

Prix éditeur : 23 €

Format : 18.5 x 28 cm.

Pages : 144

• Disponible sur le site de l’éditeur : komics-initiative.com ou dans quelques librairies spécialisées

Bonus à la fin du tome

• Analyse de planches.

• Interview de Laurent Lefeuvre

• Questions - réponses des lecteurs et lectrices.

• Galerie de couvertures et autres références

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©️ Metropolitan FilmExport

SYNOPSIS OFFICIEL

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Pour commencer cet article, je vais être honnête avec vous, je ne suis pas du tout branché film de genre et encore moins des films gore.

Je n’avais pas été voir le film à sa sortie car j’avais très peur de revivre une expérience façon Titane de Julia Ducournau, un film qui m’avait complètement traumatisé.

©️ Julia Ducournau JRM 2021

Mais j’ai voulu tenter The Substance suite à une recommandation (dédicace @ Baptiste) et aussi pour la promesse d’un retour fracassant de Demi Moore.

Et je dois dire que ce film m’a retourné. Il y a quelque chose de dérangeant et de profondément viscéral dans ce long métrage. Coralie Fargeat qui est la réalisatrice française à qui l’on doit Revenge nous livre ici un film choc, gore qui questionne sur la place des femmes dans le monde du Show Business.

Une esthétique qui se situe entre Kubrick et body horror.

Dès les premières scènes, on sent clairement l’influence d’un certain style de cinéma. Il y a des longs couloirs interminables et une moquette qui évoque immédiatement Shining. Il y’a également des plans serrés sur les visages avec des zooms gênants ainsi que des scènes totalement psychédéliques qui flirtent avec 2001, l’Odyssée de l’espace.

La colorimétrie joue un rôle majeur dans le film. On sent que la photo est quelque chose de très important pour la réalisatrice. Quand Demi Moore est à l’écran, tout est froid et désaturé. Mais dès que Margaret Qualley apparaît, en un claquement de doigts c’est une explosion de couleurs vives (un peu dans le même esprit des films de Nicolas Winding Refn). Le contraste est violent et parfaitement maîtrisé.

Le son participe lui aussi à cette expérience sensorielle. Il y’a cette sensation d’acouphènes et de bruits étouffés qui accompagnent des montées stridentes. Personnellement, je suis quelqu’un qui attache énormément d’importance au travail sur le son, je trouve que cela peut carrément changer l’expérience d’un film. Par moment j’ai eu l’impression d’être dans la tête du personnage.

Autre élément important du film, la douche qui est récurrente devient quand à elle une sorte de lieu de purification mentale.

Et puis il y a surtout cette obsession de la nourriture filmée avec un dégoût volontaire. Un mix de textures, de bruits et de gestes exagérés qui renvoient (en tout cas de mon point de vue ) à une scène marquante de Tatie Danielle où la nourriture devient elle aussi une arme de dégoût. Cette scène de Tatie Danielle m’avait marqué dans ma jeunesse, comme quoi parfois certains plans restent à jamais dans la mémoire.

Demi Moore, un retour courageux !

Ce film ne serait pas ce qu’il est sans Demi Moore. Elle livre dans ce film une performance hallucinante, triste, violente et finalement bouleversante. Elle n’hésite pas à se mettre à nu, au sens propre comme au figuré pour incarner une star vieillissante broyée par l’industrie hollywoodienne. Demi Moore, icône absolue des années 90 ose montrer une version dégradée d’elle-même. C’est rare et courageux pour une telle icône.

Ce rôle montre ce que elle même a peut-être vécu, à savoir le rejet brutal d’Hollywood une fois la jeunesse passée. Au festival de Cannes, Demi Moore a été ovationnée pendant plus de 10 minutes.

©️ Metropolitan FilmExport

Pour le rôle elle a perdu 5 kilos et a passé jusqu’à 9 heures au maquillage pour les différentes prothèses. Elle a même développé un zona lié au stress du tournage.

Margaret Qualley, un double effrayant.

Face à elle, nous retrouvons Margaret Qualley qui incarne “la substance”. Une version jeune et parfaite d’elle-même. Le contraste est saisissant. J’avais déjà beaucoup aimé cette actrice dans « Once Upon a Time in Hollywood », elle avait je trouve un petit côté Bridget Fonda dans Jackie Brown.

À noter que certaines scènes ont nécessité des prothèses complexes parfois tellement étouffantes que l’actrice a failli faire des crises de panique.

Coralie Fargeat, la Française qui bouscule Hollywood !

Ce que je trouve dingue, c’est qu’une réalisatrice française réussisse à dynamiter l’un des genres les plus codifiés du cinéma américain.

Dans un Hollywood que je trouve en panne et aseptisé, Coralie Fargeat offre une œuvre qui propose plein d’idées neuves. Le tournage s’est déroulé en France sur une durée de 108 jours. Le film parvient à recréer l’illusion d’un Los Angeles glamour et inquiétant en France, dans les Alpes-Maritimes et notamment sur la ville de Cannes.

La majorité des scènes de transformation ont été réalisées en effets spéciaux pratiques sans avoir recours au CGI. Pour certains plans la caméra elle-même était carrément recouverte de sang. La réalisatrice a mis en place une cellule spéciale baptisée “le Labo” qui était composée d’une équipe dédiée à la conception et à l’exécution de tous les trucages en temps réel. Je vous recommande vivement le making-of qui est passionnant à regarder. Il met en lumière toute l’ingéniosité des équipes techniques qui ont réussi à créer un film spectaculaire avec très peu de numérique.

La réalisatrice indique avoir longuement hésité à proposer ce rôle à Demi Moore pensant qu’une actrice de son statut refuserait un tel degré de violence. Mais c’est après avoir lu son autobiographie qu’elle a compris que Demi Moore était prête à affronter ses propres démons à l’écran.

Le film a remporté le prix du scénario à Cannes et a été nommé à cinq Oscars. Il a gagné celui des meilleurs maquillages et a valu à Demi Moore le Golden Globe de la meilleure actrice 2025, le premier de sa longue carrière.

©️ Canal+

Plutot pas mal pour un film aussi tranchant qui critique l’industrie et son obsession de la jeunesse éternelle.

Vieillir à l’écran ,deux poids deux mesures…

J’en avais déjà parlé dans un épisode de podcast mais ce film remet le sujet en lumière. À Hollywood vieillir n’a pas du tout le même impact selon que l’on soit un homme ou une femme.

Les acteurs peuvent facilement tourner sans problème passé 50 ans. Ils continuent d’incarner des héros, des séducteurs etc... Mais pour les actrices, elles sont malheureusement souvent mises de côté dès que les premières rides apparaissent. C’est une réalité brutale que ce film dénonce. The Substance nous montre que ce système hollywoodien freine parfois des carrières car le système les juge “plus assez jeunes” pour avoir des rôles au centre des films.

Et c’est là que je trouve que le cinéma européen peut donner une leçon à Hollywood. En France ou par exemple en Italie nous voyons encore Catherine Deneuve, Monica Bellucci ou bien Fanny Ardant jouer des rôles complexes et variés. Tout n’est pas encore parfait mais ce cinéma montre que ces actrices ne sont pas effacées et sont toujours considérées comme des artistes à part entière. Demi Moore dans The Substance prouve qu’une actrice de plus de 50 ans peut non seulement porter un film mais surtout le transcender.

Une dernière partie de film qui divise

S’il fallait que je pointe un défaut, ce serait clairement le dernier quart du film. Sans spoiler, je dirais que tout ce qui avait été construit avec soin part un peu en vrille. On bascule dans de d’horreur grotesque qui ne répond malheureusement pas aux questions posées plus tôt. C’est clairement un parti pris mais personnellement j’aurais préféré que le film reste dans une veine plus psychologique. La fin m’a un peu sorti du film.

Pour conclure, un film coup de poing imparfait mais nécessaire

The Substance n’est pas un film facile. Il est dérangeant voir éprouvant. Mais c’est aussi un film essentiel, qui parle de ce que beaucoup de productions préfèrent ignorer à savoir le vieillissement des femmes et cette violence du jeunisme à Hollywood.

Et puis franchement, voir Demi Moore revenir avec une telle intensité c’est clairement un petit miracle que je salue.

Et vous, avez-vous vu The Substance ou est-ce que vous êtes prêt à plonger dans ce cauchemar glaçant ?

THE SUBSTANCE

Réalisatrice & Scénariste : Coralie Fargeat

Genre : Horreur, body horror

Pays : France / États-Unis / Royaume-Uni

Durée : 140 minutes

Festival de Cannes 2024 (Compétition officielle)

Distributeur : Metropolitan FilmExport

Casting principal :

• Demi Moore : Elisabeth Sparkle

• Margaret Qualley : Sue

• Dennis Quaid : Harvey

• Philip Ettinger, Suzanne Savoy, Hugo Diego Garcia

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©️ JRM 2025

📚 Ultimate Universe Tome 5 : Mon débriefing toujours sans spoilers

Il y a quelques mois je vous parlais de la renaissance de l’univers Ultimate chez Marvel.

🔗-COMICS- Ultimate Universe « Tome 2 » Mon débriefing sans spoils

Une relance aussi inattendue que brillante, portée par des auteurs que je trouve inspirés avec surtout des idées neuves.

Une volonté de donner un nouveau souffle aux figures iconiques de la « Maison des Idées » que nous connaissons depuis ci longtemps !

Dans mon précédent article je revenais en détail sur ce renouveau et pourquoi cette nouvelle série méritait vraiment qu’on s’y attarde. Si vous ne l’avez pas encore lu, je vous conseille de le découvrir avant de poursuivre cette nouvelle analyse toujours garantie sans spoilers.

🧭 Où en est-on au bout de 5 tomes ? Le soufflet est-il retombé ?

Bonne nouvelle, je peux dire non pas du tout !

Ce cinquième tome confirme que la qualité est toujours au rendez-vous. Alors oui, je trouve que le format choisi par Panini reste toujours discutable (notamment en termes de sélection de séries) mais cette édition reste globalement satisfaisante.

Jusqu’ici j’optais pour les variant covers en édition hardcover à 22€, mais cette fois j’ai craqué pour la couverture régulière de Dike Ruan. Je la trouve superbe avec le bouclier de Captain America qui est bien en évidence (vous me connaissez, impossible d’y résister #TeamCap)

Mention spéciale à l’impression, le rendu du bouclier donne un véritable relief visuel, une finition vraiment soignée alors que mon tome 1 Variant Cover version Pulps avait été imprimé de travers. J’en profite pour remercier Pulp’s pour son SAV impeccable, merci à eux :)

🕸️ Spider-Man , la locomotive de la série !

©️ JRM 2025

Deux épisodes (US #9 et #10) de Ultimate Spider-Man ouvrent ce tome. Et sans surprise, c’est le cœur battant de tout l’univers.

Jonathan Hickman continue de livrer un récit dense, malin et passionnant sans nous perdre comme il en a l’habitude. Le tout magnifiquement illustré (pas sur l’ensemble mais presque) par Marco Checchetto qui est clairement mon nouveau top dessinateur.

L’intrigue met en lumière Ben Parker et J. Jonah Jameson qui sont fondateurs d’un média indépendant « The Paper ». Leur journal décolle bien suite aux scoops sur Spider-Man mais ils ont toujours l’obsession de dénoncer le Caïd comme principal danger de la ville. Une croisade journalistique qui les mènera en eaux troubles. J’aime beaucoup la complicité des deux journalistes qui n’hésitent pas à narguer les personnes les plus influentes de la ville sans se soucier des conséquences. À leur manière, ils me font penser à Ben Urich, le journaliste tête brûlée de l’univers de Daredevil avec du journalisme un peu à l’ancienne.

Le duo 🕷️Peter Parker - Harry Osborn 🎃 est également lui aussi toujours intriguant. Bien qu’alliés dans cet univers je trouve qu’un doute subsiste. Harry pourrait-il basculer ? On le sent, on le redoute et cela fonctionne.

🧬 X-Men, toujours un grand non ❌

©️ JRM 2025

L’épisode de Ultimate X-Men par Peach Momoko reste pour moi complètement hors-jeu. Je n’accroche définitivement pas du tout, ni au style, ni à la narration. Je fais d’ailleurs maintenant l’impasse complète sur ce récit. D’ailleurs, je ne sais pas si cela peut être interprété comme un signe d’échec commercial mais à chaque fois que je farfouille dans des bacs VO, je tombe régulièrement sur une quantité importante de singles invendus de cette série. Cela donne l’impression qu’elle n’a pas vraiment trouvé son public…

©️ JRM 2025 (Ultimate Wolverine)

Bonne nouvelle, cette série sera j’espère bientôt rejointe (et espérons-le remplacée) par Ultimate Wolverine avec au scénario Chris Condon et à l’illustration Alessandro Cappucci. J’ai lu le premier single VO et c’est très prometteur.

👑 Black Panther, le roi contre les dieux

©️ JRM 2025

Encore également deux numéros dans ce tome 5 (#7 et #8) consacrés à Ultimate Black Panther par Bryan Hill. Récit toujours aussi solide, cette série adopte une tonalité mystique presque surnaturelle. T’Challa lutte contre des faux dieux qui manipulent la foi de son peuple. Un récit mythologique et politique à la fois où le vibranium est repensé avec des propriétés inédites. Seul bémol, les dessins de Stefano Caselli qui manquent parfois de régularité, notamment dans les proportions anatomiques.

🧪 Ultimates, la montée en puissance

©️ JRM 2025

Les numéros #5 et #6 poursuivent le récit d’Ultimates, plus en retrait pour l’instant que Spider-Man ou Black Panther mais en constante progression.On y voit apparaître un nouvel Hawkeye dans un arc qui rend hommage au mythique Spider-Man No More. Ce Hawkeye-là n’est pas simplement tireur d’élite. Il est l’héritier d’un peuple que l’histoire officielle a longtemps tenté de faire taire. Il est en effet un citoyen des Premières Nations, il incarne une mémoire et vient rappeler que l’Amérique s’est construite sur des massacres. Il est dans ce récit la voix des oubliés. Dans cet Ultimate Universe, Marvel ne détourne pas le regard de son histoire, celle des états-unis d’Amerique 🇺🇸. Fidèle à sa tradition de refléter les sujets du monde réel, la maison des idées met le doigt sur une cicatrice encore ouverte. Ce n’est pas seulement un récit de super-héros, c’est l’Histoire avec un grand H qui revient frapper à la porte.

Concernant l’équipe des Ultimates, les enjeux deviennent de plus en plus importants et les risques pour les personnages grandissent. Mention spéciale au Hulk de cet univers qui incarne une menace absolue et incontrôlable. Bien plus qu’un simple adversaire, il apparaît comme une bête déchaînée, un véritable cauchemar vivant avec une absence totale de remords. Flippant et vicieux, il suscite un véritable malaise à chacune de ses apparitions. On en vient à attendre le moment où quelqu’un parviendra enfin à le stopper pour lui faire ravaler son arrogance.

Ce n’est pas aussi percutant et marquant que le Ultimates version Mark Millar mais vous verrez que l’issue #6 marque un vrai tournant narratif.

📘 Faut-il continuer ce format 100% ? Que faire si vous voulez débuter ?

©️ JRM 2025

Personnellement je vais continuer cette aventure Ultimate dans ce format même si tout n’est pas parfait. Mais si vous n’avez pas encore commencé et que vous êtes curieux du Spider-Man de Hickman, une bonne nouvelle se profile !

👉 Un Marvel Deluxe Ultimate Spider-Man sortira le 5 novembre 2025 regroupant les épisodes dans un format plus élégant.

📌 Cette édition ne contiendra pas les récits Black Panther ou Ultimates, mais vous éviterez la série X-Men que je trouve dispensable. À vous de choisir selon vos priorités.

📅 Prochain rendez-vous

Le tome 6 d’Ultimate Universe est prévu pour le 4 août 2025. J’en reparlerai bien sûr à sa sortie, je pense sur Instagram

Ultimate Universe Tome 5

Collection : 100 % Marvel

Éditeur : Panini Comics

Scénaristes : Bryan Edward Hill, Deniz Camp, Jonathan Hickman

Dessinateurs : Juan Frigeri, Marco Checchetto, Stefano Caselli

Sortie : 4 juin 2025

• Ultimate Spider-Man #9‑10

• Ultimate X‑Men #8

• Ultimate Black Panther #7‑8

• Ultimates #5‑6

Version cartonnée : 22€

Version souple : 16 €

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©️Cédric Tassan

L’Aventure à l’état brut, loin du superflu !

En avril 2024 je vous avais déjà parlé de Cédric Tassan, un aventurier hors norme découvert lors d’une projection du festival «Tous en Selle », un festival itinérant qui a traversé la France, la Belgique, le Luxembourg, le Canada et qui avait même fait escale dans la salle du Grand Rex à Paris.

Article dispo ici👈

Un moment qui a marqué ma mémoire car il se situait à seulement quelques mois de ma propre aventure, une course de cyclisme d’ultra distance de 300 km qui était au départ du pied du Mont Ventoux.

©️JRM 2024

Cette aventure bien que finalement inachevée suite à une défaillance physique m’a transformé bien au-delà de ce que j’aurais pu imaginer.

Un an plus tard je comprends que ce moment de bascule vécu sur les pentes qui ont suivis le Ventoux a finalement été un point de bascule bien plus profond. Il m’a appris à admirer plutôt que simplement avancer. À aussi écouter mon corps, cet allié finalement si fragile. J’ai goûté à mon échelle une fraction de ce que Cédric Tassan endure puissance mille lors de ses expéditions en solitaire. Pas seulement l’effort. La solitude, l’imprévu, le doute et surtout l’acceptation. Je suis aujourd’hui convaincu que l’essence même de l’aventure ne réside pas seulement dans la réussite ni dans la performance. L’aventure peut simplement naître au pied de son immeuble en partant rouler de longues heures dans la nature en empruntant des chemins improvisés

L’Asie centrale, terrain d’humanité.

©️Cédric Tassan

Spécialiste de l’Asie centrale, Cédric Tassan parcourt des terres reculées qui sont clairement inaccessibles et où parfois la route n’existe même pas. Il pose ses roues là où aucun autre vélo n’a sans doute jamais posé les siennes.

Le relief de l’Ouzbékistan est très hostile, dangereux et les pistes sont quasi impraticables, la nature reprend ses droits. Elle rappelle que l’humain n’est pas maître partout et qu’ici encore plus qu’ailleurs c’est elle qui décide.

Ce qui frappe dans ce voyage c’est la bienveillance des personnes rencontrées. Dans ces montagnes coupées du monde, les gens ne comprennent pas forcément ce qu’un homme équipé simplement d’un vélo vient faire là… mais ils s’inquiètent pour lui. À chaque rencontre il tendent la main et offrent l’hospitalité.

Je pense par exemple à ces deux frères bergers qui étaient isolés au milieu de nulle part et qui ont invité Cédric à dormir près de leur campement. Ils n’avaient plus beaucoup d’eau mais ils en ont quand même partagé avec lui. Avant de repartir, Cédric leur laisse une photo d’eux trois imprimée à l’aide d’une mini-imprimante. Ce simple geste les émerveille. Une image, un souvenir, un lien. Cédric va faire cela à chaque fois et c’est toujours la même joie pour les personnes avec qui il partage ces photos.

Un acte simple qui fait réfléchir pendant que dans nos sociétés nous n’en finissons plus d’acheter pour exister.

Voyager autrement pour vivre pleinement

J’ai également décidé de ralentir, d’éviter par exemple l’avion et de privilégier des voyages plus « terre à terre » où le trajet est finalement aussi précieux que la destination.

Le vélo chez Cédric Tassan n’est pas seulement un moyen de locomotion. C’est un liens. Le vélo à cette particularité de créer de la curiosité et il brise la méfiance et déclenche le dialogue.

Un documentaire d’une rare intensité

Le film de Cédric Tassan comme l’ensemble de ses films est unique à bien des égards. Il part seul et tourne seul avec son drone et ses caméras embarqué ce qui l’oblige à vivre deux journées en une. Celle d’un explorateur et celle d’un réalisateur de film. Les images sont clairement à couper le souffle. Certaines séquences paraissent venues d’une autre planète tant les paysages semblent irréels. Mais ce n’est pas simplement qu’un film avec de belles images. C’est également une introspection, un hommage à la fragilité humaine confrontée à l’immensité du monde.

Le film alterne entre des passages filmés sur le terrain et des moments plus personnels où Cédric essaye d’en apprendre plus sur ces différents hôtes.

En résumé qu’est ce que Cédric Tassan nous apprends au travers de ses documentaires ?

Que l’aventure dépend de l’engagement.

Que le lien vaut plus qu’un objet.

Que ralentir peut être un choix révolutionnaire.

Et surtout que parfois une simple photo peut bouleverser plus que mille mots.

Si vous cherchez une inspiration sincère, regardez les films de Cédric Tassan. Le genre de contenus que personnellement je préférais voir plus souvent et qui apportent du positif dans ce monde où tout semble aller mal.

Et qui sait, peut-être qu’à votre tour vous prendrez le guidon !

« Zarmas »

Disponible sur la chaîne YouTube de Cédric Tassan

©️Cédric Tassan

📅 Durée : 83 minutes

📽️ Sortie : Novembre 2023

📺 Format : UHD (Ultra Haute Définition)

🎬 Réalisation & Images : Cédric Tassan

🎞️ Montage : Cédric Tassan

🎧 Mixage : Elory Humez (Label 42)

🔊 Montage son : Mathieu Frelin (Label 42)

🎥 Production : VTOPO, SUNN, DT SWISS, MET, HUTCHINSON

📍 Diffusion : Cinéma & Festivals

Sélections en festivals 2024

🎒 Envie d’Ailleurs – Mouans-Sartoux

🥾 Festival des Randonnées – Mende

🚴 Cycling Event – Aubagne

🚲 Fête du vélo – Vizille

🌍 WAT – Montpellier

📚 Rendez-vous Carnet de Voyage – Clermont-Ferrand

🏕️ Xplore Festival

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🎧👆Article en version audio. Article sans spoilers

Les Batman qui m’ont le plus marqué ces dernières années sont clairement ceux de Sean Murphy, notamment avec sa série Batman White Knight, où les origines du personnage étaient revisitées en inversant les rôles classiques du Chevalier Noir et du Joker.

©️JRM 2023 Sean Murphy & Katana Collins

Sean Murphy qui est connu pour son style graphique nerveux avait redéfini mon approche sur les récits hors continuité. Je ne pensais pas replonger aussi rapidement dans ce genre d’univers alternatif, encore moins sur du DC Comics sachant que je suis de base plus un lecteur Marvel que DC.

Et pourtant, Batman Absolute s’est imposé comme une véritable surprise, un coup de cœur inattendu car je ne l’ai pas vu venir.

Une découverte accidentelle…

©️JRM 2025

C’est un peu par hasard que j’ai découvert ce récit. J’avais à la base acheté le « DC Absolute Collector 2025 » édité par Comic Shops Assemble (un regroupement de libraires spécialisés), qui contient un chapitre de Batman, un de Wonder Woman et un de Superman. Mon but était de faire signer ce numéro par Rafa Sandoval, le dessinateur de Absolute Superman qui était présent sur la convention où j’étais allé.

Je ne m’attendais donc pas à tomber sur un nouveau récit de Batman aussi marquant. Et pourtant, c’est exactement ce qui s’est passé. Les trois séries « Absolute » ont pour objectif de réinventer l’histoire des trois figures emblématiques de DC (la trinité) dans une version totalement hors continuité. Si vous êtes débutant.e dans l’univers des comics, cette nouvelle ligne éditoriale peut être un excellent point d’entrée. Il faut simplement garder à l’esprit qu’il s’agit ici d’origines revisitées qui ne suivent pas la chronologie classique. Mais soyons honnêtes , la plupart des gens connaissent déjà les grandes lignes des origines de Batman, Superman ou Wonder Woman, donc je pense que cela n’est pas un problème.

Un début en demi-teinte, mais une montée en puissance

À la lecture du premier chapitre, je dois l’avouer , je n’étais pas 100 % convaincu par l’histoire de ce nouveau Batman.

Les récits de Superman et Wonder Woman m’avaient davantage percuté. Il y avait cependant sur le Batman comme une étincelle, un potentiel qui m’a incité à ne pas lâcher prise. C’est pour cela que j’ai donc décidé de prendre le premier tome du Absolute Batman. Et franchement, je ne le regrette pas une seconde !

Scott Snyder. Le retour inattendu d’un scénariste en perte de vitesse !

©️JRM 2025

Le récit est écrit par Scott Snyder, un nom qui est indissociable de la décennie passée chez DC. C’est un des architectes des New 52, avec des arcs de Batman devenus aujourd’hui cultes comme « La Cour des Hiboux » (parution en France de 2012 à 2016) où le Chevalier Noir affronte une société secrète qui se cache dans l’ombre de Gotham. Une saga considérée comme un classique moderne et qui a bénéficié de nombreuses rééditions en France.

Cependant, avec le temps j’ai trouvé que les histoires de Snyder perdaient en puissance narrative.

J’ai fini par décrocher avec les Batman de Snyder avec son Last Knight on Earth (2019), un récit post-apocalyptique dessinée par Capullo, magnifique visuellement mais décevant sur le plan scénaristique.

©️JRM 2025

C’est donc avec une certaine méfiance que j’ai donné une nouvelle chance à Snyder avec le Absolute Batman.

Et je dois le dire franchement , il m’a totalement surpris. Moi qui n’attendais plus rien de ce scénariste surtout sur du Batman, je dois admettre qu’il signe ici un retour fracassant, riche en idées et en innovations. Comme quoi, il ne faut jamais enterrer un auteur même s’il nous a déçus par le passé.

Un Batman jeune, sans fortune, mais incroyablement déterminé

©️JRM 2025

Dans cette version revisitée, les origines des personnages sont totalement repensées. Par exemple, James Gordon est désormais le maire de Gotham, Alfred est une sorte d’ancien soldat super entraîné et Selina Kyle (Catwoman) est ici une amie d’enfance de Bruce. Il y’a d’autres amis d’enfance surprenant mais je ne vais pas vous spoiler. Quant à Thomas Wayne, il a été tué non pas dans une ruelle glauque mais en protégeant ses élèves d’une fusillade dans un zoo (il n’est pas milliardaire dans ce monde mais enseignant).

Un traumatisme majeur que Bruce vivra en direct et qui le marquera à vie. Sa mère quant à elle est toujours vivante contrairement à son origine story.

Ce Batman alternatif est jeune, sans fortune familiale mais il est doté d’une intelligence exceptionnelle. Il travaille dans divers domaines comme l’architecture, la mécanique, l’électronique uniquement dans le but d’acquérir les connaissances nécessaires à son grand objectif , devenir le protecteur de Gotham.

Comme une chauve-souris qui cartographie son territoire, Bruce apprend à connaître Gotham dans ses moindres recoins dont notamment le réseau d’égouts qui lui permet de se fondre dans la ville et de disparaître à volonté.

Ce n’est pas le Batman milliardaire qu’on connaît mais un homme ordinaire, un citoyen lambda qui avec la force de sa volonté et de son intellect devient le Chevalier Noir. Le Batman stratège et détective est ici parfaitement incarné , chaque combat est préparé, chaque plan élaboré. Chaque décision est issue d’une logique tactique quasi militaire.

Une composition visuelle percutante

Dans ce récit, Batman affronte un groupe criminel baptisé « Les Bêtes de Soirée », une organisation criminelle mystérieuse et dangereuse. Leurs motivations est de semer le chaos et leur présence ajoute une tension palpable à chaque chapitre.

La composition des planches signée Nick Dragotta est clairement l’un des grands atouts du récit. Dragotta, connu par exemple pour son travail sur East of West avec Jonathan Hickman (auteur dont je suis fan) joue ici sur une alternance audacieuse de cases larges et de petites vignettes, parfois juxtaposées à des illustrations grand format. Le résultat donne un récit visuellement dynamique, presque cinématographique. Perso j’écoutais la bande originale de Batman Begins lors de ma lecture, l’immersion était totale !

Le style graphique évoque fortement l’esthétique fin 80, début 90 avec un côté rétro rappelant « The Dark Knight Returns » de Frank Miller avec des jeux de lumière sur les visages ou bien encore le Daredevil Father de Joe Quesada (publié en 2005). Le récit semble hors du temps !

Personnellement, j’ai opté pour la version noir et blanc de chez Urban qui colle parfaitement avec cette ambiance sombre, poisseuse, presque polar.

©️JRM 2025

La version colorisée à de mon sens pas du tout le même impact et affaiblit l’intensité. Le grand format permet aussi de mieux apprécier la richesse des détails. À mon avis, c’est la seule manière de vraiment plonger dans ce récit, bien plus lisible et immersive que le format compact du Absolute Collector qui a faillit ne pas me faire acheter ce Batman

Un Batman bestial et organique

Le costume de Batman est l’un des éléments les plus marquants. Il est organique, presque animal, donnant une présence physique écrasante au personnage. Avec sa silhouette imposante (il mesure 2,14 mètres avec l’armure), ce Batman est plus impressionnant que jamais. Le lien avec la chauve-souris est ici poussé à son paroxysme jusque dans les textures et les formes du costume.

Les véhicules ne sont pas en reste. Si Sean Murphy avait redéfini le Batmobile dans son univers Batman White Knight, Snyder et Dragotta proposent des machines improbables presque industrielles. On sent presque le kérosène et on entend les vrombissements sortir des pages. C’est presque viscéral de vivre une telle expérience.

Le gros point faible, le changement de dessinateur

Mais tout n’est pas parfait dans ce Absolute Batman. Le principal défaut de ce tome c’est le changement de dessinateur au chapitre 4. On passe brutalement de Nick Dragotta à Gabriel Hernández Walta. Ce dernier connu pour son travail plus intimiste sur The Vision (avec Tom King chez Marvel), a un style très BD indépendante, proche de la bande dessinée franco-belge.

Ce changement est un choc visuel total. Le dessin de Walta bien que bon en soi ne colle pas du tout avec l’ambiance installée précédemment. On perd le dynamisme, la puissance graphique. Ce type de transition est courant dans le monde des comics, les artistes alternent pour respecter les délais mais ici le contraste est trop brutal. Ils auraient vraiment dû choisir un artiste plus proche de l’esthétique de Dragotta pour ne pas briser l’immersion. Heureusement il est présent que sur un seul chapitre.

Un coup de cœur inattendu !

En résumé, Absolute Batman est un récit ambitieux, sombre et intelligent porté par un Scott Snyder inspiré comme rarement ces dernières années et sublimé par un style graphique vraiment audacieux du moins jusqu’au chapitre 4.

C’est une œuvre à part, à lire absolument si vous aimez les relectures sérieuses et sombres du personnage. Et surtout, je vois comme une rédemption inattendue d’un scénariste que je croyait avoir perdu.

Absolute Batman

Scénario: Scott Snyder

Dessin & Couleurs : Nick Dragotta (dessin), Frank Martin (couleurs) et Gabriel Hernández Walta

Éditions : Urban Comics

Episodes US : Absolute Batman #1–6

Édition couleur : 184 pages

Édition noir & blanc : 192 pages

Edition couleur : 22 €

Edition noir & blanc : 29 €

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©️ JRM 2025

Cela faisait un petit moment que je ne vous avais pas parlé d’une de mes lectures.

Il est donc temps d’y remédier !

Aujourd’hui je vous présente donc sans spoilers le comics « The One Hand & The Six Fingers » un récit unique qui restera à coup sûr l’un de mes grands favoris de l’année 2025.

Le pitch officiel

2873. À Neo Novena, l'inspecteur Ari Nassar fête à peine son départ en retraite qu'un meurtre le replonge instantanément dans une affaire vieille de vingt-trois ans. Trente-deux victimes, une empreinte palmaire unique à six doigts et deux assassins au même modus operandi déjà placés sous les verrous par Ari lui-même.

Alors qui ? Et pourquoi maintenant ?

Non loin de là, l'étudiant en archéologie Johannes Vale réalise avec horreur qu'il n'est peut-être pas étranger à ce crime brutal, seulement... il ne se souvient de rien

Huit mains pour un seul frisson !

Ce comics à la particularité d’être une œuvre collective

Coté scénario, Ram V (Batman Nocturne, Aquaman Andromeda) et Dan Watters (Batman Dark Patterns, L’étrange créature du lac noir vit toujours) unissent leurs talents d’écriture.

Un duo de scénaristes pour un récit aussi court, une idée risquée qui pourtant fonctionne à merveille !

L’histoire est brillamment construite dans une ambiance de polar noir classique. Un vieux flic qui reprend du service pour une ultime enquête qu’il avait pourtant bouclé quelques années auparavant. Une recette bien connue mais qui ici est transcendée par un univers unique. Une sorte de croisement entre Blade Runner et Taxi Driver. Un futur rétro-futuriste mais pas tant que ça, crasseux, dense et profondément axé sur l’humain.

Chaque numéro approfondit un peu plus la traque d’un tueur qui semble lui-même perdu. La recherche de la vérité se joue à plusieurs niveaux ce qui offre un récit riche et atypique. Le récit ne tombe pas dans les pièges de certains projets ambitieux mais souvent déséquilibrés (je pense par exemple à Department of Truth dont le premier tome était de mon point de vue très brillant mais qui malheureusement s’effondre dès le tome 2 )

©️ Urban Comics

The One Hand & The Six Fingers maintient une cohérence remarquable. On n’est pas loin de la qualité d’écriture d’un Ed Brubaker et ça je pense que c’est un sacré compliment.

Un travail graphique remarquable

Côté illustrations on retrouve Laurence Campbell (Deadpool Pulp, Old Haunts) et Sumit Kumar (Spider-Man Black Suit & Blood).

Ce tandem est parfaitement synchronisé. Ensemble ils donnent vie à l’univers des scénaristes avec une grande efficacité. Les cases transpirent la crasse des rues et on jurerait presque sentir l’odeur de la cigarette s’échapper des pages, j’adore vivre ce genre de sensation lors d’une lecture. Les jeux de lumière sont dominés par des rouges, des orangés et une sorte de bleu glacial qui créent une véritable signature d’ambiance.

©️ JRM 2025

On est clairement dans la veine d’un Sean Phillips (et je peux vous dire que j’aime énormément ce dessinateur)

Ce type de scénario et de graphisme prouvent une fois encore que les comics ne se résument pas uniquement à des récits de super-héros. Avec un format plus grand on pourrait presque croire que nous avons à faire à un récit franco-belge tant l’esthétique est léchée. C’est du grand art tout simplement.

Une publication au format audacieux

Urban Comics a fait un pari éditorial très audacieux que je trouve réussi.

Le comics a été publié en cinq numéros au format souple à raison d’un par mois de janvier à mai 2025, pour 7,90€ l’unité (hors fourreau qui permet de ranger l’ensemble)

Ce choix de publication (mais en format rigide) m’a rappelé la réédition de Watchmen en 2020 sous sa forme d’origine avec deux numéros par mois.

Lire The One Hand & The Six Fingers mensuellement m’a permis de savourer chaque numéro et d’attendre la suite avec impatience. Ce choix de publication a créer un véritable rendez-vous chez mon libraire.

Alors oui, cela revient peut-être au final plus cher qu’une intégrale en hard cover mais l’expérience de lecture en vaut la peine. Et finalement, lisser mensuellement cela revient moins cher qu’acheter un paquet de cigarette chaque mois.

On se rapproche du format single tel qu’il existe aux États-Unis. Et comme je l’explique dans mon podcast sur les formats US, ce mode de publication peut transformer la façon dont on perçoit une œuvre. Je pense que quand je regarderais dans ma bibliothèque ces numéros dans quelques années j’aurais clairement ce souvenir d’expérience de lecture.

Pour conclure

The One Hand & The Six Fingers est pour moi un sans-faute.

Un récit original brillamment écrit et illustré avec une publication dans un format qui redonne du souffle au marché français du comics.

Un immense bravo à Urban Comics pour cette prise de risque éditoriale. J’espère vraiment qu’ils poursuivront dans cette direction et continueront à nous proposer des récits forts dans des formats originaux.

Bref, pour l’instant mon coup de cœur absolu de cette année 2025.

The One Hand & The Six Fingers

• Collection : Urban Indies

• Scénaristes : Ram V & Dan Watters

• Dessinateurs : Laurence Campbell & Sumit Kumar

• Traducteur : Maxime Le Dain

• Tomes disponibles : 5 sur 5 (publication mensuelle terminée)

Je vous donne rendez-vous prochainement pour un nouvel article (ou épisode de Podcast).

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©️ JRM 2025

(Article version audio☝️)

Une résurrection inattendue du MCU ?

Soyons honnêtes, depuis Avengers Engame le MCU semblait gravement s’essouffler.

Entre projets incohérents, effets visuels ratés et récits aux saveurs fades, chaque nouvelle annonce du studio suscitait en moi plus d’inquiétude que d’excitation.

Alors quand Thunderbolts a été officialisé, j’ai de nouveau craint à un gros ratage monumental à la sauce Suicide Squad.

©️ Marvel Studios

Eh bien je dois le dire, je me suis trompé. Que ce soit avec ce film, Deadpool & Wolverine ou bien Captain America Brave New World, les nouveaux projets commencent à de nouveau me faire croire au MCU.

Un lien fort avec Black Widow

©️ Marvel Studios

Ce qui sauve d’après moi Thunderbolts, c’est clairement le choix de son point d’ancrage à savoir Black Widow.

Un film malheureusement souvent boudé voir ignoré alors qu’il est pourtant intéressant. Son principal défaut est simplement d’être sorti au mauvais moment dans la timeline du MCU.

En misant sur le personnage de Yelena, le film trouve une véritable émotion. Florence Pugh incarne une fois de plus brillamment le personnage de Yelena qui est toujours hantée par son passé de tueuse programmée depuis l’enfance. Elle est également profondément marquée par la perte de sa sœur (Natasha Romanoff).

Ce deuil traité sans filtres donne selon moi une belle densité au film.

Une équipe improbable… mais attachante

🇺🇸John Walker

Je partais de base avec un a priori très négatif sur John Walker. Dans Falcon and the Winter Soldier je le trouvais plutôt agaçant et caricatural avec son costume low cost de Captain America. Mais dans ce film, le scénario lui donne enfin de la profondeur. Il reste ambigu mais il est bien plus humain que lors de sa première apparition. Il est finalement plus un soldat brisé qu’un réel antagoniste.

⚒️Red Guardian

Toujours fidèle à lui-même, Red Guardian (David Harbour) apporte de nouveau sa dose d’humour. Mais là où le film est malin, c’est qu’il en fait un point d’ancrage émotionnel pour Yelena. Ce « père » malgré lui ajoute un supplément d’âme au film et son humour un peu lourd se révèle être un peu comme une façade. Il est au final fière de ses “filles” et cela le rend touchant et émouvant.

🫨Ava Starr

Ghost, alias Ava Starr est malheureusement le maillon faible de cette équipe. Peu développée voir floue (un peu comme son pouvoir), elle reste pour moi trop transparente dans le récit. Une occasion manquée d’explorer un personnage qui aurait pu apporter davantage de nuance.

🦾Bucky Barnes

Même s’il est à mon goût un peu trop en retrait, Bucky reste l’un de mes personnages préférés. Petite anecdote, un de mes chats s’appelle Bucky, c’est vous dire comme j’aime ce personnage.

Une fois de plus, il ne déçoit pas !

Il porte d’ailleurs la meilleur scène d’action du film, une réussite en terme de mise en scène. Une scène qui est un mélange entre « Le Soldat de l’Hiver », la classe de Tom Cruise dans « Mission Impossible 2 » et un petit côté du T-800 dans « Terminator 2 »

Oui, rien que ça 😎 !

C’est selon moi l’une des meilleures scènes d’action du MCU de ces dernières années. Je trouve que Bucky agit comme un pont entre l’ancienne ère du MCU (celle qui fonctionnait si bien) et celle qui se dessine aujourd’hui. Sa petite apparition dans Captain America Brave New World était également très bien placé.

Sentry, le héros brisé que le MCU attendait ?

Un personnage complexe

©️ JRM 2025

Si vous avez vu les bandes-annonces, vous aurez très certainement vu que Sentry fait sa grande entrée dans le MCU.

Personnellement j’aime beaucoup ce personnage et j’attendais depuis longtemps son arrivée dans l’univers ciné, même si j’avais un peu peur car cela pouvait très facilement se « casser la gueule ».

J’ai découvert ce personnage en comics créé par le scénariste Paul Jenkins et le dessinateur Jae Lee au début des années 2000. Le personnage était présenté comme un super-héros oublié de toutes et tous, dont l’existence avait été effacée de la mémoire collective.

Doté de pouvoirs comparables à ceux de Superman, Sentry est aussi tourmenté par son alter ego maléfique, The Void qui symbolise sa part d’ombre.

Comme souvent chez Marvel et fidèle à sa tradition d’aborder des sujets de société, cette série traite avec force du thème de la santé mentale.

©️ JRM 2025

Dans le cas de Sentry, le comics abordait clairement la schizophrénie. Je ne pensais pas que les scénaristes du MCU oseraient aller sur ce terrain, ni qu’ils trouveraient une piste de scénario crédible pour l’intégrer au personnage.

Eh bien ils ont réussit ce tour de force !

Même si aucun nom précis n’est donné aux troubles mentaux de Bob, sa pathologie est très bien mise en image et je trouve que c’est une excellente idée de montrer les combats intérieurs que peuvent vivre les personnes touchées par ce genre de maladie.

Visuellement je dis bravo au équipes des SFX, le film se rapproche vraiment de l’univers du comic book.

On est dans la tête du personnage mais l’esthétique ne nous perd jamais dans des décors WTF comme ce fut le cas par exemple dans « Doctor Strange in the Multiverse of Madness ».

Une bande originale avec des bribes marquantes

Cela faisait bien longtemps qu’un film du MCU ne m’avait pas interloqué par sa bande originale. Thunderbolts renoue avec une vraie intention musicale et ça fait du bien. Je pense notamment au morceau “Not Alone” qui m’a touché.

Il accompagne à merveille le côté psychologique avec une touche de mélancolie. Pas d’excès mais juste une composition sobre qui colle parfaitement au sentiment d’isolement et de guerre contre soi-même.

Un film qui porte malgré tout les cicatrices du MCU

Malgré toutes ses qualités, Thunderbolts ne s’affranchit pas totalement des fameux travers typiques du MCU.

L’humour toujours omniprésent vient souvent désamorcer les scènes d’émotion. À plusieurs reprises une émotion sincère naît… pour être aussitôt brisée par une ou deux vannes placées en plein milieux.

C’est un très gros problème récurrent, et je n’arrive pas à comprendre pourquoi Marvel Studios persiste dans cette direction malgré les critiques nombreuses et récurrentes que ce soit de la part du public ou bien de la presse. Et le pire, c’est que cette mécanique a été dupliqué sur pas mal de grosses productions hors films du MCU.

Conclusion, un espoir retrouvé !

Entre Captain America Brave New World que j’ai apprécié et Thunderbolts, Marvel Studios semble enfin redresser la barre. Je pense que le chemin est encore long, mais mon attention est à nouveau captée. Reste à voir si le futur Fantastic Four confirmera cette bonne dynamique… ou replongera le MCU dans ses travers post Engame.

Thunderbolts

Réalisateur : Jake Schreier

Scénaristes : Eric Pearson, Lee Sung Jin

Production : Kevin Feige

Studio : Marvel Studios

Distribution : Walt Disney Studios Motion Pictures

Genre : Super-héros, Action, Thriller

Marvel Cinematic Universe (MCU) Phase 5

Date de sortie : 30 avril 2025

Florence Pugh : Yelena Belova

Sebastian Stan : Bucky Barnes

Wyatt Russell : John Walker

David Harbour : Alexei Shostakov (Red Guardian)

Hannah John-Kamen : Ava Starr

Julia Louis-Dreyfus : Valentina Allegra de Fontaine

Olga Kurylenko : Antonia Dreykov (Taskmaster)

Lewis Pullman : Bob (Sentry)

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©️JRM 2025

Dans cet article (que vous pouvez également retrouver en version audio sur le podcast), je vous propose de revenir sur la fin de Daredevil Born Again en prolongeant l’analyse que j’avais entamée dans un épisode de podcast et où je m’étais arrêté à l’épisode 7 en mode full spoilers.

Si vous souhaitez écouter l’épisode en question le lien est ici

⚠️Attention : Cet article contient de nombreux spoilers.

Si vous n’avez pas encore terminé la saison de Born Again, je vous recommande vivement d’y revenir une fois les épisodes visionnés.

©️MARVEL ENTERTAINEMENT DISNEY+

Une adaptation fidèle, mais jusqu’à un certain point…

Comme je le soulignais dans l’épisode de podcast, les 7 premiers épisodes s’inspiraient clairement du run de Charles Soule avec son Daredevil publié il y a quelques années.

©️JRM 2025

Malheureusement les épisodes 8 et 9 semblent s’éloigner de cette base et à ma connaissance ils ne font plus référence à un arc spécifique issu des comics.

✅Ce que la fin de série réussit

Le Caïd se montre enfin 

Wilson Fisk révèle enfin sa véritable nature et dévoile son plan machiavélique préparé depuis le début de la saison.La scène où il s’en prend au chef de la police est choquante, marquante et on retrouve enfin le Caïd brutal et stratégique que les lecteurs et lectrices de comics connaissent bien.

Cette démonstration de puissance rappelle des scènes iconiques du comics Born Again original où il terrasse à lui seul plusieurs combattants.

Le lien entre Fisk et la nourriture que j’ai déjà mentionné dans mon podcast est de nouveau présent, un détail qui alimente sa dimension obsessionnelle et psychologique. C’est un des rares langage de cinéma qui a été respecté tout au long de la série.

Vanessa Fisk, la complice diabolique 

Vanessa s’impose comme un personnage redoutable. Elle incarne la froideur et la manipulation, nous avons devant nous un couple à la manière de Thanos et la Mort de l’univers Marvel Comics. Leur duo devient de plus en plus fascinant même si il est au final effrayant.

Un Punisher en mode Terminator 

Frank Castle nous offre des séquences de combat intenses face aux policiers corrompus arborant son emblème. Un clin d’œil qui est loin d’être anodin et qui fait référence au monde réel où le logo du Punisher a malheureusement été récupéré par certains policiers américains pour justifier leurs actions violentes. Cela rappelle aussi que Marvel Comics a dû modifier ce symbole dans les comics en 2022 pour prendre de la distance avec ces détournements.

❌Ce qui ne fonctionne pas dans ce final

Karen Page, une apparition incohérente. 

J’ai toujours eu du mal avec cette version de Karen alors que je la trouve beaucoup plus complexe dans les comics. Je trouve que l’actrice nous livre toujours un jeu assez monocorde et son retour dans l’épisode final avec une solution tombée de nulle part manque cruellement de logique.

Le Punisher, une décision incompréhensible.

Pourquoi Frank Castle s’aventure-t-il seul dans l’antre du Caïd alors qu’il sait pertinemment qu’il n’a aucune chance ? À part invoquer sa tendance suicidaire, ce choix me paraît totalement incohérent et affaiblit de mon point de vue le côté stratégique et militaire du personnage.

Matt Murdock, l’homme d’acier ?

Même si Daredevil est endurant, le voir se battre après avoir reçu une balle dans le thorax casse la crédibilité du personnage. Il reste un être humain et cette scène semble oublier ses limites physiques, ce qui l’éloigne de ce qui rend Matt intéressant à savoir sa vulnérabilité. Ce n’est ni Wade Wilson ni Wolverine.

Toujours pour parler de cette fameuse balle qu’il prend à la place du caïd, je trouve la réaction de Fisk un peu déconnectée du personnage. Il est certes violent et machiavélique mais il a je pense de l’honneur. Sa réaction en mode « il faut aller achever Matt à l’hôpital » me paraît peu cohérente. Je pense au contraire qu’il préfère voir souffrir Matt plutôt que de le tuer. Et au fond, il a je pense un certain respect pour lui car tous les deux viennent des bas-fonds et même si leurs objectifs sont différents il respecte Matt.

Une fin à la sauce « Dark Knight Rises »?

Cette tentative de mobilisation de la population contre un méchant vilain ayant pris le contrôle de la ville m’a grandement fait penser à Batman The Dark Knight Rises. Le parallèle est frappant, presque dérangeant tant l’inspiration paraît flagrante.

De plus, le tournage de ce Batman se déroulait aussi à New York. Et même si Nolan a voulu nous faire croire qu’il s’agissait de Gotham cela n’a pas fonctionné contrairement à ses deux premiers films sur le Batman qui prenaient place à Chicago (lien de mon article «Sur les traces des Batman de Christopher Nolan » si vous voulez en savoir plus)

🤔Conclusion, une promesse non tenue.

Jusqu’à l’épisode 7, la série me semblait bien maîtriser l’héritage des comic book. Mais la fin me donne l’impression d’un virage maladroit peut-être pour préparer une adaptation très allégée du comics Shadowland où Matt devient le leader impitoyable de la Main.

©️JRM 2025

En version série on peut s’attendre à une version édulcorée mais espérons qu’elle soit bien écrite même si ce n’est pas mon arc préféré sur le personnage.

Et si cette suite marquait le grand retour de Luke Cage, Iron Fist et Jessica Jones, prêts à épauler Matt dans sa guerre ? Et pourquoi pas voir débarquer Spider-Man même si je pense malheureusement que cette dernière option relève presque de l’impossible.

Cette fin de saison me laisse un sentiment d’inachevé.

Le ton urbain centré sur le côté avocat donnait pourtant une touche réaliste et humaine que je trouvais bienvenue. Malheureusement, comme j’ai pu le lire dans la presse, la série semble avoir été amputée d’épisodes ce qui nuit à sa cohérence globale. Les nombreux reshoots se ressentent et on devine que le scénario a été modifié en cours de route.

Pour conclure cet article, je dirais que l’on termine cette saison comme un repas sans dessert ni café, un peu frustré avec la sensation qu’il manque quelque chose.

Daredevil: Born Again

Réalisateurs : Matt Corman, Chris Ord, Dario Scardapane

Casting : Charlie Cox, Vincent D’Onofrio, Deborah Ann Woll, Elden Henson, Margarita Levieva

Genre : Action, Drame, Fantastique

Durée moyenne par épisode : 55 minutes

Nombre d’épisodes : 9

Date de sortie : 5 mars 2025

Studio : Marvel Studios

Producteurs : Kevin Feige, Matt Corman, Chris Ord

Plateforme de diffusion : Disney+

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©️ JRM 2025

Avant d’entrer dans le vif du sujet, je dois vous dire quelque chose, je suis 100 % Team Cap !

Depuis toujours j’ai un attachement particulier à ce personnage et par conséquent, j’ai tendance à être exigeant sur ses adaptations cinématographiques. Jusqu’à présent, j’ai apprécié l’ensemble des films Captain America, avec une mention spéciale pour « Le Soldat de l’Hiver », qui reste pour moi une référence du MCU.

PITCH OFFICIEL

« Peu après avoir fait la connaissance du nouveau président des Etats-Unis Thaddeus Ross ( interprété par Harrison Ford qui fait ici ses débuts au sein du MCU) Sam Wilson se retrouve plongé au coeur d'un gigantesque incident international. Dans une lutte acharnée contre la montre, il se retrouve contraint de découvrir la raison de cet infâme complot avant que le véritable cerveau de l’opération ne mette bientôt le monde entier à feu et à sang… »

©️ Marvel Entertainment Marvel Studios

J’ai toujours aimé le personnage de Sam Wilson (Anthony Mackie) depuis ses débuts dans le MCU, aussi bien à travers les films que dans la série « Falcon and the Winter Soldier ».

Même si cette série a été critiquée par beaucoup, j’ai trouvé que le duo avec Bucky fonctionnait bien. On retrouvait l’esprit léger des « buddy movies ». Dans ce nouveau long-métrage, Sam prend brillamment la relève de Steve Rogers.

Captain America : avant tout un héritage de valeurs ?

Personnellement je l’ai toujours dit « ce n’est pas le sérum du super-soldat qui fait Captain America, ce sont les valeurs qu’il incarne »

C’est cette philosophie qui m’a toujours fait aimer le personnage, que ce soit en comics ou au cinéma.

Dans le comics Civil War, comment ne pas être du côté de Steve Rogers ? Contrairement à Tony Stark, Steve défend avant tout les humains derrière les masques des Héros, leurs valeurs et leurs engagements. Dans le MCU, lorsqu’il a transmis son bouclier à Sam Wilson, ce n’était pas un choix anodin, il voyait en lui cette même bonté, cette même intégrité qui l’a guidé depuis toujours.

Ce film ne se contente pas simplement de montrer Sam en action avec le bouclier. Il met en avant ce qu’il représente en tant que Captain America. On retrouve les notions de valeurs, d’honneur et de devoir mais également du poids de l’héritage, des éléments qui sont au cœur du personnage et du nouveau souffle de la franchise.

Un film qui navigue entre politique et espionnage

©️ JRM 2025 (Sam Wilson Captain America #1 Cover by Mr Garcin)

Sans vous spoiler l’intrigue, je peux vous dire que le film est centré sur une thématique forte, rendre l’honneur à un personnage clé de l’histoire de Captain America.

Ce côté symbolique m’a beaucoup plu, tout comme l’aspect politique et conspirationniste qui fait partie intégrante de l’ADN des films Captain America depuis « Le Soldat de l’Hiver ».

Aparté : Captain America n’est pas un soldat ordinaire, il n’hésite pas à désobéir lorsque les ordres vont à l’encontre de son éthique. Cette caractéristique est la clé de voûte du personnage, illustrant son engagement inébranlable envers ses principes moraux, bien au-delà d’une simple obéissance aux ordres de ses supérieurs.

J’entends souvent dire que Cap est un personnage “lisse”, tout comme Superman chez DC qui souffre du même jugement. Pourtant, de nombreux récits prouvent que tous deux sont loin de l’être. Je ne trouve pas qu’avoir une éthique signifie être lisse et fade, bien au contraire ! Cela les a souvent poussés à faire des choix difficiles.

Le général Thaddeus Ross (Harrison Ford) est de retour (après une apparition dans Civil War). Même s’il ne s’agit pas du même acteur que dans « L’Incroyable Hulk » du frenchy Louis Leterrier, le personnage est à mon sens très bien intégré dans l’histoire avec son passif mixé à son nouveau rôle, celui de président des États-Unis.

Bien que je ne sois pas un grand fan de « Red Hulk », nous avons ici un homme qui a fait beaucoup de mal par le passé et qui essaie désespérément de changer pour retrouver la confiance de sa fille.

©️ JRM 2025

Je trouve que Harrison Ford s’en sort très bien. Il extrêmement présent dans le film. Harrison Ford est toujours bon dans un rôle de président, je me souviens encore de son rôle mythique dans le film « Air Force One ».

Des Effets Spéciaux inégaux mais pas catastrophiques

Tout n’est pas parfait, notamment du côté des effets spéciaux qui pèchent parfois (surtout sur certaines explosions), mais ils restent de mon point de vue bien supérieurs à ceux des dernières productions Marvel (coucou Ant-Man and the Wasp Quantumania, pires SFX du MCU)

Autre point positif, le tout nouveau costume de Sam, bien plus fluide et esthétique que celui de la série « Falcon and the Winter Soldier » (le costume autour du cou était vraiment une catastrophe, ce design rend bien dans les comics mais pas du tout en prises réelles)

Et quel plaisir de retrouver le bruit iconique du bouclier virevoltant et rebondissant sur les ennemis ! J’ai kiffé.

Des belles surprises et surtout des connexions au MCU

Le film réserve quelques surprises et ne pas avoir vu la bande-annonce a joué en ma faveur ! Certains moments (dont un en particulier) m’ont totalement pris de court.

Le long-métrage se connecte également à un événement clé d’un autre film du MCU (je ne vous dirai pas lequel ), et j’ai trouvé cela super malin. À l’époque, je ne comprenais pas vraiment l’intérêt de cet élément qui n’a d’ailleurs jamais été vraiment utilisé , mais ici il prend enfin tout son sens et semble annoncer l’arrivée de nouveaux personnages, dont un en particulier (toujours pas de spoil, mais les fans comprendront)

Ma conclusion sur ce nouveau Cap. Un nouveau chapitre prometteur !

Pour résumé, ce film est pour moi une belle réussite pour les fans du Captain. Il colle parfaitement à notre époque et ne se contente pas d’être un simple film stand-alone, il pose les bases d’un nouveau chapitre du MCU. Tout n’est pas parfait, mais l’essence du personnage est respectée et c’est ce qui compte le plus pour moi.

Sam Wilson n’essaie pas de devenir le nouveau Steve Rogers. Il apporte sa propre vision du rôle de Captain America, avec ses propres défis et ses responsabilités. C’est exactement ce dont le MCU avait besoin !

Moi qui commençais désespérément à perdre espoir dans le MCU, ce film m’a redonné envie d’y croire un peu à nouveau avec ce film et je pense que le futur « Fantastic Four » s’annonce également prometteur.

Dernier petit détail mais que je trouve important, j’ai remarqué dans le générique de fin des remerciements à des auteurs de comics dont notamment Daniel Acuña qui a travaillé sur le comics « Sam Wilson: Captain America » en 2015 avec Nick Spencer. Je me demande du coup si Marvel Studios consulte davantage les auteurs et autrices de comics pour ses nouvelles productions ? Ce film me laisse penser que oui et je trouve cela bénéfique pour une cohérence esthétique et scénariste.

Kevin Feige reviendrait-il à ce qu’il savait faire par le passé, à savoir donner une cohérence de trame pour imbriquer des films ? À suivre …

#TeamCapForever

💬 Et vous, qu’avez-vous pensé du film ? Team Cap ou Team Iron Man ? Dites le moi en commentaire où sur Instagram

©️ JRM 2025

Captain America: Brave New World

Date de sortie: 12 février 2025

Réalisation :Julius Onah

Scénario :Rob Edwards and Malcolm Spellman & Dalan Musso and Julius Onah & Peter Glanz

Production : Kevin Feige, Nate Moore

Avec : Anthony Mackie, Danny Ramirez, Shira Haas, Carl Lumbly, Xosha Roquemore, Giancarlo Esposito, Liv Tyler, Tim Blake Nelson, Harrison Ford

Studio : Marvel Studios

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🆕 🎧Article disponible en version Podcast

Hello 2025 !

Si vous lisez cet article, c’est que nous avons mis derrière nous 2024 et que nous sommes en 2025.

Je profite de cet article pour vous souhaiter une excellente année 2025 remplie de Pop-Culture 🎉🥳🥂🎊

Pour commencer cette nouvelle année, j’ai décidé de vous parler de cinéma et plus particulièrement de la saga Alien, une œuvre majeure de la pop culture qui marque l’histoire du septième art depuis 1979. Une saga que je trouve de saison car elle se prête à être visionnée bien au chaud sous une couette.

En cette année 2025, nous nous situons précisément à 66 ans du premier événement de l’univers Alien !

Autant dire que c’est demain, comme pour Retour vers le futur 2 qui se déroulait en 2015 et que nous avons réussi à rattraper et où les voitures volantes restent encore un rêve. Concernant Alien, nous n’aurons certainement toujours pas la technologie en 2091 pour voyager aussi loin dans l’espace.

Si vous n’avez pas encore vu tous les films de la franchise, je vous propose un classement chronologique, non pas par date de sortie au cinéma, mais par ordre des événements dans l’histoire (un peu comme si je vous proposais de reclasser les Star Wars dans l’ordre).

Pourquoi proposer ce format d’article ?

L’idée m’est venue après avoir récemment visionné le dernier né de la saga, Alien Romulus. J’ai déjà partagé brièvement mes impressions sur mon compte Instagram, mais j’ai ressenti le besoin d’approfondir ma réflexion à travers un article.

Alien Romulus, une sorte de film « Maxi Best-Of 🍔🍟?

©️ Alien Romulus 20th Century Studios - Walt Disney Studios

Si vous êtes déjà un.e habitué.e de la saga Alien, vous remarquerez rapidement que Romulus est imprégné de multiples références et « hommages » aux précédents films. Cependant je trouve que contrairement à de nombreux films dits « legacyquels » (qui pullulent depuis des années), où le fan-service est poussé à son maximum, les clins d’œil présents dans ce film restent plutôt subtils et bien intégrés à l’ensemble.

Bien sûr, ce n’est pas parfait. Certaines scènes contiennent des références plus appuyées, plus visibles, peut-être un peu trop. Mais dans l’ensemble, le film reste respectueux de l’héritage Alien.

©️ Alien Romulus 20th Century Studios - Walt Disney Studios

L’histoire

Niveau scénario, je dirais que le film tient plutôt la route pendant environ les trois quarts mais perd selon moi son intensité dans le dernier quart (le fameux quatrième acte des films Alien) avec une fin totalement gâchée. Les deux personnages principaux, Rain et Andy sauvent un casting que je trouve globalement moyen et oubliable. J’ai particulièrement apprécié la relation fraternelle qu’il y a entre un androïde et une humaine. L’acteur Britannique David Jonsson qui joue Andy parvient à transmettre une palette d’émotions assez large à travers son personnage. Personnellement, c’est le personnage auquel je me suis le plus attaché.

Sur le plan des Aliens, les Facehuggers se présentent clairement comme la véritable menace du film, alors que les Xénomorphes m’ont semblé beaucoup plus discrets, presque relégués au second plan. Le film possède cependant de très bonnes idées de scènes d’action, comme par exemple une scène où l’on joue avec l’apesanteur.

La mise en scène

La photographie est très belle, je pense notamment à une scène en particulier où nous pouvons voir les faisceaux de lumière des phares d’un vaisseau traverser horizontalement les hublots de la station spatiale. Je ne vous en dis pas plus pour ne pas vous spoil la scène en question.

Chose très surprenante, le film contient parfois des visuels très suggestifs avec quelques références « sexuelles », ce qui est vraiment très surprenant pour une franchise qui se situe dorénavant sous la coupelle de Disney.

Côté effets spéciaux, pour donner vie à sa vision, Fede Álvarez a travaillé avec le studio Legacy Effects, un studio renommé pour sa grande expertise des effets spéciaux pratiques mais également numériques. Ce studio a collaboré sur de nombreuses productions majeures comme par exemple Les Gardiens de la Galaxie 3, Civil War, The Revenant, The Shape of Water ou bien encore prochainement le nouveau Superman de James Gunn. Legacy Effects a joué un rôle clé dans la création des animatronique réalistes pour les Xénomorphes, les cocons ainsi que dans la conception et la fabrication de l’animatronique de Rook. Le studio a également supervisé les effets de maquillage afin de rester fidèle à l’esprit des premiers volets.

Anecdote sur Romulus et Remus

Dans le film, l’histoire fait clairement mention de Romulus et Remus. Instant Lorànt Deutsch 😄 Remus et Romulus font partie de la mythologie romaine. Les deux frères qui avaient été abandonné auraient été recueillis par une louve et seraient devenus plus tard les fondateurs de Rome.

Bref, tout ça pour vous dire que ces deux personnages mythologiques sont également représentés (via un statue) dans le très mauvais Gladiator 2 (👉Mon article sur Gladiator 2 ) de Ridley Scott, producteur de Romulus et réalisateur de trois films dans l’univers Alien. Une mystérieuse coïncidence ?

Quel est le bon ordre pour regarder les films de la saga Alien ?

Voici la chronologie des films (hors jeux vidéo et films Alien VS Predator), en se basant sur les années où se déroulent les intrigues

PROMETHEUS (Année 2091)

Sorti en 2012 et réalisé par Ridley Scott, ce film cherche à explorer les origines des Aliens en introduisant les personnages des Ingénieurs, qui seraient en réalité les créateurs des Aliens mais également de l’humanité.

Bien que ce film ne soit pas le plus transcendant de la saga, il a néanmoins le mérite d’explorer les origines de l’intrigue et de remonter le fil de l’histoire. Le film tente d’apporter des réponses sans casser la cohérence des films existants.

ALIEN COVENANT (Année 2104)

Film de 2017, toujours réalisé par Ridley Scott, Covenant est une suite directe à Prometheus. Ridley Scott tente cette fois-ci de nous donner une explication sur l’origine des Facehuggers et par extension du Protomorph, une sorte d’ancêtre du Xénomorphe.

Là où il était facile de comprendre les autres films, celui-ci demande plus de réflexion et pousse même à faire des recherches après le visionnage. En effet, le film possède des éléments qui ne sont pas clairement expliqués pour raccorder les wagons entre Prometheus et celui-ci. De plus, l’explication concernant les années écoulées n’est pas limpide et peut nous perdre.

Info importante

Pour mieux comprendre ce film, il est indispensable de voir également deux courts métrages « Alien Covenant | Le dernier diner » qui possède un spécial Guest et « Alien Covenant | Prologue, La Traversée ». Ces deux courts métrages apportent énormément de réponses et je ne comprends pas que ces scènes ne soient pas directement incluses dans le film.

Même si le film n’est pas mon favori, il offre de mon point de vue une fin très interessante qui personnellement me questionne encore aujourd’hui.

ALIEN, LE 8 ÈME PASSAGER (Année 2122)

Le Alien original de 1979, réalisé par Ridley Scott et qui marque le début de la saga au cinéma. C’est dans ce film que l’on fait la connaissance de Ripley, incarnée par Sigourney Weaver, qui deviendra avec le temps une icône ultime de la pop culture. Un huis clos angoissant où un seul Alien terrifie l’équipage de 7 membres du cargo interstellaire «Nostromo ». Certainement mon Alien préféré où l’acting et la suggestion en font un chef-d’œuvre indémodable.

ALIEN ROMULUS (Année 2142)

Nous voilà à Alien Romulus qui vient s’insérer dans la timeline sans véritablement modifier fondamentalement la saga. Le film propose toutefois quelques informations sur les motivations de la société Weyland Corporation.

ALIENS (Année 2179)

En 1986, James Cameron prend la relève avec un film clairement orienté action.

Dans cet opus, Ripley ne doit pas seulement affronter un seul Alien, mais une véritable vague de créatures.

« This Time it’s War »

Le sous titre du film en dit long. Mitrailleuses lourdes, robot exosquelette, première reine Alien et explosions sont au programme dans cette suite dopée à l’adrénaline. Ce film est considéré par beaucoup de fans comme l’un des meilleurs de la saga et pose les bases techniques d’un style que l’on retrouvera plus tard dans l’exceptionnel Terminator 2.

Voici ce que James Cameron a déclaré à propos de ses inspirations pour Aliens

« Dans Aliens j’ai consciemment imité un plan de The Third Man où des doigts s’élèvent à travers la grille. J’ai été inspiré par cette image.

Mais pour la plupart, c’est comme tous les films que j’ai vus. J’admire le travail de certains réalisateurs sans les imiter consciemment. Je suis retourné en arrière et j’ai redécouvert des aspects du travail de Howard Hawks ou de John Ford que je n’avais pas vraiment saisis, même lorsque j’ai commencé.

Quand j’ai débuté dans le cinéma, c’était par pure fascination pour la technologie. Je voulais juste apprendre comment toutes ces choses étaient réalisées d’un point de vue technique plutôt qu’esthétique»

The Hollywood Reporter, novembre 1986

ALIEN 3 (Année 2179)

Sorti en 1992 et réalisé par David Fincher, cet Alien divise la communauté de fans. Personnellement, je l’apprécie pour son atmosphère sombre et minimaliste. Le film n’a pas réalisé un très bon box-office et son réalisateur garde un très mauvais souvenir de cette expérience cinématographique. Je trouve pourtant que Fincher revient à une approche plus psychologique, où la suggestion et la tension dominent l’action. Il y a une réalisation soignée avec des plans serrés où les jeux de lumière créent une ambiance oppressante.

ALIEN RESURRECTION (Année 2379)

En 1997, c’est au tour du Frenchie Jean-Pierre Jeunet de se frotter à une franchise que le studio croit morte après l’échec de l’opus précédent. Jeunet ressuscite Ripley avec une psychologie hybride, très animale et instinctive.

L’univers glauque et sale de Jeunet accompagne parfaitement un casting atypique (notamment Dominique Pinon), donnant au film une esthétique singulière. Parmi les bonnes idées du film, des Xénomorphes qui nageant sous l’eau, une innovation technique rendue possible grâce au génie créatif de Pitof. Malgré les critiques, je trouve ce film audacieux avec des scènes marquantes (comme par exemple celle des clones défectueux) Il ne faut pas oublier que Jeunet a du composer avec un scénario de Joss Whedon qui est loin d’être reconnu pour être un scénariste subtil.

Voici l’extrait d’une interview pour « Hammer To Nail » de Jean Pierre jeunet au sujet de ce film

« En regardant en arrière, je me rends compte à quel point j’ai eu de la chance parce que j’avais une liberté artistique presque complète. C’est très rare. Maintenant, pour un film hollywoodien, il peut y avoir dix producteurs derrière les écrans vidéo. J’étais seul, je n’avais personne du tout sur le plateau ! Ils m’ont respecté, et chaque idée que j’ai eue ils l’ont acceptée. Je ne veux pas dire que c’était facile, parce que bien sûr j’avais beaucoup de la pression sur moi avec l’argent. Mais j’avais une liberté artistique que je n’aurais plus aujourd’hui. »

Jean Pierre Jeunet 2016

Voilà pour mon petit guide de la chronologie de la saga Alien.

Que vous regardiez ces films pour la première fois ou que vous soyez un fan de longue date, j’espère que cet article vous aidera à (re)découvrir cette saga sous un angle différent.

Je ne prétends absolument pas être un spécialiste de cet univers, mais j’ai trouvé intéressant de partager cette chronologie pour celles et ceux qui souhaiteraient explorer ou revisiter cette franchise légendaire dans l’ordre.

Et pour vous, quel est le meilleur film de la saga Alien ?

N’hésitez pas à me le dire en commentaire !

ALIEN ROMULUS

Avec: Cailee Spaeny, David Jonsson, Archie Renaux, Isabela Merced, Spike Fearn et Aileen Wu

Réalisation: Fede Alvarez (EVIL DEAD, DON’T BREATHE) à partir d’un scénario qu’il a coécrit avec Rodo Sayagues (DON’T BREATHE 2) avec des personnages créés par Dan O’Bannon et Ronald Shusett.

Studio: 20th Century Studios - Walt Disney Studios

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©️ JRM 24

Ultimate Spider-Man (2024), acte 2 pour la sortie française !

Dans ce second tome de Ultimate Universe nous retrouvons de nouveau la série « Ultimate Spider-Man (2024) » où nous faisons cette fois-ci la connaissance du Bouffon Vert de ce nouvel univers. Nous découvrons que cette version du Bouffon a engagé un véritable combat acharné contre l’empire du Caïd. Ce tome nous présente également la naissance d’un partenariat inattendu entre Spider-Man et le Bouffon Vert.

Bonne ou mauvaise idée ? La question reste ouverte, mais cette dynamique ajoute une tension que je trouve captivante car les deux personnages ont des approches très différentes.

Une vie quotidienne réaliste avec une complicité touchante avec Mary Jane

L’un des gros points positifs de cette série est de voir enfin un Peter Parker adulte qui mène une vie posée avec des problèmes de tous les jours. Ce second tome nous montre que Peter est toujours en phase d’apprentissage dans son rôle de Spider-Man, une initiation tardive contrairement à ce que nous connaissons du perso dans son univers habituel. Je trouve cette notion très intéressante car il découvre ses pouvoirs en tant qu’adulte et non en tant qu’adolescent. Il possède déjà dans cet univers d’un bagage de vie qui lui permet d’avoir une approche beaucoup plus cérébral de son rôle de héros. À noter sur cette série un second gros point positif, l’alchimie qu’il y’a entre Mary Jane et Peter qui est grandement mise en avant rendant les personnages beaucoup plus humains et attachants.

©️ JRM 24

Côté dessins nous retrouvons par moments un Spidey dans des poses très « arachnide » rappelant le style de Todd McFarlane. Cependant, Marco Checchetto injecte son propre style inimitable avec par exemple l’utilisation de toiles très géométriques, beaucoup moins organiques que les fameuses « toiles spaghetti » de McFarlane. Certains arrière-plans (je pense notamment à ceux avec des pigeons en pleins vol à la manière des films de John Woo) apportent selon moi une esthétique très cinématographique à ce comics.

Des séries secondaires inégales…

La présence de Ultimate X-Men (2024), pilotée par Peach Momoko est de mon point de vue un choix discutable. En effet, le style narratif très manga de cette série me semble totalement hors sujet, sa construction un peu brouillonne tend à perdre le.la lecteur.trice au fil des pages. Je fais l’effort de lire ce récit mais je trouve qu’il est trop éloigné de l’univers Marvel Comics.

©️ JRM 24

En revanche, l’histoire d’Ultimate Black Panther se distingue par sa qualité et la profondeur de son récit. Nous explorons dans ce récit le thème de la trahison qui menace de ronger le Wakanda de l’intérieur. Pour faire face à cette menace sournoise, T’Challa prend la décision de partir seul à l’extérieur de son royaume afin d’identifier et de combattre les ennemis qui complotent contre le Wakanda. La menace inquiète d’autant plus T’Challa, car il semblerait qu’elle émane d’une personne de confiance. Une intrigue intéressante qui mêle suspense et enjeux personnels.

©️ JRM 24

Le voyage temporel, clé de voûte de la série Ultimates 2024

L’arc principal d’Ultimates 2024 dirigé par Jonathan Hickman propose une intrigue complexe autour des héros qui cherchent désespérément à réparer le flux temporel qui a été diaboliquement modifié par le Créateur. Comme à son habitude, Hickman ne facilite pas la tâche aux lecteurs et lectrices et exige une lecture attentive. Les clins d’œil à la série « The Ultimates » de 2002 sont très appréciables et surtout très subtiles. Cependant je trouve que les dessins manquent parfois de détails notamment au niveau des visages. Des artistes comme Nic Klein ou Olivier Coipel auraient été je pense de très bons choix pour rester dans la lignée de Marco Checchetto.

🔍-ANALYSE DU FORMAT DE PANINI COMICS-

Je n’ai clairement pas pour habitude de donner mon avis sur Panini Comics, mais avec ce second tome, il me semble important de partager mon ressenti concernant leur politique éditoriale. Elle reflète à mon sens les difficultés actuelles que traverse le marché des comics en France.

Si l’intrigue de Ultimate Spider-Man et des séries liées à l’événement Ultimates reste prometteuse (à l’exception de Ultimate X-Men), je trouve en revanche le format de publication de Panini très décevant. Proposer seulement une seule et unique issue* par tome pour la série principale (Ultimates 24) ainsi que des séries secondaires inégales ralentit et rend la lecture laborieuse.

C’est très dommage car la série Ultimates mérite une expérience de lecture fluide avec de véritables cliffhangers pour conclure chaque tome.

Mon analyse me pousse à penser qu’il aurait été pertinent d’opter pour un format de publication plus cohérent comme par exemple une collection de 100% Marvel pour chaque série.

💰Le budget, nerf de la guerre ?

Panini propose ce comics en deux versions, une version souple à 16 € et une version rigide à 22 €.

Je reste convaincu que le principal problème réside dans le rapport qualité-prix. Le marché des comics, comme n’importe quel marché va dépendre de l’accessibilité financière, des prix trop élevés peuvent très rapidement freiner son développement et ainsi décourager les lecteurs.trices.

Pour 16 €, cette édition rassemble un total de 7 issues. Un format qui rappelle fortement les éditions kiosque (qui étaient disponibles en librairies et chez les marchands de journaux) mais avec un prix bien plus élevé que par le passé.

*Single issue : format de publication d’origine des comics aux USA. Il s’agit d’un format fin et souple composé d’une vingtaine de pages de comics avec par moment des publicités. Les issues sont publiées mensuellement.

©️JRM 24 Issue #8 The Mighty Thor

À titre de comparaison, en 2012 la version kiosque d’Ultimate Universe proposait six issues pour seulement 5,70 €. Certes, l’inflation est passée par là, le coût du papier a augmenté, etc… mais le prix a tout de même presque triplé (pour la version souple) en 12 ans.

Pour 5,70 €, il était beaucoup moins frustrant d’accepter une série ou un format un peu en deçà.

©️JRM 24 Bimestriel Ultimate Universe mai 2012

Aujourd’hui, débourser 16 € (voire 22 € pour une version cartonnée) pour une expérience similaire rend l’édition beaucoup moins attractive.

Avec ce format de publication, les lecteurs et lectrices n’ont pas vraiment le choix pour suivre à la fois l’arc principal « Ultimates 24 » et l’histoire de Spider-Man. Au final, il est certain que beaucoup rachèteront ces séries en format Marvel Deluxe (un beau format rigide au prix d’environ 30/32 € qui rassemble les récits d’une seule série) qui permet de pouvoir lire soit uniquement Spider-Man, l’arc principal d’Ultimates, ou bien encore Ultimate Black Panther séparément.

Pour conclure mon analyse

En tenant compte de la fragilité du marché des comics en France, je pense que la stratégie éditoriale adoptée par Panini pour cette série risque de décourager sur le long terme les lecteurs et lectrices francophones.

En effet, ce choix pousse soit à attendre une version Marvel Deluxe, soit à se tourner directement vers la V.O. pour bénéficier d’un plus large choix de séries et surtout du matériau d’origine, souvent bien plus précieux qu’une traduction.

Je pense également que cette politique de prix à la hausse (globale, qui ne concerne pas uniquement Panini) contribue indirectement à fragiliser davantage les librairies spécialisées déjà mises à mal dans une société où les loisirs, comme la lecture, ne sont malheureusement plus une priorité dans le budget des ménages.

©️ JRM 24 Single issue Ultimate Spider-Man Avril 2024 #1

Cet article est le dernier de cette année 2024

« Je tiens sincèrement à vous remercier pour votre fidélité tout au long de cette année. J’espère que mes articles vous ont intéressé et surtout donné envie de découvrir les contenus que j’ai partagés avec vous.

Je vous donne rendez-vous en 2025 pour de nouvelles aventures, que ce soit à travers la newsletter ou bien avec le Podcast.

Je vous souhaite de très belles fêtes de fin d’année 🎄 »

Jérém

Ultimates Universe 2024 (Tome 2)

Sortie : 04/12/2024

Collection : 100 % Marvel

Nombre de pages : 168

Éditeur : Panini Comics

Prix : 22 € Hard Cover et 16 € Soft Cover

Format : 17,00 x 26,00 cm

-Issues 3 & 4 Ultimate Spider-Man (2024)

-Issues 3 & 4 Ultimate X-Men (2024)

-Issues 3 & 4 Ultimate Black Panther (2024)

-Ultimates Août 2024

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©️ JRM 2024

Le Seigneur des Anneaux, « Le Retour du Roi » est sorti il y a déjà plus de 20 ans !

Et oui, on prend un gros coup de vieux après un tel constat. Mais surtout, ça nous rappelle à quel point cette trilogie est restée gravée à jamais dans l’histoire du cinéma.

Le film a été récompensé par 11 Oscars, ce qui place le long métrage dans le top 3 de l’histoire des Oscars aux côté de Titanic et Ben-Hur qui ont également récolté 11 Oscars.

Ce troisième opus a donc propulsé Peter Jackson au panthéon des réalisateurs. En effet, ce film qui clôture la trilogie (le Hobbit étant considéré comme une autre saga), ne se contente pas seulement de boucler une histoire. Je pense qu’il permet surtout de poser un véritable bilan sur la vision qu’avait le réalisateur. Il était en effet très difficile pour lui de trouver l’équilibre entre la conservation de la fidélité aux récits de Tolkien et l’adaptation cinématographique qui demande forcément des modifications. Une prouesse scénaristique qui demandait également de repousser les techniques de mise en scène.

Que l’on soit un fan de la première heure ou bien qu’on ait vu ces films simplement par hasard un dimanche soir à la télé, il y a une chose qui est sûre « le Seigneur des Anneaux » de Peter Jackson est incontestablement une référence incontournable.

Mais pourquoi cette trilogie est-elle si importante ? Ma quête pour percer le mystère de ce succès commence ici !

Une remise au goût du jour des films épiques ?

©️ JRM 2024

Peter Jackson a su ressusciter le cinéma épique comme nous avions pu le connaître par le passé avec des films de Péplums. Batailles format XL, paysages grandioses et moments émouvants… Il a ainsi réussi à mettre en images quelque chose que personne ne pensait possible, adapter l’œuvre abyssale de Tolkien sur grand écran.

Un travail sur les effets spéciaux qui tient encore la route (même en 2024)

Même si certains CGI ne vieillissent pas forcément bien (je pense notamment aux premières apparitions de Gollum), l’œuvre de Peter Jackson reste impressionnante.

Pourquoi ? Parce qu’il a misé à fond sur les effets pratiques. Comme je le dis souvent (et comme le maître des effets spéciaux Douglas Trumbull l’a aussi souvent répété)

« le vrai, ça vieillit mieux ! »

Des décors réels, des maquettes géantes, des costumes et des maquillages réalistes, c’est cela la vraie recette d’un cinéma qui tient dans le temps !

Christopher Nolan connaît également très bien cet adage et applique cette règle encore et toujours dans ses films qui traverseront sans aucun doute les époques.

©️ JRM 2019

C’est pour ça que cette trilogie vieillit bien mieux que certains blockbusters modernes bourrés uniquement de trucages numériques que je nomme parfois « bouillie numérique » (je vous parle d’ailleurs de ce problème de la gestion du numérique sur mon dernier article sur Gladiator 2)

Ici, le simple fait de regarder les films de Peter Jackson nous donne vraiment l’impression que la Terre du Milieu prend vie sous nos yeux, et cela fonctionne toujours et encore malgré le temps qui a passé.

Une histoire intemporelle qui parle à toutes les générations

N’oublions pas que de base, c’est les récits de Tolkien que nous abordons. Avec ses livres, il a créé un monde tellement riche qu’on peut s’y perdre pendant des heures, voir même sur une toute une vie pour les plus grands fans.

Je dois avouer que je n’ai jamais eu le courage de lire l’ensemble de son œuvre, les détails m’ont souvent perdu. De tout ça, j’ai uniquement intégralement lu « Le Hobbit ». Et oui, je le reconnais, je suis plus un lecteur de comics que de livres

Mais pour revenir à ce qui fait la force de l’histoire de Tolkien, c’est qu’elle est universelle.

Sa recette magique ? La même que George Lucas a su reprendre en 1977 avec sa saga Star Wars.

Une lutte acharnée du bien contre le mal, l’amitié, les trahisons, l’amour et le dépassement de soi face à l’impossible… Ce sont des thèmes qui parlent à tout le monde quelle que soit l’époque.

Côté film, un élément vient fortement compléter l’immersion, la bande originale composée par Howard Shore

Nous avons ainsi devant nous un savant mélange qui permet de plonger les spectateurs et spectatrices dans un univers qui les sort de leur quotidien.

Une influence indélébile sur la Pop Culture

©️ JRM 2024

Regardez autour de vous, la Pop Culture transpire encore des inspirations des films du Seigneur des Anneaux.

Par exemple dans des séries fantastiques comme Game of Thrones ou bien plus surprenant dans des films de super-héros du MCU comme par exemple Avengers Endgame qui adopte également une approche épique et émotionnelle pour sa bataille finale.

Et puis dans la vie quotidienne, qui n’a jamais entendu un.e ami.e sortir des répliques comme « Mon précieux ! » ou bien encore “Vous ne passerez pas !”

Quand des citations de films rentrent dans la vie quotidienne, c’est la preuve ultime que le film a marqué les esprits (dans un autre style je pense souvent aux expressions des films d’Étienne Chatiliez qui sont dans la vie commune comme « être un Tanguy », « être une tatie Danielle » ou bien encore « la famille Groseille »)

Même la très critiqué série de Amazon «Les Anneaux de Pouvoir » prouve que cet univers popularisé par la trilogie fascine toujours autant.

J’en profite pour faire un pas de côté et revenir sur la série.

Alors oui, la série adopte une approche différente de celle de Peter Jackson.

Oui, Amazon n’ayant pas tous les droits, adapte et brode une nouvelle mythologie.

Mais est-ce si grave ? Personnellement je prends un immense plaisir à revenir en Terre du Milieu. La série a mis les moyens, et bizarrement, bien qu’elle utilise beaucoup de numérique, le rendu est très propre. Après je la regarde sur une TV, peut-être que sur grand écran cela serait moins joli, mais le but est de regarder sur une télé, donc ça passe. Je retrouve la magie du Seigneur des Anneaux et pour moi le charme opère, contrairement à tout ce que j’ai pu voir en série sur Star Wars qui m’a beaucoup moins convaincu. Par curiosité cette série m’a également permis de rechercher en parallèle ce qui fait réellement partie du lore et ce qui a été modifié ou créé spécialement pour la série.

Au final, cela permet quoi qu’il en soit d’en apprendre davantage sur l’univers de Tolkien. Peut-être suis-je trop indulgent, mais en tout cas, c’est un grand oui pour moi.

Qu’est-ce qui rend les films si spéciaux ?

Je pense que la réponse est limpide, ils ont simplement été faits avec amour.

Peter Jackson et son équipe étaient impliqués comme des forcenés et ont donné plus de huit années de leur vie pour donner forme à ce projet fou. Ils voulaient rendre justice à Tolkien, et ça se voit. La passion est présente dans chaque scène. J’ai visionné absolument chaque making of et je pense que ce sont les plus grands making of que j’ai pu voir dans ma vie. Ils m’ont fait aimer les coulisses et m’ont donné la curiosité de m’intéresser d’avantage aux artistes qui font le cinéma.

©️ Peter Jackson New Line Cinema

Plus de 20 ans plus tard, on a toujours envie de retourner se perdre en Terre du Milieu, de gambader aux côtés de Sam et Frodo (même si beaucoup de gens détestent Frodo, perso moi je l’aime bien et je comprends le fardeau qu’il transporte), ou bien encore de boire une bonne bière à la taverne du Poney Fringant après avoir voulu se mettre à l’abri d’une pluie froide et battante

Mon bilan

Le Seigneur des Anneaux, ce n’est pas simplement une trilogie de films. C’est une expérience, comme pour nos Hobbits, un voyage inattendu, une œuvre colossal de la Pop Culture.

Alors, si vous n’avez pas récemment revu les films, c’est peut-être l’occasion de vous planifier un marathon pour les vacances de fin d’année (en version longue, bien évidemment).

©️ JRM 2024

Et si c’est votre premier visionnage…

Et bien vous allez rapidement comprendre pourquoi on parle encore de cette trilogie plus de 20 ans après.

Allez, je dois maintenant vous laisser, on se retrouve au Mordor.

Pour Frodo !

©️ Jerem « Elrond 😄 » & Viggo Mortensen « Aragorn 🗡️ » (JRM 2020)

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Le Retour du Roi (version longue)

Durée : 4 h 23 min

Réalisation : Peter Jackson

Scénario : Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson d'après le roman de J.R.R. Tolkien

Bande originale: Howard Shore

Photographie : Andrew Lesnie

Montage : Jamie Selkirk

Production : Peter Jackson New Line Cinema WingNut Films

Viggo Mortensen : Aragorn

Elijah Wood : Frodo Sacquet

Sean Astin : Sam Gamegie

Sir Ian McKellen : Gandalf

Billy Boyd : Pippin

Dominic Monaghan : Merry

David Wenham : Faramir

Orlando Bloom : Legolas

© 2024 Affiche promotionnelle Paramount Pictures - All Rights Reserved

PITCH OFFICIEL

Signé du réalisateur légendaire Ridley Scott, Gladiator II poursuit sa plongée épique dans la Rome Antique sur fond de pouvoir, intrigue et vengeance. Des années après avoir assisté à la mort du héros vénéré Maximus aux mains de son oncle, Lucius (Paul Mescal) est forcé d’entrer dans le Colisée lorsque son pays est conquis par les empereurs tyranniques qui gouvernent désormais Rome d’une main de fer. La rage au cœur et l’avenir de l’Empire en jeu, Lucius doit se tourner vers son passé pour trouver la force et l’honneur de rendre la gloire de Rome à son peuple.

© 2024 Paramount Pictures - All Rights Reserved

Mon analyse sans spoils

Pour être honnête, la bande-annonce ne m’avait pas du tout convaincu. Pourtant, face à l’engouement et aux débats qu’a suscités ce film, j’ai décidé de me faire mon propre avis. En tant qu’admirateur du premier Gladiator sorti en 2000, je ne pouvais malheureusement pas ignorer cette suite.

Le premier opus reste pour moi un film épique avec une interprétation magistrale de Russell Crowe. Le film nous plongeait dans une quête de vengeance et nous procurait des émotions intenses.

Je me souviens encore de ce jour où j’ai acheté le double DVD dès sa sortie, un des premiers grands films à paraître sous ce format.

© JRM 2024

Mais 24 ans plus tard, ce second volet est-il à la hauteur de cet héritage ?

Un scénario sans saveur

Le principal point faible de ce film réside dans son scénario. Écrit par David Scarpa, Peter Craig et David Franzoni, l’histoire s’essouffle dès le premier quart du film. Elle tente maladroitement de tisser des liens avec le premier volet, multipliant les clins d’œil et les références nostalgiques. Mais à force de s’accrocher au passé, le film peine à proposer une intrigue originale et captivante.

Le personnage principal, Lucius, censé porter le long métrage manque cruellement de profondeur. L’idée de lui donner une quête de vengeance pour motiver ses actions tombe à plat. Contrairement à Maximus Decimus, dont la rage et la douleur donnaient tout son sel à l’histoire, Lucius est fade et pas du tout convaincant.

Denzel Washington, la lumière au milieu d’un casting sans éclat

Tout n’est pas à jeter pour autant. Le point fort du film reste sans conteste Denzel Washington qui incarne son personnage à la perfection. Son charisme et son interprétation d’un manipulateur machiavélique apportent une véritable densité à son personnage. Il parvient à capter l’attention, et on aurait aimé que le film s’appuie davantage sur lui pour renforcer son intrigue.

J’aurais d’ailleurs beaucoup aimé voir Denzel Washington dans le premier opus, sachant que le duo Russell Crowe-Denzel Washington a parfaitement fonctionné dans un autre film de Ridley Scott, « American Gangster » sorti en 2007 (je vous recommande fortement ce film si vous ne l’avez pas vu).

© JRM 2024

Pour le reste du casting, il ne brille pas autant que Denzel et peine à exister.

Une réalisation brouillonne avec des effets spéciaux décevants

La réalisation de Ridley Scott est inégale. Les scènes qui se veulent épiques manquent souvent de souffle, les séquences de combats sont confuses, mal chorégraphiées et peu lisibles. Par moments, il est difficile de comprendre ce qui se passe à l’écran. Par exemple, un coup d’épée semble surgir de nulle part, sans logique apparente.

Les effets spéciaux omniprésents sont un autre point faible. Certaines scènes comme simplement par exemple une voile de bateau en feu ou des animaux numériques paraissent totalement artificielles et ratées. Ces éléments jurent avec les décors réels pourtant impressionnants.

Le film avait pourtant misé sur des lieux de tournage réels. Ridley Scott a installé une partie du tournage au Maroc. Une arène a même été construite à Aït Ben Haddou pour représenter les provinces de Rome. Ces décors auraient pu être sublimés mais ils sont malheureusement gâchés par une surenchère d’effets numériques mal intégrés.

Côté bande originale, bien que signée par Harry Gregson-Williams, elle manque de caractère et reste bien moins marquante que celle composée par Hans Zimmer pour le premier opus. Pourtant, Gregson-Williams est à l’origine de certaines œuvres cultes dont notamment la bande-son de Metal Gear Solid 2 qui a marqué ma jeunesse.

Un blockbuster sans âme ?

Malgré ces faiblesses, le film rencontre le succès en salle cumulant en France 1,26 million d’entrées en une semaine sur un total de 729 écrans. Le film effectue un démarrage encore plus explosif que le premier Gladiator.

Un succès qui me laisse sans voix. Est-ce par curiosité que les spectateurs.trices se déplacent ? Ce film a-t-il réellement séduit le public ?

Je m’interroge sur l’évolution des blockbusters. Autrefois, un blockbuster était un événement rare et marquant, un véritable événement cinématographique.

Désormais, les blockbusters se succèdent chaque semaine, sans réelle originalité. Le temps de production est sacrifié au profit de la quantité et ne permet plus de travailler les films en profondeur.

Cette tendance me rappelle « Matrix Resurrections », film extrêmement critiqué qui dénonçait pourtant ouvertement et sans détour ce que les Blockbusters sont devenus. Des œuvres vides, dopées aux effets spéciaux et au fan-service.

Conclusion

Où est passé le grand Ridley Scott, ce réalisateur novateur qui savait faire frissonner avec simplement de la suggestion comme dans « Alien, le huitième passager » ?

Loin d’être à la hauteur du chef-d’œuvre original, ce film cumule les erreurs. Scénario faible, effets numériques mal maîtrisés, réalisation décevante. Seule la performance de Denzel Washington parvient à relever un peu le niveau.

Et pourtant, ce succès en salle fait déjà murmurer l’arrivée d’un troisième opus.

Merci pour votre lecture de cet article, je vous donne rendez-vous prochainement pour un nouvel article (ou épisode de Podcast).

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Réalisation : Ridley Scott

Production : Douglas Wick, Ridley Scott, Lucy Fisher, Michael Pruss, David Franzoni

Avec : Paul Mescal, Denzel Washington, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, Lior Raz, Derek Jacobi et Connie Nielsen

Durée : 2h30

Date de sortie : 13 novembre 2024

Format : IMAX, Dolby Cinema, 4DX et ScreenX.

Studio : Paramount Pictures