"Fui Rock"

En dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Suscrito

Subscribe now

Ahora sí. Hasta la semana que viene.

#71 Richard Coleman, nuestro super guitar hero

Fernando Sanchez — Mon, 24 Aug 2026 00:08:05 GMT

Cada tanto viene bien una dosis fuerte de distorsión en vivo. Anoche tuve una, de las mejores que pueden obtenerse hoy en Buenos Aires. Ocurrió en Niceto Club, y estuvo a cargo de Richard Coleman, quien decidió cerrar el concierto de su Trans-Siberian Express con cuatro guitarras eléctricas sonando a full: la suya; la de su guitarrista, Gonzalo Córdoba; y las de Carca y Fabio “Rey” Pastrello, de Los Brujos, San Martín Vampires y Adicta.

¡Qué lo parió!

Había visto al Trans-Siberian Express el año pasado en el Quilmes Rock, pero lo de anoche fue muchísimo más eléctrico y colosal. Si 16 meses atrás en lo que quedaba de Tecnópolis creí estar frente a lo más parecido que podría llegar a ser hoy un concierto de Gustavo Cerati (esto dicho sin la menor cuota de sarcasmo y con genuina admiración), anoche salí preguntándome si existe algún otro artista argentino capaz de hacer lo que Coleman hizo durante casi dos horas en esta discoteca de rock de Palermo. Me respondí que ninguno, pero tampoco conozco a todos.

Como sea, el concierto de Richard con su banda es una experiencia que hay que vivir si nos sigue gustando el rock que nos gustaba cuando fuimos rock. Su banda es exactamente lo que sugiere el nombre: un tren de rock que te pasa por arriba a menos que te subas y te dejes llevar. Claro, no te deja en tierras coloridas de pop amable sino en un terreno áspero y oscuro donde solo crecen cables y parlantes; exactamente la estación adonde a veces es necesario llegar.

El Trans-Siberian Express es Richard en voz y guitarra, Daniel Castro (histórico socio de Coleman) en bajo, Gonzalo Córdoba en guitarras, Bodie Datino y Juan Blas Caballero en sintetizadores, Diego Cariola en batería y Flopa Lestani en coros y guitarras. Anoche, además, al convoy siberiano se subieron Carca, Fabio Rey y Lidia Borda, que sumó su voz tremenda a “El buque”, canción que cierra El (in)correcto uso de la metáfora, disco de 2025 que el grupo viene presentando en vivo por todo el país. El espectáculo empezó con la proyección del video oficial de “Oscuras intenciones” y terminó con una versión casi metálica de “Dale salida”, de Los 7 Delfines.

En el medio, el set list transiberiano y algunas (mínimas) concesiones al riquísimo repertorio histórico de Coleman: “Naturaleza muerta” (compuesta junto a Gustavo Cerati e incluida en Fuerza natural), “Para terminar” (de Fricción) y poco más. ¿Me habría gustado escuchar otra vez su versión de “Héroes”, el tema de Bowie que Fricción convirtió aquí en hit, y que sí tocó en el Quilmes Rock? Obvio, pero aunque no conocía la lista de temas, estaba seguro de que no la iba a tocar. Tampoco es que tiene mil hits: los tiene, pero Richard los evita como parece eludir el estribillo pegadizo cada vez que alguna de sus composiciones amenaza con caer en la confortabilidad de la demagogia del acorde mayor. Acaso sea esa porfía, la que retiene al puñado de fieles +50 que anoche casi llenamos Niceto, la misma que impide que su público se renueve y crezca en la dimensión que la obra y el presente de Richard merecen. No soy quién para juzgarlo.

Richard Coleman es de esos artistas que cuando le preguntan cuál es su mejor disco, siempre responde “el último”. Y no por pose, sino por convicción. Una vez le propuse hacer un libro de conversaciones para repasar su vida. Con la elegancia que jamás pierde, me contestó que por ahora no. Aunque conservo la esperanza, diría que un sí como respuesta un poco me habría sorprendido. Richard no cede nada a nostalgia. La melancolía la incluye en sus letras, no en su performance sobre el escenario.

Anoche dijo que está cumpliendo 40 años con la música. Claro, cuenta desde la aparición de Consumación o consumo, álbum debut de Fricción, en 1986. Pero entre Melero, Soda, Metrópoli, Charly, Calamaro y vaya uno a saber cuántos y quiénes más, Richard viene animando la escena del rock argentino desde varios años antes, poniendo Roxy Music, Television, Marc Bolan, The Cure, XTC y David Bowie en nuestro walkman. Si el rock nacional tuvo en los 80 su Revolución de Mayo, Richard está en el póster de la Primera Junta. Richard es un prócer, además de un sobreviviente. Pero a diferencia muchos otros, está pleno, lúcido, y rockeando con energía intacta. O sea: vigente, con voz impecable (es un gran cantante de rock) y tocando con furia vital, sin sobreactuar.

En síntesis: seguilo, fíjate cuándo toca y andá a verlo y escucharlo. Te lo dije más arriba: una dosis de distorsión sónica cada tanto estimula y sienta bien.

Sí, soy el mismo que está esperando febrero para ir a ver a este tipo que dice estas cosas.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Leé lo que sigue. Es importante.

Apoyo y aguante

Fui Rock sigue siendo gratuito. Pero si te gusta, podés sumarte con un abono mensual.

En pesos.

En dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Ahora sí. Hasta la semana que viene.

#70 ¿No será mucho, querido Dave?

Fernando Sanchez — Sun, 16 Aug 2026 23:22:52 GMT

Compré entradas para el concierto de Foo Fighters en River el 25 de febrero del año próximo. En otras palabras: hipotequé el equilibrio macroeconómico familiar de mis próximos meses para satisfacer un micro-gustito, que sería ver en compañía de mis hijos una de nuestras bandas favoritas.

Iremos a Campo General porque Campo Delantero es impagable para mí. Gasté 175 mil pesos, más 26 mil y algo por “cargos de el servicio”. Redondeando: 200 lucas por entrada. No pude comprar en cuotas porque no tengo la tarjeta del banco patrocinador, y la financiación para las demás tarjetas casi que duplica el monto inicial. Un esfuerzo monumental chango más.

Lo bueno –espero– es que dentro de seis meses, cuando Foo Fighters suba al escenario, este dolor-bolsillo será solo un recuerdo.

¿Pero está bien que presenciar un concierto de una banda de rock de escala global requiera un sacrificio enorme cuando no es sencillamente imposible?

En la semana que pasó me topé con este posteo de Diego Batlle, periodista talentoso, ex compañero de la revista La Maga, responsable del portal otros cines.

En X se armó un debate a partir de un posteo en el que sostenía que los precios para los shows en Argentina son abusivos porque en dólares suelen ser más caros que en otros países de América Latina e incluso que en EE.UU. o Europa, donde el poder adquisitivo del salario medio es muy superior al nuestro. Es cierto que estamos en medio de una tendencia mundial que viene desde hace años, que comenzó con el boom de las plataformas de streaming de audio y se potenció por la pandemia. Los grupos y solistas que antes tenían contratos multimillonarios con las discográficas cobran “migajas” de, por ejemplo, Spotify y, entonces, hoy el negocio principal son los conciertos. Dicho de otra manera, antes una gira era para promocionar un disco y hoy un disco es una excusa para salir de gira y cobrar cachets delirantes.
La polémica en X comenzó cuando escribí que una entrada para Foo FIghters podía comprarse en 9 cuotas sin interés. Me parece bien el beneficio, pero es la forma de vender un ticket para el campo delantero que cuesta 400.000 pesos con service charge (260 dólares). En el debate decía que antes no era así y muchos me refutaban esa afirmación. En los ‘90, siendo periodista en La Maga y Clarín, fui a casi todos los grandes shows (es cierto, a muchos acreditado), pero tenía la certeza de que se manejaban otros precios. Tomé como ejemplo el Buenos Aires Hot Festival que se realizó en enero de 2001 en el Campo Argentino de Polo. El campo para ver a OASIS + NEIL YOUNG (nada menos), más varias bandas locales como Ratones Paranoicos, costaba… ¡30! pesos/dólares (eran todavía tiempos de 1 a 1)!
La inflación acumulada en EE.UU. entre 2001 y 2026 fue del 88%. O sea, 30 dólares de entonces son 56 dólares actuales. Hoy por 56 dólares no ves ni a una banda de cuarta en un tugurio. De hecho, el campo para ver solo a Oasis en Ríver en 2025 salió 3 veces ese monto: entre 150 y 175 dólares. Después de la pandemia se construyó la certeza (la compulsión) de que ver a tu artista favorito en vivo es una “experiencia” (el término que más se usa) insoslayable, imperdible, y la gente parece dispuesta a invertir buena parte de sus degradados ingresos en un ticket. Eso sí, en 9 cuotas.
Otra cuestión muy polémica es la creciente concentración del negocio. Entre dos y tres grandes productoras y ticketeras se están quedando con todo, incluidos los principales estadios y hasta con varios clubes nocturnos tradicionales. Con ese oligopolio tendrán aún más facilidad de imponer estos precios demenciales.

Diego dispara más de un debate en su posteo. Los precios de los 90, las regalías por contratos y ventas de discos en montos que ya no existen, el FOMO de moda… Lo de la concentración del negocio es espeluznante, parte sustancial de un problema que aquí será aún mayor a partir de ahora porque el gobierno, a través de Karina Milei, entregó la explotación del predio de Tecnópolis a Live Nation a través de La Nación y DF Entertainment, con millonarios beneficios fiscales incluidos. Desastre. Pero... ¿y los artistas?

Voy a este punto.

No soy un as de las matemáticas pero igual me puse a sacar cuentas. Ponele que soy Dave Grohl (y bien que me gustaría). Vendo 60 mil entradas a un promedio de 120 dólares: son 7.2 millones. Deducidos impuestos, costos de producción y de músicos, que podrían redondearse en un 60%, me estarían quedando 2.8 millones. Soy malísimo con los números y calculo a la baja: considerando gastos que desconozco y precios variables, meto 1.5 millones en mi bolsillo luego de cada concierto.

¿Cómo dice?

Esta gira de Foo Fighters, titulada Take Cover Tour, empezó el pasado 10 de enero en México y terminará el próximo 3 de marzo en Perú. Para entonces, Dave más Pat Smear, Chris Shiflett, Nate Mendel, Rami Jaffee y Ilan Rubin habrán dado 55 conciertos en América, Europa, Asía y Oceanía. A 1.5 millones por función, a mediados de marzo mi amirado Dave habrá sumado 82.5 millones de dólares a su cuenta bancaria.

Me resulta imposible imaginar cuánto dinero lleva acumulado Dave a lo largo de su exitosa carrera, que sin considerar sus años detrás de la batería de Nirvana, ya pasó las tres décadas. Va por la docena de discos; con una gira por disco… La cuenta ahora hacela vos.

Pienso en Dave (le digo Dave porque lo siento inexplicablemente cercano) pero puedo reemplazar su nombre por el de cualquier artista masivo, sea Green Day o Ricardo Arjona. Es un montón de plata. Demasiada. Nadie necesita tanta.

Ya sé: es el capitalismo, estúpido. Si hay oferta es porque hay demanda, se cobra eso porque hay quien está dispuesto a pagarlo (yo, sin ir más lejos), hay una estructura gigantesca en la cual el artista es apenas un eslabón más en la cadena, son precios que responden a negocios a escala mundial cuya finalidad no es la filantropía sino la maximización de beneficios... Y más románticamente: los artistas nos dan alegría, fugaces pero necesarios raptos de emoción, felicidad. ¿Quién puede decir que esos momentos valen menos de lo que cuestan? Además otra cosa: en el Primer Mundo, donde el poder adquisitivo es bastante más alto que aquí, los precios son, en promedio, un 20% más baratos. Y pará: mejor no me meto con el debate sobre el rock, su presunta impronta revolucionaria versus el entretenimiento, y bla.

Pamplinas.

Que un artista milmillonario acumule dinero cual Elon Musk de la distorsión un poco me incomoda. ¿Qué pasaría si las entradas costasen un poco menos? ¿Los artistas serían un poco menos millonarios y nosotros un poco menos pobres? Sí. Deseo creer que todavía existen diferencias entre Marcos Galperín y Tini.

Podrás decir que más que un soñador, soy un dormido. Pero debo ser el único.

Leí que hay “fuerte polémica” alrededor del nuevo disco de Dillom. No lo escuché completo así que me reservo la opinión. El recurso del tatuaje masivo y animado para el clip de “Cocodrilo” me gustó.

Releo eso de que siento inexplicablemente cercano a Dave y me acuerdo de que dos veces en mi vida compartí la misma habitación con él. Una vez en el Sheraton, otra vez en Río de Janeiro. Recordame que te cuente esas historias alguna vez.

Ahora releo lo que escribió Diego en su posteo y añoro los 90 y parte de los 2000, años en los que me cansé de ir a conciertos y festivales porque, claro: no pagaba la entrada. Cagatinta garronero, todo lo veía de colado. Perdón: acreditado. Me dicen que cada vez son menos los periodistas que gozan del beneficio de la credencial all access; hoy esa pulserita es privilegio casi exclusivo de influencers y celebridades. Quévaser.

Otro recuerdo de aquellos días: el show que los Peppers dieron en River en 2002, cuando la Argentina atravesaba una de sus peores crisis económicas y sociales. Se dijo entonces que los precios estuvieron un poco más a tono con la situación. Sí, adivinaste: no tuve que comprar la entrada.

El pasado 1 de agosto se proyectó por primera vez Perfume, una película de María Gabriela Epumer. Es un documental que se nutre de 50 horas de material audiovisual inédito grabado por Mapu entre 1995 y 2003. El estreno está previsto para noviembre. El preestreno, en el microcine de la Facultad de Filosofía y Letras (Filo UBA), coincidió con la fecha de nacimiento de María Gabriela, que en 2026 habría cumplido 63 años. Perfume es un largometraje realizado gracias al financiamiento colectivo de 340 personas, y muestra a la guitarrista de Charly García en una intimidad nunca antes vista.

Dice la sinopsis: “María Gabriela Epumer fue una mujer que con un talento innovador creaba y tocaba rock en los 80 y 90 como integrante de Viuda e Hijas de Roque Enroll, guitarrista de Charly García y música solista. Veinte años después de su prematura muerte accedemos a 50 horas de material filmado por ella: conciertos multitudinarios y momentos de profunda intimidad en estudios de grabación y en su hogar. Un viaje musical que rescata la obra de una artista sensible y magnética”.

Las novedades acerca del estreno de Perfume, una película de María Gabriela Epumer se pueden seguir acá.

Hicimos una nueva edición de Barcelona Audiovisión. Te invito a mirarla. Y si te suscribís a Barcelona Digital nos harás muy felices.

Apoyo y aguante

Esta semana Fui Rock llegó a las 500 suscripciones gratuitas. Corresponde agradecerte por haberlo hecho posible. Es lindo saber que hay alguien del otro lado. Pero como buen insaciable, dejame decirte también que sería una gran cosa que te sumes con un abono mensual.

En pesos.

En dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Ahora sí. Hasta la semana que viene.

#69 Los 89 de Cafrune, el cantor peligroso

Fernando Sanchez — Sun, 09 Aug 2026 17:23:03 GMT

Ayer, 8 de agosto, Jorge Cafrune habría cumplido 89 años. Murió a sus 40, el 1 de febrero de 1978. La versión oficial dijo que se trató de un accidente de tránsito: iba a caballo, lo atropelló una camioneta, chau.

Que en las radios sus discos estuviesen rayados con clavos para que no se pudieran pasar; que en su último paso por el Festival de Cosquín, pocos días antes, haya interpretado canciones prohibidas por la dictadura; que en 1973 José López Rega (ex ministro de Bienestar Social y líder del grupo parapolicial de ultraderecha Triple A) haya sentenciado que “Cafrune es más peligroso con una guitarra que un ejército con armas”; más el testimonio de una sobreviviente del campo de concentración La Perla, que escuchó a un capitán del Ejército decir, durante su presentación en Cosquín, “A este hay que matarlo porque no podemos dejar que esto se expanda”, son todos datos que alimentan la hipótesis de que Cafrune no murió por un siniestro vial.

Cafrune montaba a caballo cuando fue atropellado. Había salido de Plaza de Mayo en dirección a Yapeyú, provincia de Corrientes. Tenía previsto hacer 25 postas de 35 kilómetros por día para viajar 750 kilómetros. Era su manera de homenajear al General San Martín en el año del bicentenario de su nacimiento. Ya de noche, sobre la la ruta 27, a la altura de Benavídez, en el conurbano bonaerense, lo embistió una camioneta. Falleció en el camino hacia el Instituto del Tórax de Vicente López. El conductor de la camioneta tenía 19 años, iba sin luces y medio tomado. Nadie puede asegurar que fue un atentado; tampoco nadie se atreve a afirmar que fue solo una desgracia fatal.

Aunque las fotos y videos lo muestran con aspecto de hombre grande, Cafrune tenía apenas 40 años cuando falleció o lo asesinaron. Estaba en lo más alto de carrera artística, pero prometía mucho más. Ya recorría Europa y los Estados Unidos, vendía millones de discos. Había nacido en Jujuy, familia de ascendencia siria y libanesa. Grabó su primer disco en 1957, con Las Voces de Huayra. Su discografía es riquísima: zambas, chacareras y poemas que se volvieron himnos.

En mi casa de la infancia, en Ituzaingó, se escuchaba a Cafrune. Mucho más que a Mercedes Sosa o a Horacio Guarany, por mencionar solo a dos cantores que compartían escenarios, repertorio y amenazas con el Turco. Había un disco y compilados con canciones de Cafrune, y recuerdo guitarreadas familiares que incluían alguno de sus clásicos. Era una época en la que el folklore era parte del aire. Para mi familia gorila, que Cafrune fuese peronista no era un tema. Su aura artística excedía por completo su indomable compromiso político.

Durante décadas no volví a escuchar a Cafrune. O sea: sí, pero sólo por casualidad, o por razones del oficio, cuando me tocó cubrir festivales de folklore en los que Cafrune suena por default de alguna u otra manera. En los últimos años, sin embargo, su voz empezó a resonarme. De hecho, no es esta la primera vez que lo menciono en Fui Rock.

Esta semana, tras las vacaciones de invierno, retomé una ceremonia que sostengo porque disfruto y sé que a fin de año se termina: llevar a mi hijo menor, Miguel, todas las mañanas en coche a la escuela. Él pone su playlist y vamos escuchando y charlando. El lunes, entre Oasis y Milo J se coló Carlos Di Fulvio.

No es todo. Entre clases de batería y guitarra, Miguel está aprendiendo a tocar el bombo legüero.

Estos regresos son parte de una tendencia que en noviembre próximo producirá un hito: el festival República Folklore.

La gacetilla dice que será el primer gran festival de folklore en la Ciudad de Buenos Aires. “El 21 y 22 de noviembre, la Ciudad de Buenos Aires será escenario de una nueva propuesta que se suma al universo de festivales folklóricos del país. Con más de 50 artistas, 3 escenarios y más de 12 horas de música por día, República Folklore reunirá a los grandes artistas del género y a nuevas generaciones en una celebración que combinará música, gastronomía, experiencias e identidad argentina”.

En la página web del festival se puede leer esto: “El nacimiento de República Folklore coincide con un momento de gran crecimiento para el género. Según datos de Spotify, el folklore argentino registró un crecimiento del 85% entre 2020 y 2025. Las reproducciones aumentaron un 1.645% entre 2015 y 2025. Además, más de 16,5 millones de playlists creadas por usuarios de todo el mundo incluyen folklore argentino. La Generación Z incorpora cada vez más al folklore como parte de su identidad musical, demostrando que tradición e innovación pueden convivir dentro de un mismo universo de escucha”.

Un dato curioso es la lista de medios que participan de la producción y difusión: el grupo de medios cordobés Cadena 3, Radio Mitre, Telefé y el canal de streaming Luzu. Nada muy progre, es cierto. Otro dato: el apoyo de la Comisión Directiva del Festival de Jesús María. “Nos llena de alegría celebrar el nacimiento de República Folklore. Que la Ciudad de Buenos Aires sume una propuesta de esta magnitud es una noticia excepcional para nuestra cultura. Creemos firmemente que estos espacios son vitales para el crecimiento y la renovación de un género que no solo nos une, sino que representa la esencia más profunda de la identidad de nuestro país. Felicitamos a la organización y les deseamos el mayor de los éxitos en este camino que hoy emprenden, abrazando nuestras raíces”, dice el organismo.

Algo está pasando. Milo J, los encuentros Fa! que organiza Mex Urtizberea y el trapo malvinero de la Selección están involucrados. Ni pruebas ni dudas. Bah, algunas pruebas, sí.

Andá a saber en qué deriva todo esto. En otro momento mío y del país, que un revival del folklore coincidiese con un eslogan como “La Patria no se vende” en el contexto de un gobierno de pretensiones fascistas me habría dado mala espina. Hoy me genera esperanza.

A propósito. Barcelona Digital tiene un nuevo número. Lo podés chusemear aquí.

Así las cosas, país.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Ah. Para conocer mejor la historia de Jorg Cafrune y, en especial, sus últimos días, te recomiendo esta nota del colega Gabriel Plaza.

Leé lo que sigue. Es importante, también.

Apoyo y aguante

Fui Rock sigue siendo gratuito. Pero si te gusta, podés sumarte con un abono mensual.

En pesos.

En dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Subscribe now

Ahora sí. Hasta la semana que viene.

#68 Los 25 de Miranda!, el éxito que parece que no supe ver

Fernando Sanchez — Sun, 02 Aug 2026 19:55:32 GMT

Por medio de las redes sociales, esta semana me enteré de que Miranda! cumplió 25 años. La noticia, además de corroborar con un dato duro como un cross a la mandíbula la persona mayor que soy aunque no quiera admitirlo del todo, me recordó una proto-polémica que hace un tiempo protagonizó un texto que escribí en Rolling Stone en ocasión de la salida del disco debut del entonces cuarteto que formaban Ale Sergi, Juliana Gattas, Lolo Fuentes y Bruno de Vicenti.

En 2024, a santo de vaya uno a saber qué, el periodista Hernán Panessi –a quien no conozco en persona pero suele aparecérseme en redes– publicó un tuit.

“Encontré una reseña para el debate: dic. de 2002 y Miranda! rompía todo con Es Mentira, su primer disco, editado por Secsy Discos y Locomotion. La Rolling Stone le puso ⭐⭐½. “Cierta convicción de que lo gay, sólo por gay, tiene onda”. ¿Qué dicen? ¿Se sostiene? Para mí es 10/10.”

El posteo incluye la foto del comentario, cuyo texto original puede leerse con claridad así que no lo voy a tipear de nuevo.

¿Qué pasa cuando, décadas después, se revisan las críticas, los comentarios, las crónicas escritas a pocos días del estreno de las obras abordadas? Considerando que Miranda! es hoy uno de los números más populares e indiscutidos del pop en español, el tuit de Panessi fue como arrojar a Stephen Hawking sin su tecnosilla dentro de una jaula de leones famélicos. Aún así, siempre es interesante hacer el ejercicio. Y si no es uno mismo el autor de esa crítica, además de interesante es divertido, diversión que incluye gotas de sadismo y un toque de saña. Algo de eso puede verse en las respuestas, que hasta hoy suman 53 más 60 republicaciones. Varios rescatan el texto, que consideran bien escrito; casi todos coinciden en que lo que se de dice no concuerda con la calificación. Pero la mayoría se deleita en la idea que el sordo que comenta –que vengo a ser yo– “no la vio”; hay quienes agregan adjetivos más o menos hirientes para subrayar el concepto.

No sé si me habría enterado del minidebate si el Ruso no me hubiese arrobado en su contestación. Recordaba haber escrito sobre el primer disco de Miranda! aunque, desde luego, no los detalles. Habían pasado 22 años de la notita y unos 20 de que ya no era parte de RS. Hoy ya pasaron dos del posteo de Panessi y 24 de Es mentira. No había vuelto a escuchar el disco. Esta semana lo hice.

Y también leí mi texto, al que le creo que pongo cuatro FuiRocks de cinco posibles. Nah, estoy jodiendo.

Suele ser un trago amargo volver sobre cosas que escribí en mi pasado como cagatinta del rock. La inmensa mayoría de las veces se trata de textos escritos con la urgencia de los cierres, la precariedad de las herramientas, las restricciones eternas del multitasking periodístico, y las limitaciones propias de mi capacidad para la expresión escrita. Son pocos los textos que no me avergüenzan al menos un poco; ninguno sobreviviría intacto a una reedición. El comentario sobre el debut de Miranda! no es una excepción. Lo pongo en contexto.

En diciembre de 2002, los argentinos que teníamos trabajo estable y que no nos habíamos caído por completo del plato que contiene a la clase media –que por entonces era tan o más chico que el actual– éramos una excepción. La revista había sobrevivido a la crisis de 2001 y se mantenía gracias a un ajuste brutal que, entre otras cosas, obligó a renovar el plantel de colaboradores casi en su totalidad. Quienes decidimos soportar aprietes infames y asumir tareas que no nos correspondían a cambio de conservar el trabajo, llegábamos al cierre de cada edición agotados. Tanto que, un año después, no aguanté más y, como muchos otros, yo también me tuve que ir. Hasta aquí, las condiciones laborales: siempre precarias a pesar del glamour de las publicidades y el compromiso impostado de los textos editoriales.

Luego, mi pelea sorda, personal y probablemente unilateral con un sector del periodismo musical que, para resumirlo de manera gruesa, yo llamaba “prensa gorila de rock”, y que ubicaba geográficamente en la redacción del suplemento Sí del diario Clarín. Brevemente: me enojaba que desde las páginas de un suplemento de un diario generalista y monopólico, en lugar de hacer periodismo y cubrir la escena del rock argentino que más discos lanzaba, más público movía y más explícitamente representaba e interpretaba el momento social y económico crítico y desesperante, el Sí sólo cubriese una escena de pocos, presuntamente vanguardista, que parecía definirse como oposición al rock de estadios. Yo leía en cada nota del Sí un desprecio por lo que denominaban despectivamente “rock chabón”, a la vez que un exceso de entusiasmo por todo aquello que no sonase a eso. Para mí, lo del Sí no era periodismo sino militancia. También me enojaba la arrogancia que leía en esas páginas, donde sus editores podían darse el lujo de poner en la tapa de su suplemento semanal a un artista que apenas empezaba a llenar un pub con capacidad para no más de 50 personas y venderlo como el verdadero rock, cuando en RS estábamos obligados a hacer tapas que nos permitieran defendernos en el kiosco durante un mes.

En términos estrictamente personales, en diciembre de 2002 mi primer hijo tenía cuatro meses y no dormía más de dos horas de corrido. Obvio: yo tampoco.

En fin. Releo esto que acabo de escribir y un poco me enternece. Dos décadas después suena tan ingenuo... En el caso de haber existido, nada de todo aquello existe más, y tampoco fue importante. Pero sirve para ubicar en tiempo y espacio el comentario sobre Es mentira.

La carrera de Miranda! resultó impresionantemente exitosa. Con cambios en su formación pero conservando su columna vertebral, el hoy dúo es un producto masivo de exportación, con un perfil propio definido y a la vez lo suficientemente elástico como para adaptarse a los tiempos y seguir ahí arriba. Para conseguir algo así durante dos décadas hace falta muchísimo talento. Que no ejecuten géneros que me gusten no me impide reconocer artistas dueños de ese don.

Como te dije, esta semana volví a escuchar Es mentira y contra todos mis pronósticos, coincido mucho con lo que escribí 24 años atrás. Si dejo de lado las consideraciones sobre la “fuerza de choque” del poptimismo militante modelo 02, advierto conceptos que aparecen mencionados al pasar pero que describen con bastante precisión lo que aún hoy detecto en el disco. Es mentira es un disco bastante kitsch pero sobre todo es una obra que puede ser catalogada como camp. Mirá lo que dice Wikipedia en su definición de “camp”.

“El camp es una corriente artística relacionada con las formas del arte kitsch, considerado como una copia inferior y sin gusto de estilos existentes que tienen algún grado de valor artístico reconocido. Suelen identificarse sus cualidades atractivas bajo los parámetros de la banalidad, la vulgaridad, la artificialidad, el humorismo, la ostentosidad y el carácter afeminado. Camp es un tipo de sensibilidad estética del arte popular que basa su atractivo en el humor, la ironía, su elevado nivel de artificio, la afectación, la extravagancia, la ostentación y la exageración, y que suele tender puentes entre la alta cultura y la cultura popular.”

Además, incluye la posibilidad de que ese clima de fiesta decadente, de alegría humildemente glamorosa, resultase una forma de resistencia frente a la crisis social y política de la época. Me parece que la cita “Podríamos llevarnos bien como si fuera una necesidad” va en ese sentido. Lo demás (la mención a Amistades Peligrosas, la cantidad de palabras a lo Shakira, el final brusco con eso de “Que cumplan”) son chicanitas tontonas.

Y las dos estrella y media... Bueno. A la luz de los años, repasando la discografía frondosa de Miranda!, no parecen tan descabelladas. Los mejores discos del grupo vinieron después. ¿Habría sido justo ponerle cinco estrellas? ¿Qué habría quedado para Sin restricciones o cualquiera de los que siguieron? Es mentira prometía. Y Miranda! cumplió.

¡Mirá qué notición!

¡Foo Fighters viene en 2027!

Ya estoy juntando la plata. Desde que vi este afiche que estoy esperando.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

Suscribite con un abono mensual o anual. ¿Cuántas veces tengo que rogártelo?

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Copartí este u otros posteos de Fui Rock. Verás qué bien se siente.

Hasta la semana que viene.

#67 Después del Mundial

Fernando Sanchez — Sun, 26 Jul 2026 20:34:10 GMT

El diabólico algoritmo de Spotify me ofreció esta semana como novedad una canción de Lucas Martí y Nico Cota, dos músicos que no puedo dejar de relacionar con Illya Kuryaki and the Valderramas. El tema se llama “Después del mundial” y no solo me sirve para darle título a la esta edición de Fui Rock: es una linda canción con mucha percusión y swing que me representa porque yo también dejé todo lo que pude para después del mundial.

Me está costando retomar la rutina, de manera que esta newsletter es un poco dispersa, atolondrada, reflejo de esa sensación de vacío que sobreviene después del éxtasis (no la droga, que no probé, sino de la explosión de alegría), la pena, el orgullo y la melancolía que me golpearon hasta dejarme grogui durante los últimos cinco partidos de la Selección.

Los mundiales son las vacaciones que tenemos cada cuatro años. Ahora a laburar, que hay que crear riqueza para que Milei, Sturzenegger y Caputo puedan seguir entregándola.

24 años tuvieron que pasar desde 1990 para volver a jugar una final. Después de eso, en 12 jugamos tres. Mirá si no vamos a valorar a Lionel Andrés Messi.

Hoy tengo 57 años. Vi a Boca 11 veces en la final de la Libertadores y 4 veces en la final de la Intercontinental. Vi a la Selección en 6 finales del mundo y en 8 finales de América. Me pregunto: ¿hay hinchas de mi edad, de cualquier otro equipo en cualquier país, que pueda decir lo mismo de sus clubes y sus seleccionados?

Eso es el fútbol: una fuente inagotable de emociones que atraviesan mi vida como ninguna otra.

El jueves volví a la cancha y el cariño que los hinchas le brindamos a Leandro Paredes fue absoluto y total. Le aplaudimos cada pelota que tocó, lo ovacionamos antes de cada córner que pateó, hicimos respetuoso silencio cuando cerró alguna jugada colgándola en la tribuna, y nos rendimos una vez más a su magia luego del pase de cachetada y en cucharita para que Merentiel haga lo suyo. Qué maravilla.

Qué maravilla de jugador, y qué maravilla que a cuatro días de haber disputado su segunda final del mundo haya jugado 90 minutos en la Bombonera contra la empresa de fútbol chilena llamada O’Higgins, que lidera el millonario argentino Cristian Bragarnik.

–¡Boluda! ¡En el segundo gol nos dimos un abrazo increíble con mi viejo! ¡Nunca nos abrazamos así!

Apenas había transcurrido media hora del 2 a 1 contra Inglaterra y las pibas todavía llevaban uniforme de escuela. Todas llevaban, además, algo celeste y blanco: un gorro, una camiseta, una bandera. Eran cuatro o cinco e iban eufóricas, saludaban los bocinazos. No sé si se dirigían al Obelisco. Yo caminaba en sentido contrario, volviendo a la productora de tele donde trabajo, y como iban casi a los gritos, escuché el comentario que una le exclamaba a otra. El tono era de sorpresa, algo de vergüenza y mucha emoción. Yo todavía conservaba el cuerpo estremecido tras el abrazo que nos dimos con mis dos hijos apenas después de que Lautaro cabeceó la pelota entre los 11 ingleses que había adentro del área y la mandó a guardar.

Eso fue el miércoles pasado, el de la otra semana, a la tarde, por Palermo.

El jueves siguiente fui a una escuela de El Palomar para charlar sobre Manuel Belgrano –a propósito de mi novelita histórica, que salió hace algunos años. Es uno de los colegios privados de más renombre de la zona Oeste. Eran las 9 de la mañana y desde la calle se escuchaba a decenas de chicos cantar “¡El que no salta es un inglés!”. A las maestras de cuarto les llevó un rato lograr el silencio necesario para presentarme. Pero me puse mi viejo piluso celeste y blanco que llevaba en la mochila y el griterío y los aplausos y los cantitos estallaron de nuevo. Las maestras no se enojaron especialmente con mi gesto de demagogia.

El viernes también fui a dos colegios, esta vez municipales, en Lanús. Volví a charlar sobre Belgrano con alumnos y alumnas de cuarto grado. Si bien nunca me resultó difícil que se copen en escuchar y preguntar, hablar sobre identificación con los colores, insistencia ante las derrotas, liderazgo y conquistas colectivas esta vez fue mucho más sencillo. Como no podía ser de otro modo, terminamos con un ¡vamos Argentina el domingo, eh! Mi piluso del 93 resultó eficaz, no puedo negarlo. Era el último viernes antes de las vacaciones de invierno, sí, pero también era el viernes previo a la final del Mundial.

Por el abrazo de esa piba con su papá y el mío con mis hijos, por los nenes estallados por un viejo piluso celeste y blanco, por los nenes y las nenas que se interesan por Belgrano por culpa de una camiseta, por las escuelas en las que se escuchó otra vez el que no salta es un inglés: gracias, Selección.

A riesgo de sonar como un viejo meado, debo admitir que la expresión “campaña anti-argentina” me conduce directamente al Mundial 78, cuando la dictadura le puso ese nombre a los intentos desesperados de los argentinos en exilio para informar al mundo sobre las atrocidades que el gobierno militar estaba llevando a cabo en el país mientras aquí se celebraba el campeonato del mundo. No quiero forzar paralelismos, pero no deja de ser llamativo que en tiempos de Milei vuelva a usarse esa expresión para referir a lo que evidentemente es una campaña de difamación de la Argentina a escala global. Quitarle el sentido original a las palabras es una estrategia habitual de la ultraderecha. En fin.

Al movimiento anti-argentino mundial lo conocemos en el país muy bien porque se viene practicando puertas adentro desde hace 80 años. Acá lo llamamos gorilismo.

Tiendo a coincidir con quienes sostienen que esta campaña anti-argentina global es la nueva fase de la expoliación de recursos prevista para nuestro territorio. ¿Quién va a oponerse a la destrucción de un país racista, nazi, bruto, violento y petulante?

Pero digamos todo: la existencia de racismo en la Argentina fue primicia de Revista Barcelona.

Igual, que los españoles nos acusen de racistas no es serio bajo ninguna instancia. Hasta en el fútbol hemos sido más inclusivos que ellos. Mirá lo que era la Selección de España que salió campeona del mundo por primera vez, en 2010. Blanco Ala. O aria.

Y mirá la Selección argentina que levantó por primera vez la Copa del Mundo… ¡32 años antes!

Ellos a Lamine Yamal le siguen diciendo “moro” y “negro de mierda”. Nosotros, a Héctor Baley le decíamos “Chocolate”.

Fin del debate.

Esta semana me apareció en Twitter un pibe con musculosa que, en tono banana entre mendocino y boricua, y subiéndose a un auto deportivo después de haber hecho gimnasia, decía esto: “A los ricos no nos importa que Argentina perdió en el Mundial, no nos domina las emociones un partido de fútbol. Los argentinos se endeudaron para ver el Mundial. Ahí te das cuenta de por qué son pobres”. Se hace llamar Colorado Masivo, dice ser trader y vende cursos de no sé bien qué. La idea era que si celebrás o te apenás con la Selección sos un boludo pobre.

Ahora evoco aún con tristeza y bronca y también orgullo lo que me hicieron vivir otra vez Messi, Scaloni, la Selección, el fútbol, pienso en este chico de pelo naranja y me digo bueno, vaya coincidencia: él supone que soy un boludo pobre y yo creo que él es un pobre boludo.

Dejo por un ratito la pelotita.

En algunas esquinas de Núñez y en Palermo apareció este stencil.

No quiero hacerme ilusiones pero muchachos, ahora nos volvimos a ilusionar.

No fue el diabólico algoritmo de Spotify sino mi compañero Omar Giammarco quien me avisó que había un nuevo disco de Silvina Garré. Lo escuché y me encantó.

Es un álbum como los de antes porque está pensado con un concepto integral: está integrado por 11 canciones que llevan en su título el nombre de una mujer: “Catalina Bahía” (de Pedro y Pablo), “Laura va” (de Almendra), “Maribel se durmió (de Spinetta Jade)”, “Grifana, la mujer” (de Pastoral), “Marilyn, la cenicienta y las mujeres” (de La Máquina de Hacer Pájaros), pero también “Julia” (de los Beatles) y hasta una canción que supo recitar Alain Delon, además de dos bellos temas en italiano que yo nunca antes había escuchado.

Silvina sigue cantando hermosamente, con voz cristalina y afinación perfecta, y lo arreglos casi desenchufados no pretenden otra cosa más que darle lugar a ese canto para que suene claro y pleno. Una voz que cuando la escuches, vas a darte cuenta que forma parte de tu vida y capaz no lo recordabas.

En esta nota de La Nación que hizo Gustavo Lladós (con quien cursé mi primer taller de periodismo, allá por la segunda mitad de los 80), Silvina cuenta un poco la historia del disco, de por qué volvió a vivir en Rosario, y varias cosas más.

Para irme bien arriba, te dejo este rock and roll tremendo de Green Day.

“I’m Never Gonna R.I.P.” es parte de la banda de sonido de Nimrods: A Green Day Comedy, una peli navideña de rock inspirada en la historia del trío en la que participan los tres: Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool.

Se estrena el mes próximo y me tienta bastante.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

Suscribite con un abono mensual o anual. No me canso de pedírtelo.

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Copartir este u otros posteos de Fui Rock trae mucha suerte de la buena.

Hasta la semana que viene.

#66 Una más y no jodemos más

Fernando Sanchez — Sun, 19 Jul 2026 15:39:27 GMT

¿Qué puede decir una newsletter como Fui Rock un día como hoy?

Tal vez mucho, pero no estoy en condiciones de pensar ni un poquito.

De manera que, como para cumplir con la obligación auto-impuesta de sostener esta regularidad semanal caprichosa y estar a tono con el momento, te dejo algo que tal vez ya viste: las tapas de hoy, domingo 19 de julio de 2026, de algunos diarios argentinos.

Es así. Soy vintage y en días especiales, las tapas de los diarios me siguen significando cosas.

La manija es completa y total. Y no solo en CABA.

Algunas tapas de diarios regionales.

En estos días me acordé mucho de esta tapa de Crónica del domingo 25 de junio 1978. Fuimos a la mañana con mi viejo, Cacho, al kiosco de Alvear y Juncal, en Ituzaingó, y compramos el diario. En ese momento no entendí el título.

Según la IA, la coramina “(cuyo principio activo es la niquetamida) es un antiguo estimulante del sistema nervioso que afecta principalmente los centros respiratorio y circulatorio. Históricamente se utilizaba en emergencias para tratar el colapso respiratorio o los desmayos. Sin embargo, actualmente ha caído en desuso médico y ya no se considera clínicamente útil, habiendo sido reemplazado por técnicas y medicamentos más seguros. Además, es un estimulante prohibido por la Agencia Mundial Antidopaje (AMA) y su uso continuado no está recomendado”.

Así que no te lo recomiendo. Pero vos fijate.

¿Vos viste esta jugada del miércoles?

De toda la magia que ocurre aquí, lo que más me impresiona es cómo cae despatarrado Harry Kane cuando intenta chocarlo. Además de todo, Messi es una mole de músculo imposible de tumbar. Qué maravilla.

Ya no queda nada, solo aguantar. Este afiche de Adidas explica a qué me refiero.

Si no sabés qué leer o mirar hasta que lleguen las 16, te dejo las publicaciones mundialistas de Barcelona Digital.

Y también te dijo nuestro streaming en diferido de Barcelona Audiovisión, también mundialista.

Es todo lo que puedo hacer un día como hoy.

Volveremos a la música, a las visitas de Foo Fighters y los Stones y el insólito festival de folklore en CABA y todo eso a partir de la semana que viene.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

¿Querés suscribirte y apoyarme para que pueda seguir con esto?

El abono mensual o anual.

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

¿Querés compartir este posteo?

Hasta la semana que viene. Hoy tampoco voy a decir nada. Seguimos todos en la misma.

#65 ¡Jugadoooooores..!

Fernando Sanchez — Sun, 12 Jul 2026 17:37:05 GMT

Querida Bonnie:
Supongo que conocerás las adaptaciones de las hinchadas europeas, pero en la Argentina el proceso fue distinto: de la canción de desamor se pasó a un cantito de aliento, y del cantito de aliento se volvió otra a vez a uno de desamor y frustración. ¿Por qué se dio ese movimiento pendular? ¿Hay algo en la canción original que llevó a las hinchadas a reconsiderar su adaptación festiva? ¿Algo que les decía: esto no es así, tenemos que volver al dolor? Y si lo hay, ¿qué es? ¿La letra? ¿La música? ¿Será tu voz quebrada por los nódulos en la garganta?
(...) Entonces le mando las preguntas. No me esfuerzo mucho porque estoy seguro de que no me va a responder; es decir, creo que Christoph (el contacto con Bonnie) va a cumplir con su palabra, pero en algún momento la cadena se va a romper. De todas formas le explico el caso, hago una traducción aproximada de las canciones de cancha y le hago a Bonnie las preguntas que escribí unos párrafos más arriba.
Antes de mandar el mail lo vuelvo a leer para revisar el inglés y me pregunto qué pasó en mi vida como para llegar a seto. ¿Qué extraña sucesión de eventos se tuvo que para que ahora escriba cosas como “Dear Christoph” o “pendular movement” o “Hey players you fucking motherfuckers”?

Si querés saber si Bonnie Tyler o Christophe respondieron el cuestionario vas a tener que buscar ¡Canten, putos!, el libro con la historia incompleta de los cantitos de cancha que escribió Manuel Soriano y publicó El Gourmet Musical en 2020. Allí se repasa, con lujo de detalles, el derrotero de “It’s a Heartache”, el hit global compuesto por Ronnie Scott y Steve Wolf en 1977 que, interpretado por la galesa Bonnie Tyler, llegó a los estadios primero como aliento –“Dale Boooca / Y dale, dale Booooca”– y poco después como reclamo de actitud y entrega –es decir huevos– para los futbolistas del propio cuadro.

Bonnie (su nombre verdadero era Gaynor Hopkins) se murió esta semana y todos cantamos “Jugadooores...”. No me cansaré de recomendar el librazo de Manuel Soriano.

Se publicó el disco nuevo de los Rolling Stones y es una felicidad. Es curioso: se vienen unos días de fuertes contradicciones porque a la vez que queremos que la Selección le gane, derrote, destruya, humille y en lo posible robe a Inglaterra en la semifinal del miércoles, celebramos que la banda británica más legendaria de la historia, la que casi inventó todo y nos trajo hasta acá, haya reaparecido con una hora y dos minutos de música nueva con catorce tracks inéditos. Esto somos.

Foreign Tongues es de verdad un gran disco.

La gacetilla de prensa (no creo que se diga más “gacetilla”, pero bueno) no está traducida con amor, pero informa detalles interesantes.

“Esta colección increíblemente vibrante de 14 temas llega menos de tres años después de Hackney Diamonds, el álbum de los Stones aclamado universalmente y ganador de un Grammy, que encabezó las listas de éxitos en todo el mundo y alcanzó la categoría de multiplatino. El disco incluye el emotivo nuevo sencillo «Jealous Lover»; su predecesor, el animado y contagioso «In the Stars»; y el tema de apertura «Rough and Twisted» —de marcado carácter blues y sonido crudo—, presentado originalmente bajo el nombre de “The Cockroaches” en una edición limitada de vinilo de etiqueta blanca que ya es una pieza muy codiciada por los coleccionistas.
La energía cruda y exploratoria de esos emocionantes adelantos se refleja en todo Foreign Tongues, un álbum que captura el sonido inconfundible de la banda al tiempo que se adentra en nuevos territorios sonoros y líricos. A las doce composiciones nuevas se suman una extraordinaria versión de «You Know I’m No Good», de Amy Winehouse, y un guiño a una de las influencias más perdurables de los Stones, Chuck Berry, con el tema de cierre «Beautiful Delilah».
Grabado durante un periodo de excepcional creatividad, Foreign Tongues cobró vida en menos de un mes en los estudios Metropolis del oeste de Londres. En el proyecto, Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood volvieron a trabajar con el productor ganador del Grammy Andrew Watt, quien también estuvo al frente de Hackney Diamonds. Entre los colaboradores habituales figuran Darryl Jones, Matt Clifford y Steve Jordan; además, destaca la participación especial de Charlie Watts en el enérgico tema «Hit Me In The Head», grabado durante una de sus últimas sesiones antes de su fallecimiento en 2021. También colabora una impresionante lista de artistas invitados, entre ellos Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith (de The Cure) y Chad Smith (de Red Hot Chili Peppers).
Al reflexionar sobre el proceso de grabación, Mick Jagger dijo: “Me encantó hacer estas sesiones en Londres, en Metropolis. Fueron unas semanas muy intensas grabando Foreign Tongues. Teníamos 14 temas fantásticos y trabajamos tan rápido como pudimos. Me gusta la sala de grabación de allí; no es demasiado grande, así que puedes sentir la pasión de todos.”
Keith Richards agregó: “El álbum Foreign Tongues guarda continuidad con Hackney Diamonds; fue fantástico volver a trabajar en Londres y sentir ese ambiente londinense a nuestro alrededor. Fue un mes de energía intensa y concentrada. Para mí, lo importante es disfrutarlo. Me siento afortunado de poder hacer esto y ojalá dure mucho tiempo”.
Ronnie Wood comentó: “El ambiente en la sala era muy creativo y toda la banda estuvo en plena forma durante el proceso. A menudo lográbamos el resultado perfecto a la primera toma. Espero que a todo el mundo le encante”.
La llamativa portada del álbum es una obra pictórica creada por el aclamado artista estadounidense Nathaniel Mary Quinn, quien comentó: “Crear la portada del álbum para los Rolling Stones es un honor artístico: un diálogo con una de las fuerzas más perdurables de la historia cultural.”

Hasta aquí, la gacetilla.

Lo mejor que leí, sin embargo, la escribió en Daniel Riera. No podía ser de otro modo: es crack y mi fan de los Stones preferido. Copio y pego de su muro de Facebook.

Rápidamente asombrado porque Foreign Tongues es una maravilla y porque los Stones la rompen de nuevo y me siguen haciendo feliz como hace casi una vida entera, por los invitados famosos y etc. etc. , por el cover de Amy y por un montón de cosas que van a leer en todas partes y que son ciertas. Tengo mis favoritos en un disco ciertamente parejísimo. Me llama la atención, o tal vez no, que no haya comentarios sobre el filo político del disco. En “Ringing Hollow” se lamentan por el fin del sueño americano que, dicen, “no tiene vuelta atrás” y hablan del vestido desgarrado de la estatua de la Libertad, de “las voces que son ahogadas” y de la alfombra de bienvenida que se llevó, acaso, el “sinvergüenza que trata de animar a la maltitud”. “Mr. Charm” habla del “loco magnate Mr. Musk” y dice “Cuando era joven, quería ir a Marte. Ahora que soy mayor, querría preguntarte si esta noche podríamos quedarnos en casa”. “Covered In You” dice “Me despierto enfermo y cansado de estos autócratas que parecen reproducirse como una plaga de ratas sucias”. Jagger habla con claridad y lucidez sobre un mundo que está en tránsito de una época oscura a una oscurísima y lo hace con un nihilismo que nunca estuvo tan justificado. No es el único tema del que habla en sus nuevas canciones, pero lo hace en al menos tres y lo dice con una potencia que es ciertamente pregnante en la obra. Se agradece. Siempre.

La tapa es también de alto impacto. Disco nuevo de Paul, disco nuevo de los Stones… ¿Qué falta a este año para ser perfecto?

¡No lo digas!

No lo vi jugar, soy viejo mas no tanto. Pero es parte nuestra. Si no me creés, aprovechá estos días de pasión mundialista y hacé la previa de la semifinal en el cine. Andá a ver El Partido.

Me dispersé. Hablaba de Antonio Ubaldo Rattín, protagonista de una rivalidad que es futbolística y de honor deportivo antes que política y bélica, que también lo es pero es pavote mezclar todo aunque igual lo hacemos porque lo dije más arriba: esto somos.

La canción de Los Twist dice “Son tu nombre y tu memoria y tu brillante trayectoria patrimonio nacional”.

Es así. El miércoles se honrará también este legado. No queremos ver felices a Mick Jagger ni a Noel Gallagher. Es sólo por un día.

Bueno, voy a seguir comiéndome las uñas. Nos quedan dos partidos más de Lionel con la celeste y blanca. ¿Cómo no estar manijas?

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

Suscribite. Dale. Ya no sé cómo pedírtelo. El abono mensual o anual.

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Compartís el mate, podés compartir este posteo.

Hasta la semana que viene. No voy a decir nada. Estamos todos en la misma.

#64 Otro adiós, ahora a Melingo

Fernando Sanchez — Sun, 05 Jul 2026 14:35:18 GMT

Es tonto decir que junio no pudo haber sido peor porque todo, siempre, puede ser peor, no es necesario imaginar cómo. Lo cierto es que en términos de necrológicas para aquellos que crecimos en –y nos sentimos parte de– la cultura rock, junio resultó un mazazo. La muerte de Indio en la primera semana y la de Daniel Melingo en la última contaminaron con olor a cala un mes horrible de principio a fin en el que también falleció Ernestina País. Tres muertes que, con distintos niveles de intensidad, pegan debajo del cinturón.

De Indio se habló muchísimo y en este mismo espacio, durante todo junio, yo también lo lloré a mi modo. Guardaré para siempre el orgullo de haber podido conocerlo y charlar con él. De Ernestina también se dijo de todo, siempre con afecto y admiración. La conocí no como fotógrafa ni como editora de Inrocks sino ya como celebridad, le escribí guiones para programas de Radio Mitre que conducían Jorge Guinzburg primero y Marcelo Zlotogwiazda luego. Siempre una sonrisa cuando no una carcajada, Ernes. (Me asusta cómo se me están amontonando los muertos en el CV.) Melingo es un caso distinto.

La primera vez que lo vi fue con Los Twist y Los Abuelos de la Nada en el Italpark (el olor a naftalina que emana esta oración espeluzna). Luego fuimos varios del Dorrego al cine de Ituzaingó, siempre en los 80. A través de las decenas de anécdotas que nos contó Camilo Iezzi en el 95, mientras grabamos con él como productor artístico el primer disco de Sometidos por Morgan en los estudios Ion, creo que también lo conocí un poco. Lo entrevisté a fines de los 90, cuando sacó Tangos Bajos. Y en 2006 o 2008 lo redescubrí como papá de Félix, el compañerito de jardín de Simón, mi hijo mayor. Una rareza, el ámbito. Volví a entrevistarlo hace cuatro años, en ocasión del estreno de su Ópera Linyera. La nota salió en Infobae y se lee acá.

La hermosa foto que nos tomó Adrián Escandar documenta aquel encuentro. Obviamente, en el artículo no puse todo lo que hablamos durante esa mañana fresca y soleada en un bar de Villa Ortúzar. Unos 10 mil caracteres quedaron afuera.

Como si ya fuera un género propio de Fui Rock, elijo recordar a Daniel Melingo recuperando los fragmentos de la última entrevista que le hice y que no fueron a parar a la nota por cuestiones de espacio, de coyuntura, andá a saber. Vuelvo a creer que nada de lo que yo escriba para rendir homenajes puede ser mejor que la palabra del protagonista.

Son fragmentos que parecen no del todo relacionados entre sí, pero lo están. Arrancamos hablando de Félix, que entonces ya andaba por los 20 y hacía rato compartía escenario y composiciones con él.

Daniel Melingo: Félix Melingo estudia cine, hace música, compone, escribe, es actor y basquetbolista... ¡Va por todo! Juega en (el club) Colegiales. Pero en el escenario empezó de chiquito, repartiendo las aguas a los músicos. Siempre le gustó, y la idea fue naturalizarlo para el escenario, para que de alguna manera, sin saberlo, no tuviese que pasar por todo lo que implica el pánico escénico. Si quiere aprender la profesión, ya tiene un terreno ganado en ese aspecto. En casa también, con la madre (María Celeste Torre), tiene un entorno familiar propenso a lo creativo.

–¿Y cómo es firmar canciones con tu hijo?

DM: Bueno, es que Maldito tango (2008), ya a los tres años, grabamos cosas.

–Pero una cosa es el juego y otra el trabajo.

DM: Es que para nosotros el laburo es el juego, no hay diferencia. Porque cuando deja de ser juego, pasa a ser otra cosa. En el laburo creativo hay mucho de lúdico. Y si no existe lo lúdico... Sobre todo entre los que buscamos la creación, la propuesta nueva: tenemos que estar permanentemente jugando, probando. La prueba y el error son fundamentales. Porque la música es una de las artes más abstractas. Yo aprendí haciendo un trabajo siempre empírico. Tengo que comprobar cuál es la llegada de ese elemento tan abstracto que es la música. Es muy importante el juego, la prueba y el error, el laboratorio, la investigación. Eso me nutre la inspiración.

–¿Y cuándo ese juego se transforma en una obra?

DM: Cuando empieza a interactuar, va tomando forma y se va separando del interior de uno para pasar a ser una obra independiente , para tener una forma por fuera de como uno se la imaginó. Y empieza el gran viaje del intercambio con el público. Ahí empieza la vida de una obra.

–¿Y ese juego es solitario?

DM: Sí, porque es una confrontación con uno mismo. Es el momento del día en que estamos solos.

–Vos y...

DM: ...los demonios interiores. Esos que nadie quiere ver y que muchas veces tanto nos cuesta esconder.

–Ese juego no tiene método, ¿o sí?

DM: Sí, sí. Muchos métodos. De hecho, estrené este año una película como realizador, El teorema de Mosner. Y justamente habla de la página en blanco, de las motivaciones.

De la película pasamos a sus actividades como actor, dado que participó en casi una decena de películas. Lo veía así.

DM: Me gusta. La verdad es que lo hago sin conocimiento, nunca hice un casting, siempre llaman a Melingo. Pero entrando por esa puerta fácil, cómoda, fui encontrando un gusto muy especial a actuar de esta manera. Lo primero fue Zenitram, una película de ciencia ficción, hace como 15 años... Fue mi primera aparición en la que no hacía de músico, porque antes sí, salía tocando. Pero ahí empiezo como actor, con Juan Minujín, que me ayudó, me pasó varios tips que me quedaron sobre cómo aprender los parlamentos.

Si algo caracterizó a Daniel Melingo, además de su versatilidad como músico y su amplio arco iris de géneros y formas de abordarlos, fue su manera de interpretar sus canciones. Allí brillaban sus dotes para la actuación. Por eso no me sorprendí cuando me explicó por qué creía que su obra podía ser valorada en países donde no se habla castellano, y sus letras no se entienden del modo que podemos disfrutarlas nosotros.

DM: El público no lee la letra; siente la emoción de escuchar música. Me ve a mí gesticulando, mi leguaje de gesto y de mímica que acompaña esa emoción que transmite la música. Yo canto, no leo un poema. Por eso no le digo “letra”, le digo música. Adicionado a mi gestualidad y al abarcar distintos espacios, ir a la platea, volver, mantener esa comunicación es lo que hace el combo. No hace falta entender el idioma. Después, si te interesa y te emocionás con esa música y esa imagen, vas a ir a buscar qué está diciendo. Hay que llegar, primero. El artista tiene que ver de que manera llega al otro, el resto viene solo con el oficio. Pero eso no puede faltar.

Hablamos del idioma y llegamos al lunfardo, que para mí tiene bastante de humor, un tema del que Daniel Melingo podía dar cátedra porque fue una herramienta crucial de casi toda su obra. Pero no.

DM: El lunfardo es el mayor ejemplo de diversidad. ¿Por qué? Porque toma voces de un montón de dialectos, de idiomas, de costumbres, inversiones silábicas, y va creando un clima no solamente en sus voces extranjeras, sino también en los ambientes donde se cuenta el cuento en lunfardo. El lunfardo sirve como un entorno donde se está contando una historia, pero eso no solo son las voces, la manera de escribir y las palabras: es el ambiente donde se cuenta.

–¿El lunfardo es esencialmente irónico?

DM: No, hay mucho lunfardista solemne. A mí me tocó trabajar mano a mano con Luis Alposta, que es uno de los grandes poetas lunfardos. Pero él usa el humor negro. Él trabajó mucho con Edmundo Rivero, con Enrique Cadícamo. Y el humor negro era uno de los elementos que utilizaban. No todos los lunfardistas son de humor negro. Es solo una rama. Pero también hay mucha solemnidad. Es un argot muy grande, el lunfardo, muchos años y mucha acumulación de experiencias.

–Si bien tu carrera empezó como músico de rock, llevás más años como parte de la escena del tango. ¿Te considerás artista de alguno de esos géneros?

DM: No, soy uno que sabe un poco de matemáticas y va sumando. Esos rótulos son muy periodísticos. Nosotros no nos sentimos con una bandera o un estandarte de algo. Nosotros hacemos, somos pragmáticos. Por eso te decía: al estar trabajando una materia abstracta, el músico tiene que ser pragmático. Si no funciona, no funciona. El músico no puede decir que es músico, tiene que demostrarlo. Porque la música no se ve, se siente.

–No sería la primera vez que alguien que dijese ser lo que no es.

DM: Bueno, charlatanes siempre hubo.

Nos fuimos por las ramas y volvimos a lo que yo consideré su “carrera como músico de tango” y él simplemente describió como un camino de músico. Le recordé algo que –creo– me había dicho cuando lo entrevisté para Rolling Stone.

–Hace 25 años decías que te gustaría ser reconocido por la Vieja Guardia...

DM: La Vieja Guardia ya no existe más. Ya en ese momento no existía más.

–…y hace poco decías que eras más reconocido afuera que acá. ¿Hasta qué punto necesitás ser reconocido?

DM: El artista necesita trabajar, necesita comprobar. Nosotros sabemos que esta música que escribimos funciona cuando la probás, cuando la tocás y le ves la cara al otro. Si hablo de reconocimiento, hablo de saber que hay alguien que recibe, un receptor. Porque ahí se termina de configurar lo que hacés. Vos tirás como emisor, pero tiene que haber un receptor, si no, no funciona.

–¿Modificás algo en función de la reacción que percibís?

DM: No, porque ya está hecho. Insisto sobre lo que funciona y lo que no funciona, lo voy descartando. Todos hacemos lo mismo, todos los artistas vemos ese feedback porque son todos hijos de uno, pero hay algunos que interactúan más que otros. Uno se va dando cuenta en función del oficio, y elegís la camada que es más comunicativa.

–La ópera es distinta, no es un concierto con una lista de canciones que podés ir modificando.

DM: Es distinto. Es un espectáculo. Igual, tampoco es un salto al vacío total. Uno va sopesando en función del oficio. Siempre es un poco un salto al vacío, pero tenés que tener la seguridad suficiente como para que no parezca. Pero es único.

–No te enganchás en polémicas sobre si algo es o no es tango.

DM:No sé, que sigan polemizando los que tengan ganas. No tiene por qué importarme. Yo lo hago. El que categoriza, que lo haga después de hacerlo. Una vez que yo lo hago, vos lo categorízarás. No es mi departamento.

–Hablabas en el 98 de algo que llamabas neo-ango...

DM: A mi intento con el tango lo llamé proto-tango. Pero porque era un a mirada hacia las raíces. Tangos bajos es una manera de construir bastante rústica. Neo-tango podría llegar a ser el tango electrónico, pero esto es una mirada a lo más primitivo del tango, el sonido despojado... De todos modos, al mismo tiempo etube participando de los proyectos de tango electrónico de (Eduardo) Makaroff, de (Gustavo) Santaolalla... Grabé con los dos. Pero estéticamente me sentía diferente, quería separar que lo mío no era electrónico.

–¿Te sentís parte de algún movimiento? ¿Hay artistas que están en algo parecido?

DM: No, porque el artista se mira siempre el ombligo. Y justamente uno intenta no ser parecido a nadie. Al menos en mi caso. Si yo veo que hay unos que van para un lado, yo voy para el otro, por la colectora. Siempre intento eso. Por eso escribo con Luis Alposta, porque de alguna manera él siempre fue por la colectora del tango. Lo mismo, Cadícamo: Cadícamo iba por la colectora del tango, no por la autopista. Para mí es muy importante buscar la originalidad. Yo tuve experiencias cercanas a distintos géneros. Una cosa es decir que pertenecés y otra, pertenecer, haber hecho la experiencia.

–Leí que definías al tango como un género de resistencia como el fado, el flamenco...

DM: El blues...

–¿Creés que el rock lo es o lo será?

DM: Es contracultura, es otra cosa. Hay una diferencia. Porque estas músicas son tradicionales de resistencia. En el rock, durante los últimos 50 años, lo que se generó fue transformándose. Vamos a ver en qué estado queda. Quizás podamos hablar como un género de museo, como el jazz, como el tango... los grandes géneros que se van cultivando con el tiempo. Creo que va a pasar algo similar porque ya está trascendiendo de generación en generación.

–Y ya no es más el género de moda.

DM: Y sí. Las modas, por suerte, duran poco (risas).

Es todo. Qué pena que se haya muerto Daniel Melingo. ¿O no?

Me gustaría que la próxima semana, la edición de Fui Rock no sea una necrológica nueva.

Pónganse las pilas, loco. No se mueran.

Cierro con algo que me despierta entusiasmo y expectativa: el documental sobre el regreso de Oasis.

Como no pude verlos en Riber (le cedí mi entrada, comprada un año antes, a mi hijo menor, Miguel, para que fuera con su hermano), tengo muchas ganas de ver esto. Otra buena razón para esperar con ansias la primavera.

Ah, me olvidaba.

Estoy haciendo una de las cosas que en los últimos años descubrí que más me gustan: visitar escuelas primarias para hablar de mis libros. En este caso, escuelas de Lanús. El libro: La pasión como bandera, la biografía novelada de Manuel Belgrano que publiqué en 2019 a través de Kapelusz. Mi cara en las fotos lo dice todo.

La gira sigue. Belgrano es mi prócer favorito y me encanta intentar que los chicos y las chicas de cuarto grado se contagien un poquito de mi entusiasmo. Encima, se fascinan cuando descubren que alguien que escribe libros no está (todavía) conservado dentro de un frasco de formol. Hasta te abrazan y todo. Es cierto: en tiempos de Mundial, la celeste y blanca suma. ¡Todos arriba de la Escaloneta, una vez más!

Ahora sí. Listo.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

Suscribite con un abono mensual o anual. Dale, dejá de dudar.

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Suscrito

Si llegaste hasta acá es porque el posteo te gustó. Y si te gustó, dale, compartilo.

Hasta la semana que viene.

#63 Indio nunca antes publicado: cuarta y última entrega

Fernando Sanchez — Sun, 28 Jun 2026 15:19:23 GMT

Cuarta y última entrega de los fragmentos inéditos de una entrevista que hicimos con Pablo Mileo a Indio Solari en 2005. Fueron tres horas de charla cuyo contenido más urgente fue publicado en su momento a lo largo de 11 páginas la revista Soy Rock. El remanente, unos 40 mil caracteres, quedaron archivados en un disco externo durante 20 años. El paso a la inmortalidad de Indio, el pasado 5 de junio, resultó ocasión triste pero –creo– adecuada para desempolvarlo.

En esta última edición de Fui Rock dedicada a los inéditos de Indio, el Míster habla de los 80, las drogas, su entonces pequeño hijo Bruno, la fama, la violencia social, los rituales, su trabajo, los autos… En las ediciones anteriores de Fui Rock hay mucho más.

Acá.

Y acá.

Junio, en Fui Rock, fue un mes indio, redondo y de ricota. Nunca superaremos la ausencia de Indio. Recordarlo con su palabra, además de sus canciones, es para mí el mejor homenaje.

Ahí vamos.

Los 80

–En los 80 ha habido una especie de reflujo de los ensueños colectivos, y apareció una manera muy individualista de vivir. Ahí es donde te la mandan a guardar. Hasta ese momento todos teníamos ideales en común. No digo ideologías, pero sí ideales; gente forjada en la cultura rock que tenía valores que hacían digna la vida. Y de pronto, en los 80 hubo quiebre, quizás el agotamiento de los ensueños colectivos hizo a esta individualidad en la que uno piensa en la propia resolución de su vida.

–Bueno... No es casualidad que la droga de los 80 haya sido la cocaína.

–Los opiáceos son drogas jodidas porque dan un estado de beatitud en algunos casos, como la heroína; en el caso de la cocaína, el pibe metálico que todo lo puede. Generan una dependencia real de la experiencia. Ya la experiencia se desvirtúa. Pero hay drogas peores, como los analgésicos. Para un artista ni hablar, aquella cosa que te hace olvidar del cuerpo siempre es bueno para un artista. Ahora, hay otros como los psicotomiméticos, la psicodelia y todo, donde estaba claro que vos lo que buscabas era otra cosa. Independientemente de que tomaras buenos productos hechos en las universidades de California que no tenían estricnina, nunca te olvidabas del cuerpo. Estaba claro que vos estabas en una búsqueda por debajo del neocórtex, ahí en el sistema límbico, estabas buscando una manera de reprogramar las visiones de la vida y el circo mágico que a uno lo rodea. La aparición tiene relación con un estado de decepción de los ensueños colectivos que muchas veces tiene que ver con una especie de cosa casi entrópica, con la física. Generalmente cuando crece en magnitud, cualquier movimiento empieza a depreciarse el sentido básico. La masa no termina de entender las ideas originales de la misma manera que aquellos que las crearon o las vivieron. Terminan ahí casi por fuerza de la expansión de algo que es novedoso, pero ya no hacés la experiencia de la misma manera. Terminás tomándote algo para irte a una disco. Y no es lo mismo.

La violencia

–Hay folklores que son muy crudos. El otro día veía, no sé si es en Bolivia, una fiesta de fuego que se revolean, una especie de locura. En el noticiero lo veían como algo atractivo porque eran unos cholos, pero eso es muchísimo más loco que una bengala. Hacen como unos quesos rusos con fuego, y se tiran y se les prende fuego el pelo. Es un festejo primitivo. Para una mirada más progresista, una mirada noruega, sueca, esas cosas son atractivas turísticamente, pero nunca lo harían. Cuando uno genera un evento de esta naturaleza tiene temores. Vos podés revisar si tienen una bengala, pero no si tienen una púa en la media. Son 180 mil personas las que entran, tendrías que empezar tres días antes. Y así y todo tenés que bancarte el hecho de que cuando la gente empieza a presionar... Estamos viviendo todo el tiempo explosiones de violencia en todos los rincones, en los colegios, en las canchas ni hablar.

–Como este policía que le metió un tiro en el pecho a un jugador. ( El 11 de septiembre de 2005, el futbolista de San Martín de Mendoza, Carlos Azcurra, recibió un disparo de bala de goma y quedó al borde de la muerte. Fue en pleno clásico mendocino contra Godoy Cruz.)

–Recorren el mundo estas cosas. Un tipo con 20 años de antigüedad. El tipo dice ahora que se le escapó; no parece. Es un laburo ese... Ser del pelotón de las tortugas ninja. De la manera que vos podés salir a la vida así es si te están preparando todo el tiempo para que seas un perro. No podés ser una carmelita descalza si te ponen un casco, una escopeta... El que tiene que dar la orden tendrá que pensarlo un rato. Una vez que te abrió el portón... Yo con los perros lo mismo. Tendré que ver cómo los dejo encerrados cuando vienen ustedes, pero una vez que le abrí el portón, el perro está para morder, defiende su territorio y hace lo que le programaron.

El fútbol

–¿Te gusta el fútbol?

–Sí, pero no voy a la cancha porque hay una cosa que me da fobia, que es la personalidad pública. No me manejo bien con eso. Esto ya lo he dicho alguna vez. Para aquellos que nos forjamos en la época medio dura, acá, uno se acostumbró a que el anonimato era lo mejor. Entonces, que de pronto todo el mundo te esté mirando, es medio raro.

–¿Por eso dijiste que no a la invitación de Diego para ir a su programa de tele? (En 2005, Diego Maradona condujo La noche del 10 por Canal 13.)

–No es eso. A uno lo han puesto como si fuera una especie de cruzada. Yo no soy estúpido, no pretendo apagar socialmente la televisión. Miro mucha televisión y menos mal que existe el cable. Veo muchos deportes, películas, veo algunas veces los canales de documentales. Pero los documentales hoy en día son cosas muy extrañas, con las músicas incidentales y puntos de vista forzados para que resulten atractivos como show, llega un momento en que la orca es asesina y esas pavadas... La que no me gusta de mi personalidad es que con el tiempo se me van haciendo callos. Pero de pronto alguien habla por mí y... ¿por qué no hablás por vos? ¿Por qué construís un personaje porque a vos te interesa darle esa magnitud? Después el que tiene que ponerse ese chaleco soy yo, no vos. Yo trato de ser bastante claro cuando doy una nota. A veces uno puede pensar que es la capacidad del interlocutor y otras veces te das cuenta que no, que lo que vos dijiste era lo suficientemente claro como para que nadie lo viera de esa otra manera. Ustedes mismos viene acá a preguntarme por lo del Diego, y con lo del Diego no pasó nada. ¡Ahora está pasando! Me da miedo cada vez que alguien me lo viene a proponer como tema porque al dar la excusa uno está agrandando más el quilombo. ¿A quién carajo le importa? Rendirse ante los ideales de otro puede ser dañinos para tu vida. Creo que uno necesita de la complicidad del organismo, de toda la sociedad y hace lo que buenamente puede. Lo que buenamente puede es ser sincero, no voy tratando de captar adeptos para cosas que no pienso. Expongo lo que pienso y ojalá les parezca a otros que amerita ser escuchado o resonar con ello como con otras cosas.

–La otra es la demagogia de político trucho.

–Por eso yo les adjudico el dolor del duelo a los directamente involucrados. El resto de la sociedad tiene que verlo de otra manera. O sino debemos aceptar que estamos viviendo otra vez “el ojo por ojo y el diente por diente”, en un orden civilizatorio diferente. Me pisaste el jardín y te pego un tiro en la pata con la escopeta.

El padre

–¿Bruno se porta bien?

–El nene, gracias a Dios... Yo no sé si será porque somos padres añosos pero, independientemente de que es muy vital y todo, sí... Hasta que lo empiecen a arruinar en el colegio. Hay como una cosa cool en casa, no es un típico histérico de te tiro el cascotito; no, es bastante pata, el tipo. También estoy obligado a ir contra reloj de las temporadas altas. Siempre voy en invierno al mar, en verano al sur, gracias a Dios, a las Cataratas siempre coincide en épocas donde esta bueno porque allá es todo calor y humedad ,y los momentos más lindos es cuando la gente no puede ir.

–¿Te interesa estimularlo con la música?

–Sí, pero tengo temores porque la sobre-estimulación de algo produce rechazo. A mí ojalá me hubieran mandado a aprender música cuando era chico para no tener que estar aprendiendo de viejo. Hay que prestarles atención y ver para qué tienen aptitudes y qué les gusta. Uno tiene éxito en aquellas cosas en las cuales cree y las cuales disfruta. Porque no tenés horario, es full time, entonces le sacás diez metros de ventaja a los demás. Un tipo que hace algo porque lo tiene que hacer, porque no sabía qué estudiar, está bien, pero está esperando que llegue el horario para tocar. En cambio, al otro que le interesa la biología, vos te vas y el tipo se queda con el coso y, bueno, a ese le va a ir mejor. A mí me tocó el temor al futuro que tenían los padres, y nos incentivaban a tener carreras que nos aposentaran, y eso creo que es un gran error. Creo que en el éxito personal si uno es ambicioso. Si uno es un temeroso de la vida y prefiere tener un sobre a fin de mes y sentar el culo en la ventanilla de un banco toda la vida... A mí me da pánico todo eso. Como dice John Cage: “La gente se asusta de las nuevas ideas y a mí lo que me asusta son las viejas”. Por ahí los padres, cuando tienen problemas económicos, su obsesión es que el hijo no los padezca, entonces tratan de guiarlo para que estudien cosas que serán aparentemente rentables el día de mañana. Yo creo que son rentables si a vos te interesan. Si estás esperando que termine la jornada para dedicarte a tu hobby, más vale dedicate a tu hobby full time que por ahí tocando la guitarrita te va bien.

La ruta

–¿Te gusta recorrer el país en auto?

–A mí el auto me cuesta más que nada porque como vivimos acá en la pampa, hasta que empieza ponerse lindo el paisaje te comés un garrón. Soy más del avión, pero ahora con Bruno me he puesto medio cagón. Toda la vida fui del avión porque quiero ir a tal lado y son dos horas, tres horas, diez horas, pum y estás. Pero arrancar de acá y ver vaca, llanura, vaca, alambrado, se pone difícil. Estoy llegando a un acuerdo porque a mi compañera la gusta manejar y le gusta ir con su coche y todo eso, es más tuerca que yo. No soy fierrero, tengo los coches que tengo porque son buenos, pero no me interesan un carajo. Yo no manejo, me llevan. Sé manejar, pero no me gusta. Prefiero ir mirando, boludeando, leyendo el diario.

–Ni hablar de cambiar una rueda.

–¡Nooo! (Risas.) Ahí es cuando termino odiando. Estos aparatos los empiezo a odiar cuando se rompen. Es muy cómodo mientras el otro te lleva, pero si se pudrió todo te bajás, te tomás un remís y te vas. Si me tengo que quedar yo ahí como un boludo... ni en pedo. La otra es arrancar de acá, hacer cuatrocientos kilómetros, parar en un pueblo, hacer noche, desayunar ahí, comerse unos chorizos, hacer otros cuatrocientos kilómetros y ahí llegaste a San Luis. Ya si vas al sur, tenés que hacer otra etapa más. Si uno viviera en un lugar que es entretenido de movida, mata porque vas haciendo estas paradas. Lo que me embola es que vas ahí sentado en el coche, hablando, escuchando música... es un embole.

El trabajo

–Había un dibujo de los Freak Brothers que era buenísimo, que arrancan de caravana en una van llena de falopa de todo tipo, pastillas y porros, y se levantan unas minas, unas yeguas, unos hembrones. Y van jaja, jiji, estacionan en lugar y es un paisaje paradisíaco, todo sol, palmeras, están las minitas de ellos tomando sol en tetas. Por ahí cortan y hay cuadrito donde uno entra a la van y dice: ¡se acabó la falopa! Y se da vuelta y todas las minas son unos bagayos, el lugar es una mugre, todo nublado... En la mañana tenés una lucidez muy grande, parece que hasta la naturaleza está a merced tuyo. Hago un par de actividades, ir a tirarles unas galletas a los perros, me leo el diario, desayuno tranquilo y después arranco para acá. Y cuando arranco para acá trato de darme bola. “¿Qué tengo ganas de hacer? ¿Estoy para meterme a componer algo? ¿Arreglar algo que está medio en embriones? ¿Me pongo a dibujar?”. Gracias a Dios tengo aptitudes diversas para hacer cosas, entonces yo supongo que es más difícil encontrar el momento cuando sos músico nomás, o escribís nomás, o pintás nomás. Como lo veo como un entretenimiento, cuando empiezo a hacer algo no sé adónde va a ir a parar, por ahí va a parar al archivo de las cosas muertas.

–“El archivo de las cosas muertas”, ¡Qué nombre!

–Abrís cajones y sale cada yacaré (risas). Están ahí y uno no los entiende hasta después de un tiempo, y forman parte de un proyecto cinco años después.

–¿Volvés a esos lugares?

–No, te atrapan solos (risas). Intento venir a pasarla bien y elijo qué es lo que me parece que tengo humor para hacer, lo recorro hasta donde eso me va respondiendo algo y si no, no. Uno tiene que estar a merced de las cosas. No puede estar en la cola de la carnicería porque ahí se pone más difícil. Es bueno estar con los elementos que te ayudan, sobre todo hoy en día que hay estos mini laboratorios que tenés acceso a orquestas, directamente. Ahí tenés a tu merced no solo los instrumentos clásicos, sino instrumentos étnicos, instrumentos sintetizados... En este aparato (un teclado por entonces nuevo) tenés una paleta increíble. Siempre alguna cosa para hacer vas a encontrar. Yo tengo mucha facilidad para generar melodías, por eso compongo tan intrincado, porque siempre me sale una tercera melodía sobre las otras dos. Me tirás un par de cohetes y te hago una canción. Eso es la zanahoria. Es como un vicio, también. Cuando me levanto no se me ocurre irme a pescar. Yo me dediqué a lo que me gustaba hacer y con el tiempo, si no sos muy imbécil, aprendés un poco.

La fama

–¿De joven no soñaste con ser popular?

–No, en absoluto. Ni se nos ocurría. Estamos hablando de un tipo que se vinculó con esto al final de los beatniks y del existencialismo. Era una cosa de minorías. Uno hacía rocanrol porque tenía ganas, no porque ibas a... No había nada. Tenías que poner guita de tu bolsillo para alquilar un lugar, inventar un galpón... A nadie le ocurría que iba a ganar plata. No había ninguna posibilidad de premio.

Marina Domínguez, además de música (entre otras cosas, toca hermosamente con sus hijos) y fan de los Beatles y el rock nacional, es abogada laboralista especialmente enfocada en defender a trabajadores periodistas. La mejor, según mi experiencia. A propósito del “Luzugate” (el anuncio de la muerte del padre de Messi que no ocurrió y la posterior polémica entre el dueño del canal y la protagonista del asunto), Marina escribió algo que me gustó, y que esta semana, luego de los despidos y el conflicto que estalló en el canal de streaming Blender, redobló su vigencia. Por eso lo comparto a continuación.

Los acontecimientos del día de hoy generaron un inmenso revuelo entre periodistas y pseudo-informadores, o ese grupo variopinto que desde hace ya un tiempo se pone frente a un micrófono en streamings y plataformas virtuales de todo tipo. Pero no quisiera poner el acento en el gigantesco fallo de Florencia Peña, del que todo el planeta está hablando, sino en algo más profundo que tiene mucho que ver con esto y se está dejando de lado: el ejercicio de la profesión de los periodistas y, sobre todo, su importantísima función social, de la que algunos se acuerdan solo de a ratos.
Defiendo a periodistas desde que me recibí de abogada hace más de 30 años, y aprendí todo lo que sé con mi padre que ejerció ambas profesiones, la de periodista primero –y en tiempos muy complicados–, y la de abogado después. Por eso me entristece lo que pasa, pero no por lo sucedido hoy, que no es sino consecuencia de estos nuevos vientos que vienen soplando desde hace unos años.
No es la primera vez ni va a ser la última oportunidad en la que se mata a alguien antes de tiempo, o que se anuncia una muerte mientras la familia y su ser querido la están luchando. El que esté libre de pecado que tire la primera piedra. Pero lo que me pone realmente mal, es que los mismos periodistas, que salen –con toda razón– a defender la profesión, los principios, y el cuidado con el que toman su trabajo, no hayan dicho ni una sola palabra –al menos en forma masiva– sobre la vergonzosa reforma laboral que se aprobó hace algunos meses, y que arrasará a partir de enero de 2027 con todos los derechos que los protegen, como resultado de la derogación del Estatuto del Periodista Profesional y de los convenios colectivos de prensa televisada, y oral y escrita, y que conformaron un régimen legal que les permitió ejercer libremente su profesión durante décadas. Nadie se detuvo a analizar las nefastas consecuencias que esa derogación va a tener sobre la libertad de prensa, ya bastante manoseada por los mismos medios que hoy pregonan su supuesta seriedad al momento de informar y que, en general, piensan primero en sus intereses y después en todo lo demás.
Les pregunto a los periodistas, ¿realmente van a dejar que eso finalmente suceda? Si es así, a no quejarse el día de mañana, ya que esto es solo el principio de lo que habilitará a cualquiera a informar desde cualquier lugar, y a decir cualquier cosa. Amigos periodistas, si no se defienden ustedes, ¿piensan que alguien más lo va a hacer? Hubiera esperado una respuesta tan contundente de parte de los trabajadores de prensa respecto de semejante avasallamiento de sus derechos como la que tuvieron hoy para condenar a Florencia Peña. Habrá que revisar las prioridades.

Que el árbol no nos tape el bosque, por más incendiado que esté el mismo.

Fuimos con mi hijo menor, Miguel, a ver el 50% de Serú Girán.

Ya sé: que es como ir a ver al holograma de Cerati, que para eso ya tenemos a los Fundamentalistas, que el choreo, la nostalgia, los grandes valores del rock.

Cosa tuya. Vos te los perdés.

Voy con unas notas sueltas sin orden de importancia ni prioridad.

· Para suplir la ausencia de Charly, David y Pedro precisaron dos tecadistas y un guitarrista.

· La banda suena im-pe-ca-ble. No vi al Serú de los 80 en vivo; aún así, estoy seguro que nunca pudo sonar así. A la vez, le faltó mugre, rock, eso que solo pudo darle Charly, y que en el 92 resultó excesivo.

· David emocionado y agradecido es conmovedor y contagioso. Le falta voz, le sobra todo lo demás.

· Pedro está impecable, y toca todos los arreglos de bajo tal cual. 50 años no son nada y son todo.

· Es un acto de justicia artística que David y Pedro tengan su reconocimiento ahora y no cuando solo sean otro holograma.

· Se me piantaron unos lagrimones en “Desarma y sangra” y en “Seminare”. Fui rock, humano sigo siendo.

· Compartir un concierto de Serú by David y Pedro con un hijo es un plus de sanciones. Probablemente no hubiese ido si Miguel no lo proponía. Vaya si valió la pena.

· La banda hoy se completa con Fernando Cosenza en guitarra eléctrica y guitarra electroacústica, Federico Arreseygor en teclados y coros, Juan Fermín Ferraris en teclados y Mati Sabagh en batería.

· Juanito Moro tocó dos temas. No solo es igual a su papá: es crack también.

· Qué maravilla la música de Serú. Esa ambición por sonar, creérsela, crecer, sorprender, provocar, seducir, emocionar, contagiar, empujar, brillar, evolucionar, decir, proponer, deslumbrar cuando, como dice acá arriba el Indio, la aspiración no era ser rico y famoso sino trascender, crear, hinchar las pelotas, molestar, inquietar, inspirar.

Hicimos un episodio de Barcelona Audiovisión dedicado a la pasión mundialista. Lo mirás, te divertís, das like, compartís.

Es todo por hoy. Dedicaré la semana a sufrir porque hasta dentro de cuatro años no volverá a haber tres partidazos por día los siete días de la semana. Y sí, subidísimo a la ilusión. Porque sin ilusión, el fútbol, ¿para qué?

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

Suscribite con un abono mensual o anual. Mirá cómo te espero.

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Copartí este posteo. Sé que te gustó.

Hasta la semana que viene.

#62 Indio Solari inédito, tercera parte

Fernando Sanchez — Sun, 21 Jun 2026 02:19:03 GMT

Tercera entrega de los fragmentos inéditos que rescaté de la entrevista que le hicimos a Indio Solari en 2005 con Pablo Mileo para la revista Soy Rock.

Faltaban algunos días para la primera presentación de Indio en vivo con Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, y El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel), el primero de los discos tras la separación de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, era toda una novedad. No solo porque era un nuevo debut, esperado por más de cinco años; también por el sonido, una maraña incandescente de capas y capas de guitarras, efectos, voces, coros, secuencias, loops, baterías, una artesanía digital elaborada con un nivel de obsesión por el detalle fenomenal.

La nota que publicamos en octubre de ese año ocupó 11 páginas de la revista, una medida generosa, a la altura del entrevistado. Aún así, a pesar de que editamos allí lo que consideramos más interesante para nuestros lectores, que en 2005 todavía podían contarse en decenas de miles, muchísimo material quedó afuera porque fueron tres horas de charla.

El paso a la inmortalidad de Indio, el pasado 5 de junio, justifica este rescate, que es emotivo pero también es interesante porque recupera facetas de Indio que no descansan en el mito. Aquí está el Indio artista, compositor, explorador, curioso, conceptual, cabezón.

La primera entrega es esta. Incluye la nota original. Si hacés zoom, la podés leer.

La segunda, esta.

La semana que viene llegará la cuarta y última entrega. Porque en Fui Rock, junio es indio, redondo y de ricota.

–Estoy muy tranquilo donde estoy porque no sé dónde estoy, realmente. Estos casi cinco años que estuve parado me dieron otras miradas, otros intereses. Ahora estoy intentando hacer cosas con menos elementos, y darle un techo dinámico a cada rol más importante porque es muy complejo mezclar eso. Insisto, de movida todos esos elementos, cuando se cruzan, tienen que estar perfectamente afinados, en el tempo exacto, porque ni bien te pasaste ya está pasando a otra nota del otro arreglo, entonces se arman tensiones no deseadas. Muchos de los músicos (de la entonces nueva banda) recién se están enterando cuando les abrimos los temas acá, porque hay mucho que tiene que ver con la intimidad del sonido. Las guitarras con distorsión en muchos temas están fuerte y overdriveadas, y eso te borra un montón de matices que hay metidos adentro. Recién te das cuenta que esa escenografía está cuando la quitás: cuando la quitás, queda todo despojado, crudo, en cambio así tiene como un cuerpo armónico muy grande. Porque dentro de esas guitarras distorsionadas hay como dos o tres elementos melodizando. Se generan guitarras con casi una armonía orquestal detrás y eso es interesante, a mí me gusta.

–¿Cómo fue el proceso de transición entre la grabación del disco y lo que viene ahora, que tiene que ver con cómo se toca todo eso en vivo?

–Recién estoy descubriendo la banda, porque el álbum fue básicamente música de edición. Los músicos están trabajando en eso. Estamos tratando de hacer lo más posible la tracción a sangre. Quizás hay algún loop aparte de la batería, que necesitaría otro baterista o un percusionista... y eso ya sería una complejidad.

–¿Te gustaría tener una orquesta para poder hacerlo?

–Eso varía de acuerdo al estado de ánimo. Si vos me decís en este momento, tengo ganas de hacer un álbum totalmente crudo de dos guitarras, bajo, batería y nada más. Ahora voy a tocar dos días porque no daba para hacer varios días con el mismo show.

–¿Qué tan riguroso sos para que toquen tal cuál tus ideas?

–Soy muy riguroso. En todo caso, cuando hay una recreación les doy más libertad, sobre todo porque a mí no me gustan los yeites del guitarrista; a mí me gustan los solos melódicos. En la grabación les di un par de tracks para que tocaran encima a su aire, así yo después cortaba y pegaba y lo arreglaba. Ya venía tomándome mucho tiempo en las maquetas y cuando llegaron los músicos para copiar lo que había, también les di la libertad para tener cosas más livianas, con dinámica más natural para mezclar. Hay violas que aparecen, que están cortadas de algún lado y vueltas a pegar en otro lado.

–¿Cuántos canales por tema hay?

–Infinitos, porque yo tengo mucha facilidad para las melodías. Aparte yo trabajo con ingenieros para poder mandar a la mierda un loop con el que estás trabajando. Cuando uno está involucrado durante tres horas con un loop, lo defiende a muerte. Entonces vos decís “¿A ver este cacho? Corten acá, peguen acá”, y te vas, y venís a la hora y les decís “boletealo”, y a la mierda. Al mismo tiempo, entro y se me ocurre otra melodía secundaria o terciaria. Yo compongo por adición, no por sustracción, me interesa utilizar todo el espectro, y en este caso tenía ganas de generar tensiones, por eso hay un lugar de las guitarras distorsionadas muy crítico. En general, cuando propongo solos o arreglos secundarios de violas, pequeños arpegiados, soy estricto porque son parte de la composición. Acá quedaron algunos rollos de guitarrista porque me gustó algo que pasó y lo puse, pero fijate que en los Redondos era igual, porque hay muchos roles que son hechos por mí originalmente, en las maquetas. Skay también es un violero más vale melódico; no es yeitero, de recorrer el mástil, sino más vale de encontrar un lugar original desde donde arrancar y hacer una melodía. Este último trabajo que hice, a un tipo de músicos le dio otra perspectiva de la que tenían sobre los Redondos, por la simpleza de las canciones. Muchos músicos veían eso como un fenómeno, pero para ellos la complejidad es música más importante. No coincido con eso. Pero este álbum tiene otro tipo de estructuras, o lo que venía yo forzando en Momo Sampler.

–¿Y cómo era antes de que los Redondos incorporaran la tecnología digital?

–En la primera época arranqué con dos radiograbadores. En uno grababa un balde de plástico y una guitarra acústica, y después lo emitía y cantaba y tocaba otra cosa. Quedaba una maqueta medianamente entendible de la canción. Pero la banda, en general, lo que hacía era acompañar la idea. No era muy rica la propuesta para arreglos. Después, tanto a Skay como a mí se nos ocurrían los arreglos, una vez que ya estaba tendido el tema: pegar algún acento o hacer en algún compás, algo que nos apartara de lo llano del tema. La música de los Redondos, en muchos casos, sobre todo en los rocanroles, era una música muy elemental. Digo: no tiene una gran complejidad, quizás tiene un poco de buen gusto, ese matiz que le das a cada canción.

–¿El rock’n roll te resulta elemental?

–El género rock ´n roll me aburre. Me interesa la cultura rock y cómo desde ese lugar fueron condimentándose las cosas hasta ser una música muy diversa, donde hay artistas como los de ahora, con todos esos esfuerzos por hacer géneros bien diferentes que, creo, todavía están bajo el paraguas de la cultura rock.

–¿Cuáles géneros?

–La música electrónica. Esto que uno viene balbuceando hace un tiempo sobre la integración de la tracción a sangre. Yo estoy mejorando algo que ya empecé a hacer hace rato. Lo que pasa es que me salía para la mierda porque los sonidos midi se despegaban con mucha facilidad de la tracción a sangre, sobre todo si uno no lo sabía mezclar muy bien. Yo estoy haciendo hace años esto que ahora empieza a estar de moda. Hay un montón de grupos que se han aburrido de pinchar discos, de hacer cosas puramente electrónicas porque, encima, el show, a no ser en condiciones muy ideales y para poca gente, es un embole. Dos tipos moviendo faders y escribiendo delante de una pantalla... Entonces ponés a un boludo tocando la guitarra y a otro saltando con el bajo, y todo mejora. Ponés un baterista y listo, mandás un montón de ruidos y todo dependerá de la capacidad tuya de hacer música con esos elementos.

–Este disco es todo lo contrario.

–Este trabajo ha sido diferente, quizás porque uno estaba al pedo. Pero a pesar de que la textura general obnubila todo lo que hay adentro, si sacás todos los matices, suena de otra manera el disco porque hay muchos contracantos y contrapuntos que se cruzan. Por eso trabajé mucho con la edición, porque si componés con muchos contrapuntos, cuando se cruzan, tiene que ser perfecto el momento; es decir, la duración de la nota de los dos, tres o cuatro elementos que están cruzándose. Lo que pasa es que al tener el horizonte de guitarras al frente forman parte de una armonía parásita que está adentro que tiene que ver más con la textura y con el tipo de magnitud del sonido. Recién con auriculares o cuando clavás la sintonía, decís “¿A ver qué está haciendo esa guitarra?”.

–¿Tu aprendizaje de las máquinas fue ensayo y error o te tomaste tu tiempo para aprender?

–Después de los dos radiograbadores que te comentaba, aparecieron las porta-estudio, que eran una mejora pero también con casete; digo: eran siempre maquetas difíciles de transferir al disco final. El único que lo hizo fue (Andrés) Calamaro, que es un capo total, el tipo agarra de una porta-estudio y hace un álbum comercial. Yo tengo mucha simpatía por él. Los artistas, aparte de sus aptitudes, tienen también otras virtudes: una es el atrevimiento. El artista tiene una tendencia a lo ideal de su vida que hace que uno ponga en desequilibrio todo lo establecido. Un tipo que convence a una multinacional de que le saque un álbum quíntuple: ¡hay que pararse haciendo la venia! Para el artista no es una locura porque es una hemorragia. Yo tengo decenas de temas ya preparados. Si uno pudiera sacarlos todos, estaría contento porque te libera de esa mochila y te permite que entren nuevas ideas. El problema es cómo hacés para comercializar algo así. Después me compré una mesa de grabación Foxtech con un grabador de no sé cuántos canales, que está por ahí, arrumbada. A mí la tecnología me sirve como herramienta sobre todo para componer, después yo supongo que es medio aburrido ver un tipo solo, que está con unos faders en un lugar chico. Para componer uno tiene que aprender de movida las gramáticas propias de la tecnología y aprender a manejar los aparatos. Lo que pasa es que independientemente de que lo podrían hacer mejor, hay una cadena de compresión de cada gramática. Es decir: vos agarrás una consola Yamaha y hay otro modelo que es más complejo, pero el lenguaje es más o menos lo mismo; una vez que tuviste algún tipo de software en el ordenador, después aparecen otras pieles de otras maneras, pero es más o menos lo mismo; tenés las mismas ventanas, las mismas maneras de llegar a las carpetas. Algunos lo resuelven mejor, otros peor, pero en realidad todo eso depende del precio: si vos tenés tres lucas para gastar dólar, te comprás un Nuendo; si tenés un poco menos te comprás algo más pediátrico. El midi todavía eran emulaciones muy berretas; por ejemplo, la guitarra tenía que pasarla por pedales y cosas para que sonara más o menos. De cualquier manera, el ataque o el touch siempre era de tecla. En cambio hoy, entre los instrumentos virtuales hay algunos que tenés que sacarte el sombrero.

–¿Salen bien las cosas según lo que imaginás, o siempre hay algo que no te deja conforme?

–Hay un duelo personal, siempre. Ese tambor que nadie va a escuchar, que está corrido de tiempo: ese te jode para siempre. En los directos también, la gente está escuchando una cosa que no es el quilombo que escucha uno. Uno nunca tiene en el monitoreo lo mismo que escucha la gente, vos tenés una especie de cosa desarticulada que te ayuda a meterte en el tema, o a distraerte.

–Citaste a Calamaro. ¿Te gusta el rock nacional?

–El rock nacional pasa por esos boleros rápidos que se han hecho toda la vida. Yo entiendo por qué pasa así, porque sé el laburo que me da a mí escribir una letra en castellano y cantarla en castellano. El rock es una música universalista, pero es transcultural, tiene que ver con el fraseo, con la métrica, con la musicalidad de otro lenguaje. Esto mismo le ha dado una característica propia al rock argentino, porque el castellano es odioso. Es como cantar un tango en alemán o en árabe. La cabeza del imperio proyectó a través de Hollywood y de su poder ,y transculturizó un género que después todos en distintas partes del mundo lo tomaron y agregaron, por la propia vocación de la cultura rock. También los músicos de ahí se interesaron por la música hindú, por la música de África y fueron haciendo lo que a mi sí me interesa.

–¿Y Sumo?

–Sumo era una banda extranjera, prácticamente.

–...

–Por el tipo de sonido. Y encima tenía un cantante al que le costaba el castellano, que cantaba mucho en inglés.

–Sin embargo es de lo más nacional que hay.

–Sí, tiene cosas interesantes como “Mañana en el Abasto”.

–Bueno... Luca es un ícono cultural argentino...

–Eso muchas veces depende de la muerte. Mientras estás vivo te rompen los huevos, después te morís y eras un capo. Independientemente de los méritos que han tenido, para mí es uno de los mejores sonidos, pero no lo encuentro como arquetípico del rock nacional. A mí el rock nacional no es una cosa que me guste mucho, y Sumo me gusta mucho.

–Sin haberlo tocado en vivo todavía, ¿cuál fue el rebote que tuviste del disco?

–Las críticas fueron muy buenas, pero yo trato en lo posible de no inundarme la cabeza de esas cosas. Evidentemente, por las ventas, uno quiere creer que hubo una buena recepción. Después uno vive rodeado de gente que le lame la oreja. Los periodistas te dicen que está buenísimo, pero qué se yo, a todos les dirán lo mismo. De movida me cuesta dejarme enjuiciar porque yo he hecho un recorrido dentro de la cultura rock, me he embebido mucho en ella, entonces me cuesta encontrar a la majestad de alguien para que me de un juicio. Siempre que veo las críticas sobre otras cosas no les adjudico... Es diferente en otros géneros, como (el crítico fallecido en 2021) Federico Monjeau, de Clarín, que habla de música clásica. Vos ves que el tipo tiene como una autoridad que te excede; independientemente de que él sea o no sea músico, cuando habla de jazz, ves que el tipo tiene una compresión. Pero en la música ligera, en el rock, son tipos que escuchan música. Lo mismo que uno hace. Inclusive los pibes más jóvenes han escuchado mucho menos de lo que escuché yo, y saben mucho menos de la línea directriz de la cultura ésta. Entonces ni me duele ni me enaltece ver una crítica. Está bien, pero a mí no me modifica para nada. El momento donde yo enjuicio lo que hago es el momento de la realización, de la materialización del proyecto. Ahí es donde soy yo el juez más estricto que puede haber.

La semana que viene, la última entrega.

Mientras tanto, volví a entusiasmarme con Greta Van Fleet.

Sé que es una banda odiable, pero a mí me puede.

La fuimos a ver en 2019 al Gran Rex con Simón, mi hijo mayor, y nos gustó un montón.

Ahora salió un tema nuevo. También me gustó.

Obvio, Led Zeppelin me gusta más y lo hizo antes y mejor. Pero no puedo verla en vivo. Cuando saque disco nuevo y salga de gira, chiflame.

Lo que pasó esta semana en el canal de streaming Luzu con Florencia Peña –que anunció el fallecimiento del padre de Lionel Messi y no era cierto– me recordó una nota que publiqué el año pasado en la revista Acción. O sea: la carnicería mediática y en redes que llevaron a cabo los eunucos libertarios, con Milei y Luis Caputo a la cabeza, no resiste análisis. Son tan pajeros y brutos... Gozan maltratando a una mina inalcanzable que les llena el culo de preguntas. Patético. Pero más allá de eso, el escándalo pone el foco sobre un asunto no resuelto: el crecimiento veloz y sin ningún tipo de regulación de un tipo de medios de comunicación que combina voracidad comercial, precariedad profesional y niveles de irresponsabilidad, amateurismo e ignorancia pasmosos.

Transcribo algunos párrafos que me parece que recuperan actualidad.

Algo es obvio: por sus propias características, el streaming es una emisión directa, en vivo, sin edición, de personas hablando casi siempre sin guion, improvisando, en condiciones que pueden extenderse por varias horas “al aire” –en este caso, online–; una exposición que supone el riesgo cierto de pisar el pasto con relativa facilidad. Es así como una observación banal de dudoso gusto puede convertirse en tendencia, sea por los recortes que los propios canales hacen de sus “contenidos”, o por los que los usuarios suben a sus cuentas como un modo de llamar la atención. Quienes trabajan en los canales de streaming saben esto porque no todos los “errores” tienen la misma repercusión, por eso relativizan las consecuencias de ciertos debates, lo cual no significa que no registren cada vez que sus “talentos” dan pie a controversias e intenten evitarlas, o repararlas ante el hecho consumado. Las radios mainstream ponen en escala real la espuma digital. “Si pensamos que los canales de streaming en un día bueno tienen 80 mil personas conectadas simultáneamente, que un exceso se amplifique hasta convertirse en parte de una conversación nacional no se explica sin las redes”, detallan en una FM líder. “Una radio Top 15 de AMBA tiene todos los días mucha más audiencia, pero no repercute en redes de la misma forma salvo en casos muy puntuales”. A su vez, en uno de los canales de stream más vistos descartan de plano la búsqueda deliberada del escándalo. “Lo que se busca es hacer algo distinto. Muchas veces se escucha decir que ‘ya está todo inventado’ y si bien es un poco cierto, también es verdad que todo puede mejorar o mutar. Hay veces que te sale bien y otras, puede salirte mal. Y cuando te sale mal, está la chance de cruzar un límite.”

Una manera de explicar ciertas barrabasadas apela a “los riesgos del vivo”, pero la televisión y la radio tradicionales tiene buena parte de su programación –si no toda– en vivo. Sin embargo, existen diferencias. Una: la ausencia de cortes para publicidad. “Parece una pavada, pero no lo es para nada porque esos dos o tres minutos de tanda te sirven para salir de la presión del vivo”, dicen desde la experiencia del stream. En esto coincide, por ejemplo, Sebastián Grandi, director de la Mega: “Las radios tienen estructuras que permiten reducir este tipo de riesgos: la música, los separadores y hasta la publicidad son herramientas para que la exposición al aire esté controlada”. “Que mucho tiempo al aire es proclive a cometer excesos es algo que refutarían Héctor Larrea, Antonio Carrizo y hasta Lalo Mir o Mario Pergolini”, agrega Grandi. “Estar al aire muchas horas implica no sólo tener algo que decir, sino saber cómo hacerlo.” Alguien con más de tres décadas en el medio y a cargo de una de las radios de más audiencia del país, que prefiere el anonimato, lo dice con un lindo ejemplo. “Ponen a correr en un circuito de Fórmula 1 a un montón de autitos chocadores y el resultado es obvio: chocan.” Es cierto: la mayoría de los exabruptos del stream proviene de figuras sin experiencia previa en medios. “En esto es clave poner en valor el concepto de ‘comunicador’”, proponen desde una radio top. “Un comunicador que construye su carrera a lo largo de años en los medios no es lo mismo que un influencer que en pocos meses logra miles de seguidores en Instagram porque es pariente de la ex pareja de un deportista exitoso.” Del otro lado no están tan seguros. “Es muy fácil pensar que quienes están al aire solo prenden una cámara y dicen pavadas si solo ves un corte de 30 segundos tres veces por semana”, argumentan desde el stream. “Pero detrás de esa puesta diaria hay mucho profesional de medios. Te puede gustar o no, pero eso no tiene nada que ver con qué tan profesionales son los que están detrás.”

Lo que no se debe perder de vista es el contexto económico y laboral argentino. A la precariedad histórica y la pauperización constante de los medios tradicionales se agrega una característica muy específica: los canales de streaming son un fenómeno local. Desde hace más de una década, en todo el mundo existe el stream, la transmisión en vivo en Youtube, Twich y demás plataformas; pero el concepto de canal con grilla de programas y horarios, estudios y artística propios, es una creación criolla. Un nuevo jugador para una industria cuya torta publicitaria es siempre escasa. “Sumale que quienes deciden repartir esa torta son cada vez más cholulos y prefieren pagarle a un famoso para que se coma un alfajor en cámara antes que pautar un spot en una tanda. Y que quienes montan un canal, en lugar de contratar a un conductor, le piden que le facture directamente a una marca o a su propio esponsor”, dicen desde los medios “grandes”. La reducción de plantas laborales y los sueldos magros contribuyen a la pobreza de la oferta mainstream y la proliferación de alternativas precarias.

La mayor dispersión es evidente. Y no existe marco regulatorio específico. En el fondo se trata para todos de lo mismo: pelear por la atención de la audiencia. El streaming goza del beneficio del márketing de lo nuevo. Pero nadie se anima a dar ningún medio por muerto, por añejo o empobrecido que esté. Y tampoco a decir que el futuro vaya a ser de una única manera.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

Suscribíte al abono de pago. Me ayudarías un montón.

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Compartí este posteo, me gustaría bastante.

Hasta la semana que viene.

#61 Indio inédito en primera persona

Fernando Sanchez — Sun, 14 Jun 2026 03:08:50 GMT

Segunda entrega de fragmentos inéditos de la entrevista que le hicimos a Indio Solari en 2005 con Pablo Mileo para la revista Soy Rock, en ocasión de la presentación en vivo de El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel), el primero de sus discos con Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, tras la separación de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Esta foto que ya publiqué varias veces constituye la prueba de aquel encuentro.

Desde el fatídico viernes 5 de junio leí –fácil– una docena de notas, tratados, columnas, necrológicas en las que ex colegas y plumas de renombre hicieron todo lo que estaba a su alcance para describir, abarcar, evaluar, desmenuzar la obra de Indio. Mucha primera persona y aventura personal propuestas como metonimia de experiencias colectivas; mucha búsqueda de prosa e imágenes con alguna belleza y profundidad, como para estar a la altura del objeto de estudio; mucho palabrerío rebuscado porque bueno, así escribía Indio. Algunos textos logran transmitir cierta emoción que no por premeditada deja de lucir genuina. La mayoría, empero, dice más del autor o autora y su vanidad que de Indio y su legado. Aunque sé que en algún momento estuve de ese lado del mostrador, hace mucho que no me gustan los analistas que pretenden ser más listos que el artista analizado. Por eso mi despedida este mes es con las palabras de Indio.

Lo expliqué en la edición de Fui Rock de la semana pasada: se trata de un material riquísimo que, por razones de espacio, no incluimos en la nota que publicamos en el número 18 de Soy Rock, en octubre de 2005. Fueron tres horas de entrevista en Luzbola, el estudio que Indio montó en la parte trasera de su casa de Parque Leloir. La nota original la podés leer en las fotos de la newsletter pasada.

Me quedan dos partes más: una con detalles sobre la grabación y mezcla de El tesoro...; otra con reflexiones sobre las drogas, los 80, los primeros años de Bruno, sus ganas de recorrer el país. En esta ocasión, Indio habla sobre el oficio de compositor, las dimensiones gigantescas de su proyecto artístico, la posibilidad de recuperar una vida normal. Junio en Fui Rock es un mes indio, redondo y de ricota.

Con vos, Indio en primera persona.

–¿Cuál es tu zanahoria para seguir adelante?

–A mí me interesa mucho lo que hago. Sobre todo la parte musical. Hubo una lectura errónea que se hizo de los Redondos: pareciera que Skay hacía la música y yo las letras. Yo hago las letras con mucho esfuerzo porque disfruto cuando compongo. Cuando componés música estás en la búsqueda de algo que resuene. Cuando uno habla de música es como cuando uno explica un chiste. Intuitivamente uno ya recibió algo que se empieza a alejar cuando lo atrapa con conceptos. La música tiene esa maravilla que uno está componiendo, casi bartoleando, hasta encontrar algo que lo conmueve. Está entregado sensiblemente y emocionalmente a esas notas, a ese juego que uno va haciendo de tensiones dinámicas. Entiendo el valor que tiene la lírica en la canción porque hemos atravesado todo un momento de música popular donde lo que importó fue la canción, no hay música instrumental rankeando fuerte. Está bien el asunto de la lírica, de la poética, creo que termina de hacer una cosa más amplia porque aparecen conceptos medianamente esbozados o intuitivamente leídos. Pero, en realidad, para mí es puro esfuerzo, ahí ya no estoy disfrutando. Yo compongo la melodía de la canción previo a escribir. Después tenés ideas que hay que ajustar, y ahí ya empieza el oficio. Y el oficio es como la parte de producción: la música ya fue hecha, ahora tenés que arreglarla, mejorarla, limarla, trocear.

–¿Escribir es parte del oficio?

–Hay dos etapas. Yo escribo libremente y en ese momento sí disfruto. Pero cuando tengo que adecuar eso al fraseo de una línea, es todo un trabajo ver de qué manera decir eso que querés decir, respetar el fraseo musical, y no hacer esos fraseos que hacen algunos músicos que de pronto, bueno, te fuiste medio al carajo (risas). La línea entró, pero entró medio... Es lo que querés decir pero musicalmente está dicho más o menos para la mierda (más risas).

–¿Te enojás cuando no sale?

–Trato en lo posible de dejar reposar, pero siempre hay una incordia cuando hay algo que querés decir, hay dos o tres palabras que creés que necesariamente son las que tienen que ir, y no sabés cómo mierda hacer para que respeten el acento del fraseo. Muchas veces uno hace lo que llaman “licencias poéticas”: yo tengo unas cuantas ahí de las cuáles me arrepiento.

–¿Qué dificultades tuviste para producir estos primeros shows como solista?

–Ha cambiado un poco el circuito, está denso, está todo en manos de alguien, entonces siempre te hacen sentir el peso.

–¿Eso no fue siempre así?

–No, no. Está más concentrado. Y yo creo que hay una cosa medio espantosa que ha ido pasando, que es que el motor cultural es la codicia, entonces empieza a haber técnicas que “no te alquilo esto”, “bajále la farola”, cosas que son medio mierderas. No quiero abundar en estos detalles porque pareciera que uno intenta justificar su proyecto en función de los obstáculos que tiene. Y obstáculos siempre tenés, vos sos el primer obstáculo que tienen tus proyectos.

–Es un lindo desafío.

–Yo siempre opino que no hay que esquivar las trampas, hay que meterse y que te muerdan la pata. Esa es una manera personal de vivir. Pero bueno, ayudaría que la gente estuviera preocupada en sus propios proyectos y no tratando de boicotearte el tuyo.

–¿Por eso vas a hacer los conciertos en La Plata y no en CABA?

–Por ejemplo, por ejemplo... La gente que está hecha para hacer dinero, hay un montón de cosas que no les sirven y no las van a entender porque son especialistas en hacer guita.

–¿Se da una competencia para ser escuchado?

–Hay una cosa en la competencia que provoca ese dolor agudo de la envidia, entonces ahí se cae en defender las ideas de uno por más que uno íntimamente ya sabe en esta discusión que vos tenés razón. Eso me parece suicida. A mí lo que más me conviene es atrapar para mí, robarte tu pensamiento y que riga hasta donde dure porque es más verdadero para mí que el que yo esgrimí. Pero es en mi conveniencia, no es en la tuya. No importa si vos creés que ganaste la conversación, yo gané una idea que es mejor que la mía. A mí lo que me interesa es mi vida. Uno trata no de ir demagógicamente a la búsqueda de apoyo porque ese apoyo no está apoyando tu ideal, están apoyando otra cosa: lo que vos le decís. Lo ideal es exponer lo tuyo y ver de qué manera otros piensan de igual manera. Si no estaríamos todos pensando lo mismo.

–¿Cómo llegaste a la conclusión de que los shows debían ser en un estadio?

–Como nunca tuve claro eso, siempre me tuvieron que convencer para ir a un estadio. Me parece que es una ambición desmesurada. Ahora, entre la distribuidora, la producción, los mismos músicos, todo el mundo me fue convenciendo.

–¿La buena venta del disco no influyó?

–Eso lo acepto pero entre comillas, son indicativos, porque por ahí la gente lo compró y no le gustó. A uno le cuesta porque yo no me veo con la magnitud que me ven los demás. Cada vez le cuesta más creer a uno que es capaz de que haya tanta gente que durante tanto tiempo te quiera ir a ver.

–Debe ser difícil convencerte cuando no estás seguro.

–No es fácil porque uno trata de explicar los temores que tiene. Aunque yo estuviera en las remeras más que nadie, vos tenés un coequiper que cuando sale, mirás de reojo a ver cuál es el nicho que tiene. Skay salió en una especie de austeridad de tres lucas y, mierda, de tres lucas a 60 mil hay un abismo. Y no hay tanta diferencia de roles.

–Todo suena muy grande cuando se trata del Indio Solari. ¿Tenés la posibilidades de hacer proyectos más chicos, o todo se agiganta a tu alrededor porque sos el Indio Solari?

–Yo lo agiganto. Yo le tiendo celadas a la vida y trato de atraparla un ratito porque lo imprevisible viene indefectiblemente, no necesitás propiciarlo. A partir de ahí, eso ya te da un pulso de ser ambicioso, porque yo no tengo una religión efectiva que me diga que en el futuro, en la próxima vida, en la próxima encarnación... Yo me tengo que pagar el orto en esta vida, respetarme en esta vida, verme a la mañana en el espejo y creer en mí, creer en la dignidad de mi vida. Y eso implica ser ambicioso. Ambicioso en estas cosas porque, por otro lado, mi vida está reducida al ámbito familiar y de trabajo. Me aburrió la bohemia, ya conocí la suficiente cantidad de monstruos de la noche como para que haya el revival del monstruo, el hijo del monstruo, el nieto del monstruo. Son todos iguales, toman productos, no duermen, están histéricas. Hay una reiteración del monstruo, no son inéditos. Son monstruos inéditos para los jóvenes de hoy pero se parecieron toda la vida: los del tango, siguieron los del jazz... Es gente que hace una vida diferente y son personajes que son muy atractivos como fauna porque te dan mucho material. Pero llega un momento en que te aburrís, estás haciendo un gasto físico grande porque estás bebiendo de más y no dormís y al otro día estás hecho mierda. Tiene que valer mucho la pena el encuentro, o haber un promesa muy rica por sus integrantes para que diga “esta noche hago un gasto”. Hay también una etapa donde uno necesita sacarse de encima todos los fantasmas que tiene, y eso a veces no alcanza con un grupo de canciones. A partir de cierta época pensaba en tomarme esto como un trabajo pero desgraciadamente las producciones de hoy en día ameritan que uno esté involucrado en la comercialización. No es tan simple como antes hacer un disco. Hay un grado de exigencia más grande en uno pero también en el mercado. Tenía pensado para mí estar más relajado, trabajar exclusivamente en grabación y cosas que me den placer y aprovechar para disfrutar de la vida... qué sé yo... boludeando.

–¿Es posible concentrarse sobre el escenario teniendo en la cabeza todas estas cosas que contás?

–Es una verdad de perogrullo pero no deja de ser cierto: en el escenario, durante el tiempo que estás, la única manera de estar ahí es estar concentrado, porque sino estás concentrado, si el evento no te provoca ese grado de concentración y estás distraído, te olvidás la letra. La letra tiene que pasar a través de uno, no podés estar pensando la línea que viene porque estás teatralizando y expresando la línea que estás haciendo. Si el sonido es malo, si la mezcla que vos tenés es rara, si están pasando cosas, si te vienen a alcahuetear todo el tiempo que se está matando la gente en la puerta, estás con la cabeza en cualquier lado. Por eso trato de que que los camerinos sean como un templo y no un quilombo, porque hubo épocas en los que eran un quilombo y cuando te subís, una loca te quiere morder el culo y estás en cualquiera.

–¿Tenés la esperanza de volver a tener una vida pública más normal?

–El problema es que esto me agarra grande. Si uno fuera más joven, la vida te permite el olvido de la gente. Esto se dio de una manera medio rara. Que uno se haya transformado con una producción independiente en un artista de catálogo, y que tantos años después todavía uno tenga convocatoria, son cosas que uno siempre está esperando que no pasen. En ese sentido nunca soy muy optimista, a mí me tienen que convencer.

Entre lo mucho que leí estos días, algo me llamó la atención: la constante afirmación de que Indio fue un poeta. “La poesía” de Indio. Entiendo que es una manera de referir a su capacidad exquisita para expresar sensaciones, sentimientos e ideas de un modo bello y profundo más allá del significado literal de las palabras. Pero no alcanza con eso. Lo que Indio logró hacer como casi nadie es componer canciones. Esa es la razón por la que su obra atravesó a sus millones de fans, yo incluido. Los mismos textos sin sus melodías, sus armonías, sus ritmos, sus climas, no habrían sido lo que fueron. Y sus músicas, sin esos versos, tampoco. Es esa demoledora combinación de música y letra lo que enciende la chipa y desata el fuego. Por supuesto que él lo sabía. Fijate lo que dice en la entrevista que publico aquí arriba. Habla de la dedicación que pone para lograr la palabra precisa para la melodía perfecta.

Nada, eso.

Empezó el Mundial y todavía no se impuso ninguna canción. Yo voto por la versión de “Cómo me voy a olvidar” que hizo la familia Serrano-Costa. Ya sabés, no soy neutral.

En los inicios de Sometidos por Morgan, allá por el 94, teníamos un rockito que titulamos “Olivetteando”, un homenaje con pretensión de parodia de Patricio Rey. Nunca la grabamos “oficialmente”, pero la tocábamos siempre porque nos divertía. La letra la hicimos con Sergio Criscolo. Bastante irrespetuosos, la verdad.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

El pedido de siempre

Fui Rock es gratis, pero tu suscripción de pago me vendría bien.

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Si no podés comprometerte con un abono mensual o anual, podés compartir este posteo o cualquier otro, aquí.

Hasta la semana que viene.

#60 Una entrevista inédita con el Indio

Fernando Sanchez — Sun, 07 Jun 2026 04:28:23 GMT

El viernes se me murió el Indio.

Tengo entre mis archivos antiguos un documento de word con retazos inéditos de la única entrevista que pude hacerle a Solari. Fue en septiembre de 2005 para Soy Rock, con Pablo Mileo como coequiper, en la previa del primer show solista del Indio, en la misma casa de Parque Leloir donde murió. Son más de 40 mil caracteres que quedaron afuera de las 11 páginas que salieron en la edición 18 de Soy Rock.

Para recordar al Indio, mejor que mis evocaciones de hazañas ricoteras en primera persona, mis reflexiones sobre las características del movimiento redondo, o una descripción detallada de la tristeza que me invade en este fin de semana desolador será, siempre, su palabra. En este caso, inédita.

Hay reflexiones políticas; mucho sobre la composición, grabación, producción e inminente presentación en vivo de El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel); deliciosos detalles sobre su vida como padre entonces reciente; los 80; las drogas; el oficio de músico; la popularidad; Nueva York; sus fobias; la cultura rock; la bohemia… ¡el corralito!

Esta es la primera entrega. Son fragmentos un tanto inconexos (el cuerpo principal lo podés ver en las fotos). Aún así dejan leerse sin aclaraciones especiales. Creo que es un material valioso.

En Fui Rock, junio será un mes redondo, indio y de ricota.

Foto de Pepe Cáceres.

–¿Cómo es tu día?

–Hay que estar a disposición del momento de inspiración. Yo tengo para mí este lugar al que vengo todos los días. Más desde que han cambiado los horarios de mi vida. Desde que abandoné la bohemia me levanto a las cinco y media, seis de la mañana. Cuando recién me mudé acá, un día se me hizo un click. Estábamos acá con mi compañera y los amigos, empezábamos a las siete de la tarde y pool todas la noches, whisky... Hasta que un día le digo a Virginia: “¿Qué estamos haciendo? No sabemos ni cómo cantan los pájaros” (risas). “Para eso nos hubiéramos quedado donde vivíamos.” Entonces empezamos a cambiar y de pronto encontré una nueva manera de encontrarme a mí mismo. Encontré una belleza especial y un momento de lucidez que yo siempre le adjudicaba a la noche y, al contrario, a la noche hay un grado de intoxicación grosso que te hacer ver las ideas con una magnitud que después no tienen.

–¿Podrías no trabajar más?

–Yo creo que sí, pero en este país es muy difícil porque te agarran la guita el Estado y los bancos, y a mí me hicieron mierda.

–¿Te agarró el corralito?

–Sí, sí. Porque uno no está en esas cosas, entonces sos el último boludo que cuando todo el mundo se la llevó, vos leíste en el diario y decís “bueno, por ahí es un boludeo”... y cagaste. Lo que sí sé es que yo no puedo dejar de tener planes del tipo artístico, y eso necesita guita. A no ser que te dediques a tocar acá al atardecer, con un martini para tu familia y tus amigos. Uno se acostumbra a enunciar públicamente, quizás en defensa propia, entonces si uno hace lo posible por defender sus ideales, al menos está hinchando por lo menos para ese lado.

–Es cierto que te gusta mucho ir a Nueva York?

–Me encanta y aunque no sea el uno a uno, mi vida me permite ir. Pero me gustaba más antes. Una de las cosas que más me gustaba de Nueva York era esa manera que uno tenía de moverse a su aire, y que Manhattan era de la gente. Eso de perdió. Hay control, ya de movida entrar... Es un lugar adonde voy a disfrutar de esa cosa que acá no pasa, que la gente es dueña de su ciudad, del parque, de los lugares, disfrutando. A mí encantaba ir porque como no me muevo con la rush hour de nada, me tomaba el subte para ir al Soho. Yo siempre paraba cerca del Central Park, me tomaba el subte... Pero ahora ahí abajo vas pensando a ver si justo viene el turquito y te emboca. Cuando deje de ser la capital del imperio y vuelva a ser un país normal, ahí volveré.

–¿Conociste otros lugares aparte de Nueva York?

–He conocido otros lugares, pero por otros motivos. A mí me gusta la manera de vivir del neoyorkino, esa cosa más europea. El resto de los Estados Unidos, ni hablar la América profunda, es una cosa... A mí lo criollo no es una cultura que me atraiga en ningún lado.

–Te gusta lo cosmopolita.

–Sí, esa cosa de desayunar croissants y expresos y no huevos y frijoles. Conozco Miami, Fort Lauderdale, Los Angeles, pero son otras cosas. De pronto Los Angeles tiene lo suyo, pero es una cosa de coche, cualquier cosa que se te ocurre se te van tres horas, y ni hablar si se te ocurre ir en las horas pico. Olvídalo, se te va el día yendo y viniendo. Querés ir del Valle de San Fernando a Venice y te tenés que quedar a la noche y volver al otro día porque si no, es un quilombo. Yo conozco Bronx, los distintos condados, pero Manhattan es el lugar estupendo.

–¿Y Europa?

–Yo no conozco Europa.

–¿Cómo que no conocés Europa? (Risas.)

–Yo tenía un dicho que era “viajar es irse por las ramas”. Soy un tipo muy intelectual en muchos aspectos y me parecía que todas las anécdotas de viajes eran como cosas de gente rica, y que en realidad yo tenía otro viaje en el que me interesaba la vida de otra manera. Viajé a Brasil y a los Estados Unidos porque me parecía interesante culturalmente, la capital del imperio. Uno, sin darse cuenta, durante años de ver series de televisión, vas a lugares, hay una estética y hasta escuchás la banda sonora. Fue ir a los Estados Unidos y a partir de ahí, cada vez que podía viajar, en vez de decidirme ir a Madrid u otro lado, iba a Manhattan porque ya había perdido la cosa turística, medio salía a bartolear por los barrios y encontrarme con lo que fuera. Eso era lo que me gustaba de Nueva York.

–Entonces Europa...

–Me gustaría ir a Europa, pero el gran problema en este momento para conocer, porque ya estoy medio grande, es que no termino de tener un estímulo. Todos esos viajes largos de diez horas, doce horas, de avión... Antes no tenía problemas. No tengo temor pero tengo fobias, y siempre me molestó el hecho de no poder cambiar el rumbo de las circunstancias en las que estoy metido. Eso es lo típico del fóbico. Si vos vas en un bondi, le decís “pare que me bajo” y después ves cómo te las arreglás. Pero al piloto, ¿qué le vas a decir? “¿Paracaídas no hay?” (risas). Son diez horas que ya sabés que estás en una lata ahí arriba y te la tenés que comer. Al fóbico medio que no le gusta eso. El poder de decisión lo tengo acá, en la vida térrea, cuando estás en manos del capitán Di Lorenzo, estás perdido porque no hay manera de convencerlo, lo más que te dan es un Válium y un chaleco de fuerza para que no jodas. Eso yo lo tengo dominado, pero ahora con (su hijo) Bruno no sé, a (su compañera) Virginia también le pasa lo mismo, nos hemos puesto cagones en ese sentido. Uno ya está medio hecho pero esa vidita que recién empieza... Y uno vive en lugares donde la seguridad aeronáutica es igual que la de Cromañón y la de la autopista. Acá dos por tres hay uno que se salió de la pista, para el tráfico aéreo que hay acá hemos tenido un porcentaje de accidentes grandes. Por eso, hay que quedarse acá, en esta tierra abandonada por Dios que, bueno, si no te agarra un chorro y te mata, dentro de todo está todo bien.

–¿Los Redondos fueron los padres en esto de hacer las cosas por fuera de las formas tradicionales?

–Hoy queda muy poco de eso. Creo que La Renga... Pero los demás están con Popart, con (Daniel) Grinbank. El único mérito que uno tiene es bajarse la boina un poco más y seguir, porque soy vasco y a la mierda. Yo sé lo molesto que es para las bandas que te cuelguen una especie de paternidad de alguien. A veces pienso que me deben odiar... Sé que no es así porque dos o por tres me mandan los discos. A mí me hubiera roto los huevos que siempre pusieran como referente de todo lo que hago a otra banda, porque lo que cualquiera hace es inédito. La Renga con los Redondos no tiene un carajo que ver artísticamente, musicalmente, ni Los Piojos ni todas estas bandas. Los Piojos tienen muchos elementos latinos, de los Stones y mucha argentinidad.

–¿Vas a votar (para las elecciones legislativas de octubre 2005)?

–No estoy ni pensando en eso. Yo creo en la política de otra manera.

–¿Pero vas a votar, en general?

–A veces sí, a veces no. Todo depende de cómo puedo arreglar las cosas. En general trato de poner el mal menor de mi lado. Yo creo que uno tiene que colaborar con su propia vida. No podés dejar librado a la buena voluntad de los demás. Aunque sea en lo menos malo uno tiene la posibilidad de elegir algo que lo favorezca más. Se puede equivocar, ¿no? Es más, la mayoría de las veces uno se equivoca.

–¿Ganaste alguna vez?

–Durante mucho tiempo no y... no, creo que nunca gané. Pero quizás, siempre que hay un diputadito que está preocupado por la ecología, los putos, uno siempre vota por esas cosas. Es un voto medio Cerdos y Peces. En tren de elegir, siempre es alguien que esté preocupado por las minorías. Hay como un pensamiento de izquierda que no ve la política partidaria ni de organización, sino que la ve de otra manera, pero que de alguna manera las ideas de izquierda son básicas. Es decir, izquierda en oposición al poder establecido, como alternativa al poder. Entonces siempre buscás alguien que, desgraciadamente, nunca tiene poder para hacer esas cosas. Pero por lo menos ayudar a mantener viva esa manera de ver la vida. Creo que las cosas se van desarrollando por una voluntad que excede a la gente que piensa como yo. No me siento representado por el pensamiento estándar de la comunidad en la que vivo, es así. Si no habría otros programas de televisión, habría todas otras cosas que se parecieran más a mi gusto. Acepto que no es así y por eso salgo poco. Lo último que me despertaba interés era la bohemia, pero la bohemia también se transformó en un remedo del amigo del amigo del convoy, entonces medio que aburre todo eso.

La semana próxima, otro fragmento de esta entrevista inédita al Indio Solari.

Dejo por acá el breve informe que hicimos en 2023 para el programa 40 años de democracia, que se emitió por la Tevé Pública. Se trataba de repasar los hechos más relevantes ocurridos durante las cuatro décadas transcurridas desde el final de la dictadura. El último recital de los Redondos fue uno de esos acontecimientos de la vida en democracia que nos pareció importante subrayar.

Por supuesto que tengo mis historias como fan y periodista con Patricio Rey. Algunas ya las conté acá.

Como cagatinta con más de tres décadas de editor en medios gráficos debo darle las gracias al Indio por la infinita lista de títulos, subtítulos, volantas y epígrafes que nos legó. Interminables madrugadas de cierre fueron resueltas con alguna de sus frases maestras.

Vi y leí en redes monstruosidades acerca del Indio, su vida, su obra, sus bandas, sus fans. Me pregunto qué cosas horribles habrá vivido la gente que escribe esas brutalidades para creer que es más lista que los demás porque odia al Indio. Y a Diego.

Algo resultó un alivio en medio de tanta pena: comprobar que los soretes son soretes a tiempo completo. En ese sentido, en días como estos se vuelve mucho más sencilla la elaboración de la lista de hijos de puta.

También vi a ex colegas del periodismo de rock intentando explicar el fenómeno redondo desde su perspectiva gorila de la sociedad, el arte, la vida. Insólito.

No es genial, pero es lo que nos salió en el momento, de apuro y tristes, en Barcelona.

Hoy es 7 de junio.

Tengo un montón de maestros y maestras del oficio de periodista. Con casi todos tuve la suerte de compartir redacciones, esos ámbitos hoy en desuso donde se trabajaba, se aprendía, se amaba, se creaba, se boludeaba, se reía, se lloraba, se creía, se soñaba, se puteaba, se vivía, y todo se compartía. Con casi ninguno tengo fotos.

Con Gloria Guerrero tengo esta, absurda, con ella de espaldas, en el cuarto piso del edificio de Venezuela y Piedras, donde funcionó durante años La Urraca, editorial que publicaba Humor, Sex Humor, Fierro, El Periodista y más.

¿1989?

Gloria es una de mis maestras. La admiraba como fan y la disfruté como compañera. Ella me enseñó, me abrió puertas fundamentales; mucho de lo que pude hacer se lo debo.

Por eso este #DíaDelPeriodista se lo dedico.

Ayer intercambiamos mensajes porque el Indio.

Cómo no iba acordarme de ella, si fueron sus “Páginas de Gloria” en Humor las que me contagiaron las ganas de experimentar en persona a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

¡Feliz triste día!

Para Gloria y para todos los compañeros y compañeras que se empeñan en seguir con este oficio que el Gobierno y sus eunucos se propusieron odiar.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

¿Y si te suscribís y me das una mano?

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Si compartís este posteo, me voy a poner contento.

Hasta la semana que viene.

#59 Ciudad García Corner Friendly

Fernando Sanchez — Sun, 31 May 2026 03:28:13 GMT

¿Cuántas veces, caminando por la zona del Alto Palermo, miraste para arriba con la ilusión de ver a Charly asomándose por el balcón del séptimo piso del edificio de Coronel Díaz 1905?

Ahora, desde hace más o menos un mes, cada vez que pasás por Callao y Corrientes y mirás para arriba, ves a Charly. No es un Charly de carne y hueso sino uno casi igual de inmenso, pelo corto circa 1983, pintado en blanco y negro sobre una medianera que da a la terraza de Zivals, la disquería y librería que está desde hace más de medio siglo en la esquina sureste del cruce entre las avenidas Callao y Corrientes, en CABA.

El Charly de 195 metros cuadrados en las alturas rinde tributo a Clics Modernos, el segundo disco solista de García, y es responsabilidad de los dueños de Zivals, que decidieron celebrar los 55 años del local con una acción callejera que modificó el paisaje urbano de la ciudad.

Intercambié unos mensajes con Fernando Laviz, uno de los dueños de Zivals. Me dijo esto.

“Estuvimos restaurando la azotea durante un par de años sin saber muy bien qué hacer hasta que, cuando ya estaba casi terminada, nos cayó la ficha. Ahí no podía haber otra cosa más que Clics... Era como el ambiente natural.”

“El mural se lo encargamos a Martín Rom. Pedimos autorización a Uberto Sagramoso para usar la foto, Charly nos dio su bendición, y ahí está.”

“La idea fue darle esa carga simbólica de traer la esquina de Manhattan a Callao y Corrientes. Hay un poco de contenido histórico en esto porque esa década, la del 77 al 87, digamos desde Serú hasta Parte de la religión, tiene mucha identificación con esta esquina y esta zona, con espacios como el (cine) Cosmos, el (Centro Cultural) San Martín, el (Centro Cultural Ricardo) Rojas, (el café) La Paz, (las discotecas) Ave Porco y La Verdulería, donde pasaron un montón de cosas en esos años.”

Yo puedo agregar dos antros más del barrio, muy queridos por mí: Mediomundo Varieté y Halley.

Sigue Laviz.

“Llevó más o menos un mes hacer todo, 20 días netos de laburo, y el efecto fue mucho más impactante del que pensábamos.”

“No hubo que pedir permisos, los murales son una zona gris para autorizar, y el mantenimiento es mínimo, hay que repasar la laca protectora cada cinco años.”

“La idea es organizar visitas guiadas después de terminar con las obras en el primer piso.”

Cuando se pueda subir a la terraza, los visitantes tendrán la posibilidad de sacarse fotos con el mural de fondo y posar sentados en el piso, recostados contra la pared, como lo hizo Charly en la esquina de Walker Street y Cortlandt Alley, en Nueva York, cuando fue con Pedro Aznar a grabar el disco que vino después de Yendo de la cama al living.

Martín Ron es un muralista con reconocimiento en todo el mundo. En Buenos Aires hizo al Maradona que está en avenida San Juan y al Messi de la 9 de Julio. Los dibujos que se ven en las medianeras del Hospital de Clínicas le corresponden. En La Plata hay un Papa Francisco suyo, también.

Ron le dijo al diario La Nación que en su trabajo intentó incorporar elementos profundamente ligados a Buenos Aires y a la identidad cultural de la ciudad: “Del lado opuesto, sobre la avenida Corrientes, pinté a Charly escalando y posando sobre una pared de Buenos Aires, generando un diálogo visual entre Nueva York y la identidad porteña. También incorporé una postal antigua de la calle Corrientes, donde aparecen el Obelisco y el Congreso en una clave oscura y cinematográfica”.

Zivals es pionera en combinar la venta de discos (CDs, vinilos) y libros en un mismo local. Sobrevivió a booms y reconversiones de los consumos culturales, construyó un catálogo especializado en rock, tango, folklore, jazz y música clásica, e impulsó el sello Acqua Records, una referencia para la música popular argentina. Tras la salida de la pandemia, Zivals comenzó un plan de reformas que incluye la azotea, pero no termina allí. Hay planes para transformar el espacio en un pequeño estudio de grabación que permita organizar shows íntimos y especiales, al estilo de los hoy consagratorios Tiny Desk. Por el momento son solo eso: planes.

Lo que sí es concreto es que, con el mural de Charly terminado y celebrado, Zivals suma una característica extra: la resistencia. No solo porque sigue en pie en una época crítica: la decisión de montar el mural es parte de una estrategia que sienta posición en la disputa por el espacio público. Según se sabe, el trazado de una eventual Línea F de subtes prevé la construcción de una nueva estación debajo de la esquina de Callao y Corrientes, con la consecuente intervención y hasta posible expropiación del local. No debería ser fácil para ningún gobierno actual o futuro demoler un símbolo de la cultura de la ciudad para abrir una boca de subte.

La de Callao y Corrientes no es la única García Corner de Buenos Aires. La primera, la más icónica, es la que mencioné más arriba: la de Coronel Díaz y Santa Fe. Ahí, en el 1905 de Coronel Díaz, está la casa que desde 1982 es de Charly García. Yo conocí ese lugar en 1992: fue donde nos sacamos la foto que está en la contratapa de García-15 años de entrevistas con Charly.

En ese momento era un depto bastante normal, con un piano de cola en el living como característica principal. Volví en 2002 y era tierra arrasada: grafittis, cables, puchos, instrumentos, mugre en cocina, living, habitación… En 2004 fui por última vez con Mariano Lucano. El living estaba apenas un poco más ordenado. El cuarto, no. A la cocina no volví a entrar.

Siempre que fui, había pibes y pibes en la puerta esperando, a ver si Charly salía. Desde el año pasado, esa esquina fue “puesta en valor”: tiene nombre propio y estación de subte, fotos en las paradas de colectivo, los mensajes de la puerta están intactos y hasta hay una placa. Ya es parte del mobiliario porteño. Si pasás por ahí, mirá bien: en una de esas lo ves a Charly.

El compañero Omar Giammarco me hizo escuchar a Joaco Burgos, un pibito argentino que suena tan Charly García que no lo vas a poder creer. Ya va por su tercer disco y tiene 22 años.

La “prensa” lo define como “el heredero de la canción argentina” y, la verdad, es impresionante porque cuando ponés sus discos, suenan Sui Generis, La Máquina, Serú, Fito, Calamaro... En su álbum nuevo participan Fernando Samalea y Mario Breuer. En uno de sus últimos videos actúa Margarita Páez. Joaco está bendecido por la patria-rock nacional. Toca el piano, canta, compone y no sé qué pensar. Pensemos juntos.

No está mal, ¿no?

Y ahora mirá esto.

Listo. A mí compró.

Salió el disco completo de Paul y es precioso. Es como confirmar que papá no solo está bien: está feliz y sigue rompiendo las pelotas. Qué alegría que sigamos teniendo a Macca en esta época de mierda.

Gracias a Gustavo, el Ruso de Ultrapop, conocí a Gurriers. Irlandeses, muy rockers. Excelentes. “Suenan 80s con electro 90s y furia 00s”, le dije, y me dijo, escueto: “Sí”. Así es Gustavo.

Prestales atención. Ojalá vengan.

Dice la gacetilla de Ultrapop: “Desde su creación en la pandemia, Gurriers ha ido consolidando su trayectoria artística en base a la energía de sus shows y canciones con temáticas de conciencia social. Han contado con una actuación destacada en "Later… with Jools Holland", conciertos en los escenarios principales Woodsies y Leftfield de Glastonbury, y como teloneros en estadios junto a Turnstile y Kneecap”.

Buscando datos sobre Gurriers descubrí Radio Britannia, un sitio con información sobre rock británico que te recomiendo.

Es todo por hoy.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

Suscribite con un abono mensual o anual. Ya es hora.

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Copartí este posteo si es que te gustó.

Hasta la semana que viene.

#58 Fito Páez vs. El Algoritmo

Fernando Sanchez — Sun, 24 May 2026 18:58:03 GMT

El tema 1 del nuevo disco de Fito Páez es una breve pieza solo en piano, sin letra. Me suena a Satie, pero capaz nada que ver. Dura 48 segundos; al llegar al 38 Fito pide, vulnerable: “Hablame”.

El tema 7 es apenas más largo: dura 1 minuto y 2 segundos, y es una continuación del primero: mismo ritmo, misma instrumentación, misma no letra y mismo tono de voz para misma imploración: “Hablame”.

El tema 13, el que cierra el disco, une las dos piezas, la 1 y la 7: son casi 3 minutos de piano que llueve y que termina, otra vez, con el pedido que a esta altura ya es ruego: “Hablame”.

El disco nuevo con la súplica de Fito se conoció a las 00 del viernes 22 de mayo. Apenas 24 horas antes, en el Movistar Arena de Buenos Aires, miles de personas que supuestamente admiran a Fito no le hablaron: lo abuchearon, lo silbaron, se pusieron a mirar el celular mientras el artista y su banda cantaban y tocaban, se fueron a comprar nachos con queso plástico, apostaron al propio ingenio escribiendo textos pretendidamente cáusticos en redes sociales, no sé si alguno cumplió con su promesa de reclamar el reintegro del valor de la entrada.

El contraste entre un momento y otro puede parecer forzado; de hecho, la casi simultaneidad es pura coincidencia. ¿Pero lo es?

Breve contexto: el público que fue al Movistar Arena el miércoles 20 de mayo pasado se enojó porque Fito destinó la mitad del show a tocar y cantar todas las canciones Novela, su hasta ese momento último disco, en lugar de dedicar las casi tres horas de concierto a su repertorio de clásicos.

En octubre de 1992, Fito presentó en vivo El amor después del amor. Yo trabajaba en la revista La Maga y escribí esto.

Fito Páez se ha convertido en uno de esos artistas populares capaces de conmover a toda una generación de personas que conviven con los mismos códigos y sensaciones. Páez dice las cosas que la gente de entre 15 y 35 años quisiera decir al ritmo que le gustaría escucharlas y del modo en que le gustaría oírlas.

Por supuesto, cuando uno habla de “una generación” no refiere a totalidades sino a grandes porciones de un completo impreciso. De hecho, en esos mismos años bailábamos con Commanche y hacíamos pogo con Nirvana y mirábamos La banda del Golden Rocket en conjuntos independientes con intersecciones comunes siempre en movimiento. Con El amor después del amor, Fito logró interpelar e interpretar a casi todos.

En Shine (así se titula el flamante álbum), Fito vuelve interpretar e interpelar a mi generación. Fito hoy dice las cosas que intentamos decir tipos y tipas post 50 formados en la cultura rock de clase media urbana más o menos progresista, que estamos aturdidos por este presente inasible y violento pero que no queremos darnos por vencidos.

Shine en nostalgia, desesperación, esperanza, llamado a la acción, frustración, alienación, celebración, drama, euforia, belleza, exageración, cringe, optimismo, manía. Todo menos resignación. Y es también mucha buena música bien tocada, bien grabada, bien producida, cuidada a niveles de detalle que andá a saber cuántas personas detectan o están dispuestas a detectar.

Fito sigue haciendo discos y shows desafiantes. Incomodar es la tarea.

Lo que ocurrió el miércoles pasado es parte del riesgo que supone para el artista exponer su obra y, para el público, asistir a la presentación de un artista. Se puede hablar de pacto tácito, de contrato de lectura. El flyer que anuncia esta serie de shows de Fito no promete un programa con las 25 canciones de Novela, pero tampoco una setlists solo de “hits inoxidables”.

Los términos del contrato no están escritos, pero nadie que haya asistido el miércoles al Movistar Arena puede considerarse seriamente estafado. ¿Acaso hay una norma IRAM que establezca una cantidad mínima de contenidos clásicos que debe incluir el concierto de un artista consagrado para ser autorizada su venta? ¿Cuál podría ser esa autoridad? ¿Un algoritmo? Chocaron de frente dos narcisismos: el conocido, celebrado, natural de un artista único y genial cuya primera palabra del primer tema de su primer disco es “Nací”, con el de un conjunto de consumidores adocenados por modos de ingesta de “contenidos” que garantizan satisfacción y validación instantánea. El resultado no deja de ser interesante.

En unas tertulias muy amenas organizadas por un amigo productor a las que asisten periodistas de musicales, productores de la industria y músicos, suele darse el debate sobre diferencias, similitudes, virtudes y defectos que pueden distinguirse entre artista y entretenedor, toda vez que en los extremos, artista sería Piazzolla y entretenimiento, Las Primas (por decir algo muy millennial). Hay fundamentalistas que consideran que ambas cosas son incompatibles, están los que sostienen que quien accede al standard de entretenedor ya no puede ni debe ser considerado artista, hay otros más flexibles. Nos divertimos polemizando, nunca llegamos a ponernos de acuerdo, lo importante es beber, comer rico y reír. A mí medio que me chupa un huevo el asunto: soy fan de Foo Fighters. La evocación viene a cuento porque en el caso de Fito, su condición de artista y entretenedor están en constante tensión desde hace casi 35 años, cuando uno de sus discos llegó a ser el más vendido de la historia de los discos en la Argentina, y la vida lo puso en otro lado. Y desde ese otro lado hace todo para que el artista y el entretenedor convivan sin matarse. El del miércoles pasado fue uno más de esos cortocircuitos que lejos de condenar, yo celebro. Celebro que Fito tenga discos que adoro y otros cuyo título ni recuerdo, que mezcle temas que sé de memoria con otros que no conozco, que un día me parezca un genio y otro me dé vergüenza ajena. Celebro que se enfrente a su público algorítmico y sobreviva. El día que el entretenedor le gane al artista, no iremos a ver a Fito a una sala de conciertos o un estadio: habrá que ir a verlo a un casino.

Silvio Rodríguez volvió a grabar “Sueño con serpientes”, esta vez con Chico Buarque como invitado. Mirá el video.

Las imágenes se filmaron entre el 6 y el 11 de abril de 2026, durante la visita del brasileño a La Habana, y son de una belleza triste desoladora. Los beneficios de este trabajo serán donados por ambos músicos a la Sala de Pediatría del Instituto Nacional de Oncología, en Cuba.

Elvio Báez es periodista y poeta. Lo conocí como “Elvis” en la redacción de La Garganta Poderosa. Vive en Villa Itatí, Quilmes. Acaba de editar Conciencia y clase - Crónicas de un villero, su nuevo libro de poemas y textos en carne viva.

Dice Elvis.

“No solo soy villero, soy calle y pasillo, soy el capitán de este velero y de mi destino. Llevando una crónica de viajes que solo los que vivimos de este lado podemos narrar.”

Visitá su Instagram. Conocelo. Leélo. Si no te conmueve, estás en problemas.

Fui a ver El Partido. Andá a verla. No te digo más que eso.

Hay nueva edición de Inter, la edición global de Barcelona Digital. Te recomiendo que la leas, que te va a hacer bien.

Me hice fan de Fito Páez en 1983, cuando supe que las canciones de Juan Carlos Baglietto que más me gustaban, eran suyas. Me colgué de su cuello una madrugada en la calle Chiozza, en San Bernardo; lo entrevisté dos o tres veces; fui a verlo en vivo a estadios, teatros y boliches. Crecí con él, le perdí el rastro, lo reencontré. Es parte de mi aire.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

Sería lindo que te suscribas con un abono mensual o anual.

Puede ser en pesos.

Puede ser en dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Sería también lindo que compartes este posteo.

Hasta la semana que viene.

#57 ¿Un tema para Costas?

Fernando Sanchez — Sun, 17 May 2026 20:07:58 GMT

Canciones dedicadas a futbolistas hay bocha, pero ¿dedicadas a DTs?

Cada viernes, Spotify me ofrece las novedades que mi algoritmo supone que pueden interesarme. Le di clic a Bestia Bebé y, la verdad, no me entusiasmé demasiado hasta que me topé con “Gustavo Costas”.

Llegó. Volvió. La gente lo abrazó Acá estoy. No te vayas, por favor. El cielo está casi por explotar. Calor fatal. No se nos va a escapar. Es todo por hoy. Ya no puedo pedir más. La vida nos dió esta vez un buen final. El cielo está casi por explotar. Calor fatal. No se nos va a escapar.

“¿Cómo le vas a dedicar una canción a Gustavo Costas?”, podrás preguntarte si no sos de Racing y odiás el fútbol. Pero si sos futbolero o futbolera, lo que empezás a preguntarte mientras escuchás “Gustavo Costas” es cómo no lo había hecho nadie antes. A Costas yo lo detesto, pero admito que probablemente lo amaría si él fuese bostero. Que tenga una canción propia estaba cantado. Y sin embargo recién llega ahora, cuando ya no es futbolista sino DT, el más celebrado por racinguistas post Mostaza. Que haya sido idea de Bestia Bebé es lógico: es una banda de rock indie de Boedo que hizo del fútbol parte de su materia prima. Ahora los Bestia Bebé están de gira por Europa, así que si estás por allá, podés tirarles una camiseta de la Academia para que te la firmen.

¿Es “Gustavo Costas” la primera canción dedicada a un entrenador argentino de un club argentino?

Según mi memoria, sí. Según lo que pude rastrear en el Google, también.

Bah, existe “Dale Loco Bielsa”, pero es en su calidad de DT de selección. En 2010, para la previa de Sudáfrica, subidísimos a una ilusión insólita, los chilenos tuvieron su propio “himno” dedicado a Marcelo Bielsa, a cargo de una banda de pachanga trasandina llamada Tomo Como Rey (TCM). Pobres, ¿no?

En mi búsqueda, sin embargo, encontré algunas rarezas.

Hay otras, pero escuchá esta canción dedicada a Mourinho a cargo del congoleño Koffi Olomidé.

Guardiola también tiene las suyas. Esta de los mexicanos Kevis y Maykyy repite “like el City de Pep Guardiola” y aunque no se entiende una goma de qué habla, es divertida.

Lo que sí hay es un disco entero titulado Carlos Salvador Bilardo. Es responsabilidad de la banda argentina Superhéroes, que también tiene otro disco entero titulado César Luis Menotti. Me gustaron porque son medio cualquiera. ¿Se viene el LP “Lionel Sebastián Scaloni”?

Más allá de la rareza de hacer foco en un técnico, lo de Bestia Bebé y Costas se inscribe en la tradición larga y fecunda que une fútbol con música popular. La playlist de composiciones inspiradas en fútbol es infinita, y dentro de ella, la que está dedicada a personas específicas contiene perlas que en algunos casos son clásicos.

Tributos a Maradona hay decenas, algunas que hacen lagrimear y otras que son para llorar. Las que tienen otros protagonistas son más divertidas.

Bersuit Vergarabat popularizó en el país un candombe precioso del uruguayo Mauricio Ubal que hay quien lo adjudica a Enzo Francescoli pero parece que no.

El hitazo futbolero de Bersuit con nombre y apellido es “El baile de la gambeta”, inspirada originalmente en Ricardo Bochini, que no por lugar común deja de ser obra maestra.

By the way: haceme acordar que en algún momento publique acá una nota inédita que hice (en 2004 o por ahí) con el Pelado Cordera y el Bocha para una revista de Pergolini que nunca salió. “Toco y me voy” no sé si tiene dueño.

Sigo.

Antes de que el Kun Agüero se volviese lo que es hoy, Los Leales lo homenajearon con esta linda cumbiamba.

“Una te va a quedar”, de Rocky Savaglio, no te digo que me encanta, pero bueno, habla de Martín Palermo.

Los Piola Vago metieron un clásico de la cumbia villera con “El pibe de oro”, dedicada y hasta cantada por Carlitos Tevez.

La Scaloneta en general y Lionel Messi en particular tienen muchos vínculos con la música. Este de Neo Pistea se llama “Messi” y aunque no sé qué tiene que ver con Messi, dice muchas veces “Messi”.

Por tratarse de Bizarrap, que es una de nuestras nuevas megastars, hago mención de su colaboración con el francés MHD, que tuvo su momento hit en Francia en tiempos de Messi con la camiseta del París Saint-Germain.

En mi búsqueda aparecieron dos canciones que se rinden a los pies de mi presidente, Juan Román Riquelme. Era imposible que no hubiese nada que no hablase del mejor.

Desconocía por completo esta milonga candombera de San Pulso, nombre artístico del argentino-uruguayo-español Juan Lynch.

Este tema del argentino Gaspar Tessi no sé si es en joda o en serio. Se titula “Riquelme (Tu última gambeta)” . Vos dirás.

Por supuesto, los argentinos no son los únicos futbolistas que son motivo de canciones. Zlatan Ibrahimovic tiene, Iniesta tiene, Ronaldo tiene, Hugo Sánchez, Eto’o, Xavi, Casillas, el Niño Torres tienen… Hasta Gary Medel tiene su tema. De todos, este con muchos Zidane en el video y muchos futbolistas mencionados en la letra, me encantó.

Vuelvo a la Argentina y voy para atrás. Acordemos algo: “El anillo del capitán Beto” NO habla de Alonso. La discusión la cerró hace tiempo alguien que sabe: Machi Rufino, que grabó la canción con el Flaco Spinetta.

En cambio, El 5 en la espalda sí rinde tributo al gran Antonio Ubaldo Rattín. ¡Y qué tributo!

Los Twist ya habían hecho gala de su pasión xeneize en “25 estrellas de oro”, donde Pipo Cipolatti recita de memoria la histórica formación boquense de los últimos 60 que pasaba por Roma, Silvero, Marzolini, Simeone, el Rata, Menéndez, Rojas, Rojitas, Pianiatti y terminaba con Alfonsín y Brizuela Méndez.

El tope de gama en materia de ídolos de Boca reconocidos por el rock y aledaños, sin embargo, lo alcanza el periodista y bostero Nicolás Lantos, que desde la década pasada lidera una banda bautizada Krupoviesa en honor a –de pie– el tucumano Juan Krupoviesa, turbio defensor que entró en la historia xeneize grande gracias a su colosal patada en la rodilla de Rolfi Montenegro en un Boca-River edición 2006.

No puedo terminar esta edición sin dos menciones absolutamente necesarias. Una: que haya canciones dedicadas a futbolistas es lógico, que existan canciones que homenajeen a DTs ahora parece que también. ¿Pero sabías que hay un temazo que apunta directo al corazón de un árbitro? Es “Turro Edgardo Codesal”, joya de mi amigo Javier Aguirre que deberíamos cantar todos a los gritos.

Dos: la mejor canción dedicada a un futbolista imaginario pero que debió existir es “Richi Criscuolo”, tarantela psicodélica de Sometidos por Morgan que incluye relatos y comentarios de Walter Nelson y Alejandro Fabbri. No lo digo porque yo sea uno de los autores.

Queda pendiente una edición de Fui Rock que refiera al vínculo riquísimo del fútbol con el tango, que incluye lugares comunes como “El sueño del pibe” pero también genialidades como “Patadura” en las muchas versiones de Gardel.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

¿Un abono mensual o anual, por el amor de Belcebú?

En pesos.

En dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Los Saicos: Peru's Punk Primal Scream. An Interview With Erwin Flores

Compartí este posteo, dale.

Hasta la semana que viene.

#56 Iorio y su antisemitismo, otra vez

Fernando Sanchez — Mon, 11 May 2026 00:43:31 GMT

Marcelo Caputo fue amigo y manager de Ricardo Iorio durante muchos años, incluidos los de mayor éxito de Almafuerte. Un par de semanas atrás fue entrevistado por Gustavo Olmedo para el podcast de audio y video Quemar un patrullero, un espacio relajado al que yo mismo fui invitado hace poco más de un año. Allí, tras ser consultado sobre Iorio y “el tema de los judíos”, Caputo dice: “Eso fue porque lo hicieron a propósito”. “Le preguntó diez veces lo mismo, y Ricardo cayó porque el periodista quería que dijese lo que el periodista pensaba”, explica. Y concluye: “Era para escracharlo”.

Esto es lo que se ve y se oye en el trailer de la entrevista, el fragmento que Olmedo sube a Youtube y es de acceso gratuito. La versión completa puede ser vista y escuchada por quienes se suscriben a Quemar un patrullero. No estoy suscripto, sólo vi este fragmento, pero me alcanza para afirmar que Caputo miente. O –si elijo ser bueno– inventa. Como sea, no dice la verdad.

Tal vez no tengas idea de qué se trata lo que estoy escribiendo. Es una historia que tiene más de 25 años. Intentaré ser breve.

En marzo de 2000, la edición argentina de Rolling Stone publicó una nota de seis páginas con Ricardo Iorio que hicimos a cuatro manos con mi amigo, el periodista y productor Miguel Mora.

En esa entrevista, Iorio afirma “Si vos sos judío no vegas a cantarme el Himno. Cada lechón en su teta es el modo de mamar”. Es la misma es la que también dice “En vez de decirles a los milicos ‘¡Eh, nazis hijos de puta!’ se lo tiran a un pobre gil que está tocando. Yo no tengo canciones que digan nada de eso”.

Nunca fui fan de Iorio, pero siempre valoré –y aún valoro– alguna de sus canciones y su rol protagónico en la historia del heavy rock local. Miguel, mucho más metalero que yo, sí lo admiraba. Ninguno de los dos tenía ni tuvo intenciones de “escrachar” a Iorio. Más bien lo contrario: existía ya esa idea de que Iorio era “medio antisemita”, tal como el propio Iorio “denuncia” en la entrevista. Por eso cuando, en el primer encuentro, de la nada, hablando de la versión del Himno nacional que grabó Alejandro Lerner para la tele en ocasión del cambio de siglo, dijo lo que dijo, en lugar de quedarnos con eso y publicarlo, optamos por esperar a un segundo encuentro para que, en otro contexto, tuviera la oportunidad de aclarar aquello que nos había resultado violento y antisemita. Le explicamos que nuestra intención no era perjudicarlo, y sabiendo perfectamente que lo que diría iba a ser publicado, se explayó a gusto. Y no nos dejó alternativa. La nota salió y la polémica fue inevitable.

Para lo que ocurrió después viene bien esto que escribí para el número 61 de RS, de abril de 2003.

Adivinanza. ¿Quién dijo, quién dijo..? “Yo soy un heterosexual, macho, y ése es mi problema. El problema que tuve con los judíos en Buenos Aires fue por ser heterosexual. Porque los dos putos judíos entraron en mi hogar y vieron el triunfo de la heterosexualidad, un macho bien puesto con su hembra y sus hijos en una casa, viviendo de la música. Por eso me hicieron esa cama, ¡y me la banco, ¿sabés?! Me la banco porque, aparte, lo siento.”
Respuesta: Ricardo Iorio.
¿Y de quiénes está hablando Iorio? ¿De nosotros, quizá?
En noviembre pasado, en el programa Tiempos violentos de la Rock & Pop, Iorio dio su versión (digo, me parece) de las entrevistas que mantuvo con Miguel Mora y conmigo para la nota que fue publicada en la Rolling Stone de marzo de 2000. Aquel reportaje contenía expresiones del líder de Almafuerte como “Si vos sos judío, no me vengas a cantar el Himno, la concha de tu madre”, “Cada lechón en su teta es el modo de mamar”, y “Lo que no me gusta es que a mi país traigan guerras intestinas de otros lados… y eso se evita siendo argentino”, y motivó una denuncia contra Iorio ante la Justicia, formulada por Víctor Ramos, en aquel momento director del Instituto Nacional contra la Discriminación (INADI). En los tribunales, el asunto quedó cerrado, cuando el juez Gabriel Cavallo, a cargo del Juzgado Federal N° 4, dispuso el sobreseimiento de lorio. El fallo sostuvo que, si bien las declaraciones del músico habían sido “objetivamente y ciertamente ofensivas”, no podía deducirse de ellas “ningún comportamiento derivado”, es decir que no implicaban “en sí ni alentar ni incitar a una persecución u odio discriminatorio”, y que, en todo caso, se trataba de “una afirmación no trascendente, producto, precisamente, de un espíritu discriminatorio”.
Sin embargo, y a pesar de que la denuncia por discriminación fue desestimada, Iorio vuelve sobre el tema. En privado, elucubrando hipótesis absurdas acerca de los supuestos intereses sionistas a los que obedecería Rolling Stone, y en público, haciendo marketing de su pretendida condición de censurado (así ha promovido los conciertos más recientes de Almafuerte) y dando entrevistas en las que sus dichos son escuchados sin mayores cuestionamientos. Como es una modalidad habitual en esta publicación, la entrevista con Iorio fue hecha a partir de varios encuentros. Durante la primera charla, en un bar, Iorio dijo algo acerca de Alejandro Lerner en un tono netamente discriminatorio. Creímos que había sido un exabrupto, y en el segundo encuentro, más tranquilos y en su casa, le propusimos que nos aclarara qué había querido decir, para que luego no hubiera malos entendidos. Fue entonces cuando dijo lo que puede leerse en la revista. No fue una cama. Nadie tejió estrategia alguna para perjudicarlo. Y que no haya dudas: no se trató del tan mentado off the record. Iorio sabía que todo lo que dijera sobre el punto iba a ser publicado.
Es lamentable que un músico con el talento y la popularidad de Iorio continúe desperdiciando invalorables oportunidades de corregir su “espíritu discriminatorio” o, al menos, de quedarse callado.
Es todo. Lo de putos y judíos, creo, no merece ninguna aclaración.

En octubre de 2023, en ocasión del fallecimiento de Iorio, el colega Diego Mancusi recordó el episodio y lo puso en contexto, puntualizando algunas de las acciones posteriores de Iorio a aquella nota que, lejos de desmentir nuestro artículo en RS, lo confirma. ¿Qué otra cosa se puede pensar de los acercamientos de Iorio a Alejandro Biondini y a la actual vicepresidenta, Victoria Villarruel?

Lo que miente o inventa Caputo en Quemar un patrullero va en línea con la mentira que intentó imponer Iorio en aquella entrevista en Rock&Pop y cada vez que fue consultado sobre el asunto. Caputo le cree a su amigo, no estuvo en ninguna de nuestras entrevistas y jamás intentó conocer la verdad. Cosa suya. Lo mismo ocurre con los fans de Iorio que prefieren quedarse con la versión de su ídolo, y que cada vez que –como por estos días– alguien la refuerza, la replican como cierta.

https://t.co/P0l4mJxpOE

— Fernando CHatarra Fauszleger (@SoyFernandoAbel) April","full_text":"Con este avance de la entrevista que Gustavo Olmedo a Marcelo Caputo (manager de Hermética y Almafuerte), más la anécdota de camarin que contó \"Piti\" Fernández en el homenaje a Iorio en Blender, se aclara el tema de Ricardo \"ant1s3m1ta\". youtu.be/eQwpLTnwWJU?si…","username":"SoyFernandoAbel","name":"Fernando CHatarra Fauszleger","profile_image_url":"https://pbs.substack.com/profile_images/1975417369431265280/lrkrecH2_normal.jpg","date":"2026-04-28T21:37:41.000Z","photos":[],"quoted_tweet":{},"reply_count":3,"retweet_count":2,"like_count":13,"impression_count":23272,"expanded_url":null,"video_url":null,"video_preview_media_key":null,"belowTheFold":true}" data-component-name="Twitter2ToDOM">

Pues no: la historia es otra. Y la aclararé todas las veces que sea necesario.

April","full_text":"@Maikeme @SoyFernandoAbel Marcelo Caputo no sabe e inventa. Yo no puedo decir que Iorio era antisemita. Sí puedo asegurar que dijo con total conciencia lo que salió publicado. Y no fue nuestra intención que dijese lo que dijo. De hecho, le dimos la oportunidad de aclararlo para intentar cuidarlo.","username":"FerGerundio","name":"Fernando Sanchez","profile_image_url":"https://pbs.substack.com/profile_images/1959288296170721280/1N7zPqYd_normal.jpg","date":"2026-04-30T02:34:35.000Z","photos":[],"quoted_tweet":{},"reply_count":1,"retweet_count":1,"like_count":3,"impression_count":1206,"expanded_url":null,"video_url":null,"video_preview_media_key":null,"belowTheFold":true}" data-component-name="Twitter2ToDOM">

Nunca fui y espero nunca tener que ser una versión gráfica de Claudio Tepongo.

Antes de terminar, algunas cositas de la semana.

Si no sabés qué fueron Los Saicos, prestales una oreja.

Te adelanto: banda peruana, contemporánea de los Beatles, más salvaje que Los Gatos y los Shakers. Tienen un lugar ganado en el cielo del rock latino mil años antes de que alguien pensase que las palabras “rock” y “latino” iban a poder escribirse juntas en una batea de la industria musical. Esta newsletter que leí esta semana cuenta un poquito.

Cuba on Record

The complete recordings of the Peruvian band Los Saicos is now out on cassette. Madrid’s Munster Records has also re-released CD and vinyl versions of the 12 original singles of the group that has been called the original punk rockers, recorded during their short-lived run in 1965 and 1966, years when they were mobbed by fans on the streets of Lima…

4 months ago · 7 likes · Judy Cantor-Navas

Otra cosa. A este loco que trabaja ahora en RS y no conozco se le ocurrió esta locura: un álbum del mundial, pero de música. 5 discos por selección, 48 países en total. No me digas que no es divertido.

Termino con esto. Ya está subido el nuevo episodio de Barcelona Audiovisión. Te invito a verlo, comentarlo, suscribirte, todo y más.

Apoyo y aguante

Aunque no me des bola, yo insisto y te pido otra vez un abono mensual o anual. ¿Cómo la ves?

En pesos.

En dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Si compartís este posteo o el link de Fui Rock, me alegraré.

Hasta la semana que viene.

#55 La Feria y yo

Fernando Sanchez — Mon, 04 May 2026 03:14:20 GMT

Este año no me invitaron a la Feria del Libro. Ergo: probablemente no vaya. Claro, dicho así suena a que voy solamente si me invitan, si me ahorro el precio de la entrada. No, no tiene que ver con el dinero sino con mi indomable fobia social y, sobre todo, con lo poco que suelo aprovechar ese paseo. Hay algo de la enormidad de la Feria del Libro que me cohibe y me impide disfrutarla. Los pasillos y los stands atestados, la infinita oferta y mi pésimo oficio lector conspiran para que esto ocurra. Aún así, considero espectacular que la Feria siga existiendo, que esté cumpliendo 50 años.

Recuerdo con cariño la primera vez que fui a la Feria. Segunda mitad de los 80, viajé con amigos del Dorrego desde Morón hasta Pueyrredón y Libertador, me fasciné con ese espacio gigante, compré libros de Ediciones de la Flor, que publicaba Mafalda y a Fontanarrosa. By the way: me contaron que este año, el stand de De la Flor está liquidando todo. Claro: la editorial cerró. He aquí una buena razón para ir este año a la Feria: comprar libros del catálogo de De la Flor. En esta entrevista, la ex pareja de Daniel Divinsky, Ana María “Kuky” Miller, cuenta apenada cómo llegó a esta decisión.

Durante varios años, Norma-Kapelusz, la editorial que publicó mis libros de lo que la industria cataloga como LIJ (literatura infantil y juvenil) me invitó a la Feria para firmar ejemplares. No solo eso: en 2014, en ocasión del lanzamiento Por los puntos, todo el stand de la editorial fue diseñado con la colección Hay Equipo como tema principal, con divertido juego de realidad aumentada para hacer jueguito, incluido. Ese año firmamos un montón de ejemplares de Por la camiseta y Por los puntos con mi coautor, Guido Sandleris (antes de que preguntes: sí, el mismo que tiempo después fue funcionario de María Eugenia Vidal y de Mauricio Macri).

Fue la única vez que fui a la Feria a firmar ejemplares y, en efecto, lo hice. No está mal, claro. Pero todas las demás fui casi como colado. O sea: firmé algún libro, pero lo que más hice fue sentarme detrás de una mesita y responder preguntas de visitantes, del tipo “¿Dónde es la firma de Nik?” (a lo que siempre intenté responder “Ni idea dónde es el stand de Plagio&Facho”). Compartí mesitas con Patricia Kolesnicov, con mi amigo Javier Aguirre, con la encantadora y genial Margarita Mainé, con Norma Huidobro, ídola de niños y adolescentes... Obvio: en todos los casos, miré en primera fila cómo sus lectores y lectoras hacían fila para agradecer sus libros.

Hay que admitirlo: es una situación muy de sitcom ir a la Feria a ver cómo firman ejemplares tus colegas.

Para ser justo, hubo un par de ediciones de la Feria en las que publicaciones de las que participé convocaron multitudes. La presentación del Libro Negro del Bicentenario de Barcelona, por ejemplo, se hizo en una de las salas más grandes de la feria y el lleno fue total.

En los últimos años, ninguno de mis libros tuvo presentación formal en la Feria. Vademécum no tiene presupuesto para organizar grandes acciones. Y el que escribí en 2025 fue para una multinacional pero en calidad de ghostwriter, así que tampoco. No descarto la posibilidad de que, en algún futuro, algún libro escrito por mí sea lo suficientemente popular como para amontonar personas frente a un stand a la espera de mi firma. Soñar es lindo y pesadillas, sobran.

Hablando de la Feria, me enteré de que Rep citó el libro de entrevistas con Charly que hicimos con Dani Riera como inspiración para su flamante Charly Absoluto. Gracias, Miguel.

Y ya que estamos con libros: Eduardo Blanco, amigo, periodista, ex compañero de Barcelona y coautor de Ucronías Argentinas y Yo fui K, organizó un taller de escritura con la ucronía como eje. Dice así:

¿Y si San Martín hubiera luchado para los realistas?
¿Y si los nazis hubieran ganado la Segunda Guerra?
¿Y si el Muro de Berlín no hubiera caído?
Toda historia pudo haber sido otra.
Desde el 9 de mayo, cuatro encuentros para explorar la escritura a partir de una pregunta fascinante: ¿Qué habría pasado si los hechos no hubiesen sido como fueron?
Un taller para alterar la historia, torcer los recuerdos y convertir la memoria en ficción.
Para quienes tengan ganas de escribir, con o sin experiencia.
🗓️ Sábados 17 hs (Argentina)
Incluye materiales, seguimiento personalizado y grabación de las clases.
Mandame un whatsApp al 11-3761-3628 si querés más información

El sábado pasado fui a un bolichito de San Telmo a ver y escuchar a Omar Giammarco. Omar es mi nuevo compañerito de trabajo (es productor ejecutivo de BTV, el programa de Beto Casella) y al mismo tiempo, un músico increíble. Si bien nos habíamos cruzado en algunos pasillos (en la productora GP, en la TV Pública), no nos conocíamos. Y no me había detenido especialmente en sus discos. Bien: estuve perdiéndome algo. En estos meses descubrí una obra tremenda y a un tipo bárbaro. Como ahora mismo está grabando un nuevo disco que –esperamos– saldrá en unos meses, prefiero esperar ese lanzamiento para dedicarle el espacio que se merece. Por ahora dejo esto, y la recomendación de que, si te enterás de que toca, vayas a verlo. El 6 de junio en Espacio Lumbre, por ejemplo. Te adelanto que cultiva un género sin tiempo ni lugar: es cantautor.

¿Ya viste el Tiny Desk de Milo J, no?

Yo sí, y me encantó no sólo por su puesta, sus canciones, su trascendencia global: es espectacular lo bien que funciona Milo J como detector de soretes.

En ese sentido, también me llamó la atención las “críticas” que recibió Andrea Echeverri por cómo decidió lucir en el Tiny Desk que Aterciopelados estrenó también pocos días atrás.

Las redes sociales son cloacas sociales a cielo abierto.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

¿Un abono mensual o anual, por el amor de Cristo?

En pesos.

En dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Compartí este posteo, por el amor de Belcebú.

Hasta la semana que viene.

#54 Pity Horror Show

Fernando Sanchez — Sun, 26 Apr 2026 15:49:15 GMT

Fernando Sanchez interpreta mal una canción de Viejas Locas; cualquiera entiende que “Todo sigue igual” se refiere a que la vida social de los chicos de la banda no cambió y que el éxito no los perjudicó. Pero no tiene nada que ver con decir que Viejas Locas no tiene voluntad de cambio y agregar despectivamente que lograron hacer un disco decente. Fernando: ¡el que tiene que sonar decente sos vos, y andá a morfar un sánguche con ese queso camembert, jamón crudo y ese paté de ganso que te identifica!
Bettina de Girolamo, Adrogué, Buenos Aires. Junio 1999.

El correo que Bettina de Girolamo envió a la casilla de Rolling Stone en junio de 1999 llegó en respuesta al comentario sobre el disco Especial, de Viejas Locas, que salió con mi firma en la edición de mayo de ese mismo año. El artículo está encabezado por dos estrellas (de un máximo de cinco) y dice así.

La gráfica de Especial es toda una definición: cada página del booklet suma un ingrediente al manjar concebido por Viejas Locas en forma de sánguche: queso, fiambrín, salchichón, tomate, lechuga, huevo duro, paleta, salame, mayonesa... El plato que Viajas Locas ofrece es lo que, a su criterio, necesita un sánguche para ser especial. Este, al igual que los grills y bares de estación de tren, no contempla la existencia de sutiles exquisiteces como el queso camembert, el paté de ganso o –ups– el jamón crudo. En el segundo track de Especial, Pity –el encargado de cantar– afirma: “Hago lo que quiero hacer y no me sale mal. Todo sigue igual; cambiar, no cambió nada”. Otra definición. Se trata, entonces, de una banda sin voluntad de cambio y sin pretensiones, cuyo interés radica en divertirse entre amigos. Viejas Locas resulta un excelente prototipo de la lumpenización del rock argentino. En los años 70 y 80, la mayoría de los músicos de rock provenían de la clase media, y su producción artística estaba influída por su origen social. En los 90, las clases populares accedieron al rock; de allí proviene Viejas Locas, un septeto de Lugano que reúne a tres de las influencias más destacadas del rock chabón y barrial: Pappo, los Rolling Stones y los Ramones. Por eso, las músicas de Viejas Locas resultan familiares: cual si fueran recreaciones, siempre remiten a alguna canción de sus ídolos. Y las letras... Casi todas hablan de drogas y chicas. Algunas son graciosas: “Me gustas mucho”, “Legalísenla” (sic). No hay metáforas ni entrelíneas; la mayor osadía se reduce al mero hecho de atreverse a tocar. Lo que no es poco. Sin embargo, Viejas Locas ha evolucionado. El grupo hace rock & roll y blues con cierta ductilidad; se atreve a alguna balada, y hasta juega a la big band. Y ayudado por una producción seria y una sección de metales, consiguió que este nuevo disco sonara decentemente. Sus fans, claro, felices.

No me acordaba textualmente ni de la carta ni de la crítica, pero sí de la pena y la bronca que me causaron las palabras de Bettina, a quien jamás conocí. Es obvio que ella estaba rabiosa por las dos estrellas –en exceso lapidarias, pienso hoy– pero más ofendida se la lee por lo que interpreta como desprecio de mi parte. Y tiene razón, porque si bien no recuerdo haber tenido esa intención, el texto transmite altas dosis de fatuidad. Parece escrito por un tilingo. Y dado que no recuerdo haberlo sido nunca, solo queda una explicación: el texto es malo, pues intenta ser irónico y solo logra ser violento. De ahí aquel enojo y aquella tristeza; no con el mail ni con la lectora sino conmigo, por no haber sabido expresarme como –imagino casi 30 años después– pretendí. La descripción es certera, tiene contexto y fundamentación, pero las palabras, las itálicas, las imágenes elegidas son de una petulancia injustificable. Andá a saber cuántas otras veces ocurrió lo mismo. En esos días, llegábamos al momento de escribir los comentarios de discos después de haber editado textos y páginas, negociado notas, escrito decenas de artículos breves y no tanto, conseguido fotos, discutido con colaboradores, diseñadores y jefes, con apenas un par de horas para escuchar y chau, que pase el que sigue. En pocos minutos calificábamos con estrellas el trabajo que a los artistas les había tomado quizás años componer, arreglar, grabar, producir, mezclar, publicar.... A favor de ellos: no creo que ninguna de nuestras calificaciones haya influido en el éxito o fracaso de un álbum. Especial es un ejemplo: es el disco más exitoso de Viejas Locas, una de las bandas más exitosas de aquellos años. Algo, sí, es imperdonable: el comentario del disco no contiene ni media línea sobre “Homero”, una canción que vale el disco completo. ¿Cómo no detecté esa joya?

Un día de estos nos sentamos a charlar sobre qué fue de la crítica de rock en particular, y del periodismo de espectáculos en general. Haceme acordar.

También podemos departir sobre los Correos de Lectores. Qué épocas.

Esta semana Pity Álvarez, ex líder de Viejas Locas y luego de Intoxicados, fue noticia porque presentó dos canciones nuevas, una de ellas con videoclip polémico incluido.

Son dos temas muy distintos entre sí, porque uno es en plan solista, con gran producción y unos coros que remiten al último –feo– Pappo, y el otro es una colaboración con Trueno, que acaba de publicar su nuevo álbum. Ambos son estremecedores por motivos distintos.

“Lejos de ser” impacta porque viene acompañada por un super video dirigido por Luis Ortega y protagonizado por Rodrigo de la Serna, y mezcla clima carcelario, monjes, curas, un francotirador y un presidente asesinado a lo Kennedy. Y un estribillo que reitera “Quiere matar al presidente”. Bienvenidos a la era del hit bait.

“Pity in the Sky” es conmovedor porque es el Pity en carne viva, hablándole a Trueno pero no sólo a él.

Con su regreso a la arena pública, volvió a hablarse de la situación judicial del Pity. Dio algunas entrevistas en las que se lo escuchó todo lo bien que puede escuchárselo después de un derrotero infernal como el que atravesó.

Desde 2018, Cristian Álvarez está imputado por el homicidio de un hombre llamado Cristian Díaz. A partir de ahí, Pity atravesó periodos de prisión, internaciones en clínicas psiquiátricas y batallas contra las adicciones. Fue procesado con prisión preventiva en julio de 2018. Además del homicidio, enfrenta acusaciones por portación ilegal de arma y privación ilegítima de la libertad agravada. Pero la causa había entrado en pausa en marzo de 2023, cuando los jueces determinaron que Pity no estaba en condiciones psíquicas de enfrentar el juicio. En esa misma resolución, rechazaron un pedido de sobreseimiento y levantaron el arresto domiciliario. Pity retomó de a poco su actividad musical, hasta que en diciembre pasado tocó en Córdoba ante 35 mil personas. Ese concierto, las nuevas canciones –también salió “No sé cuanto” en 2025– y el anuncio de una gira nacional que empieza en Rosario el próximo 9 de mayo movieron los expedientes. El resultado: el fiscal pidió que se retome de inmediato el proceso penal y que se establezca una fecha próxima para el juicio oral. El planteo se formalizó luego de un informe del Cuerpo Médico Forense que concluyó que Pity cuenta con las capacidades cognitivas necesarias para afrontar las distintas etapas del proceso.

El futuro del Pity permanece entre signos de pregunta. Mientras tanto, miles de chicos y chicas rockers que nunca lo vieron en vivo quieren ser parte de esa experiencia. Pity es un mito que vive.

Nunca fui fan del Pity Álvarez ni de ninguna de sus bandas, pero con el tiempo aprendí a valorar su obra, expresión artística genuina de un momento y un lugar únicos. No es necesario que una obra te guste para poder apreciarla. Además, la suya es una historia fascinante. Ojalá, el día que se cuente, el relato haga honor a semejante vida.

En 2008, en Soy Rock habíamos hecho la enésima nota con el Pity. Nunca fue sencillo, pero esa vuelta creo que fue la más difícil. Pity estaba imposible, ya andaba armado y volaba en moto. Pepe Cáceres había logrado una foto de tapa genial. En la redacción habíamos diseñado una tapa tremenda. Tanto, que no nos animamos a publicarla.

La que salió fue otra.

No hay vez que piense en Pity que no recuerde aquella tapa que no fue.

Hablando de Trueno: presentó Turrazo, su disco nuevo, frente a la Bombonera, en la icónica Glorieta de Quique. ¡Qué hermosamente bostero es este chico!

Termino presumiendo. Mirá el tatuaje que se hizo Migue, mi hijo menor. Yo ya gané.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

¿Un abono mensual o anual, por el amor de Cristo? Más pide Dante Gebel, che.

En pesos.

En dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.

Compartí este posteo, por el amor de Belcebú.

Hasta la semana que viene.

#53 El rocker que canta

Fernando Sanchez — Sun, 19 Apr 2026 04:33:24 GMT

Con Daniel Riera editamos juntos los contenidos de la sección Música de la revista de noticias de cultura La Maga desde su aparición, a fines del 1992, hasta no sé bien cuándo, pongamos 1995 porque luego Dani pasó a hacer otras cosas hasta que nos fuimos, a fines de 1996. Fueron hermosos años de mucho trabajo y también mucha diversión. Éramos pendejos, confiábamos el uno en el otro, lo pasábamos genial, teníamos gustos y miradas periodísticas afines y complementarias. Y nos gustaba laburar y escribir a cuatro manos, razón por la cual hicimos muchísimas entrevistas y notas juntos. “Son los Berti y Bitar de los 90”, nos describió el querido Roberto Quinteros, entonces agente de prensa y hoy reconocido productor, y para mí fue un elogio. ¿Por qué, si Eduardo era editor de Página/12 y aún no se había consagrado como escritor de ficción, y Marcelo la remaba en El Cronista Comercial y colaborando en revistas y radios de rock? Pues porque yo había crecido leyendo Canta Rock, donde las entrevistas de los jovencísimos Eduardo Berti y Marcelo Fernández Bitar, siempre como dúo, brillaban junto con las del gran Pipo Lernoud, ya por entonces prócer del rock argentino.

Canta Rock, junto con El Gráfico y Humor, constituyeron los pilares de mi educación periodístico-sentimental. Hubo otras revistas y también diarios y radios y programas de tele, por supuesto, pero la base fue esa. Por eso es buenísimo que la semana pasada haya salido Voces de la primavera democrática. Los reportajes de Canta Rock, un libro que recoge 98 entrevistas que Pipo Lernoud hizo para Canta Rock entre 1983 y 1988.

Canta Rock fue una revistita –creo que siempre mensual– con una idea sencilla y eficaz: ser El alma que canta del rock nacional. ¿Lo qué? Una publicación para kioscos con las canciones más populares, pero del rock nacional. Un cancionero para animar fogones.

De hecho, 14 de las 36 páginas del primer número contienen letras de canciones, casi todas con sus acordes para tocarlas y cantarlas con guitarra. El resto: entrevistas a los músicos de la escena del rock nacional, agenda, noticias breves y las columnas de Pipo y Miguel Grinberg.

Golazo.

Fundamental el contexto. Cuando Canta Rock apareció por primera vez, en junio de 1983, el rock nacional experimentaba su primera gran explosión después del involuntario boom –perdón la onomatopeya– post Malvinas y de pechito frente a la decadencia de la dictadura y el principio del fin de la censura. Había necesidad de expresión y sed de información. Canta Rock se convirtió rápidamente en la vocera impresa de la cultura rock del momento, el canal oficioso para que los pioneros y también las nuevas generaciones de músicos y compositores expresen sus ideas acerca de su obra, el país, el mundo. Fue, para los adolescentes y jóvenes de los 80, lo que el Expreso Imaginario para los de los 70: una puerta de entrada no solo a una música sino a un universo cultural, social y también político. Porque como digno heredero del Expreso, el periodismo de Canta Rock fue más de divulgación que de investigación, más de aguante que de cuestionamiento, más interesado en expandir los límites de la cultura rock que en ponerlos en tensión. Y porque si bien nunca fue partidaria, tenía una posición política clara a favor de los derechos humanos y civiles, la ecología, la solidaridad, la justicia social.

Cuando se habla de “rock nacional”, la referencia son esos artistas y canciones que no hace falta ser un experto para conocer y que han conquistado buena parte de Latinoamérica, como Charly García, Soda Stereo, Miguel Mateos y Zas, Fito Páez, León Gieco, Luis Alberto Spinetta, Viuda e Hijas de Roque Enroll, Los Abuelos de la Nada, los Redonditos de Ricota, Sumo, Celeste Carballo, Juan Carlos Baglietto, G.I.T. o Virus, por nombrar solo algunos. Nadie acompañó mejor el desarrollo de esa música, la de los jóvenes en los años de la recuperación de la democracia, que la revista Canta Rock. Lo que comenzó como un modesto cancionero de tapas con coloridas caricaturas se transformó en un fenómeno de ventas. En sus páginas, su director, el poeta y periodista del grupo pionero del rock argentino en los sesenta, Pipo Lernoud, conversaba tanto con las nuevas voces del pop como con otros que, sin ser estrictamente rockeros, compartieron el espíritu de la época, como Mercedes Sosa, Alejandro Lerner, Marilina Ross, Facundo Cabral, Sandra Mihanovich o Piero. Una foto de un momento clave cuya creatividad aún es parte de nuestro presente cultural y musical.

Esto dice la reseña de Voces de la primavera democrática. Los reportajes de Canta Rock. Para mí, Canta Rock fue todo eso y, gracias a sus letras y acordes, también la posibilidad de aporrear mi organito Yamaha e imaginarme ser el rockstar que nunca seré. Por supuesto, fue inspiración para decidirme por lo que sí llegué a hacer: ganarme la vida escribiendo sobre rock. Es imposible que no le guarde cariño a esa revista y, por supuesto, a Pipo, a quien nunca entrevisté pero algunas veces crucé por ahí y siempre me resultó encantador.

Pipo Lernoud (Buenos Aires, 1946). Poeta, periodista y compositor. Ideólogo del rock argentino, entre 1966 y 1969 escribió algunas canciones emblemáticas junto a Miguel Abuelo, Moris y Tanguito. En 1976 fundó y dirigió, con Jorge Pistocchi, la revista Expreso Imaginario y, a comienzos de los ochenta, hizo lo propio con Canta Rock. Organizó la exposición y Enciclopedia Rock Nacional 30 años y, hacia el 2003, cofundó y codirigió la revista La Mano. En el 2006 publicó su antología de poemas Sin tiempo, sin memoria y, desde entonces, volvió a componer con músicos como Ariel Minimal, Pablo Dacal, Los Pakidermos, Esquizodelia y Claudio Kleiman. Desde el regreso de la democracia, dedicó buena parte de su tiempo a la agricultura ecológica: con su granja de Ranchos, con su emprendimiento familiar El Rincón Orgánico o como vicepresidente de la Federación Internacional de Movimientos de Agricultura Orgánica (IFOAM).

La biografía resumida de Pipo es impactante.

Voces de la primavera democrática. Los reportajes de Canta Rock, editado por El Gourmet Musical, con prólogo de Alfredo Rosso (otro prócer del periodismo de divulgación musical) recupera testimonios que, todos juntos y presentados de manera cronológica, documentan de un modo muy especial ese tiempo breve pero intensísimo que se nos escurrió entre los dedos, ese lapso entre el fervor dulce, porrero y naif del retorno de la democracia y el desencanto agrio, cínico y merquero que nos depositó en el menemismo. Es una foto en movimiento. Y la lista de artistas y bandas que dan testimonio de época, con la jerga, los modismos, las polémicas, los prejuicios y el background propios del momento y lugar, es apabullante: Miguel Cantilo, Raúl Porchetto, Luis Alberto Spinetta, Juan Carlos Baglietto, Emilio del Guercio, Miguel Abuelo y Los Abuelos de la Nada, Alejandro Lerner, David Lebón, Charly García, Ruben Rada, Litto Nebbia, Marilina Ross, Pappo, Almendra, Celeste Carballo, Los twist, Facundo Cabral, La Torre, Sandra Mihanovich, Nito Mestre, Mercedes Sosa, Miguel Mateos, Piero, Juan Carlos Baglietto, Viuda e Hijas de Roque Enroll, León Gieco, Virus, Soda Stereo, Moris, Fito Páez, Memphis La Blusera, Charly García y Pedro Aznar, Celeste y la generación, Mavi Díaz, Paolo el Rockero, Luca Prodan, Sumo, Federico Moura, Viviana Santamarina, Pipo Cipolatti, Daniel Melingo y Andrés Calamaro, G.I.T., Fito Páez y Luis Alberto Spinetta, Horacio Fontova, Isabel de Sebastián, Claudio Gabis, Honrados Ciudadanos, V8, Don Cornelio y La Zona, Javier Martínez, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Hollywood Nunca Aprenderá, Suéter, La Tribu de los Cristianos, Liliana Herrero.

Este artículo que Mariano del Mazo escribió en Agenda BA describe muy bien el cuándo, el dónde, el cómo y el por qué de Canta Rock y de este libro. Leerlo –el libro– puede resultar un ejercicio de nostalgia. Prefiero creer que puede ser una herramienta para reflexionar sobre lo que fuimos pero también sobre lo que somos y, mejor, podríamos ser.

Una última cosa: la colección completa de Canta Rock está disponible en ese sitio maravilloso que se llama Ahira. Archivo Histórico de Revistas Argentinas. Entrá. No te aseguro que vaya a serte fácil salir.

Esta semana también salió una canción bastante impresionante. Mirá la letra. La traducción es de Google, así que no es muy poética pero sirve.

Piernas grandes cuelgan de un agujero de helicóptero.

Ritmo de trago fuerte, ¡tiene que ser ahora, zorra!

Morena, mala y joven, tonta y llena de semen.

¿Para qué sirve un marine?

Esto es una maldita guerra de ametralladoras.

Con tus botas en el suelo, botas en el suelo.

Botas en el suelo, botas en el suelo.

Recortamos tus setos, luchamos tus guerras.

Esperamos en las trincheras y nos joden hasta que nos duele.

Con botas en el suelo, botas en el suelo.

Nacimos balas brillantes en un ejército de hormigas.

Toca esa bocina, dormimos en pantalones.

Grandes tetas, grandes tetas.

Gritamos y quemamos ciudades.

Botas en el suelo, botas en el suelo.

Disparando a la ciudad, quedándonos en el agujero hasta que encuentren a Jimmy Hoffa.

Con mis botas en el suelo.

Bueno, algo hace tintineo cuando se acaba el cartucho.

¿Dónde crees que se fue todo tu cartílago?

Botas en el suelo, botas en el suelo.

¿Quiénes diablos son estos cabrones federales?

Escondidos en el Senado como una garrapata hinchada.

Mocasines de mierda con aire acondicionado.

Sentados en una habitación llena de carteles militares.

De carbón a diamante, un voto a ley.

Hacen campaña derramando toda la sangre que pueden.

Moldea tu mundo, un soldado es solo arcilla.

¿Cuánto pesa cada soldado?

Te cortan los tobillos y te tiran el culo.

Botas en el suelo.

Frío y caliente como la pezuña de Satanás.

Dando vueltas por el mundo, me escondo en un tejado.

Maté a un hombre moreno que ni siquiera conocía.

Se ahogó con su propia saliva y se puso azul.

Salpicó sangre negra, se deslizó hacia afuera.

Murió allí mismo, saqué la perla de su hocico.

Una bocanada de humo gris, la lengua de una nube.

Se pudrió en la arena y lo único que encontraron fueron sus botas en el suelo.

Botas en el suelo, botas en el suelo.

Lo único que encontraron fueron sus botas en el suelo, botas en el suelo.

Es “Boots on the Ground”, de Massive Attack y Tom Waits. El tema no está en Spotify debido al boicot que la banda británica promueve contra la plataforma, que invierte parte de los millones que cosecha con la música en inteligencia artificial bélica. Es, claramente, una canción de protesta, que está acompañada de un video musical creado por Massive Attack a partir de fotografías del artista estadounidense thefinaleye. “Este montaje retrata una época trascendental de la historia estadounidense, aún sin nombre, y surge tras las mayores protestas públicas de la historia de Estados Unidos, centradas en la oposición a las redadas del ICE, la militarización de las fuerzas de seguridad y el autoritarismo estatal”, dice la descripción del video, que incluye links a varias organizaciones estadounidenses que ayudan a los inmigrantes. La canción saldrá en formato vinilo con “Boots on the Ground” de un lado y un track hablado de Waits, “The Fly”, del otro. Las ganancias por las ventas del vinilo se destinarán a la ACLU y al Immigrant Defense Project. Lo de Massive Attack frente de la guerra de Israel contra Hamás va en serio. De hecho, la semana pasada, Robert Del Naja, miembro del grupo, fue uno de los 500 manifestantes arrestados en Londres por apoyar a un grupo llamado Palestine Action.

Podemos seguir debatiendo para qué sirve la canción protesta. A mí me gusta que los artistas de vez en cuando salgan de su camarín de confort.

Otra canción que se publicó esta semana es “Fósforo”. No es nueva porque su versión original está en Alamut, el disco solista de Jorge Serrano que salió en 2009. Pero ahora pasó a integrar el repertorio Los Auténticos Decadentes, lo cual es una alegría porque es una te-ma-zo. En este caso, es una colaboración entre LAD y Mano Custodio, a quien que desconocía pero que a partir de ahora seguiré. Atención: “Fósforo” es una joya que resume magníficamente el estilo Jorge para concebir la canción, el arte, la fugacidad de la vida.

“Fuiste fuego y hoy carbón, solo un fósforo quemado. Una simple oxidación. Nada nuevo, nada raro, un perfume que pasó. Una llama que se apaga en un salto interminable entre el todo y la nada.”

¡Dios! ¿Qué no darías por escribir un estribillo así?

Gracias, Jorge.

Antes de terminar, dos gracias más.

En la edición anterior celebré el primer año de Fui Rock, y omití agradecer a dos personas que, con sus recomendaciones, ayudaron muchísimo al crecimiento de esta newsletter. Así que acá va. Gracias a Diego Rotman, que recomienda Fui Rock en su pionero y siempre fundamental Lo mejor de los medios. Y gracias a Irina Sternik, quien también recomienda Fui Rock es un preclaro LadoB News.

Ahora sí.

Soy Fernando Sanchez y esto es Fui Rock, una newsletter más en tu bandeja de entrada sobre casos y cosas de la música de pendeviejos como yo.

Apoyo y aguante

Lo de siempre. Te agradeceré un abono mensual o anual.

En pesos.

En dólares.

La suscripción paga a través de Substack, aquí.