La Petite Mort ha hecho de la nostalgia una materia de trabajo. No como una recreación del pasado, sino como una manera de encontrar imágenes, objetos y códigos que todavía forman parte de cómo entendemos lo colombiano.

Fundada por Jonathan Cortez y Andrés Durán, la firma colombiana ha construido su lenguaje alrededor de la sastrería, el oficio artesanal y una particular fascinación por la memoria. Sus colecciones no son diseñadas únicamente con siluetas o tendencias, su proceso creativo radica en imágenes, lugares y objetos que existen en el imaginario colombiano. Fotografías antiguas, casas, paisajes rurales, trabajos manuales, rituales cotidianos. El pasado como materia prima.

Su colección más reciente, Puertas Adentro, presentada en Colombiamoda 2026, nace precisamente de ese archivo íntimo. La inspiración está en las fotografías familiares y en la casa colombiana como escenario de una memoria compartida: las puertas, la cocina, la mesa, los objetos que permanecen incluso cuando quienes los habitaron ya no están.

La colección traduce esa idea sin convertirla en un ejercicio literal. La sastrería aparece renovada a través de asimetrías, volúmenes, tul, macramé, encajes y otras intervenciones artesanales que rompen la severidad del traje clásico. Incluso los detalles funcionan como pequeños fragmentos de ese universo doméstico: puertas bordadas, texturas que recuerdan materiales de construcción y una cartera con forma de casa que convierte el símbolo del hogar en objeto de deseo.

Es ahí donde La Petite Mort resulta particularmente interesante: no intenta reproducir el pasado, sino descubrir cuánto del pasado sigue vivo en el presente.

Después de Hechos de Maíz, Alirio, Techo y ahora Puertas Adentro, empieza a ser evidente que la memoria no es un tema ocasional dentro de la marca. Es uno de sus códigos. La herencia campesina, los oficios, las imágenes de archivo y la arquitectura cotidiana aparecen una y otra vez, cada vez filtrados por una sastrería más precisa y contemporánea.

La Petite Mort está construyendo una manera de vestir aquello que todavía recordamos. Y en una temporada obsesionada con lo nuevo, quizá esa sea una de las propuestas más contemporáneas que vimos en Colombiamoda.

Fotografía por Aldo Decaniz.

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No hubo tendencias marcadas, todo se movió entre el juego de los asistentes: lo pulido junto a lo relajado, lo hecho a mano junto a piezas contemporáneas, lo local junto a códigos globales. La artesanía apareció sin sentirse necesariamente tradicional y la sastrería perdió parte de su rigidez para convertirse en algo más personal.

También hubo espacio para el styling como declaración. Un buen zapato, una bolsa inesperada, una capa o un accesorio fueron suficientes para cambiar por completo un look. Las fotografías de Colombiamoda 2026 dejan algo claro: la moda colombiana está construyendo una identidad que se entiende desde la calle, en la mezcla de códigos, referencias y formas de llevarlos.

Fotografía por Aldo Decaniz.

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Los noventa están de vuelta.

Llevamos varias temporadas viendo regresar el denim de tiro bajo, las cazadoras de cuero, las siluetas relajadas, el grunge y la estética que definió los finales noventeros. Pero pocas veces ese regreso ha venido acompañado de una reflexión sobre lo que realmente hizo de esa década un momento tan influyente.

Y para Chevignon, los noventa son parte de su historia.

En el momento de mayor relevancia cultural de la marca, el denim y el cuero dejaron de ser simplemente materiales para convertirse en símbolos de su identidad. Eran piezas que hablaban de una generación completa, de una forma de vestir, pero también de una manera de habitar el mundo. Quizá por eso resulta interesante que el regreso de Chevignon no sea solo con una pasarela, sino con una obra fotográfica.

The Object of My Affection, realizada junto a Ruvén Afanador, reúne a 48 personas frente a un mismo objeto: una chaqueta de cuero que cambia de cuerpo cuarenta y ocho veces, pero nunca pierde su identidad. Cada retrato es distinto pero la pieza permanece, y en esa repetición aparece algo increíble: los objetos que sobreviven al tiempo.

Vivimos el momento más acelerado de la historia de las imágenes. Cada minuto se producen miles de fotografías y millones de imágenes generadas por la IA. Nunca habíamos visto tanto y sin embargo, a su vez vemos muy poco.

Durante los noventa, la fotografía de moda era fundamental para construir imaginarios culturales… las portadas, los editoriales y los retratos definieron la manera en que toda una generación entendía el estilo, la belleza e incluso la actitud. Fotógrafos como Peter Lindbergh o Steven Meisel documentaban la moda como referentes culturales.

En ese contexto, resulta simbólico que Chevignon haya elegido a Ruvén Afanador para dirigir este proyecto. Su trabajo nunca ha dependido únicamente de la ropa, siempre ha tratado sobre el cuerpo, la emoción, el gesto y la construcción de personajes.

Y ahí está el verdadero valor de The Object of My Affection: un recordatorio de que la fotografía todavía puede detener el tiempo y de que un mismo objeto puede contar decenas de historias diferentes.

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Las colecciones aparecían de forma dispersa. Las pasarelas quedaban como momentos aislados. El talento latino existía, pero no siempre se podía recorrer.

Por eso lanzamos nuestro website.

glatammagazine.com⁠ es un archivo vivo de diseñadores latinoamericanos: un espacio para explorar colecciones, pasarelas, y universos creativos desde una mirada cuidada y cercana.

Al mismo tiempo, entendimos que el estilo se construye en muchos lugares.

No solo en los runways, también en la calle, en distintas ciudades, en la forma en que cada cultura interpreta la moda.

Por eso el sitio también reúne un archivo de street style global: una forma de ver cómo se viste el mundo y cómo dialogan distintas miradas a través de la ropa. Y porque la inspiración también puede ser práctica, integramos links de compra: piezas, marcas y objetos que conectan lo que vemos con lo que usamos en nuestra vida diaria.

Este lanzamiento crea un espacio a la forma en que GLATAM ha venido mirando, compartiendo y conectando la moda y la cultura.

Welcome!

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Durante sus años en Chloé y, sobre todo, en Celine, Philo creó un entorno muy distinto al que domina hoy la industria. No se trataba de generar engagement, de perseguir tendencias, ni mucho menos de construir un personaje alrededor del diseñador. El foco estaba en algo mucho más básico y, paradójicamente, más difícil: hacer buena ropa, pensada para mujeres reales.

Ese contexto formó a diseñadores que hoy ocupan cargos clave. Matthieu Blazy, actual director creativo de Chanel, pasó por el equipo de Celine antes de redefinir Bottega Venetacon una propuesta donde el lujo se sentía. Su trabajo siempre ha sido más sobre calidad, materiales y construcción que sobre impacto inmediato. Esa manera de trabajar no se improvisa.

Algo parecido sucede con Daniel Lee. En Bottega logró convertir una marca relativamente discreta en una de las más comentadas del momento. Hoy, al frente de Burberry, enfrenta un reto más complejo: darle claridad a una casa que llevaba años sin una dirección clara, y es exactamente eso… no es un rol para alguien que solo sabe seguir tendencias.

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El regreso de Michael Rider a Celine también dice mucho. No vuelve para repetir la era Philo, sino porque conoce desde dentro cómo funciona la marca, cómo se edita una colección y cómo se construye una identidad sin caer en la nostalgia fácil.

Y en Chemena Kamali, hoy directora creativa de Chloé, se percibe otra consecuencia de esa escuela: una feminidad clara, sensible, actual. No es una copia del pasado, es una lectura honesta del presente.

Lo interesante es esto: Phoebe Philo no dejó una estética obligatoria ni un manual visual. Dejó una forma de pensar el trabajo creativo. En una industria cada vez más acelerada, donde muchas marcas reaccionan más de lo que proponen, los diseñadores formados bajo su dirección tienden a moverse con más calma, más coherencia y más claridad.

Por eso su influencia no siempre se ve en la pasarela, pero sí en quién toma decisiones hoy. Phoebe Philo no domina la moda por su presencia constante, sino por el efecto que genera. Y ese efecto sigue marcando el rumbo de muchas de las casas más importantes de la industria.

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El primer anuncio, quizá, el más disruptivo a nivel simbólico: la alianza creativa con John Galliano, un nombre históricamente vinculado a la alta costura, al archivo, a la teatralidad y a la moda como construcción narrativa. Galliano representa memoria, exceso, relato, tiempo y su entrada en el universo de Zara no encaja de forma inmediata con la lógica clásica del fast fashion, y precisamente por eso genera la primera incógnita.

Poco después, Zara presenta una cápsula inspirada en el universo visual de Pedro Almódovar, uno de los cineastas más influyentes del cine contemporáneo europeo, cuya obra ha construido un imaginario reconocible a partir del color, el melodrama y la exploración de la identidad y el deseo. Tomando como punto de partida Amarga Navidad, el movimiento cambia de registro: no es moda de autor en el sentido tradicional, sino moda como traducción cultural. El cine, con su carga emocional y narrativa, se convierte en materia prima para prendas que funcionan como fragmentos de un imaginario colectivo.

Finalmente llega Vatísimo, la colección desarrollada junto a Willy Chavarría, que diferencia de las dos anteriores, esta cápsula introduce un discurso explícito sobre identidad, comunidad y política del vestir. Chavarria es un diseñador chicano cuya práctica ha estado históricamente ligada a la representación de cuerpos latinos, trabajadores y racializados, utilizando la moda como herramienta de visibilidad y posicionamiento cultural más que como simple ejercicio estético. Su trabajo se mueve entre el workwear, la sastrería exagerada y una noción de masculinidad expandida, lejos de la neutralidad global que suele dominar el fast fashion.

Leídos en conjunto, estos movimientos no parecen responder a una única dirección estética, sino a una exploración más amplia del territorio simbólico que puede ocupar hoy una marca de moda masiva como Zara.

No hay señales claras de un cambio estructural en el modelo del fast fashion. La velocidad, la escala y la accesibilidad siguen intactas. Lo que sí parece estar en transformación es el lenguaje: la forma en que la marca se presenta, los referentes que elige y el tipo de conversación con los cuales quieren seguir siendo reconocidos.

Por ahora, no hay una lectura definitiva.

Solo una observación clara: cuando el fast fashion deja de hablar solo de tendencia y empieza a apoyarse en cultura, autoría e identidad, ya no se puede mirar de la misma manera.

Y eso, más que una respuesta, abre una nueva conversación.

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Su colección Fall Winter 2026 se construyó desde esa misma lógica. Sastrería firme, proporciones que estructuran el cuerpo y referencias claras al vestir masculino mexicano (incluida la charrería) aparecieron sin la típica lectura folklórica sino como una forma de presente activo de lo que es ser mexicano.

Más que buscar impacto visual inmediato, la colección insiste en algo que atraviesa todo el proyecto: la ropa como herramienta para definir presencia y postura en el mercado internacional. Las piezas no buscaban adornar el cuerpo, sino darle un peso. Un peso lejos de la lógica de la tendencia sino como gesto social del vestir.

En ese punto, su trabajo empieza a dialogar un poco con el de Willy Chavarria. No por similitudes estéticas, sino por el enfoque que llevan trabajando. Ambos utilizan la moda como un espacio donde se ponen en juego temas de identidad, comunidad y pertenencia. La pregunta no es qué se lleva puesto, sino quién está siendo visible y desde qué contexto cultural.

La presencia de Grupo Frontera en el show se leyó en esa misma clave. No hubo performance ni un gesto escénico. Su asistencia funcionó como parte del entorno cultural que rodea al proyecto: una señal clara de afinidad con una cultura popular contemporánea, fronteriza y vigente, que no necesita adaptarse al lenguaje de la moda para ocupar esos espacios.

CAMPILLO quien ha usado la moda como extensión de identidad y territorio nuevamente reafirma su propuesta de estar presente internacionalmente sin diluir su origen.

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Hace apenas un año y medio, Anderson confesaba en varios medios que la costura le parecía irrelevante, pues consideraba que no entendía su glamour ni su lugar en el sistema contemporáneo de la moda. Hoy, a solo nueve meses de asumir su rol como director creativo de Dior, presenta su primera colección Haute Couture Spring Summer 2026 y define esta etapa como una inmersión diaria en una práctica que, en Francia, más que una técnica es una institución cultural profundamente respetada.

Lejos de una visión nostálgica y romántica de Dior, la propuesta la construyó desde una pregunta clara: ¿cómo se ve la alta costura cuando deja de mirarse a sí misma como archivo y empieza a pensarse como un lenguaje real en esta era?

Su inspiración central fue la orquídea, entendida como metáfora. Una flor de estructura compleja, aparentemente frágil, pero diseñada para sobrevivir. Esa dualidad atravesó toda la colección: volúmenes que se sostienen por ingeniería interna, bordados que construyen una narrativa alrededor de su naturaleza, y un resultado que sintió artesanal pero también ornamental.

Cada pieza reveló un estudio profundo del saber hacer de los ateliers de Dior, pero editado por la mirada de Anderson: la costura vista como un laboratorio.

La atmósfera del desfile reforzó esa sensación de introspección. El soundtrack de “Wrap Your Troubles in Dreams” de Nico y “Where Do We Go?” de Hen Yanni, funcionó como un hilo emocional silencioso. Sonidos melancólicos que acompañaron la idea de una costura que se hace desde la vulnerabilidad creativa.

Este debut también deja claro algo más amplio sobre el momento actual de la moda. En un contexto donde el lujo está compitiendo por atención inmediata, Anderson propone una narrativa que se sienta un poco opuesta: tiempo, estudio, proceso.

Christian Dior siempre entendió la moda como una arquitectura emocional. En manos de Jonathan Anderson, esa arquitectura se vuelve más cruda, más humana, más contemporánea. Su propuesta no fue para demostrar que sabe hacerlo, sino para aprenderla, entender su peso histórico y, desde ahí, permitirle evolucionar.

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No se perciben cambios fuertes. Más bien, una repetición consciente de códigos de marca: mismos ritmos, mismos gestos visuales. En muchos casos, las imágenes parecen pensadas para sostener continuidad más que para presentar algo nuevo.

Algunas de nuestras favoritas:

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Fue un primer año de observar, crear, viajar, volver, pausar y seguir. De dejar que la moda hablara con profunda intención.

2025 nos llevó por ciudades, escenas y encuentros que marcaron nuestro pulso editorial. Estuvimos cerca de la moda latina, de sus voces, sus procesos y su expansión natural hacia París y el mundo. También aprendimos a parar un poco: mirar distinto, editar mejor y afinar nuestra mirada editorial.

Nada de esto existiría sin ustedes.

Gracias por leernos, por compartir, por estar. Gracias a quienes creen en GLATAM como un espacio donde la moda y la cultura latina se cuentan con criterio, sensibilidad y carácter.

Y ahora… 2026

Un año que ya está en movimiento. Nuevos proyectos en camino, más historias que nos entusiasman y mucha moda latina ocupando el lugar que le corresponde, con voz propia y actitud.

Les deseamos un 2026 lleno de curiosidad, good ideas, encuentros memorables y procesos que se sientan naturalmente bien. Que el tiempo luzca bien pero que genuinamente también se disfrute.

Gracias por estar del otro lado.

Con cariño,
GLATAM

Hay piezas que trascienden la categoría de artesanía y se convierten en un discurso cultural. Las molas panameñas, esas composiciones en capas, precisas, vibrantes y profundamente simbólicas están viviendo un momento de atención global. No desde la tendencia efímera, sino como una declaración contemporánea sobre origen, identidad y lujo con propósito.

Nacidas en la comunidad Guna, las molas son uno de los sistemas textiles más sofisticados de América Latina y Panamá: cada pieza se construye superponiendo telas, cortando y revelando colores interiores hasta formar patrones que narran mitologías, animales protectores o mapas del territorio espiritual.

Hoy, la moda las mira con nuevos ojos. Marcas y diseñadores panameños que entienden el peso del trabajo manual, están replanteando qué significa lujo en 2025. En un mercado saturado de producción acelerada, las molas introducen una narrativa opuesta: tiempo, intención y una estética que no responde al rush del momento, sino a una herencia viva que permanece en el tiempo.

La presencia de las molas en moda, ya sea en un vestido, en un clutch o en una editorial abre una conversación urgente: ¿cómo incorporar lo artesanal sin caer en el extractivismo? ¿Cómo celebrar la estética sin borrar su contexto? ¿Cómo consumir moda desde un lugar más consciente?

Lo cierto es que cada vez más marcas latinoamericanas están respondiendo: colaboraciones, nuevas marcas, diseño contemporáneo que respeta la técnica original. Un manifiesto visual de quiénes fuimos, quiénes somos y hacia dónde queremos llevar el diseño en Latinoamérica.

Las molas son un archivo vivo.

Una pieza de valor cultural convertida en moda contemporánea. Y que definitivamente, entra en una una de las conversaciones más relevantes del nuevo lujo latino.

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Estas son nuestros seis favoritos de temporada que realmente valieron la pena las últimas semanas.

El vestido de The 12 Days of Margiela

Este vestido forma parte de The 12 Days of Margiela, la campaña Holiday de la casa que cada año presenta 12 piezas especiales, reinterpretando clásicos y explorando nuevas ideas con elegancia discreta. Nos gusta porque refleja todo el ADN Margiela: minimalismo conceptual, detalles inesperados y sofisticación silenciosa.

Corte al bies, largo maxi, drapeado asimétrico y un lazo sobre el hombro; las cuatro puntadas visibles en la espalda lo hacen inconfundiblemente Margiela. Hecho en satén martillado con panel en poliéster, combina fluidez y elegancia sin esfuerzo.

Cardiigan KNIIT ML Rojo de Old Maquiina

Este cardigan rojo nos encanta porque reúne todo lo que hace especial a Old Maquiina: minimalismo consciente, diseño pensado y un estilo effortless que se siente moderno.

El corte boxy, los hombros caídos y el tejido abierto hacen que caiga naturalmente, perfecto para usar solo o en capas. El botón en la parte inferior y el cuello estructurado son pequeños guiños de diseño que marcan la diferencia. Y ese rojo intenso: cálido, vibrante y festivo, como la temporada navideña misma.

The bag by Ana Beliza x Punto Blanco

Este bolso refleja todo lo que hace especial esta colaboración: diseño pensado, materiales de calidad y un estilo moderno. Su forma curva, cuero suave y asa de pulsera con herraje dorado permiten llevar lo esencial con presencia, mientras el botón inferior y el acabado limpio son pequeños detalles que marcan toda la diferencia.

Esta pieza refleja lo que representa la unión de la experiencia de Punto Blanco y la sensibilidad contemporánea de Ana Beliza, transformando un básico en un objeto con identidad, elegancia y carácter.

Styling por Caitlin Moriarty para SIDE‑NOTE

Caitlin Moriarty, stylist londinense reconocida por su ojo preciso y sensibilidad editorial, crea los looks para la editorial de SIDE-NOTE, la plataforma que fusiona moda, arte, cultura y narrativa.

En este styling, Moriarty fusiona la energía de las festividades con un toque de sensualidad sutil. Los detalles como las plumas, los guantes y las transparencias, hacen que el conjunto sea sofisticado, moderno pero a la vez sensualmente acogedor. Una forma de transmitir actitud y elegancia de manera orgánica, celebrando la moda como expresión y experiencia más que como simple vestimenta.

Hermanos Koumori – Winter 25

La colección Winter 25 de Hermanos Koumori, la marca mexicana de running que combina diseño urbano y funcionalidad. Cada pieza de esta colección refleja su filosofía: cortes limpios, proporciones cuidadas, materiales que mezclan comodidad y rendimiento.

Desde jackets resistentes al viento hasta hoodies y joggers versátiles, Winter 25 transforma la ropa de running en piezas urbanas que se usan tanto para moverse como para usar en el día a dia.

The Leather Jacket by Maruxa Brand

Una chaqueta de cuero es un básico que siempre funciona. La Leather Rough Jacket de Maruxa Brand, la marca creada por Andrea Michelle López que apuesta por diseño consciente, siluetas con carácter y prendas con identidad propia, suma cortes pensados y una silueta fuerte.

Que sea de una marca latina como Maruxa la hace aún más relevante: es estilo con identidad y autenticidad. Perfecta para esta temporada, se adapta a capas urbanas, looks de noche o combinaciones casuales.

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En este contexto único, la diseñadora cartagenera Maygel Coronel fue la encargada de vestir a las 39 candidatas en la edición de este año. Conocida por su mirada contemporánea del Caribe, Maygel ha construido una narrativa creativa que combina artesanía, sensualidad y arquitectura de la forma. Sus colecciones se traducen en movimiento, gesto y territorio.

Su relación con la ciudad es profunda. Cada pieza de Maygel lleva consigo la textura del Caribe: siluetas que abrazan el cuerpo con respeto y fuerza, y los colores que hablan del mar, el sol y la tierra tropical. Vestir a las candidatas del Reinado de Independencia fue, entonces, mucho más que un acontecimiento de moda. Fue un acto de celebración cultural, un puente entre la tradición popular y la estética contemporánea, un gesto que proyecta lo latino hacia un lenguaje global sin perder su autenticidad.

Para entender la magnitud de este evento: el Reinado de Independencia de Cartagena se realiza cada año como parte de las fiestas que conmemoran la independencia de la ciudad. Surgió como un espacio para resaltar la cultura de los barrios y fortalecer la identidad local, y con los años se convirtió en un símbolo de orgullo regional. No se trata únicamente de belleza; es un escenario donde lo popular se convierte en elegancia, en donde se cuentan historias de resiliencia, comunidad y pertenencia.

La edición de este año, elevó la narrativa de la pasarela. El swimwear se transformó en esculturas en movimiento, pensadas para dialogar con el cuerpo y con la memoria de la ciudad. Fue moda como expresión cultural, como herramienta de visibilización y como celebración de la identidad femenina.

El trabajo de Maygel con las candidatas también refleja algo esencial del continente: la capacidad de la moda latinoamericana para contar historias profundas, para proyectar lo local al mundo sin perder su alma. Sus diseños muestran que la elegancia no está reñida con la identidad, que la sensualidad puede ser poderosa y respetuosa, y que la creatividad de la región tiene voz propia en la conversación global.

En un mundo donde la moda a menudo se desvincula de la narrativa, esta edición del Reinado de Independencia recordó que cada prenda puede contar una historia, y que cada mujer puede ser portadora de identidad y cultura. Desde el Caribe colombiano hacia el mundo, Maygel Coronel nos enseñó que la moda es memoria, territorio y comunidad. Y que, al final, la verdadera elegancia reside en conocer, honrar y celebrar de dónde venimos.

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Visitamos MYTHES, la exposición de Jacquemus recientemente inaugurada en París en colaboración con la Galería Dina Vierny y la Galería Chenel. La muestra presenta esculturas clásicas, piezas textiles y objetos cotidianos en diálogo directo. Una exposición vista como la declaración visual de Simon.

La propuesta se articula alrededor de tres constantes en Jacquemus: la figura femenina como musa, el Mediterráneo como lugar emocional, y los objetos domésticos como escena estética.

Nada aparece aislado ni tratado como pieza central. Todo funciona como parte de un sistema. Esculturas inspiradas en Aristide Maillol conviven con camisas blancas perfectamente dobladas, sandalias sobre piedra, vasos en equilibrio, mobiliario mínimo.

La experiencia está construida desde la relación entre los objetos: la distancia entre ellos, la proporción, el peso y la luz. La ropa aparece sin protagonismo, incorporada al espacio como parte de la narrativa visual.

MYTHES consolida a Jacquemus en el cruce entre moda y arte contemporáneo. La exposición muestra cómo una marca puede sostener un imaginario más allá del runway y de la imagen comercial, afirmando un universo propio sin necesidad de explicarlo.

Es un estudio de dirección creativa aplicado al espacio: cómo transmitir una visión sin recurrir a la acumulación o a la espectacularidad, sino a través de claridad, coherencia y ritmo visual.

El proyecto se desplazará a dos espacios aliados —Galerie Chenel y Galerie Dina Vierny— donde podrá visitarse del 30 de octubre al 20 de diciembre.

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Cuando comienzas a adentrarte en el mundo de la moda, aprendes que, al principio, tienes que decir que sí a todo. Y créanme, es importante hacerlo. Es la manera de conocer personas, descubrir marcas desde adentro y comenzar a formar parte de ese círculo donde las oportunidades surgen en los lugares menos esperados. Pero ese “sí” debe ser intencionado. Siempre pregúntate: ¿cuál es mi objetivo al asistir a este evento? ¿Con quién quiero conectar? ¿Cómo quiero presentarme? Porque la preparación y la intención marcan la diferencia.

En mi caso, mi propósito era grabar contenido auténtico para el primer video de YouTube de Glatam. Quería mostrarles de forma transparente cómo se vive la moda desde adentro: cómo se sienten los espacios, cómo funcionan las presentaciones, cómo las marcas comunican sus colecciones en diferentes contextos. También documentar el detrás de escena, conocer de cerca a diseñadores e invitados y, por supuesto, no perderme ningún desfile importante.

Algo que siempre me fascina de la Semana de la Moda es ese desborde de creatividad, arte y energía. Pero esta temporada fue particularmente especial. Muchos diseñadores presentaron sus primeras colecciones en nuevas casas de moda, marcando así una nueva etapa para la industria.

“La Watch Party” de Lyaas, por ejemplo, cambió completamente la manera en que vemos la moda. Mostró la realidad detrás de todo esto: que más allá de la exclusividad, todos queremos disfrutar de la moda, compartirla, vivirla juntos. Creó un espacio de cercanía, comunidad y amor genuino por esta industria.

También noté una tendencia clara: hubo más presentaciones íntimas que grandes desfiles. Esto refleja un cambio económico importante en el mundo de la moda. Hoy, muchas marcas están ajustando sus presupuestos debido al contexto global. Por eso, se están enfocando en formatos más sostenibles, donde el mensaje y la experiencia valen más que el espectáculo.

Algunas de mis conclusiones de esta temporada:

Esta fashion week se vio menos dominada por logos. Louis Vuitton, bajo la dirección de Nicolas, perdió parte de su carácter arriesgado; parece estar en una etapa de transición, buscando reencontrar su esencia. La propuesta fue más sobria, con juegos de texturas y patrones textiles interesantes, aunque un poco predecible en mi opinión.

Mi show favorito fue, sin duda, Schiaparelli. Nunca falla en sorprender con nuevos textiles, siluetas innovadoras y un nivel de ejecución impecable. Desde su primera colección ready-to-wear han evolucionado muchísimo, logrando productos que no solo impactan visualmente, sino que también son deseables para el mercado.

Dior presentó una colección que me conmovió profundamente. Fue un homenaje a una nueva conversación dentro de la casa: una versión más humana y sensible de la feminidad, llena de referencias históricas hermosas y una narrativa coherente.

Chanel, bajo la dirección de Matthew Blazy, fue otra sorpresa. Por fin volví a sentir esa magia que recordaba de los tiempos de Karl Lagerfeld: el sentido inmersivo, la armonía entre música, espacio y diseño. No fui fan de todos los accesorios, pero celebro que Chanel vuelva a emocionar con sus prendas, a provocar el deseo de verlas y usarlas. Estoy segura de que Margot Robbie será la más feliz con este nuevo rumbo —por fin podrá vestir Chanel que respira frescura y modernidad—.

Y por último, Thom Browne. Siempre excepcional. Su propuesta sigue siendo única, teatral y conceptual, recordándonos que la moda también es una forma de arte viva.

En resumen, esta temporada fue un recordatorio de por qué amamos la moda: porque se reinventa incluso en los momentos más inciertos, porque sigue encontrando belleza en la adaptación, y porque, sobre todo, nos une.

Megan Al Abdala

Editor-in-Chief, Glatam

La firma canadiense, reconocida por su sensibilidad romántica y su lenguaje de época, convirtió la pasarela en una lectura viva de lo femenino, entre la nostalgia, la devoción estética y la delicadeza artesanal.

Chapter I: Coven

El primer acto invocó un romanticismo gótico: siluetas etéreas en tul, encaje negro y chiffon de seda que parecían flotar entre sombras y velas. Una elegía a lo misterioso y lo sagrado de lo oculto.

Chapter II: Chevalière

El segundo capítulo rindió tributo a las heroínas medievales — Joan of Arc y las figuras artúricas— con bordados dorados, sastrería escarlata y detalles inspirados en armaduras. La fuerza y la feminidad entretejidas en una misma armadura poética.

Chapter III: Sonnets

El cierre fue una oda a la poesía: vestidos blancos y cremas en algodón, encaje guipur y texturas aireadas que recordaban los versos edwardianos y los amores escritos a mano.

Cada pieza, minuciosa y cargada de intención, reafirma la identidad de Wild Rose & Sparrow como una casa de romanticismo contemporáneo, que combina sensibilidad poética con una confección que honra el oficio.

Presentar Ex Libris en una biblioteca no fue casual: fue un gesto simbólico, una conversación entre moda, literatura y memoria. Entre las páginas gastadas por el tiempo, la colección se sintió como una historia nueva escrita sobre la historia misma.

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Vivimos el re-see de Louis Vuitton: un formato que cambia la perspectiva y nos acerca a lo que en pasarela apenas se puede intuir. En detalle, los volúmenes florales revelaron su complejidad técnica, los bordados mostraron el nivel de artesanía y los accesorios —desde gafas hasta pañuelos— adquirieron un carácter escultórico visto desde cerca.

Cada pieza confirmó la tensión entre tradición y contemporaneidad que define a la maison y la visión de Nicolas Ghesquière, quien en esta colección exploró la dualidad entre la memoria de archivo y un futuro imaginado con libertad.

El universo home de Vuitton apareció como extensión natural de ese mismo lenguaje: baúles convertidos en bares, mobiliario que transforma lo funcional en lujo silencioso, paredes tapizadas con afiches de archivo, espacios que se presentaron como lifestyle.

El re-see terminó sintiéndose como una conversación íntima con la maison: un cruce entre archivo y presente, moda y objetos, herencia y juego. Vuitton nos recordó que el lujo está en la forma en que decidimos habitar cada pieza y cada espacio.

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Los pigeons parisinos aparecen reinterpretados como leg warmers, el humo de cigarrillo se dibuja en prints sobre denim en colaboración con Labdip, una marca parisina especializada en denim contemporáneo. Los kebab shops de Pigalle y el resplandor de los tabacs iluminan un biker bodysuit, mientras un crop top con croissant oversize introduce humor en la narrativa.

La colección equilibra ligereza y sensualidad con siluetas fluidas, cut-outs que ya son parte del sello de la casa y el regreso de su bestseller CrissCross top. También regresan los icónicos charms en forma de candado, evocando el Pont des Arts, y un shirt-bodysuit inspirado en La Défense transforma lo corporativo en un gesto audaz y femenino.

Detrás de la marca está Jude Ferrari, diseñadora francesa que fundó J.Simone con la intención de mezclar la sofisticación parisina con un espíritu irreverente y playful. Su propuesta se ha consolidado como una voz singular dentro de la escena contemporánea, conocida por transformar símbolos culturales en piezas cargadas de ironía, sensualidad y frescura.

Con su espíritu lúdico y elegante, Jude Ferrari convierte París en algo irónico y sofisticado donde el parisian chic es irreverente y vibrante.

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Carolina Vargas, colombiana radicada en París, es la mente detrás de Soleia, un proyecto que conecta lo mejor de la artesanía y el talento latinoamericano con la moda contemporánea internacional. Tras su paso por Dior y Chanel, decidió crear un universo propio que une tradición y modernidad a través de piezas llenas de color, volumen y autenticidad.

Para ella, crecer como creadora significa mirar hacia dentro, nutrirse de sus experiencias y, al mismo tiempo, aprender en colaboración con otros. Esa visión ha sido clave en su camino como artista y emprendedora.

Hoy, Carolina comparte con Glatam su historia personal, sus reflexiones sobre el renacimiento de la moda latinoamericana y sus aspiraciones para el futuro de Soleia: una marca que busca crecer de forma orgánica y conectar con una nueva generación que valora lo auténtico y lo consciente.

Siguiendo un poco tu historia personal: creciste en Colombia, estudiaste en Barcelona y Bogotá, y luego te mudaste a París, donde trabajaste para Dior y Chanel, y ahora has abierto Soleia. ¿Cómo influyeron estas ciudades en la creación de Soleia?

“Siempre digo que mi vida ha estado marcada por el contraste entre dos mundos. En Colombia crecí rodeada de naturaleza, color y artesanía, con una fuerte conexión a mis raíces. En Bogotá y Barcelona tuve una formación más académica en negocios, siempre con el interés en la moda. Pero fue en París, durante mi máster, que entendí la moda no solo como negocio, sino como cultura, identidad y lenguaje.

En Dior y Chanel aprendí lo que significa la excelencia y la importancia del detalle en el lujo, así como la capacidad de una marca para transmitir un universo completo. Al mismo tiempo, cada vez que llevaba bolsos o joyas colombianas, la gente me preguntaba fascinada de dónde eran. Eso me hizo darme cuenta del enorme talento de mi país y de Latinoamérica, que muchas veces no tiene la visibilidad suficiente.

Así nació la idea de crear un puente entre esos dos mundos, y de ahí surgió Soleia.”

Soleia hace una curaduría de la artesanía latinoamericana y de la cultura joven contemporánea. ¿Por qué decidiste explorar estos temas y qué hace que las marcas latinoamericanas sean únicas en París?

“Siempre sentí que la moda latinoamericana merecía mayor visibilidad. La región tiene un talento inmenso, desde comunidades artesanas hasta diseñadores jóvenes que reinterpretan la tradición con un lenguaje contemporáneo. Lo que hace únicas a estas marcas en París es su autenticidad: cada pieza cuenta una historia real, hecha a mano, con técnicas ancestrales pero con un espíritu fresco. En un mercado tan competitivo, esa conexión humana y cultural es cada vez más valorada por los consumidores.”

Veo que estás usando mucha artesanía hoy.
Cuéntanos un poco sobre los detalles de tu look.

Carolina apuesta por un total look con piezas de diseñadores latinoamericanos disponibles en Soleia.

Bolso
Acqua Clutch + Strap Thallo - Yidios Hakim
Una marca colombiana que une arquitectura y moda para crear bolsos escultóricos. Atemporales, sofisticados y con un sello moderno que destaca en cualquier lugar.

Joyería
Anillo Queen Bee Ultraviolet + Aretes Maxi Bromelia - Sara & Flora
Firma inspirada en la naturaleza tropical. Sus piezas son vibrantes, femeninas y reinterpretan la biodiversidad latinoamericana con un lenguaje contemporáneo.

Ear Cuff
Camaleón / Andrea Amarillo
Diseños que exploran la joyería como arte versátil y expresivo. Innovadores, con formas orgánicas y un aire experimental que aporta carácter a cualquier look.

Una de las grandes características de Soleia es tu enfoque en la artesanía y el detalle. ¿Por qué es tan importante para ti y qué te ha sorprendido en el camino?

“La artesanía es identidad, patrimonio y un puente entre generaciones. Cada pieza no solo es un producto, sino la historia de quien la creó: sus manos, su tiempo y su herencia cultural. Lo que más me sorprende es la capacidad de los artesanos para innovar sin perder su esencia, transformando fibras naturales o técnicas ancestrales en piezas contemporáneas que funcionan en cualquier parte del mundo.”

¿Qué es lo que más sorprende al público parisino del diseño latinoamericano?

“Les impacta el simbolismo, la originalidad y la explosión de color. Están acostumbrados a un minimalismo más sobrio, y cuando descubren un bolso tejido con historia o unos aretes inspirados en la naturaleza colombiana, se fascinan con algo diferente y auténtico, que no se produce en masa.”

En términos de piezas artesanales, ¿cómo enfrentas el reto de mantener calidad y precios accesibles?

“Es un gran reto, porque la artesanía requiere tiempo y dedicación, y eso tiene un valor. Mi objetivo es encontrar un balance justo: que el artesano reciba un pago digno por su trabajo y que, al mismo tiempo, el consumidor en Europa pueda acceder a la pieza. Lo logro a través de una curaduría muy cuidada y trabajando directamente con los creadores, reduciendo al máximo los intermediarios.”

¿Qué desafíos enfrentan los diseñadores latinoamericanos al entrar en el mercado europeo?

“El primer desafío es la visibilidad: muchas veces el talento está, pero no hay las plataformas para mostrarlo fuera de la región. Otro reto es adaptarse a las exigencias del mercado europeo en términos de acabados, calidad, logística y tiempos de entrega. Pero también hay una barrera cultural: aprender a contar la historia de una manera que conecte con el consumidor europeo sin perder la esencia latina.”

¿Qué proyectos o colaboraciones tienes planeados para el futuro y a qué tipo de marcas le está apostando Soleia?

“Queremos seguir creciendo con colecciones cápsula que cuenten historias de distintas regiones de Latinoamérica, aunque en su mayoría hasta ahora han sido colombianas. Ahora estamos preparando la colección de otoño, que se va a lanzar a finales de septiembre y que estoy segura va a ser increíble. Estoy trabajando en colaboraciones con marcas jóvenes que mezclan innovación y tradición, Además, me interesa mucho crear experiencias en París — pop-ups, exposiciones y colaboraciones con espacios creativos para acercar más el universo Soleia al público europeo. La apuesta siempre será por marcas con alma, autenticidad y un valor artístico y cultural detrás.”

Un poco más personal, what is the best piece of advice you have received so far?

“El mejor consejo que he recibido ha sido aprender a abrazar mis dos mundos en lugar de sentir que debía escoger entre ellos. Durante mucho tiempo pensé que tenía que elegir: o vivir la vida chic parisina o mantenerse fiel a mis raíces colombianas. Hasta que alguien me dijo: ¿por qué no ambos? Y ahí todo hizo clic. Soleia es precisamente eso: un puente, un espacio donde estos dos universos pueden convivir y brillar juntos.”

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El Palais Galliera se rinde a Rick Owens con Temple of Love, su primera gran retrospectiva en París. No es solo un repaso de tres décadas de carrera: el museo entero se convierte en escenario de su universo, entre esculturas en la fachada, muebles brutalistas, frases en mayúscula y viñas californianas creciendo en los jardines.

La exposición está dividida en dos capítulos:

Los Ángeles (1992–2003): sus inicios en la ciudad donde conoció a Michèle Lamy, con quien no solo es su pareja, sino que comparten una visión creativa que mezcla lo íntimo y lo público. Aquí aparecen referencias que marcaron su estética: la arquitectura brutalista, los búnkeres fotografiados por Paul Virilio, y esa idea de que la decadencia puede tener su propia integridad.

París (2003–hoy): el periodo en el que Owens convierte la moda en performance social y político. Shows que hablan de poder, inclusión y provocación, piezas que cuestionan los códigos de belleza y que amplían la conversación más allá de la pasarela.

El recorrido culmina en lo más personal: la reconstrucción del dormitorio y armario de Owens y Lamy en Los Ángeles. La cama, uno de sus primeros muebles; las estanterías repletas de libros, las únicas pertenencias que mantuvieron al mudarse a París. Un espacio que funciona como recordatorio de que la radicalidad de Owens parte de lo íntimo, de sus rituales diarios que se vuelven estética.

Estuvimos allí y podemos decir que Temple of Love no es nostalgia ni archivo, es un statement. En un momento de creciente conservadurismo, la exposición se siente como declaración de que la moda puede ser incómoda, brutal y profundamente personal, pero sobretodo puede ser un acto de amor.

Abierta hasta el 4 de enero de 2026, es una parada obligatoria en París.

“The mistery of love is greater than the mistery of death!”

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