Na impossibilidade de garantir um artigo por semana, venho tentando optar por postagens quinzenais, para não entrar em fórmulas esquemáticas e engessadas, já que o tempo vem andando exíguo diante do tanto de atribulações que 2026 vem me reservando.

Portanto, sem mais delongas, vamos para o texto de hoje!

Subscreva agora

Nada floresceu em 99

Em Nada floresceu em 99, Djeison Hoerlle e Eduardo Ribas concebem um encontro entre Conta comigo e Turma da Mônica: Laços no sul do Brasil. O enredo gira em torno de Rafael e seus amigos, que passam a procurar por Gustavo, um ex-amigo que desapareceu misteriosamente, causando alarde na cidade.

O protagonista, em sua versão já adulta e atormentada por problemas em seu relacionamento, faz as vezes de narrador reminiscente e reflete sobre como o desaparecimento desse amigo marcou uma chave de virada em sua infância. Assim, de forma melancólica e contemplativa, ele olha para sua infância enquanto discorre sobre as dores do crescimento, constatando a dureza da realidade de um Brasil tão desigual.

Nessa vocalização de questões que alternam entre o desabafo intimista e a decepção diante dos problemas que assolam a vida em sociedade na contemporaneidade, Hoerlle traz uma distinção de tons bem evidente entre as contrapartes de Rafael. Se o garoto traz consigo um ar mais leve e despojado, o adulto carrega sobre si as dores do crescimento e as inseguranças inerentes a quase todo jovem adulto. A narrativa visual de Ribas, por sua vez, carrega consigo muita influência dos mangás, tanto por sua expressividade quanto pela fluidez na composição de páginas.

Desse modo, temos em certo ponto um pequeno descompasso entre a proposta descontraída do eixo pictórico da trama quando levamos em conta a proposta mais reflexiva do eixo verbal. Esse aspecto não causa qualquer prejuízo para a dinâmica proposta pela HQ, porém, traz um pouco de estranhamento em um primeiro momento.

Gosto muito das marcas de oralidade presentes nos diálogos desse gibi. O Brasil é um país riquíssimo em sua pluralidade linguística, com sotaques, gírias e maneirismos próprios de cada região, por isso é tão reconfortante ver tais distinções da língua portuguesa serem trabalhadas de forma tão naturalista e orgânica dentro de uma narrativa situada fora do eixo Rio-SP.

Assim, é possível identificar aspectos que remontem às referências que citei no primeiro parágrafo, mas Hoerlle e Ribas conseguem imprimir uma identidade própria para a HQ, equilibrando humor e drama com eficiência em um ponto de convergência ideal.

Muitas narrativas por vezes se perdem no contato com suas referências e acabam se desvirtuando de sua lógica interna no decurso da narrativa, e felizmente isso não ocorre com Nada floresceu em 99, que conserva sua coerência até o último requadro.

A HQ, publicada pelo selo independente Dom Mordaz, está à venda nesse link.

Enterrei todos no meu quintal

No mais recente gibi de Luckas Iohanathan, Enterrei todos no meu quintal, publicada pela Comix Zone, temos a vida da fotógrafa Júlia Ruas contada da infância à velhice. Em um primeiro momento, a sinopse me lembrou da HQ O dia de Julio, de Gilbert Hernandez, sobre a qual falei recentemente.

Porém, se há um ponto de contato na premissa inicial, o desenvolvimento das duas HQs não poderia ser mais distinto. De forma fragmentária e dispersiva, a vida de Júlia se descortina pelo virar das páginas, com seus erros e acertos expostos entre requadros e elipses.

Assim, Iohanathan desenvolve sua personagem em meio às dores e delícias do crescimento, sem qualquer idealização, seja do passado, do presente ou do futuro, e empreende um estudo fascinante de sua protagonista no decurso da HQ.

Hermético e altamente experimental, esse gibi traz um leque novo de estratégias discursivas do quadrinista, que já havia impactado público e crítica sobremaneira com Como Pedra, O monstro debaixo da minha cama e Ouroboros.

Um aspecto fundamental dessa HQ é a solidão que acompanha a protagonista ao longo de toda a sua vida, mesmo quando ela se encontra acompanhada. É a partir dos momentos sozinha que Júlia processa suas memórias, enterrando metaforicamente em seu quintal todos aqueles que contribuíram ao longo dos anos para seu crescimento. É através dos silêncios que esse gibi mais fala, sobretudo quando se propõe a tocar nos momentos mais traumáticos da vida de Júlia.

Gosto de como Iohanathan não se prende a uma única estrutura de composição de páginas nessa HQ, mas opta por alternar por diferentes layouts de modo a deixar a narrativa viva, pulsante e imprevisível, tal como é o próprio desenrolar de nossas vidas. Tamanha versatilidade expõe como o autor evolui a passos largos em cada novo trabalho, exibindo pleno domínio da narrativa gráfica sem prescindir do esmero com que talha seu texto com tanto esmero.

Ao escolher falar sobre vida e amadurecimento, incidindo sobre a finitude e a perenidade, o quadrinista potiguar foge da tensão que marcou seus trabalhos anteriores, notórios por trazerem histórias brutais e pesadas em meio aos conflitos ali contidos.

Há alguns pontos de contato com suas obras pregressas, certos temas que se repetem, mas o cerne dessa HQ difere fundamentalmente delas. Em Enterrei todos no meu quintal, a brutalidade maior é a inclemência e dureza que a vida nos impõe diante da difícil tarefa de meramente existir, fazendo do ordinário algo extraordinário.

Desse modo, o gibi fala do acúmulo de tempo, de erros, de acertos, de tudo o que faz de nós quem somos e como somos. Com um texto maduro e afiado, que não idealiza ninguém em momento algum e coloca uma lente de aumento incidindo sobre cada atitude de sua protagonista e daqueles que a cercam, Iohanathan desenvolve uma protagonista forte, relacionável e intrigante, sem jamais dar nada de mão beijada para seu leitor.

Crescer dói

Achei curiosa essa confluência, pois li Nada floresceu em 99 e Enterrei todos no meu quintal em sequência, sem qualquer planejamento, e ambas coincidentemente acabam tocando em um mesmo tema. Acho interessante ver como duas abordagens tão distintas podem trabalhar um mesmo aspecto a partir de diferentes perspectivas.

Da melancolia do protagonista da HQ de Hoerlle & Ribas surge a esperança, enquanto da vida pulsante e repleta de acontecimentos da protagonista da HQ de Iohanathan surge uma melancolia desalentadora que aborda a vida e seus excessos sob um prisma bem menos esperançoso.

As duas, porém, logram êxito ao destacarem como determinados momentos de nossas vidas nos marcam profundamente e moldam muitos de nossos caminhos nos anos que se seguem.

Afinal, não há como crescer sem sentir o peso da vida sob os ombros, sem lidar com vida e morte, escolhas e consequências. Não há amadurecimento que surja imune ao caos inerente à imprevisibilidade da existência.

Portanto, esses dois gibis, longe de trazerem qualquer “lição de vida” piegas e artificial, evidenciam como o viver, além de perigoso (como diria Guimarães), é desafiador e nos exige coragem a todo instante.

Vivamos, então!

Breves comentários sobre minhas leituras do momento:

• Depois de quase um mês, finalizei a leitura de Helen de Wyndhorn, de Tom King, Bilquis Evely e Mat Lopes. Estou longe de ser um hater de Tom King, mas preciso informar que os brasileiros carregam esse gibi nas costas. Sem uma dupla tão talentosa na narrativa visual, a HQ não teria nem 10% do apelo que possui;

• Na última edição da HIPER-REQUADRO eu mencionei a leitura da fase de Ryan North à frente da HQ Fantastic Four, certo? Pois bem, já li os quatro primeiros volumes e é realmente tão boa quanto todo mundo sempre comentou comigo;

• Nesse final de semana li a nova HQ de Criminal, intitulada Five Gears in Reverse, de Ed Brubaker, Sean e Jacob Phillips. Talvez eu fale mais sobre nas próximas newsletters;

• Estou enfim iniciando hoje a leitura de EIGHTBALL, de Daniel Clowes. As expectativas estão lá no alto!

  Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Há alguns meses, chegou aqui em casa um exemplar da primeira edição da revista Comics! The Magazine, que adquiri por intermédio do pessoal do Baú das HQs. Estou lendo-a a conta-gotas desde então, com calma, matéria por matéria, sem pressa de terminar.

Sinto falta desse tipo de publicação periódica por aqui, pois considero o formato ideal para aprofundar conhecimento e ampliar repertório com leveza, sem rigor acadêmico erudito. Ainda sou saudoso da premiadíssima revista digital Panel x Panel, editada pelo letrista Hassan Otsmane-Elhaou, então dá pra sacar que fiquei bem contente de ter contato com uma nova publicação do tipo né?!

Subscreva agora

Pois bem, a matéria de capa se faz notar logo de cara por trazer um papo com a equipe responsável por um dos títulos que ocasionaram o mais recente chacoalhão nas vendas do mercado estadunidense de gibis: Absolute Batman.

A HQ concebida por Scott Snyder, Nick Dragotta, Frank Martin e Clayton Cowles recentemente começou a ser publicada no Brasil, e vem repetindo por aqui o sucesso que angariou lá fora.

Nas redes, vejo diariamente pessoas compartilhando suas impressões sobre o gibi, muitos inclusive retornando às muitas vezes esquecidas bancas de jornal para ficarem em dia com esse arrasa-quarteirão da DC Comics. Fenômeno semelhante vem ocorrendo com os demais títulos da linha Absolute.

Em How to make Absolute Batman, entrevista conduzida por Joseph Keatinge, temos depoimentos tanto dos artistas quanto dos editores responsáveis pelo gibi, explicando o contexto em que o projeto surgiu, as pessoas que o viabilizaram e o tanto de planejamento que foi colocado em prática até que uma ideia inicial se tornasse um empreendimento complexo e bem-sucedido.

Por sinal, muito do sucesso dessa linha editorial começou a fazer sentido pra mim após esse bate-papo, sobretudo por conta dessa resposta de Scott Snyder, quando perguntado sobre o processo de criação do universo Absolute:

É exatamente esse fundamento que sustenta a coesão interna de Absolute Batman, e tal conceito foi utilizado enquanto elemento basilar para as demais HQs da linha, evidenciando a força absoluta de um argumento bem fundamentado como sustentáculo de uma linha de publicações desde seus primeiros passos.

Todas partem dessa premissa, mas possuem linguagem e estilos próprios, criando gamas de sensibilidade ímpares e que fogem da mediocridade em que vinha imerso o cenário de gibis das majors nos últimos anos.

Há muito de mangá na narrativa visual de Nick Dragotta em Absolute Batman, enquanto Snyder reinventa a mitologia de Gotham e faz um “Sobre meninos e lobos” embebido em ficção científica com pitadas de Chainsaw Man.

Hayden Sherman brinca com os layouts de páginas em Absolute Mulher-Maravilha de forma inventiva e instigante enquanto Kelly Thompson remonta a trajetória de Diana retirando-a de quase todas as premissas reconhecíveis de outrora, com muita influência de Berserk na faceta guerreira da princesa das amazonas.

Javier Rodríguez flerta com Keith Giffen e José Muñoz numa viagem pela pop art enquanto Deniz Camp delineia uma trama conspiratória intrincada e sofisticada em Absolute Caçador de Marte, daquelas que requerem releituras constantes de cada edição mensal.

Rafa Sandoval é quem traz uma narrativa gráfica mais convencional, se adequando à proposta de Jason Aaron, que bagunça sobremaneira todos os aspectos já cristalizados no imaginário coletivo para as origens do homem de aço em Absolute Superman, trazendo um Kal mais revolucionário e protetor dos vulneráveis do que nunca.

Nick Robles é arrojado e criativo no intuito de desenvolver uma pegada jovial, chamativa e urgente em Absolute Flash, de modo a acompanhar a trama familiar de Jeff Lemire, que nos brinda com um belo conflito entre pai e filho, bem ao estilo que o autor canadense sabe bem como fazer.

A arte de Jahnoy Lindsay em Absolute Lanterna Verde me causou estranheza a princípio, mas Al Ewing é um nome em que eu confio, e o desalinho inicial com a narrativa visual passou tão logo a trama se assentou diante de meus olhos e consegui entender a (boa) proposta narrativa.

Todos esses títulos, tão diferentes estética e tematicamente entre si, se norteiam por aquela diretriz mencionada por Snyder. Dá pra dissecar cada personagem e identificar que em sua base conceitual restaram os elementos fundamentais para que esses personagens sejam identificados de bate-pronto: o jovem órfão em busca de justiça, a princesa guerreira que quer provar seu valor, o alienígena que resolve lutar pelos fracos e oprimidos etc.

São arquétipos muito bem estabelecidos e reconhecíveis que facilitam a imersão de novos leitores, ávidos por um contato com personagens tão icônicos – agora numa roupagem mais convidativa –, e do leitor assíduo, já cansado das repetições esquemáticas e procedurais dos gibis da linha tradicional.

Até o momento em que esse artigo foi redigido, já li os primeiros arcos de cada Absolute mencionado, além dos segundos arcos de Batman e Superman, e devo começar em breve o da Mulher-Maravilha. Todos são acima da média, embora eu tenha certa predileção por uns mais do que por outros.

(Quero muito ver o que as pessoas dirão de Abominação, arco de histórias no qual Batman enfrenta Bane. Foi uma das leituras de supers que mais me empolgou nos últimos anos. A edição da Panini que traz o desenlace desse embate ainda não saiu por aqui, mas sinto que quando sair, veremos relatos ávidos das pessoas pela gibisfera afora.)

Na linha tradicional, como sabemos, Bruce Wayne sempre foi um playboy bilionário de Gotham City, enquanto o Batman atuava como uma representação da busca por ordem na sociedade. Na concepção da linha Absolute, Scott Snyder optou por retirar o fator “riqueza” do background do personagem à medida que identificou, a partir das opiniões de seus filhos (das quais este articulista comunga), que é complicado enxergarmos bilionários como heróis no mundo em que vivemos.

Assim, o autor percebeu que atualmente há um maior apelo na figura do herói underdog, o azarão, aquele que joga contra as probabilidades apenas por saber que aquilo é o certo a se fazer, e partiu desse viés para delinear seu protagonista para essa nova era. Desse modo, o Batman desse universo é construído enquanto um agente disruptivo, disposto a colocar a mão na massa e se tornar um alvo público para tentar mudar um sistema corrompido, enquanto o Coringa se configura enquanto seu exato oposto, um agente disposto a tudo para manter o status quo doentio da sociedade inalterado.

A partir dessa dicotomia devidamente estabelecida, o roteirista conseguiu estabelecer as bases do conceito norteador dessa linha, utilizando seu Batman como exemplo para ilustrar para os demais quadrinistas convidados para o projeto qual seria a abordagem pretendida para a linha Absolute.

Bem, já podemos dizer que essa estrutura primária funcionou muito bem até aqui né?!

Enfim, a entrevista é enorme, traz muitos pontos de vista e é muito elucidativa acerca desse novo fenômeno pop. Se fôssemos comentá-la na íntegra por aqui, esse artigo quadruplicaria de tamanho. Por isso, optei por focar no aspecto que considerei mais interessante para a discussão aqui proposta.

E você, já leu algum gibi da linha Absolute? Se sim, o que está achando? Se não, o que está esperando para começar?

Breves comentários sobre minhas leituras do momento:

• Olha, me atualizar na cronologia atual dos supers vem se revelando um verdadeiro esquema de pirâmide…

• Passei o mês de junho quase que todo lendo HQs dessa iniciativa All In da DC Comics, como Batman & Robin: Year One, JSA, Challengers of the Unknown, New History of the DC Universe, Justice League Unlimited, entre outros, até que resolvi fechar leituras que estavam em aberto, como as fases de Saladin Ahmed em Daredevil e Jason Aaron em The Avengers…

• Não preciso nem dizer que daí em diante fui emendando encadernado atrás de encadernado e, quando me dei conta, já estava em julho lendo Moon Knight de Jed MacKay e Captain America de Ta-Nehisi Coates né?!

• Nessa semana li Daredevil: Cold Day In Hell, uma minissérie em três capítulos de um Demolidor já idoso e vivendo em uma NY desolada. A inspiração nítida em Elektra Vive, de Frank Miller, já me faria gostar de imediato desse gibi, mas o que Soule e McNiven conseguiram desenvolver nessa história me cativou demais. Desde a fase de Mark Waid que eu não lia uma HQ desse nível do advogado cego de Hell’s Kitchen. Mal posso esperar pela edição brasileira dessa HQ…

• Comecei a leitura do Fantastic Four de Ryan North e, imediatamente, o mundo voltou a ser um lugar ensolarado. Ler gibi BOM é gostoso demais!

N. do E.: Quando cito o título de uma HQ em inglês por aqui não é por frescura, mas sim pra indicar que a li no idioma original. Do contrário, mencionaria o nome dos tradutores e o título adotado nas publicações nacionais.

Top 5 Hiper-Requadros:

• “Daredevil: Cold Day In Hell”, por Charles Soule, Steve McNiven e Dean White.

• “Moon Knight: Fist of Konshu #01”, por Jed MacKay, Alessandro Cappuccio, Rachelle Rosenberg e VC’s Cory Petit.

• “Prisioneiro dos sonhos Vol. 1: A origem”, por Marc-Antoine Mathieu.

• “Captain America: Captain of Nothing”, por Ta-Nehisi Coates, Adam Kubert e Frank Martin.

• “Daredevil: Cold Day In Hell”, por Charles Soule, Steve McNiven e Dean White.

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Agora é hora de voltarmos ao batente!

Para celebrar o glorioso retorno de quem quase sempre esteve aqui (mesmo quando não tivemos textos novos), resolvi trazer uma lista de gibis para quem quer ler e está sem muita disponibilidade de tempo.

Subscreva agora

Sabe aquela leitura rápida enquanto se espera o transporte público chegar, o(a) cônjuge terminar de se arrumar para sair, o lanche esquentar ou a pausa de hidratação nos jogos da copa?! Pois é, hoje é dia de falarmos daquele gibi vapt vupt, quase feito como encomenda para quando não se tem tempo sobrando.

Afinal de contas, não é toda hora que dá pra sentar e encarar aquele calhamaço de 650 páginas que te arrebata e aliena do mundo ao redor por completo, né?!

Éramos dois pela manhã

Sentada no vaso sanitário, uma jovem escuta, através do basculante, os vizinhos falando da vida (própria e alheia) sem qualquer pudor. Com um cigarro aceso na boca e um teste de gravidez nas mãos, seu olhar é vazio, quase morto por dentro.

É aí que começa Éramos dois pela manhã, um gibi de publicado pelo selo independente Dom Mordaz, do próprio Braian e do . Tão curta quanto pungente, a HQ diz muito com pouco e trabalha a partir de inferências e elipses sofisticadas que tornam cada quadro e cada balão de diálogo ainda mais significativo.

Concebido em formato 20x20 cm, o gibi faz uso de poucos requadros por página e por vezes se alonga em splash pages ou mesmo em sequências de página dupla, variando as fontes tipográficas para demarcar diferentes vozes e dirimir qualquer resquício de cacofonia visual.

Desse modo, o autor coloca em perspectiva temas como violência contra a mulher, gravidez na adolescência, abuso sexual e colapso da saúde mental sem qualquer estratégia apelativa ou histriônica, operando por meio do silêncio e do entrecortar de camadas discursivas para estruturar sua narrativa e envolver o leitor.

É interessante como a HQ constrói signos potentes de forma tão célere. O basculante, tanto quanto o banheiro no qual a jovem se enfurna, compõem a ambientação claustrofóbica que simboliza o estado asfixiante em que a protagonista se encontra, com poucas frestas de ar, pequenos vislumbres de uma liberdade que agora lhe parecem tão fugidias.

Há muito mais o que se pode dizer sobre esse gibi, sobretudo quando as releituras se sucedem. Sim, essa é daquelas HQs que pedem para serem lidas novamente.

Em alguns aspectos, vejo pontos de contato temáticos e estilísticos entre Éramos dois pela manhã e o conto Hinário Nacional, que dá nome ao gibi antológico homônimo de Marcello Quintanilha.

Almas públicas

Por falar no bom e velho Quintanilha, olha ele aparecendo por aqui mais uma vez! Há um ar quase documental no trabalho do quadrinista niteroiense, dada a facilidade com a qual ele versa sobre as mazelas do país, criando e dando protagonismo para personagens periféricos imperfeitos e nada idealizados.

Em “Almas Públicas”, álbum antológico publicado em 2011, Quintanilha entrega sete contos nos quais versa sobre temas como carnaval, futebol, gênero e as relações de trabalho. Trafegando por diferentes períodos do século XX e do comecinho do XXI, Quintanilha tece uma colcha de retalhos que forja a pluralidade que caracteriza nossa estrutura social.

O autor associa sua narrativa visual realista, expressiva e detalhada a uma prosa orgânica que valoriza as marcas de oralidade e o coloquialismo para demarcar posições e caracterizações através da linguagem verbal, criando assim uma obra dinâmica e contundente.

Os bastidores do mundo da bola, o poder destrutivo da homofobia, da intolerância religiosa e mesmo a paixão que causa o carnaval são panos de fundo para um interessante exercício nostálgico e analítico das idiossincrasias que fazem parte da formação identitária de um Brasil que engloba diversos brasis em si.

Almas públicas é um gibi rápido e fácil de ler, ainda que suas temáticas não sejam nem de longe leves. Ele foi originalmente publicado pela Conrad Editora, porém, nos últimos anos foi compilado junto dos contos de Sábado dos meus amores e de alguns outros contos soltos de Quintanilha na antologia Alimenta estes olhos.

O azul indiferente do céu

Esse é um dos meus gibis favoritos do Shiko.

Conciso, pungente e profundo, O azul indiferente do céu narra as últimas horas de vida de Héctor Abad Gómez, presidente da Comissão de Direitos Humanos da Colômbia durante os anos 1980, que foi assassinado no mesmo dia em que noticiou o quão pouco valia a vida humana no país naquele período, dada a proliferação dos matadores de aluguel por toda a extensão do território nacional.

O quadrinista paraibano faz uso de um excerto de Eduardo Galeano, extraído do O livro dos abraços, e de um poema de Jorge Luis Borges, para conduzir o eixo verbal da narrativa, enquanto delineia toda a sequencialidade cruel dos eventos ali contidos com sua narrativa visual expressiva e fortemente naturalista, tal qual um quadro de Jean-Baptiste Debret.

É fascinante ver Shiko em ação, e esse gibi traz consigo boa parte dos elementos que o tornaram tão celebrado nos quadrinhos nacionais.

A HQ foi publicada pela saudosa Editora Mino e não sei se é fácil encontrá-la à venda hoje em dia, mas se você se deparar com um exemplar em algum momento, não perca tempo e pegue para ler o quanto antes!

A insustentável leveza do ser

Em 1987, a genial Laerte Coutinho precisou de apenas seis páginas para conceber um dos melhores quadrinhos já feitos no Brasil, senão o melhor.

Com A insustentável leveza do ser, a quadrinista narra a história de Renato, um adolescente que vê seu mundo ruir diante de revelações absurdas. Assim, todas as certezas do jovem caem por terra em uma espiral frenética de desconstrução de todos os aspectos fundamentais de sua identidade.

Laerte faz um belo uso do nonsense para desvelar a enxurrada de informações surpreendentes com que o protagonista se depara, antecipando a superficialidade das relações e do pacto civilizatório muitos anos antes de Show de Truman colocar isso em prática na tela grande. O encerramento dessa história é arrebatador e ficou em minha mente desde a primeira vez que a li, ainda em algum site de acervo dos quadrinhos dos anos 1980.

Clássico atemporal!

As outras histórias que compõem essa reedição da Conrad Editora são Os homens-pizza, Aquele cara e Penas. A primeira traz uma parábola surrealista para discutir um dos mantras mais propagados pelos neoliberais devotos da Escola de Chicago: não existe almoço grátis. A segunda, por sua vez, narra a história de um homem perseguido por homens-dedo (?), ao passo que a terceira traz o caso de um homem que vê sua vida virar do avesso quando começam a crescer penas em seus braços.

Essas três histórias curtas que complementam o volume não são tão espetaculares quanto a primeira, porém, qualquer HQ da Laerte, mesmo que mediana para os padrões dela, é absurdamente acima da média geral e merece ser lida.

Informe sobre cegos

Fernando Vidal Olmos é um homem em conflito, atormentado pela possível existência de uma seita composta por cegos de todo o país que pretende dominar o mundo de acordo com seus nefastos interesses.

Disposto a provar esse grande e perverso esquema, o homem se dispõe a escrever um relatório informativo para alertar as pessoas da ameaça que estão correndo, sem se importar com o rumo que sua vida tomará no decorrer dessa insólita missão.

Adaptado a partir de um fragmento do romance Sobre heróis e tumbas, do argentino Ernesto Sabato, Informe sobre cegos é um genial trabalho de adaptação por parte de Alberto Breccia, sua derradeira obra em Quadrinhos, publicada pouco antes de sua morte.

O experiente quadrinista uruguaio radicado na Argentina investe numa arte expressionista, inovando a partir de uma narrativa visual que brinca com claro e escuro de forma sofisticada, fazendo uso de colagens, pinturas e composições de cena que flertam sobremaneira com as artes plásticas.

Desse modo, Breccia coloca sua arte em prol da representação da obsessão de Olmos, potencializando o ar desequilibrado de seu protagonista, envolvido numa jornada infernal que coloca o real em xeque, diante das barreiras que separam sanidade e loucura.

Com tradução de Rodrigo Rosa, Informe sobre cegos foi publicado pela Editora Figura. O álbum apresenta requadros que poderiam facilmente ser emoldurados, tamanha é a potência da arte de um gênio como Alberto Breccia.

Ei, espera…

A vida era uma diversão contínua para os garotos Jon e Bjorn, até que um trágico evento muda o rumo das coisas por completo, desencadeando uma jornada incontornável de desesperança e melancolia. Em seu debute nos quadrinhos, o norueguês Jason entrega, com Ei, espera…, um conto pungente sobre amadurecimento, traumas e consequências.

Jason é um gênio do grid de seis quadros por página, e essa habilidade fica evidente já em sua primeira narrativa de longa duração. Com precisão poética na diagramação, o quadrinista faz uso dos funny animals (que posteriormente se notabilizaram como uma marca de seu trabalho) como estratégia estilística para explorar com profundidade a natureza humana.

O traço cartunesco, dinâmico e minimalista de Jason confere agilidade para o enredo. Com a surpreendente expressividade obtida a partir da sutileza dos gestos, os personagens se humanizam e a prosa econômica contribui para o impacto emocional que a trama gera.

Traduzido por Dandara Palankof e publicado pela Editora Mino, Ei, espera... não me pegou de primeira, porém, na segunda leitura que fiz, o peso da história me acertou em cheio. O desenrolar da vida, a amargura e a culpa do sobrevivente são alguns dos temas universais que Jason aborda de forma extremamente sofisticada nessa arrasadora obra de estreia que impacta sobremaneira.

Eles estão por aí

Duas criaturas seguem juntas em uma jornada de rumo desconhecido e, no caminho, se deparam com toda sorte de acontecimentos. Na medida em que sonho e realidade se misturam, motivações se tornam cada vez mais turvas e a trajetória ganha mais importância do que o destino propriamente dito.

Em Eles estão por aí, Bianca Pinheiro e Greg Stella constroem uma fábula perturbadora e transcendental, um conto que se alimenta do estranhamento que causa para potencializar seu caráter experimental e insólito.

A partir de um tropo narrativo tão comum quanto aquele que rege que dois seres viajam juntos do ponto A para o ponto B, a dupla subverte pressupostos e tece uma história fragmentária, entrecortada e hermética, que ressoa de forma inventiva e por vezes anticlimática, sem jamais se tornar previsível.

Com um roteiro intrincado e que entrega pouquíssimas (e dúbias) respostas, a narrativa visual toma pra si a condução da trama, tanto através do dinamismo dos quadros que se sucedem quanto por meio do traço ágil e limpo que flerta com o cartunesco sem jamais perder a aura onírica que envolve cada pedaço da história.

Ao ir e vir no tempo, se é que podemos falar nesses termos, a trama confunde mais do que explica e permite diversas leituras, sem deixar de contar com o aspecto da participação do leitor na completude do processo diegético, mesmo que múltiplo. Publicado pela editora Todavia, Eles estão por aí entrega uma experiência que perturba, incomoda e a todo instante se ressignifica.

Há algo de diferente e genial nessa HQ, o mundo precisa saber disso!

Lovistori

Temos aqui um Romeu & Julieta à brasileira, ambientado em pleno Rio de Janeiro e visceralmente atual. A história de amor entre o policial Paixão e a travesti Sereia contrapõe estereótipos e discute o peso das pressões sociais nas vivências que destoam da heteronormatividade.

A música que abre a HQ, Oh happy day, demarca com sua presença a distinção entre as duas metades da história. Se na primeira parte ela espelha a leveza do amor entre Sereia e Paixão, na segunda e última parte o retorno da canção adquire ares de ironia trágica e entrelaça a trama como um todo.

A narrativa visual de Alcimar Frazão consegue traduzir com primor o roteiro de Lobo, potencializando o drama do enredo com seu traço forte e expressivo, destacado pelo uso marcante de luz e sombra. A prosa, repleta de marcas de oralidade, dá fluidez e naturalidade para o andamento da trama, ambientando-a a contento.

O fato de a história se passar em um único dia dá agilidade para o desenvolvimento do enredo, ao mesmo tempo em que permite que flashbacks se entrecortem e expandam o background dos protagonistas e assim aumentem a vinculação entre eles e o leitor.

Lovistori foi publicada pela Brasa Editora e seu grau de realismo de impressiona, sobretudo por tornar a história simultaneamente fascinante e dilacerante, deixando um amargor na boca de quem lê a HQ, dado o destaque para a desumanização pela qual passam as pessoas LGBTQIA+ no país que mais mata travestis em todo o planeta.

Tangências

Dos grandes mistérios que compõem o ser humano, certamente o amor é um dos mais inexplicáveis. O que faz com que duas pessoas se apaixonem perdidamente, independente de qualquer circunstância? O que faz com que esse encanto se finde de uma hora pra outra? Como diria o poeta, quem um dia irá dizer que existe razão nas coisas feitas pelo coração?

Em Tangências, o quadrinista espanhol Miguelanxo Prado apresenta oito contos curtos e independentes entre si para versar sobre relacionamentos, com foco específico no término, na quebra do contrato invisível que liga duas pessoas através do afeto, até não ligar mais. Desse modo, o narrador apresenta personagens complexos, imperfeitos e multifacetados, dispostos em extremo desconforto diante do iminente fim da relação, do desacerto e da melancolia inerente ao fim.

De modo frio e realista, o álbum toca em vulnerabilidades e evidencia traumas para tecer um mapa intrincado da ruptura entre pessoas que outrora se conectaram de modo tão íntimo. Miguelanxo constrói uma narrativa intimista, reforçada por sua prosa desalentada e até mesmo exausta, que capta com sutileza o grau de desgaste emocional que acomete as pessoas em momentos tão tristes como o fim do relacionamento, ainda que não do amor.

Com uma narrativa visual ágil, o quadrinista espanhol esbanja sensualidade e pungência em seu traço sujo, ao mesmo tempo em que potencializa a carga dramática da trama com suas sofisticadas cores aquareladas, que mesmo com visíveis variações na textura e na paleta, sustenta um ar nostálgico e angustiante, elementos cruciais para a força do álbum.

Publicado pela Conrad Editora e traduzido por Claudio Martini, Tangências impacta pelo texto inspirado, pelo soberbo tratamento visual e pela rara sinergia que apresenta entre os eixos verbal e imagético na composição discursiva.

O dia de Julio

Quanto de história cabe em uma só vida? Quantos eventos marcam nossa trajetória e modificam para sempre nossa jornada? Em O dia de Julio, Gilbert Hernandez narra, em cem páginas, os cem anos da vida de um homem oriundo de uma família de raízes mexicanas, bem tradicionalista, o dócil e tímido Julio, desde o nascimento até o último suspiro.

Dessa forma, Hernandez concebe, através da vida do protagonista, um relato paralelo sobre a história dos EUA no século XX, passando por todas as guerras e crises econômicas que esse período trouxe consigo. No decorrer da narrativa, acompanhamos o crescimento e amadurecimento de Julio e de sua família, expostos em toda sua complexidade e profundidade emocional durante esse século de existência. Mazelas, erros e acertos são mostrados, de forma explícita ou não.

Com sutileza e sensibilidade, Hernandez traça a personalidade do enrustido Julio e de cada membro de sua parentela, apostando em uma narrativa elíptica e singular, falando muito através do que não é dito. O quadrinista trabalha de forma aparentemente simples para conceber um relato intrincado e intimista sobre a vida e os sentimentos de um homem comum como qualquer outro, extraindo do ordinário uma potência narrativa extraordinária.

Gilbert Hernandez faz uso da história de Julio para propor uma reflexão sobre a vida, explorando as suas idiossincrasias para destacar o valor das pequenas ações e o peso das repressões no plano geral da existência.

A elegância da proposta e a narrativa singular do quadrinista garantem a excelência desse trabalho, publicado no Brasil pela Editora Nemo e traduzido por Jim Anotsu, que manteve a naturalidade das falas dos personagens concebidos por Hernandez. Se você já é leitor de Love and Rockets, é uma bela forma de matar a saudade. Se não é, vai querer se tornar ao final dessa HQ. Se há algum motivo para não se ler O dia de Julio, eu desconheço.

Bem, foi uma lista e tanto, né?! Tem algo em gibis mais curtos que me fascina sobremaneira, porque muitas vezes são esses que mais alugam um espaço considerável em minha mente depois que são lidos. E você, tem algum gibi desse tipo para indicar? Deixe nos comentários!

Deixe um comentário

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Após semanas de ausência on-line e muito trabalho off-line, é chegada a hora de retomar os trabalhos nesta humilde newsletter.

Como você deve saber, está aberto o período de Copa do Mundo, a maior competição esportiva do planeta. Futebol e Histórias em Quadrinhos são meus dois assuntos preferidos na vida, então, nada melhor do que falar sobre ambos no artigo de hoje, quando estamos sendo agraciados com vários jogos entre seleções a longo de todos os dias da semana.

Por sinal, estou em contagem regressiva para a próxima semana, quando entrarei de férias no serviço e poderei programar minha rotina para ler gibis e assistir aos jogos de forma intercalada durante de uma semana inteirinha. Torçam por mim!

Subscreva agora

Afinal, dá jogo entre futebol e quadrinhos?

O futebol é o esporte mais popular do planeta e mobiliza as massas há décadas por toda parte do mundo. As razões para seu poder de envolvimento são muitas, difusas e complexas, mas considero que seu principal atrativo é conseguir condensar em 90 minutos muitos dos dilemas e sensações que marcam a existência humana. O mesmo ocorre, não por acaso, com boas histórias, sejam elas narradas em filmes, séries, livros ou quadrinhos.

Dito isso, já se perguntou por qual razão é tão difícil vermos boas transposições do futebol para o campo das artes? Já me deparei com boas representações de esportes diversos em diferentes mídias, mas o futebol sempre soa artificial e pouco relacionável quando transposto para narrativas ficcionais.

Por se tratar de um esporte coletivo que se constrói a partir de placares baixos e de uma relação bem mais dramática na tensão entre erros e acertos, o futebol sempre foi exemplar em capturar uma miríade infindável de nuances da vida, condensando ao longo de suas partidas um choque constante de imprevisibilidade com a dramaticidade inerente ao que experimentamos no decurso de nossas vidas.

Não por acaso, o futebol é o esporte coletivo que mais comumente contraria previsões e se abre ao imponderável, não sendo incomum vermos times melhores perdendo para times piores, jogadores de nível inferior encontrando meios de vencerem suas dificuldades para sobrepujarem adversários de nível superior, seja técnico, físico ou mental.

A facilidade com que o futebol encontra meios de flertar com o épico durante 90 minutos não é artigo que se encontre fácil por aí. O empate entre a mega favorita Espanha e a estreante Cabo Verde hoje cedo (15/06) não me deixa mentir…

Portanto, dadas as circunstâncias que o tornam tão fascinante, me parece natural a dificuldade na captura da magia do futebol por si só em uma narrativa ficcional. Não diria que se trata de uma tarefa impossível ( pois ainda nutro a fé de que há de surgir uma grande narrativa, em qualquer mídia, que trabalhe o futebol da forma que ele merece), mas os componentes que tornam o futebol um esporte tão magnético e rico em sua capacidade de representar a vida e contar histórias são justamente os elementos que dificultam que a ficção consiga competir nessa seara.

Afinal, o imprevisível e o imponderável que norteiam os rumos de uma partida de futebol e mobilizam paixões são características intrinsecamente ligadas com os fios do tempo real, fatores que não se consegue reproduzir com tanta exatidão em uma narrativa inventada.

Ao trazer os quadrinhos para o centro do debate, logo me vieram a mente alguns exemplos de gibis nacionais que conseguem fazer um bom uso do futebol em suas páginas, ainda que sem explorar os fatores acima elencados.

Em Saudações vascaínas, conto que integra a HQ antológica Algumas de suas verdades ainda moram em mim, de Alexandre S. Lourenço, temos uma história sobre um pai e um filho que se encontram para assistirem aos jogos do Vasco da Gama juntos.

Há uma entrevista muito interessante do com o na VIRAPÁGINA em que são discutidos os pormenores da estrutura quadrinística da história e seu peso emocional para o autor. Recomendo a leitura, por óbvio, e por isso não me alongarei sobre os pontos que eles já discutiram ali.

VIRAPÁGINA

109: SAUDAÇÕES VASCAÍNAS

Read more

a year ago · 43 likes · 4 comments · Érico Assis

Chama a atenção nessa HQ como o futebol é um catalisador emocional e construtor de memórias poderosas para as pessoas. Na trama, o esporte funciona como eixo de conexão entre pais e filhos, dirimindo muralhas emocionais e diferenças entre ambos, os aproximando ao longo da duração de uma partida, preenchendo os silêncios e os traumas de parte a parte.

A HQ começa com o pai recebendo o filho para o encontro semanal de ambos com o Vasco da Gama diante da tela da TV. A partir daí, o jogo tem início, mas não é mostrado em cena, pois na verdade não tem importância para aquele momento, sendo mero subterfúgio para que os dois homens tenham um momento de comunhão no meio da semana, em uma busca por reconexão com prazo definido para começo e término periodicamente.

Há uma sequência espetacular que narra silenciosamente um gol de Roberto Dinamite, marcado provavelmente durante os anos 1970 ou 1980. Ela se desenvolve sem requadros visíveis na página, mas facilmente discerníveis quando lidos em sequência, dado que funcionam como frames congelados de uma sequência fílmica em câmera lenta, capturando todos os movimentos e gestuais típicos de uma partida de futebol.

O último requadro traz o momento em que o ídolo vascaíno converte seu gol, e é aí que o entrelaçamento característico das Histórias em Quadrinhos entra em cena, mesclando temporalidades distintas em seu eixo diegético para compor emocional e espacialmente uma sequência pungente e esclarecedora.

Enquanto temos Dinamite correndo para comemorar o gol com os seus em um plano, temos pai e filho comemorando o gol que o Vasco marcou no presente da narrativa em outro. O gol que eles agora celebram, marcado em uma época menos gloriosa do que foi aquela em que o ídolo de pai e filho vestia a camisa com a cruz de malta no peito, traz o despertar de uma divagação que define a trama de forma cristalina.

O Dinamite rememorado, então, assume uma voz que pode ser tanto do protagonista quanto do pai, dada a memória que traz consigo para ambos.

Há o Vasco da Gama, entidade esportiva centenária e multicampeã de desportos, e há o Vasco, motivador da aproximação temporária de duas pessoas que comungam laços familiares permeados de uma vivência marcada por perdas e distanciamentos mútuos. Entre o delinear de uma jogada de gol e o transcorrer dos instantes seguintes, se desenvolve a reflexão sobre o peso que essa vinculação apresenta na vida do homem e de seu pai.

Esse ciclo parece angariar claudicantes passos de continuidade quando, ao final da história, o protagonista chega em casa, calado e parecendo se sentir sem lugar, e coloca seu filho recém-nascido para dormir com a mesma saudação que recebe do pai (e que dá nome ao conto).

O anseio que fica é que ele consiga, ao menos com o futebol, um meio de se conectar com o filho, temendo que este se sinta tão distante e diferente do pai quanto ele se sente em relação ao seu.

Desse modo, temos o futebol em evidência nessa HQ, tanto com a fisicalidade e leveza de seus movimentos como com a dimensão de interioridade que ele cria ao vincular afetos e lembranças com distinção ímpar. Ao repassar diferentes momentos da relação entre pai e filho, temos a presença inescapável do futebol como marco na vida de ambos, como um lugar seguro no qual ambos conseguem se amar se conectar profundamente, sem o peso dos erros e omissões de toda uma vida.

Partilhar

Em Luzes de Niterói, temos a história do jovem jogador de futebol Helcio, que passa por um dia de cão antes de um jogo importante contra o supracitado Vasco da Gama, defendendo as cores do Canto do Rio, clube de Niterói. Já falei dessa HQ por aqui no final do ano passado, então quero me focar menos na totalidade do enredo e mais no papel que o futebol exerce na HQ propriamente dita.

Como muitos jovens do país, Helcio representa o arquétipo do jovem que sonha em fazer carreira no futebol. Vivendo em uma era de futebol semiprofissional, os atletas dessa época trilhavam um caminho bem distinto dos jogadores atuais para conseguirem vencer no esporte, sem atingirem 1/10 do status socioeconômico que os jogadores adquiriram na contemporaneidade.

Através de flashbacks, o autor reconstitui a breve história do protagonista no futebol, demarcando os percalços que Hélcio enfrentou até chegar naquele momento, desde os tempos em que o jovem ainda era atleta do time da Cia. Manufatora Fluminense de Tecidos até se transferir para o Canto do Rio Foot-Ball Club, time tradicional da cidade de Niterói.

Ao tentar a sorte no Canto do Rio, ele anseia fugir do trabalho no chão de fábrica, de uma vida tensionada e controlada pelo autoritarismo alheio, vislumbrando em seu mérito uma chance de sucesso. Não há romantismo na visão do protagonista quanto ao esporte, ainda que a forma com que ele encontra para se destacar dentro de campo seja um espelho da forma com que luta para conseguir vencer seus obstáculos fora dele, com ousadia e impetuosidade diante das dificuldades.

Dessa forma, a rememoração do protagonista se dá em paralelo aos eventos do presente diegético, enquanto Hélcio tenta desesperadamente voltar à superfície, na medida em que seu fôlego celeremente se esvai ao mergulhar fundo em busca de um peixe específico pelo puro ímpeto juvenil de superar desafios e se provar.

Em meio ao caos de um destino quase fatal, o jogador entra em um fluxo de pensamento, conduzido pelo narrador onisciente e intrusivo quintanilhesco, relacionando o perigo instantâneo com as tribulações que enfrentou até se estabelecer como um atleta iniciante, mas promissor, no prestigiado clube da cidade.

Ao longo de Luzes de Niterói, a jornada de Helcio é profundamente impactada pelo futebol, seja de forma alegórica ou de forma factual. Curiosamente, há nessa história dois leitmotivs futebolísticos distintos que já apareceram anteriormente na obra de Quintanilha: o teste no Fluminense cancelado por conta do suicídio de Getúlio Vargas e a busca pelo sucesso no futebol que ofusca o desejo pela intimidade e pela segurança de casa, vistos respectivamente nos contos Fealdade de Fabiano Gorila e De pinho, reunidos no álbum antológico Alimenta estes olhos.

Portanto, quando penso nesses gibis, me dou conta de que ambos são bem-sucedidos em sua abordagem do futebol justamente por conseguirem trabalhá-lo de forma secundária, como pano de fundo para a construção de seus personagens e suas relações, como um coadjuvante que atua muito mais pelo impacto que causa a nível de subjetividade.

Ora, não me parece ser possível emular a imprevisibilidade do caos futebolístico em um dispositivo narrativo que parte de uma imobilidade panóptica como princípio ontológico, então, a alternativa que há para que a mágica do futebol seja capturada e sequencializada entre requadros se dá pela capacidade que os quadrinhos possuem de transmitir sensações, sugerindo conexões e entrelaçando planos discursivos e temporalidades, construindo o mais próximo que poderíamos ter de uma recordação compartilhada e de sensorialidade plural.

Bem, no frigir dos ovos, é isso: Futebol é foda. Quadrinho também. Quando ambos se encontram, dá pra sair ganhando de goleada.

Breves comentários sobre minhas leituras do momento:

• Ao longo dessas semanas ausente por aqui, reli os cinco primeiros encadernados de SAGA e posso reafirmar categoricamente que todos os elogios que já fiz sobre essa HQ não são suficientes pra mensurar o quão boa ela é;

• Sigo naquele intento de me atualizar com os gibis de supers dos últimos anos, então andei maratonando uma leva de HQs como Doutor Estranho, Guardiões da Galáxia, Justiceiro, Absolute Batman, Absolute Superman, Batman & Robin: Year One, JSA e Batman - Superman: World’s Finest;

• Li New History of the DC Universe e entendi a proposta atual da editora ao tentar recontar sua cronologia de forma menos bagunçada, o que obviamente só gerou mais bagunça e algumas distorções que considero inadmissíveis;

• Finalizei a leitura da fase de Nick Spencer em The Amazing Spider-Man, e agora posso reclamar com propriedade. Já dei início à leitura da fase de Zeb Wells pra repetir a dose de resmungos direcionados às escolhas desse roteirista. Em breve chego na fase Joe Kelly pra dar sequência ao fluxo.

Tô quase naquele limiar em que enjoo das HQs de Marvel e DC por uns tempos e retomo a leitura dos gibis autorais. Não precisarei avisar quando isso acontecer, pois haverá sinais por aqui.

Deixe um comentário

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Na última semana, o ReadComicsOnline, a Biblioteca de Alexandria dos gibis norte-americanos, caiu.

Com ele, sumiu da rede do dia pra noite um acervo gigantesco de quadrinhos que não estão disponíveis em nenhum outro lugar, em nenhum outro formato, físico ou digital, bem como todo o arcabouço de gibis atualmente em publicação nos EUA.

No momento em que esse artigo foi redigido, o site voltou ao ar, após quase uma semana off, mas não é possível garantir que ele continuará funcionando por muito tempo.

De qualquer modo, esse breve período de ausência trouxe à baila um assunto que muita gente na gibisfera foge de debater de forma sincera: a pirataria. A disponibilidade de gibis pirateados nas redes não surgiu ontem, é um fato de conhecimento público e até mesmo quadrinistas já recorreram ao site em questão para apresentarem páginas de seus trabalhos nos debates on-line com a comunidade de leitores.

A pirataria de gibis é o elefante na sala da gibisfera global, e muita gente não consegue – ou não quer – tratar do assunto de forma ampla e aprofundada, sem falso moralismo. Curiosamente, coube a um profissional da indústria, o quadrinista indiano Ram V, apresentar aquele que considero o melhor posicionamento possível sobre o tema.

Caso você não tenha uma conta no Twitter, dá pra ler a thread inteira escrita pelo quadrinista por aqui. Se estiver utilizando o navegador e não consiga ler em inglês, dá para clicar na opção de traduzir os tweets.

Autor de HQs como The Many Deaths of Laila Starr e Rare Flavours, além de escrever uma série de gibis para DC e Marvel, como The Swamp Thing, New Gods e Venom, Ram V discorre nessa thread sobre suas origens, sua formação como leitor e quadrinista para então incidir o olhar sobre a natureza caótica da cultura de gibis, destacando a origem contracultural e disruptiva do meio, para então fazer um contraponto entre os problemas da indústria dos quadrinhos com a pirataria e a forma com que esta trata os quadrinistas, que são a mão de obra que sustenta esse prédio em pé.

É interessante pontuarmos aqui que nos dias que se seguiram, surgiram reações extremadas aos tweets de Ram V. Muitos estadunidenses reagiram negativamente, com argumentos do tipo “se quer ler é só comprar” ou “se não tem dinheiro pra pagar, não leia”, enquanto leitores de outros países saudaram suas declarações e o trataram como um ícone pró-pirataria.

Essa distinção de visões não é por acaso, há questões geopolíticas diretamente relacionadas à forma com que públicos tão distintos enxergam uma mesma argumentação.

Tudo tem três lados…

Ram V, é oriundo de um país de terceiro mundo e, como tal, sabe que a vida real não funciona sob diretrizes tão maniqueístas, que a dinâmica basilar do capitalismo não consegue dar conta das particularidades de cada ponto do globo e que há tons de cinza bem evidentes quando tratamos desse assunto.

É interessante quando ele pontua que a pirataria não é boa ou ruim, ela apenas é.

Ela existe, faz parte do sistema tal como está posto e não pode ser vista nem como a heroína de leitores sem dinheiro nem como a vilã que tira grana das editoras. Não somente. Existem diversos ângulos que podemos observar ao tratarmos dessa questão, e considero que o pior possível é o que reside nos absolutos.

O leitor mais assíduo de gibis sabe que semanalmente saem centenas de novas single issues no mercado estadunidense. Assim, nas quartas-feiras, as comic shops de lá são invadidas por novas edições de séries dos mais diferentes segmentos, para além de Marvel e DC, a preços que não atingem os dois dígitos em dólares.

É um sistema que funciona há décadas, com alguns avanços em novas práticas aqui e acolá (vide a consolidação dos TPBs nas lojas virtuais ao longo da última década), mas mantendo uma estrutura já cristalizada e difundida de um mercado plenamente solidificado e desenvolvido durante décadas a fio. A realidade deles em nada se compara com a dos demais mercados do planeta.

No mesmo dia em que novos quadrinhos chegam às comic shops por lá, determinados sites de lá são alimentados com esses mesmos gibis, sendo acessados por milhares de leitores mundo afora.

E assim, a roda gira, com mais gente descobrindo HQs que de outro modo não conheceriam, seja por restrições orçamentárias ou mesmo falta de interesse em pagar pra ver. Muitos retornam a esses quadrinhos somente por meio de sites piratas, mas muitos passam a se tornar leitores consumidores dentro das vias legais.

O start, contudo, por vezes se dá a partir desse movimento fora das regras.

Desafinando o coro dos contentes…

Aqui no Brasil, tal como na Índia de Ram V, a existência de comic shops não é tão comum. Compro quadrinhos há uns 25 anos e a única loja do tipo que conheci aqui em Juiz de Fora fechou as portas há 4 anos. Desde então, não soube de nenhuma outra a surgir nas redondezas.

Segundo o Smartscrapers, existem cerca de 265 lojas físicas de quadrinhos no país, e quase metade delas se encontram em São Paulo. O país tem mais de 5500 cidades. Considerando as dimensões continentais do Brasil, não é preciso ser um gênio pra perceber que esse quantitativo de lojas não poderia dar conta de cobrir toda a extensão territorial do país.

Algumas editoras e comic shops até vendem suas HQs diretamente, mas o custo do frete pode por vezes igualar o valor do gibi em questão, dependendo do local de entrega pretendido. Assim, o leitor de quadrinhos no Brasil dificilmente consegue fugir da Amazon e sua já consolidada rede de distribuição como principal via de acesso legal a gibis.

Morando na Zona da Mata mineira, ao longo da infância e adolescência, comprei meus gibis em bancas de jornal. O diálogo com o jornaleiro era crucial para garantir que no mês seguinte a edição que eu queria seria disponibilizada ali. Eu não fazia ideia de quantos % do leque de quadrinhos disponíveis da época chegavam às prateleiras da banca. Nem sabia que existia um mercado possível para tal, só via Marvel, DC e mangás rivalizando com Turma da Mônica e Disney no canto reservado para gibis, e olhe lá.

A chegada das lojas virtuais foi crucial para expandir meu leque de acesso a quadrinhos diversos, pois passei a conhecer a uma gama de HQs que não encontrava nas bancas da minha cidade e nem fazia ideia que existiam. Saraiva, Fnac, Cultura e Amazon foram fundamentais para a expansão de meus horizontes de sensibilidade enquanto leitor, assim como o foram, admito, alguns sites que disponibilizavam gibis piratas.

Essa realidade que relatei aqui é semelhante à de muitos outros leitores espalhados pelo Brasil e pelo mundo. Possivelmente, a sua também não foge muito desse caminho. Na falta de acesso a comic shops ou mesmo a bancas de jornal e/ou lojas on-line, qual seria o outro meio que uma boa parte de leitores poderia recorrer para acessar os gibis se não existissem sites como o ReadComicsOnline?

Atire a primeira pedra aquele que em algum momento não recorreu a esse método, diante da impossibilidade de ler algum gibi que queria muito e não tinha como adquirir. Não há como lidar com o problema fingindo que ele não existe e não soluciona certas demandas, ainda que por vias não ideais.

É fácil dizer “é só pagar” quando temos disponibilidade financeira para tal. Quando era estudante, mal tinha dinheiro pra tirar xerox diariamente ou comprar o lanche do dia, como poderia enfiar gibis em um orçamento tão paupérrimo?

O tempo passou, a vida aconteceu, comecei a trabalhar e isso me permitiu manter um volume considerável de gibis em casa, mas não consigo esquecer de quando tudo era mais difícil e eu era só um estudante querendo conhecer mais, aprender mais, mesmo sem ter condições para custear esse desejo.

É por ter essa autoconsciência que não me sinto bem de pensar que tem gente que queria ler gibis e não consegue pagar por isso. Por razões assim que considero o tema uma zona acinzentada, tendo claro em mente as implicações levantadas por cada lado dessa balança.

Também por isso fiquei muito satisfeito com o lançamento do MEC Livros, que mencionei aqui:

Vícios e virtudes…

Como disse alguns parágrafos acima, tem gente que diz que a pirataria funciona como uma porta de acesso aos gibis, assim como tem uma galera que alega utilizá-la como um filtro antes de se decidir sobre quais gibis comprar – na impossibilidade de comprar todos os quadrinhos desejados –. De igual modo, há sempre uma parcela de pessoas que diz que jamais irá pagar para ler HQs. Cada um tem um grau de envolvimento e de linha ética, afinal.

Diante disso, o que as editoras precisam fazer? Tentar extirpar a pirataria do jogo ou utilizá-la a seu serviço, sabendo que nem todos poderão comprar todos os gibis que estão sendo disponibilizados, considerando daí fisgar potenciais compradores?

Nesse sentido, como as editoras podem subverter a subversão a seu favor sem estimular o consumo ilegal, desvalorizando seu próprio produto? Talvez seja o caso de fazer vista grossa e fingir que eles não existem, ao menos enquanto servirem de algum modo para a difusão dos gibis e dos profissionais envolvidos?

Sem ter em mãos dados que legitimem uma argumentação bem embasada, não me considero apto a sugerir qualquer solução para esse dilema e por isso apenas especulo. Ram V, por sua vez, me parece ter mais acesso aos números de vendas, acessos e valores pagos do que qualquer um de nós que está fora desse jogo, por isso considero pertinente saber o que ele tem a dizer.

Subscreva agora

O posicionamento dele é interessante sobretudo por trazer a perspectiva de um quadrinista apaixonado pelo meio que assume preferir o lado dos leitores a defender o interesse das editoras, mesmo sabendo que, dentro da ética de mercado, essa não é a postura mais aconselhável a se tomar.

O ponto-chave na fala do quadrinista indiano é: antes de se ver como um profissional, ele se vê como um leitor, e como tal, prefere torcer para que mais pessoas leiam gibis do que pensar nos lucros e dividendos das editoras.

Ram V chega a mencionar, inclusive, que muitos de seus quadrinhos autorais foram pirateados e isso ajudou a divulgar seu nome entre o público, aumentando seus ganhos de modo incidental, dado que mais leitores passaram a comprar seus gibis após lê-los de forma pirateada.

Certamente existem os profissionais da indústria que não enxergam essa dinâmica de forças da mesma forma, e que, se questionados, sairão em defesa das editoras e se posicionarão contra quem está acessando seus trabalhos de forma ilegal. Convenhamos, não dá pra dizer que esses profissionais estão errados em seus posicionamentos né?!

Dito isso, em pleno 2026, não dá mais para fingirmos que a pirataria não está presente, de uma forma ou de outra, na comunidade gibizeira de modo geral. Não será demonizando-a que os problemas da indústria serão solucionados, então é preciso que o assunto seja discutido de forma mais realista e menos idealista, tanto para um lado quanto para o outro.

Partilhar

Breves comentários sobre minhas leituras do momento:

• Se você leu o artigo da semana passada, sabe que comecei a releitura de SAGA, de Brian K. Vaughan e Fiona Staples. O gibi é ainda melhor do que eu me lembrava. O capítulo um, equivalente aos “episódios piloto” das séries televisivas, reúne tudo que faz dessa HQ sucesso de público e crítica há tantos anos.

• Dei uma passada na casa dos meus pais, onde se encontra boa parte da minha biblioteca que não coube no meu apartamento, e peguei alguns encadernados Marvel que estavam por lá e que eu ainda não havia lido, como a fase de Mark Waid escrevendo o Doutor Estranho e algumas mensais do Homem-Aranha ainda de quando ele era escrito pelo Nick Spencer. Intercalar esses gibis com SAGA é o tipo de relação que só beneficia a HQ da Image.

• Tô uns cinco anos atrasado e quero ficar em dia pra poder reclamar com propriedade dos rumos que a editora vem dando pro meu personagem favorito, então não vejo a hora de finalizar a fase do Spencer, pra ler a do Wells e então acompanhar a fase escrita pelo Joe Kelly. A fase do Waid escrevendo o Doutor Estranho é esquecível, só vale pelo primeiro e pelo último encadernados, por isso não me espanto em saber que os próximos encadernados são os que contam a morte do personagem. Deixei estes na estante esperando, daqui uns dias sento e leio.

• Vi muita gente odiando o segundo arco de Jason Aaron á frente de Absolute Superman, mas não entendi bem o que motivou a galera a reclamar tanto. Tenho lido uma single issue aqui e outra acolá quando sobra um tempinho, cheguei na edição 11 e até aqui gostei bastante da abordagem proposta pelo roteirista. Não tá no meu Top3 de favoritos da linha Absolute, mas ainda considero um bom gibi.

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Na primeira quinzena de abril, Brian K. Vaughan publicou em sua newsletter, a Exploding Giraffe, um bate-papo curtinho e muito interessante com Fiona Staples. Na conversa, a dupla criadora de SAGA fala sobre a série e também sobre outros tópicos correlacionados. É jogo rápido e vale muito a leitura.

Exploding Giraffe

FIONA STAPLES talks SAGA with BKV

Well, this isn’t the update I was planning to write this week…

Read more

5 months ago · 124 likes · 486 comments · Brian K. Vaughan

No momento, SAGA está em hiato, pois Fiona está trabalhando em uma graphic novel própria. BKV, por sua vez, menciona estar escrevendo aquela que ele acredita que será sua última série contínua de quadrinhos, enquanto espera Fiona ficar livre para voltar a desenhar SAGA. De acordo com o roteirista, a HQ retorna com novo arco nos EUA ainda em 2026, ou seja, em 2027 teremos mais um volume da série chegando ao Brasil, provavelmente.

O ponto que mais me chamou a atenção nessa conversa, porém, está logo no começo e fala mais sobre o passado do que sobre o futuro. Ao longo do papo, a dupla comenta sobre o vindouro lançamento da quarta Deluxe Edition da série, que reúne os volumes 10-12, e discorre sobre a longevidade de SAGA.

Nesse sentido, BKV discorre sobre como o passar do tempo modifica os personagens e a forma como os próprios autores se transformam durante o avançar dos anos. Fiona se tornou mãe há um tempinho, já durante seu trabalho na HQ, e essa transformação em sua vida pessoal mudou a forma com que ela enxerga seu processo criativo.

A desenhista menciona, inclusive, que gostaria de poder redesenhar os primeiros seis volumes de SAGA a partir de suas experiências recém-adquiridas na maternidade, assimilando as referências que adquiriu no mundo real para transpor para o fantástico universo ficcional que ela e BKV criaram.

Quando Brian e Fiona começaram a trabalhar em SAGA, em idos de 2011, a filha do roteirista era ainda recém-nascida, e ele revela que tinha planos, caso a série fosse bem-sucedida, de fechar a história em 18 volumes, de modo a acompanhar a vida da personagem Hazel desde o nascimento até a chegada à idade adulta.

O que ele não poderia prever, contudo, é que SAGA seria tão longeva, e que, a julgar pelo planejamento de seus criadores de finalizar a história em 108 edições mensais – diluídas entre hiatos recorrentes –, a série acabará durando aproximadamente dezoito anos de fato, se encerrando em exatos dezoito volumes.

Parece que a série deu certo, não é mesmo?!

Tempo Rei (2)

Era uma quinta-feira qualquer, ali por volta de 2015, quando acordei pela manhã com a campainha tocando: era o entregador trazendo uma encomenda da hoje em dia extinta FNAC Brasil.

Nela, se encontrava um encadernado de uma série então nova no mercado, já aclamada nos EUA e muito comentada na gibisfera BR: SAGA - Volume 1, de Brian K. Vaughan e Fiona Staples. No boca a boca geral, havia todo aquele papo de “Romeu e Julieta + Star Wars” que todo mundo dizia quando queria explicar do que a HQ se tratava, mas eu não estava MESMO preparado pro que estava por vir.

Na edição que tinha em mãos, havia um pequeno dano na parte superior da capa, porém, eu estava ansioso demais para ler e com paciência de menos para fazer aquele protocolo chato de troca-devolução-reenvio de um novo exemplar da HQ, então resolvi sentar e pegar pra ler.

Nada mais foi como antes desde então.

SAGA virou um dos meus gibis favoritos da vida. Sempre e recusei terminantemente a ler qualquer capítulo de forma antecipada em scan, para poder sentir o frisson do ineditismo a cada novo volume físico lançado aqui no Brasil. O volume 9, que marca a metade da série, é também um dos gibis que mais me fizeram chorar ao longo de todos esses anos como leitor.

A primeira frase da primeira edição de SAGA, já Hazel atuando como narradora de sua própria vida, virou epígrafe da minha tese de doutorado.

Com o longo hiato que se seguiu após o catártico encerramento desse nono encadernado, acabei perdendo o timing de leitura que havia mantido com SAGA desde o volume 1. De acordo com os dados do excelente Guia dos Quadrinhos, o volume 9 saiu por aqui em outubro de 2019, enquanto o volume 10 chegou somente em fevereiro de 2023. Muito tempo, não é?!

Devido ao gap de anos sem novas edições, eu havia então decidido deixar acumular mais edições de SAGA para futuramente lê-las em sequência, maratonando, mas a entrevista que menciono no começo desse artigo vem martelando em minha mente e reacendeu um desejo que periodicamente me bate: revisitar os volumes iniciais da HQ e engatar na leitura dos volumes 10, 11 e 12 mesmo sem perspectiva de um encerramento para a série num futuro próximo. Começarei muito em breve.

Percebi que assim como os autores e seus personagens se transformam com os anos, eu também me transformei. Muita coisa mudou do cara que recebeu o primeiro encadernado de SAGA lá em 2015, ainda na casa dos pais, para o cara que recebeu o décimo segundo volume em seu apartamento, 11 anos depois. Me casei, graduei, mestrei e doutorei, quase morri algumas vezes, mas sobrevivi e segui em frente para contar e ler histórias. Quero reler tudo e ver como a série me impacta, tantos anos depois.

SAGA começou a ser publicada pela Image Comics no começo de 2012. De lá pra cá, tanta coisa aconteceu no mundo que nem dá pra começar a listar. Tanta gente nasceu e morreu desde então. Muitas pessoas não estarão mais aqui e não conseguirão acompanhar o encerramento da história de Hazel, quando BKV e Fiona Staples enfim fecharem a última página do 108º capítulo de SAGA. É, a vida acontece, mas a morte também. O tempo é implacável.

Assim, diante das inúmeras imprevisibilidades às quais estamos sujeitos no decorrer da vida, concluí que ficar esperando o encerramento de uma série longa para só então lê-la é uma bobagem sem tamanho, e não quero tornar a repetir esse erro, nem com SAGA nem com nenhuma outra série que porventura me interesse.

Em tempos tão corridos como os atuais, dominados que somos pela ansiedade e pela correria do dia a dia, quando tudo é pra ontem e queremos tudo de imediato, esperar os capítulos novos de uma HQ interessante é até mesmo uma forma bacana de exercitar a paciência.

Top 5 Hiper-Requadros:

• “The Punisher #04”, por Matthew Rosenberg, Szymon Kudranski, Antonio Fabela e Cory Petit.

• “Absolute Batman #14”, por Scott Snyder, Nick Dragotta, Frank Martin e Clayton Cowles.

• “The Punisher #07”, por Matthew Rosenberg, Szymon Kudranski, Antonio Fabela e Cory Petit.

• “Guardians of the Galaxy #02”, por Donny Cates, Geoff Shaw, Marte Gracia e Cory Petit.

• “The Punisher #01”, por Matthew Rosenberg, Szymon Kudranski, Antonio Fabela e Cory Petit.

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Na última semana, falei longamente sobre O Imortal Hulk e também discuti alguns aspectos característicos do gênero de super-heróis, que se mantém há tantas décadas com uma macronarrativa longeva e contínua.

Pelas mesmas razões, o gênero cativa seus leitores antigos e fiéis, mas afasta potenciais novos leitores diariamente.

Mas o que acontece quando o leitor assíduo de super-heróis quer dar um tempo deles, ou mesmo expandir seus horizontes gibizísticos? Que tipo de HQ pode satisfazê-lo nessas “horas vagas”? E o potencial novo leitor de gibis, que não curte supers de jeito nenhum, mas quer conhecer mais sobre Histórias em Quadrinhos?

Tendo isso em mente, resolvi trazer no artigo dessa semana uma pequena lista com dez indicações de gibis que servem tanto para quem quer fazer um detox de Marvel e DC quanto para quem quer começar a ler mais Quadrinhos.

Gosto muito de receber e dar indicações de gibis, pois dessas trocas de sugestões sempre podemos encontrar preciosidades que por algum motivo fugiram de nossos olhares num primeiro momento. Vamos lá?!

Fade Out

Se você acompanha essa newsletter há um certo tempo, já sabe que sou devoto de Ed Brubaker e Sean Phillips. Desse modo, seria redundante ficar aqui repetindo os elogios que já tantas vezes fiz sobre o trabalho da dupla em seus gibis autorais.

Em The Fade Out, publicado no Brasil pela Editora Mino e traduzido por Dandara Palankof, um roteirista frustrado se vê envolvido na morte de uma atriz e precisa descobrir o que aconteceu antes que seja responsabilizado por esse crime.

Brubaker e Phillips trabalham com a histeria anticomunista que dominou os EUA pós-segunda guerra mundial, espiralando os acontecimentos em um grande efeito cascata numa Hollywood permeada pela corrupção e pela ambição.

Considero esse gibi uma boa indicação por causar menos estranhamento ao leitor de supers, até mesmo estilisticamente, já que ainda se mantém dentro do padrão da cena estadunidense e é feito por dois autores com lastro nos gibis de Marvel e DC, o que os torna familiares para quem só lê HQs desse gênero.

É um bom desmame, por assim dizer.

Sábado dos meus amores

Há algo de incrível no trabalho de Marcello Quintanilha, que salta aos olhos desde seus primeiros álbuns: a facilidade com a qual ele consegue representar a realidade cotidiana do brasileiro.

Em Sábado dos meus amores, tal característica se evidencia sobremaneira, através dos seis contos que compõem o formato antológico dessa premiada HQ publicada pela Conrad (e depois republicado pela Veneta na antologia Alimenta estes olhos) e que é essencial para a compreensão das mazelas e contradições que forjam o tecido social do Brasil, um espelho que mostra facetas do país que por vezes são apagadas e silenciadas pelos discursos hegemônicos.

O olhar apurado de Quintanilha atravessa as décadas e a extensão territorial nacional para entregar histórias ambientadas nos mais diferentes cantos do Brasil, sem perder de vista o foco na vivência do cidadão comum, pertencente em sua maioria às classes periféricas.

A narrativa visual de Quintanilha aposta em um traço realista, refinado, firme e potencializado pelo virtuoso uso de aquarela na colorização. Dono de um apurado senso estético, o autor dialoga com o neorrealismo italiano e com a ficção brasileira contemporânea, exibindo um poder de síntese e de crítica social não só brilhante como necessário.

Indicar Quintanilha é uma tarefa fácil, pois seus trabalhos são de leitura fácil e identificação instantânea. Sabe a chamada “bola de segurança”? Pois é…

Asterios Polyp

No dia em que completa meio século de vida, o melancólico arquiteto e professor Asterios Polyp vê sua casa pegar fogo. Desnorteado pelo ocorrido, ele parte sem rumo e sem destino, sem saber direito o que esperar dali pra frente.

Nessa jornada insólita, Asterios entra em uma típica crise de meia idade, refletindo sobre sua vida e suas escolhas, enquanto parte rumo ao interior, experimentando uma faceta da vida que ainda não conhecia.

Publicado pelo selo Quadrinhos na Cia, da Cia das Letras, e traduzido por Daniel Pellizzari, Asterios Polyp é a obra-prima de David Mazzucchelli, que boa parte dos leitores de Marvel e DC provavelmente conhecem dos trabalhos em Demolidor e Batman.

Dispondo de uma estrutura narrativa não linear e fragmentária, narrada pelo gêmeo natimorto do protagonista, Mazzucchelli vai e volta entre o passado e o presente da história para mostrar o já taciturno Asterios em contraponto à sua vivacidade e soberba típicas da juventude.

Mazzucchelli explora as possibilidades que a narrativa gráfica lhe confere, trabalhando ângulos, estilos e composições de cena num jogo de sofisticadas metáforas verbo-visuais, entregando uma obra inventiva, dramaticamente equilibrada e tecnicamente brilhante.

Sabe o tipo de HQ que ao final te dá aquela sensação de “valeu a pena gastar meu tempo lendo isso aqui”? Asterios Polyp é exatamente esse tipo de gibi.

Rugas

Emílio levava uma vida pacata como gerente de banco, criando seus filhos e atendendo seus clientes, enquanto via o tempo passar. Tudo ia bem, até o momento em que o tempo deixou de correr e passou a se repetir na mente de Emílio.

Atingido pelo Alzheimer, ele é levado por seus familiares a um asilo para passar seus últimos anos, e nesse lugar procura encontrar um novo jeito de viver, conhecendo outros idosos e descobrindo histórias que o tempo, sempre ele, insiste em apagar.

Junto de seu companheiro de quarto Miguel, Emílio precisa lidar com a aceitação do passar do tempo, com a chegada da velhice e o iminente fim da vida, buscando sentido para o que lhe resta de tempo, ressignificando sua visão de mundo no processo.

Em Rugas, publicada pela Devir e traduzida por Marquito Maia, o quadrinista espanhol Paco Roca apresenta uma HQ inspirada e carregada de sentimento sobre vida, morte, envelhecimento e o passar do tempo.

É um gibi de leitura bem tranquila, tão bonita quanto pungente, daquelas que te deixam a pensar durante um bom tempo.

Sob o solo

Dois soldados entram em um bunker para fugir desesperadamente da guerra. Um deles está ferido, enquanto o outro tenta sucessivamente contato com o mundo exterior. Confinados e desprendidos de qualquer referência de tempo, espaço ou algo que o valha, esses dois homens encaram uma experiência claustrofóbica, intensa e transformadora, levados a encarar o "real" sob um novo prisma.

Em Sob o solo, Bianca Pinheiro e Greg Stella desenvolvem um thriller psicológico minimalista, apostando em uma narrativa perturbadora e intimista. Sem maiores informações, somos apresentados a personagens feitos de palitinhos, sem rosto e visualmente bidimensionais, numa estrutura de painéis que oscila na diagramação de modo a conduzir, de forma ritmada, o fluxo narrativo.

A escolha por um aspecto visual genérico para os personagens se mostra acertada na medida em que essa artimanha permite que o tom alegórico do roteiro se imponha em meio ao entrelaçamento soberbamente realizado pela dupla de autores. Por trás da aparente simplicidade se esconde uma história pesada, densa e que aos poucos se descortina de modo visceral, mesmo sob uma representação visual tão econômica quanto brilhante.

Essa HQ é boa demais e deveria ser mais conhecida, sobretudo por mostrar o quão rico de possibilidades é o quadrinho nacional.

Intrusos

Em Intrusos, HQ publicada pela Nemo e traduzida pelo , o multipremiado quadrinista norte-americano Adrian Tomine apresenta uma série de contos independentes entre si, mostrando diferentes facetas do cotidiano norte-americano.

Alternando as histórias, Tomine modifica também o estilo de sua arte a cada conto, ainda que seu desenho penda para uma óbvia influência da linha clara franco-belga e do indie noventista norte-americano, apresentando clareza, limpidez e dinamismo como elementos basilares de sua narrativa visual.

Muito do que o autor quer dizer não se encontra verbalizado na superfície de cada conto, de modo que cabe ao leitor a tarefa de encarar a narrativa visual e identificar os subtextos que seu belo traço esconde. Em comum, os contos possuem a mesma sensação de angústia e de inadequação, um sentimento de desacerto com o mundo e com a própria existência diante das intempéries da vida.

Tomine apresenta nesse gibi uma série de contos episódicos que dialogam sobremaneira com o asfixiante sentimento de frustração que paira sobre toda uma geração, em contraponto com o conformismo que nos leva a seguir em frente mesmo diante do inexorável peso da realidade que se impõe sobre nós todos os dias.

Há dias em que tudo que precisamos é ler um gibi rápido e rasteiro, daqueles que se lê numa sentada, na fila do banco ou na sala de espera do consultório médico, e agrada de imediato.

A propriedade

Após a morte de seu primogênito, a matriarca Regina Segal retorna à Polônia junto de sua neta, Mica, para recuperar uma propriedade de sua família, perdida décadas antes, durante a Segunda Guerra Mundial.

Na medida em que ambas conhecem a Varsóvia do pós-guerra, Regina se depara com memórias dolorosas de seu passado, enquanto Mica descobre que a história de sua família não é bem como ela imagina.

Em A propriedade, HQ publicada pela WMF Martins Fontes e traduzida por Marcelo Brandão Cipolla, a quadrinista israelense Rutu Modan narra um conto sobre amores perdidos, histórias marcadas pela intolerância e pela guerra, por meio de um roteiro elíptico e intrincado, que subverte expectativas a cada virada de páginas. Através de diversas camadas de complexidade, Modan trabalha de forma perspicaz tanto a personalidade irascível de Regina quanto a resiliência de Mica.

A propriedade conduz o leitor, com elegância e sutileza, por uma jornada permeada de amores mal resolvidos e segredos de família, numa cativante dramédia familiar brilhantemente quadrinizada.

A adoção

A adoção é uma HQ conduzida por olhares, e é através deles que se chega à chave de leitura que desvela os pequenos mistérios ali contidos, evidenciando a sutileza e o brilhantismo dos autores, do início ao desenlace da trama de amadurecimento e aceitação protagonizada pelo rabugento francês Gabriel e sua neta adotiva, a peruana Qinaya.

Família e paternidade são os eixos centrais dessa história, que investe em um encontro certeiro do desenho fluido e dinâmico de Arno Monin com a prosa concisa e inspirada de Zidrou. Há nessa HQ um nível de sincronicidade entre os eixos verbais e visuais que seu charme e frescor transcendem o caráter emocional da trama, se sustentando também em relação ao grau de sofisticação da narrativa gráfica ali empreendida.

A arte de Monin ressoa a um encontro entre Studio Ghibli, Jordi Lafebre e Juanjo Guarnido, tanto no que se refere ao potente uso de cores quanto à singeleza e expressividade do traço, seja na ambientação ou mesmo na construção de personagens. Há vida saltando dos requadros dessa HQ.

Zidrou, como de costume, segue como um alquimista das palavras e diz muito com pouco, criando rimas poéticas que entrelaçam pontas e costuram um tecido narrativo consistente, familiar e real, ainda que demasiado otimista às vezes.

Publicada pela Editora Nemo e traduzida por Renata Silveira, A adoção é daqueles gibis que aquecem o coração, por apresentarem uma reconfortante história de família e escancarar as imperfeições das pessoas e das relações ao reafirmar a força do amor enquanto agente transformador de nossas vidas.

Clichê? Com certeza, mas quando funciona tão bem, quem liga?

Pílulas Azuis

Em Pílulas Azuis, publicada pela Editora Nemo e traduzida por Fernando Scheibe, Frederik Peeters apresenta sua história de amor particular, abre o coração e traduz todo o misto de emoções que viveu ao se envolver com sua esposa, então mãe solo e soropositiva, encarando os olhares e julgamentos de uma sociedade preconceituosa.

Desse modo, aspectos psicológicos são colocados na mesa, com destaque para os momentos de incerteza, os sustos, aprendizados e subsequente amadurecimento que uma relação tão testada pela vida poderia acarretar. A humanidade contida no relato do autor cativa e impacta pela naturalidade com a qual ele percorre os momentos dolorosos e desafiadores pelos quais o casal teve de passar até conseguirem ter paz e tranquilidade para viverem seu amor em plenitude.

Com uma narrativa visual fluida e bem estruturada, aliada a uma escrita tão imersiva e densa quanto intimista, o quadrinista suíço se expõe diante do leitor, reafirmando a força que solidificou seu casamento. O encantamento de um com o outro fica evidente no passar das páginas, criando uma atmosfera calorosa e familiar para o enredo.

Esse é o tipo de gibi que emociona, encanta e inspira. Se você estiver procurando uma HQ para dar de presente para alguém que não lê quadrinhos, essa talvez seja a melhor indicação possível.

Roseira, medalha, engenho e outras histórias

Em Roseira, Medalha, Engenho e Outras Histórias, HQ publicada pela Pipoca & Nanquim, Jefferson Costa concebe um tocante relato sobre a história de sua família, tecendo uma narrativa de resistência, ancestralidade e respeito, ambientada no interior do Nordeste do Brasil.

Perpassando sonhos, medos, alegrias e frustrações, Jefferson tece uma colcha de retalhos a partir das memórias de seus antepassados, homenageando vivências que o antecederam e o permitiram ser quem hoje é. Ao esmiuçar a vida de seus antepassados, Jefferson evoca um Brasil que hoje em dia poucos se lembram (ou querem lembrar), um país ainda em busca da industrialização, desigual, – ainda mais – pobre e com muitos dos seus vivendo à própria sorte.

Com uma narrativa poética, repleta de simbolismos e rimas visuais poderosíssimas, Jefferson Costa investe na força da prosa regionalista, concebendo diálogos ágeis e repletos de marcas de oralidade, gerando fluidez e organicidade para sua trama.

Nesse gibi, Jefferson estreia como roteirista, mantém seu estilo característico de narrativa visual, compondo painéis belíssimos e fazendo uso das cores e da diagramação inventiva para alternar o enfoque narrativo. O resultado é uma HQ paradigmática, magistral e emocionante, daquelas que serão estudadas e apreciadas durante muitos e muitos anos.

Ufa, deu pano pra manga, né?!

Como bem sabemos, toda lista fala tanto do que entra quanto do que fica de fora, e não dá pra se pretender absoluto com listagem alguma. Essas são apenas dez HQs que escolhi, a partir de diferentes critérios, para trazer opções de leitura a quem estiver interessado em fugir das majors.

Você deve ter reparado que não trouxe nenhum gibi que integre uma série, escolhendo HQs fechadas, e também optei por buscar autores de diferentes origens, geográficas, raciais e de gêneros distintos, para tentar oferecer um leque diversificado e o mais abrangente possível,

O bacana é saber que ainda há muito território inexplorado lá fora, gibis dos mais diferentes gêneros e estilos, somente a espera de serem descobertos.

Mas diga aí, qual seria a sua lista de indicações? Deixe nos comentários desse artigo!

Deixe um comentário

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Subscreva agora

Afinal, o que é Imortal, morre no final?

Nas últimas duas semanas, retomei a leitura de O Imortal Hulk, de Al Ewing, Joe Bennett e cia limitada, após mais de três anos de interrupção. Por qual razão fiquei tanto tempo com essa leitura em hiato? É, eu sei, tem algumas decisões que eu tomo como leitor e também não entendo.

Duas semanas e oito encadernados depois, cheguei ao apoteótico clímax da saga do Golias Esmeralda em batalha contra seus muitos inimigos internos e externos. Quando a imortalidade é tida como âncora de uma existência atribulada, o Hulk passa a enfrentar problemas surpreendentemente bem maiores do que vida ou morte.

Ao longo dessa fase, Ewing e Bennett revisitam vilões icônicos e passagens mais e menos obscuras do passado de Banner para construírem uma jornada intrincada e intimista dentro da mente de seu atormentado protagonista.

Séries mensais podem funcionar de diferentes formas, ora mais episódicas, ora mais contínuas. As melhores, contudo, conseguem intercalar esses aspectos e trazer continuidade mesmo em capítulos aparentemente fechados em si, bem como conseguem trazer histórias bem contadas mesmo em capítulos que compõem uma parte do todo diegético.

O equilíbrio entre progressão narrativa e digressão é algo que poucas HQs conseguem manter, sobretudo em fases longas.

O Imortal Hulk é uma dessas séries. Ao longo de suas cinquenta edições mensais (além de alguns especiais publicados aqui e ali no decorrer da publicação regular), Ewing e Bennett conseguem estabelecer uma narrativa macro que demanda a continuidade para adquirir sentido amplo, mas não deixam de lado pequenas doses episódicas que dão respiro para o leitor enquanto se estabelecem muito bem também a partir de sua individualidade.

É interessante a forma como o tormento de Bruce Banner é bem calculado em cena pela equipe criativa, dada a consciência deste acerca de sua condição dicotômica em relação ao seu monstruoso alter ego: Bruce vive durante os dias, mas as noites pertencem ao Hulk.

Essa dualidade é bem traduzida desde as primeiras páginas da primeira edição da série, e é devidamente trabalhada e ressignificada com o avançar da história, sobretudo através das estratégias discursivas que a equipe criativa lança mão para conectar o público com a trama.

Partilhar

A figura da jornalista Jackie McGee funciona como o elo entre o leitor e a trama, atuando como fio condutor da narrativa desde as primeiras edições e conectando os eixos da trama de diferentes maneiras. Seu trauma de infância com o Hulk reverbera os dilemas pelos quais o próprio grandão passa ao tentar se entender e se situar no mundo.

Curiosamente, a jornalista é levemente inspirada em Jack McGee, personagem da série de televisão do Hulk dos anos 1970. O mesmo ocorre com outros coadjuvantes, como Del Frye e Charlene McGowan. Voltaremos nesse tópico daqui a alguns parágrafos.

Ao longo de cinquenta capítulos, Ewing aborda personagens como o Abominável, o Líder, Sasquatch, os Alienígenas, Dr. Samson, Betty Ross, Brian Banner, Mulher-Hulk e demais esteios do Universo Marvel, como os Vingadores e o Quarteto Fantástico, de forma orgânica e coerente dentro de seu percurso narrativo.

Todas essas peças são dispostas sobre o tabuleiro na concepção de uma narrativa macro que aborda a psique de Banner ao mesmo tempo em que discute o que o Hulk significa para si e para o mundo, indo do universal ao particular, do terror ao épico super-heróico com pitadas de drama familiar de alto calibre.

De igual modo, é discutido na HQ o efeito que a existência de alguém como o Hulk causa na sociedade, a partir da forma como seus atos são lidos e repercutidos entre a população. Dessa maneira, Ewing traça uma analogia para denunciar como os grandes conglomerados agem como ventríloquos e mexem seus pauzinhos para controlar os rumos da civilização a partir da manipulação de informações e algoritmos em um mundo cada vez mais hiperconectado.

Assim, acompanhamos a jornada tortuosa de Banner, que sai de presa para caçador, se torna um ícone revolucionário para a juventude ao desafiar as Big Techs, até se ver refém de inimigos íntimos em meio às artimanhas de Samuel Sterns em seu subconsciente, travando uma batalha eterna contra Aquele Que Está Abaixo.

É interessante o contraste entre escala e tom que vemos nessa HQ. A grandiosidade dos conflitos e do alcance de cada batalha travada no decurso da história se choca de forma contundente com a potência dos momentos mais intimistas e mais emocionais da trama. A maior força de O Imortal Hulk reside na densidade psicológica de seus protagonistas e coadjuvantes, dispostos sempre de forma crua e visceral em cena.

A sacada do roteirista de abordar profundamente o Transtorno Dissociativo de Identidade como base para explicar as diversas variações de personalidade de Banner e do Hulk ao longo dos anos é de uma perspicácia rara. Assim, ele parte de um plot já trabalhado anteriormente por Bill Mantlo (cof, cof, Barry Windsor-Smith!) e Peter David, mas refinando-o ao trabalhar essa condição com maior precisão e coerência frente às informações que possuímos na contemporaneidade.

Partilhar HIPER-REQUADRO

É esse recurso que permite a amarração de anos e anos de uma cronologia vasta e tão diversificada em abordagens, ao mesmo tempo em que possibilita um olhar mais profundo para os traumas de Bruce desde a infância.

É uma fase espetacular, daquelas que marcam época e merecem ser revisitadas de tempos em tempos. O sexto volume, Manifesto Banner, funciona quase como Lições de Anatomia se situa para A Saga do Monstro do Pântano de Alan Moore, dada a forma com que a trama passa por uma guinada radical em termos de tonalidades e consegue capturar o zeitgeist da década, imersos como estamos na chamada era da pós-verdade.

Se Ewing está em alta conta nessa saga, dá para dizer que Bennett o acompanha em grande estilo na empreitada. O trabalho de composições de páginas e a narrativa visual engrandecem a série, potencializando suas camadas e dando o ar épico que o enredo requer, seja em planos mais abertos e épicos ou em sequências mais fechadas e intimistas. Não dá para imaginar O Imortal Hulk tendo o mesmo sucesso narrativo sem a contribuição do brasileiro, que posteriormente se envolveu em problemas externos e foi desligado da editora.

Subscreva agora

É válido destacar que o desenhista brasileiro foi acompanhado de gente muito competente na arte-final e na colorização, como Ruy José, Belardino Brabo, Marc Deering, Mark Morales e Paul Mounts. A sincronia da equipe criativa foi tão grande que a série rapidamente adquiriu identidade própria, se consolidando como o grande gibi de super-heróis de seu tempo.

É, realmente eu nunca vou entender o que me deu na cabeça ao ter interrompido a leitura dessa série lá atrás, após os três primeiros volumes. Enfim, que bom que deu tempo de correr atrás do prejuízo e finalmente dar cabo das edições seguintes!

As edições nacionais de O Imortal Hulk contam com a tradução de Leo “Kitsune” Camargo e Diogo Prado (este somente no último volume). A série toda é composta por 11 encadernados, sendo os 10 primeiros a reunião das cinquenta edições mensais, enquanto o décimo primeiro traz um compilado de histórias curtas que complementam o escopo da saga do Hulk que nunca morre.

Um pequeno ponto negativo desses encadernados é a escolha editorial da Panini por repetir o padrão estabelecido pela Marvel nos TPBs estadunidenses, optando por uma folha inicial com os créditos listados de forma resumida, ao invés de trazer cada história com sua creditação devida, logo abaixo do título, sempre ao final de cada capítulo, como foi feito durante a publicação das edições mensais dessa fase.

Considero essa escolha ruim, pois acaba tirando parte do caráter episódico de cada edição da série, cada capítulo do desenvolvimento dessa grande narrativa. Bem, se o ponto negativo é só esse, dá pra perceber que estamos tratando aqui de um clássico contemporâneo dos supers né?!

Who wants to live forever?

Durante a leitura de O Imortal Hulk, me peguei pensando na já reconhecida ciclicidade das histórias de super-heróis.

Sabemos que super-heróis efetivamente nunca morrem pra valer (exceto o Capitão Marvel). Sabemos também que esse gênero sobrevive da longevidade de seus ícones, de sua lore em contínua expansão e constante ressignificação.

De tempos em tempos alguém precisa colocar ordem na casa, mas no geral, esses personagens estão por aí há décadas, com seus conflitos e idiossincrasias bem estabelecidos para seu público leitor. Sendo assim, mudanças drásticas não são recomendadas, quase sempre rejeitadas e, consequentemente, contornadas com o passar dos anos.

Ao lidar com personagens tão longevos e consagrados, diante de tantas amarras e imposições editoriais, não resta outro caminho para os roteiristas que não o de reaproveitar plots e ideias de outrora, como quem reorganiza os móveis de uma casa para conseguir mudar um pouco o ambiente mas ainda mantê-lo familiar.

Isso vale para o Hulk de Al Ewing, para o Monstro do Pântano de Ram V, para o Demolidor de Chip Zdarsky e tantos outros incontáveis exemplos dentre os gibis de super-heróis de ontem, hoje e sempre. Novas roupagens para abordar temáticas já anteriormente trabalhadas por outros autores são a mola propulsora desse segmento, juntamente da eterna sensação de mudança que nunca sai de fato do lugar.

Tais características, como tudo na vida, apresentam aspectos bons e ruins. Por um lado, é muito bom ter o reconforto de ler personagens que são estáveis e que, de uma forma ou de outra, estão sempre ali, mais ou menos da forma que você se lembra deles. Por outro, é o tipo de leitura que você sabe que no final das contas, não mudará nada de muito significativo, quando no muito vai até certo ponto-limite, consciente de que essa rota pode – e deve – ser corrigida muito em breve, de acordo com a flutuação natural da linha editorial à qual essas histórias se encontram subjugadas.

A previsibilidade dos gibis de supers é um fato, o que muda é a forma com que você a encara. Eu particularmente gosto, mas em alguns casos entendo que pode ser realmente pouco estimulante.

O sucesso da linha Absolute da DC (voltarei a esse tópico nessa newsletter em breve), por sinal, mostra como parte do público se encontra aberta para novas abordagens fora do padrão já estabelecido e cristalizado para o gênero. E olha que boa parte do que acontece nessa linha é muito mais próximo do reaproveitamento de ideias e releituras de personagens que citei alguns parágrafos acima do que um exercício puramente criativo dos autores.

Nesse sentido, cabe o questionamento: até que ponto dá pra ser essencialmente original quando se escreve super-heróis? Seria o roteirista nesses casos mais um designer de interiores do que um arquiteto propriamente dito?

Não é por acaso que, com a ampliação de horizontes de mercado para os quadrinistas publicarem seus trabalhos autorais, as melhores ideias destes, as mais inventivas, sejam concentradas nas obras que lhes são integralmente de direito e não mais colocadas em prática em propriedades intelectuais controladas pelas majors do mercado estadunidense.

Desse modo, da forma como estão postas as condições do gênero, qual seria a abertura real para exercícios criativos mais radicais com personagens tão bem fundamentados no imaginário popular? Por outro lado, será que é preciso de fato que tenhamos inovações e reinvenções da roda de uma engrenagem que, mal ou bem, funciona há tanto tempo?

Ora, a ciclicidade desses personagens e o reaproveitamento de ideias em novos contextos é a fonte de imortalidade do gênero, dado que os supers conseguem, por meio dessa estratégia tão clara quanto longeva se ressignificar para novos públicos, se reposicionando com o passar do tempo.

Vejamos o caso de O Imortal Hulk, por exemplo. Possivelmente, uma boa parte das novas gerações de leitores jamais leu uma página sequer dos trabalhos de Bill Mantlo, Peter David e toda uma vasta gama de autores que precederam Al Ewing. Quando muito, essa galera leu alguma edição aqui e outra ali ao longo dos anos, tendo conhecimento meramente superficial acerca do background do Golias Esmeralda.

Para esse leitor, o trabalho de Ewing não é somente impactante e de altíssima qualidade, mas também inovador dentro de seu segmento, afinal, seu recorte de conhecimento do personagem é relativamente curto. É nessa toada que o segmento se imortaliza no imaginário popular, funcionando a partir de camadas de significação para diferentes públicos, independentemente dos gaps geracionais.

Assim, da mesma forma com que o Hulk de Al Ewing consegue sobreviver mesmo quando é cortado em pedacinhos, também os gibis de super-heróis conseguem se manter vivos, ainda que com quedas significativas de público ano após ano, através da força de suas potencialidades e particularidades.

A seu modo, Hulk e as Histórias Super-Heróicas desafiam os limites da morte e do ocaso, seguindo em frente.

Você já conhece o MEC Livros?

No começo do mês de abril, o Governo Federal lançou o MEC Livros, uma biblioteca pública e on-line que concede acesso gratuito a livros e quadrinhos em formato digital. Tem de tudo, de clássicos consagrados a publicações contemporâneas, tanto de literatura quanto de HQs.

A ideia é democratizar o acesso a leitura em nosso país. Como educador, leitor e pesquisador, eu não poderia ficar menos empolgado e feliz com essa iniciativa.

O acesso é feito por meio de login na conta do Gov.br, tanto pelo navegador do seu PC/Notebook quanto pelo app para smartphones e tablets. Uma vez logado, você pode pegar emprestado o livro ou gibi escolhido e tê-lo disponível para leitura durante determinado período de tempo.

Agora ficou um pouco mais fácil (ou menos difícil) para quem quer ler, mas está sem orçamento para comprar livros e gibis e não quer recorrer à pirataria no momento.

Num mercado editorial cada vez mais proibitivo para a maioria de um país que lê tão pouco, esse é o tipo de projeto que merece ganhar visibilidade e ser celebrado, independentemente de qual seja seu lado no espectro político.

(P.s.: a conclusão da saga d’O Imortal Hulk de Al Ewing e Joe Bennett está disponível na plataforma do MEC Livros. Quem sabe daqui a alguns dias os demais volumes também não apareçam por lá?!)

Top 5 Hiper-Requadros:

• “The Immortal Hulk #18”, por Al Ewing, Joe Bennett, Ruy José e Paul Monts.

• “The Immortal Hulk #33”, por Al Ewing, Joe Bennett, Ruy José, Belardino Brabo, Marc Deering, Mark Morales e Paul Mounts.

• “The Immortal Hulk #26”, por Al Ewing, Joe Bennett, Ruy José e Paul Monts.

• “The Immortal Hulk #23”, por Al Ewing, Joe Bennett, Ruy José, Belardino Brabo e Paul Monts.

• “The Immortal Hulk #26”, por Al Ewing, Joe Bennett, Ruy José e Paul Monts.

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Ao longo dos últimos dias, tive um acúmulo de trabalho e tarefas domésticas que me impediram de manter o tempo de leitura que vinha conseguindo sustentar durante as últimas semanas.

Recentemente, vi um conhecido mencionando numa roda de conversa que estava comprando um determinado gibi que o marcou na adolescência para ler junto com o filho. Sim, a ideia era lerem simultaneamente e não o pai ler para o filho, uma vez que o garoto já é alfabetizado e também gosta de HQs.

Achei bacana a atitude, fofa até, mas me pareceu irrealizável na prática, afinal, ler quadrinhos é um hábito essencialmente solitário. Não é por acaso, inclusive, que leitores costumam se isolar dos demais quando querem ler e são, por característica, mais afeitos a ficarem sozinhos. Não é nada pessoal nem desapreço em relação àqueles que nos cercam, mas sim meramente consequência natural do processo pelo qual todo leitor precisou passar ao longo da vida, enquanto se forjava como tal.

É difícil imergir em uma leitura e se concentrar na história propriamente dita quando se fica no meio da galera ou de frente pra TV. O celular, por sinal, é o maior inimigo contemporâneo da leitura. Já reparou como ele sempre aparece como grande tentação quando você se senta pra ler? Eu percebi que facilita muito colocar o aparelho pra carregar quando quero ler. Tenho tentado fazer isso quando quero me desligar do mundo exterior e focar na leitura. Recomendo.

Sei lá, esse não é um grande questionamento nem uma grande resposta a um dilema da humanidade, apenas um pensamento que ficou martelando na cabeça ao longo dos últimos dias e que me pareceu interessante para começarmos os trabalhos por hoje.

Solamente una vez…

Não é exatamente novidade pra ninguém que Alejandro Jodorowsky é um escritor provocador e excêntrico. Quem leu Incal sabe disso, e olha que ali o velho Jodo até que pegou bem leve. Em Juan Solo, dá pra dizer que ele estava especialmente decidido a chocar, na mesma medida em que Georges Bess se dedicou a impressionar com uma narrativa visual deslumbrante.

Nessa HQ, intitulada a partir do nome de seu protagonista, a dupla narra a vida de um bandido meio Stallone Cobra meio Tony Montana, mas inteiramente desprezível e abjeto. Sério, poucas vezes vi um personagem tão asqueroso quanto Juan Solo. A grande ironia é que ele é tão fascinante quanto infame.

Não dá vontade de parar de acompanhar sua história, não importa o quão em choque se fique a cada nova perversão vivenciada por Solo. É quase como se fosse firmado um pacto entre leitor e história depois de cada nova obscenidade, à espera de que ele finalmente se dê mal ao final.

A surpresa, no entanto, reside no brilhantismo de Jodorowsky e Bess, que conseguem extrair beleza e significado do absurdo, delineando a jornada de ascensão, queda e redenção de Juan em sua solitária e pérfida existência.

É interessante notar como a HQ é permeada pelo realismo mágico latino-americano ao mesmo tempo em que remonta às tragédias gregas. Desde o protagonista que nasceu com um inexplicável rabo, passando pelo convívio dos vivos com os fantasmas de seus familiares, relações incestuosas, presença indiscriminada do sexo como meio de controle, até chegarmos na fé e no sacrifício como formas de remissão dos pecados.

Juan Solo tem de tudo, é quase como se Gabriel García Márquez e Sófocles sentassem num bar para tomar uma e resolvessem escrever juntos uma história durante a bebedeira, sem qualquer pudor ou filtro moral.

A estrutura narrativa não-linear desde as primeiras páginas tira o leitor de seu eixo ideal e o coloca diante de um estado de desconforto e desorientação imediatos. Essa estratégia discursiva não é incomum, porém, a forma como Jodo a articula é minuciosa e muito bem pensada.

O contraste de tons entre esse começo (que temporalmente se situa no ato final da trama) e o restante da narrativa, que apresenta a jornada do personagem até chegar nesse cenário quase bíblico, é flagrante. São texturas diferentes, e até mesmo o uso de cores indica essa distinção no ponto de vista emocional do enredo.

O processo de origem, desenvolvimento, auge e degradação de Solo é satisfatoriamente descortinado ao longo das mais de 200 páginas da HQ. Dessa forma, a brutalidade que marca a história de Juan é jogada na cara do leitor de forma crua e visceral, sem dar tempo para maiores lamentações ou suspiros. Assim, a trama permite somente que se escancare uma realidade cruel e pungente que explicam, ao menos em parte, a natureza amoral da consciência do protagonista-título, sem tentar justificá-lo ou atenuar quaisquer atos reprováveis que ele acumula ao longo de sua trôpega existência.

A arte de Bess é um assombro, tanto quanto o é sua capacidade de forjar composições de páginas que conduzem o olhar sem que o leitor tenha de fazer o mínimo esforço, somente se deixando levar pelo fluxo dos requadros em meio à página.

Na página a seguir, por exemplo, temos um trabalho preciso e que exemplifica essa clareza da narrativa visual. Observe como o primeiro quadro abre a página com uma tomada aberta panorâmica, com um abutre em primeiro plano.

Na sequência, temos Juan Solo em destaque por meio do processo de incrustação, em que os requadros se sobrepõem ao requadro maior, construindo uma conexão semântica que ressalta a solidão e apatia de Juan Solo nesse momento de peregrinação pelo deserto. Tal postura cabisbaixa e derrotada é destacada nos três requadros seguintes, que compõem o terço final desse hiper-requadro.

O abutre que abre a página, então, retorna em posição de ataque, extravasando os limites do requadro enquanto fecha essa sequência de forma ameaçadora. Como sabemos, abutres não significam exatamente boas notícias quando aparecem em uma história.

Dessa forma, podemos observar o modo como Bess consegue construir tensão e delinear a atmosfera psicológica da narrativa com sofisticação e um bom uso de layout e composição diegética.

Traduzido por Eduardo Nasi, Juan Solo foi publicado pela Conrad Editora, em 2022, e é o tipo de leitura que não funciona para quem tem paladar infantil com gibis. Recomendo, mas não para todos.

Acho que isso aqui vai te interessar!

A sempre boa Sete ponto nove, do , retornou no começo desse mês com mais um artigo excelente. Dessa vez, o assunto foi a seminal EC Comics.

Gosto de como o Fábio destrincha uma história curta de 1954 publicada pela editora, pois ele não se resume a decupar os mecanismos narrativos empregados como também oferece um belo panorama da linha de publicação da EC como um todo.

Estudar a EC Comics foi uma das partes mais interessantes do apanhado historiográfico que fiz durante mestrado e doutorado, e revisitar esse período da trajetória dos quadrinhos estadunidenses é sempre um deleite.

Sete ponto nove

#038: EC Comics e tudo que importa

O começo é um clássico na maneira como estabelece toda a situação…

Read more

5 months ago · 1 like · Fábio Ochôa

Esse é o tipo de artigo que não tenho como deixar de recomendar. É satisfação garantida pra quem é nerd de gibis como eu. O Fábio ainda oferece uma canetada daquelas como encerramento de sua pensata:

Partilhar

Falando nisso…

Não sou um especialista em EC Comics, mas do que tive contato até hoje, gostei bastante.

Bernie Krigstein, por exemplo, é um quadrinista da EC nesse período do qual gosto muito. Ele surgiu para o mundo como um dos grandes (senão o maior) expoentes da a EC Comics, a editora mais arrojada e ousada da cena estadunidense de quadrinhos em seu tempo.

Bode expiatório da indústria durante a caça às bruxas do Comics Code Authority, a EC angariou prestígio e popularidade com suas histórias de terror, guerra e ficção científica, e nessa onda o virtuosismo de Krigstein se destacou sobremaneira.

Trabalhando para a EC durante os anos cinquenta, o artista arrebatou a crítica e fez fama com traço versátil e inventividade como narrador visual. Culto, Krigstein fugia dos padrões da época e inseria em suas histórias diferentes técnicas de desenho e enquadramento, adquiridas através de seus estudos sobre arte e representação visual.

Em O perfeito estranho temos uma reunião de pouco mais de trinta contos de Bernie Krigstein originalmente publicados pela EC Comics. Em formato antológico, clássicos como Monotonia e Raça Superior dividem espaço com histórias de qualidade irregular, mas soberbamente ilustradas pelo genial quadrinista.

Partilhar HIPER-REQUADRO

Com sofisticação e brilhantismo, o visionário Krigstein inspirou diversos artistas ao longo dos anos, como Frank Miller, e foi responsável por diversas inovações dentro da narrativa gráfica contemporânea.

Miller, por sua vez, é notório por inserir em seus trabalhos referências daqueles que o antecederam. Há muito de Eisner e Krigstein em seu trabalho ao longo dos anos. Vejamos a seguir um exemplo muito interessante.

Na sequência abaixo, temos um fragmento de Raça superior, HQ de Krigstein de 1955. Esse conto seminal apresenta um comandante nazista refugiado nos EUA, fugindo de um judeu que lhe jurou de morte dez anos antes, durante a Segunda Guerra.

A sequência abaixo, extraída da cultuada fase de Miller à frente das mensais do Demolidor, é de 1980 e apresenta o herói cego de Hell’s Kitchen em início de carreira, correndo atrás do homem responsável pela morte de seu pai. Eu sei, o cara parece o Foggy, mas não é ele.

Nos dois casos, temos a morte dos perseguidos, seja o nazista ou o mafioso: um caiu nos trilhos do trem e o outro teve um ataque cardíaco, sem que as mãos do judeu e do demolidor fiquem sujas de sangue.

A disposição de vários requadros retangulares estreitos horizontalmente e esticados verticalmente é uma sacada de Krigstein que comprime a narrativa e expande a tensão dramática na página. Miller, como bom conhecedor das tradições dos quadrinhos, se apropria desse recurso e o incorpora em sua narrativa visual não de forma gratuita, mas com uma função bem definida no esquema diegético.

Em um grande resgate histórico, a Editora Veneta publicou por aqui, em 2018, O perfeito estranho, com tradução de Dandara Palankof. O encadernado conta com um projeto gráfico belíssimo, apresenta pouquíssimos erros de revisão e conta com textos de apoio realmente elucidativos de Rogério de Campos, Greg Sadowski, entre outros.

Krigstein é o tipo de artista que todo aficionado por Histórias em Quadrinhos deveria conhecer. Torço para que a Veneta republique, pois a HQ O perfeito estranho está esgotada no momento.

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

A pergunta abaixo alugou um triplex na minha cabeça ao longo dos últimos dias, desde o momento em que a vi enquanto scroollava despretensiosamente pelo feed do Twitter.

Ao longo do mesmo dia, por várias vezes pensei em dar RT com minha resposta, até que percebi que, em cada uma dessas oportunidades, o gibi que me vinha à mente era diferente do anterior.

Subscreva agora

Esse tipo de pergunta me parece cada vez mais difícil, pois é complicado falar em “melhor” e “pior” quando já se leu bastante coisa. Diante de um leque vasto de opções, os critérios acabam entrando em conflito, parâmetros de avaliação se atropelam e daí todas as respostas acabam se tornando aceitáveis em algum ponto. Como disse, é complicado pra mim, pra você e pra qualquer leitor, seja de quadrinhos ou de literatura.

Tratar em absolutos tem dessas.

Costumo dizer que é bom e ruim ler Watchmen quando se é jovem demais. É bom porque Watchmen é espetacular em todos os níveis mensuráveis do quanto um quadrinho pode ser espetacular. É ruim, por outro lado, porque te faz tocar o céu cedo demais, afinal, depois dele, nenhum outro gibi será Watchmen, e você corre o risco de passar a vida toda correndo atrás de outro quadrinho que te faça sentir o que sentiu ao ler Watchmen. Sad but true.

Dito isso, se você não é um leitor versado em super-heróis e seu background, ou mesmo por qualquer outra razão que desconheço (e respeito, diga-se), o clássico de Alan Moore e Dave Gibbons pode não te impactar em nada, sob nenhum aspecto. Acontece.

Pensar em critérios para definir o melhor quadrinho lido é tarefa ingrata, pois as variantes são muitas nessa equação.

Partilhar

Qual seria o melhor gibi que eu li? O que tem melhor roteiro? Melhor arte? O que faz uso mais inventivo da linguagem quadrinística? O que me emociona mais? O que me empolga mais? Perceba que a cada critério que sugeri, dá pra pensar em um gibi diferente.

Lembro do roteiro de Tungstênio, do Quintanilha, mas também do de From Hell, do Moore . Penso na arte do Moebius em Incal, mas o Parker de Darwyn Cooke também não me sai da cabeça. Quando foco na inventividade com que a linguagem dos quadrinhos é empregada, fico em êxtase ao lembrar do que Mazzucchelli faz em Asterios Polyp, mas não consigo esquecer de que existem Jimmy Corrigan e Rusty Brown de Chris Ware nesse mundo, ou do que Emil Ferris coloca pra jogo em Minha coisa favorita é monstro.

Se for partir para critérios emocionais, lembro do quanto chorei lendo A casa, de Paco Roca, mas também o fiz com O combate cotidiano, de Manu Larcenet, e com Pílulas Azuis, de Frederik Peeters. Se for pra falar de empolgação, poucos quadrinhos me deixam mais animado que Hellboy, de Mike Mignola, ou SAGA, de Brian K. Vaughan e Fiona Staples.

Resumi para exemplificar, mas enquanto escrevia o parágrafo anterior, pensei em muitos outros exemplos para cada critério citado. Acredito que acontecerá o mesmo contigo se fizer exercício imaginativo semelhante.

Agora, veja bem, sabe um nome que não apareceu nessa rápida pensata acima? Um de meus favoritos, Ed Brubaker. Sabe quem também não deu as caras? Art Spiegelman. Como pensar em qualquer lista de “melhores gibis lidos” e não pensar em MAUS? Viu como é uma tarefa ingrata e inglória?!

Portanto, é necessário destacar que essas métricas não são precisas e se escoram em um grau amplo de subjetividade, elemento que permite que qualquer resposta seja aceitável e tenha prazo de validade curtíssimo.

Sendo assim, é mais fácil perguntar qual é o seu “melhor gibi de todos os tempos da última semana”. Faz mais sentido.

Qual é o seu? Comente aí!

Deixe um comentário

A todo vapor!

Há alguns anos, vi algumas matérias falando sobre uma HQ protagonizada pelo Gavião Negro e que é considerada cult entre os leitores do Universo DC: Hawkworld.

Cheguei a ter acesso a ela por scans, mas pouco tempo depois o gibi saiu publicado por aqui pela Panini, daí resolvi esperar pra ler o volume físico. Alguns domingos atrás, consegui arranjar tempo para sentar em casa e enfim dar cabo dessa leitura.

Valeu a pena esperar.

Concebida no final dos anos 1980 como uma minissérie em 3 partes, escrita e desenhada por Timothy Truman, arte-finalizada por Enrique Alcatena e colorizada por Sam Parsons, a HQ fez parte do mesmo movimento que deu origem a Man of Steel, do John Byrne, Batman: Year One, de Frank Miller e David Mazzucchelli, e Wonder Woman, do George Pérez, numa estratégia editorial que intentava revisar e organizar a continuidade da DC Comics pós-Crise nas Infinitas Terras, revitalizando seus icônicos personagens para a contemporaneidade.

Sabendo do contexto de publicação da HQ, eu esperava algo no tom que me acostumei a ver do personagem, ou seja, alguma variação da história de amor sem fim entre Katar e Shayera, atravessando o tempo e diferentes encarnações pela força do vínculo que os une.

Como não sou um exímio conhecedor da mitologia do personagem, imaginei que essa pudesse ser a obra que reimaginou o herói e o remodelou da forma como o conhecemos posteriormente, da mesma forma como aconteceu com Batman, Superman, Mulher-Maravilha etc.

Ledo engano.

Partilhar

A leitura de Hawkworld me lembrou de imediato do que Grant Morrison e Duncan Fegredo fizeram em Kid Eternity, como parte da mesma iniciativa, no começo dos anos 1990. Timothy Truman desenvolveu uma desconstrução sombria e com forte teor político não só da figura de Katar Hol, bem como da sociedade thanagariana como um todo.

Desse modo, a tensão crescente entre as classes é bem descortinada, de forma a evidenciar a desigualdade social flagrante e a imposição de uma dinâmica colonialista por parte de Thanagar em relação aos habitantes de outros planetas que foram subjugados e conquistados pelas forças do planeta natal do Gavião Negro.

Subscreva agora

A desumanização do outro, do estrangeiro, é uma marca indelével do comportamento da elite que comanda os rumos dessa sociedade. Desse modo, culturas estrangeiras são apropriadas, assimiladas, enquanto os forasteiros propriamente ditos são escravizados, marginalizados, tratados como párias e reduzidos às sarjetas, condenados à miséria e à subserviência, enquanto os nascidos em Thanagar vivem em opulência.

Assim, somos apresentados a um Katar Hol que vive preso em uma vida dupla, mas não a que você provavelmente está pensando nesse momento.

Se por um lado, ele é filho de um influente nobre e pertencente às classes mais altas, por outro, é policial e tem contato com os lugares mais sujos e perigosos do império. Se durante o dia enxerga de perto (e contribui para) as mazelas da sociedade na qual está inserido, à noite se entope de drogas em eventos sociais da elite para conseguir lidar com seus incômodos morais e tornar essa existência niilista e dionisíaca meramente suportável.

Desse modo, Truman trabalha a jornada de formação de seu protagonista, evidenciando suas contradições e dilemas internos enquanto busca corrigir sua rota trôpega e errática. O drama intrínseco à HQ remete a aspectos das tragédias gregas, dada a presença de elementos como o parricídio e o hedonismo de forma tão bem enraizada nas bases da narrativa.

Ao trabalhar o imperialismo a partir de parâmetros tão alegóricos, o quadrinista delineia uma Thanagar crível e suja, com texturas e profundidade, longe de idealizações e muito próxima de cenários e contextos que identificamos bem aqui no mundo real.

Partilhar

Por se tratar de uma HQ protagonizada pelo Gavião Negro, eu esperava grandes cenas em plano aberto, paisagens idílicas e certo foco na ideia abstrata de liberdade simbolizada pelo voo dos thanagarianos. Fui surpreendido, porém, com uma escolha narrativa que até apresenta um pouco do que eu imaginei, mas que aposta, em maior medida, na abordagem dos becos, vielas e ambientes fechados para explorar o urbanismo do planeta, evidenciando contrastes enquanto reforça as amarras físicas, morais e sociais que acorrentam Katar ao longo de sua jornada de libertação.

O gibi conta com a presença de Shayera, apresenta de forma sofisticada a conexão de Katar com as antiguidades e sua busca por valorização do passado, alimentando o ideal de retorno ao clássico como forma de corrigir uma sociedade corrompida pela ganância e pela corrupção. Destarte, tem-se uma bem engendrada trajetória de queda e ascensão de um alquebrado protagonista reimaginado para tempos menos ingênuos e mais cínicos.

As composições de página escolhidas por Truman dinamizam a leitura e conduzem o olhar sem sobressaltos, com ritmo bem demarcado e conseguindo dizer muito mesmo quando nenhuma palavra é proferida. Falar por meio dos silêncios é um mérito que somente boas HQs carregam consigo.

Gosto de como a arte-final de Enrique Alcatena e as cores de Sam Parsons sinalizam perfeitamente a época em que esse gibi foi feito. Tudo em sua narrativa visual “grita” final dos anos 1980 e início dos anos 1990. Me lembrou, em certas escolhas de sombras e texturizações, o que fez David Lloyd em V for Vendetta em parceria com Alan Moore.

Hawkworld é um gibi tão primoroso que não dá pra acreditar que é tão curto. Seu texto é fluido e a narrativa visual carrega peso quadro a quadro sem que pra isso tenha de se tornar desnecessariamente grandiloquente. A tradução da edição brasileira ficou a cargo de Gabriel Faria.

Acompanhar a jornada de ressurgimento de Katar Hol foi, parafraseando o genial Don L, um voo foda.

Você deveria ler isso aqui!

No último dia 30 de março, Jordi Lafebre deu uma longa entrevista para o excelente The Comics Journal, para divulgar Eu sou o seu silêncio, que foi publicado recentemente nos EUA pela Dark Horse. Escrevi sobre esse gibi há algumas semanas, lembra?!

O quadrinista catalão revisitou as origens de sua carreira e o sucesso de Verões felizes com Zidrou, refletiu sobre a transição da função de desenhista para também passar a escrever seus gibis, expôs suas influências, falou um pouco sobre seu método criativo e explanou as inspirações de seus trabalhos autorais.

Sério, vale a pena demais ler o que ele tem a dizer. Caso você não manje de inglês, dá para contar com a opção de tradução do seu navegador.

Como já disse anteriormente, gosto muito de ler quadrinistas falando sobre seu ofício, suas obsessões e inquietudes estilísticas. Sinto que dá pra entender melhor as obras quando entendo em parte de onde elas vieram.

De quebra, descobri nesse papo que a história de Eva Rojas ganhou uma continuação após os eventos de Eu sou o seu silêncio, com a publicação de Je suis un ange perdu, no final de 2025.

Bem, agora é aguardar que a Pipoca & Nanquim faça as honras e publique o segundo capítulo da vida dessa carismática personagem criada por Lafebre.

(p.s.: ele conta na entrevista que já está pensando no vindouro terceiro gibi protagonizado por Eva Rojas. aguardemos…)

Top 5 Hiper-Requadros:

• “Spectators”, por Brian K. Vaughan e Niko Henrichon.

• “Absolute Batman #7”, por Scott Snyder, Marcos Martín e Muntsa Vicente.

• “Juan Solo”, por Alejandro Jodorowsky e Georges Bess.

• “Night Fever”, por Ed Brubaker, Sean e Jacob Phillips.

• “Absolute Batman #9”, por Scott Snyder, Nick Dragotta e Frank Martin.

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Estou lendo “Monster”, o clássico mangá que alçou Naoki Urasawa ao estrelato. Digo que estou, pois esse é um projeto de leitura que iniciei mais ou menos na metade de 2024. Sim, em breve completo dois anos nessa empreitada.

Não, não tô achando a história chata. Muito pelo contrário.

Resolvi ler os 9 kanzenbans em blocos de 3 em 3 para dar um respiro entre as idas e vindas da trama (que é ENORME) enquanto intercalo outras leituras que estão na fila. Na última semana, cheguei ao final do sexto volume.

Esse esquema tem funcionado pra mim ultimamente, então espero terminar a saga do Dr. Tenma até a metade do ano, mas sem pressão.

Não sei como funciona contigo, mas tenho certa dificuldade de fazer maratona de leitura de séries de gibis muito longas de uma vez só. Salvo raras exceções de títulos que li do início ao fim sem intervalos (por sinal, lembrei que tá chegando a época da minha releitura anual do Mignolaverso), procuro intercalar um pouco quando pego uma série mais extensa, tanto pra descansar um bocado a cabeça quanto pra dar tempo da história se assentar no imaginário.

The Walking Dead e Lobo Solitário são duas séries agarradas na minha fila há alguns anos já, justamente por serem compostas por, respectivamente, 32 e 28 volumes. Comecei a leitura de ambas quando a Panini estava no começo da publicação, daí resolvi deixar acumular todos os volumes para lê-los em sequência. Foi nessa ilusão minha que acabei deixando as 2 paradas nas estantes da minha casa há tanto tempo…

Subscreva agora

Quando desenho e texto colidem…

Chris Condon é um roteirista que ganhou destaque recentemente na cena estadunidense de gibis. Ultimamente, vem escrevendo Ultimate Wolverine, na Marvel, mas a HQ que lhe deu maior destaque é That Texas Blood, um gibi policial com ares de neo-western concebido em parceria com Jacob Phillips (nepobaby talentoso, filho do Sean Phillips, de Criminal).

Se a Mino não tivesse encerrado suas atividades editoriais recentemente, seria a casa ideal para esse gibi sair aqui no Brasil. Como não é mais possível, torço para que alguma outra editora traga essa série pra cá urgentemente.

Se em Ultimate Wolverine seu trabalho vem sendo criticado – muitos alegam que se trata de um gibi muito “Weapon X wannabe” –, Condon conseguiu angariar críticas mais favoráveis para si com That Texas Blood.

Posteriormente, o autor lançou um spin-off, The Enfield Gang Massacre, que também foi amplamente elogiado (mas esse eu ainda não li, então preciso confirmar por conta própria).

Então surgiu News from the fallout, escrita por Condon e desenhada por Jeffrey Alan Love.

Essa minissérie foi publicada em 6 edições pela Image Comics em 2025 e narra as consequências sinistras de um teste atômico no deserto de Nevada durante os anos 1960.

Partilhar

Assim se delineia um sci-fi com pitadas sobrenaturais no qual somos apresentados ao recruta Otis Fallows, que vê seus superiores e companheiros de farda – sob a influência de uma névoa vermelha que surge após a realização do teste nuclear – se transformarem em seres monstruosos e passarem a persegui-lo. Daí em diante, nada mais lhe resta, senão fugir para sobreviver.

Desse modo, a HQ narra a jornada de Otis por paragens desérticas, cidades-fantasma e túneis secretos, em meio a um clima de horror constante e perigo iminente, lutando contra ameaças claramente acima de sua escala para tentar se manter vivo e buscar socorro.

Assim, News from the fallout desenvolve-se como uma história de terror potencializada pela tensão inerente à corrida nuclear durante a Guerra Fria. A narrativa visual de Jeffrey Alan Love reforça o ar fantasmagórico e sombrio da trama ao se utilizar de um preto & branco esfumado que retira definições e potencializa silhuetas, dando ares grandiloquentes para cada requadro.

A mistura entre bomba nuclear, conspirações militares e zumbis é muito interessante, dá para dizer de antemão.

O gibi conta com muitos paratextos interessantes que se propõem a ampliar o ar de conspiração que paira sobre a obra, mas no fim das contas muita coisa fica apenas no plano das ideias e esse conteúdo, que fecha cada edição, acaba indicando uma revelação que nunca chega de fato.

O texto de Condon é eficiente, proporciona tensão na medida certa e consegue demarcar bem suas vozes, por mais que o desenho de Love acabe nublando percepções e dificultando algumas associações.

Ao meu ver, é nesse ponto que se encontra o problema dessa HQ: a técnica empregada por Alan Love acaba sobressaindo de forma indevida no conjunto, sobrepujando por vezes o roteiro ao ponto de angariar muito destaque para si, sem contribuir efetivamente para o bom andamento da narrativa, que acaba diminuída, feita de refém por um de seus elementos constituintes.

A transformação radical da arte nessa HQ surge após a explosão da bomba, demarcando o evento que norteia toda a espiral de caos que fundamenta o conflito que se segue.

Paulatinamente, o desenhista abandona qualquer detalhamento e torna seu desenho cada vez mais estilizado, abrindo mão de definições e maiores detalhes. Isso acaba cobrando um preço em relação à fluidez e clareza da diegese.

Há um forte apelo expressionista nessa transformação, porém, à medida que a trama avança e a técnica acaba se limitando nela mesma, há um empobrecimento da narrativa como um todo. Isso ocorre pois a arte deixa de buscar a melhor escolha para a dinamicidade de seu enredo e passa a girar em torno de opções que a coloquem em destaque, a despeito da progressão do roteiro.

A impressão que dá é que a técnica empregada por Alan Love está posta em jogo para evidenciar o talento do desenhista, e não para trabalhar no mesmo compasso do texto de Condon, que acaba por vezes alheio ao impacto que a narrativa visual causa.

Sabe quando você vê uma página em uma HQ que é claramente concebida para que seu leitor pare, observe e solte um “uau”, bem baixinho? Pois é. O uso decorativo de página é um recurso válido, porém, quando utilizado em demasia gera enfado e prejudica a narrativa.

Há momentos na HQ em que a dupla consegue manter a sintonia e entrega sequências interessantes, como nesse diálogo da terceira edição, que culmina com uma splash page bem disposta, calibrando o ritmo da história logo em suas primeiras páginas.

O enredo de Condon é bem trabalhado, faz uso de técnicas interessantes, entrecorta temporalidades para apresentar melhor seus personagens no passado, fora da situação-limite em que se encontram no presente diegético, traz pequenas subtramas e lança algumas pistas no decurso da jornada de seus protagonistas. É quando vai por essa linha que a HQ se sai melhor e mostra seus pontos mais fortes, ao explorar a humanidade dos personagens.

Na sexta e última edição, há uma sequência – brilhante – em que a narrativa sustenta 10 requadros inteiramente às cegas, construindo a tensão apenas com diálogos e onomatopeias. Assim, a HQ deixa leitor e personagens no escuro, sem certeza alguma sobre o que está acontecendo naquele momento. Méritos de um bom texto.

Essa é a questão que ficou martelando em minha mente quando terminei a leitura dessa HQ: Até que ponto a técnica de desenho deve sobressair à história propriamente dita?

Ora, em uma História em Quadrinhos, tanto o texto quanto o desenho devem estar dispostos à serviço da narrativa, e não deles mesmos.

Por mais que o Quadrinho seja um dispositivo narrativo de dominância visual, espera-se uma atuação conjunta de seus eixos formativos, e não uma espécie de competição interna para ver quem se destaca mais na percepção do leitor.

Portanto, qualquer técnica, por mais vistosa que seja, deve ser utilizada com parcimônia em um gibi, para não tornar este em palco para um show de exibicionismo e pirotecnia visual que sequestra a narrativa para si, diminuindo a força daquilo que deveria ser o ponto forte de qualquer HQ: sua história.

Em News from the fallout, temos uma boa HQ que em certos momentos acaba sofrendo com os excessos estilísticos de um de seus criadores. Esses problemas não condenam o gibi, mas certamente diminuem a força que ele poderia ter. Vale a leitura, assim como vale a ponderação.

Consegue lembrar de outros exemplos de HQs em que acontece algo parecido? Comente aí!

Subscreva agora

Top 5 Hiper-Requadros!

• “DC/Marvel: Superman/Spider-Man #1”, por Mark Waid e Jorge Jiménez.

• “Batman: The Long Halloween – The Last Halloween Prologue”, por Jeph Loeb e Tim Sale.

• “Monster - Kanzenban Volume 6”, por Naoki Urasawa.

• “Batman: The Long Halloween – The Last Halloween #1, por Jeph Loeb e Eduardo Risso.

• “Hawkworld”, por Timothy Truman e Enrique Alcatena.

Deixe um comentário

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Desde o último texto dessa newsletter, precisei me ausentar por uns dias, devido ao combo freela de prazo apertado + férias. Assim, após um período de muito trabalho, tirei alguns dias para viajar e descansar corpo & mente.

Pela primeira vez em anos, não li nada na praia. Obviamente, levei Quadrinhos na bagagem, mas não tive coragem de levar nenhum pra ler na areia. Contudo, durante a baldeação de ônibus + avião entre Juiz de Fora-Rio de Janeiro-Maceió, deu pra tirar o atraso e ler alguns gibis mais longos que estavam pendentes na fila.

Nessa maratona, li HQs estilística e tematicamente bem variadas, sem muito ponto de conexão entre si para além de compartilharem uma mesma linguagem em comum.

Geralmente, gosto de diversificar minhas leituras, até mesmo para contrapor sensações e percepções, mas não dá pra fazer isso – com o tempo que considero ideal – durante a correria da rotina de trabalho e estudos dos dias normais. Assim, só nas férias dá pra dar conta dessa demanda represada.

Em um primeiro momento, quero discorrer brevemente sobre os quatro gibis que tomaram meu tempo de leitura ao longo desse período de folga para em seguida trazer alguns comentários. Bora?!

Subscreva agora

Pois bem, comecei a viagem lendo Eu sou o seu silêncio, gibizinho de mistério do Jordi Lafebre que lembra muito a atmosfera da série de filmes Knives Out, mesclando suspense, comédia e aventura em uma trama rocambolesca e cheia de reviravoltas.

Sabe aquele tipo de HQ que foi concebida pra ser lida de uma sentada só? Essa aqui é um belo exemplar dessa categoria. A trama é envolvente e se descortina de forma magnética, ainda que conte com certas sacadas de roteiro espertinhas demais, ao ponto de soarem ligeiramente forçadas. Em todo caso, porém, acabam funcionando no fim das contas.

Lafebre é um narrador visual virtuoso, dono de um traço belíssimo e boas escolhas de composição narrativa, fazendo um bom uso de layouts tradicionais em prol da construção rítmica de suas tramas, bem ao estilo do "uso convencional da página”, tal como rege a categorização proposta por Benoît Peeters.

Esse é seu segundo trabalho assinando roteiro e arte a ser publicado aqui no Brasil. Anteriormente, lançou Apesar de tudo, um romance em Quadrinhos concebido de forma semelhante ao brilhante episódio The Betrayal, da cultuada sitcom Seinfeld. Seu trabalho mais famoso por aqui, porém, me parece ser Verões Felizes, desenvolvido em parceria com o prolífico Zidrou.

Em Eu sou o seu silêncio, Lafebre narra a história de Eva, uma doutora em psiquiatria que precisa resolver seus muitos problemas internos e externos ao mesmo tempo em que tenta se consultar com seu psiquiatra para colocá-lo a par dos fatos recentes de sua vida.

Errática e impulsiva, mas muito bem-intencionada, a jovem se vê envolvida em um mistério que pode abalar a vida dos ricos e poderosos de Barcelona, mas precisa provar sua inocência para não ir presa por um crime que não cometeu.

Assim, o quadrinista catalão desenvolve uma narrativa intrincada e que entrecorta eventos e vozes sem entregar seu enredo de mão beijada para o leitor.

Eu sou o seu silêncio foi publicado no Brasil pela Pipoca & Nanquim.

Na sequência, li aquele que é de antemão um candidato forte ao posto de “GIBI DO ANO”: Drome, de Jesse Lonergan.

Esse Quadrinho é um épico sobre vida, amor e morte que se vale de uma abordagem elíptica para discutir o cerne de nossa humanidade. Através de uma estrutura que desafia os formalismos da linguagem quadrinística em prol de sua narrativa, o autor delineia um conto que fisga a atenção e captura o olhar de imediato.

Através de seus personagens, Lonergan concebe avatares que evocam diferentes aspectos da vida e os coloca em um jogo de experiências disputado por Forma e Espírito sob um grande tabuleiro planetário, numa narrativa mítica que remonta aos meandros dos mistérios da existência de forma poética e instigante, temática e visualmente.

A narrativa gráfica de Jesse Lonergan é bem diferente do padrão, e ter lido anteriormente outro trabalho autoral seu, Hedra, me habituou com sua estilística, facilitando um bocado a experiência de leitura desse calhamaço de mais de 300 páginas.

Através de um uso experimental e intrigante dos requadros, Lonergan subjuga a página de sua HQ de modo a conduzir a narrativa em um ritmo bem demarcado, fazendo uso de linhas cinéticas na condução diegética para manipular o olhar de seu leitor, de modo que este acompanhe o movimento constante de sua trama saltando por entre os requadros, compreendendo o avançar inclemente da narrativa de forma tão inexorável quanto o é o avançar de nosso tempo de vida.

É interessante a forma como o quadrinista consegue dizer tanto com tão pouco texto verbal à disposição. As palavras caem sob a superfície de Drome com um peso descomunal, fruto de sua exiguidade. Em um mundo de ações e reações sucessivas, o que é dito vale dobrado.

Assim, o célere andamento da trama fica a cargo da dinamicidade proveniente da composição narrativa visual colocada em prática no transcorrer de tantos requadros repletos de vida e movimento para todos os lados e sentidos.

Os personagens que habitam o mundo dessa HQ são a priori simplórios, mas à medida que suas vidas são descortinadas no transcorrer das páginas, apresentam complexidades e sentimentos demasiadamente humanos, numa construção arquetípica que trabalha o particular através do universal.

A QS Comics anunciou que publicará Drome no Brasil em 2026. Estou na expectativa para que a empreitada seja bem-sucedida, pois assim mais gente terá contato com esse autêntico GIBIZAÇO.

Ainda me recuperando do impacto do gibi de Lonergan, li The Coyote and the Snake, dos franceses Matz e Philippe Xavier. Nada melhor pra curar a ressaca de uma baita leitura do que… outra baita leitura.

Como essa HQ narra uma road trip criminal permeada por referências do cinema estadunidense, vou me valer de pequenas comparações para resumir sua trama no parágrafo a seguir.

Nessa HQ temos Joe, um protagonista mezzo eastwoodiano, mezzo scorsesiano, que dirige pelas estradas dos EUA em paragens típicas dos filmes dos irmãos Coen, acompanhado de um coiote filhote que resgatou na estrada e com o qual desabafa ao longo de seu interminável trajeto rodoviário.

Ao tentar fugir de seu passado criminoso em NY, ele precisa cooperar com a Justiça enquanto foge da morte e protege o que restou de sua família, lidando com as consequências de seus atos pretéritos e presentes, tentando angariar para si um futuro.

Cada capítulo dessa HQ é intitulado em homenagem a algum filme hollywoodiano, e a forma como a trama é composta referencia sobremaneira a cinematografia policial dos EUA, com todos os clichês e estruturas narrativas já cristalizadas pelo gênero ao longo de tantas décadas.

A familiaridade inerente a essas convenções já tão fortemente arraigadas na cultura popular torna essa leitura reconfortante, sobretudo pela sincronia que roteirista e desenhista apresentam na obra. Pra quem é devoto de Brubaker&Phillips como eu, essa é uma leitura que agrada em larga medida.

Infelizmente, não faço ideia se esse Quadrinho será publicado algum dia no Brasil, mas torço muito para que seja, pois tenho certeza de que teria público fiel por aqui.

Partilhar HIPER-REQUADRO

Na reta final de minha viagem, como se já não bastasse a trinca de HQs de peso que encarei, me embrenhei na leitura de um dos gibis mais desafiadores dos últimos tempos: 20th Century Men.

Nessa HQ, publicada nos EUA pela Image Comics, Deniz Camp, Stipan Morian e Aditya Bidikar promovem uma desconstrução do mito do super-herói por meio de uma trama multifacetada e anti-imperialista ambientada no contexto da Guerra Fria, numa realidade povoada por super-heróis e super-soldados de ambos os lados.

A trama de Camp é polifônica, se constrói a partir de muitas vozes, enquanto a narrativa visual de Morian e Bidikar é desenvolvida de forma virtuosa, em uma composição gráfica que dialoga com referências que vão de Igor Kordey e Eduardo Risso a Frank Miller.

Ora mais preciso, ora mais alegórico, o estilo visual desse gibi flerta com diferentes tonalidades, amplificando a pegada pluralizante e diversificada de um roteiro que concebe uma história de guerra a partir de diferentes perspectivas.

Assim, temos EUA e Rússia envolvidos em uma grande batalha que tem no Afeganistão a personificação da vítima que está no centro do conflito, ameaçada por ambos os lados, enquanto só quer ter seu direito de existir em paz respeitado.

Nesse épico que reescreve a História do mundo e reflete sobre o Século XX a partir da ótica do super-soldado soviético Petar Platonov, temos presidentes super-poderosos, ciborgues insanos, revolucionários e jornalistas em cena e em choque constante, capturados pela teia do destino e imersos em um conflito do qual ninguém consegue efetivamente sair vencedor, mas todos podem certamente sair perdendo.

Deniz Camp concebeu uma HQ politicamente relevante e infelizmente mais atual do que nunca ao capturar o zeitgeist de uma era na qual o mundo segue mais do que nunca refém dos caprichos de homens poderosos e egocêntricos.

20th Century Men precisa ser publicado no Brasil, mas até onde me consta ainda não há qualquer previsão de que isso vá ocorrer em breve. Então, o jeito agora é torcer para que alguma editora daqui se interesse e traga esse grande trabalho de um dos mais interessantes novos talentos dessa geração para cá.

Deixe um comentário

Deu pra perceber que eu não estava brincando quando disse que li HQs bem diversas entre si, né?!

Pois bem, diante de uma gama tão ampla de temáticas e estilos, textuais e pictóricos, como podemos definir o que é um bom gibi? O que faz de uma HQ boa é seu roteiro, sua arte, seu uso da linguagem quadrinística? Um pouco de tudo isso? Ou nada disso?

À medida que envelheço, tenho cada vez mais solidificada a convicção de que o que faz um Quadrinho ser bom ou ruim é a capacidade que este possui de capturar a atenção de seu leitor, moldando suas percepções e controlando sua participação no processo de decodificação quadro a quadro.

Seja por uma trama inventiva, uma arte deslumbrante, um uso inventivo das convenções linguísticas do meio, ou mesmo por uma mistura bem temperada de cada aspecto aqui citado, uma HQ não pode ser considerada boa ou efetiva se não conseguir reter seu leitor por tempo suficiente para provocar imersão e conexão profunda.

Histórias em Quadrinhos são um dispositivo narrativo que necessita da participação de seus leitores para funcionar. Não importa o quão bonito seja o desenho, não importa quão bem redigido seja o roteiro, vistos isoladamente, pois se um gibi não conseguir provocar seu leitor a se engajar na leitura e a imergir nos requadros e sarjetas que se sucedem página a página, seu objetivo final não será atingido.

Se você já lê Quadrinhos há tempo suficiente, certamente deve estar se lembrando de um caso em que não conseguiu se conectar, por melhor que fosse a arte ou o texto em suas valências.

Assim, nos Quadrinhos, tempo e espaço são colocados em xeque sob sua imobilidade fundamental, demandando a participação de seu leitor para angariar significação e continuidade. É por isso que um grande gibi vai ser sempre resultado da combinação de uma narrativa visual e de uma narrativa textual que de forma conjunta conseguem produzir sentido maior e mais potente do que a mera soma dessas partes.

Pense um bocado e tente se lembrar do último Quadrinho memorável que leu. Não é só o texto dele que ficou em sua memória, ou o desenho, mas sim o todo formado pela junção de seus eixos linguísticos.

Com seus méritos e defeitos, os quatro gibis sobre os quais discorri nesse artigo logram êxito no domínio que apresentam de tempo e espaço sob a superfície da página, ou seja, na forma como conjugam esses elementos no decurso de sua estrutura diegética.

Há um padrão bem claro de mecanismos narrativos colocados em prática nessas obras, cada qual a seu modo, e é seguro dizer que tais recursos foram executados com eficácia, atingindo seu intento.

Sabendo disso tudo, é válido destacar que você ainda assim pode não gostar deles, não se conectar por uma ou outra razão. Como dito anteriormente, qualidade e gosto são atributos que não necessariamente andam juntos, afinal, uma coisa é uma coisa e outra coisa é outra coisa.

A propósito, é muito mais fácil compreendermos e discutirmos sobre as qualidades e os erros de um produto cultural do que entendermos como se fundamenta o gosto pessoal que desenvolvemos ao longo da vida.

Após um breve recesso, estamos retornando com força total por aqui com ânimo renovado para trazer debate de qualidade sobre gibis para sua caixa de e-mails.

Espero que você tenha gostado do artigo dessa semana. Em breve teremos novidades por aqui, 2026 promete!

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Gosto de vê-los falar sobre a forma como entendem e trabalham os quadrinhos até mesmo para colocar em contraste a perspectiva da prática com a da teoria. Acho frutífero identificar os pontos de contato quando esses dois eixos convergem, mas é ainda mais interessante observar quando eles divergem e se atritam.

Acompanho muitos quadrinistas através do Substack, sejam roteiristas, desenhistas, arte-finalistas, coloristas ou letristas. Alguns são isso tudo em um só, que loucura!

Na maioria dos casos, vejo boas reflexões entremeadas por divulgação – justa, diga-se de passagem – de seus trabalhos recentes e futuros, e acho interessante demais acompanhar as questões que eles trazem à baila por aqui quando se dispõem a falar sobre aspectos do processo de criação.

Ao longo dos últimos tempos, venho lendo assiduamente a newsletter do Joe Quesada, nome de fácil reconhecimento para os leitores dos comics estadunidenses.

Joe Quesada's Drawing the Line Somewhere

After three-plus decades as a professional storyteller, twenty-two of them at Marvel, I've got tales to tell, opinions to give, myths to debunk, art to show, tutorials to share, and, most importantly, your questions to answer.

Recentemente ele iniciou uma série de artigos intitulada The Invisible Language of Visual Storytelling, na qual discorre sobre o ofício quadrinístico enquanto conta bastidores da cena e de sua própria formação. O conteúdo é muito bom, de fácil leitura e compreensão. Se você se interessa por esse tipo de assunto como eu, posso garantir que é uma leitura altamente recomendável.

Subscreva agora

Lendo esses textos descobri que tenho algo em comum com Will Eisner: nós dois achávamos Joe Quesada um babaca.

Ok, nossas razões eram diferentes, mas o resultado final era igual.

Tendo sido eu um pré-adolescente gibizeiro no começo dos anos 2000 e leitor voraz do Homem-Aranha, Joe Quesada foi meu primeiro arqui-inimigo.

Jamais superei o One More Day (uma das decisões mais estúpidas já tomadas pelo editorial da Casa das Ideias, e olha que a concorrência é grande nesse quesito), e foi por causa dele meu primeiro período de crise com os quadrinhos de super-heróis.

Os anos se passaram, comecei a entender melhor como funcionam as regras do jogo e passei a me importar mais com o que tem significado pra mim do que com qualquer decisão esdrúxula de um editorial aflito por aumentar as vendas e reciclar leitores.

Sim, a mágoa em relação à decisão persiste.

O One More Day maculou a fase do personagem que mais me impactou ao longo da vida, influenciando até mesmo em minhas escolhas de carreira. Tudo nesse arco de histórias sempre me incomodou, desde a premissa até as consequências.

Agora, porém, começo a entender melhor um dos responsáveis por ela. O curioso é que isso se deu por fatores que em nada tocam nas motivações por trás do OMD em si.

Passar a entender, ainda que um pouco, como Quesada pensa os quadrinhos, a narrativa visual e a indústria dos comics me ajudou a compreender até mesmo escolhas que considero terríveis criativamente falando.

Dizem que não devemos conhecer melhor nossos ídolos. Talvez o inverso valha para aqueles que detestamos.

Descobrir a forma pela qual Joe Quesada enxerga seu ofício como narrador visual me lembrou de uma entrevista dada por Marcello Quintanilha há cerca de dez anos atrás para o jornalista-quadrinista (ou seria quadrinista-jornalista?) Robson Vilalba.

A forma como Quintanilha enxerga o quadro dentro da página de quadrinhos se diferencia fundamentalmente da forma como Quesada o faz. O autor brasileiro trabalha a partir de uma premissa que situa o quadro como foco de unidade narrativa em sua individualidade, enquanto o estadunidense visualiza o quadro como parte integrante de um sistema maior de significação complementar: a página.

Não é por acaso que a dinâmica que Quesada imprime para suas HQs, até mesmo ao ensinar, parte de uma premissa que dita a necessidade de ações em sequência para conduzir o leitor por suas páginas.

No artigo que publicou na última semana, o quadrinista pontuou que “a direção é uma das ferramentas mais silenciosas na narrativa visual e uma das mais poderosas”.

Entre macetes, dicas e esquemas que vem ensinando em sua newsletter, chama a atenção como o modus operandi de Quesada se fia profundamente na ideia de movimento constante e ações em profusão para construir ritmo e progressão diegética.

Quintanilha, por outro lado, trabalha a partir de uma postura menos acelerada, com maior cadência discursiva e preponderância de um ritmo que se molda pelo desenrolar da narrativa a partir de sua progressão multifatorial, seja por meio de sequências de ações ou através de conflitos psicologicamente densos, ainda que estáticos sob a superfície imóvel do quadro.

Essas nuances conceituais norteiam os modos pelos quais os quadrinistas pensam a narrativa visual. Por óbvio, cada um opera através dos meios que considera mais adequado para sua proposta discursiva. Não há gradação de método melhor ou pior em questão, mas apenas diferenças fundamentais de diretrizes estruturais.

Não é por acaso que Quesada virou um grandão da indústria dos comics estadunidenses, dado o nível de compreensão do segmento que possui. Será que, caso fosse convidado para colaborar com algum roteirista europeu para um álbum da Dargaud ou da Casterman ele pensaria seu processo quadrinístico da mesma forma? Acho que nunca saberemos.

O mesmo exercício imaginativo vale para Quintanilha, multipremiado nacional e internacionalmente: será que o quadrinista niteroiense desenvolveria seu trabalho nos comics a partir das mesmas premissas que utiliza em seus trabalhos autorais? Fica aí o questionamento.

No célebre livro Eisner/Miller, dois quadrinistas de renome colocam em contraste suas perspectivas acerca da estrutura composicional dos quadrinhos. Assim, Frank Miller destaca:

Tenho em mente que uma das coisas que gosto em relação ao cinema e que funciona melhor nos quadrinhos é a justaposição de imagens contrastantes ou relacionadas que estão acontecendo ao mesmo tempo, porque você pode tomar uma página como uma entidade e aí você fica “sentindo” o painel três, enquanto ainda está olhando para o painel um (Brownstein; Eisner; Miller; 2014, p. 93).

A paixão de Miller pelo cinema é de conhecimento público, tendo ele inclusive atuado como produtor-executivo e roteirista de algumas das adaptações cinematográficas de suas próprias obras. Sua busca por pontos de interseção entre cinema e quadrinhos, portanto, não surpreende.

Partilhar HIPER-REQUADRO

Nesse sentido, em contrapartida, Will Eisner dá seus dois centavos de prosa e pondera:

Não tenho intenção alguma de capturar a essência de qualquer outra mídia. Estou em busca de uma conexão entre mim e o leitor. A única outra forma de entretenimento que oferece uma conexão real e vívida entre o espectador e o ator é o teatro. No teatro ao vivo você está sentado ali e assistindo a uma coisa real que está acontecendo. No cinema, você é apenas uma câmera. Não há o sentido de contato entre você e os atores. É uma experiência na qual você mergulha. Você é um espectador, e os quadrinhos são uma forma de participação (Brownstein; Eisner; Miller; 2014, p. 94).

Eisner não era tão afeito à aproximação com o cinema, mas por outro lado buscou por anos angariar legitimidade para os quadrinhos através das aproximações destes com a literatura, muitas vezes forçando a barra e tratando pontos de contato como evidências inequívocas de pertencimento.

Em sua newsletter, meses atrás, o quadrinista brasileiro Alexandre S. Lourenço comentou sobre a importância da sequência de movimentos para os quadrinhos. Desse modo, ao fazer um comparativo entre os quadrinhos e as animações,

o quadrinho tem esse luxo de sugerir. o leitor é mais ativo no processo. quadro um, homem sentado numa cadeira. quadro dois, homem em pé a frente da cadeira. não me preocupo em mostrar o corpo arqueando pra frente, as pernas dobrando pra depois esticarem. não precisa de todas as etapas do movimento. não precisa ficar natural. o leitor preenche o que aconteceu entre o quadro um e o quadro dois. quadrinho se comunica com menos (Lourenço, 2025).

Percebam que há um denominador comum aos raciocínios de todos os quadrinistas mencionados nesse texto até aqui: todos estão em busca da atenção do leitor.

O Érico Assis, autor da melhor newsletter de quadrinhos da gibisfera BR, a VIRAPÁGINA, comentou esse mesmo aspecto em seu prefácio de Robô Esmaga, gibi do supracitado Alexandre S. Lourenço. Saca só:

Nesse jogo de economia da atenção, muitas são as estratégias discursivas disponíveis, e ganha sempre o autor que consegue capturar a atenção de seu leitor por tempo suficiente para que a história o cative, levando-o à progredir na leitura.

Não por acaso, o começo de um gibi é crucial nesse processo. Pouquíssimos leitores chegarão na página 74 de um quadrinho que não conseguiu manipular o foco de seu leitor nas primeiras cinco páginas. É um jogo cruel, mas verídico. Portanto, Joe Quesada delineia bem a situação quando expõe o pacto narrativo que está sob a mesa sempre que autor e leitor se encontram na obra:

Toda história faz um acordo com seu público. Nunca é escrito. Ninguém o anuncia. Mas o leitor o sente quase imediatamente. O acordo funciona mais ou menos assim:

Vou lhe dar minha atenção.

Você me guia.

Não deixe que eu me perca.

É isso. Esse é o contrato inteiro (Quesada, 2025).

Dessa forma, podemos entender que os quadrinhos funcionam somente a partir da presença do leitor enquanto agente ativo na decodificação da página permeada por quadros a priori estáticos, preenchendo mentalmente as lacunas que cercam os requadros, nas sarjetas. Toda sugestão de ação e movimento, seja psicológico ou cinético, efetivamente se realiza nesse espaço entre os requadros.

Assim, tendo em mente que o leitor está no controle da experiência de leitura de uma HQ, seja em relação ao ritmo narrativo ou à velocidade de leitura da página propriamente dita, cabe ao autor buscar os meios para capturar a atenção desse leitor, por vezes manipulando o olhar deste em prol do andamento que sua trama deve seguir para funcionar no decurso da quadrinização.

Enfim, esse texto já ficou bem mais longo do que eu imaginei que ficaria, portanto, é hora de nos encaminharmos para o final. Comentei um pouco sobre a condução do olhar do leitor pelo autor nesse post do começo do ano, no qual discorri brevemente acerca de “Ninfeias negras”, HQ europeia publicada no Brasil pela QS Comics.

Sério, leia a newsletter do Joe Quesada. Tem sido igualmente divertido e elucidativo para mim. Acredito que pode ser para você também. Ah, e se quiser parar para observar um autor que consegue ditar ritmo e controlar o espaço e o tempo de suas páginas com maestria, se dedique a analisar o que faz Mike Mignola.

Qualquer dia desses eu volto nesse assunto para dissecar o trabalho dessa lenda. Combinado?!

TOP 5 HIPER-REQUADROS!

• “Nos olhos de quem vê”, de Helô D’Angelo.

• “The Boy Wonder”, de Juni Ba.

• “The Swamp Thing Vol. 1: Becoming”, por Ram V, Mike Perkins e Mike Spicer.

• “The Swamp Thing Vol. 1: Becoming”, por Ram V, Mike Perkins e Mike Spicer.

• “The Swamp Thing Vol. 1: Becoming”, por Ram V, Mike Perkins e Mike Spicer.

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Em virtude da data, resolvi trazer nessa semana um texto que aborda um aspecto pouco comentado dessa celebração. Para facilitar o entendimento desse excerto, fiz pequenas adaptações na escrita, de modo que o raciocínio aqui exposto não seja lido de forma lacunar.

Sobre datas comemorativas e o percurso da História.

Não há como olvidar de que toda e qualquer empreitada que vise a busca de origens e/ou fundações dos Quadrinhos traz consigo uma certa dose de imprecisão, associada a discursos legitimadores que se sobrepõem a qualquer tentativa individual de busca por consenso.

A celeuma acerca das origens do que hoje se entende por Quadrinho brasileiro, que aqui chamamos de “Caso Agostini x Sisson”, é um exemplo inequívoco dos percalços decorrentes do anseio por uma delimitação de marcos fundacionais, haja vista a confluência de interesses e pontos de vista envolvidos no processo.

Em 1984, a Associação dos Quadrinhistas e Caricaturistas do Estado de São Paulo (AQC-ESP) criou o chamado “Dia do Quadrinho Nacional”, a ser comemorado em 30 de janeiro. A escolha da data não tem outra motivação senão o fato de que nesse dia, no ano de 1869, foi publicada, na revista “Vida Fluminense”, a HQ “As Aventuras de Nhô Quim ou Impressões de Uma Viagem à Corte”, do ítalo-brasileiro Angelo Agostini.

Assim, o artista, que já gozava do prestígio de pesquisadores brasileiros da área, adquiriu respaldo institucionalizado e foi oficialmente admitido como autor da primeira HQ brasileira e um dos criadores dos Quadrinhos no país.

Contudo, em 15 de outubro de 1855, ou seja, quase quatorze anos antes de Agostini fazer o seu debute como quadrinista, o franco-brasileiro Sébastien Auguste Sisson publicou o Quadrinho “O Namoro, quadros ao vivo”, na revista “O Brasil Illustrado”.

Cabe mencionar, nesse ponto, que tanto Agostini quanto Sisson publicaram seus trabalhos alguns anos após o Jabot de Rodolphe Töpffer e alguns anos antes da estreia de The Yellow Kid de Richard Outcault. Tais apontamentos evidenciam que a concepção de Quadrinhos no Brasil naquele período se encontrava em consonância com a produção internacional (Vergueiro, 2017, p. 22-23).

Podemos identificar, através da análise das imagens acima, que tanto na obra de Agostini quanto na de Sisson existem aproximações formais em relação ao que Töpffer vinha fazendo naquele período. Se Agostini replica a justaposição de quadros lado a lado, sem o intervalo de sarjetas nas tiras horizontais de sua narrativa, Sisson, por sua vez, opera tal como o ítalo-brasileiro e o suíço, ao dispor de legendas logo abaixo de seus quadros. Estes, ao contrário dos outros exemplos citados, não são separados por requadros visíveis.

Se Sisson produziu o primeiro Quadrinho nacional quase uma década e meia antes de Agostini, qual é a razão para a escolha do ítalo-brasileiro, em 1984, para ser elevado ao patamar de pioneiro das HQs no Brasil, em detrimento do franco-brasileiro? Ora, o pesquisador e historiador brasileiro Ivan Lima Gomes (2021, p. 69) defende a hipótese de que a escolha de Agostini como patrono das HQs nacionais se deve necessariamente ao contexto político do país durante os anos 1980.

Naquele momento, é válido destacar, o autoritarismo do regime militar vinha paulatinamente perdendo fôlego diante da iminência de um novo pacto republicano. Agostini, em sua época, era considerado um dos maiores críticos do período do Segundo Império, conforme aponta Vergueiro (2017, p. 21).

Notório defensor de ideais republicanos e autor de ácidas e públicas críticas ao regime monarquista de d. Pedro II, a escolha por seu nome como símbolo, em meio aos anos 1980, mais de setenta anos após sua morte, adquire então um notável papel político e simbólico dentro do processo de redemocratização pelo qual o país passava naquele momento.

Rogério de Campos (2015, p. 203), por sua vez, destaca o republicanismo de Agostini e seu inconformismo com as mazelas de seu tempo, elementos contrastantes com a postura mais amena e nada contestadora de Sisson, que, ainda segundo Campos (2015, p. 172), chegou a receber a nomeação de cavaleiro da Imperial Ordem da Rosa, ganhando assim a titulação de Litógrafo Imperial, concedida por d. Pedro II.

Ao referir-se ao ítalo-brasileiro, contudo, Campos não chancela a escolha deste como pioneiro dos Quadrinhos brasileiros, mas pondera que Agostini “pode não ter sido o primeiro a fazer quadrinhos no Brasil, mas foi certamente o melhor, mais importante e mais divertido artista gráfico que o país teve no século XIX” (Campos, 2015, p. 202).

Acerca da exaltação de Agostini e do subsequente esquecimento de Sisson, Campos (2015, p. 172) formula uma hipótese diferente daquela levantada por Gomes e atribui a escolha – à qual chama de “lapso” – do ítalo-brasileiro a uma suposta influência da concepção estadunidense de que os Quadrinhos necessitam de personagens recorrentes para serem lidos como Quadrinhos. Entre os argumentos de Gomes e Campos temos hipóteses, mas é possível tirar daí algumas impressões.

Em termos formais, existem algumas diferenças evidentes entre os trabalhos desses dois quadrinistas que vão além desse fator citado por Rogério de Campos. As linhas que delimitam cada quadro, por exemplo, aparecem no trabalho de Agostini, mas não no trabalho de Sisson. O estilo de escrita e o direcionamento do eixo verbal do ítalo-brasileiro, por sua vez, apresentam maior grau de complexidade e caráter decodificador do que a concisão minimalista adotada por Sisson consegue atingir.

De igual modo, a narratividade e o grau de detalhamento dos desenhos de ambos também são dissonantes, em um primeiro momento. O que os aproxima, contudo, se mostra maior do que as diferenças estilísticas que os separam, ou seja: a sequencialidade e a simultaneidade da justaposição de imagens contidas em quadros, estejam seus limites assinalados ou não.

Entre divergências e convergências, fato é que, no fim das contas, ao longo das décadas, Agostini se tornou objeto de estudo de pesquisadores conceituados dentro dos estudos de Quadrinhos no país, como o notório professor Antônio Luiz Cagnin, enquanto Sisson ficou por anos relegado ao esquecimento na história quadrinística brasileira, até que seu legado foi trazido de volta para o centro das discussões sobre as origens da narrativa gráfica nacional ao longo dos últimos anos.

Assim, fica evidente que a construção do discurso histórico não leva em conta apenas o aspecto cronológico dos fatos, de modo que mesmo a busca por origens se encontra sujeita a instâncias de legitimidade que se impõem em suas demandas, sejam elas de natureza política, econômica ou social, sem abrir espaço para preocupações de ordem moral ou ética, tampouco para minúcias de natureza cronológica.

Algumas considerações…

No estudo de quadrinhos, é muito comum vermos certa obsessão com as origens das HQs mesmo quando este não é o tópico central de análise da pesquisa. Não partilho desse anseio, pois costumo me interessar mais pela curva de desenvolvimento do meio ao longo dos tempos e menos pelas raízes de seu surgimento.

Ademais, tem muita gente boa e séria que já se dedica a estudar as minúcias que envolvem as origens dos quadrinhos no país. Um livro que recomendo muito, por sinal, é o A guerra dos gibis, de Gonçalo Junior. Na obra, o autor repassa os bastidores da formação do mercado editorial brasileiro e nos permite conhecer melhor as contradições que marcaram o desenvolvimento das HQs em nosso país.

Logo, é interessante observarmos como o discurso histórico carrega consigo definições e certezas que podem ser colocadas em perspectiva a qualquer momento.

Dos tempos de Sisson e Agostini para cá, o quadrinho nacional cresceu e se desenvolveu significativamente. Uma vasta gama de livros, teses e artigos acadêmicos já foram redigidos sobre o tema, que é riquíssimo e parece inesgotável ao mostrar como a História dos quadrinhos se mistura de forma indissociável à História do desenvolvimento do país nos últimos séculos.

Logo, em um país de dimensões continentais como o Brasil, ainda hoje há muito da produção quadrinística brasileira a se conhecer, de modo que é impossível traçar um perfil unificado e cristalizado do que seria uma escola brasileira de se fazer quadrinhos, pois a identidade do Quadrinho Nacional se constrói justamente a partir da ausência de unidade e da presença de uma pluralidade aglutinadora e complexa de identidades.

Deixe um comentário

Ao longo dos últimos anos, devido ao doutorado, me foquei na obra de Marcello Quintanilha, mas tentei me manter atento ao máximo do que consegui da produção quadrinística nacional.

Digo que “tentei” pois claramente não tive como dar conta de acompanhar o ritmo acelerado com que os quadrinistas de nosso país vêm trazendo gibis ao mundo dia após dia.

Sério, quanto mais pesquiso e procuro, mais autores descubro, mais estilos distintos conheço e mais me dou conta de que vai demorar pra conseguir entender melhor o escopo que a produção quadrinística nacional atingiu ao longo dessa última década.

O que me consola é que nada vence o homem paciente, portanto, sigo em frente na missão de conhecer cada vez mais do Quadrinho Nacional!

TOP 5 HIPER-REQUADROS!

• “Robô Esmaga”, de Alexandre S. Lourenço.

• “Reparos”, de Brão Barbosa.

• “Nos olhos de quem vê”, de Helô D’Angelo.

• “Future State: Swamp Thing #02”, de Ram V, Mike Perkins e June Chung.

• “The Boy Wonder”, de Juni Ba.

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Na última terça-feira, 20, a editora Janaina De Luna deu uma entrevista para o Fora do Plástico, mas o anúncio que ela tinha a fazer não era o de lançamento de um novo clássico contemporâneo dos quadrinhos, mas sim uma notícia que ninguém gostaria de dar:

Os motivos são absolutamente compreensíveis e não vou me ater a eles nesse texto, pois meu intuito é olhar a questão a partir de uma perspectiva mais geral e difusa.

[Caso você queira saber mais detalhes, eis a referida entrevista a seguir:

O Fora do Plástico também publicou uma matéria em seu site para noticiar o ocorrido.]

Ainda que o volume de publicações da Mino no último ano tenha decaído consideravelmente, a notícia chocou e causou espanto geral. A repercussão na bolha de quadrinhos brasileira foi considerável, e não é para menos.

A Mino marcou época nesses pouco mais de 11 anos no mercado, tanto pela curadoria excepcional quanto pelo cuidado editorial em relação aos gibis que publicaram e aos autores que colocaram nos holofotes da bolha leitora de HQs de nosso país.

Nesse sentido, inclusive, janeiro não tem sido um mês fácil para nosso nicho.

Na primeira semana do ano, Sidney Gusman anunciou que estava saindo da MSP. A segunda quinzena mal começou e já temos uma das editoras mais relevantes do segmento anunciando o encerramento de suas publicações.

Seriam estes acontecimentos, de alguma forma, sinais de tempos ainda mais difíceis para os quadrinhos no país?

É aguardar para ver.

Não tenho em mãos os dados que mensuram o impacto econômico da Mino na cadeia alimentar gibizeira nacional, mas posso falar do impacto artístico que a Editora teve em nossa cena quadrinística ao longo de tantos anos e tantos gibis publicados.

Ao longo dos anos, a Mino abriu espaço para que os leitores de gibis do país conhecessem diversos quadrinistas nacionais e internacionais. Por intermédio dela, conheci quadrinistas do naipe de Shiko, Paulo Crumbim, Alexandre Lourenço, Box Brown e Jason, e estou listando de cabeça, certo de que terei mais nomes a listar aqui caso faça a checagem precisa do vasto catálogo da Editora.

Além de ampliar o leque de autores publicados no país, a Mino tornou acessíveis os diversos gibis autorais do Jeff Lemire e também trouxe a gibigrafia autoral de Ed Brubaker para o mercado brasileiro quando nenhuma outra editora sequer sonhava em conseguir publicar.

Por sinal, não sei se o projeto editorial em torno do Brubaker se mostrou, de certa forma, um movimento arriscado demais para o porte da empresa até então, levando a Mino a uma sinuca de bico que culminou com o encerramento das atividades.

Reitero: eu não sei de nada nesse sentido, mas especulo, talvez em uma inconsciente busca por respostas que talvez nunca verão a luz do dia. Se for este o caso, será de uma triste ironia.

Como o fechamento da Mino afetará a cena BR de gibis? Surgirão novas casas editoriais para ocupar seu espaço na cena? É sempre uma notícia ruim vermos editoras fecharem, pois isso significa menos portas abertas para que novos talentos surjam com força na cena, assim como diminui as possibilidades de que pérolas quadrinísticas gringas destoantes do padrão hegemônico sejam pinçadas e publicadas por aqui.

Publicar quadrinhos no Brasil é um negócio muito arriscado, logo, a coragem de fugir do senso comum e montar uma curadoria diversa e tão virtuosa não é tarefa fácil, não é qualquer um que topa pagar o preço e colocar o pescoço na forca em nome de uma visão de mundo e de um ideal de publicação.

Entre erros e acertos, a Mino exerceu esse papel durante muitos anos, contribuindo sobremaneira para a expansão de horizontes dos quadrinhos no país, seja através de novos nomes da cena nacional ou mesmo de autores de renome na cena alternativa internacional.

Não é qualquer editora que topa trazer Michael DeForge, Seth e James Kochalka para um cenário editorial até então tão avesso a qualquer gibi que fugisse do padrão ou que não garantisse uma publicação serializada capaz de gerar lucros recorrentes.

Não é qualquer editora que emplaca um projeto tão inclusivo quanto o Narrativas Periféricas e se dispõe, no auge de sua produção editorial, a dar oportunidade para jovens talentos oriundos da periferia publicarem seus trabalhos e se lançarem na cena por uma editora tão prestigiada pelo público leitor.

Sei que nem tudo são flores e certamente problemas e erros surgiram nessa trajetória. Ninguém é santo nesse mundo e é impossível que alguém passe 11 anos em atuação sem ter pisado na bola com alguém em algum momento, mesno que minimamente.

Dito isso, os relatos de amigos que tenho em comum sobre os responsáveis pela Mino sempre foram bem elogiosos. Assim, é uma pena que estejam saindo de cena nesse momento, e não posso desejar nada diferente de muito sucesso em suas novas empreitadas profissionais.

Espero que o espaço que a Editora deixa no mercado editorial quadrinístico nacional seja preenchido por profissionais tão corajosos e ousados quanto foi a equipe capitaneada por Janaina De Luna. O espaço que a Mino conquistou na memória coletiva da gibisfera, porém, não será tomado jamais.

A Mino está fazendo queima de estoque em seu site, pois os gibis que não conseguir vender até a data oficial de fechamento da empresa deverão ser destruídos.

Muitos títulos já estão esgotados após o anúncio no Fora do Plástico, mas se você queria comprar algum dos grandes gibis que a Mino publicou ao longo desses anos, a hora é agora!

Deixe um comentário

TOP 5 HIPER-REQUADROS!

• “Tetris”, de Box Brown.

• “Intempérie”, de Daniê Mag.

• “Você não me conhece”, de Guilherme de Sousa.

• “Nos olhos de quem vê”, de Helô D’Angelo.

• “Blueberry - Edição Definitiva Vol. 1”, de Jean-Michel Charlier e Jean Giraud.

Subscreva agora

POST SCRIPTUM:

Tenho trabalhado muito e jogado muito Red Dead Redemption 2 nos últimos dias, e percebi que isso tem alterado a produtividade por aqui.

Assim, resolvi mudar algumas diretrizes iniciais e agendar os próximos artigos da HIPER-REQUADRO para as segundas-feiras pela manhã.

[Hoje, excepcionalmente, o texto saiu um pouco mais tarde, como você pode ter constatado em sua caixa de e-mails.]

Dessa forma, pretendo conseguir me organizar melhor para manter a periodicidade semanal de postagens, trazendo um pouco mais de análise e crítica do que as últimas semanas, que foram bem movimentadas.

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Perdi as contas das vezes em que abri o rascunho e encarei a tela por horas, escrevendo e apagando ou mesmo lendo materiais de apoio enquanto pinçava ganchos para abordar.

Depois de muito dourar a pílula e ficar ensaiando um grande e revolucionário texto que acabaria nunca ficando pronto, resolvi colocar essa pensata no mundo, liberando-a para que a discussão possa florescer.

Portanto, o texto a seguir se configura como um ensaio, na acepção da palavra, um pensamento em aberto que tende a se expandir com o passar do tempo e com o subsequente amadurecimento das ideias nele dispostas.

Subscreva agora

Da mesma forma que gosto de escrever, gosto de ler críticas sobre gibis.

Recentemente, li uma crítica sobre uma HQ em um veículo de mídia longevo e de grande prestígio internacional. O gibi em si nem vem ao caso, pois o mérito da questão aqui é outro. Alguns pontos levantados pelo autor do texto me incomodaram sobremaneira, e não por discordar ou concordar em relação à opinião dele, mas sim pelo princípio que norteou o argumento em si:

Ao constatar esse modus operandi, balancei a cabeça negativamente de imediato. Sei que esse caminho é tentador, mas não é por ele que devemos seguir.

Não é função da crítica dizer o que uma obra deveria ser, mas sim avaliá-la pelo que ela é. Esse é um princípio básico que podemos tomar emprestado da crítica literária (minha área de origem) para aplicarmos de forma transdisciplinar na crítica quadrinística, que é nosso objeto de análise nessa newsletter.

Partilhar

O professor Eduardo F. Coutinho (2013, p. 136) certa vez destacou:

“As obras de arte têm sido avaliadas desde a Antiguidade à luz de critérios vários, que oscilam de acordo com a época, e todas as tentativas de generalização ou universalização de parâmetros têm-se desde então revelado falaciosas, se não mais pela impossibilidade de mensurá-los com objetividade.

Portanto, é seguro dizermos que a crítica quadrinística não deve seguir uma lista imutável e intransigente de critérios a serem ticados ou não, mediante o cumprimento de seus pré-requisitos. Não dá para tratar o ofício crítico como uma receita de bolo, uma vez que estamos tratando de uma atividade analítica altamente reflexiva.

Cada HQ demanda um esforço diferente de compreensão, seja de horizonte referencial, abordagem teórica e estilística ou mesmo de contexto histórico. Assim, pensar em um modelo de crítica que não se altera mesmo diante das mais distintas formas de se conceber uma HQ é equivalente a tentar emular o formato de redação do ENEM para avaliar o mérito literário de um vestibulando.

Um gibi pode dar check em todas as categorias de uma lista de atributos almejados pelo crítico e ser uma leitura medíocre, assim como outro gibi pode fugir de todos os padrões previamente determinados e ser absolutamente genial e paradigmático. Sabe aquele papo de “cada caso é um caso”? Pois é, vale direitinho para quem quer se dispor a fazer crítica. Ou pelo menos deveria, né?!

O imediatismo da era ultraconectada em que vivemos nos faz esquecer disso, mas as melhores discussões e análises costumam surgir com o passar do tempo. Por isso, no decorrer do trabalho crítico é preciso dar espaço para a leitura se assentar e maturar na consciência, apaziguando os ânimos e assim fornecendo subsídios mais sólidos para um julgamento fundamentado mais em critérios claramente definidos e menos guiado pela emoção do imediatismo.

Afinal, quem nunca terminou de ler um livro ou gibi – ou mesmo após assistir um filme ou série – e saiu com opiniões extremadas que foram se amenizando com o tempo e ganhando maior sobriedade e ponderação?!

É por isso que prefiro dar tempo ao tempo antes de formular uma crítica, até mesmo para buscar mais detalhes e ampliar o olhar sobre a HQ que quero analisar. De igual modo, fujo de críticas apressadas e que se pretendem instantâneas, aproveitando o hype de momento e a subsequente dinâmica algorítimica propícia das redes em relação ao consumo imediato.

Nesse sentido, ao lançarmos o olhar para o que temos por gibisfera BR, isto é, a bolha consumidora e leitora de quadrinhos no país, é preciso que saibamos discernir guias de consumo de crítica quadrinística. São atividades de fins distintos e precisam ser entendidas como tal.

Quando assisto ou leio conteúdos de fazem as vezes de guias de consumo, espero sinopses breves e impressões mais breves ainda, dado que a ideia ali é repassar por alto um leque amplo de gibis que estão sendo lançados no país. Quando procuro conteúdo crítico para assistir ou ler, espero análise, argumentação, repertório e a fundamentação de uma perspectiva a ser absorvida.

Não por acaso, o guia de consumo é ideal para antes da leitura, enquanto a crítica se encaixa melhor depois desta.

Sabe o tipo de coisa que não cabe em uma análise crítica? A expectativa pessoal em relação àquela HQ. Por sinal, ao falarmos sobre expectativas de leitura, há um certo senhor barbudo lá em Northampton (2003) que cravou a distinção fundamental entre os papéis nesse tabuleiro:

“Não é o trabalho de um artista dar ao público o que o público quer. Se o público soubesse o que quer, não seria o público, seria o artista. É o trabalho de um artista dar ao público o que ele precisa.”

É preciso lembrar que o crítico é, antes de tudo, um leitor.

Dessa forma, o trabalho do crítico se articula não por determinar os rumos que uma obra deve ou não seguir, como se encarnasse uma espécie de “autor frustrado”, mas sim pela análise das estratégias discursivas empreendidas pelo autor. Assim, ele pode colocar em perspectiva as escolhas assumidas e os subsequentes resultados destas no decurso da narrativa para estruturar sua argumentação e desenvolver uma análise mais ampla e menos tendenciosa.

A título de exemplo, não me cabe dizer se Asterios Polyp deveria ou não se encerrar da maneira que se encerrou, mas sim analisar em que medida o final da história se encaixa com o tom e com as escolhas narrativas feitas por Mazzucchelli. Posso discorrer acerca do peso dramático que a conclusão agrega ao escopo da trama, mas não dizer que é um final certo ou errado em si.

Isso significa jogar o senso crítico pela janela e achar que toda HQ é bacana e digna de elogios? De maneira nenhuma. Existem incontáveis gibis que se perdem no caminho, seja no começo, no meio ou no final.

A grande questão para o crítico é entender que ele não deve se comportar de forma mimada, extravasando frustrações enquanto se coloca em posição de dizer como o autor deveria desenvolver seu trabalho. É um limiar tênue, eu sei, mas é justamente o andar nessa corda bamba que torna a crítica um terreno tão interessante.

Partilhar HIPER-REQUADRO

Uma boa crítica amplia os horizontes do texto e do leitor, que se vê convidado a ir ao encontro da trama para encará-la de novas formas, entendendo melhor certas escolhas do autor, de modo a assim criar novas significações para sua interpretação enquanto se depara com novas chaves de leitura possíveis.

Uma das maiores armadilhas dessa era das mídias sociais é a crítica impressionista, que acaba invariavelmente se resumindo ao “gostei” versus o “não gostei” ao final da leitura. Muitas vezes, esses veredictos enxutos e até mesmo apressados induzem o leitor desavisado – e pouco maturado – a deixar de ler uma HQ.

Nesse sentido, até mesmo a ideia de uma HQ “valer ou não a pena” – que certamente já exprimimos em algum momento e com a qual já nos deparamos por todo lado nas resenhas/reviews que pipocam nas redes sociais – já transmite uma carga de sentido extremamente prejudicial, dado que implica certa noção de “sacrifício” na leitura. É trabalho do crítico oferecer uma perspectiva sobre a HQ e analisar os recursos dela, nunca dizer se o leitor deve ou não lê-la.

Costumo dizer que uma boa crítica me faz querer reler o texto (e por aqui, nesse artigo, me refiro a gibi quando falo em texto), confrontando-o a partir de uma perspectiva que até então não me era tão clara. Isso vale para quando eu gostei de uma HQ e para quando não gostei.

O professor Fabio Durão (2020), ao discorrer sobre a importância da crítica literária para o Brasil, destacou:

“No Brasil do século XIX e da primeira metade do século XX, ela foi fundamental para o projeto de construção da identidade nacional. Por meio da crítica, manifestações literárias tão díspares quanto o indianismo e a Semana de Arte Moderna passaram a contribuir para a representação daquilo que seria, para o bem ou para o mal, a essência da nação. Esse papel foi hoje minado por um capitalismo transnacional avesso a particularismos nacionalistas e pelo advento, consolidação e supremacia da indústria cultural, diretamente ligada a ele.”

Tenho comigo a convicção de que não dá pra pensar no fortalecimento da cena de quadrinhos brasileira sem o estabelecimento e a consolidação de uma crítica quadrinística sólida, responsável e consciente de seu papel. É quase como um ouroboros, a serpente que abocanha a própria cauda e assim simboliza uma espiral de evolução e de eterno retorno.

Do contrário, teremos na cena brasileira de quadrinhos uma onda cada vez maior de consumismo desenfreado, acrítico, raso e sem substância, que gera uma retroalimentação que fagocita os integrantes de todos nela inseridos, desde quem cria, edita, publica, vende, divulga e, por fim, quem compra.

A partir do amadurecimento e consolidação da crítica especializada, podemos passar a pensar em um subsequente amadurecimento e consolidação do público leitor de quadrinhos.

Assim, podemos pensar na qualificação do debate público e na ampliação do leque referencial de um mercado que hoje se baseia puramente em colecionismo, com muitos gibis saindo em tiragens pequenas e passando despercebidos pela maior parte do público, atropelados pelo trem descarrilhado da nostalgia que sustenta a maior parte do nosso mercado editorial de quadrinhos na atualidade.

Somente com o fomento do ofício crítico voltado para a análise quadrinística especializada será possível fugir do impressionismo que norteia os reviews que se avolumam nas redes. Narratologia, sociologia, semiótica, história da arte, teoria de linguagem quadrinística, linguística, teoria literária… são tantos os campos do conhecimento que são necessários para uma análise crítica bem fundamentada que se formos parar para destrinchar todos, esse ensaio não acaba nunca.

Portanto, a presença de análises com embasamento e repertório crítico e analítico bem articulados na gibisfera BR é a chave para que consigamos ampliar os horizontes de nosso público leitor, que foi condicionado a consumir mais do que a refletir.

Já se perguntou qual a relevância de adquirir o lançamento do ano em pré-venda? É para ter em mãos antes de todos, ou para poder fruir daquela leitura o quanto antes, tendo em mente a pertinência e a qualidade quadrinística daquela referida HQ? Já reparou que essas perguntas nunca são feitas por quem quer que você compre, antes mesmo de saber o porquê da compra? Pois é…

Quando a crítica quadrinística é bem fundamentada e consolidada, gera caminhos, perspectivas e nuances para a HQ, tornando a leitura ainda maior e mais rica do que anteriormente se supunha. Sabe como ela possibilita tudo isso? Lançando mão das perguntas certas. Afinal, como dizem, "não são as respostas que movem o mundo, são as perguntas".

Deixe um comentário

TOP 5 HIPER-REQUADROS!

• “Blueberry - Edição Definitiva Vol. 1”, de Jean-Michel Charlier e Jean Giraud.

• “Carniça e a blindagem mística: A tutela do oculto”, de Shiko.

• “Carniça e a blindagem mística: A morte anda no mundo”, de Shiko.

• “Carniça e a blindagem mística: A morte anda no mundo”, de Shiko.

• “Carniça e a blindagem mística: A filha da mulher morta”, de Shiko.

[Se você se interessou por Carniça e a blindagem mística após ver algumas páginas dessa série nessa seção, vá lá na Shiko Loja e adquira!]

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Na última semana, publiquei minha lista de 10 melhores leituras de 2025 por aqui. Caso você não tenha percebido, observe que procurei não estabelecer um ranking entre as HQs selecionadas. Assim, a ordem em que elas apareceram foi muito mais cronológica do que qualitativa. De igual modo, retirei da “disputa” as releituras que fiz ao longo dos últimos 12 meses e só considerei leituras inéditas como aptas a aparecerem nessa seleção.

Por esse motivo, a seminal Planetary, de Warren Ellis e John Cassaday, não figurou entre as eleitas.

Subscreva agora

Li essa série pela primeira vez há mais ou menos uns 10 anos, quando tinha consideravelmente menos repertório crítico e bagagem de leitura do que possuo atualmente. Por óbvio, achei uma HQ interessantíssima e muito bem feita, mas não me toquei das incontáveis referências que permeavam a obra, tampouco consegui identificar àquela altura o grau elevadíssimo de refinamento estilístico desse trabalho, abundante em intertextualidade e metalinguagem.

Desse modo, ao reler Planetary, no primeiro semestre de 2025, pude me dar de presente uma releitura atenta e cuidadosa desse gibi, da exata forma que ele merecia ser lido. Ao final da releitura de cada encadernado, procurei escutar o podcast d’Os Escapistas, capitaneado pelo caríssimo Luwig Sá, para complementar a experiência. Recomendo, inclusive.

Durante essa releitura, consegui entender melhor as múltiplas camadas referenciais da obra logo desde as primeiras páginas. Assim, me conectei ainda mais com a trama e consegui abrir novas chaves de leitura que anteriormente não fui capaz. Ahhh o tempo…

Com maior repertório crítico e historiográfico, as referências pinceladas página a página pela equipe criativa deixaram de ser meras piscadelas dos autores e passaram a compor uma camada de significação muito mais ampla para a história, enriquecendo-a sobremaneira. Há um leque muito vasto de elementos da cultura pop que foram massivos no decurso do século XX e que foram empregados no ambiente diegético para dar maior estofo à narrativa, ao mesmo tempo em que também propiciavam uma relação metalinguística que se manifesta para dentro e para fora da HQ.

Trabalho sofisticado, bem feito e muito bem pensado. Só de falar sobre, já me dá vontade de reler novamente…

Partilhar

Durante a infância, era habitual reler as HQs que eu tinha na casa dos meus pais. Não eram tantas quanto possuo hoje, tampouco havia a possibilidade de ler quadrinhos no computador ou tablet (este último nem existia na época, rs). Perdi as contas de quantas vezes reli meus gibis do Mickey, do Aranha, da Turma da Mônica ou mesmo dos Trapalhões. Diante da escassez de leituras novas, a solução era reler incessantemente as revistas que tinha à mão.

O tempo passou, muita água já correu por debaixo dessa ponte e hoje tenho muito mais acesso a gibis inéditos do que outrora tive, tanto nas edições físicas que entopem as estantes e prateleiras daqui de casa quanto das HQs que já lotaram cerca de 500 GB do armazenamento do meu computador. Logo, reler qualquer gibi virou apenas mais uma escolha dentre muitas outras, não mais uma condição de existência leitora.

Paradoxalmente, a cada dia que passa, sinto que preciso reler certas HQs, por diferentes razões que fogem em larga medida da mera nostalgia. Reler um quadrinho traz consigo novas perspectivas sobre o material lido e até mesmo sobre nossas próprias percepções da obra e entendimentos pretéritos dela. Nesse sentido, podemos retomar uma citação creditada ao filósofo Heráclito de Éfeso:

Logo, não posso reler uma HQ da mesma forma que a li anteriormente. Cada nova leitura que faço é realizada por um novo eu, incorporando vivências e sensibilidades que outrora não estavam em mim. Isso vale tanto para um gibi autoral do Paco Roca ou do Chris Ware quanto para o mais derivativo dos gibis de super-heróis.

De tempos em tempos, me pego relendo alguma HQ que por algum motivo me marcou.

A título de exemplo, perdi as contas de quantas vezes reli a fase de J. M. Straczynski e John Romita Jr. à frente de The Amazing Spider-Man desde a primeira vez que tive contato com esse gibi, há mais de 20 anos. Já encarei essa HQ como um garoto recém-chegado à adolescência, como jovem estudante universitário e também como adulto formado. Cada leitura foi diferente.

Sei que não é um clássico atemporal, tampouco é a melhor fase do personagem, mas é a que melhor define Peter Parker pra mim. Para além do mergulho em memórias de tempos pretéritos e mais fáceis, aprecio aspectos técnicos e temáticos dessa fase, bem como odeio a reta final de JMS no título, após a saída do Romitinha. Defendo a qualidade dessa fase até o ponto em que o filho do Romitão sai do título. Depois disso, lavo minhas mãos e culpo Joe Quesada por tudo de ruim que aconteceu daí em diante.

A primeira vez que li A casa, de Paco Roca, foi no começo de 2021, durante a pandemia. A segunda vez foi imediatamente após a primeira. Literalmente, assim que findei a primeira leitura, abri novamente a HQ do começo e me embrenhei pela trama daquela família espanhola enlutada e saudosa como se minha vida dependesse daquilo. Ao final da segunda leitura, precisei de um tempo pra processar o impacto emocional daquela HQ, que trata de um tema que ninguém quer encarar até que seja inevitável, a morte dos pais.

Aprecio muito o trabalho de Paco Roca e tenho quase tudo dele que saiu no Brasil até o momento. O considero, em larga medida, um dos melhores quadrinistas da atualidade. Já revisitei A casa posteriormente, mas para analisar aspectos composicionais de sua narrativa gráfica. Ainda não tive coragem de reler outra vez a HQ na íntegra, mas sei que mais dia, menos dia, o farei.

Partilhar HIPER-REQUADRO

Não posso discorrer sobre a importância das releituras sem citar um dos meus favoritos (senão O) da vida, Mike Mignola. Hellboy é, há alguns anos, minha série quadrinística favorita. Já reli as histórias do maior detetive sobrenatural do mundo incontáveis vezes, seja acompanhando apenas a saga apocalíptica ou mesmo maratonando o mignolaverso de cabo a rabo.

Ainda hei de escrever um texto mais longo analisando as minúcias desse universo ficcional tão vasto, mas por ora preciso mencionar o quanto as releituras das histórias de HB enriqueceram a saga como um todo. A cada vez que reli, pesquei novos ganchos e pontos de contato que foram surgindo ao longo dos anos e, assim, pude identificar melhor os eixos temáticos e as escolhas estilísticas que eram caras a Mignola e sua equipe de colaboradores.

Que Hellboy trata de uma luta por independência e livre-arbítrio, qualquer um pode perceber logo na primeira lida. É o leitmotiv de toda a série, por trás do horror lovecraftiano e do grande apanhado de diversas referências mitológicas mundo afora que norteiam a condução diegética e o tom de composição e ambientação da série.

Com a releitura, é possível identificar melhor o grande estudo de personagem que Mignola empreende, desenvolvendo de forma fragmentária a personalidade e o amadurecimento de seu protagonista diante de insondáveis e sinistros mistérios que circundam suas origens e todo o decurso de sua existência. Hellboy é uma HQ espetacular logo de cara, mas melhora ainda mais quando relida.

(E olha que nem mencionei o grau de sofisticação que o mignolaverso adquire quando surgem as histórias do B.P.R.D.)

Como apreciador do bom e velho romance policial, não é de se estranhar o tanto de vezes que já reli Criminal, HQ de Ed Brubaker e Sean Phillips sobre a qual já discorri longamente nessa newsletter. Sou fascinado com a forma com que a dupla concebe essa trama a partir de uma estrutura episódica para então costurar um universo intrincado e absurdamente interconectado.

Assim, sem perder de vista a manutenção de um tom naturalista e permeado por um realismo feroz, a HQ aposta em uma pegada neo noir para conceber uma narrativa policial que referencia os clássicos ao mesmo tempo em que se posiciona de modo a absorver e aperfeiçoar aspectos mais modernos para encorpar sua estratégia narrativa.

De igual modo, eu poderia discorrer longamente – mais do que já o estou fazendo – e falar sobre como reler por anos a fio a HQ V de Vingança, durante o mestrado, e, sobretudo, a gibigrafia de Marcello Quintanilha, durante o doutorado, foram processos fundamentais e inescapáveis para que fosse possível o trabalho analítico que desenvolvi ao longo dos anos de pesquisa.

Não seria possível captar tantas nuances, tendências e escolhas discursivas sem esse processo repetitivo, por vezes enfadonho e tão minucioso. O entendimento pleno não vem sem trabalho duro, e tenho certeza que se pegar para reler essas obras hoje, encontrarei novos pontos de vista a serem observados e discutidos. É assim com todo e qualquer quadrinho, até mesmo com aquele gibi fedorento do Deadpool que você guarda escondido na última gaveta daquela cômoda velha e gasta no seu quarto.

Partilhar

A partir desses exemplos que citei, extraídos de minha própria experiência leitora, quero reforçar o quanto pode ser importante a releitura de determinadas HQs de tempos em tempos. Seja para descobrir novas significações para o que foi outrora lido, seja para avaliar o quanto aquele texto sobreviveu ao tempo, reler e percorrer um novo processo de decodificação de uma HQ nos permite entender essa obra de maneira mais robusta.

Assim, é possível verificarmos se um determinado gibi envelheceu bem ou mal, após tanto tempo desde a primeira leitura. De igual modo, podemos também nos colocar em perspectiva e verificarmos o quanto envelhecemos e mudamos diante daquele texto que se impõe diante de nós. Afinal, uma HQ muda tanto quanto nós mudamos com o avançar dos tempos.

Dessa forma, reler uma HQ é importante tanto para a ressignificação de perspectivas quanto para a confirmação de impressões anteriormente assumidas. Alguns gibis melhoram com o tempo e com a maturação de sua textualidade em nossa consciência, enquanto outros pioram severamente à medida em que o tempo passa. Certamente, nesse momento, você já conseguiu pensar em exemplos de gibis que se encaixam nessas duas categorias, tanto para o bem quanto para o mal.

Portanto, nesse ano que se inicia, dedique-se a ler gibis inéditos sim, o contato com o novo é fundamental, porque como diz Belchior, o novo sempre vem. Porém, não deixe de lado o contato com leituras pretéritas e releia em algum momento HQs que você já te marcaram anteriormente, ou mesmo gibis que você em algum momento leu e não conseguiu gostar. Quem sabe o que uma releitura pode te reservar? Só relendo pra saber!

Partilhar HIPER-REQUADRO

TOP 5 HIPER-REQUADROS!

• “20th Century Men”, por Deniz Camp, Stipan Morian e Aditya Bidikar.

• “Algumas de suas verdades ainda moram em mim”, de Alexandre S. Lourenço.

• “Damasco”, de Alexandre S. Lourenço e Lielson Zeni.

• “Boca de Siri”, de Paulo Moreira.

• “Paper Girls - Volume 6”, de Brian K. Vaughan e Cliff Chiang.

Deixe um comentário

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Não sei como foi pra você, mas, por aqui, o mês de dezembro foi de uma correria insana. Fiquei mais ausente do que gostaria aqui na HIPER-REQUADRO, devido ao excesso de trabalho. Peguei alguns frilas de revisão pra fazer um extra nesse fim de ano (os gibis não vão se pagar sozinhos, afinal) e eles acabaram tomando mais do meu tempo do que eu esperava.

A meta para 2026 é não ter mais hiatos como esse, então já estou trabalhando em uma série de textos para deixar engatilhados nas semanas que estão por vir. Promessa é dívida!

Subscreva agora

O ciclo de 2025 se encerra hoje, e não dá pra negar que esse foi um ano intenso, corrido e muito resolutivo. Dentro desse período de 12 meses – que passaram voando –, finalizei e defendi minha tese de doutorado, trabalhei bastante, comemorei muitos títulos no futebol (obrigado, Flamengo), coloquei no ar essa newsletter – que era um plano antigo e cercado de expectativas – e li bastante, bem mais do que nos dois últimos anos.

Para fechar com chave de ouro esse ano tão profícuo, resolvi listar minhas 10 melhores leituras de 2025 dentre as 220 HQs que li nesse ano. Então, sem mais delongas, vamos à lista!

COMO PEDRA

Em Como Pedra, o potiguar Luckas Iohanathan desenvolve uma HQ pungente, mordaz e que dialoga com o que de melhor a ficção brasileira contemporânea tem a dizer.

Na trama, como se já não bastassem a fome, a seca e a miséria, uma família ainda precisa lidar com o impensável quando vida e morte parecem virar abstrações vãs.

Assim, o amor de uma mãe, a fé e o fanatismo religioso são colocados em perspectiva nos rincões do Brasil por meio de uma narrativa visual que diz muito com pouco, aliada a uma prosa inspirada e também minimalista. Como Pedra é o tipo de HQ que fica ressoando na mente mesmo dias e meses após o fim da leitura.

Caso você ainda esteja na dúvida se deve ler essa HQ, confira o prefácio dela, assinado pelo grande Marcelino Freire.

ANDEI POR ENTRE AS FRESTAS E TE TROUXE FLORES PEDRAS E ALGUMAS MIUDEZAS

Eu estava há muito tempo ansiando por ler esse gibi do Paulo Crumbim, e a longa espera foi devidamente recompensada. Andei por entre as frestas… é um trabalho ousado e arrojado que coloca uma lente amplificadora sobre a realidade do país ao longo dos últimos anos.

De forma alegórica e vibrante, a HQ se desenvolve como em um fluxo eletrizante de pensamentos e encadeamentos hiperbólicos, num virtuoso exercício de experimentalismo estético. Assim, Crumbim desenvolve uma narrativa metalinguística até a medula e fundamental para a compreensão do Brasil atual.

OUROBOROS

Para surpresa de ninguém que já leu esses gibis, temos mais um trabalho de Luckas Iohanathan entre os melhores do ano por aqui.

Dessa vez, o autor desenvolve uma história tensa e repleta de lacunas a partir da jornada do policial Kesler, que precisa revisitar seus traumas do passado diante de uma mudança iminente em sua vida no presente.

Dizendo muito por meio dos silêncios e hesitações, Iohanathan destrincha uma trama intrincada e que se ressignifica quadro a quadro, à medida que a narrativa progride e desvela seus segredos diante do atônito e impassível olhar do leitor.

Com arrojo e sensibilidade ímpares, Ouroboros surpreende e impacta do começo ao fim.

DORMINDO ENTRE CADÁVERES

Em Dormindo entre cadáveres, o quadrinista brasileiro Felipe Parucci se juntou ao médico português Luís Moreira Gonçalves para contar a história real deste na linha de frente em Rondônia durante a pandemia de covid-19.

A HQ aborda os problemas estruturais que foram potencializados a partir do colapso do sistema de saúde do país em meio ao caos sanitário que se instaurou entre 2020 e 2021 no Brasil e no mundo.

A HQ acerta ao partir da experiência individual de Luís para então se expandir, mostrando como as condições estruturais eram precárias para o enfrentamento de uma doença dessa magnitude. Assim, o gibi reforça o papel fundamental dos profissionais da saúde nessa luta pela sobrevivência que travamos diante de um inimigo invisível e impiedoso que tantas vidas ceifou.

Revisitar eventos tão pungentes após tão pouco tempo é doloroso, mas absolutamente necessário para que nada do que aconteceu seja esquecido pela sociedade. Dormindo entre cadáveres é um dos melhores e mais tocantes relatos acerca da pandemia que tive contato.

HEXAGON BRIDGE

Concebida por Richard Blake – um quadrinista de quem eu jamais havia ouvido falar até então –, Hexagon Bridge saiu entre 2023 e 2024 nos EUA e é uma pérola escondida no catálogo da Image Comics.

Na trama futurista, a jovem clarividente Adley conta com o auxílio do robô Staden para encontrar seus pais, um casal de cartógrafos que se perderam anos atrás em uma missão exploratória num multiverso permeado por IAs e dimensões paralelas.

Primeiro trabalho conhecido de Richard Blake, é possível dizer que o autor estreou com o pé na porta, entregando uma HQ de ficção científica que se descortina através de layouts impressionantes, unidos a um texto que busca extrair humanidade de seus personagens mesmo quando estes se encontram envoltos por um ambiente que exala artificialidade.

BOM DIA, SOCORRO

Em Bom dia, Socorro, o paraibano Paulo Moreira narra a batalha interminável de Beta e Socorro por conta das famigeradas mensagens de “bom dia” do Zap. Beta não aguenta mais Socorro lhe incomodando com tantas figurinhas e imagens lotando a memória de seu celular, então o que lhe resta é o revide na mesma moeda, pra ver quem desiste primeiro.

Paulo Moreira vem se consolidando como um dos maiores e mais originais quadrinistas brasileiros desse geração. Seu trabalho traz consigo uma brasilidade e uma raiz popular que me lembra muito o trabalho de um outro Paulo, o Vieira, na série Pablo & Luisão, da Globoplay.

Ao mesclar aspectos dos animes shonen com a dinâmica comunicacional do WhatsApp para narrar uma picuinha entre duas mulheres de meia-idade, o quadrinista evidencia como seu repertório referencial vasto pode potencializar sua estratégia discursiva. Esse é daqueles gibis pra se ler de uma vez só, sem parar até descobrir o final do embate entre as duas protagonistas.

THE KNIVES

Falei bastante de The Knives nesse texto aqui. Décimo primeiro álbum da série Criminal, esse é mais um brilhante episódio narrado por Ed Brubaker e Sean Phillips.

Dessa vez, acompanhamos Jacob e Angie em histórias que acabam se entrelaçando de forma fragmentária, dispersiva e envolvente. Essa HQ funciona tanto para quem quer conhecer o mundo de Criminal quanto para quem já conhece e acompanha esses personagens ao longo dos anos.

SOPA DE LÁGRIMAS

Demorei tempo demais para começar a ler as histórias de Love and Rockets. Se soubesse que iria gostar tanto, teria feito isso anos atrás. Em Sopa de lágrimas, Gilbert Hernandez apresenta os conflitos e idiossincrasias dos habitantes de Palomar, em uma espécie de slice of life com doses cavalares de realismo mágico latino-americano.

Assim, somos apresentados a mulheres fortes e homens patéticos envoltos em confusões de toda sorte, enquanto a vida vai acontecendo e seguindo seu fluxo. Essa é daquelas HQs para se ler com calma, um conto por vez, se dando tempo para aproveitar a viagem. Autêntico clássico dos quadrinhos independentes estadunidenses.

BOCA DE SIRI

Olha quem também apareceu duas vezes nessa lista!

Em Boca de Siri, Paulo Moreira brinca com aspectos do realismo mágico para contar uma história que reflete sobre o avanço inclemente do capitalismo, que sacrifica até mesmo o meio ambiente em prol de uma sede inesgotável por lucro.

Na HQ, um guaiamum gigante chega à praia de Cabo Branco para impedir uma obra inescrupulosa de alargamento da faixa de areia. Diante desse alvoroço, os amigos Ygo, Vitória e Duda decidem que precisam presenciar o quebra-pau entre o bicho e o robô gigante que a prefeitura de João Pessoa trouxe para garantir a lucrativa, porém ecologicamente reprovável obra.

Com um texto afiado e forte no timing cômico, Paulo Moreira proporciona uma deliciosa viagem pelas ruas da capital da Paraíba, criando uma atmosfera leve e descompromissada para desenvolver os aspectos mais absurdos de sua narrativa de modo que estes não soem deslocados do ambiente diegético como um todo.

Assim, Boca de Siri é uma HQ que associa elementos fantásticos como os Mechas com a dinâmica da realidade urbana do Brasil para estabelecer as bases de sua estruturação discursiva. Tudo que está contido no gibi faz sentido dentro da narrativa, ao mesmo tempo em que cada alegoria hiperbólica consegue apresentar substrato crítico em relação à realidade atual do país, permeado por bets, políticos populistas histriônicos e um estado de convulsão social constante e contrastante com a vontade do brasileiro de tentar seguir sua vida em paz.

DAMASCO

Saulo está em profundo desencanto consigo e com o mundo, mas não sabe como reagir. Assim, em Damasco, Alexandre S. Lourenço e Lielson Zeni exploram os dilemas existenciais de um protagonista que pouco se revela, mas muito se mostra. Com refino estético e concisão discursiva, a dupla consegue desenvolver um quadrinho hermético, denso e que produz significados tanto pelo dito quanto pelo não dito.

Provocante, a HQ desafia o leitor a entender seus silêncios, pausas e lacunas, refletindo a vagueza discursiva de um protagonista que aparenta apatia para disfarçar uma confluência caótica de sentimentos e percepções de si e do mundo.

Damasco é, sem sombra de dúvidas um dos grandes gibis nacionais dos últimos tempos, daqueles que pedem releituras constantes e entregam significações múltiplas de igual modo.

Partilhar

MENÇÕES HONROSAS

Preciso mencionar três HQs que ficaram de fora do Top 10 por muito pouco, mas foram leituras excelentes durante esse ano.

• O primeiro volume de Absolute Martian Manhunter, de Deniz Camp e Javier Rodríguez;

• A sexta e última edição de luxo de Starman de James Robinson e Peter Snejbjerg;

• A graphic novel Hypericon, de Manuele Fior.

Deixe um comentário

Enfim, 2025 acabou!

Desejo que 2026 nos traga bênçãos e boas leituras. Agradeço por você ter chegado até aqui e espero que siga acompanhando a HIPER-REQUADRO nesse novo ano que se inicia.

Estaremos por aqui semanalmente falando sobre Histórias em Quadrinhos. Você é e sempre será bem-vindo(a) nesse espaço!

Subscreva agora

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

“Na realidade, a essência do Camp é sua predileção pelo inatural: pelo artifício e pelo exagero.” (SONTAG, 1964.)

Em um primeiro momento, a citação acima – junto do título – pode te levar a acreditar que nos debruçaremos sobre a estética Camp no artigo dessa semana. Te peguei, pequeno gafanhoto.

Estamos aqui hoje para falar de alguém que, sob diferentes parâmetros, também prima pelo artifício e pelo exagero: o quadrinista filipino-americano Deniz Camp, um dos novos nomes da cena estadunidense de Quadrinhos. O autor é responsável por HQs como The Ultimates (Marvel Comics), Absolute Martian Manhunter (DC Comics), 20th Century Men (Image Comics) e… Assorted Crisis Events (Image Comics).

Mais especificamente, nos deteremos a esse último trabalho citado. Então, como você já sabe, é hora de pegar uma xícara de café quentinha, se aconchegar na cadeira/poltrona e começar a leitura. Bora?!

O conceito de Multiverso está novamente em voga na cultura pop. Tópico comum nos quadrinhos de Marvel e DC há décadas, esse recurso narrativo, bem ou mal, vem tendo grande destaque em narrativas audiovisuais, seja no cinema ou no streaming, ao longo dos últimos anos.

O PH Santos tem um ótimo – e longo – vídeo-ensaio sobre o tema, então achei melhor disponibilizá-lo a seguir do que meramente resumi-lo.

Em linhas gerais, concordo com muitos pontos que ele aborda, sobretudo quando penso na abordagem do conceito de multiverso nas HQs de Marvel e DC. Salvo raras exceções, quando me deparo com tramas envolvendo realidades alternativas dos super-heróis das majors o que me vem à mente é uma clara sensação de esgotamento criativo ali presente, uma autofagia preocupante e, por vezes, entediante.

Ora, na impossibilidade de mudanças mais abruptas – e definitivas – em universos ficcionais cuja cronologia sobrevive a partir da eterna ilusão de mudança, o emprego desse subterfúgio espaço-temporal não é outra coisa senão balão de ensaio para que ideias sejam desenvolvidas sem maiores cobranças, afinal, se a trama não agradou, o leitor pode esquecer, já que não é canônica.

Existem exceções, contudo.

Partilhar

Em março de 2025, a Image Comics publicou a primeira edição de Assorted Crisis Events, escrita por Deniz Camp, desenhada por Eric Zawadzki, colorizada por Jordie Bellaire e com letreiramento de Hassan Otsmane-Elhaou. Curiosamente, durante a pesquisa para elaboração desse texto, encontrei um post no Reddit de fevereiro de 2025 em que o próprio Camp explica, de forma bem sintética, do que se tratava sua então nova HQ:

Em uma frase, é ‘Crise nas Infinitas Terras se isso estivesse acontecendo com gente comum’ ou ‘Black Mirror se tempo e espaço estivessem se desfazendo’.

A ideia central, logo de começo, já se mostrou muito interessante, não é?!

Como de costume, esperei que a série fechasse seu primeiro arco e então li as histórias em sequência. Acho mais fácil lidar assim com histórias seriadas, para não esquecer detalhes do enredo na espera mês a mês por cada novo capítulo. A premissa me agradou de início, mas o que me fisgou de vez nessa HQ é, sem dúvidas, a forma como se dá seu desenvolvimento.

Ao longo das primeiras cinco edições – que integram esse primeiro volume de Assorted Crisis Events –, a equipe criativa desenvolve histórias autocontidas de pessoas que se encontram em crise durante uma Crise no espaço-tempo. Nesses contos, somos apresentados a pessoas normais, lidando com suas vidas ordinárias ao mesmo tempo em que encaram, literal ou figurativamente, o colapso do tempo.

Dessa forma, cada narrativa se desenvolve a partir de uma premissa distinta, ora em primeira pessoa, ora em terceira. Se em um conto o narrador onisciente assume uma postura mais neutra em seu relato, noutro já se intromete mais no decurso diegético.

Subscreva agora

Como lidar com o término de um casamento enquanto sua vizinhança está sendo invadida por variantes de outra realidade que escaparam da morte certa e agora buscam abrigo na cidade correspondente à realidade deles? Como fazer para chegar ao emprego quando as realidades ficam se sobrepondo e te deixando em constante sensação de deslocamento? Como perceber o avançar do tempo quando ele está pulando quase que aos soluços? Como lidar com o peso da perda e a força da memória enquanto a realidade nos endurece mesmo contra a vontade? Como entender os próprios traumas quando a vida é em si um grande e tenebroso looping temporal?

A qualidade absurda do texto de Camp é devidamente acompanhada pelos demais integrantes da equipe criativa, que entrega uma profusão de hiper-requadros que pulsam nas páginas e contribuem sobremaneira para que a história seja contada e, sobretudo, sentida. Diversos recursos são empregados, como explosões, entroncamentos de realidades, páginas sangrando, eternos retornos, simetrias perfeitas, colorização e letreiramento, enfim, todo e qualquer recurso à disposição para que a trama seja contada é a todo instante utilizado pela equipe criativa.

Por sinal, as cores (bem como a ausência delas) são fundamentais também para que possamos entender o entrelace de realidades e a sobreposição de temporalidades que abundam nas páginas. Sem se atentar a isso, muitas vezes os quadros podem soar confusos para os mais desavisados, afinal, nessa HQ as coisas acontecem tal como naquele filme, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo.

A alternância no foco discursivo é um recurso muito interessante para a proposta de ACE, sobretudo pela possibilidade de enxergarmos como diferentes pessoas nos mais diversos lugares estão enxergando aquela situação que, até o momento, não foi devidamente explicada. Não somos informados dos porquês da crise no tempo, mas encontramos pessoas alquebradas vivendo durante esse período crítico, encarando os dilemas da vida enquanto o imponderável recai sobre suas cabeças.

Todas as edições me consumiram muito tempo pós-leitura, dado que a cada final de história me peguei pensando durante horas acerca das questões levantadas pelas tramas, a nível estético e narratológico. Dentre as cinco, talvez uma das sacadas mais perspicazes e urgentes nessa HQ seja a terceira edição, que faz uso do plot de realidades paralelas quase idênticas para abordar a crise migratória e o impacto na vida da população. É de uma sagacidade impressionante a forma como os autores trouxeram um tema crítico do mundo real para a narrativa de maneira orgânica e bem desenvolvida, ainda que deveras pessimista.

A leitura de Assorted Crisis Events demanda uma dose extra de atenção, tanto para pescar as pistas deixadas ao longo do texto quanto no decorrer da narrativa visual propriamente dita. Afinal, quem é aquele velhinho com roupas surradas, cabelos longos e óculos protetor que aparece em todas as edições fazendo alusões ao fim dos tempos? O primeiro volume deixa muitas perguntas em aberto, e o futuro parece promissor para uma série que, ironicamente, fala sobre o colapso do tempo e da realidade propriamente dita.

Deniz Camp pega toda sorte de exageros e artifícios narrativos para construir uma estética vacilante, alquebrada e demasiado humana em suas tramas, por mais espetaculares que elas possam aparentar a priori. Seja em The Ultimates, ACE ou Absolute Martian Manhunter, há muita humanidade nos dilemas enfrentados por seus personagens, e a forma como o autor consegue revestir questões tão prosaicas de uma aura fantástica e caótica é digna de muitos elogios.

A ausência de protagonismo central em Assorted Crisis Events reforça a unidade narrativa da trama enquanto expande seu escopo diegético. É impossível saber o que a próxima edição tem a oferecer, e essa ausência de informações só reforça a expectativa que a HQ causa em quem a está acompanhando. Não é qualquer autor que consegue desenvolver um trabalho de composição dessa maneira, funcionando tão bem tanto na publicação mensal quanto na edição encadernada.

Para além do refinamento estilístico que ACE apresenta, se destaca também a maturidade do texto e a maneira como os elementos verbais e pictóricos se associam e mutuamente se engrandecem. O texto fica melhor a cada vez que me deparo com a narrativa visual. Esta, por sua vez, se torna ainda mais impactante em sua complexidade quando é colocada em perspectiva junto ao texto. Unidos, os dois principais eixos linguísticos dessa HQ forjam um conjunto raro e harmônico em meio ao caos que decupam quadro a quadro, extra e intradiegeticamente.

Posso estar enganado, mas tenho a impressão de que essa HQ ainda será mais lida e apreciada com o passar do tempo (sem trocadilhos, juro).

Partilhar HIPER-REQUADRO

TOP 5 HIPER-REQUADROS!

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki, Jordie Bellaire e Hassan Otsmane-Elhaou.

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki, Jordie Bellaire e Hassan Otsmane-Elhaou.

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki, Jordie Bellaire e Hassan Otsmane-Elhaou.

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki, Jordie Bellaire e Hassan Otsmane-Elhaou.

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki, Jordie Bellaire e Hassan Otsmane-Elhaou.

Deixe um comentário

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO

Ao longo das últimas semanas, por diferentes fatores, venho tendo bem menos tempo e cabeça para sentar e ler meus quadrinhos do que habitualmente tenho. O texto dessa semana reflete, de certa forma, alguns apontamentos sobre essa escassez.

No começo dessa década, vivenciamos a pandemia da covid-19. Nesse período traumático, os serviços de streaming cresceram exponencialmente e consolidaram o impacto das “comfort series”, que dominaram os rankings de programas mais assistidos durante o período de isolamento.

Sejam as esquemáticas e repetitivas séries de comédia, ou mesmo os dramas imersivos e altamente melodramáticos, esses programas ganharam novo fôlego quando ninguém podia sair de casa e buscava algum tipo de escapismo ao ligar a TV em busca de previsibilidade e acalento.

Quem nunca se pegou num dia chuvoso e frio sentado no sofá e envolto por cobertas rindo de diálogos já conhecidos daquela sitcom que já se assistiu inúmeras vezes? Quem nunca se viu chorando a morte de um personagem querido no meio de um plot twist de final de temporada com direito a narração emocionante em off? Acontece nas melhores famílias.

Leyden Streed, editora associada de artes do The Mac Weekly, conclui, em seu artigo The psychology behind comfort shows and our TV watching habits, que as “comfort series” podem ser

qualquer série que ofereça uma forma de escapismo ou que possa fazer alguém se sentir melhor em relação à sua situação. As pessoas encontram conforto nesses diferentes universos e refletem sobre como seria ter um conjunto diferente, talvez mais divertido, de preocupações em suas vidas.

Da forma como enxergo as coisas, encaro os quadrinhos de super-heróis como análogos para essas chamadas “comfort series”, no que diz respeito ao efeito que causam. Assim, podemos chamá-los de “comfort comics”, pois são narrativas de fácil e rápida fruição, que dão aquela sensação de pertencimento de quem está de volta em casa, não importa há quanto tempo se leu aquela série pela última vez.

Existem alguns fatores que reforçam essa tese: a familiaridade gerada pelos universos ficcionais de Marvel e DC, a facilidade e celeridade de imersão, o apego emocional e nostálgico aos personagens, e sobretudo a sensação de “segurança” e previsibilidade de leitura. Tais elementos fazem desse segmento quadrinístico o escape ideal para quando a mente está muito barulhenta ou atordoada.

A título de exemplo, pensemos na série que mais li na vida, The Amazing Spider-Man (acho que já mencionei isso por aqui em algum momento). Desde a primeira edição até os dias atuais, já foram quase 1000 edições publicadas. Estou empacado no meio da fase escrita por Nick Spencer há algum tempo já, mas sei que se pegar pra colocar em dia até chegar na fase atual, sob o comando de Joe Kelly, demorarei beeeeeeem menos tempo do que estou demorando para ler (e me deleitar) com Sopa de Lágrimas, sobretudo pelos fatores que listei acima.

Afinal, ASM é terreno seguro, de fácil acesso e demanda bem menos atenção do que leituras mais densas, digamos assim. Com isso quero dizer que toda leitura de supers é pueril e descartável? De maneira alguma. Uma parte considerável dos melhores gibis que li na vida vieram das majors, e não sou eu que virá aqui cuspir no prato que come há tantos anos.

O que quero dizer é, alguns gibis de super-heróis funcionam perfeitamente para horas em que o tempo disponível para leitura é exíguo. Quando sento pra ler as histórias do Aranha, não importa quanto tempo passe, sempre solto aquele sorrisinho de canto de boca quando revejo algum coadjuvante que há tempos não via, descubro seus passos no presente daquela narrativa, vejo como as coisas estão se desenvolvendo ali.

Nesses momentos me reconecto com o Lucas adolescente, que voltava a pé da escola pra economizar o dinheiro da passagem e usar na banca do bairro para comprar a revista mensal do personagem e lê-la e relê-la incontáveis vezes até pegar a próxima edição no mês seguinte. Pode durar minutos ou segundos essa sensação, mas a mera lembrança de tempos mais simples e desses personagens sempre me faz retornar às páginas de ASM, mais cedo ou mais tarde.

Nesse período em que o tempo está escasso, venho lendo Ultimate X-Men, de Peach Momoko, sobretudo nos horários de almoço no trabalho. Leitura boa, simples sem ser simplória e deliciosamente fluida. Tenho tido um maior apreço por narrativas descompactadas, então sempre que me deparo com uma do tipo, acabo me concentrando nela enquanto intercalo com outras leituras mais lentas, como a obra de Gilbert Hernandez, que mencionei a pouco.

A alternância é o melhor modo de manter o paladar quadrinístico apurado e desafiado. Por isso costumo alternar muito meu foco de leitura, ora me voltando para os supers, ora buscando autores alternativos, de dentro e fora do país. A construção e consolidação de repertório surge a partir desse choque entre conhecido e desconhecido.

Assim, quando o tempo míngua, corro para solo familiar e busco conforto na leitura de personagens que há tantas décadas me acompanham. E você, o que lê quando se encontra em situação semelhante?

Partilhar HIPER-REQUADRO

TOP 5 HIPER-REQUADROS!

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki e Jordie Bellaire.

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki e Jordie Bellaire.

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki e Jordie Bellaire.

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki e Jordie Bellaire.

• “Assorted Crisis Events Vol. 01”, por Deniz Camp, Eric Zawadzki e Jordie Bellaire.

  

Ok, admito que estou com hiperfoco nesse gibi, porém, aposto que você vai ficar igual a mim se parar pra ler essa HQ, .

Deixe um comentário

Oi! Tudo bem? Me chamo Lucas Fazola Miguel e sou pesquisador de Histórias em Quadrinhos.

Esse foi o texto de hoje da HIPER-REQUADRO, uma newsletter para se ler nas horas vagas e, sobretudo, nas pagas!

Deixe seu like, comente suas impressões e, se possível, compartilhe na bolha gibizeira em que você habita.

Te vejo no próximo post.

Até a próxima!

Partilhar HIPER-REQUADRO