João Jardel por João HxCx

João Jardel é um produtor, experimentador, cantor e compositor de Itabira, interior de Minas Gerais. Filho e neto de Joãos, ele vem explorando suas fronteiras musicais e lançando sons solos desde 2020, mas antes disso já fez/faz parte de coletivos e bandas por Minas Gerais. Na carreira solo, soma uma série de singles, registros ao vivos, bons EPs e um álbum cheio, sempre explorando sonoridades ligadas à diáspora sonora brasileira, mundial e regional, mas sempre misturando elementos sonoros mais pesados.

Agora, João Jardel apresenta o EP megaPOP, trabalho que fecha a trilogia explorando o universo da música POP, relacionada a sons afrodiaspóricos. O projeto teve início com o EP “Pop” (2024), seguiu com o álbum “Anti-POP” (2025) e agora chega em seu capítulo final (da primeira trilogia) com megaPOP, trabalho lançado em parceria com o blog de música brasileira Hominis Canidae e pelo selo virtual HC REC.

Esse novo trabalho conta com 4 faixas feitas durante o processo dos POPs anteriores, mas que ficaram de fora dos outros trabalhos por diversos motivos e um interlúdio intimamente ligado ao trabalho.

O EP abre com megaPOP 1, cronologicamente, a primeira música composta presente neste álbum. Um som minimalista, com samples de baterias e alguns synths, pra aquecer os caminhos. megaPOP 2 é da época do álbum Anti-POP, mas ficou de fora e foi acelerada nessa nova versão spoken Word. MUSSUM INTERLÚDIO é uma das primeiras faixas do período POP. loops de trap, techno e IBM acompanham o sample do saudoso humorista e sambista brasileiro.megaPOP 3 é da época do EP POP, nela o artista explora sons mais eletrônicos e rápidos atrelados ao techno, mas com uma pegada frenética do hardcore. megaPOP 4 fecha o trabalho, uma faixa com elementos de música brasileira e intimamente influenciada por Nelson Cavaquinho e o livro “A Mitologia dos Orixás”.

Para a versão do bandcamp e no full álbum no canais do Youtube do João Jardel e Hominis Canidae, o trabalho ganha uma faixa bonus, megaPOP 5 é da época do EP POP, mas só veio ter letra em 2025 e em meio a beats, samples e synths ela é meio auto explicativa, inclusive sobre toda essa trilogia do POP e também sobre a música Pop nos tempos atuais.

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João Jardel: foto, capa, letras, samples, beats, arranjos, vozes, mixagem e masterização.

Lucas Emanuel por Gabriela Cordeiro

Amigos Imaginários é um projeto musical solo idealizado por Lucas Emanuel, guitarrista da banda Zambrotta. Existindo desde 2017 através de demos caseiras e com um single lançado em 2025. A sonoridade da banda é profundamente enraizada no emo dos anos 1990, dialogando com elementos de math rock.

O nome do projeto resgata a infância de Lucas, período em que recorria a companheiros fictícios para mitigar a dificuldade de construir amizades reais, traço que, no futuro, viria a ser compreendido no contexto de seu diagnóstico do Espectro Autista (TEA). “Acho que por ser muito ansioso e ter facilidade de lembrar de acontecimentos antigos por conta do meu diagnóstico, meu som acaba sendo mais introspectivo e nostálgico”, explica Lucas.

Dessa forma, as canções trazem como força motriz a nostalgia e a busca por lugares que já não existem, perdidos no espaço-tempo da memória do autor. O exemplo disso é a nova faixa “Rua São Sebastião”, cuja narrativa beira o realismo mágico ao evocar os arredores da escola onde Lucas estudou na infância. “Parece que o presente é sempre dolorido e o passado vive num local hipotético e simbólico”, comenta o artista. A melodia melancólica, combinada a dedilhados de guitarra limpa, constrói uma atmosfera intimista e saudosista que evoca referências como as bandas Toe e American Football.

O novo som já está em todos os streamings e chega com um clipe bem pessoal idealizado por Gabriela Cordeiro e editado pelo próprio artista.

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Ficha técnica:

guitarra, baixo, voz, synth - Lucas Emanuel

Bateria - Lucas Emanuel e Matheus Pinto

Mixagem e masterização - Mateus pinto

Cigarro Mata por Alvaro Sasaki

Cigarro Mata é uma banda de rock brasileiro formada em 2018, em Campo Mourão-PR. A atual formação conta com um trio: João Marcelo (guitarra e voz), Luiz Fernando (contrabaixo) e João Victhor (bateria e voz).

Neste período a banda vem se consolidando dentro do cenário paranaense, divide palco com artistas importantes do Brasil, como Polara (SP), Menores Atos (RJ), 43Duo (PR), Hoovaranas (PR) e Sugar Kane (PR). Além disso, a banda lançou quatro EPs e um single, sendo o trabalho mais conhecido o EP CRÁMU, que traz sonoridades sombrias e uma estética inspirada no Halloween.

Agora, finalmente o trio apresenta seu primeiro disco já em todos os streamings. Gravado no estúdio Costella em São Paulo no ano de 2025, com produção de Alexandre Capilé (Sugar Kane e Camarones & Orquestra Guitarrística) e masterização de Gabriel Zander (O nome já entrega a banda). Ao longo das 10 faixas do trabalho homônimo, o trio mistura elementos de várias vertentes do rock, do indie à psicodelia, alternando baladas e momentos de mais barulho e energia.

A Cigarro Mata propõe, através de suas canções, retratar o cotidiano e as experiências interpessoais. Às vezes se baseando na ficção, como “Tava Bom”, inspirada no péssimo casal da série Euphoria. Ou inspirado no trabalho de outras bandas, como em “Imagina Só”, que flerta com Paramore. A banda valoriza a sonoridade crua e orgânica, explorando elementos como gritos rasgados do harcore, como podemos perceber em “Tanto Faz”, grooves quebrados e graves distorcidos que, além de fazerem bater cabeça, também convidam a dançar, tal qual “S.A.C Para Relações Mal Resolvidas”.

“Esse disco tomou a forma que tomou de um jeito espontâneo, a gente não tinha algo super definido quanto ao conceito, nem antes e nem durante as gravações. A gente tinha músicas que foram escritas em momentos diferentes das nossas vidas, mas que representavam, cada uma do seu jeito, o que nós como banda temos pra dizer e a forma como a gente vinha se sentindo naquele momento”, explica o vocalista/guitarrista João Marcelo Prevedel. “Só depois de tudo gravado que nos sentamos para conversar sobre possíveis ordens das músicas e percebemos de verdade que tinha ali uma narrativa que fala sobre relacionamentos, o fim deles e o depois”, complementa. “É um álbum meio raivoso e contemplativo em certos momentos, justamente por conta da imensa realização que foi pra nós estar gravando essas músicas juntos, especialmente em um estúdio como o Costella”, finaliza.

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Ficha Técnica:

TÉC. DE GRAVAÇÃO: Alexandre Capilé

AUX. DE GRAVAÇÃO: João Manoel

TÉC. DE MIXAGEM: Alexandre Capilé

MASTER: Alexandre Capilé e Gabriel Zander

PRODUZIDO POR: Edwardes Neto e Cigarro Mata

GRAVADO, MIXADO E MASTERIZADO NO ESTÚDIO COSTELLA, SÃO PAULO, EM 2025

Lançado pela Nap Nap Records em Agosto de 2026.

Carlos Carvalho tem uma história intimamente ligada à música e a cultura pernambucana dos anos 2000 para cá. Fez parte da Lumo Coletivo, braço pernambucano do movimento Fora do Eixo, na primeira década dos anos 2000. Formado em produção fonográfica, fez parte do Estúdio Base, que gravou e produziu diversas bandas e projetos da cena recifense deste século ao longo do tempo de existência.

Como músico, integrou e fundou o trio instrumental Mabombe, que ao longo dos quase 10 anos de existência do projeto, lançaram dois álbuns, participaram do SESC Instrumental e se apresentaram em várias cidades do Brasil e da América do Sul. Ainda como músico, tocou com o mítico guitarrista Ivinho (Da Ave Sangria), na época de sua carreira solo, tocando em eventos como o Macuca, junto com o exímio guitarrista.

No meio do caminho, numa dessas reviravoltas que a vida dá, foi diagnosticado com a patologia de Tinitus e hipersensibilidade ao som. “Me vi impossibilitado de fazer o que mais gosto: música.O meu ouvido não aguenta mais a pressão sonora de grandes palcos, estúdios”, explica Carlos. “Foi um período complicado, me afastei da música, passei por um período de depressão”, complementa.

Desse novo momento nasceu Charlos, projeto instrumental solo do artista criado em 2022, quando se afastou da cidade grande e foi morar no litoral sul de Pernambuco, mais longe do barulho caótico de Recife. “O meu trabalho solo nasce disso, dessa reformulação de vida, sonora e artística, dessa possibilidade de tocar sozinho, com menos pressão sonora”, explica. “Resolvi tentar voltar a gravar e tocar de uma forma adaptada à minha condição”, complementa. O primeiro registro foi o compacto “Tempestade / Brisa Buena” (2023). Depois, algumas apresentações em formato pocket e novas ideias sonoras surgindo.

Disso nasce “Saliente”, novo single do projeto. O nome faz alusão ao nordeste brasileiro. O “saliente nordestino” é um termo geográfico para designar a parte da América do Sul mais próxima de África. “Uma homenagem ao nordeste, ao povo que é mais “caloroso”, digamos, e ao forró que é cria da região nordeste”, comenta o Charlos. Também tem o significado literal da palavra, fazendo ou pelo menos tentando fazer uma metáfora, através de um fraseado “maroto”. “A música soa pra mim como um forró+rock com as melodias da guitarra influenciadas por guitarrada. Muito da minha inspiração para conseguir fazer foi pela influência e vivência da época que toquei com Ivinho”, finaliza o músico e produtor pernambucano.

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Ficha técnica:

Saliente (Carlos Carvalho)

Carlos Carvalho: guitarra

Igor Taborg: pífano

Filipe Bassman: baixo

Lucas Araújo: bateria

Pedro Funari: percussão

Produzido na Toca do Lobo Records por Carlos Carvalho e Wolf Gadelha

Gravado, mixado e masterizado por: Wolf Gadelha

Arte: Daniel Casado

Design: Luana Allycia

Samuel Brandão é um artista plástico, compositor e produtor nordestino. Mora no Piauí e já participou das bandas Captamata e Fabulah. Com o nome artístico SAMUCAPTA, ele já lançou alguns singles solos ou em parceria com a banda Ultrópico Solar de Parnaíba, litoral do Piauí. Agora, o artista finalmente lança seu primeiro álbum solo homônimo. O trabalho apresenta sonoridades que passeiam pelo regional com o som de viola caipira e bandas de pífano, ao rock clássico, psicodelia, música celta, folk, étnica e instrumental com influências das mais variadas partes do mundo, além da nossa tradicional MPB.

Apesar de ser um trabalho solo, não se trata de um álbum solitário. Várias faixas foram produzidas por Samuel em parceria com outros amigos compositores como Gabriel Medeiros, Esaú Barros, Joe Ferry, Vitor Lira, ambos parceiros dos tempos da banda Fabulah. Além de nomes da cena local, como Lívio Nascimento, Jean Medeiros, André Oliveira, Lucas Rolim, Eduardo Speeden, Luís Duailibe, Leo Mesquita, Levi Nunes, Savina Alves, Inácio Botelho, entre outros artistas.

Finalmente, o álbum com 12 faixas, que vem sendo produzidas e desenvolvidas desde a pós pandemia, maturadas com toda calma, ganha os streamings e apresenta um nordeste que se conecta, não apenas geograficamente com a América do Sul e Latina, mas que viaja ao longo do tempo, bebendo da psicodelia setentista do próprio nordeste de outrora, mas também do além mar de Beatles, Floyd, Jethro Tull, Gentle Giant e outros grandes artistas, influências sonoras seculares. Tudo isso sem perder a identidade nordestina que percorre todo o trabalho.

Logo na primeira faixa, “A Volta de Pã”, uma espécie de vinheta instrumental celta que remete a peças shakespearianas e a bucólica presença de florestas encantadas. Que se conecta perfeitamente com a “Dança da Chuva”, com viola caipira e folk e ares de Sumé num dia de calmaria. “Better Shine” e “Tell me Now”, faixa em parceria com a banda Ultrópico Solar, e ambas lançadas como single, levam o álbum para o pop rock mundial. “Tá pra Chegar” bebe no prog rock e se inspira na dança das borboletas de Zé Ramalho, bem como “Lunático” e “Sopro”, que incrementam a psicodelia nordestina presente no trabalho. “A tarde do Rei”, “Filho da Terra” e “Semente do Templo Dourado” levam o ouvinte a um passeio pela magia da natureza. “Barra da Lagoa” e “Gorjeio” fecham o trabalho lembrando que o nordeste é uma região tão rica musicalmente, que é impossível categorizar.

Agora SAMUCAPTA te convida pra ouvir esse álbum que foi feito de forma independente, com calmaria e em conexão com o universo…

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FICHA TÉCNICA:

1- A Volta de Pã

Composição: Vitor Lira, Esaú Barros e Samuel Brandão

Violão, Percussão, Flautas e efeitos: Samuel Brandão

Cello: Pedro Henrique

2- Dança da Chuva

Composição: Gabriel Medeiros, Samuel Brandão

Voz e Flautas: Samuel Brandão

Violão: Gabriel Medeiros

Viola Caipira: Eduardo Speeden

Baixo: Jean Medeiros, Luís Duailibe

Teclados: André Oliveira, Iago Guimarães

Percussão: Lucas Rolim

3- Better Shine

Composição: Samuel Brandão

Voz: Samuel Brandão

Guitarra, baixo, teclados, bateria: Iago Guimarães

4- Tell Me Now

Composição: Samuel Brandão

Voz: Samuel Brandão e Brisa Carranca

Teclados, Piano e Back vocals: André Oliveira

Guitarra: Lucas Linhares

Baixo: Savina Alves

Bateria: John Costa

5- Tá pra Chegar

Composição: Joe Ferry, Gabriel Medeiros, Samuel Brandão

Voz e violão: Gabriel Medeiros

Baixo: Ramon Rodrigues, Savina Alves

Teclados e Piano: André Oliveira

Bateria: Daniel Campos

Cello: Vitor Lira

Flauta: Samuel Brandão

Guitarras: Lívio Nascimento

6- A Tarde do Rei

Composição: Samuel Brandão e Esaú Barros

Violão 1: Esaú Barros

Violão 2: Gabriel Medeiros

Violão 3: Wellington Torres

Flautas: Samuel Brandão

Cello: Caio Michel

Percussão: Marcos Panda

Baixo: Ramon Rodrigues

Metais: Marcelo Campelo

Efeitos de Metais: Levi Nunes

7- Filho da Terra

Composição: Samuel Brandão

Violão, voz, flautas: Samuel Brandão

Piano: Frank Nascimento

Baixo: Jean Medeiros

Efeitos e loops: Levi Nunes

8- Semente do Templo Dourado

Composição: Samuel Brandão

Flautas, percussão, Erhu, baixo, instrumentos orientais: Samuel Brandão

9- Lunático ( O Luar do Besouro Rosa Mutante )

Composicão: Samuel Brandão

Violão e voz: Samuel Brandão

Baixo e Guitarra: Jean Medeiros

Teclados e Back vocals: André Oliveira

Cello: Pedro Henrique

Percussão e loops: Iago Guimarães e Frank Nascimento

10- Sopro

Composição: Samuel Brandão e Gabriel Medeiros

Violão, Voz, efeitos de Sopro: Samuel Brandão

Baixo, teclados, percussão e loops: Iago Guimarães

Guitarras: Lívio Nascimento e Jean Medeiros

11- Barra da Lagoa

Composição: Samuel Brandão

Voz e viola: Samuel Brandão

Viola: Lívio Nascimento

Baixo e percussão: Alexandre Rabelo

12- Gorjeio

Composição: Samuel Brandão

Pífano 1: Samuel Brandão

Pífano 2: Leonardo Mesquita

Sanfona: Inácio Botelho

Percussão: Fagão

Naturezautomática por Flávio Charchar

A banda Naturezautomatica surgiu em 2025. O projeto reúne membros de diversas bandas da cena independente de Belo Horizonte como 4Instrumental, Cães do Cerrado, Jota Quércia e RU NA. Diferente de seus projetos anteriores, agora os músicos mineiros buscam referências em estilos brasileiros, folk e rock para cantar sobre as angústias de viver nos limites do antropoceno tecnológico.

A aproximação do fim — que une (quase) todos os discursos antagônicos — é a imagem sobre a qual se assenta o universo lírico das canções do grupo formado por André “Pepo” Persechini (voz, violão), Leo Bryan (baixo), Raul Lanari (bateria, vocais) e Tiago Sales (guitarra, vocais). Se o embate central entre a escatologia do realismo capitalista e a recusa à abdicação do desejo pelo futuro dá o tom à dimensão das letras da banda, sua instrumentação incorpora sonoridades bastante diversas – desde o toque de triângulo do baião e a batida da viola caipira, às texturas atmosféricas de guitarras distorcidas que colorem, com seu sombreado, compassos estendidos.

“VEM!”, novo single do projeto, surge como uma espécie de jingle que remete à recompensa vendida pelas provedoras de Internet nos tempos mais simples e diretos: acesso ilimitado e rápido em pulsos que eram comedidos pós meia-noite, já que era uma época em que se precisava discar pelo telefone para acessar o mundo.

O clipe remete a velocidade na qual esse mundo mudou após o surgimento do smartphone, em uma enxurrada de informações, memes e cores que embalam o caos visual ao qual somos submetidos nos dias de hoje. “A ideia é fazer uma viagem audiovisual pela história da internet, desde seu início como promessa utópica de acesso universal à informação, até sua eventual assimilação pela lógica necroliberal do tecno fascismo das bigtechs“, explica André Persechini, compositor e vocalista do grupo, que também foi quem fez o clipe.

A faixa tem produção do músico Fernando Bones e é parte de um EP que contará com o lançamento de mais alguns singles que a banda mineira promete entregar em 2026. O registro chega amarrando essa identidade sonora e visual do grupo, que bebe em fontes intermináveis da música do mundo e que tem interesse em abraçar esse mesmo mundo de volta.

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Ficha Técnica:

Letra por: André “Pepo” Persechini

Música por: Naturezautomática

Coro feminino: Luisa Lopes, Rayane Gurgel, Rebeca Prado e Stephanie Boaventura

Coro masculino: Andre “Pepo” Persechini, Leo Bryan e Tiago Sales

Gravada no Estúdio Galvani por Fernando Bones entre julho e Outubro de 2025

Mixada e Masterizada por: Fernando Bones

Produzida por Naturezautomática e Fernando Bones

Arte e Capa por: André “Pepo” Persechini

Produção Executiva por: André “Pepo” Persechini e Tiago Sales.

Naturezautomática é:

André “Pepo” Persechini - Voz, violão

Tiago Sales - Guitarra, vocais

Leo Bryan - Baixo, vocais

Raul Lanari - Bateria

Edu Ribeiro e Da Ghama no clipe de “Fácil de Entender”

O reggae da Baixada Fluminense, no Rio de Janeiro, desembarcou na Baixada Santista, em São Paulo, com o precursor do gênero no Brasil, Da Ghama, fundador e ex-guitarrista da banda Cidade Negra. Agora, seguindo carreira solo, o artista canta, compõe e produz grande parte de seu repertório em Itanhaém, litoral de São Paulo, cidade onde escolheu viver há cinco anos.

Separadas por três décadas, duas versões de uma mesma canção refletem diferentes momentos do Brasil. Lançada em 1996 no álbum “Em Tudo Que É Belo”, do cantor e compositor Jorge Vercillo, “Fácil de Entender” surgiu em um período marcado pela consolidação do pop-MPB e pela expansão do reggae no país. A música atravessou gerações com sua sonoridade influenciada pelo ritmo jamaicano incorporado pelas participações dos cantores Aleh Ferreira e Da Ghama.

Trinta anos depois, a balada retorna em uma releitura na voz de Da Ghama, que lança no dia 20 de março o videoclipe da faixa, conectando a narrativa romântica aos debates contemporâneos sobre diversidade, respeito e combate ao preconceito. A releitura, presente no álbum Sinal de Paz, reforça a essência reggae da música e dá uma interpretação contemporânea à mensagem, transformando o hit em um convite à reflexão sobre liberdade emocional e o direito de amar sem medo, independente da orientação sexual. “A música sempre falou sobre sentimentos verdadeiros. Hoje ela também fala sobre respeito e tolerância”, destaca o cantor.

Dirigido por Louzi Baptista, o videoclipe gravado em Itanhaém, no litoral paulista, reuniu um elenco formado por artistas da cena LGBTQIAPN+ e contou ainda com a participação especial do cantor Edu Ribeiro, um dos nomes mais carismáticos e expressivos da cena reggae nacional. A entrega simbólica de um girassol cria a atmosfera romântica e conduz o público a uma dança envolvente que mistura elementos de forró e do reggae maranhense, traduzindo em movimento a emoção da letra.

Os artistas dividem as cenas em um ambiente visual construído a partir de cenários mutáveis que surgem ao redor de uma poltrona vermelha, enquanto paisagens naturais, periferias urbanas e elementos citados na letra, como a lua e o vulcão, aparecem como metáforas visuais da memória afetiva e da intensidade emocional. “A minha contribuição com essa releitura é combater a violência e a intolerância”, afirma Da Ghama. E acrescenta: “A música sempre falou sobre sentimentos verdadeiros. Hoje ela também fala sobre o direito de amar sem medo”.

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Auto Retrato de Bruno Tenório

Bruno Tenório é um artista brasileiro de Pernambuco, atualmente radicado no Reino Unido que, após uma série de 4 singles lançados em espaços interessantes como a NTS Radio em Londres, está lançando seu álbum de estreia: NAUPENC. Baterista desde os 12 anos, o disco de 10 faixas marca uma grande transição em sua trajetória musical: da performance predominantemente instrumental para uma identidade realizada como compositor e produtor, ao mesmo tempo em que aprofunda sua conexão com as raízes nordestinas, região celebrada por sua riqueza rítmica.

NAUPENC é um trabalho predominantemente eletrônico, com todo o projeto musical girando em torno do ritmo. Três faixas apresentam bateria acústica, enquanto as sete restantes são construídas a partir de padrões eletrônicos intrinsecamente interligados. Todos os sons foram pensados com esmero e são permeados por uma espécie de psicodelia mutante, que se adapta as batidas e os outros elementos sonoros a cada uma das faixas, além da vibe retrô futurista..

“A música é construída por meio de ostinatos e polirritmos sobrepostos, frequentemente executados por sintetizadores, com o conceito orientador de que instrumentos melódicos podem funcionar como vozes rítmicas”, explica Bruno. “A percussão e o design de som são intencionalmente focados em polirritmia, criando momentos em que o ritmo se torna melodia e a repetição se torna narrativa emocional”, complementa o artista.

As 10 faixas foram maturadas, compostas e pensadas ao longo de alguns anos, influenciadas por ideias que acompanham Bruno desde os tempos de conservatório pernambucano de música, sobretudo o estudo de polirritmia com Hugo Medeiros, e também as práticas de conjunto de frevo e forró, que refletem nos ritmos nordestinos que permeiam o álbum em alguns momentos. Para além do trabalho orgânico do baterista e do produtor eletrônico, é possível encontrar influências sonoras de bandas como King Crimson e Tool, passando por artistas como John Frusciante e Aphex Twin, além da pegada pop à Daft Punk.

“A minha ideia é de que houvesse uma certa inversão de valores entre ritmo e melodia no álbum, no sentido que os elementos melódicos, desde os synths às guitarras e aos violões, geralmente são construídos em cima de padrões repetitivos (ostinatos, ou loops), e os elementos rítmicos e percussivos, como as drum machines, baterias acústicas e percussões são muitas vezes polirritmicos em natureza”, analisa o compositor.

O álbum, co-produzido por Tenório, foi uma parceria com object blue e Mari Herzer, que também co-produziram e trabalharam como engenheiras de mixagem em faixas específicas do NAUPENC; o trabalho também contou com a participação de Bruno Saraiva (da Kalouv), como um dos co-produtores de 5 das faixas, e também na gravação de synth adicionais nessas músicas. Além deles, o trabalho conta com a participação do músico Rafael Cadena (da banda Cangaço), que gravou guitarra em “Dissociando” e violão em “Anedonia”, e Thiago Duarte gravou percussões em “Permanáculo”. NAUPENC foi masterizado por Beau Thomas, conhecido por masterizar lançamentos recentes de Aphex Twin.

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Além do álbum, Bruno Tenório também lança em parceria com o artista visual e designer gráfico Raul Luna, o filme experimental NAUPENC, dirigido por Luna.

O filme se passa num passado alternativo, que remete a um Brasil alternativo nos anos 1980, no qual o Brasil é uma potência nuclear e o programa NAUPENC surge como uma espécie de terapia alternativa. O Protagonista é inicialmente submetido a um processo em que seu corpo é plenamente escaneado, e submerso em um líquido verde de cura. Após o Scan, ele é transportado ao meio digital onde, após um processo similar ao de fecundação, ele passa a ser representado pelo ícone tradicional de um mouse de computador.

Dentro do programa, ele precisa lutar numa Guerra Virtual contra um ataque de vírus (malware). Essa batalha é seguida por um processo de fragmentação de memórias, que culmina no protagonista entrando em um estado de transe, resultando na destruição de suas memórias e no contato com um Deus Digital.

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Gustavo e Wander por: Aline Biz

Ao longo dos últimos anos, dois artistas do extremo sul do mundo e do Brasil — Gustavo Kaly e Wander Wildner — deram início a um projeto sem relógio, sem pressa, sem nenhum desses prazos que tentam domar o mistério da criação. Fizeram como quem ergue as velas e deixa o vento decidir o caminho: devagar, cruzando mares bravios, confiando no tempo.

A ideia era simples e ousada: um disco de dez canções. Temas destilados gota a gota, maturados como uísque antigo, burilados pela sensibilidade de dois cancioneiros que já carregam a própria história na voz. Wander, com sua interpretação inconfundível, dá forma à crueza literária, intensa e luminosa de Gustavo Kaly que, claro, também canta. Esse seria o coração pulsante da empreitada.

Para organizar o caos criativo, chamaram Gabriel Guedes. Músico excepcional e produtor gaúcho de fino faro, ele trouxe consigo a força da banda Pata de Elefante, que entrou na cozinha para condimentar ainda mais esse banquete sonoro, como uma janta subversiva, fumegante, tão cheia de sabor quanto de risco.

Assim nasceu “Emaranhados em gambiarras mal ajustadas”: um conjunto de canções, que sela, enfim, décadas de parceria entre Kaly e Wander. Um corte aberto no final dos anos 90 que agora encontra sua cicatriz transformada em obra. Um disco inteiro, como mandava o ritual de um passado não tão distante, com: capa, letra, espírito, tudo feito com alma.

Produzido por Gabriel Guedes e Gustavo Kaly, o trabalho apresenta 10 canções que abrangem um mundo particular de letras, melodias e interpretações. Dessa dezena de histórias, nove são compostas por Kaly em diferentes momentos e fases. Ao lado delas, ¨Deixa isso pra lá¨, uma releitura da poesia de David Tottersal, do grupo inglês, The Wave Pictures, em uma versão certeira. E como a música pede imagem, a parte gráfica recebe o mesmo cuidado. A missão ficou com Koti — o Chucrobillyman, homem-banda e artista de mira certeira.

O disco abre com a introdução que dá título ao disco, ¨Emaranhados em gambiarras mal ajustadas¨, em uma visão lúdica de um personagem muito aquém de suas possibilidades, mas preso em um entorno hostil e caótico na lente subjetiva de um pardal fictício. Uma auto terapia de solidão coletiva em meio a floresta de cimento. A narração crua na voz gastada de Wander da vida e elegância para introduzir o disco e apresentar o que vem pela frente. A arte da capa, do artista Koti Chucrobillyman, é inspirada nesse texto.

“Olhar Veludo”, faixa que abre a versão vinil do álbum, é uma canção potente e direta, com uma levada folk criada pela Pata de Elefante e uma letra antiga do Kaly. “Antes do café da manhã” também é uma letra e canção antiga, que foi alterada até o resultado final. Uma canção romântica(?), dramática e cheia de literatura, que homenageia Paulo Leminski.

“Depois que a guerra terminou” foi feita em 10 minutos, vem com um relógio marcando o tempo (e dando uma percussão) e fala sobre cachorros que se perdem e não sabem voltar para casa. “Brasas quentes” é uma referência direta ao Brasil, um estresse que acabou em música com pegada western sobre um plano de fuga.

“O segundo lado do disco” é uma leitura sobre a experiência ganhada pela idade e pela vida. Pensamentos sobre finitude. Sobre cancelamentos, profundezas da pós -modernidade classe média. “Sempre que eu posso eu fujo do inverno” é uma frase do Wander em uma dessas conversas filosóficas e saiu originalmente no nono álbum do Wander, mas ganhou uma regravação e nova versão para esse trabalho.

“Tristeza a moda antiga” versa sobre relacionamento de forma direta e foi feita e gravada de forma rápida com uma pegada de samba cru. “Teus pés por aqui” uma história sobre amizade, composta originalmente em espanhol e lançada no álbum pandêmico do Kalil, que ganhou uma versão em português pra este projeto.

Lançado nos streamings no segundo semestre de 2025, “Emaranhados em gambiarras mal ajustadas” está sendo lançado agora em vinil, com direito a uma turnê por parte do Brasil.

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Cole nos shows a partir de Abril em várias cidades do Brasil:

Para ficar ligado em novas datas, vale seguir o Gustavo Kaly no insta!

Sobre os artistas:

Gustavo Kaly representa o espírito de seu próprio tempo, com a contemporaneidade que traz décadas de cultura underground e arte subversiva, conduzida por um coração envenenado e uma alma inquieta. O catarinense residente na ensolarada Barcelona, o compositor, ora acompanhado pelos Últimos Românticos da Rua Augusta, ora pelos Hóspedes do Chelsea, além de ser visto com bandas como Stuart em um passado distante. Ele também arrisca voos solitários, espalhando sua música por onde possa aterrissar. Com sua poesia urbana e um sarcasmo elegante, mescla a crueza dos três acordes do velho punk rock, a espontaneidade do Rock Sulista com a magia do Folk Rock e o Indie Norte-Americano, desconstruindo qualquer rótulo que por algum motivo alguém ousaria cravar. Altamente influenciado pela literatura Beat e ainda sim dono de um estilo próprio de escrita, seus textos abrangem uma visão de mundo ímpar, que fundem sutilidades com a agressividade explícita, em histórias bem temperadas que injetam riqueza lírica em seus versos melódicos.

Wander Wildner é uma figura conhecida. Embaixador honorário do Rock Gaúcho, dividindo seu posto com Júpiter Maçã e Frank Jorge, um pouco antes, desenhou a história do punk rock brazuca liderando uma das mais expressivas bandas do gênero ainda nos anos 80 - Os Replicantes. Em sua carreira solo com mais de uma dúzia de discos lançados, tem seu nome garantido nas páginas do livro definitivo do Rock Brasileiro. Em meados da década de 90, cunhou o estilo Punk Brega onde fundia suas influências do punk rock clássico com toda a memorabilia implícita absorvidas pelas ondas das rádios populares brasileiras na década de 70. Ator, escritor, músico, letrista, produtor, iluminador, jogador de golf, produtor de cerveja artesanal, hippie punk e Rajneesh, Wander é um tubarão raro, que nada tanto em águas congeladas do Sul ao escaldante oceano do Nordeste, sem delimitação de território, embalagens ou figurino.

Pata de Elefante é uma das principais bandas de rock instrumental do país. Trio clássico - guitarra, baixo e bateria - atuantes desde 2002, possui 5 discos gravados e acumulam um punhado de prêmios em seu currículo. Se destacam em suas apresentações ao vivo, potência e energia testemunhadas nos principais festivais do país. Músicos e produtores pouco igualados, não é difícil encontrar seus integrantes dividindo palco com grandes artistas nacionais. Requisitados e admirados, possuem um acervo imersivo a todos os estilos que transitam pelo rock clássico e moderno, blues e suas variáveis.

Uns anos atrás, encontrei “Um Dia Quente de Verão” (1991), filme do diretor taiwanês Edward Yang, na íntegra no Youtube. Lembro que a primeira vez que vi o filme foi num VHS duplo, muitos anos atrás, na época das locadoras (Lembra delas?). Recentemente, saiu uma lista com os filmes favoritos do Kleber Mendonça Filho e lá estava o filme na lista, o que me lembrou do link salvo no Youtube e resolvi rever essa bela obra do cinema asiático.

São quase 4 horas contando e mostrando a vida dos jovens adolescentes, vários deles chineses exilados no Taiwan, fugindo do regime comunista e tentando se descobrir no mundo na virada de década entre 1959 e 1960. Como hoje em dia eu tenho família, trabalho, filhos e todas as pressões capetalistas, resolvi ver o filme naquele esquema globo de minissérie, com o filme dividido em partes. Foi uma experiência interessante:

O plano de fundo: a primeira referência que fica claro no filme: a presença americana na vida dos jovens do Taiwan. É aquela pegada, fugiu do comunismo, abraçou os EUA (ou coisa parecida). A música de Elvis está lá, o basquete é o esporte da juventude, além da violência das gangues entre as escolas e bairros. Tudo isso permeado pela pobreza ou a vida simples da Ásia, que persiste até os dias atuais, principalmente quando pensamos em países explorados (ou colonizados) e a perseguição politica contra os fantasmas vermelhos (buuu!)

Os meandros: Jovens são jovens e estão perdidos em qualquer lugar do mundo e em todas as épocas possíveis. A presença do exército e das armas, reforça a opressão em pessoas que estão tentando se descobrir no mundo. A presença da violência e a influência externa (americana ou não), tira um pouco da identidade dos jovens, que acabam por se reunir em gangues e cair pra violência fascinante que cresce em meio a banalidade da vida. Entre os meandros dos estudos, das amizades tóxicas, tem a busca pelo amor, o romance, o afeto com o outro.

O personagem principal: Um jovem de uma família enorme, em meio a influência dos amigos e descobrindo o amor por uma jovem (com)prometida. Aquela pegada Romeu e Julieta, tretas entre gangues rivais, por mais que você não faça parte daquilo. Ao mesmo tempo os jovens querem viver, aprender para além da escola, com a música, o esporte, os estudos externos. Quebrar as regras e a mesmice da vida, o tédio de estar vivo, tudo isso bem antes da internet, redes sociais e celulares. Ter dinheiro para ter acesso às coisas que não tem, realizar os desejos não ditos, os pensamentos intrusivos.

A cereja do bolo: Um filme atualíssimo, baseado em fatos reais, que fala diretamente com a sociedade atual e violenta. A necessidade do controle do homem sobre a mulher, a violência como escape para o desejo que não consegue ser posto pra fora em palavras. Várias sequências de cenas fodas, personagens complexos e uma história devastadora e ao mesmo tempo conectada com o mundo no qual vivemos. No Youtube o filme está com legenda em inglês no canal White Rose, mas rola traduzir pro português e entender bem a história toda. Continua bonito como da primeira vez que eu vi, mas ver pelo viés paterno, deixa o filme completamente diferente.

Baita obra de arte. Cinema é a maior diversão mesmo!

Aproveita pra assistir também História de Taipei (1985), do mesmo diretor, que apareceu ano passado com legenda em português br no Youtube! De nada!

Ok, mais um ano acabou! Não sei como foi o ano pra vocês, mas o meu foi bem atípico, ou típico, por ter sido mais careta e tradicional. Queria ter visto muito mais shows, queria ter feito muito mais ações culturais para além do blog (e algumas outras), quem sabe ano que vem, já que o ano novo sempre vem!!

O único motivo de realizarmos essa compilação, é pra resumir o ano e dar ainda mais destaque a #musicabr, principalmente os sons indies e que andam a margem dos streamings tradicionais e fora das panelinhas e sem dinheiro para comprar posições em listas suspeitas nos streamings maliciosos...

Chegamos ao final de 2024 com 464 álbuns/EPS lançados neste ano e postados em nosso blog. O recorde segue sendo de 509 trabalhos postados dentro do ano, alcançado em 2022. E nem é por que está saindo menos álbuns que nos outros anos. Na realidade, se tem uma instituição que eu acho que ganhou força esse ano foram álbuns. A questão é que por aqui resolvemos dar vazão aos sons enviados no nosso gmail, sem pressa e sem correr com tags como a de ano (ainda tem uns 50 ou 60 álbuns de 2025 pra postar).

A esperança para o ano que vem é o indie voltar ao começo, sem focar em streamings e tentar achar saídas para o ao vivo, que é onde a música deve viver. Um sopro em meio às mesmices dos festivais publicitários e a onerosa função (que está sendo realizar shows e fazer festivais), foi a baita turnê da Lupe de Lupe neste ano de 2025. Vários shows em espaços pequenos, inferninhos, tratando direto com seu público, naquela pegada Fugazi à brasileira...

Foram cerca de 1 milhão e 800 mil visitas ao blog até o momento em 2025 (O dobro do ano passado, mas os bots do Irã nem foram tantos assim!). Pela primeira vez desde a pandemia, o Brasil voltou a ser o maior pais em acessos ao blog, superando os Estados Unidos, que agora estão em segundo, seguido por Alemanha e Holanda (Os países europeus com mais artistas entre os nossos posts gringos mensais, ou seja, faz sentido). A mudança no Top 5 fica por conta da entrada da China (BYD me patrocina ai, pode ser o carrinho mais barato!!).

Esses números foram alavancados por lançamentos populares neste ano de 2025, como os novos álbuns da Marina Sena, Bk, BaianaSystem e outros artistas, principalmente os novos que chegaram ao blog neste ano (Cerca de 100 novas tags) e divulgaram o blog pra uma galera nova. Inclusive, saiu a nossa #coleta187, fechando o ano de coletâneas no blog (Ouça aqui).

Dito tudo isso, esses vários números são apenas pra te dizer que esta não é uma lista com os melhores álbuns/ registros sonoros/ discos brasileiros de 2025, mas são os que mais ouvimos e curtimos entre os que postamos no blog! Um passeio pelo ano e pelo Brasil, em sua enorme diversidade de estilos sonoros, sotaques e ideias. Vale destacar o ótimo trabalho do selo RISCO neste ano de 2025, que lançou uma gama de trabalhos bem interessantes (vários no blog e acho que tem dois na lista).

Vale dizer que limamos da lista os poucos lançamentos desse ano do nosso selo, o Hominis Canidae REC, mas digo com tranquilidade que o “peba”, álbum de canções dx paulista Rés, poderia figurar tranquilamente nessa lista (e entrou lá na lista do site gringo Sound And Colours, vlww galera!). Mas não seria justo, já que lançamos porque gostamos dos trabalhos. Também evitamos ao máximo colocar os artistas do #HominisDissemina, nosso trampo de disseminação. Isso por que como nós criamos o release, ouvimos bem mais que os outros sons e realmente gostamos dos trabalhos. Mas álbuns como o novo do Mateus Moura (radicado no Pará), dos candangos da Satanique Samba Trio, da piauiense Banda de Pífanos Caju Pinga Fogo, O EP visual do compositor fluminense Gabriel Araújo (que tá lá no nosso Youtube) entre outros, poderiam figurar nesta lista com tranquilidade...

Segue a lista com os álbuns e EPs linkados para download/ streaming em ordem alfabética! Mantivemos o 25 até por que finalmente chegamos ao ano de 2025 (compilamos esse número desde a pandemia)...

Alberto Continentino - Cabeça a Mil e Corpo Lento

Alê Balbo - O Voo da Águia

Alexandre Rodrigues - Kaeté

Antonio Neves - De las Nieves

cajupitanga, Arthus Fochi - Próximo

Colibri - 3R, Pt. II

De Carne e Flor - Em Teus Olhos Vejo Fendas

Disstantes - Cybertrópico

Felipe Mancini - Vissungos – Dos Cantos para as Cordas

Heal Mura – The Limited Repetition Of Pleasure

Hugo Medeiros - Tempo Curvo

Jadsa - big buraco

Jaguaribe Carne - Isabel, 7 Cirandas Negras e Um Apito

Kovtun - Transcendental Obscura

lento, distante - Tecendo Ficções

Lívia Mattos - VERVE

Neggs e Yangprj - Libertador

Nelson Special - Sentimento Special

Siba - Máquina de Fazer Festa

Stefanie - BUNMI

Thaysa Pizzolato - SYZYGY

TEST & DEAFKIDS - SEM ESPERANÇAS

Throe - Silver Blue

Turva Gris - Algum Lugar Entre o Consciente e o Inconsciente

Vauruvã - Mar da Deriva

Ano que vem tem mais!!

Arte do grande

Mais um ano chegando ao fim e desta vez foram cerca de 30 álbuns e EPs do meu país Pernambuco postados no blog ao longo de 2025. Menos que no ano passado, mas ainda sim uma grande leva de novidades e primeiros lançamentos. Mais uma vez, gostei da qualidade dos trabalhos da terrinha nesse ano e compilei aqui 25 faixas de trabalhos pernambucanos postados no blog nesta mixtape Viva o Pós Mangue!

Da pra dizer que a nova cara da música pernambucana que chegou ao blog neste ano é uma música plural, que vai do reggae ao brega funk, passando por indie, psicodélico, jazz, rock, experimentações sonoras e pop dançante.

A ordem da mixtape segue a ordem das postagens do som em nosso blog e o setlist tá lá no nosso instagram (aproveita e segue). Além de diversos novos artistas e bandas da capital, o interior também marca presença em sons de Belo Jardim, Petrolina, Zona da Marta Norte, Goiana, além da região metropolitana.

Para mais gente ainda conferir e conhecer, é possível ouvir a mixtape no nosso bandcamp, num full álbum no nosso canal no Youtube e no Archive, tudo sem propaganda. Além disso, também upamos a mix completa para download em mp3 num link direto no drive. Confira os links abaixo:

https://archive.org/details/Hominis-Canidae-Mixtape-Viva-O-Pos-Mangue-2025

Aproveita e espalhe ai pra mais gente conhecer e nos acompanha também nas outras redes…

Filipe Miu por Thaís Zimmer Martins

Filipe Miu é um compositor e produtor musical de São Paulo. Conhecido tanto como compositor de trilhas sonoras para obras do audiovisual quanto como produtor musical, Filipe foi membro fundador de projetos indies como as bandas Jennifer Lo-Fi e o coletivo experimental Fragile Arm, além de ter trabalhado com nomes como Emilio Mendonça, Sabine Holler, Ana Persona e Mallu Magalhães.

No universo do audiovisual, Filipe trabalhou em trilhas sonoras inovadoras para diversas séries e telenovelas brasileiras aclamadas pela crítica, incluindo “Justiça”, “Amor de Mãe”, “Verdades Secretas” e a vencedora do Emmy Internacional “Orfãos da Terra” , produzido pela Rede Globo. Além de trilhas para longas metragens como Bellini e o Demônio, Cabeça a Prêmio, Espaços de Fronteira e Mundo da Vida.

“Waterworks” é seu primeiro álbum solo usando seu nome, depois de uma série de EPs e trabalhos em parcerias.

O termo, que remete ao sistema de abastecimento de água e também é usado de forma figurativa para choro excessivo e manipulativo, encaixa com as ideias sonoras fluidas e aquáticas do trabalho, que é marcado por atmosferas eletrônicas experimentais e fusão de ritmos orgânicos com sons digitais.

Outro ponto interessante do trabalho é sua capa. O mito de Hylas. A arte do álbum retrata o momento antes das ninfas capturarem e matarem Hylas, um jovem que acompanhava os argonautas mitológicos. O artista Manoel Brasil interferiu na pintura do século XIX e inseriu objetos tecnológicos que paradoxalmente nos conectam cada vez mais para, cada vez mais, nos separar.

O registro serve como o resultado de um período difícil vivido pelo artista, que culminou nestas 8 obras sonoras experimentais, recheadas de belos momentos percussivos, que se misturam a um trabalho de synths e piano cheio de sentimentos, e que já está em todos os serviços de streaming.

OUÇA NO SEU STREAMING PREFERIDO CLICANDO AQUI

Arte da capa por Manoel Brasil sobre “Hylas e as ninfas” de John William Waterhouse

Terno Rei por Thiago Botelho

A paternidade é uma doideira e, pelo menos pra mim, correlaciona diretamente com o cansaço ou a falta de vontade de colar em shows. Isto, atrelado ao período pós pandemia (sim, existiu uma pandemia) me tirou um pouco da vontade de ver shows ao vivo. Mas semana passada aconteceu algo que não rolava há muito tempo, ir em shows totalmente diferentes em dias seguidos e de bandas indies (ou algo parecido) que nunca tinham pisado em Teresina.

Na terça, colei no Roots Rock Pub, na zona leste, região nobre da cidade, para ver o debute da banda paulistana Terno Rei por aqui. Isso mesmo, 15 anos de banda, 5 álbuns lançados, vários Eps e só agora a banda conseguiu chegar na capital do Piauí. Devem restar poucas capitais na qual a banda de pop rock mais hype da Balaclava não tenha pisado, então imagino que até para os integrantes tinham um quê de apreensão antes do show.

A noite não teve banda de abertura, o que tem se tornado uma tendência em algumas tours que passaram agendadas por capitais do nordeste neste ano e eu acho no mínimo esquisito não ter uma atração local. Mas cerca de 400 pessoas colaram no pub para conferir a apresentação que começou pouco depois das 20h.

A base do show foi o álbum mais recente “Nenhuma Estrela” (2025), mas é claro que o grupo aproveitou para tocar pelo menos os “hits” dos trabalhos anteriores. Entre as canções “medo”, faixa do álbum Violeta (3º da banda), que é meio que um divisor de águas na carreira da galera, foi a primeira das antigas que eu vi ser cantada em coro pelo público presente.

Sobre o show, foi tudo milimetricamente pensado num set organizado e com pouco espaço para improvisos. Aqui uma crítica talvez geracional: Depois do primeiro set de 3 ou 4 canções, rolou aquele momento de interação e aceno pro público e nele, acho eu que o Ale Sater falou que eles fariam um show mais longo e diferente dos shows atuais. Então o fato do show ter tipo cerca de 1 hora, deixou o pessoal mais velho, que esperava um show mais longo (Já que a banda tem discografia pra isso), um tanto confuso quando eles encerram o bis com uma música apenas.

O som estava muito bom, como é de costume das bandas que Berna Pacheco (a lenda) comanda a nave e a mesa em um ipad. Mas claramente a potência do som não esperava o grande público, então quem ficou mais pra trás do Berna, pegou um som menos pesado do que quem estava no gargarejo do palquinho do Roots. O fato do palco ser baixo é massa para aproximar o público da banda, mas num espaço lotado, eu mesmo não conseguia ver todos os integrantes e os apetrechos do palco após início da apresentação. Mas os jovens amontoados na frente da banda estavam vivendo um grande momento em suas vidas, isso foi claramente perceptível.

Terno Rei e a galera (Por Thiago Botelho)

Aqui cabem dois palpites: 1. A banda tinha uma agenda de horários apertados para ir para São Luiz do Maranhão (local do próximo show) e isso soube ao fim da apresentação, trocando uma ideia rápida com o Berna antes de ele ir embora na correria. E 2: O Terno Rei, como boa parte das bandas de sua geração (dos últimos 10 anos) tem rodado em festivais com shows de 30, no máximo 40 minutos. Então sim, faz todo sentido os integrantes acharem o show de 1 hora longo. Mas pra galera 40 + que colou no show (e tinha uma galera claramente nessa faixa etária), que pegou a época de shows longos do rock e do #indiebr, foi esquisito o set curto.

Porém, no geral, dá pra dizer que a primeira vez do Terno Rei em Teresina foi um grande sucesso. Eu mesmo não lembro de um show dia de terça com um bom público e boa estrutura na cidade nos 10 anos que moro. Então a perspectiva é da banda retornar em menos tempo para outras apresentações.

Tangolo Mangos no CCC (foto minha, por isso tá meio ruim)

Na quarta, outro rolê indie, mas completamente diferente do que fui no dia anterior. A primeira vez da banda baiana Tangolo Mangos em Teresina, aconteceu no CCC (Centro Cultural do Centro), que fica obviamente no centro da cidade e contou com a participação da banda local Florais da Terra Quente abrindo a noite de shows no palco do inferninho do centro. O CCC fica numa galeria saindo pra zona norte, lá tem o bar ao fundo do espaço e uma sala que entra pra um palco de boa altura, que dá pra assistir de qualquer lugar, e um espaço que deve caber lá dentro cerca de 200 pessoas (contando com a lateral do palco). Na galeria tem um sebo de vinil, estúdio de tatuagem (ou, pelo menos, era isso que parecia), mas nada estava aberto, apenas o centro cultural, o bar e o espaço para show.

Para uma quarta feira de jogo do título brasileiro para o Flamengo e outros eventos gratuitos na cidade (por exemplo, Validuaté de graça na praça), tinha até uma galera legal no espaço. Ainda mais porque a Tangolo Mangos não tem o mesmo tempo de banda que a Terno Rei e nem a discografia da banda ou o apoio da mídia que a banda paulistana tem. A Florais da Terra Quente mesmo, banda local que abriu a noite, tem mais ou menos o mesmo tempo da banda baiana e já lançou 2 álbuns e um EP.

A apresentação da Florais começou depois da hora que estava marcada, numa disputa da banda e do som para se equalizar e organizar os retornos, alturas e etc. Quando começou o show realmente, vi uma Florais num formato diferente, não diria reduzido, porque no palco estavam 6 pessoas, mas mais plugados e menos acústicos. A banda piauiense é uma das queridinhas da cena nova MPB e indie da cidade, então nesta apresentação achei menos calminho e mais pop rock. Senti falta de alguns integrantes, mudou a formação do grupo da última vez que vi pra esse show, mas a qualidade das composições segue em alta.

Passava das 23h quando a Tangolo Mangos começou sua apresentação. Eles tinham menos pessoas e equipamentos e talvez por isso brigaram menos com o som e ele parecia mais nítido e potente durante toda a apresentação do quinteto. A banda baiana destilou pura verve psicodélica no palco em mais de uma hora de show, que contou com as músicas antigas mais famosas (as que tem clipes), algumas do primeiro álbum e uma série de canções inéditas, algumas estavam sendo testadas pela primeira vez nesta turnê.

O que eu posso falar é que as faixas novas são mais pesadas que as do álbum e dos Eps anteriores. O show da banda está tinindo naquela mistura de Moraes Moreira (o vocal do Felipe me lembra muito o dele) com a fase solo do Pepeu Gomes. Óbvio que tem momentos mais MPB, principalmente pelo ótimo percussionista que destrói no palco. Na real, o que dá pra deixar bastante claro até o momento é que a Tangolo Mangos é muito mais uma banda de palco do que uma banda de estúdio. E digo isso sem desmerecer as composições, que são bem legais, mas ao vivo funciona tudo muito melhor.

Do meio pro final da apresentação da banda, surgiram torcedores do Flamengo procurando lugar para comemorar o campeonato brasileiro, instigando ainda mais o público que parecia ficar cansado, levando o show até o final na vibe mais alta.

Passava de meia-noite e meia quando voltei pra casa um tanto surdo, cansadíssimo pelos dois dias de rolês seguidos, mas me sentindo vivo como não rolava há um bom tempo. Como é bom ver show ao vivo, viu?! Mais ainda quando a banda entrega a vida no palco…

A galera e a Tangolo Mangos no CCC

Mateus Moura por Antônia Nayane

Nascido no Rio de Janeiro em 1987, Mateus Moura, ainda criança, mudou-se para o Pará, e lá viveu e se criou. É compositor, instrumentista, cantor, produtor cultural e diretor musical em todos os projetos de música que participa, desde 2015. É um dos idealizadores da banda Les Rita Pavone, que teve seu álbum de estreia, “El Baile Rock”, selecionado pela APCA como um dos 50 melhores discos do primeiro semestre de 2025; do grupo Manto, que teve seu álbum de estreia entre os 25 melhores do ano de 2021, segundo a Hominis Canidae e, atualmente, integra a diretoria do Ponto de Cultura Boi Vagalume da Marambaia, que lançou seu primeiro álbum, com produção musical de Mateus, em 2025.

Além dos projetos coletivos, desenvolve carreira solo, onde lançou alguns singles, eps e neste ano de 2025, o álbum “A imitação do vento”, premiado pela Secult/PA para circulação pelo Estado do Pará, também em 2025. “A imitação do vento” é um projeto de álbum/show com canções entoadas em primeira pessoa, na voz de um eu-lírico que peregrina. As músicas são como páginas de um diário de retiros espirituais em diversas paisagens. O tom é mais próximo do cancioneiro popular pela tradição dos violeiros e sanfoneiros, com arranjos luminosos, em busca de um lirismo íntimo e transcendente; brasileiro, amazônico e latino-americano. De caráter minimalista, “a concepção da sonoridade do álbum foi calcada na busca de uma sofisticação da simplicidade, dando espaço para timbres e sutilezas”, comenta o artista.

Ao longo das 12 faixas do trabalho, todas compostas por Mateus Moura, temáticas que remetem a natureza, a infância do artista, com um certo ar bucólico e sonoridades que vão do baião à valsa, passando pela MPB, ritmos do norte e do nordeste. Em 9 das faixas, o artista conta com participações de parceiros de outros projetos como Manto, Les Rita Pavone e nomes da cena do Pará como Lariza, Mainumy e Mali Guedelha.

O álbum foi gravado com o produtor musical Renato Torres, no Guamundo Home Studio, em Belém/PA, entre 2020 e 2025, de forma totalmente independente, tendo familiares, amigos e a figura de João Ribeiro como importantes produtores associados. Os músicos que compõem os arranjos são todos paraenses e parceiros de longa data, tanto de Mateus quanto de Renato, que contribuíram com o artista e o produtor.

O trabalho está em todos os streamings e em breve também sairá em formato físico, no vinil.

OUÇA O ÁLBUM NO SEU STREAMING PREFERIDO CLICANDO AQUI

Ficha Técnica:

Produção musical: Renato Torres e Mateus Moura

Arranjos: Renato Torres, Mateus Moura e contribuição de todos e todas as musicistas que participaram das gravações.

Distribuição: Cantores del Mundo

Arte Gráfica: Malu Teodoro (a partir de desenhos de Adriana Nuso e fotografias de Antonia Nayane)

Musicistas:

Mateus Moura (voz em todas as faixas)

Renato Torres (violão nylon em todas as faixas, viola caipira nas faixas “Estrela d’Alva” e “Luana”; violão aço slide e 12 cordas em “O sopro”; violão aço e baixo elétrico em “Mateus” alfaia; voz, percussão e ukulele na faixa “Por la Madre Tierra”)

Larissa Mê (ganzá, triângulo, coquinho, caxixi e voz na faixa “Luana”; clave, congas, güiro (metal e madeira), ovinho e tamborim na faixa “Manhãzinha”; chocalhos e maracas em “É preciso confiar”)Camila Rodrigues (zabumba e voz na faixa “Luana” e voz na faixa “Por la Madre Tierra”)

Mainumy (voz na faixa “É preciso confiar”; preparação vocal nas faixas “Orelha de pau”, “Estrela d’Alva”, “É preciso confiar”, “Por la Madre Tierra”, “Luana”)

Otânia (arranjo vocal e voz na faixa “Luana’; preparação vocal na faixa “Celeste”, arranjo vocal na faixa “Marujo de alto-mar”)

Lariza (voz na faixa “Manhãzinha”)

Íris da Selva (voz e arranjo vocal na faixa “Marujo de alto-mar”)

Cacau Novais (voz nas faixas “Estrela d’Alva” e “Por la Madre Tierra”)

Karimme Silva (voz da faixa “Celeste”)

Malu Guedelha (voz em “O sopro”)

Rafael Pavone (voz na faixa “Voz da noite”)

Céu Moura (voz na faixa “Voz da noite”)

Marcos Sarrazin (flauta transversal em “Estrela d’Alva”, piano em “Voz da noite”)

Antônio Abenatar (saxofone tenor em “Manhãzinha”)

Manassés Malcher (trombone em “É preciso confiar”)

Alexandre Canhão (tuba em “É preciso confiar”)

Rafaela Bittencourt (pandeiro, triângulo e coquinho em “Estrela d’Alva”; pandeiro, ganzá, tamborim em “Celeste”; pandeiro em “Solo”)

Marcelo Ramos (violão 7 cordas e bandolim em “Solo”; bandolim em “Celeste”)

Pedro Imbiriba (bandolim em “Marujo de alto-mar”)

Príamo Brandão (contrabaixo acústico em “Marujo de alto-mar”)

Tiago Amaral (clarinete em “Orelha de pau” e “Voz da noite”)

Tiago Belém (bateria em “Voz da noite”)

Tista Lima (sanfona em “Luana”, “Mateus” e “Marujo de alto-mar”)

Gravação, mixagem e masterização por Renato Torres (Guamundo Home Studio/Pa – 2020-25)

Matheus Antonio, apareceu pra música a cerca de 10 anos atrás pela alcunha de Theuzitz, na efervescente cena lo-fi rock do período. “O aprofundamento dos meus processos pessoais e a relação com a cultura brasileira foram alguns dos motivos para a mudança do vulgo Theuzitz, para mulato”, comenta Matheus. Hoje em dia conhecido como mulato, está lançando seu novo EP “Criatura”, trabalho que marca uma nova etapa na carreira do artista. Com 5 faixas compostas, gravadas e produzidas por ele, o projeto é uma costura de gêneros, sonoridades e ambiências que criam uma psicodelia nostálgica, urbana e bucólica. “Eu acredito que esse EP representa a essência do que eu sempre cultivei aqui em Jandira“, comenta o artista sobre o trabalho que hoje ganha vida.

O processo de criação do EP aconteceu entre julho e outubro de 2024, com mulato assumindo a produção, composição e gravação de todos os violões e guitarras. O projeto ganhou vida através de colaborações pontuais - Pedro Millecco na bateria, baixistas e arranjadores convidados, cada um adicionando camadas à visão inicial. “Foi um mergulho na minha natureza e na selvageria do meu inconsciente, nesse lugar da primeira infância, sem tantos filtros”, explica o artista sobre esse retorno às raízes em Jandira. A capa é uma colaboração entre mulato, Myrella Amorim no design e fotografia de Nando Eryc. “Foi um mergulho na minha natureza e na selvageria do meu inconsciente, nesse lugar da primeira infância, sem tantos filtros”, complementa Matheus.

Sonoridade e conceito

Criatura soa como fruto da cultura musical e de mídia dos anos 1990 e 2000, mas expande essas manifestações numa musicalidade que também assimila influências do soul setentista, do jazz e da bossa nova. Encarnando a “criatura” que dá nome ao EP, mulato traduz as sonoridades radiofônicas e metropolitanas da sua infância em composições que combinam com as paisagens de São Paulo. “Esse disco fala de sobrevivência. Todo mundo é um pouco dessa criatura que vai ter que atravessar o caos, a violência, encontrar o próprio caminho. E eu acho que esse trabalho é sobre persistir acreditando, ainda que nem tudo seja tão favorável e justo”, finaliza mulato.

Faixa a Faixa

Bizarro!!! é uma faixa que materializa o caos urbano de São Paulo através de texturas sonoras que vão se sobrepondo como as paisagens da cidade no transporte público. Começando com a voz do metrô paulistano, a música joga o ouvinte dentro daquele ambiente frenético da metrópole. É uma música feita para ser ouvida alta, na rua - pesada nos temas, mas pulsante.

Tatuagem de Cobra muda completamente o tom do EP. Conduzida por um violão, ela é uma canção de influência radiofônica oitentista/noventista. A cobra do título remete ao Ouroboros, símbolo do eterno retorno, materializando a lei do “o que se faz volta”. A letra é confessional, e o autor questiona a sua própria autenticidade enquanto explora o quanto relações reais e desveladas podem gerar um amor que transforma. O verso “Toco o céu como 2pac / E regresso cada vez mais verdadeiro” marca o ápice da canção, estabelecendo um diálogo com o legado do rapper mas afirmando o próprio renascimento. A faixa se encerra com um solo de guitarra catártico tocado por mulato.

Em Desenho Cego, o EP mergulha em sua faceta mais experimental. Com guitarras etéreas e distorcidas, acordes de jazz, bossa nova e uma atmosfera psicodélica que remete ao soul dos anos 70, a faixa materializa musicalmente a ideia de ser mulato - representada numa música de influências negras de diversas diásporas e as ramificações globais do rock alternativo. A letra é baseada no conceito de efeito borboleta a partir das escolhas que fazemos, e que se refletem na imprevisibilidade da vida: lagartas tentando desabrochar, escolhas no escuro, desenhando cego um futuro que não se controla.

Azaleia funciona como um respiro atmosférico. Com apenas guitarras e camadas de vozes, a faixa constrói um espaço sonoro etéreo. Curta e serena, ela aborda o vazio da hiperconexão digital - o tédio e a dificuldade de conexões reais se materializarem. A linha “Eu quero você / Ou só quero ser mais emocionante?” expõe a ansiedade contemporânea dos impulsos e gatilhos que confundem desejo genuíno com necessidade de estímulo e pertencimento constante.

Criatura é o centro temático do EP e a faixa mais longa e épica do projeto. Conduzida por uma viola caipira, a música de seis minutos e quarenta conta uma história de sobrevivência e transformação. É sobre crescer numa cidade que muda, mudar junto com ela e se perder no processo até que um trauma profundo, representado pelo tiro dado pelo melhor amigo, força um renascimento. O mantra “Eu não morri” se repete como afirmação de existência e resistência. De forma onírica, a canção encontra na viola caipira e nessa brasilidade profunda as respostas para fechar um ciclo sobre sobreviver, transformar-se e insistir em existir com plenitude.

Punks é a faixa que encerra o projeto e situa o ouvinte num outro lugar. Entre os samples e a instrumentação orgânica somada aos 808, essa canção fala sobre o deslocamento e a alienação na vida urbana, partindo dos recortes dos dois artistas participantes, mulato em relação a diáspora africana e Hugo Noguchi em relação a imigração amarela. Somada a samples de Duda do Marapé e do MC Magrão, o contraste brusco finaliza o disco se voltando o ambiente ao mesmo cenário intenso e caótico do início em Bizarro!!!

OUÇA CRIATURA NO SEU STREAMING PREFERIDO

FICHA TÉCNICA

SOM:

• mulato: Compositor, letrista, produtor, arranjador, guitarras, vozes, samples e teclados

• Pedro Millecco: Bateria em Bizarro!!!, Tatuagem de Cobra, Desenho Cego e Criatura

• Andreony: Baixo em “Desenho Cego”

• Viviane Barbosa: Baixo em “Tatuagem de Cobra” e vozes em “Bizarro!!!”

• María Betanía Hernandez: Arranjo de cordas em “Desenho Cego”

• Diego Soares Arcanjo: Sample em “Criatura”

• Hugo Noguchi: Participação em Punks

• Nickolas Marchioretto: Bateria em Punks

IMAGEM:

• Foto de capa: Nando Eryc (Ratographia)

• Design: Myrella Amorim

• Fotografia: Nando Eryc

• Estilo: Nimbus

SOBRE MULATO

mulato é Matheus Antonio, produtor, cantor-compositor e artista visual de São Paulo. Após estudar violão e guitarra desde a adolescência, lançou-se como artista aos 19 anos sob o nome Theuzitz. Entre 2016 e 2020, produziu 3 álbuns e participou de diversas coletâneas, fazendo parte da primeira geração do “Rock triste”, movimento musical de artistas com influências de shoegaze / emo nos anos 10 no Brasil.

A partir de 2022 com sua nova alcunha compõe sobre temas de natureza mais introspectiva, abraçando uma música brasileira moderna a conectando com suas raízes na música alternativa, como a psicodelia, a música eletrônica e derivações da música negra como o soul, jazz, o hip hop e o samba.

Acompanhe mulato no Instagram: @mvlato

Contato para imprensa: mvlatou@gmail.com

A bruxa do mangue por Livia

A bruxa do mangue teve início em 2019, nascida das cinzas de um projeto chamado Echoing Nightmare. A princípio, a ideia era ser uma banda, mas hoje em dia dá para dizer que se trata de um projeto da compositora sergipana Lynn. “a princípio, era pra ser uma banda. Hoje, depois de vários lançamentos, posso dizer que ”a bruxa do mangue é a lynn, e a lynn é a bruxa do mangue””, explica a artista. “o nome atual surgiu pelo fato de eu ser uma bruxa e morar perto do mangue”, comenta a artista.

Lynn que sempre se interessou por música, começou a compor suas letras desde a adolescência, período em que teve algumas poucas aulas de violão na adolescência, onde tentarem ensinar ela a ler partitura, com pouco sucesso. “Aprendi mais sozinha, fuçando o instrumento e caçando os sons que me agradasse até achar”, explica. “Todos os outros instrumentos que toco, também aprendi por conta própria de acordo com esse mesmo método, tudo a partir dessas poucas aulas.”, complementa.

“O nascer do sol”, terceiro álbum lançado em 2025 como bruxa do mangue, tem como tema principal o amor romântico junto ao desejo de estar junto da pessoa que ama. “Em duas faixas (”longa tempestade” e a faixa título) o foco é a natureza, um tema sobre o qual gosto de escrever com frequência”, comenta Lynn. “Eu diria que “o nascer do sol” é um álbum perfeito para parar um pouco, sentir o que tem pra sentir e respirar fundo antes de continuar a correria da vida”, complementa. Ao longo das 6 faixas, minuciosamente arranjadas, pensadas e escritas pela Lynn, ela conta histórias não lineares, que se conectam ao mundo da literatura com citações diretas, como em “Beloved”.

O trabalho foi todo gravado pela artista, naquela pegada caseira despretensiosa, intimamente ligado ao lo-fi e com muito sentimento e um violão bucólico e um tanto folk. “Nesse álbum, eu quis combinar as camadas e as “orquestrações” do post rock com o som lo-fi e experimental que venho usando desde o começo do projeto”, explica. Em meio a letras curtas que foram pensadas mais como uma camada extra de instrumento. “EU usei a minha voz é somente mais uma de várias texturas que usei pra criar os sons que queria”, finaliza.

O álbum, assim como os vários outros lançamentos da artista, estão disponíveis apenas no bandcamp, para ouvir no Youtube e no site próprio da artista, com direito a link de download gratuito e mais informações.

Ouça e baixe “O Nascer do Sol” aqui!

Capa por Livia

Fotografia por Nando Eryc.

O cantor, compositor, arte-educador paulista Matheus Antonio, outrora conhecido como Theuzitz, hoje em dia Mulato, está de volta. Agora, o artista que vive em Jandira, cidade da grande São Paulo, se prepara para lançar o primeiro single / clipe que abre os trabalhos do seu novo EP.

A faixa escolhida foi “Criatura”, que também dá nome ao EP e rememora um período em que o artista tinha saído da periferia e começado a viver a grande cidade de São Paulo. “Criatura foi uma das primeiras músicas que eu escrevi, exatamente aos 19 anos, e nasceu desse grande rompimento que eu passei naquele momento me tornando um adulto”, comenta Matheus. “é uma conversa com o divino, as vozes do meu inconsciente, a minha criança interior e outras faces que ainda não haviam se revelado pra mim com tanta intensidade”, contínua.

A música foi centrada na viola caipira que é um instrumento que o artista vem desenvolvendo uma aproximação cada vez maior e se encaixou como uma ponte entre um som bucólico e etéreo que conecta o artista às suas origens interioranas e sua vida na periferia de São Paulo. A imagem de capa é uma fotografia de infância, tirada num parque de Pirassununga, cidade onde conheceu a música caipira.

A faixa chega em todos os streamings com um clipe enigmático que remete ao mundo dos sonhos. “O vídeo recria o universo onírico onde eu conversava com os monstros que eu via na parede, que de chapiscos se transformavam em sombras, imagens subconscientes” explica o cantor que se inspirou no cinema surrealista dos anos 30 e 40 para a sua criação.

Ouça o clipe no Youtube do Artista clicando aqui

Ouça a canção no seu streaming preferido aqui

Autorretrato do artista

Raad Abdullah Ferreira é um cantor e compositor natural de Londrina no Paraná, que desde 2017 vem experimentando sua criatividade na música, nos mais diversos projetos como freegans, solitude, confusão, rio do esquecimento e o seu projeto de maior reconhecimento: weird fingers.

Como Raad, o artista tem explorado uma veia intimista e poética, com um clima sensível, introspectivo e talvez emocionado. É possível perceber isso em "breves momentos de beleza", EP lançado em 2022 pelo selo curitibano CPDMG. Atualmente vivendo em Póvoa de Varzim, Portugal, o cantautor anuncia seu novo ep "artista de domingo", com 4 faixas intimistas. “estas são canções escritas já há cerca de dois anos, com exceção de "estranha miséria sentimental", gravadas recentemente entre poucas horas livres durante a semana”, comenta o artista. “Este EP é um bocado interessante para mim pois é a primeira vez que minhas músicas tem refrão, nunca foi algo que me importou muito, mas, aconteceu e estou feliz com o resultado”, explica.

Um compacto comercialmente despretensioso, contendo quatro canções gravadas nos seus fins de semana, em pouco espaço de tempo e de forma caseira, usando apenas seu celular. “Lançar esse EP é uma forma de lembrar que minha arte ainda vive e que posso outra vez entrar nos trilhos de uma carreira, que mesmo sem tempo e sem recursos eu posso fazer algo com significado para mim e para as pessoas que escutarem”, explica o compositor. Suas canções agridoce, estão agora voltadas para um estilo de gravação mais cru e direto, tratando de temas como solidão, nostalgia, saudade de casa, alienação e escassez emocional provocada por trabalho excessivo. “já não aguentava mais esperar e mesmo que houvesse uma"necessidade" de "lapidar e polir" mais as canções para atrair mais ouvidos, eu quis publicá-las da forma que elas foram concebidas”, complementa.

Ao longo das faixas curtas e simples, o compositor te convida a passear pelo Porto, revela um romantismo lúdico, põe para fora alguns sentimentos ruins e forma de canção, além de trazer o ouvinte para contemplar a vida com calma, como se estivesse tomando sol num parque. “Eu espero passar uma espécie de abraço solar enquanto se deita sobre a grama, um lugar comum onde o passado presente e futuro se juntam, através das canções deste trabalho”, finaliza Raad Abdullah Ferreira.

OUÇA O EP “Artista de domingo” no seu streaming preferido clicando aqui!!

Capa por Ana Santucci

Gabriel Araújo é natural de Campos dos Goytacazes, interior do estado do Rio de Janeiro. Após anos atuando de forma amadora na cena musical local, em 2006 foi convidado a fazer a trilha de um espetáculo de teatro, começou a explorar então linguagens visuais para música. De lá pra cá, são 3 álbuns solos lançados, alguns deles com projeção internacional, sempre explorando sonoridades e linguagens diferentes atreladas ao ato de experimentar o som. Em meados de 2010, o artista foi morar em João Pessoa, na Paraíba, onde aprimorou ainda mais o ofício de músico, realizando shows e participando de bandas como a Glue Trip, com quem fez vários shows pelo Brasil e outros países.

Agora, de volta a Campos, sua cidade natal, apresenta seu novo trabalho. Um EP visual, que conta com um curta metragem em fábula roteirizada e dirigida pelo cineasta, também de Campos, Vita Evangelista. Vita é um artista multidisciplinar e pesquisador transmasculino, cujo trabalho atravessa vídeo, instalações, mídias digitais, escrita e ativismo LGBTQIAPN+ e antirracista. Em sua produção artística, Vita constrói "narrativas auto tecnopoéticas" — fusão de corpo, tecnologia e palavra — a partir de uma perspectiva transfeminista e contra-colonial. Seus trabalhos confrontam as estruturas do capitalismo racializado, os dispositivos de controle migratório e as tecnologias de vigilância, utilizando linguagens que sabotam códigos hegemônicos.

“LUGAR”, o EP visual, tem apoio da Lei Paulo Gustavo de Campos dos Goytacazes, e mergulha em escombros materiais e espirituais para reconfigurar os limites entre lixo e sagrado, falha e futuro. Filmado entre ruínas coloniais, usinas abandonadas, centros de reciclagem e zonas costeiras em erosão na zona Norte Fluminense, o trabalho investiga os rastros do capitalismo tardio, do racismo ambiental e da exaustão ecológica, tensionando o colapso como matéria viva. “Na hora de falar do filme, a prioridade era colocar uma mensagem que trouxesse reflexão. Então escolhemos algumas locações aqui na região de Campos, que têm algumas ruínas. Na nossa ideia, estamos contando a história de um futuro - que não é tão distante – distópico”, comenta Gabriel. A obra dissolve a linearidade do tempo através de imagens sobrepostas, múltiplos quadros em simultâneo e efeitos de glitch que desestabilizam a percepção visual. As falhas digitais, distorções cromáticas e ruídos visuais operam como parte da própria narrativa especulativa. “Os erros do sistema tornam-se linguagem estética criando camadas de distorção e instabilidade que espelham os atravessamentos do colapso”, explica Vita, o diretor.

Ao longo das seis faixas compostas/ interpretadas pelo Gabriel, um corpo negro dissidente, interpretado pelo ator e bailarino Jota Z, atravessa esse território como sensor de mundos, incorporando forças ancestrais ligadas às cosmologias afro-brasileiras. O músico Gabriel enfatiza que a proposta do EP visual é, ainda, refletir sobre como o ser humano faz uso do espaço que habita. “O ‘lixo’ que se produz, o dano que se estabelece e não fazemos um reaproveitamento nestes espaços mais. Estamos vivendo num momento em que observamos muitas catástrofes acontecendo, não só por mudanças climáticas de temperatura, mas também de como tratamos esse ambiente”, comenta. “As referências às cosmologias afro brasileiras atravessam a obra como campos de força que transformam o lixo e os resíduos em matéria de recomposição e reintegração. Assim como entidades transmutadoras transitam entre mundos e limpam zonas tóxicas. LUGAR ensaia imagens onde ruínas não significam fim, mas húmus para outras possibilidades de existência”, complementa o diretor.

As composições sonoras de Gabriel Araújo acompanham esse processo como forças vibratórias e atmosféricas. Ao todo, são 5 composições inéditas, que fazem parte de diversos momentos da vida do compositor, retirada de trechos de trilhas, ideias engavetadas ou novas ondas incitadas pelo processo e pela vida. Na última faixa do EP visual há uma ‘surpresa’ com o resgate do material de um cantador, natural de São Luiz do Maranhão, Humberto Mendes, cuja lembrança póstuma traz a época em que cantava no grupo Boi Bumbá de Maracanã. “Para fechar, tivemos a ideia de ter uma música com voz. Apesar de ser um álbum bem instrumental, a última faixa é com canto. Fizemos contato com a família do compositor Humberto Mendes. Conversei com a viúva dele, que segue tocando o projeto de valorização cultural em São Luiz do Maranhão. Apresentei nosso projeto e ela deu uma autorização para fazermos essa versão de sua música”, explica Gabriel.

Mais do que documentar o esgotamento. LUGAR propõe um rito visual onde o colapso se curva em possibilidades fabulatórias e temporais, criando atravessamento entre falha, ruína e intervenção. O EP visual está disponível para todos assistirem no canal do Youtube do blog de música brasileira Hominis Canidae, que também irá lançar o EP nas plataformas de streaming através do seu selo virtual em breve (Por enquanto, apenas no bandcamp).

Para além da divulgação online, o trabalho audiovisual terá exibições presenciais em alguns espaços da cidade de Campos que aparecem nas filmagens. A equipe do EP Visual também planeja levar a obra às escolas públicas da região. Todas as exibições serão acompanhadas de um bate-papo sobre a proposta da música e da representação das imagens.

ASSISTA LUGAR, UM EP VISUAL NO YOUTUBE DO HOMINIS CANIDAE

Ficha técnica:

Vita Evangelista - Direção, roteiro, câmera e montagem

Gabriel Araújo - Trilha Sonora, Gravação

Jota Z - Ator e bailarino

Juliana Veiga - Produção

Remu Goitacá - Figurino

Felipe Lins Ferreira - Efeitos visuais

Sofia Arantes - Assistência de direção

Julia Ambrozini - Design gráfico

Diego Pessoa - Assessoria de Disseminação

Germano Godoy - Contabilidade

Humberto Mendes - Composição da obra cantada (“Pelo bem de todos”)

Ariel Machado - Audiodescrição

Felipe Mianes - Consultoria de audiodescrição

Morgana Mendes - Legendagem descritiva

Acompanhe Gabriel Araújo: Bandcamp | Instagram

Acompanhe Vita Evangelista: instagram