É bastante interessante observar um conceito tão fundamental, mas tão carregado de "moral", da Odisséia quanto a Xenia — ou lei de Zeus, como chamam no longa, ser utilizado como força-motriz da trama. Eu preciso confessar que não estava esperando que um dos blockbusters mais aguardados do ano fossem se debruçar com tanto gosto em cima de moral grega, mas aqui estou, elogiando o Christopher Nolan por fazer exatamente isso.

É profundamente improdutivo debater se um filme é bom ou não a partir do quão “fiel” ele é ao material base no qual se inspirou. Certamente a massa barulhenta que tem criticado o longa pela sua suposta falta de rigor histórico não aguentaria 10 minutos de um filme todo narrado em verso, certo? Meu ponto aqui é que o simples fato de transformar a obra em cinema já rompe com esse suposto “rigor”, da mesma forma que transformá-la em livro rompeu com a rigorosa liberdade de interpretação que havia quando o texto era transmitido de forma oral.

Aqueles ofendidos por uma Helena de Tróia negra, certamente não se incomodaram ao ver Ulisses ser transformado de um herói clássico grego, quase divinizado, em um herói moderno, vencedor de glória indigna e traumatizante. Na opinião deste que os escreve, tanto uma, quanto outra são decisões legitimas e acertadas, que cumprem a função de transformar a Odisseia em um texto que dialogue com nosso tempo.

Essa “atualização”, no entanto, tem certo custo, e quem é prejudicada na leitura de Nolan da história do rei de Ítaca é sua dimensão fantástica. Existem, sim, monstros e criaturas no filme, mas podemos lê-las mais como elementos de elaboração do trauma do protagonista pelas ações que cometeu em Tróia, do que como elementos de um mundo fantástico em que esse personagem habita. O “outro” aqui é representado como uma imagem distorcida de uma realidade onde a moral da “lei de Zeus” não é relevante. É justamente esse preceito de tratar bem estrangeiros e necessitados que é constantemente desrespeitado no filme, tanto pelos obstáculos no caminho do protagonista, quanto por ele próprio, quando age da forma que assistimos em seus flashbacks.

O materialismo de Nolan também chega ao mundo dos deuses, quase completamente ausentes na história. Eles se comunicam por sinais, regras e efeitos psicológicos, o que praticamente os remove da equação. As divindades deixam de ser uma ferramenta com as quais a obra pode refletir sobre a nossa condição humana, e passam a ser efeitos dessa condição. É uma escolha que pode desagradar, mas é inegavelmente eficaz em comunicar sua mensagem. É a ação humana reverberando na realidade, nas sociedades, no cosmos. Vítimas e algozes ao mesmo tempo, os humanos não estão à mercê dos terríveis “povos do mar”, já que são os próprios.

Meu elogio ao filme, no entanto, é longe de ser em virtude da ideologia contemporânea com a qual lida com esse texto tão antigo, mas sim em quão eficaz ele é também em nos entregar um bom filme. É realmente uma aventura cativante e intrigante, que faz um uso muito interessante de flashbacks (recurso que várias vezes só atrapalha o ritmo de um filme) para construir uma narrativa não-linear que só coloca as cartas na mesa em seu último ato.

É chover no molhado elogiar a maneira como Christopher Nolan trabalha o IMAX, mas nesse caso o esforço é bastante digno de nota. O trabalho é realmente impressionante, o uso de efeitos práticos e truques de câmera merece todos os elogios, já que são frutos de uma direção inspirada — e por que não?, apaixonada.

A trilha sonora contribui muito para a dimensão sonora do filme, dando ênfase aos momentos “mágicos” e as atuações são quase todas excelentes, o melhor sendo Robert Pattinson, que encarna uma figura detestável até nos menores detalhes de sua expressão facial, e o pior sendo Tom Holland, que tem seus momentos, mas no geral está muito abaixo (a sorte dele é que essa atuação foi ofuscada pelo outro filme que também está em cartaz).

Ame ou odeie o Christopher Nolan, seus maneirismos e limitações, A Odisseia está na prateleira das melhores coisas que hollywood produziu esse ano.

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Há muito tempo quem dá as cartas em Hollywood quando o assunto é adaptações de quadrinhos para as telonas é o Marvel Studios. Vários projetos tentaram se assemelhar à fórmula e falharam totalmente. A Fox tentou fazer seus X-Men competirem com os Vingadores, A Universal tentou criar um universo compartilhado de histórias de monstros, e a Warner Bros tentou correr atrás do prejuízo, começando seu próprio universo compartilhado com Batman v. Superman, e logo em seguida Liga da Justiça, projetos cheios de ambição encabeçados por Zack Snyder que não agradaram o suficiente para competir com os filmes da concorrência.

De lá pra cá, a Marvel começou a tropeçar em sua própria megalomania. São personagens demais para se importar, produções que parecem feitas às pressas e filmes que não são capazes de se sustentar sozinhos, sem construir algo que está por vir ou se escorar em nostalgia. É olhando para a Marvel que podemos ver que um dos maiores trunfos do DC Studios está justamente em ser o contraponto dessa megalomania, e Supergirl (2026) é exemplo disso.

Distante da expectativa de ser mais um capítulo na história de um grande mundo de heróis, Supergirl é um filme bastante contido em si mesmo. O que é ótimo, já que não se preocupa em estabelecer novos paradigmas, conceitos narrativos ou personagens secundários. O foco é todo da protagonista, mesmo com as pontas de David Corenswet como Superman, e Jason Momoa como Lobo, personagens queridos dos fãs, mas que não chegam a roubar os holofotes. Temos aqui uma aventura espacial que lembra as melhores produções recentes de Star Wars em alguns aspectos, mas não chega a ser uma ópera espacial, com grandes batalhas e consequências. A trama é simples, mas eficaz, e essa é a melhor definição possível para esse filme.

Talvez a direção cheia de personalidade de James Gunn em Superman (2025) faça falta aqui, mas isso não quer dizer que o trabalho de Craig Gillespie seja ruim, só mais simples. A decupagem é eficaz ao transmitir as semelhanças e diferenças entre a Supergirl e o Superman do filme anterior, especialmente nas cenas de ação, mas alguns planos se tornam um tanto repetitivos ao longo do filme, e chegam perto de cansar.

A direção de arte e fotografia fazem um bom trabalho ao construir, juntas, o universo no qual essa história se passa. A iluminação e os cenários que mudam em diferentes planetas constroem visualmente o “nível de dificuldade” daquela fase, quase como em um videogame. Os efeitos visuais, principalmente dos diversos aliens que interagem com a protagonista também estão caprichados, o que deveria ser obrigação para filmes de grandes estúdios, mas frequentemente acaba não sendo o caso.

Mesmo assim, nada em Supergirl chega a ser impressionante, o filme faz lembrar tempos mais simples de filmes de heróis, quando vilões eram só malvados e o gênero ainda se dividia entre “ação/aventura”. A melhor parte com certeza é Milly Alcock como protagonista, que sustenta o filme todo e faz valer o ingresso. Ela é carismática e consegue transmitir amplitude em sua atuação, o que faz o espectador sentir que está acompanhando a jornada de um personagem realmente complexo.

A caracterização da personagem e dos elementos ao seu redor também é um elemento que poderia ter sido melhor aproveitado. A protagonista passa mais da metade do filme usando uma camiseta da banda Blondie, e ver que o filme não se aproveitou mais desse aspecto “menina punk-rock” chega a ser uma decepção, especialmente porque a playlist oficial do filme contém muitas faixas que seriam mais que adequadas para algumas cenas, mas que infelizmente não foram utilizadas.

(A cena com Wet Leg, no entanto, foi uma grata surpresa, sou fã).

O filme também é menos político que Superman (2025). Se aquele tem a questão da Palestina como praticamente central — mesmo que com nomes fantasiosos, este parece evitar a política, mesmo que a trama ofereça certo potencial para o assunto, especialmente na questão feminista. Esse é mais um elemento onde a simplicidade do filme é evidente. Não é um filme sobre uma mulher super-herói e as implicações que isso traz. É um filme de aventura no espaço, e dentro dessa proposta o saldo é positivo, mas podia ser melhor com um pouco mais de complexidade e personalidade.

Serviço:
Supergirl
2026 / 107 minutos
Direção: Craig Gillespie
Roteiro: Ana Nogueira, Jerry Siegel, Joe Shuster
Produção: James Gunn, Peter Safran, Pete Chiappetta
Elenco: Milly Alcock, Jason Momoa, David Corenswet, Eve Ridley, Matthias Schoenaerts

Estreia 25/06, nos cinemas

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Alguns filmes de terror tem o poder de transformar elementos do cotidiano em verdadeiros horrores. A Hora do Pesadelo pode deixar quem assiste receoso em dormir sozinho ou com as luzes apagadas, Annabelle pode transformar bonecas antigas em criaturas aterrorizantes, O Iluminado pode causar medo de hotéis e algumas pessoas sequer assistiram os filmes de It: A Coisa, por medo de palhaços. Já Obsessão (2026), um dos filmes de terror mais bem sucedidos de 2026, pode causar medo de algo que a maioria das pessoas não consideraria ameaçador: namoro.

Para causar tal efeito, o longa, dirigido por Curry Barker — que produzia esquetes de comédia para o Youtube — se vale de uma premissa já bastante conhecida: A pata do macaco, o traiçoeiro gênio, o clássico aviso de “cuidado com o que deseja”. Aqui, no entanto, a ignição da narrativa está em duas espécies de desejo diferentes. “Wish” e “Desire”.

Michael Johnston é Bear. Tímido e apaixonado, ele deseja (desire) engatar um namoro com Nikki (Inde Navarrette), uma de suas melhores amigas, mas não tem coragem de dizer isso para ela. Após uma desastrada confissão, um desejo (wish) do protagonista é atendido, e a amiga se apaixona terrivelmente.

A premissa é simples, mas é nela que o filme encontra sustentação para explorar temas suficientemente interessantes para prender a atenção do espectador mais atento, enquanto constrói visualmente cenas de tensão, suspense e horror visual, já esperadas em um filme do gênero. O diferencial aqui, e ponto alto da produção, é transferir esses estereótipos cinematográficos para a figura da namorada, que em um momento inicial era retratada como objeto de desejo e afeição. Em vários momentos ela não só age, como também é filmada exatamente como os demônios, fantasmas e assassinos de outras produções. Se valer da linguagem cinematográfica para sinalizar ao espectador o perigo que ela apresenta e que corre é uma escolha bastante perspicaz da direção, mas extremamente dependente de uma atriz que corresponda às necessidades dessa escolha narrativa.

Felizmente esse é o caso com Inde Navarrette, que em seu primeiro papel de maior projeção e visibilidade entrega uma atuação que consegue ser charmosa, ao ser filmada como a garota dos sonhos, e aterrorizante ao mesmo tempo. Ela encontra espaço também para ser a vítima vivendo um pesadelo e até caricata em momentos de alívio cômico (e são vários, esse filme ainda por cima consegue ser engraçado). Assumir tantas personas diferentes em um mesmo filme seria um desafio até mesmo para atrizes mais experientes, mas Navarrette atende às expectativas, e consegue equilibrar a personagem, se valendo de ajuda de poucos ou praticamente nenhum efeito especial além de jogos de luz e sombra, maquiagem e muita gritaria.

Enquanto isso, Johnston encarna um personagem de covardia monstruosa, que mesmo assumindo o papel de vítima em fuga, medroso e acossado, também é vilão nessa história — muito mais que a “criatura” que o persegue. Em alguns momentos o personagem é verdadeiramente cruel em seu egoísmo romântico. É o monstro que foge da vítima que persegue. Essa subversão de uma lógica já tão consolidada no cinema de horror é exatamente o que torna Obsessão tão interessante, e consagra a obra como um dos maiores sucessos do gênero em 2026.

Serviço:

Obsessão - 2026

18 anos - Terror

108 minutos

Direção: Curry Barker

Roteiro: Curry Barker

Elenco: Inde Navarrette, Michael Johnston, Cooper Tomlinson, Megan Lawless

Disponível nos cinemas

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Fui pego pela praga dos reels, formato que anteriormente não valorizava tanto, mas há algo de verdadeiramente fascinante — e as vezes revoltante, na maneira como algumas pessoas se relacionam com suas contas no Instagram.

Antes de começarmos nossa exploração pelo melhor e pior do Instagram, cabe aqui refletirmos o porquê do Instagram ser uma verdadeira selva digital, onde as mais exóticas criaturas se reúnem em uma timeline de scroll infinito.

Acho que um bom ponto de partida para entender o Instagram, é olhando pra concorrência, o TikTok. Até 2018, o nome do aplicativo era Musical.Ly, onde um público majoritariamente feminino gravava seus vídeos fazendo caras e bocas e performando para a câmera.

Os movimentos com a câmera, a maquiagem sempre muito bem feita, as caretas e os movimentos que seriam o embrião do que conhecemos hoje como “dancinha do TikTok” denotam uma característica que eu acredito ser central na maneira que a maior parte do público utiliza o TikTok — É sempre na base da performance, seja ela de aparência, no humor, nas próprias dancinhas, ou até no conteúdo intelectual, é tudo pensado para impressionar alguém. O conteúdo é sempre produzido com o outro em mente.

E não estou dizendo que as pessoas não “performam” no Instagram, estamos todos performando o tempo todo, mas enquanto o Musical.ly hospedava vídeos com um certo nível de produção, o Instagram operava numa lógica bem diferente da que conhecemos hoje.

Até as pessoas mais famosas que você pensar usavam a plataforma como um grande álbum de fotos público na internet. Você até interagia com as pessoas, mas convenhamos, no começo todo mundo estava ali pelas fotos das outras pessoas, curiosos e sedentos por atualizações da vida dos outros em um contexto em que stories nem sequer existiam. E estávamos todos fechados nas bolhas de quem seguíamos ou não, de quem nos seguia ou não. Até hoje é muito confortável postar coisas de nossa vida pessoal em contas fechadas.

A relação com o Instagram sempre foi uma coisa mais pessoal que na outra rede, e acho que é daí que surge o solo fértil para que uma fauna tão peculiar de usuários exista no Instagram. As pessoas estão vivendo seus próprios mundinhos, compartilhando suas próprias vidas como quem manda vídeos no grupo da família. Com o surgimento dos reels e do algoritmo que coloca pessoas aleatórias em nossa timeline, tudo mudou.

A peculiaridade dos usuários, que sempre existiu, mas costumava ser particular àquelas pessoas e aos usuários que a seguiam, passou a ser distribuída por todo o mundo, e aí é que começa a festa.

Eu também não estou dizendo que as pessoas não viralizavam antes dessa mudança. Todo mundo se lembra de memes antigos, anteriores à tudo isso. A diferença é que agora as pessoas estão ali, vivendo suas vidas estranhas (e não falo isso pejorativamente, o estranho sempre me encanta um pouco) e do nada milhares de pessoas estão engajando com aquela esquisitice, de forma positiva ou não.

Dito isso, chegou a hora de entrarmos na pauta da newsletter de hoje. Basicamente eu escrevi tudo isso para poder listar aqui a NATA dos produtores de conteúdo que tem me entretido muito toda vez que eu abro o aplicativo. Meu algoritmo é muito bem treinado na arte de me mostrar gente extremamente curiosa, e eu me sentiria culpado de guardar essas pérolas só para mim. Seria como eu ter uma escultura do Michelangelo em casa e me recusasse a colocá-la em exposição.

O Melhor.

Deixem-me guiá-los, então, pelos cantos que escondem aquilo que há de melhor e mais interessante no meu feed (ou só esquisito mesmo, dependendo da maneira com a qual o leitor escolha encarar os perfis listados abaixo).

O menino João de Barro

A primeira parada da nossa jornada Instagram a dentro nos leva a um personagem que faz valer o fato de eu ter chamado essa população online de “fauna” alguns parágrafos acima. Gabriel Duarte costumava viver como qualquer um de nós, em uma casa simples, de concreto como todas as outras.

Mas sabe-se lá por que rebeldia natural, ele resolveu dizer não ao concreto, aos azulejos e à alvenaria. Aliás, esses elementos ainda estão todos lá, mas ele aparentemente não gosta de tê-los à vista, então resolveu cobrir tudo com barro.

Eu amo que em um dos vídeos ele usa os adjetivos “moderno” e “harmônico” para descrever um vaso sanitário besuntado de barro. Ele é tão acessível que está até construindo um chalé de barro para “receber os seguidores”, mas eu não duvido nada que seja só um plano para poder se mudar de vez para uma casa de passarinho em tamanho humano e se conectar cada vez mais com seu animal espiritual.

Enfim, vejam como ficou o banheiro do querido.

Neide dos Tijolos

Outra grande construtora do meu feed, Lucineide Maria da Silva é um pouco mais moderna que nosso querido João de Barro, e seu hiperfoco são tijolos de cerâmica, que ela espalha pela sua casa sem qualquer escrúpulo.

Aliás, o propósito de Neide é muito claro ao espalhar tijolos pela casa. Ela quer dar um recado e expressar sua revolta contra atitudes arbitrárias de sua companheira.

Pegou a esposa curtindo foto de outras na rede social?
Constrói um muro no meio da cama

Pegou a esposa jogada no sofá deixando Neide sem ter onde sentar?
Constrói um sofá de tijolo no meio da sala

É muito claro que, para Neide, tijolo vale mais que diálogo. Eu tenho medo de quando começarem as tijoladas…

Juvessino Duarte

Desde que me mudei pra São Paulo eu passei a valorizar conteúdos com uma pegada mais fugere urbem, que me transportem pra um estilo de vida mais tranquilo, e talvez até preguiçoso, longe da adrenalina da pressa paulista. Juvessino Duarte, o "Jovem”, é uma figura que jamais sobreviveria na metrópole. No seu perfil, ele mostra o dia-a-dia em sua chácara, mas esse nem é o auge do seu conteúdo.

Bom mesmo é quando ele aparece nos reels completamente embriagado, sem preocupação nenhuma, fazendo churrasco de mortadela.

Outra coisa que me intriga é o fato de que, em todos os vídeos, os únicos personagens sempre são ele e seu filho Julinho. Não se houve sequer som de conversa alguma ao fundo. Mas eles sempre mencionam que vão servir para “eles”. Quem são eles Juvessino??? Vocês estão sozinhos!!!

Gordão dos Aviões

Nem só de gente simples vive o meu algoritmo. Ele também é ocupado de me mostrar as mentes mais brilhantes do nosso século, e o Gordão dos Aviões, que não é tão gordo e sequer fez uma única postagem sobre aviões é uma dessas mentes.

Me encanta muito a maneira que o raciocínio desse rapaz opera. Vou deixar que ele mesmo fale.

O Pior.

Da mesma forma que algumas personalidades esbanjam carisma de forma espontânea, outras entendem o Instagram como uma ferramenta de ascensão social à valorosa casta de “influencers”. E é muito louco pensar que, na internet como um todo, basta ter público suficiente disposto a te assistir, para você poder dar pitaco sobre qualquer coisa com ar de autoridade.

Pra mim essa é a pior parte da experiência com o Instagram, e como o espaço está acabando, eu vou citar dois exemplos que mostram que, nessa selva, existem criaturas com as quais eu definitivamente não quero me encontrar.

Lorin do Fut

Depois que o Luva de Pedreiro mostrou que dá para viralizar com um bordão e habilidade com os pés, os olhos dos boleiros se voltaram para os reels e para o TikTok. Figuras como o Lorin do Fut passaram a incomodar feeds alheios, imitando a fórmula que transformou Iran Ferreira em uma das maiores personalidades do futebol mundial (pelo menos na internet).

Carisma negativo.

Confesso que eu não conhecia o Lorin, mas quando eu pedi sugestões de perfis para essa pauta, ele foi citado com muito ódio.

Roberto Brandini

Esse cara é insuportável. Sério mesmo.

O “ex-afeminado”, que anda por aí ensinando sobre uma tal “Dieta da Selva”, que promete “devolver sua masculinidade” evitando comer arroz e feijão que, segundo ele, são “rações do governo”.

Esse careca é perturbado, e é óbvio que ele vende curso de emagrecimento.

Eu não vou nem colocar vídeo dele aqui, porque não me sinto confortável dando plataforma pra esse tipo de negacionismo. Sei lá galera procurem profissionais de verdade fora do Instagram sabe…

Tem vídeo desse maníaco comendo um tablete de manteiga inteiro no Instagram dele como “lanche”. O fato de existirem pessoas que dão dinheiro e atenção para esse tipo de conteúdo é um exemplo ótimo de tudo que deu errado com as redes sociais.

O problema é que eu gosto muito de fazer hate-watching dos vídeos desse malandro, então ele vive voltando pro meu feed…

Enfim, meu espaço acabou e eu ainda tinha alguns perfis para indicar/detonar, quem sabe um dia eu não faço uma parte 2 disso aqui e aproveito e conto sobre o dia que conheci a fã número 1 do Carlinhos Maia de Cuiabá, MT…

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oi…

estamos de volta.

No dia 12 de março de 2025, eu abandonei vocês com a promessa de que “A gente volta qualquer dia desses". Bom, esse dia chegou, e de lá pra cá aconteceu tanta coisa, que eu me sinto no dever de dar um breve resumo, pra vocês saberem quem é que vos escreve.

Primeiro, eu arrumei um emprego no jornal impresso, e como escrever era só o que eu fazia por lá, o hábito de escrever como hobby (isso aqui) acabou desaparecendo. É evidente que eu já não tenho mais aquele emprego, eis o motivo de estar aqui. Juro que vou tentar não abandonar isso aqui mais uma vez caso o mercado de trabalho volte a sorrir para mim.

A mudança que talvez mais impacte no conteúdo dessa newsletter é uma mudança literal. Se antes eu escrevia de Cuiabá-MT, agora eu escrevo da cidade nº1 para acessar cultura (e também para se desiludir com o mercado de trabalho). Estou morando, há duas semanas, em São Paulo. Vivendo um mix de sonho e pesadelo enquanto a ansiedade do desemprego me consome dia após dia, mas ei, pelo menos eu moro do lado de um teatro e aqui tem salas IMAX para eu assistir os indicados ao Oscar!

Outras coisas que voltaram depois de muito tempo

Eu não sou o primeiro, nem vou ser o último, a fazer esse movimento de desaparecer e voltar. Longe de mim querer pintar esse período como algo consciente ou planejado, mas esse tipo de coisa acontece até com gente muito mais profissional que eu. Twin Peaks, por exemplo, só foi resolver os ganchos do final da segunda temporada mais de 25 anos depois.

Vou fingir que está tudo bem?
Não vou.
Mas não dá pra negar que esse tipo de retomada a projetos praticamente abandonados tem seu charme.

É claro que eu não ia voltar a escrever sem me escorar na facilidade de montar uma lista, então resolvi trazer mais gente que também ficou sumida por um tempo, pra me sentir menos culpado.

A Tribe Called Quest

Talvez um dos grupos de hip hop mais influentes de todos os tempos, e também (não atoa), mais incensados pela crítica especializada e pelo público, os caras do ATCQ ficaram de 1998 até 2006 sem fazer turnês — e só voltaram aos palcos para ajudar Phife Dawg, membro do grupo, à lidar com os custos de seu tratamento para diabetes.

Se 8 anos fora de atividade não são surpreendentes para vocês, o último álbum do ATCQ só foi lançado em 2016, 18 anos após o lançamento de "The Love Movement".

Divulgado com o single “We The People….”, que abertamente criticava a campanha de Donald Trump à presidência dos Estados Unidos, “We got it from Here… Thank You 4 Your service” é um dos melhores álbuns da discografia do ATCQ.

Ao longo de suas 16 faixas, o álbum conta com participações de peso como Anderson .Paak, Kendrick Lamar, Jack White (do White Stripes), Kanye West e Andre 3000.

É interessante comentar que o grupo foi nomeado ao Hall da Fama do Rock em 2024, e no ano seguinte Jack White e Andre 3000 foram nomeados juntos. Esse é de fato um álbum com vários nomes de peso, e isso transborda na qualidade de suas faixas.

Infelizmente, Phife Dawg morreu antes que o álbum pudesse ser concluído.

Mad Max

Os filmes de Mad Max talvez sejam a obra definitiva do pós-apocalipse. O primeiro filme foi lançado em 1979, dirigido por um médico sem experiência nenhuma no cinema e filmado no cu da Austrália. O improvável sucesso foi tão grande que se tornou uma das franquias mais reentáveis da história do cinema. (O primeiro filme, por exemplo, custou 350 mil dólares e supostamente arrecadou mais de 100 milhões globalmente, número que não consegui verificar, mas vida que segue).

O impacto cultural de Mad Max também foi muito significativo para que os filmes ficassem pra sempre no imaginário popular. Acredite em mim, sempre que você ver gente doida no deserto, guerreiros num mundo pós-apocaliptico, ou algo do gênero, esse produto bebeu de Mad Max.

O último filme de Mad Max, “Além da cúpula do Trovão”, tem a Tina Turner contracenando com o Mel Gibson, e foi lançado em 1985, 30 anos antes do retorno de George Miller às câmeras para dirigir carros e loucura no deserto.

Mad Max Estrada da Fúria é um dos meus filmes favoritos, e eu acho que nunca mais vou viver a experiência que tive assistindo esse filme no cinema no auge dos meus 13 anos.

Mas não se engane, eu não gosto desse filme só por ter ficado completamente impressionado por ele na minha adolescência, eu realmente acho que esse é um dos melhores filmes de ação já produzidos na história. Um baita retorno. Um dia eu dedico uma edição só pra falar desse filme.

Evangelion

Um dos maiores fenômenos num meio mais "cult” dos animes, o anime original de Evangelion foi exibido entre 1995 e 1996, e um final alternativo (se é que eu posso chamar assim) foi lançado nos cinemas em 1997.

Dez anos se passaram, até que o Hideaki Anno resolveu voltar à história que já havia contado, para revisitá-la e contar as coisas de um jeito diferente, com um final um tanto mais otimista. Tem gente que não gosta, mas os “Rebuilds”, como foram batizados esses novos filmes, foram sendo lançados até 2021, então dá pra dizer que desde 2007, Hideaki Anno viveu tratando os fãs na base do retorno.

O primeiro dos rebuilds é BEM parecido ao anime original, com algumas mudanças aqui e ali e uma animação bonitona, mas a impressão que eu tenho é que no meio do caminho, o diretor pensou “quer saber?? dessa vez não!”, e reconstruiu (dã) a história.

É muito legal notar como a visão de mundo dele mudou através das diferenças nos dois materiais.

Gumball

O Incrível Mundo de Gumball foi um dos desenhos da última geração que eu acompanhei na Cartoon Network. Junto com Hora de Aventura e Apenas um show, essas eram os três desenhos mais legais dessa geração pós Ben 10 (eu nunca gostei muito de Steven Universo, que surgiu um pouco depois, mas se eu não mencionar vai ter gente perguntando).

O maior atrativo de Gumball sempre foi, na minha opinião, a liberdade do desenho em brincar com a própria linguagem, enquanto explorava e parodiava temas ultra diversos. Um dos meus episódios favoritos, por exemplo, acompanha Anais, a irmã mais nova de Gumball, brincando de detetive, parodiando seriados de investigação como True Detective, Law & Order e produções Noir.

A série ficou 7 anos sem novas temporadas, mas ano passado, Gumball retornou com uma 7ª temporada, rebatizada como “O Maravilhosamente Estranho Mundo de Gumball”.

É Gumball elevado à milésima potência. A animação é absurdamente criativa e não houve um episódio sequer em que eu não tenha me impressionado com alguma sequência, mas esse nem é o ponto mais alto.

Se nas temporadas anteriores, os episódios com frequência giravam em torno de vivências “comuns” de um gato e um peixe de 12 anos, dessa vez, a produção de Gumball se preocupou bastante em parodiar — e críticar, o mundo à nossa volta. Tem episódio que eles falam de IA, tem episódio que eles falam sobre crise alimentar e ultraprocessados, e nesse mesmo episódio eles criticam o acúmulo obsceno de capital pelas elites, propondo inclusive uma antiga solução para o problema. Sim, tudo isso num programa de classificação livre protagonizado por um peixe e um gato azul.

Não vou me prolongar porque eu realmente espero que vocês que me leem tirem um tempo para conferir esses novos episódios, tem algumas coisas ali que são realmente de cair o queixo.

My Chemical Romance

Chegou a hora finalmente de falar disso aqui.

Calma, deixa só eu mexer numa coisa.

My Chemical Romance

agora sim.

Estou falando de muitas coisas “favoritas” minhas nessa edição, mas isso aqui merece certo destaque, porque (e é inacreditável escrever isso) semana passada eu pude vê-los tocar ao vivo.

Long Live the Black Parade é uma turnê em comemoração (e aí acho que muito mais no sentido de co-memorar, lembrar junto mesmo) ao álbum Black Parade, de 2006.

São muitos retornos. O retorno da banda fictícia Black Parade, que protagoniza os shows teatrais da banda (e havia morrido em 2007, em um show no méxico), o retorno do MCR aos palcos, e o retorno da banda ao Brasil, após 17 anos).

Como um grande fã de musicais, eu fiquei muito animado ao saber que os shows não eram apenas shows, mas contavam com toda uma produção teatral, pirotecnia, atores, figurinos, elementos de cenário e lore. Os caras inventaram até um alfabeto para a língua do país fictício no qual a história se passa, o Keposhka, que eu tentei (sem sucesso) aprender a ler antes do show para poder ficar traduzindo tudo.

Enfim, o evento foi ótimo. Eles são muito carismáticos, e a produção é muito impressionante. Não tem nada como a sensação de ouvir suas músicas favoritas cercado por pessoas que ENTENDEM o que você está sentindo naquele momento (mas antes, The Hives, é claro).

Eu nunca imaginei que poderia ver esses caras ao vivo. Quando eu conheci o MCR, eu tinha por volta dos 12 anos de idade e eles tinham acabado de dissolver a banda. Eu sequer sabia o que era um “emo”, porque essa cultura simplesmente não chegou em Cuiabá. Éramos eu e a Duda e nossos gostos musicais alternativos. Só. E é claro que eu fiz uma chamada de vídeo pra ela ver a cara do Gerard Way comigo, mesmo que rapidinho.

Loucura pensar que eu estava em um estádio lotado por pessoas que também gostavam daquilo. Gente que se conecta com aquilo de formas tão particulares, mas tão compartilhadas quanto poderiam ser ali naquele momento, no meio daquele bando de gente.

Desafio: ache o Igorlinos no vídeo acima.

Se você nunca foi assistir um show em um grande estádio, não se engane, tecnicamente, a pista comum é a pior experiência possível. O som não é bom e você não vê direito, mas um show como esses é algo que transcende a dimensão técnica do ouvir e assistir bem. É, acima de tudo, um evento social, e eu precisava estar ali, ombro com ombro com gente como eu, pra viver essa experiência. Pra ser melhor só se eu estivesse grudado no palco, mas isso vai ter que ficar pra uma próxima, ou não. Que bom que essa eu vivi.

Por enquanto isso é tudo que eu tenho pra oferecer, mas algumas ideias pras próximas edições já estão borbulhando aqui na minha cabeça. Obrigado todo mundo que cobrou que eu voltasse, é legal saber que não escrevo só para falar sozinho na internet. Semana que vem não prometo nada, é carnaval.

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“Nossa Igor, você precisa regular seu sono, dormir melhor”

Primeiro que eu acho essa coisa de “regular” o sono uma grande babaquice. Quem é que falou que existe um jeito certo de dormir e acordar? A sociedade pós-moderna capitalista?? Dormir até tarde é um ato de resistência.

Segundo que é impossível dormir bem sabendo que às 7h30 uma aula de “Jornalismo Científico” me aguarda. Simplesmente não dá para relaxar sabendo que à qualquer momento o despertador vai gritar comigo anunciando que um novo dia vai começar. Até por isso eu valorizo tanto meu emprego que me deixa entrar às 14h. Se acordar tarde é um ato de resistência, o cochilo depois do almoço é pura rebeldia.

DEIXEM O POVO SONHAR.

POR EXPEDIENTES QUE COMECEM AO MEIO DIA.

VAMOS TRABALHAR TODOS ATÉ ÀS 21, EU NÃO ME IMPORTO!

Para vocês entenderem o tamanho do meu desgosto por acordar cedo, resolvi listar

Coisas que eu faria para não ter que acordar cedo

Acompanharia uma temporada do Cuiabá Esporte Clube no meio da torcida

Eu não gosto do Cuiabá, e gostaria muito menos de acompanhar agora que ele voltou para o lugar de onde nunca deveria ter saído (a série B). Mas se tem uma coisa pior que assistir jogo do Cuiabá, é se enfiar no meio de sua suposta torcida. Eles são muito chatos, é quase a nossa versão da torcida do Palmeiras.

Leria o devocional do Café com Deus Pai todo dia antes de dormir

Se isso garantisse que no dia seguinte eu poderia acordar na hora do almoço eu não hesitaria em gabaritar todos os devocionais de todas as edições do Café com Deus Pai.

Eu compraria o Café do Café com Deus Pai e daria para todos os meus amigos ateus beberem.

Eu tentaria convencer meus amigos ateus a lerem o Café com Deus Pai se isso me garantisse mais horas de sono.

Limparia os Estábulos do Rei Augias

A minha vontade de dormir um pouco mais é tanta que eu faria tarefas dignas do próprio Hércules. É claro que, sabendo das minhas limitações, eu não conseguiria matar o leão de Neméia nem a Hidra de Lerna, então escolhi esse trabalho mais simples, que consistiu em desviar o curso de dois rios para limpar os estábulos que estavam tomados por esterco.

Sim, eu passaria dias limpando merda para não ter que acordar cedo nunca mais.

Voltaria a me meter com Atlética da Faculdade

Na verdade não sei se voltaria não, já estou ficando velho pra isso…

Tô cansado só de pensar. Talvez eu tenha exagerado.

O meu problema em acordar cedo não seria tão grande se eu não morasse em Cuiabá. Se coisas bonitas me aguardassem, se o trânsito não fosse tão terrível, talvez eu conseguisse ver beleza matinal nas pequenas coisas. E sim, eu sei que Cuiabá - MT não tem os piores engarrafamentos do Brasil, mas nós temos um problema terrível: Somos uma cidade transformada em canteiro de obras.

Até hoje eu me lembro que, em 2012, um estande do Governo do Estado na Expoagro anunciava que para a Copa do Mundo de 2014, Cuiabá seria uma nova cidade, modernizada com um novo sistema Bus Rapid Transit (uma espécie de ônibus sanfonado que transita em uma faixa exclusiva), e novas trincheiras e viadutos.

Estamos em 2025. Se passaram 13 anos. Cuiabá ainda está pelejando com essas obras.

Vejam; Uma criança que nasceu em 2012 já está pensando nos primeiros namoricos e caçando briga na internet, mas nunca viu uma cidade que o cenário não fosse esse:

Pra mim isso não simboliza o progresso de uma cidade em expansão, pra mim esse é o epítome do nosso fracasso como cidade civilizada. De lá para cá foram 4 prefeitos e 3 governadores diferentes, e nenhuma gestão conseguiu terminar as obras. O BRT virou VLT, e agora voltou a ser BRT, mas na verdade ele nunca foi nada além de uma ideia. A gestão atual até tentou andar com a obra, mas elas novamente foram paralisadas. E a gente segue esperando e pagando para viver no meio de um canteiro.

Aconteceu antes das obras da copa de 2014

É impressionante o que nós, como humanidade, assistimos e conquistamos antes do término dessas obras, hoje vou listar alguns fatos para colocar em perspectiva há quanto tempo estamos nessa.

Marvel Studios

Se em 2012 os Vingadores eram 6 super heróis nos cinemas, em 2025 devem ser bem uns 40 personagens diferentes, introduzidos ao longo de 30 filmes. Vocês tem noção do trabalho que dá fazer UM filme? Eles fizeram TRINTA no tempo que levou para Cuiabá colocar trilhos no chão, mudar de ideia e tirar os trilhos do chão.

Não temos trem, não temos ônibus com sanfona no meio, mas temos um prefeito que é a cara do Wilson Fisk.

Vine

A rede social favorita da sua rede social favorita, o Vine foi a rede precursora do formato de vídeos curtos. Até hoje eu passo horas assistindo compilações de vídeos de 6 segundos. Era o começo da dopamina ligeira nas redes.

Deu tempo do Vine fazer sucesso, lançar criaturas terríveis como o Lucas Rangel na internet e deixar de existir. E eu não consigo (e nem vou conseguir) pegar um trem em Cuiabá.

O jogo Flappy Bird

Vocês lembram disso aqui?

Vocês lembram quanto tempo faz que isso aqui aconteceu?
Pois é, ele foi lançado em 2013 e removido da App Store em 2014, ano em que as obras deveriam ter sido concluídas.

Foto do Buraco Negro

Nessa altura do campeonato, vocês já devem saber que fotografias são só luz congelada né?
E vocês sabem também que um buraco negro é UM GRANDE TROÇO ESPACIAL QUE ENGOLE TODA A LUZ AO SEU REDOR, né?
Pois bem, a gente tem uma fotografia de um desses, mas não temos o tal novo modal de transporte urbano em Cuiabá.

Música nova dos Beatles

Galera os Beatles acabaram em 1975.

Esses dias eles ganharam um Grammy com uma música lançada com ajuda de inteligência artificial. O John Lennon morreu faz mais de 40 anos e ele está numa música que ganhou um Grammy. Na última edição da premiação.

A galera está ressuscitando artista, mas não conseguimos construir uma trincheira que não corra risco de desabar em Cuiabá, Mato Grosso.

Ficamos muito pra trás.

Séries que eu assisti só a primeira temporada (e gostei muito)

Mudando de assunto porque isso aqui não é coluna política.

Eu tenho um problema muito grande em procrastinar séries. Eu detesto o modelo Netflix que lança temporadas todas de uma vez só incentivando a maratona, porque eu simplesmente NÃO MARATONO séries.

O cenário ideal para mim é assistir um episódio por semana, conversando na internet sobre o que aconteceu e ir acompanhando junto com todo mundo. Vocês geração tiktok ansiosinhos nunca entenderiam a delícia que é ir assistindo aos poucos uma série.

Mas isso me causa um problema. Se a série já é velha, com várias temporadas já lançadas, eu simplesmente evito assistir, porque sei que abandono. Aliás, evitava, já que esse ano eu decidi que vou me esforçar em assistir pelo menos uma temporada de uma série antes de largar e ir pra próxima. E isso tem funcionado! Assisti muita coisa legal, que em breve devo começar a me aventurar em suas segundas temporadas.

Succession

Essa tem sido uma experiência e tanto. Chamei minha mãe para assistir comigo, e por se tratar de uma série da HBO eu pesquisei se tinha cenas de nudez. De fato não tem, mas eu definitivamente não estava esperando que a primeira cena da série fosse um velho mijando no chão, ou aquela cena do Roman…

No geral estamos gostando muito. Eu adoro a reação que a minha mãe tem toda vez que esses ricos malucos se comportam como ricos malucos. Já começamos a segunda temporada. O nosso favorito sem dúvidas é o Roman, o que me pegou de surpresa, já que ele é o mais dodói. Vou deixar minha mãe explicar:

“Gosto mais do louquinho q esqueci o nome

Pq ele deixa mais leve a série apesar da loucura

Acho uma loucura que apesar de levar ele a ter atitudes estranhas ele não prejudica ninguém

Mesmo com a merda que ele fez do satélite”

Aproveitando, eu também perguntei de quem ela gosta menos, e é ÓBVIO que é o Kendall.

“Gosto menos do filho mais velho

Suas fragilidades são compensadas pelas drogas e isso é ruim… não sei se nos próximos episódios ele vai mudar isso

O q poderia fazer com q a série mostrasse outra situação…

Também não gosto do amigo dele que deu o dinheiro

Ganancioso e aproveitador demais”

Não fechamos com Kendall Roy (o que tem cara de guri cagado).

Hannibal

Muito bem escrita e dirigida. Ela começa como uma série de assassino normal igual qualquer outra, e até tem uma estrutura meio de “caso da semana”, mas quando a trama começa a ser amarrada na reta final da temporada, ela fica realmente fenomenal. Fora o elenco que dispensa elogios.

Mas foi nesse diálogo aqui que a série me convenceu. Estou muito ansioso para assistir a segunda temporada.

Eu queria que o Mads Mikkelsen fizesse janta pra mim.

The Bear

ABSOLUTE TELEVISION

The Bear deve ser a melhor coisa que eu vi esse ano. Os episódios são literalmente de tirar o fôlego, os personagens são todos carismáticos pra caralho e o design de produção é só a cereja do bolo.

E o que foi aquele episódio 7 feito em um take só?
Pura magia feita com a câmera, eu não consigo parar de pensar em The Bear e já me disseram que a série vai melhorar.

A minha jornada de primeiras temporadas agora segue rumo à Lumon, já que estou assistindo (e gostando muito) de Ruptura. Estou assistindo também (semanalmente, graças à Deus), Demolidor: Renascido e quero ver Yellowjackets, então quem sabe no futuro eu não volte para falar sobre essas também.

Não vou prometer nada, não quero as viúvas dessa publicação me cobrando depois.

A gente volta qualquer dia desses.

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Tirando o elefante da sala

Pelo que eu tenho visto na internet, existem vários motivos diferentes pelos quais as pessoas não estão gostando desse filme, mas de longe o mais imbecil é o fato do filme ser um musical.

Uma pessoa sentada atrás de mim estava claramente e sonoramente incomodada toda vez que uma música começava e eu vi até um antigo professor de inglês perguntar nos stories se era verdade que o filme tem um roteiro fraco e “tá parecendo um musical”.

Com todo o respeito, se a pessoa abre o site para comprar os ingressos, vê lá escrito "Thriller/Musical", conscientemente compra o ingresso, gasta 50 reais em pipoca, se senta para ver o filme e acha ruim quando os personagens desse musical cantam, essa pessoa só pode estar de sacanagem. Ninguém obrigou ninguém a ver esse filme. Se você odeia musicais apenas não assista e tá tudo bem, não é um gênero que agrada todo mundo.

Então agora que já estamos no assunto, Coringa: Delírio a Dois é um musical um tanto criativo. Eu confesso que estava esperando mais cenas como a em que eles aparecem dançando no trailer, pensei que o convite ao delírio do casal seria o que nortearia o filme, conduzindo os números musicais por delirantes fugas da realidade em cenários e situações imaginadas pelos personagens, e isso até acontece em alguns momentos que eu considero que são pontos altíssimos do filme, mas precisamos ter algo em mente quando pensamos e falamos sobre essa sequência: Esse é um filme que está sempre disposto a dizer não.

Na questão musical, por exemplo, eu esperava ser levado com mais frequência para a imaginação de Arthur e Lee, minha expectativa era a de ver Coringa e Arlequina botando pra quebrar em tela, e isso até acontece, mas na maior parte do tempo, o delírio realmente é a dois, o que nos deixa, muitas vezes assistindo os personagens parados, cantando sozinhos nos cenários. É daí que eu acho que surgem as críticas de que o filme tem vergonha de ser um musical. Eu discordo dessa afirmação.

Justamente por ser um filme que se recusa a ser aquilo que esperávamos, Coringa: Delírio a Dois expõe o quão patética e desconfortável é a posição em que o protagonista está ao se expor. Quanto ele canta sozinho, em meio a um cenário completamente sem graça, é deprimente. Nós não queremos olhar para “aquilo”.

E não é assim que lidamos com pessoas como o Arthur em nosso cotidiano?

Eu inclusive vou além, e avalio que até os próprios personagens estão constantemente desconfortáveis com toda a cantoria. Isso inclusive é explicito no final do filme, onde o personagem do Joaquin Phoenix praticamente implora que eles parem de cantar. Só é bonito, só é agradável, quando ele está delirando, sonhando com a mulher por quem se apaixonou. Quando o cenário do filme muda, e saímos do tribunal ou do asilo para os palcos, para as performances exageradas, é porque são esses também os poucos momentos nos quais Arthur consegue escapar, mesmo que ilusoriamente, da sua terrível realidade.

Comentário Social

Coringa (2019) é um filme que as pessoas adoram elogiar por suas críticas sociais, que expõem como a sociedade é terrível e faz a gente ter vontade de surtar etc, etc, etc. Esse é mais um aspecto que, ao meu ver, Coringa: Delírio a Dois continua explorando e em alguns pontos até expande os questionamentos do seu antecessor.

É claro que precisamos ter compaixão por pessoas em sofrimento psíquico, mas não podemos esquecer nunca que as ações do personagem no primeiro filme impactaram outras pessoas que também estão nessa constante batalha de sobreviver em sociedade. Há algumas cenas do filme que deixa isso muito explicito, ao colocar no tribunal frente a frente o protagonista e algumas das pessoas que sofreram pelo que ele fez no primeiro filme. E mais uma vez o filme se mostra completamente disposto a dizer não para o fã do primeiro filme.

Arthur Fleck não é um mártir. Não é uma figura na qual deveríamos nos projetar. O Coringa não deve ser um símbolo para nossas angústias.

O diretor Todd Philips sabe o impacto que o primeiro filme teve, principalmente em nichos “red-pill”, e sabe que a conclusão épica de seu primeiro filme contribui para a criação desse Coringa como o símbolo de uma masculinidade reprimida, que responde com violência às opressões da sociedade moderna. É justamente essa imagem que ele se recusa a trazer de volta para o segundo filme, que tem um final inclusive completamente melancólico e desesperançoso.

E é por isso que o filme está sendo considerado "decepcionante” para essa parcela do público, que não aceita ter a sua visão de mundo colocada em cheque e não aceita ver seus próprios ícones serem expostos como farsas.

É exatamente por isso que eu digo que esse é um filme sempre disposto a dizer não.

Ele continua a épica saga do Coringa, coroando ele como palhaço do crime e dando um final feliz para a história do pobre coitado Arthur Fleck? Não.

É uma história sobre como dois perturbados encontraram felicidade em suas vidas miseráveis depois de descobrirem o amor no sanatório? Não.

Ele nos dá mais cenas do Coringa dando o troco na sociedade pelos anos que passou sofrendo nessa verdadeira máquina de morrer gente? Não.

É o mais novo filme para a macholândia da internet fazer gifs e postar nas redes sociais que “ele é literalmente eu”? Também não.

E foi por isso que eu gostei tanto. É um filme que se esforça para mostrar para a própria fanbase que eles não entenderam nada do primeiro filme. É um banho de água fria, onde o diretor coloca as coisas em perspectiva. É a partir do meu entendimento que o filme quer mostrar, de outra forma, aquilo que seu antecessor apresentou que eu defendo que Coringa: Delírio a Dois é sim, um bom filme.

O mais irônico é que tudo isso está representado dentro do próprio filme, por meio da personagem da Lady Gaga, que se projeta em seu ídolo, mas só enquanto ele está disposto a ser aquilo que ela quer que ele seja. Ela é a representação do fã que imagina ter propriedade sobre aquele ícone, quer trazer seus comportamentos e ideias para dentro da própria vida e tenta ser o máximo como ele, ou melhor, da sua própria visão do que aquele ídolo deveria ser. É tipo os machos-alfa que andam por aí imitando o protagonista de psicopata americano sabe? Só que nesse caso é um palhaço terrorista.

Atuações e considerações finais

Já que entrei na pauta Lady Gaga, eu não poderia deixar de elogiar a performance dela nesse filme. A sua presença de tela é fenomenal para construir tanto a mulher por quem o protagonista tem delírios amorosos e sonhos românticos em cima dos palcos, quanto a enigmática Lee, cujas verdadeiras intenções são sempre um mistério para quem assiste. Ela é tão boa que canta como se não soubesse cantar e entrega uma cena de maquiagem enlouquecida que se aproxima bastante da cena que temos no primeiro filme. Fora que, por ela própria ser uma popstar na vida real, imagino que ela saiba como ninguém como se comportam os fãs que pensam serem donos dos artistas.

O Joaquin Phoenix dispensa elogios, já que entrega uma performance tão boa quanto a do primeiro filme. A diferença é que aqui, além de cantar, ele sofre mais, muito mais. O ditado "quem canta seus males espanta” não deu muito certo pra ele. Não vou entrar em detalhes, mas em determinada cena não se ouvia nem o barulho de pipoca na sala de cinema. Estávamos todos encarando a tela desconfortáveis com o sofrimento de Arthur, que Phoenix transmite de forma sensacional em meio aos seus aproximados 50kg (É sério ele tá muito magro).

Uma grata surpresa foi a performance do Brendan Gleeson, que eu nem sabia que estava no filme, mas faz um dos policiais que interagem diariamente com Fleck no Asilo Arkham. Ele está ótimo no papel, e a dinâmica do seu personagem com o protagonista é bem interessante e bem construída. Dá nojo da cara dele em certo ponto, e isso é bom.

Para encerrarmos, porque já vou me alongando demais, achei muito legais os paralelos e homenagens que o filme faz à outros musicais e ao seu antecessor. Logo na abertura do filme, por exemplo, vemos uma cena onde sangue escorre da boca de Arthur para baixo, desenhando uma boca triste, traçando um paralelo direto com a conclusão do primeiro filme, onde o Coringa desenha um imenso sorriso com seu próprio sangue.

Existem muitas outras questões e camadas nesse filme que eu adoraria debater mas precisei deixar de fora pelo tamanho do texto. As cenas no tribunal mesmo são recheadas de assuntos legais de se trazer à mesa quando falamos desse filme.

Infelizmente tenho a sensação que estarei defendendo Coringa: Delírio a Dois com poucos ao meu lado nas trincheiras, mas faz parte, eu gosto de ser um pouco teimoso.

Gostando muito do filme ou não, não se deixem enganar, esse filme não é a bosta toda que estão fazendo parecer que é.

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Infelizmente esse ano o glorioso Time Brasil está em Paris com alguns desfalques, entre eles o carismático Darlan Romani, do arremesso de peso, que precisou cancelar sua participação de última hora por causa de uma hérnia de disco, e a skatista Letícia Bufoni, que roubou corações em Tokyo, mas simplesmente desistiu de tentar a vaga para Paris.

Outro desfalque que o Time Brasil está tendo que lidar é a moda. Tá todo mundo cansado de saber que a roupa do desfile de abertura é feia e neopentecostal. Caso você more em uma caverna, esse é o outfit em questão:

A situação piora quando a diretora de marketing da Riachuelo, empresa responsável pela elaboração desses uniformes alega que eles levaram dois anos para desenvolver esse outfit, e que não esperavam a repercussão negativa. É engraçado porque eles levaram dois anos para pensar em uma roupa que qualquer tiazinha escolhe no automático domingo a noite para ir na igreja batista.

Mas não é possível que tudo esteja perdido né? Então por isso eu trago hoje, para abrir a edição

Analisando alguns uniformes do Time Brasil nas olímpiadas de Paris.

Atletismo - Puma

A puma não costuma acertar não. Quem lembra dos uniformes deles da copa do mundo com aqueles quadrados bizarros na barriga dos jogadores para emoldurar o número da camisa na parte da frente? Por incrível que pareça eles mandaram super bem nos uniformes de atletismo, com várias opções com designs bem bacanas. A Juliana Campos, do salto com vara fez esse vídeo mostrando todas as opções e o design de cada um deles é dos mais bacanas dessa edição, com várias opções de comprimento e corte.

Mandaram bem.

Handebol - RT Sports

Quem não mandou bem foi a tal da RT Sports, que botou a logo da confederação brasileira de handebol em um desing padrão de camisa de interclasse e todo mundo envolvido achou bom o suficiente para mandar para Paris. Eu tenho certeza que o tecido é daqueles que a costura desfia após 6 lavagens.

Como pode eles terem feito três modelos diferentes, e os três serem tão feios? Lamentável.

Rugby - KickBall

Para mostrar que meu descontentamento não é birra com marca de pequena expressão, a Kickball mandou muito bem no design dos uniformes da equipe de Rugby. Essa estampa remetendo a elementos da cultura afro ficou muito bacana e ouso dizer que a Nike não faz uma camisa bonita assim para a seleção brasileira há alguns anos.

Vôlei - Riachuelo

É difícil para mim criticar alguma coisa quando a modelo é a Rosamaria do volêi… Mas não dá, parece roupa de carteiro. Acho que o meu problema é com essa gola de camisa polo. Pra que isso…..

Hipismo - Animo e Lucky U

Essa saiu direto do guarda roupa do véio da Havan.

Esportes que não são olímpicos (mas deveriam)

Esse ano, o break dance foi incluso no programa olímpico e na edição passada a gente teve a adição do skate e do surf que fez muito sucesso. Para fechar a edição de hoje, eu gostaria de registrar aqui a minha humilde lista de sugestões para o comitê olímpico estudar para os próximos jogos. E não, não vou falar do boliche, do futsal, da sinuca, do MMA, nem muito menos no fut-mesa.

Estou aqui para defender esportes que ninguém valoriza!

Pega-Pega

Recomendo fortemente que quem nunca assistiu aos campeonatos de Pega Pega da World Chase Tag vá ao youtube imediatamente e assista qualquer partida.

É muito competitivo e em alguns momentos as partidas chegam a ser eletrizantes. Minha sugestão é colocar no lugar de alguma das mil modalidades de corrida sem propósito. Aqui os atletas correm uns dos outros, o que é muito mais legal.

Queimada

A queimada, ou dodgeball se você for puxa saco de gringo é um esporte tão tradicional quanto qualquer outro, que infelizmente não tem tanto profissionalismo e visibilidade. (A não ser que você esteja no sexto ano do fundamental. Eu acho que nunca levei algo tão a sério quanto eu levava as minhas partidas de queimada no sexto ano).

Além disso, o esporte traria ainda mais representatividade LGBT para os jogos olímpicos, já que os gays são ótimos nisso (é sério, procure vídeos) e o volêi masculino é dividido no meio pelos gays e pelos hetero-tops.

O esporte é tão tradicional, que desde 2013 nós temos uma candidata fortíssima na mídia para presidente da confederação: A Mulher Melão.

Seria divertido pra cacete.

Campeonato de Tapa na Cara

Se outras modalidades de arte marcial são aceitas, eu não vejo motivos para barrar o Power Slap de se tornar oficialmente um esporte olímpico.

Ainda mais se a gente pensar que as olímpiadas são uma criação grega. Os espartanos iam adorar jogar isso, provarem que são muito machos, os mais machos de toda a grácia antiga, e depois partir para fazer meinha com os brother na caserna

Cara de Pau Olímpica

Nos Jogos Mundiais Universitários em Chengdu, na China, a corredora Nasra Abukar fez o pior tempo da história das corridas de 100 metros e foi investigada por isso.

Já eu acredito que ela deveria era ter sido premiada pelo feito. Ir para um campeonato mundial claramente sem aptidão alguma para o esporte é um feito que poucos seres humanos já conseguiram conquistar.

Seria sensacional se todas as delegações pudessem levar um cara de pau, que conviveria com todos os atletas na vila olímpica e tentaria convencer a todos que realmente é um dos grandes do esporte no seu país. A transmissão do COI ainda poderia fazer um reality show com os caras de pau de cada nação e ganhar uma grana com isso.

As ideias estão aí, só falta querer fazer.

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Infelizmente o Brasil não é potencia mundial na corrida de bolinha de gude. Nesse vídeo inclusive a gente é derrotado logo na primeira fase pra Portugal, inaceitável.

Enfim, resolvi fazer um especial de duas partes sobre esportes olímpicos para celebrar o começo iminente do maior torneio esportivo do mundo semana que vem. Para essa semana, quero compartilhar com vocês a história de duas corridas que nem parece que aconteceram de verdade, e também dois documentários -super sérios-, para a gente já ir entrando no clima para a semana que vem.

Documentários esportivos super sérios e nada idiotas.

Eu acho que um dos caras mais carismáticos de Hollywood nos últimos anos é o Andy Samberg. Existem duas produções protagonizadas por ele no catálogo da Max que vale muito a pena ver se você for tão fã de esportes quanto eu sou de idiotice.

7 dias do Inferno

Esse média-metragem de 2015 conta a história do lendário duelo entre o tenista britânico Charles Poole (interpretado pelo Kit Harrington) e seu rival, o irmão perdido das irmãs Williams, Aaron Williams (Andy Samberg).

São 50 minutos de pura idiotice, nesse documentário falso que conta a história dos dois tenistas e da sua lendária partida que durou 7 dias. Eu só não recomendo assistir com os pais nem com crianças. Nem em público.

É sério.

Tour do Doping

Dois anos depois, Samberg volta pra protagonizar mais um documentário esportivo super sério e profissional.

Dessa vez acompanhado de John Cena, Orlando Bloom e Daveed Diggs, e com participações especiais de Mike Tyson e J.J Abrams, aqui o documentário relata a (infelizmente) falsa história do controverso Tour de France de 1982, competição prejudicada pelo doping de praticamente todos os competidores.

Eu coloquei esse sem avisar pros meus amigos que se tratava de um documentário falso, e foi muito divertido ver eles se chocando com os primeiros cinco minutos, antes da farsa se desfazer.

Algumas histórias, no entanto, parecem ter saído diretamente de um filme do Andy Samberg, mas não foram, e é isso que eu quero contar para vocês agora:

As corridas de 1908

Em 1904, uma corrida movimentou as ruas de Carpi, na Itália. Pericle Pagliani era o favorito para vencer a competição mas foi derrotado pelo jovem Dorando Pietri, um assistente de uma casa de massas que se juntou à corrida (ainda em seu uniforme de trabalho) quando os atletas passaram na frente de onde trabalhava. 4 anos depois, ele estava em Londres representando seu pais como maratonista.

Dorando, que já tem uma história um tanto maluca até aqui, “venceu” essa competição, mas vale falarmos um pouco de outro competidor. O escocês Thomas Jack fez o começo mais rápido da história de uma maratona, e liderou a corrida pelos primeiros oito quilômetros. Maratonas, no entanto, não costumam favorecer quem se apressa na largada e ele logo ficou exausto, sendo ultrapassado. Deve ter valido a pena pelo recorde.

O final da corrida seria em um estádio, e a linha de chegada estava localizada na frente do camarote real, onde a Rainha Alexandra da Dinamarca (que era rainha da Inglaterra na verdade, longa história) assistiria à chegada e a premiação dos vencedores. Quando os primeiros atletas chegaram ao estádio, nosso querido Dorando estava em segundo lugar, porém aproveitou que o sul-africano Charles Hefferon (que vale mencionar, batizou seu próprio filho com o nome “Marathon”) parou para tomar champanhe com alguns espectadores e entrou antes que ele na arena.

Ao entrar na arena, tomado pela exaustão, Dorando caiu 5 vezes, a última delas estando à apenas alguns metros da linha de chegada — e da rainha —. Com o americano Johnny Hayes se aproximando, a equipe médica praticamente carregou o italiano pela linha de chegada, para evitar que o coitado morresse na frente da rainha. O sabor da glória olimpíca foi breve, já que a delegação estadunidense protestou contra a vitória de Dorando, que acabou sendo desclassificado.

Apesar de não ter levado a medalha de ouro de volta para a Itália, a rainha acabou se compadecendo pela história do atleta, e Dorando recebeu dela um troféu pela sua persistência e espírito olímpico. Algumas imagens do final dessa história estão no Youtube, apesar da ajuda para se levantar, eu acho que Dorando Pietri de fato terminou a corrida sozinho.

Nessas mesmas olimpíadas, os americanos causaram polêmica na corrida de 400 metros. Disputada por 4 atletas, sendo o inglês Wyndham Halswelle (que nome britânico do carai), o único não-estadunidense da competição.

Na reta final, Wyndham tentou ultrapassar os americanos, e o corredor John Carpenter empurrou o coitado, que caiu no chão e não conseguiu concluir a prova. Os juízes rasgaram a fita de chegada no meio, cancelando a prova e desclassificando Carpenter.

No dia seguinte, a prova seria realizada novamente, sem John, porém os americanos se recusaram a participar, em protesto pela desclassificação do colega de delegação. Wyndham Halswelle, então, se sagrou o campeão da prova correndo completamente sozinho.

A maratona de 1904

É impressionante quantas histórias bizarras podem acontecer durante um mesmo evento esportivo. Os jogos de verão de 1904, sediados no Missouri, foram a primeira edição das olimpíadas como conhecemos hoje em dia, e a maratona que aconteceu naquele ano em Saint Louis parece ter sido um cataclisma de bizarrice esportiva.

Começando pelo suposto vencedor da prova, o americano Fred Lorz, teve sua cerimônia de premiação interrompida, já que oficiais da prova haviam atestado que ele, na verdade, havia pego uma carona para finalizar a prova, tendo descido do carro a apenas poucos metros de distância da linha de chegada.

As bizarrices não param por aí. Um dos organizadores dos jogos, o racista James Sullivan, queria utilizar as modalidades esportivas para atestar a superioridade dos atletas brancos. Como percebeu que não conseguiria fazer isso na maratona, ele proibiu atletas negros de utilizarem sapatos. Len Taunyane e Jan Mashiani, sul-africanos (os únicos negros sul-africanos a participarem de olimpíadas antes do fim do apartheid) tiveram que concluir a prova completamente descalços — e conseguiram, para a decepção de Sullivan— mesmo sem nunca terem participado de uma maratona. Um deles, inclusive, foi perseguido por um cachorro, e para fugir, precisou sair do trajeto por um tempo.

Dos 32 participantes dessa prova, só 14 conseguiram concluí-la de maneira honesta. Entre os seus participantes estão o cubano Felix Carvajal, que passou mal por ter comido maçãs podres e o americano William Garcia, que precisou ser hospitalizado ao passar por uma nuvem de poeira no meio do trajeto, levantada pelos carros da organização do evento, que circulavam com treinadores e médicos.

A história de Felix é um tanto bizarra. Carteiro em Cuba, Felix perdeu todo o dinheiro que havia juntado para a viagem em um cassino em Nova Orleans, e precisou ir a pé até Saint Louis, onde precisou correr de calça (que cortou acima dos joelhos na hora que chegou lá) e camisa de botão. Morto de fome, além das maçãs podres, Felix pediu um pêssego para um espectador que comia a fruta assistindo à prova. Após ouvir um “não”, ele decidiu roubar o pêssego, que comeu enquanto corria. Ele ficou em quarto. Supostamente (não consegui apurar essa informação), os adversários de Felix se simpatizaram pela louca história do carteiro, e fizeram uma cotinha para pagar a sua viagem de volta para casa. Além disso, também teriam o presenteado com uma placa com os dizeres: “A Felix, o IV, o mais glorioso vencido da história dos Jogos"

O vencedor da prova, que na verdade chegou em segundo lugar, atrás do cara que pegou carona, foi Thomas Hicks. Como as leis antidoping ainda não existiam naquela época, Hicks concluiu a prova na base de muitos produtos químicos. Para falar o bom português, Hicks consumiu conhaque, claras de ovos cruas e doses de 1 mg de estricnina, que é veneno de rato. Ele chegou à linha de chegada tendo alucinações, e os médicos que o avaliaram afirmaram que se tivesse tomado mais uma dose do veneno, Hicks teria falecido.

Fred Lorz acabou sendo banido do esporte por um ano após a trapaça, e depois acabou vencendo (justamente dessa vez) a maratona de Boston. Thomas Hicks nunca mais competiu.

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Essa semana, um amigo que influenciado por mim virou fã firme de X-Men me deu um puxão de orelha, reclamando que eu não havia falado absolutamente nada sobre a nova animação aqui na newsletter. Bom, eu vim aqui essa semana para acabar com isso, e ir além. Meu objetivo essa semana é fazer TODO MUNDO virar fã firme de X-Men, então vou indicar VÁRIAS coisas pra vocês, leitores que eu amo, poderem embarcar nessa comigo.

Mas Igorlinos, por que eu deveria me importar com esse bando de gente de collant colorido?

Bom, além de ficar por dentro das tendências da cultura pop e ficar bem com os jovens, X-Men é um fenômeno que merece sua atenção por alguns motivos. Seja pelo subtexto (que nem é tão sub assim), pela forma que os X-Men revolucionaram a cultura pop ou seja porque você acha cenas de lutinha a coisa mais maneira do mundo, acho que qualquer um que se interesse minimamente por cultura pop —que eu acho que seja o caso de todo mundo que lê isso aqui— deveria conhecer pelo menos alguma coisa de X-Men.

Mas Igor, como assim subtexto político? Eu só gosto porque é colorido!

Eu acho que é chover no molhado explicar aqui o motivo de uma história sobre um grupo de super-heróis que sofre preconceito por terem nascido da forma que eles são tem algum subtexto político né?
Os mutantes da Marvel não são só os X-Men que nós estamos acostumados, bonitões e super-poderosos. A maioria deles na verdade se parece com isso aqui:

Aberrações terríveis da natureza, abandonados por Deus, demônios do inferno, antinaturais. Essas descrições são usadas para falar dos mutantes nos quadrinhos e por que será que isso me parece familiar?

Acho que ficou claro o meu ponto aqui né?
As histórias dos filhos do átomo são mais que histórias em quadrinhos bobas para vender papel e brinquedo para crianças (apesar de serem isso também), na verdade eu gosto de pensar nas histórias dos mutantes da Marvel como verdadeiros reflexos do nosso tempo. Da mesma forma que clássicos da literatura ou do cinema são utilizados para retratar as angustias e preocupações de suas respectivas épocas, histórias em quadrinhos podem assumir esse papel, tornando-se verdadeiras lendas de nossa era.

Aproveitando o gancho, vamos às indicações:

X-Men: Deus Ama, O Homem Mata

Talvez o autor mais icônico a ter escrito os X-Men, Chris Claremont estava muito embalado quando publicou Deus Ama, O Homem Mata. Só a título de contexto, foi ele quem escreveu coisas muito importantes dos X-Men, como Dias de Um Futuro Esquecido (que foi adaptado muito bem para o cinema) e a saga da Fênix (que não podemos dizer o mesmo).

Claremont é o responsável por uma das épocas mais celebradas dos X-Men, e em meio à tanta coisa importante acontecendo, uma história merece atenção especial. Deus Ama o Homem Mata, publicada em 1982 nos EUA e trazida para o Brasil em 88 com o título O Conflito de Uma Raça, é provavelmente a melhor história da Marvel quando falamos de política e perseguição a grupos minoritários. Na história, acompanhamos o primeiro conflito dos heróis contra o pastor William Stryker, um ex-militar que dedica sua vida à acabar com todos os mutantes.

Por meio de fanatismo religioso, envolvimento com política e milícias, Stryker tenta à todo custo colocar a opinião publica contra os mutantes, tentando desumanizá-los e humilhá-los por terem nascido como são. Sim, a história é infelizmente tão atual quanto soa, eu juro que não estou forçando a barra.

Esse é um título que eu sempre gosto de indicar para adultos que se interessam por HQs, já que seu conteúdo é extremamente rico. Além disso, sua duração relativamente curta faz valer o tempo investido em conhecer aquilo que pode ser um novo gosto.

X-Men Grand Design

Mesmo com algumas ressalvas, acho que o resumão feito pelo Ed Piskor merece certa atenção.

A cronologia dos X-Men sempre foi uma bagunça. Com quadrinhos sendo publicados desde os anos 60, é realmente muita coisa para quem quer ficar “em dia“ com as histórias dos mutantes. Pensando nisso, o quadrinista Ed Piskor, que morreu em abril desse ano, resolveu estudar, organizar e resumir todos os quadrinhos dos X-Men. O resultado foi um resumão bem grande que se estendeu por 6 volumes (3 na versão brasileira), que é mais que suficiente para quem já conhece um pouco das histórias dos X-Men se inteirar sobre os acontecimentos dos quadrinhos.

Um fator, no entanto, pesa contra a minha indicação dessa obra: Não há QUALQUER desenvolvimento de personagem. Por ser justamente um resumo de décadas de histórias, alguns arcos são reduzidos até mesmo a alguns painéis, mas mesmo assim, eu sei que alguns de vocês tem TDAH e não conseguiriam ler as histórias completas. Vale, então, utilizar Grand Design como um guia, pegando para ler mesmo as histórias que mais chamarem a atenção.

X-Men ‘97

A nova animação lançada no Disney Plus é uma continuação da série animada clássica dos anos 90. Isso poderia ser uma ideia terrível, mas felizmente deu muito certo. Vale muito a pena assistir, mesmo se você nunca passou nem perto da série original.

É espetacular o que o showrunner Beau DeMayo fez ao traduzir absolutamente tudo que faz dos X-Men tão importantes para a tela: O estilo super característico, as lutas gigantescas em equipe, e especialmente as questões sociais, está tudo ali, em um nível de primor que me fez, literalmente, chorar.

O que eu achei mais bacana, no entanto, é quanta humanidade existe em X-Men ‘97. Eles não são deuses, como a Liga da Justiça, e tampouco possuem todo o aporte militar dos Vingadores. Eles são seres humanos, e tudo isso é retratado em suas relações pessoais, que nos convidam a conhecer de perto esses personagens. Quando eles se apaixonam, nos apaixonamos com e por eles, quanto sentem luto, nós sentimos a perda e quando a série da uma pontada de esperança para eles, é quase como se conseguíssemos imaginar nosso próprio mundo como um lugar melhor. É claro que essa sensação não dura muito, mas é rapidamente substituída pela noção de que precisamos perseverar sempre.

Nos quadrinhos sempre foi assim e fico feliz que essa nova animação tenha entendido que o que faz os X-Men serem tão especiais é que eles são gente.

Gente como a gente.

Os Surpeendentes X-Men

Ok, vamos supor que você leu X-Men Grand Design, ou viu X-Men ‘97 e gostou muito, agora quer ler alguma run mais comprida dos X-Men nos quadrinhos e não sabe para onde ir.

A maior parte das listinhas que você vai encontrar na internet vão te indicar a run do Grant Morrison, Novos X-Men, mas EU, apesar de reconhecer a importância do autor para atualizar os X-Men para o novo século, não gosto de indicar essa era por ser MUITO FEIA

O que eu gosto de indicar, no entanto, é Surpreendentes X-Men, que sucedeu Novos X-Men e é escrita pelo Joss Whedon, o diretor do primeiro Vingadores. Apesar do corte desse diretor de Liga da Justiça ser uma bosta e o Whedon estar afundado até o pescoço em controvérsia, a fase escrita por ele é uma das melhores do grupo, com um senso de humor muito bacana, personagens femininas fortes e importantes, uma arte mais palatável aos olhos, uma ação muito bem escrita e traduzida para as páginas e fazendo muito bem o clássico novelão, característico das histórias dos mutantes.

Eu queria falar um pouco dos filmes, mas nosso espaço está acabando, então isso vai virar pauta pra uma outra edição. Se vocês se interessaram por alguma coisa que eu mencionei, mas não sabe exatamente onde encontrar, fala comigo que eu aponto o caminho das pedras. Espero ter conseguido compartilhar um pouquinho do meu gosto pelos X-Men com vocês hoje, já que eles são a única coisa que eu ainda acompanho nos quadrinhos.

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Essa semana eu não pensei em absolutamente nada para escrever. O fim eminente da greve e o retorno às aulas na semana que vem me jogou em um esforço para tentar ser o mais vagabundo possível. Estou dormindo muito tarde, jogando muito videogame e ontem eu fiquei a madrugada toda assistindo South Park e Catfish no Pluto TV (que são assuntos que eu poderia muito bem desenvolver aqui).

No entanto, coisas boas acontecem durante o ano letivo, então essa semana eu resolvi trazer pra outros públicos uma versão de um texto meu que já está publicado no Letterboxd, e quem fez a disciplina de cinema brasileiro comigo já conhece.

Durante essa disciplina, nós precisávamos escrever laudas sobre filmes brasileiros, e essa que trago hoje é a análise que fiz da trilha sonora do filme Durval Discos (Ana Muylaert, 2002). Para quem não conhece, a trama gira em torno de um dono de uma loja de discos que tem sua vida virada do avesso quando se vê responsável por uma garotinha misteriosa que acabou aparecendo na sua casa, que também é a loja, onde vive com sua mãe, idosa e cada vez mais senil.

Eu me orgulho muito dessa lauda, que eu fiz dando pause e anotando em que momento tocava cada uma das músicas da trilha sonora do filme, fazendo esforço para relacionar a história do filme não só com cada uma das faixas, mas também com o contexto de cada canção. Lembro que o professor elogiou essa lauda, então espero que vocês gostem dessa versão adaptada aqui para o Isso (não) Daria um Tweet.

ALERTA, O TEXTO CONTÉM SPOILERS DE UM FILME DE 22 ANOS ATRÁS

A simbologia na trilha sonora de Durval Discos

A diretora Anna Muylaert com certeza já deixou explícito o seu gosto pela música e por utilizá-la como importante parte de algumas das histórias que já contou em seus filmes. É proibido fumar (2009) e E além de tudo me deixou mudo o violão (2013) são ótimos exemplos disso, mas foi em seu filme de estréia: Durval discos (2002) que ela alcançou um nível de maestria impressionante ao costurar clássicos da música popular brasileira como parte da história do filme. As músicas, além de ditarem o tom dos dois primeiros atos do longa, também anunciam o que está por vir, fornecem detalhes sobre a psiquê dos personagens e claro, abrilhantam a obra de uma maneira muito cativante.

Logo em sua cena de abertura, a música que embala o plano sequência que localiza geograficamente a história, que se passa em uma rua no centro de São Paulo, é “Mestre Jonas”, o espectador pode escutar:

“Dentro da baleia mora mestre Jonas/ Desde que completou a maioridade/ A baleia é sua casa, sua cidade”

e também

“Dentro da baleia a vida é tão mais fácil/ Nada incomoda o silêncio e a paz de Jonas”.

Sem que saiba, já que o mesmo não apareceu em tela ainda, o espectador é introduzido ao protagonista da história, o Durval (Ary França), que é dono de uma loja de discos de vinil no ano de 1995, quando LPs já se tornavam obsoletos e davam lugar aos modernos CDs. Ele mora na loja, que também é a casa de sua mãe, Carmita (Etty Fraser), por lá, os negócios vão mal, seus relacionamentos vão mal e até a relação com a sua mãe parece um pouco desgastada. Mesmo assim, Durval não parece interessado em sair dessa baleia, pelo contrário, ele enche o peito para dizer “Eu só trabalho com vinil!”.

É justamente na cena que introduz o personagem onde a segunda música toca. Dessa vez o som é Diegético, com Durval não conseguindo fazer uma venda e colocando “Que Maravilha”, de Jorge Ben Jor para tocar, quase como se numa tentativa de acreditar que sua vida é boa por trabalhar com o que ama. Jorge Ben canta:

“Lá fora está chovendo/ Mas assim mesmo eu vou correndo/ só pra ver o meu amor”

A chuva nesse contexto seriam as dificuldades que Durval enfrenta para manter aberta a loja de discos e o amor, justamente os próprios LPs.

A terceira música é “Madalena”, que toca na loja quando Durval recebe Elisabeth (Marisa Orth). No começo do filme Durval até flerta com ela, mas conforme os eventos vão se desenrolando ela é cada vez mais deixada de lado e parece cada vez mais se interessar por interagir com Durval. O que começa como um flerte que não se torna algo mais, termina com a personagem tendo a porta da loja batida em sua cara e posteriormente com a morte dessa mesma personagem dentro da loja. Não necessariamente sua morte é culpa de Durval, mas ele é responsável por deixá-la de fora, é como canta Elis Regina:

“Ê, Madalena/ O que é meu não se divide”.

Dentro daquele mundinho que Durval não divide que é a loja de discos, ele e sua mãe resolvem contratar uma empregada para ajudar com os afazeres domésticos. Uma das candidatas pergunta para Durval “Você já foi à Bahia?”, num primeiro impacto a pergunta parece um tanto desconexa, mas apesar desta personagem estar se referindo à Bahia literalmente, para o espectador esse diálogo não se encerra aí. Posteriormente o protagonista irá para o seu quarto para relaxar e até dançar ao som de “Back in Bahia”, música onde Gilberto Gil narra como se sentia quando morava em Londres, com muita saudade da Bahia, com muita vontade de estar em outro lugar.

Talvez a vida na Baleia não seja tão boa para Jonas, talvez Durval não esteja achando tudo tão maravilhoso assim. Talvez Durval esteja vivendo, neste momento, em sua própria Londres pessoal (e isso é de certa forma confirmado no final do filme).

Ao longo da primeira metade do filme, nós vemos alguns compradores entrarem na loja (que também é baleia, que também é Londres) e uma dessas cenas merece certa atenção: a do rapaz que gosta do Chico Buarque. Esse personagem entra na loja e a música que se ouve é “Maracatu Atômico”, ele e Durval debatem sobre o fim iminente dos discos de vinil, Durval não acredita que isso irá acontecer e defende com muita certeza os seus amados discos, a música aqui importa, principalmente se compararmos o trecho onde Gil canta:

“Quem segura o porta-estandarte/ Tem a arte, tem a arte”

É exatamente assim que Durval se enxerga, como o responsável por carregar para o futuro o patrimônio artístico, sobretudo musical, por meio da sua loja de discos. Ele rejeita a modernidade e se coloca como um verdadeiro porta-estandartes daquilo que ele considera o jeito certo de se consumir música. É também nessa cena em que um dos diálogos mais interessantes do filme acontece, Dona Carmita, ao se lembrar do Rapaz-que-Gosta-de-Chico-Buarque logo canta um trecho de “A banda”, que rendeu à Buarque o prêmio principal do festival de música popular brasileira de 1966 e Durval debocha: “De mpb ela entende, mas só até 66”.

Em 1967, quem venceu o mesmo prêmio foi a música “Ponteio”, de Edu Lobo, diferentemente de “A Banda”, que fala de um momento alegre e divertido, “Ponteio” já possui um caráter mais crítico, Edu Lobo, na canção que a velha senhora não conhece, canta:

“Era um dia, era claro, quase meio/ Tinha um que jurou me quebrar/ mas não lembro de dor nem receio/ Só sabia das ondas do mar”.

Dona Carmita não sabe sobre a violência que Edu Lobo canta, ela só quer saber de “ver a banda passar, cantando coisas de amor”, como narra Chico Buarque, e isso é muito importante para compreendermos as ações que essa personagem, claramente sem o pleno controle de suas faculdades mentais, toma no terceiro ato do filme. 

Da metade do filme para a frente, a vida de Durval e Dona Carmita é virada de cabeça para baixo, acontece que a empregada que eles contrataram desapareceu, deixando para trás uma criança que certamente encantaria o mais gelado dos corações. Kiki (Isabela Guasco) é divertida, carismática e um doce, Dona Carmita se diverte muito com a pequena e até Durval demonstra gostar da presença da menina.

Duas músicas são utilizadas para representar esse momento: “Preta, Pretinha”, que embala os momentos de cuidado e carinho dos dois adultos com a menina e também “Mestre Jonas”, que volta para dizer que com a criança por ali, alegrando os dias de Durval, a baleia onde ele vive talvez não seja ruim como ele estava começando a pensar que fosse. Porém, é nesse ponto onde as coisas começam a desandar, ou melhor, como diria Vinicius de Moraes, a irem para a “Tonga da Mironga do Kabuletê”.

É ao som dessa música que Kiki vê um cavalo na rua pela janela e insiste em ir dar um passeio de charrete. Essa é uma das pouquíssimas cenas do filme onde Durval está fora de sua loja de discos. Ele, em cima da charrete, parece muito livre, em meio à cidade, fora de sua baleia, Durval se sente alegre, o espectador ouve: “Besta é tu, Besta é tu/ Não viver nesse mundo”.

Porém essa alegria tem hora muito específica para acabar, é aos 47 minutos do filme que Durval e sua mãe descobrem que a menina na verdade havia sido sequestrada, sua sequestradora havia morrido e a mãe não tinha informação alguma do paradeiro da criança. Cada um deles reage de forma muito diferente ao fato. Enquanto Durval vai querer ligar para a polícia imediatamente, Dona Carmita se recusa a deixar a menina ir embora, já que estava se divertindo tanto. Dona Carmita corta o fio do telefone, joga as chaves da casa na privada e até mata Elisabeth quando ela vê a garota e ameaça chamar a polícia.

A partir desse ponto, não ouvimos mais música alguma, até a hora em que Durval finalmente consegue chamar a polícia. Enquanto espera, ele passa seus últimos momentos dentro da loja, da baleia, de Londres, desse espaço que costumava ser seu santuário da música, ouvindo “London, London”, de Caetano Veloso (complementando a simbologia de Back in Bahia). 

A cena final do filme é justamente a libertação de Durval, tanto da situação criminosa em que se envolveu, quanto de sua vida de apego ao passado. Quando a polícia entra em sua casa, que se tornou cena do crime e leva a pequena Kiki embora, Durval não está triste, na verdade ele suspira aliviado, como se um martírio tivesse enfim terminado. A cena corta, e ao som de "Pérola Negra” o filme mostra a antiga Durval Discos ser demolida. Ouve-se

“Tente passar pelo o que estou passando/ Tente apagar este teu novo engano/ (...) Baby, te amo/ Nem sei se te amo”.

Mais uma vez a música aqui está assumindo o papel de representar o estado de espírito de Durval, que passou por muita coisa e agora já nem tem tanta certeza se ama mesmo aquela vida que levava, ele “Deu adeus e deixou o ninho”.

Se você leu até aqui sem ter visto o filme, eu recomendo muito que assista, ver tudo isso costurado na tela é espetacular, sendo este, de fato, um dos meus filmes favoritos.

“Ah Igor, mas eu não sei onde ver esse filme”

Então toma, Durval Discos filme completo upado há 11 anos no youtube.

Não restam mais desculpas.

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Pensando nisso, algumas pautas precisam ser resgatadas, e na edição dessa semana, quero indicar para você, leitor querido e fiel, alguns álbuns que foram lançados esse ano e definitivamente chamaram minha atenção. Além disso, estamos na semana do meu aniversário, que é sempre uma semana muito nostalgica para mim. Assisti alguns desenhos que passavam quando eu era bem novinho para ver, com um olhar de adulto, se ainda me pegam (spoiler: sim).

Cortando a encheção de linguiça, vamos aos

Meus álbuns preferidos de 2024 (até agora)

Eu tentei ser bastante eclético aqui nessa lista, ao mesmo tempo que escolhi só coisa que ficou grudada na minha cabeça por alguns dias. Alguns desses podem ter passado batido para uma parte de vocês, e outros definitivamente fizeram barulho. Antes de falar de álbuns desse ano, eu queria fazer uma menção honrosa:

The Rise and Fall of a Midwest Princess

Eu conheci a cantora e drag-queen Chappell Roan esse ano, acredito que pelo impacto da querida abrindo shows para a Olivia Rodrigo e também pelo sucesso do seu single, esse sim deste ano, Good Luck, Babe!

O que importa aqui, no entanto, é que minhas queridas amigas lésbicas me contaminaram com o vírus Chappell Roan e o seu álbum do ano passado, The Rise and Fall of a Midwest Princess é uma das coisas mais legais que ouvi esse ano. Destaque para as dançantes Femininomenon e Super Graphic Ultra Modern Girl, para a sensibilíssima Pink Pony Club e para o futuro clássico dos karaokês, HOT TO GO!

Ela vai ser uma das artistas mais icônicas dessa década. Seu carisma e seu talento realmente me fazem acreditar nisso.

Ok, vamos aos álbuns desse ano agora.

Cowboy Carter

Quem não precisa provar mais nada para a indústria é a Beyoncé, que lançou o segundo ato de seu Renaissance esse ano, pegando todo mundo de surpresa ao investir em uma estética de cowboy, lançando inclusive um single que é a sua obra mais country desde Daddy Lessons.

O álbum, no entanto, como a própria Beyoncé disse, não é um álbum country, mas sim um álbum da Beyoncé. E isso diz muito sobre o trabalho, que brinca com vários gêneros, indo de influências do Surf Rock e chegando até mesmo à sample de funk brasileiro. Uma verdadeira ode à música negra —que inclusive faz esforço para relembrar o country de suas raízes— que só ela poderia fazer.

Pra mim, os destaques ficam com Tyrant, com seus graves bem destacados, Spaghettii, com o sample que eu mencionei, pro single Texas Hold’em e pra reimaginação do clássico Jolene.

[2]

Aproveitando que a gente já tá falando com fandom de gay, acho que cabe falar de K-Pop aqui também.

Eu não escondo de ninguém que gosto de pop coreano, especialmente dos girl groups, e o (G)-Idle é um dos que tá mais valendo a pena acompanhar. Esse ano elas lançaram o seu segundo álbum completo, e da pra ver que a liberdade criativa que a Cube dá pra elas está fazendo efeito.

Apesar de fazerem bem o bom e velho pop farofa, que até lembra um pouco artistas mais velhos do kpop lá da segunda geração, elas também se mostraram bem versáteis nesse álbum, que chega com os dois pés na porta em suas três primeiras faixas. Vale conhecer até se você tem um pouco de preconceito com kpop.

Aqui, os highlights ficam pra Rollie, que puxa bastante pro rap, dando destaque pra Yuqi no refrão, pra Seven Days e também pra Super Lady, que abre o álbum.

Pros nerds que não conhecem, a Soyeon do (G)-Idle é a Akali nas músicas do Lol. Então cala a boca e vai escutar porque eu sei que você é fã de K/DA no sigilo.

POST HUMAN: NeX GEn

Depois de 4 anos de espera, a Bring Me The Horizon lançou em 2024 a continuação do seu álbum pandêmico Post Human: Survival Horror. Nex Gen é, além de uma continuação do trabalho de 2020, uma evolução em todos os aspectos dos conceitos e sonoridades trabalhados no primeiro álbum.

Se em Survival Horror nós tínhamos faixas como Kingslayer e 1x1, que traziam uma sonoridade um tanto “virtual“ pro rock de Oli Sykes e companhia, em NeX GEn isso é elevado à quinta potência em faixas com Top 10 staTues tHat CriEd bloOd e YOUtopia, trabalhos que continuam a evolução da banda no que eu gosto de chamar de “metal de computador“

Além disso, os já tradicionais temas de vício, amor, auto valorização e o desespero de viver em uma sociedade que parece lutar contra você também são bastante presentes nesse que é um dos melhores trabalhos e parece ser a culminação de vários elementos trabalhados ao longo da história da banda.

Eu Nunca Fui Embora - Parte 1

Já que os emos já estão aqui por causa do BMTH, vou fechar a lista com a primeira parte do novo álbum da Fresno, que foi lançada em abril desse ano.

EU, Igorlinos, gosto mais dos trabalhos mais novos da Fresno, confesso, mas é inevitável admitir que o mexidão de elementos presentes nos 25 anos de banda que é esse álbum faz lembrar de faixas dos tempos de glória do emo brasileiro, ao mesmo tempo que faz olhar para frente e pensar que talvez o futuro do gênero ainda seja promissor no Brasil.

A segunda parte do álbum deve sair esse ano ainda e seria mentira dizer que não estou ansioso pelo que vem por aí. Entre as minhas faixas preferidas dessa primeira metade, estão Quando o Pesadelo Acabar, a faixa-título Eu Nunca Fui Embora, e a sensibilíssima Era Pra Sempre. Só a faixa com a Pabllo Vittar que me deixou com expectativas demais e acabou entregando um refrão fraquinho de tudo, mas que pelo menos fica na cabeça.

Cartoon Network do começo dos anos 2000

Nascido em 2002, eu peguei um pouco do que os millenials gostam de chamar de “era de ouro“ da Cartoon Network, que é ali a fase do final dos anos 90 e começo dos anos 2000. Hoje em dia eu ainda cultivo carinho por animações, mas confesso que nunca mais assisti muitas das coisas que eu tinha pouca memória dessa época.

Essa semana, nostálgico, resolvi dar uma conferida em alguns episódios de alguns desses desenhos, e foi isso que eu encontrei

As Terríveis Aventuras de Billy e Mandy

Eu tinha a vaga lembrança de que este era um desenho “esquisito“. De fato, ele é, mas é justamente aí que está seu valor. Duas crianças vivendo experiências sobrenaturais com o Ceifador Sinistro, aqui apelidado Puro-Osso, de babá é o plot da série que mistura elementos de horror com humor nonsense que chega a ser até mesmo irritante.

Toda a estética é uma coisa bem “sou dark e irônico nos anos 2000 e meus pais não me entendem“, o que acaba funcionando bem na maior parte do tempo. As piadas, principalmente as que lidam com o sobrenatural como parte do cotidiano, são muito bacanas, mas o Billy é praticamente inassistível de tão chato em alguns episódios.

É curioso também notar que o timing das piadas em desenhos animados mudou muito. Repare essa cena que eu coloquei aqui em cima. Ela demora quase 40 segundos pra se desenvolver. Esse tempo todo para desenvolver uma piada, eu imagino, não é tão comum nos desenhos de hoje em dia, que são feitos para crianças cujos cérebros já estão contaminados pela linguagem mais ágil das redes sociais.

As Meninas Super Poderosas

Pense num desenho bom.

Apesar de bastante palatável, e provavelmente até pensado para um público bem infantil, as porradas aqui são algumas das melhores de todos os desenhos. São três meninas fofinhas e coloridas que DESCEM O CACETE nos vilões. Voa sangue e dente pra todo lado quando as 3 resolvem se soltar.

Não é a toa que As Meninas Super Poderosas foi tão icônico na Cartoon Nerwork. A mistura de “desenho de meninas fofas” com porradaria desenfreada criou, verdadeiramente, um desenho para unir todas as tribos. A cereja do bolo são os vilões que, pra citar alguns, são um ex-baixista da banda Gorillaz (canônico), um macaco louco e um demônio gay, tão maligno que seu nome sequer é citado.

O Que Há de Novo, Scooby-Doo?

Existem bem umas 15 versões diferentes de Scooby-Doo, mas a que eu peguei para assistir essa semana foi a de 2002, que tem abertura do Simple Plan.

É simplesmente incrível como esse desenho consegue entreter e divertir em todo episódio, mesmo seguindo a exata mesma fórmula sempre. Todo episódio o espectador sabe o que vai acontecer, mas mesmo assim é sempre uma surpresa agradável ver a turma descobrir que o fantasma era na verdade o motorista do ônibus que apareceu no começo do episódio.

Eu também acho muito bacana que cada episódio tem uma trilha sonora diferente para as cenas de perseguição, que é quando o desenho vira basicamente um Looney Tunes cheio de pegadinhas e corre-corre.

Uma coisa que eu reparei nessa versão, é que o Scooby praticamente NÃO FALA com ninguém, tendo inclusive uma piada recorrente que é ele tentando se comunicar fazendo mímica. Em alguns episódios que eu vi ele nem chegou a falar mais do que “Scooby-dubi-do!”

Hi Hi Puffy AmiYumi

O último que assisti (dessa vez), foi o super charmoso Hi Hi Puffy Ami e Yumi. Essas duas cantoras de pop rock japonês eram muito parceiras da Cartoon Network. Elas cantavam a abertura do clássico Jovens Titãs em japonês e em inglês, além de terem seu próprio desenho animado.

Eu não sei porque, mas eu sinto que a Cartoon era um ambiente bem menos segregacionista quando se tratando de desenho “de menina” e esse talvez seja, junto com Meninas Super Poderosas, o melhor exemplo disso.

A melhor parte pra mim é ver que lá nos anos 2000 já tinha gente brincando com animação super estilizada. É muito legal prestar atenção nos cenários ao fundo e perceber como a identidade desse desenho chega a pular da tela:

Eu sei, eu sei, não falei de muitos outros desenhos, tipo Ben 10, que foram lendários na Cartoon. Quem sabe numa próxima?

Essa edição está saindo atrasada porque acabei me enrolando mais do que deveria, espero que compreendam e não desistam de mim.
Semana que vem tem mais.
Na quarta…
Possívelmente na quinta.

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Nessa edição eu queria falar um pouco de música, então escolhi dois tópicos que estou faz tempo enrolando pra abordar aqui. Eu pretendia falar sobre alguns álbuns que lançaram nessa primeira metade do ano, mas percebi que isso daria conteúdo para uma edição separada. Então vai ficar pra semana que vem.

Sem mais delongas:

Músicas para ouvir com culpa

Todo mundo tem aquelas músicas que sabe que não deveria, mas adora.

Seja pelo artista ser uma pessoa horrível, seja pelo conteúdo da música ser péssimo, ou seja por culpa cristã, todos ouvimos coisas que algo no fundo de nossa moralidade diz: “A gente não deveria estar curtindo isso”. E na verdade está tudo bem! Tanto é que eu vou expor aqui, agora, os MEUS gostos culpados.

Encarem isso como uma confissão. Eu sei que pequei, e você, leitor, vai ser meu sacerdote agora.

Kanye West - Jesus is King

Para começar tirando o elefante da sala, acho que tá todo mundo cansado de saber que o Kanye é uma pessoa completamente descontrolada que uma vez a cada 3 meses aparece por aí falando coisas terríveis.

Acontece que em 2019 ele lançou um álbum GOSPEL que mexe muito comigo, é muito bom, não tem jeito. Poucas coisas conseguem ter tanto cristianismo e serem tão etéreas ao mesmo tempo e ouvir Use This Gospel me dá vontade de virar crente e viver nessa pira. (Essa vontade dura 3 minutos e 33 segundos, tempo de duração da faixa). Pra mim outros destaques desse álbum são as faixas Everything We Need e Closed on Sunday.

A discografia dele toda é -infelizmente- sensacional, mas esse álbum é definitivamente um dos meus preferidos de todos os tempos. E eu me sinto muito culpado por isso.

Bruno e Marrone - Que Pescar que Nada

Essa semana eu fiquei simplesmente obcecado por essa música.

A dupla descreve tudo que o brasileiro médio pode querer da vida. O eu lírico já pagou suas dividas e está indo curtir com seus amigos uma rolê de pescaria com pinga boa e muito sossego. Até o cunhado está indo com ele!

Mas claro, tem um porém, quem conhece sabe que o safado não tem a menor intenção de ir pescar, e essa música na verdade é uma ode ao adultério: “Que pescar que nada, vou beijar na boca. Ver a mulherada na madrugada ficando louca”, tudo isso porque a esposa dele não deixa mais ele ir jogar bola.

Enquanto eu sou um homem solteiro, isso não é problema meu. Uma festa com “7 pra cada homem” é um cenário realmente muito sedutor. Mas e quando eu TIVER uma patroa? Não vou gostar menos dessa música, mas vai ficar complicado de escutar…

Fora que o storytelling é bom demais.

Tim Maia - Racional

“Leia o livro, Universo em Desencanto”

Para quem não sabe, Tim Maia passou um tempo como membro da cultura racional, grupo que acredita em umas histórias muito doidas meio deuses astronautas e tem o objetivo aparente de fazer todo mundo ler o livro Universo em Desencanto.

Depois de um tempo, Tim percebeu que talvez estivesse sendo enganado e servindo de garoto propaganda para uma seita, mas imaginem só a qualidade de um álbum do Tim Maia em um período da vida em que ele estava distante de álcool e drogas. É Tim Maia PURO, em todo o seu potêncial.

Acho que todo mundo conhece Bom Senso ou Que Beleza, que eram originalmente desse álbum, mas eu queria destacar também a música Universo em Desencanto, que conta um pouco da história de origem da humanidade sob a ótica da cultura racional.

Longe de mim fazer acusações, mas parece muito com a lavagem cerebral feita pela galera da cientologia. Mas que músicas lindas, que arranjos espetaculares e que talento tinha o saudoso Tim Maia…

Eu até tenho o tal livro, já pensei em ler e escrever uma edição sobre, mas não sei em que tipo de problema isso me colocaria.

Injustiças em Reality Shows musicais

Quando eu era menor e assistia muita TV (e aí eu estou falando de TV mesmo, com programação fixa, uma coisa antiga anterior ao advento dos serviços de streaming), eu gostava muito de reality shows como The Voice e The X Factor. Já assisti muita reprise desses programas durante as tardes do canal Sony e também as versões brasileiras de programas gringos produzidos pela Globo. No geral eu aproveitava, mas algumas coisas que acontecem realmente nos deixam com nó na garganta, e eu não perdoei alguns jurados até hoje. Não sei quantos de vocês se relacionam com esse sentimento, mas sei que muita gente vai concordar quando eu escrever que, certamente os injustiçados que mais se deram bem na vida foram o

One Direction, The X Factor.

A maior boy-band da nossa geração foi formada em uma edição do X-Factor UK. Eles individualmente fizeram audições e, graças ao Simon Cowell, se uniram e se tornaram um fenômeno global.

Tudo isso, mas quem ganhou a edição foi o Matt Cardle, que pode até ter lançado músicas até 2018, dois anos após o disband da One Direction, mas não chegou perto de arranhar o impacto cultural da boy band.

Até os moleques da escola, que fingiam que não gostavam, sabiam que aquilo ali era bom demais. Quero ver se algum pré-adolescente num colégio qualquer em 2013 saberia dizer quem é esse RANDOM do Matt Cardle.

No fim do dia quem perdeu foi o programa, que era viciado em errar.

O programa SuperStar

Quem lembra do programa SuperStar, que era uma batalha de bandas na Globo que passava depois do Fantástico e depois foi realocado para o meio da semana?

EU LEMBRO, E EU NUNCA VOU PERDOÁ-LOS

Dessa vez eu nem posso culpar os jurados, já que a decisão de quem passava de fase era do público, que votava por meio do aplicativo do programa (vamos fingir que sim, não quero ser o chato que fica questionando a veracidade de reality show aqui). Meu inimigo então, dessa vez, é o POVO BRASILEIRO que não soube votar. Vamos lá.

Na primeira edição, os vencedores foram a Banda Malta, que ok, eram talentosos, mas não eram nem 10% maneiros e criativos como a Suricato, que perdeu para eles na final. A Suricato chegou a gravar até abertura de novela da Globo e hoje em dia, Rodrigo Suricato é vocalista da Barão Vermelho (sim, vestindo as botas de Cazuza e Frejat), enquanto isso, a Malta não tankou e eu não faço a menor ideia de por onde andam seus integrantes.

Mas a maior injustiça mesmo foi o que aconteceu com a Supercombo, que atualmente é uma das maiores bandas da cena alternativa brasileira. Eles sequer chegaram à final, ficando somente no top 12, mesmo já tendo trabalhos bem sólidos e apresentando conteúdo autoral no programa em meio à um mar de covers.

Sei lá, espero que a Rede Globo pague pelos seus pecados.

Falando nisso…

Rafa Gomes, The Voice Brasil

Pra começar, queria deixar claro que eu sou CONTRA reality com criança, ainda mais de música. Imagina se a voz muda e um sonho é destruido? A primeira temporada de The Voice Kids me revoltou tanto que eu nunca mais assisti nenhuma outra.

Assiste esse trecho, ou o cover dessa mesma música que ela lançou um ano depois no canal dela no youtube, e me diz que essa menina não ter vencido não foi a maior injustiça da história da televisão brasileira.

ME DIZ.

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1, 2 testando, tem alguém aí?

De qualquer forma, vamos começando.

Bem vindos à segunda temporada do Isso (não) daria um tweet!

Acho que o meu leitor merece um pouco de respeito, então vou começar explicando o meu paradeiro misterioso das caixas de e-mail de vocês.

Acontece que escrever para a newsletter era um hobby meu, que eu alimentei trabalhando em um lugar que eu fazia de tudo, menos escrever. Depois das minhas férias, que eu relatei aqui, eu comecei em um novo emprego, em um Jornal Impresso daqui da cidade onde eu moro, ou seja, escrever deixou de ser apenas um hobby e se tornou a principal obrigação dos meus dias. Pode-se dizer então que, mesmo com bastante gente pedindo para eu voltar com as publicações (e obrigado pelo carinho inclusive), o tesão em escrever já não era o mesmo.

Mas aí, relendo algumas edições anteriores, e principalmente os comentários e a edição #3, me deu vontade de voltar a escrever para vocês. Isso, somado com a eminência do dia dos namorados, que foi o tema da nossa segunda edição, me deram animo para voltar, com mais uma edição comemorativa de um feriado que eu não comemoro há vários anos. Sem mais delongas:

Filmes de viagem no tempo para ver namorando!

É claro que nesse hiato da newsletter eu não arrumei uma namorada, mas para entrar no clima e aproveitar o dia (ou se corroer de tristeza, como preferir), separei dois filmes bonitinhos de viagem no tempo para assistir de casal, ou ficar pensando: “Caraca, se eu pudesse voltar no tempo talvez hoje eu não estivesse passando o dia dos namorados sozinho em casa assistindo filme”.

Questão de Tempo

Por muito tempo eu pensei que esse filme fosse Te Amarei para Sempre, e o motivo da confusão é o fato de que ambos são protagonizados pela atriz Rachel McAdams, a esposa oficial dos viajantes no tempo.

Acontece que Questão de Tempo é tão melhor do que Te Amarei para Sempre, que eu fico feliz de ter assistido à ele depois.

O filme conta a história de um cara, que em seu aniversário descobre que consegue viajar para o passado. Ele, um romântico incurável, usa os seus poderes para encontrar o amor, manipulando as situações para ficar com uma garota que conheceu em um encontro às cegas.

Na verdade, nós vamos muito além disso com o protagonista, assistindo ele reviver momentos especiais com a sua família, contruir a sua própria e aprender que não há nada melhor do que viver cada dia como se não tivesse a chance de revivê-los (algo que de fato não temos). É lindo, romantico e até triste na medida certa. Prato cheio para quem está em um date em casa nessa quarta-feira dos namorados. O filme está disponível na Netflix.

O Homem do Futuro

Com uma proposta bem diferente, o Homem do Futuro, protagonizado por Wagner Moura e Alinne Moraes, nos apresenta um casal que, ainda na faculdade, encontrou um fim trágico.

O estudante de física “Zero”, personagem de Moura, se torna obcecado - mesmo que não admita - pelo acontecimemento que os separou e constrói uma máquina do tempo, que o permite voltar para a calourada onde sua vida saiu dos trilhos por causa da mulher pela qual estava apaixonado.

O filme, que eu acho que é de aventura/comédia, é muito divertido e é muito bacana ver Wagner Moura interpretar diferentes versões de si mesmo, de linhas temporais distintas que surgem pela bagunça que seu personagem causou tentando “fazer dar certo”. É um filme que pode ser considerado “bobo”, mas que com certeza diverte e deixa o coração quentinho.

Acho curioso sempre que os temas viagem no tempo e amor são trabalhados juntos, já que o amor é algo que se constrói com o tempo e não tem jeito de voltar atrás em como a gente se relaciona com as pessoas. O tempo, que constrói o amor, não volta pra trás, só vai pra frente. Esses filmes removem essa limitação, e, pelo menos para mim, é impossível não ser tomado por um sentimento de: “E se?”

Dates Ruins

Chega de reflexão, chega de “e se”s. Vamos dar um pouco de risada das pessoas que estão DE FATO procurando um amor e saindo em dates.

Perguntei no meu instagram qual foi o pior assunto que alguém já puxou em um date, e vou comentar as respostas aqui com vocês. (Sim faltou criatividade, mas eu tô tentando, valeu?)

Vamos lá, primeira resposta…

Ah… Calma aí também né….

Ah sim, nada mais sensual do que CONSOLE WARS!

Sabem qual é a melhor parte dessa aqui? A pessoa que mandou essa nunca teve nenhum dos dois videogames. A parte engraçada é que ela namorou com esse cara por um tempo. Coragem. Nem imagino o porquê de não ter dado certo.

Imagina só, você sai para jantar, volta para casa com a pessoa, ela te chama para tomar um banho juntos, uma coisa bem romântica, bem erótica, e a única coisa que sua mente consegue pensar é nisso:

Eu espero que ele tenha sido expulso desse banheiro, no mínimo.

Álgebra, Química Orgânica, Redação… O date dos sonhos da Débora Aladim.

Esse dia inclusive tem uma história engraçada. A pessoa que passou por isso me ligou desesperada por uma carona, já que o assunto estava horrível e a pessoa beijava mal. O cidadão inventou uma mentira qualquer para a garota que estava com ele e eu, bom amigo que sou, levei ele embora.

Espero que esse cara tenha tido um feliz dia dos namoradoooosssss!!!!

Será que é pecado se você descobre depois do ato? Vou orar muito por essa alma.

kk esse aqui fui eu…

tchau

Considerações Finais

Nossa ficou parecendo trabalho de faculdade, calma.

Tchauzinho

Agora sim, mais divertido.

Fico muito feliz de verdade de voltar a escrever. Sei que essa edição foi mais curta, mas estou só tirando a ferrugem, nas próximas voltamos com força total.

Preciso admitir que não sei se vai ser viável manter a periodicidade semanal para a newsletter, mas uma edição a cada 15 dias eu prometo que teremos. Espero que tenham gostado, e espero contar com vocês nessa nova fase! (ou não, eu vou escrever do mesmo jeito).

Até semana que vem! (ou a seguinte)

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Essa semana me peguei conversando com uma amiga que não liga muito para futebol sobre o encerramento do campeonato brasileiro.

O palmeiras se sagrou campeão pela (suposta) décima segunda vez, e ela comentava sobre como mesmo pra ela, que não se importava nada com futebol, era impossível não perceber que algo importante acontecia.

Acontece que, para o Brasil, todo final de campeonato é um momento ímpar, e isso se dá pelo tamanho da importância que o esporte bretão tem na formação da nossa identidade cultural como brasileiros. É só analisar como as massas se unem e se dividem em razão dos clubes, sejam aqueles de torcidas nacionais ou regionais. Já fui em alguns jogos do Mixto Esporte Clube, que se classificou por pouco para a série D esse ano e encontrei ali torcedores tão apaixonados quanto poderiam ser, mesmo por um time de menor expressão (claro que não estou diminuindo a importância do clube para o futebol mato-grossense hein).

Uma questão levantada pela minha amiga Júlia, que tem sobrenome alemão e família no Sul, me chamou a atenção, e na verdade pautou toda essa edição: “eu não ligo pra futebol, mas eu SOU INTER, mas como é que vocês (que se importam) escolhem para que time torcer?”

É engraçado que a resposta da pergunta na verdade está na própria questão. Eu tive que explicar que na verdade um time não se escolhe, não chega um dia em que uma decisão é colocada na sua frente como quem decide o que vai comer de almoço. Ele na verdade é definido por uma série de fatores, é uma coisa de identificação, uma coisa da identidade de cada um, tanto individual, quanto coletivamente. E é por isso que, mesmo sem se importar NADA com futebol, ela toma lado em uma das maiores rivalidades do país, enchendo a boca pra falar que é torcedora colorada.

Sobre rivalidades e identificação

Não dá pra falar de futebol sem falarmos de rivalidades. Algumas, como a recente Palmeiras e Flamengo, surgem pela briga pelo topo, por títulos trocados e por uma disputa de grandeza. Outras, são conflitos naturais entre duas forças opostas, como o Internacional e o Grêmio no RS ou o Atlético e o Cruzeiro em MG.
Eu queria propor aqui uma reflexão, que acho sempre importante. Como diz o autor Hilário Franco Júnior, em seu livro “A Dança dos Deuses”:

“No Brasil, o futebol é bastante jogado e não suficientemente pensado”

Com essa frase em mente, fui atrás de pensadores que poderiam contribuir para o que quero dizer, e esbarrei nele: Aristóteles (não confundir com Sócrates, esse é ídolo do Corinthians), e sobre a relação entre rivalidade e amizade em sua obra.

No segundo livro de sua retórica, o grego alega:

"Aqueles de quem somos rivais ou de quem desejamos excitar a emulação, mas não a inveja, nós os amamos ou desejamos ser seus amigos"

Para nós, torcedores, pode parecer absurda essa alegação, mas se formos à fundo no que ele quer dizer, podemos perceber toda a beleza do futebol.

Para Aristoteles, a amizade e a rivalidade teriam uma mesma origem nos seres humanos, de nosso “Thumos”, que é definido por Platão como a parte “espirituosa” de nossa alma. No meio termo entre nossa racionalidade e nossos desejos. Essa seria a força que nos leva a agir conforme nossa própria natureza e que faz o ser humano se unir com outros por questão de amizade.

Aristóteles define nossas relações de “rivalidade” como catalisadas por dois fatores dentro desse conceito: a emulação e a cólera.

A emulação é um sentimento competitivo em essência (tal qual a inveja). É aquela dor que sentimos ao vermos o outro conquistando coisas que nós também nos julgamos merecedores. Diferente da inveja, porém, esse sentimento não se dá pelo fato do outro estar conquistando algo, mas sim pela chateação de não sermos nós. (Tipo quando um time que você não se importa é campeão. O problema não é ser o tal time, mas sim não ser o seu).

Já a cólera é algo mais pessoal. Ela é uma emoção reativa à alguma provocação, alguma diminuição ou contrariação que o indivíduo sofre. Mas não somente o indivíduo, como também algum dos seus.
Qualquer ofensa feita por alguém à nossos amigos, pode causar cólera. E acho que isso pode se aplicar ao nosso time também. Qualquer provocação feita por um adversário ao nosso time nos tira do sério como se fôssemos nós lá em campo, é como se nosso time fosse verdadeiramente uma parte de quem somos.

E sabe por que nós levamos tão a sério esses sentimentos causados pelo esporte?
Porque eles vem dos nossos pares. Outros torcedores iguais à nós, apaixonados como nós e que se relacionam com seus times da mesma forma que nós nos relacionamos.

O desdém dos nossos iguais, dos nossos amigos, é muito pior que o desdém de um desconhecido. É por isso que quando uma pessoa que não se importa com futebol, diminui o esporte como “são só homens correndo atrás de uma bola” isso não nos irrita tanto quanto uma provocação de um torcedor rival. No fundo, flamenguistas e tricolores, palmeirenses e corinthianos, colorados e gremistas, somos todos iguais, todos movidos por uma mesma paixão: O Esporte.

Afinal, o que seria do torcedor sem o rival?
Nada.

A verdade é que precisamos uns dos outros.

Mas notar isso é o que permite que, por exemplo, eu possa ficar de certa forma alegre com o título do palmeiras, time do meu falecido avô, mesmo odiando o alviverde da barra funda.

Notar isso é o que me permite entender a dor do torcedor Santista, time do Rei Pelé, que viu o peixe cair pela primeira vez para a série B esse ano.

Notar isso é o que permite que eu crie laços de simpatia com outros clubes, e também rivalidades cada vez mais acaloradas.

Se antes eu gostava DO FLAMENGO e nada mais, hoje eu acho que já posso dizer que eu gosto mesmo é do futebol.

(Pelo Flamengo eu sou apaixonado)

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Dos usuários, óbvio. Mas algumas coisas tem tanta história por trás e tantos contextos em cima de mais contextos e piadas internas e memes que fica até difícil identificar exatamente de onde surgem os jargões que pessoas cronicamente online (como eu, e você que está lendo provavelmente) acabam levando para suas vidas offline.

Nessa edição, inspirada por esse tweet do Guto, do canal Cronosfera, vamos nos debruçar sobre uma das gírias mais populares e enigmáticas da internet, que confunde até mesmo quem nem é tão velho assim. O poggers.

Etimologia da Palavra

(po.ggers)

adj.

1. Impressionante, Incrível

2. De cair o queixo

“O filme que assistimos foi muito poggers”
”Cara essa jogada foi muito poggers”

A origem da palavra, que nós vamos dissecar ao longo dessa edição, vem de um sabor de suco gringo de maracujá, laranja e goiaba, o POG (Passionfruit, Orange, Guava), mais o prefixo “-er”. A adição desse prefixo é uma prática coloquial, iniciada em Oxford na década de 1870, de encurtar e alterar uma palavra e adicionar o tal sufixo '-er' (ou '-ers') a ela. Por exemplo, 'rugby' torna-se 'rugger', 'champagne' - 'champers' e 'memorial' - 'memugger'.

“Nossa Igor mas agora eu estou extremamente confuso do que caralhos você tá falando de onde saiu esse suco?? Você é maluco?”

Por favor, tenham calma e me acompanhem, vou contar como é que tudo isso pode possivelmente fazer sentido.

A expressão máxima de alegria virtual

A popularização do poggers, ou melhor, da expressão que a originou, o PogChamp, surge de uma propaganda feita pelos jogadores Ryan "gootecks" Gutierrez e Mike Ross que entraram em um duelo para divulgar um controle estilo aqueles de fliperama especial de Street Fighter IV da marca MadCatz.

O campo de batalha, no entanto, não foi o fliperama, nem muito menos uma partida de Street Fighter, mas sim, um duelo de Pogs.

Um pog é nada mais nada menos que uma versão gringa de um tazo, que as pessoas jogavam nos anos 90 tentando derrubar o máximo de fichas possíveis de cabeça para baixo. No vídeo em questão, o Ryan utiliza o controle que está sendo divulgado como último artifício para derrubar todos os Pogs e assim se sagrar o “PogChampion” ou “PogChamp”, como foi popularizado na internet.

O nome POG, vem das embalagens de suco onde as pessoas ganhavam essas fichas. Se no Brasil, os Tazos eram encontrados nas embalagens de salgadinhos da Elma Chips, nos EUA, os Pogs eram encontrados na embalagem do suco, cujo nome batizou o jogo.

Então o “PogChampion”, título que Gootecks inventou para si nessa divulgação para a MadCatz, foi encurtado para “PogChamp”, e então, seguindo aquela regrinha de Oxford que eu mencionei ali em cima, se tornou “Poggers”, ou só “Pog” mesmo.

Mas por que tão popular?

Bom, a popularização da gíria Poggers se deu em uma das plataformas que mais conseguem criar comunidades massivas e unificadas no mesmo lugar: A Twitch.

A Twitch é uma plataforma onde as pessoas podem fazer transmissões ao vivo, no começo, era tudo focado em videogames, mas hoje em dia você já pode assistir à partidas esportivas, gente cantando, artistas trabalhando e até mulheres tomando banho de banheira. Tudo isso, sem deixar de lado a comunidade gamer, que sempre foi muito valiosa para a plataforma.

Por ser tão focada no público gamer, um dos emoticons que as pessoas podiam usar no chat dessas transmissões era justamente o rosto do Ryan Gurtierrez, em uma cômica expressão que fez em um vídeo de bastidores, quando alguém da equipe quase derrubou a câmera.

O comando para o emote com o rosto dele não podia ser outro: “pogchamp” era o que os usuários digitavam quando queriam mostrar no chat o rosto do jogador em sua icônica expressão de alegre espanto.

Atualmente, o comando já não mostra o rosto de Ryan Gutierrez e o motivo tem a ver com um dos dias mais turbulentos da política da suposta maior democracia do mundo: A invasão do Capitólio.

Controvérsias e o novo Poggers

Acontece que Ryan é uma das várias pessoas que foram cooptadas pela extrema direita, e após a morte de uma pessoa que invadiu o capitólio, ele fez um tweet bastante infeliz:

“Teremos agitação civil pela mulher que foi executada dentro do Capitólio hoje ou a Mártir do MAGA irá morrer em vão?” tuitou o jogador após a veterana da força aérea, Ashli Babbit, ter sido morta durante a invasão.

Desde então, a Twitch, que considerou a fala da então cara do pogchamp como sendo incitação de violência, decidiu remover o rosto dele do emote, e hoje a imagem que aparece é essa:

Esse na verdade é o antigo KomodoHype, e uma verdadeira guerra aconteceu na comunidade da twitch por causa dessa substituição. Por um tempo, streamers aleatórios estavam estampando o rosto do emote, mas isso não deu muito certo, já que pessoas negras e lgbt eram sempre muito criticadas ao serem escolhidas (a internet, e a comunidade gamer em geral, podem ser um pedaço de bosta as vezes).

Para evitar transtornos, desde 2021, o KomodoHype assumiu o manto de PogChamp, e sinceramente eu acho ele até simpático.

Outra controvéria que surgiu recentemente também, envolvia uma variação supostamente racista do termo, o “Noggers”, que seria relacionado à infame N-Word, mas que na verdade é só a contração de “Not+Poggers”.

Conclusão

Pra mim é claro que poggers é uma gíria que veio para ficar e tem cada vez mais rompido suas próprias barreiras. No nicho virtual, muita gente tem utilizado a expressão sem saber absolutamente nada do que acabei de explicar aqui, e seu uso pode ser observado em outras plataformas como o Tiktok, nos comentários do Youtube e nos servidores do Discord.

Por mais quanto tempo essa expressão vai gerar estranheza fora da internet eu não sei, mas imagino que não seja muito.

A única certeza que eu tenho, é que agora, sempre que perguntarem o que é isso tatuado no braço dele, meu primo vai poder só mandar o link dessa edição, e não se preocupar em tentar explicar pra uma pessoa com mais de 40 anos o que é uma expressão do nicho gamer na internet.

Espero ter sido útil em esclarecer um dos mais novos maneirismos jovens que estão emergindo para a superfície do mundo real.

Semana que vem só Deus sabe qual vai ser o assunto dessa publicação. Acho que depois dessa realmente estou perdendo o controle…

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Se você realmente se importa com essa newsletter, deve ter percebido que, desde o dia 31, não tivemos nenhuma edição nova por aqui. Isso se deu pelo simples fato de que eu tirei férias e fui ao Rio com meu irmão para o aniversário do meu pai e para o show do Red Hot Chilli Peppers.

Nesse tempo eu não quis me importar com responsabilidade nenhuma, e ninguém ia morrer de ficar umas semaninhas sem newsletter do igorlinos, até porque eu sei que tem gente com a leitura atrasada…
Mas não se preocupem! Nosso hiato acabou e voltaremos com nossa programação normal e semanal. Espero que tenham sentido saudades! (Se não sentiram também vão se lascar).

As aventuras que enfiei João Pedro no Rio de Janeiro

Essa foi a primeira vez em 21 anos que viajei sozinho com meu irmão e nós fomos justamente para o epicentro de todo o caos na terra que é o Rio. Ainda mais porque era época de final de libertadores, e essa foi só uma das aventuras que vou narrar aqui.

A torcida do Boca Juniors tinha ocupado copacabana e apesar de todos os conselhos para evitarmos a região por causa de briga e confusão, onde é que a gente foi pra praia?

A cidade estava um caos completo por causa do jogo, eu falei várias vezes pro meu irmão e pra minha amiga Raquel (a bruxa da última edição) ficarem tranquilos, já que o boca ia jogar contra o fluminense, então eles eram todos mis hermanos, eles não acreditaram em mim e ficaram receosos mesmo assim. Esse receio não durou muito, já que depois de alguns minutos de praia, os hinchas viram minha camisa do Flamengo e começaram a me tietar.

Essa foi só uma das aventuras que eu arrastei meu irmão. Nesse mesmo dia eu achei um open bar na lapa por 60 reais, e eu não sou nenhum bobo de ficar em casa numa sexta a noite no Rio de Janeiro né. Chegando lá, uma garota me deu mole na fila da caipirinha e a gente até dançou junto, perdi ela de vista e depois de pouco tempo ela apareceu de mão dada com o cidadão mais mal-encarado da lapa. Tenho certeza que aquele era o namorado dela e também sei que teve gente que já morreu por muito menos.

O que mais me surpreende no Rio de Janeiro é como tudo parece um grande teatro. Todos os diálogos pareciam feitos totalmente pro meu entretenimento e era super divertido só ficar prestando atenção em conversa alheia e percebendo como é peculiar o carioca. Tudo parece perfeitamente alinhado para o entretenimento espontâneo, tipo o dia em que fomos em um karaokê com um amigo meu e ele levou para o role a mãe dele (que por si só já seria super curioso), que era ex-namorada do Zeca Pagodinho, e passou a noite contando histórias de seu antigo relacionamento e fumando cigarro.

Meu irmão não conhecia nada da cidade, e foi muito legal apresentar para ele o pouco que eu sabia, toda a novidade que a gente esbarrava era como marcar um checklist

• Catou concha na praia

• Andou de VLT e metrô

• Tomou guaravita por menos de 10 reais

• Viu se a água do mar é salgada mesmo

• Tentou forçar sotaque pra não ser enganado por carioca

• Quase destruiu o próprio namoro em uma boate na lapa

• Comeu KFC

Falando em KFC

Em defesa do lanche de frango super corporativo e ultra capitalista

Toda vez que eu viajo para uma cidade mais cosmopolita que Cuiabá eu tenho uma side-quest: Comer no KFC.

Eu amo KFC, e por isso uma das primeiras coisas que falei pro meu irmão quando chegamos no Rio foi: Precisamos comer no KFC.

Não sei até que ponto esse amor é motivado pela falta de acessibilidade que eu tenho a esse fast-food específico, mas pra mim, um sanduíche de frango do KFC vale muito mais do que qualquer coisa do cardápio do McDonald’s.

Pensa comigo, se alguém te pergunta o que você almoçou e a resposta é:

“Comi um McChicken”

Você passa uma imagem de desleixo, de gente que não se preza a comer algo de verdade e vive na mão da alimentação rápida de corporações capitalistas selvagens.

Agora, se a resposta for:

“Comi um Frango Frito do Kentucky”

Porra, isso passa muito mais credibilidade, além de ter sido certamente uma refeição muito mais saborosa, mesmo que ainda rápida, corporativa e capitalista selvagem.

Infelizmente, em Cuiabá as opções de lanche de frango são muito mais escassas do que de hambúrgueres. E longe de mim reclamar dos hambúrgueres, eu adoro eles, mas um lanche de frango tem muito mais valor.

Aliás, tem um restaurante de sanduíche de frango extremamente corporativo aqui que eu adoro, que é o Aussie Chicken. O lanche é tão gostoso que essa foi a reação da minha amiga Maria Izoton depois que eu apresentei para ela:

Possivelmente a melhor história que já ouvi sair da boca do meu pai

Ok, encerrado o intervalo comercial, posso continuar falando da minha viagem.

Meu pai é um cara muito bem vivido e tem algumas das melhores histórias que eu já ouvi (ou vivi) e uma das que ele contou dessa vez é completamente inacreditável.

Tudo começou quando meu irmão notou que meu pai tinha pixado GML e TMJ no muro da casa dele. Ele então falou

“TMJ é tamo junto, mas e GML?”

Meu pai RIU dele por achar que TMJ era “tamo junto” e explicou que TMJ e GML eram duas “gangues” rivais que existiam no Grajaú na juventude dele; A Gangue Muito Louca e a Turma da Marechal Jofre.

Meu pai aproveitou o gancho para nos contar como foi que ele acabou com a guerra desses dois grupos que não se bicavam por um motivo muito específico.

Essas duas “gangues” em questão, eram basicamente grupos de dança, e os seus duelos eram DANÇAR MICHAEL JACKSON. A GML e a TMJ pixavam os muros do Grajaú como forma de dominar o território, mas quando eles iam para as vias de fato (duelo de dança), a GML, grupo do meu pai, tinha o Edu que era UM MONSTRO da dança.

Na verdade ele não era bem um monstro, é que no final da coreografia de Thriller ele dava um salto mortal e isso impressionava todas as mulheres do recinto (palavras do meu pai). Até que chegou um dia que a Turma da Marechal Jofre ficou de saco cheio, e marcaram uma briga para acabar de vez com a Gangue Muito Louca (dessa vez eles estavam falando de porrada mesmo). Meu pai e os amigos dele não eram necessariamente as pessoas mais cabeça fria da Zona Norte, e toparam aparecer na data e local para sair no soco.

Na hora que eles chegaram lá, a TMJ era muito maior numericamente do que eles, e eles iam apanhar com certeza, foi percebendo isso que meu pai resolveu bancar o diplomata.

Com o argumento de que ninguém da TMJ ia conseguir dar mortais tão fodas quanto os do Edu, e que ninguém da GML ia conseguir bater nos seus adversários de “dança de Michael Jackson”, meu pai propôs:
”Porra, a gente é todo mundo do Grajaú, vamos deixar de briga…”

E assim, tal qual o Pelé, meu pai parou uma guerra (de dança). E a partir daquele dia, todo lugar onde GML estava pixado, um TMJ apareceu para acompanhar e vice-versa.

Era isso que eu tinha separado para contar para vocês, queridos leitores, mas tem mais uma coisa que eu queria mostrar.

Indo pro show do Red Hot Chilli Peppers, um aleatório (como não poderia deixar de ser), gravou um vídeo do meu irmão tropeçando nos próprios pés que é simplesmente impagável. (e é claro que ele veio me mostrar o vídeo).

Obrigado por lerem, até semana que vem!

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Um dos melhores dias comemorativos do ano, pro qual eu dediquei cinco edições dessa newsletter finalmente chegou, e dessa vez vamos passar a edição toda falando delas, que dão o nome pro feriado. As bruxas.

Nessa noite de halloween, o último capítulo do nosso especial vai falar sobre dois filmes que assisti essa semana, sobre o meu episódio favorito de um desenho da Cartoon Network e eu também entrei em contato com uma bruxa da vida real que vai ensinar algumas coisas pra gente.

Então se aconcheguem na frente da tela, preparem um chá, ajeitem seus chapéus pontudos, fiquem de olho nos seus gatos pretos e coloquem essa playlist para tocar.

A bruxaria vai começar.

Suspiria e Practical Magic

Pra fechar minha maratona de filmes de halloween, decidi ver dois filmes de bruxas completamente diferentes. Suspiria, de 2018, remake do clássico de mesmo nome do diretor Dario Argento e o totalmente apaixonante Practical Magic (cujo nome em português eu vou poupá-los) estrelado por Nicole Kidman e Sandra Bullock.

Esses filmes são completamente diferentes e arrisco dizer que a única coisa em comum neles (além das bruxas, óbvio) é o elenco majoritariamente feminino.

Aqui eu ofereço duas alternativas para vocês se despedirem de outubro em grande estilo. Um filme soft para quem é meio medroso e um tanto romântico e uma viagem audiovisual bela e sangrenta para quem é mais do terror mesmo. Deixem-me apresentar e falar sobre o que achei de cada um desses filmes então.

Pratical Magic

É impossível não se apaixonar pela dupla de protagonistas desse filme. Especialmente a Nicole Kidman servindo muito de bruxinha alternativa modernosa. Sério. Olha que linda.

Mas falando sobre o filme em si, esse filme é muito mais pela vibe do que pelo roteiro em si, que é meio fraquinho em sua conclusão. Mesmo assim, a experiência vale muito pelos visuais, ambientação e relacionamentos entre as mulheres ali naquele coven, que tem uma dinâmica muito legal.

Com certeza uma boa pedida para se despedir dessa época de sustos, Practical Magic conta a história de duas irmãs bruxas que enfrentam alguns problemas de relacionamento. Sim, é um romance bobinho, mas é um romance bobinho da melhor qualidade.

Além das super carismáticas Sandra Bullock e Nicole Kidman, o filme ainda conta com uma Evan Rachel Wood pitiquinha no elenco e Stevie Nicks (é claro) na trilha sonora. Prato cheio pra todas as jovens místicas que me leem.

Suspiria

Indo totalmente na contramão do conforto de practical magic, o segundo filme que assisti foi Suspiria, de 2018. Remake de um filme italiano que eu não vi. Não consigo imaginar como a obra original possa ser melhor que esse, que é um dos melhores filmes que já vi na vida.

Esse filme conta a história de uma jovem que se vê imersa nas conspirações, crimes e rituais de um coven de bruxas que adora uma divindade extremamente antiga.

Toda a mitologia do filme é muito interessante, e me fez ter vontade de ir atrás da obra original e suas sequências espirituais. É exatamente essa mitologia que motiva toda a sanguinolência e todos os horrores que o filme coloca na tela.

Mas não se enganem, tudo isso é feito da maneira mais bela possível. Não tenho nem palavras para elogiar a direção de arte e fotografia desse filme, tudo embalado com uma trilha sonora perfeita de Thom Yorke, do radiohead.

Se eu ainda não te convenci a dar uma chance pra esse filme, se liga nesse elenco: Dakota Johnson, Chloe Grace Moretz, a neta da atriz brasileira Maria Gladys (ou Mia Goth, que ARRASA inclusive) e a irretocável Tilda Swinton, que interpreta TRÊS papéis diferentes no filme. Tudo isso dirigido pelo diretor Luca Guadagnino, que eu conheci recentemente por “Bones and All” e tenho gostado muito do trabalho.

A sinistra sineta além do jardim

Eu não poderia deixar o especial de halloween inteiro passar sem falar de um dos meus desenhos favoritos. Over the Garden Wall talvez seja o desenho com o maior clima de Halloween que existe no mundo.

Aqui a gente acompanha os irmãos Wirt e Greg, que estão perdidos em uma floresta sinistra tentando voltar para casa. A aventura deles é bem emocionante e cheia de reviravoltas e vale muito a pena assistir aos 10 episódios. Mas tem um em especial que eu queria comentar aqui com vocês que sempre me chamou muita atenção. É o (de certa forma) aterrorizante: “O Badalar da Sineta”, sétimo episódio da animação.

Nesse episódio, nós conhecemos Lorna, que vive com sua tia-adotiva super esquisita Whispers (ou titia feitiços em português) e trabalha praticamente como empregada doméstica da casa abandonada onde vivem. O mais velho dos irmãos até desenvolve certo interesse romântico por ela, mas as coisas começam a ficar sinistras quando eles descobrem que ela é controlada por uma sineta de caveira, que é tocada pela velha esquisita.

A velha abusa do poder da sineta para controlar totalmente Lorna, mandando ela limpar a casa e coisas do tipo, tudo isso com a justificativa de que é para o bem da menina; Que sem trabalho para fazer, seria afetada por espíritos malignos. É aí que o subtexto do episódio começa a surgir, já que podemos entender tudo isso como uma metáfora. Se a menina parar de trabalhar, ela vai ser contaminada pelos espíritos malignos de talvez ter tempo para pensar, ter tempo para refletir sobre os abusos que sofre na mão da tia ou até mesmo se é essa a vida que ela quer levar. Tudo isso, no entanto, é colocado em cheque por um plot-twist que não vou entrar em detalhes, já que recomendo que vocês assistam ao desenho.

O que eu posso falar é que os eventos se desenrolam de uma maneira que leva os tais “espíritos” serem mais literais do que pareciam, mas tudo termina com Lorna sendo liberta da dominação sobrenatural de sua tia, que se mostra de certa forma triste por perder o controle da vida da menina.

A cena onde o tal espírito aparece é muito bizarra e extremamente assustadora, mas necessária para que Lorna possa tomar as rédeas de sua própria vida. Eu acho poética a maneira que o episódio lida com essa emancipação da personagem e queria trazer ele aqui pois não é isso que as tais “bruxas” representam? Mulheres que decidiram tomar o controle?

Pequeno guia de bruxaria amadora

Para a gente encerrar o nosso especial com chave de ouro, eu entrei em contato com a bruxa peituda (ela gosta de ser apresentada assim ok?) estudante de relações internacionais Raquel de Carvalho, que me ajudou a montar um pequeno guia pra você, que não entende nada de mandinga nenhuma, mas acha que poderia usar uma ajudinha do oculto.

Banho de Boldo para limpeza, descarrego e renovação

ingredientes:

- boldo do Chile (pode ser feito com boldinho)

- água

modo de fazer:

- macere as folhas de boldo em água na temperatura ambiente

- leve a mistura ao fogo e desligue antes de levantar fervura

- tome um banho higiênico prévio normalmente (eu sei que muitos de vcs n fazem isso)

- despeje o chá de boldo da cabeça aos pés mentalizando limpeza energética e proteção espiritual

(Atenção Bruna Biancardi, esse banho pode te levar à um divórcio)

Para realizar um desejo

ingredientes:

- folhas de louro

- lápis ou lapiseira com grafite (caso queira usar tinta dê preferência pra pigmentos naturais)

- vela branca

- cinzeiro

modo de fazer:

- pra ampliar seus desejos, faça em uma lua nova ou no começo do mês

- desenhe um sigilo/símbolo (como um $) ou escreva seu desejo como se já o tivesse conquistado em uma folha de louro (exemplo: meu convívio em casa é harmonioso)

- queime a folha de louro na chama de uma vela branca mentalizando a realização do seu pedido

-colete as cinzas em um cinzeiro e as assopre ao ar livre em uma ventania pedindo que o resultado seja trazido à você

(eu escrevendo “o palmeiras e o fluminense deixaram de existir” numa folha de louro)

Para diminuir conflitos em uma relação (amorosa ou não)

ingredientes:

- mel (quanto mais orgânico e natural melhor)

- recipiente (preferencialmente de vidro) que possa ser vedado

- papel e lápis

- opcional: ervas condizentes à situacao, exemplos

- canela pra sintonia sexual

- calêndula pra trazer felicidade

- hibisco e rosas vermelhas para amor

- rosas amarelas e jasmim para amizades

- manjericão e alecrim para paz e proteção

modo de fazer:

- em um pedaço de papel, escreva o nome completo das pessoas envolvidas e a intenção (paz na relação, harmonia, leveza)

-dobre o papel três vezes em sua direção

- adicione parte do mel no recipiente, depois o papel dobrado, as ervas e por fim cubra com o restante do mel

- feche o recipiente e o deixe em sua mesa de cabeceira até a situação se harmonizar ou por um ciclo lunar

(Raquel mandou avisar que isso NÃO É uma amarração e você não deve brincar com o livre arbítrio dos amiguinhos, só vai funcionar se for a intenção dos dois.)

(Fazer amarração É ERRADO)

Então era isso que eu tinha separado para hoje, me diverti muito escrevendo para vocês esse outubro e espero que também tenham gostado. Semana que vem voltaremos à nossa programação normal, bom restinho de dia das bruxas para quem está lendo na hora que eu publiquei. tchauuu .

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Semana passada eu terminei a edição com um gancho, falando que em outra ocasião eu explicaria melhor a história por trás do clássico filme de 2005 do Tim Burton, A Noiva Cadáver. A ideia era prosseguir isso com uma edição bem mais infantil, indicando e falando sobre desenhos animados. Bom, isso até vai acontecer, mas eu percebi que essa é a penúltima edição do especial de halloween, e semana que vem eu quero trabalhar em cima de umas pautas muito específicas, que eu já deixei separadas há muito tempo, então, se tivesse mais algum assunto que eu quisesse abordar de última hora, teria que ser aqui, e bom, isso aconteceu.

Nessa edição, então, iremos falar de coisas super leves e fofas, para você botar para assistir com seus filhos, primos mais novos e avós, mas também de uma coisa terrível, que sua mãe mandaria te internar se te pegasse assistindo, que é canibalismo. Sem mais delongas, comecemos então por:

As histórias por trás da Noiva Cadáver.

Na última edição falei que o filme de 2005 do Tim Burton era inspirado por uma antiga lenda russo-judaica, mas na verdade, olhando mais de perto, nós podemos perceber inspirações de duas lendas que tem lá suas similaridades. Vou contar para vocês as duas, e pontuar alguns pontos parecidos em cada uma delas. A primeira “O Dedo” é de onde A Noiva Cadáver bebe mais claramente, mas as semelhanças com a segunda “O Demônio Na Árvore” também são bastante curiosas.

O Dedo

A lenda em questão começa de maneira idêntica à animação. Um homem que está prestes a se casar está andando por uma floresta e por engano (no caso do filme, Victor, o protagonista, está praticando seus votos, e no caso de Reuven, o protagonista da lenda, ele está fazendo uma piada com alguns amigos), ele coloca uma de suas alianças de casamento na mão de uma mulher morta, que eles pensavam ser alguns galhos retorcidos.

Tanto no filme, quanto na lenda, o cadáver passa a acreditar que está casado com o protagonista e é esse o plot principal.

Na lenda, no entanto, a questão é levada para uma rabino, que organiza um tribunal para julgar se Reuven deveria consumar seu casamento com a morta, ou se desfazer dele para casar-se com Shira, sua prometida (que está viva).

A principal diferença é que nada disso acontece no filme, já que Emily (o cadáver stop-motion) acaba abrindo mão do casamento, zelando pela felicidade de Victor. E esse final é muito mais parecido com a história da segunda lenda.

O Demônio na árvore

A conclusão do filme é muito mais parecida com a versão judaica dessa lenda que possui várias versões.

Nessa versão em questão, a confusão com o anel e o dedo também acontece, mas nesses caso, o noivo pensava que a mão era de um de seus amigos, com quem estava brincando de esconde-esconde.

O dedo, na verdade, era de uma criatura diabólica, que saiu da árvore e fez todos saírem da floresta apavorados.

O casamento acontece normalmente nessa lenda, mas a esposa recém casada é assassinada por um galho de árvore, que acertou seu rosto com muita violência. O coitado se casou mais duas vezes, e a sua segunda esposa também faleceu da mesma forma.

A terceira esposa, no entanto, conseguiu desviar do galho e contou para o seu marido que havia visto uma mulher estranha tentar matá-la. O marido então contou para ela sobre o acontecimento antes do seu primeiro casamento e é ai que a história começa a ficar parecida com a do filme.

A esposa, temendo pela sua vida e a de seus filhos, foi até a árvore para negociar com o demônio, que pensava estar casado com seu marido. Ela ofereceu que o seu esposo passasse uma hora todas as noites com a criatura, e assim foi feito.

O querido, de acordo com a lenda, passou alguns meses sendo “escravo” da mulher da árvore, até que um dia, percebendo que esse “casamento” não fazia seu homem feliz, ela desapareceu, deixando para trás somente o anel, que ele havia dado para ela anos atrás.

Esse final, onde o ser de outro mundo vai embora zelando pela felicidade do seu “marido” é muito semelhante ao que acontece na animação, com Emily desaparecendo para o além e deixando Victor se casar com Victoria e viver em paz.

Mais animações para ver com a família!

Além de A noiva Cadáver, são vários os filmes de halloween soft que são palatáveis para crianças, principalmente as animações. Eu gosto muito desse gênero, já que, na minha opinião, esses filmes acabam criando gerações de crianças menos medrosas e com mais abertura para assistirem filmes com temas mais sobrenaturais depois de adultos. Eu tenho amigos que já são HOMENS CRIADOS e que as vezes perdem experiências muito legais com filmes ou séries por puro e simples medo…

Enfim, separei essa lista de filmes que são tranquilos de assistir com crianças e espero que gostem!

O serviço de entregas da Kiki

Esse provavelmente é o mais kid-friendly dos filmes de bruxas e é o meu favorito do Estúdio Ghibli. A trama conta a história de Kiki, uma bruxinha que passa a trabalhar fazendo entregas em sua vassoura mágica.

O filme é muito fofo e também é muito interessante para adultos, já que trata de alguns temas bem adultos envolvendo “trabalho” nas entrelinhas. Vale muito a pena dar uma chance!

Qualquer longa do Scooby-Doo

Nos anos 2000 o pessoal da Warner Animation estava completamente inspirado e lançavam pelo menos um filme melhor que o outro do Scooby-Doo por ano. Eu lembro de alugar incansáveis vezes esses filmes e até hoje eu assisto antes de dormir as vezes. Não preciso apresentar para ninguém do que se trata, então vou trazer duas indicações específicas.

Scooby-Doo! Cadê a minha múmia e Piratas a Bordo! eram duas obsessões minhas quando era criança e provavelmente são duas das melhores obras audiovisuais já feitas pela Warner. Sou muito fã.

A Casa Monstro

Esse aqui é um clássico muito menosprezado dos filmes de terror infantis, eu me lembro perfeitamente do dia que vi esse no cinema com o meu avô e foi um dos dias mais assustadores da minha vida.

Claro, por ser um filme infantil eu não sai totalmente traumatizado, mas também não tive mais coragem de assistir não, credo.

Paranorman

Outro que não recebe os louvores que merecia é Paranorman, mais uma animação stop-motion que é uma escolha ideal para uma sessão de halloween com os pequenos.

Esse filme conta a história de um menino que conversa com mortos e herda a missão de impedir uma maldição que de tempos em tempos volta para assombrar sua cidade. Eu lembro de ver esse filme sem expectativa nenhuma e sair do cinema com uma grata surpresa no meu pequeno repertório infantil. Fantasmas, Zumbis, Bruxas e um elenco típico de filmes slasher, com certeza Paranorman é a escolha ideal para quem quer fazer uma sessão de halloween com os pequenos.

Ok, agora tirem as crianças da frente da tela.

Vamos falar de canibalismo?

Humanos comendo outros humanos é um tema que é tratado sempre no halloween. Quem é que nunca assistiu filmes de zumbis ou até mesmo improvisou uma fantasia de última hora dessas criaturas comedoras de cérebros?

Mesmo assim, acho que um twist macabro pode transformar esse “trope” de “gente comendo gente” em algo um pouco pior. Normalmente zumbis, apesar de terem sido pessoas um dia, já não são mais humanos, já são criaturas desprovidas de alma e consciência, então tratá-los como monstros é super normal. Mas e quando a “criatura” que está se alimentando de carne é tão humana quanto pode ser? E quando o canibalismo é apresentado como um costume de uma pessoa que ainda tem sua consciência intacta?

Aí a coisa fica mais sinistra.

Mas eu acho muito interessante a maneira com a qual a antropofagia pode ser utilizada para refletirmos sobre quem somos. Quando essa prática coloca em cheque nossa própria humanidade, o “horror” não vem de imaginarmos criaturas monstruosas e que não fazem parte desse nosso plano terreno, mas sim, de nos olharmos no espelho e imaginarmos o que poderíamos ser. Mas não somos.

Um filme que explora muito bem isso, e que é o motivo pelo qual eu estou escrevendo tudo isso é Raw, ou Grave em português. Filme francês da diretora Julia Ducournau onde o horror vem justamente dessa prática terrível, sem ter necessariamente um “vilão” como Hannibal Lecter, de O Silêncio dos Inocentes, ou “vítimas” como a família de Viagem Maldita. Aqui a gente acompanha uma pessoa que sucumbe a desejos nefastos, que não reprime suas vontades e se transmuta na nossa frente em uma figura realmente apavorante, mas que em momento nenhum deixa de ser humana, de encarar as consequências das suas ações e até mesmo se assustar ao perceber o que está se tornando.

É sublime a forma que Raw propõe uma reflexão sobre nossos próprios corpos, e nossa própria identidade como seres humanos. A protagonista, que começa o filme como uma caloura de medicina veterinária vegetariana, convive no seu ambiente acadêmico com diversos outros corpos, humanos ou não, vivos ou mortos. É como a diretora comentou ao falar sobre suas protagonistas em sua entrevista ao jornal inglês The Guardian:

Um corpo é um corpo. Em todos os filmes que vemos, as mulheres têm que ser bonitas e em forma ou sei lá o quê, e têm que caber em uma determinada caixa, e não: mulheres peidam, fazem cocô, fazem xixi, arrotam. É por isso que você pode se identificar com elas, porque elas não são criaturas celestiais; são pessoas reais com sentimentos reais

Essa noção que o filme tem de mostrar nossos corpos como somos: sacos de carne, e questionar o que é que nos diferencia fisiologicamente de outros animais, que também estão sujeitos às limitações de seu corpo é central para compreendermos a transformação que a protagonista passa ao decorrer do longa, que começa o filme inocente e assustada e conforme vai sucumbindo aos seus desejos, vai se transmutando em uma criatura caçando, procurando sua próxima presa.

Claro, que essa transformação é gradual, então ao mesmo tempo que ficamos apavorados, não conseguimos deixar de ter certa empatia pela personagem, que sofre tanto tentando reprimir seus impulsos, quanto sucumbindo à eles (e isso inclusive pode entrar na conta de grandes méritos da atriz Garance Marillier que brilha no papel).

Como disse a diretora em entrevista ao Newsweek, esse é um filme que antes de acessar sua mente (como tem sido uma tendência nos filmes de terror super intelectuais que te colocam para pensar), ele acessa o seu corpo. Te fazendo se questionar “É isso que nós somos?”.

“Eu estava ciente de que meu corpo poderia sofrer mutações inesperadas e ter autonomia. Você não decidiu ter uma erupção na pele, é o seu corpo que faz isso. Então, você é o seu corpo ou o seu corpo é você? Esse é o tipo de coisa que sempre pensei: o que isso significa em termos de identidade?” -The Guardian

O horror desse filme não é o tipo que vai te fazer tomar sustos ou te deixar sem dormir a noite, acho que o terror desse filme surge quanto mais você pensa nele. Quanto mais você reflete e quanto mais se identifica com os questionamentos levantados de maneira tão brutal pelo filme, que explora nossa condição como seres humanos da maneira mais sangrenta possível. Não é sobre lidarmos com outros seres e conosco, é sobre devorá-los.

“O canibalismo faz parte da humanidade. Algumas tribos fazem isso ritualmente e não têm vergonha de fazê-lo. Você tem essa sensação quando morde o braço de alguém por diversão, que quer ir um pouco mais longe, mas não vai porque tem uma tela moral. Essa coisa está em nós, só não queremos ver. Então pensei, já que meus personagens sempre parecem monstros por dentro, eu queria que o público também se sentisse um monstro e entendesse o que ela estava fazendo. Porque somos todos monstros, na verdade.”

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Na verdade não >fui< ao teatro, acho que o mais correto é dizer que eu e o teatro fomos dar um passeio no centro histórico aqui de Cuiabá.

Eu e alguns colegas da faculdade fomos convidados para conhecer o Passeio Noturno, city tour pelo centro histórico de Cuiabá que mistura turismo e teatro e consegue informar e encantar na mesma proporção com personagens carismáticos que levam o espectador (ou nesse caso passageiro) para conhecer algumas das histórias da antiga cidade nascida do ouro.

Entre lendas de espíritos perdidos, histórias de alguns dos prédios mais antigos de Cuiabá e referências à acontecimentos históricos como a epidemia de varíola que acometeu a capital, muito conhecimento há para se absorver e mesmo eu, nascido e criado na cidade, não conhecia boa parte das histórias que Chico, o guia, nos contou durante a viagem, como a da noiva de branco, a do homem que saiu da própria cova, e a lenda da alavanca de ouro.

O passeio acontece quase inteiramente dentro de um ônibus, que sai da Praça Bispo e desembarca na praça da Igreja da Boa Morte (nome sugestivo né), mas não se preocupem porque o ônibus dá uma carona de volta para a Bispo no final da apresentação. É muito legal ver como não só o ônibus, mas escadarias, igrejas e até um cemitério se transfiguram em palco para os personagens brilharem e desenvolverem a história que o Grupo Tibanaré quer contar.

E que história legal e interessante eles contam hein. Não vou entrar em muitos detalhes, já que recomendo fortemente que vivam essa experiência se tiverem a chance, mas essa realmente é uma história com um tom que eu não esperava em um city tour cuiabano, e que trata de alguns temas que eu gosto bastante e que eu vou desenvolver aqui nessa edição: amores fantasmas e lugares antigos.

Minha única crítica é o tom “infantil” que a peça toma em alguns pontos e que eu acho que não precisava. Algumas falas e ações estão ali só para amenizar o clima “creepy” da coisa toda, mas eu entendo que faz parte da proposta, já que esse é um espetáculo para todas as idades. Mesmo assim, honestamente eu acho que se fosse um pouquinho mais tenebroso eu gostaria ainda mais.

De qualquer forma, acho essa uma experiência de halloween-cuiabano muito interessante e singular. Vale muito a pena investir em ingressos e conhecer, já que o trabalho do Grupo Tibanaré realmente é sensacional.

Amigos e leitores cuiabanos, me escutem, vale a pena. Comprem seus ingressos aqui.

Lugares assombrados para visitar e fantasmas cuiabanos para encontrar à noite.

Isso aqui é um especial de halloween, então eu não podia deixar de trazer assuntos um pouco mais assustadores. Durante o passeio noturno, a gente passou na frente de alguns lugares que definitivamente tem algum espirito perdido por ali, mas infelizmente não descemos em nenhum desses lugares.

Eu tenho muito interesse nesse turismo sobrenatural, e adoraria conhecer umas casas supostamente mal-assombradas. O lugar onde eu trabalhava, a Secretaria Estadual de Turismo, era um casarão muito antigo e tinha fama de ser assombrado, mas eu já fiquei sozinho lá a noite tantas vezes que é até meio frustrante ter que contar para vocês que nunca vi nem ouvi nada. Aqui em Cuiabá tem alguns outros lugares que eu ainda quero conhecer só pra ver como é que é, segue a lista;

Cripta da Catedral

Um dos hot-spots de fantasmas cuiabanos é a cripta da Catedral Basílica do Senhor Bom Jesus de Cuiabá. A igreja já passou por várias reformas, mas o que não mudou foi a existência dessa cripta no subterrâneo. Ela é aberta para visitação, e lá descansam personalidades importantes para a cidade como Dom Aquino, Miguel Sutil e Pascoal Moreira Cabral.

Existem vários relatos de aparições nos arredores da igreja no centro, e muita gente associa essas aparições à presença da cripta que fica lá dentro. Deve dar muito calafrio fazer uma visita noturna por lá e eu adoraria levar algum amigo medroso.

A noiva de branco

O historiador Aníbal Alencastro, em seu livro Cuyabá: História, Crônicas e Lendas conta essa história que teria acontecido no Cemitério da Piedade.

De acordo com a versão de Aníbal dos fatos, um rapaz teria se encantado por uma mulher em um baile de máscaras de carnaval. Ao levá-la para casa, ela teria dito morar no cemitério e isso o deixou totalmente assustado.

No dia seguinte ele foi investigar e descobriu que sua peguete da noite anterior na verdade estava morta. Ele obviamente não ia se casar com nenhum fantasma, então desde então, a coitada vaga pelas ruas do centro com seu vestido de noiva, procurando um pretendente que esteja disposto a desposá-la.

Ana Maria do Couto e sua casa dos gritos

A casa de professora Ana Maria do Couto, que já foi considerada um dos 40 lugares mais mal assombrados da América Latina, é outro dos lugares que eu adoraria conhecer.

Foi no casarão que a professora faleceu, por volta dos 40 anos de idade. Com uma doença muito dolorosa, Ana Maria morreu gritando, e há quem diga que até hoje quem passa pela esquina das ruas Diogo Domingos Ferreira e Manoel Garcia Velho, no Bairro Bandeirantes, tarde da noite, consegue ouvir seus gritos.

O casarão porém não é o único lugar que a presença da professora é percebida. Alguns relatos dizem que ela já chegou a aparecer também no Ginásio Aecim Tocantins, já que em vida, além de professora, jornalista e até mesmo vereadora, ela também era atleta e gostava de treinar por lá. Tem gente que disse já ter ouvido os mesmos gritos da casa, no ginásio durante a noite.

Amores para além da cova

Um assunto que me intriga muito (e que também está presente no Passeio Noturno) são histórias de amor que desafiam a morte de alguma forma. Seja fantasmas apaixonados ou homens indo até as profundezas do inferno por suas amadas, acho essa categoria de histórias muito interessantes, e pra fechar por hoje, vou apresentar para vocês algumas das minhas favoritas.

Hadestown

A história de Orfeu e Eurídice é talvez a mais antiga história de um homem desafiando a morte pela mulher que ama. Acho que todo mundo conhece ou pelo menos já ouviu falar do mito grego, mas o que eu sei que muitos de vocês não conhecem é o musical Hadestown, que adapta para os palcos o mito, trazendo várias questões atuais e canções de tirar o fôlego.
Como eu sei que nem todo mundo consegue ir para os EUA só para assistir à uma peça de teatro que leu o Igorlinos indicar, fica aqui meu apelo para que ouçam o álbum e se deixem levar pela história como se fosse um podcast.

Ninguém vai se arrepender.

Three Cheers for Sweet Revenge

Não tinha como eu passar o especial de halloween inteiro sem falar de My Chemical Romance.

Meu álbum preferido deles, o Three Cheers for Sweet Revenge é um álbum conceitual que conta a história de um casal que é morto em um tiroteio. Então, em uma jornada para reencontrar sua amada, que foi para o céu, o protagonista, que está no inferno, faz um acordo com o diabo. O coisa-ruim concorda em deixá-lo se juntar à sua mulher se ele trouxesse a alma de 1000 homens ruins. É com uma arma na mão e muito amor no peito que ele se joga nessa jornada e é dessa história que surge o Revenge.

A Chorona

Essa lenda vai levar o clima lá pra baixo agora, já que não fala do mesmo tipo de amor das histórias anteriores, e sim de um amor mais doente. Tão doente que virou até filme.

A lenda da Chorona é uma lenda mexicana muito antiga, que diz que em noites de lua cheia, consegue-se escutar o choro desesperado de uma mulher. Essa mulher, seria Maria, que se apaixonou por um homem que desagradava sua família e fugiu com ele.

Maria teria tido dois filhos com o seu amante, mas quando descobriu que ele estava traindo ela com outra, teve um acesso de raiva e em meio ao seu frenesi de ira, teria matado as crianças, abandonando elas em um lago, onde se afogaram.

No dia seguinte, passado o surto de raiva, o amor materno teria falado mais alto no peito de Maria, que foi até o lago para encontrar somente o cadáver de suas crianças.

Muito arrependida pelo que fez, Maria teria morrido de depressão, mas sua tristeza não se findou, e é daí que surgem os relatos desse fantasma tristonho.

Como se não fosse bizarra suficiente, a lenda ainda diz que a Chorona supostamente sente tanta falta dos seus filhos, que até hoje sequestra crianças vivas para tentar substituí-los.

A Noiva Cadáver

Para elevar um pouco os ânimos, um outro exemplo de histórias nessa vibe é A Noiva Cadáver, do Tim Burton.

Não é segredo que a obra do Tim Burton é das coisas mais halloween que tem, mas esse filme em específico sempre teve um quê de estranheza a mais para mim, principalmente quando eu era criança.

Nesse filme conhecemos Victor Van Dort, que sem querer se casa com um cadáver pouco tempo antes do seu casamento oficial e passa o filme todo tentando se separar da sua esposa morta, que está apaixonada por ele.

Apesar do tema mórbido e do seu tom melancólico, o filme é uma gracinha de musical. Com personagens caricatos em uma animação stop-motion fenomenal, o filme realmente consegue encantar apesar da sua bizarrice e o final é bonitinho.

Inclusive, sabiam que esse filme foi inspirado em uma antiga lenda russo-judaica?

Pois é, mas não vou ter espaço para terminar de contar essa história aqui, fica pra semana que vem!

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