Apesar de eu também estar aqui participando do frisson com uma microrresenha-não-tão-micro-assim, quero chamar a atenção para o coração pulsante desta edição: vamos também prestar atenção a outras ressignificações musicais da identidade nacional brasileira, em especial o brega como língua franca da coalizão musical Norte-Nordeste, que começa aqui no dark tecnobrega da manauara Cella e termina na impactante pesquisa musical do bregapunk queer do baiano Totô de Babalong, destaque de capa da newsletter.

Em uma chave mais pessoal, queria registrar que a virada de julho para agosto também foi marcada por uma entrevista para De Olho Nos Ruralistas em torno do mapa “Dois Brasis” (obrigado Carolina Bataier por entrar em contato); uma colaboração para o projeto coletivo Cê Já Ouviu Isso (agradeço ao convite da Elaíny Carmona); e uma aula sobre Música Brasileira Contemporânea na 6ª edição do curso “Os desafios da democracia no século XXI” da FGV Justiça, organizado pelo querido amigo José Henrique Bortoluci (tive a oportunidade de fazer doutrinação anitter para integrantes do Poder Judiciário carioca). E em muito em breve vocês poderão ler um ensaio meu sobre aqueles singles em torno do futebol, da Copa e do Brasil em uma revista de prestígio.

Último tópico desta introdução: se por acaso você tentou escutar o novo disco do trio paraense Os Amantes no Samply App (recomendei Amar, AMOR! na newsletter de Junho), você deve ter percebido que o link se tornou indisponível. A banda tirou do ar, mas lançou o single “A Primeira Vez” nos streamings tradicionais agora em julho, o álbum inteiro chega em agosto… e fiquem ligados pois já está marcado show em setembro!

Brega contemporâneo firme e forte aqui na newsletter e no Brasilsão de Deus-e-mar.

Nove lançamentos de Julho de 2026 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de MÊS, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [single] Anaïs Sylla, Jota.pê & Caê, “Rêver” [FRA-SUI-SEN e SP]

Lindo single em francês e português, antecipa o disco da cantora e compositora franco-suiça-senegalesa e radicada no Brasil, EXIL, previsto para ser lançado em agosto e que promete ser uma investigação musical das categorias de exílio e pertencimento no contexto da diáspora negra. Além do beat sensual e envolvente, destaco a oscilação linguística, sonora e semântica entre rêver (“sonhar”, em francês) e rever (no sentido português de enxergar novamente ou revisitar), até que não se possa mais saber qual palavra é qual e qual lingua é qual - se formos pensar, uma forma/conteúdo do Atlântico Negro como fluxo cultural transnacional.

2 – [álbum] Anitta, EQUILIBRIVM II [RJ]

Ouvi o Vol. II como mais consistente do que o Vol. I (que tem altos mais altos e baixos mais baixos). Anitta segue aqui nos macumbeats, tambores e batuques afro. Como vocês verão, derrapada para mim foi a versão em espanhol do Djavan. Mas o epílogo com Alessandra Leão e rap indígena mostra a superioridade com relação ao escandaloso orientalismo zen-coach da última faixa do Vol. I. E tem um movimento interessante de midstreamização ao trazer compositores emergentes como Letícia Fialho, Ju Strassacapa, Leo da Bodega e MC Tha). Agora, para além dos elogios ufanistas de fãs, influencers e jornalistas nas redes sociais, considero relevante considerar que o projeto estético do disco tem uma tensão interna entre uma tendência majoritária de brasilidade inovadora (com os elementos culturais emergentes afros e indígenas em diferentes proporções) e uma tendência minoritária de brasilidade convencional (reativação de elementos culturais residuais de samba e bossa como produtos de exportação). Simplificadamente, o “Lado A” do disco (das faixas nº 1 a 8) foca mais na inovação e o “Lado B” (faixas nº 9 a 16) foca mais na convenção (samba, bossa, MPB). A faixa nº 17 é um epílogo explosivo, uma galáxia alternativa. Anitta decidiu abrir o Vol. II com um macumbeats que amplia a referência ao candomblé: não é mais apenas a Pomba Gira (como em “Meia Noite”, no Vol. I), são diferentes orixás, cada um com um toque diferente do tambor. Em seguida, ela transita do macumbeats para o funkhall, evidenciando que, nas periferias urbanas, os tambores se transmutaram em beats eletrônicos, seja no paredão do funk, seja no sound system do reggae. Em “Não Me Cutuca” (com feat de Alceu Valença), Anitta sincretiza forró e beats, mas não se trata nem de forró eletrônico nem de piseiro; algo que eu chamaria ou de um forró pancadão ou um zabumbeats. Já em “Eu Não Sou Santa”, trata-se de um forró mais convencional, mas esta forma musical se justifica pela conexão sincrética com sua mãe, católica e paraibana; além disso, o conteúdo poético brinca com borrar as fronteiras entre o sagrado e o profano: Anitta diz não ser santa, mas ela sabe que a santa a adora (em uma inversão de quem deveria adorar quem). O feat com Mart’nália (que faz uma performance queer de Zé Pelintra no audiovisual) é um samba com percussões não conciliatórias: atabaques em um mundo enfeitiçado, já que foi a macumba que ensinou os brasileiros a dançar. Geralmente, quando a forma musical fica convencional demais no disco, costuma ter uma justificativa estética no conteúdo poético (com uma exceção, como veremos); em “Ponta do Pé”, a frase “ninguém me segura no samba porque eu tô solta” prepara a virada do samba convencional (o nacional-popular) para o reggae (o transnacional-popular) nas duas faixas seguintes: “Abre Caminho” é mais convencional (com feat do ex-vocalista da banda Natiruts) e “Tudo Isso” (que se aproxima do universo musical de CAYMMI, já que Alice Caymmi é uma de suas compositoras e Iuri Rio Branco é seu produtor) - como em outras faixas, o conteúdo poético é uma autorreflexão de Anitta sobre seu lugar na indústria cultural (”Tem gente que não vale o piripaque do meu peito / Não vou perder meu tempo tentando explicar o óbvio / Eu não negocio minha paz nem meu sossego” - aqui temos a primeira alusão ao infarto da Carmen Miranda, que reaperecerá no ápice do Lado B. O convite à MC Tha em “Sem Pressa” impressiona por Anitta não a conhecer até então (foi uma recomendação de seus fãs nas redes sociais, em reação ao Vol. I); infelizmente, a colaboração foi despotencializada, abrindo o Lado B na chave de uma percussividade light em vez de recepcionar o ponto forte da funkeira da Cidade Tiradentes, justamente os macumbeats. Em “Deus Mãe”, Anitta dá novos passos na polissemia do sagrado ou do divino no disco: antes era a santa que adora a não-santa, aqui é a divinização do matriarcal e, mais para frente, em “Divino Sexual”, é a sexualidade (em uma perfeita adequação de forma e conteúdo devido à imaginação musical em torno de um beat sensual). Um encontro intergeracional em “Ogum Me Rodeia” é o ápice da sonoridade MPB: Bethânia, canônica, e Letícia Fialho, cantando, compondo e midstreamizando partcialmente Anitta. “Contemplação” é o momento mais desacelerado do álbum e antecede a homenagem à Carmen Miranda em “Pra Você Gostar de Mim”. Nesta faixa, núcleo da mensagem do disco, a forma musical é convencional (uma bossa triste), mas isto se justifica pelo conteúdo poético e existencial, uma vez que Anitta se apropria da história de Carmen Miranda para refletir sobre a indústria cultural e sua conclusão de um imperativo da Vida Além do Trabalho: ela não quer ter sua morte televisionada, como a crise cardíaca de Carmen Miranda, que começou durante a gravação de um programa de TV. A versão em espanhol de Djavan, “Azul”, é o calcanhar de Aquiles do Vol. II: uma forma musical que se assemelha a uma trilha sonora de novela de Manoel Carlos, o estereótipo de uma brasilidade produto de exportação, o que entendo ser uma concessão comercial/mercantil de seu projeto estético e político (se, como eu, vocês não gostarem desta faixa, apenas pulem, o resto do disco se mantém firme na condição de um dos maiores Acontecimentos musicais do ano). “Respira” encerra o “Lado B”, uma forma musical estilo sambinha que finaliza o arco centrado na brasilidade mais convencional (e o conteúdo poético continua na chave de autorreflexão sobre a indústria cultural). Por último, “Okê” é o epílogo e ápice musical e político do disco: abre com um sample de Alessandra Leão, um ponto de Jurema que permite Anitta avançar numa articulação simbólica afro-indígena, com participação do grupo de rap indígena Brô Mc’s (com integrantes Guarani e Kaiowá) e da cantora Katú Mirim, uma indígena Bororo adepta do candomblé. O audiovisual comprova que esta faixa é uma rave indígena futurista que conclui brilhantemente o projeto de Anitta; quando os elementos culturais emergentes afros e indígenas convergem, o que resta da brasilidade? Minha hipótese é que muito pouco; o epílogo tem como horizonte alguma outra utopia, radicalizando o que estava sendo esboçado ou experimentado ou normatizado nas faixas anteriores. Discaço. E showzaço também. Mais sobre tudo isto em edições futuras.

3 – [single] Blaya & ÀTTØØXXÁ, “Bate O Pé No Chão” [CE-POR e BA]

Encontro afro-diaspórico da cantora cearense radicada em Portugal (que participou da banda Buraka Som Sistema) e a paradigmática banda baiana, conhecida pela digitalização do pagodão e a experimentação na música eletrônica. O single entrega tambores entrelaçados com beats, no que um site angolano caracterizou como um “Electro/Kuduro”, gênero musical popular na Angola. Bem intenso!

4 – [álbum] Bruno Berle, Sem Fronteiras [AL]

Bruno Berle não é apenas um cantor e compositor, ele se tornou um verdadeiro hub (junto com seu colaborador, Batata Boy) na produção da cena musical independente composta por conterrâneos de Maceió, mas também de outros territórios (como o pernambucano Phylipe Nunes Araújo). Com algumas linhas de continuidade da sonoridade lo-fi e da poesia introvertida dos dois volumes de No Reino dos Afetos (2022 e 2024), Sem Fronteiras já é o resultado do bem-sucedido processo de internacionalização de sua carreira. A maioria das faixas são canções, mas também há espaço para músicas instrumentais (“Outra Noite” e “Tô Assim”) - e o passeio por estilos musicais é amplo: “boogie, soul, MPB, afropop e psicodelia”. Já o meu destaque é a faixa “Amor Inteiro”, um desvio do universo musical mais coeso e etéreo (e talvez mais melancólico) do restante do disco, com sua percussividade inusitada e cíclica, até o momento em que a guitarra substitui a poesia cantada e toma conta do palco, dissolvendo uma forma musical de truncamento e preenchendo o ar com alegria.

5 – [álbum] Cella, Efeito Borboleta (mai. 2026) [AM]

Se eu tivesse descoberto antes, este disco certamente teria sido destaque da minha newsletter de maio! Eu não conhecia a cantora, que se tornou conhecida a partir de sua participação no programa The Voice Kids (2017). O álbum tem dois lados, com a “Intro” abrindo o Lado A e o interlúdio “+5592” marcando o início do Lado B. A linha geral é um pop amazônico (ela é amazonense, mais especificamente manauara, embora ela tenha se radicado já há alguns anos no Rio de Janeiro). Segundo um faixa-a-faixa, o disco transita por: diferentes modalidades de pop (pop contemporâneo, pop alternativo / alt-pop, pop romântico, pop eletrônico e dark pop), música eletrônica (house) e carimbó. Comprovando o caráter autorreflexivo da artista, ela cunhou as categorias de “CarimPop” (carimbó + pop) para se referir à faixa “Encantaria” e mais relevante e criativo ainda, “dark pop tropical”, o que funciona como uma antinomia produtiva: o que é lido como música “tropical” costuma ser automaticamente identificado com uma atmosfera solar, sendo sua escolha contra-intuitiva associar a sonoridade amazônica a algo mais denso (se pensarmos bem, no interior da floresta pode haver sombras e sombras). A única faixa que não me convenceu foi “Me Ignora”, me pareceu um desvio do projeto estético tão interessante e singular que ela armou, uma recaída em um pop genérico, o calcanhar de Aquiles de um álbum que poderia beirar a quase perfeição. Já a minha faixa favorita foi “Veneno”, ouvi em looping: “Deus me livre de você / Que um dia me curou / E hoje é meu veneno / Me encontrei ao te perder / E nada mais sobrou / Do teu doce veneno”. Por fim, também destaco o epílogo do Lado B, com dois remixes de faixas anteriores de seu próprio disco (“Meu Norte (Remix)” e “Karma (Remix)”), ambos os quais eu chamaria de “dark tecnobrega”, me aproximando e torcendo a categoria de Cella: o beat é tecnobrega clássico, mas embora o canto ainda tenha momentos leves, a atmosfera sonora construída pela produção musical não é festiva e expansiva, mas sim pesada e quase perturbadora - sintomas de uma experiência urbana juvenil amazônica? Curioso em ver os próximos passos da jovem artista.

6 – [EP] LOUISE, Notívaga [PE]

Filha de Chico Science lança seu primeiro trabalho autoral, com produção da sempre excelente dupla Barro e Guilherme Assis - cada um herdeiro do manguebeat de uma forma diferente (confiram esta entrevista de Barro sobre o impacto do movimento cultural em sua adolescência e carreira como produtor e compositor). Senti que a sonoridade de cada faixa do EP cria uma atmosfera emocional própria, mas sem perder a unidade: a primeira (“Desperdício”) mais na sofrência, graças à latinidade de um sincretismo pop e flamenco; a segunda (“Casual”) mais nostálgica, um pop rock que salta, num piscar de olhos de um universo musical estilo Rita Lee em direção a uma Marisa Monte; a terceira (“Insônia”) mais elegante, como se fosse uma Luedji Luna versão pernambucana; e a última (“Tô Ligada”) mais raivosa, um brilhante Drum & Bass que é inicialmente desconstruído em seus elementos e vai sendo recomposto gradualmente, expressando através da forma musical o seu conteúdo poético: “Mas é pouco o que tu me oferece / E você não vale a minha paz / Eu não vou te procurar / Você vai pagar pra ver / Tenho tanto amar pra dar / Pra quem sabe e quer receber / Eu não vou te procurar / Se é isso que você quer / É bom se acostumar / A me ver e não me tocar”. O único defeito que eu detectei neste trabalho inteiro (além de ser curto e nos deixar com altas expectativas de vôos mais altos e longos) foi que esta última faixa é tão boa e viciante que eu sempre ficava na dúvida se eu voltava pro começo do EP ou se simplesmente. ficava no repeat de “Tô Ligada”... Bom demais, dos melhores lançamentos de julho!

7 – [EP] Luiza Carmo & Nina Charnizon, 20 poemas de amor e uma canção desesperada (mai. 2026) [MG]

O EP homenageia a coletânea de Pablo Neruda, musicalizando temas em torno da intensidade emocional e sensual de relacionamentos (e seus fins) na juventude dos vinte e tantos anos. Sonoramente, um lindo entrelaçamento entre brasilidade e latinidade, a partir de Belo Horizonte. Minhas favoritas são as faixas do miolo: a nº 2 (“se for pra eu ir”: “Me perco em relances da história de nós / Que pra mim sempre foi / Inacabada e acabada / Que eu me encontro na sua falta / Quem diria que um dia tudo que é bom chega ao fim / Se um não quer dois não fazem nada / Injusto chamar de inacabada / Uma história de amor / Que ao menos começou com intuito de um final feliz”) e a nº 3 (“antes de te conhecer”: “Contra intuição eu fingi que era / Eu tomo só um gole / E tudo se desfaz / Se eu te vejo longe, eu imagino dentro de casa / E da saia / E se eu não tomo um jeito, eu deixo levar / Eu tomo só um gole / E tudo se desfaz / Se eu te vejo longe, eu imagino perto da trama / E na transa / Eu ouvi que proibido era mais gostoso / Isso foi antes de te conhecer”). Uma recomendação da querida Elaíny Carmona (sigam ela no Substack e no Instagram)!

8 – [álbum] Mari Froes, Esquina do Sol [GO]

Desde que comecei minha pesquisa musical (parte de uma reconstrução autobiográfica, confesso - chama-se reinvenção de si diante de terremotos existenciais), a jovem cantora e compositora goiana Mariana Froes fez parte da minha jornada (confiram aqui uma playlist que registra de forma não-linear minha aproximação com a Música Brasileira Contemporânea). Passei incontáveis noites lá por 2023 ouvindo singles compostos com base na sua voz e no seu violão, como “Moça” e “Rosa e Laranja” (2019) ou então “A Porta” e “Espelho” (2020). Desde aquela época, eu ansiava pela chegada de seu primeiro álbum de estúdio. Uma inflexão em sua carreira começou a ocorrer lá por 2024, com o EP Tudo Passa, em colaborações com Agnes Nunes e Taylan e a entrada em cena de beats eletrônicos. Mas um salto estético e profissional ocorreu com o single “Vaitimbora”, originalmente um vídeo dela no Instagram que, ao viralizar, chegou até a dupla francesa Trinix, de música eletrônica. O remix viralizou ainda mais e abriu as portas para uma carreira internacional, o que lhe permitiu transitar nos últimos dois anos por inúmeras cidades europeias e estadunidenses. Assim, fiquei feliz ao ver que em Esquina do Sol ela conseguiu sintetizar o seu ponto de partida - estilo samba e bossa, com orientação mais nacional-popular, embora com uma poética própria e autoral, contemporânea - e o seu ponto de chegada - a música eletrônica, com orientação internacional-popular. A música de abertura, “Dezenove Verões”, é o ápice desta articulação de seu alfa e de seu atual ômega (o futuro dos artistas costuma sempre estar em aberto). Mas a faixa de destaque para mim foi a linda “Reza Braba” (antecipada muitos meses antes em um vídeo despretensioso, porém belo, no Instagram): “Quero provar da tua água / Para matar a minha sede / Mas minha sede não se mata / Vontade de você é coisa que não passa / Nem com reza braba nem cachaça / Vontade de você é coisa que não passa / Nem com terapia, nem remédio / Vontade de você é um problema sério / Nem com chocolate, nem com vinho / Vontade de você é o meu mau caminho / Não tеm nada que me faça ver graça / Vontadе de você é coisa que não passa”. Por fim, a faixa “Rio Lua” talvez seja o ápice do projeto estético de uma espécie de MPB eletrônica. Confiram!

9 – [álbum] Totô de Babalong, Deusimar [BA]

Fruto de uma ampla pesquisa musical do artista, nascido em Teixeira de Freitas (extremo sul da Bahia), sobre a relação entre o brega e a identidade brasileira, tendo se engajado em uma pesquisa de campo (“viagens por paredões na Bahia, botecos, festas populares e bibliotecas”) e também em um intenso processo de composição (as 11 faixas efetivamente gravadas foram selecionadas entre 300 composições de sua autoria). O brega é encarado pelo artista tanto como elemento da identidade nacional (sentimentalismo, exagero e ultrarromantismo, com base na solidão - a descoberta do livro O labirinto da solidão, do escritor mexicano Octavio Paz, foi impactante para ele refletir sobre o entrelaçamento entre colonialismo e abandono como o que seria a gênese histórica da sofrência) quanto como linguagem sincrética que permite expandir outros gêneros musicais e ser expandido por eles: tem bossa-brega (“carne fraca”), piseiro-brega (“piseiro dos abandonados”) e o mais surpreendente, faixas que flertam com uma espécie de sertanejo-brega (ou seria um breganejo?), como “bituca” e “macho man” (um queernejo brega: “Desde pequeno fui amado, mas chorava o dia inteiro / Em dias quentes de janeiro, eu sabia disfarçar / Minha mãe olhava no meu olho, algo estranho ela notava / O tanto que o olho brilhava, não sabia o que pensar / ‘Ô menino dos óio bonito, seu olhar é igual ao meu’ / ‘Ele brilha como o meu, você teve a quem puxar’ / Não sou uma pessoa ruim, cê sabe bem / Sou filho do meu pai, mas da minha mãe também / Nem todo homem em primavera quer ser macho man”). Aliás, o nome do álbum é, por si só, estranho/queer: Deusimar como um nome de homem e de mulher… De um lado, a presença do sertanejo me lembrou a ousadia e criatividade da sincrética “Não Vou Chorar”, feat com Lauana Prado em Rock Doido, no qual Gaby Amarantos subordina o Mega-Centro-Oeste ao Norte (tem o violão do sertanejo, mas é o beat quem manda: o tecnobrega). De outro, me ocorreu a atualidade do mapa “Dois Brasis”, do relatório do site De Olho Nos Ruralistas que eu mencionei na última newsletter: se a música sertaneja é o elemento cultural dominante hoje no Brasil, o brega funciona como esta língua franca subjacente à coalizão musical Norte-Nordeste e seus elementos culturais emergentes. Não apenas Totô reconhece esta realidade, mas ele coloca os gêneros musicais em um diálogo que inverte a hierarquia cultural da música brasileira contemporânea. O brega é onipresente no disco, sendo portanto a linguagem que organiza (e subverte) os demais elementos - sejam eles dominantes (como o sertanejo) ou residuais (como a bossa). Uma geografia sonora inovadora produzida em ato (e de um ponto de partida surpreendente, no sentido de que a Bahia não costuma ser identificada como difusora central do brega, como, por exemplo, Pernambuco ou Pará, sendo que Recife e Belém disputam para serem “a capital do brega”). Por fim, destaco os fantásticos feats com artistas femininas que incrementaram, complementaram e potencializaram o trabalho de Totô: a cantora carioca Malu (em “piseiro dos abandonados”), a compositora potiguar LEOA (em “me ama na crise”) que também compartilha do projeto estético de um bregapunk desde o seu trabalho anterior com a banda Luisa e os Alquimistas; e minha faixa favorita, com o duo pop brasiliense Margaridas (em “e aí me conta mais”): “Eu vou pedir pro mar azul / Com a meia-noite preu poder lhe namorar / Ou vir no reggae preu quiçá dançar com tu / Não ir saquear o meu tesouro em alto-mar / Tô indo ali no mar azul”. Um beat lendo que dá vontade de dançar coladinho: lindo! Melhor disco lançado em julho, escutem agora mesmo!

Outros lançamentos do mês de MÊS* de 2026

*todas as indicações abaixo são de MÊS, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[remix] Amanda Magalhães, “Coração Descalço” [RJ]

[single] Ananda Paixão, “QUITANDA” [PE]

[single] Conjunto Boi de Piranha e Lambada da Serpente, “Biquini Amarelo (Remix)” [PI e RN/DF]

[single] Fábio Brazza, “Árvore” [SP]

[álbum] Fatel, RASANTE [BA]

[single] Felipe Cordeiro, “A Festa” [PA]

[álbum] Jão, Memórias Póstumas [SP]

[álbum] Larissa Luz, DESMONTE [BA]

[single-remix] LEOA, Kaya Conky & Rudie (feat. Gil Bala), “Meu Reggae (Funkhall Remix)” [RN e CE]

[EP] Mari Merenda, Fervo Unboxing - Mari Merenda [SP]

[single-versão] Marina Sena, “Feira de Mangaio” [MG]

[single] Matu Miranda & Josyara, “Céu azulzin” [MS e BA]

[EP] Nina, rara e Brasileira [RJ]

[single] Os Amantes, “A Primeira Vez” [PA]

[álbum] Tangolo Mangos, PEDAGIOS Y CARONAS (mai. 2026) [BA]

[single] Thomé & Agnes Nunes, “Olhares” [SP e BA]

[álbum] Zeca Baleiro & Vicente Barreto, Sembal (mai. 2026) [MA e BA]

Shows* de Julho de 2026

*a numeração é anual, não mensal (por isto não começa no nº 1)

35 – [DF e SP] Veganaassoo apresenta: Paola Lappicy, Florextra e Infinito Latente | Espaço Cultural Veganaassoo, 04 jul.

Fiquei muito feliz e surpreso em descobrir este centro cultural vegano na Zona Leste de São Paulo (fica bem perto da Estação Comendador Ermelino da CPTM), em especial ao perceber que a sensível e inteligente curadoria do espaço decidiu aproximar artistas que estavam todos no meu radar, por motivos diferentes - eu não pensaria em reuni-los em uma mesma apresentação, mas depois fiquei absolutamente convencido de sua convergência estética: a pianista Paola Lapiccy, que lançou um dos melhores discos de 2026, e duas ótimas bandas paulistas de indie pop.

36 – [PE] Alessandra Leão: ACESA | Casa de Francisca (porão), 09 jul.

Terceira vez que assisti a este show, cada um com suas singularidades espaciais: mais bem-comportado no teatro do SESC Bom Retiro, mais intenso na Comedoria do SESC Belenzinho e mais íntimo no Porão da Casa de Francisca. Em comum, a entrega única de energia de uma das pioneiras do macumbeats.

37 – [PA] Saulo Duarte: Baile do Terceiro Mundo | Ocupação Fervo, 18 jul.

O cantor paraense apresentou repertório amplo, de transição entre seu último disco (Digital Belém) e seu próximo trabalho (possivelmente de mesmo nome do show). Uma inteligente e envolvente articulação entre o subnacional-popular paraense (brega, guitarrada, carimbó) e o transnacional-popular (com destaque para o reggae). Mais uma vez, privilégio em ver participação especial do mestre Manoel Cordeiro.

38 – [SE] Lixinho Tropical: Sul Tropical | Casa de Francisca (porão), 23 jul.

Na mesma pegada em avançar uma latinização do Norte-Nordeste (não à toa, a primeira vez que eu escutei a banda sergipense foi na Ocupação Fervo). Para quem saiu naquela noite fria de uma quinta-feira paulistana, muita energia e felicidade compartilhadas.

39 – [AP] Patrícia Bastos: Planeta Arrepiado | Centro da Terra, 27 jul.

Último show de uma trilogia planejada pela cantora amapaense, em parceria com o produtor e violonista Dante Ozetti. Vejam que minha escolha de shows tem sido coerente na busca por projetos estéticos que avançam na articulação simbólica e musical entre o subnacional-popular (os ritmos tradicionais amapaenses como batuque, marabaixo, marambiré e cacicó) e o transnacional-popular (as musicalidades afro-guianenses, mas também com a participação dos cantores congoleses Leo Matumona e Hidras Tuala).

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em jul. 2026?

NORDESTE

– BA (x2): ÀTTØØXXÁ, Totô de Babalong

– PE (x2): Alessandra Leão, LOUISE

– AL: Bruno Berle

– CE: Blaya (radicada em POR)

– SE: Lixinho Tropical

SUDESTE

– SP (x3): Florextra, Infinito Latente, Jota.pê

– MG (x2): Luiza Carmo, Nina Charnizon

– RJ: Anitta

NORTE

– AM: Cella

– AP: Patrícia Bastos

– PA: Saulo Duarte

CENTRO-OESTE

– DF: Paola Lappicy

– GO: Mari Froes

Aliás, fiquei extremamente feliz em me deparar com um mapa produzido pelo site de jornalismo independente De Olho Nos Ruralistas, em seu dossiê sobre o uso de dinheiro público em shows musicais. O foco central da reportagem é a conexão entre sistema político, agronegócio e artistas do sertanejo. Contudo, na página 14 do PDF (que pode ser baixado aqui), temos acesso ao mapa “Dois Brasis”, que revela como o sertanejo é onipresente no Mega-Centro-Oeste (que abarca não apenas a região Centro-Oeste propriamente dita, mas também as regiões Sudeste e parte do Sul, no que é, hoje, o centro do dinamismo econômico brasileiro, graças ao modelo neoextrativista, baseado na exportação de commodities e na nova dependência com a China), mas que nas regiões Norte e Nordeste, existe uma quebra deste monopólio e, portanto, o protagonismo de outros gêneros musicais (o que nos leva a pensar quais são as bases sociais e materiais para esta outra articulação cultural e simbólica): piseiro; brega/arrocha; forró romântico; e axé/pagodão (nas categorias da própria pesquisa jornalística). No meu entender, isto é, em grande parte, uma bem vinda confirmação empírica de caráter quantitativo e espacial da principal hipótese guia este Substack há um ano (sim, fizemos aniversário): a emergência de uma coalizão musical Norte-Nordeste, que existe de forma paralela à atual hegemonia do sertanejo através da grande indústria cultural.

Por falar em nação, criei desta vez uma subseção na seção de lançamentos, conforme fui colecionando nos últimos meses não figurinhas do álbum da Copa do Mundo de 2026, mas sim singles compostos em torno do futebol e da Copa. Vocês poderão acompanhar como cada uma das articulações singulares entre formas musicais sincréticas (passeando por samba, bossa, funk e rap, quase sempre com destaque para o cavaquinho como símbolo de brasilidade) e determinados conteúdos poéticos projeta quatro diferentes imagens políticas de nação: (i) uma bossa latinizada que insere o nacional em um arco transnacional; (ii) a periferia que apostava na ascensão individual na união de rap e samba; (iii) a favela que sintoniza unificada no YouTube sob um cavaquinho-funkeiro; e, por fim, (iv) um funk-samba que não esconde o Brasil como o país das contradições. E uma quinta faixa, de bônus; com direito a playlist reunindo todas elas, os links estão lá embaixo.

Últimos comentários desta introdução, que já se alonga. Reparem que aqui temos um elogio à imaginação musical não apenas na dimensão da produção, mas também na da distribuição (a banda Os Amantes se junta a artistas como Bruno Berle em tentativas de disponibilizar seus discos por fora dos streamings já tradicionais). Na dimensão da recepção, acabou rolando um declínio considerável na quantidade de shows (de 10 em maio para 3 em junho - o ritmo insano anterior era insustentável). E para finalizar confiram meu note no Substack ou meu post no Instagram sobre 70 discos nacionais relevantes do 1º semestre de 2026. Convido vocês a explorarem a lista e me contarem o que está fora do meu radar! Sempre bom expandir o mapeamento da imaginação musical brasileira.

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Dez lançamentos de Junho* de 2026 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de junho, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [álbum] BaianaSystem, O Mundo Dá Voltas Dando Voltas pelo Mundo [BA]

O BaianaSystem já tinha lançado um dos mais importantes discos do ano passado (O Mundo Dá Voltas - resenhado aqui). Agora a aclamada banda (ganharam o Grammy Latino de 2025) revisita suas composições, através de uma circulação global: a ordem das faixas é mantida, mas as versões refix implicam uma reimaginação musical de si mesmos, no sentido de que realmente parece um novo álbum. O de 2025 já tinha elementos de participação internacional, como nos casos do rapper português de ascendência caboverdiana Dino D’Santiago e do escritor angolano Kalaf Epalanga, ambos em “Porta-Retrato da Família Brasileira”, e da chilena Claudia Manzo em “Agulha”. Além disso, embora o alfa e o ômego da viagem musical fosse Salvador, também havia paradas no rap paulistano (Emicida), na Praia do Futuro em Fortaleza, a guitarrada paraense (Manoel Cordeiro) e a poesia potiguar (Alice Carvalho). Contudo, agora, em 2026, o subnacional-popular baiano é entrelaçado de modo muito mais radical com a dimensão transnacional-popular, o que se envidencia com a participações de artistas do Sul Global (como a nigeriana Elestee e a dupla colombiana Queens Tafari, que expandem a transnacionalidade diaspórica ao cantarem em inglês e espanhol) e produtores europeus (como o britânico Seiji, o português Branko, o espanhol Rico Rosa e o francês Philippe Cohen Solal). Mas não pára por aí: produtores brasileiros também expandem a sonoridade destes astros da constelação baiana, como nos casos do paulistano Dj Nyack, do carioca Ruxell e dos paraibanos Chico Correa e Furmiga Dub (aliás, a pessoa perfeita para reimaginar em chave eletrônico-experimental a pororoca entre as guitarras baiana de Roberto Barreto e paraense de Manoel Cordeiro, um epílogo ou apêndice do universo musical do fantástico disco Estado de Espírito, de 2024). Minha impressão é que a língua franca se tornou a música eletrônica de forma geral e, de modo mais específico, o afrobeat (gênero musical originado na Nigéria, com Fela Kuti; seu filho, Seun Kuti, inclusive canta, pelo que eu entendo, em iorubá e toca saxofone na última faixa) - embora haja espaço também para o reggaeton (como em “Magnata” que, na versão original, me soava a faixa mais desinteressante do disco anterior e agora se tornou algo radicalmente diferente). Destaque máximo é o refix de “Cobra Criada/Bicho Solto” (elaboração poética e musical da posição da banda baiana no campo musical brasileiro: no midstream - nem mainstream, nem underground), produção de Tropkillaz e que já havia sido lançado como single em fevereiro e aqui microrresenhado. Mas quase todas as faixas merecem sua atenção, viu? Auge da imaginação musical no mês de junho!

2 – [álbum] Clau Aniz, Mácula [CE]

Vejam como é importante a rede de apoio e solidariedade entre artistas: cheguei aleatoriamente neste disco através do Instagram de Negro Leo, que foi uma espécie de tutor da cantora e compositora cearense na Laboratório de Criação em Música da escola Porto Iracema das Artes entre 2023-24. Oscilando entre música experimental e canção popular (como, aliás, o show do casal Negro Leo e Ava Rocha, descrito na newsletter do mês passado), este é o segundo disco de Clau Aniz, uma mistura de “MPB experimental, krautrock, ambient e post rock” segundo a resenha do portal Pop Fantasma, além de “valsa”, “ambient”, “synth-não-pop” e “kraut blues”, tensionando as fronteiras entre gêneros musicais, como descreve o Substack Arrepiô (em “minha casa ardendo em mim”, a compositora canta “Atravessarei sozinha / O sertão que vivem em mim”, poetizando e musicalizando um certo Nordeste). Já os destaques para mim foram as composições “rubra pedra e cal” (com momentos de indie rock) e “e olhar de longe as brasas que dançam na superfície”: a mais linda faixa, que começa tocante e melancólica e conduzida pelos instrumentos de sopro – “Abismos escapulidos da boca / Tuas lonjuras me calam / Meu tempo é o das montanhas / Ligeirezas não me alcançam / Haviam palavras nas mãos / E nos olhos haviam palavras no chão e nos gestos / Haviam palavras no que não fizemos” –, mas da metade para frente o andamento se altera, com a guitarra e a bateria tomando a frente – “O mundo a encolher / O mar a se aproximar / Eu tenho os olhos em você / E você tanto de mim / O mundo a encolher / O meu peito a gritar / Há de sofrer / Medo até o fim”. Uma lindeza só.

3 – [álbum] Infinito Latente, Sem Início Nem Fim (jan. 2026) [SP]

Banda paulista que conecta interior (Taubaté, no Vale do Paraíba) e capital lança seu primeiro disco, um trabalho melancólico e tocante, transitando por MPB, indie pop e lo-fi. Destaques poéticos são “Fora do Ar” (“Ser e estar interior de mim / Anterior, posterior costuram-se no tempo / Me deixe observar debaixo desse céu / Desenrolar a linha viva desse carretel / De sentimentos”) e “De Canto” (“Tava me olhando de canto de olho, do canto da sala / Me enrolando no canto da boca, no canto da fala / Já é pra lá das dez e você não vem pra cá / Tô te esperando, só falta você chegar”). Mas destaque máximo para mim é a excelente “Nosso Quadro”, uma das minhas favoritas deste inverno, um pop swingado, quase sambístico, que deságua em um rock (no canto, na guitarra e na bateria), forma musical que expressa o conteúdo poético da crescente intensidade emocional de uma tomada de consciência: “Com você eu tive o mundo congelado no segundo que percebi / Que eu amo você / Que eu amo você”. Ao vivo é ainda mais impactante!

4 – [álbum] Mainha do Brega, Recordações (Ao Vivo) (mai. 2026) [PI-BA]

Inicialmente um fenômeno virtual de viralização nas redes sociais (com dezenas de milhares de seguidores e milhões de curtidas e visualizações), a costureira Fátima Mascarenhas assumiu aos 63 anos o fantástico nome artístico de Mainha do Brega, incentivada por seu filho. Destaques do álbum são as versões de “Porque Brigamos” (gravada pela cantora Diana, uma poetização da chama do amor que vai se apagando diante das repetidas brigas: “Ó meu amado, por que brigamos? / Não posso mais viver assim sempre chorando”) e “Naquela Mesa” (a mais triste música brasileira já composta, na minha humilde opinião - homenagem póstuma de Sergio Bittencourt ao seu pai, Jacob do Bandolim).

5 – [álbum] Os Amantes, Amar, AMOR! [PA]

Segundo volume d'Os Amantes, grupo composto pela cantora, compositora e produtora Jaloo e a dupla igualmente paraense Strobo. Do neida, o perfil da banda anunciou um show de lançamento deste disco no SESC Pompeia (infelizmente eu estava na gringa, não pude comparecer). A outra inovação em termos de divulgação, que poderíamos chamar de exercício crítico da imaginação musical na dimensão da distribuição, é que o álbum não está imediatamente disponível nas plataformas tradicionais de streaming (embora numa entrevista seja dito que será lá disponibilizado em breve). Para escutá-lo agora, você precisa acessar o Samply App, neste link. Se você, como eu, ignorava a existência deste site, trata-se de uma plataforma na qual músicos e produtores compartilham faixas e recebem feedback, em uma lógica diferente do Spotify e mais próxima de Bandcamp e SoundCloud (pelo que eu entendi, conforme é possível ouvir sem pagar, trata-se de uma disponibilização gratuita das músicas). Para ouvir diretamente do seu celular, é importante saber que se trata de um PWA (Progressive Web App), um site que se comporta como um aplicativo - ao entrar no link que eu disponibilizei aqui, se você clicar nos 3 pontinhos no seu navegador, clique em seguida em “Adicionar à Tela de Início” e aí vai ficar disponível como se fosse um app igual a outros em seu celular. Musicalmente, as faixas são elaborações contemporâneas do brega paraense (com toques de pop rock) e, poeticamente, as canções abordam a intensidade do amor, da paixão e do coração partido e sofrido. Alguns dos destaques são as duas primeiras e as duas últimas faixas: “Acho que enlouqueci”, “Obsessão”, “A primeira vez” e “Seja livre”. Esta última poderia se referir à liberdade sexual ou queer, mas pela letra entendo que se trata mais de uma autocrítica da sofrência que está na base do brega, ou seja, da possibilidade de se libertar da intensidade romântica entrelaçada com o sofrimento e com a dissolução das fronteiras entre o eu e o outro: “Dá pra se divertir sem mergulhar demais / Você / Merece sentir sem se doar demais / Livre, livre, livre / Seja livre” - um bom aprendizado para os românticos incuráveis deste mundão. Um dos melhores discos lançado em junho de 2026! Único defeito é ser curtinho, mas isto, por outro lado, facilita ouvir em looping: certamente foi o álbum que mais ouvi no mês passado…

6 – [single] Tom Ribeira & Agnes Nunes, “Vc Assim” [SP e BA]

O cantor paulista (nascido em Botucatu) e a cantora baiana (nascida em Feira de Santana e crescida no interior da Paraíba) formam um jovem casal e aqui se unem para compor e cantar de forma alternada ou sobreposta, oscilando lindamente no universo musical que Agnes tem explorado na transição entre seu disco de 2024, O Amor e Suas Variáveis (mais MPB) e seu EP de 2026, Novela (mais indie pop): “Eu vou querendo você / E vou perdendo as horas / Eu tô ligado em você / Do jeito que tu olha além / Do que eu queria dizer / Te quero mais que tudo / Que eu consiga dizer / As vezes fico mudo olhando você”. Também ouvi em looping durante o mês…

Seção lançamentos em torno da Copa do Mundo de 2026

7 – [single] Gorilla Concept Music, Don L & Nave, “Vai Me Ver Jogar” (mai. 2026) [ESP, CE e SC]

Nesta parceria com o selo Gorilla Concept Music, sediado em Barcelona, Don L começa flertando com o que parece ser uma brasilidade bem tradicional: um pouco de bossa, um pouco de samba, “pura malandragem” e o jogo bonito do saudoso futebol-arte: um “driblador dos trópicos”. Contudo, conforme a faixa avança, o favorito do seu favorito passa a acrescentar latinidade (tanto espanhola quanto propriamente latino-americana). Pela via musical, temos a entrada em cena de um violão hispânico. Já pela via conteúdo do poético, somos levados a viajar por vários países: partindo da Espanha, mas em seguida circulando pela República Dominicana, México (“Oaxaca”), Colômbia (“Cartagena”), Chile (“Neruda”), Peru (“Suzana Baca”) e especialmente Cuba (“Havana”, “rumba”, “Celia Cruz”), o que dá algum tom político à latinização da brasilidade. O resultado desta articulação de camadas é uma espécie de sincretismo hispano-brasileiro: tanto pelo protagonista (“me chama El Don”) quanto por este ápice aqui: “eu quero ver seu reggaeton no meu baile funk” (lembremos do lugar do feat da Shakira no último álbum da Anitta para entender que, por trás desta aproximação está um elemento afropercussivo). A conclusão se dá por uma coalizão espaço-temporal inusitada: “Maradona e Garrincha, imagina o rolê”. Ou seja, é verdade que existe a defesa de uma certa nostalgia da brasilidade (tanto na sonoridade que parte da bossa quanto na poesia: “Vai me ver jogar / Somos os melhores do mundo”), mas não dá para não considerar o deslizamento aos poucos da sua subversão: uma forma específica de transnacionalização da brasilidade, muito bem-vinda diante dos neonacionalismos à (extrema) direita e à esquerda.

8 – [single] Rincon Sapiência & Marissol Mwaba (feat. Péricles) “Homem Gol” [SP, DF e RJ]

Aqui temos um single que antecipou o novo disco do rapper paulistano Rincon Sapiência (acho inclusive que se tornou a melhor faixa de Um Corpo Preto). Em termos da forma musical, a sonoridade do samba reativa a brasilidade tradicional: nós somos (fomos?) o país do samba e do futebol. Já o ponto de partida do conteúdo narrativo é outro, menos conciliatório: a desigualdade social e escolar (“mal na escola, não sabe escrever nenhum texto”). É como se a composição se perguntasse como seria possível então tentar brilhar e poder “alcançar o clichê” do sonho de comprar uma casa para a sua própria mãe? O fio condutor narrativo é uma encruzilhada com duas saídas possíveis: o “homem bomba” que “sabe usar uma pistola” e aposta no mundo do crime; e a figura presente no título da música, o “homem gol”: “O sonho de mudar de rota mesmo na derrota ser um vencedor [...] Deixar de ser um homem bomba pra se tornar um homem gol”. Já na parte mais bela, cantada por Marissol Mwaba, escutamos: “Cada vida uma história, a gente desenrola, sei que o jogo vai virar / Bola no pé e coração com fé, que a estrela vai brilhar / Sangue, suor e raça, vai ter barreira, mas tudo passa / Sorrir é um gol de placa”. A oposição narrativa central é, portanto, o homem-bomba versus o homem-gol. De um lado a aposta na (auto)destrutividade, um beco sem saída. De outro, a aposta otimista e esperançosa em sua substituição e dissolução pelo que parece ser a antiga promessa de ascensão social via futebol (aparentemente um sonho de infância ou adolescência do próprio Rincon). Apesar da beleza sonora e poética, fica uma pergunta: poderia a virada de jogo ser algo puramente individual e monetário ou seria preciso mudar o próprio jogo, em uma dimensão mais social e estrutural?

9 – [single] Mc Kekel, Mc Phe Cachorrera, MC Kapela & DJ GH (feat. MC Mari & Mc J9) “Aqui É O Brasil” [vários estados]

Para vocês verem como a inteligência ou a imaginação musical podem surgir de lugares inesperados, como o encontro de dois gigantes da grande indústria cultural: a CazéTV, emissora oficial da Copa de Mundo de 2026, e a KondZilla, uma das maiores produtores de funk do país. Quero chamar inicialmente a atenção para a forma musical: a faixa abre e é toda estruturada com um sample de cavaquinho. O que poderia ser lido como uma mera peça publicitária parte do samba para em seguida desconstruí-lo em elementos que possam ser manipulados e, assim, reconstruídos, deslizando para a percussividade do funk. Qual é o significado histórico desta forma musical? Eu diria que ela explicita (e abraça) abalos sísmicos na nossa identidade nacional que dois dos maiores rappers brasileiros não quiseram reconhecer (me refiro a Rincon Sapiência e Don L; embora seja surpreendente que ambos estão atentos ao movimento de aproximação entre rap e funk através da música eletrônica; confiram “Ponta de Lança (Verso Livre)” e “melhor Vida”, respectivamente). A poderosa frase-síntese desta composição coletiva é “terra do futebol e do funk”: o Brasil do paradigma nacional-popular era o país do samba, mas agora somos forçados a nos re-conhecer como país do funk. Trata-se de um novo elemento cultural dominante: uma forma periférica urbana específica, paralela à expressão musical do neoextrativismo do Mega-Centro-Oeste, a música sertaneja, que certamente pode ser considerada a fração dominante da sonoridade dominante (com o funk talvez sendo reconhecido como a fração dominada da sonoridade dominante - para brincar com as categorias bourdieusianas em torno da estrutura de classes sociais). Agora, é surpreendente que, graças ao pano de fundo estrutural e estruturante do sample de cavaquinho que complementa percussivamente o beat eletrônico, o “país do samba” acaba entrando pela porta dos fundos, funcionando como o que Raymond Williams chamaria de elemento cultural residual. Não é fascinante como os significados de uma peça publicitária podem transbordar sociologicamente sua função inicial? E com relação ao conteúdo discursivo, poético ou narrativo, o que poderíamos dizer? “Cultura, favela, raça, força, aqui é Brasil / Todos unidos por uma só caminhada”. Não estamos no paradigma nacional-popular, mas há aqui uma proposta de união de um país dilacerado por desigualdades sociais e divisões políticas, mas com um protagonismo, ao menos retórico, das periferias urbanas e da origem social dos jogadores da seleção antes de se profissionalizarem: “No campinho de terra lembro como era antes / Aqui é Brasil, terra do fut e do funk / Só tem favelado, bandeira azul e amarela / Fica colorido em todos beco da favela”. O que poderia ser um horizonte coletivo, não apenas do futebol voltar a ser central na construção de uma identidade socialmente compartilhada (e não apenas a aposta da música anterior, na ascensão individual que o futebol poderia proporcionar para os moradores das favelas e das periferias), neste ponto não dá para apagar a gênese da faixa, enraizada na nova grande indústria cultural: a unidade nacional é muito mais uma massa de espectadores ligados digitalmente na “transmissão da alegria” da CazéTV do que qualquer outra coisa (sem contar a polêmica em torno das perversas bets). Conforme o hexa não veio desta vez, é provável que os outros singles aqui analisados tenham uma relevância mais perene do que “Aqui É O Brasil”; mas não deixa de ser curioso como algo que parece simples ou ordinário possa render análises complexificadoras por revelarem a ascensão de novas formas de simbolizar a nação.

10 – [single] Amanda Magalhães, “Vida de Rei, Vida de Cão” [RJ]

Assim como Don L e Rincon Sapiência (e, portanto em contraste com nossos funkeiros contratados pela CazéTV), a forma musical armada pela cantora, compositora e produtora Amanda Magalhães parte do samba, mas rapidamente desliza para um funk bem anos 1990. Ou seja, embora o single comece com cavaquinho, cuíca e tamborim, rapidamente os beats eletrônicos e a cantoria um pouco falada lembram a Música Popular Carioca bem no estilo de uma Fernanda Abreu. De todos os quatro singles aqui destacados lançados em torno da Copa, eu diria que o seu conteúdo poético é o mais abertamente político: ela busca pensar e problematizar o Brasil como um país de contradições: o choro e o riso, riqueza e miséria, um povo caloroso, mas polarizado - a gente se ama e se odeia. E ao surgir a temática da miscigenação, poderia haver algum incômodo por ela estar reativando o mito da democracia racial, mas na verdade ela está buscando tematizar a singularidade do racismo brasileiro: “é tudo junto e misturado, mas é cada um por si”. No final das contas, as cores da bandeira não simbolizam identidade ou unidade: “é verde e amarelo a cor desta contradição”. O refrão é precedido pelo que parece ser uma pergunta retórica: “eu vivo uma vida de rei ou uma vida de cão? / Não, ah / Ah, não”. Não nos iludamos, a resposta vem em forma de pergunta: “É de cão, né?”. A pequena constelação de aproximar e contrastar as significações destes quatro singles permite identificar a inteligência musical e política de Amanda Magalhães: tecer uma abordagem da brasilidade que pode ser identificada como mais sociológica (social e estrutural) do que individual (a reativação da aposta em mobilidade e ascensão através do futebol) ou mesmo publicitária (superar as divisões aparentemente de baixo para cima, a partir das favelas e periferias, mas na verdade com o objetivo implícito de concentrar a audiência de espectadores assistindo os jogos da Copa num canal de YouTube que deixou de ser marginal para confrontar as Organizações Globo e se tornar parte de um novo mainstream). O Brasil das contradições permite revisitar a criatividade cultural dos rappers e funkeiros anteriormente analisados: cada um destes sincretismos musicais projeta diferentes imagens de nação, disputando o seu sentido político. De que lado você joga?

* * *

Por último, recomendo fortemente vocês revisitarem uma quinta música: “A Cobrança”, single lançado por Fábio Brazza em 31 de março de 2026 (sim, data oficial do golpe militar de 1964). Na época fiz uma microrresenha (não tão micro) desta brilhante faixa, provavelmente a mensagem política mais radical dentre todos os singles em torno da Copa do Mundo que eu analisei por aqui. Sem spoilers: ouçam o rap-samba e leiam minha interpretação…

Playlist

Copa 2026: Brasil em Disputa = Spotify | YouTube

Escute aqui os 5 singles lançados em torno da Copa do Mundo de 2026: o que está em jogo com a circulação de imagens conflitantes de nação? Os sincretismos entre samba, bossa, funk e rap projetam diferentes Brasis.

Outros lançamentos do mês de Junho* de 2026

*todas as indicações abaixo são de junho, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[álbum] Amanda Sarmento, ECLIPSE [RJ]

[álbum] Bruna Lucchesi, Bandoleira (abr. 2026) [PR]

[álbum] Carlinhos Brown & Orquestra Ouro Preto, Afrossinfonicidade, Vol. 1 (Ao Vivo em Salvador) [BA e MG]

[álbum] Ellen Oléria, Canto de Casa Vol. 1 (mai. 2026) [DF]

[EP] João Merín, Melô do Pajé (jan. 2026) [BA]

[EP] Lagum, LAGUM - Ao Vivo no Bondinho (RJ) [MG]

[single] Leo da Bodega, “Vai Chover” [PE]

[single] Linn da Quebrada & Fernando Catatau, “NUVEM NEGRA” [SP e CE]

[álbum] Rachel Reis, Ao Vivo da Sereiona [BA]

[EP] YORI, BRASA [SP]

(Re)descobertas tardias altamente recomendadas

[álbum] Terno Rei, Violeta (2019) [SP]

[álbum] Valentim Frateschi, Estreito (2025) [SP]

[álbum] vários artistas, Atalfo 100 (2009) [vários estados]

Shows* de Junho de 2026

*a numeração é anual, não mensal (por isto não começa no nº 1)

32 – [SP] Valentim Frateschi no Bona | Bona Casa de Música, 04 jun.

Jovem cantor, compositor e guitarrista paulistano apresentou seu primeiro disco autoral em uma das casas de show mais intimistas da cidade. Momentos de aceleração rockeira convivendo com momentos de desaceleração, com direito à participação da violoncelista Francisca Barreto (em substituição a Nina Maia, que estava originalmente programada). Algumas músicas inéditas já prenunciaram a forma de seu próximo álbum!

33 – [SP e PA] Gafi do Amilcar convida Natália Matos: Almoço & Música | Casa de Francisca (salão), 06 jun.

Primeira vez que assisti um show neste esquema “Almoço & Música”. Tive a felicidade de presenciar o amadurecimento da parceria entre a banda de gafieira fundada por Amilcar Rodrigues e a sempre brilhante Natália Matos, cantora paraense radicada em São Paulo. Destaque para mim foi a incorporação de “Camisa Amarela”, clássico samba composto por Ary Barroso, em repertório que já havia sido testado no Tendal da Lapa e na Ocupação Fervo.

34 – [DF] Paola Lapiccy: Coisas que eu quis te dizer antes de tudo acabar | Casa de Francisca (Sala B), 18 jun.

Também foi a primeira vez que eu fui na Sala B, o espaço mais intimista da Casa de Francisca. A cantora, compositora e pianista Paola Lapiccy não apenas lançou um dos melhores discos nacionais de 2026 (um exercício de imaginação musical que articula seu piano com beats eletrônicos, com direito a pitadas de contracultura à la Itamar Assumpção) como também sustenta sozinha na apresentação o piano e a mesa de som. Impressionante!

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em jun. 2026?

SUDESTE

– SP (x6): Gafi do Amilcar, Infinito Latente, Rincon Sapiência, Terno Rei, Tom Ribeira, Valentim Frateschi

– RJ (x2): Amanda Magalhães, Péricles

NORDESTE

– BA (x2): Agnes Nunes, BaianaSystem

– CE (x2): Clau Aniz, Don L

– PI: Mainha do Brega

NORTE

– PA (x2): Natália Matos, Os Amantes

CENTRO-OESTE

– DF (x2): Marissol Mwaba, Paola Lapiccy

SUL

– SC: Nave

O que me leva à hipótese que eu tenho defendido em minhas aulas por aí: o paradigma nacional-popular foi sustentado basicamente por uma coalizão musical entre Rio de Janeiro e Bahia. Mas, como temos desenvolvido no Ciclo de Seminários “O que vem depois da nação? Arte e política no Brasil contemporâneo”, organizado coletivamente numa parceria entre FGV Arte e CCI/Cebrap, tal paradigma se esgotou. No caso da música, isto se evidencia em um descentramento com relação à categoria do “nacional”:

tanto “para baixo” - o que eu estou chamando de os subnacionais-populares, como os que aparecem nesta edição, as constelações baiana e maranhense, além do ecossistema musical amazônico;

quanto “para cima” - os transnacionais-populares que surgem neste mês variam entre a latinidade ou o latino-caribenho, de modo mais amplo e, mais especificamente, a língua franca do reggae.

E reparem como a MPB feita na Amazônia aqui destacada no último álbum do mestre Manoel Cordeiro, é mais um exemplo de que muitos dos elementos culturais emergentes na música brasileira dependem de uma espécie de coalizão musical Norte-Nordeste. Agora, a imaginação musical brasileira também é exercida, exercitada e experimentada pela cena paulistana em torno do Metá Metá: confiram Juçara Marçal e Kiko Dinucci em duplas com outras artistas parceiras (uma pianista e uma saxofonista, respectivamente) neste mês de maio.

Por algum motivo, o mês não foi marcado pela minha prática recorrente de percorrer discos lançados nos últimos anos, então a seção Re/descobertas foi, pela primeira vez, pulada; imagino que ela volte nas próximas edições! Por outro lado, a seção de shows está absolutamente “inchada”: talvez eu tenha exagerado, em ritmo nunca-antes-visto, e frequentei 10 eventos (incluindo dois festivais) em duas cidades diferentes (eixo Rio-São Paulo, sorry, me levem para o Norte-Nordeste e eu incluo shows por lá também). Dificilmente repetirei a dose rs. Mas aproveitem que as microdescrições densas dos shows também voltaram! E vambora para as recomendações.

Doze lançamentos de Maio* de 2026 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de maio, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [álbum] Eva, Ritual (abr. 2026) [SP]

Compositora e cantora nascida em Jundiaí passeia por diferentes estilos musicais: samba, reggae, reggaeton, bossa, MPB, funk, jazz, neo soul, ijexá e “pop afro-latino”. O gatilho para a criação do álbum (produzido por Amanda Magalhães, Dudu Rezende e Marcos Maurício) foi um diagnóstico de fibromialgia que a então dançarina recebeu durante a pandemia e seu próprio processo de reconstrução de si depois de um momento muito difícil na vida. Destaque para mim foi a faixa “Amor Selvagem” (um carimbó que às vezes parece se misturar com samba), com Samuel Samuca (da banda paulistana Samuca e a Selva), que fiquei ouvindo no repeat: “Desculpa minha abordagem / Mas meu amor é selvagem / Selvagem até demais / Selvagem, eu quero mais”.

2 – [álbum] Gugs, Fruto da Terra [MA]

Diretamente da Jamaica Brasileira, vulgo São Luís do Maranhão, Gugs entrega ótimo disco de reggae (para ser mais preciso, segundo a Billboard Brasil, o álbum “aproxima reggae roots, rub-a-dub, dancehall, dub, afrobeat e hip hop”). Eu conheci o seu trabalho no ano passado, quando mergulhei na cena musical independente maranhense, cujo centro de gravidade é o coletivo Criola Beat - tratava-se de Mudando o Final da História (2024), um álbum de rap. O que demonstra, no meu entender, sua versatilidade, de forma muito consistente, passando longe de modismo ou coisa de aventureiro que circula ou salta de um estilo musical a outro, mas sim puro talento! Difícil destacar uma única faixa; gostei muito de “Deus Dará”, fiquei viciado em “Novo Dia” desde que foi lançado como single, algumas semanas antes, com participação da “dama do reggae”, Célia Sampaio, com o impactante verso: “Ilumine, dê direção / Me desprenda da vaidade / Que nada vem fácil / Vai à luta / Não há céu sem tempestade”. E como se não fosse pouco, a faixa “Não Pega” encerra brilhantemente o disco, com participações transnacionais de Mad Professor (Georgetown, Guiana) e Joe Ariwa (Londres, Inglaterra), um dub acelerado alucinante. Conclusão: um exemplo paradigmático de entrelaçamento entre uma das principais línguas francas do transnacional-popular - o reggae - e o subnacional-popular maranhense. Escutem!

3 – [single] Joyce Alane & Agnes Nunes, “Alguém Melhor” [PE e BA]

A colaboração que estávamos precisando e nem sabíamos: o encontro da pernambucana Joyce Alane (do disco Tudo é minha culpa, 2024; e do EP Casa Coração, 2025) e a baiana que cresceu na Paraíba, Agnes Nunes (do disco O Amor e Suas Variáveis, 2024; e do EP Novela, 2026) - todos trabalhos microrresenhados ou mencionados nesta newsletter. Um forrozinho delícia com letra que aborda um clássico caso de livramento: “Te fiz se achar demais, meu Deus / Quem é você pra me dizer / Que se for embora eu não vou mais viver? / Um beijo além do seu (posso ter por aí) / O cheiro que me deu (outros podem me dar) / Quando você piscar / Eu não vou tá mais só / O mundo gira e eu hei de achar alguém melhor”.

4 – [álbum] Juçara Marçal e Thais Nicodemo, Dessemelhantes [SP]

Estou com a impressão de que o piano está crescentemente ocupando um papel de relevo na expansão das fronteiras imaginativas da Música Brasileira Contemporânea, ainda mais no ano de 2026: Amaro Freitas (veja microrresenha de CRIOLO, AMARO E DINO na newsletter de janeiro), Paola Lapiccy (veja mirorresenha de Coisas Que Eu Quis Te Dizer Antes de Tudo Acabar na última edição, de abril - e aproveitem para vê-la em show na Sala B da Casa de Francisca) e, agora, Thais Nicodemo, em parceria com a grande cantora Juçara Marçal, um verdadeiro hub na cena contracultural paulistana. Composições da própria Juçara e também de outros artistas em torno da cena Metá Metá (Thiago França, Rodrigo Campos, Maria Beraldo, Romulo Fróes, Kiko Dinucci) e sua contraparte carioca (Negro Leo, maranhense radicado no Rio e casado com Ava Rocha - veja descrição de show do casal, abaixo). Pessoalmente, consegui transitar melhor entre as faixas “mais fáceis”, como “Cavaquinho” (por que será? rs) e “A gente se fode bem pra caramba”. Mas provavelmente o mais interessante do trabalho é a experimentação no instrumento: “Para a realização do trabalho, a pianista utilizou de vários objetos colocados nas cordas do instrumento, como pedaços de papéis, latinhas, pregadores e placas de metal”. Um trabalho vanguardista que merece sua audição.

5 – [álbum] Juliana Linhares, Até cansar o cansaço [RN]

Este disco está causando um alvoroço! Todo mundo com quem eu conversei sobre gostou demais; e Felipe Cordeiro chegou a escrever “E nasce um clássico da nossa época” - uma afirmação audaciosa! Do meu lado, senti que seu trabalho anterior, Nordeste Ficção (2021), foi mais impactante: um disco-manifesto que buscou musicalizar a tese historiográfica de Durval Muniz de Albuquerque Júnior de que o Nordeste é uma invenção. Já em Até cansar o cansaço existe, desde a primeira faixa, um horizonte de denunciar e dissolver o cansaço próprio da sociedade capitalista contemporânea que nos esmaga: “Vamos dançar / Até cansar o cansaço / Até que vire do avesso / Até um novo começo”. E, ao final, na última faixa, vislumbramos a saída do cansaço, primeiro dormindo, depois sonhando e, enfim, acordando: “Pra tornar o impossível real / Primeiro é preciso sonhar / Primeiro é preciso sonhar coletivamente [...] Que Nossa Senhora do Sonho nos dê uma boa noite de sono / Nos dê calor no meio do peito pra gente adormecer em paz / Sonhar com os ancestrais / E enfim acordar / Acorda / Acorda”. Musicalmente falando, a minha favorita foi “Depois do Breu”, que já havia sido lançada antes, como single. Mas destaque também para as participações especiais de Agnes Nunes, Anastácia e Ney Matagrosso. Me contem o que acharam!

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6 – [álbum] Lu Faccini, Voa Noite [RS-PR]

Artista portoalegrense radicado em Curitiba lança seu primeiro álbum solo. Passeia por ritmos como samba, ijexá, maracatu, milonga e math rock. Destaque para os feats de Juliana Linhares (em “Cidade Mata”) e Ava Rocha (em “Cine Invisível”).

7 – [single] Luise Volkmann & Kiko Dinucci, “Antonico” [ALE e SP]

Como pode uma forma estética radicalizar o conteúdo melancólico do clássico samba “Antonico”, composição de Ismael Silva? Com um saxofone, uma percussão minimalista e, por fim, o canto arrastado de Kiko Dinucci, que, de repente, passa a separar as sílabas: ao fragmentar e dissolver as palavras em prol de um canto-batuque e, gradualmente, sumindo com as consoantes, até só sobrarem vogais percussivas, em um processo de desvanecimento da narrativa e do personagem, que, como sabemos “está passando por grande dificuldade”. Parece que o favor pedido de arranjar um trabalho (“uma viração”) para Nestor não foi suficiente para salvá-lo: será que ele caiu da “corda bamba”?

8 – [álbum] Manoel Cordeiro, Te Dou um Norte [PA]

Liderança intelectual da “MPB feita na Amazônia”, o mestre guitarrista Manoel Cordeiro lança um festivo disco que transita por inúmeros gêneros que compõem a articulação entre o subnacional-popular amazônico (pois não são apenas artistas paraenses que marcam presença no álbum, mas também cantoras amapaenses) e o transnacional-popular latino-caribenho: carimbó, lambada, guitarrada, cúmbia, zouk, brega, rock, cacicó, boi bragantino e marabaixo (interessante como algumas das faixas são canções e outras são instrumentais). O álbum conta com múltiplas participações especiais: Lia Sophia, Patrícia Bastos, Felipe Cordeiro (seu filho), Emília Monteiro e Lambada de Serpente - ah e o co-produtor junto com Manoel foi Gustavo Ruiz (irmão de Tulipa Ruiz). Destaque para a faixa de encerramento, uma nova versão de “Fim de Festa”, no qual Manoel aprofunda seu projeto estético de explorar pororocas sonoras: o encontro de sua guitarra paraense com a guitarra cearense de Fernando Catatau (da banda Cidadão Instigado - veja descrição de seu show, abaixo), uma trilha já percorrida em trabalho anterior, Estado de Espírito (2024), com Roberto Barreto (guitarrista do BaianaSystem) e também produzido pelo percussionista pernambucano Pupillo (ex-Nação Zumbi e marido da Céu). Uma demonstração de que o ecossistema musical amazônico, do qual Manoel é um hub, está inserido ativamente na coalizão musical Norte-Nordeste.

9 – [álbum] Melly, MAIS FORTE QUE A DÚVIDA [BA]

Minha sensação é que com o andamento da carreira, eu passei a gostar cada vez mais de Melly: seu primeiro disco, Amaríssima (2024) foi muito elogiado por público e crítica, mas não chegou exatamente a fazer a minha cabeça; depois veio Amaríssima V2 (Remix) (2025), com versões aceleradas, eletrônicas e dançantes das faixas anteriores, já tinha gostado bastante (com destaque para as versões remix de “Paraíso”, produzida por Carlos do Complexo, e “Rio Vermelho”, produzida por Manigga e Pix, com participação de Russo Passapusso). Agora, com MAIS FORTE QUE A DÚVIDA, senti que as faixas estão com um padrão de qualidade alto e consistente; entendo que foi fundamental para isto a produção concentrada por Iuri Rio Branco (envolvido em tantos e tantos discos resenhados e elogiados nesta newsletter, não dá nem para listar todos). Participações especiais de Luedji Luna e Leo Santana - o que potencializa Melly transitar com frescor e originalidade no subnacional-popular baiano, tanto pela via de um pop elegante quanto do pagodão baiano. E também de Anitta, em uma interessante troca de feats: a participação de Anitta no disco de Melly (“ELA GOSTA DE MENINA”) é muito superior à participação de Melly no álbum de Anitta (“Ternura”, em EQUILIBRIVM). Aliás, “ELA GOSTA DE MENINA” é a melhor faixa do disco: “Aquela noite foi fatal / Você acabou comigo / Falando coisas no ouvido / Aguçando meus sentidos / Sobrenatural / Me entreguei total / Nossos corpos se unindo [...] Predadora / Caiu na armadilha da caçadora / Num quarto contigo é questão de honra / Segura a onda e não se emociona”. Mas destaco também: a sambística “BEM TE VI”, a latinidade de “GOSTO MUCHO” e o sincretismo entre pagodão e música eletrônica de “DEVAGAR SEM AGONIA” (uma versão mais pop do projeto estético da banda Àttooxxá). Puxa, um dos melhores discos de maio!

10 – [álbum] Pedro Emílio, Vende-se Lembrança [BA]

Pedro Emílio entrou no meu radar com a fantástica faixa “corta pra vc” (do álbum Enquanto os Distraídos Amam, de 2025, e com participação da sempre impressionante sanfona de Mestrinho). Entre o disco com reconhecimento na seara dos prêmios e este novo álbum, talvez ele tenha deslizado de tons mais melancólicos para um clima mais solar. Em vários momentos senti um diálogo ou uma inspiração na sonoridade de Djavan (fãs nostálgicos, dêem uma chance para este artista contemporâneo!). Destaques para mim foram as faixas “Dendê” (um swing delicioso na dança entre a guitarra e a bateria) e “Coisa Gostosa”: “Pelo que eu tô vendo a vida anda / Eu tô sofrendo melhor / Tô considerando até vender lembrança / Pra não esquecer a dúvida / E me livrar da culpa / Eu te vi na rua molhada de samba / O perfeito começo / O caminho canta e a gente dança / Tô querendo besteira / Aquela brincadeira / Quero dizer coisa gostosa no ouvido / Quero fazer o nosso almoço de domingo / Eu e você já tenho tudo que eu preciso / Como esquecer o que tua boca faz comigo”.

11 – [álbum] Tícia, Vai Bater Mais (jan. 2026) [BA]

Disco que mais me impactou no mês todo! Musicalmente, minha faixa favorita foi a com o mesmo nome do álbum - ficou em looping no fone de ouvido. Cheguei graças à resenha da jornalista cultural e cientista social Pérola Mathias, em seu Instagram: Poro Aberto. Para mim, foi uma descoberta tardia de um disco lançado no primeiro mês do ano - a circulação de sujeitos e artefatos no mundo cultural tem temporalidade própria. Como diz a própria Pérola Mathias, as faixas passeiam por “batidão, ragga, dancehall” e “samba-reggae”. Eu localizo este álbum de Tícia como se inserindo, continuando e aprofundando aquele projeto estético já compartilhado por Rachel Reis; mas, em vez de tomar o pagodão baiano como eixo estruturador (considerando priotariamente os elementos emergentes presentes no disco Meu Esquema, de 2022, e no EP No Seu Radinho, de 2025, mas não no álbum Divina Casca, um retorno desviante ao nacional-popular residual), Tícia parte do samba-reggae e transita por afrobeats e afro-reggae. Deste modo, não é apenas uma questão de expressar a brasilidade através da baianidade, mas até um passo além, articulando simbolicamente o subnacional-popular baiano com o transnacional-popular da latinidade. Como a própria cantora diz num áudio que parece ter sido enviado ao seu produtor (Cuper, que trabalhou com Rachel Reis em vários singles e faixas, como o clássico contemporâneo “Maresia”): “Boa, pivete, gostei, gostei, véio, ficou massa. Nem achei que ía ficar tão bom assim, tá ligado? Mas ficou uma parada da baianidade, assim, latinidade, que o de axé também tem que ter, né? Aquelas coisas. Ficou massa, tá batendo” (faixa “Babylon By Ticia”). Discaço: dançante, envolvente e com letras carregadas de crítica social; ouçam!

12 – [single] YORI, “Realidade” [SP]

Dupla queer paulistana que ganhou o reality show TOCA Uol (já mencionado aqui em microrresenha do disco recém-lançado pela 2ª colocada, Sofia Malta) articula transversalmente a periferia da Zona Leste (Itaim Paulista) e Zona Sul (Capão Redondo). Este single, além de sincretizar belamente indie pop e afrobeat, consegue encapsular questões filosóficas, políticas e autobiográficas sem ser chato ou incompreensível: “Eu vejo uma realidade diferente que o mundo não consegue entender / O limite entre o ser e o que eu não deveria ser / O nada / Já faz parte de mim, tão forte que eu sou nada / Quase nada / O tudo / Tão distante de mim, tão longe que eu sou tudo / O que eu não deveria ser / Me cansar / O marasmo de nunca pertencer / Me enganar, esperando a mudança acontecer / Me enxergar, a distância entre olhar e compreender”. Denso, tocante… e dançante!

Outros lançamentos do mês de Maio* de 2026

*todas as indicações abaixo são de maio, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[álbum] Ana Cacimba, Luminosa, ato 2 [SP]

[álbum] Bebé, Dissolução [SP]

[álbum] Biodz, Dr. Dun At Casaloca Deluxe [MA]

[álbum] Cami Santiz, SALINA [AM-RN]

[álbum] Dora Sanches, Seda de Casulo [MS]

[álbum] Enme, CONEXÃO JAMAICA [MA]

[single] Fabio Brazza e Noshugah, “Rosa Mais Linda” [SP e ?]

[álbum] FBC, TAMBORES, CAFEZAIS, FUZIS, GUARANAS E OUTRAS BRASILIDADES [MG]

[EP] Froid, Ao Vivo Na Sala [MG]

[single] Gaby Amarantos, “Clima de Rodeio” [PA]

[EP] Jambu, Cartas que escrevi enquanto sonhava [AM]

[álbum] João Gomes, Dominguinho 2 [PE, SE e SP]

[álbum] Lamparina, Delírio Coletivo, Vol. 1 [MG]

[álbum] Kia Sajo, Cabeça Feita [SC]

[álbum] Mombojó, SOLAR (abr. 2026) [PE]

[álbum] Os Garotin, Força da Juventude [RJ]

[álbum] Os Tropix, EMBALA PRA VIAGEM, o disco [MA]

[álbum] Tiê, Esgotada [SP]

[EP] Zaynara, Delirar [PA]

Shows* de Maio de 2026

*a numeração é anual, não mensal (por isto não começa no nº 1) - todos em São Paulo, exceto quando explicitada outra cidade

22 – [RJ] Teresa Cristina: Teresa Cristina canta Cartola | SESC Vila Mariana (teatro), 01 mai.

Fiquei surpreso ao ver que o formato era voz e violão, estava esperando uma banda completa. Acompanhamento primoroso do violonista Carlinhos Sete Cordas. E Teresa Cristina muito carismática e piadista.

23 – [PA e RJ] Gaby Amarantos; Marcelo D2: Festival Nômade | Parque Villa Lobos, 02-03 mai.

Aceitei que o corpo não aguenta dois dias integrais e seguidos de festival, então priorizei em cada dia apenas dois shows que eu já tinha visto, mas que foram muito superiores às versões anteriores. O Rock Doido funcionou mais em um ambiente aberto do que na Áudio. E o “novo samba tradicional” de D2 funcionou muito melhor do que no burguês Clube Esperia; por que será?

24 – [CE] Cidadão Instigado: Lançamento do álbum “Cidadão Instigado” | SESC Pompeia (comedoria), 08 mai.

O show foi musicalmente muito bom, gostaria de ter “estudado” a discografia anterior, que os fãs conheciam de cor. Mas destaque foram as luzes! Uma inteligente interação com o protagonismo de Fernando Catatau e sua guitarra.

25 – [RJ] Odette apresenta Ava Rocha e Negro Leo | Casa Odette, 09 mai.

Celebração musical e afetiva do casamento e parceria criativa de dois expoentes da contracultura carioca. Foi interessante o modo como o casal convidou a pequena plateia (a Casa Odette é um casarão no Bixiga, o ambiente mais intimista em termos de shows musicais que eu já conheci) a compartilhar de sua própria intimidade, o que revelou pequena divergência entre eles sobre a concepção do show: ela, mais enraizada na canção (mesmo que subversiva, ao seu modo, em especial na capacidade cênica e de improvisação com objetos e o próprio corpo), e ele, mais radicalizando na experimentação. Tudo muito bonito: a discordância não foi motivo de desencontro, mas de fricção imaginativa.

26 – [SP] Ana Cacimba: Luminosa | SESC Pinheiros (auditório), 13 mai.

Lançamento do segundo volume de Luminosa. Destaques foram mais as suas músicas já conhecidas, do volume 1 ou singles anteriores. E o ápice foi a criação de uma grande roda, envolvendo toda a plateia em uma ciranda coletiva e a performática distribuição de flores.

27 – [MA] Núbia: Sabores | SESC 24 de Maio (teatro), 15 mai.

Graças à sua escolha pelo edital da Natura Musical, a cantora e compositora de reggae tem podido circular pelo país apresentando seu maravilhoso disco Sabores (2024). Uma 6a feira chuvosa que foi compensada com a animação da performer, da banda e da audiência, dançando pelos corredores.

28 – [PE] Alessandra Leão: Acesa | SESC Belenzinho (comedoria), 16 mai.

Excelente show de um discaço de uma baita artista. Entrelaçando percussão orgânica e instrumentos eletrônicos, Alessandra Leão faz “macumbeats” muito antes da Anitta bombar nesta seara. Dancei como poucas vezes e recomendo fortemente que o público sesqueiro se aproprie mais da unidade Belenzinho, sempre com uma ótima programação e, em vários momentos, sub-utilizado pelos usuários.

29 – [RJ] Henrique Cazes e filhos: 50 Anos de Cavaquinho: o som e as histórias | Acaso Cultural (Rio de Janeiro), 22 mai.

Uma viagem no tempo! Objetivamente, pois o grande cavaquinista e exímio contador de causos [storyteller] passeou por toda sua carreira, como músico, compositor, professor e pesquisador - com a cereja do bolo ser acompanhado no violão e no pandeiro por seus filhos gêmeos. Subjetivamente, revisitei o meu passado no cavaquinho (meu professor usava por vezes o livro-método de Cazes, mas até então eu era ignorante da sua relevância histórica como um todo).

30 – [RJ] Alice Caymmi: festival Remexe Rio | Praça XV (Rio de Janeiro), 24 mai.

Passei abril e maio viciado nas versões latino-caribenhas e atualizadas via bateria eletrônica das músicas de Dorival, um projeto estupendo de sua neta, Alice. Por uma coincidência do destino, eu estava na Cidade Maravilhosa e pude usufruir de um show gratuito que bizarramente não estava lotado. Pontos para o caráter subversivo desta Caymmi que, para choque dos espectadores mais tradicionalistas, inseriu uns rocks pesados no meio do repertório. Ápice foi poder ouvir ela acompanhada de percussão e bateria orgânicas, deu um tchan nas músicas, encarnando toda a potência do disco. Não percam este show quando ela voltar a São Paulo!

31 – [CE] Don L: Caro Vapor II | Cine Joia, 29 mai.

Terceira vez que eu fui conferir “o favorito do seu favorito” apresentando seu último álbum, um libelo anticapitalista e anti-imperialista. Até agora o espaço mais propício para o show foi o primeiro, na Áudio (com estrutura para as projeções audiovisuais adequadas ao capitalismo tardio). E achei interessante como os cantores que o acompanham (Alt Niss e Terra Preta) foram ganhando protagonismo. Vai rolar novo show, na Casa Natura, viu?

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em mai. 2026?

NORDESTE

– BA (x4): Agnes Nunes, Melly, Pedro Emílio, Tícia

– CE (x2): Cidadão Instigado, Don L

– MA (x2): Gugs, Núbia

– PE (x2): Alessandra Leão, Joyce Alane

– RN: Juliana Linhares

SUDESTE

– RJ (x6): Alice Caymmi, Ava Rocha, Henrique Cazes, Marcelo D2, Negro Leo, Teresa Cristina

– SP (x6): Ana Cacimba, Eva, Juçara Marçal, Kiko Dinucci, Thais Nicodemo, YORI

NORTE

– PA (x2): Gaby Amarantos, Manoel Cordeiro

SUL

– RS: Lu Faccini

Joey Seiler, Sem título 16, 2024 (foto acervo pessoal)

Nesta quinta-feira, dia 28 de maio, começa o Ciclo de Seminários “O que vem depois da nação? Arte e política no Brasil contemporâneo”. Sou um dos organizadores e é uma realização conjunta da FGV Arte e do CCI/Cebrap, com apoio da Pinacoteca de São Paulo. O Seminário de Abertura será com Moacir dos Anjos (curador, escritor e pesquisador na Fundação Joaquim Nabuco), no Auditório da Pinacoteca Luz, das 18h às 21h, uma aula provocadoramente intitulada “Sob os escombros do nacional-popular”. Você pode se inscrever gratuitamente aqui.

O Ciclo é a primeira iniciativa da linha de pesquisa Arte e Política: o Brasil em disputa, organizada pela FGV Arte de São Paulo. Nosso objetivo inicial é estimular o debate acerca do papel da arte na crise da síntese nacional-popular, paradigma que organizou, ao longo do século XX brasileiro, a relação entre arte, representação do povo e projeto de nação, atravessando o modernismo, as disputas do período desenvolvimentista e as tensões do campo cultural sob a ditadura militar.

Partimos do diagnóstico de que esse paradigma vem, desde o final do século passado, enfrentando uma crise decorrente de suas contradições e limites diante de transformações nos âmbitos nacional e internacional. Os seminários buscarão discutir como diferentes linguagens artísticas vêm explorando novas fronteiras da relação entre arte e política, apontando novos paradigmas, em vista da emergência, consolidação e atual declínio da globalização neoliberal.

Entre maio e novembro, ocorrerão seminários mensais para tentar compreender como esses problemas se apresentam nas linguagens das artes visuais, do cinema e da música, em dois momentos que identificamos como sucedendo o paradigma do nacional-popular:

1) o da globalização neoliberal na virada do século XX para o XXI, quando a reorganização dos circuitos internacionais de legitimação artística desloca o nacional-popular a partir de novas formas de inserção e modelos institucionais. Nesse momento, o multiculturalismo forneceu a gramática ideológica capaz de traduzir diferença cultural em valor circulável nos mercados simbólicos globais, muitas vezes celebrando a diversidade sem questionar as assimetrias que a produzem. A internacionalização como critério de valor, a expansão do modelo bienal, a emergência da arte relacional e sua ênfase na participação, o impulso de renovação do cinema brasileiro a partir dos anos 1990, o descentramento da identidade nacional diante da emergência do internacional-popular e do popular-restrito na música brasileira, entre outros, são alguns dos fenômenos que caracterizaram esse momento, em que novas possibilidades estéticas convivem com cumplicidades nem sempre declaradas com a ordem que pretendiam interrogar; e

2) as formas contemporâneas de contestação artística e de imaginação estética nos anos 2010 e 2020, quando novos sujeitos, cuja experiência havia sido invisibilizada, subalternizada, regionalizada ou folclorizada nas gramáticas anteriores, passam a interrogar os próprios fundamentos dos sistemas de representação, visibilidade e consagração, disputando os termos segundo os quais essas instituições organizam suas narrativas, critérios de participação e de avaliação crítica.

Os Seminários não serão gravados, mas a inscrição/participação é gratuita! Venham acompanhar os debates e, se puderem, peço que divulguem também para quem mais possa interessar.

PROGRAMAÇÃO COMPLETA

Ciclo de Seminários

O que vem depois da nação? Arte e política no Brasil contemporâneo*

*o horário será sempre das 18h às 21h, mas confira nas redes sociais da FGV Arte ou do CCI/Cebrap o local de cada seminário, que vai variar entre Pinacoteca (na abertura), FGV-SP (na maior parte dos casos) e Cebrap (em ao menos um caso)

28 de maio

Sob os escombros do nacional-popular

Moacir dos Anjos (Fundação Joaquim Nabuco)

Mediação: Coordenadores da linha de pesquisa Arte e Política da FGV Arte (Pollyana Quintella, Jonas Medeiros, Leonardo Barbosa e Blanche Marie Evin)

25 de junho

“Como Viver Junto”: da crise das representações à politização da arte na 27ª Bienal de São Paulo

Lisette Lagnado

Mediação: Charlotte Riom (FGV CPDOC)

06 de agosto

Do Cinema Novo ao Dogma Feijoada: qual o negro do cinema negro?

Noel dos Santos Carvalho (IA/Unicamp)

Mediação: Leonardo Barbosa (FGV Arte / NDD-Cebrap)

27 de agosto

Da crise do nacional-popular na MPB à nova condição do rap

Daniela Vieira (IFCH/Unicamp)

Mediação: Jonas Medeiros (FGV Arte / CCI-Cebrap)

24 de setembro

“Uma mão no teclado e a outra no pincel”: sistemas de visibilidade em disputa na arte contemporânea (2010-2020)

Pollyana Quintella (Pinacoteca de São Paulo / FGV Arte)

Mediação: Reinan Ramos (FGV Arte)

29 de outubro

Cinema Negro é Cinema Brasileiro (2010-2020): opacidade e fabulação na criação fílmica

Kênia Freitas (UFS)

Mediação: Isabella Dias (FGV Arte)

26 de novembro

Brasilidades em disputa na música contemporânea (anos 2020): pluralidade, colonialidade, diáspora

Jonas Medeiros (FGV Arte / CCI-Cebrap)

Mediação: Laura Belik (FGV Arte)

Realização: FGV Arte e CCI/Cebrap; apoio: Pinacoteca de São Paulo

Como eu, vocês devem ter percebido como nos últimos anos diversos projetos estéticos (como alguns discos) e políticos (como livros, manifestos ou palavras de ordem) falam sobre “o fim do mundo”. Dependendo de como encaramos a expressão, a imagem de futuro implica pessimismo e ceticismo, o que pode inclusive desmobilizar e imobilizar politicamente, mesmo que se diga que se quer adiar tal fim do mundo. Nos projetos musicais que aqui se referem a esta imagem (como nos casos de Jader e Paola Lappicy), sinto que se trata menos do fim d’O Mundo e mais do fim de um mundo, muitas vezes pessoal ou interpessoal, como metáfora para fins de relacionamentos e reconstrução de si mesmo em novas condições: criação de mundos! Na música e na vida; me identifico.

Este mês temos: um abalo sísmico no pop global, momentaneamente trazendo para o centro da conversa a macumba e o candomblé; mas, sinto dizer que, ao decidir falar e dialogar com a linguagem (musical e religiosa) da diáspora negra, internaliza-se um parâmetro de crítica bastante exigente (e radical), o que me leva a chamar a atenção ao final da seção de destaques, para o disco que eu tenho nomeado de anti-Equilibrivm; além disso, uma neta homeageando e recriando eletrônica e lindamente as composições do avô; e um baita trabalho contracultural que aproxima musicalmente o piano e os beats eletrônicos e que poeticamente foi arrebatador, ao menos pelo viés da minha trajetória de vida.

Curiosos? Apreciem sem moderação - nada de apelo ao equilíbrio por aqui.

Quatorze lançamentos de Abril* de 2026 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de abril, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [álbum] Alice Caymmi, Caymmi [RJ]

Um álbum delicioso, que encarna e exemplifica o fio condutor deste Substack: imaginação musical! A neta Alice homenageia o avô Dorival criando junto com o seu produtor, Iuri Rio Branco, versões altamente imaginativas (neste sentido específico, Caymmi é a antítese completa de Bossa Sempre Nova). Busque ouvir o disco sem ter as versões originais demasiadamente na memória, isto pode funcionar como bloqueio estético para apreciar as recriações de peito aberto. O disco consegue alcançar algo difícil: uma dialética sutil entre sacralização e profanação. De modo geral, com a voz grave de Alice, tão própria da família Caymmi, operando como fio condutor da reverência; e, de outro lado, a bateria e os beats eletrônicos de Iuri, bem como os deslizamentos inusitados de gênero musical. A língua franca aqui é o reggae, mas o que torna o disco interessante é justamente que não se trata de aplicação mecânica de fórmulas pré-estabelecidas e sim de explorar em cada caso como é possível reinventar as originais (não consegui nem sequer escolher um destaque, quase todas as faixas são ótimas ou excelentes). Uma carioca (re)visita a Bahia através de ritmos latinos e caribenhos, atualizando Dorival Caymmi - minha impressão é que as faixas funcionam tão bem pois compartilham o clima praieiro com sua intenção original, mas como novos e inusitados tons. Discaço; se não ouviram ainda, confiem em mim e corram lá!

2 – [EP] Agnes Nunes, Novela [BA]

Desde as primeiras postagens deste Substack, com os álbuns imperdíveis de 2024, tenho chamado a atenção para o trabalho de Agnes Nunes. Em microrresenha de seu show no Sesc em janeiro deste ano, previ que ela ainda seria gigante - em questão de semanas ela estava no Lollapalooza e viralizando nas redes sociais. Recentemente muitas cantoras têm lançado EPs como interlúdio entre diferentes trabalhos, geralmente acenando um relativo distanciamento com relação ao mainstream (como nos casos de Duda Beat, Rachel Reis e Marina Sena). Aqui, a função do EP parece ser outra: uma inflexão da “nova MPB” em direção ao pop; mas sem qualquer sinal de pasteurização, o que eu credito às lindas poesias de Agnes e a impecável produção de - novamente - Iuri Rio Branco. Talvez a intenção aqui seja flertar com um certo indie pop. Maior destaque para mim foi a faixa “Autodesilusão”, com seu lindo e dilacerante encerramento: “Desilusão / Amor no coração / Desilusão / Só dor no coração / Desilusão / Amor sem coração”. Já viveram este paradoxo?

3 – [álbum] Anitta, EQUILIBRIVM [RJ]

Do ponto de vista da grande indústria cultural, este foi, de longe, o maior lançamento do mês! E poderia ser muito mais do que uma mercadoria, poderia ter sido o melhor disco do ano (como foi Rock Doido no ano passado). Ainda quero escrever de forma mais profunda sobre este disco e os potenciais e bloqueios deste trabalho da Anitta. Por enquanto, fiquem com a seguinte microrresenha. EQUILIBRIVM tem três atos. O 1º ato (faixas 1 a 7) abre de forma fantástica, com Anitta comprovando que está com o radar ligado nas fronteiras da imaginação musical brasileira, circulando por macumbeats, afro-sambas, semba (estilo musical angolano recepcionado na Bahia), afrobeats, cantos de roda e de terreiro, MPB contemporânea (feats de Marina Sena, Liniker e Luedji Luna) e até reggae, mas perdendo o fôlego nos feats com Melly e Os Garotin. Já no 2º ato (faixas 8 a 10), temos um interlúdio pop latino. Trata-se de uma concessão ao mainstream, um entrelaçamento convencional entre o internacional-popular e o nacional-popular (brasilidade como produto de exportação), ponto baixo em termos de imaginação musical; aqui é onde ela se perdeu e começou a afundar o álbum, pois ela poderia ter articulado de modo original a estrutura de sentimento da brasilidade-plural com protagonismo da religiosidade afro-brasileira e a latinidade que está sendo “redescoberta” desde o fenômeno Bad Bunny; talvez tenha faltado ela mapear quem já está fazendo isto muito bem: artistas norte-nordestinos. Penso aqui principalmente no paraense Aqno e na potiguar LEOA. Mas, no fundo, no fundo, valeu nestas faixas mais o cálculo mercadológico da internacionalização da carreira do que o princípio de experimentação da imaginação musical (ou seja, neste momento específico do disco, o projeto estético foi abertamente subordinado ao projeto mercantil). Por fim, no 3º ato (faixas 11 a 14), Anitta retoma o fôlego, primeiro articulando a MPC, a Música Popular Carioca (o funk anos 1990 de Papatinho), e o rap em suas vertentes paulistana (Rincon Sapiência) e carioca (Ebony). Ressalto como é curiosa a opção de jogar o feat com a Shakira (“Choka Choka”) para este ato e não para o anterior, mas faz bastante sentido! O sincretismo entre funk e reggaeton é intermediado por um batuque afropercussivo – nada a ver com o pop latino enlatado e misturado com bossa nova convencional que marcam o ato anterior. Por último, a faixa que ela adiantou de modo disruptivo na Globo (“Meia Noite”), em pleno Domingo de Páscoa, uma exaltação da pombagira. A 15ª faixa constitui um Epílogo. Seria a música que mais justificaria o título relacionado a equilíbrio, mas é uma longa mensagem coach-zen com ela como narradora (sem o talento de uma Maria Bethânia) e uma sonoridade orientalista no fundo, o que não fez a minha cabeça, assim como não consegui enxergar a conexão com as poesias das 14 faixas anteriores. Em breve ainda vou desenvolver mais como esta faixa, intitulada “Ouro”, é um desastre conceitual e, portanto, um escândalo estético, político e “teológico”. Por ora, apenas pulem esta última faixa e simplesmente apreciem os samples de “Canto de Ossanha” (Vinicius de Moraes e Baden Powell) e “Cordeiro de Nanã” (Tincoãs), sem contar os macumbeats; vocês não vão se arrepender de dar uma chance!

4 – [álbum] Betto Pereira, Murrada Sound [MA]

Grata surpresa do mês: Betto Pereira elabora musicalmente a porosidade das fronteiras entre Maranhão e Pará - o Meio-Norte, que articula Maranhão e Piauí (e que é chamado informalmente de “Piranhão” - obrigado Leo Freire pela referência!) surge como território privilegiado para explorar a sonoridade da coalizão Norte-Nordeste, bem como revelar a latinidade e caribenidade desta aliança musical… Além de artista plástico, Betto Pereira fez sucesso nos anos 1990, em uma cena que ficou na época conhecida como MPM: Música Popular Maranhense (obrigado Paulão pelos esclarecimentos!). Chegando no tempo presente, seu projeto estético passa a dialogar com muito do que a nova geração, em torno do coletivo Criola Beat (como Adnon, Enme, Núbia e o próprio Paulão), tem buscado: a articulação entre os beats eletrôncos e os batuques do tambor de crioula. Destaque musical e poético para mim foi, de longe, a faixa “Catita”: “Catita minha fada insensata / Teu desprezo maltrata / Upa! / O mundo ainda vai te trair / Já te esqueci / Não vou segurar essa barra / Quem bate a porta sou eu / Tô saindo pra farra / Foi tudo um rompante do amor / Uma paixão atrevida (ai ai ai) / Me fez perder o compasso / Foi tudo um rompante do amor / A atração desmedida / O teu nome é fracasso”.

5 – [álbum] BUHR, Feixe de Fogo [BA-PE]

BUHR é o novo nome da artista antes conhecida como Karina Buhr - agora se identificando como uma pessoa não-binária. O álbum nasce de um trânsito entre diferentes estados (BA, PE, CE e SP), bem como de sua transição: “Busco motivos nas ruas entupidas de carro / Esvaziadas de gente / Como quem procura raízes / Como quem procura raízes”. A língua franca é o reggae, embora sempre tratando suas normas e convenções como horizonte criativo, não como prisão (ela também dialoga com xote e rock, por exemplo). Participações da cantora Josyara e dos guitarristas Fernando Catatau e Arto Lindsay, dentre outros. Sonoramente, minha favorita é a faixa “Vale Brinde”, linda; mas, poeticamente, meu destaque é a faixa de encerramento, “Desmotivacional”, com participação de Russo Passapusso (cantor da banda BaianaSystem), um necessário manifesto anti-coach: “Chegou pedindo um beijo / Saiu faltando abraço / Amor de fevereiro / Bateu maré de março / A casa é de azulejo / O telhado é de vidro / Se quer ganhar no grito vai faltar mais um pedaço / E leva eu / Faltando um pedaço, grita / Nunca é tarde pra desistir de você”.

6 – [single] Eduardo Barbosa & Lambada da Serpente, “Guitarrada do Sal” [PA, DF e RN]

Lambada da Serpente é um novo exemplo de um Centro-Oeste com orientações nortistas (como a banda Calorosa, destacada na última newsletter). Aproveito para recomendar o ótimo perfil de Eduardo Barbosa, conhecido no Instagram como homem.sem.classe; ele realiza um trabalho muito sério como pesquisador e influenciador musical, focando na história recente da música paraense, com destaque para a lambada, mas também passeando pela guitarrada, merengue, zouk e todas as vertentes do brega, demonstrando toda a latinidade e caribenidade do Pará.

7 – [single] Fabio Brazza & Paiva Prod, “A Cobrança” (mar. 2026) [SP]

Um brilhante sincretismo entre samba e rap. O lançamento foi pensado em um ano e um dia específicos: 2026 temos Copa do Mundo (em junho/julho), sem contar a escolha de 31 de março não ter sido aleatória, tendo em vista que se trata da data oficial do golpe militar de 1964 (“Será que esse camisa agora se redime / Ou vai continuar símbolo de quem pedia a volta do regime?”, vulgo ditadura). O brilhantismo é musical, mas também poético. O protagonista se chama “R” (o que tem dupla função: de um lado se refere a tantos jogadores brasileiros negros que entraram para a História e cujos nomes começam com R - Romário, Ronaldo, Rivaldo, Ronaldinho - e, de outro, permite os inteligentes versos “Vai R, Vai R / Não erre, não”). A poesia se desdobra brilhantemente por conta de sua capacidade narrativa, mais especificamente uma descrição cinematográfica que oscila entre duas perspectivas temporais: o imediato (a cobrança do último pênalti na final da Copa do Mundo entre a seleção brasileira e um time indeterminado) e a longa duração (uma viagem da consciência histórica e social do jogador acerca das desigualdades sociais e raciais que estruturam este território e sociedade chamados “Brasil”). Como canta Fabio Brazza, “um filme passa em sua mente” - tanto na mente do eu lírico, quanto de quem escuta a música, que consegue mergulhar perfeitamente na cena singular do campo de futebol e no contexto histórico-universal da colonialidade. Este (nada) singelo single mobiliza o que eu tenho chamado em minhas aulas na FGV Arte e no CCI/Cebrap de uma estrutura de sentimento da brasilidade-colonial (o diálogo aqui é com a mobilização que Marcelo Ridenti faz de um conceito de Raymond Williams): o protagonista mergulha em uma reflexão histórica sobre o Brasil, o racismo sofrido na infância, o genocídio contra a população negra e os povos indígenas: “O pai preto, a mãe indígena / Esse Brasil foi feito pra nos dizimar / É, como muitos dizem, já / O futebol faz o povo esquecer a dívida / É hora de usar os pés pra fazer política! / Enquanto ele toma distância, lembra da infância / Pensa que pode fazer sua gente feliz / Isso é pelos meus pais ou meu país? / Escuto meu coração ou o que a razão me diz? / Dos que vivem entre balas e fuzis, a lousa e o giz / É pelos Tupis Guaranis, Kaiowás, Cariris / Pelos que morreram nas mãos da polícia”. Este single ser lançado em ano de Copa, com tal problematização politizada de que errar um pênalti e prejudicar a seleção pode, na realidade, ser a ação mais ética a ser feita, é um claro sintoma de esgotamento de uma determinada imagem histórica de nação - aquela em que samba e futebol se tornaram símbolos de uma integração política e cultural seletiva dos trabalhadores racializados deste país. Estamos definitivamente em outra quadra histórica, aquela de destruição do mito da democracia racial e da passagem da dialética da malandragem para a dialética da marginalidade - e por isso o samba no single está subordinado ao rap. A faixa termina como o que se convencionou chamar de “filme francês”: um final em aberto - nunca saberemos o sentido histórico e político que o protagonista decidiu atribuir à sua ação social de cobrar aquele pênalti: ganhar a Copa e redimir a nação ou então denunciar o Brasil como uma máquina de dizimação - aliás, seria o Brasil passível de redenção? A pergunta cai nas costas de cada um de nós: qual “mensagem para o mundo” queremos enviar com as brasilidades que nos engajamos em construir?

8 – [álbum] Jáder, Deixa o Mundo Acabar [PE]

Jáder está de volta! Este segundo disco expande o seu universo musical, considerando que o seu primeiro trabalho, QUEM MANDOU CHAMAR??? (2022) é um projeto estético consistente e inovador, baseado no piseiro, em vertente queer - escutem também! Desta vez, também sob produção de Barro e Guilherme Assis, as faixas passeiam por galope, xote, brega, funk, pagode, rock e bachata (e talvez com temáticas menos disruptivas do que no primeiro álbum, o que faz sentido em uma unidade forma-e-conteúdo com orientação mais pop, mesmo que alternativo). Achei os feats que foram lançados como singles, antecipando o disco, como superiores aos feats “inéditos” no álbum: se “No Mar” (c/ Totó de Babalong) e “Volta” (c/ Jaloo) já tinham entrado em minhas playlists de verão e outono de 2025, “Fica Comigo” (c/ Joyce Alane) e “Pessoa Preferida” (c/ Mariana Aydar) acabaram não tendo o mesmo impacto para mim. Já na faixa de encerramento, “Deixa o Mundo Acabar", vemos a oscilação entre o social e o pessoal, o que nos leva a refletir se se trata do fim do mundo ou do fim de um mundo. Afinal de contas, existem mundos e mundos a serem criados, vividos, destruídos e reconstruídos!

9 – [single] Manoel Cordeiro, Fernando Catatau, Gustavo Ruiz e Pupillo, “Fim de Festa” [PA, CE, SP e PE]

O mestre da guitarrada Manoel Cordeiro, paraense, gosta de projetos estéticos que explorem pororocas de guitarras com distintas origens geográficas. Isto já tinha ficado claro com o disco instrumental Estado de Espírito, criado em conjunto com o guitarrista do BaianaSystem, Roberto Barreto (e também produzido pelo percusionista pernambucano Pupillo). Aqui, temos o encontro da guitarra paraense com a guitarra distorcida de Fernando Catatau, líder da banda cearense Cidadão Instigado. O single é, na realidade, uma regravação de um sucesso de Manoel dos anos 1980. Bora prestigiar a MPB feita na Amazônia (em diálogo com o Nordeste)!

10 – [álbum] Paola Lappicy, Coisas Que Eu Quis Te Dizer Antes de Tudo Acabar (mar. 2026) [DF]

Para atiçar a curiosidade de vocês com relação ao disco destacado na capa da newsletter: imaginem uma situação hipotética sobre como seria um encontro musical entre Itamar Assumpção, ícone da contracultura paulistana, e o pianista pernambucano Amaro Freitas - mas com o detalhe gigante de que esta confluência se dá no meio de uma ponte construída inteiramente por inventivos beats eletrônicos. Este é o universo estético criado por Paola Lappicy que, além de pianista e tecladista, é também antropóloga. Ainda em termos musicais, “Me Leve Para Outro Lugar” tem a sonoridade mais próxima a Itamar; já “A Noite é Linda Como o Céu da Tua Boca” é um brilhante sincretismo entre forró, piseiro e trap (o que mostra certa orientação nordestina da brasiliense) - e, apesar do brilhantismo, nem sequer é a melhor faixa do disco... Fico alternando entre eleger “Começo do Infinito” (que brinca inteligentemente com a polissemia da palavra “grave”: a gravidade da situação sociopolítica, a gravidade da física, a gravidade da voz de Pavarotti) e “Coração Cheio”, um tecno-samba segundo o Pop Fantasma, e que diz: “Meu coração é cheio cheio cheio cheio cheio cheio cheio cheio / Como um rio / Meu coração é cheio cheio cheio cheio cheio cheio cheio cheio cheio cheio / E vazio”. Dúvida dilacerante tornada beleza poética: como poderia um rio caudaloso não encontrar vazão e se tornar o seu contrário? Única microfrustração foi o piano sem beats em “Espumas ao Vento” (clássico do forró, composto por Accioly Neto e eternizado por Fagner e por Flávio José); fiquei pensativo: teria sido intencional, para se afastar das versões eletrônicas de Mariana Aydar (2019) e de Alice Carvalho (2023)? No mais, a dimensão poética me atravessou repetidas-e-repetidas vezes, nas diferentes formas de tematizar as tais “coisas que eu quis te dizer antes de tudo acabar”. Canções se tornam poderosas quando ressoam, resgatam e ressignificam nossas emoções e me vi colocado defronte aos meus amores, longos ou curtos, em seus ápices e seus fins. Com “Só quem já deitou na tua coxa quente / sabe como a vida pode / Ser só isto e se bastar” (“Me Leve Para Outro Lugar”), fiquei em dúvida se era “coxa” ou “colcha” - de qualquer forma, ambas funcionariam para mim (rs): deitando na “coxa quente” da primeira paixão em uma viagem para Ouro Preto e olhando pra vastidão do céu ou então na “colcha quente” da paixão mais recente, na cama dela em uma fria madrugada de inverno que “deu em nada” (como diria Luiz Melodia). Já com a oscilação tripla entre a negação estrutural e atemporal, o ceticismo localizado de forma contingente no presente e, por fim, o dever ser de um futuro melhor, fui invadido pelas lembranças do ocaso do casamento: “Isso não vai melhorar / Hoje não vai melhorar / Isso tem que melhorar” (“Isso Tem Que Melhorar”); quando passa a ser inevitável reconhecer o fim do único amor vivido até então fora da família? Por último, as múltiplas descrições de uma cena paulistana, o que busca convencer as pessoas forasteiras do batismo de fogo a partir do qual elas passam a pertencer à Selva de Pedras: “Em São Paulo é de casa quem já chorou no metrô” (“Choro no Metrô”) - pra mim, que nunca fui estrangeiro nesta cidade, foram consecutivas segundas-feiras à tarde, lá pelo fim de 2024, sempre subindo a rua em direção ao Metrô Ana Rosa e chorando pela paixão mais intensa suplantada pelo desencontro amoroso mais surreal e infundado que já me atropelou. Enfim, um discaço, pela imaginação musical experimental (mas acolhedora) e pela poesia intensa, tocante e cortante; escutem agora mesmo e embarquem em suas próprias memórias!

11 – [álbum] RDD, Hot Sauce [BA]

Trabalho solo do fundador da banda Àttooxxá (cujo projeto estético pode ser sintetizado como a digitalização do pagodão). Produzido pelo próprio RDD, o álbum elabora os sons da Bahia em uma busca criativa de articular o subnacional-popular da constelação baiana e o internacional-popular (um pop global): a “união da Bahia com o mundo, e do mundo com a Bahia”, passeando por “pagodão baiano, samba-reggae, arrocha, funk, afrobeats e o dancehall”, com temas obviamente picantes, como entrega o título do disco. Participações especiais de Rael, Rachel Reis, Rincon Sapiência, Karol Conká e muitos outros. Destaques musicais para mim foram as faixas “Sobe Fogo” e “Sextô”.

12 – [álbum] Silva, Rolidei [ES]

Como reconheceram todas as resenhas que eu li sobre este disco, um trabalho muito mais “solar” do que seu penúltimo álbum. Embora Encantado (2024) tenha suas oscilações internas de qualidade, era um trabalho não apenas mais ambicioso como também mais denso - mas, aparentemente, a recepção no fanbase não foi das melhores. De fato, a apresentação de Silva que eu vi no Nômade Festival do ano passado mostrou uma recepetividade travada às faixas mais lentas que ele lá apresentou. Rolidei é leve (e relativamente mais acelerado), mas também em sua despretensão acaba se tornando um trabalho menos impactante e memorável. Pareceu-me uma escolha, até compreensível, de facilitar a vida do ouvinte. De qualquer maneira, a fantástica faixa “Ondina” ficou reverberando aqui por dias a fio: “Eu sou a água / Ai ai ai ai / Eu sou o ouro cravado na pedra do rio / Tão cristalina / Ai ai ai ai / Perto de mim é tão quente / Ninguém sente frio / Vem pra cá / Vem pra junto de mim / Pra ver de perto / O mistério / A beleza das águas tranquilas (tranquilas) / É oculto, é sagrado / E só vê quem muito ama / E você / Sabe bem / Ver as coisas bonitas”.

13 – [álbum] Sofia Malta, Comédia Romântica [PE]

Disco de estreia de Sofia Malta (conheci-a pela primeira vez como participante do reality show TOCA Revela, no qual ela foi vice-campeã), com faixas produzidas por Barro e Eutimyo e mobilizando grande parte da cena pernambucana que eu acompanho e admiro desde 2024: Mago de Tarso, UANA, Martins e o próprio Barro (que, além de produtor, é também compositor, cantor e violonista). No encadeamento das faixas e suas temáticas, fiquei me perguntando: seria o gênero cinematográfico do álbum uma comédia romântica, como no título, ou uma dramédia? Embora a música “chá” já tivesse chamado a minha atenção quando foi lançada como single (é um feat com Martins e eu inseri em minha playlist do verão 2025-26), minha favorita se tornou a faixa de abertura: “vilã” é, musicalmente, uma instigante transição do brega a um brega funk lento (especialidade do Barro; confiram seu próprio disco Língua ou então Megalomania, de UANA e também produzido por ele). Passando do destaque musical ao poético, a faixa de encerramento, “rita”, me pegou pela letra, intensa, visceral e autêntica: a frase “Gosto de mim, mas não é confortável ser eu” me calou fundo...

14 – [álbum] Thiago Elñino, Canjerê [RJ]

Agora, para o disco lançado em abril com maior enraizamento nos terreiros, você precisa ouvir este trabalho do rapper e educador popular Thiago Elñino, que nasceu em Volta Redonda e cresceu em Belo Horizonte. “Canjerê” significa festa e encontro para celebrar o sagrado, em língua de origem bantu. Em termos da forma musical, o fio condutor é um rap melódico sincretizado com várias sonoridades: afrobeats, “samba, pagodão baiano, guitarrada paraense, jongo e Folia de Reis”. As faixas contam com participações especiais de Bixarte (PB), Daúde e Sued Nunes (BA), Tássia Reis (SP), Felipe Cordeiro (PA) e muito mais (mas vejam só a orientação norte-nordestina que tanto prezamos por aqui!). Já em termos do conteúdo poético ou discursivo, embora “Futuros Ancestrais” seja a sua versão de crítica ao capitalismo tardio, o fio condutor do álbum como um todo é a temática da guerra (o que o movimento negro brasileiro contemporâneo chama de genocídio da população negra e que Paul Gilroy se refere como o “terror racial da supremacia branca”); neste contexto, as religiosidades e as sonoridades afrobrasileiras são um instrumento de resistência não apenas à intolerância religiosa (nome brando para o racismo religioso) do presente, mas também ao massacre colonial de longa duração. Destaque musical são as duas faixas com a guitarra paraense de Felipe Cordeiro; e destaque poético e político para a faixa “O Chão do Meu Terreiro”: “Cês tão achando que são caçador / Mas na bênção de Oxóssi nóis te caça / [...] / Eu quero a cabeça do sinhozinho / Entre uma pedra e o fio da enxada / Eles vão dizer que isso é barbárie / Eles vão querer cancelar meu verso / Meu mano, eu quero é mais que eles se fodam / Eu tô jogando a morte deles pro universo / [...] / Pra que no final escravocrata nenhum / Tente ocupar espaço na minha mente”. Ao final da música, trecho de fala de Nego Bispo (o maior intelectual quilombola brasileiro) e menção ao livro Torto Arado, de Itamar Vieira Jr. Ainda quero escrever mais profundamente sobre este discaço!

Outros lançamentos do mês de Abril* de 2026

*todas as indicações abaixo são de abril, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[single] Ananda Paixão & Johnny Hooker, “Pedacin de Mim” [PE]

[single] Anna Suav & MC Lizzie (feat. Lastra), “Segredo” [AM e RJ]

[álbum] Bia Soull, PORNOGRAFIA AUDITIVA [PR]

[single] CHAMELEO & Vivian Kuczynski, “Curvas” [PR]

[single] Cristal & DJ Chernobyl, “South Side (Dnb Remix)” [RS]

[single] Dandy BJ & Joss Dee, “Praiana” [BEN-BRA e ANG-BRA]

[single] Duda Beat & Filipe Toca, “Olhar de Quem não Presta” [PE]

[álbum] Ebony, KM2 (De Luxo) [RJ]

[EP] Febem, Fleezus & CESRV, BRIME!! [SP]

[single] Fernanda Hofmann, “Todo Amor Que Dura” [TO]

[álbum] Hiran, IMUNDO [BA]

[single] Gugs & Célia Sampaio, “Novo Dia” [MA]

[álbum] Isabela Moraes, Tem Alguém Aqui (mar. 2026) [PE]

[álbum] Jambu, MANAUERO (DELUXE) (mar. 2026) [AM]

[EP] Jefferson Carvalho, Apaixonado por Você (Bachata Remix) (mar. 2026) [MA]

[single] Jefferson Placido, “ Tupi de Brás de Pina” [RJ]

[álbum] Jovem Dionísio, Migalhas [PR]

[single] Juliana Linhares, “Depois do Breu” [RN]

[single] Laura Schadeck & CANETARIA, “Quero Sim, Quero Não” [RS]

[single] LEOA & Rudie, “Mira Tu (Fanatismo)” [RN]

[single] Luiza Dutra, “Tropical” [ES]

[EP] Matheus Pojo, Inverno Amazônico (fev. 2026) [PA]

[álbum] MC Soffia, Soffisticada (mar. 2026) [SP]

[single] Muca, Roberto Menescal & Josyara, “Ladeira” [SP-ING, ES e BA]

[single] Pedro Emílio & Luedji Luna, “Reticente / Coisa Gostosa” [BA]

[single] R-GO & Jota.pê, “Tá Aê” (Afro Remix) [? e SP]

[single] Regiane Araújo (feat. Helton Borges), “Núcleo Terrestre” [MA]

[álbum] Souto MC, LUNAR (mar. 2026) [SP]

[single] tatiana nascimento, “Sussuarana (que lombra!)” [DF]

[EP] Tom Ribeira, Pedaço (mar. 2026) [SP]

[EP] Tuyo, Tuyo [2016] [PE]

[álbum] Zeca Baleiro, Zeca 60, Vol. 1 [MA]

[álbum] Zeca Baleiro, Zeca 60, Vol. 2 [MA]

[álbum] Zeca Baleiro, Zeca 60, Vol. 3 [MA]

[álbum] Zeca Baleiro, Zeca 60, Vol. 4 [MA]

Re/descobertas tardias altamente recomendadas

[álbum] Ananda Paixão, Cajuína (2024) [PE]

[faixa] Armandinho e os Rubis da Princesa, “Sonho Lindo” (2022) [BA]

[álbum] Arthur Nogueira, Brasileiro Profundo (2022) [PA]

[álbum] Bruna Alimonda, Estado Febril (2024) [PE]

[EP] Lambada da Serpente, Lambada da Serpente (2025) [DF e RN]

[álbum] Pratanes, Azeite (2024) [DF]

[álbum] Reiner, ELÃ (2024) [PA]

Shows* de Abril de 2026

*a numeração é anual, não mensal (por isto não começa no nº 1)

16 – [SP e PA] Gustavo Galo e Arthur Nogueira: Música e Poesia | Casa Odette, 10 abr.

17 – [SP] Bebé: Lançamento do disco Dissolução | Centro Cultural São Paulo (Sala Adoniran Barbosa), 17 abr.

18 – [PA, AM e AP] Aíla, Djuena Tikuna e Patrícia Bastos: As Amazônias | Caixa Cultural São Paulo, 18 abr.

19 – [RJ] Ava Rocha, Nektar | Bona Casa de Música, 24 abr.

20 – [SP] Baile do Brime | Audio, 25 abr.

21 – [MG] Nina Maia, Inteira | Casa Natura, 30 abr.

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em abr. 2026?

NORDESTE

– PE (x5): Ananda Paixão, Bruna Alimonda, Jáder, Pupillo, Sofia Malta

– BA (x4): Agnes Nunes, Armandinho e os Rubis da Princesa, BUHR, RDD

– CE: Fernando Catatau

– MA: Betto Pereira

SUDESTE

– SP (x5): Bebé, Brime, Fabio Brazza, Gustavo Galo, Gustavo Ruiz

– RJ (x4): Alice Caymmi, Anitta, Ava Rocha, Thiago Elñino

– ES: Silva

– MG: Nina Maia

NORTE

– PA (x5): Aíla, Arthur Nogueira, Eduardo Barbosa, Manoel Cordeiro, Reiner

– AM: Djuena Tikuna

– AP: Patrícia Bastos

CENTRO-OESTE

– DF (x3): Lambada da Serpente, Paola Lappicy, Pratanes

Nesta edição da newsletter, seguimos com o protagonismo nordestino (mas não tanto nortista, desta vez), mais descentrado do que de costume. Vocês verão lançamentos de Bahia, Ceará, Pernambuco, Piauí e Sergipe – e um show vindo diretamente do Maranhão, muito reggae, por supuesto (meu sonho é conseguir cobrir os 9 estados da região ao mesmo tempo). Mas temos a trinca sudestina Minas-Rio-São Paulo; e o inesperado surgimento do Mato Grosso, que vem para abalar, ou melhor dizendo, reformular, expandir e refinar a minha hipótese da coalizão musical Norte-Nordeste.

Ficará bem evidente o contraste entre a quantidade de lançamentos em fevereiro (mês mais curto e marcado pelo Carnaval) e no mês de março: passamos de 9 destaques para 13 (sendo o ano de 2026, significa?). Foram tantas e tão longas microrresenhas, que o exagero da textualidade infelizmente me fez deletar algumas das belas capas para poder caber no tamanho máximo permitido pela plataforma para o envio dos e-mails (sugiro fortemente que vocês depois confiram e apreciem as capas em seu streaming de predileção).

Queria também destacar a preciosidade das trocas intergeracionais para minha investigação musical em múltiplos diálogos que acabo travando sobre música com amizades generosas: Gen Z (Gabriel Farias indicando Wândalo), Zillenials (Marina Barreto recomendando a banda Calorosa) e Gen X (Patrícia Fernandes sugerindo Lulina – está na seção Re/descobertas). Amizades, continuem compartilhando suas sugestões! É simplesmente impossível cobrir tudo solitariamente. E cada conexão geracional sempre carrega consigo pontos de vista e, ao mesmo tempo, pontos cegos. Complementariedade é tudo na vida.

Neste mês, acabei desacelerando o consumo de shows por motivos de trabalho, estudos e viagem (em Bogotá, pude ouvir Karol G numa burgueria, me senti muito integrado ao pop internacional, como “nunca antes na história” rs), ao mesmo tempo que sinto que estou conseguindo escrever mais longamente sobre a experiência de recepcionar a música em modalidade offline (embora ainda longe de qualquer descrição verdadeiramente densa de circuitos culturais: eu tenho me interessado pelas interdependências entre performances artísticas, espacialidade da distribuição e recepetividade da plateia). Ah, e lá no final da newsletter temos também uma playlist afetiva de verão!

Por fim, destaco que o mês foi marcado pelo 8 de Março e o Dia Internacional das Mulheres se faz aqui presente por conta do lançamento de versão inédita de um hino feminista, bem como na seção de versões alquímicas, que resgata a original e rastreia como outras artistas processaram criativa e imaginativamente a música no decorrer da década 2016-2026.

Vamonos!

Treze lançamentos de Março* de 2026 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de março, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [single] Alice Caymmi, “Modinha Para Gabriela” [RJ]

Regravação pela neta do compositor Dorival Caymmi, de música eternizada na voz de Gal Costa. Aqui vemos o movimento oposto ao de Luísa Sonza em Bossa Sempre Nova: um exercício de imaginação criativa que desloca e reinventa o que foi canonizado. O twist de reggae é a surpresa na capacidade de Alice Caymmi de escutar o que não estava contido explicitamente no original. A produção é de Iuri Rio Branco (Marina Sena, Rachel Reis, Don L, Braza e tantos outros) e antecipa o álbum Caymmi, que está previsto para abril.

2 – [faixa] Amabbi, Manocchio & Modestto, “Atemporal” [SP]

Esta faixa do álbum Crisálida foi uma das músicas que eu mais escutei no último mês. Destaque é um trecho intermediário, em que ela cita a música “Temporal”, do grupo paulistano de pagode Art Popular (agradeço à Ana Ribeiro pela explicação): “É, até parece que o amor não deu / Até parece que não soube amar / Você reclama do meu apogeu (do meu apogeu) / E todo o céu vai desabar”. Com ritmo desacelerado, o tamborim e a cuíca, ao fundo, produziram um sutil sincretismo entre R&B e samba. Beleza pura!

3 – [álbum] Bemti, Adeus Atlântico (jan. 2026) [MG]

Nascido em Serra da Saudade (região centro-oeste do estado de Minas Gerais) e tendo migrado do audiovisual para a música, Bemti desenvolve aqui um indie pop (o portal Pop Fantasma chamou de MPB misturada com “alt-pop e alt-folk”) com base na viola caipira e mineira, porém eletrificada: uma “Viola-Guitarra”, artefato que tensiona um instrumento tradicional em contexto pós-tradicional. A faixa mais mineira é “Quase Sertão”. Já uma das faixas que eu mais gostei foi “Euforia”, que começa como um pop rock, mas é desestabilizado pela entrada em cena do rapper comunista FBC, que cita e atualiza Eduardo Galeano para o século XXI, refletindo sobre o amor e a sociabilidade sob o capitalismo tardio: “Injeções de dopamina / Nas abas abertas da América Latina”. Já a minha favorita, que ficou tocando em looping por aqui, foi “Melhor de Três”, uma faixa mais eletrônica e que eu li como uma reflexão irônica sobre se a felicidade está destinada ou não ao eu lírico, que propõe acelerar o envolvimento amoroso para evitar “o risco de quebrar a própria bússola”, mas sem garantias de que o outro lado da relação está igualmente engajado: “Se um tentar pelos dois / Melhor de três”, como se fosse possível fazer o trabalho afetivo no lugar da outra pessoa. O disco foi gravado entre Brasil, Portugal e Inglaterra, com participações especiais de Marissol Mwaba (brasiliense com pais congolanos e que mora em Paris) e Alex D’Alva (angolano que se radicou em Portugal). Esteticamente, consigo visualizar o projeto de inserção global de Minas Gerais através da imagem ou ideia do Oceano Atlântico, num deslizamento do sertão para o litoral. A Rolling Stones Brasil cravou que “É disco sobre lusofonia, sobre origens da viola caipira ligadas à África através do Atlântico”, mas, politicamente (e falar em Atlântico e África é necessariamente falar da diáspora negra), tive dificuldades de apreender o significado do disco como um todo bem como da faixa de encerramento do álbum, “Adeus Atlântico”. No “adeus” que coloca o eu lírico “muito além do Atlântico”, seria o “nosso adeus atlântico” apenas uma referência ao que é “agigantado”, “hercúleo” ou de “força descomunal” (definições de dicionário para o substantivo tornado adjetivo)? Conforme eu tenho buscado escutar e interpretar álbuns como Carranca (Urias, 2025) e CRIOLO, AMARO E DINO (Criolo, Amaro Freitas e Dino d’Santiago, 2026) através do livro Atlântico Negro (de Paul Gilroy), fica um pouco difícil para mim aproximar e comparar este atlântico puramente afetivo (e que pode ser superado com um adeus) com o outro Atlântico, um espaço de trocas transnacionais que compõe uma verdadeira contracultura da modernidade. Também é desconcertante que a faixa-epílogo se chame “Intermezzo” – seria um amor de transição? Uma transformação do fim em apenas um momento de passagem, do álbum em direção a mergulhar na vida?

4 – [EP] Cabaça Sonora, Cabaça Sonora 2 [BA]

Um álbum coletivo que reúne artistas do Centro Antigo de Salvador (uma cena musical independente com “protagonismo negro e indígena”), passeando por ritmos como samba, samba-reggae e arrocha. Vale a pena conferir! A faixa “Fada Madrinha” me transportou ao século passado por conta da sonoridade e um modo clássico de canto masculino (de Paulinho do Reco). Já “Malê” (de Victor Badaró), um sincretismo entre samba-reggae e reggae, comprova como a Revolta dos Malês é central no imaginário da arte negra e do movimento negro contemporâneos (me ocorreu que algo similar ocorre com a Cabanagem no contexto da música paraense – revoltas populares locais ou regionais tem sido apropriadas, reivindicadas e ressignificadas como promessas não-realizadas de um outro país e de uma outra sociedade, mais livre e menos desigual). Minha favorita foi “Reticências” (de Iná Tupinambá), um arrocha lentinho, unidade entre forma musical e conteúdo poético: “Seu olhar / Me leva exatamente aonde eu quero estar / E eu fico arrepiada / Quando cê me beija, assim bem devagar / É como se meu corpo / Sentisse cada toque seu / E a minha cama / Sentisse falta como eu”.

5 – [EP] Calorosa, De Emetê (DMT) (out. 2025) [MT]

Que descoberta! De tão fantástica, me senti obrigado a flexibilizar e ampliar a temporalidade das newsletters que eu dedico aos lançamentos mensais; desde o começo deste Substack, percebi que era impossível me manter exaustivamente atualizado mês-a-mês, então vocês vão reparar que sempre incluo lançamentos dos meses anteriores, junto com o mês-protagonista, mas até agora me mantendo circunscrito ao ano corrente. Aqui, neste caso, expandi o tempo para poder incorporar este EP, lançado no 2º semestre do ano passado. Vejam só que maravilha: a própria banda mato-grossense criou uma categoria nativa para auto-descrever seu estilo: um “pop tropical pantamazônico” (aqui neste EP também há circulações pelo rock, o funk e o rap, além de “elementos regionais”, como “lambadão”, “cururu, siriri e rasqueado”). Deste modo, foram abertos para mim caminhos muito frutíferos para ampliar o mapeamento da imaginação musical brasileira. Já no post da Retrospectiva 2025 eu havia pedido para o público-leitor indicações e sugestões dos estados que simplesmente não apareceram em nenhuma edição (de junho, quando lancei a newsletter, até dezembro) – Mato Grosso entre eles. Além de um forte componente politizado (como a letra anti-agronegócio e crítica ao hino do estado), enxergo na banda a formulação de um Centro-Oeste com orientações norte-nordestinas (minha favorita foi “Sem Moagem”, mas o curto EP de 3 faixas inteiro é ótimo). Neste mesmo sentido, percebi que outros projetos estéticos espalhados por nosso país continental estão em posição similar, configurando algo como satélites da coalizão musical Norte-Nordeste. Penso especialmente em Duda Brack (gaúcha que grava composições do pernambucano Romero Ferro e com várias colaborações com o paraense Felipe Cordeiro) e na banda Lamparina (por um lado, bastante mineira, por outro, muito próxima da sonoridade de um pop tropical nordestino e mesmo uma relação por vezes paródica com o piseiro, no que me parece uma atualização do gesto original da Tropicália). Enfim, quem tiver recomendações para ampliar e testar esta hipótese, pelamordeus entre em contato!

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6 – [álbum] Cidadão Instigado, Cidadão Instigado [CE]

Novo disco da banda Cidadão Instigado, agora com outra formação, mas ainda sob a liderança do guitarrista Fernando Catatau. Um indie rock cearense com fortíssima inflexão eletrônica! As composições são marcadas pela experimentação de beats através de um Roland MV-8800, tendo sido originadas no contexto pandêmico; me parece que isto explicaria o ambiente melancólico tanto musical quanto poético. De uma certa forma, me lembrou a difícil densidade de um lançamento do mês passado (Rómulo Fróes, Boneca Russa). Mas as participações especiais de Juçara Marçal (a parceria dos dois começou com a faixa “Lembranças que Guardei”, que integra o seu clássico-contemporâneo Delta Estácio Blues – pessoalmente, eu prefiro a versão-remix, produzida pelo pernambucano Marley no Beat), Kiko Dinucci, Jadsa, Ava Rocha e Mateus Fazeno Rock permitem um certo respiro, ao criar variações sonoras entre as faixas, mesmo que o canto triste e pesado de Catatau seja a sua constante. Meu destaque é a faixa “Daqui desse lugar”: “A noite mal começou / Ela vem seguindo meus pensamentos / Que não param de me assustar / E eu me escondendo dela e ela vindo / E agora estou com medo dela me achar”. Ah, a longa parte instrumental de “Tudo vai ser diferente” me pegou também! No finalzinho da faixa, a letra minimalista produz um oxímoro: “Nada será como antes / Tudo vai ser diferente / Como antes”. E sintomático que é a faixa que conta com a participação dos ex-integrantes da banda em sua formação original: é tudo como antes? Ou o como antes já era tudo diferente?

7 – [single] Jader & Totô de Babalong, “No Mar” [PE e BA]

Jader tem lançado mensalmente singles que antecipam seu próximo disco, também previsto para abril: Deixa o Mundo Acabar (reparem, ao final desta seção de lançamentos, que a temática apocalíptica aparece em outro artista queer nordestino, Wândalo). Pelo que indicam cada um destes singles, todos produzidos pela fantástica dupla Barro e Guilherme Assis, o álbum promete! Aqui, neste single em específico, Jader une “violão, sintetizadores e beat eletrônico” (no que talvez pudesse ser descrito como um funk melódico, em alusão ao “rap melódico” de um Rael, por exemplo) e convida Totô de Babalong para cantar contra a superficialidade das relações contemporâneas: “Fugir de amar é muito raso / Quero mergulhar / Se eu me perder / Entrego ao vento / O tempo vai dizer / Né safadeza não / É o meu jeitinho de amar / Te dou meu coração / Mas tu também tem que me dar”.

8 – [single] Ju Strassacapa (feat. Ellen Oléria & Assucena), “Triste, Louca ou Má” [SP, DF e BA]

Lançado na semana do 8 de Março, esta versão do hino feminista (imortalizado há exatamente 10 anos atrás, pela finada banda Francisco el Hombre) começa parecida com a original, mas busca caminhos inusitados. Segundo a própria cantora, em entrevista, “Esta nova versão está com uma energia muito mais solar, mais roqueira, remetendo ao rock psicodélico dos anos 1970 […]. Tem uma energia menos melancólica sobre as dores e mais soberana e celebrativa da vida e da liberdade inegociável de existir”. Importando uma discussão que eu travo na Sociologia dos Movimentos Sociais, uma comprovação de que as lutas feministas não são “identitárias”, mas sim lutas pelo direito de viver com liberdade, dignidade e igualdade. Confiram abaixo, na seção Versões Alquímicas outras artistas que revisitaram esta música, tão importante politicamente.

9 – [faixa] Pupillo & Amaro Freitas, “Fervendo o Chão com Amaro!” [PE]

Faltam-me os recursos para produzir uma discursividade sobre álbuns instrumentais, como este, de Pupillo: percussionista, compositor e produtor (e marido da Céu, além de ex-baterista da banda Nação Zumbi). Mas eu não poderia deixar de destacar esta faixa com o pianista, igualmente pernambucano, Amaro Freitas: um sincretismo entre jazz e maracatu – um verdadeiro jazzaracatu! Escutem, mergulhem e se percam na dança entre o piano e a percussão.

10 – [álbum] Rael, Nas Profundezas da Onda [SP]

Este disco tem sido apresentado pelo próprio rapper paulistano como o seu melhor trabalho, além de consolidar a sua identidade como artista e se debruçar sobre temas mais sérios e densos, como saúde mental e críticas à indústria musical. Como defendi em resenha no ano passado, o título de melhor álbum do artista deveria ser creditado a Onda (2025), um verdadeiro festival de participações especiais e de sincretização de seu rap melódico com ritmos afrodiaspóricos e um interlúdio nordestino (sendo seu ápice, “Saudade de Lascar”, que eu elegi como simplesmente a música mais imaginativa do ano passado). Vejo como um pouco desconcertante a discursividade sobre si que, de certa forma, contrasta e diminui o trabalho anterior, como se o atual fosse “profundo” e o projeto estético e político da Black Joy [alegria negra] não fosse (operação simbólica que não é exclusiva de Rael; podemos ler o afastamento de Marina Sena em seu terceiro disco com relação a trabalhos anteriores, como se se tratasse de um desenvolvimento linear e antinômico que se afastaria do “artificial” em direção ao “natural”). De qualquer forma, a segunda faixa, “Vou Alto” é excelente, se destacando das demais; a produção musical de Iuri Rio Branco, Fejuca, Nave e Soul Diggin trabalhou com beats e bateria eletrônica insanos. E em termos poéticos é uma reflexão sobre a transformação de um passado de invisibilidade e um presente de reconhecimento. Escutei em looping nos últimos dias!

11 – [single] RAPadura & Diomedes, “Sky Line” (fev. 2026) [CE e BA]

Baita música! Na linha que sincretiza o samba com outros estilos musicais, como com o rap em vários discos de Marcelo D2 ou, mais recentemente, “Seu Telefone”, de Maui e Cristal, um sincretismo entre D&B e pagode. O que temos aqui é um sincretismo entre samba e drill (subgênero do rap com origens no trap) e alguma referência ao funk. A música abre com uma citação do sambista baiano Diomedes Gramacho com sua composição “Apelação” (1977): “No meu próximo disco vou falar asneiras / Que é pra fazer sucesso e alguém me dar valor”. Mas, rapidamente, RAPadura entra com versos frenéticos e batida pesada e sombria, eventualmente interpoladas com novos trechos do samba. Ou seja, para ser mais preciso, o sincretismo funciona aqui menos como fusão ou sobreposição de ritmos ou batidas e mais como múltiplas alternâncias de tipo A-B-A. Poeticamente, a música fala “sobre alcançar novos espaços mantendo vínculos com o território de origem”.

12 – [álbum] Táia, Oba Tajá [SE]

O melhor disco lançado no mês de março que eu escutei! Sem contar a capa mais linda do ano até agora (criação das artistas visuais Taíme Gouvêa, mineira radicada em Aracaju, e Sônia Mellone, também sergipana, como a cantora). Minha sensação é que o álbum arma, a partir das diferentes sonoridades de cada faixa (o que aparece em vários textos ou resenhas como sendo um “brega pop”, com tons eletrônicos sofisticados), um arco narrativo que parte de músicas mais lentas, marcadas por desilusões amorosas (“E é por isso que agora eu vou falar / De ódio, raiva, medo e solidão / Toda vez que eu tentei segurar na sua mão / A usava como âncora / Para eu me afogar” – “Era Pra Ser Uma Canção de Amor”), até chegar na trinca de encerramento. “Picadeiro” (talvez um lentíssimo brega funk com letra auto-irônica, se reconhecendo como “palhaça” num “circo”), “Comotô” (“Você me pergunta como eu tô / E eu pra encurtar digo tô bem / Cansada de falar sobre dor / E dor e dói / E ainda mais quando não tem / Mas prefiro só fingir / Atuo e aturo o seu cinismo / Suas cantadas só me fazem rir / E vou sentando em outro mesmo estando em um abismo”), até chegar na última faixa, minha favorita: “Brotar”. Aqui, temos, primeiro, o desencaixe entre a forma musical que promete redenção e libertação por conta da sonoridade solar, mas o conteúdo poético revela o impacto contínuo e inercial de um amor que findou: “Como é que posso acreditar / Que você foi embora mesmo / Se te sinto tão aqui / Te carrego no meu corpo / No esboço de canções / Na tua planta preferida / Álbum de fotografia / Tantas coisas que eu ainda não consigo deixar ir”. De repente, sob palmas, percussões e beats, a forma e o conteúdo finalmente convergem, no ápice da faixa (e do disco, mas aos 45 do 2º tempo): “Vou plantar uma semente / No lugar que ocê partiu / Dessa vez vou seguir / Só pra ver no que vai dar / Vai brotar / Cê vai ver / Vai brotar / De novo (de novo) / Outra vez, vou me reencontrar / Vai brotar / Cê vai ver / Vai brotar / De novo (de novo) / E vou me reencontrar”. Brilhante. E inspirador.

13 – [álbum] Wândalo, eu e o diabo NA TERRA DO SOL (fev. 2026) [PI]

Como descreveu com precisão meu amigo que o indicou, o disco avança um “tecno-forró futurista”. As fronteiras entre forro eletrônico, tecnobrega e música eletrônica são, de fato, borradas, em universo musical e afetivo que lembra um pouco o piseiro queer de Jáder, embora menos romântico, mais acelerado e com uma voz menos aveludada, mais ríspida. A citação do filme de Glauber Rocha, clássico do Cinema Novo, serve para articular “fantasia e nostalgia”, além da “versão de um Nordeste laico, livre, tecnológico e diverso” (reparem a substituição de “Deus” por “eu” no título). O futurismo fica pela via da tecnologia (como os beats eletrônicos) e da estética visual da capa (“entre sertão e ficção científica”), mas também pelo apocalipse ambiental – minha faixa favorita foi “Forrózin do Fim do Mundo”: “[…] meu coração vagabundo tá querendo aposentar / Ele tá com medo de uma chuva / E um alerta de calor que vai fazer ele parar / Então para de perder teu tempo / Larga tudo e beija lento, que essa porra vai explodir! / Vamo criar uma sociedade secreta / E de verdade que é pra gente residir / O mundo tá acabando e você me ignorando / A terra e o meteoro vão logo fazer amor / Dispensa todo esse lixo que tá acumulado / Termina com esse macho do teu lado por favor / Ie / Eh / Eh / Eu quero morrer abraçado com você”. Também achei curioso as temáticas jovens de cultura pop: animê, games, Teletubbies. É a GenZ em uma subcultura que intersecciona sexualidade e territorialidade (LGBT+ e nordestina), buscando refletir sobre afetos e imaginar novos mundos diante da deterioração das condições de vida no Planeta Terra.

Outros lançamentos do mês de Março* de 2026

*todas as indicações abaixo são de março, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[single] Agnes Nunes & Filipe Toca, “Bortoleta Furta-Cor” [BA e ??]

[álbum] Amabbi, Crisálida [SP]

[single] Ana Cacimba & PH Moraes, “Sereia” [SP e ??]

[EP] BaianaSystem, Línguas e Léguas (Música da Série Original Amazon Prime Cangaço Novo) [BA]

[single] Blaya, “No Meu Tempo de Escola” [CE-POR]

[single] Budah & Duquesa, “VIP (ninguém te conhece)” [ES e BA]

[single] Buhr, “Ânsia” [BA-PE]

[EP] Duda Ruas, bonita demais pra sofrer [TO]

[single] ENME, “CORAÇÃO REBELDE” [MA]

[álbum] Gilsons, Eu Vejo Luz Em Maior Proporção Do Que Eu Vejo A Escuridão [RJ]

[single] Giovani Cidreira, “Denga (Ao Vivo)” [BA]

[EP] João Gomes, Trapzeiro (Meu Piseiro Brasileiro) (Ao Vivo) [PE]

[single] Julia Mestre, “Afim De Verão" [RJ]

[single] LAURO, “MARIA MEDUSA” [PE]

[single] Léo da Bodega, “Bloco Campeão” [PE]

[single] LEOA e Léo da Bodega, “Tudo São Fases” [RN e PE]

[álbum] Letrux, SadSexySillySongs [RJ]

[single] Luísa Sonza, “Telefone” [RS]

[single] Mago de Tarso, Prodbythb & Bagua Records, “Pirraia Correria” [PE]

[álbum] Mariana Aydar & Mestrinho, Mariana & Mestrinho (Ao Vivo Te Vejo No Palco) [SP e SE]

[álbum] Marina Lima, Ópera Grunkie [RJ]

[single] Maui, “Lovebombing / Seu Telefone” [RJ]

[single] Mestrinho, “Vim Pra Ficar” [SE]

[single] Morris & Alessandra Leão, “Irôko em Montevideo” [?? e PE]

[single] Patrícia Bastos & Tarita de Souza (feat. Nayara Guedes & Rodrigo Bragança), “Canoa Voadeira” [AP, PA, SP e MG]

[álbum] Pupillo, Pupillo [PE]

[single] Roberta Campos & Tuyo, “Atento” [MG e PR]

[single] Saffira, “Incertezas e dúvidas” [SP?]

[single] Sofia Malta & UANA, “Falei de você na terapia” [PE]

[single] Wanderley Andrade, “Conquista” [PA]

Re/descobertas tardias altamente recomendadas

[álbum] Curumin, Pedra de Selva (2024) [SP]

[EP] Calorosa, Pacu e Pequi (2021) [MT]

[álbum] Lulina & Hurso, Vida Amorosa Que Segue – Vol. II (2025) [PE e ??]

[álbum] Walter Freitas, Tuyabaé Cuaá (2021 [1987]) [PA]

[álbum] IVYO, Frequência Tropical (2025) [BA]

Versões Alquímicas

Original (nº 0): Francisco, el Hombre (feat. Larissa Baq, Helena Maria, Salma Jô & Renata Éssis), “Triste, Louca ou Má” In: Soltasbruxa (2016)

Versão (nº 1): Mariana Aydar (feat. Maria Gadú), “Triste, Louca ou Má” In: Veia Nordestina (2019)

Versão (nº 2): Mariana Aydar & Mestrinho, “Triste, Louca ou Má” In: Mariana & Mestrinho (Ao Vivo Te Vejo No Palco) (2026)

Versão (nº 3): Ju Strassacapa (feat. Ellen Oléria & Assucena), “Triste, Louca ou Má” (2026)

Shows* de Março de 2026

*a numeração é anual, não mensal (por isto não começa no nº 1)

13 – [MA] Núbia: Sabores | Casa Natura Musical, 05 mar.

A nova estrela do reggae maranhense foi escolhida no último edital da Natura Musical e, assim, pode agora circular com seu maravilhoso disco Sabores (2024) pelo Brasil; São Paulo foi o início da tour. Por um lado, encarnando no palco, nas letras, sonoridades e performances a diáspora negra (conectando via fluxos musicais África, Jamaica e São Luís). Por outro lado, reverenciando quem veio antes: foi muito tocante a receptividade intensa e afetiva do público à “dama do reggae”, Célia Sampaio (já tinha visto ela se apresentar na Pinacoteca, no ano passado; sua energia é impressionante).

14 – [SP] Juçara Marçal: Elizete Sobe o Morro | Casa Natura Musical, 27 mar.

Juçara acompanhada de Kiko Dinucci, Rodrigo Campos e outros, homenageando Elizeth Cardoso, tinha sido o melhor show que eu assisti no ano passado (escrevi sobre isto na Retrospectiva 2025). Eu senti que a espacialidade mista do salão da Casa de Francisca (mista pois comportava tanto pista quanto mesinhas com as pessoas jantando) foi mais propícia ao formato do show (intimista, mas comportando corpos dançantes) do que as mesas que surgiram de forma inesperada na Casa Natura. De qualquer forma, a tensão proposta pela vanguarda paulistana entre tradição e inovação, reverência e experimentação, é simplesmente brilhante. E pessoalmente tocante, já que conversa diretamente com minha trajetória de ex-cavaquinista e pela relação afetiva que eu tenho com Elizeth, já que foi meu pai que a apresentou pra mim, nos idos dos anos 1990. Fiquei bem feliz em compartilhar isto rapidamente com a Juçara na saída do show.

15 – [SP e PA] Gafi do Amilcar convida Natália Matos | Tendal da Lapa, 28 mar.

Morei na Vila Romana por mais de uma década e nunca tinha entrado no Tendal da Lapa, um espaço vasto, com múltiplas possibilidades de uso, adorei finalmente ter conhecido. O show foi um baile de gafieira, com uma impressionante banda, em especial os instrumentos de metais (mas também curti a bateria) e contou com a participação especial da cantora paraense Natália Matos, que já destaquei aqui mais de uma vez (como no lançamento de seu single “São Paulo Capital” ou sua participação no baile carnavalesco-paraense protagonizado por pai-e-filho, Manoel e Felipe Cordeiro). O repertório foi especialmente tocante para mim, ao revisitar clássicos de Sinhô (“Jura”, 1928), Noel Rosa (“De Babado”, 1936), Wilson Batista (“Louco (Ela Era o Seu Mundo)”, 1947) e Dona Ivone Lara (“Sonho Meu”, 1978; e “Acreditar”, que não consegui encontrar a data de composição). Exatamente o período histórico das músicas que eu costumava tocar no cavaquinho: dos anos 1920 aos 1970.

Playlist dez. 2025 / fev. 2026

[verão] Antídotos pra Solidão = Spotify | YouTube

Chegou minha playlist do verão 2025-26! São antídotos musicais para quando se fica “mais solitário que um paulistano” (como diz o maranhense Zeca Baleiro, em “Telegrama”). Aqui, temos protagonismo pernambucano, do pop ao brega (mas também paraense); uma dobradiça de sambas da Pauliceia; um interlúdio baiano; inspirações nortistas; e uma dupla potiguar; será que existe amor em SP 2026?

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em mar. 2026?

NORDESTE

– BA (x10): Assucena, Cabaça Sonora, Diomedes, Ejigbo, Iná Tupinambá, IVYO, jade lu, Paulinho do Reco, Totô de Babalong, Victor Badaró

– PE (x4): Amaro Freitas, Jader, Lulina, Pupillo

– CE (x2): Cidadão Instigado, RAPadura

– MA: Núbia

– PI: Wândalo

– SE: Táia

SUDESTE

– SP (x6): Amabbi, Curumin, Gafi do Amilcar, Ju Strassacapa, Juçara Marçal, Rael

– RJ: Alice Caymmi

– MG: Bemti

CENTRO-OESTE

– DF: Ellen Oléria

– MT: Calorosa

NORTE

– PA (x2): Natália Matos, Walter Freitas

E não pulei muito Carnaval, mas vivi intensamente a guitarrada paraense ao vivo na Casa de Francisca bem como viajei para Recife e Olinda através da música pernambucana nas plataformas de streaming (mas também, é verdade, pela modalidade offline, graças ao fantástico show de Alessandra Leão).

Sem mais delongas, simbora pros lançamentos, (re)descobertas e agora institucionalizando de vez as seções “versões alquímicas” e “shows no último mês”.

Nove lançamentos de Fevereiro de 2026 altamente recomendados

1 – [EP] AQNO e Nat/Esquema, No Esquema #LBLRemixes [PA]

Versão deluxe de Latino Brega Love, um dos melhores álbuns do ano passado (o 7º em minha Retrospectiva de 2025). Como já fizeram recentemente outros artistas (Enme, Luísa e os Alquimistas, Aíla e, no último mês, Luê), o disco ou EP com remixes costuma acelerar os BPMs, bem como, no caso de artistas paraenses, a tendência é regravar as faixas na língua franca do tecnobrega. Como abordei na última newsletter, a opção de Luê, no EP Brasileira do Norte (Deluxe) foi por pluralizar a produção musical. Já Aqno seguiu a linha de Aíla e concentrou os remixes em apenas uma produtora: no caso dela, a DJ Meury (SENTIMENTAL deluxe, 2024) e, no caso dele, a DJ Nat/Esquema. A consequência é um EP mais redondo, mas, de qualquer forma Aíla ainda permanece, para mim, o paradigma paraense mais avançado e bem-acabado (o parâmetro nacional, por sua vez, é o brilhante ATABAKE Deluxe, da Enme, não canso de escrever). Fiquei triste que o remix de “Zouk Love” (feat com Layse) acabou excluindo o seu clímax: “Lapidei o rubi do meu coraçãaaaao” (fiquei ali na expectativa de cantar junto e nunca chegava a hora rs). Mas a colaboração de Aqno e Nat/Esquema produziu ótimos tecnobregas, escutem tanto o EP deluxe quanto o disco original!

2 – [single] BaianaSystem, Pitty, Tropkillaz & Vandal, “Cobra Criada/Bicho Solto (Refix)” [BA e SP]

Refix (uma forma de remix) da faixa que eu considero a mais relevante para compreender com profundidade e precisão o projeto estético e político do BaianaSystem formulado em seu último disco, O Mundo Dá Voltas (na minha resenha, eu interpretei o bicho domesticado/solto como metáfora para o midstream, isto é, a semi-periferia da indústria cultural). Aqui, uma faixa eletrônica “com fusões de afro-rock, trap e funk brasileiro”. O BPM ficou mais acelerado e a versão ficou mais sintética. E boa demais!

3 – [álbum] Leo Middea, Notícias de Puglia [RJ-ESP]

De longe o disco que eu mais ouvi no mês (em alguns dias, mais de uma vez). Um álbum solar e extremamente divertido (“bem balançado”, como disse uma amiga). Sinteticamente, são múltiplas brasilidades (samba, marchinha, bossa-batucada, funk) produzidas por um carioca radicado na Espanha. As temáticas são as possibilidades e necessidades de encontro e de tecer laços na perspectiva de um artista que circula por Barcelona e Nova Iorque e que sente orgulho de sua identidade musical nacional e regional (sul-americana). As faixas passeiam por amores, amizades, saudades da família e a construção de comunidade através da música, como atesta a faixa de encerramento, uma roda de samba com o Coletivo Gira. Destaque é a faixa “O Baile Começou”, que, por ter tocado no fone em looping, certamente estará na minha playlist de verão; aguardem.

4 – [single] Liniker, “Charme” [SP]

Originalmente apresentado por Liniker no Tiny Desk Brasil, em dezembro, este single marca uma nova fase de sua carreira, pós-Caju. Embora o álbum de 2024 tenha sido um sucesso de público e crítica especializada e consagrado pelas premiações nacionais e internacionais, não chego a ser grande entusiasta deste trabalho pois me parece excessivamente baseado em uma estética da respeitabilidade das normas e convenções musicais (por outro lado, é um caso interessante para mostrar como não existe relação mecânica ou automática entre projeto estético e identidade de gênero - um polo oposto à Liniker me parece ser a estética do choque da rapper trans maranhense Enme Paixão). Contudo, este single recém-lancado compõe bem com o feat da Liniker em “Tatuzinho” (melhor single de dezembro de 2025), da compositora e cantora pernambucana Alessandra Leão. Minha aposta otimista é que, após a fase Caju, Liniker pode estar se orientando em direção ao elemento cultural mais efervescente da música brasileira: a coalizão musical Norte-Nordeste. Afinal de contas, “Charme” foi composto a partir da inspiração pelo Pará e, mais especificamente, pela ilha de Marajó.

5 – [remix] Manodom e Rita Benneditto, “Jurema” [RJ e MA]

Conforme Anitta já anunciou que seu próximo disco trará com centralidade o que ela denominou de “macumbeats”, me parece relevante reconhecer e reverenciar quem foi precursor/a e já está engajado/a nesta linha estética há anos ou décadas. Rita Benneditto, compositora maranhense, é uma destas; seu disco Tecnomacumba, é de 2006. Neste remix, o DJ carioca Manodom, que se autodefine como um Ogã Eletrônico e que realiza “Música eletrônica Popular Brasileira”, radicaliza a virada eletrônica, vale a pena conferir!

6 – [single] Mariana Froes, “Colombina” [GO]

Embora não tenha emigrado, uma outra artista brasileira que se internacionalizou intensamente nos últimos tempos. Mari Froes começou muito numa chave sambas e MPB contemporânea, lançando diversos singles desde 2019. Neste aqui, ela aproveita a virada eletrônica que a tornou viral com a versão de “Vaitimbora” com a dupla francesa Trinix, abrindo com a confissão de que, com todas as turnês pela Europa nos últimos meses e anos, ela se desterritorializou: “Nem sei mais quanto tempo eu tô longe de casa / Sou cidadã do mundo e não me prendo a nada”. Ao mesmo tempo, o mais interessante do single é o descompasso desencadeado entre o conteúdo poético, que no exato momento em que diz “Meu bem eu vim neste samba te encontrar”, se encaminha para uma forma musical eletrônica nada sambística. Estou bem curioso para visualizar como (e se) ela vai articular a gênese no samba (contemporâneo, porém mais convencional) e o cosmopolitismo que a música eletrônica lhe proporcionou.

7 – [single] Mulú, Melly & DanDan, “PEIXIN” [RJ, BA e PE]

Música lançada visando 3 alvos: ser hit de verão, de carnaval e também abrindo a temporada pisciana: “Mergulha em mim / Nós dois juntos feito peixin / Que eu boto fé / Que esse amor foi feito pra qualquer maré / Aê aê aê feito pra qualquer marê / Aê aê”. Também ouvi em looping por aqui.

8 – [álbum] Romulo Fróes, Boneca Russa [SP]

Um disco bem difícil de escutar – algo que só experienciei recentemente com os últimos discos de Negro Leo (RELA, 2024) e Emicida (Emicida Racional VL 2 - Mesmas Cores & Mesmos Valores, 2025). Contudo, tal dificuldade é resultado intencional do seu projeto estético, uma unidade entre forma e conteúdo. Por um lado, a herança da vanguarda musical paulistana; por outro, esta forma (contracultural) é exigência do material (vivido e poético): a elaboração do luto a partir do fim de seu casamento com a pesquisadora e compositora Alice Coutinho (para quem não sabe, a faixa-título do disco clássico-contemporâneo de Elza Soares, “Mulher do Fim do Mundo”, é uma composição dela com Fróes). Em entrevistas, ele tem enfatizado que a distância entre o fim do relacionamento e o lançamento do álbum (sintomaticamente na última 4ª feira de cinzas) permitiu que as faixas compusessem um disco-testemunho em vez de um disco-testamento, uma orientação mais ao reconhecimento de um encontro vital que teve começo-meio-e-fim do que da insistência na negatividade. Através da escuta, por conta dos elementos insólitos (como seu canto e o “baixo sombrio de Marcelo Cabral”), tive dificuldades em ultrapassar a musicalização do sofrimento e alcançar tal caráter de testemunho. Mas pode ter sido um misto de condicionamentos biográficos e limitações técnicas da minha parte. De qualquer forma, o destaque para mim foi “Um domingo sem luz”: “Eu perdi / A casa / Nos dias sem luz de domingo tentando fugir / De lá / Entendi / Foi nada / Ainda desejo um domingo sem luz pra / Me devorar”.

9 – [single] Sofia Malta e Martins, “Chá” [PE]

Produção de Barro (Rachel Reis, Meu Esquema, 2022; UANA, Megalomania, 2024) e Eutimyo (Mirela Hazin, “Me Conta”, 2025; UANA, Fervo 90!, 2025), a música nasceu a partir do reality show TOCA Revela, organizado pelo Toca UOL e no qual ela foi vice-campeã. Um dos singles envolventes que eu me referi na introdução da newsletter: “Sem querer me apaixonei / Do nosso amor eu fiz um chá / Fiz um chá / Fiz um chá / Eu fiz de tudo pra você ficar”.

Outros lançamentos do mês de Fevereiro de 2026

[single] Animal Invisível, “Dendê” [RS]

[álbum] BaianaSystem, Mixtape Pirata, Vol. 1 [BA]

[single] Daíra, Duda Brack & Mari Jasca, “Cartomante” [RJ e RS]

[single] Ellen Oléria e Rincon Sapiência, “Te Faria” [DF e SP]

[single] Íra & Brunoso, “Trama” [AP-PA e MA]

[single] Joyce Alane, “Um dia eu te encontro” [PE]

[álbum] Makalister, dEPOIS dE sOBREVIVER qUERO vIVER dEPOIS dE vIVER qUERO eXISTIR [SC]

[single] Mariana Magalhães, “AMORES VÊM E VÃO (REMIX)” [RJ]

[single] Mariana Mesquita “Corpo Devaneio” [PB]

[single] Peux e cami santiz, “Cafuné” [RN]

[single] Pupillo & Agnes Nunes, “Forró no Asfalto” [PE e BA]

(Re)descobertas tardias altamente recomendadas

[single] Afroito, “Nunca Mais Eu Venho” (2020) [PE]

[álbum] Afroito, MENGA (2021) [PE]

[álbum] Afroito, LEBARON (2023) [PE]

[álbum] Alessandra Leão, Acesa (2021) [PE]

[álbum] Alulu Paranhos, Põe Esperança Nisso (2025) [RJ]

[álbum] Cátia de França, Vinte Palavras ao Redor do Sol (1979) [PB]

[álbum] Cátia de França, No Rastro de Catarina (2024) [PB]

[single] Dino d’Santiago, “Nova Lisboa” (2018) [POR-CPV]

[álbum] Dino d’Santiago, BADIU (2021) [POR-CPV]

[álbum] Juçara Marçal e Kiko Dinucci, Padê (2008) [SP]

[álbum] Renata Rosa, Manto dos Sonhos (2017) [SP-PE]

Versões alquímicas

Original (nº 0): Luísa Sonza, “melhor sozinha :-)-:” In: DOCE 22 (2021)

Versão (nº1): Luísa Sonza & Marília Mendonça, “melhor sozinha :-)-:” (2021)

Versão (nº2): Mariana Aydar & Fejuca, “Melhor Sozinha (Ao vivo)” (2023)

Shows* de Fevereiro de 2026

*a numeração é anual, não mensal (por isto não começa no nº 1)

8 – [PA] Gaby Amarantos: Rock Doido | Audio, 06 fev.

Acontecimento histórico pois abriu a turnê nacional do melhor disco de 2025: Rock Doido. Rolaram alguns problemas técnicos (no telão e no som, estourado). Mas foi intenso e emocionante, em especial saber que a última faixa do disco é um louvor.

9 – [PE] Amaro Freitas: Show do álbum Y’Y | SESC Bom Retiro (teatro), 07 fev.

Por ser formado na tradição da canção, eu sinto que tenho dificuldades em fruir a música instrumental. Acabei oscilando entre descolamento e imersão nas habilidades frenéticas de Amaro. E a música de encerramento do show foi a última faixa de AMARO, CRIOLO E DINO, o que me deixou particularmente feliz.

10 – [PA] Manoel e Felipe Cordeiro: Baile do Bloco do Papai | Casa de Francisca (porão), 12 fev.

O ápice do meu carnaval! O primeiro show de pai e filho guitarristas paraenses depois de participarem do Tiny Desk Brasil. Para além de sambas, marchas ou frevos, eles passearam por guitarrada, brega e carimbó. Destaque para a versão alquímica de Natália Matos de “Conquista” (enquanto a original de Wanderley Andrade é monotônica, mais falada do que cantada, ela inseriu variações mais emocionantes e envolventes).

11 – [MG] Urias: Carranca | SESC 14 Bis (teatro), 13 fev.

Depois de ter assistido o mesmo show na Áudio, em dezembro, conclui que o SESC é um ambiente menos propício para Urias (todo mundo sentado X todo mundo em pé dançando). Além disso, a supressão dos interlúdios e a mudança na ordem das músicas quebra muito da discursividade política radical do disco Carranca, que no meu entendimento praticamente deixa de ser uma viagem através de um Atlântico negro queer.

12 – [PE] Alessandra Leão: Acesa | SESC Bom Retiro (teatro), 22 fev.

Melhor show que eu fui no ano até o momento! A estrutura foi um A-B-A. A seção “A” foi basicamente o último disco da compositora e percussionista pernambucana: muitos maracatus e cirandas eletrônicos (ou até se poderia dizer “macumbeats”…). E o interlúdio “B” foi um par: uma impactante versão do brega pernambucano “Alvejante” de Priscila Senna e, como forma de superação afetiva da fossa (“depois que você cai, você se levanta”, disse a cantora), o single “Tatuzinho” (co-composição de Kiko Dinucci e feat da Liniker). Lindo demais.

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em fev. 2026?

NORDESTE

– PE (x6): Afroito, Alessandra Leão, Amaro Freitas, DanDan, Martins, Sofia Malta

– BA (x4): BaianaSystem, Melly, Pitty, Vandal

– MA: Rita Benneditto

– PB: Cátia de França

SUDESTE

– SP (x6): Juçara Marçal, Liniker, Mariana Aydar, Renata Rosa, Romulo Fróes, Tropkillaz

– RJ (x4): Alulu Paranhos, Leo Middea, Manodom, Mulú

– MG: Urias

NORTE

– PA (x5): AQNO, Felipe Cordeiro, Gaby Amarantos, Manoel Cordeiro, Nat/Esquema, Natália Matos

CENTRO-OESTE

– GO (x2): Mariana Froes, Marília Mendonça

SUL

– RS: Luísa Sonza

Por um lado, destaco um evento no IMS (confiram a nova seção “Shows do mês”, ao final) e o trabalho do músico e pesquisador Tadeu Kaçula, que também mantém um Substack e produziu um importante podcast sobre o samba do maravilhoso Geraldo Filme. É uma batalha por descentrar as narrativas em torno do peso excessivo dado a Adoniran Barbosa - o qual eu adoro, mas a questão aqui é uma relação de poder e de embranquecimento e, portanto, de invisibilização da gênese do samba paulista, tão negro quanto o carioca.

Por outro lado, um show no vão do Masp conecta a música vanguardista paulistana de hoje e de ontem: Juçara Marçal, Kiko Dinucci e Suzana Salles homenageando o saudoso Itamar Assumpção. Nos dois casos, legados e seus respectivos herdeiros: escolas de samba e a cena em torno do Metá Metá.

No mais, adianto que o livro Atlântico negro, de Paul Gilroy, provavelmente vai nos acompanhar nas próximas edições. Por ora, o seu conceito de diáspora negra vai nos ajudar a compreender a profundidade o alcance de dois destaques de Janeiro de 2026: o single de Enme e Gugs (encontro sincrético entre o tambor de crioula maranhense e o kuduro angolano) e o disco CRIOLO, AMARO E DINO (absurdo encontro fractal e híbrido entre sonoridades brasileiras e cabo-verdianas).

Por fim, explicito que a coalizão musical Norte-Nordeste aparece aqui encarnada em dois lançamentos: Maranhão-Amapá e Pernambuco-Pará. Como podem ver, os encontros e os fluxos são mais relevantes do que as territorialidades e as normas fixas.

E, para realmente encerrar esta introdução, fiquem com esta compilação de pérolas poéticas que acabaram não entrando nos destaques, com a esperança de que vocês prestem atenção e escutem estes preciosos e deliciosos singles, também de janeiro de 2026:

“Madrugada já rompeu / Ai e eu aqui tão só / Desejando um beijo seu / Ai você me deu um nó / Eu corro perigo / É tarde demais / Tarde demais / É tarde / Pra ouvir o meu juízo / Eu assumo o risco / De me apaixonar” (Mariana Volcker, “Desassossego”);

“Vivi o nosso amor do lado avesso / Olha só o que eu me tornei / Eu sou sua e você bem sabe / Sou tão sua e nem sei o porquê / Como posso achar meu caminho / Se minha sina é perder-me em você” (Esther Torres & Manoel Cordeiro, “Avesso”);

“Foi terminando com você / Que acabei comigo / Terminando com você / Que eu acabei” (LAURO, Joyce Alane & CANETARIA, “MEU FI”).

Nove lançamentos de Janeiro de 2026 altamente* recomendados

*o último destaque é recomendado mais enquanto objeto de reflexão do que de fruição musical ;)

1 – [medley] Alcione, “Marabaixo: Tradição do Amapá” [MA]

De vez em quando um fenômeno cultural específico encarna (e, portanto, comprova de certa forma) uma hipótese cultural mais ampla; no caso deste Substack aqui, este medley exemplifica muito bem a coalizão musical Norte-Nordeste. Uma das maiores vozes maranhenses empresta, à convite do governo estadual do Amapá, sua visibilidade para a maior tradição afro-amapaense (religiosamente sincrética): o Marabaixo. O nome desta manifestação cultural – que reúne dança, percussão e canto – se origina como um lamento aos negros escravizados que morriam nos navios negreiros e tinham seus corpos jogados ao mar. Para vocês verem como funciona o circuito cultural da música contemporânea, até a caixa de comentários do YouTube pode funcionar como espaço de recepção crítica e reflexiva de produtos da indústria cultural: o perfil Contosamazonicos38 contextualizou que a homenagem de Alcione está restrita à vertente urbana, muito embora a diversidade rítmica do Marabaixo inclua toques diferentes “nas comunidades rurais (quilombolas e tradicionais)”.

2 – [single] Ana Cacimba, Léo da Bodega & Los Brasileros, “Mandinga” [SP-MG e PE]

Colaboração entre dois artistas que já apareceram por aqui em edições anteriores da newsletter: Ana Cacimba (LUMINOSA, ATO I: LUA, 2025) e Léo da Bodega (Botija, 2024), ambos produzidos pela Head Mídia (que tem um selo com a Universal Music). A sonoridade do single “transita por um afro pop tropical de pegada world music, combinando violões, congas e beats eletrônicos” e ressignifica a mandinga como resistência fundamentada na ancestralidade: “Recuei para poder avançar [...] Todo fim é um novo começo / Toda queda lhe põe de pé”. Para todas as pessoas que estamos precisando que 2026 seja “ano novo, vida nova”, vale a pena ouvir e fruir.

3 – [álbum] Carlinhos Brown & Deeplick, ELETROCARNABROWN [BA e SP]

Seis remixes eletrônicos de músicas compostas por Carlinhos Brown (e mais duas inéditas). Exercício semelhante já havia sido feito pela dupla do músico baiano e do DJ paulista em EletroTribalistas (2022). Destaques para mim desta vez foram as faixas “Magalenha”, “Muito Obrigado Axé” e “Tantinho”. O disco tem seus altos e baixos, mas dialoga com um certo núcleo da imaginação musical brasileira contemporânea, a articulação entre beats e batucadas.

4 – [álbum] Criolo, Amaro Freitas & Dino d’Santiago, CRIOLO, AMARO E DINO [SP, PE e POR-CPV]

Um incrível encontro afro-diaspórico, tão espontâneo quanto sofisticado, entre três homens negros: o rapper paulistano Criolo, o pianista recifense Amaro Freitas e o cantor português de família cabo-verdiana Dino d’Santiago. A colaboração do trio tinha um antecendente, o trio “Esperança” (2024), mas ainda não era possível ali vislumbrar a complexidade que o empreendimento tomaria. As territorialidades são evidentemente múltiplas: Brasil (passando por São Paulo, Recife e Rio de Janeiro), Portugal (Lisboa, onde Dino mora, e Bairro dos Pescadores em Quarteira-POR, onde ele cresceu) e Cabo Verde (ilha de Santiago, de onde vieram os pais de Dino). Contudo, há mais aqui do que esta mera listagem de unidades territoriais fixas, porque o que importa são os fluxos e como, dependendo da escala, torna-se possível dissolver e entrelaçar de formas complexas as interações e relações hierárquicas entre diferentes pontos da rede que compõem a diáspora negra: (i) na escala internacional, temos as ex-colônias (Brasil e Cabo Verde) e a ex-metrópole (Portugal); (ii) na escala nacional, as regiões que a compõem o “Brasil” (sudeste - eixo Rio/São Paulo - e nordeste - com Pernambuco); e, por fim, (iii) o municipal que depois se interverte em transnacional (Grajaú, periferia de São Paulo, onde Criolo nasceu; Nova Descoberta, periferia de Recife, de onde veio Amaro Freitas; e, por fim, uma Lisboa híbrida e crioula, na qual o centro é constituído pelas periferias do ex-império, com destaque para a Cova da Moura, bairro com grande concentração de cabo-verdianos, no município da Amadora, Área Metropolitana de Lisboa). Além disso, é um disco poliglota, graças à contribuição de Dino: português brasileiro, português de Portugal, crioulo cabo-verdiano, inglês e francês. E, acima de tudo, trata-se de um álbum radicalmente sincrético em termos de gêneros musicais: jazz contemporâneo, rap, funk, salsa, coco, maracatu, pop alternativo, soul e, por fim, diversos estilos cabo-verdianos (batuku, morna, coladeira, funaná). A colaboração do trio reinventa um Atlântico negro, sensível e compartilhado entre eles, dissolvendo fronteiras e intensificando a circulação transnacional de todas as maneiras que a música - linguagem privilegiada por Gilroy, aliás - pode alcançar. Muitas das letras falam de amor e liberdade, mas o tom eu sinto que é mais melancólico do que triunfante. Dentre as faixas, a politicamente ecológica “Amazônia (A-i’ahu)” é a que menos funcionou para mim, aquém da complexidade e sofisticação do restante do álbum. Destaques, por outro lado, foram as excelentes e impactantes “Seka” e “Hoje Eu Vi Você”, mas diversas faixas oscilam entre muito boas e ótimas. Ah, cabe mencionar que a capa foi feita pelo artista plástico Vik Muniz. Enfim, desde o primeiro mês do ano, já é possível cravar que CRIOLO, AMARO E DINO estará entre os melhores discos de 2026; simplesmente escutem!

5 – [single] Enme, GUGS, Diogo Nazareth & Vik Nobre, “Tranca Rua” [MA]

Já disse em outras edições que a Enme Paixão alcançou em seus discos ATABAKE (2022) e ATABAKE Deluxe (2024) o desenvolvimento mais avançado do material musical da cena independente maranhense, cujo grande hub é o Criola Beat. Enquanto o disco Isso É Criolabeat (que este coletivo lançou em dezembro de 2025) buscou normatizar o criola-beat e priorizou a forma-toada frente à forma-canção, os trabalhos posteriores de Enme se orientaram majoritariamente para as normas do amapiano. Já este single recém-lançado, que Enme divide com o também rapper Gugs, o produtor Diogo Nazareth (que faz um trabalho interessantíssimo sobre produção e pesquisa de beats e batuques no Instagram) e Vik Nobre (integrante de bandas maranhenses como Fluxo Sonar e Os Tropix) me parece um retorno ao universo musical (subversivo de normas) de ATABAKE, mas desta vez o núcleo do projeto estético é um sincretismo afrodiaspórico entre o tambor de crioula (tradição maranhense que está na base dos trabalhos do Criola Beat) e o kuduro (gênero musical angolano), enquanto o canto também retorna às origens de Enme como rapper diferenciada. Ótima exemplificação de como a música do Atlântico negro é produzida através da circulação transnacional (já mencionei que vamos conversar mais sobre esta mobilização da rica obra de Paul Gilroy em edições futuras desta newsletter).

6 – [single] Jáder & Jaloo, “Volta” [PE e PA]

Pensa um feat que faz sentido! O encontro de dois grandes artistas que exemplificam a vertente queer da coalizão musical Norte-Nordeste contemporânea. Enquanto Jáder lançou o ótimo álbum QUEM MANDOU CHAMAR??? (piseiros com temática LGBT+ produzidos em 2022 pela dupla também pernambucana Barro e Guilherme Assis), Jaloo é, por sua vez, uma cantora, compositora, produtora e DJ paraense e não-binária com carreira já longa. Este single (composto por Jáder com UANA e Barro – trio pernambucano fodástico) anuncia o 2º álbum do recifense e tece um universo latino-brasileiro, melancólico e tocante, transitando entre o pop, o brega pernambucano e a bachata: “A vida presta amor / É só você voltar pra miiiim”.

7 – [single] Lavínia e Tulipa Ruiz, “Meu Jeitinho” [BA e SP]

Um sincretismo divertido de pop, arrocha e piseiro, além de uma letra sincerona: “Só quero quem não vale / É o meu jeitinho / Também não presto muito e faço direitinho / Amor, amor / Me bagunça por favor”.

8 – [EP] Luê, Brasileira do Norte (Deluxe) [PA]

Versão deluxe do excelente Brasileira do Norte (2024), que foi o terceiro álbum da cantora paraense, já analisado por aqui. A prática de produzir discos deluxes com remixes ou releituras, de modo geral mais acelerados e permeados por uma linguagem mais fortemente eletrônica, tem sido uma constante nos anos 2020, como por exemplo, os últimos discos de Enme (MA), Luísa e os Alquimistas (RN) e Aíla (PA) – quem conhecer mais exemplos, me conte! A última cantora, por também ser paraense, era um pouco o horizonte que alimentou as minhas expectativas com o novo trabalho de Luê. Minha sensação é que a escolha de Aíla ao concentrar as versões em uma única produtora (DJ Meury) gerou uma obra mais redonda (o fantástico SENTIMENTAL deluxe, de 2024), enquanto a opção de Luê foi contar com mais colaboradores, embora o seu companheiro e ex-integrante da banda Francisco El Hombre tenha grande protagonismo: Mateo Piracés-Ugarte (faixas nº 1, 3, 4 e 6), Will Love (nº 2), Felipe Cordeiro e Matheus Padoca (nº 3), Luan Casado (nº 4) e, por fim, Miss Tacacá e Lofihouseboy (nº 5). O maior destaque para mim foi a única faixa que foge da proposta de versões à la tecnobrega: a última faixa acústica (que não conta com a potente participação de Fafá de Belém, mas Luê banca lindamente a música, uma reflexão sobre a passagem do tempo para as mulheres: “Já não sou mais aquela menina / Mas a mulher que me tornei me cai tão bem / Calejei, mas não perdi o brilho / Na verdade, acho que sou tipo um bom vinho / Fiz do tempo meu amigo”).

9 – [álbum] Luisa Sonza, Bossa Sempre Nova [RS]

Eu me senti (infelizmente?) obrigado a incluir este álbum na newsletter para tentar difundir uma recepção crítica alternativa ao que tem emergido na imprensa e na internet (sites especializados e perfis de influenciadores nas redes sociais). Embora o repertório discursivo, o gosto musical e a circulação irregular (já que é humanamente impossível ouvir todos os lançamentos de cada mês) sejam sempre condicionantes do material musical escolhido aqui, meu principal parâmetro para avançar o mapeamento da Imaginação Musical Brasileira é basicamente o lema “eleger discos que sejam bons para se pensar” – isto vai querer dizer, na maioria das vezes, recomendações de obras ótimas ou excelentes, mas eventualmente o que é ruim alimenta a reflexão e, portanto, a nossa compreensão do tempo presente (objetivo teórico-crítico central deste Substack). Pois bem. O disco foi um tédio para mim. Mas tem sido um sucesso de “público, crítica e renda”, como se costuma dizer. Como explicar? Conclui que o movimento da cantora pop em direção à bossa nova é uma jogada de marketing brilhante e multidimensional; ela está jogando um xadrez 3D ou até mesmo 4D: (i) várias pesquisas têm indicado que a Geração Z (nascidos entre 1997 e 2010) está ouvindo mais MPB e segundo a interpretação de um influenciador musical isto abre uma janela de oportunidade para Sonza atuar em um “trabalho pedagógico” de apresentação de outras músicas ainda antigas (para além do que se tem definido de modo bem amplo como “MPB": Chico Buarque, Djavan, Legião Urbana, Marisa Monte, Tim Maia, etc.) – outros influenciadores detectaram também uma oportunidade para eles próprios produzirem conteúdo neste mesmo sentido pedagógico de divulgação iluminista-bossanovista; (ii) a bossa nova é a marca clássica mainstream do Brasil no cenário internacional (ou, dito de outro modo, nosso principal produto-de-exportação musical, talvez rivalizado hoje apenas pelo funk) e outros artistas pop gravaram bossa recentemente (como Billie Eilish e Olivia Dean); logo, a jovem brasileira pode estar preparando terreno para uma carreira internacional; (iii) ela certamente está buscando se credibilizar como “cantora séria” diante de críticos especializados (mais ou menos elitistas) que idolatram quase de modo automático a bossa nova (Mauro Ferreira é um ótimo crítico musical, bastante antenado e até ele elogiou o disco de Luisa Sonza) – ajuda muito ela ter recebido a chancela de Roberto Menescal e Toquinho; e (iv) last but not least, Sonza vai conseguir hackear via algoritmo todas as buscas que as pessoas forem fazer a partir de agora pelas músicas que ela regravou pois ao procurar as originais, conforme o perfil dela nos streamings é muito maior do que os de João Gilberto, Tom Jobim ou qualquer outro nome associado à bossa nova original, serão as versões dela que vão aparecer em primeiro lugar. Em termos estratégicos, ela está de parabéns; contudo, nem todos os plays, likes, shares e resenhas positivas juntos fazem o disco uma contribuição para avançar as fronteiras da imaginação musical brasileira. É a funcionalização do “mais do mesmo” (uma das parcelas mais brilhosas do cânone musical nacional) para a autoconstrução de sua carreira individual. E é o capitalismo tardio parasitando a canonização advinda de outra era histórica (ainda analógica), um entrelaçamento das relações de poder econômico e cultural.

Outros lançamentos do mês de Janeiro de 2026

[single] Afterclapp, “Sua Origem” [SP]

[álbum] ÀTTØØXXÁ, Tá Pra Onda [BA]

[single] BaianaSystem, “Fanfarra Pirata” [BA]

[álbum] Bemti, Adeus Atlântico [MG]

[single] Benziê, “Cabeça na Lua” [SP]

[single] Boombeat, aocoral & Siamese (feat. Jupi77er & Enme), “EXISTE” [SP e MA]

[álbum] Cynthia Luz & Ecologyk, Ponto Panorâmico [MG e SP]

[single] DAY LIMNS, Giana Mello & Los Brasileros, “IMAGINA” [GO, PR]

[single] Deluce & Ava Rocha, “Descansadão” [RS e RJ]

[single] Dora Sanches, “Linda e Perigosa” [MS]

[single] Esther Torres & Manoel Cordeiro, “Avesso” [MG e PA]

[single] Fabio Brazza, Vitão, & Paiva Prod, “Partido Alto” [SP]

[singles] Gilsons, “BEM ME QUER / MINHA FLOR” [RJ]

[single] Gustavo Ortiz, “Afoxé do Nego Véio” [SP]

[álbum] Isma, MADE IN COHAB [SP]

[single] LAURO, Joyce Alane & CANETARIA, “MEU FI” [PE]

[single] LUDMILLA, Emilia & Latto, “BOTA” [RJ, EUA e ARG]

[single] Mari Froes, “MOMENTO” [GO]

[álbum] Mariana Da Cruz, Som Sistema [SP-SUI]

[single] Mariana Volcker, “Desassossego” [RJ]

[EP] NARÉ, Orgulhosamente Brega, Vol. 1 [PA]

[álbum] Teresa Cristina, Jessé - As canções de Zeca Pagodinho [RJ]

[EP] Urias & Major RD, Voz Do Brasil (Remix) [MG e RJ]

[single] Walder Wolf “Popopô” [PA]

[singles] XYYKO, “Jangada” [CE]

(Re)descobertas tardias altamente recomendadas

[álbum] Batucada Tamarindo, Batucada Tamarindo (2019) [SP]

[single] Batucada Tamarindo, “Caminho do Desconhecido (Remix DJ Mari Rossi)” (2024) [SP]

[álbum] Clementina de Jesus, Tia Doca & Geraldo Filme, O Canto dos Escravos (1982) [MG, RJ e SP]

[álbum] Itamar Assumpção, Intercontinental! Quem Diria! Era Só o Que Faltava! (2000) [SP]

[EP] Orquestra Greiosa, Desmantelo (2024) [RN]

[single] RAVIA, “Amor Barato” (2025) [RN]

[single] Sarah Oliver, “Redinha” (2023) [RN]

[álbum] Victória dos Santos, Lata Orí (2022) [SP]

Versões alquímicas

Original (nº 0): Fagner, “Espumas ao Vento” In: Terral (1997)

Versão (nº1): Mariana Aydar, “Espumas ao Vento” In: Veia Nordestina (2019)

Versão (nº2): Alice Carvalho, “Espumas ao Vento (Da Série Original Amazon Cangaço Novo)” (2023)

Shows de janeiro

1 – [CE] Don L: Caro Vapor II | SESC Pompeia (Comedoria), 08 jan.

Segunda vez que eu fui neste show! A primeira, na Áudio, foi épica. Esta no Sesc foi ótima. Leiam lá na resenha de um dos melhores discos de 2025 a minha análise sobre como o final do show encarna os bloqueios políticos à transformação social.

2 – [BA] Agnes Nunes: O Amor e Suas Variáveis | SESC Pompeia (Teatro), 09 jan.

Um dia a jovem cantora baiana vai ser gigante. Além de cantar muito bem e ter lindas composições, ela é carismática demais. O seu primeiro show que eu fui, no Cine Joia, foi mais impactante do que este no Sesc, talvez pelo formato (sentado X em pé).

3 – [PA e AP] Manoel Cordeiro e Patrícia Bastos: Seresta Amazônica | Casa de Francisca (salão), 20 jan.

Pororoca da cantora amapaense com o guitarrista paraense. Músicas amazônicas das antigas, com direito até a performances radiofônicas. Bem adequado, já que o palacete perto da Sé já foi a sede da Rádio Record.

4 – [SP] Céu: Céu 20 Anos | Áudio, 23 jan.

Comemoração histórica de 2 décadas do lançamento do 1º álbum da Rainha da Música Brasileira Contemporânea. Passei a semana vidrado na sua versão de “Ronco da Cuíca”. Casa lotada. Mas amei mais seus shows do disco Novela nos SESCs em 2025.

5 – [SP] Juçara Marçal, Kiko Dinucci e Suzana Salles cantam Itamar Assumpção | Masp (vão), 24 jan.

Véspera do aniversário da cidade de São Paulo, a contracultura paulistana homenageando seu antepassado vanguardista. Infelizmente, o vão do Masp tem uma péssima acústica, prejudicando a fruição da excelente música.

6 – [SP] Tadeu Kaçula, Tia Neide (Camisa Verde e Branco), Dona Bernadete (Unidos do Peruche), Marco Antônio (Nenê de Vila Matilde) e Fernando Penteado (Vai-Vai), Geraldo Filme e o samba paulista | IMS Paulista (térreo), 25 jan.

Em disputa pela “desadoniranização” do samba paulista, o pesquisador Tadeu Kaçula reuniu representantes de velhas guardas de escolas de samba da cidade. Emocionante, mas o público falante foi quebrando para mim a mística do evento.

7 – [RJ] Clarissa: Tantas Formas de Dizer Adeus | Cine Joia, 30 jan.

Foi interessante que o show investiu mais no lado rock do “indie pop-rock” da cantora carioca. Público de mega-fãs alucinados e joveníssimos, tanto que acabou antes da meia noite, deu até para pegar o metrô na volta rs.

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em jan. 2026?

NORDESTE

– RN (x4): Alice Carvalho, Orquestra Greiosa, RAVIA, Sarah Oliver

– BA (x3): Agnes Nunes, Carlinhos Brown, Lavínia

– MA (x3): Alcione, Enme, Gugs

– PE (x3): Amaro Freitas, Jáder, Léo da Bodega

– CE: Don L

SUDESTE

– SP (x13): Ana Cacimba, Batucada Tamarindo, Céu, Criolo, Deeplick, Itamar Assumpção, Juçara Marçal, Kiko Dinucci, Mariana Aydar, Suzana Salles, Tadeu Kaçula, Tulipa Ruiz, Victória dos Santos

– RJ: Clarissa

NORTE

– PA (x3): Jaloo, Luê, Manoel Cordeiro

– AP: Patrícia Bastos

Nesta edição, inauguro duas novas “colunas” ou “seções” que eu gostaria de dar continuidade nas postagens de lançamentos mensais durante 2026: (1) uma série de versões alquímicas (o meu interesse aqui é destacar que a imaginação musical não se esgota na composição ou na produção originais, mas também na capacidade de escutar, extrair e extrapolar a partir daquilo que era “invisível” na faixa original); e (2) listagem e descrição dos shows que eu frequentei no decorrer do mês (o horizonte ou pretensão futura aqui seria algo como iniciar uma etnografia de circuitos culturais: produção, distribuição e, finalmente, recepção da música).

Ah, e pode parecer um pouco estranha uma postagem sobre dezembro logo depois de ter publicado uma retrospectiva de 2025. Confesso que acabei me rendendo ao imperativo das redes sociais (e influenciadores e críticos especializados e portais de notícias musicais) de soltar um balanço do ano logo antes do Natal, mas fechar os lançamentos e descobertas de um mês só é realmente possível na primeira semana do mês seguinte – me digam se esta escolha fez sentido ou não rs.

Onze lançamentos de Dezembro* de 2025 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de dezembro, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [EP] Afrocidade, Me Leva Tambor (nov. 2025) [BA]

Cheguei na banda Afrocidade, de Camaçari, Bahia, a partir de sua participação, junto com ÀTTØØXXÁ, em “40 GRAUS”, melhor faixa do EP-de-verão No Seu Radinho, de Rachel Reis. Em seguida, a banda foi escolhida no último edital da Natura Musical e, enfim, me deparei com dois ótimos EPs da banda: Afrocidade na Pista (2021) e este do final do ano passado. Aqui temos o que mais valorizo: o entrelaçamento de tambores e música eletrônica, ancestralidade e experimentação.

2 – [single] Alessandra Leão, Liniker & Chico Correa, “Tatuzinho” [PE, SP e PB]

Melhor single lançado no mês! Encontro de gigantes: além de quem é creditado (Alessandra Leão e Liniker cantando, Chico Correa produzindo), Kiko Dinucci compõe junto com Alessandra, em cima de uma faixa puramente instrumental, uma espécie de cantiga de ninar que havia sido lançada em seu primeiro disco (Brinquedo de Tambor, 2006) – muito interessante como a distância de 19 anos pode ressignificar uma criação cultural (com uma parada intermediária no EP Pedra de Sal, de 2014, já com a letra de Kiko, bem como sua guitarra singular). A cada passo, novas camadas de complexidade envolvente. Em termos de ritmos, a versão de 2025 “mistura arrocha, brega e elementos eletrônicos”. Alessandra, aliás, também foi selecionada pelo edital 2025-26 da Natura Musical.

3 – [álbum] Barbarize, MANIFEXTA (out. 2025) [PE]

Legítimos herdeiros de Nação Zumbi e cia., o duo-casal recifense Barbarize talvez possa ser melhor descrito como integrando a cena pós-manguebeat (até Louise, a filha do Chico Science, participa na faixa “Jah Amor”). Contudo, para além da fundacional subversão mútua entre rock e maracatu, temos aqui também: reggae, funk, rap e afrobeat. Além desta expansão de gêneros, as percussões orgânicas convivem com beats eletrônicos, sinal dos tempos. Nas palavras dos próprios artistas, trata-se de “punk afrofuturista reciclado” ou “cybermístico do mangue”. Por outro lado, acho difícil entender o disco de uma perspectiva puramente pernambucana, já que o seu projeto estético me parece compartilhado com outras vanguardas musicais nordestinas, como Enme (MA) e Bixarte (PB). E achei curiosíssimo o sample na faixa “Pararatibum” de “Touradas em Madrid” (marchinha de carnaval gravada por Carmen Miranda e parte integrante da minha infância, graças à ação socializadora do meu tio).

4 – [álbum] Clarissa, TANTAS FORMAS DE DIZER ADEUS [RJ]

Minha concessão ao pop neste mês de dezembro rs. É que o indie-pop-rock (seria isto um oxímoro?) da artista carioca agora residindo em São Paulo é muito bom… Segundo o Portal Slaves Of Pop BR, o disco é um “Pop Rock, Com Fusões De Indie Pop, Funktronica, Electroclash, Indie Rock & Alt. Rock”. Várias faixas contam com a produção do excelente Iuri Rio Branco (que apareceu em edições anteriores da newsletter ao produzir álbuns ou faixas de: Braza, Don L, Luedji Luna e Rachel Reis), com suas baterias e beats marcantes. Destaques para mim são as duas primeiras faixas, “Eu Fim, Você Início” e “Tempestade de Verão”, ouvi ambas no repeat (a primeira abre a minha playlist da primavera de 2025 e a segunda deve estar na playlist de verão de 2025-26).

5 – [álbum] Criola Beat, Isso É Criolabeat [MA]

O Criola Beat é o coletivo mais importante da cena musical independente do Maranhão, um hub do qual participam ou gravitam inúmeros artistas, começando pelo produtor Adnon e passando por Pantera Black, Célia Sampaio, Enme Paixão, Núbia, Paulão e tantos outros. Minha impressão é que a articulação entre beats e batucadas passou aqui por uma inflexão, deslizando da canção à toada, com muitas das faixas estruturadas com a alternância entre um solista e um coral repetindo ciclicamente um refrão. Neste sentido, continuo interpretando o par ATABAKE (2022) e ATABAKE Deluxe (2024), da fantástica Enme, o material musical mais avançado que esta cena produziu (e um dos mais avançados, mesmo em termos nacionais), devido às subversões mútuas entre rap, funk, música eletrônica e tambor de crioula (inclusive em seus EPs seguintes, Movediça volumes 1 e 2, me parece que o amapiano se torna um denso centro de gravidade que reduz o caráter transgressivo da sua pesquisa musical, justamente aquilo que era esteticamente queer). Talvez a inflexão neste disco, Isso É Criolabeat, seja similar ao movimento que Marcelo D2 operou entre IBORU (2023) e os volumes 1 a 3 (ainda virá um 4º) do Manual Prático do Novo Samba Tradicional (2024-25-26): se no primeiro disco o projeto estético era uma articulação inventiva entre tradição e experimentação (a “ancestralidade de futuro”), nos álbuns posteriores a normatização de uma espécie de samba ou pagode eletrônico se consolida, se cristaliza e, portanto, corre o risco de se reificar. Da mesma forma, enxergo um certo contraste entre a experimentação de Enme (produzida por Adnon), incorporando e desestabilizando simultaneamente o pop, o funk e o rap, num processo de atualização da canção, e um esforço de normatização do criola-beat enquanto ritmo ou gênero singular - em vez daquela ampliação e multiplicação de hibridismos - com a ressignificação eletrônica da toada. Ansioso para acompanhar os próximos passos desta pesquisa musical coletiva.

6 – [álbum] Daúde & Lia de Itamaracá, Pelos Olhos do Mar (nov. 2025) [BA e PE]

Colaboração baiana-pernambucana que circula por “cirandas, coco, boleros e MPB”. As faixas, algumas inéditas e outras versões, são compostas por nomes de destaque, como: Chico César, Emicida, Céu, Russo Passapusso, Dona Célia do Coco, Selma do Coco, Agnaldo Timóteo, Cátia de França, Otto, Pupillo, Karina Buhr e Mestre Baracho. A produção musical é de Pupillo (ex-baterista da Nação Zumbi e marido da Céu) e a direção artística é de Marcus Preto, via Selo Sesc. Meu destaque é a música de encerramento do disco, “Se Meu Amor Não Chegar Nesse São João”, talvez a faixa com maior ênfase na música eletrônica, o que expande e atualiza o universo musical da nossa Rainha da Ciranda, uma veterana aberta à inovação, como já atestado em sua participação em FREVÁLIA, álbum de Romero Ferro (2024).

7 – [álbum] Emicida, Emicida Racional VL 2 - Mesmas Cores & Mesmos Valores [SP]

Puxa, a definição de um “disco difícil". Em termos musicais e sonoros, mas também poéticos e humanos. Na esteira da morte de Dona Jacira, sua mãe, em meados de 2025, Emicida retorna aqui às suas origens: não apenas ao citar, revisitar e ressignificar o disco Cores e Valores (2014), dos Racionais MC's, mas também ao homenagear sua mãe, em especial na primeira e na última faixa. Em “Bom dia né gente? (ou saudade em modo maior)”, ele edita inúmeros áudios enviados por ela, expandindo e radicalizando procedimento similar à faixa de abertura de IBORU (D2 também havia perdido a sua mãe naquele momento). Já em “(outro) A próxima mensagem que você precisa está exatamente onde você está agora”, Emicida escancara sua dor, expondo um longo áudio dele chorando - foi dilacerante para mim (e para outras pessoas com quem conversei sob o impacto da primeira escuta). Diante do peso do disco, destaque para mim foi uma faixa relativamente mais leve, “Us memo preto zica”, uma brilhante composição que rearranja, descontextualiza e recontextualiza versos advindos de diferentes músicas dos Racionais, uma re-composição re-estabilizadora. Seria esta uma precisa expressão estética do que significa a elaboração de um luto?

8 – [EP] Filhos de Jorge, Verã071 - Ato 2 [BA]

Primeira vez que ouvi Filhos de Jorge foi em seu feat com Rachel Reis, no single “Xuxu”; depois o álbum Ninguém Tá Só (2024) não chegou a me conquistar. Mas agora eles soltaram simplesmente o melhor EP do verão 2025-26! Em termos de gêneros musicais, as faixas passeiam por “pop tropical, afoxé, reggae, samba de roda, pagodão e merengue”. Destaque para mim é a participação da grande promessa Nêssa na faixa “Já Pensou da Gente Se Envolver” (ouçam ela também no encontro de gigantes em “Tabuleiro” - com Rachel Reis, Don L e Rincon Sapiência - e também o seu próprio single, “PONTEIRO”). O samba de roda “Joga o Balaio”, faixa de encerramento do EP, também é muito bom. Último comentário: para quem é atento e acompanha o meu Substack já deve ter percebido como é recorrente a reivindicação estético-política do DDD para afirmar uma constelação subnacional-popular (além do Verã071 aqui representando a Grande Salvador, relembro aqui o excelente EP 091 da cantora e compositora paraense Luê e “084”, a faixa de abertura do disco Original Malokera da potiguar LEOA).

9 – [EP] Josyara & Martins, Deu Match [BA e PE]

Josyara foi a estrela mais brilhante da constelação baiana que este Substack acompanhou em 2025. Além do seu excelente disco AVIA, ela também lançou este EP, em um movimento similar a de outras artistas que estão mais na transição entre o midstream e o mainstream, como Duda Beat, Rachel Reis e Marina Sena. Meu destaque é a faixa-título “Deu Match”: leve, deliciosa e envolvente.

10 – [álbum] KING Saints, Músicas Para Marolar [RJ]

A partir do momento em que o nacional-popular entrou em declínio e o Rio de Janeiro deixou de ser o centro de gravidade do campo musical brasileiro, ocorreu um deslizamento do particular-tornado-universal em direção ao particular-enquanto-tal. Da MPB à MPC: Música Popular Carioca (bastante identificada com o funk), que foi originalmente um rótulo da imprensa para uma cena local composta por Fernanda Abreu, Seu Jorge e outros artistas e, em 2025, foi alçada a título do álbum de Papatinho. Outro representante da MPC contemporânea, Maui, é de Duque de Caxias, assim como KING Saints; em comum, tanto Melodia&Barulho quanto Músicas Para Marolar desenvolvem projetos estéticos de processar musicalmente as experiências urbanas a partir da Baixada Fluminense: “A sonoridade mistura funk 150 BPM, afrobeats, house e tamborzão, em uma ‘bagunça organizada’ que reflete tanto a cabeça da artista quanto o caos criativo do Rio”. Musicalmente, minha faixa favorita foi “Grande Bilionária”. Além disso, o disco conta com altas participações especiais: Los Brasileiros, DMAX, Tuyo, Bixarte, Rincon Sapiência, Papatinho e vários outros. Funk dos bons.

11 – [álbum] vários artistas, MARÉS (mar. 2025) [PA]

Coletânea com 10 faixas que passeiam por diversos estilos: pop, R&B, lundu, carimbó, música eletrônica, indie rock, xote, bossa nova, soul e tecnobrega. A reunião de artistas da juventude negra e LGBT+ de várias partes do estado do Pará também é resultado do edital da Natura Musical (o que comprova sua centralidade para a imaginação musical brasileira contemporânea). A produção é de Pratagy (Curado ou Distraído, 2023) e Reiner (ELÃ, 2024), através do Selo Caquí. Destaques para mim foram as participações de: Agarby e Layana (a subversão queer do carimbó “Mana”), Mist Kupp (o funk “Motinho Envenenada”) e Jheni Cohen (o tecnobrega “Boca Latina”). Confiram!

Outros lançamentos do mês de Dezembro* de 2025

*todas as indicações abaixo são de dezembro, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[single] Benziê, “Beija-me” [SP]

[single] Blaya, “Oh Mãe Oh Pai” [CE-POR]

[álbum] Boi da Macuca & Henrique Albino, Frevo Macuca [PE]

[EP] Bruna BG, O Norte Pulsa [PA]

[single] cami santiz, “Latina BB” [RN]

[single] Carlinhos Brown & Simone, “Primeiro Amor Primeiro” [BA]

[álbum] Carol Lyne, Viciei [PA]

[EP] Gilberto Gil & Alok, GIL by Alok & Friends (Remixes) [vários estados]

[álbum] Iuna Falcão, Umami (nov. 2025) [MA]

[álbum] Johnny Hooker, Viver e Morrer de Amor na América [PE]

[EP] Leo da Bodega, A FOLIA COMEÇA NO AMPARO [PE]

[álbum] Mandinga Beat, Mandinga Beat Novo (set. 2025) [RJ]

[EP] Marina Sena, MARINADA VOL. 1 [MG]

[álbum] Matuê, XTRANHO [CE]

[single] Radio Exodus, Furmiga Dub & ILLANES, “Psyfrevo” [PB?]

[álbum] Roberta Sá, Tudo Que Cantei Sou [RN-RJ]

[single] Sofia Pitta, “Bagunçar” [BA]

[single] UANA, “Mil e uma Noites” [PE]

[álbum] vários artistas, Vozes Vissungueiras (nov. 2025) [MG?]

(Re)descobertas tardias altamente recomendadas

[EP] Afrocidade, Afrocidade na Pista (2021) [BA]

[single] Afterclapp, “Brzl” (2018) [SP-SC]

[álbum] Johnny Hooker, Eu Vou Fazer Uma Macumba Pra Te Amarrar, Maldito! (2015) [PE]

[álbum] Malu Guedelha, Fagulha (2023) [PA]

[single] Zeca Baleiro, “Telegrama (Double MZK Remix)” (2021) [MA e SP]

Da série “versões alquímicas”

original (nº 0) = Jorge Mautner, “Maracatu Atômico”. In: Jorge Mautner (1974)

versão (nº 1) = Gilberto Gil, “Maracatu Atômico”. In: Cidade do Salvador, Vol. 2 (1973)

versão (nº 2) = Chico Science & Nação Zumbi, “Maracatu Atômico”. In: Afrociberdelia (1996)

versão (nº 3) = Alok, “Maracatu Atômico (Alok, Maz & Mozambo Remix)”. In: GIL by Alok & Friends (Remixes) (2025)

versão (nº 4) = Alok, “Maracatu Atômico (Alok & Bhaskar Remix)”. In: GIL by Alok & Friends (Remixes) (2025)

Shows em dezembro

1 – [RJ] Marcelo D2: AWÊ apresenta Marcelo D2 & Um punhado de bamba | Clube Esperia, 06 dez. 2025

2 – [PA] Natália Matos: Abduzida | Centro da Terra, 09 dez. 2025

3 – [MG] Urias: Carranca | Áudio, 20 dez. 2025

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em dez. 2025?

NORDESTE

– Pernambuco (x5): Alessandra Leão, Barbarize, Johnny Hooker, Lia de Itamaracá, Martins

– Bahia (x4): Afrocidade, Daúde, Filhos de Jorge, Josyara

– Maranhão (x2): Criola Beat, Zeca Baleiro

– Paraíba: Chico Correa

SUDESTE

– São Paulo (x3): Afterclapp, Emicida, Liniker

– Rio de Janeiro (x3): Clarissa, KING Saints, Marcelo D2

– Minas Gerais: Urias

NORTE

– Pará (x4): Malu Guedelha, Natália Matos, Pratagy, Reiner

Égua, o que foi 2025?

Obrigado às mais de duas centenas de pessoas que decidiram assinar a newsletter e acompanhar esta viagem musical que compartilho desde junho com vocês – aliás, quem quiser contribuir convertendo para uma assinatura paga mensalmente (muy baratinha), o trabalhador intelectual agradece.

Como última edição do ano (e com expectativa de continuar este trabalho em 2026), decidi fazer um compilado de “melhores” discos, EPs, faixas e shows. Por “melhores”, não me refiro à pretensão de avaliação objetiva e especializada; por isto talvez seja mais preciso falar em “mais imaginativos”, explicitando, a cada vez, o que quero dizer exatamente com o parâmetro da Imaginação Musical Brasileira.

E, para encerrar, uma narrativa sonora do meu ano sob a forma de playlists, uma para cada estação. Simbora!

Ranking dos 12 discos nacionais mais imaginativos* de 2025

*com imaginação musical quero aqui me referir tanto à criatividade em termos de transgressão, subversão e inovação de normas e convenções musicais quanto à produção de pensamentos-sentimentos inovadores sobre as relações sociais, o país e a geografia sonora das brasilidades e do Sul Global

12 – Seu Jorge, Baile à la Baiana [RJ]

A intenção era sincretizar o samba-rock dos bailes black do Rio com ritmos da Bahia, como o pagodão, mas o disco acabou ficando dual (Lado A carioca X Lado B baiano).

11 – Rachel Reis, No Seu Radinho [BA]

Delicioso disco de verão e feliz retorno da jovem cantora baiana ao projeto estético de seu primeiro álbum (considero Divina Casca, de modo geral, um desvio de rota).

10 – Daniela Mercury, Cirandaia [BA]

Continuidade do projeto de desconstruir gêneros baianos como o axé para reconstrui-los como linhagem da MPB. Participações estelares do Nordeste e do Norte.

9 – Bixarte, Feitiço [PB]

Exemplo de vanguarda queer nordestina, a rapper travesti negra e paraibana articula o orgânico e o digital, a partir de temáticas religiosas afro-brasileiras.

8 – BaianaSystem, O Mundo Dá Voltas [BA]

Auge do midstream brasileiro: não chega a ser a incorporação da experiência sonora do Navio Pirata, mas é ampliação da sonoridade da banda, com participações estelares e a musicalização da palavra de ordem “o futuro é ancestral”. [RESENHA AQUI]

7 – Aqno, Latino Brega Love [PA]

Um brega queer vindo de Marabá, Sul do Pará. Fluidificação de fronteiras: geográficas (coalizão do Norte com o Nordeste, devido ao produtor maranhense e o reggae) e musicais (sincretização de estilos).

6 – LEOA, Original Malokera [RN]

Um Nordeste latinizado, construído com habilidade e criatividade pela ex-cantora da extinta banda Luísa e os Alquimistas. As línguas francas do seu projeto sincrético são o reggae e o brega, mas em diálogo com vários ritmos latino-caribenhos.

5 – Rael, Onda [SP]

Rap melódico sincretizado com diversos gêneros musicais, com participações estelares que transformam o disco em um verdadeiro festival. A unidade estética e política é dada pelo projeto de Alegria Negra [Black Joy]: deslocar o antirracismo para a festa, o prazer e a felicidade em vez de dor, sofrimento e opressão. [RESENHA AQUI]

4 – Josyara, AVIA [BA]

Uma das maiores violonistas brasileiras hoje! Este disco tem como arco narrativo uma saga épica dos encontros e desencontros de uma mulher negra lésbica. Seu violão-tambor expressa simbolicamente mudanças estruturais no Brasil contemporâneo (além de ser fascinante vê-la tocar ao vivo em shows: parece que seu violão tem 12 cordas – em vez de 6 – e ela tem 20 dedos – em vez de 10). [RESENHA AQUI]

3 – Urias, Carranca [MG]

Uma viagem de idas e vindas entre Brasil e África, tecendo um Atlântico Negro queer. Depois de cantar as “águas de naufrágio e lágrimas” da escravização, Urias canta as “águas de amor” ao descobrir-construir a Etiópia como recurso crítico e utópico de desracialização. Por fim, ela retorna ao território brasileiro, desvelando o “Brasil” como estruturalmente colonial e violento. [RESENHA EM BREVE]

2 – Don L, Caro Vapor II [CE]

Como transformar o rap e a MPB em armas do pensamento crítico? Além de Don L apresentar um manifesto anti-imperialista, enraizado no “Sul da América” e voltado contra o rap estadunidense, ele tematiza com sensibilidade a sua própria masculinidade periférica e, por fim, radiografa com genialidade a realidade do capitalismo tardio, entre Big Techs, influencers, coaches, bets e deep fakes. Se o seu álbum anterior era abertamente revolucionário, aqui ele continua com uma perspectiva anticapitalista, mas agora com um diagnóstico de que estaríamos vivendo tempos contrarrevolucionários. [RESENHA AQUI]

1 – Gaby Amarantos, Rock Doido [PA]

O Acontecimento musical do ano! Gaby Amarantos internaliza neste álbum a experiência corporal e sonora de caráter coletivo e imersivo de uma festa de aparelhagem na periferia de Belém do Pará. A unidade da forma-disco é recriada, já que as faixas são praticamente fundidas em um fluxo único, sem transições nem respiro. Além disso, ela atinge o ápice da criatividade subversiva – vulgo imaginação musical, como definida neste blog/Substack – ao sincretizar o sertanejo com o tecnobrega, subordinando o elemento musical dominante da indústria cultural nacional a elementos musicais emergentes e catapultando o Norte como centro da reinvenção geográfica do Brasil. Apenas... tudo… isto. [RESENHA AQUI]

E para vocês? Faltou aqui algum disco nacional que fez avançar as fronteiras da imaginação musical brasileira em 2025? Sempre estou aberto a recomendações! Afinal de contas, é impossível escutar todos os lançamentos…

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Mais 12 menções honrosas* (incluindo EPs de destaque)

*ordem alfabética, sem ranking aqui

1 – [álbum] Ana Cacimba, Luminosa - Ato I: Lua [SP]

2 – [álbum] Braza, Baile Cítrico Utrópico Solar [RJ]

3 – [EP] Briê, Insana [PE]

4 – [EP] Delírio Cabana, Delírio Cabana [AM]

5 – [álbum] Guma, Virando Noite [PE]

6 – [EP] Joyce Alane, Casa Coração [PE]

7 – [EP] Mangífera, Na Mata, No Céu, No Olhar (jun. 2025) [PA]

8 – [álbum] Nina Maia, INTEIRA (Deluxe Edition) [MG]

9 – [álbum] Phylipe Nunes Araújo, Phylipe Nunes Araújo [PE]

10 – [EP] Potyguara Bardo, Romântica [RN]

11 – [álbum] Samuel de Saboia, As Noites Estão Cada Dia Mais Claras [PE]

12 – [EP] UANA, Fervo 90! [PE]

Ranking das 12 músicas mais imaginativas* de 2025

*Recorte assumidamente subjetivo ou, melhor dizendo, intersubjetivo: a seleção visou faixas cuja imaginação musical de quem compôs e/ou produziu tenha instigado minha própria imaginação interpretativa; quanto mais alto no ranking, mais difícil foi para sintetizar em poucas palavras tudo o que me ocorreu enquanto escutava e fruía a música

12 – Potyguara Bardo, “Casulo” In: Romântica [RN]

Melhor faixa do EP, uma composição brilhante: três músicas em uma só.

11 – Paulão, “Pedi aos Santos” In: Big Paulo na Ilha do Amor [MA]

Altenância entre letra romântica e reflexão sobre a singularidade rítmica do Maranhão.

10 – Seu Jorge (feat. Magary Lord), “Dia de Mudança” In: Baile à la Baiana [RJ]

Única faixa do disco que Seu Jorge alcança o sincretismo almejado entre Rio de Janeiro e Bahia.

9 – Natália Matos, “São Paulo Capital (Demo)” – single [PA]

Inteligente triangulação afetiva entre São Paulo (homenageada entre amor e ódio), Belém e, de forma mais invisível, via ritmo, o Rio (onde a cantora também viveu).

8 – Josyara, “Eu Gosto Assim” In: AVIA [BA]

Auge do violão-tambor, pós-bossa nova, de Josyara, produzindo a versão definitiva e alquímica à la Caetano da composição original de Anelis Assumpção, filha de Itamar.

7 – GOMES & Ceguinhas de Campina Grande, “Ai Ai, Meu Deus” In: Puro Transe [PE-PB]

Herdeiro do projeto estético da jovem Duda Beat, Gomes parte de um sample do trio de irmãs paraibanas para expandir a sonoridade e a história contida na poesia.

6 – Gaby Amarantos & Lauana Prado, “Não Vou Chorar” In: Rock Doido [PA-GO]

Sincretismo entre tecnobrega e música sertaneja redesenha a geografia sonora do Brasil contemporâneo, subvertendo o Mega-Centro-Oeste com o Norte no centro.

5 – Don L, “tudo é Simulação/Conflito” In: Caro Vapor II [CE]

Sample de cavaquinho repicado (cordas abafadas) de um samba diferentoso de 1976 torna-se uma forma estética que expressa os travamentos do capitalismo tardio hoje.

4 – Urias & Major RD, “Voz do Brasil” In: Carranca [MG]

Da ópera O Guarani ao programa radiofônico “Voz do Brasil” e ao sample subversivo que desvela os estereótipos brasileiros depois de uma viagem pelo Atlântico Negro.

3 – Maui & Cristal, “Seu Telefone” In: Melodia&Barulho [RJ-RS]

Sincretismo entre pagode e Drum and Bass para narrar os dois lados de um desencontro afetivo, opondo obsessão e indiferença.

2 – Rachel Reis, “Deixa Molhar” In: Divina Casca [BA]

Auge do brilhantismo da dupla de produtores pernambucanos Barro e Guilherme Assis: “à procura da batida perfeita”, articulando batucadas orgânicas e beats eletrônicos (lembrando um Summer Eletrohit) para que Rachel Reis cante a brasilidade através da baianidade.

1 – Rael & Mestrinho, “Saudade de Lascar” In: Onda [SP]

A gênese de Rael como um rapper melódico precursor está no pai: sanfoneiro e imigrante pernambucano. Aqui, ele produz, junto com Nave Beatz, a mais brilhante articulação entre o orgânico e o digital do ano: além de linda homenagem ao pai, que faleceu na Covid (por este motivo é Mestrinho quem toca a sanfona), é uma reivindicação de ancestralidade, do Nordeste como “o Brasil brasileiro”.

Os 10 melhores* shows que eu fui no ano

*Ordem cronológica, sem ranking aqui – todos foram em São Paulo capital (via de regra fora do circuito mainstream: não fui em nenhum megashow em estádio dos medalhões da MPB, por exemplo), embora eu também tenha visto shows no Rio de Janeiro (e o sonho de circular pelo país cartografando a imaginação musical a partir de experiências sonoras?)

1 – [PA] Saulo Duarte: Digital Belém | SESC Belenzinho (comedoria), 18 jan.

Primeiro show que fui no ano, inaugurando a prática de vasculhar e viver shows maravilhosos. Depois fui em um segundo show dele, no SESC Campo Limpo, mas o ápice da energia impressionante do Saulo e da banda foi na Zona Leste.

2 – [SP] Céu: Novela | SESC Belenzinho (comedoria), 15 fev.

Privilégio de ver a rainha da Música Brasileira Contemporânea de pertinho (bizarramente o show não tava lotado - credito isto à preguiça-preconceito da classe média que não sai da região centro-oeste da capital, sendo que o SESC fica muito perto do metrô); linda e carismática no palco até não poder mais. E embora o show fosse do seu último disco (Novela, 2024), claramente eu e ela própria concordamos que o ápice criativo de sua carreira ainda é Tropix (2016).

3 – [PA-AM-AP] Manoel Cordeiro e convidados (Felipe Cordeiro, Patrícia Bastos, Saulo Duarte, Emília Monteiro e outras): Ocupação Manoel Cordeiro | Casa de Francisca (porão), 17 abr.

Encontro impressionante de muitas estrelas da constelação musical amazônica; uma noite longa e fantástica naquele porão. Ainda pude conversar com Manoel, Patrícia e Felipe na saída do banheiro, devo ter me portado como um fã embasbacado.

4 – [BA] Josyara: AVIA | Virada Cultural (Largo do Arouche), 25 mai.

Durante o ano fui em quatro shows da maravilhosa Josyara (para vocês verem o impacto de AVIA em mim), todos fantásticos; escolhi este específico para destacar pois eu já tinha ido em outras Viradas Culturais, mas nunca tinham sido experiências muito agradáveis e, desta vez, foi marcante da melhor maneira (depois que percebi que seria impossível chegar no show do João Gomes no Vale do Anhanbagú, voltei ao palco do Arouche para também assistir Juçara Marçal, cantando DEB RMX).

5 – [PA-RN-AP] Felipe Cordeiro e convidadas (LEOA, Emília Monteiro, Júlia Passos e Aíla) | Ocupação FERVO, 13 jun.

Fui de maneira super despretensiosa, saindo de uma festa junina no Cebrap e fiquei muito feliz em ver a primeira apresentação do disco solo da LEOA, sem contar ela cantando “Amor e Sacanagem” com a Aíla pela primeira vez ao vivo. Por fim, muito bacana o grande Felipe Cordeiro abrindo o palco e apresentando outras cantoras nortistas para o público sudestino (como yo, por supuesto).

6 – [PA-RN] Aqno + LEOA: Latino Brega Love + Original Malokera | Casa Natura Musical, 27 jun.

Eu me dei este show de aniversário e não poderia ter sido uma decisão mais acertada. Originalmente fui mais pensando no privilégio de ouvir o lançamento do disco solo da LEOA (depois vi nova apresentação dela no Mundo Pensante), mas foi fundamental presenciar a apresentação do Aqno para entender melhor o projeto do seu disco, depois pude re-escutá-lo com outros olhos (e ouvidos rs).

7 – [CE] Don L: Caro Vapor II | Áudio, 18 jul.

Caramba, um dos melhores shows do ano. Épico. Histórico. Lotado. A galera cantando junto com o Giovani Cidreira, a plenos pulmões, “Eu sou do Sul da América”. Impressionante, um hino anti-imperialista (e sem o nacionalismo piegas – e hierárquico – que a esquerda está infelizmente requentando no pós-tarifaço trumpista). E o encadeamento das músicas, encerrando com o funk-rap sincrético “melhor Vida” me permitiu re-interpretar os potenciais e limites do projeto estético e político deste que é o primeiro ou segundo melhor disco nacional do ano (confesso que a cada semana eu alterno a ordem com a Gaby rs).

8 – [RJ] Mãeana: Mãeana Canta JG | Casa Natura Musical, 03 out.

Mãeana foi um tempo atrás cancelada nas redes sociais por “apropriação cultural”; conversando com diferentes pessoas, senti até um certo julgamento por eu querer ir no show. Mas valeu muito a pena! A performance, a cenografia, a banda. E o show é superior ao álbum, que tem seu interesse, mas realmente corre o risco dos arranjos serem excessivamente homogeneizantes no projeto estético da “pisa nova” (fusão que ela propõe de piseiro e bossa nova), mas a apresentação ao vivo é… muito mais viva.

9 – [SP] Rael: Onda | Casa Natura Musical, 08 nov.

Terceiro show que eu fui do Rael no ano (os outros foram: na Virada, em um palco na Zona Leste; e o de estréia de Onda, na comedoria do SESC Pompeia). A estrutura de som da Casa Natura é excelente. Também foi especial ter sido no dia do aniversário da morte do meu pai (para entender melhor o peso disso, confiram o contexto biográfico da faixa “Saudade de Lascar”, a melhor música de 2025 na minha humilde opinião).

10 – [SP] Juçara Marçal: Elizete sobe o morro: 60 Anos | Casa de Francisca (salão), 20 nov.

Talvez tenha sido o melhor show que eu fui no ano inteiro. Eu me senti em casa e muito o “público-alvo” do seu projeto estético. Meu pai me ensinou a amar Elizeth Cardoso nos anos 1990; eu conhecia vários dos sambas da época em que eu fui cavaquinista (ainda vou escrever sobre isto por aqui - mas a densidade afetiva me fez adiar o plano rs); e, por fim, o plot twist do show é a contracultura paulistana na qual Juçara e a guitarra dissonante de Kiko Dinucci são protagonistas, o que produziu versões muito diferentosas dos sambas, o que me atraiu muito, pois meu movimento musical tem sido de afastamento do samba clássico e tradicional. Todas as faixas e artistas no show foram brilhantes!

O circuito cultural da música só se completa na recepção, por vezes individualizada nos streamings e fones de ouvido, em outras vezes são momentos de experiências coletivas compartilhadas (“me tromba no off”, diria o Don L). Meus destaques nesta segunda dimensão são o Sistema SESC (pensando no que eu tenho visto da programação, em especial as unidades Belenzinho, Bom Retiro, Pompeia e Vila Mariana) e casas de show e centros culturais, tais como: Áudio, Bona, Casa de Francisca, Casa Natura, CCSP (na Vergueiro), Centro da Terra, Cine Joia, Mundo Pensante, Ocupação FERVO, Tendal da Lapa e Vila Itororó… Ah, e o Nômade Festival, caramba, excelente curadoria. E vocês, onde têm assistido os melhores shows?

O meu ano em 4 playlists

Já repararam que a música nos permite ressignificar as experiências que vivemos? Às vezes canções facilitam nomear e dar forma ou contorno para intuições, mal-estares ou felicidades ou até mesmo permitem identificar o que nem sabíamos que estávamos sentindo (o que talvez comprove que nossas experiências não são totalmente singulares - um encontro da/na humanidade que compartilhamos).

As playlists têm sido, para mim, uma prática tanto de organizar em arcos narrativos minhas obsessões musicais (gracias Recaps trimestrais do streaming da vez) quanto de reelaborar simbolicamente a vida (terapia é fundamental, mas em alguns cantos vale um extra). E embora não seja um recorte exclusivo, evidentemente a coalizão musical Norte-Nordeste também me orienta por aqui.

1 – [verão] Presente Tropical = Spotify | YouTube

Uma inspiração. Um primeiro arco, em movimento da intensidade à desaceleração: pop alternativo, piseiro queer, brega funk e Música Popular Originária. Bem no meio, uma faixa estrangeira me inspirou a transição: uma espiral envolvente com aspecto circular; mas, a cada ciclo, a repetição não é repetitiva e sim o que parece ser um crescente de complexidade. Em seguida, como passando por um portal, entramos no segundo arco: reggae da Jamaica Brasileira, rap nortista, percussões baianas e um agradecimento ao samba por ser quem eu sou, mas já não sendo mais o que eu costumava ser. A capa é das longínquas férias em Pouso da Cajaíba.

2 – [outono] Folhas em Queda, Camadas em Alta = Spotify | YouTube

Um presente. Essa playlist foi meu rio e minha rua no outono de 2025. O que acontece quando batucadas e tambores encontram guitarras elétricas e beats eletrônicos? Tensão e inovação entre o experimental e o pop; mas aqui também tem: carimbó, forró, piseiro e rap melódico. Vanguardas norte-nordestinas, porque – agora – eu gosto assim. A capa é meu croton, o único tipo de planta que eu já amei na vida.

3 – [inverno] Sede de Inverno = Spotify | YouTube

Um passo à frente, dois atrás. O primeiro ato, desacelerado, dialoga com a melancolia que o frio nos trouxe este ano. Um interlúdio-tríade em torno de um beijo que parecia que iria encerrar as baixas temperaturas, mas apenas fez elas caírem ainda mais. O segundo ato mergulha na aliança norte-nordeste, com destaque para a Bahia, mas também com Pará e um interlúdio de indie rock com tempero. Por último, chegamos no trap nordestino e em funks sincréticos. O alfa e o ômega da playlist são o Don L, por motivos de: melhor disco do ano ouvido até aquele momento. A capa é uma imagem feita por IA – não nevou de verdade na frente do MASP; a lição, então, é: a partir de agora, com o capitalismo tardio demais, sempre desconfiem de toda e qualquer imagem!

4 – [primavera] Fins e Inícios = Spotify | YouTube

Uma sublimação. Primavera é promessa: dos povos, de Praga, Árabe, secundarista, feminista. Expectativas são frustradas, flores não florescem, mas o novo sempre vem. Aqui, um primeiro ato, carioca-baiano, de perspectivas. Em um segundo ato, a intensidade brega paraense que processa o sofrimento, transformando-o em catarse. E o último ato, logo após um interlúdio sambístico atualizado, deságua em libertação e um futuro mais uma vez em aberto (norte-nordestino, por supuesto). A capa é uma das obras na 36ª Bienal de São Paulo de Aislan Pankararu, artista indígena nascido no interior de Pernambuco e hoje residente em Salvador.

Cartografia da imaginação musical brasileira*

*Das 27 unidades federativas, só faltaram 9 nas viagens por este país-continente (1/3, portanto): Acre, Alagoas, Espírito Santo, Mato Grosso, Mato Grosso do Sul, Rondônia, Roraima, Santa Catarina e Tocantins [me indiquem artistas destes estados!!]

Por onde viajei no decorrer do ano de 2025? [dezembro ainda não entrou]

NORDESTE

– Bahia (x26): Assucena, BaianaSystem, Cortejo Afro, Daniela Mercury, Dante Oxidante, Didá, Dupê, Duquesa, Filhos de Gandhy, Giovani Cidreira, Hiran, Ilê Aiyê, Illy, Jadsa, João Merín, Josyara, Lívia Nery, Luedji Luna, Malê Debalê, Muzenza, Olodum, Rachel Reis, Roncá, Simone, Sofia Pitta, Vó Mera

– Pernambuco (x21): Alessandra Leão, Almério, Barro, Bella Kahun, Briê, Caju & Castanha, Cavalo de Pau, Duda Beat, GOMES, Guma, Isabela Moraes, Joyce Alane, João Gomes, Leo da Bodega, Mago de Tarso, Marley No Beat, Nação Zumbi, Phylipe Nunes Araújo, Samuel de Saboia, Sofia Freire, UANA

– Maranhão (x9): Camila Reis, Criola Beat, Enme, Ikaro Funk, Loopcinico, Núbia, Paulão, Raimundo Soldado, Rita Benneditto

– Paraíba (x6): Ceguinhas de Campina Grande, Bixarte, Gil Bala, Furmiga Dub, Luana Flores, Mariana Mesquita

– Rio Grande do Norte (x6): Jennify C., Juliana Linhares, LEOA, Luísa e os Alquimistas, Potyguara Bardo, Xand Avião

– Ceará (x2): Blaya (luso-brasileira), Don L

– Sergipe (x2): Lixinho Tropical, Mestrinho

– Piauí: Bia e os Becks

NORTE

– Pará (x23): Aíla, Aqno, Bruna BG, Cronixta, Dona Onete, Fafá de Belém, Felipe Cordeiro, Gaby Amarantos, Jaloo, Júlia Passos, Layse, Lia Sophia, Luê, Magalhães e sua Guitarra, Malu Guedelha, Mangífera, Manoel Cordeiro, Mestre Damaceno, Natália Matos, Nilson Chaves, Raidol, Saulo Duarte, Uaná System

– Amapá (x4): Aucky, Emília Monteiro, MC Super Shock, Patrícia Bastos

– Amazonas (x4): Anna Suav, Cami Santiz [radicada no RN], Delírio Cabana, Luli Braga

SUDESTE

– São Paulo (x23): Abacaxepa, Ana Cacimba, ANNÁ, Clara Valverde, Conjunto Baluartes, Clara Valverde, Dani Black, Fabio Brazza, Irmãs de Pau, Jota.pê, Juçara Marçal, Kaboom 23, Kiko Dinucci, Kyan & Mu540, Mari Merenda, Mariana Aydar, Mariana Nolasco, Mc Tha, Melifona, Nina Oliveira, Rael, Rico Dalasam, Rincon Sapiência

– Rio de Janeiro (x15): Alice Caymmi, Amanda Magalhães, Ana Frango Elétrico, Braza, Castello Branco, Clarissa, Deize Tigrona, IZA, Izy Castelano, Major RD, Marcelo D2, Mari Jasca, Maui, Papatinho, Seu Jorge

– Minas Gerais (x7): AMANDONA!, Djonga, FBC, Lagum, Luiza Brina, Nina Maia, Urias

SUL

– Rio Grande do Sul (x2): Cristal, Duda Brack

– Paraná: Peci

CENTRO-OESTE

– Distrito Federal (x3): Fiákra, Letícia Fialho, tatiana nascimento

– Goiás: Lauana Prado

Embora eu tenha diminuido a quantidade de artistas e estados pelos quais minha pesquisa musical circulou, fiquei contente de ver que, pela primeira vez, a cartografia da imaginação musical conseguiu percorrer neste mês por todas as cinco regiões do país, expandindo de certa forma a investigação para a escala nacional-continental. Embora o fio condutor desta newsletter tenha sido, desde junho, a hipótese da emergência de uma coalizão musical Norte-Nordeste, evidentemente também há focos de inovação imaginativa no Centro-Oeste, no Sudeste e no Sul (estou sempre aberto a dicas e recomendações, por favor compartilhem por aqui!).

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Antes de passar aos lançamentos e descobertas (com evidente protagonismo de mulheres negras), destaco um dos melhores shows que fui este ano: Juçara Marçal homenageando os 60 anos do disco Elizete Sobe o Morro, na Casa de Francisca, acompanhada por Kiko Dinucci, Rodrigo Campos e outros músicos fantásticos. Muitos feixes aqui me fizeram me sentir surpreendentemente em casa, na convergência entre passado-presente-futuro: meu pai me ensinou lá atrás a amar Elizeth Cardoso; eu sabia de cor várias das músicas por conta da minha fase como cavaquinista (quem sabe não vem aí uma postagem natalina sobre isto); e, por fim, fui arrebatado pelas versões modernizantes e experimentais dos sambas compostos por Paulinho da Viola, Elton Medeiros, Cartola e Nelson Cavaquinho (obrigado ao meu ex-professor, Ildo Silva, por me apresentá-los na virada do século), com protagonismo da guitarra distorcida e do violão-tambor de Dinucci. Simplesmente fantástico!

Oito lançamentos de Novembro* de 2025 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de novembro, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [álbum] Ana Cacimba, Luminosa - Ato I: Lua [SP]

Ana Cacimba já tinha aparecido com destaque por aqui em meses anteriores (nas edições de julho e agosto), pois algumas das faixas deste seu disco foram lançadas anteriormente como singles. O mais interessante do seu projeto estético é a articulação simbólica entre o digital e o tradicional. Ela parte de cantigas, rezas e pontos de orixás, mas a produção de DMAX e Los Brasileros cria versões contemporâneas com beats eletrônicos. Para mim, as músicas “Pombagira / Dona Da Casa / Maria Mariá” e “Se Meu Pai É Ogum” são as mais impactantes (estilo de ficar arrepiado). Mas gostaria de destacar a última faixa, “Xangô", com uma espécie de viola caipira e que dialoga diretamente com a ancestralidade da artista, homenageando e honrando sua avó, nascida no Quilombo de Caititu do Meio, no interior de Minas Gerais. É muito bonito e tocante quando a referência da ancestralidade vai além de uma macronarrativa histórica, estando enraizada e incorporada em uma pesquisa (auto)biográfica.

2 – [single] B. Mathey, “Dói (Dói Dói Dói)” (jun. 2025) [??]

Por falar na articulação entre pontos de umbanda e música eletrônica, cheguei nesta versão do DJ B. Mathey depois de descobrir um mundo de versões (a maior parte deles sambas ou pagodes) do ponto de pombagira “Dói Dói Dói”, um desdobramento de ter ido no show de Ana Cacimba no SESC Bom Retiro. É muito interessante que as versões oscilam na letra: por vezes “Um amor faz sofrer / Desamor faz chorar", outras vezes “Um amor faz sofrer / Dois amor faz chorar” (vocês podem escolher sua preferência rs). Como disse um usuário do YouTube em um comentário: “finalmente alguém fez um pancadão de ponto de macumba". Escutem!

3 – [álbum] Bixarte, Feitiço [PB]

A rapper travesti nascida em Santa Rita, Região Metropolitana de João Pessoa, lançou um dos melhores discos do 2º semestre! Ritmos frenéticos e envolventes passeiam por pop, rap, afrobeat, forró eletrônico e outros beats (como jersey club e trap), além de participações especiais de Vó Mera, Emicida, Johnny Hooker e outros. O horizonte do álbum pode ser bem descrito como articulando ancestralidade e vanguarda, religiosidades afro-brasileiras e futurismo, tambores e música eletrônica do terceiro do mundo. Entendo que o seu universo se aproxima em vários momentos das sonoridades de outras artistas como Enme Paixão (Maranhão) e Potyguara Bardo (Rio Grande do Norte), o que aponta para a constituição de uma constelação queer-nordestina, verdadeira vanguarda de nossa imaginação musical.

4 – [single] Cezar Escócio & Malu Guedelha, “Curupira” (set. 2025) [PA]

Composição de 1981 de Cezar Escócio, acreano que se radicou em Belém, porém atualizada com beats eletrônicos por Malu Guedelha, também vocalista da banda O Cinza (agradecimentos à cantora paraense radicada em São Paulo, Natália Matos, pela recomendação do trabalho da artista). É de se pensar se a COP30 em Belém teve a ver com o timing de lançamento do single, que gira em torno da figura folclórica Curupira, o guardião das florestas: “Na mata esconde os filhos seus / Defende a mata / Esconde os filhos seus / Defende / No seio verde / O mistério corre”.

5 – [single] Cristal, “South Side” (out. 2025) [RS]

A primeira vez que Cristal apareceu aqui foi por conta da participação desta jovem rapper e slammer portoalegrense no disco Melodia&Barulho, de Maui, na brilhante faixa “Seu Telefone”. Já este single, igualmente sincrético (entre rap e soul) busca dar visibilidade à experiência negra na região sul (“South Side"). O contraste poético (e político) que ela constrói na letra é entre, de um lado, a elite branca sulista (xerifes e coronéis cavalgando por um mundo que lembra o faroeste, desvelando que Porto Alegre, apesar de ser chamada “de capital”, é uma “província”) e, de outro a “cultura negra sulista” (atitudes para se “esquivar de armadilhas” e sobreviver à discriminação: “Lugares que eu não chеgo me sinto como turista / Olhares que mе dizem: ‘Olha a audácia da neguinha!’”). Um clima sonoro de crítica social, melancolia, beleza e resistência.

6 – [single] Peci, “Lenga-Lenga” (ago. 2025) [PR]

Neste single, que antecipa o lançamento de um álbum (intitulado ESTAMPA), o cantor curitibano homenageia a música nordestina (um movimento estético que me lembrou o último disco da gaúcha Duda Brack), sincretizando o xote com pop, para cantar um “flerte demorado”: “O nosso lenga-lenga parece até um sonho / Que eu não quero acordar / O nosso lenga-lenga tá gostoso demais / Eu não quero acabar”. Cheguei nas músicas de Peci graças à sua colaboração com a cantora paraense Luê no EP coletivo Coração Tropical, do Laboratório Tropical. Ou seja, um sulista sintonizado com a coalizão musical Norte-Nordeste.

7 – [álbum] Rachel Reis, No Seu Radinho [BA]

Que felicidade escutar o retorno de Rachel Reis ao seu projeto estético de cantar a brasilidade através da baianidade! Na resenha que escrevi de seu segundo disco de estúdio, Divina Casca, lançado no 1º semestre, argumentei que ela havia se desviado do que havia de mais criativo em Meu Esquema (2022), uma estrela brilhante da constelação subnacional-popular baiana (cuja representante mais brilhante de 2025 é Josyara). Muitas das faixas se afastavam do tão prometido “mel que só a Bahia tem”, em direção a violões e percussões rendidos ao samba-bossa, elementos culturais residuais do nacional-popular (com o Rio de Janeiro como seu centro de gravidade). Neste trabalho muito menos pretensioso, No Seu Radinho (quase um EP para animar o verão de 2025-26), a jovem artista baiana retoma a pesquisa percussiva imaginativa, com participações especiais de Carlinhos Brown (ex-Timbalada), Jau (ex-Olodum), Afrocidade e Àttooxxá - lembrando que eu já havia cantado a bola que RDD, fundador desta inovadora banda baiana, seria, nesta altura do campeonato, a melhor aposta de Rachel para produzir suas composições continuando e aprofundando o espírito original de seu primeiro disco e de seus preciosos singles. Pontos altos para mim foram “40 GRAUS” (um misto de pagodão com funk que escutei em looping no último mês) e “Menino Fatal” (“Não tem mais volta / E eu sei que você / Pensa o mesmo de mim / Vem no meu ouvido / E me diz poesias das bem sensuais / Que eu fico de vez”). Já o deslizamento de “Desfruta” da primeira gravação com participação de Alice Caymmi em direção a uma versão meio piseiro não me convenceu, a potência original daquele delicioso reggae acabou se perdendo…

8 – [álbum] tatiana nascimento, meio beat meio banzo (fev. 2025) [DF]

tatiana nascimento é uma brilhante escritora, poeta, romancista, ensaísta, pensadora, professora, ativista… Comecei a segui-la ao perceber na pesquisa de doutorado a sua centralidade intelectual para a cena do feminismo periférico (paulistano, mas também brasileiro). Agora, 10 anos depois, qual não foi minha felicidade ao descubrir que ela também é compositora e cantora! Uma potência do pensamento negro e “cuír” (como ela própria define). Tive o privilégio de assistir o show de lançamento deste álbum no SESC Vila Mariana (viva o Sistema SESC!). A radicalidade dos projetos estéticos de tatiana permitiu a fusão das múltiplas linguagens artísticas exploradas por ela em único experimento: musical, literário, audiovisual, performático. Sem contar a inesquecível participação ativa e tocante da sua filhinha, circulando entre a plateia e o palco do teatro. O álbum transita por vários ritmos da música negra (trip-hop experimental, bossa, quiet storm, R&B, jazz, funk, afrobeat). Já a minha faixa favorita é “shangrilá", com participação de Luedji Luna: “Meu bem / O melhor lugar do mundo é com você / E aonde quer que eu vá eu penso em te levar / Se você quiser, que lindo que vai ser a gente lá / Mas meu bem / Se você não vai mas eu / Eu vou só / Chegando lá eu te mando um postal”. A colaboração das duas, aliás, remonta à declamação do fantástico poema “Quase”, na faixa “Lençóis” do disco Bom Mesmo É Estar Debaixo D’água; se nunca ouviram, cliquem aqui e se debulhem em lágrimas.

Outros lançamentos do mês de Novembro* de 2025

*todas as indicações abaixo são de novembro, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[EP] ANNÁ, DIABA [SP]

[álbum] Baco Exu do Blues, Hasos [BA]

[álbum] Daniela Mercury, Cirandaia Luxo [BA]

[single] Dona Onete (55X Remix), “Festa do Tubarão” [PA]

[single] Enme, “BPM (Barulhinho Bom)” [MA]

[álbum] Froid & Makalister, O Gênio e o Louco “Entre o Céu e a Terra” (out. 2025) [MG e SC]

[single] Jaloo, “Eu Não Vou Mais Falhar” [PA]

[álbum] Lenine, EITA [PE]

[single] Leo Middea, “Passarela” [RJ]

[álbum] Ludmilla, Fragmentos [RJ]

[álbum] Mahmundi, BEM VINDOS DE VOLTA [BA]

(Re)descobertas tardias altamente recomendadas

[EP] Dante Oxidante, Devagar Também É Pressa (2023) [BA]

[single] Fiákra (feat. PSIU), “Laroyê” (2024) [DF]

[single] Hiran & IVYO (feat. Rachel Reis), “Bola de Cristal” (2024) [BA]

[single] Josyara & Di Melo, “Má-Lida” (2021) [BA]

[single] Kiko Dinucci (feat. Juçara Marçal), “Gurufim” (2020) [SP]

[álbum] Luli Braga, Sinuose (2021) [AM]

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em nov. 2025?

NORDESTE

– BA (x4): Dante Oxidante, Hiran, Josyara, Rachel Reis

– PB: Bixarte

NORTE

– PA (x2): Malu Guedelha, Dona Onete

– AM: Luli Braga

SUL

– PR: Peci

– RS: Cristal

CENTRO-OESTE

– DF (x2): tatiana nascimento, Fiákra

SUDESTE

– SP (x2): Ana Cacimba, Kiko Dinucci

É semana de COP 30. Os olhos do mundo estão voltados para Belém do Pará. E é de lá que vem um dos maiores Acontecimentos musicais do ano: Rock Doido. Se olharmos a discografia de Gaby Amarantos, podemos chegar a duas conclusões surpreendentes. A primeira é que, ao escutar hoje Treme, seu primeiro álbum, fica fácil perceber seu caráter vanguardista: este disco de 2012 poderia facilmente ter sido lançado na década de 2020, uma vez que manteve toda sua atualidade.

E depois de acompanhar uma inflexão mais orientada à MPB em Purakê (2021) e um retorno ao tecnobrega em TecnoShow (2022), fica clara a singularidade absolutamente não-convencional de Rock Doido. Em comparação com os discos anteriores, o álbum de 2025 não parece saído de um desdobramento linear ou orgânico, pois se trata de um verdadeiro salto qualitativo para o futuro, acelerando intensamente o tempo histórico da criatividade musical. É de se perguntar: estaria Gaby Amarantos antecipando desta vez as tendências musicais da década de 2030?

Chama a atenção a abertura do disco: “Te prepara / O que tu vai escutar agora / Não é apenas som / São frequências sonoras / Capazes de reorganizar / Teu sistema molecular / Esqueça tudo / Que o rock doido começou”.

No que consiste, então, tal singularidade e inovação que nos convidam a “esquecer tudo”? Recentemente, explodiu uma intensa controvérsia nas páginas dos jornais e nos perfis das redes sociais, por conta de uma entrevista da professora da Letras da USP, Aurora Bernardini, à Folha de S. Paulo, na qual ela defende que a literatura contemporânea teria se empobrecido ao privilegiar o conteúdo sobre a forma. Sem entrar nos méritos e posicionamentos desta discussão, estou aqui interessado em uma transposição proposta pelo professor, pesquisador e crítico cultural Acauam Oliveira do debate estético da literatura em direção à música:

“[...] na música popular, podemos observar um movimento que, visto com atenção, revela o exato oposto do que vem sendo criticado na literatura. Pois em alguns estilos, é a forma que tem se sobreposto ao conteúdo, justamente em estilos muitas vezes considerados esteticamente ‘inferiores’, como o pagodão baiano ou o funk. [...] Esses gêneros frequentemente operam por meio de um processo radical de dessemantização de seus enunciados, liberando as palavras de seu horizonte de significado e direcionando-as a níveis mais elementares de materialidade. Ou seja, a palavra, perversamente polida pelo hedonismo neoliberal, transforma-se em tambor. Nos casos mais radicais, ela é quase que totalmente destituída de sua substância semântica para que o artista a manipule em níveis fonológicos mais puros, a cumprir funções essencialmente rítmicas:

Senta Senta

Soca Soca

Palavras-tambor. Ganham sentido pelo contraste fonológico entre grave e agudo, a produzir territórios rítmicos ancorados nas funções injuntivas de verbos voltados, em estado de devoção, ao corpo que dança.”

Em inúmeros momentos de Rock Doido, vemos que, em vez de uma unidade entre forma musical e conteúdo poético amarrados de maneira linear, com introdução, desenvolvimento e conclusão, existe um primado de circularidades e repetições, que se dão, por vezes, por meio dos sons (os beats, os teclados) e, em outros momentos, pelas letras (repetindo palavras, onomatopeias ou sílabas):

“Dá-lhe, Dá-lhe, Dá-lhe”

“Arrume-se comigo / Arrume-se comigo”

“Sal sal sal sal sal”

“Endoida / Endoida, endoida, endoida”

“Treme / Treme, treme, treme, treme, treme”

“Tumbalatumba Tumba Tum”

“E-eu tô solteira, eu eu tô solteira”

“Desce, desce, desce, desce, desce, desce no abraço / Sobe, sobe, sobe, sobe, sobe, sobe no abraço”

“Rock doi-doi-doi-doi-do”

“Gemedeira, gemedeira, gemedeira”

“Eu vou BB / BBBBBBB, BBBBBBB, BBBBBBB”

“Te prepara! Te prepara! Te prepa pa papapapa”

“Na onda do Pararurau / Pararurau, pararurau / Pararurau pá, pararurau”

Não parecem umas poesias sonoras futuristas baseadas na repetição de onomatopeias?

Além desta desconstrução poética – que Acauam delineia com precisão através do termo “palavras-tambor” – outro elemento desestabilizador das convenções é a relação entre sonoridade e temporalidade. Por contraste, os álbuns anteriores de Gaby Amarantos se revelam muito mais convencionais, no sentido específico do ordenamento de canções claramente separadas umas das outras.

Já o projeto estético de Rock Doido cria praticamente um fluxo único. São incríveis 22 faixas em apenas 37 minutos, o que cria uma sensação de que o disco é muito mais longo do que de fato é, pois o aumento de variações de temas (melódicos e poéticos) altera nossa noção de tempo. As músicas são sobrepostas de modo ininterrupto, sem pausa para retomar o fôlego. É uma outra crítica cultural de Acauam Oliveira que começa novamente a revelar o fenômeno por trás do que se está passando aqui:

“A centralidade da forma disco como eixo de análise revela-se, cada vez mais, insuficiente para apreender a vitalidade dos processos que mobilizam a música contemporânea. Há diversos fenômenos estéticos excepcionais que prescindem ou minimizam esse suporte. Bailes, paredões, aparelhagens e trios elétricos vêm inventando novas e radicais relações do som com o corpo que escapam à escuta crítica fundada na mera contemplação atenta”

O fluxo intencional de Rock Doido cria uma experiência sonora imersiva que repõe a centralidade da forma disco. Em tempos de singles (e hits) e a prática de escuta fragmentada nas plataformas de streaming, vou defender aqui a hipótese de que Gaby Amarantos sacrifica a forma-canção para recriar a forma e a unidade do disco, já que muitas das faixas não foram compostas para serem ouvidas de modo isolado, só fazendo sentido no contexto de ritmo frenético e fluxo quase ininterrupto.

Como dito nos últimos meses em diferentes análises, resenhas e entrevistas, o disco é um experimento musical que busca a reconstrução ou, melhor dizendo, a recriação em outro âmbito da experiência sonora vivida em uma festa de aparelhagem na periferia de Belém – sendo prática corrente da discotecagem “emendar” uma música na outra para sempre manter elevada a energia da pista. É como se Gaby Amarantos estivesse internalizando na forma-disco um dos fenômenos estéticos e vitais que está inovando na relação entre som e corpo para além da contemplação.

Isto claramente entra em choque com a forma-canção. Não apenas por conta da dissolução e fluidificação das faixas enquanto unidades antes autossuficientes, mas devido ao contexto social e histórico subjacente ao nascimento e suposto ocaso da forma-canção. Vamos retomar a clássica contribuição do famigerado historiador marxista José Ramos Tinhorão, que sentenciou em entrevista à Folha de S. Paulo que “A canção acabou”. Segue o trecho-chave da entrevista datada de 2004:

P: Acabou [a canção]? Por quê?

R: Acabou, é inconcebível. Charles Aznavour está velhinho, é o último representante de um tipo de coisa. Ele senta num banquinho e toca e canta. Isso acabou. Hoje é tudo coletivo, com recursos eletro-eletrônicos. Acabou essa canção que nasce contemporânea do individualismo burguês, feita para você cantar e outras pessoas ouvirem se sentindo representadas na letra.

P: Seria uma volta do coletivo em oposição ao individualismo? A morte da canção seria positiva?

R: De certa forma é. O que substitui a canção solo? O rap, que também é solo, mas não se vale mais de melodia. Costumo dizer que o rap é a grande novidade, porque restaura a música da palavra. O cantochão da igreja era um rap. Como nasce a música da igreja? O cara ia ler um texto sagrado, ficava monótono, ele passava a ler de uma forma cantada. Nasce o cantochão, que é embolada de padre, é rap de padre. O rap não precisa de melodia, porque eles tiram a melodia da palavra. É uma fala cantada. O interesse do rap é que ele volta exatamente ao início, a palavra passa a ser mais importante que a melodia.

E vejam a coerência audiovisual: a imagem da capa de Rock Doido também é expressão de uma coletividade. Embora haja o destaque dos olhos de Gaby Amarantos (em referência à capa do disco Dangerous, de Michael Jackson) e também ela própria, estrela brilhante, no centro e no alto empunhando orgulhosamente a bandeira do Pará, também existe uma miríade de pessoas, que compõem e constroem a cena cultural paraense, articulando elementos populares e periféricos, as fantasias artesanais de festas folclóricas e as estruturas tecnológicas de som e luz – passado, presente e futuro.

O filme Rock Doido, um vídeo de 22 minutos em plano sequência disponível no YouTube e fruto de um surpreendente empreendimento coletivo, tem um fio condutor narrativo até mais amarrado e explícito do que o álbum considerado por si só pois, como veremos a seguir, há elementos interessantes e relevantes que transbordam a narrativa mais linear de começo, meio e fim de uma noite na festa de rock doido.

Arrematando, então, minha hipótese: de modo extremamente criativo, o trabalho de Gaby Amarantos é um novo episódio no debate sobre “o fim da canção”. Não precisamos decretar a morte definitiva da forma-canção, já que é possível enxergar a concomitância de diferentes formas estéticas em um mesmo tempo histórico (um desenvolvimento desigual e combinado?). Ainda mais se focarmos na distância entre a sociabilidade burguesa circunscrita por Tinhorão e a sociabilidade periférica urbana no Extremo Norte do Sul Global, retrabalhada musicalmente por Gaby Amarantos.

Ao internalizar e recriar a experiência social, sonora e corporal de festas noturnas do que poderia ser chamado de “música eletrônica do Terceiro Mundo”, Gaby tensiona a forma-canção a ponto de, em vários momentos, sacrificá-la para reinventar a forma-disco, contra a tendência alimentada pelos streamings de fragmentar os discos em singles e diluindo as fronteiras entre as faixas. Contudo, também é verdade que ela não abole ou supera por completo a canção, algumas das faixas poderiam sim funcionar como singles ou hits que narram e representam experiências individuais (penso aqui, por exemplo, em “Te Amo Fudido”, “Não Vou Chorar”, “Foguinho” e “Crina Negra”).

Em mais de um momento no disco, surge uma voz que diz: “Explode o bagulho!”. Enquanto eu planejava e escrevia esta resenha, vários títulos para ela me vieram a mente, cada um sendo um trecho de uma faixa diferente do disco: “Tô a fim de endoidar”, “Eu vou endoidar”, “Endoidar no paredão”, “Só os cara doido e as muleca doida” e, por último, “Bora endoidar” (o que implica, enfim, um convite de Gaby para sua plateia de ouvintes e um convite meu para o público-leitor desta newsletter). Mas o que significaria, então, esta “doidice”? Trata-se, no meu entender, da subversão e até mesmo da ruptura com determinadas normas e convenções musicais.

Parece-me também que “endoidar” e “explodir o bagulho” são palavras-chave para descrever a experiência singular e comunitária de “frequências sonoras” que reorganizariam o seu “sistema molecular”, tanto na experiência vivida das festas quanto da escuta ativa do disco. As repetições circulares das partes instrumentais e dos versos compostos por palavras-tambor podem ser lidas como recriações sonoras da festa de rock doido, entendido como um ritual que produz efervescência coletiva (perdão pelo sociologismo, a referência aqui é Durkheim) e, assim, substitui a linearidade poética da forma-canção na música popular urbana e a sua escuta contemplativa, pela circularidade e imersividade próprias a rodas populares tradicionais e festas periféricas urbanas.

Por tudo isto que busquei descrever e interpretar, o disco já seria um dos grandes Acontecimentos musicais de 2025. Mas o álbum surpreende ainda mais, não se reduzindo apenas ao que foi analisado até o momento. Existem outras contratendências que acabam por complexificar a estrutura e a intenção de seu projeto estético. Da forma como eu leio o disco, existem ao menos dois méritos que eu ainda não vi como suficientemente abordados pela crítica musical até agora.

Em primeiro lugar, existe um diálogo no disco, que vai se intensificando ao chegar em seu final, menos frenético (nas faixas 16, 21 e 22: “BBBBBBB”, “Rock Doido é Meu Lugar” e “Deixa”). É o diálogo entre os elementos culturais periféricos e os populares. Cada vez mais, a “música eletrônica do Terceiro Mundo” (paradigmaticamente aqui o tecnobrega, mas se estivéssemos falando de outros territórios, poderíamos nos deslocar em direção ao rap, o funk ou o brega funk) vai se abrindo para as palmas e as batucadas (e no filme Rock Doido, para as danças circulares e as fantasias elaboradas artesanalmente).

Esta contratendência desacelerada de Rock Doido atualiza, no meu entender, o projeto estético esboçado por Gaby em seu single “Ilha do Marajó (Gira a Saia)” (2019), uma versão contemporânea do carimbó de Mestre Verequete, sincretizado com os beats eletrônicos do tecnobrega. Deste modo, Gaby Amarantos se filia a uma estrutura de sentimento mais ampla que busca de diferentes formas na música brasileira contemporânea a musicalização da palavra de ordem “o futuro é ancestral” (BaianaSystem, Kaê Guajajara e Marcelo D2 são artistas citados anteriormentes nesta newsletter neste sentido), desenvolvendo, no seu caso, continuidades entre, de um lado, as rodas e os batuques com ritmos afro-indígenas e, de outro, as festas de aparelhagem.

Em segundo lugar, devido à centralidade que Gaby Amarantos conquistou tanto no ecossistema econômico-musical paraense como por sua capacidade crescente de incidência no pop brasileiro mais mainstream, ela acabou por consolidar um lugar de fala único em termos de conseguir entrar em um diálogo imaginativo em pé de igualdade com a música sertaneja. Contra sua tendência onívora (uma espécie de sincretismo de cima para baixo no qual o sertanejo fagocita outros ritmos, como funk, pagode, trap, dentre outros, para fortalecer seu domínio na indústria cultural), na faixa “Não Vou Chorar”, com a participação da cantora goiana Lauana Prado, Gaby realiza a proeza de sincretizar o sertanejo com o tecnobrega.

Nem sequer o artista de maior consenso musical nacional do momento, João Gomes, consegue alcançar algo próximo a esta operação simbólica. É só comparar a sua estratégia no álbum Do Jeito Que o Povo Gosta (2025): as versões de músicas sertanejas que ele grava não são produto de um diálogo criativo e sincrético, mas da aplicação mecânica de uma mesma fórmula homogeneizante, que apenas adapta qualquer canção original ao formato exógeno do piseiro.

Eu entendo esta espécie de sincretismo de baixo para cima avançado por Gaby Amarantos como uma apropriação subversiva do elemento cultural dominante na música brasileira hoje, o sertanejo do Mega-Centro-Oeste, deslocando o centro do dinamismo e protagonismo musicais para o Norte e estremecendo as hierarquias culturais e territoriais contemporâneas (“treme, treme”). Quem dera este esboço de coalizão musical (diferente da aliança Norte-Nordeste que eu sempre chamo a atenção por aqui) pudesse ser traduzido e expandido para uma coalizão social e política que refundasse o que chamamos de “Brasil”.

Enfim, um disco simplesmente brilhante. Escutem para além da contemplação… e “bora endoidar”.

Ressalto também enfaticamente as felizes descobertas de álbuns lançados na primeira metade dos anos 2020: o excelente Ponta da Língua, de Sofia Freire (experimental e vanguardista), e a obra-prima de Marcelo D2, Iboru, sobre o qual ainda quero escrever mais extensamente. Tenho ouvido este disco em looping, o que me leva a refletir igualmente em looping sobre suas qualidades e radicalidades, ficando cada vez mais convencido de que as ambições estéticas de D2 foram neste caso plenamente alcançadas, em especial devido à surpreendente aproximação tanto com o historiador e compositor carioca Luiz Antonio Simas quanto com a cena da contracultura paulistana, com Kiko Dinucci e Juçara Marçal. Esta pororoca desestabiliza e suprassume o nacional-popular, efetivando a musicalização da palavra de ordem “ancestralidade de futuro”.

Nove lançamentos de Outubro* de 2025 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de outubro, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [single] Clarissa, “Eu Fim, Você Início” [RJ]

Uma música pop viciante, sobre um amor de/em transição. Destaque para a produção musical e os beats eletrônicos de Iuri Rio Branco (ele tem aparecido bastante aqui na newsletter, devido à sua participação nos álbuns de: Braza, Don L, Luedji Luna e Rachel Reis). O single antecipa o futuro lançamento do próximo álbum de Clarissa Müller, numa trilha que mistura “indie-rock, lo-fi e pop contemporâneo”.

2 – [álbum] Daniela Mercury, Cirandaia [BA]

Discaço que atualiza o projeto estético da Daniela Mercury esboçado desde o início dos anos 1990: “Sinto a necessidade da descontrução do som dos blocos afros” (o que, segundo um jornalista cultural da Folha de S. Paulo que a entrevistou em 1994 significava alimentar “um projeto estético paradoxal. [ela] Quer a um só tempo ostentar a coroa de ‘rainha da axé music’ e introduzir o pop baiano na linha evolutiva da MPB”). O alfa e e o ômega do disco é Salvador, começando por um encontro entre vários blocos afro (Tonho Matéria do Olodum, Ilê Aiyê, Cortejo Afro, Muzenza, Banda Dida e Filhos de Gandhy) e encerrando apontando para uma estrela baiana em ascensão e que compartilha com Mercury o projeto de articular MPB sob o prisma da baianidade (Rachel Reis). Mas para além disso, Cirandaia olha para fora do subnacional-popular baiano e passeia por uma parcela do Brasil, delineando justamente o fenômeno que é o fio condutor desta newsletter até o momento (a coalizão musical Norte-Nordeste), ao convidar artistas de fora de seu estado: Alcione (Maranhã), Geraldo Azevedo (Pernambuco), Chico César (Paraíba) e, por fim, Dona Onete (Pará) cantando e Davi Kopenawa (Amazonas) discursando. Enfim, um acontecimento musical que merece sua atenção.

3 – [EP] Delírio Cabana, Delírio Cabana [AM]

Banda manauara reúne neste EP um projeto estético baseado em uma unidade na diferença, com direito a: brega pop, carimbó, bolero-brega, xote y otras cositas más. Destaque musical para mim é a faixa “Ânima” (com participação de Raidol na composição, excelente artista queer paraense) enquanto o destaque poético foi “Gengibirra”.

4 – [single] Mari Merenda & Guegué Medeiros, “Bote no Lugar” (fev. 2025) [SP]

Um sincretismo entre coco e pop eletrônico, com temática feminista - uma resposta à clássica misoginia de chamar as mulheres de “loucas”: “Você me bote em qualquer lugar / Na prateleira, cama ou altar / Só não me bote num lugar de louca / Que eu viro outra e posso machucar”. O single depois compôs um EP, lançado alguns meses depois, mas esta música aqui me chamou muito mais a atenção do que as demais faixas que o integraram.

5 – [álbum] Maui, Melodia&Barulho (set. 2025) [RJ]

A criatividade por trás deste disco começa pelo seu nome: o uso do “&” é radicalizado ao deletar os espaços entre as palavras, o que sinaliza sua intenção em elaborar esteticamente a convivência entre os polos antitéticos que organizam a experiência social e sonora da juventude negra na Baixada Fluminense: “É coisa ruim, coisa boa, no mesmo lugar, o tempo inteiro. Melodia e barulho”. A capa é uma releitura da obra “Hell de Janeiro”, do artista periférico Arte Deft; o álbum é aberto com um poema de Solano Trindade; e, para coroar, uma pluralidade de ritmos articulados com coerência: “pagode, drum and bass, R&B, reggae, grime e afrobeats”. Ápice da criatividade do seu projeto estético é o sincretismo entre pagode e D&B em “Seu Telefone"; a complexidade não é só na forma musical, mas também no conteúdo poético, ao construir a alternância de perspectivas entre o eu lírico masculino e o eu lírico feminino (com o feat de Cristal, rapper e slammer portoalegrense); enfim, uma música que entra no rol de faixas brilhantes de 2025, ouçam!

6 – [álbum] Melifona, Radiação do Corpo Negro (set. 2025) [SP]

Indicação do amigo Gabriel Nascimbeni, artista e produtor musical. Correndo o risco de simplificar um projeto estético complexo, minha primeira impressão foi uma espécie de Djavan experimental. O excelente portal Pop Fantasma definiu de forma mais precisa como um “neo-soul psicodélico”. Destaque musical para mim foi “Peito Aberto” (com feat da cantora também paulistana Barbarelli), enquanto o destaque poético foi “Objetos”.

7 – [álbum] Paulão, Big Paulo na Ilha do Amor [MA]

Uma delícia de disco vindo da Jamaica Brasileira: tem, óbvio, reggae, mas também muito mais (bumba-meu-boi, tambor de crioula, bloco tradicional, cacuriá, dub, samba, soul, dancehall e afrobeat). Eu já havia chamado a atenção nos lançamentos do mês de setembro para o single “Meu Sonho”, que articula os batuques do Cacuriá com beats eletrônicos. Minha faixa favorita do álbum se tornou “Pedi aos Santos", que alterna em sua letra uma parte romântica (“Pedi aos santos a bença / Ter a sorte de saber meu par / Toda decência na vida / Rebeldia quando precisar”) com uma reflexão sobre a singularidade do Maranhão diante de alguns ritmos centrais na coalizão musical Norte-Nordeste (mais especificamente nas constelações baiana e paraense): “Nem pagodão, nem ijexá / Nem carimbó, nem siriá / Esse groove é Maranhão / Esse groove é do Paulão”.

8 – [álbum] Phylipe Nunes Araújo, Phylipe Nunes Araújo [PE]

Voz-e-violão afinado com a contemporaneidade, sem deixar espaço para passadismos, nostalgias e anacronismos (bossanovísticos, por supuesto). Senti ressonâncias tanto do violão percussivo da baiana Josyara (mas neste caso aqui tocando um violão de nylon) quanto da estética lo-fi do alagoano Bruno Berle - não à toa, vim a conhecer o Phylipe em sua participação como guitarrista e violonista em show recente de Berle (produtor de Phylipe Nunes Araújo junto com seu parceiro Batata Boy). Destaque para a linda faixa de abertura do álbum, “Muito Dengo”: “Sempre penso em ti de madrugada / E saudade sinto de te ver / […] Quero ficar contigo amor e não tem jeito / Parece perfeito / Eu e você em casa / Almoçando domingo no sofá”. O influenciador musical Pietro Reis atribui ao artista a categoria “Música Brasileira do Agreste de Pernambuco”, mais uma forma de dissolver o nacional-popular, complexificando e descentralizando o que é a brasilidade musical.

9 – [álbum] Urias, CARRANCA [MG]

O que é este disco?! O melhor lançado em outubro que eu consegui ouvir… Um sincretismo entre rap e pop queer vindo de Uberlândia. Mas também muito mais, com produção musical de Maffalda, Gorky e Nave Beatz (que tem aparecido bastante por aqu, tendo produzido só neste ano: Rael, Don L, IZA e Marcelo D2), dentre outros. Começando com a participação de Criolo em “Deus”, passando por inúmeras composições com o artista baiano Giovani Cidreira, a gravação de uma música de Hyldon (”Águas de um Mar Azul”, de 50 anos atrás, inédita até então), o feat com Don L em “Paciência” como uma espécie de sobreposição entre os projetos estéticos e políticos contemporâneos e radicais de Carranca e Caro Vapor II. As declamações como interlúdios explicitam o fio condutor narrativo do álbum: tendências e bloqueios do processo de libertação das pessoas negras (e queer) neste território que chamamos de “Brasil”. Embora Urias afirme que este disco “foi um jeitinho de eu tentar fazer a minha Música Popular Brasileira no fim das contas”, o horizonte de uma Etiópia imaginada simboliza uma utopia de dissolução e superação do racismo me parece bagunçar ou até mesmo inviabilizar uma relação positiva com a brasilidade. E este contraste entre o Brasil estruturalmente (essencialmente?) racista e uma Etiópia antirracista deságua na faixa de encerramento, “Voz do Brasil”, um looping de sobreposição de camadas complexas de significação: a peça de abertura da ópera O Guarani (Carlos Gomes, 1870) se tornou a abertura do programa radiofônico “A Voz do Brasil”, símbolo da ditadura militar (1964-1985); já no século XXI, Urias sampleia eletronicamente o trecho da ópera radiodifundida para subverter a apropriação da apropriação: “Eu vos apresento a voz do Brasil / Quem? Quem? Quem? / Quem? Quem? Quem? / Peito, bunda, grana, puta / Festa, droga, carnaval de rua / Tudo muito bom, bom / Tudo muito bem, bem / Pra jogar no bicho e pra foder também”. Contrapublicidade musical e poética na veia.

Outros lançamentos do mês de Outubro* de 2025

*todas as indicações abaixo são de outubro, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[álbum] A Outra Banda da Lua, Entre a Terra e o Sol [MG]

[álbum] Abacaxepa, Antes que Você se Esqueça [SP]

[álbum] Adnon, Inna Brazilian Jamaica Deluxe [MA]

[EP] Alessandra Leão e Sapopemba, Exu Ajuô [PE]

[single] Cehfaz, “Oxum - Contradição” (set. 2025) [??]

[álbum] Chico Chico, Let it burn — deixa arder [RJ]

[single] Eric Max, “Rio Negro” (set. 2025) [AM]

[single] Iuna Falcão “Coração Melão” [MA]

[álbum] Izy Castelano, ARDENTE [RJ]

[single] Jáder, “Xêro” [PE]

[álbum] Laboratório Tropical, Laboratório Tropical Vol.01 [vários]

[EP] Layse, Música Mundana [PA]

[single] Leo da Bodega, “Eu Queria Ficar” [PE]

[single] Luê (feat. Aqno, Felipe Cordeiro & Zaynara), “É Mta Onda” [PA]

[EP] Mari Merenda, Reverbero (jun. 2025) [SP]

[EP] Mariana Froes, Vaitimbora (Acoustic) [GO]

[single] Mirela Hazin & eutimyo, “Me Conta” [PE]

[single] Silva, “Virá” [ES]

[singles] Sofia Pitta, “Soltinha” e “Soltinha (Remix)” [BA]

[álbum] Tori, Areia e Voz [SE]

[single] UANA, “Delírio Favorito” [PE]

[álbum] Viviane Batidão, É Sal [PA]

[álbum] ZAYNARA, AMOR PERENE [PA]

(Re)descobertas tardias altamente recomendadas

[single] BaianaSystem e Duda Beat, “Borogodó (Remix)” (2023) [BA e PE]

[álbum] Marcelo D2, Assim Tocam os MEUS TAMBORES (2020) [RJ]

[álbum] Marcelo D2, IBORU (2023) [RJ]

[álbum] Sofia Freire, Ponta da Língua (2024) [PE]

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em out. 2025?

NORDESTE

– PE (x3): Duda Beat, Phylipe Nunes Araújo, Sofia Freire

– BA (x2): BaianaSystem, Daniela Mercury

– MA: Paulão

SUDESTE

– RJ (x3): Clarissa, Marcelo D2, Maui

– SP (x2): Mari Merenda, Melifona

– MG: Urias

NORTE

– AM: Delírio Cabana

Muito mais singles do que álbuns me chamaram a atenção; muitos dos singles, aliás, antecipando discos que serão lançados até o final do ano - fiquemos de ouvidos abertos.

Destaque também para onde foi a minha pesquisa musical sobre trabalhos dos anos 2010-20: me fizeram muita companhia os primeiros discos da paraense Gaby Amarantos (são as ondas do impacto de Rock Doido) e também o último da gaúcha Duda Brack (embora nascida no Sul, sua sonoridade é incrivelmente próxima do projeto estético do eixo Norte-Nordeste, haja visto as participações principalmente do pernambucano Romero Ferro, mas também dos paraenses Felipe Cordeiro e a própria Gaby).

Simbora.

Onze lançamentos de Setembro* de 2025 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de setembro, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [single] Abacaxepa & Alessandra Leão, “Qualquer Canto” [SP e PE]

Grande encontro da banda paulistana (com orientação do sudeste ao nordeste) e da cantora, compositora e percussionista pernambucana. Ambas já apareceram aqui em outros momentos, destacados como lançamento de single ou descoberta de álbum mais antigo. Este single, aliás, antecipa lançamento de disco da Abacaxepa no final de outubro, vamos ficar de olho! Por esta faixa, o álbum promete…

2 – [single] Ana Frango Elétrico (feat. Marcos Valle), “Não Tem Nada Não” [RJ]

Versão criativa de uma composição não apenas de Marcos Valle (que participa desta faixa), mas também de João Donato e Eumir Deodato. Por conta do universo musical tecido no seu último álbum (Me Chama de Gato Que Eu Sou Sua - eleito melhor disco de 2023 na Lista das Listas), faz bastante sentido Ana Frango Elétrico mergulhar em uma música setentista. A inovação fica por uma colagem citando “Gypsy Woman”, composição de 1991 de Crystal Waters.

3 – [single] Cami Santiz, “Canto da Sereia” [AM-RN]

A trajetória geográfica de Cami Santiz encarna a coalizão musical Norte-Nordeste que sempre estou chamando a atenção como o principal elemento cultural emergente na nossa música contemporânea: ela nasceu em Manaus e hoje está radicada em Natal. Este lindo single antecipa o lançamento de seu primeiro álbum, Salina, também previsto para outubro. Diz uma das estrofes: “Arde, invade / Um dia eu caio nessa sua rede / Um som de tarde, discos de Noel / O seu rosto é miragem” (não que seja relevante, mas estes “discos de Noel” me lembraram a “Rita” de Chico Buarque que “levou junto com ela [...] um bom disco de Noel”). Segundo a própria cantora, a música desenvolve o conceito de “Bregadeira Lo-Fi”, sincretizando de forma experimental brega, arrocha, pop, lo-fi e reggae. Ouçam!

4 – [álbum] Clara Valverde, DELÍRIOS [SP]

O samba é a língua franca deste disco, o que chega a ser surpreendente, já que o gênero musical sempre esteve presente nos álbuns anteriores de Clara (CASO SÉRIO, de 2019, e BURBURINHO, de 2022, sem contar o single-hit “samba do moço bonito”), mas nunca com tamanho protagonismo, devido ao pluralismo musical, com uma pegada talvez mais pop e acelerada do que este seu último trabalho, mais intimista. Destaque para a faixa “só dessa vez”, com participação da cantora pernambucana Joyce Alane.

5 – [álbum] Guma, Virando Noite [PE]

Trio recifense lança seu segundo álbum: o melhor disco lançado em setembro que eu escutei! Muitas faixas ótimas ou excelentes, mas destaque para as faixas “Paraíso Astral” e “Só Quando Lembro”, esta com a participação de UANA, rainha do underpop. Em algumas reportagens, resenhas ou materiais de divulgação são destacadas as influências pop, da Tropicália e da Jovem Guarda, mas entendi que o centro de gravidade do seu projeto estético é um sincretismo muito interessante entre indie rock e brega. Nesse sentido, a banda pernambucana parece participar de uma tendência mais ampla, que eu tenho me deparado repetidamente no interior da coalizão Norte-Nordeste: o desenvolvimento de um rock alternativo “tropical” (aqui sequestrando o adjetivo da categoria “pop tropical”, por vezes mobilizada por Felipe Cordeiro), por vezes com pitadas psicodélicas, por artistas de diferentes estados: Amazonas (Jambu, MANAUERO), Ceará (Mateus Fazeno Rock, Lá na Zárea Todos Querem Viver Bem), Sergipe (Lau e Eu, feroz comum silêncio entre nós…), Pará (Mangífera, Na Mata, No Céu, No Olhar) e, uma vez mais, Pernambuco (Samuel de Saboia, As Noites Estão Cada Dia Mais e, em menor medida, Almério, Nesse Exato Momento). Se esta constelação que eu esbocei aqui fizer sentido, quem tiver recomendações de outros discos, bandas e artistas que dialogam com este vibe, indiquem aqui!

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6 e 7 – [singles] IZA, “Caos e Sal” e “Tão Bonito” [RJ]

Single duplo que tem sido recebido como uma virada de IZA em direção ao reggae; embora esta pareça ser a língua franca que vai informar seu próximo álbum, na realidade apenas “Caos e Sal” é um reggae, não só musicalmente, mas também pela letra mais política, se referindo à ancestralidade, "guerra pelo poder" e, ao final "revolution". Já “Tão Bonito” é mais abertamente um afrobeat. O produtor Nave participa de ambas as faixas (ele também está envolvido na produção de Onda, de Rael, e Caro Vapor II, de Don L, dois excelentes discos já resenhados por aqui). Pelo que apresentou agora, o próximo disco da artista promete, ouçam o quanto antes!

8 – [single] Kaboom 23 e Saulo Duarte, “Aumenta Isso Daí, Seu Moço” [SP e PA]

Baseado em fatos reais (um vizinho que perdeu seu fone de ouvidos e passa a ouvir uma música alta para curtir sua fossa), um ótimo single com participação do compositor paraense Saulo Duarte, já resenhado por aqui: “E aumenta isso daí, seu moço / Que hoje eu vou tá com você / No fundo do poço / E a morena dessa cicatriz que não cicatriza / Escapou por um triz / Era feliz e não sabia”.

9 – [single] Paulão (feat. Camila Reis), “Meu Sonho” [MA]

Paulão tem sido um dos artistas com quem tenho mantido uma interlocução constante sobre a impressionante imaginação musical da cena maranhense independente. Neste single, sua imaginação atualiza o projeto estético de articulação entre o orgânico e o digital, os beats e os batuques, a partir do Cacuriá, o toque do carimbó das caixeiras na Festa do Divino Espírito Santo no Maranhão. Camila Reis é da família que fundou o Cacuriá de Dona Teté (hoje renomeado por Cacuriá Balaio de Rosas). No início de outubro sairá também um single de Paulão, com Núbia, jovem e fantástica referência do reggae maranhense, e no meio do mês um álbum novo inteiro, fiquem de olho!

10 – [single] Planeta Oca & Saulo Duarte, “Onda de Calor” [? e PA]

Mais um single com participação de Saulo Duarte! Uma reflexão musical ambientalista que canta as mudanças climáticas por todo o mundo (viajando por Bagdá, Ceará, Tibete, Canadá, Belém e o Himalaia), com direito a citação de uma fala de Ailton Krenak sobre os efeitos deletérios do desenvolvimentismo.

11 – [single] Sofia Pitta, “Cor de Mel” (jun. 2025) [BA]

Jovem compositora baiana que já apareceu por aqui devido ao seu ótimo EP Molho lançado no 1º semestre (eu diria que ela é uma herdeira do projeto da constelação subnacional-popular baiana tão bem representada pela primeira Rachel Reis). Aqui, um single delicioso que une sincreticamente o forró e o brega por meio de beats eletrônicos do produtor Rafinha RSQ, com momentos que parecem flertar com pagodão baiano e com piseiro.

Outros lançamentos do mês de Setembro* de 2025

*todas as indicações abaixo são de setembro, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[álbum] Ajuliacosta, Novo Testamento [SP]

[álbum] Ana Spalter, Coisas Vêm e Vão [SP]

[álbum] ANAVITÓRIA, claraboia [GO e TO]

[EP] Antes do Erro, Intervalo [PA]

[single] Çantamarta & Marina Sena, "AMPARO" [COL-VEN-ESP e MG]

[single] Chico César, “Bom Dia, Tornozeleira” [PB]

[single] Chico Chico, “Tempo de Louças” [RJ]

[álbum] Dani Black, Uma Cidade Chamada Eu Mesmo [SP]

[álbum] eliminadorzinho, Eternamente [SP]

[single] Exfera, "Nesse Lance" [PA]

[EP] Florextra, Deixa Pra Lá (abr. 2025) [SP?]

[single] João Merin, Pedro Pondé e Rocá, “Folhas Remix Primavera” [BA]

[álbum] Kilian's, Memória em Movimento (mai. 2025)

[EP] Lau e Eu, feroz comum silêncio entre nós… Pt.2 [SE]

[single] Leo da Bodega, "Zunzunzum" [PE]

[single] Leo Middea, “Sulamérica” [RJ]

[single-remix] LEOA, Miss Tacacá & LOFIHOUSEBOY, "MALOKERA REMIX" [RN]

[single] Ludom, “Calôbaixô” [PB]

[EP] Os Garotin, Os Garotin Session 2 [RJ]

[single] ronca merin, “DEBUT FOLHAS REMIX” [BA]

[single] Zaynara, “Eu Não Gosto de Errar” [PA]

(Re)descobertas tardias altamente recomendadas

[álbum] Bia e os Becks, Universo Quenga (2021) [PI]

[álbum] Duda Brack, PROIBIDO NÃO GOSTAR (2024) [RS]

[single] Duda Brack e Ney Matogrosso (feat. BaianaSystem), “Ouro Lata” (2021) [RS, MS e BA]

[álbum] Gaby Amarantos, Treme (2012) [PA]

[álbum] Gaby Amarantos, Purakê (2021) [PA]

[álbum] Gaby Amarantos, TecnoShow (2022 ) [PA]

[EP] Nina Oliveira, Tocou um Forró (2024) [SP]

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em set. 2025?

NORDESTE

– MA (x2): Camila Reis, Paulão

– PE (x2): Alessandra Leão, Guma

– BA: Sofia Pitta

– PI: Bia e os Becks

SUDESTE

– SP (x4): Abacaxepa, Clara Valverde, Kaboom 23, Nina Oliveira

– RJ (x2): Ana Frango Elétrico, IZA

NORTE

– PA (x2): Gaby Amarantos, Saulo Duarte

– AM: Cami Santiz [radicada no RN]

SUL

– RS: Duda Brack

Nas próximas edições: mais resenhas de discos lançados em 2025 e… playlist comentada!

Por ora: aproveitem, ouçam, explorem, comentem e compartilhem!

Onze lançamentos de Agosto* de 2025 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de agosto, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [single] Amanda Magalhães, “Amores Vêm e Vão” [RJ]

Além de ser conhecida pelo single “O Amor te Dá", Amanda Magalhães tem viralizado com seus remixes criativos a partir de frases em vídeos meméticos (o último que bombou foi “Ô Trump”, a partir de falas do Lula sobre Eduardo Bolsonaro). Já neste single, “Amores Vêm e Vão”, ela declarou no Instagram que se trata de sua “última lovesong” e que, a partir de agora, vai iniciar uma “nova fase”. Curioso em entender esta mensagem enigmática e os próximos passos de sua carreira. Por enquanto ouçam a faixa, ficou muito envolvente!

2 – [álbum] AMANDONA!, Se Eu Pudesse Te Beijava Até a Voz (jul. 2025) [MG]

Primeiro álbum da artista, já conhecida na cena independente de Belo Horizonte e no carnaval de rua da cidade, devido ao bloco Abalo-Caxi. Uma obra “pop-sáfica” que mergulha na intensidade emocional de relacionamentos lésbicos, com produção de Luiza Brina (MG) e também participações das cantoras Letrux (RJ) e Juliana Linhares (RN). Para o meu gosto musical, as favoritas foram as faixas mais aceleradas (como o sambinha "Quando Vi Já Fui", o afoxé “Moça Que Dança” e a excelente trinca de encerramento do disco: “Filosofia”, “Eu Gosto Mesmo É De Beijar” e “Meu Vício”) em vez das mais lentas (como o piano jazzístico de “Se Eu Soubesse Como” ou as faixas voz-e-violão “Tão Sem Graça” e “Sereia” - talvez o pagodão baiano latinizado em portunhol “Senorita” seja a exceção, em termos de uma música lenta que funcionou para mim). Mesmo com esta oscilação, um dos discos mais interessantes que ouvi no mês!

3 – [single] Anna Suav, “BARRIL 092” [AM]

Um rap produzido na migração de Manaus para Belém, com elementos pop. A essência da sua mensagem é “Geral não entende que o Norte vem tacando fogo”, com o que esta newsletter concorda plenamente, haja visto a postagem-manifesto que formula a hipótese da emergência de uma coalizão Norte-Nordeste e, mais recentemente, a edição sobre uma constelação musical paraense.

4 – [EP] Duda Beat, esse delírio vol. 1 [PE]

Duda Beat retorna um ano após o lançamento de seu último disco. A crítica especializada tem oscilado na interpretação sobre quão próxima ela ficou com relação ao universo musical de Tara & Tal (Mauro Ferreira, por exemplo, enxergou mais continuidades). Escutei bastante este álbum de 2024 para formular hipóteses sobre tendências e contratendências na Música Brasileira Contemporânea; entendo que seu principal problema foi uma virada excessivamente monotemática em direção à música eletrônica. Eu apreciei este novo EP como um trabalho relativamente mais multifacetado. Aqui temos, sim, eletrônico, mas também pop, rap e indie rock (a versão de “Foimal”, música da banda goiana psicodélica Boogarins tem sido bastante comentada). O portal Pop Fantasma utilizou o termo “indie pop”, o que, me parece, recoloca Duda Beat um pouquinho mais próxima do início da sua carreira (enraizada no midstream) do que de seu penúltimo movimento (num processo bastante avançado de mainstreamização). Deve ser por isto que eu me surpreendi positivamente. Destaque para mim foi, de longe, o abre-alas, “você vai gostar”, com participação da rapper paulista Ajuliacosta. E o EP se encerrar com a versão demo de “Casa” (voz e violão) também é esteticamente interessante, pois esvazia a positividade solar e até eufórica do universo musical eletrônico anterior.

5 – [EP] Duquesa, SIX [BA]

Escutei bastante este EP nas últimas semanas. Assim como Duda Beat, este trabalho é multifacetado em termos de ritmos (especificamente negros neste caso): “sua diversidade sonora […] passeia com fluidez pelo rap, R&B, rock indie e até mesmo house”. Este contexto estético se sobrepõe à dimensão discursiva. Digo isto por conta da centralidade de temáticas de empoderamento via enriquecimento (confiram as críticas que Don L tem feito, por exemplo, sobre a tendência da cena do rap se orientar mais para o sonho de ascender para o 1% do que produzir pensamento crítico enraizado na experiência dos 99%). Por outro lado, também há poesias que explicitam a desigualdade racial e a gordofobia; um bom exemplo da intersecção de crítica e conformismo é: “Um hater me falou que eu tava grande / Eu disse: / Engoli a cena / Você não ouviu o disco? / Só viu a minha foto / Eu tô na revista, no jornal e etc / Uma futura nova rica / Dona de um grande negócio”. De qualquer forma, o estilo e a capacidade de rimar da Duquesa são impressionantes. Destaque para a última faixa, “Quantas coisas cabem na minha bag?”: “É revolucionário saber falar de sentimento”.

6 – [single] Felipe Cordeiro e Otto (part. Duda Brack), “Vem, Love!” [PA, PE e RS]

Exemplo paradigmático do que eu tenho chamado a atenção por aqui em termos de uma coalizão musical Norte-Nordeste (uma aliança emergente que desafia a geografia musical brasileira e suas hierarquias dominantes e residuais): o encontro entre o grande guitarrista Felipe Cordeiro e o compositor e percussionista pernambucano Otto. O mais interessante é que esta pororoca musical é intermediada por um terceiro estado, graças ao ritmo afro-amapense do Batuque (desenvolvido “em diversas comunidades negras, remanescentes de quilombos e comunidades ribeirinhas”), mais especificamente o Batuque do Curiaú. Achei interessante como esta base percussiva se mescla e altera o estilo da guitarra de Felipe, em especial nos momentos que o instrumento funciona como acompanhamento (já nos momentos de solo, a sua já conhecida guitarrada paraense surge com força). Uma pérola!

7 – [álbum] Gaby Amarantos, ️ROCK DOIDO [PA]

As 22 curtas faixas que compõem Rock Doido criam a sensação de que o disco é mais longo do que de fato é, por conta das variações sonoras. A língua franca do novo álbum de Gaby Amaranto é o tecnobrega, mas há faixas sincréticas em direção ao sertanejo (“Não Vou Chorar”, com Lauana Prado), a batucadas (“BBBBBBBB”, “Rock Doido é Meu Lugar”) e a sonoridades latinas (“Tumbalatum”, “Deixa”). De modo geral, o ritmo é frenético, já que o projeto estético tem a intenção de reproduzir a experiência de uma festa de aparelhagem na periferia de Belém, justamente o “rock doido”. Conforme foi lançado bem no finalzinho do mês, ainda estou digerindo este ambicioso trabalho, que deve ser reconhecido como um dos grandes discos do ano. Por fim, o álbum vem junto com um filme, gravado em um único plano-sequência.

8 – [single] Mago de Tarso & Prodbythb, “Mamulengo” [PE]

Quem cantou a bola para ficar de olho em Mago de Tarso foi a também pernambucana UANA - eles cantam juntos na fantástica “Eu Tenho o Molho”. Este single também elabora um sincretismo entre trap e forró, trazendo um sample de “Flor do Mamulengo” da banda Mastruz com Leite, pioneira no forró eletrônico. Deste modo, o rapper continua o projeto estético delineado em “Caranguejo do Trap” (2024) que, por sua vez, parte de ninguém menos do que Chico Science: “Modernizar o passado é uma evolução musical”.

9 – [EP] Mangífera, Na Mata, No Céu, No Olhar (jun. 2025) [PA]

Uma felicidade ter me deparado com o EP desta banda belenense! Duas das quatro faixas ficaram tocando em looping no meu fone: “Onça Pintada” e “A Resposta”. A língua franca é o rock, mas com criativos sincretismos em direção a samba-bossa e brega, com pitadas de MPB, Tropicália e psicodelia. Confiram!

10 – [álbum] Nina Maia, INTEIRA (Deluxe Edition) [MG]

É raro eu ser atravessado por discos mais lentos. Este álbum foi uma exceção, com suas faixas belas e tocantes, uma versão deluxe de um trabalho lançado no ano passado, com menos faixas, misturando MPB, indie pop e “texturas eletrônicas”. Filha do guitarrista Philippe Fargnoli (atualmente no CPM 22), Nina Maia criou um universo musical denso tendo apenas 21 anos de idade. Destaque para mim foram as faixas com participação da violoncelista e cantora Francisca Barreto, “AMARGO” e “GOSTO MEIO DOCE”, além do sambinha diferentoso “MAR ADENTRO”. Ela ganhou maior visibilidade ao fazer há pouco tempo o show de abertura do TOCA Sessions no Cine Joia, logo antes da entrada de Arnaldo Antunes.

11 – [single] Rincon Sapiência & Roncá, “Quebra Queixo Zambi Remix” [BA e SP]

Remix viciante da faixa “Quebra Queixo”, originalmente lançada pelo rapper baiano João Merín em seu disco Os Últimos Filhos de Sião (2020) e que agora criou o grupo de música eletrônica Roncá (sigla para Ruas do Ocidente/ Negros da Centro América): “Já te falei que eu sou barril / Gata nós dois é sensacional / Essa sua calça azul anil / Já te falei é fenomenal / Esse nego bom é o bicho / É Malê, Avenida, é Carnaval”.

Outros lançamentos do mês de Agosto* de 2025

*todas as indicações abaixo são de agosto, exceto aquelas com indicação contrária entre parêntesis

[single] Afreekassia, "No Meu Fone" (jan. 2025) [SP]

[single] Alulu Paranhos & Bruno Berle, "Ainda é Verão" [RJ e AL]

[single] Ana Cacimba, “Oyá” [SP]

[single] Barbara Fialho & Dj Cia (feat. Rael), " Vida Leve" [MG e SP]

[single] Barbarize e Oreia, "Imagina" (mai. 2025) [PE e MG]

[álbum] Cícero, Uma Onda em Pedaços [RJ]

[single] Chico Chico, “Tanto Pra Dizer” [RJ]

[single] Clara Valverde, “Íris Colorida” [SP]

[álbum] d.silvestre, O Que as Mulheres Querem [RO]

[single] Dani Black, “Muda Tudo” [SP]

[álbum] DJ Dolores, O Enigma do Frevo Album (abr. 2025) [PE]

[single] Enme, “AGARRADINHO” [MA]

[single] Forró Escaletado, "Tarde Laranjeira" (jun. 2025) [PE]

[single] Gessycka Gino "Brega Bom" [PA]

[EP] guiJay, BRUXARIA 2K15 (jul. 2025) [SC]

[EP] Henri Schappert & Lia de Itamaracá, Peri [ALE e PE]

[single] João Gomes e Jadson Araújo, "Vida de Gado" [PE]

[single] Joyce Alane, “AQUÉM” [PE]

[single] Los Brasileiros, Amabbi, Léo da Bodega, DMAX, "quem dera fosse..." [SP e PE]

[single] Ludom, "Toda Intensa" [RJ]

[single] Marcelo Tofani, FBC & Rogério Flausino, "BRINCADEIRA" [MG]

[single] Mariana Mesquita, “Se Por Acaso” [DF]

[EP] Mariana Nolasco, QUERO TE CONTAR [SP]

[álbum] Mateus Fazeno Rock, Lá Na Zárea Todos Querem Viver Bem [CE]

[single] Mc Super Shock (feat. Onçabeat & KAREN FRANCIS), "Banzeiro" [AP, PA e AM]

[single] Melly, "Despacha" [BA]

[single] Mona Gadelha, "Mar de Riso" [CE]

[single] Nilson Chaves, "Amazonicamente" (jul. 2025) [PA]

[single] Number Teddie, "TODO HOMEM FAZ" [AM]

[single] Pélico, "Infinito Blue" [SP]

[single] Phill Veras, "Café Solidão" [MA]

[single] Raidol, "Me Assiste" (jul. 2025) [PA]

[álbum] Ravi Lobo, Shakespeare do Gueto II (fev. 2025) [BA]

[EP] Rodrigo Alarcon, Pegapacapá [SP]

[single] Rubel e Marina Sena, "Carta de Maria” [RJ e MG]

[single] Tiê, “Enquanto Isso” [SP]

[single] Titane, “Madeira” [MG]

[single] Urias e Criolo, “Deus” [MG e SP]

[álbum] Vera Fischer era Clubber, VERAS 1 (mai. 2025) [RJ]

[single] Vivendo do Ócio (feat. Jadsa), "Não Tem Nenhum Segredo" [BA]

[single] Vittória Braun, "Preta" (jul. 2025) [PA]

[single] Walfredo em Busca da Simbiose, "Rita Lee" [SP]

[single] Zaynara & Raphaela Santos, "Aceita Meu Tchau" [PA]

(Re)descobertas tardias altamente recomendadas

[single] Aíla "Você Não Valorizou" (2021) [PA]

[álbum] Almério, Nesse Exato Momento (2024) [PE]

[álbum] Anna Suav & Bruna BG, RITUAL DAS CANDEIAS (2022) [AM e PA]

[faixa] Blaya (part. Virgul), “Bem Firme” [CE-POR]

[faixa] Castello Branco, “Necessidade” (2013) [RJ]

[remix] Dona Onete & Furmiga Dub, “Jamburana (Furmiga Dub Remix)” (2017) [PA e PB]

[álbum] João Merín, Os Últimos Filhos de Sião (2020) [BA]

[EP] Josyara, Mandinga Multiplicação - Josyara Canta Timbalada (2024) [BA]

[EP] Josyara & Giovani Cidreira, Estreite (2020) [BA]

[álbum] Juliana Linhares, Nordeste Ficção (2021) [RN]

[álbum] Kyan & Mu540, UM Quebrada Inteligente (2023) [SP]

[single] Orgânico, Lourena, San Joe & Léo Casa 1 (feat. Rap Box), "Ladeira da Vida" (2018) [SP?]

[álbum] Nação Zumbi, Rádio S.Amb.A. (2000) [PE]

[álbum] Natália Matos, Natália Matos (2014) [PA]

[álbum] Raidol, Mandinga (2022) [PA]

[faixa] Rico Dalasam (feat. Dinho, Mahal Pita & Chibatinha), "Imã" [SP]

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei em ago. 2025?

NORDESTE

– BA (x5): Duquesa, Giovani Cidreira, João Merín, Josyara, Roncá

– PE (x4): Almério, Duda Beat, Mago de Tarso, Nação Zumbi

– CE: Blaya [POR]

– PB: Furmiga Dub

– RN: Juliana Linhares

NORTE

– PA (x8): Aíla, Bruna BG, Dona Onete, Felipe Cordeiro, Gaby Amarantos, Mangífera, Natália Matos, Raidol

– AM: Anna Suav

SUDESTE

– SP (x4): Kyan & Mu540, Rico Dalasam, Rincon Sapiência

– MG (x2): AMANDONA!, Nina Maia

– RJ (x2): Amanda Magalhães, Castello Branco

O ano de 2025 está trazendo para o primeiro plano uma constelação musical de muitos discos relevantes lançados por artistas baianos e baianas (alguns já resenhados nesta newsletter): em primeiro lugar BaianaSystem (O Mundo Dá Voltas) e, em seguida, Rachel Reis (Divina Casca), Luedji Luna (Um Mar Pra Cada Um e Antes Que A Terra Acabe), Jadsa (Big Buraco), Melly (Amaríssima V2 (Remix)), Teto (MAIOR QUE O TEMPO), Dupê (Cangaço Sessions, Vol. 1 e 2), sem contar o álbum que reúne 21 músicas originais de 7 blocos afro (Mundo Afro) e até mesmo a inflexão de Seu Jorge em direção ao universo musical baiano, em colaboração com Peu Meurray e Magary Lord (Baile à la Baiana).

Josyara entra, portanto, como uma estrela de brilho destacado nesta constelação rica e consideravelmente mais ampla. Trata-se de seu terceiro álbum de estúdio, que demarca o amadurecimento da forma estética de seu estilo musical. Se não, vejamos.

Em seu primeiro disco, Mansa Fúria (2018), Josyara já dava indícios da exímia violonista que ela se tornaria, mas o seu violão ainda oscilava entre diferentes estilos: metade do disco tem uma pegada que poderia ser nomeada genericamente de MPB (“Nanã”, “Rota de Colisão”, “Solidão Civilizada”, “Terra Seca”, “Cochilo” e “Remanso”), duas faixas (“Apreciação” e “Engenho da Dor”) estão minoritariamente sob uma forma próxima da bossa nova e as demais (“Você que Perguntou”, “Fogueira”, “Mansa Fúria” e “Temperatura”) trazem lampejos do que se tornaria a sua marca singular e sobre a qual quero refletir.

Interessante notar também os nomes de duas músicas: além da faixa-título “Mansa Fúria”, “Rota de Colisão” também expressa e antecipa uma articulação entre as noções de conflito (além da própria “rota de colisão”, temos a seguinte imagem: “Feito um cometa você chegou”) e de contradição (“Levou mar pro meu sertão”, “Porque eu quero é viver / Na mansidão, mansa fúria como o mar”). Outra variação da imagem de contradição está presente em “Molha”, em EP gravado junto com Giovani Cidreira dois anos depois (Estreite, 2020): “Você vai chover no deserto de meus olhos”.

Tal projeto estético de contradição com conflito é unidade de forma estética (no violão percussivo) e conteúdo discursivo (na letra poética) apenas em “Mansa Fúria”, considerando que “Rota de Colisão” ainda está mais presa ao universo musical da MPB - continuo aqui seguindo a trilha de postagens anteriores que contrastam o nacional-popular (uma vez elemento cultural dominante, hoje residual) com diferentes projetos emergentes em uma chave subnacional-popular (paraense, pernambucano, baiano, maranhense, potiguar, etc.).

Além disso, “Engenho da Dor” é, ao mesmo tempo, a faixa com o conteúdo discursivo mais abertamente político e com uma forma musical que não chega a articular de modo criativo formas sociais contemporâneas, por estar em uma fronteira entre MPB e bossa-nova. Diz a sua letra: “Bomba de efeito moral / Saiu no jornal que é preciso esconder / Tudo aquilo que sou / Pra agradar os senhores do engenho da dor / Não vamos voltar pra senzalas / Não vamos voltar pros porões / Não vamos voltar pros armários / Não vamos voltar pras prisões / Há de ver que a liberdade / Tá cravada no ser / Na alma”.

Mais a frente vou buscar defender como este diagnóstico de ponto de não-retorno no processo de libertação de pessoas negras (referência às “senzalas” e “prisões”) e LGBT+ (referência aos “armários”) vai cada vez mais ganhando não apenas expressão poética e discursiva, mas também estética e musical, saindo do puro conteúdo e também configurando a forma, em especial de seu violão.

Já em ÀdeusdarÁ (2022), seu segundo disco, os instrumentos de percussão ganham um protagonismo que não se verifica nem antes, nem depois. Deste modo, a percursividade intensa e a profusão de seus elementos são mais externas ao violão. Em seus trabalhos seguintes, será o próprio violão que passará a concentrar a intensidade e a multiplicação de elementos percussivos.

Também é possível encontrar um caráter político mais explícito, em especial na letra de “Ouro&Lama”, desta vez em uma chave mais ambientalista do que antirracista ou anti-homofóbica, denunciando a precificação capitalista que destrói a natureza: “Quanto vale ter que respirar o veneno no ar? […] Quanto vale ter que exterminar os povos, as matas? / Quanto vale ter que acabar com os bichos, as águas?”.

O amadurecimento autoral de Josyara em AVIA é precedido por um EP: Mandinga Multiplicação – Josyara Canta Timbalada (2024). Considerar o conjunto destas faixas me parece fundamental para entender o salto alcançado pela compositora no ano de 2025. Trata-se de um momento privilegiado para acompanhar o desdobramento de seu projeto estético pois, ao gravar seis versões de composições da banda baiana Timbalada, criada por Carlinhos Brown, Josyara praticamente eliminou os instrumentos de percussão.

Deste modo, ela se forçou a experimentar a internalização em seu violão do timbau e dos demais instrumentos percussivos que eram a linha de frente das músicas lançadas em 1993 (“U-Maracá” e “Tá Na Mulher”), 1995 (“Mimar Você”, “Namoro a Dois” e “Margarida Perfumada”) e 2003 (“Ralé”) e que transitavam entre o samba-reggae e o axé ou então fundiam elementos destes dois gêneros musicais. O violão não é apenas protagonista, ele se torna praticamente o personagem de um monólogo incrivelmente rico, acompanhando, solando e e expressando o “baticum do tambor” (faixa “U-Maracá”).

O violão pelo qual Josyara foi se tornando cada vez mais conhecida e admirada já havia aparecido de relance em 2018 e 2022 e agora se engrandece no disco de 2025. Em AVIA, o violão não é o personagem único, mas evidentemente brilha como protagonista (já os shows são o momento privilegiado de testemunhar a sua profusão sonora). Ao minimalizar os instrumentos de percussão (restando ainda a bateria, mas não a abundância de percussões de ÀdeusdarÁ), Josyara maximaliza o seu violão, sintetizando seus álbuns anteriores na forma de um violão percussivo, que ela própria chama por vezes de “violão-tambor” (show “Josyara e Roberto Mendes”, SESC Pompeia, 31 mai. 2025) e que eu gostaria de renomear como um Violão de Colisão, extrapolando a imagem de sua composição “Rota de Colisão”, por motivos que serão desenvolvidos até o final do texto.

Mas, antes, algumas palavras sobre outro traço do amadurecimento musical por parte de Josyara: a estrutura o arco narrativo de AVIA, co-produzido por Josyara e Rafael Ramos com base no trabalho apenas de compositoras mulheres. Como já comentei na postagem anterior (a resenha crítica a Divina Casca, segundo disco de Rachel Reis), o último álbum de Josyara não apresenta uma única identidade. Contudo, ela articula com muita maturidade a ordem das faixas para criar uma unidade na diferença, mais precisamente entre três universos musicais distintos:

[i] seu violão singular em destaque, com uma bateria intensa (“Eu Gosto Assim”, “Seiva”, “Festa Nada a Ver” e “Peixe Coração”);

[ii] o violão acompanhado por instrumentos de cordas, desacelerando o ritmo das faixas (“Ensacado”, “Corredeiras”, “Sobre Nós” e, de uma certa forma, “Oasis (a duna e o vento)”); e

[iii] o que eu chamaria de um flerte de retorno ao nacional-popular, mas, ao contrário de Divina Casca, com criatividade e um distanciamento reflexivo e em parte até auto-irônico, com sambas diferentosos e contemporâneos (“De Samba em Samba” e “Prova de Amor”).

Se o primeiro universo musical me parece ser o coração do álbum (e onde fica mais evidente o seu “violão-tambor”), o segundo é um momento mais lento, introspectivo e melancólico, enquanto o terceiro acelera de maneira aberta e esperançosa. Estas variações estéticas também têm função narrativa, pois estruturam um arco que conta uma história de encontros e desencontros, uma saga afetiva de uma mulher negra lésbica buscando amores, prazeres e felicidades, com os inevitáveis altos e baixos da vida.

AVIA é aberto com uma versão de “Eu Gosto Assim”, composição de Anelis Assumpção (uma faixa de seu disco Amigos Imaginários, 2014). A música original já era marcante e envolvente, mas eu arriscaria dizer que Josyara conseguiu a proeza de produzir a versão definitiva da música - uma versão alquímica, dificilmente identificável e audível na intenção original de Anelis, filha de Itamar Assumpção. Tal capacidade alquímica me lembrou um outro mestre baiano nesta arte: Caetano Veloso, que consegue transformar composições sem graça em versões que se eternizam como partes integrantes de seu universo musical singular (o paradigma deste processo para mim sempre foi a música “For No One”, dos Beatles, regravada em seu álbum Qualquer Coisa, 1975).

Em termos poéticos, “Eu Gosto Assim” é interessante como abre-alas do disco pois trata-se de um momento mais autocentrado: o eu-lírico-consigo-mesmo, “eu gosto assim” versus o que “não gosto”, o que causa bons ou maus sentimentos, sem nenhuma utopia de perfeição (afinal de contas, “A vida sem regra é mais divertida / Mas tem que cuidar pra não espanar”). Não gostar de agonia, do amargo, da falta de ar, da saudade, da falta de dinheiro, do frio, “chuva e frio então nem pensar”, do trânsito, da burocracia, da guerra, da fome, da mentira, da violência e, por fim, de “conversa fiada”. Mas gostar de “pôr do sol na praia, cerveja gelada”, das crianças brincando no quintal, de relaxar e de “transar e dormir de conchinha”.

Depois deste prólogo, inicia-se efetivamente o arco narrativo do disco. “Seiva” (composição com Iara Rennó), parece ser o último momento erótico de um encontro feliz: “Pra te beber em taça cheia / Aluar / Sonho teu sabor cereja [...] Me lambuzar na tua seiva / Quero gozar”. Se ainda não ouviram o álbum, quando vocês forem escutá-lo, prestem atenção nas transições entre as faixas. “Seiva” passa de modo muito orgânico para “Festa Nada a Ver”, o que me leva a crer que se trata de um desdobramento do mesmo relacionamento, mais precisamente o seu encerramento, marcado por humilhação, abandono e raiva: “Como pode me deixar / Nessa festa nada a ver / Me cuspir / Me humilhar / Eu nem pude acreditar”. Como revelou a própria compositora (show “AVIA Acústico”, Bona Casa de Música, 22 ago. 2025) a música foi baseada em uma história real que ela viveu.

A partir daqui, transitamos do primeiro para o segundo universo musical, a sonoridade marca uma virada soturna, com a entrada de outros instrumentos de corda, expressando momentos de sofrimento. Em “Ensacado” (composição da artista paraibana Cátia de França), Josyara canta junto de sua conterrânea Pitty: “Não corra atrás do passado / Nem tente o ponto final / Aguente firme a picada / Da abelha, daquela velha / Melada melancolia”.

“Corredeiras” segue na sonoridade melancólica, mas com uma inflexão de força ou, ao menos, de fortalecimento. Depois do “absurdo de um desencanto”, um início de superação: “Não, não preciso dessa mágoa” e “Não, não preciso dessa culpa / Toda escolha é nobre / Toda reza ajuda / Pra sobreviver dos redemoinhos do coração”.

O segundo universo musical é encerrado com “Sobre Nós” (desta vez Pitty não canta, mas ela é co-autora na composição). Novamente aqui uma transição absolutamente orgânica, se tornando dificilmente perceptível quando uma faixa termina e a outra começa. Embora aponte para uma libertação (“Suor que escorre da fresta / Da gente em libertação”), esta me parece ser a faixa mais difícil de fechar uma interpretação sobre o seu lugar no arco narrativo: já seria um novo reencontro ou a revisita da relação que havia acabado? De um lado, o tom da música não é homogêneo: comeca melancólico e depois tem uma virada interna quase épica. De outro lado, uma reflexão sobre amor, pessoas similares e pessoas opostas: “Eu era mesa, ela balcão / Eu amo igual / O meu igual / Mas eu preciso do meu contrário / Desafiar / Me desafiar / Eu, você e o seu umbigo / Triângulo lindo / Pra sempre unidos”.

De certo, temos apenas que o terceiro universo musical é marcado por uma virada afetiva, do peso do sofrimento em direção à leveza. Por isto, inclusive, o flerte com os sambas, mesmo que de forma pouco convencional, tem uma função narrativa - ao contrário do que eu identifiquei como levar excessivamente a sério as normas de um violão samba-bossa em quase 1/3 do disco de Rachel Reis.

Em “De Samba em Samba”, Josyara canta a superação da melancolia e o início de movimentos afetivos e de aprendizado: “Eu sei que o fim sempre irá chegar / Para a novidade surgir entre acordes, pandeiro, desilusão / Em uma roda de samba serei feliz / Como outra vez”. Já em “Prova de Amor” (composição com Juliana Linhares), temos um curto, porém belo sambinha, que passeia por dúvidas e acertos, além de um momento de flerte e de promessa de felicidade: “Não me peça tão pouquinho / Se não for pra me beijar / E aprovar o gosto, o gosto / O gosto do mar”. Uma das minhas faixas favoritas do disco; pena que ela não costuma ter nos shows o destaque que poderia e deveria ter.

Em termos do que estou chamando de universo musical, entendo que a penúltima música, “Peixe Coração” (uma composição com Liniker) significa um retorno ao primeiro dos universos, por conta do protagonismo do violão-tambor (talvez o seu ápice em todo o disco), aliado à bateria. O clima sonoro é uma transição entre a leveza dos sambinhas e a profundidade da última faixa; já em termos poéticos, trata-se da chegada de um novo encontro afetivo: “Ela vem pelas beiradas / Com o futuro em suas mãos [...] Me joguei nos braços dela / Peixe coração / Entreguei a minha sorte / Fui com ela” e, por fim, a tocante passagem “Quando chora, o peixe voa / Vira água de lagoa / Me emociona na cozinha / Se interessa em coisas minhas [...] Curte até minhas melodias / No olhar, raio de sol / Pele arde, mas não fere / Aquece / Se esquece as notícias”.

No epílogo do álbum, “Oasis (a duna e o vento)”, com participação de Chico Chico (filho de Cássia Eller), o “futuro” finalmente chega bem como surge a “novidade” que já havia sido mencionada. O dueto dos dois cantores é interessante por alternar dois eus líricos: o primeiro é a duna, o segundo é o vendaval. Em um primeiro movimento, a “brisa” se torna “turbilhão” e o corpo feito de areia se desmancha, em uma sensação simultânea de perda e de pertencimento, via entrelaçamento. Já em um segundo movimento, é o vento quem se torna o eu lírico, que vai “soprar”, “girar, rodopiar”, para fazer sua parceira de “grão de areia”, partindo da “terra” para levantar “poeira”.

O encerramento da faixa (e, portanto, do disco) é uma virada desconcertante pois a música se inicia em um clima de paz, que é substituído por um quase-rock (salvo engano, é a única faixa que tem uma guitarra acompanhando o violão). Entendo que esta forma expressa a profundidade de novos sentimentos. Tal intensidade musical até dificulta que a faixa seja, como as demais, ouvida de modo repetido, ao menos na minha experiência.

Antes de encaminhar para minha última reflexão, gostaria de ressaltar como, a cada escuta do álbum, foi aumentando a minha percepção do ordenamento muito bem pensado e acabado das faixas e do lugar e da identidade de cada uma no projeto do disco como um todo, até mesmo daquelas que não eram inicialmente minhas favoritas. Um signo da maturidade musical da artista, como eu já havia me referido.

A partir daqui, vou buscar defender a hipótese de que o contraste entre diferentes maneiras de tocar o violão pode ser interpretado como um sintoma de mudanças históricas na sociedade brasileira. Não me refiro apenas a dois violonistas virtuosos e magistrais que vieram da Bahia, como também ambos nasceram surpreendentemente na mesma cidade - Juazeiro - separados por exatos 60 anos: João Gilberto (1931-2019) e Josyara (1991).

Esta parte da resenha só foi possível por conta de uma valiosa interlocução no interior de um recém (re)criado Subgrupo de Estética no Cebrap (onde sou pesquisador) - agradeço às recomendações de bibliografia por parte de Rosa Gabriella Gonçalves, Ricardo Lira e Rurion Melo (também participam do grupo Blanche Marie Evin e Leonardo Martins Barbosa). O livro Bim Bom: a contradição sem conflitos de João Gilberto (Paz e Terra, 1999), de Walter Garcia, analisa a singularidade do violão de nosso primeiro juazeirense. Para o autor, a ideia-força de “contradição sem conflitos” estrutura todos os momentos da realização da obra de João Gilberto (com foco especial no seu disco Chega de Saudade e, ainda mais, na faixa “Bim Bom”): a produção, a circulação e a recepção.

A grande inovação de João Gilberto na história da música popular brasileira foi a sua batida no violão, tendo sido o traço que definiu o salto qualitativo do samba-canção para a bossa-nova. Garcia persegue e desenvolve a tese, defendida por muitos dos colaboradores do músico baiano, de que tal batida era uma síntese ou uma redução da batucada do samba, através da incorporação estilizada da percussividade do tamborim pelo violão. Além de criar uma espécie de violão-tamborim (em tradução livre da minha parte), a batida da bossa-nova teria dois princípios opostos, a regularidade e a não-regularidade, porém articulados sem nenhum conflito, “resultando daí uma construção perfeitamente equilibrada” (p. 69). O autor ainda defende que a bossa-nova se caracteriza por um jogo de identidade e de diferença com o samba, conciliando tanto a sua afirmação quanto a sua negação, mais uma contradição que é vivida sem conflito algum, pois a batida suspenderia tal tensão.

A contradição sem conflitos não estrutura apenas a batida do violão, mas também se desdobra na relação entre voz e violão. A opção de João Gilberto pelo canto-falado, baixinho e sutil, é uma ruptura com as intensas emissões vocais da época. Se, por um lado, este ritmo da voz é performado como se fosse uma conversa natural, espontânea, informal e intimista, por outro, a engenharia de som enfrentou na bossa-nova o desafio de equilibrar todos os elementos e reduzi-los ao seu essencial para manter o canto-falado em primeiro plano. A aparência de esforço nulo escondia, na realidade, uma precisão obsessiva ensaiada exaustivamente. O que Mário de Andrade havia teorizado como um conflito irreconciliável entre a voz falada e a voz cantada é dissolvido; mais uma contradição sem conflitos (p. 130-131).

Dois outros desdobramentos da contradição sem conflitos estão nos relacionamentos de João Gilberto com os profissionais que acompanharam a gravação de seu primeiro disco (Chega de Saudade, 1958) e com o público de espectadores em seus shows. No primeiro caso, o caráter personalista da bossa-nova do músico baiano implicava no individualismo do solista e de sua aparente espontaneidade, apoiados na subordinação dos demais colaboradores. O clima da gravação foi de muito briga, com o cantor e compositor muito exigente e temperamental (p. 150). No único momento em que Walter Garcia formula, mesmo que de forma implícita e tentativa, a relação entre a forma estética desta bossa-nova e uma determinada forma social, ele aproxima a figura de João Gilberto ao “homem cordial” (conceito consagrado por Sérgio Buarque, em Raízes do Brasil): “Ronaldo Bôscoli, em suas memórias, retrata Joãozinho como aquele que ‘fazia as maiores barbaridades com a maior ternura possível’” (p. 154).

Já no segundo caso, o autor ressalta que as performances de João Gilberto nos shows buscavam, de um lado, uma execução perfeita como se ele estivesse em seu apartamento e, de outro, a exigência de que os espectadores o escutassem com uma atenção silenciosa. O conflito entre artista e a plateia, isto é, o dilema de todo cancionista sob a indústria cultural de conjugar arte e consumo (p. 149), é suspenso, pois a proposta do espetáculo está na aceitação passiva pelo público de seu solo e de seu monólogo. Assim se encerra o livro: “Nesse sentido, aquela mesma idéia que forma da batida da bossa-nova, que estrutura o jogo rítmico entre voz e violão, que envolve a produção fonográfica, aquela mesma idéia alcança o final do processo: a contradição sem conflitos tam­bém preside o consumo de um show de João Gilberto” (p. 157).

Mas o que esta forma estética (cujo ponto de partida é o violão-tamborim) e esta forma social (da contradição sem conflitos, aparentemente próxima da “cordialidade brasileira”) nos auxilia na compreensão da novidade histórica articulada simbólica e musicalmente por Josyara?

Só fui entender a gênese de seu violão em show realizado em conjunto com seu mestre e referência, Roberto Mendes, também baiano, mas de outra região do estado: nascido em Santo Amaro da Purificação (1952), no Recôncavo Baiano. Aqui estamos falando de uma tradição cultural e musical que ambos chamaram em seu show (SESC Pompeia, 31 mai. 2025) de violão-tambor - não confundir com o instrumento criado por Tiganá Santana, mas sim se referindo a uma forma específica e criativa de tocar o violão já existente. Conforme explicitou Josyara, “eu saí do sertão e fui pro mangue aprender a sambar” (show “AVIA Acústico”, Bona Casa de Música, 22 ago. 2025), isto é, seu violão não se origina no sertão de Juazeiro, estando enraizado nos manguezais do Reconcâvo, além de “samba” ter um significado bastante específico: o samba chula.

Uma série de oposições revela a distância entre o violão-tamborim de João Gilberto e o violão-tambor de Josyara (em continuidade e diálogo com Roberto Mendes). No primeiro caso, sutileza, leveza, economia e contenção; já no segundo caso, explosões, excessos, transbordamentos, intensidades frenéticas, multiplicação impressionante da quantidade de cordas em movimento, em uma profusão sonora a ponto de às vezes parecer um violão de 12 cordas sendo tocado por mãos de 10 dedos cada. A introversão própria ao ambiente intimista de um apartamento na Zona Sul carioca, a extroversão própria a ambientes coletivos como o samba de roda ou o terreiro. Se o violão-tamborim vem acompanhado por um canto-falado, o violão-tambor vem - por vezes - acompanhado de um canto-gritado.

Sintetizando a diferença entre os violões de nossos dois juazeirenses: o minimalismo em João Gilberto e o maximalismo em Josyara, atingido pelo violão que internaliza todas as percussões no EP de 2024 ou então confeccionado por múltiplos violões sobrepostos, com o auxílio de samples, em 2025. Mas qual poderia ser o significado social desta variação estética?

Antes de se tornar nacionalmente conhecido como uma referência nos estudos sobre o bolsonarismo e as guerras culturais, o teórico literário João Cezar de Castro Rocha publicou um ensaio que, por acaso, me marcou muito na época da graduação: “Dialética da marginalidade - caracterização da cultura brasileira contemporânea” (no finado Caderno Mais da Folha de S. Paulo, 29 fev. 2004). Ele defende ali que a produção cultural então contemporânea evidenciava a distância entre duas formas de compreender o Brasil: a “dialética da malandragem” (concebida primeiro por Antonio Cândido e depois radicalizada por Roberto DaMatta) e a “dialética da marginalidade” (sua formulação original).

Diferentes momentos históricos exigiriam, portanto, distintos modelos de interpretação do Brasil: de um lado, a “ordem da conciliação das diferenças” que mascarava os conflitos através dos contatos pessoais, da lógica do favor e de falsas promessas de harmonia e, de outro, a “ordem conflituosa”, que passou a explicitar abertamente as contradições da sociedade brasileira, interpretar as exclusões, criticar a desigualdade e tematizar a violência brutal. Neste último caso, diversas obras culturais estavam produzindo a partir dos anos 1990 uma nova imagem de país, como nas músicas dos Racionais MC’s e nos livros de Paulo Lins e Ferrez. Deste modo, o deixa-disso e o acordo estariam sendo substituídos pelos conflitos abertos e pela perspectiva de ruptura ou, ao menos, de uma autodefinição da imagem a partir das margens e das periferias:

“[…] o modelo da dialética da marginalidade pressupõe uma nova forma de relacionamento entre as classes sociais. Não se trata mais de conciliar diferenças, mas de evidenciá-las, recusando-se a improvável promessa de meio-termo entre o pequeno círculo dos donos do poder e o crescente universo dos excluídos. Nesse contexto, o termo marginal não possui conotação unicamente pejorativa, representando também o contingente da população que se encontra à margem, no tocante aos direitos mais elementares, sem dispor de uma perspectiva clara de absorção, ao contrário do malandro.” (Castro Rocha, 2004)

A distância entre os violões de João Gilberto e Josyara pode ser interpretado de formas mais simples e até parcialmente verdadeiras: seriam tradições culturais díspares de como tocar o instrumento, em territórios diversos (de um lado, o eixo Juazeiro/Rio de Janeiro, de outro, o Recôncavo) ou até mesmo situações sociais interseccionalmente diversas de duas pessoas nascidas na mesma cidade (um homem branco hétero em meados do século XX, uma mulher negra lésbica na virada para o século seguinte).

Prefiro ler tal contraste como a articulação simbólica (e musical) de uma mudança histórica, tal qual o diagnóstico de Castro Rocha. Contudo, em vez de falar em “dialética da marginalidade” na literatura e no audiovisual (um diagnóstico ainda excessivamente centrado na categoria de classe social), o fio condutor se tornou o violão-tambor, que eu propus reler como um Violão de Colisão. Como já vimos, “Eu sei que o fim sempre irá chegar / Para a novidade surgir entre acordes, pandeiro, desilusão”. A novidade, aqui, não é mais puramente pessoal, autobiográfica e afetiva, mas também musical, social e, acima de tudo, histórica. Depois de chegar o fim da hegemonia musical do nacional-popular, surgiu na Bahia um novo violão percussivo que já não mascara nem suspende os conflitos: eles agora vibram com intensidade nas cordas de Josyara.

Antes de chegar propriamente na resenha crítica ao álbum Divina Casca (2025), um prólogo. Para que fique claro, meu lugar de fala aqui é enquanto “rachelreizista”, como me definiu um grande amigo. Meu Esquema (2022) está certamente entre os melhores discos que eu descobri nos últimos anos, depois que acordei do meu “sono dogmático” da MPB canônica e do samba ao melhor estilo nacional-popular, que costuma invisibilizar a riqueza musical fora do Rio de Janeiro.

O primeiro álbum de Rachel Reis é um absurdo, beira a perfeição: não há excessos nem faltas, as faixas são redondas, assim como a sua ordem e unidade. A poesia é forte, mas o ponto alto, para mim, é a pesquisa de ritmos e percussões baianas junto com a dupla pernambucana de produtores Barro e Guilherme Assis (o que já indica como a dinâmica subnacional-popular implica trocas e diálogos entre constelações musicais de diferentes estados). Cada faixa tem sua identidade, não há repetições, elas tecem um mesmo universo musical, que permite ela expressar com virtuosismo a brasilidade pelo prisma da baianidade - e tudo isto tendo na época apenas 25 anos. Rachel Reis costuma responder em entrevistas à pergunta sobre qual é seu estilo musical: “Eu canto a Bahia. Eu canto o Brasil”.

“Não Venha Pela Metade” e “Consolação” sempre vão morar no meu coração. Sem contar que os inúmeros singles que Rachel Reis lançou ou participou desde 2020 (“Maresia”, “Desfruta”, “Bateu”, “Xuxu”, “Melaço", dentre outros) tinham me levado à conclusão de que ela era uma espécie de Rainha Midas: tudo que ela havia tocado até então virava ouro.

Por estes motivos, cheguei no lançamento do seu segundo álbum com altas (excessivas?) expectativas, quase com a certeza de que eu me apaixonaria de novo e carregaria o disco para o resto da minha vida. É com pesar que digo que não foi exatamente o que aconteceu. Demorei muitos dias para começar a escrever com algum distanciamento e escutando repetidas vezes o álbum – que, gostaria de insistir, é, sim, bom, mas não na intensidade que eu esperava (que era uma predisposição em elegê-lo como um dos melhores do ano).

Eu diria que há uma oscilação entre pontos muito altos e outros nem tanto. Os maiores destaques são os dois singles que foram lançados no final de 2024 e início de 2025: “Ensolarada” e, mais ainda, “Deixa Molhar”, respectivamente. A qualidade dos dois singles também me levou a alimentar aquelas altas expectativas, mas, para minha surpresa, estas duas faixas não ornam tanto com as demais.

Assim, o que mais me pegou foi a sensação de que as faixas não têm tanta conexão entre si, como era o caso de Meu Esquema. Tenho duas hipóteses sobre porque isto aconteceu.

A primeira é a quantidade (talvez desmedida) de faixas: quinze. Minha sensação é que a sua opção foi por ampliar ao máximo a inclusão de material musical, em vez de selecionar, polir e eventualmente excluir ou mesmo guardar para outros momentos (singles ou álbuns futuros). Escrevendo meus textos, eu identifico que também sofro deste mal, o que muitas vezes cria excessos que tiram o foco de um fio condutor que sirva como parâmetro para definir os elementos que são necessários e aqueles que são meramente acessórios.

A segunda é a multiplicidade (também excessiva, me parece) de produtores musicais que ela convidou: em primeiro lugar a dupla Barro e Guilherme Assis (produziram seis: as faixas 4, 5, 6, 10, 11 e 15); RDD, o criador da banda Àttooxxá (três faixas: 8, 12 e 13); o ex-produtor e ex-namorado de Marina Sena, Iuri Rio Branco (também três faixas: 1, 3 e 6); e, por fim, as demais faixas tiveram produtores singulares: o baixista do BaianaSystem, Sekobass (faixa nº 2), Tomaz Loureiro (nº 9) e Marcelo de Lamare (nº 14) – quem souber situar melhor os dois últimos, por favor me conte!

Entendo que esta pluralização da produção musical não contribuiu para construir unidade estética. Um contraste sobre o qual quero escrever mais adiante é o excelente disco da também baiana Josyara, AVIA, recém-lançado; o seu álbum não apresenta uma única identidade estética, são três universos musicais distintos – [i] violão singular com bateria intensa; [ii] cordas desaceleradas; e [iii] sambas diferentosos – mas ela articula com maturidade a ordem das faixas para criar uma unidade na diferença.

Não consigo frisar o suficiente como “Deixa Molhar” - a última faixa de Divina Casca - é absolutamente brilhante. Arrisco inclusive dizer que é a melhor música do ano até o momento (talvez a única que consiga rivalizar minimamente seja “Saudade de Lascar”, do Rael com feat do Mestrinho).

Auge da imaginação musical: poesia linda (“Preciso olhar à volta com olhos de quem tem sabor / Conversas do interior / Pra ver beleza na lida / Saber de verso e saliva”), melodia maravilhosa e pesquisa rítmica de fronteira, articulando beats e batucadas: um “Summer Eletrohit” singular pois não sufoca as percussões orgânicas com a sua virada eletrônica), fruto da precisa e preciosa produção de Barro e Guilherme Assis. Quem me acompanha por aqui ou pelo Instagram sabe que eu admiro muito o trabalho desta dupla, tendo “apenas” eleito os discos produzidos por eles como os três melhores de 2024 (Megalomania, É Tudo Minha Culpa e Língua). Nesta faixa especificamente, os produtores recifenses avançam na sua pesquisa rítmica imaginativa, "em busca da batida perfeita", num diálogo subversivo entre ritmos populares tradicionais e a música eletrônica.

Novamente para minha surpresa, as outras 5 faixas que eles produziram (ou seja 1/3 do disco) não trazem o mesmo brilho; minha sensação inclusive é que a percussão insiste em ficar numa chave mais repeteco, não muito animadora, como se prezassem excessivamente pelo respeito às normas de uma pegada samba-bossa, contra todo o potencial criativo que a capacidade imaginativa deles têm. O efeito disto é o deslocamento do centro de gravidade de um futuro emergente - o subnacional-popular baiano, que convive e interage com outras constelações musicais, como a pernambucana ou a paraense - para o passado residual - o nacional-popular.

Talvez as faixas produzidas por RDD sejam aquelas que melhor mantém a consistência: “Ensolarada” é a mais “séria”, enquanto “Aquele Beijo” e “Apavoro” são mais leves, uma mais balada romântica, outra um pagodão baiano animado (despretensioso na batida, mas uma letra com duplo significado, apontando para o lugar da Bahia na geografia musical brasileira e sobre o qual retomarei ao final do texto).

A trinca de Iuri Rio Branco, conhecido por articular beats e brasilidade, tem destaque para a faixa de abertura do disco, “Casca” (excelente); “Tabuleiro” não chega a ser brilhante, mas é inovadora ao trazer organicamente o rap para dentro do horizonte musical da Rachel Reis (com feats de Don L, Rincon Sapiência e Nêssa) e “Noite Adentro” não me cativou (assim como a versão de “Sexy Iemanjá”, de outro produtor). “Caju”, já conhecida por rachelreizistas, é muito bonita. E “Alvoroço” é um dos pontos altos do álbum, muito por conta da densidade musical catapultada pela banda BaianaSystem (dona de um dos melhores discos do ano).

Falando como seu fã e admirador, penso que se Rachel Reis tivesse selecionado um número mais enxuto de faixas e eleito um número menor de produtores musicais, o resultado teria sido mais incisivo e coeso. No contexto do disco recém-lançado, a interlocução com o criador de Àttooxxá talvez tivesse sido a melhor aposta para aprofundar o que havia – na perspectiva que estou tecendo nesta newsletter – de mais interessante em seu primeiro disco e nos singles anteriores e posteriores: cantar o Brasil pelo prisma da Bahia, uma reconfiguração inovadora e imaginativa da música nacional que elegesse efetivamente como seu fio condutor o “mel que só na Bahia tem” (como ela canta em “Apavoro”, com participação da banda de pagode baiano Psirico). Infelizmente, acabou não sendo o caso em Divina Casca. E Rachel Reis pode até estar positivando o resultado: “Quando eu me espalhar / Ninguém junta mais” (“Ensolarada”). Veremos como ela conduzirá a sua carreira e seus projetos daqui em diante.

Na penúltima postagem, apresentei uma constelação de brilhantes discos de artistas paraenses. Agora viajamos do Norte para o Nordeste. Aqui não haverá exatamente o mesmo peso afetivo e autobiográfico, embora eu possa dizer que, musicalmente, meu coração habitou Pernambuco em 2024.

Também já deixo avisado para que vocês não esperem textos sobre constelações musicais de outros estados para tão cedo. A matéria-prima para as postagens sobre Pará e Pernambuco foi uma apresentação que fiz no 1º semestre para um Colóquio no Cebrap (aliás, quem quiser conferir a playlist que fiz com base no meu paper, segue aqui). De qualquer forma, está no meu horizonte perseguir neste Substack um mapeamento cada vez mais profundo e territorialmente diverso da imaginação musical brasileira e dos circuitos culturais que permitem tal criatividade subversiva, em especial no eixo Nordeste-Norte.

Partindo então para a construção de uma constelação musical pernambucana.

A trajetória da pernambucana Duda Beat foi adquirindo já há algum tempo centralidade no meu exercício de mapear a imaginação musical brasileira, uma vez que ela forneceu um importante parâmetro para organizar alguns dos discos mais criativos de 2024 (confira parte 1 e parte 2), não apenas pelo que ela alcançou, mas também pelas trilhas que ela poderia ter percorrido só que acabou desenvolvendo seu projeto estético em direções outras (por aqui gostamos da abordagem benjaminiana, em termos de desenterrar os potenciais perdidos, abandonados ou por vezes derrotados).

O seu álbum mais coeso é o primeiro, Sinto Muito (2018); ela se consagrou desde esta estreia como “rainha da sofrência pop”, além de se situar no que ela mesma nomeou em entrevistas de “meiostream” – um aportuguesamento da categoria midstream, que busca indicar a transformação do que antes seria um não-lugar no meio dos polos mainstream e underground, emergindo como um entrelugar, com dignidades mercadológica e estética próprias.

O segundo disco, Te Amo Lá Fora (2021), talvez seja menos redondo, apresentando altos e baixos mais extremos. Do ponto de vista da minha pesquisa musical, o que mais me interessa são a primeira e a última faixas, que criavam uma rica tensão estética que depois foi, infelizmente, abandonada. Em “Tu e Eu”, havia dois samples de sambas de coco de Cila do Coco – “Lá Vem Ela Chorando” e “Coração de Papel” – articulados com beats inovadores; enquanto em “Tocar Você”, Duda Beat apontava para uma virada eletrônica, mas ainda de forma experimental – cf. o clip, também experimental, que dialoga com videoarte – ao contrário do que ocorre no álbum de remixagens, T3 4M0 L4 F0R4 RMX (2022), que, ao convidar diferentes DJs para fazer versões do álbum do ano anterior, acabou submetendo um material musical heterogêneo a uma linguagem homogeneizante que eu chamaria de “monoteísta”, elegendo as normas da música eletrônica como única baliza, o que neutraliza o que havia de mais interessante na sua produção.

Esta virada eletrônica se consolida no terceiro e mais recente álbum, Tara & Tal (2024), que, por um lado, é menos “monoteísta” pois também conta com elementos de rock (só que sem a rica dimensão de ritmos populares e periféricos pernambucanos), mas, por outro, cristaliza um movimento não apenas estético, mas também mercadológico de saída do pop alternativo e do midstream, o que é possível chamar de mainstreamização – não só por conta da saída de selos independentes, entrando na Universal, mas também em termos de qual público ela estava visando e em quais playlists suas faixas passaram a ser incluídas.

Passemos então aos artistas que efetivamente compõem, hoje, uma constelação pernambucana que eu identifico como vanguarda na redefinição das fronteiras da imaginação cultural brasileira: UANA, Joyce Alane, Barro, Romero Ferro e Leo da Bodega.

UANA é uma cantora e compositora recifense que mistura pop, brega, brega funk, funk, trap e música eletrônica (house e disco), sem nunca diluir o local de onde ela vem. Seu álbum de estreia, Megalomania, produzido pela dupla Barro e Guilherme Assis, foi um dos melhores de 2024: sensual, envolvente e dançante, a ponto de ser hipnótico. Nas palavras da própria artista, ela faz um “pop alternativo” ou então, dito de forma talvez ainda mais precisa e brilhante, um “underpop”, o que me parece uma outra forma de se referir ao entrelugar que Duda Beat transitava antigamente: o tal do “meiostream”.

O álbum começa mais lento e vai se tornando cada vez mais frenético, especialmente depois do interlúdio com a poeta estadunidense Maya Angelou (lendo o poema “Still I Rise”: a passagem “Does my sassiness upset you?” ressoa, para mim, na categoria de contrapublicidade, ou seja, com orientação transgressiva às normas), passando de expectativas sensuais, como nas primeiras três faixas, a temáticas sexuais. O “Lado B” do disco é aberto com a faixa-título. Para além do que está dito explicitamente na canção ("vim buscar / roupas de grifes exclusivas", "esbanjar joias"), interpreto a “megalomania” como a ambição da pesquisa musical de UANA, já que a segunda fase do disco é uma abertura e complexificação maiores do que o “Lado A”, ainda bastante hegemonizado pelo brega funk.

Também defendo que “Eu Tenho o Molho”, com participação do rapper Mago de Tarso (cf. “Caranguejo do Trap”), é uma faixa central para o projeto do disco como um todo: “Eu tenho o molho que faz tu sempre querer mais / Um tempero que não tem em outro lugar / Você se lambuza todo e não quer parar / Eu não sou só gostosa, sou recifancy”. A mistura sincrética de pop, rap e ritmos populares (como xote e forró) expressa o seu enraizamento em Pernambuco e Recife, ao contrário da virada eletrônica de Duda Beat, que tende a dissipar e até mesmo abstrair o seu contexto em seu movimento de mainstreamização.

Embora o brega funk seja o fio condutor do disco, o seu télos é a música eletrônica (mas sem nunca suprimir o “molho” pernambucano). E é nesta chave que se revela como a faixa “Só Mais uma Noite” é brilhante, articulando diferentes gêneros musicais em uma única faixa (um brega funk bem lento e um techno frenético), de maneira orgânica e bem sucedida. “Kriptonita” é a última faixa, encerrando o disco na pista de uma balada com música eletrônica pura. A oscilação entre ritmos lentos e acelerados (no “Lado A” e no “Lado B”, mas também no interior de uma mesma faixa, como “Só Mais Uma Noite”) evita, no meu entender a homogeneização eufórica própria a Tara & Tal; pelo contrário, Megalomania mantém uma pluralidade de gêneros e misturas criativas bastante intencionais, bem ao molde da tendência sincrética que gosto de chamar a atenção nesta newsletter.

O disco da também recifense Joyce Alane, É Tudo Minha Culpa, navega de uma forma aberta e sincera por diversos finais de relacionamento. Os singles lançados por Joyce Alane entre 2022 e 23 eram baladas românticas pop com baterias bastante similares, enquanto o seu álbum de 2024 decorre do seu encontro com os produtores Barro e Guilherme Assis, o que complexificou sua sonoridade, mergulhando em um universo musical próprio e mais maduro, com percussões singulares e ritmos que a aproximaram da Bahia (e da Rachel Reis, cujo excelente Meu Esquema teve os mesmos produtores): arrocha, pagode baiano, xote e samba (além, é claro, do brega pernambucano, em especial na parceria com Priscila Sena).

O maior mérito de Joyce Alane talvez seja menos a pesquisa musical e mais sua pesquisa poética, baseada na reflexão sobre diferentes desencontros amorosos, o que a tornou, na minha opinião, a nova rainha da sofrência pop, diante do vácuo resultante da virada solar de Duda Beat com Tara & Tal. Um exemplo de passagens poeticamente belas e tocantes, no auge da sofrência são: “Só não fale que quer acabar comigo / eu já passei tanto por isso” (“Só Não Fale”) e “Eu erro que só / mas podia ser pior” (“Apartamento 204”). Contudo, o arco narrativo do álbum tem como norte a superação das desilusões, em especial na antepenúltima e última faixas, o que deixa em aberto qual será o lugar da sofrência em seus próximos trabalhos (até agora ela só lançou o EP de forrós Casa Coração).

Foi Barro quem produziu os discos anteriormente apresentados de UANA e Joyce Alane, além de outros artistas, como a rica e plural música baiana de Rachel Reis (mais em Meu Esquema do que em Divina Casca), o pop eletrônico contemporâneo da paulistana Anna Setton e o piseiro queer do também pernambucano Jáder. Sobre seu modo de trabalhar com Guilherme Assis, Barro afirmou em ótima entrevista para a rádio Frei Caneca FM: “Nossa vibe de produção musical não é sobre a gente tem nosso estilinho e a gente vai imprimindo isso em tudo mundo que a gente faz. É o contrário. A cada novo trabalho um novo universo se abre pra gente pesquisar novas coisas. E nada se perde”.

O produtor, compositor e cantor recifense também lançou um disco seu em 2024, o excelente Língua, transitando por uma pluralidade de estilos musicais: rumba, brega funk, afrobeat, pagodão, ijexá, samba, reggae, bachata bolero. Em suas entevistas, Barro sempre destaca que o nome do disco indicava sua busca pelo desenvolvimento de uma linguagem musical própria.

Percebo que uma das razões para a centralidade de Pernambuco em minha pesquisa musical se relaciona com o caráter precursor do movimento manguebeat em termos de inovações e legados que marcaram decisivamente a Música Brasileira Contemporânea. O próprio Barro reconhece em outra entrevista, para a TV Cultura, o impacto do manguebeat em sua biografia e formação musical, tanto no sentido de frisar o orgulho de ser pernambucano, como também de não aceitar “tradições fechadas”, mas sim de reivindicar ritmos e sonoridades “ancestrais”, que se renovam e se tornam “contemporâneas”. Assim, ele desenvolveu a consciência de que a cultura musical pernambucana é tanto tradicional quanto global, numa articulação simultânea entre o subnacional-popular e o internacional-popular.

Destaco aqui a faixa “Me Ter”, um brega funk diferenciado, com participação de Marley no Beat. Mas talvez “Vira-Lata Caramelo” seja a faixa que sintetiza metaforicamente a mensagem discursiva central de Barro: “Vira-lata caramelo, fogo mestiço / No canto do riso, meu grito / Tem punk, tem rasta, tem trap, tem cumbia / No sangue samba e Puerto Rico”; o próprio ritmo da música expressa um sincretismo, que ele chama de “xote-reggae”. Segundo o próprio compositor, a música indica as articulações entre a tradição e a inovação, o local e global, ao buscar “processar o mundo todo e dar a nossa identidade de uma forma muito singular”.

Nesta mesma entrevista, ele também conta que, enquanto o sertanejo consegue viajar pelo país graças ao agronegócio, o midstream que abarcava a música pernambucana sofreu muito depois da pandemia. Nem por isto, o Nordeste deixou sua marca histórica de sempre ter sido “vanguardista, inventivo, nunca foi careta, é aberto para mudança”. Eu não poderia concordar mais.

Já o álbum Frevália, de Romero Ferro, tem participações mais do que especiais: Daniela Mercury, Mart'nália, Fafá de Belém, Rodrigo Alarcon, Lia de Itamaracá, Gaby Amarantos, dentre outras, revelando que seu projeto, homônimo, o tornou uma referência no frevo contemporâneo ao buscar atualizá-lo no diálogo com o pop: “Queremos criar um grande movimento musical que misture o frevo com a música pop tropical brasileira e a cultura popular local de cada cidade que visitarmos”. Eu diria até mais: o disco é um projeto consciente de sincretismo do frevo com brega funk, tecnobrega, pop-rock, ciranda, etc.

A música que melhor formula o ponto de partida deste projeto estético é logo a primeira faixa, “Não Deixe o Frevo Morrer”: trata-se de um manifesto que propõe ampliar e expandir o frevo para além da sua concepção tradicionalista que a confina à temática e ao período carnvalescos: “O frevo pode ser o que você quiser / E pode ser sentido além do carnaval / Não tem receita pra ferver, nem pra frevar / A nossa alegria é universal”. Não ter “receita” é senha e abertura para transgredir e inovar em termos de normas e convenções (sem contar a “universalidade” como sinal da orientação para fora do “popular-restrito”, como se refere o sociólogo Michel Nicolau Netto, mas sem nunca negar o próprio frevo, e sim tensionando-o, subvertendo-o). E este conteúdo da letra é complementado de maneira muito inteligente pela forma do ritmo musical, alternando entre uma tendência majoritária do frevo animado com um interlúdio mais lento, com base no brega funk.

Destaques para as múltiplas participações especiais e o significado que elas adquirem para o projeto estético sincrético: a baiana Daniela Mercury é convidada para cantar um brega funk (“Banho de Cheiro”), a também pernambucana Lia de Itamaracá canta com base em um beat que mistura frevo e ciranda e a paraense Gaby Amarantos participa em uma versão brega funk de um brega clássico composto por Reginaldo Rossi (“Em Plena Lua de Mel”), em uma rotação feminina da perspectiva antes machista.

Por fim, em termos de forma e conteúdo, a faixa mais interessante e que melhor sintetiza o projeto estético de Frevália é “Frevinho”, com Fafá de Belém, trazendo ritmos diferentes em uma mesma faixa: o frevo é intercalado com momentos mais longos de tecnobrega – uma clara homenagem ao gênero paraense e ao estado de origem da cantora – no que Romero chamou ludicamente de “tecnofrevo” (digo aqui “lúdico” pois sua intenção não é dar início a uma nova tendência ou moda, cunhando e inaugurando um novíssimo estilo, o que implicaria uma orientação normativa e normalizadora, mas sim brincar com a fluidez, própria à imaginação musical).

Como última estrela que compõe esta consetelação, temos o rapper olindense Leo da Bodega. Ele apresenta em seu disco de estreia de apenas 17 minutos, resultados de suas pesquisas musicais, orientadas para produzir sincretismos complexos que subvertem tanto o rap (estilo musical urbano) quanto ritmos populares pernambucanos (como cavalo marinho, maracatu, ciranda, forró, frevo). Segundo o próprio artista, em entrevista à Rádio Frei Caneca FM (claramente esta rádio pública exerce uma centralidade no circuico cultural e na cena musical independente pernambucana), o álbum começa com uma “parada mais raiz” e no decorrer das faixas “vai modernizando” e “trazendo pra cidade”.

A primeira faixa abre com Leo da Bodega recitando uma poesia e, em seguida, este cordel é sincretizado com o trap. Mas a faixa mais significativa (e brilhante) no meu entender é “Forró na Bodega”, em que o rapper varia em praticamente cada estrofe o gênero musical, o batuque ou o beat e, por fim o estilo de cantar: maracatu, pop, funk, trap.

Embora o artista veja o uso de “regional” com uma conotação negativa, ele defende a possibilidade de ressignificação do termo:

Temos uma cultura de achar o que é de fora mais interessante, pois o que está ao nosso redor é tão natural que a gente deixa passar. Ultimamente tenho visto uma nova onda incentivando não deixar isso passar. A gente pode ressignificar o regional e fazer com que o caboclo de lança se sinta representado também por um rap. [...] Somos regionais, chiques, inteligentes e fazemos um 'bagulho' contemporâneo. É como a criação de uma ponte entre a informação, a cultura e as pessoas que consomem um gênero mais novo que é o trap.

Enquanto os artistas pernambucanos anteriores (em especial UANA, Barro e Romero Ferro) deem bastante centralidade para o estilo musical urbano e periférico do brega funk, a origem de Leo da Bodega em Olinda o desloca para os gêneros populares pernambucanos, com o rap trabalhando como sua língua franca, em vez do brega. De um lado, existe a pesquisa musical rítmica que levou para o estúdio um percussionista olindense para trazer a “quebrada” ou “swing” do samba de coco, o forró e o cavalo marinho, ao mesmo tempo que o diálogo com Los Brasileiros no beatmaking. De outro lado, percebo como o estilo de cantar ou a inserção de interlúdios falados cria uma tensão ou dissonância muito original e produtiva entre linguagens: a periférica urbana contemporânea (basicamente o trap) e a popular tradicional. Neste sentido, fica evidente como não se trata de uma vertente popular-restrita, mas sim de mais uma variação, provavelmente até mais radical, da constelação do subnacional-popular pernambucano aqui construída.

Como eu disse no início, quero muito no médio e longo prazos reconstruir e apresentar no Substack (e demais meios) obras produzidas em outros circuitos culturais estaduais, que auxiliem no mapeamento dos focos de inovação da imaginação musical brasileira contemporânea e que permitam testar a hipótese de como o nacional-popular foi dissolvido sob a globalização neoliberal e hoje os projetos estéticos emergentes se encontram em múltiplas articulações entre dimensões subnacional-populares e internacional-populares.

Consigo já pensar e visualizar os casos das constelações baiana, maranhense, potiguar, amapaense… Contem aqui quais vocês têm mais curiosidade e as estrelas que vocês têm descoberto e escutado nos últimos tempos!

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Este julho teve características interessantes, ao menos considerando por onde circulei musicalmente e quais destaques apresento para vocês. Aqui temos muito mais singles, faixas e remixes do que álbuns. Vocês também verão um protagonismo total e absoluto das mulheres (confiram nos “outros lançamentos” que discos relevantes foram produzidos por artistas homens - Joca talvez seja o principal -, mas não chamaram a minha atenção da mesma forma do que as produções femininas aqui selecionadas). Por fim, destaco a intensidade do sincretismo entre música eletrônica e diferentes sonoridades e ritmos afrobrasileiros (em Ana Cacimba, MC Tha, Letícia Fialho, até mesmo a linguagem cantada por Patrícia Bastos). Enfim, “tudo de bom”!

Nove lançamentos de Julho* de 2025 altamente recomendados

*todas as indicações abaixo são de julho, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

1 – [singles] Ana Cacimba, “Pombagira / Dona Da Casa / Maria” e “Se Meu Pai É Ogum” (abr. 2025) [SP]

A compositora nascida em Diadema e descendente de quilombolas de Minas Gerais funde, de um lado, temas, cantigas tradicionais e ritmos vindos dos terreiros e, de outro, beats eletrônicos. Em ambos os singles a produção é de DMAX e Los Brasileros. Além destes lançamentos no 1º semestre de 2025, confiram na seção “(Re)descobertas", abaixo, outras faixas musicais, na mesma linha e tão interessantes e viciantes quanto estas duas!

2 – [single] Ana Frango Elétrico, “A Sua Diversão” [RJ]

Este single está sendo tratado como o encerramento da fase inaugurada pelo álbum Me Chama de Gato Que Eu Sou Sua, o terceiro da carreira da cantora, compositora e produtora Ana Frango Elétrico e o primeiro colocado na edição de 2023 da Lista das Listas (organizada por Pena Schmidt, que compila rankings dos melhores discos nacionais em revistas, sites, blogs e veículos da crítica especializada). Uma faixa divertida e deliciosa: “Você é muito / Gata / Mas vou com calma / Com você / Você é muito / Gata / Não vai ser fácil / Te esquecer”.

3 – [álbum] Blaya, Lado B (abr. 2025) [CE-POR]

Blaya é uma cantora luso-brasileira, nascida em Fortaleza, mas que foi morar muito cedo na sua vida em Portugal (primeiro em Ferreira do Alentejo, depois em Sines). Ela ficou internacionalmente conhecida pois sua composição “Faz Gostoso” ganhou uma versão em 2019 da Madonna com participação da Anitta. Lado B talvez tenha sido o disco que eu mais ouvi no mês inteiro. Retrospectivamente, sua sonoridade ressoou forte em mim por compartilhar a tendência da Música Brasileira Contemporânea de articular criativamente o orgânico e o digital. A especificidade do seu projeto estético é misturar pop alternativo, música eletrônica, funk brasileiro e, por fim, kuduro (um estilo angolano). Achei interessante também ela alternar os sotaques, entre o português de Portugal e o português brasileiro, um outro fator que me fez lembrar da maravilhosa Mayra Andrade. Além disso, uma façanha do disco é ele conseguir ser, a um só tempo, energético e introspectivo. Destaque para mim são as faixas “Quero Saber” e “Já Esqueci” (com participação de Gisela João, cantora portuguesa de fado contemporâneo).

4 – [faixa] Deize Tigrona, Mc Tha, & MAHALPITA, “Melhor amiga” [RJ, SP e BA]

Fiquei muito feliz em ouvir o retorno de MC Tha participando desta música do EP NÓS É FIRME, NÃO É CREME, de Deize Tigrona. A faixa, que antes foi lançada como single, continua de certa forma o projeto estético de MC Tha (confiram seus trabalhos anteriores: o álbum Rito de Passá, de 2019, e o EP Meu Santo É Forte, de 2022). Ela vem do funk de Cidade Tiradentes (extremo leste da cidade de São Paulo) e, no decorrer dos anos, foi desenvolvendo um som entrelaçado com a percussão e a sonoridade da umbanda (o que ela mesma nomeia como uma “pesquisa sobre Funk e Terreiro”, em uma disputa pela identidade cultural das periferias urbanas).

5 – [EP] Enme, Movediça, Vol. 2 [MA]

Depois de ter realizado um dos mais inovadores e criativos e projetos musicais dos anos 2020 (os discos ATABAKE e ATABAKE Deluxe, baseados em uma pesquisa que subverteu mutuamente o tambor de crioula maranhense com rap, funk e música eletrônica), Enme Paixão entra em nova fase, com os dois volumes de Movediça (o primeiro lançado em abril, o segundo agora em julho). Até onde entendo, o centro de gravidade mudou em direção ao amapiano; o resultado é muito bom, mas em uma orientação menos transgressiva com relação às normas dos gêneros musicais (menos queer, portanto, considerando que os álbuns de 2022 e 2024 eram uma perfeita unidade entre forma estético-musical e conteúdo poético-político).

6 – [single] Layse (feat. Bruna BG), “Som de Muleca Doida” [PA]

Conheci Layse por suas participações especiais nos discos de Felipe Cordeiro e Saulo Duarte. Com este single, ela anuncia uma virada do brega em direção à sonoridade e ao projeto estético “Digital Belém”, ou seja, a articulação entre as sonoridades da música paraense e os beats eletrônicos. Muito em breve virá um EP (pelo que entendi, com o nome de Música Mundana). Destaque também para a participação da rapper Bruna BG, nascida em Breves, município que fica na Ilha de Marajó. O “som de muleca doida” é sincrético, como é do gosto desta newsletter e como demonstra a letra, que passeia por vários gêneros: “ragga do Pará”, zouk, rap, brega, rock (“rock doido”, por supuesto).

7 – [álbum] Letícia Fialho, Revoada Baile Canção [DF]

Um dos discos mais alto astral do ano: festa, energia, dança, fé, otimismo e esperança. Musicalmente aponta, de modo geral, mais para o passado do que para o futuro: o que a compositora está chamando de "baile-canção" dos anos 1980 (ressoa um pouco discos de Djavan e Marina Lima, por exemplo). Mas há uma reviravolta inovadora ao articular beats eletrônicos, agueré (um toque de atabaque associado nos terreiros a Oxóssi, divindade da fartura) e uma mistura de outros ritmos, como “maracatu, xote, ijexá e baião”. A produção foi da própria Letícia Fialho, junto com JP Mansur, Thanise Silva (responsável pelas flautas, grande protagonista do álbum - uma sonorização da revoada dos pássaros que perpassa várias faixas) e Mateo Piracés-Ugarte (ex-integrante da banda Francisco El Hombre e também produtor do excelente Brasileira do Norte, da compositora paraense Luê). Extremamente divertido e envolvente, mas sem ser numa pegada histérica ou maníaca, como por vezes trabalhos contemporâneos “para cima” correm o risco de soar. Destaque para o momento mais introspectivo de “A Girar”.

8 – [single] Natália Matos, “São Paulo Capital (Demo)” [PA]

São Paulo causa sentimentos ambivalentes para quem nasceu fora da cidade e vem nela morar, talvez por isto esta faixa tenha uma ressonância tão forte: “Se eu tô no centro, você é / É meu litoral / São Paulo capital / Faz bem e faz um mal / E quanto a gente odeia, a gente gosta”. Destaque também para a complexidade geográfica que a música mobiliza: uma compositora nascida em Belém, cantando São Paulo através de uma bossa-voz-e-violão, estilo que remete mais ao Rio de Janeiro, cidade onde Natália Matos também residiu. A explicação sobre o significado do termo “boca de lobo” me remeteu à terceira artista paraense que resenhei na última postagem, pois Luê também insere interlúdios de fala não cantada para apresentar pedagogicamente elementos desconhecidos ao público fora do Pará (como o “boizinho” ou a onça como instrumento), o que interpretei como um recurso que desestabiliza hierarquias musicais, sociais e políticas.

9 – [single-remix] Patrícia Bastos (Aucky Remix), “U Amassu I U Dubradú (Radio Edit)” [AP]

A maravilhosa cantora e compositora Patrícia Bastos ganhou este remix do DJ Aucky. Muito divertido ouvir a sua voz com o acompanhamento de música eletrônica. Não deixem de conferir a faixa original no álbum Zulusa (2013) e o disco como um todo, que forma uma trilogia, junto com Batom Bacaba (2016) e Voz da Taba (2023). Destaque para a letra, composta por Dante Ozzeti e Joãozinho Gomes, baseada em um quase “dialeto, falado pelos ribeirinhos do Amapá. [Essa linguagem] vem de uma mistura do jeito de falar do índio, do negro e do europeu”.

Outros lançamentos do mês de Julho* de 2025

*todas as indicações abaixo são de julho, exceto aqueles com indicação contrária entre parêntesis

[EP] Ana Carolina, Ainda já – Vol. 1 [MG]

[álbum] Ariel Donato, TÁ FELIZ?! [RJ]

[EPs] Cavalo de Pau, Nosso Caso de Amor - Vol. 1, 2 e 3 [PE]

[EP] Deize Tigrona, NÓS É FIRME, NÃO É CREME [RJ]

[single] Duda Beat e TZ da Coronel, “Nossa Chance” [PE e RJ]

[single] Duquesa, "TÃOQUENTE - No Meu Club" [BA]

[single] Izy Castelano, “Chegamos ao Fim” [RJ]

[álbum] Joca, CORTAVENTO [MG]

[single] Jovem Dionísio, “Não Pense” [PR]

[álbum] Julia Mestre, Maravilhosamente Bem (mai. 2025) [RJ]

[álbum] Kyan & Mu540, DOIS Quebrada Inteligente (mai. 2025) [SP]

[EP] Lau e Eu, feroz comum silêncio entre nós… Pt.1 [SE]

[single] Leo da Bodega, "Beija-Flor" [PE]

[single] Liniker, “When The Wind Blows” [SP]

[single] Luana Flores (feat. LUUL), "Siga Cygana" [PB e PE]

[single] Mahmundi, "MACIA BAHIA" [RJ]

[álbum] Marina Melo, Ousar Abrir (mai. 2025) [SP]

[álbum] Mateo, NEURODIVERGENTE [MEX-SP]

[single] Mayra Sánchez, Marina Peralta, EME Lab, e Zar, "Trampolín" (jun. 2025) [ARG e MS]

[single] Nêssa (part. Zamba), "Ponteiro" [BA]

[álbum] Orquestra Afro-Brasileira, 80 Anos (Remixes) [RJ-SP-EUA?]

[álbum] Pedro Emílio, Enquanto os Distraídos Amam (mai. 2025) [SP]

[single] Rashid, “Conversas Que Nunca Tivemos” [SP]

[single] Rubia Divino, “Nuvem” [RJ]

[EP] Sofia Pitta, Molho (mar. 2025) [BA]

[single] Tasha & Tracie, “Amina” [SP]

[álbum] Terno Rei, Nenhuma Estrela (abr. 2025) [SP]

[álbum] vários artistas, Canto Djavan [vários estados]

(Re)descobertas tardias altamente recomendadas

[single] Ana Cacimba, “Casinha no Mato” (2021) [SP]

[faixa] Ana Cacimba, “Ciranda pra Janaína” (2023) [SP]

[álbum] Bella Kahun, Crua (2020) [PE]

[faixa] Conjunto Baluartes, “Conflito” (1976) [SP]

[álbum] FBC, O Amor, o Perdão e a Tecnologia Irão nos Levar para Outro Planeta (2023) [MG]

[álbum] Furmiga Dub, Grave da Mata (2018) [PB]

[EP] Izy Castelano, Imersa (2023) [RJ]

[single] Mago de Tarso, Prodbythb, and WR no Beat, "Caranguejo do Trap" (2024) [PE]

[single] Mariana Mesquita, “sal da pele” (2024) [PB]

[álbum] Obinrin Trio, Origem (2020) [BA e SP]

Cartografia da imaginação musical brasileira

Por onde viajei no mês de jul. 2025?

NORDESTE

– Paraíba (x2): Furmiga Dub, Mariana Mesquita

– Pernambuco (x2): Bella Kahun, Mago de Tarso

– Ceará: Blaya (luso-brasileira)

– Maranhão: Enme

SUDESTE

– Rio de Janeiro (x3): Ana Frango Elétrico, Deize Tigrona, Izy Castelano

– São Paulo (x3): Ana Cacimba, Conjunto Baluartes, Mc Tha

– Minas Gerais: FBC

NORTE

– Pará (x3): Bruna BG, Layse, Natália Matos

– Amapá (x2): Aucky, Patrícia Bastos

CENTRO-OESTE

– Distrito Federal: Letícia Fialho.

Hoje inauguro um novo gênero textual na newsletter: reflexões sobre cenas musicais de determinados estados. Quem acompanha o meu Substack já deve ter percebido que a estratégia de sempre territorializar os artistas e seus discos, EPs e singles anda junto com um esforço de entender os múltiplos Brasis e como são construídas e como se modificam historicamente certas hierarquias espaciais e simbólicas.

A escolha por iniciar pela música paraense tem um grande peso autobiográfico: meu pai nasceu e passou a infância em Bragança, interior do Pará (“Extremo Norte do Sul Global”), tendo vivido alguns anos em Belém e depois se radicado em São Paulo, onde se consolidou como artista plástico.

Lembro vivamente como a música perpassava seu cotidiano, trabalhando em seu ateliê, descansando deitado no sofá (hábito que eu incorporei desde cedo) ou meditando sobre seu próximo quadro ou desenho ao mesmo tempo em que confeccionava capinhas de fita K7. Herdei uma parte do seu gosto musical e também sua enorme coleção de LPs.

Embora sua memória afetiva de uma primeira infância passada em um sítio cercado da floresta, de rios e de igarapés tenha se tornado central para sua produção artística, não tenho nenhuma recordação de termos conversado alguma vez sobre música paraense e de ele ter partilhado e me transmitido algo neste sentido; a paisagem sonora da sua casa era basicamente constituída por MPB, cantoras negras estadunidenses (Ella Fitzgerald em primeiro lugar) e música clássica (seu preferido era Mozart). Há poucos meses fiquei chocado em descobrir que uma das fases de sua obra - “Este Rio é Minha Rua” - é o nome de um carimbó eternizado na gravação de Fafá de Belém; até então, eu só sabia que era uma poesia do também paraense Ruy Barata.

Algum dia ainda vou escrever por aqui sobre minha formação musical, por onde passei e por onde não passei; mas, de modo geral, o samba e a MPB, principalmente compositores cariocas e baianos entre os anos 1930 e 70 foram minhas maiores referências; até muito recentemente, meu horizonte musical não passava, portanto, pelo Pará. Tanto é assim, que nas primeiras vezes em que eu ouvi os três discos que vou aqui refletir sobre, tenho que confessar que suas sonoridades singulares não fizeram muito sentido para mim e foi na base da escuta insistente que fui me situando, primeiro em uma chave mais racional, em seguida mais sensível e afetiva, a ponto de agora me sentir atraído não apenas por discos de artistas paraenses, mas também por seus shows e, de alguma forma, me sentir um integrante torto e desajeitado da comunidade de imigrantes paraenses que residem na capital paulista - uma reviravolta nos papeis de insider e outsider, tendo em vista o peso (talvez excessivo) do paulistanismo na minha vida familiar (materna), escolar, intelectual e profissional.

Ao entrar em contato com esta cena musical paraense, tenho conseguido reconstruir minha identidade (não apenas musical) e mesmo ressignificar a trajetória do meu pai, acessando camadas que até então eram invisíveis para mim (também contribuiu para tal eu finalmente conseguir ler um romance em grande medida autobiográfico que ele escreveu antes de morrer e que nunca foi publicado). Segundo uma amiga que estuda memória, literatura e identidade, isto é próprio de qualquer processo que envolve memória, isto é, seu caráter construído e a posteriori, nunca automático ou dado de antemão.

O que então vocês lerão a seguir? Minha estratégia será organizar alguns discos selecionados como uma “constelação” (em uma referência livre a Walter Benjamin), na aposta de que o sentido de cada um deles para a temática desta newsletter - a imaginação musical brasileira - ganhe maior densidade ao serem inseridos em uma rede intercruzada de significados discursivos, estéticos e emocionais.

Buscarei então apresentar aqui uma constelação regional, que certamente poderia ser mais ampla, a ponto de abarcar todo um ecossistema cultural amazônico, mas que aqui será reconstruída parcialmente (o tempo, a energia e o conhecimento são limitados), com referência a apenas três discos lançados em 2024, por artistas paraenses: Felipe Cordeiro, Saulo Duarte e Luê.

Felipe Cordeiro, Close Drama Revolução e Putaria (Belém: Maguinho Produções, 28 ago. 2024)

Luê, Brasileira do Norte (São Paulo: Difusa Fronteira, 01 ago. 2024)

Saulo Duarte, Digital Belém (São Paulo: YB Music, 18 jul. 2024)

Felipe Cordeiro é, junto com seu pai, o importante guitarrista e produtor Manoel Cordeiro, um dos grandes intelectuais do ecossistema musical amazônico. Não apenas por sua centralidade na rede de produtores, compositores, intérpretes e festivais, mas também por sua capacidade de elaboração discursiva explícita de um projeto estético (e político): o que eles chamam de “Música Popular Brasileira feita na Amazônia”. Interpreto o significado desta categoria tanto como uma disputa historiográfica que revela a não-universalidade do nacional-popular quanto tem também um horizonte político futurista: diante da emergência climática e da perspectiva de apocalipse ambiental, sem os saberes e sonoridades dos povos nortistas, não há como adiar o fim do mundo. Sua intenção é, portanto, disputar o popular e a MPB (com o acréscimo “feita na Amazônia”), assim como o pop (adjetivado como “tropical”).

Seu disco, Close Drama Revolução & Putaria (por vezes referido como CDRP) abre com a faixa “Amazon Money”, já apresentando uma crítica que eu classificaria como sendo de oposição de esquerda ao progressismo e ao chamado capitalismo verde, denunciando que a nação suprimiu vidas e a diversidade cultural, mas, como veremos a seguir, seu horizonte político é disputar, complexificar e democratizar o nacional-popular, não abrir mão dele ou superá-lo por completo, como em outros projetos estéticos em circulação em nossa esfera pública cultural (penso aqui em especial na MPO, a Música Popular Originária).

Existem várias referências à revolta da Cabanagem (1835-40), como na faixa-áudio em seguida: “Essa guitarra é braba! É política! É cabana!”. Já a faixa-título do disco (que transita do reggaeton e carimbó para o brega funk e o tecnobrega) reivindica as festas latino-americanas - de reggaeton, cúmbia, tecnobrega, marabaixo, brega funk, funk ou pagodão - como afirmações comunitárias com “mensagens decoloniais” (Instagram de Felipe Cordeiro). As demais faixas também passeiam por diversos ritmos paraenses ou nortistas: lambada, guitarrada, cúmbia, marabaixo, tecnobrega, tecnomelody, beat melody. A guitarrada “Potentes do Brega” é, por exemplo, um “encontro de nostalgia com o futurismo” (também em seu Instagram). Já a oitava faixa também é um áudio, uma crítica ácida à MPB mainstream, desvelada e criticada como “música parcialmente brasileira”:

Teve um tempo que a música da Amazônia não tava no esquema dos jornalistas, curadores, público em geral, intelectuais e intérpretes de MPB. Foi no século XX. Isto era menos sobre as pessoas daquele tempo e mais sobre uma estrutura de pensamento, perversamente autocentrada. Um outro artista daqui varou, foi escutado, se impôs. Quando isto acontecia era bem bonito. Mas as cenas como um todo, o contexto ainda era quase que totalmente invisibilizado. Se falava em Brasil, em diversidade, democracia racial, mas simplesmente não teve Amazônia. É um escândalo! É o que eu chamo de Música Parcialmente Brasileira. Só depois de um acúmulo geracional relevante a coisa tá mudando. Daqui pra frente falar de Brasil sem a cultura da Amazônia beira o estelionato intelectual. Agora é sangue nos olhos, estamos atentos. Prontos pra operar em definitivo essa mudança de entendimento que é uma mudança de entendimento do que somos enquanto nação. Isto se chama Música Popular Brasileira Feita na Amazônia.

Por fim, destaco a faixa “A Bajara”, que indica as interconexões entre diferentes capitais nortistas (“Se tu for pra Manaus, passe em Boa Vista / Se tu for pra Belém / Tu vem, tu vem / Tu vem, tu vem / Te joga em Santarém”) e como o projeto estético do que eu gostaria de chamar de subnacional-popular paraense não se restringe somente ao estado do Pará, uma vez que busca estar, na realidade, inserido no contexto mais amplo de um ecossistema musical amazônico.

Saulo Duarte, por sua vez, também busca mobilizar ritmos nortistas (ou, como dito em uma entrevista, “latino-amazônicos”), como brega, cúmbia, carimbó, guitarrada, dentre outros. Em seu último disco, Digital Belém, a grande novidade em termos de projeto estético foi articular estes ritmos com elementos digitais e eletrônicos. Quem batizou o álbum foi seu parceiro Russo Passapusso, cantor e compositor membro da banda BaianaSystem.

A partir desta nomeação, surgiu um conceito, que o disco busca desenvolver, aliado com uma centralidade da memória afetiva das sonoridades de infância e adolescência, já que o artista nasceu em Belém, mas foi criado em Fortaleza e se radicou em São Paulo há mais de uma década; interessante ver como ele formula a centralidade de suas memórias musicais na criatividade que move seu projeto estético hoje: “Por mais que eu tenha me afastado geograficamente de Belém, isso foi inversamente proporcional à minha aproximação passional, inconsciente, desse lugar afetivo da música paraense” (entrevista para a Revista NOIZE).

Em seus shows, Saulo também reivindica a categoria “MPB feita na Amazônia”; e a faixa que abre seu disco, “Canção do Povo” indica, no meu entender, como ele compartilha com Cordeiro a disputa em torno do nacional-popular: “Virá como a nova era / Explode no centro da terra / No céu dessa grande nação / Sertão / A vida que insiste em nascer / A chuva que vem pra lavar / É água que tem pra beber / O grão que já vai semear / O fruto da terra / É o povo!”.

A terceira artista paraense que eu agrego a esta constelação é Luê, filha do cantor e compositor Júnior Soares, um dos fundadores do grupo Arraial do Pavulagem. Seu primeiro trabalho foi A Fim de Onda (2012), um disco com elementos mais paraenses e “regionais”, com forte predomínio da guitarra e da bateria; eu diria que lembra por vezes uma variante nortista das vozes de Marisa Monte e Mariana Aydar. Em seguida, ela lança Ponto de Mira (2017), já morando em São Paulo, um disco mais pop eletrônico e “cosmopolita”, que parece dialogar com o álbum Tropix, lançado por Céu no ano anterior. O EP 091 e o terceiro e último disco, Brasileira do Norte, são uma espécie de síntese destes trabalhos anteriores, um amadurecimento estético e musical em que ela alcança grande originalidade ao buscar um sincretismo entre ritmos e percussões paraenses e batidas eletrônicas, no que pode ser entendido como uma perspectiva feminina do projeto estético compartilhado com os artistas belenenses pertencentes a uma mesma geração de millenials (ela nasceu em 1989, Saulo em 1987 e Felipe em 1983).

O nome de seu último disco já é revelador, assim como sua faixa-título, “Brasileira do Norte”, com participação da maravilhosa Dona Onete e que diz: “Ninguém resiste ao charme da mulher do Norte / Brasileira mulher do Norte”. Esta passagem ordena as seguintes dimensões: nação, gênero e região, o que também demonstra o deslizamento do nacional-popular para o subnacional-popular, mas sem abrir mão da disputa, complexificação e democratização do que significa “nacional”, sem contar o recorte generificado, que perpassa todo o álbum (ao contrário dos dois álbuns anteriores, cuja generificação – masculina – costuma ficar invisibilizada e naturalizada).

Eu diria que existem três grandes temas neste disco de Luê: a perspectiva feminina (em especial nas faixas “Brasileira do Norte”, “Calejei”, “Sorvete” e “Deusa”); o lugar da natureza (como nas menções a praia, rio, mar, lua e onça, de uma forma bem mais intensa do que nos dois últimos álbuns); e as múltiplas territorialidades da cultura - o regional, o nacional e o universal, experimentando a articulação inédita em sua carreira entre regionalismo e pop eletrônico para tematizar o orgulho e a saudade de Belém, Bragança, Pará e Norte, transitando entre municípios, o estado e a região.

A abordagem de construir uma constelação entrecruzando e comparando discos produzidos por artistas que nasceram em uma mesma região do Brasil permite encontrar aproximações e diferenciações.

Os pontos de partida rítmicos de Felipe e Saulo são basicamente os mesmos (brega, cumbia, carimbó e guitarrada), enquanto Luê inova trazendo boi, retumbão e zouk. Felipe fez um manifesto (estético, histórico e político), Saulo desenvolveu um conceito (musical) e Luê é quem melhor apresenta a afetividade (familiar e nostálgica, mas também romântica e sensual). Daí a riqueza da abordagem de construir uma constelação já que, ao aproximar os três discos, por mais que eles tenham estas ênfases diferentes (manifesto, conceito e afeto), é possível encontrar como estas três dimensões estão presentes em todos os álbuns, mesmo que de maneiras diversas.

O disco de Felipe é mais centrífugo (produzido pelo próprio compositor e cantor, o álbum aponta para diferentes direções simultaneamente), já o de Luê e o de Saulo são mais centrípetos (tem unidades musicais maiores, com a produção de Lucas Martins no caso dele e a coprodução de Mateo Piracés-Ugarte – integrante da banda Francisco El Hombre – no caso dela), além de buscarem desenvolver a concepção “do orgânico ao digital”. Enquanto o elemento digital em Felipe é por meio de gêneros digitalizados já estabelecidos em suas normas musicais (como o tecnobrega ou o bregafunk), em Saulo e Luê parecem ser abordagens um pouco mais experimentais ou sincréticas.

Eu diria que Felipe é mais - com o perdão da palavra - “porra louca” (as temáticas presentes no título do disco de “revolução” e “putaria” podem inclusive ser lidas como exemplos de contrapublicidade musical, poética e política, isto é, uma orientação mais transgressiva) e o Saulo é um pouco mais contido ou sóbrio (embora seus shows sejam muito energizantes, entre os melhores que eu fui no ano), enquanto Luê talvez transite entre os dois polos. Uma outra forma de comparar talvez fosse: uma sonoridade mais extrovertida no primeiro (festas latinas como construção de comunidades e resistência, uma formulação explicitamente política) e outra mais introvertida no segundo e no terceiro casos (mergulho nas memórias afetivas dos seus primeiros anos de vida, com reinterpretação eletrônica e digital; se há algum elemento político, ele só chega a ser implícito em Saulo, sendo que em Luê as exceções neste sentido são a segunda e a última faixas). E Felipe é mais discursivo (como nos áudios que são mais explicitamente manifestos), enquanto Saulo simplesmente faz musicalmente (sua discursividade está restrita às entrevistas sobre o disco); novamente, Luê inova em um meio termo pois a musicalidade impera, mas os áudios inseridos sobre Ajurutueua (praia em Bragança), sobre o boizinho ou sobre o instrumento onça compõe discursivamente a apresentação pedagógica de elementos desconhecidos ao público do eixo sudestino, o que desestabiliza as hierarquias da MPB.

Uma diferença relevante entre os três artistas, e que talvez explique a aproximação entre Luê e Saulo, é sua situação social ou, dito de modo mais preciso, sua perspectiva territorial ou seu lugar de fala geográfico: enquanto Felipe circula nacionalmente, mas permanece com os pés fincados em Belém do Pará, Saulo e Luê são ou foram paraenses radicados em São Paulo há mais de uma década cada e trabalham interpretando e ressignificando musicalmente as memórias afetivas e sonoras de sua terra natal (é verdade que Luê acaba de retornar a Belém, mas ela ainda residia em São Paulo no momento em que compunha e produzia Brasileira do Norte).

As participações especiais também refletem estas diferenças: se Saulo e Luê trazem um panorama geracional da cena musical paraense (ele com Aldo Sena, Manoel Cordeiro e Layse; e ela com quatro diferentes gerações de cantoras paraenses: Dona Onete, Fafá de Belém, Gaby Amarantos e Zaynara – em ordem cronológica de nascimento), Felipe se tornou um hub do ecossistema musical amazônico (e deve ter contribuído para tal ele ser filho de ninguém menos do que Manoel Cordeiro). Também é interessante notar como Felipe, justamente enquanto hub, chama artistas do Pará, mas também de outros estados nortistas (como a amapaense Patrícia Bastos e o amazonense Victor Xamã), enquanto Luê e Saulo convidaram artistas nordestinos (o baiano Russo Passapusso no caso dele e o pernambucano Johnny Hooker no caso dela, que também chamou Victor Xamã para participar de uma faixa).

Esta dimensão territorial das participações especiais nos três discos analisados demonstram, no meu entender, que os projetos estéticos subnacionais-populares não são restritos nem ensimesmados, apontando tanto para diálogos no interior da região Nordeste ou no interior da região Norte ou mesmo entre as duas regiões. São indícios da emergência de uma coalizão musical Nordeste-Norte, onde eu identifico algumas das principais vanguardas culturais que estão hoje redefinindo as fronteiras da imaginação musical brasileira.

Pensando em continuidades, desenvolvimentos e complexificações que eu gostaria que este texto tomasse (assim como minha investigação-aventura-mergulho musical), queria explicitar que certamente outras artistas também poderiam compor esta constelação paraense. Pensando em uma geração anterior, os nomes que me vêm a mente são Dona Onete e Manoel Cordeiro, que hoje atuam e são vistos quase como matriarca e patriarca da música paraense contemporânea. Já com relação à nova geração, o nome com maior visibilidade nacional é, claro, Gaby Amarantos; mas penso aqui também nos seguintes nomes: Aíla, Aqno, Cronixta, Jaloo, Júlia Passos, Layse, Lia Sophia, Natália Matos, Uaná System… Evidentemente estou circunscrito a por onde consegui circular musicalmente desde o início do ano, quando tive clareza do que partilho com vocês - quem tiver recomendações de artistas paraenses que precisam urgentemente entrar em meu radar, por favor comente aqui no Substack.

Encerro esboçando uma hipótese e voltando ao início do texto (à la ouroboros, aquele símbolo da cobra que come seu próprio rabo). Graças a uma pesquisa de doutorado que dedica uma seção à análise da obra do meu pai (Valdir Sarubbi), de autoria do historiador paraense Gil Vieira Costa, consegui entender que um dos elementos que me atrai nos projetos estéticos musicais de Felipe Cordeiro, Luê e Saulo Duarte tem uma surprendente reverberação com o projeto estético visual de meu pai, o que Costa chama de “estratégia decolonial”: uma síntese regional-universal que conjuga o internacionalismo das vanguardas artísticas com as culturas visuais amazônicas, subvertendo as distinções entre cultura erudita e cultura popular.

Acredito que seja possível, em escritos futuros, relacionar e desenvolver esta noção de "síntese regional-universal" com os processos históricos e sociais de ocaso do nacional-desenvolvimentismo, em direção à situação que vivemos hoje, de ascensão e decadência da globalização neoliberal, como contexto das tendências e contratendências da música brasileira contemporânea: decentramento do nacional-popular diante de articulações múltiplas entre projetos de caráter tanto internacional-popular quanto subnacional-popular como fontes de criatividade e imaginação estética.