Quando falamos dos gibis de super-heróis produzidos pelas principais editoras do gênero, o tema “cronologia” é normalmente abordado como uma faca de dois gumes. Por um lado décadas de histórias já escritas sobre um personagem podem sim significar empecilhos para a criação de novas tramas. Você quer dar uma outra namorada pro Super-Homem? Boa sorte justificando ele não estar mais com Lois Lane. Você quer o Ciclope tendo que resolver algum problema sozinho? Vai precisar explicar porque todos os outros 300 X-Men não se envolveram também nessa situação. E por aí vai.

Mas ao mesmo tempo esses anos de cronologia podem servir também como recursos e inspiração. Quer colocar Clark Kent e Lois Lane num triângulo amoroso? Você tem Lori Lemaris, a sereia que o Super-Homem namorou na adolescência ou Jeb Friedman, o ativista apaixonado por Lois - que morreu em 1996, mas nas HQ’s isso não significa nada. Precisa isolar Ciclope num local perigoso e desconhecido? Ele pode ir parar na Terra Selvagem ou se envolver em algum esquema do Corsário, o patriarca da família Summers que é pirata espacial por profissão e pai ausente/salafrário por vocação.

E talvez as melhores histórias nasçam exatamente daí, da capacidade de pegar o que a cronologia tem de mais pesado, histórico e até mesmo constrangedor, e entender o que ali pode ser usado de maneira nova, diferente e interessante. Um exemplo? O uso que Tom King fez de Cometa, o cavalo que, durante um período, namorou a Supemoça.

Era de Prata, Legião dos Super-Pets e um cavalo do futuro que veio do passado

“Mas como assim cavalo?” “Como assim namoro?” “Do que você está falando?” Bem, como quase toda história que envolve uma pessoa namorando um cavalo, a história do envolvimento de Kara Zor El, a Supermoça, com Cometa, o super-cavalo, é longa, complexa, cheia de equívocos e exige muito contexto.

A primeira aparição de Cometa, o super-cavalo, aconteceu em 1962, na história “Legião dos Super-Traidores”, publicada na edição 293 do título Adventure Comics. Nela a Legião dos Super-Heróis, sob controle mental de vilões do planeta Rambat, derrota Superboy e inicia um plano de conquista do planeta Terra. O dia é salvo, porém, pela intervenção da “Legião dos Super-Pets”, um grupo formado por quatro super-mascotes: Kripto, o famoso super-cão; Streaky, o super-gato, Beppo, o super-macaco e ele, Cometa, o super-cavalo. Alguns desses mascotes eram do presente, outros do passado, um era do futuro - Cometa - mas todos eram imunes ao controle mental dos vilões e conseguiram salvar o jovem Clark Kent e seus amigos legionários.

E como estávamos nos anos 60 e os outros super-animais já faziam bastante sucesso nas HQ’s - Kripto havia surgido 5 anos antes e ganho bastante destaque nas histórias do Superboy - nada mais natural do que o retorno de Cometa, sete meses depois, já na capa de Action Comics 293. E que retorno, meus amigos.

Afinal, se em sua primeira aparição Cometa era apenas um “cavalo voador que a Supergirl tinha no futuro”, nessa edição descobrimos que Cometa na verdade era Biron, um centauro da Grécia antiga que havia salvo a feiticeira Circe diante de um ataque de Maldor, um feiticeiro inimigo. Como recompensa, Circe oferece para Biron uma poção que iria permitir que ele se torne totalmente humano, porém Maldor substitui a poção por outra, que faz com que ele se torne totalmente cavalo. Um dia complicado, você imagina.

Mas Circe, ainda que não consiga reverter a transformação, faz algo que, em tese, deveria ser bem mais complicado: oferecer ao, agora cavalo, Biron, poderes de vários dos deuses gregos. Sim, ele que havia começado o dia como centauro e pensou que ia virar um homem, agora é um cavalo com grande velocidade, invulnerabilidade, força descomunal, imortalidade e telepatia. Basicamente o cavalo mais poderoso da Terra. Se ele conseguisse ficar na Terra, claro, já que Maldor usa um feitiço pra exilar Biron para dentro de um asteroide na constelação de Sagitário, onde ele ficaria preso por séculos.

Mas um dia um foguete, passando em direção à Terra, acabou destruindo a prisão de Biron e libertando nosso ex-centauro. Quem estava nesse foguete? Supermoça, que durante a destruição de Argo City, sua cidade em Krypton, havia sido enviada para nosso planeta para encontrar seu primo, Kal-El. Biron, fascinado pela sua salvadora e esperando encontrar com ela no futuro, permite a própria captura apenas para ficar no “Rancho Super-Moça”, próximo da cidade onde Kara foi parar.

Anos depois Biron usa seus poderes telepáticos para alertar Super-Moça sobre uma invasão alienígena e recebe dela o nome de “Cometa”. Mas mesmo após ajudar Super-Moça e Super-Homem contra os invasores e participar de um rodeio com Linda Danvers, a identidade secreta de Kara Zor-El ele acaba sendo vendido para um fazendeiro que acredita que esse cavalo pode fazer muito sucesso no cinema. Pensa você começar como um centauro na Grécia antiga pra terminar como um empregado mal remunerado do setor audiovisual.

Alô, galera de cowboy, alô, galera de peão, quem gosta de rodeio é centauro vítima de maldição

E foi esse o “status quo” por mais algumas edições: Cometa era um cavalo voador telepata que já havia sido um centauro mas agora era meio que um mascote da Super-Moça. Parece esquisito? Talvez, mas pra chamada Era de Prata das HQ’s, em que o Batman se transformou num gênio que era obrigado a conceder desejos para os criminosos de Gotham, era algo até bastante normal. O famoso “até aí tudo bem”.

Até que em Action Comics #301, de 1963, foi publicada a “A identidade secreta do super-cavalo”, onde, mais uma vez, Cometa tem um dia complicado envolvendo a famosa feitiçaria. Isso porque um antigo amigo do Super-Homem, o príncipe Endor, precisa montar um cavalo voador para a parada real de seu mundo, chamado Zerox. Porém um feiticeiro maligno, chamado Lord Nomed, tirou os poderes de Pegasus, o cavalo oficial de Endor. Super-Homem então pede que Cometa, que também é um cavalo voador, ajude como substituto, num desses clássicos casos de “vou ver se o amigo da minha prima topa que meu amigo monte nele em público”. Pode acontecer.

Como recompensa por essa ajuda, Endor lança em Cometa um feitiço que permite que ele se torne temporariamente humano quando um certo cometa passar pelo sistema solar, porque a verdadeira maldição na vida deste cavalo são esses feitiços extremamente específicos. Ao fim dessa aventura, Cometa, Super-Homem e Super-Moça, que também fez parte da comitiva, retornam para a Terra, sem que os dois últimos saibam nada sobre a recompensa oferecida por Endor.

Mas eis que aquele cometa citado anteriormente passa pelo Sistema Solar, Cometa se transforma em um ser humano sem poderes e, adotando o nome de Bronco Bill, se torna uma sensação do circuito de rodeios. Porém Super-Moça fica preocupada com o sumiço do seu cavalo voador telepata e decide pedir ajuda para sua melhor amiga, Lena Thorul - uma irmã de Lex Luthor que alterou seu sobrenome para se distanciar da vida de crimes de Lex, mas não fez exatamente um grande trabalho. Lena direciona Kara para Bronco Bill, que ela sente ter “alguma conexão” com o desaparecido Cometa.

E aí muita coisa acontece. Cometa volta a ser um centauro, é sequestrado, volta a ser um cavalo, ganha de volta seus poderes, mas a parte mais importante é que, ainda como Bronco Bill, ele é salvo por Supermoça do ataque de um touro e os dois trocam um apaixonado beijo, criando aí uma nova dinâmica. Agora temos Linda Danvers apaixonada por Bronco Bill sem coragem de contar que é na verdade a Supermoça, e Bronco Bill, apaixonado por Supermoça, sem coragem de contar pra ela que na verdade é Cometa, o Super-Cavalo. É basicamente como o triângulo entre Lois Lane, Clark Kent e o Super-Homem, se um deles fosse um cavalo.

Mulher do Amanhã, cavalo de ontem

Cometa obviamente ainda teria outras aventuras, atuando com a Legião dos Super-Pets, viajando no tempo, e até tendo um breve romance com Lois Lane, quando essa foi também transformada em uma centaura e depois em uma égua, porque nos anos 60 as coisas eram assim e essa nem é uma das 10 coisas mais absurdas que aconteceram na época em que a Lois tinha um gibi solo. Se você pesquisar vai ver que tem coisa bem pior.

Mas não apenas as aparições do personagem diminuíram bastante conforme chegaram os anos 70, como ele foi apagado - junto com diversas outras partes da mitologia do Super-Homem - após a Crise nas Infinitas Terras, em 1986. Agora não apenas Cometa nunca existiu como a própria Supermoça havia sido apagada da cronologia, com Kal-El sendo o último sobrevivente de Krypton.

Só que nenhuma crise ou orientação editorial consegue apagar de vez um cavalo que nasceu para brilhar e conforme a Supermoça voltou a estar presente no universo DC, Cometa também voltou. Primeiro numa nova versão, que acompanhou a Supermoça de Peter David e que tinha uma biografia ainda mais complexa do que a do personagem original. Se o Cometa pré-crise era um ex-centauro que virou um super-cavalo que às vezes virava um peão de rodeio, o novo Cometa era a fusão de almas de uma comediante gay e de um jóquei, que quando unidos com um anjo, assumiam a forma de um centauro superpoderoso. Ah, e as asas desse centauro ainda eram feitas de gelo. Peter David, você nunca será esquecido.

Essa versão da Supermoça, que envolvia uma criatura de protomatéria vinda de outro universo se fundindo com uma estudante vítima de sacrifício humano, acabou sendo também substituída pela versão original que todos conheciam: Kara Zor-El, prima do Super-Homem, vinda de Argo City para a Terra. Uma versão que parecia não ter tido nenhum envolvimento com nenhum tipo de equino até a minissérie “Supergirl: Mulher do Amanhã”, escrita por Tom King e desenhada pela brasileira Bilquis Evely, com cores do também brasileiro Matheus Lopes.

Nela Cometa reaparece para ajudar a Supermoça, primeiro como um cavalo superpoderoso, mas no fim, ao se sacrificar para salvar Kara, ele reassume sua forma de centauro, sinalizando que estamos sim diante de Biron, o personagem da Era de Prata. Informação que é confirmada pela heroína, que lamenta a morte de Cometa mencionando que ele era um homem no corpo de um animal e que ela era uma das poucas pessoas que sabiam disso, deixando no ar a implicação de que o relacionamento dos dois ainda faz parte do cânone do personagem.

É um personagem absurdo? Claro. É uma biografia fruto do que havia de mais aleatório e bizarro durante uma das eras mais malucas dos quadrinhos? Com toda certeza. Mas nas mãos de um bom roteirista e de uma artista talentosa, toda a trajetória de Cometa, o centauro que virou cavalo que virou peão de rodeio que namorava a Supermoça conseguiu não apenas dar sentido a um momento especial dos dois personagens como ofereceu a esse momento um peso que ele não teria se toda essa história não existisse. Porque o passado de um personagem ficcional pode sim ser um fardo, mas ele também é, como acontece com cada um de nós na vida real, o que ajuda a tornar mais ricas e mais complexas as decisões que ele toma e as situações que ele vive.

Dito isso, não deixa de ser plenamente compreensível que o novo filme da Supermoça, ainda que seja uma adaptação bem fiel de “A Mulher do Amanhã” vá provavelmente excluir o personagem Cometa de sua trama. Afinal, é uma mulher namorando um cavalo, pensa o pessoal vendo isso no cinema como ia reagir. Clima horrível na sala, complicado explicar pras crianças, nem todo mundo tá preparado.

É meio óbvio que existe algo de muito estadunidense no gênero de super-heróis. Seja por ter sido o berço do gênero, pelo quanto da visão de mundo norte-americana está presente na ideia individualista de que um ser humano com capacidades extraordinárias tem o direito - e em certos casos a obrigação - de impor a sua vontade e seu senso de justiça sobre os outros, ou apenas porque é o país onde esses personagens geraram uma indústria que hoje envolve os mais diversos tipos de mídia. A verdade é que se você pensou em um super-herói, é muito provável que você tenha pensado num personagem criado nos Estados Unidos.

Não que não existam super-heróis nos mais diversos países e que esse tipo de narrativa não possa se inserir e ser filtrado pelas mais diversas culturas, operando como uma espécie de mitologia moderna que se presta tanto às aventuras de Darna e seu amuleto mágico nas Filipinas quanto ao Chico de Ogum, super-herói brasileiro que também é pai de santo e auxilia pessoas no plano astral. Mas é fato que não apenas os americanos criaram o gênero de super-heróis como talvez o gênero de super-heróis seja o mais americano entre todos os tipos de ficção.

E se super-heróis são inerentemente estadunidenses, nenhum deles representa isso de maneira mais clara e direta que o Capitão América. Super-Homem é um alienígena criado no Kansas que defende “verdade, justiça e o modo de vida americano”? Capitão América nasceu nos Estados Unidos e corre por aí vestindo a bandeira americana. Bruce Wayne perdeu os pais e decidiu combater o crime em Gotham? Steve Rogers perdeu os pais e decidiu se alistar no exército para atirar em estrangeiros, o que soa bem mais americano.

[Na verdade o único personagem que poderia competir com o Capitão pelo posto de mais americano seria o Tio Sam, um espírito místico da nação criado pelos pais fundadores do país durante um ritual, que costumava residir na Terra-X, um universo onde a Segunda Guerra Mundial durou até os anos 70, e fazia parte dos “Combatentes da Liberdade”, grupo que também contava com Doll Man, um personagem cujas aparições em português eu tentei encontrar pesquisando “Homem-Boneca” no Google e vocês não tem ideia do que isso causou ao meu algoritmo.]

Mas como todo personagem envolvido numa narrativa seriada, o “Sentinela da Liberdade” é muito menos um monolito de americanidade e muito mais um reflexo dos conflitos e contradições que envolvem os Estados Unidos desde a sua primeira aparição em Captain América Comics #1. Uma situação que fica ainda mais complexa diante da atual postura agressiva e intervencionista do governo norte-americano.

E nesta edição da “Mogo Não Socializa” vamos falar um pouco sobre as origens do herói, a grande lista de personagens que já usaram o uniforme ou tiveram o “cargo” de Capitão América e o que isso pode dizer sobre o sobre Capitão América, os Estados Unidos da América e a maneira como a Marvel e seus roteiristas tentaram lidar com as questões e problemas inerentes ao personagem.

Nascido para dar porrada em nazista, obrigado a brigar com o Circo do Crime

O ano era 1940 e o primeiro editor da recém-nascida Timely Comics estava tentando criar um super-herói através de engenharia reversa, pensando primeiro em quem seria o pior vilão possível e, a partir daí, inventando um protagonista que fosse capaz de desafiá-lo. E para Joe Simon não existia outro vilão mais nefasto e mais claramente terrível do que Adolf Hitler, que naquela altura já havia invadido a Polônia e iniciado a 2ª Guerra Mundial.

E em parceria com Jack Kirby, um jovem desenhista que ele havia conhecido em seu último emprego, ele criou aquele que se tornaria o mais famoso dos super-heróis patrióticos - ainda que não o primeiro, já que “The Shield” seria publicado alguns meses antes na revista Pep Comics - na figura de Steve Rogers, o jovem franzino que ao receber o soro do supersoldado ganha superpoderes e não só já nasce com sua própria revista (Captain America Comics #1) como já, na capa dessa revista, surge dando uma belíssima muqueta na cara de ninguém menos do que Adolf Hitler.

O que pode parecer, diante da visão de Joe Simon de Hitler como “o vilão mais maligno possível” uma decisão comercialmente interessante e moralmente unânime, mas se você lembrar que apenas um ano antes um evento nazista reuniu 20 mil pessoas no Madison Square Garden e o próprio Jack Kirby recebia ameaças telefônicas por “vilanizar” o regime alemão, talvez não encontrasse o respaldo absoluto que os autores gostariam.

Então já no começo você tem os dois principais conflitos que o personagem enfrentaria. Dentro das páginas dos gibis o Capitão América viveria em constante luta contra o nazifascismo, seja com figuras reais como Hitler ou suas contrapartes ficcionais, como o Caveira Vermelha, Arnin Zola, Barão Zemo e a organização Hydra, tanto em suas aventuras solo quanto liderando os Vingadores. E no mundo real o personagem viveria sempre em conflito entre os ideais americanos que ele foi criado para representar e as atitudes reais do governo americano, que raramente podem ser qualificadas como “heroicas”

E não demorou para que esses dois conflitos se encontrassem. Isso porque após o fim da guerra o interesse do público no personagem patriótico caiu, levando ao cancelamento do título em 1950 e ao seu relançamento em 1953, agora em ritmo de Guerra Fria e muito Macarthismo, com Steve Rogers se dedicando a enfrentar a ameaça comunista, uma nova direção que não apenas durou muito pouco (três edições) como viria a tornar necessário reescrever a história do personagem para tentar corrigir.

Steve Rogers, sentinela da liberdade e Capitão América que sua mãe consegue reconhecer

Mas antes de falar dos outros capitães, é interessante relembrar a trajetória de Steve Rogers, o primeiro e mais importante Capitão América, que não apenas é a referência para todos os outros personagens que chegaram a usar o manto mas em cujas lacunas históricas, raciais, narrativas e políticas, esses outros capitães acabaram se encaixando, seja como complemento ou oposição, refletindo os conflitos do país que eles representam.

Um jovem franzino que foi recusado pelo exército mas ganhou superpoderes para defender seu país na 2ª Guerra, Steve Rogers não chegou a presenciar o fim do conflito, já que caiu de um avião durante uma missão e ficou congelado até os anos 60, quando foi encontrado pelos Vingadores. Durante os anos 70 o personagem não se envolveu em conflitos externos, como a Guerra do Vietnã, focando mais em problemas domésticos e sociais, que foram desde pobreza até racismo.

Essa postura culminaria no arco “Império Secreto”, em que o Capitão descobriu que o alto escalão do governo americano estava infiltrado pela organização fascista de mesmo nome, cujo líder havia se tornado presidente do país. Um reflexo dos eventos de Watergate, esse arco terminou com o Steve Rogers renunciando ao cargo de Capitão América e atuando por alguns anos como “Nômade, o homem sem pátria”.

Situação que viria a se repetir durante os anos 80, quando ele se recusou a receber ordens diretas do governo e passou a atender apenas pela alcunha de “Capitão”, e teve ecos durante a “Guerra Civil” dos anos 2000, quando Steve novamente se recusou a obedecer ordens do governo, nesse caso o “Ato de Registro”, que obrigava todo super-herói a divulgar sua identidade secreta.

A própria trajetória ficcional de Steve Rogers reflete então as mudanças da sociedade americana diante do que significa essa América e do papel dela num cenário global. Se durante a 2ª Guerra a interferência direta do Capitão num conflito internacional era um chamariz de vendas, nas Guerras da Coreia e do Vietnã o personagem não esteve presente ou atuou de maneira reduzida, quase sempre com histórias que abordavam a participação americana nesses conflitos de maneira crítica.

Além disso, com frequência o personagem se vê desautorizado pelo governo ou atuando contra ordens diretas de seus superiores, reforçando um discurso de que o Capitão representa não o governo, mas sim o “ideal” americano, uma maneira não apenas de lidar com a reduzida credibilidade de políticos e governantes dentro dos EUA como também de tentar reduzir a rejeição que o personagem sempre sofreu em outros países. Nesse cenário Steve Rogers não é uma ferramenta do governo para realizar a vontade da máquina política norte-americana, mas sim um homem que defende tudo que existiria de melhor nos ideais americanos, se colocando até mesmo contra o governo quando esse não agisse de acordo com aqueles ideais.

Um capitão é pouco, dois capitães é bom, mais de dez capitães é uma cronologia confusa

Mas vamos falar agora sobre os outros capitães, como surgiram e o que exatamente eles representam.

Isaiah Bradley, o “Capitão América Negro”

Se Steve Rogers representava tudo que existia “de melhor” nos ideais americanos, é possível dizer que a história de Isaiah Bradley represente, de maneira até mais realista do que se costuma esperar de um gibi, o que existe de pior nas relações raciais dos Estados Unidos. Isso porque com a morte do Dr. Abraham Erskine, o criador do soro do supersoldado que que deu poderes ao primeiro Capitão América, o governo norte-americano decidiu testar novas fórmulas usando como cobaias soldados negros, numa referência direta aos experimentos de Tuskegee conduzidos no Alabama entre os anos 30 e 70 e que causaram a morte de diversos homens negros.

Nos gibis a história foi parecida, já que dos 300 soldados negros que receberam versões do soro, apenas cinco sobreviveram aos experimentos e apenas um saiu do processo com poderes similares aos do original. Esse homem era Isaiah Bradley, que durante uma missão para impedir que os nazistas criassem seu próprio soro, pegou um dos antigos uniformes do, naquele momento congelado, Steve Rogers. E Isaiah não apenas conseguiu realizar a missão como, mesmo capturado pelos alemães, se libertou e conseguiu voltar aos Estados Unidos. Onde imediatamente foi preso por roubo e uniforme e jogado na solitária por anos, sendo libertado apenas nos anos 60.

Criado pelo autor negro Kyle Baker em 2002, Isaiah Bradley se tornou retroativamente o segundo Capitão América e o primeiro homem negro a assumir o uniforme, invertendo a dinâmica de orgulho patriótico do personagem criado em 1940 e refletindo a realidade de um país profundamente racista, onde o que é tratado como heroísmo se você tem uma certa cor de pele, pode ser visto como crime se você tem outra.

William Naslund, Jefrey Mace e William Burnside, os “Capitães Perdidos”

O que você faz quando você tem um Capitão América e está quase ganhando a guerra mas aí o seu Capitão América desaparece no meio do nada? Se você for o governo americano, você não avisa ninguém e vai arrumando outros caras pra fazerem essa função, porque você não chama um lugar de terra das oportunidades se ele não te der oportunidades mesmo. Às vezes você coloca no cargo um cara como William Naslund, que não tinha superpoderes e acabou morrendo em serviço? Acontece. Mas de vez em quando você dá sorte, como aconteceu com Jefrey Mace, o substituto de Naslund, que também não tinha superpoderes mas conseguiu se tornar um dos raros casos de herói que chegou a se aposentar.

Mas alguns substitutos são mais problemáticos, como William Burnside, o Capitão América dos anos 50, que criou sua própria versão alternativa do soro do supersoldado, garantindo poderes mas também uma grande instabilidade mental, que o levou a perseguir qualquer pessoa que ele considerasse suspeita de comunismo, tratando qualquer minoria como uma ameaça ao país. Lembra o Capitão América dos gibis dos anos 50 que combatia comunistas e foi cancelado depois de três edições? Retroativamente foi estabelecido que ele não era Steve Rogers, mas sim William Burnside, para garantir que Rogers continuasse representando esses “melhores aspectos” dos EUA e não a constante paranoia anticomunista e essa imensa vontade de atacar pessoas diferentes que a galerinha de lá parece ter.

John Walker, o “Capitão Substituto”

Tudo começa quando o governo americano decide cobrar de Steve Rogers todos os impostos e taxas que ele não pagou durante o período em que estava preso no gelo (sério) e diz que aceita perdoar os valores caso ele aceite trabalhar sob ordens diretas de uma comissão governamental, que vai decidir onde e quando ele deve atuar. Rogers recusa a proposta, o governo pede que ele entregue o uniforme e o escudo como acontece com a arma naqueles filmes policiais, sendo a função então repassada para um oficial militar chamado John Walker.

E que figura é John Walker, o primeiro substituto público de Steve Rogers. Na primeira missão ele é enviado para lidar com um grupo terrorista conservador e descobre que concorda com quase tudo que o grupo defende, sofre chantagem de ex-colegas, e no dia de sua apresentação pública como novo Capitão América, tem sua identidade secreta revelada, o que leva seus pais a serem sequestrados por supervilões. Ignorando ordens diretas, Walker tenta realizar ele mesmo o resgate, mas seus pais acabam morrendo no tiroteio, o que faz com que ele mate os sequestradores.

Mesmo com Walker mentalmente instável, o governo decide varrer para debaixo do tapete esses pequenos problemas e manter o homem no cargo. Ele, é claro, decide sair por aí tentando matar mais gente, até Steve Rogers descobrir que tudo era um plano do Caveira Vermelha e retomar sua posição como Capitão América. Hoje Walker atua como o “Agente Americano”, uma espécie de Capitão América da Temu, normalmente apresentado como um anti-herói de métodos bem mais violentos que o Capitão Original.

O que temos aí, ainda que seja parte dos esquemas de um supervilão, é talvez então uma versão mais “realista” de como operaria um Capitão América, filtrada pela desilusão política do final dos anos 80 e pela tendência de substituir heróis tradicionais por suas contrapartes mais violentas, que se tornaria comum na década seguinte. John Walker representa o que provavelmente seria um supersoldado, se ele existisse: obediente ao governo, sem medo de matar, provavelmente com a cabeça totalmente desgraçada. Se o primeiro capitão representava o que América gostaria de ser, esse terceiro representa, em grande parte, o que ela realmente é.

Bucky Barnes e Sam Wilson, os Capitães escolhidos por Steve Rogers

Não basta ficar congelado e ser demitido, Steve Rogers precisa estar ausente do posto de Capitão América por questões de óbito e de envelhecimento também, quando foi substituído, respectivamente, por dois de seus principais aliados.

James Buchanan “Bucky” Barnes é o ex-parceiro mirim de Steve Rogers que ficou preso na mesma geleira mas foi resgatado pela URSS, que o “reprogramou” como o “Soldado Invernal” um espião e assassino a serviço do governo soviético. Após reencontrar seu antigo parceiro, Bucky consegue recuperar suas memórias e começa a atuar como um anti-herói, sendo escolhido para substituir Steve Rogers quando ele é assassinado ao final da Guerra Civil (mas depois ele volta e fica tudo bem).

Já Samuel Thomas “Sam” Wilson, o Falcão, foi o primeiro super-herói afro-americano e o segundo super-herói negro a ser publicado por uma grande editora (o Pantera Negra sendo o primeiro), um assistente social que conheceu Steve Rogers ao organizar uma rebelião contra nazistas que tentavam escravizar a população nativa de uma ilha tropical (tudo isso nos anos 60). Munido de asas mecânicas e uma conexão telepática com aves, ele abandonou a identidade de Falcão para se tornar Capitão América quando o soro do supersoldado temporariamente perdeu seu efeito e Steve Rogers passou a aparentar a idade que realmente tinha (vovô garoto).

E ainda que Bucky seja um substituto num sentido muito mais narrativo do que simbólico - é um homem branco substituindo outro, sendo o segundo apenas um pouco mais violento e com mais lapsos de memória - a trajetória de Sam Wilson como Capitão América é fascinante pelo racismo que ele sofreu em absolutamente todos os níveis, tanto de personagens e leitores como até dos próprios criadores. Isso porque além das acusações de que a Marvel teria ficado “woke” ao entregar o escudo para Sam Wilson em 2014 e das reações de alguns personagens diante de um Capitão América negro, a própria história do personagem sofreu um bizarro “retcon” quando foi explicado que a Sam Wilson nunca havia sido um assistente social, sendo na verdade um cafetão (?!) que havia sofrido lavagem cerebral do Caveira Vermelha para se aproximar do Capitão América.

Se você acha absurdamente racista a ideia do primeiro super-herói afro-americano ser na verdade um cafetão que sofreu lavagem cerebral pra se fazer de bonzinho, saiba que não apenas esse foi o consenso geral como a ideia era tão racista que um novo retcon apresentou isso como um plano maligno do Caveira Vermelha, um personagem que basicamente é Adolf Hitler usando base vermelha no rosto. Mas essa trajetória atribulada coloca Sam Wilson como um dos mais claros exemplos não só dos erros absurdos que já foram cometidos na representação de personagens negros no gênero de super-heróis mas também do quanto eles foram ganhando destaque conforme os leitores e criadores foram se tornando mais diversos, com mais artistas negros tendo acesso a personagens negros.

Aaron Fischer, Nichelle Wright, Joe Gomez e Arielle Agbayani, os Novos Capitães

O ano era 2021 quando foram lançadas as cinco edições “The United States of Captain América”, uma minissérie onde os quatro principais personagens a usarem o uniforme do Capitão (Rogers, Bucky, Wilson e Walker) recebem ajuda de uma rede de “Capitães”, formada por diversos homens e mulheres comuns, de várias idades idades, que de alguma forma assumiram o papel de Capitão América em suas comunidades.

Temos Aaron Fischer, o “Capitão América das Ferrovias”, um jovem gay que ajuda pessoas em situação de rua enquanto cruza o país escondido em vagões de trem. Temos Nichelle Wright, a “Capitã América de Harrisburg” uma ativista negra que protege sua comunidade dos interesses comerciais que colocam em risco a população. Joe Gomez, o “Capitão América dos Kickapoo”, um trabalhador da construção civil do povo Kickapoo, que protegia a reserva onde morava. Arielle Agbayani, a “Capitã América do Campus”, uma estudante de ascendência filipina que se tornou uma vigilante após uma de suas colegas sofrer violência dentro da sua universidade.

Se você acredita que esse foi um esforço por parte da Marvel para tornar o conceito de Capitão América algo mais inclusivo, mostrando que o esse “ideal” não vive apenas no homem hetero branco e cis que é Steve Rogers, mas sim em diversas pessoas pelo país, que representariam as diversas “faces” dos Estados Unidos, você tem razão. Mas se você acredita que num país profundamente trumpista a galera não lidou nada bem com isso, e faltou fibra ótica pro tanto de “acusação” de ser “woke” que a Marvel sofreu, você está certíssimo também.

De todos eles Aaron acabou sendo o único a ter um numero significativo de aparições fora dessa história específica, sendo grande parte delas nos chamados “infinity comics”, que são os quadrinhos produzidos pela Marvel exclusivamente para a internet, mostrando que ainda que não abraçados pela grande maioria dos leitores, alguns desses novos personagens encontraram um público principalmente entre os leitores mais jovens.

Essa grande supervilã chamada “realidade”

A verdade é que, a despeito dos esforços do Caveira Vermelha ou da Sociedade da Serpente, de Arnim Zola ou Batroc, o Saltador, o único inimigo que o Capitão América sempre se mostrou incapaz de enfrentar é a realidade do que os Estados Unidos são e do papel que geopolítico que ele possui.

Isso porque se o personagem nasceu num momento de alegado maniqueísmo, em que parecia muito fácil distinguir mocinhos de vilões, a realidade política norte-americana foi se mostrando cada vez mais complexa e a posição dos Estados Unidos no mapa global cada vez menos simpática. Se durante a Segunda Guerra os EUA estavam claramente do lado “certo”, a Guerra Fria apresentou um mundo dividido entre dois pólos, com o intervencionismo norte americano se tornando cada vez mais agressivo, até chegarmos aos dias de hoje em que o governo norte-americano não sente mais vergonha alguma de adotar uma postura abertamente “vilanesca”, com forças governamentais matando gente desarmada pelas ruas, golpes de estado visando abertamente obter matérias-primas em outros países e Trump dizendo coisas como “a Noruega não me deu o Nobel da Paz, então vou começar uma guerra”.

Steve Rogers se viu então, com o passar do tempo, obrigado a se dissociar do país que nasceu para representar, seja dentro ou fora da trama, seja de formas mais ou menos sutis. A divisão da opinião pública diante do intervencionismo americano tirou o personagem dos conflitos globais, a necessidade de manter o Capitão interessante para os mercados internacionais reduziu as conexões dele com o governo americano, a necessidade de explicar a ausência de Steve Rogers em momentos chave da história americana levou a fascinantes manobras narrativas. Tudo isso para tentar fazer com que um super-herói que nasceu profundamente americano, conseguisse sustentar algum apelo global e alguma coerência narrativa enquanto os Estados Unidos realizavam o trajeto de “estamos tentando ajudar a derrubar um líder de extrema-direita que começo uma guerra” para “somos o país de extrema-direita que está tentando começar uma guerra”.

O que o futuro reserva então para o Capitão América? Complicado saber. Preso entre uma América idealizada mas filtrada pelas lentes do interesse corporativo, e uma América real que cada vez mais lembra a opressão que ele nasceu para combater pra combater, Steve Rogers é um homem não apenas fora de seu tempo, mas fora fora do campo da verossimilhança. Isso porque se antes, na ideia de um soldado americano com superpoderes defendendo a paz no planeta, a parte mais absurda era a dos superpoderes, hoje com certeza a segunda parte da sentença é que parece ser o aspecto mais improvável.

Inúmeras coisas me incomodavam na encarnação do Super-Homem idealizada por Zack Snyder que teve sua primeira aparição em “Homem de Aço”, de 2013 e sua última em “Adão Negro”, de 2022, no que parecia ser um retorno triunfal mas acabou sendo uma malsucedida tentativa de “golpe de estado corporativo” realizada por Dwayne “The Rock” Johnson, depois da qual nunca mais vimos nem o Super-Homem de Henry Cavill e nem o Adão Negro de The Rock.

E uso o termo “incômodo” porque reconheço que, quando se trata de um personagem criado em 1938, é complicado dizer que exista uma versão absolutamente certa ou uma versão absolutamente errada, existindo no máximo versões mais ou menos consistentes com o panorama do personagem na época x ou y – e com as nossas preferências em relação ao que o personagem deve representar.

Super-Homem âncora de telejornal é errado? Não dá pra dizer que é, porque nos anos 70 Clark Kent realmente foi âncora do canal WGBS. Super-Homem que mata é absurdo? Não necessariamente, porque ele realmente usou força letal para executar três criminosos kriptonianos durante uma trama dos anos 80, ainda que ela não faça mais parte da cronologia. Da mesma maneira se em qualquer filme do Super-Homem for mencionado que ele tem um super-macaco de estimação chamado “Beppo” ninguém pode dizer que estão inventando, porque o personagem não só existe nos quadrinhos como ano passado apareceu num especial da DC.

Então não, não posso dizer que a versão distante, alienada, violenta e depressiva do Super-Homem que vimos na última encarnação do universo DC nos cinemas era uma invenção delirante de Zack Snyder sem base alguma nos quadrinhos. Nada ali existia num vácuo e tudo poderia ser ligado a alguma encarnação ou período da trajetória impressa do personagem, nem que fosse uma versão alternativa ou uma interpretação exagerada de algum período real da cronologia.

Mas também não posso negar que grande parte da representação do personagem ia contra a maneira como ele era mais frequentemente exibido nas HQ’s e que quase tudo nele entrava em conflito direto com a minha visão pessoal do que o personagem representa.

Nos quadrinhos temos um Super-Homem quase sempre otimista e solar, até mesmo em contraponto ao pessimista e noturno Batman. Nas HQs temos um Super-Homem cuja identidade alienígena contrasta com a sua imensa humanidade, sendo uma pessoa que veio de outro planeta mas defende a Terra por todas as conexões que criou aqui, ao contrário do extraterrestre isolado representado no DCEU. Nos gibis o Super-Homem tem quase como um superpoder sua capacidade de gerar esperança, de ser uma figura aspiracional pras pessoas ao seu redor, enquanto em seus filmes Henry Cavill parece inspirar medo ou devoção, existindo de maneira totalmente dissociada dos outros seres humanos.

Porém de todas as coisas que me incomodam profundamente nessa versão do Homem de Aço, e que vão desde a bizarra morte de Jimmy Olsen até Clark ser um personagem quase inexistente em comparação a Kal-El, acredito que nada me incomodou tanto quanto o momento em “Batman V Superman”, em que Martha Kent diz para seu filho, numa tradução pra lá de livre, algo como “Seja o herói deles, Clark. Seja o anjo, seja o monumento, seja o que quer que eles queiram...ou não seja nada disso. Você não deve nada para esse mundo, nem agora nem nunca”.

E me incomoda porque não apenas é uma mensagem que não faz sentido dentro do que um personagem como o Super-Homem pode representar, mas também porque não me parece uma linha de pensamento razoável para qualquer pessoa que viva em sociedade.

Primeiro porque o Super-Homem é, desde sua origem, um personagem inspiracional. Ele não é, em absolutamente nenhum sentido, aquilo que nós somos. Nenhum de nós veio de outro planeta, nenhum de nós tem visão de calor, nenhum de nós pode voar. E em sua maior parte ele também não é algo que nós possamos ser. Ninguém consegue treinar até segurar uma locomotiva no braço, nem o nosso melhor atleta consegue saltar sobre um prédio, muito improvável ser bem-sucedido no jornalismo atual escrevendo apenas sobre você mesmo.

Existe apenas e somente uma coisa no Super-Homem que é possível de ser replicada por cada um de nós, e ela é exatamente a sua característica menos ficcional, o seu traço menos espetacular, mas que ainda assim é exatamente o que torna o personagem importante, interessante e faz com que ele dure até hoje. A humanidade dele.

Porque a gente não pode voar, mas pode tentar cuidar das pessoas ao nosso redor. A gente não pode congelar coisas com um sopro, mas pode entender o valor da vida alheia. Muito complicado sair de capa na rua hoje em dia e ser respeitado, mas você pode sim todo dia tentar ser uma pessoa melhor do que foi no dia anterior.

E na prática acaba sendo esse o verdadeiro apelo do personagem. Não um alienígena superpoderoso, não uma criatura capaz de feitos além da imaginação, mas sim um alienígena superpoderoso, capaz de feitos além da imaginação, que todo dia opta por ajudar, por ser uma pessoa melhor, por ser um cara bacana. Não porque é o mais fácil, não porque é o mais divertido, mas porque ele pode, porque é o mais correto e porque, num nível mais amplo e menos fictício, é o que cada um de nós, enquanto integrante de uma sociedade, deveria tentar fazer.

Por isso me incomoda tanto a ideia snyderiana de um Super-Homem que não deve nada ao planeta Terra, que não deve nada pra nenhum de nós. Porque ela implica numa visão individualista do personagem e também da sociedade, com ramificações muito práticas que nós vemos todos os dias, que vão desde a imensa concentração de riqueza na mão de poucas pessoas até o cidadão que não usa fone de ouvido pra assistir série num ônibus interestadual saindo da rodoviária meia noite.

A desconexão entre as pessoas, a morte do senso de comunidade, a ideia de que ninguém “deve nada pra ninguém” não só soa muito pouco heroica – imagine a moral de um filme ser que “com grandes poderes vem grandes responsabilidades, mas só se você quiser, se não quiser tudo bem também” – como já vem se mostrando um elemento muito presente nos diversos problemas sociais que encaramos hoje em dia.

Algo que muito provavelmente foi percebido por James Gunn, na hora de criar uma versão do Super-Homem que não apenas é profundamente conectada com sua comunidade, desde a namorada e os amigos do trabalho até o vendedor da esquina, mas também plenamente ciente de que cabe a toda pessoa, tenha ela poderes ou não, a responsabilidade de tentar diariamente ser melhor, de ajudar a pessoa que está ao seu lado, de fazer a sua parte pra que a vida se torne um pouco mais fácil pra todos.

Uma coisa que a gente deve, não só ao mundo ao nosso redor, mas até a nós mesmos.

Algumas edições atrás, quando falei sobre a maneira como as grandes corporações controlavam a maior parte dos personagens de quadrinhos, sem dar muito crédito ou retorno financeiro para os criadores responsáveis pelo nascimento ou relevância desses mesmos personagens, acabei citando Peter David, um dos principais roteiristas dos anos 80 e 90, que estava dependendo de um financiamento coletivo para tratar de seus problemas de saúde.

E diante do fato de que ele, infelizmente, veio a falecer no fim do mês passado, essa vai ser uma edição especial dedicada ao trabalho de um dos meus roteiristas favoritos de quadrinhos em todos os tempos, um cara que soube como poucos unir humor, ação e desenvolvimento de personagens, seja cortando fora a mão do Aquaman, seja trazendo de volta cavalos falantes pras histórias da Supergirl, seja criando um Homem-Aranha no futuro que era um bocado mais babaca que o Aranha do presente.

Que ele tenha criado tanto, gerado tanto dinheiro pra tanta gente e recebido tão pouco em troca, apenas reforça o cenário de exploração que qualquer empreitada criativa sofre num ambiente dominado pelos grandes conglomerados de mídia que não satisfeitos em remunerar mal as pessoas, agora estão tentando usar inteligência artificial pra que não precisem fazer nem isso. Sim, galera, essa edição vai ter alguns momentos um pouco mais baixo astral do que a média.

Mas quem era Peter David?

Peter Allen David, também conhecido como "PAD", foi um jornalista nascido em Maryland, em 1956, que após alguns anos trabalhando na área de vendas da Marvel, conseguiu que a editora comprasse uma história que ele havia escrito para o Homem-Aranha, se tornando depois roteirista do gibi mensal do Hulk porque, aparentemente, ninguém mais queria escrever aquele título.

O que veio depois foi uma carreira longa e prolífica, não só em quadrinhos da Marvel e da DC como também na televisão, com séries como Babylon 5 e animações como Ben 10, e vários livros de sucesso no universo de Star Trek, além de jogos de videogame e durante anos ter tido colunas em revistas e sites sobre quadrinhos. Ele também, certa vez, debateu o criador do Spawn, que na ocasião estava de short sem camisa, como você pode ler aqui no excelente texto do Érico Assis.

E ainda que ele tenha tido inúmeros trabalhos de sucesso, como, por exemplo, uma passagem aclamada pelo título do Capitão Marvel, protagonizada pelo filho do personagem original, acabei escolhendo seis "runs", como dizem os americanos, não apenas pela qualidade delas, mas também pelo quanto foram marcantes pra mim, como leitor, porque sinceramente não é fácil fazer alguém ficar ansioso, todo mês, por uma nova história do Aquaman.

Aquaman

(Aquaman #1 de Julho 1994 até Aquaman #46 de Maio 1998)

Uma das mais fortes tendências nos quadrinhos dos anos 90 era o chamado "grim and gritty", que significava histórias mais violentas e sombrias, com a ascensão de anti-heróis como Justiceiro, Venom e Lobo, ou mesmo de heróis que caminhavam por uma linha mais cinza de justiça, como Wolverine. E como os heróis clássicos não poderiam ficar pra trás, isso levou a uma onda de substituições e atualizações, com o Batman tradicional dando lugar ao mais violento Azrael, um Homem-Aranha já casado e com filhos sendo trocado pelo Aranha Escarlate que era mais descolado porque usava um agasalho por cima da roupa, entre outro exemplos

E num mundo em que se esperavam heróis cada vez mais violentos e realistas, o que poderia ser feito com um personagem que era literalmente o príncipe de um reino de fantasia, cujo poder era falar com peixes? Pois para Peter David a solução foi fazer com que Aquaman ganhasse uma origem atualizada e perdesse uma mão, que foi substituída por um harpão, iniciando aí a que seria a mais longa série mensal do personagem até hoje, chegando ao número 75 - ainda que Peter David tenha sido responsável apenas pelas primeiras 46 edições, saindo do título em virtude das famosas diferenças criativas.

Uma verdadeira aula de como usar de maneira criativa os clichês de uma época, PAD conseguiu transformar um personagem que não era muito levado a sério, seja dentro ou fora do universo dos quadrinhos, numa espécie de guerreiro solitário que era ao mesmo tempo nobre e ameaçador, sem precisar necessariamente ignorar a história que formava o personagem. Sim, Arthur Curry era o Rei da Atlântida, mas isso não fazia dele um príncipe encantado e sim um homem extremamente arrogante e um pai ausente e sim, ele se comunicava com peixes, mas isso não significava que os peixes seriam obedientes, apenas que eles iriam ouvir. E tem peixe que sinceramente não estava nem aí pra nada, meu amigo.

Ainda que muitos dos personagens e conceitos inseridos por David tenham desaparecido com todas as crises e reboots realizados pela DC, é inegável o seu papel para garantir que, muito antes de Jason Momoa aparecer nas telas do cinema ganhando um solinho de guitarra pra cada coisa legal que seu personagem fazia, o rei dos sete mares começasse sim a ser levado mais a sério pelos leitores.

X-Factor

(X-Factor #1 de Dezembro 2005 até X-Factor #262, de Setembro 2013)

Nascido como uma maneira de reunir os cinco membros originais quando a equipe oficial dos X-Men era comandada por Magneto, o grupo X-Factor no começo se passou por super-heróis "normais" que caçavam mutantes para depois, com outra formação, se tornar uma equipe mutante a mando do governo. Mas foi apenas com a chegada de Peter David no título, agora capitaneado por Jamie Madrox, o Homem-Múltiplo, que uma das equipes mais periféricas do universo Marvel finalmente se tornou interessante e vários personagens secundários que pareciam esquecidos ganharam sua chance de brilhar.

Abandonando o conceito clássico de superequipe e operando como uma agência de detetives responsável por casos envolvendo mutantes, o X-Factor de PAD conseguia unir nas mesmas histórias uma narrativa quase noir, ficção científica, fantasia e um leve toque de sitcom, sem deixar de lado o absurdo inerente a todo gibi dos X-Men, além de oferecer profundo desenvolvimento para personagens como Monet, Syrin e Rictor e Shatterstar, que durante esse período iniciam um relacionamento.

Mais do que uma grande capacidade de revitalizar personagens antigos, os quase oito anos de PAD nos X-Factor mostraram como conceitos não tão heroicos podem sim dar nova vida a títulos de super-heróis e como a presença de um roteirista no mesmo título por um longo período garante que tramas e subtramas sejam semeadas e tenham sim tempo de gerar retorno.

Isso sem contar o talento de David para usar e maneira intimista os efeitos que as grandes sagas da editora tinham no seu cantinho do universo, já que seu X-Factor nasceu após a "Dinastia M", quando a Feiticeira Escarlate dizimou a população mutante, passou pelo conflito da "Guerra Civil" onde os heróis precisavam escolher entre se registrar ou não, esteve envolvido com a "Hulk Contra o Mundo" e sobreviveu até mesmo a "Invasão Secreta", quando alguns integrantes do grupo foram revelados com skrulls. Tudo isso enquanto torna complexo e divertido um personagem chamado "Fortão" que era segurança de uma boate. Não é pra qualquer um.

Hulk

(Incredible Hulk #331 de Maio 1987 até Incredible Hulk #467 de Agosto 1998)

Um desses casos em que a fase mais marcante de um roteirista é também a mais marcante de um personagem, a passagem de Peter David pelo título do golias esmeralda aprofundou a personalidade não só de Bruce Banner mas também do Hulk de uma maneira que jamais havia sido feita, além de oferecer todo um novo grupo de coadjuvantes e mudar a maneira como o personagem seria abordado dali em diante.

Com uma leitura muito focada em análise psicológica e traumas de infância, PAD deixou claro que Banner já era uma pessoa profundamente traumatizada antes mesmo da explosão da bomba gama, sendo o Hulk um reflexo dessa psique fragmentada e da tentativa do seu alter-ego de reprimir diversas memórias. Ou seja, Banner não era violento por causa do Hulk, mas sim o Hulk era a forma que os impulsos violentos que Banner já tinha haviam se manifestado - e claro, a radiação ajudou, porque na Marvel é isso que radiação faz.

Com isso tivemos desde um Hulk cinza sacana, metido com cassino e propenso ao uso de ternos, conhecido como Sr. Tira Teima, até uma fusão de Hulk e Banner, gerando o "Professor Hulk", com toda a força de Hulk mas toda a inteligência de Bruce.

Responsável pela criação do "Panteão", uma força global que recruta esse Hulk inteligente para lutar pela paz no planeta e misturando histórias cheias de ação com questões filosóficas como "você mataria uma criança se soubesse que ela vai se tornar um novo Hitler?", Peter David também criou "Futuro Imperfeito", possivelmente a saga mais marcante do personagem, onde o Hulk dos dias atuais precisa enfrentar o Maestro, uma versão sua que se tornou déspota em um futuro pós-apocalíptico.

Mais uma vez sendo demitido/abandonando o título por conta de diferenças criativas, Peter David ajudou a tornar o Hulk um personagem imensamente mais complexo, interessante e sem suas contribuições não teríamos, por exemplo, o Hulk inteligente dos últimos filmes dos Vingadores, que renderam bilhões de dólares, dos quais David provavelmente não recebeu um centavo.

Homem-Aranha 2099

(Spider-Man 2099 #1 de Novembro 1992 até Spider-Man 2099 #44 de Junho 1996)

Ainda que tenha oferecido grandes contribuições para o Homem-Aranha “do presente”, como por exemplo o arco "A morte de Jean Dewolff", em que Peter Parker precisa lidar com a morte de uma de suas únicas aliadas na polícia e a ameaça do Devorador de Pecados, em uma história clássica dos anos 80, é inegável o peso que ele teve na trajetória de um outro aracnídeo, localizado várias décadas no futuro.

Isso porque PAD foi o responsável, ao lado do artista Rick Leonardi, pela criação de Miguel O'Hara, o Homem-Aranha da linha 2099 da Marvel, ambientada num futuro distópico onde a sociedade era controlada por megacorporações transnacionais corruptas e seitas pouco confiáveis, numa narrativa de elementos ciberpunks que obviamente não tem nada a ver com o mundo em que vivemos, é em 2099, ainda tá bem longe, galera.

Um geneticista de ascendência irlandesa e mexicana que, ao tentar replicar os poderes do Homem-Aranha da nossa era, havia alterado o próprio DNA e desenvolvido poderes parecidos mas diferentes, o Homem-Aranha 2099 tinha tudo pra ser apenas uma cópia do original, mas se tornou um personagem profundamente diferente, com motivações e inimigos próprios, que muitas vezes se comportava quase como um anti-herói, bem longe do perdedor simpático conhecido como Peter Parker.

Um trabalho que durou menos de 4 anos, já que Peter David saiu do título em solidariedade ao editor Joey Cavalieri, que havia sido demitido durante uma das crises financeiras da Marvel, mas que gerou um personagem que não apenas sobrevive até hoje como teve papel principal em outro filme de sucesso, "Através do Aranhaverso", outro sucesso milionário das telas que não rendeu a David o bastante para pagar seu plano de saúde.

Justiça Jovem

(Young Justice #1, de Setembro 1998 até Young Justice #55, de Novembro 2003)

Se na Marvel temos uma linha do tempo ficcional que vai avançando conforme o tempo passa, permitindo que o Homem-Aranha pareça estar para sempre na casa dos trinta e poucos anos, na DC o tempo avança de uma forma um pouco diferente, para justificar a existência das diversas gerações de heróis. Batman precisa ter envelhecido um pouco mais para explicar todos os Robins, Barry Allen precisa ter envelhecido um bocado para explicar como seu antigo Kid Flash, Wally West, já se tornou pai de dois filhos. Uma vilã da DC? Gravidez na adolescência.

É por conta do convívio entre essas diversas gerações que surgiu a "Justiça Jovem", um grupo formado pela segunda geração de parceiros-mirins do universo DC, que já tinham idade o bastante para formar uma equipe mas eram jovens demais para ser parte dos Titãs. Nele tínhamos basicamente a trindade formada por Impulso, o segundo Kid Flash, neto de Barry Allen; Tim Drake, o terceiro Robin; e Kon-El, o Superboy que não era o Super-Homem quando criança, mas sim um clone. Com a adição de personagens já estabelecidos, como o Tornado Vermelho, outros parceiros-mirins como a Garota Maravilha e a Flechete, além novas criações como a Segredo, o que surgiu foi uma equipe que sobreviveu a várias encarnações e que chegou a contar até mesmo com uma versão criança do anti-herói Lobo.

E ainda que a primeira HQ do time tenha sido escrita e desenhada por Todd Dezago, foi Peter David o roteirista do primeiro gibi mensal dos personagens, que ajudou a definir o tom do que seria uma das HQs mais divertidas do fim dos anos 2000, trazendo pras bancas histórias menos violentas e adultas mas não por isso superficiais ou infantis, e ainda oferecendo um lar para diversos personagens que pareciam perdidos num limbo geracional no universo DC, mas ali puderam ser desenvolvidos e, em grande parte, estão até hoje presentes.

Se esse material também rendeu adaptações para outras mídias, inclusive episódios de um desenho animado para o qual o próprio Peter David escreveu roteiros? Evidentemente sim, ainda que nesse caso, por ter se envolvido diretamente com o projeto, ele ao menos foi pago por isso - e a Justiça Jovem televisiva não era exatamente uma adaptação direta da HQ, mas sim um projeto que nasceu como consequência do sucesso do gibi.

Super-Moça

(Supergirl #1 de Setembro 1996 até Supergirl #80 de Março 2003)

Daí que durante a "Crise nas Infinitas Terras" a Super-moça original Kara Zor-El, morreu, e no reboot que se seguiu no universo DC, decidiram que ela não voltaria a vida, pois Krypton só poderia ter tido um sobrevivente e ele seria o Super-Homem, sem prima nenhuma. Porém, pouco tempo depois, surgiria uma nova Super-Moça, uma criatura de protoplasma criada pelo Lex Luthor de um outro universo. A Super-Moça sobre a qual vamos falar não é nenhuma das duas, ainda que seja um pouco uma delas e tenha conhecido a outra.

Isso porque Peter David criou uma terceira personagem, Linda Danvers, uma jovem cuja vida possuía várias referências à identidade secreta da Super-Moça original, mas que não era exatamente uma ótima pessoa e foi salva de um ritual satânico pela Super-Moça de protoplasma, o que fez com que as duas se fundissem numa outra criatura, com as memórias de Linda e os poderes da Super-Moça, dando para Linda a possibilidade de corrigir seus erros do passado e se tornar uma heroína. Sim, é um pouco mais complicado que “meus pais me colocaram num foguete”.

Em oitenta edições Linda Danvers descobriu que era um anjo, foi assediada por um centauro, brigou com vampiros, namorou um demônio, encontrou Kara Zor-El, a Super-Moça original, trocou de lugar com ela no universo pré-crise e lá teve uma filha com o Super-Homem, eventos que são fruto não apenas da criatividade de Peter David mas também da necessidade de criar sempre um fato novo para um título em constante risco de cancelamento.

E que eventualmente foi cancelado, em virtude da introdução de uma nova Super-Moça, que seria uma versão atualizada da antiga Kara Zor-El. Mas Linda Danvers acabou ganhando sobrevida num título autoral de David, "Anjo Caído", uma espécie de continuação não tão secreta das tramas e temas da antiga HQ, que começou publicada também pela DC mas acabou indo parar a IDW, uma editora independente americana. Absolutamente nada é fácil com essa personagem.

Não existe muita certeza sobre quem foi o primeiro personagem a morrer e voltar à vida numa HQ de super-heróis, mesmo porque durante os anos 30 e 40 tudo acontecia demais o tempo todo e você tinha sendo publicados ao mesmo tempo o Batman, onde um homem se vestia de morcego e “Stardust the Super Wizard”, um herói que encolheu o corpo de um homem até ele ser absorvido pela própria cabeça e então lançou essa cabeça, ainda viva, no espaço sideral.

Mas para fins de referência, vamos lembrar que no começo de 1939, menos de um ano após o lançamento do Super-Homem, o vilão Ultra-Humanóide já tenha sido dado como morto apenas pra aparecer pra lá de vivo na edição seguinte, sinalizando que foi preciso apenas existir o conceito de super-herói pra também já existir o conceito de "personagem que morre e volta à vida num gibi de super-herói".

Mas se formos mais específicos e excluirmos os vilões, contando apenas heróis que morreram e voltaram, é possível que o primeiro caso tenha demorado mais uns vinte anos para acontecer, com o Rapaz Relâmpago da Legião dos Super-Heróis indo para a grande Sala de Justiça lá do céu na edição #304 de Adventure Comics, lançada em 1962, para voltar a vida apenas 8 edições depois, dando tempo até tempo pra que ele fosse substituído na equipe pela Moça-Relâmpago, sua irmã gêmea - lançando aí várias tendências que viriam a se repetir no futuro, indo desde a falsa morte até o novo herói que assume o posto do que morreu em batalha.

E as razões pra esse recurso narrativo da morte e ressurreição, que com o tempo acabou se tornando quase um clichê nas histórias de super-heróis, são muitos, tanto narrativos quanto financeiros.

Existe a questão de que bons personagens não são exatamente tão fáceis de inventar, então quando você tem um vilão interessante ou carismático, a tendência é que você não queira se livrar dele, gerando um ciclo sem fim de "parecia morto mas voltou”. Há a necessidade de criar algum senso de risco e mudança em narrativas que tem, em sua natureza, a tendência de sempre retornar ao status quo. E existe, é claro, a percepção de que matar personagens chama atenção, gera publicidade, aumenta as vendas e ainda permite que você chame mais atenção, gere mais publicidade e aumente novamente as vendas quando trouxer o personagem de volta à vida.

Então ainda que praticamente todos os principais personagens da Marvel e da DC já tenham morrido e voltado à vida, com raras exceções como o Tio Ben, porque sua morte é importante demais para a origem do Homem-Aranha e Don Hall, o segundo Columba da dupla Rapina e Columba porque basicamente ninguém se importa com Don Hall, o segundo Columba da dupla Rapina e Columba, decidi selecionar para essa edição 8 personagens que morreram e voltaram, e mostrar como essas histórias representam não apenas o funcionamento desse processo narrativo, mas também a lógica dos quadrinhos de super-heróis como um todo.

Bucky Barnes - Dado como morto nos anos 60, de volta em 2006

Um dos mecanismos mais tradicionais de ressurreição de personagens nas hqs é o famoso "na verdade não tinha morrido tanto assim", em que um personagem é dado como morto, existe um processo de luto, com frequência ele é substituído por outro personagem na mesma função (Alfred já morreu e foi substituído pela Tia Harriet, por exemplo) e aí um tempo depois aparece uma pessoa misteriosa numa trama aleatória e BAM, é aquele personagem que você achava que tinha ido dessa pra uma melhor.

E é nessa categoria que se encaixa Bucky Barnes, o ajudante mirim do Capitão América, que nos quadrinhos foi dado como morto na mesma época que Steve Rogers, mas enquanto o Capitão era recuperado do gelo pelos Vingadores, ele foi resgatado e reprogramado pelos soviéticos, para agir como um assassino durante a Guerra Fria, basicamente a trama que você deve ter visto adaptada para o cinema no segundo filme do Capitão América.

Possivelmente uma das "mortes" que mais durou, não apenas em termos de tempo fictício nos quadrinhos (Bucky foi dado como morto no fim da segunda guerra e só voltou nos anos 2000) como em termos de tempo real (Avengers #4, que estabelece retroativamente a morte do personagem, foi lançada em 1964 e o arco do Soldado Invernal começou sua publicação em 2005) é um caso não apenas de retorno "razoavelmente lógico" (quem nunca foi resgatado por russos e programado para matar?) como teve um grande impacto de médio e longo prazo no universo Marvel, sendo considerado praticamente um exemplo de como "trazer de volta um personagem", em termos de qualidade narrativa.

Jason Todd - Dado como morto em 1988, de volta em 2005

Se Bucky Barnes, que era uma espécie de Robin do Capitão América, morreu e voltou à vida, nada mais natural do que um Robin de verdade, que também morreu, também voltar. E foi isso que aconteceu com Jason Todd, o segundo Robin, que após ser espancado até a morte pelo Coringa em 1988, como resultado de uma votação entre os leitores do Batman (pensa ser um adulto que telefona pedindo a morte de um adolescente ficcional), acabou voltando como o Capuz Vermelho, durante os anos 2000.

Mas apesar da função narrativa parecida e das datas bem próximas, existem algumas boas diferenças entre a morte e o retorno desses personagens. Ao contrário de Bucky, que nunca efetivamente morreu, Jason realmente bateu as botas, realmente foi de base, virou mesmo camiseta da saudade. E por isso não conseguiu um retorno "realista" como o de sua contraparte da editora concorrente - dentro do que "reprogramado por russos que te deram um braço biônico" pode ser considerado realista.

Como Jason Todd voltou então? Bem, durante a Crise Infinita, quando o Superboy-Prime (um Superboy de outra realidade) começou a esmurrar a parede que separava o seu universo dos outros, ele acabou afetando as linhas do tempo, alterando o passado e trazendo Jason de volta à vida, porém amnésico e um bocado sequelado da cabeça. Coisa que não melhorou quando ele recobrou sua memória, já que agora ele culpava o Batman por não apenas ter deixado ele morrer como não ter matado o Coringa depois dessa situação toda. Mas assim, quando você é literalmente ressuscitado na base do socão não tem como ficar de boa mesmo.

(E claro, fica aí o lembrete de como mega-eventos, que na DC normalmente tem “crise” e na Marvel tem “guerra” no nome, são perfeitos para matar ou ressuscitar personagens, com muita coisa acontecendo, aspectos cósmicos envolvidos e aquele pretexto pra bagunçar/consertar a continuidade que todo mundo gosta)

Jean Grey - Dada como morta em 1984, de volta em 1986, morta de novo em 2004, de volta de novo em 2018

Impossível falar de personagens de quadrinhos que morrem e voltam sem mencionar a maior especialista em ressurreição do universo Marvel, uma mulher que já foi dada como morta tantas vezes que isso se tornou uma piada interna dentro das próprias histórias - ainda que não seja exatamente surpresa que uma personagem que já atendeu pelo codinome Fênix siga morrendo e ressuscitando, vamos admitir.

A primeira morte, um dos momentos mais impactantes dos quadrinhos nos anos 80, aconteceu durante a famosa "Saga da Fênix Negra", em que, possuída por uma entidade cósmica, Jean Grey precisou se matar para garantir a segurança do universo e de seus companheiros de equipe. Ou não, já que a "verdadeira" Jean estava num casulo, no fundo do mar, e quem estava perdendo o controle e matando gente era a "Força Fênix", que se matou mas voltou porque, bem, como a gente já falou, ela se chama Fênix.

Já a segunda morte, um pouco menos impactante, aconteceu durante um ataque à Mansão X, em que o mutante Xorn, que na verdade talvez não fosse Xorn, estava se passando por Magneto, ainda que talvez nem tanto, e desferiu um ataque fatal contra Jean Grey. Que viria a ressuscitar no futuro e viajar no tempo até o passado pra dizer que Ciclope poderia se casar de novo, e aí morrer, mas aí seria novamente ressuscitada pela Força Fênix, para então morrer de novo e aí ser de novo ressuscitada pela Força Fênix, mas dessa vez as duas conversam e fica tudo numa boa. Ainda que, e falo isso sem brincadeira alguma, ela quase tenha morrido de novo no começo do ano passado. Exaustivo, sério.

Gavião Negro - Até complicado explicar

Mais do que morte e ressurreição, o lance que envolve o Gavião Negro, dos mais importantes membros da Sociedade da Justiça no universo DC, é morte e reencarnação. Isso porque, na versão mais simples da história, Carter Hall é um arqueólogo que descobre ser a reencarnação do príncipe egípcio Khufu e, usando o metal enésimo, consegue fazer uma fantasia com asas que permite que ele voe. Durante a saga "A noite mais densa", ele e sua esposa Mulher-Gavião, são assassinados pelos Lanternas Negros, mas voltam a vida no final da trama, junto com vários outros heróis.

Mas existe também a versão mais complicada da história, claro. Nela Ktar Deathbringer é um assassino alienígena que foi amaldiçoado e vai reencarnar até salvar o mesmo número de vidas que tirou, fazendo com que tanto Khufu quanto Carter Hall sejam apenas uma das inúmeras vidas dele, que não apenas são incontáveis como podem, desrespeitando todas as regras de novela espírita da Globo, coexistir, com duas encarnações simultâneas, incluindo Katar Hol, um policial do planeta Thanagar que na verdade era um espião infiltrado na Liga da Justiça e o Deus Falcão, que na verdade era a fusão de Hal, Hol, Khufu, mas não exatamente, porque ele apenas pensava que era isso, sendo na verdade um avatar de falcão representando um aspecto elemental da natureza terrestre.

E por isso preferimos a versão mais simples da história.

Tia May - Dada como morta em 1995, de volta em 1998

Uma personagem que já surgiu em 1962 com o pé vagamente dentro da cova e grande exemplo de como uma grande coadjuvante pode morrer tão bem quanto qualquer protagonista, Tia May sempre enfrentou constantes problemas de saúde, com situações como "teve um ataque cardíaco numa manifestação dos Panteras Cinzas" (uma versão terceira idade dos Panteras Negras, porém com pessoas brancas) ou "Tia May teve uma gripe tão forte que o Homem-Aranha teve que sair na porrada com Drácula pra conseguir a cura" (não estou inventando, isso aconteceu em Spider-Man vs. Dracula #1, em 1993)

Mas ainda que durante os anos 60 e 70 ela tenha ficado acamada praticamente uma vez a cada três edições, foi apenas em 1995, durante a famigerada "Saga do Clone", que Maybelle "May" Parker-Jameson (sim, ela eventualmente se casou com pai de J. Jonah Jameson, que morreu, mas até agora não voltou) veio a falecer. Ou não. Já que três anos depois descobrimos que quem morreu foi na verdade uma atriz, "geneticamente alterada" para parecer com a Tia May, como parte de mais um dos inúmeros planos de Norman Osborn contra Peter Parker, um homem que absolutamente nunca tem paz.

Vale também destacar que após "morrer" naquela que é considerada a mais infame de todas as tramas do Homem-Aranha, a tia mais famosa das HQ's também quase morreu naquela que é considerada a segunda mais infame de todas as tramas do Homem-Aranha, já que em "Um dia a mais", após May tomar um tiro e ficar entre a vida e a morte, Peter e Mary Jane fazem um pacto com Mefisto - uma das facetas do diabo no universo Marvel - em que oferecem seu casamento em troca da saúde da simpática idosa. E você achando que o seu divórcio tinha sido esquisito.

Super-Homem - Dado como morto em 1993, de volta em 1993 mesmo

Uma das mais impactantes e ao mesmo tempo mais descaradamente comerciais mortes de super-herói, o sacrifício supremo do Super-Homem ao dar sua vida para derrotar o vilão Apocalypse bateu recordes de vendas, ocupou espaço nos noticiários e com isso lançou uma tendência de mercado que viria a "matar" praticamente todos os principais super-heróis dos quadrinhos nos anos seguintes, afinal, um editor provavelmente assassinaria um familiar por seis milhões de cópias vendidas, que dirá um personagem.

Isso porque a trama que nasceu da necessidade de encher linguiça até que fosse possível que o casamento de Lois e Clark nos quadrinhos coincidisse com o da série "Lois e Clark", fez uso de todas as ferramentas possíveis de publicidade e abuso de colecionismo da época, desde forte divulgação até inúmeras capas laminadas, e acabou pegando de surpresa setores da mídia que não sabiam que personagens de gibi morrem e voltam o tempo todo, gerando não apenas debates sobre como a partida do homem de aço representaria também a morte da “alma norte-americana” mas também sobre qual dos 4 possíveis substitutos estabelecidos na história seria o “novo” Super-Homem.

Porém, como planejado desde o começo, Kal El, que não havia morrido mas sim entrado em uma espécie de estado vegetativo e colocado numa matrix regeneradora kriptoniana, como aconteceu com meu tio Luiz Carlos após aquela briga no sítio, reapareceu, num uniforme preto e com intensos mullets, porque ele estava ali pra chutar bundas e fazer a Lois Lane devolver o seguro de vida, e o valor já tinha sido todo restituído.

Mas você já tinha aí o que se tornaria o padrão ouro de morte/ressurreição: o personagem é dado como morto, substituído temporariamente por uma nova versão e enfim retorna para reafirmar o status quo, como viriam a fazer desde Capitão América até o Batman, passando por quase todos os Lanternas Verdes e também o Doutor Estranho.

Justiceiro - Morto em 1998, de volta em 2000, morto de novo em 2009, de volta em 2010

É raro que um personagem dado como morto numa HQ de super-herói realmente tenha morrido. Ser lançado através do tempo por uma rajada de energia? Bastante comum. Ter sua forma corpórea dissipada apenas para anos depois ficar sólido de novo? Acontece muito. Acharem que você morreu mas na verdade foi seu irmão gêmeo? Se acontece na Televisa pode acontecer na Marvel e na DC também.

Por isso é preciso bater palmas para Frank Castle por ter efetivamente morrido não uma, mas duas vezes. Primeiro após ser levado ao suicídio por uma horda de demônios, ligados também aos mafiosos que mataram a família de Frank em primeiro lugar. Isso foi o começo de um arco onde o Justiceiro, ressuscitado pelo Anjo Gabriel em pessoa, se tornou um agente do Céu na caça aos demônios. O que você pode imaginar que não deu muito certo pra um personagem cujo apelo sempre foi um certo realismo violento no combate ao crime.

Então por que não fazer de novo? Porque menos de dez anos depois, Frank Castle morreu novamente, dessa vez decapitado por Daken, o filho do Wolverine, mas foi reconstruído pelo vampírico Doutor Morbius, na forma monstruosa de "Frankencastle", uma ideia e um trocadilho extremamente ousados que não duraram muito, com Frank sendo transformado de novo para sua forma viva e humana através dos poderes místicos da "Pedra de Sangue". Normar, tudo normar.

Arqueiro Verde - Morto em 1995, de volta em 2001

Um caso em que uma morte simples resultou numa ressurreição desproporcionalmente complicada, em 1995 o Arqueiro Verde viria a morrer sacrificando sua vida para impedir um atentado planejado por um grupo de eco-terroristas. O braço dele estava preso na bomba, o Super-Homem se ofereceu pra cortar o braço dele fora, ele não curtiu essa oferta porque considerou que ficaria muito complicado ser um arqueiro sem um dos braços, e pronto, tudo explodiu. Até aí tudo bem, claro.

O que veio depois foi que, Hal Jordan, o Lanterna Verde que havia morrido e se tornado (temporariamente) o Espectro, ressuscitou Oliver Queen, mas de uma maneira seletiva: sem a alma, que ficou lá no Paraíso e sem as lembranças que Oliver considerava "traumáticas" ou "negativas". Isso fez com que o Oliver Queen que estava vivo se tornasse alvo de um bruxo que queria ocupar aquele corpo sem alma, tornando necessário que esse Oliver Queen entrasse em contato com o Oliver Queen que estava no pós-vida, pedindo que ele abrisse mão do Paraíso para que os dois, juntos, pudessem enfrentar o vilão.

Sim, começou meio "24 Horas" e terminou bastante "A viagem", mas é essa a magia dos quadrinhos, sabe?

Bônus: X-Men e os Protocolos de Ressurreição

Uma abordagem recente e muito interessante de toda a questão de morte e retorno de super-heróis foi a utilizada por Jonathan Hickman durante a chamada “Era de Krakoa”, em que todos os mutantes do universo Marvel se mudaram para a ilha de Krakoa, ela também um mutante, porque, como diria o rapper Xzibit, “eu soube que você gosta de mutantes então coloquei todos os mutantes morando num mutante com outros mutantes”.

Nesse período fascinante em que os X-Men estavam realizando atividades ousadas como criar o próprio estado, brigar com idosas e formar trisais - note as posições dos quartos de Jean, Scott e Logan nessa planta - eles também descobriram uma maneira de, combinando os poderes de alguns heróis específicos e o banco de dados de Cérebro, o sistema detector de mutantes do Professor Xavier, ressuscitar basicamente qualquer portador do gene x que já tivesse sido mapeado e registrado pelos X-Men.

Isso resultou numa alteração daquela antiga dinâmica em que o leitor sabia que um personagem provavelmente voltaria, mas ele não, criando um contexto em que os próprios heróis já morriam cientes do seu retorno. Isso permitiu não apenas uma subversão dessa narrativa clássica como também um certo reconhecimento irônico de que, bem, nenhum super-herói fica morto por muito tempo mesmo.

Sem contar, é claro, que agora você tinha um mecanismo “oficial” de ressurreição, não precisando inventar uma explicação diferente a cada vez que queria trazer um personagem de volta. Fulano morreu? Bem, colocamos o nome dele na fila de ressurreição, se ele for um personagem importante, como um Wolverine da vida, já volta nessa edição mesmo, se ele for secundário, fica aí um tempo de molho pra outros personagens poderem brilhar.

A verdade é que sendo a narrativa de super-herói um gênero de natureza aspiracional, onde personagens ganham poderes que não podemos ter para enfrentar problemas que não conseguimos resolver, nada mais natural do que eles serem capazes de vencer a única inimiga que não pode ser derrotada por nenhum ser humano, por mais poderoso que ele seja: a morte.

Que no universo Marvel assumiu a forma de uma mulher e deu um toco no Thanos quando ele ainda estava no colégio. Mas é isso, né, galera, quadrinhos.

Nunca foi exatamente incomum que personalidades do mundo real - as chamadas "pessoas de verdade", como você, seu vizinho, o ator Tony Ramos - aparecessem nas HQ's de super-heróis. Humprey Bogart interagiu com o Esquadrão Invencível e a Sociedade da Justiça, Muhammad Ali saiu na mão com o Super-Homem, Uri Geller apareceu numa história do Demolidor e Galileu ajudou a impedir os avanços de Galactus no universo Marvel.

[Isso sem entrar na questão de todos os autores que se colocam ou foram colocados dentro dos próprios gibis, como Grant Morrison que se escreveu encontrando o Homem-Animal, se tornando portanto um personagem do universo DC e sendo então recrutado para uma missão do Esquadrão Suicida, onde ele morreu, porque a galera não respeita roteirista mesmo]

E de todos os grupos de pessoas reais que apareceram nos gibis de super-heróis desde o surgimento do gênero, um bastante específico e relevante, dado o momento histórico que vivemos, é o dos presidentes dos Estados Unidos da América.

"Saudade de quando os quadrinhos de super-heróis não tinham política. Ou seja, quando eles não existiam"

Não que eles sejam as únicas personalidades políticas reais a interagir com super-heróis fictícios, claro. O Capitão América já espancou Hitler, Mikhail Gorbatchev certa vez ajudou a Liga da Justiça Internacional contra os Campeões de Angor, Vladimir Putin meteu o dedo no peito do Super-Homem durante um incidente diplomático e ficou por isso mesmo, porque o Super-Homem é muito educado.

Mas poucos personagens históricos - até pela óbvia identidade cultural do gênero - foram tão representados nos principais universos ficcionais das HQ's de super-heróis quanto os presidentes americanos. Seja de maneira positiva, seja de maneira negativa, quase sempre refletindo a capacidade dos quadrinhos mensais (e da narrativa infinita que eles compõe) de permitir que os sentimentos e eventos do mundo real, de maneira mais ou menos direta, transpirassem para esses mundo de fantasia onde um homem pode voar, uma mulher pode ler mentes, mas ainda assim os americanos usam voto impresso. É um povo esquisito.

As participações, obviamente, variam em termos de importância e significado pra trama, mas algumas são não apenas relevantes como geraram grande impacto em seus universos.

Franklin Delano Roosevelt fundou a Sociedade da Justiça, primeira equipe de super-heróis do universo DC, sendo portanto um personagem essencial pra existência do conceito de super-grupos nesse mundo. George W. Bush, no universo Marvel, assinou o Ato de Registro de Super-Heróis, desencadeando a saga conhecida como "Guerra Civil" que colocou diversos personagens um contra os outros por questões ideológicas.

Nixon? Acabou com a Guerra do Vietnã utilizando o Dr Manhattan em Watchmen (que não é parte da cronologia oficial do principal universo da DC, mas existe como parte do multiverso da editora). Reagan? Virou um lagarto gigante e tentou atacar pessoas.

Outro que teve pouca sorte foi Bill Clinton: se no universo Marvel ele exilou o Capitão América, na DC ele foi enganado pelo Super-Ciborgue e deu a Hank Henshaw acesso a diversos arquivos confidenciais, permitindo que o vilão, na época se passando pelo Super-Homem, matasse mais de sete milhões de pessoas em Coast City. Por que você não vê nenhum Robin comentando sobre Monica Lewinski? Bem, lá Clinton se envolveu com uns lances que chamaram um pouco mais de atenção.

Obama, Trump, super-heróis e super-vilões

Mas é muito pouco provável que alguma dupla de presidentes tenha interagido tanto, seja de forma positiva ou negativa, com super-heróis quanto Donald Trump e Barack Obama, seja pela sua presença midiática, seja pela atenção que os quadrinhos - e esse gênero específico - tem recebido nos últimos anos.

Obama, o 44ª presidente dos Estados Unidos, que esteve no poder entre 2009 e 2017 e é fã assumido de quadrinhos - aparentemente colecionava Homem-Aranha e Conan - sempre teve uma representação bem simpática entre as grandes editoras. Em Amazing Spiderman #583, Barack não apenas conhece seu ídolo como ajuda o Cabeça de Teia a desmascarar o Camaleão, enquanto em Savage Dragon #137 ele recebe apoio oficial do policial mais verde de Chicago, além de uma capa especial na edição #145 onde ele está dando um soco em Osama Bin Laden.

Além disso, o atual ex-presidente americano esteve presente em Youngblood #8, também da Image Comics, onde se mostra responsável pela formação da nova versão da equipe criada por Rob Liefeld. Mas a mais positiva representação de Obama nos quadrinhos veio através de um personagem que atende por outro nome, mas admitidamente foi criado tendo ele como inspiração.

Calvin Ellis, o "presidente super-homem", foi um personagem introduzido por Grant Morrison durante a saga "Crise Final" como um kriptoniano que, enviado ao planeta Terra ainda bebê, cresceu para se tornar não apenas o Super-Homem que todos nós conhecemos, mas também o presidente dos Estados Unidos, combatendo a injustiça através de meios governamentais. Ah, e outra diferença: ele é uma pessoa negra, como grande parte dos principais super-heróis de seu universo, a Terra #23.

E não bastasse não ser exatamente uma homenagem sutil - o personagem apareceu no mesmo ano em que Obama assumiu a presidência - o próprio criador, Grant Morrison, admitiu que foi sim o ex-presidente a sua inspiração para criar esse novo "Kalel" (não confundir com Kal-El, o Super-Homem da Terra Principal)

Já as interações e participações de Donald Trump dentro do gênero de super-heróis não foram, vamos dizer assim, tão positivas.

Primeira aparição num gibi da Marvel? Ameaçando processar Luke Cage porque o herói levantou sua limusine pra deixar uma ambulância passar. Outras aparições? Bem, como presidente ele manda a Shield bombardear uma ilha mesmo que isso causasse a morte de seus mais de 10 mil habitantes inocentes, além de oferecer perdão presidencial para o Hidra Supremo, a versão nazista do Capitão América. Coisa suave, coisa boa.

E se Savage Dragon pediu votos para Obama, você pode imaginar que a relação dele com o atual presidente norte-americano não era exatamente positiva. E isso ficou claro na edição #226 do seu gibi solo, onde ele precisa se mudar para o Canadá após o republicano desencadear uma onda de xenofobia contra alienígenas - não que Dragon seja um alienígena, mas pra uma galera que não gosta de gente morena, imagina alguém verde e com barbatana.

Mas assim como Obama, Trump também foi "homenageado" com um personagem que não é exatamente ele, mas é claramente inspirado nele. Mas se Obama deu origem a uma versão alternativa de super-herói, a situação de Trump foi um pouco diferente, com Donald John Trump Sr. sendo a identidade civil do vilão "Modak" (Mental Organism Designed As America's King), uma variação do tradicional Modok (Mental Organism Designed Only for Killing) que apareceu na HQ Spider-Gwen Annual #1, de 2016.

Realmente uma vibe diferente.

Presidentes vilões e vilões na presidência

E ainda que não se enquadre exatamente no caso de presidente real assumindo o poder num mundo fictício - por mais que Jeff Bezos seja sim um bilionário careca com uma incrível disposição para financiar histórias onde algum análogo do Super-Homem é o verdadeiro vilão - uma trama que acaba se aproximando do tema dessa edição é aquela que transformou Lex Luthor, o mais tradicional vilão do Homem de Aço, em presidente do Estados Unidos.

Estávamos no começo dos anos 2000, numa DC pós-Crise nas Infinitas Terras, onde Lex Luthor não era mais o galhofeiro obcecado por ser dono de terreno dos filmes do Christopher Reeve mas sim o mais poderoso executivo do mundo, uma espécie de Donald Trump estilizado - a ponto de, dentro do universo DC, a capa da biografia escrita sobre Lex ser inspirada num livro de Trump - que se opunha aos superpoderes físicos do Super-Homem exatamente por possuir outros tipos bem mais “humanos” de superpoder, como dinheiro, status e influência. Nesse cenário a evolução natural do personagem seria mesmo buscar a posição que mais concentrasse esse tipo de poder no mundo: se você tem um super-herói que é capaz de parar uma guerra com as próprias mãos nada mais natural do que seu arqui-inimigo ser um vilão capaz de começar uma guerra apertando apenas um botão.

E já no processo eleitoral podemos começar a traçar paralelos entre a vitória de Lex Luthor e o sucesso de diversos políticos da atual extrema-direita — ao menos dentro do limite em que se pode traçar paralelos entre o mundo real e um universo ficcional onde as pessoas que usam verde e amarelo na rua não estão realizando militância política mas sim são pupilos mirins de um cara que combate o crime fantasiado de morcego.

Isso porque Lex Luthor, que se apresenta como alguém de fora do campo da política, já que é um empresário bem sucedido, vence a eleição exatamente na esteira de críticas - nem sempre verdadeiras - sobre a gestão anterior e sustentando a promessa de uma nova era de modernidade e eficiência. Os erros da gestão anterior envolveram não saber lidar com um terremoto em Gotham City e decidir que a solução era destruir todas as pontes e isolar a cidade? Sim. A modernidade e a eficiência tinham a ver com um vírus que Brainiac 13 usou pra evoluir toda a tecnologia de Metrópolis ao padrão do século 64? Realmente. Mas a analogia segue valendo.

Logo a seguir temos a decisão do Super-Homem de deixar Lex, depois de eleito, assumir o cargo. E ainda que grande parte dela gire em torno do esforço dos roteiristas para justificar o fato de que o maior super-herói do universo está permitindo que um homem que na semana anterior estava derrubando prédios com uma armadura roxa e verde assuma o cargo mais poderoso da Terra, ela se baseia em argumentos bastante familiares.

O Super-Homem acredita que a democracia só existe se respeitarmos a vontade da maioria, por mais absurda que ela seja. O Super-Homem acredita que as leis e não a força precisam regular a nossa sociedade. O Super-Homem passa uma edição toda de um gibi conversando com os integrantes da Liga da Justiça sobre como é importante votar. Basicamente o Super-Homem confia que as instituições são sólidas e vão funcionar normalmente — o Batman obviamente discorda e quer apenas impedir essa palhaçada toda, mas em várias mídias ele já deixou o Pinguim ser prefeito, então quem é ele pra falar.

E ainda que “Lex Luthor presidente” tenha sido um conceito muito rico que não foi explorado da maneira que merecia — poderíamos ter abordado o conflito entre poder físico e poder político, o dilema de um herói que quer salvar um país que não quer ser salvo, mas tivemos apenas uma competição dos roteiristas pra ver que personagem secundário do Super-Homem poderia ser inserido de maneira menos orgânica no governo Lex Luthor e “Pete Ross vice-presidente” foi o vencedor — a trama acaba sendo resolvida com um nível de otimismo que fazia sentido no começo dos anos 2000, mas talvez não caiba tanto assim hoje em dia.

Isso porque Lex Luthor é “impeachmado” após tentar convencer o mundo de que a possível colisão de um asteroide de kriptonita com a Terra é culpa do Super-Homem, estabelecer uma recompensa de um bilhão pela cabeça do Azulão, colocar outros super-heróis contra o kriptoniano e, quando nada disso funciona, ele usa uma nova versão de sua tradicional armadura e uma combinação do “veneno” usado pelo vilão Bane para tentar vencer o Super-Homem na porrada mesmo. Ah, e no caminho Batman secretamente grava Lex admitindo que havia comprado armas de Darkseid durante uma outra saga, “Mundos em Guerra”, informação essa que é a base jurídica para sua queda.

E por que Lex ser derrubado por esse tipo de situação poderia parecer, nos dias de hoje, otimista? Porque quase tudo aí depende, a grosso modo, da capacidade dos heróis de fazer com que uma forma de "verdade objetiva" chegue até a população. É preciso explicar pras pessoas que o asteroide de kriptonita não é culpa do Super-Homem, é preciso que todo mundo acredite nas imagens do Lex Luthor doidão de armadura, é preciso que a galera ouça Lex admitindo que comprou armas de um tirano intergaláctico e reaja com "aí não dá" ou invés de "ISSO DEVE SER IA, SÃO OS COMUNISTAS SUPEROMISTAS TENTANDO DERRUBAR MEU PRESIDENTE".

Ou seja, graças a uma combinação de capitalismo, pós-verdade e internet chegamos em um ponto na história do ocidente onde talvez seja sim mais fácil tirar do poder um gênio do mal com uma armadura high-tech do que um ex-apresentador de reality que olha direto pro sol durante um eclipse, o tipo de cenário que talvez, se acontecesse num gibi, a gente acharia meio forçado.

Quer dizer, existe um painel de HQ onde Benjamin Franklin interage com uma jarra falante de refresco e um personagem na HQ do Capitão Átomo que é baseado no Datena. Forçada, com uma certa frequência, acaba sendo a realidade mesmo.

Um traço bem específico dos gibis de super-heróis é que, ainda que alguns personagens sejam profundamente autorais e existam sob o controle direto de um criador ou um grupo restrito de criadores, como o "Invencível" de Robert Kirkman, o "Hellboy" do Mike Mignola ou "Grendel" do Matt Wagner, entre outros, a maior parte dos super-heróis mais tradicionais não está sob o controle de pessoas físicas, mas sim de grandes corporações.

Isso tem, obviamente diversas implicações. Entre as mais nefastas, está a óbvia exploração dos criadores envolvidos com os personagens, que normalmente atuam no sistema conhecido como "work for hire", o famigerado frila, onde ninguém tem carteira assinada e os contratos normalmente são muito mais favoráveis para as editoras do que para os roteiristas e desenhistas. O resultado disso são artistas populares, que produziram em grande quantidade durante muitos anos, passando por sérios problemas financeiros, enquanto os personagens em que eles trabalharam aparecem em filmes que rendem bilhões de dólares.

Jerry Siegel e Joe Shuster criaram o Super-Homem, basicamente o personagem mais famoso do mundo, e tiveram que entrar na justiça pra receber uma pensão nem tão boa assim da Warner no fim da sua vida; Gene Colan, um artista histórico de personagens como Homem de Ferro, Batman e Demolidor, em seus últimos anos estava tendo seu aluguel e despesas médicas pagos pela Hero Initiative, uma organização criada para dar suporte a criadores sem condições financeiras; Peter David, um dos roteiristas mais importantes dos anos 80 e 90, com passagens marcantes por Hulk e Homem-Aranha, teve problemas de saúde e sua esposa precisou fazer um financiamento coletivo pra sustentar a família até que ele pudesse voltar a escrever. Basicamente é uma dessas situações em que o capitalismo, tal qual o personagem Fanático, é absolutamente impossível de parar e vai sim derrubar todo mundo pelo caminho.

Mas ainda que aproximadamente 95% das consequências dessa "posse corporativa" dos personagens sejam sim terríveis, um dos aspectos mais ou menos positivos restantes é o fato de que, por não serem propriedade de uma pessoa específica, com uma visão única do que eles devem representar e de que tramas devem ser contadas, as histórias desses heróis e vilões acabam se transformando tanto por razões criativas quanto por razões comerciais, em narrativas colaborativas sem fim, onde inúmeros criadores tem a oportunidade de oferecer a sua contribuição. Por um lado ninguém quer matar o Homem-Aranha porque ele rende bilhões, mas por outro lado o Homem-Aranha acaba sobrevivendo a todos os seus criadores, se tornando um personagem a cuja mitologia vários autores e artistas tem a possibilidade de adicionar o seu toque, a sua marca.

Afinal, Homem-Aranha? Criado por Stan Lee e Steve Ditko, assim como foram Mary Jane Watson e J. Jonah Jameson. Mas quem desenhou Mary Jane pela primeira vez e ditou o visual da personagem? John Romita Sr, depois que Steve Ditko tinha saído do gibi. Quem decidiu transformar o filho de J. Jonah Jameson, que já existia, em um lobisomem? Gerry Conway, depois que Stan Lee havia virado editor. E quem, décadas depois, criou Miles Morales, que é um Homem-Aranha absolutamente diferente, mas que só existe porque alguém, em 1962, criou Peter Parker? Aí já foram Brian Bendis e Sara Pichelli, quando nem Stan Lee, Ditko, Romita ou Conway estavam mais envolvidos com o personagem.

E é esse aspecto de "fanfic corporativamente sancionada", em que os criadores estão sim constrangidos pelo controle editorial e pela sinergia corporativa - "meu amigo, não me importa se seu vilão favorito é o Cara de Barro, se no filme estão usando o Charada, agora vamos ter um monte de gibi com o Charada" - mas ainda tem espaço pra colocar nas páginas suas preferências pessoais e influências artísticas - "você quer que os capangas do Charada pareçam os integrantes da sua banda favorita? ok, pra gente tanto faz, desde que seja o Charada" - que as HQ's de super-heróis se estabelecem como uma narrativa construída através das décadas, com a participação de centenas e até milhares de mãos, sejam elas de roteiristas, desenhistas, arte-finalistas ou editores, entre outras pessoas.

“Eu não quero só escrever o gibi, eu quero estar no gibi”

Cada autor usa essa liberdade de maneira diferente, claro. Desde criadores com predileções por certos personagens, como o canadense John Byrne dando destaque para o também canadense Wolverine durante sua passagem pelos X-Men, até artistas que usaram personagens para ajustar contas com desafetos, como o Sr. Milagre de Jack Kirby tendo um empresário picareta chamado Funky Flashman que era, num certo grau, uma paródia do Stan Lee, na época desafeto de Kirby e que, diversos relatos apontam, também era um bocado picareta.

Outro exemplo, ainda mais peculiar, é o do personagem Terry Long, criado por Marv Wolfman para as histórias dos Novos Titãs, um professor em quem todas as mulheres se atiravam e que chegou a se casar com Donna Troy, a Moça-Maravilha. E por que ele é tão peculiar? Porque bem, ele é basicamente a cara do Marv Wolfman, o que faz com que muitos leitores acreditem que é o caso de um roteirista que criou uma versão dele mesmo, dentro da história, pra poder namorar uma personagem. Totalmente normal, totalmente saudável, nenhuma terapeuta teria nada a dizer.

Mas o que tudo isso tem em comum? O fato de que são pequenas decisões pessoais, criações pessoais, até mesmo problemas pessoais, que acabaram, com o tempo, se tornando parte da grande narrativa de cada um desses personagens. Wolverine, que nem é parte da primeira geração dos X-Men, se tornou o personagem mais famoso de todo o grupo. Funky Flashman, inspirado na irritação de Jack Kirby com Stan Lee, ainda existe nos quadrinhos mesmo depois que os dois criadores já se foram. E Terry Long...bem, nos quadrinhos ele morreu e basicamente ninguém fala mais dele, porque assim, situação esquisita, sabe? Todo mundo ficava meio desconfortável.

E é aí que entra o tema específico dessa edição da newsletter: o famigerado Homem Pipa.

Kite Man: Hell Yeah!

Criado em 1960 por Bill Finger e Dick Sprang, "Kite Man" teve sua primeira aparição numa história de 8 páginas publicada em Batman #133, em que ele e Batman se enfrentam num duelo de pipas gigantes. Afinal, ele é o Homem Pipa. Depois disso, como acontecia com grande parte dos vilões nessa época, ele desapareceu, voltando a ser visto apenas 19 anos depois, em Batman #315, quando novamente, usando uma pipa - ainda que ela pareça mais uma asa delta - foi derrotado pelo Batman.

Seu retorno? 7 anos depois, numa história em que ele enfrentou o Gavião Negro e foi revelado que seu nome verdadeiro é, sem brincadeira alguma, Charles Brown, porque o roteirista queria fazer uma piada relacionada à turma do Snoopy - quando o Homem Pipa cai numa árvore ao fim da história, ele exclama "rats", como o personagem de Peanuts faz.

E por muito tempo foi isso. Homem Pipa era um personagem pequeno, um desses vilões que o Batman é visto despachando rapidamente no começo da trama, alguém pra aparecer no fundo de uma cena ou morrer sem grande alarde durante uma grande saga - em "Crise Infinita" ele é atirado do alto de um prédio apenas pra sobreviver e morrer na série mensal "52".

Até que Tom King apareceu.

Um ex-agente da CIA que se tornou roteirista de HQ's, Tom King já havia trabalhado em títulos como "Omega Men", "Grayson" e "Visão", quando se tornou o principal roteirista do Batman na DC, relançando o personagem com um novo número 1. E na edição número 6, no que seria uma montagem de vários vilões pé de chinelo sendo presos por uma nova heroína de Gotham, o artista Ivan Reis concluiu que uma das páginas precisava de um painel extra e que, com esse espaço a mais, caberia ali algum texto, possivelmente um bordão pro personagem, algo do tipo.

Tom King, que não tinha planejado nada pra esse espaço específico, achou que seria interessante se o Homem Pipa fosse um cara tão satisfeito com a experiência de estar ali, voando numa pipa, cometendo crimes, que falasse algo como "Kite Man. Hell Yeah" (que mentalmente sempre traduzi como “Homem Pipa. Aí sim”). E o que veio depois disso foi, em quatro anos, mais desenvolvimento de personagem do que ele tinha tido nos 56 anos anteriores.

Charles "Chuck" Brown é um homem divorciado, um estudioso dos ventos, responsável pelo design do Coringamóvel, tem um filho chamado Charles Brown Junior, perde tragicamente esse filho, envenenado pelo Charada, e no final se torna instrumental para que Batman derrote não só o Charada como também o Coringa.

Ou seja, graças às escolhas de um roteirista, possivelmente por conta da decisão de um artista, o que havia durante mais cinco décadas sido um personagem de pouquíssimo destaque num panteão repleto de outros personagens aparentemente mais interessantes, se tornou uma das principais figuras de uma trama de sucesso num dos gibis mais vendidos da DC Comics. Mas não apenas isso. Graças a essa recém-adquirida popularidade, ele se tornou personagem na animação da Arlequina, lançada em 2019, e fez tanto sucesso nessa animação que ganhou sua própria série, obviamente batizada de "Kite Man: Hell Yeah", que mostra as aventuras do personagem administrando um bar ao lado de sua namorada, a Patinadora Dourada, além de vários outros personagens secundários e terciários do universo de Gotham City.

E é essa ascensão do Homem Pipa, de personagem irrelevante para protagonista da própria animação num serviço de streaming, que reflete o mais interessante e o mais triste do processo de criação coletiva que são os super-heróis tradicionais. Afinal, se por um lado cada um desses universos é uma grande caixa de brinquedos, em que cada criador tem a oportunidade de utilizar o que veio antes e deixar a sua contribuição, criando um mundo cada vez mais rico em que até mesmo o menor dos personagens pode ganhar protagonismo nas mãos do autor certo, o fato de Ivan Reis e Tom King não terem recebido nenhum crédito na série do personagem que eles ajudaram a revitalizar reforça como quase sempre essas grandes corporações não oferecem aos criadores o menor nível de reconhecimento, seja ele simbólico ou financeiro.

Porque o universo do Batman, onde surgiu o Homem Pipa e de onde já surgiram e ainda vão surgir milhares de personagens, é uma história sem fim, feita à várias mãos, que começou a ser contada antes de qualquer um de nós estar aqui e tende a continuar muito depois que todos nós já tivermos partido. Mas o capitalismo, como descobriram Jerry Siegel, Joe Shuster, Bill Finger, Peter David e vários outros criadores, é uma história bem mais cruel, quase sempre contada apenas por aqueles que tem dinheiro pra explorar tanto as pessoas quanto os personagens, sejam eles os criadores do Super-Homem ou o Homem Pipa.

Que por sinal, é uma animação bem divertida, mas é foda eu tentar agora jogar o astral pra cima depois desse penúltimo parágrafo. Devia ter falado isso antes, acho.

Com o sucesso avassalador de X-Men 97, não apenas uma das grandes animações baseadas em HQs já produzidas, mas também uma das adaptações mais bem feitas realizadas pela Marvel e, ouso admitir, uma das melhores coisas que aconteceram na minha vida nesses últimos tempos, um personagem que finalmente recebeu o devido destaque foi ele, o mais tradicional dos líderes da equipe mutante: Ciclope.

Parte da primeira geração dos X-Men e um dos principais integrantes do grupo nos gibis, Scott Summers teve uma jornada bem mais complicada nas telas, principalmente nos cinemas. Isso porque se nas animações seu papel tinha sim algum destaque, em produções como “X-Men 92” e “X-Men Evolution”, na tela grande o personagem foi, ou utilizado como escada para outros personagens, como na trilogia original da Fox, em que o personagem de James Marsden basicamente existia apenas para que o personagem de Hugh Jackman parecesse mais legal; ou absolutamente subaproveitado, como aconteceu com a versão de Tye Sheridan, que basicamente, bem, ele estava lá, se o filme fosse uma aula de faculdade ele teria assinado presença sim.

Mas se a trajetória do personagem nas outras mídias ainda deixa a desejar - a não ser no jogo Marvel x Capcom, em que ele é apenas excelente - a história do personagem no gibi é uma das mais ricas e complexas possíveis. Scott Summers foi abandonado pelo pai, encontrou irmão, perdeu irmão, morreu, voltou da morte, viajou pro futuro, reencontrou seu eu do passado, liderou os X-Men, perdeu a liderança dos X-Men, trocou de esposa, voltou pra esposa, ficou viúvo, deixou de ser viúvo, matou gente, teve neto, comandou milícia.

Eu tentei, não ser moleque com você eu tentei, mas quem não erra em Uncanny X-Men #126?

E são duas as coisas em que Ciclope mais se destacou em sua trajetória nas HQs. A primeira é liderar os X-men. Como primeiro aluno do Instituto Xavier para Jovens Superdotados, Scott Summers foi também o primeiro líder da equipe e aquele que passou mais tempo na posição, sendo até hoje considerado a maior liderança de campo que a equipe já teve, indo desde o jovem idealista que buscava o sonho de convivência pacífica de seu mentor até um adulto mais violento e incisivo quando os crimes de ódio contra os mutantes se tornaram mais graves.

Já a segunda coisa que o principal membro da família Summers mais faz? Bem, essa coisa é vacilar. Uma espécie de Chico Moedas do universo Marvel, Ciclope está constantemente tentando não ser moleque, mas falha com uma frequência extremamente alta, trocando toda a competência e eficiência que demonstra no campo de batalha por uma imensa tendência à tomar decisões absolutamente questionáveis, irresponsáveis e profundamente mirins quando se trata da sua vida pessoal e familiar.

Na newsletter de hoje iremos abordar alguns desses grandes momentos da trajetória pessoal de Scott Summers, alguns já adaptados para outras mídias, outros que sinceramente eu duvido que alguém algum dia adapte porque ficaria até um clima estranho pra galera que está assistindo.

Abandonou a família (mais de uma vez)

Daí que Jean Grey havia morrido e todo mundo estava muito impactado, porque era a primeira vez que isso acontecia e ninguém sabia que aquilo ainda iria se repetir, por baixo, mais umas quatro vezes. Scott Summers, em luto, abandonou os X-Men, e como acontece nesse tipo de situação, foi para o Alaska, onde encontrou uma mulher que era exatamente igual a sua falecida esposa, uma situação absolutamente normal e que não levantou nenhuma suspeita em um homem que tinha como rotina lidar com ameaças alienígenas, tecnológicas e até mesmo sobrenaturais.

Scott então se apaixonou por essa mulher, Madelyne Pryor, cumpriu o protocolo de perguntar "ei, você é a reencarnação da minha esposa falecida?" e após ela dar um socão nele e responder que não, não era, floresceu então um romance que levou ao casamento. E logo após se casar, engravidar sua esposa e dar início ao que poderia ser uma vida tranquila com a mulher que amava, qual foi o primeiro pensamento do grande Scott Summers? "Bem, acho que é hora de voltar pros X-Men!" (ok que durante esse período o Professor Xavier, outro campeão do bom senso, havia abandonado os X-Men pra namorar mulher pássaro e deixado a equipe nas mãos do Magneto, mas ainda assim)

E Scott Summers, é claro, não poderia apenas voltar pros X-Men. Ele precisava liderar os X-Men. Mas ao buscar retomar seu espaço no time ele se vê envolvido num duelo com Tempestade, que havia escutado as lamentações de Madelyne e decidido que precisava fazer sua parte para que o colega desse a devida atenção para sua família. E provando que muitas vezes o não a gente já tem, mas precisa heroicamente ir em busca da humilhação, Ciclope, usando seus poderes, perde o duelo para Tempestade dentro de um ambiente fechado, com ela sem poderes, e é basicamente obrigado a retornar, um bocado constrangido, para o seio de sua família.

Porém, da mesma maneira que Emma Frost pode ler mentes mas também se transformar em diamante e Fera tem agilidade sobre-humana mas depois também desenvolveu aparência felina, a verdadeira mutação secundária de Scott Summers é sim o abandono parental. Isso porque diante da informação de que a verdadeira Jean Grey estava viva, Ciclope não apenas abandonou sua esposa Madelyne e seu filho Nathan para encontrar sua ex-falecida-esposa como ingressou com ela na equipe X-Factor, não avisou pra ela que tinha se casado ou tido filhos e também não fez contato algum com Madelyne, nem pra dizer um "rapaz, aconteceu um negócio complicado aqui no trabalho e vou demorar".

O famoso "papai saiu dizendo que ia só combater um Magneto e nunca mais voltou".

Teve um caso telepático com a Emma Frost

Ainda que a vida pessoal de Scott esteja intrinsecamente ligada a de sua principal parceira, Jean Grey, ela não foi seu único interesse romântico, mesmo se ignorarmos a já citada Madelyne Pryor, sua clone com quem Ciclope chegou a casar e ter um filho - que mais tarde contrairia um vírus tecnorgânico, seria enviado para o futuro, e voltaria como adulto, pra ser assassinado por sua versão mais jovem, que precisou então viajar para o futuro, sendo substituída por sua versão adulta, porque nada pode ser remotamente fácil quando você está falando da família Summers.

Um exemplo é Coleen Wing, com quem Ciclope se envolveu brevemente durante outro período em que Jean Grey parecia estar morta - é algo que ela faz bastante - chegando a receber uma cópia da chave seu apartamento, mas obviamente sumindo sem deixar sinal assim que soube que Jean estava viva, porque é isso que o Scott faz.

Temos também Betsy Braddock, a mutante telepata e psiônica conhecida como Psyclock, integrante dos X-Men com quem Scott flertou durante um certo período, enquanto ainda era casado com Jean, chegando a usar sua famosa tática de "acho que vou abandonar os X-Men para depois voltar para os X-Men" quando as coisas começaram a ficar realmente esquisitas.

Mas o grande destaque realmente vai para seu relacionamento com Emma Frost, outra telepata da equipe,  com quem ele teve um "caso psíquico", praticando de maneira profundamente literal o chamado "amor por telepatia", enquanto não apenas ainda era casado com Jean Grey como ela fazia parte da equipe, numa espécie de banheiro astral do Galeto Sat's. O resultado? Foi pego no flagra, abandonou de novo os X-Men, começou a namorar a Emma Frost, voltou de novo pros X-Men, a Jean morreu de novo, a Jean voltou de novo, ele voltou com a Jean.

Matou o professor Xavier

Mas claro que quando se fala de vacilar nas relações interpessoais, não estamos falando apenas de relacionamentos amorosos. Ciclope vacilou ao reformar o grupo X-Force, dar pra ele carta branca pra matar e colocar como integrantes X-23, uma mutante que havia sido treinada para matar e estava tentando fugir dessa programação e também Lupina, que pode se transformar numa furiosa forma de lobo mas é na verdade uma jovem católica bem gente boa que se sente absurdamente culpada com coisas assim.

Teve a vez em que ele expulsou o Professor Xavier da Mansão, mas em sua defesa não apenas Scott havia acabado de descobrir que o careca havia apagado sua mente pra que ele esquecesse que tinha um outro irmão que havia morrido numa missão com os X-Men (ooops) como sinceramente, Charles não é um cara que facilita qualquer tipo de relacionamento - exceto se você for uma mulher-pássaro.

Mas ainda assim o fato dele ter, alguns anos depois, matado o Professor Xavier é sim um lance um pouco exagerado e que mostra que talvez Scott Summers não saiba lidar muito bem com certas situações.

Ele estava possuído pela entidade Fênix, a mesma que já havia feito Jean Grey cometer genocídio espacial varrendo do mapa toda uma espécie alienígena? Sim. Na cabeça dele ele estava tentando salvar toda a espécie de mutante de desaparecer da face da Terra? Também. Charles Xavier com frequência é uma espécie de Leandro Karnal que apaga a mente dos outros por qualquer bobagem, esquema te pedi dinheiro, você veio me cobrar, apaguei sete anos da sua vida da sua memória pra você esquecer? Com certeza.

Ainda assim assassinar o próprio mentor na frente da galera toda não foi exatamente uma grande decisão e pra alguém que exerce um cargo de liderança, demonstra uma certa dificuldade pra resolver conflitos de maneira pacífica. Digamos que a comunicação não-violenta não venceu nesse dia. Mas obviamente depois o Xavier voltou, então até que tá tudo bem nesse aspecto.

E sem saber que era impossível, a Sony foi lá e fez. Com um orçamento próximo aos 100 milhões de dólares e até agora uma bilheteria na casa dos 50, “Madame Teia” teve a pior abertura de qualquer filme do "Sonyverso" - o universo de filmes do Homem-Aranha sem o Homem-Aranha produzidos pela Sony - e foi o primeiro filme baseado em personagens da Marvel a não liderar a bilheteria na sua semana de lançamento desde o "Quarteto Fantástico" "realista" cujo diretor praticamente nunca mais conseguiu emprego, além de estar sendo absolutamente destroçado pela crítica - Isabela Boscov chegou a declarar que se tinham tanto dinheiro sobrando era melhor doar pra caridade.

Mas o que o Sonyverso - e especialmente Madame Teia - tem de tão especial para estabelecer novos padrões de fracasso até mesmo num ambiente onde os filmes de super-heróis já vem conseguindo fracassar bastante? Por estar vivendo um momento pessoal complicado e não gostar muito de mim mesmo, fui ao cinema e tirei algumas conclusões.

Sonyverso: Origens

Pra quem não estão tão familiarizado com a divisão dos direitos de adaptação do personagem Homem-Aranha para o cinema - e por que você estaria? - a situação é a seguinte. Em 1999, com a Marvel absolutamente na lona, pedindo dinheiro pra parente e vendendo o videocassete da avó pra comprar mais adamantium pro Wolverine, a Sony comprou os direitos do Homem-Aranha pro cinema por cerca de 7 milhões de dólares, que hoje deve ser o valor que a Zendaya cobra pra gravar um vídeo te desejando feliz aniversário - duração 30 segundos.

A Sony fez então a primeira trilogia do Sam Raimi, em que o protagonista era Tobey Maguire e os lucros foram bilionários, até que o terceiro filme não deu tão certo e eles decidiram realizar o chamado reboot. Veio Mark Webb para dirigir, veio Andrew Garfield como protagonista, e a coisa não foi tão bem, tanto que nem chegamos a ter uma trilogia, dois filmes foi o bastante, e perdemos a chance de ver Paul Giamatti sendo o vilão mais irritado e ao mesmo tempo deprimido que o Homem-Aranha já teve.

Ou seja, tínhamos filmes do Homem-Aranha com retornos financeiros cada vez menores e um universo Marvel que, mesmo sem alguns dos seus principais personagens nos gibis - não só o Cabeça de Teia, mas também os X-Men e o Quarteto Fantástico - parecia apenas crescer. Foi então que a ganância se uniu com a vontade de ganhar dinheiro e, através de um acordo especial, o Homem-Aranha foi parar no MCU, num contrato que permitia que a Marvel utilizasse o personagem pra contar suas histórias e a Sony recebesse uma polpuda fatia dos lucrativos filmes onde ele aparecia, num famoso ganha-ganha que deixava felizes também os fãs, que agora poderiam ver seus personagens favoritos interagindo.

Mas o problema é que a Sony não havia comprado apenas os direitos do Homem-Aranha, mas também os direitos de vários personagens adjacentes e relacionados ao Homem-Aranha. Vilões do Homem-Aranha? Tudo da Sony. Aliados do Homem-Aranha? Não mexe que a Sony comprou. Galerinha bacana do Clarim Diário? Sonystas demais. E como numa megacorporação midiática nada se perde, tudo se transforma, os executivos da empresa japonesa, possivelmente após consumirem grandes quantidades de cocaína, começaram a pensar em maneiras de adaptar e capitalizar em cima dessas "propriedades intelectuais" que estavam ali em cima da mesa, de bobeira, sem fazer nada.

Foda é que no começo “deu certo”

Uma escolha óbvia, quando você pensa em "filmes solo de personagens do universo do Homem-Aranha" claramente é "Venom". Um vilão que se tornou anti-herói, Eddie Brock tem sim sua origem intimamente ligada ao Homem-Aranha - afinal, ele culpa Peter Parker pelo seu fracasso profissional e encontra o simbionte exatamente após o alienígena ser rejeitado pelo herói - mas com algumas forçadas de barra e uma atuação absolutamente alucinada de Tom Hardy, a Sony conseguiu uma bilheteria de mais de 800 milhões de dólares num filme de vilão do Homem-Aranha. E tal qual uma pessoa que achou 50 reais no bolso de uma calça e agora faz o orçamento do mês pensando que se tem 10 calças então tem 500 reais garantidos, o estúdio confundiu sorte com projeto e pensou "temos uma mina de ouro".

O resultado? Primeiro "Venom 2", que já rendeu 300 milhões de dólares a menos e, para executivos que não estivessem absolutamente loucos de ganância e MD, poderia sinalizar um desgaste da fórmula. Logo depois “Morbius”, que mal passou dos 160 milhões nas bilheterias americanas, fez Isabela Boscov desconfiar que Jared Harris tinha dívidas de jogo, e ficou mais famoso pelos memes do que pela sua qualidade. E por fim, “Madame Teia”, que ofereceu ainda menos retorno e cuja divulgação consiste em Dakota Johnson dando entrevistas cada vez mais erráticas em que ela parece estar menos interessada em falar do filme e mais em estudar reações de jornalistas para um PHD em psicologia que ela está fazendo por fora.

Mas qual é o problema do Sonyverso?

Ainda que a resposta óbvia seja "a falta de um Homem-Aranha", a verdade é que o problema é menos não termos um Peter Parker nesse universo - ou nesses universos, já que Madame Teia parece desconectado de Venom, que não sabemos bem o quanto é conectado com Morbius - e mais a maneira esquisita como a Sony lida com o fato de que não temos um Peter Parker nesse universo.

Pegue por exemplo, “Madame Teia”. Já é uma leve forçada em termos de personagem secundária que nunca teve título próprio mas ganhou filme solo? Sim. Um tanto quanto ousado centrar a trama em alguém que, normalmente, no universo do Homem-Aranha, funciona mais como ferramenta narrativa e preview humano do que protagonista? Também. Mas não é nem aí que tá o problema, já que não existe personagem que não possa brilhar se você tiver o roteiro certo. O problema vem depois.

Afinal, no filme somos apresentados a Cassandra Webb, uma paramédica que trabalha ao lado de seu parceiro, Ben Parker. Mas não apenas Ben Parker, mas um Ben Parker, cuja cunhada de chama Mary Parker e está grávida, prestes a dar a luz. Uma clara referência ao Homem-Aranha, já que Ben Parker é o nome do tio que vai ajudar a cuidar de Peter após seus pais, Mary e Richard Parker falecerem. Certo? Certo???? Nem tanto. Afinal, o filme realiza esforços imensos para não apenas jamais falar o nome que planejam dar ao bebê (Durval Parker? Edmundo Parker? Mangabeira Unger Parker???) como também não revelar quem é a nova namorada misteriosa de Ben, que é citada só uma vez, mas que ele acredita ser “a pessoa certa” (obviamente falar que ela se chama "May" seria se comprometer demais, talvez nesse universo ela se chame Chevrolet Chevette SL 92).

E é esse estranho jogo de avanços e recuos, de falsas promessas e referências perdidas, que acaba tornando os filmes da Sony desnecessariamente confusos e frustrantes, já que eles não apenas não estabelecem um universo totalmente sem Homem-Aranha, para que os personagens possam ter vida própria, como não insere realmente o Homem-Aranha nesse universo, ficando sempre numa espécie constrangedora de meio do caminho, como se a própria Sony não soubesse exatamente o que ela pode fazer ou não com esses personagens, deixando roteiristas e diretores absolutamente perdidos - a própria Dakota Johnson afirmou que na primeira versão do filme o objetivo do vilão era impedir o nascimento de Peter Parker, algo que não é nem remotamente parte da trama do filme que chegou aos cinemas.

Somando a isso alguns nomes bem complicados por trás das câmeras (Madame Teia foi escrito pela mesma dupla de roteiristas de “Morbius”, o filme onde precisavam levar Jared Leto ao banheiro; “Power Rangers”, o reboot que ninguém lembra; e “Deuses do Egito”, o filme onde todos os deuses do Egito era brancos; além de serem responsáveis por estragar uma das grandes premissas da nossa era, que é "e se Dominic Toretto caçasse bruxas?)”, você tem um cenário onde executivos gananciosos e desorientados contratam roteiristas de qualidade duvidosa para produzir filmes cuja trama vai sofrer constantes revisões pelo simples fato de que ninguém ali sabe exatamente o quanto de Homem-Aranha pode colocar nesses filmes do Homem-Aranha sem Homem-Aranha.

Quando essas produções altamente genéricas são desovadas num mercado já saturado de filmes com a mesma temática, onde nem mesmo a Marvel parece estar segura, você tem essa onda perfeita, que é um filme profundamente problemático encontrando um público que está um tanto quanto de saco cheio. Eis então, “Madame Teia”, uma obra tão absurda que a única parte dela que havia chamado atenção no trailer – “He was in the Amazon with my mom when she was researching spiders right before she died” – nem mesmo aparece na versão final, já que a Sony esteve constantemente mudando e editando e cortando o filme.

Mas tudo bem, não vamos desanimar, está vindo aí “Kraven”, um filme solo do vilão do Homem-Aranha famoso por ser um caçador impiedoso, onde ele aparentemente é um protetor dos animais e ganha poderes através do sangue de um leão. Dos mesmos roteiristas de “Uncharted” e “Homens de Preto – Internacional”. O que pode dar errado, certo?

Quando Jack Kirby e Stan Lee criaram, em 1963, os X-Men, eles inventaram não apenas uma das equipes mais longevas da história dos quadrinhos e uma excelente metáfora para a luta das minorias por seus direitos, como também uma das melhores soluções narrativas da história dos gibis de super-herói.

Isso porque se anteriormente Kirby e Lee sempre precisaram ter no mínimo algum grau de esforço para explicar e justificar os poderes dos seus heróis e vilões – “esse aqui foi picado por uma aranha radioativa, esse aqui foi explosão nuclear, esses aqui foram raios cósmicos, esse aqui é um deus nórdico mesmo, fodasse, é sexta-feira 17:45” – a ideia da mutação genética espontânea como fonte de poderes é um atalho que te permite justificar basicamente qualquer tipo de habilidade, em qualquer tipo de pessoa, dizendo apenas “bem, ele nasceu assim, cara”.

Assim você não apenas garante uma diversidade maior para os seus personagens – em tese os poderes podem se manifestar, de maneira randômica, em qualquer pessoa que nasça com o gene x, de qualquer gênero, raça ou nacionalidade – como cria possibilidades ilimitadas em termos de mutação, já que uma pessoa pode disparar laser pelo olho, a outra se curar muito rápido, uma terceira controlar o clima, etc.

Mas se alguns mutantes desenvolvem poderes impressionantes ou ao menos visualmente bacanas – Gambit pode carregar absolutamente qualquer objeto com energia cinética, mas escolheu fazer isso com cartas e não com batatas porque cartas são bem mais legais e dá pra comprar em maço – outros não tem a mesma sorte, nascendo com poderes esquisitos, dolorosos ou mesmo que colocam sua vida em risco.

E esses mutantes, que não deram tanta sorte assim, são a tema da 9ª edição da nossa newsletter [entra solinho de guitarra da música-tema da newsletter]

Forgetmenot (Xabi) - Um mutante dotado dos poderes de superposição existencial, imperceptibilidade e indetectabilidade, Forgetmenot tem na prática o dom de ser esquecido por absolutamente qualquer pessoa e sistema assim que ele sai de seu raio de visão. Isso faz com que, mesmo tendo sido parte de diversas formações dos X-Men nos últimos anos, participado de diversas missões e combatido diversos vilões, absolutamente nenhum colega de equipe se lembre dele ou de nada que ele fez, já que toda vez que ele aparece é como se fosse a primeira e todos ficam se perguntando "quem é esse cara?".

Não conseguindo ser lembrado mesmo com medidas extremas como o próprio Professor Xavier se programar mentalmente para pensar nele a cada meia hora, Forgetmenot recentemente teve uma morte trágica defendendo Krakoa (a ilha-mutante-consciente onde os X-Men moravam) de um ataque de Ninrod (uma Sentinela vinda do futuro), já que, ainda que atualmente os mutantes tenham protocolos que permitam ressuscitar aliados falecidos, pra esses protocolos serem colocados em prática é preciso que alguém lembre que a pessoa morreu.

Sim, vamos falar de muitos fodidos hoje, mas poucos fodidos são mais fodidos que Xabi (é, ninguém sabe nem o sobrenome dele).

Longneck (William Hanover): Nascido com a mutação genética de ter um pescoço um pouco mais longo, Longneck é basicamente um mutante cujo poder é ter um pescoço um pouco mais longo e conseguir funcionar, biologicamente, mesmo tendo um pescoço um pouco mais longo. Não é assim, longo como se ele fosse uma girafa ou coisa do tipo, é apenas longo o bastante pra alguém olhar e pensar "caramba, esse cara tem um pescoço realmente um tanto quanto mais longo".

Por ter um pescoço um pouco mais longo, William foi enviado para a Escola para Jovens Superdotados do Professor Xavier e, chegando lá, ajudou Ciclope, um homem que dispara poderosas rajadas concussivas pelos olhos, a enfrentar Xorn, um mutante que tem uma pequena estrela dentro da cabeça e consegue manipular gravidade, gerar raios de luz e controlar campos magnéticos. William, como já dissemos antes, tinha apenas um pescoço um pouco mais longo. Ah, e depois explodiram o ônibus onde ele estava e ele morreu. Ter o pescoço um pouco mais longo não faz muita diferença nessas horas.

Ugly John (Steve) - Nascido com o poder mutante de ter três rostos, os três considerados feios, Ugly John (cujo verdadeiro nome é Steve, sendo "Ugly John" o apelido depreciativo que ele ganhou dos amigos) viveu a seguinte sequência de eventos em sua trajetória nas HQs dos X-Men: foi perseguido até a morte por ser mutante, aí resgatado por Ciclope e Wolverine, mas aí o avião do resgate caiu numa ilha e foi atacado por Sentinelas e aí uma supervilã o sequestrou e o torturou tanto que ele pediu pra morrer, pro sofrimento acabar.

Se algum dia o Darren Aronofsky dirigir uma série da Marvel, vai ser sobre ele.

Chamber (Jonothon Starsmore): Uma coisa bacana sobre os poderes mutantes do personagem conhecido no Brasil como "Câmara" é que ele tem, dentro do seu peito, uma poderosa fornalha psiônica, que permite que ele dispare intensas rajadas, além de ter poderes telepáticos. Uma coisa não tão bacana sobre os poderes mutantes do personagem conhecido no Brasil como "Câmara" é que na primeira vez que esses poderes se manifestaram eles não apenas abriram um rombo no peito de Jonothon como ainda fizeram com que ele ficasse sem a parte inferior da mandíbula, além de terem hospitalizado sua namorada na época.

Depois disso Câmara foi atacado por outros mutantes, lutou contra a própria depressão, ficou mal porque mutantes que tinham o poder de replicar poderes usavam os poderes dele melhor do que ele, voltou a namorar mas descobriu que estava sendo apenas usado para atrair publicidade, perdeu os poderes, tentou suicídio, quase morreu, teve seu corpo curado, recuperou os poderes e junto com eles o rombo no peito.

Mas quem sofre mesmo é o Wolverine com papinho de "nossa, perdi memória, quem sou eu???" enquanto bebe cerveja e chega na esposa dos outros. Coitadinho, realmente.

Maggot (Japheth) - O mais novo de 5 filhos, o pequeno Japhet não apenas tinha problemas de crescimento como sofria com fortes dores na barriga, que exigiam que ele recebesse uma alimentação especial. Recebendo a informação que essas dores eram na verdade um câncer, o garotinho decidiu, para não gerar gastos pra sua família, dado o custo financeiro do tratamento, caminhar até o meio do deserto para morrer sozinho. Não, sério, esse é o começo da origem dele.

Chegando no deserto, ele é encontrado por Magneto - normal, tudo normal - que salva Japhet e revela que o que parecia ser um problema de estômago na verdade é uma mutação, e o sistema digestivo dele na verdade é composto por duas lesmas gigantes, que precisam ser alimentadas pra que ele sobreviva. Show, tranquilo, só mais uma terça-feira.

Magneto retira as lesmas do corpo de Japhet e o leva de volta pra sua casa, onde o menino descobre que seu pai foi assassinado por racistas - ah, sim, esqueci de contar que tudo isso se passa na África do Sul durante o Apartheid e Japhet é negro, obviamente, ainda que a mutação depois deixe sua pele azul. Magneto então mata todos os responsáveis pelo crime, algo que traumatiza ainda mais Japhet, que promete nunca se unir a Magneto.

Ah, e as lesmas precisam sempre entrar e sair do corpo dele para se alimentar, o que causa imensa dor, além de terem que comer cinco vezes ao dia. Depois disso ele foi parar num campo de concentração para mutantes, morreu, voltou à vida e uma de suas lesmas ficou gigante e cometeu uma série de assassinatos no Brasil. Mas o Professor Xavier tá muito ocupado assediando mulher que parece pássaro pra se importar.

Bailey Hoskins - Filho de dois outros mutantes, Bailey nasceu com o superpoder de hipercarregar seu corpo de energia e explodir. Porém ele só pode fazer isso uma vez, já que o corpo dele foi feito para explodir mas não para sobreviver a explosão. E basicamente é isso (quer dizer, é bem mais complexo que isso, já que na única minissérie onde ele aparece os pais dele são pisoteados por uma Sentinela, os vilões vencem e no final ele precisa explodir e morrer pra ajudar a resetar toda a realidade, mas se eu começar a explicar isso tudo a gente não vai sair daqui hoje).

Soft Serve - Uma mutante com o poder de defecar sorvete. Sim, isso é real, isso existe, isso é oficial nas HQ's, e ela não apenas defeca sorvete como ela pode defecar qualquer sabor de sorvete, de acordo com a vontade dela, e Forge, o mutante com o poder de criar e consertar qualquer máquina, disse que é o melhor sorvete que ele já provou na vida.

Depois eles tentaram arrumar uma explicação de que ela não efetivamente defeca sorvete, o corpo dela é apenas o conduíte humano entre nosso mundo e uma dimensão de sorvete, mas na prática ela é uma mutante que anda pelos eventos dos X-Men com várias casquinhas, oferecendo pras pessoas sorvete que ela defecou. Sei lá, apenas sei lá, sabe.

Momento da dica aleatória

Não tem nada a ver com X-Men, mas esse mês atrás saiu a primeira edição de “Ultimate Spider-Man”, um retorno ao universo Ultimate, que a Marvel tinha criado no começo dos anos 2000, mas agora capitaneado pelo Jonathan Hickman.

Se você não sabe que fim teve o Universo Ultimate, que serviu bastante de inspiração pros filmes da Marvel e onde nasceu o Miles Morales - que hoje vive no universo Marvel normal dos gibis - um possível resumo é que ele foi destruído durante as Guerras Secretas e aí reconstruído, mas com alterações feitas pelo Criador (a versão maligna do Reed Richards que veio do Universo Ultimate).

Então o Hickman pegou e está recomeçando a coisa toda do zero, mas com essa perspectiva diferente de um universo onde a maior parte dos super-heróis teve suas origens sabotadas, tanto que Peter Parker é um homem normal de trinta e tantos anos, dois filhos, casado com Mary Jane Watson, que foi picado por tantas aranhas radioativas quanto eu ou você - presumindo que você nunca foi picado por uma aranha radioativa, não sei por onde vocês andam.

Ainda é só uma primeira edição, não dá pra saber pra que lado a coisa vai, mas é tão absurdamente melhor que o título mensal do Homem-Aranha hoje e um ponto de entrada tão bom pra novos leitores, que me senti na obrigação de mencionar. A arte do Marco Checchetto, que fez o Demolidor do Chip Zdarsky também é excelente e valoriza demais o produto.

O conceito de "sidekick", o famoso parceirinho ou parceirinha não necessariamente romântico do protagonista, está longe de ser uma coisa recente, com registros escritos já ali na casa dos dois mil anos antes de Cristo, nas histórias sobre como Enkidu acompanhava o herói Gilgamesh na hora de sair na porrada com deuses e touros gigantes, porque era isso que rolava naquela época.

E sendo uma excelente ferramenta narrativa, já que te permite oferecer não apenas um parceiro como até mesmo um contraponto para o seu protagonista, ela foi se replicando nas mais diversas histórias, nos mais diversos meios, nos mais diversos períodos.

Sherlock Holmes tinha seu Dr. Watson; Dom Quixote tinha Sancho Pança; o Besouro Verde tinha seu Kato; Rory Gilmore tinha Lane Kim; Faustão tinha Caçulinha e cada versão do Dr. Who tinha uma ou mais pessoas que se revezavam na função de correr com ele pelos lugares, pois todo mundo sabe que essa série é 40% sci-fi e 60% incentivo à caminhada enquanto atividade física.

Nada mais natural então que, quando os editores da então National Comics, sentiram que precisavam tornar as histórias do Batman, já naquela época um personagem de sucesso, menos sombrias e mais interessantes para os leitores jovens, eles tenham decidido que o melhor caminho para isso seria colocar nas tramas um parceiro-mirim para o homem-morcego. E foi assim que nasceu Robin, o “menino-prodígio”.

O primeiro Robin a gente nunca esquece

O ano era 1940, Batman tinha sido lançado cerca de 12 meses atrás, e a edição #38 de Dectective Comics prometia conter o personagem mais sensacional que você iria conhecer naquele período: Dick Grayson, o Robin.

Integrante mais jovem de uma família de trapezistas conhecido como "Os Graysons Voadores", o pequeno Richard teve seus pais assassinados por um gangster, que sabotou os equipamentos do circo, fazendo com que John e Mary Grayson acabassem saltando para a morte, na frente do seu único filho.

Mantendo o mesmo padrão de atenção com o bem-estar de menores que permitia que uma criança de 8 anos fizesse acrobacias num circo, a justiça de Gotham permitiu que o milionário Bruce Wayne imediatamente adotasse Dick, que ganhando a identidade de "Robin" e utilizando uma roupa colorida, ajudou Batman a encontrar o criminoso responsável pela morte dos seus pais.

O primeiro personagem a usar essa identidade e também o que permaneceu nela por mais tempo, Richard Grayson veio a se "graduar" como Robin, adotando a alcunha de "Asa Noturna", além de ser membro fundador dos Novos Titãs e já ter várias vezes, durante ausências de Bruce Wayne, assumido o capuz de Batman, chegando até mesmo a liderar a Liga da Justiça.

Suas principais características, além da personalidade bem mais jovial, que servia de contraponto ao temperamento sombrio de seu parceiro de aventuras, é a forte tendência gregária, já que ele é bem mais propenso a participar de equipes, e sua versatilidade, já que exerceu atividades que foram desde policial até agente secreto, passando por assistente social e até mesmo taxista, num período esquisito em que ele havia tomado um tiro na cabeça e perdido a memória.

Também é não apenas o Robin mais adaptado para outras mídias, seja no desenho dos Jovens Titãs, seja no filme com o George Clooney, como também estava no cargo durante aquele estranho período em que, por conta da obra "A sedução do inocente", de Fredric Wertham, chegaram a formar um comitê no congresso americano para discutir se era esquisito um bilionário solteiro morar com um pré-adolescente e fazer ele usar uma fantasia que não tem calça, só uma cueca.

Curiosamente, Dick Grayson é considerado, dentro do universo ficcional da DC, o super-herói com a bunda mais bonita. Não, sério, é um lance que outros personagens ficam comentando toda hora. Talvez tenha a ver com o lance da cueca, afinal, se todo mundo vai te ver sem calça, melhor malhar muito glúteo mesmo.

O segundo Robin, aquele que morreu num "Você Decide"

Com a transformação de Dick Grayson em "Asa Noturna", os chefões da DC decidiram que o melhor seria criar um novo Robin, para que o Batman não trabalhasse sozinho. Porém, talvez por preguiça, talvez para manter nos leitores um certo senso de familiaridade, eles acabaram optando por criar um Robin que não fosse tão "novo" assim.

Surge então, em 1983, Jason Peter Todd, o filho mais novo de uma família de trapezistas que perde os pais após as ações de um criminoso e é então imediatamente adotado por Bruce Wayne. Sim, eles realmente fizeram isso, mudando apenas a cor do cabelo - Jason era ruivo - e o assassino dos pais - dessa vez o supervilão Crocodilo. Jason era então basicamente uma nova versão de Dick, com direito até mesmo a pintar o cabelo de preto, para reduzir ainda mais as diferenças.

Até que veio a famigerada "Crise nas Infinitas Terras" e aí tudo mudou. Jason agora era garoto que morava nas ruas, com pai falecido e mãe dependente química, que teve seu primeiro contato com Batman ao tentar roubar as rodas do batmóvel, sendo enviado por Bruce Wayne para uma espécie de reformatório. Mesmo assim, ele conseguiu ajudar Batman a prender uma gangue de delinquentes e foi convidado a se tornar o novo Robin, porque aparentemente esse é o único tipo de estágio que estava disponível nas empresas Wayne.

Jason começa então a se mostrar não apenas um cidadão violento e instável, usando força excessiva contra criminosos e até mesmo atirando ou empurrando alguns do alto de prédios, como também um personagem incapaz de angariar a simpatia dos leitores, que não pareciam muito animados com essa nova versão do personagem.

A DC então tomou a decisão inédita e um tanto quanto "pique coliseu romano" de deixar que os leitores decidissem o destino do personagem, realizando uma votação telefônica para decidir se Jason Todd deveria continuar vivo ou morrer após ser espancado pelo Coringa e preso num galpão prestes a explodir.

Como os leitores realmente pareciam gostar tanto de Jason quanto o editor que propôs essa votação, o segundo Robin acabou perdendo a vida na base do sufrágio e Jason se tornou assim o primeiro Robin a morrer. E obviamente também o primeiro a ressuscitar, já que durante a "Crise Infinita" de 2005, as tentativas do Superboy Prime de abrir uma fenda na realidade na base do socão acabaram trazendo de volta o Robin favorito de absolutamente nenhuma pessoa nos anos 80.

Absolutamente sequeladinho das ideias e atendendo pela alcunha de "Capuz Vermelho", um codinome utilizado anteriormente pelo Coringa, Jason Todd se tornou uma espécie de bad boy da batfamília, frequentemente culpando Bruce Wayne por sua morte e tendo uma visão bem mais violenta e cínica de mundo que os outros Robins.

O menino que queria ser Robin

O ano era 1988 e a situação na DC era um pouco confusa, porque eles tinham perguntado pros leitores se eles queriam que o Robin morresse, mas tinham esquecido de perguntar "por que?". Era um problema com a posição de Robin, e a galera queria um Batman solitário, sem moleque pequeno pulando ao redor? Ou o problema era Jason Todd e talvez com um outro Robin as coisas dessem certo?

Foi assim que surgiu Timothy Drake, um Robin absolutamente diferente de seus dois predecessores. Não apenas porque ele não era o filho mais novo de uma família de trapezistas que testemunhou a morte de seus pais, mas também porque ele foi o primeiro dos personagens a assumir o manto não após ser adotado por Bruce Wayne, mas sim ao perceber que o Batman não estava funcionando muito legal sem um Robin e se voluntariar para o cargo.

Isso porque Tim já havia, aos nove anos de idade, deduzido as identidades secretas de Dick Grayson e Bruce Wayne, se tornando um grande admirador da dupla dinâmica. Com isso ele também não apenas já sabia da transição do primeiro Robin para a função de Asa Noturna como, após o desaparecimento do segundo Robin, percebeu que havia algo de muito errado com Batman, que estava se tornando cada vez mais violento e descontrolado, sem a presença estabilizadora de um adolescente de roupa colorida ao seu lado.

Tim consegue então convencer Bruce Wayne de que ele merece a função de Robin, não apenas recebendo um treinamento especial como também um uniforme diferente dos Robins anteriores, não só mais moderno como até mesmo envolvendo calças. O personagem também se mostrou um sucesso de vendas, se tornando o primeiro Robin a ter um título próprio, que foi de 1993 até 2009, superando as 180 edições, entre mensais e especiais, que ajudaram a torná-lo um dos Robins mais bem desenvolvidos em termos de personalidade e vida pessoal, vivendo romances e experiências típicas da adolescência.

Se Dick era um trapezista alegre e Jason um órfão com problemas, Tim era o mais inteligente e centrado dos Robins, um hacker e um detetive talentoso, que esteve presente durante sagas importantes como "A Queda do Morcego", "Terremoto" e "Terra de Ninguém", entre outros. Também atendendo em alguns momentos pela alcunha de "Robin Vermelho" e até mesmo de "Drake", um dos piores codinomes da história, já que não apenas é o nome de um rapper como é parte da identidade secreta do personagem, ele fundou a "Justiça Jovem" e fez parte de diversas formações dos Jovens Titãs.

Um pouco escanteado após o surgimento do quinto Robin - de quem falaremos em breve - acabou voltando a ter destaque após assumir sua bissexualidade e engatar um namoro com Bernard, um amigo dos tempos de colégio, o que faz bastante sentido porque, estatisticamente, era foda a gente já ter meia duzia de Robins e todos serem heteros.

Ok, talvez tenha algum nível de machismo envolvido

Então namorada de Tim Drake, e ajudando a proteger a cidade com o codinome "Spoiler", Stephanie Brown acabou se tornando a quarta pessoa a utilizara alcunha de "Robin", a primeira mulher a receber o cargo, e o Robin que durou menos tempo, através de uma série de eventos um bocado complexos, um tanto quanto injustos e que acabaram causando a sua morte - que foi revertida depois, mas ainda assim, vários vacilos.

Primeiro o contexto. Após seu pai descobrir sua identidade secreta e proibi-lo de atuar como Robin - o que talvez explique porque Batman prefere Robins órfãos - Tim é obrigado a deixar o super-heroismo de lado. Nesse cenário, Steph, que já era um membro agregado da batfamília, se oferece para atuar como Robin, e recebe permissão de Bruce para assumir o papel.

Porém ela é rapidamente demitida, após desobedecer duas ordens diretas, o que não parece exatamente justo, já que anos antes Jason Todd era basicamente um PM carioca de sunga verde e o Batman achava tudo isso normal, mas ok. O problema é que aí, na intenção de provar para seu mentor a sua capacidade de combater o crime, ela tentou executar um plano inacabado de Batman para atacar os criminosos de Gotham e deu início, involuntariamente, a uma guerra de gangues, da qual ela acabou se tornando uma das baixas, após ser espancada até a morte pelo vilão Máscara Negra.

Posteriormente, quando Tim voltou ao posto de Robin, foi revelado que Stephanie na verdade estava viva, tendo sua morte sido forjada pela Doutora Leslie Thompkins para protegê-la. Após voltar a atuar como Spoiler, ela acabou aceitando o convite de Bárbara Gordon para se tornar uma das Batgirls, ao lado de Cassandra Cain, mas não sem antes passar um tempo no limbo após alguns reboots da DC e ter praticamente toda a sua história apagada, só retornando recentemente para a batfamília.

Ah, e o namorado dela terminou com ela pra ficar com um amigo dele, algo que não deve ser legal também.

Nepotismo na bat-caverna

Num certo nível, todo Robin é um pouco filho do Batman. Seja na prática, já que quase todos acabaram sendo legalmente adotados, seja no aspecto simbólico, já que é através da formação dessa "batfamília" que Bruce Wayne supre a perda prematura dos pais, oferecendo para jovens órfãos o apoio e direcionamento que ele acredita não ter tido. E roupinhas coloridas também, ele oferece roupinhas coloridas. Mas em troca de morar numa mansão e ter um mordomo, vários de nós aceitaríamos trocas piores.

Mas e se tivéssemos um Robin que não é apenas legal ou simbolicamente, mas sim biologicamente filho do Batman?

É aí que entra Damian Wayne, o quinto Robin, filho de Bruce Wayne com Talia al Ghul, vilã e filha de Ras al Ghul, um dos principais arquinimigos do Cavaleiro das Trevas.

O conceito, como quase tudo criado por Grant Morrison, é ao mesmo tempo absolutamente simples e completamente maluco. Isso porque na graphic novel "Batman: O Filho do Demônio", escrita por Mike W. Barr e lançada em 1987, Bruce e Talia tem um envolvimento romântico, se casam e ela acaba engravidando. Porém, preocupada que a responsabilidade de ser pai esteja mudando os instintos de seu marido e acabe causando a morte dele, Talia finge ter perdido a criança, o que faz com que Bruce volte a ser o mesmo maluco de sempre. Porém temos aí dois plot twists: um é que Talia na verdade deu a criança para adoção, e o outro é que essa história não faz parte da continuidade oficial, sendo praticamente um "elseworld".

Mas aí entra Grant Morrison, que decide que não, essa história agora é, mais ou menos, parte da continuidade oficial, com a diferença que agora Talia decidiu ela mesma criar o bebê, que foi magicamente envelhecido para já ser um pré-adolescente que hospedaria a alma de seu avô e seria treinado para matar o próprio pai. Família, né, galera?

Batman porém acaba descobrindo a existência do filho e consegue impedir a cerimônia de transplante de alma, tendo agora, depois de tantos anos levando filho dos outros pra casa, finalmente o próprio filho pra criar.

Treinado para ser o maior assassino do mundo e sem ter tido nada remotamente parecido com uma infância, Damian é um garotinho absolutamente insuportável e violento, que não tem o menor respeito por nenhum dos outros Robins e discorda em absoluto dos métodos de seu pai, já que ele antes de completar 10 anos já havia matado mais pessoas que toda a Liga da Justiça.

Um Robin completamente diferente dos outros, ele ofereceu uma dinâmica muito específica para a batfamília, seja lentamente criando conexões com seus outros “irmãos”, seja vendo Alfred como um avô. Durante o período em que Bruce Wayne esteve morto e foi substituído por Dick Grayson, criou uma forte ligação com o primeiro Robin, além de, posteriormente, também ter morrido, voltado a vida, deixado de ser Robin, voltado a ser Robin, se tornado vegetariano após adotar uma Bat-Vaca. Coisa normal, coisa de jovem.

Já aparece como personagem no desenho atual da Arlequina e terá sua primeira aparição live action em “The Brave and The Bold”, o próximo filme do Batman sem ser o Batman do Robert Pattinson, porque esse é outro Batman.

Menção honrosa

Carrie Kelley, a Robin da minissérie "O Cavaleiro das Trevas" de Frank Miller, que se passa num futuro possível onde um Bruce Wayne aposentado decide voltar à ativa. Pode ser considerada a primeira Robin mulher, já que apareceu em 1986 enquanto Stephanie Brown só se tornou Robin em 2004, mas se a gente for entrar nesse jogo a primeira Robin vai ser a Julie Madison por conta de uma história em 1941 e bem, aí temos uma Robin que era interesse romântico do Batman e não queremos isso, eu acho. Carrie apareceu, dessa vez na continuidade oficial, como uma amiga de Damian, o quinto Robin, mas nada foi feito com ela depois.

Também existem, é claro, vários Robins de universos paralelos, indo desde o Robin da Terra-2, que é um Dick Grayson que continuou com a identidade de Robin mesmo depois de adulto; até Robin, “o brinquedo prodígio”, o Robin robô que trabalha com o Batman da saga "DC Um Milhão", que se passa no século 853; mas se a gente for falar dessas coisas vamos ter que falar do Bruce Wayne Jr que aparece em "Gerações" do John Byrne e do Robin da Terra-6, onde existem versões dos personagens da DC reimaginadas pelo Stan Lee, e aí a gente não vai terminar isso hoje.

Recomendações de leitura

Asa Noturna do Tom Taylor e do Bruno Redondo - Ainda que obviamente existam histórias excelentes do Batman com Dick Grayson como Robin, poucas fases do personagem foram melhores que a atual, que ganhou Eisner e os diabos, e tem não apenas grandes histórias como uma arte incrível. Pega ali de Nightwing #78 pra cima e vai pro abraço.

“A morte em família” - Você sabe que a galera realmente não curte um personagem quando dão pra ele o background mais trágico possível, acham pouco, decidem matar o coitado. Entre Batman #426 e #429 você pode acompanhar todo o esforço dos editores da DC pra se livrar do personagem que eles mesmos criaram.

“Justiça Jovem” - Ainda que o gibi solo do Tim Drake como Robin tenha sido excelente, poucas coisas superam “Young Justice”, escrita pelo Peter David, com arte do Todd Nauck. É Robin, Superboy e Impulso, o neto irritante do Flash, juntos com uma galerinha do barulho, aprontando todas.

“Batgirl” do Bryan Q Miller - Não, não, não vamos recomendar aqui, pra você conhecer a Stephanie Brown, a história em que ela morre, porque ela não merece isso. Mas vamos recomendar sim a fase dela como Batgirl em que a personagem foi melhor desenvolvida e menos assassinada, vale muito a pena conferir.

“Batman & Robin” do Grant Morrison - 26 edições de um dos autores mais malucos dos quadrinhos transformando o segundo Robin mais insuportável de todos em um personagem complexo e interessante, com direito a Dick Grayson como Batman. Só monta na Bat-Vaca e vai.

No que você pensa quando pensa na Liga da Justiça? Muito provavelmente em Super-Homem, Batman e Mulher-Maravilha. Talvez você pense no filme terrível do Zack Snyder. Quem sabe você lembre da pesada tensão sexual entre o Lanterna Verde John Stewart e a Mulher-Gavião, que pareciam o tempo todo prestes a dar uma macetada forte, daquelas que quebram mobília, mesmo sendo personagens de "Liga da Justiça Sem Limites", um desenho destinado a crianças.

Mas e se eu, tal qual essas pessoas que recomendam restaurante em vídeo do Tiktok, te falasse que por trás de uma portinha que você não dá nada existe uma Liga da Justiça que não apenas oferecia mais ação e mais desenvolvimento de personagens como também muito mais humor do que qualquer outra versão da Liga da Justiça que você já conheceu?

Então vem comigo conhecer o Bar do Pitic---quer dizer, a Liga da Justiça Internacional de Keith Giffen e J.M. Dematteis.

“Calma, meu Antimonitor”

O ano era 1987. A DC Comics havia acabado de realizar a famigerada Crise nas Infinitas Terras, um evento que tinha como função unificar seus universos paralelos e organizara sua cronologia, num clima muito forte de reboot, numa onda muito intensa de recomeços, numa vibe de quem estava meio constrangido de ter que explicar por que existia um universo onde o Capitão Marvel era amigo de um coelho falante ou como assim tem uma Terra onde o Batman e a Mulher-Gato tinham uma filha, do que você tá falando?

[Não que tenha dado certo, claro, já que não apenas voltamos a ter diversos universos paralelos como Hoppy, o coelho e a filha do Batman com a Mulher-Gato voltaram a existir]

Mas ventava a brisa dos recomeços e isso valia para todos os principais personagens. Super-Homem estava sendo reformulado por John Byrne, com direito a nova origem e tudo, da mesma maneira que a Mulher-Maravilha basicamente renascia em seu título próprio com George Perez e o Batman tinha sua história recontada desde o "Ano Um", por Frank Miller. O Flash (Barry Allen), como se tornou tradição nas grandes crises, morria, para dar lugar a um novo Flash (Wally West), sinalizando que ao menos quatro dos principais personagens da editora estavam passando por fortes mudanças.

A Liga da Justiça? Sua versão mais recente, a chamada "Liga da Justiça Detroit" - a primeira que, para dar mais liberdade narrativa aos roteiristas, era formada apenas por personagens secundários, tendo como integrantes mais famosos Aquaman e o Homem-Elástico - também havia sido debandada, com direito a vendas baixíssimas e vários integrantes morrendo, porém como eles eram todos secundários, ninguém sentiu tanta falta assim.

No ambiente dos quadrinhos de super-heróis em geral o clima também era de mudanças. Watchmen, Cavaleiro das Trevas, A Saga da Fênix Negra, o Demolidor de Frank Miller, Monstro do Pântano de Alan Moore, entre outras tramas que ofereceram ao gênero temas mais adultos, trazendo até mesmo uma legitimidade que a própria mídia na época parecia não ter.

Mas o que mais eu preciso saber pra entender essa versão da Liga da Justiça onde um Lanterna Verde cachorro precisa enfrentar um decorador espacial de ambientes?

E agora, quem poderá nos defender?

O cenário então é de um universo DC em reconstrução, em que seus principais personagens estão indisponíveis, seja porque estão tendo suas origens recontadas ou porque estão nas mãos de roteirista que não querem dividir seu controle com outros criadores. Mas precisa existir uma Liga da Justiça, certo? Afinal, Liga da Justiça é coisa séria - por mais que na formação anterior o líder fosse o Aquaman e um dos principais personagens tenha sido um dançarino de break.

A solução encontrada então foi montar uma equipe com os personagens que estivessem disponíveis na época. Canário Negro, uma nova versão pós-Crise da personagem dos anos 40; Besouro Azul, recém comprado de outra editora, a Charlton Comics; Capitão Marvel, agora no mesmo universo que todo mundo; Senhor Destino, outra atualização de um personagem da Era de Ouro; Doutora Luz, criada durante a própria Crise nas Infinitas Terras; Senhor Milagre, uma das criações de Jack Kirby que estavam vagando sem rumo pelo universo; Guy Gardner, o 3º Lanterna Verde da Terra, basicamente o reserva do reserva; e o Caçador de Marte, presença constante nas versões anteriores da Liga da Justiça.

Um casting considerado tão fraco e com personagens tão secundários, que o editor do Batman na época, Denny O'Neil, teria liberado o uso do personagem em algumas edições não por gostar da proposta da HQ, mas sim por pena dos autores.

No comando criativo da coisa foram colocados dois artistas já bem respeitados na época: o roteirista e desenhista Keith Giffen, responsável por uma das mais importantes histórias da Legião dos Super-Heróis, a "Saga das Trevas Eternas", que envolve epílogo com gente sequestrando criança e enviando ela pro passado pra se tornar inimiga dos pais; e J.M Dematteis, o roteirista responsável pela "Última Caçada de Kraven", aquela historinha suave onde o Homem-Aranha é enterrado vivo.

A eles se juntou uma rotação de grandes artistas, indo desde Kevin Maguire até Adam Hughes, dando ao projeto um pedigree que, no mundo real, era claramente maior do que aquele do universo ficcional.

Mas e a trama, me fala da trama!

O cenário dentro da HQ era mais ou menos o mesmo que existia fora dela: a ideia de uma reestruturação da Liga da Justiça, após um período de inatividade. Porém, mais do que uma Liga da Justiça “da América", como antigamente, ela seria uma Liga da Justiça Internacional, com integrantes que representassem não apenas os Estados Unidos, mas todas as diferentes partes do globo.

E isso aconteceu através da adição de novos personagens, como a heroína brasileira Fogo, a francesa Raposa Escarlate e até mesmo o herói russo conhecido como Soviete Supremo, além de diversos outros personagens que tiveram participações na série, indo desde o Gladiador Dourado até G'nort, o famigerado Lanterna Verde cachorro, além do Capitão Átomo, a Poderosa e até mesmo Flash e Mulher-Maravilha, que fizeram participações no título.

Capitaneados pelo empresário - e secretamente também telepata - Maxwell Lord, uma espécie de empreendedor picareta muito antes disso virar moda, essa Liga da Justiça viveu aventuras que envolveram desde terras paralelas até Lordes da Ordem e do Caos, além do governo da ficcional nação de Bialya e do vilão Despero. Isso sem contar inimigos como Sr Nebulosa, o "Decorador das Galáxias", uma espécie de Galactus obcecado por decoração, Lorde Manghá Khan, o "vendedor de carros usados do espaço" e tramas como a fundação de um cassino em uma ilha tropical que depois eles descobriram ter vida própria.

No decorrer de mais de meia década de duração dessa versão do grupo, heróis morreram, personagens foram substituídos, outras versões da equipe foram formadas - como a Liga da Justiça Europa - e num dado momento um super-herói australiano chamado "Diabo da Tasmânia" fazia parte da equipe. Mas o diferencial em todo esse período foi sempre o mesmo: a caracterização e profundidade dos personagens.

Você ganha uma personalidade, você ganha uma personalidade, todo mundo vai ganhar personalidade!

Isso porque se a Liga da Justiça Internacional é lembrada como uma série de humor, grande parte desse humor se deve - e só funciona - pela maneira como ela, no decorrer de mais de 60 edições, além de especiais e anuais, desenvolveu ou mesmo finalmente ofereceu uma personalidade a cada um dos super-heróis envolvidos.

Seja a amizade entre Besouro Azul e Gladiador Dourado, seja o arco de transformação de Guy Gardner de pessoa insuportável para pessoa um pouco menos insuportável, seja a paixão do Caçador de Marte por biscoitos Oreo ou mesmo a nova versão do Capitão Marvel que não era mais uma criança trocando de dimensão com um adulto mas sim uma criança num corpo adulto, a LJI ofereceu vários desdobramentos que não apenas duram até hoje como possivelmente ajudaram a definir personagens que antes eram um tanto quanto genéricos.

E era exatamente pelo fato dos personagens não serem mais definidos por seus poderes ou seus inimigos, mas sim terem traços perceptíveis de personalidade, que não apenas a comédia conseguia funcionar como a própria ação ganhava mais impacto. Batman derrubando um Lanterna Verde com apenas um soco tinha muito mais graça porque esse Lanterna Verde era um ser humano absolutamente intolerável que merecia demais tomar um soco. Gladiador Dourado abandonando a equipe tinha mais impacto porque ele e o Besouro Azul eram amigos inseparáveis e obviamente eles ficariam tristes. Uma missão durando demais deixava o Sr Milagre ansioso porque ele queria voltar logo pra casa e rever a esposa, fora o fato de que a esposa dele ser a Grande Barda fazia com que talvez ela mesma aparecesse lá pra resolver o problema.

Muitos desses personagens foram posteriormente, como se diz no Rio de Janeiro, "tirados pra merda"? Sim, Maxwell Lord virou um vilão que matou o Besouro Azul (que depois voltou e aparentemente já morreu de novo), e diversos outros personagens que participaram dessa encarnação da Liga foram absolutamente subutilizados nas décadas seguintes, mas é inegável o quanto essa formação da equipe foi não apenas marcante para a DC Comics como influenciou diversos outros criadores, que perceberam como era possível juntar humor e ação na mesma trama e que você não precisa ser "dark" ou "realista" pra contar histórias com forte apelo emocional.

4 HQ’s para conhecer a Liga da Justiça Internacional

"Liga da Justiça Internacional" - A série principal, que, na fase dos autores iniciais, Giffen e Dematteis, durou 60 edições, mais alguns especiais. Está sendo atualmente publicada em coletâneas de quase 200 páginas pela Panini, com o nome de "Lendas do Universo DC: Liga da Justiça", cada volume custando 30 reais e tendo entre 5 e 8 edições das HQ's originais. Recomendo muito, vale demais, é minha versão favorita da Liga da Justiça.

"Formerly Known as the Justice League" - Uma minissérie, publicada em 2003, mostra Maxwell Lord e L-Ron, antigo robô do Lorde Manga Khan, tentando reunir a antiga Liga da Justiça Internacional, anos depois, sob o nome de "Superamiguinhos", já que na época a Liga da Justiça oficial era formada pelos pesos pesados como Super-Homem, Batman e Mulher-Maravilha. Marca o retorno dos criadores originais e ganhou até um Prêmio Eisner, o Melhores do Ano do Faustão dos quadrinhos.

"I Can't Believe It's Not the Justice League" - Sequência direta de "Formerly Known as the Justice League", foi publicada entre as edições #4 e #9 de JLA Classified e nela temos coisas como um G'nort gigante, um Capitão Marvel sadomasoquista e gente tentando libertar amigo falecido que foi parar no inferno. Em suma, qualidade demais.

"Justice League 3000" - Não é a mesma Liga da Justiça mas são os mesmos autores, contando uma trama que se passa num futuro possível do universo DC, onde, no ano 3000, clones não tão bem feitos dos maiores super-heróis do século XX são criados para proteger o universo, mas passam mais tempo brigando entre si do que fazendo qualquer outra coisa. Não é do mesmo nível que JLI, mas ainda é bem divertido e num dado momento Besouro Azul e Gladiador Dourado aparecem, por alguma razão.

E claro, não poderia fechar essa newsletter sem mencionar a perda que foi o falecimento recente de Keith Giffen, não apenas co-criador da LJI como um dos grandes roteiristas e artistas da história das HQs. Fará falta e não será pouca.

Enquanto pessoa que acomapanha gibis mais ou menos desde quando aprendeu a ler, o conceito de “super-hero fatigue” – a ideia de que as pessoas não aguentam mais tanto filme de super-herói – acaba sendo pra mim ao mesmo tempo a coisa mais inimaginável e mais óbvia do mundo.

Inimaginável porque, bem, sendo eu um homem de quase 40 anos que lê cerca de 20 hqs mensais, acho que se fosse pra ficar exausto do gênero isso já teria acontecido. O que dita também a relação que eu tenho com as adaptações para outras mídias, em que realmente não gosto de todas, mas ainda assim sempre tem alguma coisa saindo que eu acho realmente interessante, principalmente diante da tendência de dar atenção a personagens cada vez mais secundários, permitindo situações como sentar na sala de casa e ver um live action onde aparece o Modok.

Mas como eu disse, é também a coisa mais óbvia do mundo. Afinal, depois do sucesso de Homem de Ferro e da decisão da Marvel de usar isso como base para um universo de filmes, todo mundo decidiu fazer a mesma coisa e o resultado foi uma quantidade imensa de filmes de super-herói, numa proporção em que, se antes você tinha um filme da Marvel por ano, talvez dois, agora você tem 3 filmes e 3 séries da Marvel, 2 filmes da DC, 2 da Marvel que tão sendo lançados pela Sony e às vezes até mesmo alguma coisa da Valiant com o Vin Diesel e o Winston de “New Girl”, que geral nem sabia que ia acontecer. 

Ou seja, se antes as pessoas viam um filme do gênero e pensavam “oba, um filme de super-herói”, agora quando surge um novo lançamento elas pensam “meu deus, mais um filme de super-herói”.

E ainda que o volume de lançamentos e a interconectividade entre eles possa sim ser meio exaustiva em dados momentos – “pra entender esse filme eu preciso ter visto quatro outros filmes, assistido três séries live-action e acompanhado duas temporadas de uma animação??” – a verdade é que a principal causa da fadiga relacionada aos filmes de super-herói é o fato de que vários deles são muito ruins. Assim, muito, muito, muito ruins. Terríveis. Sério, horríveis mesmo, sem a menor condição.

Filmes como “Morbius”, “Batman V Super-Homem”, o mais recente “Quarteto Fantástico”, “Lanterna Verde”, o primeiro “Esquadrão Suicida”, “X-Men: Fênix Negra”, entre outros – incluindo até mesmo produções da Marvel – acabaram ajudando a saturar o mercado e desgastar a boa vontade das pessoas em relação ao gênero, já que a maior parte do público não identifica esses filmes por seus diretores, roteiristas ou estúdios, e sim como “um filme de super-herói”, com consequências para todas as outras produções que ela considera similares.

O que não é injusto em nível algum, já que depois de assistir ao Lex Luthor do Jesse Eisenberg é compreensível a pessoa desistir não apenas dos filmes de super-herói como dos filmes em geral, e até mesmo de viver, se ela for mais sensível.

E é no meio desse ambiente cultural não tão positivo, em que até mesmo filmes da Marvel estão fracassando nas bilheterias, que a Warner (proprietária da DC e seus personagens) lançou “Besouro Azul”.

Subindo a ladeira com uma pedra chamada “DCEU” nas costas

Primeiro é preciso estabelecer que, além da já mencionada fadiga generalizada que cerca os filmes do gênero, “Besouro Azul” ainda teve que lidar com a má vontade coletiva que as adaptações da DC conseguiram angariar desde que o “Homem de Aço” de Zack Snyder inaugurou nos cinemas um universo já fadado a fracassar.

Porque se Homem de Ferro representou para a Marvel um forte chute na porta do universo do entretenimento, ditando os rumos para uma série de outros filmes, o Super-Homem de Zack Snyder – que tentava, em grande parte, emular no personagem a abordagem que havia dado certo para o Batman de Christopher Nolan – foi um passo em falso que gerou uma eterna correção de rota, que resultou em um não-universo confuso e desconexo, que acabaram chamando um cara da Marvel (James Gunn) para consertar.

Afinal, se um Batman “realista” deu certo, um Super-Homem “realista” vai dar certo também, não é? Errado, porque o Super-Homem não é um personagem realista. Bem, então vamos colocar ele pra enfrentar o Batman, aí vai dar certo, não é? Errado, porque foi criado um universo tão caótico que tanto o Batman quando o Super-Homem parecem maníacos. Liga da Justiça então, não tem como errar, vamos lá! Tem sim, claro, ainda mais se o diretor ruim que só quer filmar cena em slow motion sair no meio pra entrar o diretor que já não vinha acertando na Marvel.

Somando a isso o fato de que mesmo os filmes da DC que deram certo tiveram sequências ruins – “Shazam” e “Mulher-Maravilha” – e que os que deveriam remodelar o universo deram bem errado – “Adão Negro” e “Flash” – e você tem um cenário em que as únicas pessoas que parecem animadas com essas versões dos personagens são os maluquinhos de internet que comemoram lançamento de versão mais longa de filme que curto já era longo demais.

É nesse contexto, com mais bagagem negativa que um homem no quarto divórcio e no meio do que pode ou não ser um reboot completo do universo DC nos cinemas, que foi lançado, em 2023, o filme do “Besouro Azul”, um personagem pouco conhecido, interpretado por um ator não tão famoso, e dirigido por um porto-riquenho cujo crédito anterior no IMDB era um documentário sobre os Menudos.

E tudo isso é uma pena, porque Besouro Azul não apenas é um filme muito bacana como parece ter algumas das respostas para a famigerada “super-hero fatigue”.

O que podemos aprender com este filme sobre coleópteros?

Porque se um dos grandes problemas dos filmes recentes de super-herói é o quanto eles tem se tornado formulaicos e repetitivos – herói ganha poderes, herói é mal compreendido, herói salva o universo ao desativar um grande feixe de luz que vai do chão até o céu – Besouro Azul acerta ao abraçar o que tem de específico.

Mais do que focar no protagonista Jaime Reyes – interpretado com um carisma inegável pelo meninão Xolo Mariduena – e repetir mais uma vez a jornada já batida de descoberta solitária de poderes, o filme coloca toda a família dele no centro da trama, oferecendo diversas possibilidades diferentes de interação e escanteando de vez qualquer preocupação com identidade secreta ou coisa do tipo. 

Isso não apenas humaniza o personagem, através dessas relações, como aumenta a nossa empatia por ele, já que começamos a nos importar com toda essa família. Além disso, o tipo de humor gerado pelas cenas acaba sendo menos aquele de um filme da Marvel, com piadinhas aleatórias, e mais o tipo que você encontraria numa novela das seis bem escrita, com parentes que brincam entre si e os constrangimentos experimentados por alguém que convive com familiares o dia todo.

Além disso, o foco na família oferece ao personagem um fator de motivação muito mais compreensível do que “salvar o mundo” ou “proteger o universo”, já que ele quer apenas proteger a própria família, garantindo que eles tenham uma casa e dinheiro para pagar suas contas. 

E isso, aliado ao quanto o filme abraça sua identidade latina, com diálogos em espanhol e autenticidade na frente e atrás das câmeras – o roteirista também é mexicano – faz com que ele seja, por mais genérica que a ideia de “super-herói” seja, específico o bastante para não ser apenas uma repetição da fórmula e realmente ser capaz de cativar o público em suas duas horas de duração.

Ainda que, como apontou Randall Park numa entrevista, os estúdios pareçam apaixonados por tirar conclusões equivocadas, e quando Blue Beetle se tornar um sucesso no streaming vários executivos realizem anotações sobre como o público gosta de “avós com metralhadoras” ou “filmes com insetos no nome”, acho que são duas as lições mais claras de Besouro Azul.

Uma é que um filme de super-herói, para fazer sentido hoje, tem que abraçar o que existe de específico e genuíno no personagem. Sei que parece óbvio, mas numa era de filmes cada vez mais genéricos e produzidos em massa – Adão Negro passou mais de uma década em produção e foi tão genérico que o ingresso deveria custar mais barato que o de um filme cuja patente não foi quebrada – as pessoas estão dispostas a abraçar qualquer traço de autenticidade, até mesmo quando essa autenticidade é esquisita (vide o fato de que teremos um “Venon 3” nos cinemas).

A outra é que precisamos de mudanças na maneira como fazemos os filmes de super-heróis. Isso porque Besouro Azul, um filme divertido e com alguma autenticidade, provavelmente só conseguiu ser assim por ter surgido como um projeto diretamente para o streaming e então se esgueirado por dentre o caos que é a DC até chegar aos cinemas, possivelmente com um nível de interferência menor exatamente em virtude do seu orçamento mais baixo – “apenas” 100 milhões de dólares, praticamente 1/3 do orçamento estimado para “The Flash”, que ficou acima dos 300 milhões.

Porque filmes cada vez mais caros representam cada vez mais riscos para os acionistas, e diante do ímpeto de qualquer corporação para minimizar esses riscos e maximizar seus rendimentos, o resultado são produções cada vez mais homogeneizadas e revisadas por um comitê de executivos que está mais preocupado em repetir o que já deu certo antes do que em criar qualquer coisa.

Por isso tivemos alguém aprovando um Super-Homem sombrio na esperança de que ele fosse um novo Batman, por isso tivemos a Fox fazendo filmes bizarros dos X-Men apenas pra não perder os direitos, por isso tivemos a DC tentando transformar numa comédia um filme que era pra ser um drama porque Guardiões da Galáxia tinha saído naquela época e feito sucesso. Sim, as pessoas estão exaustas de filme de super-herói, mas acima de tudo elas estão exaustas de filmes ruins e iguais, e parece ter sido isso que o gênero de super-herói se tornou.

4 HQ’s para conhecer o Besouro Azul

Showcase Presents: Blue Beetle (2015) - Não apenas absolutamente tudo que você precisaria saber sobre o segundo Besouro Azul (Ted Kord) mas jamais teria a disposição de perguntar, como muito mais sobre o primeiro Besouro Azul (Dan Garret) do que você jamais imaginou que alguém quisesse discutir. Um calhamaço de quase 600 páginas, contendo as 24 edições do gibi solo do personagem nos anos 80, estabelece o personagem no universo DC, após ter sido criado na Charlton Comics (um dia ainda falaremos disso) e deixa clara a importância da ideia de legado na sua construção.

Lendas Do Universo DC: Liga Da Justiça Vol. 1 (2019) - A mais recente republicação brasileira da Liga da Justiça Internacional, a fase cômica da equipe, que tirou Ted Kord do ostracismo e o tornou pela primeira vez uma parte relevante do universo DC. Um dos meus gibis favoritos da vida toda, é o que tem o Lanterna Verde cachorro, o vilão cósmico que é um decorador de interiores e um integrante do time sendo substituído por um robô e ninguém reparando. Vale demais a leitura.

Countdown to Infinite Crisis (2005) - Uma tradição na DC é realizar eventos com “Crise” no nome, e outra tradição é, para marcar o começo de qualquer evento com “Crise” no nome, matar um personagem que seja importante o bastante pra alguém se importar mas não tão importante que os editores achem que faz falta. Na “Crise Infinita” de 2005 o escolhido foi Ted Kord, que passou tempo o bastante no limbo pra não ser essencial mas ganhou atenção o bastante nas décadas anteriores para ter impacto. E ainda que o personagem tenha depois voltado à vida, foi a morte dele nesse evento que permitiu o surgimento de Jaime Reyes, o terceiro Besouro Azul, que viria a se tornar protagonista da primeira adaptação do personagem para os cinemas.

Blue Beetle: Graduation Day (2022) - A mais recente minissérie solo do personagem, serve como uma ponte entre a cronologia das HQ’s e a do filme, unindo elementos dos gibis que ficaram de fora da adaptação (os melhores amigos Paco e Brenda) com elementos do filme que antes não existiam nos gibis (Victoria Kord), criando uma trama que é interessante pra quem já seguia o personagem mas não fica confusa pra quem acabou de chegar dos cinemas.

É possível afirmar, com certa tranquilidade, que poucos personagens na ficção ocidental passaram por tantas desgraças quanto Peter Parker, o Homem-Aranha.

Isso porque para o Cabeça de Teia não bastou a experiência padrão de quase todo super-herói, que é perder precocemente seus pais, como aconteceu com Batman, Super-Homem, Tempestade ou Namor. Ele precisou perder também sua figura paterna substituta e ter culpa nessa perda, já que o Tio Ben foi assassinado exatamente pelo bandido que Peter optou por deixar escapar.

O que sobrou? Sua figura materna substituta, a Tia May, que já foi dada como morta ao menos três vezes, seja por razões naturais (forjadas por vilões), seja de maneiras violentas (também causadas por vilões, mas aqueles sem paciência para simular razões naturais).

Isso sem contar, é claro, a namorada que foi atirada de uma ponte, e em tese morreu exatamente por conta da maneira como ele tentou salvá-la.

Se você somar a isso o fato de que ele já perdeu uma filha, foi enterrado vivo, dominado por uma gosma alienígena, transformado numa aranha gigante e assassinado ao menos duas vezes (contando apenas o Homem-Aranha do universo principal da Marvel) e você tem aí um super-herói que com certeza precisaria de muita terapia. Desde que não fosse, é claro, com o Dr. Bart Hamilton, que na verdade era um Duende Verde e tentou colocar Peter Parker dentro de um incinerador.

Como eu disse, é bastante coisa.

As cinco piores crueldades que a Marvel já fez com o Homem-Aranha

E diante de todo esse volume de situações desagradáveis, que envolve ainda a morte de diversas pessoas próximas a Peter (George Stacy, Ned Leeds, Harry Osborn, Jean DeWolff) e até alguns dramas mais cotidianos, como todas as vezes em que ele perdeu o emprego ou aquela época em que ele criou uma empresa do zero apenas para que ela entrasse em falência e todos os empregados e clientes levassem a situação muito pro lado pessoal, é fácil perceber que o sofrimento é sim um dos traços que definem o personagem.

Mas ainda que faça todo sentido a narrativa de que Peter Parker é um herói tanto pelos seus poderes quanto por sua capacidade de seguir sempre se levantando por mais que a vida se esforce tanto para derrubá-lo, hoje vamos falar de cinco situações em que o drama e o sofrimento que os editores e roteiristas da Marvel decidiram infligir ao personagem atingiram um nível tão extremo e absurdo, que a coisa deixou de ser trágica e entrou fortemente no campo da pura e absoluta sacanagem. Sério, a galera perdeu um pouco a mão.

A Saga do Clone (1994 a 1996)

Vamos já começar pela mais complicada, para dar uma ideia da dimensão da coisa. Logo após o pai do seu melhor amigo assassinar sua namorada ao atirá-la de uma ponte (situação de baixo stress), Peter Parker descobre que seu antigo professor de faculdade, que era apaixonado por essa falecida namorada, fez um clone dela (coisa tranquila, se deparar com sua falecida parceira por cuja morte você se culpa parece bem ok).

O ex-professor porém fez um clone também do Peter, que ele precisa derrotar numa briga de soco (nada mais terapêutico que agredir uma versão de si mesmo). Vencendo a briga, Peter deposita o clone em uma chaminé e tenta voltar a viver normalmente a sua vidinha (repleta de dor e tragédia)

Se passam alguns anos e Peter, agora com sua esposa grávida e logo após a morte da sua tia (cenário ideal para surpresas), é confrontado por esse clone, que ainda está vivo e, após uma série de situações, o leva para fazer alguns exames visando comprovar quem realmente é o original e quem é o clone (uma revelação nada dramática).

É revelado então que Peter na verdade é o clone, sendo o “clone” a pessoa original, de quem ele na prática roubou a identidade por mais de uma década (e jogou numa chaminé, não podemos esquecer).

Porém quando Peter, após finalmente processar todas essas informações, decide abandonar sua identidade heroica para viver uma vida mais pacata com sua esposa grávida, vem à tona que isso tudo era um plano do falecido pai daquele melhor amigo, que não estava tão falecido assim, para tentar roubar a identidade dele.

Ou seja, não apenas Peter não é um clone, como aquele clone, que ele passou a ver como um irmão, apenas derrete e se transforma numa gosma, além de Peter ser informado que a tia May não está morta e, assim que sua esposa dá a luz, descobrir que filha dele faleceu no parto - ainda que ela na verdade tenha sido raptada pelo vilão, aquele pai do amigo.

Esse amigo, por sinal, não aparece na história, mas faleceu também.

Duende Cinza (2004)

Imagine descobrir que a sua ex-namorada, a que morreu após ser atirada do alto de uma ponte pelo pai do seu melhor amigo, teve dois filhos com esse pai do seu melhor amigo, que viria a atirá-la do alto da já citada ponte? Essa é a premissa de "Pecados do Passado", uma história em que o Homem-Aranha é perseguido pelo "Duende Cinza", que ele posteriormente descobre ser Gabriel Stacy, o filho de um breve romance entre Norman Osborn, o primeiro Duende Verde e Gwen Stacy, a namorada de faculdade de Peter Parker.

Criados em segredo por Norman e tendo seu envelhecimento acelerado por conta dos produtos químicos presentes no sangue dele, os irmãos Gabriel e Sarah (sim, são dois filhos) acreditavam não apenas que Peter Parker era seu pai como também que ele era o responsável pela morte da sua mãe.

O fato de que a história foi considerada tão absurda que depois revelaram que tudo não passava de um plano de Harry Osborn (o filho falecido de Norman) para bagunçar a cabeça de Peter só torna tudo pior, porque deixa ainda mais sem sentido uma história que já nasceu um bocado esquisita.

One More Day (2007)

Talvez a única história capaz de rivalizar com a Saga do Clone em termos de irritação causada nos fãs do Homem-Aranha, a famigerada trama onde Peter Parker e Mary Jane vendem seu casamento para o capeta é talvez a maior apelação já realizada pela Marvel para tentar manter o status quo do personagem

Isso porque ela pega um Peter Parker que estava em um relacionamento saudável e funcional com Mary Jane, num trabalho no qual era relativamente feliz, como professor de ciências e, através de uma escalada de decisões não muito condizentes com o personagem, “reseta” praticamente todo o desenvolvimento que ele havia vivido desde os anos 80.

Tudo começa com o fato de que Peter, durante a chamada "Guerra Civil" da Marvel - que colocou de um lado um Homem de Ferro que defendia que todos os super-heróis trabalhassem para o governo, e um Capitão América, que defendia a liberdade de ação dos heróis - ficou do lado de Tony Stark.

Mas como se isso não bastasse, foi preciso que o Homem-Aranha, um dos personagens que mais se esforça para manter sua identidade secreta, sempre pensando na segurança de seus entes queridos, revelasse sua identidade secreta, tendo, como primeira consequência, prejudicar a segurança de seus entes queridos, com a tia May tomando um tiro e ficando entre a vida e a morte.

Surge então Mefisto, uma espécie de diabo do universo Marvel, que oferece a Peter e Mary Jane a possibilidade de salvar essa querida idosa em troca apenas do casamento deles. Basicamente eles perderiam as memórias de tudo que viveram como casal, mas May ficaria viva, uma proposta que eles acabam aceitando e que tem como resultado um Peter Parker solteiro, fotógrafo e que passa o tempo todo preocupado com a tia doente. Afinal, Mefisto garantiu que ela ficaria viva, não saudável.

Sexta-feira muito louca com Dr. Octopus (2013)

Uma das únicas forçadas de barra já citadas aqui a render histórias realmente divertidas, o período em que um Dr Octopus a beira da morte conseguiu trocar de corpo com o Homem-Aranha e decidiu usar essa oportunidade para provar que poderia ser um "Homem-Aranha superior" foi sim mais um exemplo de sofrimento desnecessário para um Peter Parker que não apenas morreu e passou a existir apenas como um pensamento perdido na cabeça de um supervilão como também, ao passear pela mente de Otto Octavius, descobriu que o vilão já havia sim, no passado, consumado a relação com sua tia May.

Duas sessões por semana é pouco, o tanto de terapia que uma pessoa precisaria depois disso ainda não tem nome.

Mary-Jane presa em outra dimensão (2022)

Chegamos ao ano passado e a vida de Peter Parker parecia estar entrando nos eixos. Ele estava de volta no próprio corpo, ele tinha um emprego, a tia dele estava viva, ele e Mary Jane estavam juntos e felizes. É hora, obviamente, da Marvel acabar com essa alegria.

E a solução dessa vez foi trazer de volta um vilão não tão importante de uma década atrás e fazer com que Peter e Mary Jane entrassem num portal para outra dimensão, tentando levar o vilão junto. Chegando lá, por causa de razões, Mary Jane ficou presa nessa dimensão paralela, enquanto Peter foi enviado de volta para a Terra, onde dedicou todo o seu tempo na busca por uma maneira de resgatar Mary Jane.

O tempo porém, na outra dimensão, passava mais rápido do que na Terra, fazendo com que aquilo para Peter foram poucos dias, tenha sido 4 anos para MJ, que nesse meio tempo não apenas se apaixonou por um cientista dessa dimensão (o famigerado Paul) como adotou com ele duas crianças, algo que certamente faz todo sentido para a personagem e não foi apenas mais um rabo de arraia narrativo visando desgraçar ainda mais a vida de Peter Parker.

E nem vamos falar sobre como algumas edições depois não apenas as duas crianças se desfizeram no ar sem grandes explicações como a coitada da Miss Marvel, que nem tinha nada a ver com essa história, acabou morrendo num gibi que nem era o dela apenas pro Homem-Aranha sem sentir culpado.

Complicado. Realmente bem complicado.

Eles foram a primeira super-equipe a surgir no universo Marvel, dois anos antes dos Vingadores e dos X-Men. Eles foram criados por aquela que talvez seja a maior e mais prolífica dupla da história das HQs, Jack Kirby e Stan Lee.

Eles lançaram a base pro que seria o "estilo Marvel" de contar histórias, seja dentro das páginas - origens ligadas à era atômica e abordagem mais realista das dinâmicas interpessoais - ou fora delas - produção através do "método Marvel", em que o roteirista entrega para o desenhista não um roteiro mas sim um "plot", que será desenvolvido pelo artista e depois volta para que o roteirista insira os diálogos.

Eles são a pedra fundamental de um universo e foi nas páginas do gibi com seu nome que surgiram personagens como Doutor Destino, Namor, o Vigia, os Kree, os Skrulls e Ronan, o Acusador, o único super-vilão cujo nome remete a um aluno da segunda série que gosta de dedurar coleguinhas para a professora.

Mas se o Quarteto Fantástico é tão importante assim, porque ele ainda não apareceu nos filmes e séries da Marvel, enquanto personagens como Arnin Zola, Korg, Ego (o planeta vivo) e até mesmo Batroc, um mercenário francês praticante de kickboxing e conhecido como "o saltador", já deram as caras nas telas do cinema ou da televisão?

Bem, para falar sobre isso temos que retornar a esse período de armas gigantes, clonagem sem limites e capas especiais que foram os anos 90.

Uma época em que todo super-herói morria e todo gibi vendia

Primeiro vamos estabelecer o cenário, certo? Começava uma nova década e tudo parecia ir muito bem no mundo das HQs. Os anos 80 haviam sido praticamente uma nova era de ouro para os quadrinhos, em termos não apenas criativos - “Watchmen”, “Cavaleiro das Trevas”, “Dias de um Futuro Esquecido”, “Novos Titãs”, entre outros - como também financeiro, com boas vendas e o surgimento de um mercado de colecionadores que estavam dispostos a pagar valores obscenos por gibis antigos ou raros.

É neste cenário que Ron Perelman, um executivo da empresa de cosméticos Revlon, decide comprar, em 1989, o Marvel Entertainment Group, a empresa que é dona da editora Marvel, responsável pelos quadrinhos. Mas ele não quis comprar só a Marvel, ele quis comprar também empresas relacionadas a Marvel, como, por exemplo, a Toy Biz, da qual ele recebeu 46% em troca de uma licença perpétua para a produção de cards e bonequinhos - que representam até hoje uma bela porcentagem do dinheiro relacionado ao mercado de super-heróis.

E até aí tudo bem, certo? Afinal, você pode gastar um pouquinho mais quando está sentado em cima da máquina de fazer dinheiro que é editora dona dos quadrinhos mais vendidos do mercado, como o Homem-Aranha do Todd MacFarlane, a X-Force do Rob Liefeld e os X-Men do Jim Lee, três artistas que obviamente não vão sair da sua editora para, junto com alguns outros, formar uma empresa concorrente ali por volta de 1991. Exceto que bem, eles saíram.

E sabe aquele fenômeno todo do crescente mercado de colecionadores? A sede exagerada das editoras em lucrar em cima disso, fazendo com que toda edição tivesse três capas diferentes e todo mês algum personagem morresse num título que era anunciado como "histórico" apenas para voltar à vida em 3 meses, somado ao fato de que todo mundo tinha passado a comprar 5 cópias de cada gibi e subitamente percebeu que não teria pra quem vender aquela tralha toda, levou essa bolha de consumo a estourar, gerando uma graaande queda nos patamares de venda - que não se recuperaram até hoje.

Ora ora se não são as consequências de minhas ações???

O que nosso querido Ron fez diante disso tudo? Gastou mais, comprando a própria empresa de distribuição, para se livrar dos intermediários, mas também absorvendo os custos relacionados, e apostou todas as suas fichas em adquirir o resto da Toy Biz, unindo todos os direitos em uma empresa só, que faria quadrinhos, cards, bonecos, filmes, séries e o diabo a quatro.

Ele comprou o resto da Toy Biz? Não. O plano dele deu certo? Não deu. A empresa declarou falência? Declarou. E foi aí que começou a ficar um pouquinho mais complicado falar sobre os direitos do personagens da Marvel nos cinemas.

Isso porque durante esse período de crise financeira um dos principais recursos para tentar levantar algum trocado e pagar dívidas era a venda dos direitos de personagens para outras mídias. E como a situação da Marvel era mais caótica que a cronologia do Cable, obviamente não apenas foram vendidos os personagens mais populares como eles saíram por valores e condições que, se já não pareciam tão bons na época, hoje soam apenas e completamente ridículos.

Alguns exemplos? Vamos lá

A venda não apenas do Homem-Aranha mas de todos os personagens associados a ele para a Sony, em 1998, um acordo que não apenas faz com que a Marvel atualmente precise pagar a Sony para usar o Homem-Aranha em seus filmes, como permite que o estúdio rival siga explorando todo o universo do Teioso em animações (como a brilhante franquia do Aranhaverso) e live-action (como o esquisito “Venon”, o bizarro “Morbius” e o já preventivemente questionável “Kraven”).

A venda dos direitos de lançamento de filmes do Hulk e do Namor pra Universal, que garante ao estúdio o direito de lançar filmes solo desses personagens, ainda que Marvel possa usá-los em seus filmes - note como Hulk é o único entre todos os Vingadores a não ter um filme ou série só dele, atrás até mesmo do Gavião Arqueiro, que é literalmente um homem que joga graveto nas pessoas.

A venda dos direitos dos X-Men para a Fox, em 1993, também feita no desespero, e que envolvia no pacote todo e qualquer personagem definido como "mutante", o que fez com que a Marvel tivesse que alterar a origem de personagens como Mercúrio e Feiticeira Escarlate em seus filmes, já que nas HQ's eles eram relacionados aos X-Men.

E nesse pacote da Fox foram também os direitos do Quarteto Fantástico, que chegaram a ter dois filmes produzidos pelo estúdio, sem muito sucesso, até que a Fox viesse a ser, em 2017, comprada pela Disney, a mesma companhia que já havia comprado a Marvel. E aí, finalmente, os direitos do Quarteto voltaram pra casa.

Finalmente de volta da Zona Negativa

Ou seja, a demora pra que Reed, Sue, Johnny e Ben fizessem parte do MCU se deve principalmente à sua relevância para o Universo Marvel, já que foram exatamente os personagens mais importantes que acabaram sendo vendidos durante os anos 90 e foram aqueles com quem nem tanta gente se importava que ficaram com a Marvel e foram adaptados antes para os filmes - quem não tem Homem-Aranha caça com Rocket Racoon.

Mas após anos de espera e dois filmes talvez não tão bons em que o Coisa era emborrachado e Galactus era uma nuvem (????) além de um reboot onde o Dr. Destino é um técnico de TI, o Quarteto já tem data para finalmente estar no mesmo universo cinematográfico que Homem-Aranha, Capitão América e Namor, o personagem cujo principal traço de personalidade é dar em cima da Mulher-Invisiível.

Com estreia prevista para maio de 2025 (uma data que provavelmente vai mudar em virtude da greve dos roteiristas) e direção de Matt Shankman, diretor e produtor de “Wandavision” mas também com participação em séries como "Six Feet Under", “Everybody Hates Chris" e "Psych", além de mais de 40 episódios de "It's Always Sunny In Philadelphia" nas costas, o filme ainda não tem elenco definido, por mais que absolutamente toda mulher loira e todo homem com cara de ignorar a própria esposa já tenham sido cogitados como Sue e Reed.

Por onde começar a ler o “Quarteto Fantástico”?

Fantastic Four #1 (1961) – O começo não apenas do Quarteto como também do universo Marvel como nós conhecemos. É o puro suco da incrível e complexa parceria entre Jack Kirby e Stan Lee, sendo não apenas a origem do super-grupo como também a cena que melhor define o personagem Reed Richards, um homem que logo após ouvir o melhor amigo dizer “eu não sou mais o homem que eu era, agora acredito que eu seja apenas uma COISA” chega e diz “ah, ok, seu nome é Coisa então? O meu vai ser SENHOR FANTÁSTICO”. Humilde, razoável e absolutamente brilhante em termos de ler o ambiente ao seu redor.

Ultimate Fantastic Four #1 (2003) – A linha “Ultimate” surgiu no ano 2000 com o lançamento de uma versão “atualizada” do Homem-Aranha, que leitores pudessem acompanhar do zero, e logo foi seguida por releituras de outros personagens clássicos. Uma dela foi esse título do Quarteto, que ofereceu uma versão moderna dos personagens, tão moderna que Reed Richards, o homem branco que se achava mais inteligente que todo mundo, acabou virando um vilão depois de algumas edições. É complicado, mas não tem como falar que não é realista. Ah, e neste universo o Dr. Destino não se chama Victor Von Doom e sim Victor Van Damme, because of reasons.

Fantastic Four 1234 (2001) – A única história fechada de todas que temos aqui, é fruto da cabeça brilhante, caótica e careca de Grant Morrison, que oferece ao mesmo tempo uma análise profunda dos personagens mas também lutinha, aventura e a presença de vários dos mais tradicionais vilões do grupo, indo desde o Doutor Destino até Namor, que é menos um vilão no geral e mais um inimigo do casamento alheio mesmo.

Outras menções pra lá de honrosas: Fantastic Four #232 (1981), começo da fase do John Byrne, uma das mais aclamadas da história dos personagens; FF #1 (2012), onde após a morte do Quarteto Fantástico é preciso que Homem-Formiga, She-Hulk, Medusa e uma moça dentro de uma armadura que simula o corpo do Coisa substituam a equipe; e Fantastic Four #570 (2009), em que o maluco do Jonathan Hickman cria essa que talvez seja a melhor fase do Quarteto nas últimas décadas, com gente morrendo, gente voltando, Homem-Aranha virando membro e os caralhos. Vale demais, galera. 

Não precisa ser exatamente um grande especialista em histórias em quadrinhos pra perceber o quão importante uma boa capa pode ser para qualquer gibi. Além de identificar o tipo de história de que se trata ou quais personagens estão envolvidos, a capa tem também o importante papel [hein, hein] de atrair o leitor, despertando sua curiosidade e fazendo com que ele pense “opa, acho que quero comprar isso aqui.”

E ainda que hoje as capas continuem exercendo sim essa função de chamar atenção dos leitores, elas acabam tentando atingir esse objetivo quase sempre através do uso de desenhistas mais famosos ou chamativos que os do interior da HQ - você coloca, por exemplo, uma capa do Alex Ross, e as pessoas vão comprar mesmo se a história em si tiver sido desenhada pelo Rob Liefeld com a mão trocada - ou através de variantes especiais - o mesmo gibi ter 10 capas alternativas, por exemplo - e coisas do tipo.

Mas houve uma época, principalmente durante as eras de Ouro e Prata das HQ’s, ali entre os anos 30 e 60, em que as táticas usadas para chamar atenção nas capas de gibi eram muuuuito diferentes, e na newsletter de hoje iremos falar sobre isso, e o fato de que atualmente nós temos coisas assim

Mas poucas décadas atrás nós tínhamos coisas assim

Ou mesmo como isso

Acabou se tornando isso

Um mercado pra lá de direto aprontando todas em clima de bem menos prejuízo

Mas pra falar sobre o processo de mudança nas capas de gibi temos que primeiro falar um pouco sobre como as vendas de HQ funcionam no mercado norte-americano. Sim, eu sei, esse é exatamente o seu assunto favorito e você passou a semana toda esperando que alguém te mandasse um email sobre ele, não precisa agradecer.

Ao contrário do que acontece no Brasil, em que quadrinhos são normalmente vendidos em banca de jornal e as comic shops são ambientes raros e frequentados apenas por um grupo extremamente específico de pessoas realmente interessadas no tema, nos EUA as comic shops são bem mais comuns, não sendo normal ver gibis de grandes editoras vendidos em outros lugares, com poucas exceções - a DC, por exemplo, já fez HQ’s exclusivas para venda no Walmart alguns anos atrás.

Isso porque nos Estados Unidos existe o chamado “mercado direto”, que consiste nas comic shops encomendarem para as distribuidoras exatamente a quantidade de gibis que acreditam que irão vender, de acordo com o interesse e solicitação dos clientes. E isso veio em substituição a que? Ao sistema de vendas em bancas de jornal, que representava um imenso prejuízo para as editoras, que não apenas precisavam lidar com diversos intermediários como ainda tinham a obrigação de reembolsar ao vendedor final todos os gibis que ele não conseguisse vender - coisa que não acontece no mercado direto, em que se a comic shop comprar o gibi e não vender, o problema é dela, que foi otária.

Mas o que isso tem a ver com as capas, meu Capitão América desenhado pelo Liefeld?

A grande questão, e a razão das capas terem mudado de “situação inexplicavelmente caótica em que o super-herói está se comportando de uma maneira que nem faz sentido” para “imagem icônica em pose heróica” é que, junto com a mudança do ambiente de venda, veio também uma grande mudança no público e na maneira como o produto é apresentado.

Porque afinal, o que é uma comic shop? É um estabelecimento que tem o fim específico de vender quadrinhos e produtos associados, como jogos de RPG, card games e memorabília - pôsteres, bonequinhos, etc - e que portanto é frequentado por um público específico, que tem interesse nesse tipo de produto. 

E se você não tem nesse ambiente o consumidor eventual, que entrou ali pra comprar um jornal e você precisa convencer a levar um gibi, mas sim uma galera que já compra quadrinhos com frequência e até mesmo já encomendou com antecedência os títulos que quer levar, o tipo de apelo que você precisa realizar é outro. Esse cara já conhece os personagens, esse cidadão já sabe o que ele quer levar, então o efeito de convencimento de uma capa chamativa acaba sendo bem mais baixo, o que levou a ilustrações que apostam mais no icônico, no estético, em convidar aquele artista mais prestigiado pra tentar transformar a edição em artigo de colecionador.

Mas vamos voltar agora a como era o sistema de distribuição antes do “mercado direto”, nas eras de Ouro e de Prata dos quadrinhos. Um período em que não apenas o público-alvo majoritário das HQs era composto por crianças como a venda era realizada em bancas de jornal, mercearias, parada de beira de estrada, supermercado, etc, disputando atenção nas prateleiras com jornais, revistas e tudo mais que você puder imaginar. Bem, nessa época a conversa era outra.

Porque em 1950, se você queria que o seu gibi vendesse, meu amigo, você precisava ter a capa mais absurdamente chamativa de todas, capaz de se destacar num mar de outros produtos, num caos de informação visual, numa caralhada de outras publicações, às vezes até mesmo entre um equipamento de jardinagem, uma aspirina e um pneu.

E pode ter certeza, a galera se esforçava. 

Grandes conceitos, sociopatia recreativa e histórias que começam pela capa

E as consequências dessa necessidade começaram a ser percebidas não apenas - obviamente - nas capas, como também nas tramas que aconteciam dentro dos quadrinhos.

Isso porque, com o papel central da capa na venda, o processo criativo, que antes consistia em primeiro criar as histórias e depois pensar numa capa que pudesse ilustrá-las, passou a funcionar num fluxo reverso, em que primeiro o editor pensava na capa mais chamativa possível e depois os roteiristas que se virassem para criar uma história que batesse com aquilo que a capa anunciava.

Mas ainda que tenham sido inúmeros editores usando diversos conceitos dos mais fantásticos para chamar a atenção dos leitores, dois deles merecem destaque, pelo quão absurdos são e pelos limites extremos a que foram levados.

Um são as capas com gorilas, fruto da descoberta do editor Julius Schwartz, da DC Comics, de que, se uma HQ possuía um gorila na capa, ela vendia mais. Não importava qual fosse o gênero do quadrinho, não importava o que o gorila estivesse fazendo, uma HQ com gorilas apenas e tão somente chamava a atenção das crianças e vendia mais. O resultado? Esse aqui

Um outro recurso que se tornou muito comum era o de apresentar o protagonista do gibi realizando alguma atividade que parecesse absurda, misteriosa ou apenas totalmente fora do que se espera dele, gerando assim no leitor a curiosidade pra entender que diabos estava acontecendo naquele gibi.

E sendo o Super-Homem um dos personagens mais populares da época e sendo ele conhecido pela sua bondade e vontade de ajudar, nada mais impactante do que, sim, exatamente, capas em que o Super-Homem está se comportando de maneira total e absolutamente arrombada, sem que pareça existir absolutamente nenhuma explicação racional pra esse tipo de comportamento.

Tudo isso com o bônus de que, como as capas eram criadas antes das tramas e cabia ao roteirista se virar para justificar porque o Super-Homem estava tentando matar o Aquaman de sede ou tentando asfixiar Lois Lane no espaço, as explicações não eram necessariamente as mais convincentes, o que fez com que o Homem de Aço tenha passado grande parte dos anos 50, 60 e 70 se comportando como uma espécie de sociopata que gastava grande parte do seu tempo pregando peças ou ensinando lições de moral bastante duvidosas para seu elenco de apoio (“então, Lois, vou te fazer pensar que vai morrer sem ar no frio do espaço pra você aprender que viagens espaciais são perigosas”).

Mas ainda que isso tenha resultado em personagens se comportando como maníacos, roteiristas tendo que justificar os comportamentos mais absolutamente injustificáveis e uma quantidade de tramas envolvendo gorilas que não condiz, de maneira alguma, com o nível de participação que gorilas costumam ter na nossa sociedade, essas duas tendências juntas geraram isso aqui:

E sinceramente, só pela cara casual do Super-Homem preparando o cozidinho e o jeito como a gorila está colocando o dedo na aliança, pra mim já valeu tudo a pena.

Após 9 temporadas, 184 episódios, alguns altos até bem altos e vários baixos que fazem a Fossa das Marianas parecer um bueiro de rua, a série “The Flash”, que apresentava semanalmente as aventuras do homem mais rápido do mundo, chegou ao fim algumas semanas atrás no canal CW.

Uma jornada ao mesmo tempo complexa e histórica, já que mesmo tendo perdido muito em qualidade nas suas últimas temporadas, a história de Barry Allen não deixa de ser a segunda mais longa série live-action de super-heróis já feita, atrás apenas de “Smallville” - isso, é claro, se ignorarmos o fato de que, para estar viva após tanto tempo num hospital onde tantas desgraças acontecem, a Dr. Meredith Grey muito provavelmente precisa ter algum tipo de superpoder.

E para celebrar o final dessa série que nos ofereceu desde a alegria de ver um gorila telepata falante até todas as versões progressivamente mais constrangedoras dos mesmos três personagens coadjuvantes, preparamos uma lista com as principais decisões criativas que impediram a série de atingir seu verdadeiro potencial e pavimentaram o caminho para que Ezra Miller, mesmo após tratar o código penal como uma lista de compras, tenha grandes chances de ser mais lembrado como Flash do que Grant Gustin.

Barry nunca foi o Flash certo - Ele é o Flash da era de prata, é o personagem que já havia protagonizado uma série live-action nos anos 90, é a encarnação do velocista escarlate que existiu sozinha durante mais tempo. Então nada mais natural do que Barry Allen ser o centro de uma nova versão da série, certo?

Nem tanto. Primeiro porque, ainda que Barry tenha sido o principal Flash entre 1956 e 1985, Wally West foi o “titular da posição” entre 86 e 2011, apenas 5 anos a menos, além de ser a encarnação mais popular do personagem, seja por conta da aparição nos desenhos da Liga da Justiça e Justiça Jovem, seja por ter protagonizado o período mais popular da HQ solo do personagem –isso sem falar que é ele o Flash da Liga da Justiça Internacional, o Flash da LJA do Grant Morrisson e o Flash do gibi clássico dos Novos Titãs. 

Somando isso ao fato de que Barry é possivelmente o menos interessante de todos os Flashs - Jay Garrick lutou na 2ª Guerra, Bart Allen é um adolescente que veio do futuro, Wally West hoje é um pai de família criando dois filhos com superpoderes enquanto Barry, bem, ele é um órfão que chega atrasado nas coisas - e você tem alguém que possivelmente contribuiria bem mais pra trama como um personagem secundário ou mesmo morrendo no primeiro episódio e passando o manto para Wally.

Casar com sua irmã de criação é muito esquisito - A ideia de fazer com que os protagonistas Barry Allen e Iris West sejam irmãos de criação que depois se apaixonam consegue ser ao mesmo tempo desnecessária, inexplicável e adicionar à trama um mínimo de oportunidades criativas e um máximo de complicações esquisitas.

Primeiro porque se o objetivo era adicionar diversidade a um elenco que nos quadrinhos é majoritariamente branco, você poderia apenas mudar a etnia dos protagonistas e tudo bem. Se você queria que Barry tivesse uma figura paterna substituta, ela poderia ser absolutamente qualquer pessoa que não o sogro dele, que diz coisas como “é incrível ver meus filhos de casando”. O resultado final é uma trama em que, mais do que a velocidade, é a normalização do incesto que parece ser o verdadeiro superpoder.

Romance é legal mas você já viu gente trocando soquinho? - Ainda que pareça ser menos uma decisão criativa do que uma obrigação imposta pelo canal - se uma série é exibida no CW pessoas bonitas vão que ter viver relacionamentos recheados de desencontros infantis - o foco exagerado da série “The Flash” no romance é sim algo que prejudicou o desenvolvimento de grande parte das tramas.

Isso porque não apenas o casal Barry/Iris tinha bem menos carisma do que o casal Wally/Linda - que deu origem nos gibis a grande parte da tramas adaptadas na televisão - como a relação dos dois era utilizada não como um fator de motivação, mas sim como uma solução mágica e repetitiva, onde o mesmo Barry que não era esperto ou veloz o bastante para resolver um problema atingia uma velocidade e uma cognição mais altas apenas porque Iris disse “vamos que vamos, amor”, no fone de ouvido dele.

Lá vem o Flash Reverso correndo atrás de mim, o Flash reverso que não tem alma nem coração - Falando em repetição, é preciso reconhecer o esforço que a série fez para, mesmo com acesso a uma imensa galeria de vilões e todo um multiverso de possibilidades, manter seu foco em reutilizar até a exaustão os mesmos personagens, de maneira a drenar qualquer alegria que a aparição deles pudesse causar.

E nenhum exemplo disso é maior do que a maneira como a trama utilizou o Flash Reverso, que começou como uma terrível e misteriosa ameaça e lá pela oitava temporada era praticamente só um vizinho inconveniente, dada a frequência com que aparecia e as maneiras constrangedoras com que começou a ser despachado. Não que exista problema em vilões  recorrentes - o Flash Reverso é sim um dos inimigos que mais vezes enfrentou o corredor escarlate - mas é preciso um mínimo de esforço e criatividade pra não transformar um grande inimigo em apenas mais um clichê narrativo através da pura arte da repetição.

(E nem vamos falar de todas as versões de Caitlin Snow, que foi desde cientista até vilã, para no final virar uma deusa que transforma as pessoas em plantas. Ou algo assim. Ninguém mais estava prestando 100% de atenção a essa altura).

3 histórias para conhecer melhor Wally West, o Flash que realmente é interessante mas virou meio que um figurante de luxo na série

Bem, primeiro é preciso lembrar que o Wally dos gibis é um tanto quanto diferente do Wally da série – ainda que agora o Wally da série exista também nos gibis, o que parece legal, mas na verdade é fruto de uma daquelas bagunças gostosas que apenas a DC sabe fazer. 

Porque nas HQ’s primeiro existia Wally West, o jovem sobrinho ruivo de Iris West, que era presidente do fã-clube do Flash e, ao ser levado pelo próprio Flash para um tour guiado pelo laboratório onde o super-herói recebeu seus poderes, foi atingido por um raio (tal qual o Flash), banhado em produtos químicos (tal qual o Flash) e recebeu poderes de supervelocidade (igual ao Bat—ao Flash).

Esse Wally West, se tornou Kid Flash, viveu aventuras com os Titãs e após a morte de Barry Allen, se tornou o Flash oficial das HQ’s por mais de vinte anos e foi o Flash que você viu no desenho da Liga da Justiça, por exemplo. Até aí tudo bem, você me diria. 

Só que em 2011 a DC resolveu fazer um dos seus queridos reboots e subitamente Wally West não existia mais, com Barry Allen voltando a ser o principal Flash. Porém, em 2014, com a introdução de Wally West na série de televisão, interpretado pelo ator negro Keiynan Lonsdale, os quadrinhos decidiram reintroduzir o personagem Wally West, como exatamente o mesmo sobrinho da Iris West, porém agora um jovem de origens interraciais, que assumiu o manto de Kid Flash. Até aí continua tudo bem, você me diria, já desconfiando que em breve as coisas vão azedar.

O problema é que, em 2016, diante do fato de que boa parte das pessoas sentia falta do Flash que acompanhou durante os anos 90 e 2000 - e outra parte estava apenas sendo super-racista - a DC decidiu que era hora de trazer de volta o Wally West original. Sim, o velocista ruivo que ela havia apagado completamente da continuidade em 2011.

Mas como lidar com uma situação em que você tem duas versões do mesmo personagem se trombando pela rua, uma um adolescente negro e outra um adulto ruivo, ambos com o mesmo nome, filhos das mesmas pessoas, dotados dos mesmos poderes?

Bem, se você é o editorial da DC, você faz o que sempre fez: finge demência e capricha nos retcons (retificação de continuidade). Porque agora o primeiro e o segundo Wallace são primos, que tem o mesmo nome (normal), mas pais diferentes – além do seu irmão Rudy, agora Iris tem um outro irmão, Daniel – e apelidos também diferentes – o mais velho segue sendo Wally, o mais jovem ganhou o apelido de Ace, que é também o nome do cachorro do Batman, mas a essa altura, o que dizer, né?

O resultado, além de uma imensa confusão mental para diversos leitores, foi a de não apenas desrespeitar um personagem antigo, o primeiro Wally, como jogar muito sujo com um personagem recém-criado e cheio de potencial, o segundo Wally, que se viu vítima de diversos clichês um tanto quanto racistas, desde ter problemas com a lei até ter um pai ausente pelas mesmas razões, como acabou sendo subaproveitado nas mais diversas mídias. Não foi legal, não foi bacana.

Ah, sim, isso era um espaço pra dicas, então a dica é: absolutamente qualquer coisa da fase do Mark Waid, ainda que o período em que o Grant Morrisson e o Mark Millar escreveram juntos a HQ do Flash tenha sido excelente também. 

“Mancha Solar” não é exatamente um dos personagens mais famosos da Marvel. Não é um Wolverine, não é um Ciclope, aparece um pouquinho em X-Men Evolution e quando finalmente recebeu algum destaque, foi em “Novos Mutantes”, um filme tão ruim que nem o estúdio responsável pelo “Quarteto Fantástico” de 2015 teve coragem de lançar.

Mas ainda assim, desde a primeira história dele que eu li, o personagem se tornou, por um monte de razões, um dos meus super-heróis favoritos.

Primeiro porque ele é um dos poucos personagens brasileiros da Marvel e da DC que não tem alguma conexão com a Amazônia– Magma nasceu no Brasil, mas numa colônia romana escondida na floresta (????) e Yara Flor, a brasileira que assumiu temporariamente o manto de Mulher-Maravilha, é literalmente amiga da Caipora. Sim, a Caipora. Sério. Não que a Amazônia não seja muito importante, não que ela não represente demais o país, mas digamos rolava uma generalização forte aí.

Já Roberto da Costa – um sobrenome meio espanhol, mas fazer o que – nasceu no Rio de Janeiro, num dos raros momentos dos anos 80 em que algum roteirista norte-americano de HQ’s lembrou que o Brasil não era só uma grande floresta, o que já ressoa bem mais comigo, que vim da Baixada Fluminense, um local que realmente Boitatá não frequenta, seja por geografia ou instinto de autopreservação.

Depois porque ele é, como a Wikipedia peculiarmente coloca, um “pardo brazilian”, filho de pai preto e mãe branca, uma situação étnica um tanto quanto incomum nos quadrinhos, dominados por uma grande maioria de personagens brancos, com uma pequena porcentagem de representantes de outras etnias, mas onde os personagens negros quase sempre são afro-americanos de pele retinta.

Pra mim, um nerd de quadrinhos também filho de pai preto e mãe branca, e que sempre teve imensa dificuldade pra se entender racialmente, é complicado dizer o quão reconfortante era ver alguém mais ou menos da mesma cor que eu numa HQ – ainda que obviamente cada colorista deixe ele de uma cor, seja pela dificuldade da galera de processar a etnia dele, seja por puro whitewashing mesmo.

Mas uma das coisas que sempre me pegou mesmo em relação ao personagem foi a maneira como ele descobriu os próprios poderes, ao se irritar e brigar com seus adversários durante uma partida de futebol, que é ao mesmo tempo a origem mais brasileira possível para um super-herói e o tipo de irritação que eu pessoalmente consigo compreender com mais facilidade.

E é o motivo dessa irritação que conecta o Mancha Solar, Vinícius Junior e um pouco da experiência pessoal de todo mundo que é preto nesse mundo que a gente vive.

Isso porque Roberto da Costa “ativou” seus poderes mutantes durante uma partida de futebol, ao sofrer seguidas faltas e ofensas racistas, tudo isso com a conivência do árbitro, até perder a cabeça e tentar segurar um dos seus adversários, numa situação perturbadoramente parecida com a vivida pelo jogador do Real Madrid. E que se torna ainda mais perturbadora a coisa toda é quando você lembra que o gibi em questão foi escrito em 1982 e Vini passou por isso 41 anos depois.

E ainda que seja tentador forçar a mão nos paralelos – passa sim pela cabeça dizer que que Vinícius “já é um herói” pela maneira como vem lidando com a situação, e é bem gostoso imaginar um moleque da base do Flamengo ganhando poderes solares e disparando rajadas na torcida do Valência – a verdade é que um personagem ficcional ter vivido no começo dos anos 80 uma situação terrível que uma pessoa real foi obrigada a viver praticamente semana passada acaba sendo apenas mais um atestado do quão pouco nós, como sociedade, realmente evoluímos em mais de 4 décadas.

Porque se nos quadrinhos o preconceito contra os mutantes acaba nunca sendo superado por razões narrativas – as histórias precisam de conflito pra funcionar e esse conflito está estabelecido demais pra ser abandonado – a única razão pra que, no mundo real, o racismo siga existindo é a conivência (ou esforço) de todos que se beneficiam dele, assim como tudo que é feito contra todo mundo que tenta combatê-lo de alguma forma.

Mas ainda que na vida real o cenário não pareça nada animador – Vini luta não apenas contra o racismo dentro de campo e nas arquibancadas, mas também contra o racismo sistemático da Liga Espanhola e da sociedade europeia como um todo – ao menos no universo dos quadrinhos existe alguma esperança. Afinal, se Mancha Solar começou com um promissor estudante na Escola Xavier para Jovens Superdotados, com o tempo ele virou um X-Men, se tornou um dos Vingadores (comandando uma das equipes por um tempo) e hoje é dos mutantes que comandam o planeta Marte.

Porque se tem uma lição que os gibis, principalmente os dos X-Men, sempre ensinaram, é que você pode até tentar derrubar alguém por ser diferente de você, mas você nunca vai conseguir tirar dessa pessoa os talentos que fazem com que ela seja especial. E se isso vale pra personagens com dons imaginários, como é o caso do Mancha Solar, com certeza vale mais ainda pra alguém com habilidades tão reais, como é o caso do Vini Jr.   

3 histórias para conhecer melhor Roberto da Costa, o “Mancha Solar”

Se, além de agredir a torcida do Valência, possivelmente espanhóis em geral, ou racistas enquanto grupo, você também ficou com vontade de ler mais sobre o Mancha Solar, ficam aqui três sugestões de HQ's que você consegue encontrar com relativa facilidade e que representam momentos muito interessantes da trajetória do personagem

"Os Novos Mutantes - 1982" - A graphic novel que deu origem a Roberto da Costa, com roteiro de Chris Claremont e arte de Bob McLeod, apresenta toda uma nova geração de mutantes, que vão desde Mancha Solar a Míssil, passando por Miragem, Lupina e Karma. Não apenas é um dos grandes roteiristas da história dos X-Men vivendo seu auge como também é legal encontrar os Novos Mutantes ainda no começo de sua trajetória, antes do Cable aparecer e fazer com que eles passassem de "Malhação com sci-fi e fantasia" para "grupo paramilitar com pochetes"

"U.S.Avengers - 2017" - Muitos anos se passaram, um grupo de supervilões chamado Ideias Mecânicas Avançadas (IMA) foi comprado pelo exército americano e nosso menino Roberto agora é o líder de um grupo de Vingadores sancionado pelo governo do qual fazem parte seu amigo Míssil, dos tempos dos Novos Mutantes, a Garota-Esquilo, uma jovem que tem poderes de esquilo e fala com esquilos, e um Hulk vermelho de bigode. Se você precisa de algo além de "hulk vermelho de bigode" pra se motivar a ler um gibi não tem nada que eu possa fazer por você.

"X-Men:Red - 2022" - Então, agora os X-Men colonizaram Marte. Não, não, fica aqui, tá tudo bem. Como eu vinha dizendo, os X-Men colonizaram Marte e a Tempestade, por ser a pessoa mais foda da equipe, foi enviada pra lá pra fazer parte do governo do país, ao lado da outra raça de mutantes que habita o planeta (porque claro que tem outro grupo de mutantes). Vale muito por apresentar o que pra mim é a "versão final" do Mancha Solar: um Tony Stark mutante tupiniquim que é tão perigoso por causa dos poderes quanto pela inteligência estratégica e a aptidão para a fanfarronice. E sim, às vezes ele usa um robôzinho que leva champanhe pra ele. Apenas adorável, eu sei.

Subscribe now