Es el resultado de la colaboración entre MatterMatters, una colección mexicana de diseño, moda y arte, y el Instituto de Cultura de la Embajada de México en Alemania. Dicha exposición permanecerá abierta al público en la ciudad alemana hasta el 21 de agosto de 2026.

La exposición no solo abarca moda, también incluye a artistas y arquitectos. Aquí, la moda mexicana se expresa a través de cosmologías que fusionan lo ancestral, lo virreinal, lo moderno y lo contemporáneo para dar vida a un sincretismo singular.

La Embajada de México en Berlín funge como un escenario donde convergen creativos, investigadores y comunidades migrantes, cuyo objetivo es abrir un espacio propicio para mostrar la riqueza de la cultura mexicana en Europa.

Esta exposición permite que el diseño de moda mexicano se lea como un campo de innovación material, simbólica y conceptual. El enfoque metafórico sirve aquí como herramienta crítica que desplaza imaginarios estereotipados y abre nuevas formas para que el público comprenda la moda mexicana como un lenguaje que encarna resistencias históricas, pluralidad estética y una capacidad inventiva única.

Entre las marcas que se presentaron se encuentran Phoebe & Annette Stephens, Armando Takeda, Aurea Bucio, Bárbara Sánchez Kane, Cancino, Carla Fernández, Cihuah, Cuata Jewelry Dancassab, Daniela Cassab, Iván Ávalos, Jessica Sánchez, Jonathan Arroyo, Kris Goyri, Lorena Saravia, Mancandy y Pink Magnolia, entre otras.

Para conocer más sobre cómo se dio esta colaboración y os detalles que la rodearon, pude conversar con Viridiana Zavala Rivera, directora de Matter Matters, y con Isaac Rankuroi, diseñador de moda y curador de la exposición.

Juan Ramón: ¿Cómo se dio ese acercamiento con la Embajada de México en Berlín?

Viridiana Zavala: Por octubre del año pasado, la coleccionista —nombrada así por motivos de privacidad— nos indicó que Francisco José Quiroga Fernández, embajador de México en Alemania, se había acercado para solicitar una colaboración. Gracias a la sugerencia del embajador, nosotros entramos en contacto con Tadeo Berjón, quien es el director de Cultura de México en Alemania.

Cuando empezamos el diálogo, Tadeo sugirió que podríamos hacer una exposición y fue cuando justamente nos pareció un buen momento, después de dos años de venir institucionalizando la colección, para dar este salto y pensar: ¿por qué no llevar estas piezas fuera del país? Además, más que una oportunidad para nosotros, representaba una oportunidad para muchos de los diseñadores.

Platicando sobre algunas opciones, surgió la idea de invitar a Isaac Rankuroi a hacer un concepto creativo que pudiéramos llevar. Resultó esta idea de México como un espacio muy distinto, como si fuera otro mundo, pero obviamente, por temas de diplomacia cultural, no podíamos ver a México como otro planeta, porque en realidad lo que se busca con las instancias diplomáticas es unir a la gente, no separarla.

Entonces, después de algunos trabajos entre Isaac, la coleccionista, Mariana Solis y Montserrat Farías, quien lleva nuestro archivo y es historiadora, llegamos a la conclusión —sobre todo por parte de la coleccionista— de que, en realidad, era como estar en otra dimensión.

Al final, hicimos un pequeño research de todas las connotaciones que tenía el concepto y fue así como se llegó a que la exposición se denominara “De una dimensión llamada México”.

Se propuso llevar una primera lista de 54 piezas; sin embargo, al ver la oportunidad de poder trasladar la obra a Berlín, decidimos extenderla a casi 100 piezas. De ellas, había seis looks que iban a viajar a Berlín, de los cuales tanto Isaac como la coleccionista y Lucrecia Ayala se encargaron de hacer el estilismo.

Se emocionaron tanto que generaron otros cuatro looks que no pudieron ir a Berlín; sin embargo, se decidió hacer fotografías editoriales en gran formato. Fue cuando Jonathan Arroyo se unió al proyecto. La sensibilidad tanto de Jonathan como de Akima, la modelo, fue lo que hizo que esas fotografías fueran lo que son.

De ellas se tuvieron que elegir veinte para exhibirse. Sin embargo, necesitábamos mostrar el trabajo de Jonathan porque era impresionante. Fue cuando ideamos un catálogo o un fotolibro. Aun así, algunas se quedaron fuera, pero esperamos que la colección itinere para que crezca.

Entonces, decidimos incluir también piezas de algunos artesanos, como el maestro Alipio, quien es un maestro artesano del calzado que lleva 30 años o más en el Salón Los Ángeles, diseñando calzado de baile. Se incorporaron más piezas, por ejemplo, los zapatos Molinillo de Carla Fernández y algunas piezas de Bárbara Sánchez Kane y Aurea Bucio, quien también trabaja mucho con artesanos. Así fue como la exposición fue creciendo.

Juan Ramón: Impresionante. Parece que se entregaron completamente al juego de explorar el diseño que tenían a su alcance y crear looks…

Viridiana Zavala: Y no solamente las piezas; también se mandaron a hacer vitrinas. Afortunadamente, Fernando Barrueta, con la museografía, pudo resolver bastante bien el tema de la distribución. Tanto Mariana Solís como Montserrat Farías se pusieron a investigar, así que hubo un diálogo muy bonito entre cada una de las piezas gracias a que el equipo ya conocía muy bien cada una de ellas.

Juan Ramón: Wow, maravilloso. ¿Y ustedes pudieron ir a Berlín?

Viridiana Zavala: Sí. En un inicio fue Fernando, quien justamente hizo la museografía y es arquitecto de formación. En conjunto con el equipo, sobre todo con Omar Vega y Mariana. No es fácil montar en un espacio que no conoces previamente porque no sabes cuáles son las condiciones. Por ejemplo, había un espacio maravilloso, pero tenía un tragaluz enorme y el conservador dijo: “No hay manera porque no le puede pegar la luz directa”.

Fer fue conmigo al primer montaje junto con Isaac Rankuroi, el curador, y ahora, de regreso, van Mariana y Omar para la recolección de obra.

Isaac Rankuroi, diseñador y académico de moda, me comparte que anteriormente ya había trabajado con la colección Matter Matters cuando él era coordinador de la carrera de Diseño de Moda en Centro. Tanto en 2018 como en 2019, Isaac montó una vitrina donde curó la exhibición para la escuela como parte de un ejercicio académico. Esto, combinado con su trayectoria en la docencia y en la moda, bastó para considerarlo apropiado para esta curaduría.

Juan Ramón: ¿Cómo llegó a ti esta oportunidad?

Isaac Rankuroi: La primera plática fue en verano del año pasado. Viridiana y todo el equipo me invitaron a formar parte y dijeron que querían llevar moda mexicana a Berlín, que se había abierto una oportunidad a través de la Embajada de México y que nos iban a apoyar mucho.

Me invitaron a hacer la curaduría y la museografía. Me compartieron una lista inmensa de lo que tenían y me dije: “¿Qué tengo frente a mí?”. Muchas marcas ya las conocía y conozco a los diseñadores desde hace tiempo. Mira, está esto: piezas increíbles de Iván Ávalos, de Mancandy, Pink Magnolia, Kris Goyri, todo esto fenomenal, pero es que nada tiene sentido. ¿Cómo le voy a hacer?

En eso tuve como la mayor epifanía y dije: “Claro, es que eso es México”. Tú caminas por la calle y ves un edificio barroco colonial al lado de la arquitectura moderna, al lado del puesto de tacos, al lado de mil cosas. México es eso: somos un collage de muchas corrientes, es un prisma multifacético que echa luz de todos los colores.

Entonces, sin temor a equivocarme, empecé a mezclar Kris Goyri con Iván Ávalos, Iván con Mancandy, y literalmente mi regla fue: de chile, mole y pozole. Fue padrísimo ir calibrando, en términos de estética, proporción y composición, todo eso que puede ser un poco aburrido, pero que al final le da sentido a las cosas.

“Algo que quise cuidar muchísimo es que no se volviera el souvenir de lo que es México, porque sí somos color, somos textura, bordados, artesanía, pero también somos muchas otras cosas. Obviamente hay bordados autóctonos muy lindos, pero también hay piezas bordadas a mano galácticas”.

Juan Ramón: He podido ver que son piezas contemporáneas que se alejan totalmente del estereotipo de diseño mexicano. Esta lista de diseñadores tiene una artesanía diferente.

Viridiana Zavala: La verdad es que es una locura en términos de preservación material. Hay piezas que van desde plumas, piel, pedrería y todo un reto constante. Por eso, además de trabajar con el ENCRyM, se trabaja con restauradores especializados en cada rubro. Estamos todo el tiempo colaborando con gente experta, incluso externa, que se ha vuelto grandes aliada porque no es fácil, materialmente hablando, tener todo en el estado que debe estar.

Juan Ramón: ¿Cómo fue llevar la exposición a Berlín?

Isaac Rankuroi: Esto tiene que ver con las limitantes. Las valijas diplomáticas tenían cierto límite de peso, volumen y tamaño. Había piezas espectaculares de Iván que no se podían meter en las valijas, entonces yo les dije: “¿Qué tal si va parte de la exhibición a través de la imagen?”. Y de ahí surgieron las fotos.

Yo conocí a Jonathan hace como cuatro años, pero no habíamos hecho nada hasta que este proyecto se presentó. Él ya había hecho cosas muy bonitas, muy sofisticadas y, para mí, era una apuesta segura dado su portafolio. Ellos me dieron la luz porque era lo que queríamos comunicar y fue una de las experiencias más increíbles de la exhibición.

Nótese: para solicitudes, dudas o colaboraciones educativas favor de ponerse en contacto con la colección a través del correo electrónico [info@matemates.com.mx]

Fotos: Coteresía de MatterMatters.

Agradecimientos: Muchas gracias a Viridiana, Mariana e Isaac. Un abrazo por este logro y posteriores.

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No es que fuera especialmente original, ni tampoco mala onda, creo, pero tuvo una especial repercusión, lo suficiente para ser la gota que llenó mi vaso de aprendizajes sobre mi labor como editor y escritor de este newsletter a lo largo de los últimos tres meses. Aprovecho esta ocasión para compartirles un poco de estas experiencias.

Con el fotógrafo aprendí varias cosas: aunque sea un borrador, procura que no tenga faltas de ortografía o redacción. La gente se puede atacar. Él no se sentía cómodo con eso, que no lo representaba y tampoco le gustó como lo había descrito/retratado.

La parte de la ortografía va, lo entiendo, pero era un borrador. De hecho lo paso mal con ello, pues suele pasarme que, pese a que reviso los textos, luego se cuelan errores y de verdad odio cuando los veo y ya está publicado. Me da una especie de rabia interna porque me gustaría que todo saliera perfecto, luego pienso que todos dudarán de mi por estos pequeños errores.

Yo por eso no juzgo errores ortográficos cuando leo, estoy consciente de que le puede ocurrir a todo el mundo, especialmente en proyectos independientes que entre las prisas y los mil cosas que hacemos ocurran estos errores, aunque me han dicho que la IA es buena aliada para esto.

Esta no fue la razón por la que no se publicó, pero necesitamos contexto.

Contexto

La entrevista se la hice en parte por una sugerencia/comentario de un amigo que es cercano a él, cosa que tuve que haberle dicho no desde un principio, o al menos decirle que lo pensaría más tiempo. La cosa es que la entrevista se realizó, la charla fue amena, tenía nuevo contacto, el tipo me pareció educado, y tal. De hecho, le estoy muy agradecido por su estudio para la editorial de mi blog.

Esa vez acordamos que le publicaría en el blog una entrevista con todos que tomaría yo, en parte porque no tenía (aparentemente) más contenido que subir al blog y en un momento de arrojo dije sí, saldrá ahí. Además, lo vi como una forma de agradecerle el gesto por la renta del espacio a un precio accesible y hacer las fotos de la editorial. Uno se las arregla en el mundo de la moda para sobrevivir.

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Como dije, acepté hacer la entrevista porque no quería quedarme sin contenido, lo que ahora más que nunca lo tomo como una lección, porque no puedo aceptar propuestas de contenido o sacar contenido solo por publicar. De hecho, fue quizá la tercera vez (y espero la última) donde me pasa esto.

No puedo pasar por la vida sin considerar mi línea editorial digamos, no debe quedar por debajo de una invitación a un evento, ya sea para cubrirlo o asistir, ni tampoco aceptar o creer que todas las entrevistas son buenas.

Mi labor como editor la he tratado de pulir para que tenga coherencia, en todos los aspectos. Por ejemplo, así gestioné mi asistencia a una pasarela independiente de ropa urbana hace poco más de un mes y de no ser por dos marcas que sí me interesaban, no hubiera ido. Pensé en sacar foto de todos los diseñadores, pero la verdad no era una propuesta medianamente interesante para mi, ni para el blog.

Siguiendo con la experiencia del fotógrafo, continuó escribiendo que no veía favorecedor una línea que escribí: “Su oficina pasa por una remodelación, así que no tiene realmente muebles…” su recomendación ante esta descripción fue: “No has escuchado si no tienes algo bueno que decir no lo digas?”

Lo que describí no fue inventado, era verdad y consideré que le daba un toque especial, bohémico y humano, por eso consideré que no estaba dispuesto a cambiar mi texto. Además, sentía que la relación se había empezado a convertir extraña entre ambos. Al menos de mi parte.

Sentí una especie de conveniencia, pues semanas posteriores a ese hecho me preguntó si no sería posible que la entrevista saliera en Percha, revista donde colaboro, y que ellos tomaran las fotos. Yo creo que pensó que tal vez podría salir en un medio más grande, pues me dijo que por estretagia no lo había hecho. Supongo que quedaría más interesante para su carrera. Y yo dije, ni modo, así sin fotos, cosas que pasan.

Pese a eso yo todavía pregunté en la revista si sería posible la publicación, les pase su información y más, y me dijeron que no. De hecho, me preguntaron por qué quería que saliera en la revista, y fue hasta ese momento en donde me di cuenta de que no tenía una justificación contundente salvo el hecho circunstancial de haberlo conocido y decirle que le iba a hacer una entrevista a manera de agradecimiento por su ayuda en ese momento con su estudio.

Su actitud no es rara en este mundo de la moda, supongo que la mía tampoco, todos queremos algo, pero no me parecían amigables sus propuestas, algo que yo sí trato de hacer con las personas que me rodean, que no todo sea conveniencia, que haya lazos por minimos que sean, por lo que presentí que no era del todo trasparente como yo lo había sido, ni tampoco me parecía confiable por algunos comentarios circunstanciales en mi poca convivencia con él.

Y sí, quizá no estoy diciendo cosas buenas que no debería decir, pero es necesario para mí.

Con esta experiencia encuentro un paralelismo con una situación que viví con mi anterior texto. Se trató de una entrevista a una diseñadora y curadora de arte para lo cual yo le mandé las preguntas y me las regresó respondidas por escrito.

El formato era sencillo, pero en este afán de no escribir en formato pregunta-respuesta omití algunas comillas valiosas para citarla, algo vital, lo que desembocó en una molestia por su parte, por lo que tuvimos una plática importante sobre la redacción.

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En esa ocasión se tuvo el canal de comunicación, yo había cometido errores y había tenido nuevamente prisa por el contenido que aparte de esos errores de puntuación, no me detuve a pensar más sobre la conclusión que quería darle al texto en ese preciso momento.

En esa ocasión pusimos en orden nuestros argumentos, ella me hizo ver el error, yo estuve abierto y corregí lo que había hecho mal. Claro, me sentí apenado y avergonzado.

Dado su nombre y renombre, me pareció admirable su apertura al diálogo, y yo lo busqué, en parte porque tenía la seguridad de por qué lo hacía y en parte porque pudo haber escalado a algo más. Esta situación, como la del fotógrafo están unidas por un error en común: la prisa o el ansia de publicar.

Para terminar con la historia del fotógrafo, la entrevista no la publiqué porque me di cuenta de que tenía la oportunidad de volver a tomar el control de mi blog aprovechando estas diferencias que me resultaron hasta cierto punto conflictivas, era un momento para no ser condescendiente, de no callar y dejar que la cosas no tomaran su curso. Sin fricciones.

Ya no estaba cómodo con el texto, y tampoco seguro de por qué lo estaba haciendo. Además, no tenía ningún compromiso con él, solo queda darme cuenta que somos diferentes personas en el camino, y no congeniamos con todos. Ambos estuvimos de acuerdo en que lo mejor era que no se publicara.

Si lo lee quizá no le guste, pero no es en mala onda y quizá sea una experiencia con la generación de cristal, quizá no deba hablar de más sobre estas cosas, pero se sentía genuino.

Durante mi recorrido por la galería me tomé el tiempo de observar las prendas, me hubiera encantado tocarlas porque muchas de ellas tienen texturas que piden ser tocadas. Punto y aparte, me llamó la atención la construcción de las formas, las proporciones y lo simple que pueden llegar a ser algunas, cuya clave está en la composición que navega entre lo dramático y lo sobrio.

PTRA

En 2017 Montserrat inició M.A Gleason, un alter ego bajo el cual comenzó a diseñar ropa. Más tarde M.A.Gleason se fusionó a PETRA, que ya era un proyecto fundado años antes (2007) concebido originalmente como un programa curatorial.

“¿La moda es arte?” En aquellos días de abril esta pregunta rondaba más en mi cabeza porque iba a ser la MET Gala bajo el dress code: Fashion is art. Alrededor del evento había una mediana conversación y no veía posturas destacadas que lo objetaran. Bajo este contexto y después de visitar la exposición, quise preguntarle esas inquietudes directamente a Montserrat. Esta fue su respuesta:

A esta respuesta, añade que no le parece que la moda necesite la validación del arte en lo más mínimo. Desde su punto de vista y experiencia, la moda tiene sus propios circuitos, su propia historia e industria y que el problema es más complejo que esa pregunta.

En el caso particular de Montserrat y dada su experiencia, se ha alimentado de precedentes en las vanguardias históricas de artistas que hicieron indumentaria y/o de colaboraciones íntimas y fructíferas entre diseñadores y artistas. Por su parte, enfatiza que se encuentra interesada en diseñadores históricos y contemporáneos que tienen un trabajo alrededor del patronaje para deformar y moldear al cuerpo.

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El conocimiento de manipular textiles

Al ver las prendas en una sala de exposición me hizo pensar en el inicio de esta práctica, pues desde el inicio del siglo XXI la moda no es ajena a los museos y galerías.

Recordando algunos ejemplos tenemos a Giorgio Armani que ocupó el Frank Lloyd Wright en el Museo Guggenheim de Nueva York en el 2000 y el Museo Victoria y Alberto cuando montó una exposición sobre moda radical que reunió el trabajo de 11 diseñadores, desde Vivienne Westwood hasta Jean Paul Gaultier (2001).

En México, en 1999 ocurrió la primera exposición de moda en el país en el Museo de Arte Carrillo Gil curada por Ana Elena Mallet. El nuevo siglo vino con cambios significativos para la moda y las lineas que la atraviesan como expresión humana, la sociedad y el arte.

Ver esta exposición en la Galería LABOR no es inaudito, pero sí novedosa la forma en que se expuso ¿Y si los objetos tuvieran memoria?, es una colección concebida como exposición, pero pensada para funcionar tanto como prendas aisladas en los cuerpos de personas como en su conjunto en el cubo blanco. En esta exposición, como en el resto del trabajo de PTRA, la experimentación es parte del proceso y el resultado.

“Todo es parte de un trabajo técnico que vuelve más complejos los procesos de pensamiento y creativos”, afirma. “Es por ello que el montaje está construido para complicar las jerarquías entre arte y moda. En ella, los grandes temas que la construyen son 1) El punk, La posesión y el perro, 2) suspira y 3) la perdida de autonomía.”

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Como mencioné anteriormente, los textiles y las proporciones fueron lo que más llamaron mi atención y no perdí la oportunidad de preguntarle cuál era su relación con ellos en su proceso creativo.

“Los textiles para mí son materia prima, En realidad PTRA tiene una actitud sustentable con relación a los textiles. Trabajo con textiles que han sobrado de marcas más grandes y poderosa de la industria. Otro signo de la insistencia de PTRA de quedarse en las afueras de prácticas, con el deshecho de la industria”, recalca.

¿Y si los objetos tuvieran memoria?

Para esta exposición, la curadora de The Museum at FIT Melissa Marra-Alvarez escribió un ensayo, del cual destaco el último párrafo donde resume las 3 líneas que cruzan la exposición.

La moda es tan plural que toca a cada ser humano que tenga la posibilidad de vestir. En estos momentos gracias al internet y la inmediatez en comunicación nacen comunidades que propician lecturas amplias y profundas. La relación del cuerpo con la moda se ha vuelto más íntima que nunca y experimental.

Para Montserrat, ¿cuál es la relación entre la memoria del cuerpo y la prenda como un objeto con memoria? Ella habla de memoria en diferentes niveles, pero el más importante es el siguiente:

Un gráfico importante donde esto sucede es en el vestido que carga vestidos, de acuerdo a su explicación, hay un trabajo técnico para que los vestidos frontales se detengan y recuerden su función, aunque no tenga un cuerpo que los detenga.

Lo mismo sucede en las prendas de la sección de Suspira que deforman al cuerpo de tal manera que parece que las prendas están bailando, aunque el usuario esté estático.

Arriba y abajo, vestido que sostiene vestidos.

Fotos: Juan Ramón Hernández y cortesía de Montserrat y Galería LABOR.

Agradecimientos: Muchas gracias Montserrat por la comunicación y acompañamiento a lo largo de todo el proceso para que este texto fuera publicado.

Un pastiche es obra artística, ya sea literaria, musical o visual que imita el estilo o elementos de otros autores, combinándolos para crear una pieza que en aparienica busca ser original sin burlarse de él, funcionando como un collage o mezcla estilística.

Cada uno de nosotros somos referencias andantes. Todo lo que vemos, oímos, probamos, sentimos, olemos, amamos o nos provoca placer lo transformamos en un pastiche, el mismo que nos ayuda a construir nuestra identidad y nos coloca ante el mundo como lo que somos. Al final, no se puede ocultar, pues al hablar, pensar, criticar o simplemente existir, sale a la luz.

Me resulta interesante como las referencias se mezclan y se transmiten impactando en las vidas o ideas preconcebidas de otras personas. De hecho, eso fue lo que pasó entre el equipo creativo y yo al momento de hacer esta producción. Por si mismo el trabajo colaborativo ya un pastiche (lo cual no había visto al inicio) donde las referencias de cada persona invoucrada juegan un rol crucial para crear algo nuevo. O como en este caso, un pastiche.

En escencia, este pastiche editorial está compuesto por fragmentos artísticos y estéticos de mi vida en la década pasada, un momento en el que iba descubriendo por mi mismo el mundo gay a conciencia. Aquí hay alusiones a portadas de libros, artistas, pinturas y conceptos que admiro, desde la cultura pop, el erotismo, mis gustos, estéticas y fijaciones.

Para terminar, quiero agradecer enormemente a todas las personas que contribuyeron a que esta producción, esto no huniera sido posible sin su ayuda y compromiso para crear algo tan bello. Su trabajo dice más que mil palabras. Los tqm <3

Capítulo 1

Capítulo 2

Capítulo 3

Capítulo 4

Capítulo 5

Créditos

Dirección creativa y styling: Juan Ramón Hernández

Fotografía: Jürgen Alexander

Make up & hair: Edna Tapia

Modelos: Jesús Villalva, Saúl Rivera (Innovación Model Management), Ulises García (Nook Models) y Arturo Salguero

Estudio: THE BLACK ART STUDIO

Agradecimientos a las marcas mexicanas Isidro, Caballero azul, Erick Molina, Roberto de del show room All Modern Things, Ricardo de The Black Art Studio Ricardo y Alain Herida. Sin su ayuda esto no sería posible.

El ritmo de trabajo en el mundo de la moda es vertiginoso, no descansa y siempre pide más. Azahel lo entiende perfecto. No por nada las marcas de diseñadores para las que trabaja han vestido a Black Pink, Lady Gaga, Gwen Stefani y pisado las semanas de la moda más importantes de Europa, Estados Unidos y Asia.

Entre la lista de marcas para las que trabaja se encuentran NONAME, Edher Gin, Mora Ruiz, Jesús de la Garsa, Michelle Espinoza, Elizabeth Silva, Liech Antel, Salim, César Valverde, Viktor Luna, Siete cactus y en calzado Dante. En cada una de ellas optimiza alianzas de relaciones públicas, branding de marca, estilismo, producción creativa y más.

Antes de la moda y las estrategias

El Azael que conocemos actualmente dista mucho de lo que era en los dos mil en Monterrey, Nuevo León cuando trabajaba como Ingeniero en sistemas, carrera que estudió y ejerció. Vestido de polo y jeans mientras estudiaba (y posteriormente en un trabajando de godin) escribía sobre moda y coordinaba sesiones de fotos a distancia en Ciudad de México. — Yo no ganaba un solo peso porque lo hacía por hobbie— recuerda Azahel.

Cuando estudiante escribía a través de un personaje llamado “La Barbie Vengadora”, una especie de mofa sobre este personaje tan icónico de la moda bajo un formato de fanpage cuando no existía Instagram.

— Era un poco una crítica social, de pronto empecé a hablar sobre lo que pasaba detrás de un evento de moda a través de mi personaje —, recuerda Marmolejo. Escribía lo que nadie se atrevía a decir sobre la industria de la moda y la mafia detrás del telón. —A mí me contactaban directamente los diseñadores y me mandaban fotos de backstage donde les robaron o me contaban lo que ocurría en los eventos. De ahí empecé a relatar con humor negro y se fue haciendo muy famoso el personaje—.

Como en la mayoría de las ciudades pequeñas, los temas relacionados con la moda no es algo palpable, por eso desde hace nueve años aproximadamente, decidió mudarse a la Ciudad de México y dedicarse completamente a la moda con la convicción de hacer algo diferente para que se destacara del resto de las agencias de relaciones públicas.

Su llegada no fue tan glamurosa como pensó. Pese a que tenía contactos en la ciudad, se dio cuenta que los favores no funcionan tan sencillos en esta industria. Aprendió a que todo es un intercambio.

—Cuando me mudé a CDMX me dije que todo lo que hiciera sería por mi familia y para ellos, porque fueron los primeros en confiar en mí. En algún momento la chica de Melodrama me funó porque decía que yo era una persona privilegiada y la verdad es que no, cuando llegué a la ciudad yo me tapaba con los porta trajes. México me hizo la gatada y cuando llegué no la pasé bien, hubo momentos en los que tenía 20 pesos y yo decía, ¿qué voy a hacer?, no puede ser que no tenga para comer y en ese momento creo que son esas personas que vas encontrando en el camino las que te alientan a seguir creyendo en ti porque a la mayoría de las personas que nos dedicamos a la moda nos dan nuestros breakdowns de no saber si estamos en el lugar indicado—, destaca orgulloso.

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Entre éxitos y estrategias

Desde luego el camino no ha sido fácil para llegar a este punto. La cantidad de trabajo, propio de un management, pero principalmente por su insistencia en la perfección, tiene un precio, pues se ha pierdo de los cumpleaños de sus familiares, nacimientos de sobrinos y otros momentos importantes.

— Profesionalmente creo que apenas estoy empezando a ver lo que he logrado, de pronto todo se mueve tan rápido que no se saborea y los procesos para vestir a alguien son muy tardados—, asegura, pues cuando vistieron a Lisa de Black Pink, fueron 6 meses desde que mandaron la ropa, luego 3 meses en darles respuesta sí iban a usar el look o no, y luego pasaron otros 3 meses para que saliera en el video.

Azahel revisa cuestiones relacionadas a las tiendas, organiza los eventos porque le parece un poco absurdo que los diseñadores no vean su proyecto como un todo, por ello pone mucho énfasis en las redes sociales de los diseñadores porque si no están bien curadas, es raro que alguien los vaya a tomar en cuenta para que patrocinen una participación.

—Lo primero que me piden son las redes del diseñador. Si el diseñador tiene las colecciones, su feed de Instagram ordenado y una buena curaduría, es un 80% seguro que lo van a aceptar, por ejemplo, cuando vino la última vez Dua Lipa a México se llevó un vestido de Jesús de la Garsa y lo primero que me pidieron fueron las redes. Ocupan ver si el diseñador tiene relevancia— comparte Marmolejo.

Vestir a artistas le ha dado la capacidad de entender el negocio y las estrategias globales, pues el artista no es la última persona que toma la decisión. Por ejemplo, recuerda que con Gween Stefani, lo primero que le pidieron fueron looks que nadie haya usado, aunque sea mexicana. De ahí le tocó descartar y elegir bien a sus diseñadores, por lo que les aconseja que elijan bien las batallas como looks para artistas internacionales y para artistas mexicanos.

Sin embargo, no todo es vestir artistas, se necesita ser interesante y relevante para vender a los clientes en México. Para esto se necesita que el producto sea comercial siguiendo una marca personal, sin importar si venden vestidos de novias, de noche o para las fiestas. Su trabajo también se trata de mostrarles lo que la gente está pidiendo, no para que copien, más bien para que lo traduzcan a las tendencias a su ADN y empezar a tener oportunidades.

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La moda en México según Marmolejo

Su experiencia global le ha permitido tener una visión amplia sobre el lugar que tiene la moda mexicana en el mundo. Por fortuna es positiva, pero también tiene sus puntos de negativos que la vuelven un poco tumultuosa, como él la describe.

Por ejemplo, considera que los estilistas mexicanos son muy difíciles de tratar. —Creo que se sienten un más divas que los propios artistas. ¿Cuántos estilistas ahorita ya no son influencers o cuántos no ya van a eventos y están sentados al lado de la pasarela? Aquí en México es muy extraño porque no me pasa en los demás países como en Corea donde son súper educados. Me dicen, mándame todo lo que tengas, lo usan y me lo regresan y si quieren algo lo compran, no te piden el regalito o el descuento— finaliza.

Otra experiencia positiva es en Estados Unidos porque desde su punto de vista, allá les gusta ver lo que los diseñadores proponen, por ejemplo, el estilista de Coco Rocha le manda mensaje cada vez que va a Nueva York para preguntarle las novedades, pues para ellos resulta reconfortante tener diseños completamente diferentes a lo que el mundo usa.

Por eso reconoce que para avanzar en la industria son vitales las estrategias. — Si me piden ropa y me funciona lo presto, por ejemplo, hay artistas muy nuevos que a mí no me funcionan, pero si veo que el PR tiene a otro artista más grande, yo lo que hago es prestarle ropa, pero para que en un futuro me de acceso a ese otro artista. Aquí todo es ganar-ganar—.

Casi 10 años en CDMX le han dado un lugar, lo suficiente para tener opiniones para describir la escena de la moda mexicana. — Hay un video por ahí, donde dice que yo tengo una mafia de la moda porque mis diseñadores están en todas partes. Entonces me quedé pensando y dije, qué loco que me describan así y qué cool, porque eso quiere decir que estoy haciendo bien mi jale— comparte feliz.

Considera que actualmente no hay apoyo para diseñadores, no si no estás dentro del núcleo, inclusive para los diseñadores con los que trabaja, por lo que muchos diseñadores buscan oportunidades fuera de México como París, Nueva York, Japón, Guatemala u otros países.

Además, añade: — Creo que la moda en México es muy superficial, sigue siendo muy para pocos y con hambre de alimentar egos. Siento que más que apoyar a diseñadores lo hacen para alimentar sus propios egos porque no es un apoyo real cuando le metes el pie a las personas. Me he enterado de casos así y no es apoyo cuando le quitas la oportunidad a alguien porque tú no quieres ver a nadie triunfar si no lo haces tú— concluye enfáticamente.

A inicios de año en China pudo comparar esta situación desde el lado de relaciones públicas y el factor humano. — Allá nos pusieron todo el dinero de los viajes, comidas, transporte y hotel para 30 diseñadores de diferentes partes del mundo porque lo que ellos buscan no es alimentar sus egos. Sí, tuvieron una curaduría estricta porque solo querían a los mejores —.

Sobre las colaboraciones Azahel no se niega a ellas, pero tampoco considera que se deba abusar de las personas, porque si bien no hay ganancia económica, se pueden llegar a otros acuerdos.

Workshop de Verano by Azahel

En la actualidad Azahel vive un momento importante en su carrera. Razón suficiente para querer compartir sus conocimientos, así como las herramientas y contactos que le han sido de gran utilidad.

Respondiendo a esta inquietud, Marmolejo dará próximamente (a finales de junio o principios de julio) un workshop práctico y educativo para los interesados en la moda, los negocios y el panorama general que se vive en la actualidad.

— Ya lo tengo armado—, anticipa — Va dirigido a todos los que quieran hablar sobre moda y aprender sobre lo que realmente pasa— Lo que busca es que las personas conozcan que la moda va más allá de crear editoriales, ya que desde su perspectiva es más sobre relaciones y estar en el lugar y el momento correcto.

La idea del workshop es conectar, además de compartir las tendencias del 2026 y 2027 para que las personas interesadas, ya sean fotógrafos, stylists, editores, diseñadores o creadores de contenido sepan manejar sus redes sociales, un punto muy valioso de acuerdo a su experiencia.

— Voy a hablar sobre la inteligencia artificial de una manera constructiva porque te lo juro, he hecho fotos de producto con ella. Como soy un nerd me puse a investigar y ya sé cómo hacerlo. La utilizo para redactar notas, para que me den la base de una estructura y a partir de ahí yo ya genero una nota—, reconoce Marmolejo.

El curso está programado en 13 módulos, distribuidos en dos días de 8 horas de 4 horas en la mañana, un break, y después las siguientes 4 horas. — Yo soy muy regañón—, lo reconoce abiertamente. — A mis diseñadores los tengo súper cortitos, así que este curso va a ser súper intensivo—.

En la intimidad de su hogar y sus pensamientos, una vez las luces se apagan, quienes están ahí son las personas que realmente nos conocen. Para Azahel hay pocas personas dentro del mundo de la moda que las considera amigos y puede confiar en ellos. Recuerda que cuando llegó una de las primeras personas que le tendió la mano fue el fotógrafo Alejandro Salinas. — Él y yo nos caíamos mal, pero cuando fue el sismo del 2017 él fue el primero que me marcó para ofrecerme su casa, a pesar de que no le caía bien y viceversa—.

— Después hubo otro fotógrafo que es como mi hermano, Javier Flores, que es argentino, él vive acá en Ciudad de México y también me brindó su amistad. Él no sabía, pero una vez me mató el hambre porque literal yo no había comido nada en todo el día porque no tenía dinero. Una vez me invitó a su casa a comer y yo con toda el hambre que tenía dije que sí. Él no lo supo hasta hace como 2 años, — recuerda de manera sincera.

Pablo Antón de la agencia New Icon es otro de sus mejores amigos, con quien a veces frecuenta para salir y platicar sobre temas que no sean de moda. — Él me ha dado muchos consejos, es una persona muy sabia a pesar de que muchas personas de pronto le tienen mucho odio, pero creo que es una de las personas más sabias que conozco. Es una persona inteligente y empresaria que sabe cómo hacer dinero— reconoce Marmolejo.

Y desde luego los diseñadores para los que trabaja se han vuelto en una parte muy cercana de su vida, no solo por el trabajo, sino porque le han brindado sus sueños y confianza. —El hecho de que confíen en mí, respeten mi trabajo, y tengamos esa confianza lo es todo—, agradece enormemente.

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Agradecimientos: Muchas gracias Azahel por tomar esta entrevista. Eres una persona inteligente que ha logrado hacerse un nombre propio.

Fotos: cortesía Azahel Marmolejo.

Brenda Guadalupe Alcántara Martínez es licenciada en Comunicación y Periodismo de la FES Aragón, su experiencia se ha centrado en el ámbito editorial de moda y en el desarrollo de proyectos académicos vinculados a esta industria.

Con el tiempo, y su pasión por la moda, se ha formado un perfil analítico siguiendo una perspectiva crítica y profesional. Este conocimiento la ha llevado a desarrollarse como docente y tallerista. Actualmente es fundadora de La voz de la moda ( en Substack). De forma paralela, cursa la Maestría en Imagen y Relaciones Públicas en la Universidad Madero.

Nace un diplomado de periodismo de moda

Todo empezó cuando quería hacer una tesis de moda al egresar de la FES Aragón sobre los bloggers e instagramers que estaban a flor de piel en 2017, y a ella le parecía súper interesante como la gente de México se acercaba a la moda a través de las redes sociales.

“Cuando comencé a hacer el tema de la tesis me di cuenta que pocos maestros hablaban de moda en la universidad y no sabían cómo apoyarme porque no entendían el tema. Entonces ahí hubo una limitante, pero afortunadamente en el proceso de tesis encontré un asesor que me supo orientar, que fue el maestro Ricardo Inda y con él hice un buen equipo desde el comienzo de la tesis”, me comparte Brenda.

Años después (2023) cuando quiso estudiar un posgrado en comunicación buscó donde hacerlo y vio que los ofrecían Vogue, ELLE y universidades privadas que no eran una opción por el costo que requerían, lo que se volvió un cuestionamiento “¿Porque solamente hay cursos de moda en universidades privadas? Fue entonces cuando le comentó su frustración al maestro Inda.

Fue él quién le dio la idea para que impulsara un programa o diplomado de dentro de la FES, le armó un documento con la propuesta y le dió la confianza que necesitaba para que se visualizara como alguien que podía hacerlo.

“Cuando me senté a revisar el documento que me elaboró el profesor no me sonó tan descabellada la idea y dije, yo ya he estudiado varios planes de estudio, sé los temas que se necesitan o que un periodista necesita conocer y entonces hice todo un estudio junto con otros académicos de la universidad para ir sondeando quiénes estarían interesados en abordar el tema de la moda y quiénes traían el conocimiento”, me comenta feliz.

Ahí se dio cuenta que muchos alumnos tenían el hambre de aprender o saber más sobre moda, pero también maestros que querían enseñar moda y que antes no lo habían hecho porque no había un espacio.

Cuando tuvo la idea esquematizada presentó la propuesta con el jefe de carrera, armó un pitch y argumentó que la moda tenía que entenderse desde la universidad porque era un campo de estudio amplio que involucraba distintas áreas, como la comunicación, la sociología, la filosofía y que la UNAM era el mejor lugar donde podía ampliarse el conocimiento en este tema.

Una vez la idea fue aprobada, faltaba seguir por más filtros del departamento de educación continua para que el diplomado fuera una opción de titulación para egresados de la carrera de comunicación y periodismo. Lo que le llevó 10 meses en resolverse.

“Cuando hice la presentación con todo el cuerpo docente de la carrera de comunicación y periodismo, yo iba muy preparada, me sentía muy fuerte, yo sentía que sí íbamos a lograrlo porque había maestros que lo apoyaban y alumnos que lo estaban pidiendo. Una vez lo aprobó el Consejo Técnico ya no di vuelta atrás y seguí con la difusión del diplomado para la primera generación”, me comparte con orgullo Brenda.

Esta aprobación pareciera cosa sencilla, pero fue muy significativa para las escuelas superiores públicas, pues ninguna tenía o tiene un diplomado parecido, incluida la UNAM.

Esto es grave, porque se les priva a los jóvenes de una oportunidad de desarrollo profesional que a la vez se traduce en fuentes de empleo, sin mencionar que agranda la brecha educativa frente a quienes tienen las posibilidades de acceder a una educación de moda.

Detrás de crear un diplomado

Armar un diplomado no es tarea sencilla, se necesitan recursos académicos y profesionales para que el contenido sea el apropiado. Para esto, Brenda tuvo que encontrar el objeto de estudio, en este caso era la industria de la moda, pero se tenía que empezar desde una perspectiva sociológica, cómo entenderla y cómo estudiarla.

Se estableció en ese momento que el diplomado tuviera 8 módulos (actualmente tiene 9), donde el primero profundizara en qué es la moda; el segundo cómo acercarse a la moda desde el periodismo en Europa hasta la llegada a México; el tercer módulo sobre los sectores que abarca la moda.

A esos temas se le añadieron otros como el marketing de la moda, cómo se construye una línea editorial, el storytelling en la industria de la moda, construcción de una imagen, fotografía de moda, sus diferentes tipos, entre otros temas.

Claro, todos los módulos con sus sesiones prácticas y teóricas para que en el último módulo crearan un canal para difundir todo el trabajo que realizaron con la finalidad de que los estudiantes se fueran con un producto como portafolio y comenzaran a crear sus contenidos como periodistas independientes con su respectiva cartera de contactos que ella misma impulsó al invitarlos a eventos y demás redes.

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“Primero consideré a mis maestros. Lo que hice fue entrevistarme con algunos jefes de carrera para presentarles el proyecto, de ahí recibí propuestas de profesores, los cuales entrevisté, hablé con ellos y si pasaban los filtros que yo había considerado para que pudieran abordar el tema de moda se quedaban. También yo contacté a mis colegas que abordaban el tema de la moda o compañeros que ya se habían titulado, dentro de ellos estaba que enseña el módulo de historia del periodismo de la moda”, menciona Brenda.

Alumnos primera generación

Entre los profesores que forman parte de la plantilla docente se encuentran el profesor Israel Fernando Lara Vázquez, Felipe Soto Vitervo (ex editor en Chilango), Georgie Uris, un español que hace fotografía de moda, Gaby Bautista, el maestro Ricardo experto en el área de Marketing, Kimberly Bistre, se ha especializado en inteligencia artificial y en medios digitales y la maestra Tania Muñoz enfocada en temas como imagen personal y cómo crear un canal digital.

Al verse inmersa coordinando un diplomado y rodeada de profesores Brenda tuvo la suficiente valentía de verse a si misma como docente, incursionando en clases sobre qué es la imagen y cómo se relaciona con la imagen y el cuerpo. Para ella significó un gran reto pues nunca había dando clases. “Enseñar en un diplomado me ayudó mucho a abrirme como docente y tener una gran responsabilidad” añade Brenda.

El diplomado tiene una duración de 260 horas, sin una fecha fija de inicio, pues está sujeto a lo que marque la convocatoria. “Yo propongo una fecha, pero todo depende de la cantidad de alumnos que se inscriban, sino se pospone, ya que para que se pueda aprobar la apertura de un grupo tiene que haber al menos 15 inscritos” señala.

Invita a un amigo

“Hubo momentos en que lo tuve que posponer 2 o 3 meses porque no se llenaban los cupos. La difusión es muy poca, la universidad sí te ayuda con los carteles y te dan algunos espacios en redes sociales, pero no hay mucho alcance. Todavía hay gente que no sabe que tenemos un diplomado de periodismo de moda en la FES Aragón”, reconoce Brenda.

El diplomado es semipresencial porque los estudiantes solo asisten los sábados de 8 am a 2 pm, pero las actividades se realizan durante la semana los martes y viernes.

Afortunadamente nunca se ha interrumpido el diplomado, desde la primera generación en 2023 con 18 estudiantes, donde un 80% eran recién egresados y otro 20% profesionales. “En general el 80% de los que asisten al diplomado les interesa ser periodistas de moda o crear contenido” menciona Brenda.

La actual generación (2026) cuenta con 26 estudiantes inscritos, una cifra que va en aumento comparada con la primera generación. Brenda la describe como una generación muy activa, donde algunos ya trabajan, otros apenas están iniciándose en el ámbito laboral, o no han trabajado todavía, pero se interesan por la moda o no tenían ni idea de que se podía comunicar la moda de esta manera.

“Los estudiantes han ido cambiando sus perspectivas a lo largo del diplomado y comienzan a explorar los terrenos de la moda desde la parte del estudio, identifican problemas, abren la conversación, se vuelven curiosos y toman posturas”, reconoce Brenda.

Este cambio en el aprendizaje no es más que profesionalizar el oficio del periodismo de moda que propicia a pensar cómo funciona la moda y entender su lenguaje. Esta contribución es sumamente valiosa porque además se les da las herramientas para hacerlo.

Al respecto, Brenda comenta: “Creo que la universidad (UNAM) u otras universidades deberían de replantarse la enseñanza de la comunicación de moda y que no se quede solamente en un diplomado, sino que sea un posgrado o licenciatura, algo más ambicioso porque eso nos va a dar más crítica, más herramientas para buscar perfiles que quieran realmente especializarse en esto”.

Complementa diciendo: “Realmente son pocos los comunicadores de moda que profundizan, que te narran, que hacen todo un estudio o una investigación. Creo que también eso es lo que hace falta en la comunicación de moda, darle un papel más serio para que las personas allaá afuera no lo vean como espectáculo amarillista, se necesita generarle un contenido de valor y crítico a la audiencia, pues creo que eso cambiaría la percepción de los consumidores de moda”, enfatiza Brenda.

Un diplomado en crecimiento

El diplomado, como todo proyecto educativo, debe de actualizarse en pro de las nuevas tecnologías, herramientas y demandas del ambiente laborar, es por eso que en la siguiente generación a Brenda le interesa reconstruir los contenidos de los módulos junto con los expertos.

“Otra cosa que me gustaría hacer en esta nueva generación es abrir conversatorios adicionales al diplomado que se sumen otras voces de diferentes lugares de Latinoamérica, no nada más en México”, asegura, y continúa diciendo: “También me gustaría armar un proyecto para tener espacio donde se aborde la imagen de forma cultural y que los estudiantes generen un proyecto que involucre estilismo, imagen y ellos vivan esta experiencia y compartan el trabajo en una exposición”, añade Brenda emocionada.

Fotos y videos cortesía Brenda

Agradecimientos: Brenda, muchas gracias por tu cercanía los últimos meses, tu apoyo al hacer la entrevista y gracias por hacerme parte del conversatorio en FES Aragón el pasado marzo. A nombre de muchos, muchas gracias por toda tu contribución a la educación de moda. Un abrazo sincero.

Este evento lo encuentro significativo por dos razones, la primera, que toma un concepto en tendencia en la ciudad y sus periferias, dándole una nueva identidad urbana a los jóvenes y en segundo lugar, porque es organizado por un colectivo que le da la oportunidad a las personas de tener experiencia y aprendizaje para montar sus pasarelas y construir su propia narrativa de diseño.

Ese día hubo un lleno total en el patio central del museo, desfilaron aproximadamente 60 conjuntos de los cuales 30 provienen de diseñadores de Colectiva en Pro de la Moda y el resto de una convocatoria abierta hecha por el museo Franz Mayer.

Entre las marcas que desfilaron se encuentra Cuadro blanco, liderada por Brillith y Anja, con quien pude conversar días previos a la pasarela para que me contaran su visión como marca, su propuesta creativa, su laboratorio creativo y el look que presentaron en la pasarela de la colectiva.

Antes de Cuadro blanco

Antes de estudiar diseño de modas, Brillith iba a estudiar negocios, pero en un intercambio a Canadá conoció al diseñador Yoshi Yamamoto en un seminario. Lo escuchó hablar y le encantó como hablaba de la moda, que más que moda, hablaba de crear cosas y dejar la huella en lo que creas.

A sus 18-19 años no sabía que moda, pero quería crear algo, entonces se dedicó a investigar escuelas donde estudiar. En ese proceso de búsqueda recibió un correo de Casa de Francia ya que a sus 15 años había mandado un correo porque tenía curiosidad de saber dónde estudiar moda, pero por la edad le dijeron que la volverían a conectar hasta los 18 y lo hicieron, a lo que ella respondió que seguía interesada en estudiar diseño de moda.

Estando en la universidad trabajó en tiendas de marcas nacionales como Carla Fernández y poco a poco se fue involucrando más desde backstage, las pasarelas, el trabajo en el taller hasta aprender de todas áreas que tenían. Carla no fue la única, también conoció a Guillermo de 1/8 Takamura que también estudió en Casa Francia.

Su experiencia llegó a oídos de la directora de la universidad y fue seleccionada para hacer la colección de alta costura para Maurizio Galante en París. Todo esto ocurrió en 2 años que estuvo en la carrera sacándole el mejor provecho. Un periodo de grandes aprendizajes y que la hizo enamorarse de la moda.

Con la llegada de la pandemia sus prácticas en Nueva York quedaron pausadas y también sus estudios, pues sus padres no podían costear más la carrera.

Para ella fue algo muy shockeante y entró a trabajar a una agencia de marketing. “Ahí me perdí 2 años de mi vida hasta que dije, basta, ya no voy a seguir y voy a volver a retomar lo que me gusta. Y afortunadamente se abrió el camino con los pocos recursos que tenía. Con mi primo empecé haciendo pijamas, nos dio dinero, pudimos comprar una máquina y poco a poco fuimos avanzando”, recuerda Brillith.

Por otro lado, si bien Anya no cuenta con formación profesional en moda, se he profesionalizado en temas de técnica como corte, costura y lo todo lo que rodea a las tareas técnicas, así como una forma de compaginar el activismo de la moda ya que el perfil que maneja Colectiva en Pro de la Moda le es afín de alguna forma.

“Yo estaba por completo en otra área”, me comenta, y continúa diciendo: “Sin embargo, en ese momento necesitaba (Brillith) a alguien que pudiera ayudarla a focalizar e impulsar la marca. Fue aprender todo desde cero y empezar a ver qué se necesita”, declara Anja.

Dadas sus circunstancias de limitación económica en las que se encontraba, comenzó a hacer upcycling usando retacería de maquillas grandes, de ahí los cuadros grandes. “Nosotras tratamos de aprovechar los recursos que se tenían, aparte de no dejar huella ecológica”, declara Brillith.

Esta situación y al dimensionar toda la belleza que tiene nuestra cultura mexicana, orillaron a que terminara de gestarse Cuadro blanco. “En la actualidad teñimos naturalmente, como por ejemplo el micle, que es una planta medicinal mexicana o el palo azul que se da en Veracruz, me comparte Brillith.

Meximalismo al estilo Cuadro blanco

La colección que hicieron para la pasarela Meximalismo se lleva trabajando desde noviembre o diciembre solo que, en el desfile, solo participó un look. El traje de las tehuanas y el “tiliche” (personaje de Oaxaca que viste listones de colores y adornos) fueron dos ejes importantes para construir este look.

Partieron de la colección previa, que es Raíz infinita, y la fusionaron con el maximalismo, un concepto que les hizo mucho sentido con su propuesta como marca, ya que muchas veces al tocar puertas en las tiendas para vender su ropa, no las aceptaban porque los diseños eran muy coloridos y la gente busca colores más neutros y eurocentristas.

“Nos dio mucha emoción de lo iba de lo que iba a tratar la pasarela porque son prendas grandes y los colores son sumamente llamativos. Además, sumar el tiliche con las tehuanas, es un reflejo de las raíces que tenemos en Oaxaca, y que siempre vamos a tener muy presentes dónde venimos”, me comparte Anja.

El meximalismo es una tendencia que ha ganado terreno entre los diseñadores más jóvenes y apasionados de la moda del centro del país como una forma de crear una identidad urbana que a su vez rescata aspectos tradicionales de la vestimenta regional dependiendo en el lugar en el que se encuentran.

Para Brillith, este concepto, lo resume para entenderlo mejor con la expresión mexicana “Colgarte hasta el molcajete”, una frase con la que siente relacionada porque se considera ese tipo de persona, pues viste aretes, brazaletes y pulseras de gran tamaño, así como pinzas para el cabello en forma de flores. “Me encanta”, dice emocionada.

“Crecí con una familia oaxaqueña. Convivir con la tierra para mí es eso, meximalismo, convivir con las raíces y abrazarla. Si salimos de viaje y alguien tiene hambre, mis tías llevan tlayudas, tasajo, chorizo, chapulines, agua. Todo eso lo llevan en su bolsa”, recuerda y ejemplifica Brillith.

Independientemente a este trabano, su concepto dialoga con una visión sustentable por lo que reutilizan la tela y siempre están buscando una idea de optimizar el material que ya tienen y sobre eso armar nuevos diseños, eso sí, que contengan mucho movimiento, mucha representación, versatilidad y que los looks de pasarela se puedan desconfigurar y no solo vivan como archivo.

“Fíjate que algo de lo que siempre sufrimos, Brit y yo, es el tema de encontrar prendas con los que con las que nos sintamos cómodas. Porque bueno, vas a una tienda y en el caso de la el área de mujeres, son muy pequeñas y tienes que amoldarte. No siempre la moda se amoldaa cuerpos” Anja.

“Los teñidos son naturales, los textiles están basados en prendas típicas mexicanas, no todas, pero con versatilidad, por ejemplo, tenemos un pantalón inspirado en un mandil colgando, pero al final es una falda y puedes jugar con ella.” complementa Brillith.

Cuadro blanco, un taller creativo

A ambas les gusta ver Cuadro blanco de forma más ambiciosa y compleja, como un estudio creativo, el cual abraza a diseñadores emergentes brindándoles herramientas y ayuda para construir su marca. Esto lo hacen por medio de CB Taller donde ayudan a diseñar, patronar, maquilar y confeccionar la ropa respetando los procesos de cada marca para el mejoramiento de la industria de la moda bajo un enfoque humano.

De acuerdo con las declaraciones de Brillith, puede participar quien quiera que tenga una marca o vaya empezando, simplemente escribiéndoles por Instagram a CB Taller. Esto lo empezaron a construir porque venían a su alrededor que muchas personas caían en errores que ellas habían hecho, así que mejor decidieron ayudar compartiendo su experiencia y aprendizajes.

El apoyo también es creativo, ya que toman las fotos que se necesiten, ya sea para campaña o para look book. “Al final, nuestra fortaleza es lo textil, sin embargo, también queremos vivir en lo que nos apasiona, en mi caso el activismo y de Brillith el diseño y creo que todo lo que estamos haciendo está enfocado a ello” comparte Anja.

“Se trata de hacer colaboraciones para que pueda ser a un precio más accesible. Donde todo mundo gane, desde modelos, fotógrafos o diseñadoras”, enfatiza Brigitte.

Puntos de venta

Actualmente Cuadro blanco tiene presencia en tiendas físicas, por ejemplo, en Onoru, espacio 303, Bazar Resiliente y Filomena Market. En Guadalajara, lugar al que acaban de llegar se encuentra Mano Santa, y próximamente nuevos puntos de venta en tienda.

Fotos: Cortesía Cuadro Blanco

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Las mañanas son la parte más activa de mi día, mis ideas se parecen claras, los problemas se ven mínimos, y al menos en mi muy particular caso, tengo ganas de empezar todas mis actividades. Claro, no siempre, pero me gusta sentirlo para recordar que soy capaz de ver la vida de ese modo cuando la mente me perturba.

La rutina matutina es lo más constante que tengo en mi vida, no suele variar mucho, quizá es por eso que me agrada tanto. Cosas que uno piensa.

Ejercitarme en la mañana me encanta. La fuerza y optimismo me son fáciles de encontrar. Son pequeños hábitos que le dan forma a vida adulta. Para estar bien mi cuerpo necesita comida, ejercicio, sol, movimiento y sentirse útil y comprobarlo.

El ejercicio es lo que une mi mente y cuerpo. Esos minutos donde me entrego al presente. El movimiento es caos, es vida e incomodidad. Piénsalo, esta analogia es una de las más bellas.

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Créditos

• Modelo: Tonatiuh Gaytán (In The Park Management) (tona_gaytan)

• Fotografía: Ricardo Alberto López Martínez (richi.anima.ph)

• Maquillaje y pelo: Edna Erika Tapia Flores (edna.tflos)

• Joyería: Jxtx (j_x_t_x_)

• Looks: Playera México y shorts negros de la colección Semiótica de Fábrica de Punto. Playera azul de Fábrica de Punto (fabricadepunto) / Sportwear Tech Pack gris Nike y gafas Ray-Ban negras mate (propiedad del estilista).

• Estilismo y realización: Juan Ramón Hernández Macías (juanr.hm)

• Locación: “Barras de Insurgentes”

Agradecimientos: Gracias Richi, Edna, Manuel, Fernanda, Eva, Manuel y mi familia pusieron su cariño y fé en este proyecto loco que un día decidí hacer en arrojo de creatividad y coraje. Gracias ITP Management por su confianza y apoyo. Tona, eres un tipazo, mis mejores deseos.

En la segunda parte de mis 20’s es un acto de fe en momentos caóticos cuando la mente inquieta no encuentra dirección y con el tiempo se volvió un poema a la naturaleza cuando obervo mi alrededor, incluso mi naturaleza humana.

Ese acto de talón, punta seguido de un ritmo constante me ha enseñado que la vida solo va más rápido si apresuramos el paso, el resto va a su ritmo; es obervar, es inhalar y exhalar con presición para aguantar el trayecto hasta nuestro destino, donde no sabemos si va a haber un vaso de agua de limón con hielo en una tarde de calor o un asiento cómodo para descansar. Aún así seguimos haciendo.

Caminar es una analogía extraña con la vida, y no hacerlo sería privarme de mi propia libertad.

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Créditos

• Modelo: Ámbar Venegas (In The Park Management) (amb.av)

• Fotografía: Ricardo Alberto López Martínez (richi.anima.ph)

• Maquillaje y pelo: Edna Erika Tapia Flores (edna.tflos)

• Joyería: Jxtx (j_x_t_x_)

• Looks: Alan Zepeda (alanzepedamx)

• Estilismo y realización: Juan Ramón Hernández Macías (juanr.hm)

• Locación: Colonia Roma

Agradecimientos: Gracias Richi, Edna, Manuel, Alan, Eva, mis papás y tía que pusieron su cariño y fé en este proyecto loco que un día decidí hacer en arrojo de creatividad y coraje. Gracias ITP Management por su confianza y apoyo. Ámbar, eres increíble, gracias a ti mi idea cobró vida.

En 2017, con 98 años, Ramón Valdiosera Berman falleció cerrando un capítulo de la moda mexicana. Perteneció a una generación de diseñadores y artistas que buscaban por medio de su arte darle identidad a México. Y lo logró. Sus murales, pinturas, diseños de trajes típicos, diseños de autor o comerciales, libros e historietas son prueba de ello.

Así como extraordinaria fue su carrera, lo es el trabajo que realiza la Fundación Ramón Valdiosera A.C, pues me parece que es el único ejemplo en donde se interesan por mantener viva la obra del maestro, principalmente impulsado por su familia y personas que lo admiraron.

En el proceso han descubierto datos sorprendentes que configuran la historia de la moda mexicana, mediante archivos, documentos, noticias, prendas, joyas, diseño para caballeros y niños, estos dos datos poco rastreados y conocidos hasta ahora.

Por esa razón, me pareció más que necesario saber a fondo en qué consiste su labor, de qué forma trabaja, qué responsabilidades tiene y cómo es mantener un legado artístico. Preguntas que el vocero de la fundación encargado del área de moda, Ray Balderas, me respondió generosamente. Les dejo con este artículo sobre esta sorprendente labor a través de las palabras de Ray.

Ray Balderas, vocero de la fundación

En 2009 el mismo Valdiosera crea la Fundación Ramón Valdiosera A.C, junto con su esposa, la hoy viuda Licenciada Blanca Valdiosera. Hasta entonces, no existía ningún acervo contable de lo que tenían, pues aparte de sus propios archivos y diseños, el maestro era un ferviente coleccionista, pero sin mucho orden y eso fue principalmente lo que buscó la licenciada.

Ray Balderas llegó en 2017 a la fundación, habiendo estudiado Diseño Industrial en la UNAM. Estudiando en Ciudad Universitaria en los años 2000, su interés por la moda fue creciendo y encontró el conocimiento necesario a través de talleres y cursos en la moda, aparte de que se ponía a investigar en las bibliotecas.

De hecho, así conoció el libro Museo del Traje Mexicano, que escribió Lydia Lavín y Gisela Balassa. Cuando llegó al último tomo, donde hablaba del diseño contemporáneo a ese momento mencionaba a Ramón Valdiosera, marcando así su primer acercamiento con el maestro.

“Yo empecé a liderar los colectivos de moda que estaban surgiendo en ese momento en la UNAM y participaba en actividades culturales y decidimos organizar un congreso de moda e invité a quien entonces dirigía en ese momento Fashion Group México: Odette de Anda, quien dirigía Pierre Cardin en México.

Ese encuentro generó una gran vinculación al punto de que una vez ella dejara su cargo, lo dejaría en buenas manos con la próxima directora que sería Lydia Lavín.

Le siguieron varios proyectos y prácticas profesionales al punto de a trabajar con ella. Simultáneamente lo invitan en 2009 a una mesa redonda de una exposición que se llamaba Rosa mexicano. Moda e identidad: la mirada de dos generaciones, que era la exposición que había hecho Ana Elena Mallet en la Casa del lago sobre el maestro Valdiosera

“Fue la primera que se había hecho una de Valdiosera en mucho tiempo. Casi que Ana Elena lo volvió a poner en la mira”, recuerda Ray. Mirar referencia.

En esa exposición Ray conoció a Valdiosera y estaba totalmente impresionado de escuchar de su propia voz su trabajo, al final, recuerda que lo dejó muy inquieto porque sintió un vacío sin ninguna reacción por parte de los asistentes y mientras Valdiosera se iba caminando con su equipo de la fundación, Ray corrió hacia el maestro y gritándole por su nombre para hacer que se detuviera. “Sí se detuvo y en ese momento también llegaron mis compañeros y nos tomamos una foto con él”, recuerda.

Ese momento fue decisivo y desde ahí buscó una manera en que la UNAM le rindiera un homenaje. Desafortunadamente no lo logró y después se mudó a León. Ahí empezó a colaborar y trabajar con proyectos con gobierno del estado, incluso en un concurso de moda que se llamaba Creáre que se hacía en Guanajuato.

Cuando tuvo la oportunidad de estar dentro del comité de organización, propuso un homenaje al diseñador. La propuesta fue bienvenida. Para ello, cuenta que le escribió a Ana Elena Mallet para contactarlo, pero le dijo que estaba muy delicado de salud y dudaba que lo pudiera lograr. Desafortunadamente a las dos semanas fallece.

Si bien no hubo un homenaje en vida, decidió que podría ser uno póstumo. Para eso esperó casi dos meses para contactar directamente a la academia de Arte Secuenciales, que era la escuela del maestro. De ahí lo contactaron con la directiva principal de la fundación y para octubre de 2017 pudo hacer realidad ese homenaje que tenía pendiente.

Después de varias visitas a Ciudad de México para platicar con más proyectos, la señora Valdiosera, va a León y le propone integrarse a la fundación para apoyar y seguir definiendo todo el acervo que se tenía.

“Me costó un poco de trabajo porque a pesar de que existía la fundación, no había tanta investigación sobre muchos detalles. Tuve como base la exposición que se había hecho en 2009, pero el día que me tocó dar mi primera conferencia sobre Ramón Valdiosera no estaba tan seguro de que la información fuera veraz”, reconoce Ray.

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Armando el rompecabezas Valdiosera

Lo primero que tuvo que hacer Ray dentro de la fundación, fue documentar y cotejar la información tanto en el libro como en publicaciones o textos que se hicieron en su momento en los periódicos. Fue como ir armando rompecabezas completo.

“Lo que me ha tocado documentar es la parte de moda y algo que ha sido de los descubrimientos más satisfactorios es ir redescubriendo Maya de México, la marca comercial de Valdiosera, que no tiene nada que ver con la cultura Maya”, enfatiza.

Ramón Valdiosera dejó Maya de México en un momento en que le iba muy bien a la marca, pero tenía problemas con sus socios. “Hubo unos problemas donde él se sintió estafado y explotado, por eso decidió dejar la marca, a pesar de que él se había comprometido a generar 4 o 5 diseños por semana”, señala Ray.

Cuando termina su relación con Maya de México, destruyó bocetos, regaló telas, máquinas y más. básicamente se deshace de casi todo el vestigio la marca, razón por la cual hay poca información y su tu trabajo ha sido reintegrar todas las piezas perdidas en el tiempo.

Gracias a las redes sociales, el trabajo de Ray se ha enriquecido, entre curiosos, aficionados y coleccionistas. De esta forma supo que también existió una línea de ropa para niños y caballeros. “No teníamos nada de esto. Nos hemos topado con corbatas, mancuernillas, camisas y vestidos infantiles, así como ropa de playa que no la teníamos bien clasificada. La verdad hubo bolsas y calzado también, algo que no sabíamos”, me comparte emocionado.

Su propuesta de joyería destaca por sus diseños, conceptos y las colaboraciones con otros artistas en Taxco y otros, entre los que destacan Annette Nancarrow, William Spratling, Hubert Harmon y Valentin Vidaurreta, artistas y plateros.

Estos descubrimientos solo son de la parte de moda, porque en general la fundación ha catalogado el acervo en artes visuales, murales, obras en óleo, acuarela (porque él empezó haciendo muchas portadas y carátulas de revistas) e historieta, que empezó a trabajarla desde los 16 años y lo hizo por muchos años, incluso fue miembro del Comité de Organización del Centenario de la Historieta de México.

En su carrera también sobre sale su labor como autor que se puede ver reflejado en 30 publicaciones como Petróleo Violento, en el que narra cómo fue el crecimiento petrolero e industrial de la región de Poza Rica en Veracruz e incluso se cita como fuente literaria de la época y el famoso 3000 años de moda mexicana, Maximiliano vs Carlota y La maldición de los códices mexicas.

A la fecha se puede hablar de aproximadamente 5000 piezas en general. La parte de indumentaria está incluso dividida en indumentaria tradicional, personal, lo que la convierte en una colección completamente independiente a la de moda.

“Está integrado, pero dividido dependiendo de la disciplina. Era muy basto, entonces dije, bueno, vamos por partes porque la verdad es que también investigar incluso cómo ocurrieron los hechos para la creación de varios trajes regionales es como jalar hilito por hilito de los que empiezan a salir muchísimas cosas más”, me confiesa Ray.

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Exposiciones y trabajos colaborativos

Aparte del proceso de investigar, también se encuentra la tarea de mantener viva la memoria de Valdiosera. En este sentido, la sorpresa ha sido que hay interés incluso fuera de México en su obra viviendo en colecciones privadas y de museos.

Exposiciones de moda, como la que actualmente se encuentra en el Museo Franz Mayer: ¡Moda hoy! Diseño latinoamericanx y latinx, curada por Tanya Meléndez y Melissa Marra son una muestra de ello, pues incluyeron piezas de Maya de México a través de la colección privada de Carlos Didjazáa, por ejemplo.

En algunos casos, las instituciones y personas cercanas a la moda están en contacto con la fundación y les avisan lo que estará pasando con el trabajado de Valdiosera. Otro ejemplo reciente es la exposición Conversation pieces: Stories from the fashion archives, la nueva exposición del Denver Art Museum donde se exponen piezas de Valdiosera propias del archivo del museo y que comparte espacio con diseñadores como Coco Chanel, Yves Saint Laurent, Alexander McQueen, Karl Lagerfeld.

“Nos contactaron para brindarles imágenes de la prenda y las imprimieron y las pusieron en la misma exposición. En el museo de Denver ingresaron como piezas de arte latinoamericano a la colección”, me comparte Ray.

Que los contacten o no depende de la situación, el contexto de la exposición y del lugar en el que se haga. En ocasiones no pasa, pero la fundación tiene la iniciativa de contactarlos directamente para brindarles información si la necesitan. “Hay veces que no saben que existimos”, confiesa Ray.

Otra colaboración conjunta que les ha brindado muchas satisfacciones es su acercamiento con la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía (ENCRyM) “Manuel del Castillo Negrete” del INAH que está en Coyoacán, quienes son los responsables de restaurar las prendas para poder mejorar la calidad y se preserven por muchos más años.

3000 años de moda (la reedición) y otros proyectos

A lo largo de nuestra conversación, Ray me recuerda que el objetivo principal es la de promover y difundir la obra de Valdiosera, y en segundo generar algún tipo de educación para promover los talentos y nuevos talentos en la Academia Mexicana de Artes Secuenciales.

“Ramón Valdiosera daba clases en esta escuela, cuyo objetivo era generar capacitaciones o educación asequible a la ciudadanía interesada. A eso se dedica la Academia Mexicana de Arte Secuencial, que es un elemento clave de la fundación para poder cumplir sus objetivos a través del fomento y difusión, mediante conferencias, charlas, exposiciones o los talleres”, aclara Ray.

Desde su punto de vista considera que uno de los recursos más relevantes que aportó Valdiosera fue generar un puente entre la tradición y la modernidad a través de un color, además de haber contribuido a una identidad nacional.

Entre los objetivos más ambiciosos que tiene la fundación es relanzar 3000 años de moda mexicana, que, dicho de paso, ya está completamente digitalizado, solo falta checar los canales de difusión. De ese mismo proyecto les gustaría sacar la segunda parte, gracias a que Valdiosera la completó antes de fallecer.

“Antes de que falleciera quería que el libro pudiera tener realidad aumentada. Él se adaptaba muy rápido a las tecnologías o a lo que iba ocurriendo en cada época. Él lo pensaba para poder complementar lo que había escrito, incluso tenía su proyecto de 100 años de vida que ya no se logró concretar”, me comparte Ray.

Otro objetivo mayor es relanzar algunos diseños a la parte comercial, para esto necesitan documentación de las prendas, la clasificación y demás, porque habían prendas que eran en serie y otras que eran de autor o de alta costura, ya que en algunas el mismo Valdiosera pintaba las telas.

“El acervo en su totalidad es una carta de amor a México. Tener un museo donde se pueda poner a disposición del pueblo de México todas estas colecciones es lo que también hemos buscado”, me comparte orgulloso Ray. Algo que en el pasado existió, ya que en 1959 abrió el Museo de la Moda en la calle de Varsovia, Zona Rosa.

Al respecto, me atreví a preguntarle si se había acercado a las instituciones gubernamentales para hacerlo posible, a lo que me respondió han tenido contacto con autoridades de varios niveles, pero el problema es que se anteponen como herramientas políticas, entonces eso lo hace más complicado.

“Cuando se vuelven herramientas políticas y si no están de acuerdo con lo que se está llevando, a veces quitan a las personas, por eso darle continuidad se vuelve un poco más complicado porque es volver a empezar de cero”, se sincera Ray.

Por último, me comenta que le gustaría que con todo lo investigado pueda ver la luz en un libro donde se podrán exponer detalles de su vida, y temas singulares. Sin duda muchos proyectos, metas y sueños por los que vale la pena esforzarse.

Fotos: Cortesía Fundación Valdiosera A.C

Agradecimientos: Muchas gracias, Ray por todo tu apoyo en el material, la conversación y tu interés genuino en la obra del maestro Valdiosera, mis respetos. También, un saludo a la Lic. Blanca de Valdiosera por motivar a todos a mantener vivo el trabajo artístico de su esposo.

Patricio Campillo lo demuestra colección tras colección y en esta ocasión se rodeó de proyectos nacionales e internacionales para la creación de piezas de plata y ónix, así como teñido natural de técnicas rusticas, el manejo de la piel y materiales poco comunes como el cabello de caballo (crin de caballo).

El pasado 14 de febrero Campillo regresó a la gran manzana para presentar su colección Otoño/Invierno 2026 en BOOM, en el Standard High Line de Nueva York, llevando su sensibilidad estética contemporánea (inspirada en la vida campo mexicano) a los ojos del mundo.

Cuerpo teórico de la colección

Para esta temporada, Campillo reflexiona sobre reconciliar nuestra experiencia de vida con la ropa a través de dos perspectivas principales: la ropa como herramienta para conectar nuestra identidad aquí en el aquí y ahora y cómo la ropa puede transformar nuestro cuerpo.

Con esto se refiere a que la forma de la ropa toma parte activa de la construcción de la identidad y cómo esa realidad influye en la forma en que nos proyectamos al mundo. Es entonces cuando las prendas se convierten en estructuras que guían la psique hacia nuevas formas de ser percibidas.

Lo segundo se refiere a que la ropa puede remodelar visualmente el cuerpo y esas siluetas se convierten en una herramienta para forjar una identidad. Las prendas tienen la característica de hacernos parecer más grandes, más definidos, más sobrios o imponentes. Incluso más cercanos a lo que aspiramos ser.

Esta reflexión es una invitación a comprender cómo la identidad no es fija, sino que se negocia continuamente acorde a varios factores y elementos, en el cual la ropa es un vehículo para extender nuestra forma, redirigir nuestros movimientos e influir en cómo habitamos el espacio.

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Colaboraciones únicas y artesanales

Si algo caracteriza el trabajo de Patricio es su precisión al confeccionar y en la elección de sus materiales, que es lo que salta a vista, especialmente el juego de las proporciones, la rigidez de las formas y los accesorios hechos en plata y ónix, materiales poco comunes que enriquecen la colección

Para llevarlo a cabo, Campillo se alió con diferentes colaboradores de México, ejemplo, la platería, presente en las hebillas, botones y detalles elaborados con procesos tradicionales a cargo del artesano Carlos Andrés Sánchez de la CDMX.

El Ónix, presente en hebillas, botones y detalles, fue trabajado por la artesana Sara Pineda, que tiene su marca Onice la cual trabaja en Naucalpan, Estado de México.

Otras colaboraciones destacadas son:

1. Técnicas Naturales de Teñido y Oxidado. Artesano: Procemex. Proceso de teñido y lavado natural de mezclilla

2. Fabricantes de Cuero. Artesano: Mexipiel

3. Accesorios y Detalles de Crin de Caballo. Artesano: Christian Rodríguez (Aguascalientes) que se encargó de la preparación y transformación de crin de caballo mediante métodos tradicionales.

4. Telas y Textiles de Lana. Artesanos: Tejidos San Ildefonso Familia Morera de San Ildefonso, Estado de México

5. Para el calzado, Campillo une fuerzas de nueva cuenta con APICCAPS y Mariano Shoes (ambas marcas portuguesas) con experiencia en calzado artesanal. Esta es la segunda colaboración entre ambas marcas con su primera cápsula, que incluye una bota clásica en cuatro colores, mocasines de piel con suelas artesanales y cinturones de piel.

6. Por su parte, los bolsos fueron producidos por Belcinto, un fabricante portugués de artículos de piel. Cabe destacar que los materiales utilizados en las colecciones de calzado y bolsos se desarrollaron como parte del proyecto BioShoes4all, que refuerza la dedicación de APICCAPS a la innovación, la investigación y el desarrollo de materiales avanzados.

7. Además, algunos looks se complementaron con adaptaciones del Total 90 (T90) de Nike, que plasma la pasión de Patricio por conectar el deporte y la moda en la pasarela. Supongo que atendiendo al mundial de fútbol del que México será sede en unos meses.

Y por último, aunque no fueron parte de la pasarela, las mini botellas de Tequila Don Julio, las cuales pudieron degustar los asistentes de la primera fila. Para su fabricación estuvieron a cargo Estudio 86nudos, dirigido por Don Julio (Estado de México) y para sus accesorios combinaban fibras de ixtle con hilo de algodón y cuero.

El charro contemporáneo

Todos estos detalles trabajaron a favor de la inspiración charra viva en las chaquetas cortas, hombros marcados y pantalones alargados, que se han convertido en señas de identidad de la marca. Otoño/Invierno 2026 es un recordatorio de que la ropa no es sólo decoración sino también una parte fundamental de cómo construimos y experimentamos quiénes somos.

El rebranding que sufrió The Pack al convertirse en Campillo, tomando el apellido paterno de Patricio, era el cambio que debía hacer no solo a nivel marca, sino también creativo. Luego de estar entre los semi finalistas del premio LVMH en 2024, su carrera tuvo el impuso que necesitaba para colocarse en la mirada internacional y lo ha sabido aprovechar.

Me parece que tiene una visión de marca a futuro y se nota en sus decisiones comerciales y creativas. Su más reciente galardón en noviembre pasado a Diseñador emergente del año en los Latin American Fashion Awards, lo siguió colocando bajo los reflectores al lado de Luar y Willy Chavarría.

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Fotos: Cortesía Campillo

Yo creo que sí se logró porque las 6 horas ahí adentro parecieron minutos, de hecho el dolor de pies por llevar botas me avisaron que habia pasado mucho tiempo de pie (error mío, pero se me veían bien cool con mi outfit all black).

¿Cómo llegué a Zona Maco?

La verdad no es muy díficil siendo medio. Años anteriores no había podido ir porque extrañamente no me encontraba en algún medio a principios de año como para justifircar mi entrada.

En esta ocasión pude hacerlo gracias a mis colaboraciones con la revista PERCHA, que era media partner y básicamente fui a echarles la mano en un joybooth donde iba a estar expuesta la última edición de la revista.

Por cierto, se trata de una portada doble; en una Ximena Sariñana y la otra con Camila Sodi. Yo llevé alrededor de 40 revistas con Sariñana en portada. De hecho, puedes adquirir la tuya aquí y leer de paso la entrevista que le hice a la primera actriz Luisa Huertas y al director Pierre Saint Martin (que dirigió la película “No nos moverán”).

De la Roma al Centro Banamex hice poco más de 30 min y cargando a cuestas las revistas logré llegar a mi destino, un poco preocupado por la media hora de retraso. Ay, también era mi primera vez en ese centro de convenciones (es inmenso) y muy ejecutivo el asunto.

Después de que me instalé en el espacio asignado hasta ese momento (porque al final del día mi editor Jonathan López, quien es el fundador junto con Edu Espejo, me comentó que nos habían dado mesa con los otros medios). Cosa que tuvo que haber sido desde un principio pero bueno… No sucedió hasta el final.

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¿Quién va a Zona Maco?

La respuesta corta: Quien puede y tiene con qué. Está abierto a todos pero tiene varios matices y lecturas entre líneas.

Desde que estaba en la universidad y supe que existía este evento, se hablaba que era una feria super elitista, casi casi para los tocados por la dicha de entender el arte contemporáneo y comprarlo. En lo personal no me gusta este tipo de arte y luego no lo entiendo, pero esa es otra historia.

También recuerdo mucho cuando la crítica de arte Avelina Lesper estuvo involucrada en el momento que implosionó un cristal perteneciente a una pieza de arte contemporáneo. Recuerdo que en su momento que quedó como meme y como referencia del evento por un buen rato.

En fin. Regresando al tema, Zona Maco tiene visitantes diversos pertenecientes en su gran mayoría a la clase media de México, no solo de la CDMX, que es donde se desarrolla la feria.

Las personas adultas mayores son una parte importante de la población que observé, igual y por secciones o ferias varia un poco, pero me causó curiosidad verlas (en su mayoría mujeres) que iban en grupo, tipo excursión.

Esto no es nuevo, en ediciones anteriores de Feria Material vi un evento parecido, pues afuera sobre las calles, estaban estacionados autobuses o camionetas urban (nada que ver con las de las combis, eran más pro). Esto se repitió en zona maco, era en muchos casos o cirulos una oportunidad para visitar Zona Maco en compañia.

Algunas de esas personas venían de la CDMX, o de estados aledaños, o incluso del norte del país. No escuché acentos o platicas que venían de Guerrero, Oaxaca o Tabasco. Los recurrentes eran Sinaloa, Guadalajara, Monterrey.

La gente en general va a ver qué hay de nuevo, cuál es la novedad, como ritual de un estatus que toca hacer, incluso como una tradición, pues esuché comentarios donde dejaban ver que era algo que hacían cada año.

Los asistentes van a comprar piezas para sus hogares, oficinas u otro espacio que quieran decorar con las piezas de su gusto, ya sea eclécticas, sobrias, contemporáneas o clásicas. La verdad es que la feria es inmensa y tiene para muchos gustos, más no bolsillos, a menos que sean la parte editorial, que creo es de lo más económico que hay para comprar.

Zona Maco es ya una marca internacional y pude constatar en estos días que la gente que ya la conoce sabe qué va a encontrar. Esto me quedó claro cuando conversé con algunas personas que fotografié porque sus looks me parecieron cool.

Mayoritariamente eran de EUA y de diferentes etnias y origenes, pero cobijados por el idioma inglés. Me decían que vinieron a México exclusivamente por Zona Maco y conocer el arte que ofrece en general la ciudad. Otros estaban aquí y decidieron pasar a conocer y explorar.

CDMX ya es también una marca, así que resulta atractivo para los turistas o extranjeros venir/coincidir para la Semana del Arte. Éstas breves conversaciones me hacían darme cuenta de lo relevante que es la ciudad en general, de lo rica en diversidad, pensamientos, culturas e ideas.

Tanto nacionales como extranjeros pude observar artistas, galeristas, editores, fotografos, gente del arte y la cultura, por así decirlo. Razón por la que muchas veces las conversaciones eran muy referenciales al arte, a la planeación de venta, a crear redes de contactos y de hacer crecer el negocio del arte.

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¿Qué es más mamona: Fashion Week o Zona Maco?

Esta fue una pregunta que me hizo (Josh Illustrates) en instagram hace días cuando le dije que iba a ir por primera vez a Zona Maco. Le dije que le iba a compartir los detalles, así que aquí está :)

Yo siento que Zona Maco. Tal vez es porque fue mi primera vez, pero sentí a la gente más fría y distante. Entiendo que no era un espacio realmente de moda, donde los influencers te aceptan fotos porque de eso viven, por así decirlo. Es menos desenvuelta.

También me dio la impresión de que el estereotipo de personas cultas, entre snob, y artistas, sigue muy presente en nuestra sociedad mexicana. Como si el arte fuera solamente de clase media o alta. O al menos ese tipo de arte.

La ropa no solía ser muy vistosa, ni muy irreberente, repito, quizá por el ambiente, pero aún así hay personas que se toman en serio el arte que lo trasladan a la moda.

Respondiendo a Josh, creo que Zona Maco, ahí el acceso está más controlado, está mejor organizado y hay más espacio para todo. Fashion Week es sí mamón, pero la amiga banda y buena onda. Zona Maco sí es la pesadita intelectual.

Lo que más me gustó

En Zona Maco puedes encontrar una vasta propuesta de arte, antiguedades, diseño, fotografía y publicaciones editoriales, incluso cercanía con la moda. No es el único, pero por su tamaño es como si no tuvieras que salir mucho para saciar tus ganas de conocer arte.

La parte de las publicaciones fue la que en lo personal más disfruté. Revistas, libros, periódicos, zines, y más proyectos editoriales me hicieron sentir como niño en dulcería. Ver que hay varios proyectos impresos me hizo querer hacer el mío algún día.

Como persona del EDOMEX con poco más de salario minímo considero que pagar $700 MXN ($40.70 dólares) por persona es muy caro, porque no solo es entrar, la comida también se debe de consumir ahí porque la zona en la que se encuentra el Centro Banamex, no tiene puestos en la calle, ni está cerca el metro, o hay una plaza comercial de comida rápida.

Este tipo de pequeños detalles hacen que sea un sitio poco plural pero no imposible de accesar. Es por eso que han proliferado otros espacios y gratuitos o más económicos que también exponen arte, diseño y proyectos editoriales más plurales.

Si está mal o no, yo considero que no lo tenemos que criticar desde nuestra realidad, pues para todo hay presupuestos, realidades y contextos. Sobre si la curaduría es la mejor, o si su arte o galerías son las mejores, no sabría decir porque no soy experto o al menos aficionado de este arte.

Lo que sí es que asistir a este tipo de ferias o eventos culturales, es una oportunidad que no podemos dejar pasar para conocer y ver a través de nuestros propios ojos y vivencias lo que ocurre dentro.

Tanto Zona Maco como otras ferias de arte, galerías, museos, desfiles de moda independientes, Fashion Week o más, contribuyen poco a poco a generar un criterio visual y social de lo que ocurre a nuestro alrededor, especialmente si nos dedicamos a la moda o las artes. Así que si tenemos la oportunidad saquemos lo mejor de ese espacio.

En fin, espero que les haya sido ilustrativo, interesante o que les haya dejado alguna reflexión de arte o algo. Les quería compartir está experiencia porque en lo personal fue enriquecedora a nivel social, profesional y personal y quería pasar desapercibido esta oportunidad de ir a Zona Maco.

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Prueba de ello es la falta de eslabones que permitan una optimización del proceso tanto a nivel industria como a nivel investigación y educación. Que no exista una licenciatura, posgrados o especializaciones de moda en universidades públicas, las lagunas en la historia de la moda en México o cuando los diseñadores se enfrentan al proveedor de tela que solo vende a escalas industriales, son ejemplos de esta problemática.

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¿El resultado? una industria dudosa y con pocos espacios que se dediquen a estudiarla, investigarla, preservarla y documentarla. Por suerte los tiempos están cambiando, ya que hay más voces, negocios e instituciones interesadas en la moda creando mico comunidades con todo su propio sistema de consumo, difusión y dirección.

Un par de semanas atrás tuve la oportunidad de entrevistar a Tanya Meléndez, figura clave en el ecosistema de investigación de moda debido a su posición como curadora senior del programa de educación en el Museum at FIT de Nueva York, pero también por su sensibilidad y elocuencia en la investigación de moda tanto mexicana como del resto de Latinoamérica.

De hecho, la misma Tanya se encontró con problemas de esa desarticulación en su momento cuando quería estudiar moda, pues no era opción debido a que no existían universidades que ofrecieran una licenciatura de moda.

“Cuando decidí que no iba a estudiar moda, entré a la Universidad de las Américas en Puebla, estudié una licenciatura que se llama Humanidades y me enfoqué en historia del arte. Porque ese era mi otro gran interés y los museos. Entonces enfoqué toda mi atención a esa área”, Tanya Meléndez.

Años después decidió estudiar una maestría y encontró un programa en museología para moda y textiles en el Fashion Institute of Technology. “Era un programa perfecto, era la posibilidad de regresar a mi interés inicial en la moda, aunado con lo que yo me estaba dedicando, que era el trabajo en museos” recuerda Tanya.

De hecho, encuentra en los museos una forma educativa de acercar a las personas a la moda. Su más reciente exposición en la que participa como curadora al lado de Melissa Marra: ¡Moda Hoy!, es un recorrido por la moda latinoamericana y la diáspora que se encuentra en Estados Unidos. La exposición se encuentra actualmente en el Museo Franz Mayer de la CDMX hasta el 12 de abril de 2026.

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Juan Ramón: ¿Cuál es la razón de la moda en un museo? Creo que esa es la pregunta que la gente común se puede hacer y me parece necesaria siempre recordar.

Tanya Meléndez: Hay muchas maneras de contestar esta pregunta. La primera es que la moda es parte de la cultura, es un producto cultural como puede ser la música, las artes visuales, el cine, la arquitectura o la gastronomía. Todos estos ejemplos son disciplinas creativas, pero que también tienen una parte de negocio, de la misma manera que la moda existe para hacer una portada, para ser vendida en tiendas o dentro de las revistas. También forma parte de la cultura.

La otra respuesta es que los museos son espacios abiertos a todas las expresiones tanto culturales como de la naturaleza o la ciencia. Entonces, con esa visión tan amplia de qué se puede presentar en un museo, la moda cabe perfectamente.

JR: ¿Cuál crees que sea el eslabón que falta en México para este sistema de la moda desarticulado? Todos de alguna forma trabajamos para ella pero se siente dispersa.

TM: Hay estudios, por ejemplo, sobre cómo funcionan las ciudades de moda y algunas de las cosas que han detectado es que las ciudades con un sistema de la moda más funcional, es porque, como tú dices, hay una concatenación entre los diferentes aspectos que crean el sistema.

Los procesos de manufactura, de diseño, de difusión, educación, investigación y diferentes elementos como los insumos se conectan entre sí, digamos que hay conexiones entre todos estos aspectos de la industria que son funcionales.

Uno de los problemas en México es que muchas de estas áreas no necesariamente están conectadas o trabajan en armonía. Por ejemplo, la moda de diseñador y la industria comercial no necesariamente están conectados de manera eficiente, o la producción no necesariamente está conectada de manera funcional con la exportación de prenda terminada o de calzado terminado. No hay una conexión entre el diseñador, la manufactura, la exportación e importación, ¿sabes?

Tampoco no es que existan universidades que estén haciendo investigación al respecto o pensando de qué manera podemos mejorar estas formas de trabajar entre diseño e industria, o hacer más exposiciones que sean curadas dentro de las instituciones mexicanas o libros que sean publicados por universidades mexicanas acerca de temas relacionados con moda como creatividad, moda como industria, moda como negocio global.

JR: Hace como 2 años hubo una manifestación creativa para que la UNAM integrara una carrera de moda ¿Cambiaría un poco esta este panorama? ¿aportaría o serviría de algo para articular el sistema?

TM: Pues todo depende, ¿no? Muchas preguntas: ¿En qué facultad de la UNAM estaría diseño de modas? ¿Estaría en la facultad de diseño, estaría en artes visuales, estaría en diseño industrial, estaría en arquitectura, estaría en la facultad de administración? ¿Por qué no pensar, por ejemplo, en el Politécnico Nacional o en la UAM, o en otras escuelas públicas en Guadalajara o en León?

En términos de una institución universitaria, esas preguntas son importantes porque nos dan una visión a una licenciatura. Pensando en la UNAM desde una perspectiva más académica, ¿en qué facultad de la UNAM se trataría a la moda desde un aspecto más teórico?

Hay muchas maneras de acercarse a un tema y yo coincido contigo en que tener una licenciatura en moda desde universidades públicas es una completamente necesario para poder integrar a una población que no puede pagar la colegiatura de una universidad privada y entonces diversificar la población que se gradúa de licenciaturas de moda.

JR: Estaba viendo hace días una publicación de una página que se llama Obras de arte comentadas y decía que en el arte actualmente mucha teoría crítica pero poco acceso real a un sistema del arte, lo que generaba una desconexión entre el trabajo, el alcance y las instituciones y que hay gente que está desde afuera haciendo critica. Transportándolo a la moda ¿Qué crees que pasa? ¿Cuáles son las repercusiones que demonizan al sistema más allá de lo evidente?

TM: Yo creo que la moda es muy controversial desde que se creó el concepto contemporáneo de lo que entendemos como moda. Hay gente que le fascina pelearse con la idea de la novedad, con el costo de la ropa, con la idea de los gastos superfluos y eso es parte de moda.

Viene con sus detractores y creo que es porque es algo muy importante para las personas, mucha gente quiere participar, es algo que todos vestimos y todos podemos tener una opinión del tema. Yo creo que la moda nunca dejará de ser controversial, siempre va a haber distintos puntos de vista y como siempre está cambiando.

JR: ¿Cuál es tu percepción de la moda mexicana especialmente ahora que estuviste en la apertura de la exposición en el Franz Mayer? Por ejemplo, a mí me asombró la cantidad de medios independientes de cultura y moda.

TM: Sí, como dices, hay muchísimos medios que cubren la moda desde diferentes puntos de vista. Si piensas en los ochenta había un número limitadísimo de publicaciones que escribían sobre moda y más limitado aún, quienes escribían sobre moda mexicana.

Ahora, 50 años después, vemos una variedad inmensa de personas que están escribiendo o haciendo publicaciones acerca de lo que sucede a nivel hiper local y yo creo que es muy valioso crear estas comunidades en donde se empiezan a construir estéticas comunes y maneras de acercarse a la moda.

Todas estas comunidades se convierten en redes de producción, de creatividad, de consumo, de negocio y es así como se van creando los sistemas de moda. Todos estos sistemas tienen que irse haciendo cada vez más eficientes. Eso es algo de lo que hablábamos antes, que hace falta más eficiencia en el sistema de la moda mexicana y hace falta la experimentación y el riesgo por parte de distintos lugares.

También tenemos que verlo a nivel macro, venimos de décadas donde la una situación financiera era sumamente inestable, entonces hay mucho miedo al riesgo, porque tenemos muy malos recuerdos. Ahora la economía no es que sea súper sólida, pero está un poco mejor y se empieza a ver cuando comienzan a surgir todas estas iniciativas. Entonces, podemos decir que también la salud económica del país favorece o decrece la creatividad, porque cuando más estabilidad, hay más posibilidad de tomar riesgos.

JR: ¿Cómo se cultiva una crítica asertiva y educada? Muchas veces se aborda de un lado incluso moralista. Bueno, no nada más de la moda. ¿Cómo fomentar una crítica que construya, desde la academia y educación?

TM: Una de las maneras de hacer crítica constructiva es tener mucha cultura visual. Por ejemplo, si tú haces escribes acerca de moda mexicana, debes tal vez irte al mercado de la lagunilla a ver estas marcas que se desarrollan ahí o irte a Fashion Week, aunque sean espacios completamente distintos, incluso chocantes entre sí, ir a ver a las boutiques, ir al centro a ver la ropa que se vende al mayoreo, porque así tienes una visión más amplia y puedes empezar a ver cuáles son las cosas que sobresalen en todos estos lugares desde la calidad de manufactura. El ojo se entrena viendo,

Y leer mucho, leer autores que escriban de la manera en la que tú aspiras a hacer crítica, familiarizarte con estos autores y lo tienes que poner a practicar todo el tiempo. Con todo esto empiezas a entender cómo las cosas se conectan y puedes detectar lo sobresaliente entre el ruido, pero para eso tienes que estar constantemente viendo.

Educación, investigación, industria, creatividad y negocio son los grandes ejes de la moda que juntos fortalecen a todos quienes la integramos. El reto es hacer encajar todos los engranes, pero no me siento desanimado, al contrario, es un momento importante porque se está generando una conversación sobre la moda desde otros ángulos.

Hay cada vez más coloquios, conversatorios, talleres, revistas, medios y profesionales de la moda que usan sus redes sociales para crear estas famosas comunidades que a la larga son se convierten en mentes inquietas que buscan otros creadores similares y así sucesivamente.

Mentes y perspectivas como la de Tanya son de gran ayuda porque contribuyen enormemente a crear critica, investigación y difusión que a lo largo de casi casi dos décadas de trabajo ha visto cambiar el sistema para bien.

Agradecimientos:

Muchas gracias a Tanya por tu tiempo al tomar esta entrevista. Admiro mucho tu trabajo y eres para mi un referente de profesionalismo, constancia e investigación. Mis respetos.

Pensar en los artistas fallecidos que vivieron y desarrollaron su potencial en el siglo XX, en un mundo sin tecnología digital, más analógico y de alguna forma más lento, me hace pensar en mi artisticidad.

Esta noticia llega en un momento en el que me siento más ambicioso, pero donde también tengo más miedo. He aquí la contradicción humana. Deseo enfocar mi vida bajo el camino de artisticidad no como una meta artística, más bien un estilo de vida abierto a las posibilidades, a la exploración y a la sensibilidad para entender la belleza de lo que admiro.

Cuando un artista fallece su vida trabajo me inspiran. El hecho lo siento como un llamado a la introspección. La razón es porque el estilo de vida de un artista disciplinado me ha seducido desde lejos, como un satélite unido a mi centro gravitacional. No he tenido, ni espero tener una vida de artista, en primera, porque no tengo alguna habilidad meramente artística, y en segunda, porque creo que sería demasiado pretencioso ser algo que no soy.

En su lugar, me he propuesto cultivar y comprometerme con mis inquietudes relacionadas con las humanidades, las artes y la cultura en pro de mi formación como periodista de moda, porque eso soy en un sentido estricto de la palabra, aunque a ratos me incomoda, como cuando pronuncias innumerables veces tu nombre frente al espejo. Sabes que eres tú, pero llega un momento en que no solo eres el rostro que vez.

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Memorias artísticas (contexto)

Desde niño me sentí atraído por las manualidades, por dibujar, por ver y sentir el trabajo que lleva hacer algo desde cero. Básicamente jugar con las manos. De hecho, soy bueno en algunas manualidades como la pintura de cerámica, crochet y la cocina.

Ya en la secundaria se empezó a formar en mi la idea de ser arquitecto influenciado por situaciones a mi alrededor y alimentada por la inquietud de crear, proyectar y por la admiración a la belleza. Por lo bello que puede llegar a ser algo.

Debido a situaciones diversas y puntajes insuficientes del examen de admisión en las universidades que quería entrar, decidí escuchar atentamente mi interior por primera vez y encontré que el mundo de las revistas, los libros, los medios, las artes, la cultura (y un poco la moda) y la comunicación me hablaban de una forma sutil.

Tenía ideas en mi cabeza de lo que podría llegar a ser, solo que nada claro hasta muchos años después. Ahora de adulto veo que los pasos que di tal vez no fueron los correctos, no sabía realmente qué rumbo tomar y mi camino lo he sentido más bien circunstancial. Debido a la terapia psicológica y a mis creencias pienso en que tal vez así era como debían pasar las cosas.

Aunque para ser honesto, no estoy del todo convencido de eso, pero trato darme esperanza para no caer en la ansiedad existencial. Y si lo vemos así, estoy en mi camino.

Mi artisticidad con propósito

Mi artisticidad se traduce en ser más constante en lo que me importa, por ejemplo, nutrir este blog bajo mi enfoque cultural, de divulgación y artístico sobre la moda, y mi negocio de venta de tamales los fines de semana.

Estas dos tareas son mi proyecto ahora mismo que me hacen pensar en grande y esforzarme más. El lado B de este hermoso horizonte soleado es que por momentos, especialmente en las noches, me da invade la incertidumbre del futuro y si estoy siendo lo suficiente inteligente o si esto de verdad me lleva a lo que quiero. ¿Qué tal si lo dejo a medias? Buscare que no sea así, pero es algo que ronda en mi cabeza.

Ya sé que en estos momentos la narrativa está en no presionarse para alcanzar ideales aspiracionales privilegiados y lo entiendo, sentir esa presión es muy feo, pero citando a mi intima amiga Carrie, no puede evitar preguntarme: ¿Acaso esto también corresponde a una cultura donde todo lo queremos facil, rápido y al menor esfuerzo?

No hay que negar que nos toca vivir en un mundo en el que vez vivimos más a través de las pantallas para facilitarnos las tareas (cada uno sabe sus hábitos digitales) donde al parecer todo es más rápido y momentáneamente estimulante. No me sorprendería que esa dinámica de pensamiento permeara en los consejos de salud mental para hacernos pensar que la vida solo se trata de placer.

Por momentos es lo que pienso, luego veo que realmente esa rápidez nos hace exigirnos más y tener el tiempo aparentemente para hacer más actividades, tareas, deberes, actividades de esparcimiento o entrar en conversaciones actuales sobre alguna noticia o trend. Aquí es cuando veo el monstruo capitalista sumergido en los recónditos espacios de la vida cotidiana.

Tratar de esconderse del sistema es imposible, pero darse cuenta de que está en todos lados es abrumador también. En estas encrucijadas es cuando busco que mi artisticidad me guie. Busco educar mi mente para que sea menos volátil, y si lo es que sea para construir, no para derrumbarme.

La artisticidad incluye salir, conocer nuevas personas, exponerme a contextos que usualmente no estaría, conversar con personas ajenas a mi realidad, trabajar para mí y los míos cumpliendo mis metas, los cuales espero compartirles más adelante cuando tomen forma. Por ahí leí que te aferres a un sentimiento que sientas correcto, aunque no sepas realmente qué es.

Con todo esto que busco, también me pregunto si este modo de vivir es un privilegio ¿qué tan realista puede ser? No se trata de abstraerse del mundo, ni tener una vida bohemia (recuerdan que dije que no me gustaba enteramente ser artista), ni tampoco ser edgy o estar bajo la etiqueta de woke toxico. Mi idea es más coloquial y sin juicios. Rayos no sé si lo sea con todas sus palabras.

Esto lo pienso porque hay mucho contenido sobre influencers que muestran su nuevo estilo de vida abstrayéndose supuestamente de la vida digital y la tecnología como una forma de sanar su mente y cuerpo. Como si eso fuera posible para las personas asalariadas o que viven al día. No quiero ser ellos, solo una persona que busca entender el mundo respetando sus posibilidades y su contexto.

En fin, espero que de alguna forma esto tenga sentido para ustedes también.

Se los comparto porque es una forma quizá de demostrarles que cada uno es libre de elegir como quiere vivir su vida, tomando referencias y apostando por lo que creen.

Lo escribo también para hacer realidad todos mis propósitos y que estas palabras me guíen cuando me siento perdido, creo que lo voy a imprimir.

A la distancia pareciera que tengo muchos recuerdos de mi infancia viviendo y conviviendo con mis abuelitos paternos, quienes llegaron a finales de los sesenta al entonces D.F provenientes de un pueblo llamado Magdalena Tequisistlán en el estado de Oaxaca. Aunque ahora las cosas son diferentes, nunca me he separado de esa casa.

Eduarda Aranda (mi única abuelita que vive) tiene 86 años y pese a que no ha sido fácil llegar a este punto de su vida, nos sigue demostrando amor por la vida, porque no me explico otra razón para tener el ánimo y la fuerza para levantarse, lavarse y vestirse todos los días pese a sus dolencias y además brindar cariño.

La he visto hacer su rutina matutina cientos de veces frente al lavabo para después caminar lentamente un pequeño tramo hacia su cuarto y cambiarse. Ahora que sus movimientos son más pausados apoyados por una andadera debido al estado de sus rodillas, me hace pensar en la dicha que tengo al tenerla a mi lado. Así que esto es para ella.

De niño recuerdo una corpulenta máquina de coser de mueble con patas de fierro y un pedal del mismo material. Ahí veía coser a mi abue sus nahuas, dobladillos y composturas del hogar que hicieran falta. Por cierto, tiene cerca de 5 años o 6 que no la usa, la condición de sus rodillas se lo impide entre otras cosas, pero cuando era niño veía como deslizaba la tela por debajo de la aguja mientras subía y bajara rápidamente al compás de sus pies pedaleando, lo que emitía un considerable sonido, supongo que era todo el mecanismo y la aguja.

Mi abue tendría entre 14 o 15 años cuando tuvo la inquietud de aprender sobre costura y al ver su deseo, su papá la mandó al entonces Distrito Federal a la zona de la “Villita” con unos tíos a estudiar “el corte” con la esposa de un hermano de su papá, pues ella había estudiado modas.

Ahí aprendió a hacer ojales, dobladillos, poner botones, cortar y usar el sistema ACME en donde hacía los moldes para después cortar las prendas. Si bien aprendió, los golpes y malos tratos de sus tíos fueron decisivos para que, en una visita, su papá se la llevara de regreso a su casa a petición de mi abue, no sin antes pagar una cuenta de todo lo que había roto, comido o usado mientras estuvo con sus tíos.

Con sus nuevas habilidades en la costura, ahora solo faltaba la máquina de coser. Al principio mi abue me cuenta que quería una Singer de mecanismo sencillo, ya que su tía tenía de esa marca, una muy famosa y reconocida que llegó a México a finales del siglo XIX y que a la fecha sigue existiendo.

Para comprarla, mi bisabuelo Manuel vendió una vaca, pues eran herramientas caras en tiempo. En la nota de compra que data de 1956, ya amarilla y delgada al tacto que aún conserva en una cajita de jabones Maja, se puede leer: Liberty nueva, matrícula JN390043 con un precio de $1,500 pesos en la Mueblería Nueva frente el Mercado Juarez en Oaxaca capital.

En marzo, un mes después, en uno de los viajes mensuales que hacía para surtir su tienda, su papá regresó y liquidó la compra para llevarla hasta Magdalena Tequsistlan, donde vivían. Aunque no era Singer, mi abue recuerda con mucho entusiasmo la emoción y felicidad que le dio al ver el regalo que su padre le había hecho.

Poco se imaginaron, o tal vez su papa sí, las veces en las que esa máquina serviría como sustento a una familia en momentos de crisis. Sabiendo de la posición poco favorecida por su género y un contexto familiar muy particular, en 1961, su papá le hizo un escrito en donde constaba que él cedía completamente la máquina a Eduarda Aranda, para asegurarse de que nadie se la pudiera quitar.

Con 16 años, una máquina de coser de puro pespunte que no ocupaba electricidad y con sus conocimientos en el corte, trabajo no le faltó en el pueblo, especialmente cada 22 de julio, día de la fiesta patronal de Santa María Magdalena, donde todo es música, fiesta y color. Innumerables eran los metros de tela que las mujeres jóvenes le llevaban para que les tomara medidas y les hiciera vestidos o faldas para lucir en la fiesta, lo que le valió para ir perfeccionando y aprendiendo sobre la técnica.

Tanto en ese tiempo como a la fecha, le gustaba tener su dinero, así que a la par de la costura, salía a vender a las rancherías aledañas de la Reforma o la Fátima montada en su caballo con las canastas a los lados llenas de todo tipo de mercancía, desde totopo, dulce de coco, café, jabón, hilo, ungüento 666, incluso horchata natural, que echaba en una cubeta y la cargaba sobre su cabeza guardando perfectamente el equilibrio, una técnica antiquísima de las mujeres del Istmo.

La rutina se repitió durante algunos años, hasta los 19 cuando se fue con mi abuelito Aban, un momento de muchas transformaciones para su vida, incluso en vestimenta, pues cambió los vestidos y faldas por nahuas y huipiles. Eran otros tiempos, donde mi abuelita recuerda que mi abuelito le sugirió que por qué no se vestía como lo acostumbraban las mujeres de su familia, a lo que ella aceptó, le gustó la idea y también la forma en la que en ese momento la vio su esposo.

68 años después, su ropa istmeña la acompaña, nunca la he visto con un vestido o pantalón, fue una constante que siempre mostró con orgullo incluso después de mudarse a la ciudad a finales de los años sesenta con su pequeña familia, que en ese momento consistía en dos hijas.

Si en algún momento alguien la discriminó no fue suficiente para que dejara atrás sus raíces, incluida su ropa, porque cuando uno sabe lo que es, nadie tiene el poder de hacerte cambiar lo que eres.

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Ya en Azcapotzalco, alcaldía a la que llegaron y vivieron en una vecindad, su papá le mando a través de su hermano la máquina de coser en un viaje de 12 horas aproximadamente en camión. Mandó empacado el mueble, la máquina la desmontó y la puso en una caja aparte.

En Azcapo, trabajó haciendo pantalones, baberos, cortinas, y en general lo que la gente le iba pidiendo, usando sistema, al cálculo o bajo medida. En un primer momento a escondidas, pues mi abuelito no le parecía que trabajara, aunque la realidad era que vivían muy limitados y no alcanzaba con su sueldo de la fábrica.

La situación empeoró cuando mi abuelito sufrió un accidente donde resultó con quemaduras de tercer grado en el 70 % de su cuerpo, mi abuelita y mis tías recuerdan que cuando regresó a la casa una vez salió del hospital, era como una momia por la cantidad de yeso y vendas que cubrían su cuerpo.

En ese momento la empresa se hizo cargo de los gastos, pero el trabajo de mantener a la familia recaía por completo en mi abuelita porque tenía que sacar adelante a en ese momento 3 hijas más aparte de los cuidados meticulosos que requería un cuerpo con ese grado de quemaduras y sin poder moverse.

Un día fue a visitar un taller de costura donde hacían principalmente pantalones ubicada, según recuerda, en la colonia Mártires de Rio Blanco, donde conoció a la dueña que era de Oaxaca y le dio trabajo sin conocerla y sin carta de recomendación. En ese primer momento le dio las fracciones de la ropa ya orleadas únicamente para cerrar y poner pretina y cierre.

A 4 pantalones le siguieron media docena y, por último, varias pacas, para lo cual ocupó la ayuda de su hija mayor de 12 años para cargar. Con el tiempo no fue necesario cargar las pesadas pacas, pues la dueña al ver su situación, le mandó una camioneta para recogiera y enviara el trabajo hasta su casa los días acordados. Ahora que le pregunté, desconoce el destino de esa ropa, probablemente se vendía en mercados o tiendas.

En esos años, mientras todos dormían, la máquina de coser mecánica no paraba hasta las 3:00 am cuando mi abue iba a acostarse y dormir un par de horas para después levantarse nuevamente y seguir con el trabajo del hogar siendo madre y ama de casa. Por las tardes la rutina se repetía: daban las 4:00 pm y se ponía a coser hasta el siguiente día. “Eran unas friegas”, recuerda.

La rutina terminó una vez mi abuelito pudo incorporarse al trabajo luego de dos años. Después se dedicó a vender telas que compraba de su tío Joel, en la colonia de la vecindad donde vivían, un trabajo que hizo a “escondidas” buscando el complemento económico para sostener a la familia.

A ese trabajo le siguió la venta de suéteres y en este periodo, nuevamente mi abuelito tuvo un accidente, esta vez en Caracas, donde resultó con múltiples fracturas y lo imposibilitó varios meses, ya que necesitó de una prótesis de acero en cadera, fémur y pies.

El trabajo textil nuevamente salvó la economía de un hogar, pues consiguió un trabajo veniendo suéteres que confeccionaba una fábrica. A la larga, la dueña de la fábrica incorporó chalecos y rebosos. Mi abue les vendía a familias enteras, profesores y los padres de familia de las escuelas de sus hijos (su mejor clientela) que vivían en colonias aledañas como San Marcos o San Sebastián, pueblos y barrios originarios de Azcapo. Eso sí, siempre bajo pedido, lo que implicaban largas caminatas, aunque después por la cantidad de pedidos fue necesario moverse en taxi.

La venta de suéteres siguió cuando se mudaron a Coacalco, Edo de Mex a principios de los 80 donde vive actualmente. La distancia no impidió que dejara el trabajo y menos sus clientas del DF, mientras se iban sumando las nuevas de la nueva colonia. Por la distancia, se volvió más pesado, pero trabajo es trabajo y lo hacía.

Con los años y la llegada de los nietos, a los que cuidó, incluido yo, le hicieron replantear sus ocupaciones y dejar el trabajo, además de que se iba incrementando el cansancio y pequeños problemas de salud que la fueron centrándose “únicamente” en las labores de hogar. Y únicamente entre comillas porque es la persona más trabajadora que conozco, claro, solo después de mi mamá.

Su habilidad, aprendida por gusto y perfeccionada por necesidad, la hizo capaz de hacer su propia ropa y la de sus hijas cuando era necesario. “Yo le decía a tu abuelo: tu no gastas ni para una nahua en mí, yo todo lo hago”. Así como a esta familia una máquina de coser ayudaba para dar ingresos, la historia se repetía en muchos hogares de México, pues era común en el pasado ver a la típica señora que elaboraba ropa para los vecinos, además claro, de las tiendas o mercados. No había e-comm, malls o fast fashion.

De hecho, mi bisabuela Antonia Martínez, mamá de mi abue, que por cierto sí llegué a conocer, también manejaba la máquina de coser. Ella trabajaba con una Singer de segunda mano confeccionando refajos y brasieres una vez llegó a la capital en los años cuarenta. Su historia, como dicen por ahí, es otra historia.

Ya entrados los años dos mil, la Liberty de pespunte siguió confeccionando, pero ahora nahuas para todas las mujeres de la familia como un gesto de herencia cultural. El origen de las telas era indistinto, bien podría ser de Parisina o regalos de sus cuñadas del pueblo, lo importante era la calidad y si le gustaba a la vista y al tacto.

En su closet actual, porque mucha ropa ya la heredó, se pueden ver coloridas y floreadas nahuas, rabonas y huipiles. De hecho, conserva algunas rabonas que sus cuñadas (quienes también sabían coser) le regalaron. Prendas que sin duda encapsulan recuerdos, cultura u trabajo.

Entre lo que conserva son sus nahuas de popelina en su mayoría, refajos percal o de tira bordada (que de hecho es el material del último que se hizo), rabonas de organza adornadas con alforzas, ligeras al tacto y que al bailar se mueven suaves y elegantes y por último, huipiles de popelina y terciopelo, ya sea en costura de máquina, con bordado a máquina o mano o incluso mixtos. Diferencias que hasta la fecha noté y que me dijo que me fijara para que me pusiera listo, pues cada una de las técnicas tienen su estilo y belleza.

Huipil de costrua a máquina

Huipil bordado a mano

Huipil de costura a máquina y bordado a mano

Frente a su cama y a un costado del tocador, la máquina ocupa su lugar cubierta por una tela bordada que hizo mí tía cuando era niña, muchas cosas en su casa tienen de menos 40 años. Como es un mueble pesado y de superficie plana cuando está totalmente cerrada, actualmente la usa para ponerle infinidad de cosas, principalmente ropa y otras cosas. Se podría decir que sigue funcionando, ¿no?

La verdad no sé si en algún momento la máquina volverá a usarse porque de la familia nadie aprendió. Quizá cada uno tuvo sus motivos o simplemente nos dejamos llevar por un ritmo de la vida en donde aprender a reparar y confeccionar la ropa fue quedando en el olvido y priorizamos un estilo de vida inmediato, fugaz y desechable.

No sabemos el destino que tendrá, puede terminar en el fierro viejo o ahí mismo en ese lugar cargando más ropa o qué sé yo. Independientemente de eso, cumplió su misión a la perfección. Por suerte o por desgracia la naturaleza humana no suele ser tan tajante, pues a diferencia de la máquina nos encariñamos de las cosas y al paso de los años los recuerdos nos llenan de nostalgia, misma que nos hacen darles valor a las cosas. No por nada escribí todo esto.

Así como mi historia familiar, de seguro hay cientos o miles de ejemplos sobre algún oficio, habilidad o profesión manual que indudablemente carga con un legado cultural y que por el paso del tiempo se ha dejado de hacer. A este punto, creo que lo importante es no perder la memoria de lo que nuestras familias logaron para darnos fortaleza y confianza en nuestra vida adulta que a menudo nos rodea de miedos.

Quizá no es tarde para retomar un poco de las habilidades y oficios prácticos, porque de verdad que son útiles.

El fin del 2025 da la bienvenida al inicio de la segunda mitad de la década. Después de 12 meses, el año dice adiós dejando atrás acontecimientos (en su mayoría) favorables para la moda mexicana, donde la diversidad de proyectos, la renovación de iniciativas y enfoques en pro del sistema de la moda han permitido otras posibilidades.

Para despedir el año quise hacer una recapitulación sobre los momentos que marcaron a la moda mexicana porque siempre hace falta tomar perspectiva de lo vivido para saber en dónde estamos parados y hacia donde vamos. Lo recomiendo hacer también en tu vida personal uwu.

Por ejemplo, este año para mí fue provechoso. Este blog lo he ido construyendo poco a poco y se ha vuelto en mi mayor orgullo y carta de presentación. Me ha permitido explorar mis capacidades creativas, de redacción y los alcances de mi curiosidad. De hecho, me trajo oportunidades para mantenerme en contacto con todas las caras de la moda mexicana, bueno, igual no todas, pero ha ampliado mi red de conocimiento y oportunidades.

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Para este recap me enfoqué en 5 temáticas: Creatividad, comunicación, tendencias, branding y figuras notables que hayan destacado este 2025.

Para responder y ampliar la discusión, he recurrido a colegas cercanos que aprecio mucho tanto por su trabajo en la comunicación de la moda a través del periodismo, difusión y la investigación, como por su personalidad y pasión por su trabajo.

Ellos son Guillermo Fonseca, conocido también como elfashionmemo (periodista de moda y consultor de comunicación y estrategias de marca), (periodista, investigador y coleccionista de moda) y (periodista de moda y fundador de Semanario de moda).

Branding en 2025 ¿Qué le da valor a una marca mexicana hoy en día? ¿la creatividad, los valores, una propuesta, el costo?

El branding, que no es nada más que la estrategia para vender a través del valor de una marca con construyendo una identidad única y memorable para que sea atractiva al público. Tiene un poder de “seducción” donde no solo compras el vestido o jeans per se, también compras una idea, estatus o concepto.

Se me hace curioso como este branding se encuentra en marcas independientes involucrándose en temas como la sostenibilidad, upcycling, el genderless, según sea el caso, para acercarse a su público, pero por otro lado también tenemos a la moda rápida o la “paca” que responden a una economía limitada (o incluso más diversa) donde quizá todos esos temas no son una prioridad

Guillermo Fonseca, comunicador de moda radicado en Monterrey, considera que el branding es una palabra que ha perdido su significado, en su lugar, las marcas crean comunidades para construir una marca sólida.

“Puedo pensar en marcas como ABL Studio, Tanamachi, Iván Ávalos, Valeria Anastasia, que tienen una comunidad de personas muy afines al universo visual y elementos estéticos que al final sí son valores, pero traducidos en decisiones estéticas y de diseño que crean esta comunidad” aclara.

Desde la perspectiva de Emiliano, en primer lugar, el valor de una marca es cultural y en segundo, su valor está determinado por el contexto en el que se encuentre. “La gente piensa que el valor de la marca recae en su costo de producción, su productividad y eficiencia a nivel negocio. Si bien estos factores son fundamentales para entender a una marca como redituable o no, considero que el valor primario recae en lo que aporta a nivel conceptual, contextual y cultural”, reconoce.

Carlos tiene una respuesta más directa, pero encaminada a las previas respuestas. Desde su óptica, el valor de la marca está en las palabras y los significados, es decir, las imágenes mentales que asociamos con ellas y por consiguiente con las marcas. “El fetichismo de la mercancía is alive and kicking” reflexiona Carlos.

Comunicación de moda. ¿En qué momento se encuentra la comunicación de moda? ¿Qué ofrecen?

Desde mi punto de vista, la comunicación de moda es el eje central de un sistema marcado por los modos de producción y por su impacto cultural que incluye desde las artes, las áreas sociales e incluso la filosofía. En ambos casos, la documentación, la crítica, difusión y reflexión son básicas para el intercambio de perspectivas que a la larga generan mejores alternativas de acercarse a la moda.

Guillermo al igual que yo, no notamos nuevos medios de moda independientes este año, pero descubrí algunos y que continúan con su trabajo de comunicar a su estilo creando comunidades. Entre los destacados encontré a Atípicas, un medio que está presente en Instagram y que recomiendo sigan por su enfoque fresco, Suave por otro lado es un periódico que se edita anualmente desde hace 5 años y que apenas pude conseguir uno este año y la revista Style Hunter Fashion Book que tuvo su primera edición en impreso este año y que no aporta mucho visualmente.

“Justo es algo que hablaba con Melissa Jáuregui sobre que pareciera que ya no surgieron más voces independientes o tal vez no a mi algoritmo” me confiesa Memo. Añade, además, que fue un año donde los medios tradicionales no lideraron en ningún sentido la conversación respecto a la moda.

“Creo que personas como tú o como , son personas a las cuales volteo a ver porque están construyendo cosas interesantes que también están bastante ligadas a la noción de una comunidad, lo que sea que significa comunidad en el 2025”, admite Memo.

Para concluir su punto, percibe que se ha detenido el boom de creadores de contenido digitales. Continúa diciendo que las voces que quedamos después de ese boom lo hacen construyendo de manera personal sus inquietudes y reportan de manera local la moda mexicana.

Por el contrario, Emiliano observa que existe un auge y expansión en la comunicación de moda, el cual no es casualidad, más bien responde al contexto digital en el que nos encontramos.

“Me hace pensar mucho cuando llegó la fotografía al mundo. En su momento, muy pocos podían hacer fotos porque las cámaras eran carísimas y no había una “democratización” de la fotografía. Hoy la edición y comunicación es más “sencilla” y por tanto existe una mayor apertura a que más personas puedan comunicar. Las principales preguntas entonces son: ¿Cuántas de estas personas son críticas o utilizan rigor como se debería? ¿es necesario? ¿cualquiera pueda dar su punto de vista y opinión? ¿qué responsabilidades existen al emitir opiniones o reseñas? ¿eso es comunicación de moda?” explica Emiliano.

Por otro lado, menciona la tendencia del rage bait (provocar a través de la ira una inquietud colectiva), la cual señala que puede derivar en audiencias con posturas extremas. “No sé si sea positivo a largo plazo”, admite.

Carlos siendo Carlos, considera que a comunicación de moda la ve cada vez más seria, claro, con sus deficiencias en algunos casos pero prefiere enfocarse en lo mejor que cada vez, es más. Por recomendar a alguno, reconoce el trabajo de Melissa Jauregui y le da mucho gusto que haya empezado su podcast. “Se me hace que es, realmente, la única periodista que cubre el día a día de la moda en México y me alegra saber que le va bien. Yo me informo con ella”, puntualiza.

Para terminar, Carlos añade: “Ya tiene un rato que no le pongo atención al ‘discurso’. Se me hace monótono porque, aunque cambien los temas, en general se dice casi siempre lo mismo. Ahora resulta que cada semana alguien hace la revolución”.

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Eventos que marcaron el año

Si hablamos de eventos creo que fue uno de los años más interesantes y exitosos, pues sucedieron muchos y de excelente calidad. Entre los que destaco (y que asistí) fue la exposición “Representaciones femeninas en transformación. Siglos XIX y XX en el Museo de San Carlos, la exposición “Antonio. Moda Indomable” en el Museo Franz Mayer (de hecho, ahora mismo se exhibe “¡MODA HOY!”. Una muestra de moda latinoamericana que estará hasta el 12 de abril del 2026).

También asistí a la retrospectiva del fotógrafo de moda Iván Aguirre en Donceles 64, la exposición “Tercera llamada. María y Tolita Figueroa, 40 años de vestuario escénico” en la Galería 526 que mostró el aporte y relevancia del trabajo de las hermanas en el teatro y el cine mediante el vestuario. Oh, casi lo olvido, pero de los últimos eventos estuvo el Encuentro Nacional Universitario de Moda en la Facultad de Economía de la UNAM.

No olvidemos el refresh de Volvo Fashion Week México y la séptima edición de Aparador GDL, una plataforma de moda alternativa independiente que reúne a la escena más ecléctica de la moda de México por sus propuestas de diseñadores emergentes, las cuales también destaca Guillermo junto con Intermoda en Gudalajara. “Este trío de eventos marcan lo fragmentado que es el mercado y el panorama actual de la moda mexicana”, concluye Memo

Otro evento que destacó fue la expoventa Original de textiles y accesorios de los pueblos indígenas en el Complejo Cultural Los Pinos y el desfile de Gabrielle Venguer en la explanada del Palacio de Bellas arte con su colección Hielo. Un verdadero performance que acaparó reflectores no solo de interesados en la moda.

“Sobre los eventos favoritos no sé qué responder, la verdad es que pienso que hay muchos ocurriendo en el país, lo cual me deja pensando en la evolución de la moda mexicana en el imaginario colectivo. Desde expos, hasta los desfiles y coloquios de moda que suceden me llena de gusto que en México sí hay eventos de moda y sobre todo que la gente está abierta a asistir”, rescata Emiliano

“El Franz está haciendo un excelente trabajo. La exposición de Antonio era buena y juntó a mucha gente. ¡MODA HOY!, siento, será igual o mejor. Me gustaría ver qué debate se arma con su manera de entender el ser latino (o a la gringa: “latinidad”) ahora que la exposición está, de hecho, en un país de América Latina. Volvo Fashion Week también fue interesante y hablando de: qué buenas fueron las colecciones de 1/8 Takamura y Sentimiento. También pienso que la última edición de 192 fue un hitazo: ¡Qué portadas!”, destaca Carlos.

Creatividad/tendencias 2025

Hablar de creatividad y tendencias en México es estimulante, aunque no mi fuerte. Al ser un país tan grande en extensión y población, cuenta además con un buen número de gente joven (alrededor de un cuarto a un tercio de la población total, lo que asciende a 30.4 millones de entre 15 a 29 años, de acuerdo con el INEGI) mismas personas que buscan inspiración en la cotidianeidad, en sus fantasías, en sus sueños, realidades, luchas, inconformidades y más.

Yo, al igual que Carlos no le presto mucha atención precisamente a las tendencias, de hecho, fue el primer año que no lo hice tal cual. Aunque me doy una idea porque no soy ajeno a TikTok. ¿Qué dicen Guillermo y Emiliano?

“Creo que definitivamente en varios niveles, no solo como en moda, el llamado por lo artesanal, no lo que las marcas de lujo nos han venido como un proceso artesanal, sino una artesanalidad que deja respirar al ser humano y que ha pasado por otras manos humanas. Eso lo he visto en desfiles estudiantiles acá en el norte, desde escuelas como el CEDIM o más instituciones y las marcas de lujo han estado tomando esta ruta, donde se siente una bastardización del concepto, porque es hueco en el contexto en el que las marcas globales lo utilizan. Genuinamente me interesa mucho la idea de la artesanalidad y como resuena en marcas como ABL Studio, que por ahí tuvo un vestido teñido con grano cochinilla por su directora de estudio, Elizabeth Guerrero en Vogue México hace poco” Guillermo Fonseca

“Me gustaría hablar más bien sobre las conductas de consumo que he observado en redes y en el retail (donde trabajo actualmente). La gente compra por pertenecer y por generar performance digital. El ecosistema digital es hoy uno de los pilares de consumo en México y el mundo donde la hiperpersonalización es uno de los factores y tendencias que me han llamado la atención. Veo que la gente busca ser viral y a partir de eso vivir de las redes sociales. Los creadores de contenido se esfuerzan por generar videos o cortos para generar aspiración y eso vender a los demás. Hoy la superficialidad no es superficial, sino hiperpersonal lo cual genera una necesidad de querer ser como la otra persona y ganar dinero de ello. Me parece que también la cultura de la cancelación viene de lo que representa la digitalidad y es muy interesante ver cómo a las masas les encanta cancelar, doxear y funar en el mundo digital pero en persona no se atreven a nada. Así, el contenido del rage bait se vuelve un entretenimiento redituable para vistas y por ende viralidad y en consecuencia dinero. El mundo capitalista digital es como un iceberg y eso me gusta observar”, Emiliano Villalba.

El personaje del año es para…

Todos tuvieron personajes diferentes y eso me encantó.

“Primero tendré que mencionar a Iván Ávalos y su infiltración en la cultura pop, si bien ha sido alguien muy constante en el universo del drag y La más draga o el infiltrarse a las conversaciones como de La casa de los famosos, siento que fue algo muy interesante porque muy pocos diseñadores mexicanos logran colarse a la cultura pop mexicana. En ese sentido, también Jessica Marmolejo como stylist de Galilea Montijo, definitivamente hizo todo lo correcto para cimentar su nombre en la escena nacional, ya si te gusta o no ya es punto y aparte”. Guillermo

También menciona a María Bottle, la cual ya tiene años en ascenso, pero pareciera que este año se posicionó a nivel internacional, y añade: “Puede sentirse como el arroz de todos los moles, pero creo que la estética de María resuena el mercado, tanto nacional como internacional porque es muy ecléctica y hasta cierto punto refleja muchas ideas alrededor de lo mexicano en el imaginario internacional”.

Su lista de personalidades contempla también a Patricio Campillo (al igual que Carlos Didjazaá) por su rebranding de The pack a Campillo. “Operar fuera de México es de una persona inteligente que sabe capitalizar lo que el público y las audiencias internacionales esperan de lo mexicano. Aún falta que veamos que puede diseñar algo comercialmente exitoso y conceptual al mismo tiempo, porque sus prendas, si bien funcionan a nivel editorial, comercialmente solo ha tenido la camiseta del Golfo de México. Creo que está en el lugar correcto, en el momento correcto y solo veremos su nombre crecer en próximos años” concluye.

Por su parte, Carlos agrega: “Su playera del Golfo de México pienso que pudo y debió ser un fenómeno mucho más grande, (parecido a Mexico is the shit, pues está motivado por el mismo sujeto y las mismas razones), pero sus precios se lo impidieron”.

A este personaje, Didjazaá añade dos más, Daniel Herranz, por su nuevo cargo como director creativo al frente de Volvo Fashion Week y los cambios que implementó para la plataforma. Otro fue el fallecimiento del diseñador Héctor Terrones, un querido amigo suyo.

“Es el primero de su generación en fallecer ya siendo un diseñador famoso y establecido. Pienso que con él comienza a irse una etapa particular de la moda mexicana, en la que el diseñador era una celebridad mainstream por derecho propio. Un fenómeno que ahora solo Mitzy mantiene vivo, con diferencias notables. No que él sea el único diseñador conocido de México, pero me parece que, aunque ahora son más los nombres reconocidos, sólo lo son en su propio nicho, cada vez más específico gracias a las redes. Es un cambio importante en la comunicación de moda” reflexiona y concluye Carlos Didjazaá.

“Mi personaje diría que son las mujeres artesanas dueñas de Juxta Nation, una marca artesanal que viene de las comunidades artesanales de los Altos de Chiapas y que fundaron este proyecto en conjunto con NGO Impacto. Ellas son mi inspiración porque se hicieron dueñas del proyecto y su modelo de negocio es horizontal. De periodismo, Olivia Meza es alguien a quien admiro profundamente, su resiliencia me inspira. También colegas y amigos como Talia Cu, Melissa Jauregui o Memo Fonseca me recuerdan que la perseverancia y la constancia son un pilar importante para sobrevivir en el mundo digital”, enlista Emiliano Villalba.

¿Cuáles fueron para ti los momentos que marcaron el 2025?

Agradecimientos: Carlos, Guillermo y Emi, les agradezco el tiempo que se tomaron para ayudarme con sus comentarios y espero que el 2026 traiga lo mejor a sus proyectos que son increíbles, cada uno a su estilo y su forma. no duden de lo que hacen, yo los tomo como referente de inspiración. Un abrazo.

Soy partidario de que, si más personas saben que la moda es más que un pedestal aspiracional, se genera un criterio de lo que es el sistema de la moda, indumentario y textil con todas sus formas.

Como parte de ese compromiso con la difusión les presento a Verónica Kuhliger, restauradora, curadora y conservadora de indumentaria y textiles con una basta trayectoria tanto en acervos museográficos como privados. Ella es responsable de preservar la colección de Rodrigo Flores, la más extensa colección particular de México que incluye indumentaria, objetos, pinturas, un archivo bibliográfico y documentos relacionados con la moda y la creación textil de los siglos XVIII al XXI.

Verónica estudió en la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía (ENCRyM), en la Ciudad de México. Ha participado en proyectos como “Hilos de Historia. Colección de Indumentaria del Museo Nacional de Historia” (2015), donde curó la exposición además de restaurar y coordinarla.

Su trabajo como restauradora y coordinadora ha estado presente en exposiciones como: “Representaciones femeninas en transformación. Siglos XIX y XX” en el Museo de San Carlos (2025), “El arte de la indumentaria y la moda en México. 1940-2015” en el Palacio de Iturbide (2016), “Cristóbal Balenciaga” en el Museo de Arte Moderno (2016), “125 años de moda” en El Palacio de Hierro, 2013, “De peinados e individuos” en el Museo de San Carlos (2010), “Moda y modernidad” en el Museo Soumaya, 2008.

“Mi función es la de conservar las colecciones que se exhiben. Desde realizar diagnósticos del estado material, generar dictámenes para definir los procesos de intervención, hacer las intervenciones (ya sea de conservación preventiva o directa), o coordinar los trabajos de restauración, habilitar soportes (la mayoría maniquíes) y ejecutar los procedimientos de montaje, desmontaje; así como solicitar y supervisar embalajes”. Verónica Kuhliger

Juan Ramón: ¿Qué te llevó a querer una formación en conservación y restauración de textiles? ¿Siempre fue algo que quisiste?

Verónica Kuhliger: Desde muy temprana edad me llamaron la atención los vestidos de novia y de XV años principalmente, porque son los más fastuosos, pero también en mi familia había gente muy mayor que tenía ropa que se me hacía entre interesante y sorprendente, muchas de esas cosas incluso ya no se hacen en la actualidad, como los bordados, los tejidos y desde luego mi mamá, por ejemplo, que también bordaba precioso y hacía litografía con letras diminutas y bordaba en los pañuelos. Por ahí conservo uno que otro.

Cuando yo estudié restauración, pensaba en que quería estar del lado del vestido en alguna exposición, no solo como espectadora, sino para poder tocarlo, para hacer algo para preservarlo y para que otras personas, sobre todo niños, pudieran también conocer y apreciar esos trajes.

JR: ¿Para ti qué significa la restauración textil?

VK: Los objetos antiguos siempre nos van a dar información de nuestro pasado, sin embargo, los textiles por tener mayor cercanía con la persona ofrecen información única y justo esta parte a mí trabajo me llena de fascinación. Pensar en qué momentos históricos y sociales estaban pasando cuando ese vestido estaba en uso, la propia persona que lo utilizó, preguntas como ¿Cómo fue su vida? ¿Cómo habrán sido sus pensamientos? ¿Habrá elegido la pieza? ¿La habrán elegido para esa persona?

Y por supuesto, lo que te está dando la propia indumentaria como avances tecnológicos en cuanto a nuevas fibras o las tecnologías de antes, ¿Qué costuras hay ahí? ¿Qué bordados, deshilados, encajes, el tipo de telas, los estilos? ¿Qué estilo se utilizaba en determinado momento?

A mí eso me llena de fascinación, es lo que me lo que me gusta investigar para entender estos cambios y procesos que están relacionados al desarrollo de la sociedad, de los cambios políticos, sociales, culturales y que responden a esa indumentaria.

“Me parece que sin los textiles o sin los tejidos, la humanidad no sería lo que es hoy. Creo que los grandes avances están muy ligados a los tejidos y a la indumentaria, por ejemplo, lo alcanzas a vislumbrar en los trabajos de las personas que se dedican a generar fibras o tejidos que son utilizados para el desarrollo médico industrial, en las operaciones donde se plantan estos tejidos y ayudan a que el tejido humano siga funcionando. O los viajes fuera del planeta que también son materiales que resultan de una investigación textil”. Verónica Kuhliger

De un proyecto de registro a uno de adquisición de colección

En 2010 en El Palacio de Hierro del Centro histórico de la Ciudad de México se montó una exposición llamada “200 años de Moda en El Palacio” curada por Ana Elena Mallet cuyo objetivo principal era mostrar la evolución de la moda y el diseño desde los tiempos de independencia hasta ese momento. Una exposición como parte de los festejos por el bicentenario de la independencia de México.

Ahí se mostraron más de 100 trajes de toda ocasión con decenas de accesorios y cientos de sombreros que daban cuenta de la escena de la moda en país en los últimos dos siglos. Aquellas piezas expuestas correspondían a la colección Rodrigo Flores, figura clave del coleccionismo en nuestro país y que marcaría la vida de Verónica.

Invitada por una amiga restauradora, asistió a la exposición y quedó maravillada por los preciosos vestidos, trajes, accesorios y ornamentos, la mayoría de siglo XIX hacia principios del XX. Desde ese instante comenzó a preguntarle a gente de la tienda si podrían pasarle el contacto del dueño de todo eso, pero le decían que era muy difícil llegar hasta el coleccionista debido a que nadie tenía a ciencia cierta el contacto directo.

Pasó un año para que pudiera tener el contacto directo y no fue de mucha ayuda pues el número de teléfono había cambiado. Después de ir y venir sin éxito, en pleno 2011 le comentó al director del Museo Nacional de Historia (MNH), el maestro Salvador Rueda Smithers, sobre las piezas de la colección del señor Rodrigo. Smithers, inmediatamente se interesó en saber cuáles eran estas piezas.

Fue entonces cuando Verónica le llevó una propuesta de registro de la colección por si se requería para alguna exposición futura del museo. Al director del museo le pareció buena idea porque justo tenía en mente algunas exhibiciones que incluyeran indumentaria.

A fines de 2011 presentó el proyecto y en febrero del 2011, al iniciar el registro, resultó que la colección era impresionantemente numerosa con piezas extraordinarias. Fue entonces cuando el director del museo le comentó que esa colección debería de estar en un museo y exhibidas para los mexicanos por su relevancia histórica y cultural.

Y solo así, su proyecto de registro se convirtió en un proyecto de adquisición de colección. Para hacerlo realidad presentaron una solicitud al Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) para que evaluaran la posibilidad de que el museo pudiera adquirir la colección de Rodrigo Flores, que en ese momento ascendía a poco más de 1,600 piezas entre trajes principalmente femeninos del siglo XVIII y XIX.

El proyecto fue presentado ante un comité del INAH y éste determinó que sí era de suma relevancia para estar en un museo. Fue así como el MNH adquirió, bajo una transacción monetaria, la colección Rodrigo Flores y pasó a ser propiedad del museo en diciembre del 2012. Esta adquisición se convirtió inmediatamente en la más numerosa, en mejor estado y diversa que haya adquirido el museo en su historia.

Con las piezas dentro del museo, el maestro Smithers pensó en hacer una exposición que mostraran las piezas adquiridas, junto con las existentes en el museo. El resultado fue la exposición “Hilos de Historia. Colección de Indumentaria del Museo Nacional de Historia” en 2015. Para hacerla realidad, Smithers pidió a Verónica y María Hernández (Lic. en pedagogía y encargada de la colección de indumentaria y accesorios del MNH), que se encargaran de la curaduría.

De la exposición vino el libro bajo el mismo nombre, donde además de Verónica Kuhliger participaron María Hernández, Laura Garcia-Vedrenne (otra restauradora) y por supuesto 2 investigadoras exentas, la maestra María del Carmen Arechavala Torres Cano y la doctora Julieta Pérez Monroy.

“Cuando se recibe la colección en el 2012 creí que hasta ahí quedaba mi conexión con Rodrigo Flores, pero 2 o 3 meses después me habla su secretaria y me dice que el señor Rodrigo Flores quería hablar conmigo. Me dijo que le gustó mucho el trabajo de registro con la ahora colección del MNH y me comentó que quería un trabajo similar, pero con la colección que le quedaba a él”. Verónica Kuhliger

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Colección Rodrigo Flores. Entre restauraciones, inventarios y préstamos

Es a partir de marzo del 2013, cuando Kuhliger comenzó a trabajar directamente para la colección Rodrigo Flores, y desde ese momento se comienzan los primeros registros de la colección y a la fecha sigue trabajado en ella.

Ha habido varias etapas de registro porque es un trabajo muy laborioso (y costoso) porque hay que generar listados, bases de datos, relacionar lo que está en el listado con lo que está en físico, separar las piezas y tenerlas separadas lo mejor que se pueda respecto a sus temporalidades.

JR: ¿En qué consiste tu trabajo con la colección particular de Rodrigo Flores?

VK: Consiste en muchas tareas, una de ellas es hacer inventarios para conocer las piezas que hay, cuáles son, cuántas son, a qué año pertenecen y por supuesto, diferenciarlas de los accesorios.

Ahorita todavía no se termina el registro, pero ya llevamos aproximadamente más de 3 mil piezas registradas. Es una colección viva, es decir, sigue creciendo. De repente hay más adquisiciones y va ingresando a la colección.

Tenemos trajes femeninos y también algunos masculinos del siglo XVIII (los más antiguos), que es de 1770 a 1795 aproximadamente y ya después hay de 1800 a 1820, de los años treinta me parece que no tenemos, hay una pequeña laguna, habrá que darse a la tarea de conseguir uno o 2 vestidos de 1830 (risas). De ahí en fuera hay de cada década.

JR: Encontré en internet que la colección fue subastada en Nueva York. Eso fue, digamos, ¿un tipo de adquisición en la que estuviste involucrada?

VK: Sí fíjate que el coleccionista estaba muy preocupado y consternado durante la pandemia, se preguntaba qué iba a pasar con las piezas de su colección si algo le pasara, lo mismo que todo mundo pensamos y la incertidumbre de qué va a pasar con lo más preciado que tenemos.

Y efectivamente hubo una situación así, pero sigue habiendo más. En la colección sigue habiendo miles de piezas que todavía quedan con sede en el CDMX. En la actualidad son casi 4 mil, yo creo que sí vamos a llegar a la a las 4 mil y cachito.

Así como el MNH adquirió numerosas piezas, otros museos han hecho lo propio, por ejemplo, Verónica menciona el Museo Internacional del Barroco en Puebla, que tiene alrededor de 12 piezas coloniales que salieron de esta colección del señor Flores.

Destaca también la escuela Mier y Pesado, ubicada al norte de la ciudad entre Misterios y Calzada de Guadalupe, la cual adquirió algunos objetos para su museo interno y el Palacio Nacional, que no tenía trajes femeninos y de la colección RF salió un vestido morado que está exhibido en la colección permanente del inmueble.

También han prestado vestuario, pues la colección RF posee prendas pertenecientes a la época del cine de oro mexicano entre los que destacan vestuario de María Félix hecha por Armando Valdez Peza como vestidos, trajes, zapatos, sombreros, bolsos, etc.

De hecho, el préstamo más reciente y de gran importancia fue para el libro “Vestuario 1931-1981. 50 años de creación en el cine mexicano” de la investigadora de cine Elisa Lozano. De hecho, la fotografía de portada corresponde a una ilustración de Valdez Peza perteneciente a colección Rodrigo Flores.

Es importante también mencionar que el archivo de la colección actual ha sido exhibido en otros recintos para exposiciones museográficas en pro del conocimiento, educación y difusión. La más reciente y numerosa fue “Representaciones femeninas en transformación. Siglos XIX y XX” que a inicios de 2025 dio por terminado su paso en el Museo de San Carlos.

Otra de las exposiciones donde ha prestado es al Fomento Cultural Banamex (Palacio de Iturbide), cuando fue la muestra de moda en 2017, al Franz Mayer que le ha prestado 3 o 4 veces, también al Museo del Objeto y al Museo de Arte Moderno para la exhibición de Balenciaga.

Restauración + difusión = Futuro de la cultura

JR: ¿Cuántas personas trabajan contigo para la colección RF? Me imagino que es un trabajo en equipo.

VK: Sí, claro, no, yo sola me tardaría muchísimo más o de plano no podría, ya hubiera aventado la toalla (risas). Siempre hemos sido de cajón 2 personas, yo soy la que ha estado a cargo de la coordinación, pero hay más, ahorita somos 3. En algunos momentos ha habido más, entre 6 o 7 cuando se trata de hacer algunas intervenciones, porque para mí es importante que este trabajo lo haga alguien especializado con conocimientos no solamente prácticos, sino también teóricos en cuestiones de conservación.

JR: ¿Qué conocimientos se requieren?

VK: Hay que tener conocimientos teóricos, científicos, no solamente es la parte material, implica saber química, pero también biología, saber un poco de la física de las telas, por aquello de los dobleces y rasgaduras.

Debes tener conocimientos relativos a las técnicas que se emplearon, saber qué materiales tienes, de qué está hecho y, por supuesto, el contexto histórico. ¿De qué año es la pieza? ¿A quién perteneció? ¿Cómo llegó a la colección? ¿Quién creó ese objeto? Además de tener una serie de conocimientos generales y puntuales para ayudar a generar otro tipo de conocimientos que son las publicaciones en diferentes medios para que le cuentes a la gente de qué está hecho, por quién fue hecho, de qué materiales está constituido, qué fue lo que le pasó a través del tiempo y cómo llegó a ti para que tú lo puedas rescatar.

JR: Hablando de la importancia de ser profesional ¿Todas estas intervenciones se hacen en México por mexicanos? ¿Se ha tenido que recurrir al extranjero para esto?

VK: No, en México hay expertos restauradores textiles, somos poquitos, pero te puedo asegurar que todos con una muy buena mano realizando esta labor y quienes trabajamos en la conservación de la colección de Rodrigo Flores todos somos mexicanos.

JR: ¿En qué momento se encuentra la restauración y la conservación de los textiles en México? ¿Qué retos enfrenta?

VK: Mira, tenemos un reto muy grande y no sólo los conservadores de textiles, sino en general los conservadores que nos dedicamos a mantener estables las colecciones de nuestro patrimonio cultural. La problemática mayor que tenemos es la falta de recursos, sobre todo económicos, por parte de las autoridades y las personas que podrían distribuir el dinero para los que nos dediquemos a la conservación.

Ahora, en textiles se vuelve más problemático el asunto, aunque de un tiempo para acá, a lo mejor 15 años para acá, los textiles ya se están mirando de una manera distinta como bienes artísticos. Algo que no se hacía.

También un reto mayor es concienciar a la gente para que desde las distintas sociedades comiencen a apreciarlos y se maravillen de nuestro pasado. Esto es lo que nos pertenece como individuos, como sociedad.

JR: ¿Crees que en México las instituciones le dan importancia a la preservación de textiles?

VK: De unos años para acá veo que hay más interés en su conservación y preservación antes, antes no se volteaban a ver, no eran importantes, incluso en los museos, mucha gente les llama trapos de manera despectiva, porque se dedican a conservar otro tipo de objetos.

Hay investigadores e investigadoras que yo he escuchado llamarles así y que dices, híjole, qué ignorancia tan grande, pero bueno, afortunadamente no son la institución como tal, pudieran estar dentro de esas instituciones, pero a través del trabajo, que es una lucha constante y muy ardua, se ha llegado a gestionar el cuidado de estas piezas.

Mucho tiene que ver con que se investigue, escriba y publique. La difusión es súper importante porque eso va a hacer que sean visibles estas colecciones y que conforme sean visibles van adquiriendo también importancia.

JR: ¿Cómo te gustaría imaginar el futuro de la restauración y conservación en México?

VK: Me encantaría que fuera un México donde los conservadores-restauradores tuvieran trabajos estables, trabajos dignos, con buena paga y que las instituciones siguieran luchando por preservar sus colecciones; que quienes están a la cabeza peleen los presupuestos que tienen que ser para lograr la conservación de millones de objetos que tenemos en México, y que así como las instituciones presumen de lo que se hace aquí y allá, no nada más sea la pantalla, porque por detrás estamos “pariendo chayotes”, porque no tenemos el dinero o tiempo y sin embargo estamos logrando sacar el trabajo adelante con mucho esfuerzo porque además muchas de las colecciones hoy en día están faltas de mantenimiento.

Yo quisiera que se pudiera hacer más porque es parte de la cultura y sin cultura yo difícilmente vislumbro un buen futuro. Siempre debe haber esta parte cultural para el ser humano, es un derecho incluso que tenemos de disfrutar.

Parte de sus esfuerzos en pro de la cultura textil e indumentaria, Verónica Kuhliger ha estado trabajando duro, desde su posición y poniendo como ejemplo los alcances de la colección de Rodrigo, para con esta colección fundar un museo textil y de la moda en México.

“Yo siempre digo que sería bueno tener un centro de investigación textil que además tuviera un museo y es algo que no solo he notado yo”. Verónica Kuhliger

Actualmente Verónica es parte del Seminario de Estudios sobre Indumentaria y Modas en México (UNAM) junto con otras integrantes provenientes de diferentes áreas como las ciencias políticas, historia del arte, historia y por supuesto, conservación y restauración. Todos enfocados en la indumentaria y en la moda.

Desde cada una de sus áreas se platica mucho sobre esta posibilidad de fundar un museo textil y de la moda en México que fuera capaz de recibir todas las investigaciones que se hacen en México, ya que sí se hacen, pero están muy aisladas en diversas instituciones.

“Yo estoy siempre en su búsqueda y espero que no muera en el intento. En algún momento lograré ese objetivo”. Verónica Kuhliger

Agradecimientos:

Agradezco mucho a Verónica su disposición para la entrevista y las fotografías que me compartió. Ahora que conozco lo que haces no me queda más que admirar tu trabajo y espero que los esfuerzos sean los suficientes para conseguir tu sueño de tener un museo y centro de investigación de moda en México.

También agradezco a Renato Camarillo Duque por conectarme con Verónica y su trabajo. Un abarzo.

Y diciembre nos sorprendió … ¿Alguien sigue pensando el año se fue como agua de rio? En fin, ese no es el tema el día de hoy, aunque está relacionado al tiempo y la necesidad humana-romántica de preservar lo que consideramos valioso.

Como se acordarán, o si no les recuerdo, tengo una sección dedicada el coleccionismo de moda que funciona como archivo especial para documental el trabajo artístico y cultural en México relacionado con moda, haciendo énfasis en la labor que hacen estas personas por preservar y documentar para la posteridad piezas de importante valor artístico, cultural y comercial.

En esta ocasión me gustaría presentarles a Karen Aguilera, coleccionista de joyería y arte portable asentada en Nuevo León. Su colección abarca 110 piezas, principalmente encaminadas a la corriente brutalista y modernista mid century, pero también ha incluido el trabajo artesanal contemporáneo y moderno.

Lo que empezó como una afición para Karen, hoy es un compromiso profesional de preservación y difusión de sus piezas.

Actualmente se encuentra trabajando de la mano del artista Ndo (Endo) Lozano, hijo del maestro Armando Lozano Ramírez (QEPD), escultor y joyero, un referente del brutalismo potable. Junto con Endo, Karen ha creado piezas originales para su venta, mismas que ya han logrado traspasar fronteras. Empecemos.

Timeless collection

A Karen siempre le gustó y se sintió atraída por lo vintage, lo que la llevó en 2015 (aproximadamente) a iniciar su colección por hobbie. No fue hasta 2022 que decidió tomarlo enserio y aventurarse en el mundo del coleccionismo. Una oportunidad para conocer más de lo que le apasiona y compartir información, pues se dio cuenta de que no hay mucha información al alcance.

Su búsqueda e inquietud por las piezas la ha obligado a organizar sus proyectos. Por un lado, su cuenta Iuminada Vintage, donde ha construido una comunidad para comprar y vender piezas de joyería vintage, y por otro lado, su cuenta Timeless Collection enfocada hacia su colección personal.

Características de la colección

Su colección se caracteriza por incluir piezas de corrientes como el brutalismo y el modernismo, principalmente porque son las que “le llenan el ojo” por ser de una estética imperfecta de un modo convencional (Brutalismo), además de que le encuentra un gran simbolismo, al menos las piezas que siempre escoge. Un tanto abstracto y surrealista también.

Entre sus principales piezas de colección se encuentran en su feed de Instagram, como lo es la pieza central de la colección. Se trata de un collar de mariposa de Armando Lozano, del que comenta fue un flechazo amor a primera vista.

“Es una mariposa, es como un ave, tiene una hada alada, un ser alado y tiene colgando un sol. En lo que es el cuerpo está como vacío por dentro y siento que es algo muy simbólico. Este es como un ser alado que al mismo tiempo irradia luz, pero está vacío por dentro”, explica la misma Karen.

Otra de sus piezas más emblemáticas de la colección se encuentra un collar de Jack Boyd, es un artista escultórico de Estados Unidos, del cual considera tiene similitud con el artista mexicano Armando Lozano. Otras piezas incluyen las de Ron Boyd y entre los dos son las más buscadas. De hecho, aquí en México tuvo la fortuna de encontrar un collar y un brazalete.

Una más es la pieza de Tiffany, la cual llegó a ella luego de comprar un lote. Se dispuso a seleccionar lo que le gustaba y lo que iba a vender y mientras observaba la pieza notó una mini plaquita que decía 925 y asumió que era plata, lo cual era cierto, pero cuando lo vio de cerca encontró que decía Tiffany y recordó que era una pieza que ya había visto, solo que no la había relacionado. Era un collar de finales de los años 70 y construcción diferente, rara incluso.

Proceso de curaduría

Su proceso para la curaduría es sencillo, lo primero es que le llame la atención, seguido por la rareza de la pieza o el conjunto (tiene que ser especial) por último, se fija que esté firmado, quién lo hizo y la marca de la joyería de ser el caso. Estos parámetros muchas veces no necesitan mucho tiempo porque al observarlos puede identificar características vitales ya que posee conocimientos que le permiten agilizar el proceso.

¿Dónde guarda su colección?

Una de las partes más complejas de un coleccionista es el espacio y los recursos destinados a ello, en el caso de Karen, tiene una vitrina antigua de madera destinada exclusivamente a su colección, pero no es suficiente. “Muchas piezas ya no caben. He ido comprando joyeros para que cupieran todas”, me comparte.

Las que no caben en los joyeros tienen estuche o si no las coloca en minibustos para tenerlas a la vista, ya que le gusta tenerlas en exhibición para sí misma y que las vean quien la visite.

Ya entrados más en confianza, comenta que existen piezas de algunos artistas que le gustaría encontrar, en la lista destacan nombres como Pal Kepenyes de quien solamente tiene 2 piezas que son esculturas pequeñas, pero el que le gustaría tener es principalmente un collar, ya que hizo una serie de collares con motivos de los llamados milagros mexicanos, que son gigantes y tienen un montón de piezas móviles que hacen un ruido lindo al moverse.

Otros serán sin lugar a dudas algún collar de vidrio de Archimide Seguso (fue un célebre maestro vidriero italiano del siglo XX) y alguna pieza de joyería en plata de William Spratling

Planes a futuro

Los planes más ambiciosos de Karen al momento respecto a su colección es tener su propio espacio donde pueda exhibir sus piezas a la gente como un pequeño museo. Claro, puede que cambie este plan, pero la verdad suena atractivo y coherente, pues desde sus inicios que abrió sus cuentas de Instagram el objetivo ha sido la de compartir información y conocimiento.

El plan más inmediato por lo pronto es seguir coleccionando toda la joyería brutalista venga de donde venga. “Mi colección también incluye artistas internacionales, pues la belleza está en todo el mundo y no es exclusiva de un solo lugar”, argumenta Karen.

Colaboración con Ndo (Endo) Lozano

Uno de sus proyectos más ambiciosos, por así decirlo, es una colaboración con el hijo de Armando Lozano Ramírez (QEPD), escultor y joyero de bronce y otros materiales como el hierro, la plata, piedra, barro y madera o latón con detalles de aguamarina inducidos al ácido que acentúan la mayoría de las piezas.

De su trabajo podemos destacar la complejidad de cada diseño único y bajo lo que se le conoce como brutalismo, incorporando influencias prehispánicas de la tradición cultural zapoteca, pero también de otras latitudes como África.

Juan Ramón: ¿En qué consiste esta colaboración que haces con Endo Lozano? Tengo entendido que hace los bocetos. ¿Cómo inició esta colaboración?

Karen Aguilera: Sí, tiene muchos diseños, algunos él ya los tenía, son diseños que fueron haciendo entre su papá y él, aunque me ha dicho que su hermano también se dedica a esto, pero por ahorita yo estoy tratando solamente con él.

Lo que hacemos es que algunas piezas de las que él ya tiene me enseña y le digo, ay, mira, me gusta este o este. Es imposible elegir porque tiene demasiadas cosas, tiene mucha imaginación, mucha creatividad artística.

Él aplica mucha pátina controlada con óxido para darle los colores y las tonalidades turquesas y verde, se hace mediante la técnica de óxido controlado. Algunas piezas yo se las pido todas doradas.

JR: ¿Desde hace cuánto empezó esta colaboración?

K: Hace muy poco, como en julio más o menos. Él es de Oaxaca, de San Bartolo Coyotepec. Al intentar buscar sobre su papá y no dar con él, me puse a mandar mensajes a las administraciones municipales de San Bartolo, porque en un blog que alguien subió desde Estados Unidos desde el 2006 o 2007, alguien había puesto que había visitado su taller galería en Oaxaca.

Entonces dije, si es un artista local, en las administraciones municipales deben de saber algo, deben de darme su contacto o decirme mínimo si todavía están. En ninguna parte me supieron dar razón de nada, nadie sabía nada, no lo conocían. Yo no sé qué hacen las administraciones, pero en el arte definitivamente no se enfocan.

Y al final dieron ellos conmigo primero porque en mi perfil personal publiqué una foto con el collar que me encanta puesto y puse que era de Armando Lozano Ramírez. Puse una descripción ahí general de que yo pensaba de lo que era por la técnica y la pátina, probablemente era de los setenta u ochenta más o menos.

Me contactó su nieta, la hija de Ndo, y me escribió: “Oye, me llamo Esme Lozano, vimos que tienes esta foto con este collar, es que el que lo hizo es mi abuelo” y yo me quedé en shock. Dije, ¿cómo no puede ser que esté pasando esto? Y me súper emocioné, le contesté rápido y ya empezamos a entablar conversación.

Me dijo, no, pues, era mi abuelo, falleció hace aproximadamente 3 años, pero mi papá sigue con el trabajo y sigue con su estudio, te voy a pasar el contacto de él por si lo quieres contactar. Y yo no me sentía soñada, y se dio justo cuando yo ya me estaba dando por vencida.

JR: ¿Cómo se dio ese esa propuesta? ¿Todo tú le propusiste? ¿Cómo fue que llegaron a ese punto?

K: Yo le escribí a Ndo y me dije, oiga, discúlpeme el atrevimiento, su hija me pasó su número, me dijo que lo podía contactar para preguntarle más sobre la historia de su padre, Armando Lozano. Yo súper emocionada y súper agradecida.

Él fue el que me dijo que hacía piezas de repente, o si quería que le mostrara una selección de fotografías de piezas que había realizado.

Le hice un pedido inicial de cuatro collares, me regaló uno de ellos, un collar de una sirena, súper precioso y luego yo le hice el comentario de que tengo este perfil de mi colección y tengo el perfil de mi tienda en donde comparto y vendo piezas y a mí principalmente me interesa que si usted sigue trabajando, poner mi granito de arena, para que su arte sea un poquito más conocido y llegue a más personas porque él no está en Instagram, trabaja muy localmente y a muy pequeña serie.

De verdad un trabajo súper exclusivo y súper de buena calidad, que a mí hasta me da frustración de ver que un artista tan bueno sea tan poco conocido.

Y me dijo, claro que sí, adelante, dígame qué piezas, yo las voy manufacturando y ya vemos sobre la marcha cómo nos va. Y pues en la primera publicación se vendieron, piezas hasta del otro lado del mundo. Él también se puso muy contento

Una de las partes más complicadas del trabajo es quizá la investigación o recopilación de piezas, principalmente porque la información no es tan clara, precisa o accesible si de hablar de joyería mexicana de niño como el caso del trabajo del señor Armando Lozano.

Al respecto no puede evitar preguntarle sobre las reflexiones que le ha dejado este trabajo de ser coleccionista.

JR: ¿Qué reflexiones has tenido sobre el coleccionismo, sobre las piezas que se hacen aquí en México?

K: Sobre las piezas que se hacen en México, bueno, para empezar lo primero que ya se sabe es que hay mucho malinchismo. La gente muchas veces no aprecia lo que se hace aquí. También he aprendido que, así como hay gente que no, hay mucha gente que sí sabe valorar y apreciar.

He aprendido que tenemos muy buena mano de obra y hay muy buenos artistas que compiten a la par con artistas internacionales y que están súper bien documentados. Y eso es una parte que a mí me gustaría tomar más adelante, documentar formalmente a los artistas mexicanos que sí tienen mucho que dar.

Con esta colección hago mi pequeño granito de arena que conforme pase el tiempo va llegando más gente y se haga más conocido.

Muchas gracias por tomarte el tiempo para leer el texto de esta semana. De verdad lo aprecio y espero yo también poder contribuir con mi granito de arena a la formación de un conocimiento sobre lo que se hace en la escena de la moda mexicana.

Nos vemos en el siguiente texto 😊

Agradezco a Karen por sus atenciones y facilidades para la entrevista, las fotos y las descripciones tan detalladas que me hizo llegar.

—Normalmente en las mañanas me levanto temprano para llevar a mi sobrina a la escuela— comenta luego de que nuestra conversación empieza a fluir —. —Después voy al gimnasio y luego mi proyecto, estoy comenzando un taller para crear piezas de intervención con aerografía. Últimamente he estado trabajando en eso—, me dice para seguir con la idea en los primeros minutos.

Mientras me cuenta algunas de sus habilidades como coser y oficios como la carpintería y electricidad, observo a un chicx de 26 años sentado enfrente de su computadora con un suéter quarter zip en color ladrillo y su característico cabello negro rizado y labios gruesos.

Ahí está Magda, sin reflectores, ni maquillaje, totalmente cómode en su casa en Guadalajara.

Antes de las pasarelas para Bottega, Valentino, Jacquemus, Peter Do; portadas de Allure, GQ México y Purple Magazine; y campañas de moda como Balmain, Fenty y Selfridges, los primeros años de vida de Alejandro Magdaleno Delgado Ramírez (Guadalajara. 30 de noviembre. Sagitario) transcurrieron como la de muchos mexicanos del bajío: entre el campo, la familia, las tradiciones y festividades católicas.

Descendiente de una familia originaria de Zacatecas, el papá de Magdaleno fue de los primeros hermanos que tuvo la oportunidad de estudiar electricidad en el Politécnico de Guadalajara, marcando la diferencia en una familia que se dedicaba al campo.

Un origen del que posiblemente estaban lejos de imaginar que algún día el nombre de Magdaleno se convertiría en un referente del modelaje internacional.

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Lámparas y palmas de paja

La aerografía se ha convertido en su última habilidad-hobbie que desarrolló mientras vivía en Nueva York, ya que tenía mucho tiempo libre y le dieron ganas de comenzar algo nuevo. Típico de una mente creativa a inquieta. Investigó cómo se hacía y fue aprendiendo de forma totalmente empírica.

Durante los 3 años viviendo en NY tuvo nuevas primeras veces, trabajo, amistades y rutinas nuevas, así como viejos hábitos, como la danza clásica, disciplina en la que tuvo formación profesional justo antes dar el salto al modelaje.

Estando allá, una de las cosas que más extrañaba era no poder estar con su familia a la que es muy cercano, de hecho, toda su vida ha vivido en el mismo barrio, pues una vez se independizó regresó a vivir a esa colonia que lo vio nacer casi al límite con Tonalá.

“Me gusta mucho Guadalajara porque siento que tiene la vibra de una ciudad grande, pero al mismo tiempo no tiene ese rush y ritmo abrumador de la Ciudad de México, ni tampoco es impersonal como Monterrey. Si bien las personas en Guadalajara somos muy lindas y amables también somos muy posonas, siento que la comunicación de pronto se puede cortar y no ser auténtica. Nos mantenemos en una línea entre lo que es auténtico, relajado, lindo, cálido como en una gran ciudad y lo que eso implica”. Reflexiona un poco.

Hace no mucho remodeló y descubrió en su actual hogar que entre las cosas que lo han acompañado se encuentran varias lámparas, que además de que le encantan, le recuerdan a ese ambiente cálido y acogedor del pueblo de sus padres en Zacatecas, donde pasaba más tiempo de lo que señalaban las vacaciones escolares. “Literal, casi siempre perdía el año de escolar porque mi mamá le valía ver*a y nos llevaba un chingo de tiempo al rancho”, recuerda con alegría.

De esos días recuerda, y a la fecha conserva y colecciona, las palmas tejidas de Domingo de Ramos, pues estaban presentes en las puertas y ventanas todas amontonadas color paja, las cuales le siguen pareciendo muy bonitas.

“Recuerdo que cuando yo me regresé a vivir a Guadalajara y en el barrio, le tomé a mí mamá una palma de su casa porque me gustaba mucho. Ella se dio cuenta, es muy observadora, y ahora cuando ella va el Domingo de Ramos me trae uno”, me comparte.

La relación con su mamá volvió más cercana desde hace unos años, lo que ocasionó que introdujera a su vida cosas que le recordaran a ella el tiempo que estuvo fuera de México, como por ejemplo usar rosarios. “Para mí es muy importante expresarme en la vestimenta y algo que empecé a implementar mucho son los rosarios”, reconoce.

Recuerda que cada que viajaba se iba a las tienditas de “señoras viejitas”, como le dice, en las que no importa en qué país estés uno encuentra rosarios hechos con materiales de su cultura y así empezó a coleccionarlos porque le recordaban a ella. “Ahora casi no los utilizo, pero mientras estaba fuera era algo que me acompañaba y me gustaba que me los chuleaban”, recalca orgullose.

Nueva York

Juan Ramón: ¿Cuál es tu relación con el silencio? Siento que es interesante como actualmente nos enfrentamos a él en este mundo de sobre estímulos. ¿Lo afrontas o lo evitas?

Magdaleno Delgado: Siento que me ha acompañado muchos años, porque desde que comencé en esto la mayoría del tiempo la pasaba solo. Estas oportunidades vienen con la añadidura de emigrar a otros países. La diferencia de horarios no empata con las amistades de y personas que amo y con las que puedo compartir cosas en México.

El silencio hace habitarme, también la tensión de estar más abierto a lo que está sucediendo a mi alrededor para acompañarme en las cotidianidades que me rodean y vivir de una manera más normal esos espacios.

JR: ¿Cómo cambió tu rutina viviendo en NY en comparación con lo que vivías en GDL?

MD: Estando fuera de México me propongo hacer más, porque aquí tengo la compañía de mis amigas, hermanas, primas. Estando fuera de México tengo que ocuparme con explorar, esa era mi rutina, sobre todo en los años que viví en NY que fueron los últimos 3.

¡Me siento tan avergonzade de lo que voy a decir! ¡omg! va a sonar tan privilegiado, pero cuando estaba en NY, amigos o amigas me recomendaban actividades. Carlos (fundador de In The Park Management), me decía que me inscribiera a unas clases de danza, porque yo estudié danza clásica, entonces me organizaba y también iba a clases de pilates.

Encontré un estudio de danza genial con una clase que me encantaba y me hacía extremadamente feliz y lograba hacer conexón con gente. Conocía a más personas, iba por un café, tomaba el almuerzo con alguien y a la larga se convirtió en una amistad ligera.

También cocinaba, me gusta mucho cocinar, compraba ingredientes para hacer tamales y algo que hacía casi al final eran cenas, invitaba a mis amigas a pasar tiempo en mi departamento. Me gustaba mucho comprar flores para poner al lado de mi cama, en fin, maneras de sentirme acompañado. También bailar mucho, me gusta machín moverme y creo que lo debería retomar porque me hace salir de mi cabeza, ya solo me ocupo de estar moviéndome.

Señales del universo

Una de las decisiones importantes que marcarían el destino de su vida del joven Magdaleno, y que de alguna manera lo encaminaron al modelaje, fue no entrar a la prepa. Es de esos momentos en los que pareciera no tienen mucho sentido cuando suceden, pero que a la distancia el camino es muy claro.

Luego de terminar la secundaria entró a un CECATI, a un curso de carpintería mientras decidía qué hacer, pero una cosa tenía claro, no quería una prepa. En esos años sentía que no iba con lo sentía o quería hacer. Ahora pude ponerlo en palabras queer, pues se daba cuenta de que su manera de existir y de ocupar un espacio era distinta a lo que le presentaba la normalidad.

Luego de unos meses entró a un CEDART, que es un bachillerato en arte y humanidades, como respuesta a la búsqueda de algo diferente que le diera sentido a sus inquietudes. Lo que quiso era estudiar artes plásticas, adiós a la carpintería. Hizo el examen un año pero no se quedó.

Para lograrlo, mientras trabajaba y cursaba una prepa normal (sin mucho éxito) optó por prepararse en todas las disciplinas artísticas que ofrecía la institución al principio como tronco común, fue ahí cuando descubrió su pasión por la danza, misma que estuvo estudiando en el Hospicio Cabañas por las tardes después de la prepa.

Cuando llegó el momento volvió a hacer el examen y quedó, solo que tuvo que mudarse a Monterrey a estudiar danza durante 3 años.

“En esa escuela me rompieron muy cabrón porque encontré disciplina, que la quería, pero también venía que ya no era importante tu individualidad o tu sentido artístico, sino actuar, ejecutar y repetir”, confiesa.

En ese tiempo su rutina era: clases, practicas, ejercicio y al final del día repensar las correcciones que le habían hecho durante el día. Día y noche pensaba en danza. “Me mama ser un nerd, siempre he sido un nerd en todo lo que haga”, dice orgullose.

Fue en su último año de la carrera cuando conoció a Carlos Castellanos, fundador de In The Park Management. Recuerda que estaba en medio de muchas complicaciones con la escuela y con el formato institucional.

“Le pedí al universo que me mandara algo porque me daba mucho miedo lo que vendría siendo un niño, porque yo siento que, aunque tuviera 19 o 20 todavía era un niño. Siento que dejé de serlo hace como un año o dos”, dice en tono inocente entre risas.

Recuerda que en unas vacaciones regresó a Guadalajara y una amiga lo invitó a entrenar en un lugar y aceptó. El espacio era como un co-working de arte. Mientras esperaba su turno en la fila del baño, un chico le empezó a hablar y pensó que lo quería ligar. Ese chico era Erich Clemenz, que es parte del equipo creativo de In The Park.

“Cuando regresé con mi amiga me dice, —Wey, pues ya conociste a Erich, justo te lo quería presentar para que un día nos tomara fotos—, luego me pasó su Insta y a los días yo vi su trabajo y se me hizo muy chido. Yo estaba pensando en crear una pieza de danza o un performance para colaborar con el arte que él hacía”, recuerda lo que pensaba en ese momento.

Cuando Erich le escribió le dijo que le había hablado de él a Carlos y le dijo que les gustaría saber si quería hacer un casting. Sin saber lo que significaba eso y menos de moda les dijo que sí, pues pensaba solo en cotorrear con gente nueva.

“Fui, Carlos me tomó unas fotos, me tomó un video, me preguntó sobre mi vida, qué hacía y tal, me dijo, —oye, voy a regresar a Ciudad de México, voy a hablar con mi equipo y sí les gusta la idea Erich se comunica contigo—.

Eso fue un viernes, a la siguiente semana Erich le escribe porque quieren trabajar con él. Para el sábado en la mañana (estando acostado en su cama) le marca Erich y le informa que Carlos, lo presentó con el Director de casting de Kenzo. Querían que fuera a abrir el show a París.

“Yo no sabía que era Kenzo o Director de casting, yo no tenía pasaporte, yo nunca había salido del país”, confiesa riéndose.

De vivir todo ese rush en París, cuando regresó a Monterrey fue un golpe a su realidad.

—Magdaleno, ¿qué haces aquí? — recuerda que le dijo el director —Ya no los necesitas, tú ya estás trabajando. Olvídate, de la escuela, ya no te podemos dar más y tú ya tampoco nos puedes dar más—. “Lo cual era verdad” — reconoce — “Estaba bastante harto de ellos y ellos de mí”.

Una vez dado de baja, se fue a vivir a CDMX trabajando en cosas de danza siendo un poco más constante a la par de hacer en compañas o proyectos independientes como modelo. 3 meses en Milán, 3 meses trabajando en una pieza para un festival de danza y luego llegó la pandemia. La moda pudo continuar, pero la danza no. No había espacios.

“Ya no pude como continuar con la danza y comencé a trabajar de lleno como modelo. Intenté buscar espacios para bailar o entrenar, pero era imposible hasta años después en Nueva York cuando la retomé, pero ahora practicándolo, ya no como algo profesional. Me gusta y que me da mucha vida y que también es una herramienta en el modelaje”, reconoce sinceramente.

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Magda

JR: ¿Qué viste en el modelaje que te hizo seguir?

MD: Yo le estaba pidiendo al universo que me mandara algo y me bendijo al mandarme un espacio como In the Park. Me ha abrazado muchísimo en todos los sentidos.

Más que un proyecto, es una visión de impulsar la mexicanidad, de darle valor a la mano de obra y al trabajo de personas mexicanas, desde respetar los valores, hasta los salarios y lo que involucra trabajar como una persona latina en un espacio como la industria de moda internacional.

Aparte de estar construyendo yo una carrera para mí misme, sentí que estaba siendo parte de algo que era más grande que yo, que estaba trabajando en el lado correcto de la narrativa y que de una u otra manera estoy creando arte desde otra trinchera siendo parte de un aparato crítico.

JR: ¿Te dejaste deslumbrar en algún momento, por así decirlo? ¿Pudiste distinguir entre lo auténtico y lo falso?

MD: Teniendo 19 años yendo a París, conociendo agencias de moda, trabajando con personas que son de mí misma edad de diferentes países, claro que sí, me emocionó, pero no era una parte que me desbalanceara.

Siempre ha habido un acompañamiento y también me ayudó darme cuenta de que mi voz es igual de importante que la de todas esas personas. Así como yo les merezco, me merecen respeto por toda su capacidad de trabajo. Me tomó un tiempo entender que para que un proyecto sea posible, todas las partes somos igual de importantes para crear algo.

JR: ¿Cómo definirías el punto en el que en el que estás de tu carrera? Ya has desfilado en Europa y Nueva York y campañas importantes. ¿Cómo sientes tu perfil a este punto?

MD: Siento que estoy en un punto en el que ya pasé una transición porque ya no soy una new face, hace tiempo que dejé de serlo. Fue una transición entender que mis objetivos son otros y mis enfoques también deben de ser otros.

JR: ¿Digamos expandirse o consolidarse?

MD: ¡La verdad siento que yo ya estoy consolidadísima! (Ambos reimos).

Para mí este punto implica seguir trabajando bajo las mejores dinámicas, ver cómo y con qué personas quiero colaborar, con quienes no y seguir explorando. Yo creo que sobre todo seguir explorando. Para mí ahora es seguir estando vigente, seguir teniendo mi voz, sobre todo en el momento político en el que estamos.

JR: A inicios de la década te mostraban bajo la etiqueta de mexicano y no binario. Ahora, en retrospectiva, ¿Sientes responsabilidad al representar a alguien? Porque digo, al final de cuentas tú te habitas todos los días, no solo cuando sales a pasarela o eres un encabezado.

MD: Desde que estaba en la danza para mí siempre ha sido muy importante hacer mi trabajo de la mejor manera posible y que llegue al punto que espera alguien cuando me contrata.

Siento que para mí no fue tan pesada la responsabilidad de ser un representante de algo, porque yo pensaba en hacer bien lo que estaba haciendo. Va más allá que sentir la responsabilidad desde un punto específico como la no binariedad o la mexicanidad porque ser no binario no me define, ser mexicano tampoco. Ambas partes me construyen y las amo muchísimo y de lo cual me siento muy orgulloso y me encanta.

Pero claro, como tú lo mencionas, en muchos espacios de periodismo es algo que está en la mesa para mencionar, pero tampoco me ha fastidiado porque no están diciendo algo que sea mentira.

JR: Ahora que te veo siento tú, en tu casa, vestide de esta forma, ¿cuáles son tus referentes al vestirte? ¿Qué sueles llevar en tu día a día?

MD: Siento que en este momento busco expresarme, pero desde antes de que estuviera en la moda. Antes de conocer el concepto no binario lo hacía y ya después, habitándome en la no binariedad ha sido claro, pues entiendo que en mí habita feminidad y masculinidad; la fodonguez, la vanidad y muchas cosas que me gusta expresarlas.

Mis referentes son variados, por ejemplo, si me llega la nostalgia o si veo alguna película que me inspira lo hago, o incluso si veo un desfile moda. Por ejemplo, desde hace mucho no veía desfiles de moda hasta esta pasada Fashion Week París, porque me daba hueva todo lo que se presentaba, pero ahora hubo un par de cosas que me inspiraron para vestirme.

Vi el desfile de Matthew para Chanel y siento que se dio la oportunidad de ser él. El ecosistema chaneloso me fascinó y me emocionó porque cuando hice mi redebut en Bottega Veneta Mathew era la mano derecha de Daniel Lee y me daba cuenta de su sensibilidad al momento de hacer estilismo o diseños.

Sentía que no lo podía hacer cuando se quedó en Bottega porque tenía que seguir un modelo económico. Ahora que está en Chanel fue la mejor propuesta.

JR: Dentro de tu experiencia ¿Tienes algún otro momento que te venga a la mente porque te gustó formar parte?

MD: Pues la neta varias. Siento que también tuve la fortuna de tener experiencias muy amables y artísticas. Para mí fue muy impresionante trabajar con Valentino cuando lo dirigía Pierpaolo Piccioli, porque era alta costura y se le daba un cuidado minucioso a todo.

Recuerdo que me me tenía que poner una capa o abrigo y me lo acomodaron a la medida para que estuviera perfecto y no se me cayera porque era pesado. Me pidieron que fuera al otro día del fitting general para que me lo probara y ensayaramos la caminata.

Hay otros ejemplos, pero en general todo lo que sea performativo, nostálgico y romántico me encanta. Me gusta cuando me piden cosas más específicas, más humanas. Para mí es más divertido y me gusta que me digan camina de esta manera o tal más allá del horror que le causó a la industria el fenómeno Prada de que todos caminemos como robots.

Que creo que es más lindo proponer, justo como cerró el desfile de Chanel (SS25).

JR: Estando en este mundo de moda y belleza, básicamente en contacto directo con todo lo que se relaciona con lo estético. ¿Tú dónde encuentras la belleza?

MD: Específicamente en este marco teórico de la moda, la veo en la historia de vida de las personas. Yo pertenezco a una generación de modelos donde eso es muy importante más allá de cumplir con una estética específica.

En rostros que hablen de dónde vienes, de una historia de vida que cuente todo lo que involucró para que tú seas tú y con ello las personalidades que vienen detrás. Ahí encuentro la belleza, en la personalidad para potencializar el concepto de un producto de belleza o de indumentaria.

JR: ¿Cuándo piensas en el futuro en qué piensas? Siento que a todos nos trae diferentes sensaciones, pensamientos, sentimientos.

MD: La verdad no pienso mucho. Lo que me ha ayudado es que nunca he sido de hacer planes y también la vida me ha mostrado que no es fácil hacerlo porque siempre cambian las cosas. Lo único que tengo presente es que quiero seguirme abrazando mucho, cuidándome y siendo auténtico, es lo único con lo que puedo gestionar porque fuera de eso, la verdad es que no tengo claro nada.

JR: ¿Has pensado qué harías si ya no te dedicaras al modelaje?

MD: No me encierro a seguir trabajando como modelo hasta que me sigan llamando. Si me siguen llamando a los 40 voy a agarrar mi maleta, mis parches para los ojos, mis cremas para la cara, mis looks bonitos y me voy. (Risas despreocupadas)

Pero también pienso en las herramientas con las que cuento, e incluso pienso en que puedo seguir obteniendo más herramientas para utilizarlas a mi favor y seguir creando. Lo que tengo claro es que me gusta ser una persona creativa.

JR: Inclusive tal vez te podremos ver de stylist en un futuro o en dirección creativa, no sé tantas cosas que se pueden hacer.

MD: ¡Sí! Me encanta.La última vez que estuve en Londres el año pasado estuve haciendo estilismo, me gustó. Estaba muy nervioso cuando comencé porque para mí era muy importante bajo mis estándares y mis objetivos contar historias. Más allá de que la persona se vea preciosa y la ropa también, me esforzaba para que hubiera una línea discursiva. Fue muy bonito. En fin, ya sea dentro o fuera de la moda.

JR: Ahorita ya no has regresado a las pasarelas en México, ¿cómo te has desarrollado aquí ahora?

MD: En México ya tengo mucho rato que no las he hecho. Le tengo mucho respeto a la moda mexicana y a todo lo que involucra porque es muy difícil producir, gestionar y crear moda en México por muchos factores, pero aunado a eso ha habido muy malas dinámicas de trabajo en México en cuanto al respeto de los colaboradores y en cuanto a las pagas justas. Veo que eso ha cambiado muchísimo, pero aún persiste.

Me voy a poner medio polítique (se ríe), pero siento que mucha gente que tiene la posibilidad de crear, como directores o tal, son personas que vienen de sitios con privilegios y que cuentan con los medios económicos para que acompañado de dinámicas de trabajo, se ejerza la opresión y supremacía de jerarquías.

Entonces esa es una de las razones por las cuales no he formado parte de pasarelas o de proyectos mexicanos desde hace tiempo porque se suele trabajar de maneras que cuesta trabajo, que sí lo logramos como equipo de In The Park, para empujar esas dinámicas y que cada vez haya más respeto y formalidad de parte de parte de los equipos.

A mí me gustaría ser parte de las pasarelas mexicanas porque hace años que no lo hacía. Yo creo que desde el 2021. Sólo hice dos pasarelas en México, una para Barragán hace muchos años y otra para Sánchez-Kane.

Es muy importante, que las personas no crean que pueden ser abusadas o pasadas por encima de ellas, solo por el concepto de “Te estoy dando una oportunidad”.

JR: ¿Qué similitudes has encontrado entre la vida y la pasarela? ¿En qué punto sientes que se conectan estos dos conceptos?

MD: Ay esto es super de Almodóvar (ambos reímos). Qué bonita pregunta, wey. Me hiciste coquear.

Pienso mucho en los momentos de la vida en los que yo he estado presente, me refiero a los momentos en los que no estoy tibio, donde no estoy existiendo, sino cuando comienzo a moverme, colaborando con personas y haciendo conexiones o con nuevos espacios.

Con esto podría hacer esa analogía con la pasarela, que cuando funciona todo es cuando estoy presente, cuando me posiciono para que las personas volteen y vivan esa experiencia que les estoy ofreciendo, que es el caminar para ellos y mostrarles lo que estoy portando, lo que significa todo eso.

Fotos y videos: Cortesía de In The Park Management

Agradecimientos: Magda, un placer conversar contigo ese día durante 2 horas y media. Y creo que nos faltarían. Gracias por la sinceridad y confianza de compartirme esos momentos que han marcado tu vida. Me siento muy feliz por eso y espero te guste.

Eva, gracias por todo el seguimiento y las facildiades que pusiste en nombre de ITP para poder ejecutar esta idea que tenía y que por fin pude concretar. Infinitas gracias.

Esta temporada otoñal coincide con una búsqueda personal de saber más sobre el diseño de vestuario en las disciplinas escénicas y fílmicas. Ha sido una curiosidad que he cultivado y quiero compartirlo con todxs ustedes porque se relaciona con la moda, el arte y la expresión humana.

En este inter de cosas, la Compañía Nacional de Danza de México (CND) atraviesa por su temporada más atractiva de fin de año con grandes producciones de ballet clásico, como por ejemplo Giselle.

Así que busqué la oportunidad para conocer a fondo lo que guarda su vestuario y el trabajo de las personas que hacen para que este montaje brille los martes, jueves y domingos de noviembre.

Para conocer de primera mano lo que ocurre alrededor del diseño de vestuario dentro de la compañia pude conversar con Vianey Martínez, Jefa de vestuario de la CND, quien en febrero de este año tomó posesión del cargo.

Vianey Martínez es creadora escénica, egresada de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) con una especialización en Diseño de vestuario. Anteriormente había colaborado con la Compañía Nacional de Teatro y con la Compañía Nacional de Ópera. En cuestiones de danza es una debutante, así que les invito a que se pongan comodxs y se adentren conmigo en esta nutrida conversación donde el diseño se une con el ballet.

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Creación y organización

Juan Ramón: ¿Cómo te has sentido en estos meses de en el cargo?

Vianey Martínez: Ha sido un reto bastante interesante. Está padre aventarse a cosas que de pronto uno no hace e ir conociendo nuevas formas de trabajo y perspectivas del arte.

JR: Como jefa de vestuario ¿Cuáles son tus responsabilidades y obligaciones? Por así decirlo

VM: Mi trabajo es coordinar todo lo que requiere una producción en términos de vestuario. Tengo que realizar pruebas, ajustes de vestuario, revisar que estén completas las piezas, que los bailarines estén cómodos con sus vestuarios, hacer los traslados que ya están en foro, que funcione todo lo que tiene que funcionar y que estén los vestuarios a tiempo y completos.

También me toca hacer inventarios, hacer las entregas de tintorería, revisar que se realicen las lavanderías, ir de la mano con el chico que se encarga de la del área de zapatería para hacer la solicitud de las zapatillas para los bailarines, sobre todo cuando se van a pintar.

Me ha tocado hacer algún rediseño de alguna de las piezas, pero es lo menos, hasta ahorita.

JR: ¿Tú tienes un proceso creativo que involucre diseño o ya está dado, digamos, por previas producciones?

VM: Depende muchísimo de la producción. En el caso de Giselle es un remontaje, es un vestuario que existe desde los años 90, algunas de ellas han tenido adecuaciones a lo largo de estos años en sus remontajes.

El diseño de vestuario es del maestro Antonio López Mancera, que era un escenógrafo reconocido y pionero dentro de México y no se ha vuelto a alterar o modificar significativamente. Ha tenido algunas modificaciones que tienen que ver con color, que yo supongo fueron modificaciones que solicitaron en su momento los coreógrafos que montaron esa producción de Giselle.

Para esta producción, por las necesidades estilísticas que nos está solicitando la coreógrafa Svetlana Ballester, se está haciendo una adaptación de vestuario. No es como tal un rediseño, es una adaptación que tiene que ver con la visión de la coreógrafa. Básicamente con la paleta de color.

Lo que estamos haciendo es cambiar algunas tonalidades de las mallas y de las faldas. Los cambios más grandes son de unas mangas que en lugar de que sean mangas de lycra, van a ser este de tela para darle otra vista al personaje en específico, que son los amigos, y el de Sigfrido, que el vestuario original era demasiado llamativo y se decidió que se cambiara para darle el carácter de un campesino. Se va a hacer algo muchísimo más sencillo de lo que existía originalmente.

Sera tal vez la primera modificación más grande que ha tenido. En general es un vestuario muy bonito y hecho cuidadosamente que en la actualidad ya no se construyen las piezas con ese nivel de cuidado al detalle.

Los vestidos son pesados, las casacas también son pesadas, son telas que por más que nosotros quisiéramos replicarlo, ya no se puede porque ya no conseguimos esas telas con ese nivel de calidad que existían. Ahorita se está haciendo esta adaptación quitándole elementos para que sea un poquito menos llamativo, que es lo que busca la coreógrafa.

JR: ¿En general cómo es tu proceso teniendo ya un diseño dado?

VM: Lo primero que tengo que hacer es revisar las condiciones del vestuario, ver qué es lo que se tiene que renovar, si hay algo que se tenga que rehacer de cero porque ya no funciona o si solamente es cambiar la capa de tutu superior, o si toca solamente coser broches o cambiar botones.

JR: ¿Y esas reparaciones las hacen aquí adentro con su equipo o las mandan a hacer por fuera?

VM: Depende de lo complicado que sea esa renovación y de los tiempos que tenemos. Aquí dentro del departamento de vestuario solamente somos 3 personas, son Alejandro y Karina. Ale lleva como 20 años aquí en la compañía y Karina lleva 5 años.

Ellos son los que manipulan el vestuario hasta lo que se pueda hacer aquí por el nivel de infraestructura. Pero ya en temporada, son ellos son los encargados de reparar alguna prenda o accesorio para que salgan lo mejor posible a escena.

Algunas piezas que son más complicadas de realizar, ya sea porque la maquinaria que tenemos aquí en el taller no nos permite que la puedan realizar o porque el tiempo no nos permite que se pueda hacer todo aquí, se mandan con realizadores externos.

Trabajamos con diferentes proveedores, yo he procurado que no sean siempre las mismas personas, sino ir buscando de acuerdo con las necesidades del proyecto quién podría ser quién cubra mejor la confección del vestuario fuera del INBA (Instituto Nacional de Bellas Artes).

Es gente especializada en las necesidades de confección para la escena, que no es lo mismo que una modista, que no entienden las necesidades que requiere un bailarín o que requiere un actor para poderse mover.

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Diseño y Ballet

JR: ¿Cuáles crees que sean las diferencias básicas entre moda y vestuario de ballet?

VM: Yo creo que la diferencia principal es el uso. Cuando tú estás diseñando moda, estás diseñando algo que, si bien tiene que ser funcional, no requiere ciertas especificaciones técnicas que tienen que ver con los textiles y con la forma de confección.

Cuando diseñas para la escena tienes que pensar en muchas cosas, empezando por lo que quieres decir con ese vestuario. La moda tiene conceptos más artísticos, en diseño escénico no, ahí lo que te manda siempre va a ser la historia que estás contando y lo que tu director o coreógrafo quiera decir con la obra.

En ballet me parece que es un poquito más complicado que en teatro porque apela más al movimiento, aunque sí existen historias, sobre todo en la danza clásica, lo importante es también el movimiento, lo que están diciéndonos a través del cuerpo.

Entonces, por eso es súper importante tener el diálogo con los coreógrafos y con los directores de escena, porque ellos te van a dar la línea de hacia dónde quieren ir. Por eso siempre es importante a sentarte a platicar con ellos y saber lo que quieren, qué es lo que quieren ver, y a partir de eso vas diseñando para contar esa historia. Se diseña para resaltar las características de los personajes.

JR: Esto que mencionas del movimiento es imprescindible porque es una forma de comunicación directa y lo que traen encima les ayuda a configurar todo esto.

VM: Exactamente, el vestuario termina de cerrar el carácter de los personajes. Creo que en la danza el vestuario es una de las partes importantes porque tal vez si la gente no logra traducir visualmente el movimiento, al ver los vestidos ellos puedan entender la personalidad y rol de cada personaje.

Creo que las texturas son súper importantes dentro del ballet porque nos va a decir que se puedan ver más etéreos o pesados, dependiendo del tipo de textil que tú elijas.

Por ejemplo, una de las particularidades que tiene Giselle es que los vestuarios de las Willis justamente tienen que verse como ánimas, entonces tienen que ser súper etéreos, súper ligeros. Cuando ellas se mueven el vestuario se tiene que mover con ellas. Entonces ahí los textiles que tienes que utilizar deben tener esas características para que no les metas algo que se van a ver pesadas o planas.

JR: ¿Principalmente qué telas maneja el vestuario de Giselle?

MV: El vestuario Giselle maneja mucho paño, muchos brocados, mucho tul, chifón, terciopelo, tiene un montón de apliques y de bordados. Este casi no tiene pedrería, aunque algunas piezas tienen cositas de pedrería.

Cuando se acaba la temporada se resguarda en las bodegas empaquetadito con sus cubre polvos y cuando se va a remontar de nuevo se hace esta revisión. Aunque uno los cuide mucho hay producciones que requieren que antes de que se vuelva a remontar se vayan de nuevo a tintorería.

JR: En el caso de Giselle, ¿Con cuántos cambios de vestuario cuenta?

VM: Aquí en la compañía solemos tener diferentes elencos, mucho del vestuario los tienen que compartir. No podemos tener la posibilidad de que cada uno de los bailarines tenga su vestuario personalizado. Teniendo esto en cuenta y a partir de eso nosotros vamos adaptando el vestuario para que lo puedan utilizar cada uno de los bailarines.

Hay piezas que comparten dos, o a veces hasta tres bailarines dependiendo de los elencos que tengamos. Para Giselle estamos aproximadamente rozando a las 200 piezas de vestuario. Hablando de piezas que visten porque aparte esta producción tiene muchos sombreros, tiene muchos guantes, muchos accesorios que suman.

JR: ¿Cuánto tiempo se tardan en la planeación para todas esas modificaciones? ¿Desde cuándo empezaron a trabajar?

VM: Giselle lo estamos haciendo en un tiempo récord. En julio que fue una revisión general, junto con el primer presupuesto de lo que necesitamos hacer, pero realmente empezamos con la producción como tal hace como un mes más o menos y la realización fuerte de vestuario la empezamos a hacer hace una semana. (Primeros días de octubre).

Todas las renovaciones de vestuario se van a hacer en aproximadamente 15 días lo cual es muy inusual, no es algo que normalmente se haga, siempre tenemos muchísimo más tiempo cuando se trata de una producción así de grande, pero en esta ocasión por varios factores es que nos estamos adaptando a estos tiempos.

JR: ¿Cuál dirías que es el reto principal que tienes en este momento como jefa de vestuario?

VM: Yo creo que el reto principal es que las producciones siempre salgan bien y a tiempo. Que todos los bailarines se sientan cómodos con sus vestuarios, que los puedan probar a tiempo y que todo cuando se junte se vea bien, transmita lo que tiene que transmitir. Eso creo que es el reto principal.

JR: ¿Qué significa para ti vestir la danza? ¿Cubrir, revelar o acompañar?

VM: Yo creo que es acompañar. Creo que hacer vestuario para danza debe de ser algo que sume en lugar de algo que entorpezca. Creo que, hablando de retos, el reto principal justamente es que lo que sea que nosotros confeccionemos para los bailarines, sea algo que les aporte a ellos un plus a lo que ellos están dando.

Me parece que son personas súper fuertes en un montón de sentidos, entonces, el trabajo de vestirlos tiene que ser el de cuidarlos y de alguna manera acompañarlos, que todo lo que utilicen no sea un reto más, que no sea algo que les complique más al momento de estar en escena, al contrario, algo con lo que se sientan seguros y que cuando entren van a lucir espectaculares haciendo todos los movimientos que tienen que hacer sin que los entorpezcan.

En danza tiene que ser perfecta, les tiene que quedar súper bien, justo a sus necesidades. Realmente ahí yo podría hacer la comparación del vestuario que nosotros realizamos en la compañía con una producción de Alta Costura, porque son piezas más elaboradas que requieren un tipo de confección específicas.

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Descubrir nuevas realidades donde la ropa y la creatividad de unen me hace seguir explorando las posibilidades y extensiones artísticas que tiene la moda, no solo por su belleza, también por las reacciones y emociones que vienen con ella. Un ejemplo el diseño de vestuario para el ballet.

¿De qué trata Giselle?
En una tranquila aldea, Giselle está feliz porque ama y cree ser correspondida.

Hilarión, el guardabosques, prendado de ella, la trata de persuadir diciéndole que su amado Albrecht la engaña, que no es un aldeano sino un noble disfrazado.

Hilarión encuentra la espada blasonada de Albrecht y queda convencido de que éste oculta su verdadera identidad. Importantes personajes de la nobleza, junto con sus súbditos se detienen a descansar al regreso de una cacería; los aldeanos atienden a sus huéspedes, entre los cuales se encuentra Bathilde, prometida de Albrecht.

Durante la fiesta Hilarión muestra la espada de Albrecht a todos y denuncia la farsa sobre el origen del duque. Giselle, decepcionada por el engaño de su amado, pierde la razón y muere.

Giselle se estará presentando en el Palacio de Bellas Artes del 4 al 23 de noviembre con presentaciones los días martes 4,11 y 18; los jueves 6,13 y 20 a las 08:00 pm y los domingos 9,16 23 a las 05:00 pm.

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Director invitado: Yhovani Duarte

Coreografía: Svetlana Ballester sobre la original de Jean Coralli y Jules Perrot
Música: Adolphe Adam
Libreto: Théophile Gautier y Vernoy de Saint-Georges
Diseño de escenografía y vestuario: Antonio López Mancera
Arreglos de vestuario: Vianey Martínez
Diseño de Iluminación: Roberto Arellano
Diseño de video y proyección: Yoatzin Balbuena Mejía

*Agradezco el tiempo, el trato y la apertura para realizar este trabajo a Humberto Granados y Vianey Martínez de la CND. Un abrazo :)

*Fotos. Cortesía CND.