La primera ha sido El rollo de septiembre, una película española dirigida por Mariano Ozores y estrenada en 1985. Ozores me parece una figura fascinante del cine español: director, guionista y productor, una auténtica máquina de hacer películas a toda velocidad y siempre atento a las modas del momento. Yo diría que era nuestro Roger Corman, alguien capaz de detectar una tendencia y fabricar rápidamente una película alrededor de ella para divertir al público.

En este caso, El rollo de septiembre es una especie de exploitation de las películas norteamericanas de adolescentes tipo Desmadre a la americana o Porky’s. Un grupo de chavales está encerrado durante el verano en un colegio y, en lugar de ser perseguidos por un psicópata, se dedican a hacer el guarro. Bueno, en realidad a intentar hacerlo, que es diferente.

La película está protagonizada nada menos que por José Luis López Vázquez, que ya estaba en las horas bajas de su carrera pero que, como el profesional que era, aceptaba este tipo de trabajos. También aparecen Sonia Martínez, justo antes de caer en desgracia, Gabino Diego, que estaba debutando, y Miguel Ángel Valero, el Piraña de Verano Azul, aquí convertido en Carroña. La película está llena de chistes verdes, situaciones absurdas y personajes que parecen tener bastante libertad para improvisar. Todo resulta bastante zafio, pero también da la impresión de que el rodaje tuvo que ser muy divertido.

Y aunque El rollo de septiembre es mala de cojones, me alegro de haberla visto porque pertenece a una forma de hacer cine popular que prácticamente ha desaparecido. Hay cosas que aparecen aquí que hoy resultarían difíciles de imaginar en una película comercial española, y eso también convierte a estas películas en pequeños documentos de una época.

La otra película mala que he visto ha sido La última casa, el último estreno de Netflix. Esta la vi sin saber prácticamente nada y me encontré con una mezcla de ciencia ficción, terror y thriller psicológico sobre una familia que se queda encerrada en su casa y descubre que tampoco sus vecinos pueden salir de las suyas.

Al principio tiene algo del rollo del COVID: comida, aislamiento, sensación de que la situación será temporal y los días que empiezan a convertirse en semanas. Pero entonces pasan los años y la película se mete de lleno en una deriva psicotrónica con monstruos, lluvias y situaciones cada vez más absurdas. Y aquí tengo que decir que a mí las cosas absurdas me gustan, pero el problema es que La última casa acumula tantos agujeros de guion que llega un momento en que simplemente quieres saber cómo van a explicar todo aquello.

La respuesta, para mi desgracia, no resulta demasiado satisfactoria. La película consigue mantener cierta curiosidad hasta el final, pero cuando llegan las explicaciones te quedas pensando que quizá había más posibilidades en aquella idea inicial de las que finalmente han sabido aprovechar. Una perdida de tiempo. En pocas palabras: UNA PELÍCULA DE NETFLIX.

Eso sí, súper a favor de Greta Lee, una actriz que me encanta. Su personaje se pasa buena parte de la película reaccionando a todo lo que sucede como si le diera exactamente igual lo que está pasando, y esa actitud consigue darle bastante gracia a una película que, por lo demás, se toma demasiado en serio su propio disparate.

Así que este ha sido mi pequeño regreso al cine malo. Una película me ha llevado directamente al cine español más zafio de los ochenta y la otra me ha demostrado que incluso una buena idea puede acabar convertida en un auténtico jardín de agujeros de guion.

Dos películas malas, sí. Pero por lo menos ninguna de las dos me ha dejado indiferente.

Iron Man / Joshua Williamson, Carmen Carnero y Nolan Woodard (Marvel Comics, 2026)

Se trata de un nuevo punto y aparte de las aventuras de Tony Stark. En este caso toma bajo su proteccion a varios jovenes superdotados para ver quién de ellos puede ser su sucesor, y juntos deben luchar contra Madame Mask. Llevo leídos cinco números y de momento va de menos a más.

Batman de Gene Colan / varios guionistas y Gene Colan (DC Comics, 1981)

La verdad es que me encanta leer tebeos clásicos de Batman. De los modernos hay cosas interesantes, pero creo que los mejores años de este tipo son entre los 70 y los 80. Estoy descubriendo ahora cómo Gene Colan, que venia de dibujar tebeos de Dracula, hizo suyo a Batman. Las escenas de acción son soberbias, pero mi debilidad es cuando sale Bruce Wayne en los ambientes de la alta sociedad. Es un gran tebeo que para mi refleja a mi Batman favorito.

Superman: Last Son of Krypton /Geoff Johns y Gary Frank (DC Comics 2008)

Esta historia de Superman contenida en algunos número de Action Comics publicados hace unos cuantos años cuenta la historia de un niño supuestamente procedente de Krypton que aterriza en Metrópolis. Lois y Clark enseguida se hacen cargo de él y tendrán que descifrar el misterio de su origen. La historia está muy bien, peor lo que mas me ha gustado de esta obra es el dibujo de Gary Frank, que allá por 2008 fue bastante rompedor.

The Witching Hour / varios autores (DC Comics, 1969)

A finales de los setenta se produjo en Usalandia una explosión pop de monstruos y la temática terrorífica en general, y los tebeos de personajes siniestros contando historias de miedo volvieron a resurgir despues de su abrupto fin en los 50. Eta colección de DC de la que os hablo, está presentada por tres brujitas que compiten en cada número por contar la historia de terror más escalofriante. Algunas historias están bien, otras no tanto, pero el apartado gráfico es sobresaliente.

Star Brand /Jim Shooter y John Romita Jr. (Marvel Comics, 1986)

Este es la sorpresa más grande que me he llevado este verano. Estaba enterado de que a finales de los 80 Marvel , que estaba al mando de Jim Shooter, comenzó una linea te tebeos superheróicos bajo la eiqueta New Universe y totalmente alejados de los heroes clasicos de la editorial. La idea de Shooter era hacer un universo más realista. He leido hasta ahora cuatro números de Star Brand, la serie más popular y controvertida de esta línea. Y si, se nota la diferencia con el universo tradicional. Es un tebeo de superhéroes con un tono más de tebeo realizta, con personajes de moralidad más ambigua y con muchas escenas de lo que hoy se llama Slice of life. Os dejo como ejemplo esta página en la que el protagonista va a recoger a su cita, una madre viuda con dos hijos, y el encuentro que tiene con la canguro…

Garbage Pail Kids: Origins / Adam F. Goldberg, Hans Rodionoff y Jeff Zapata (Dynamite Entertainment, 2022)

Por supuesto, también hay tebeos de La pandilla Basura, algunos de ellos toman a algunos de los personajes mas icónicos de estos cromos, y hacen una historia cruzando a estos personajes, en muchos casos contando su origen.

Doom Patrol /Arnold Drake, Bob Haney y Bruno Premiani (DC Comics 1963)

Este año también he descubierto a La Patrulla Condenada, un tebeo de DC que salió casi a la vez que la Patrulla X en los años 60 y con la que tiene algunos puntos en común. Es la historia de un grupo de inadaptados con superpoderes que están al mando de un científico en silla de ruedas. Estos primeros tebeos sesenteros mantienen la ingenuidad de la época, pero ya se van deslizando algunas ideas más modernas y arriesgadas que sugieren narrativas más complejas y que son la plantilla en la que se basó Grant Morrison para hacer su mítica versión de este grupo unos cuantos años después. Digo mítica porque lo dicen mucho por ahí, pero yo estoy esperando a terminar esta etapa más antigua para leerla.

The Human Target /Tom King y Greg Smallwood (DC Comics / DC Black Label 2021–2023)

Este tebeo no lo he leído entero. Es una maxi serie de 12 números que tiene un apartado gráfico muy muy bueno. Por eso he decidido comprarlo en edición fisica. Está a punto de salir una edición de lujo de Panini, pero yo le tengo echado el ojo a una colección de los 12 números en formato grapa que se vende por separado y que para mi tienen mucho más valor por que asi se pueden disfrutar más en sus esplendor las sensacionales portadas que tiene. Este lo voy a leer en papel sí o sí.

Cenizas (Ashes) /Álvaro Ortiz (Astiberri, 2012)

No tenia ni idea dela existencia de este tebeo publicado en España por Astiberri hace ya más de 10 años, cosechando gran éxito del que yo no fui informado. Casi por casualidad descubrí que este cómic fue publicado en USA por IDW, así que lo he podido leer en Global Comix y me ha encantado. no os cuento nada porque seguro que vosotros ya lo habéis leído hace mil años y yo era el único que no estaba al corriente.

Morbius, the Living Vampire / Roy Thomas y Gil Kane (Marvel Comics 1971)

De este tebeo solamente os voy a dejar una página al azar y vosotros mismos saquéis vuestras propias conclusiones.

He tenido dos semanas de vacaciones. Dos semanas sin viajar, sin hacer turismo y sin tener que estar pendiente de horarios, aviones, hoteles, reservas y todas esas cosas que hacen que viajar sea estupendo, pero que también pueden convertir las vacaciones en una especie de segundo trabajo.

Así que este año he estado una semana en el pueblo y la otra en Madrid, y la verdad es que lo he disfrutado muchísimo.

He leído un montón de tebeos, he visto una serie completa, algunas películas, he escuchado mucha música y, sobre todo, he descansado. También he aprovechado para hacer algunas cosas fanzineras que quería ir adelantando y para cargar las pilas antes de volver al trabajo y afrontar el nuevo curso.

Y cada vez estoy más convencido de que tener tiempo libre es mejor cuando no tienes todo el tiempo libre del mundo.

El trabajo también tiene cosas buenas

Vivimos en una época en la que parece que el trabajo es siempre el enemigo. Mucha gente piensa que trabajar nos roba el tiempo que podríamos dedicar a nuestros sueños, a nuestros proyectos o simplemente a estar tirados en el sofá.

Pero yo no lo veo exactamente así.

A mí mi trabajo me proporciona algo que considero muy importante: estructura. Me obliga a levantarme, a salir de casa, a relacionarme con otras personas, a resolver problemas y de esta manera ganar el dinero que necesito para vivir y comprarme tebeos o ir al cine.

Y hay otra cosa que a veces olvidamos: trabajando no solo hacemos cosas por nosotros mismos o por nuestros jefes. Ayudamos a otras personas a conseguir cosas que necesitan. Para mí, esta es la parte más valiosa del trabajo.

Por supuesto, hay personas que tienen trabajos que no les gustan, que cobran poco o que están en situaciones muy chungas. LA VIDA ES MUY INJUSTA PARA TODOS y no todos recibimos las cartas que creemos merecer. Lo único que podemos hacer muchas veces es jugar lo mejor posible con las que nos han tocado. Por eso estoy agradecido de tener un trabajo que, además, me gusta, aunque no sea mi sueño.

Cuando tu sueño se convierte en tu trabajo

Y se por propia experiencia que a veces conseguir tu sueño quizás no es lo que necesitas.

Durante unos tres años tuve la oportunidad de intentar vivir de mi propio proyecto. Monté mi editorial (Teenage Thunder) y traté de convertir aquello que me gustaba en mi forma de ganarme la vida. Fueron los años de Trueno, Fanzine para Chicas y Maricas, los eventos de cine, las ferias de autoedición… fue une época que recuerdo con mucho cariño pero a la que no volvería. En teoría estaba viviendo mi sueño.

Cuando tu proyecto es aquello de lo que dependes económicamente aparecen los plazos, las ventas, los objetivos, las expectativas, las decisiones económicas y la necesidad de pensar constantemente qué estás haciendo bien o mal.

Ya no haces solamente lo que quieres. También tienes que conseguir que funcione. Aquella experiencia me enseñó que quizá no necesitaba convertir mis aficiones en mi profesión.

Ahora prefiero tener mi trabajo y, cuando termina mi jornada, hacer mis cómics, escribir, dibujar, preparar fanzines, pinchar música o cualquier otra cosa que me apetezca.

Sin jefes. Sin clientes. Sin objetivos de ventas. Sin tener que preguntarme si esto va a funcionar. Sin que nadie me diga que debería cambiar de estrategia.

Puedo hacer exactamente lo que me da la gana.

Y creo que ahí he encontrado un equilibrio que durante mucho tiempo estuve buscando.

Mis vacaciones también han sido “trabajo”

Por supuesto, no he estado dos semanas completamente tumbado en el sofá.

También he hecho mi particular «trabajo».

He estado maquetando un nuevo fanzine que publicaré en formato digital dentro de un par de meses. Se trata del número 2 de Musica Moderna. También he estado haciendo algunos cambios en mi planificación editorial de los próximos meses, tanto para los fanzines como para los tebeos. Sobre todo voy a reeditar algunos de mis tebeos para que estén disponibles en papel y en digital.

Y he disfrutado muchísimo viendo las primeras reacciones a Desarrollo personal en el espacio exterior. Estoy muy contento con la recepción que está teniendo el cómic desde que lo publiqué gratuitamente en GlobalComix.

Poco a poco, las cosas van tomando forma.

También he vuelto a Facebook

Sí, dije que había dejado las redes sociales.

Y lo sigo manteniendo.

Pero he decidido utilizar Facebook como escaparate para compartir algunos de mis textos, cómics y fanzines. No quiero volver a convertir las redes en el centro de mi actividad, simplemente quiero que lo que estoy haciendo pueda llegar a un poco más de gente.

El contenido sigue estando aquí, en Substack, y en mis publicaciones en papel.

🎧 Escucha aquí mi sesión de verano

Durante estas vacaciones también he grabado una sesión con reworks de canciones muy populares, pero llevadas a mi terreno: nu disco, house y música para bailar.

Aquí os dejo el enlace.

Espero que la disfrutéis.

🚀 Desarrollo personal en el espacio exterior

Si todavía no habéis leído mi cómic, podéis hacerlo gratuitamente en GlobalComix.

Es un cómic completo, de principio a fin, y me hace mucha ilusión que ya esté circulando y que pueda leerlo cualquiera.

Aquí podéis encontarlo.

Y muy pronto llegará también la edición en papel.

📚 Lo que he leído, visto y escuchado este verano

Como he tenido bastante más tiempo libre de lo habitual, este mes también he publicado y compartido muchas más cosas.

Os dejo aquí una recopilación de los artículos que he escrito durante estas semanas.

En mar abierto

Falcon Crest, (temporada 9)

Send Help y El Diablo se viste de Prada 2

Evil Dead Burn

Arca

Monarch: Legacy of monsters (temporada 2)

Lovecraft

Butch DJ

Capitán América

They will kill you y L’Homme qui rétrécit

Después de estas vacaciones, vuelvo al trabajo con las pilas cargadas y con bastantes proyectos en marcha.

Y precisamente por eso estoy cada vez más agradecido de tener ese equilibrio: un trabajo que me proporciona una estructura y me permite ayudar a otras personas, y un tiempo libre en el que puedo hacer las cosas que realmente me apetecen.

Gracias, como siempre, por estar al otro lado y por acompañarme en este camino.

Un abrazo,

Tenía muchas ganas de ver En mar abierto, la última película de Renny Harlin, que para mí es uno de los grandes maestros del cine de acción. Yo le sigo desde que hizo Pesadilla en Elm Street 4, que sigue siendo mi secuela favorita de las películas de Freddy Krueger, y desde entonces ha demostrado una y otra vez que sabe como nadie manejar el cine de acción. Es uno de esos directores que entienden perfectamente que una película de este género tiene que moverse, tiene que pasar cosas y tiene que mantenerte pendiente de lo que ocurre en pantalla.

Y además esta película tenia otro atractivo añadido: los tiburones, aunque quizás en este caso los escualos no sean exactamente lo más importante de la película.

Lo que más me ha gustado de En mar abierto, es que sigue perfectamente al pie de la letra la estructura de las películas de catástrofes de los años 70. Primero tenemos la presentación de los personajes, después los colocamos en un espacio determinado y, cuando ya sabemos quiénes son y cuáles son sus relaciones, sucede la catástrofe. A partir de ahí, todos juntos tienen que luchar por sobrevivir hasta que llegue el rescate. Y esta película sigue esa plantilla de pe a pa.

Pero lo hace, y esto es lo que más me gusta, sin humor, sin ironía, sin cinismo, sin guiños y sin esas coñas posmodernas que llevan dominando el cine desde los años 90, desde Tarantino y Scream, como digo siempre. Aquí no hay un personaje haciendo un comentario gracioso sobre lo absurdo de la situación ni nadie mirando a cámara metafóricamente para decirnos que sabe que estamos viendo una película. La película simplemente cuenta su historia y se dedica a hacer aquello para lo que ha sido concebida: entretener.

Y entretiene un montón.

No paran de pasar cosas, los personajes son todos bastante arquetípicos, como corresponde a este tipo de cine, y tenemos incluso ese villano que quizás, solo quizás, recalca demasiado su condición de villano y del que estamos todos esperando tranquilamente el momento de su fallecimiento. Porque en estas películas también hay una serie de reglas que todos conocemos y que forman parte de la diversión.

Los tiburones, además, son importantes pero no tanto, como ya he dicho. Y esto me recuerda muchísimo a Tiburón, la maravillosa película de Spielberg, porque aquí también los escualos están siempre presentes, son una amenaza constante, pero no tienen realmente el protagonismo absoluto de la película. El protagonismo lo tienen las personas, los seres humanos que están intentando sobrevivir en unas circunstancias completamente extraordinarias.

Y precisamente ahí está una de las cosas que más me gustan de este tipo de cine: las situaciones son absurdas. Yo creo que un accidente como el que plantea esta película probablemente no podría suceder nunca, pero es que para eso está el cine, para enseñarnos cosas que en la vida real no pueden pasar. Si todas las películas tuvieran que someterse a la prueba de «esto podría pasar realmente», nos cargaríamos buena parte de la historia del cine de aventuras, del cine fantástico y del cine de catástrofes.

La película está además estupendamente rodada y filmada. Harlin demuestra otra vez que sabe colocar la cámara en los sitios adecuados y que sabe crear tensión utilizando el espacio, el movimiento y la acción. Y tiene un reparto que funciona muy bien dentro de este tipo de película, encabezado por Aaron Eckhart y Ben Kingsley, acompañados por Angus Sampson, Molly Belle Wright, Lucy Barrett, Madeleine West y Mark Hadlow, entre otros.

Y quizás lo más curioso de todo es que En mar abierto no intenta reinventar el género. No pretende demostrar que es más inteligente que las películas de catástrofes que se hicieron hace cincuenta años ni necesita actualizar su lenguaje para que parezca moderna. Coge una fórmula que funciona, la mete en medio del océano, añade unos cuantos tiburones y deja que los personajes hagan lo que tienen que hacer: intentar sobrevivir.

Y yo, sinceramente, agradezco muchísimo que todavía haya directores que hagan películas así.

Porque a veces parece que una película de entretenimiento tiene que pedir perdón por ser una película de entretenimiento. Tiene que esconder sus intenciones, hacer bromas sobre sí misma, introducir referencias a otras películas y demostrar continuamente que sabe que todo lo que está contando ya lo hemos visto antes. Renny Harlin pasa de todo eso. Hace una película de catástrofes con tiburones y se queda tan ancho.

Y por eso me ha gustado tanto.

Quizá dentro de unos años nadie se acuerde demasiado de En mar abierto. Quizá no se convierta en un clásico y quizá tampoco pretenda serlo. Pero durante sus casi dos horas de duración me ha dado exactamente lo que esperaba cuando entré en una sala de cine llena de gente: un grupo de personas atrapadas en una situación imposible, tiburones alrededor, un villano al que coger manía, gente intentando sobrevivir y una sucesión constante de problemas que tienen que resolver.

Cine de evasión. Cine de aventuras. Cine de catástrofes. Cine de tiburones. Cine de toda la vida.

Y a mí, mientras esté bien hecho, que me den más.

Para cualquiera que creciera en la España de los años ochenta, Falcon Crest no era simplemente una serie de televisión. Era un ritual de sobremesa. Yo recuerdo perfectamente aquella sintonía sonando por la tarde en TVE-1 después del telediario, y recuerdo también a Angela Channing, que era una de esas mujeres que parecían estar ahí para demostrar que en una serie de televisión se podía ser una auténtica hija de puta y una estrella al mismo tiempo.

Falcon Crest era una institución. Yo vi bastante de la serie en aquella época, aunque con los años le fui perdiendo la pista, como creo que nos pasó a muchos. Y también es verdad que cuando pienso ahora en aquellos años me hace mucha gracia recordar la mezcla de cosas que veíamos en televisión. Yo podía estar viendo La bola de cristal y a Espinete y, unas horas después, estar viendo a Angela Channing intentando quedarse con un viñedo.

Durante algún tiempo recuerdo haber leído ó escuchado hablar de la novena temporada de Falcon Crest, la última, como una especie de temporada maldita. Se decía que era una temporada rarísima, completamente desquiciada, en la que la serie se convertía prácticamente en otra cosa.

Y ahora que se puede encontrar en plataformas, me he decidido a verla. Y tengo que reconocer que el mito era verdad.

El gran cambio

La novena temporada se estrenó en 1989, cuando la audiencia de Falcon Crest ya estaba bajando, y la solución que encontraron fue, básicamente, cargarse la serie y hacer otra. No sé muy bien cómo explicarlo, pero de repente aquello que durante años había sido una serie de viñedos, familias ricas, traiciones y gente intentando quedarse con las propiedades de los demás se convierte en una cosa fría, oscura y rarísima.

Cambia hasta la música. La sintonía que yo tenía asociada a Falcon Crest desaparece y aparecen sintetizadores y una música mucho más oscura. La estética también cambia completamente y, lo más fuerte de todo, es que prácticamente desaparecen todos los personajes que conocíamos.

La ausencia más importante es, por supuesto, Angela Channing. Jane Wyman tenía problemas de salud y su personaje pasa buena parte de la temporada en coma en un hospital. Es decir, quitaron de Falcon Crest a Angela Channing y esperaban que aquello siguiera funcionando.

Y claro, Angela Channing era Falcon Crest. Sin ella, la serie pierde completamente su centro.

De repente tenemos a Richard Channing, que parece que ha entrado en la serie equivocada, rodeado de personajes nuevos que aparecen y desaparecen sin que nadie parezca demasiado preocupado por explicar qué está pasando.

La lógica de una pesadilla

Y aquí es donde empieza lo verdaderamente fascinante, porque la novena temporada de Falcon Crest funciona con una lógica que yo llamaría directamente lógica de un sueño.

Hay personajes que aparecen como familiares de otros personajes y que, dos episodios después, parece que están viviendo otra vida completamente diferente. Un personaje puede morir y, en la escena siguiente, estamos viendo a su pareja, que se ha enamorado de otra persona, como si no hubiera pasado absolutamente nada. También hay tramas que empiezan y que, de repente, desaparecen. No se resuelven, no se explican y simplemente dejan de existir.

Es como si los guionistas estuvieran escribiendo la serie según se les iba ocurriendo, y esto es precisamente lo que me resulta tan fascinante. Porque, claro, visto hoy, es imposible no pensar en Twin Peaks.

¿Falcon Crest antes de Twin Peaks?

Aquí hay una coincidencia temporal muy curiosa. La novena temporada de Falcon Crest se estrenó en septiembre de 1989 y Twin Peaks llegó en abril de 1990. Evidentemente, no estoy diciendo que una serie copiara a la otra, porque no tiene ningún sentido plantearlo así. Pero resulta bastante curioso que, cuando Twin Peaks empezó a emitirse, algunos críticos la describieran como algo parecido a «un Falcon Crest dirigido por David Lynch».

Y ahora que he visto esta última temporada de Falcon Crest, entiendo perfectamente la comparación.

La diferencia es que David Lynch hacía aquello deliberadamente. En Twin Peaks, la extrañeza, los personajes raros, las situaciones absurdas, los cambios de tono y esa sensación de estar dentro de una pesadilla formaban parte de una decisión artística. En Falcon Crest, tengo la sensación de que simplemente se les fue la mano.

Además comparten muchas referencias estéticas, paisajes, lugares, música de sintetizador, vestuario… ¡Hasta en las dos series hay un personaje con un parche en un ojo!

Y eso es precisamente lo que hace que me resulte tan fascinante. Porque lo que en 1989 debió de ser un desastre absoluto, una serie que ya no sabía ni lo que quería contar y que estaba intentando desesperadamente recuperar una audiencia que había perdido, hoy se puede ver de otra manera.

Además, hay algo que a mí me fascina especialmente de las series de televisión de los años ochenta y noventa: ver qué ocurre cuando llegan a sus últimas temporadas. Tengo la sensación de que, en aquella época, las series mutaban muchísimo cuando llevaban ya varios años en antena. La mayoría de los personajes originales habían desaparecido, los actores iban entrando y saliendo y los guionistas tenían que buscar continuamente nuevas maneras de revitalizar una serie que quizá ya había contado buena parte de sus historias.

En el caso de Falcon Crest, esos malabarismos llegaron directamente al delirio.

Es una auténtica rareza televisiva, una especie de accidente. Una Falcon Crest que quiso ser otra cosa justo cuando ya no tenía demasiado que perder.

Y reconozco que me encanta encontrarme con estas cosas en televisión. Series que en su momento fueron consideradas un fracaso y que, vistas décadas después, adquieren una vida completamente diferente.

No sé si llamaría a la novena temporada de Falcon Crest una obra maestra, ni de lejos, pero sí creo que es una de esas cosas que merece la pena ver precisamente porque es tan extraña. Me fascina comprobar cómo una serie que durante ocho temporadas había seguido unas reglas bastante claras puede llegar a su última temporada y decidir cambiar completamente de rumbo.

Y eso es exactamente lo que hicieron con Falcon Crest. Cogieron una serie que llevaba años funcionando como un culebrón familiar ambientado entre viñedos y la convirtieron, prácticamente de un día para otro, en una especie de pesadilla gótica con personajes que aparecen, desaparecen, mueren, vuelven a aparecer y toman decisiones que parecen no tener ninguna relación con lo que acabamos de ver en el episodio anterior.

Vista hoy, treinta y tantos años después, la verdad es que resulta muchísimo más divertida y fascinante de lo que probablemente pretendieron en su momento. Y quizá ahí esté precisamente la gracia de esta última temporada: que una serie que estaba intentando desesperadamente sobrevivir terminó convirtiéndose en algo tan extraño que, décadas después, ha acabado teniendo una pequeña vida propia como objeto de culto.

La primera es El diablo viste de Prada 2, que es casi una película obligatoria para chicas y maricas. La primera película, esttrenada ya hace veinte años, nada menos, se convirtió en muy poco tiempo en una de esas películas que forman parte de la cultura popular y que puedes ver tranquilamente cuando la ponen en la tele una tarde cualquiera aunque la hayas visto mil veces. Y ahí están Anne Hathaway, Meryl Streep, Emily Blunt, Stanley Tucci y todo ese universo de la revista Runway que, evidentemente, todo el mundo sabe que está inspirado en el mundo de Vogue aunque la revista se llame de otra manera.

Esta secuela llega casi veinte años después, dentro de esa oleada de películas que se dedican a coger películas antiguas, recuperar sus personajes y volver a hacerlas otra vez intentando recuperar el momento que tuvieron originalmente.

En este caso, además, vuelven prácticamente todos los protagonistas importantes de la primera película (excepto al novio de Andrea en la primera película, que con el paso de los años se ha convertido en el verdadero villano de aquella película, según un extraño consenso entre los fans de la película. y también regresan el director David Frankel y la guionista Aline Brosh McKenna, que fueron responsables de la película original.

Y la verdad es que a mí El diablo viste de Prada 2 me ha decepcionado bastante, aunque tampoco he de decir exactamente que me haya decepcionado, porque era una película de la que tampoco esperaba demasiado. Tiene alguna cosa graciosa, tiene momentos que funcionan y volver a encontrarte con estos personajes tiene su encanto, pero en general me parece un poco un disparate porque, sin entrar en spoilers, la película coge buena parte de lo que se había conseguido al final de la primera y prácticamente lo entierra y lo borra. Es como decir: vale, ¿tanto sacrificio para nada?

Pero más allá de eso, la película me parece un ejemplo bastante claro de esta tendencia de Hollywood a vivir en bucle. Recuperar algo que funcionó, poner a los mismos actores, volver a montar el decorado y confiar en que la nostalgia haga el resto. En este caso la operación es especialmente evidente porque han pasado casi veinte años y la primera película ya se había convertido en una de esas películas de sobremesa que uno vuelve a ver una y otra vez sin necesidad de buscarla.

Así que, sinceramente, me alegro de haber esperado y de haberla visto tranquilamente en casa.

La segunda película es otra historia completamente diferente. Se llama Send Help (Enviad ayuda), está dirigida por Sam Raimi y está protagonizada por Rachel McAdams y Dylan O’Brien. Es una película de terror, thriller y comedia negra que coloca a dos compañeros de trabajo, supervivientes de un accidente de avión, en una isla desierta donde tienen que aprender a sobrevivir juntos.

Esta película sí me ha fascinado. Me arrepiento un montón de no haberla visto en el cine.

Cuando vi el tráiler pensé que era el típico tráiler que te cuenta prácticamente la película entera. Ya sabéis, esos tráilers que empiezan siendo misteriosos y que a los dos minutos ya te han enseñado todos los momentos importantes, todos los giros y hasta el final. Menos mal que no es así. Me equivoqué completamente.

Y también tenía un poco de resistencia porque, aunque Sam Raimi es uno de mis directores favoritos y sé que prácticamente nunca decepciona, cuando vi el tráiler pensé: «Joder, ¿por qué ha hecho esto?». Me parecía la típica feel good movie pero ambientada en una isla, una especie de historia de supervivencia para pasar el rato. Y desde luego no es eso.

Send Help es una comedia negra. Negrísima. Y en muchos momentos parece una película de los años 80, y eso es precisamente una de las cosas que más me han gustado. Tiene ese tipo de humor que aparece en medio de situaciones bastante desagradables, tiene violencia, tiene tensión y tiene una relación entre los dos protagonistas que va cambiando constantemente.

Rachel McAdams y Dylan O’Brien están estupendos y hacen un trabajo físico magnífico durante toda la película. Son prácticamente ellos dos los que tienen que sostener buena parte del metraje y funcionan perfectamente juntos. La película juega continuamente con la relación entre estos dos personajes y con quién tiene el control de la situación en cada momento, y eso hace que nunca sea exactamente la película que creías que estabas viendo.

Y aquí sí que no quiero contar mucho más porque una de las gracias de Send Help está precisamente en ir descubriendo las cosas según aparecen. Es una película que tiene muchas sorpresas y creo que funciona mucho mejor si llegas a ella sin saber demasiado.

Lo que sí puedo decir es que me ha sorprendido muchísimo. Y además me ha recordado por qué me gusta tanto Sam Raimi. Porque Raimi puede hacer una película de superhéroes de Marvel, puede hacer una película de terror, puede hacer una película de aventuras y ahora puede hacer una película de supervivencia que parece una cosa y acaba siendo otra completamente distinta. Y siempre tiene esa personalidad suya, esa mezcla de humor, violencia, suspense y situaciones que se van descontrolando poco a poco.

Así que, mira por dónde, dos películas que había dejado pasar y dos experiencias completamente diferentes. Una me confirma que tampoco pasa nada por dejar que Hollywood se quede un rato sin nosotros y esperar a verla tranquilamente en casa; la otra me recuerda que quizá debería hacer exactamente lo contrario y volver más al cine, coño, porque hay películas que están hechas para disfrutarlas en una sala y que pierden parte de la gracia cuando las ves en el salón.

En el caso de El diablo viste de Prada 2, me alegro de haber esperado.

En el de Send Help, me arrepiento de no haber ido.

Y así seguimos.

Madre del amor hermoso. ¡Madre del amor hermoso! Acabo de salir del cine de ver Evil Dead Burn, la nueva entrega de la saga Evil Dead, y he salido del cine pensando, junto con mis amigos, que acabamos de ver probablemente la película más sangrienta y cafre que hemos visto en nuestra vida. Seguramente habré visto alguna más bestia, porque llevo muchos años viendo cine de terror y exploitation, pero ahora mismo no se me ocurre ninguna. Ninguna.

La película está dirigida por el francés Sébastien Vaniček, el director de Infested, y protagonizada por Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan, Luciane Buchanan, Erroll Shand y Maude Davey. El guion lo firman Vaniček y Florent Bernard, y detrás de la película están, como productores, Sam Raimi y Robert Tapert, mientras que Bruce Campbell figura como productor ejecutivo.

Y creo que Sam Raimi y toda la gente que está detrás de Evil Dead se han tomado muy en serio una cosa: que esta saga tiene todavía muchísimo recorrido. Después de la trilogía original, del remake de 2013, de Ash vs. Evil Dead , (esa estupenda serie de TV) y de Evil Dead Rise, parece que han encontrado una fórmula que consiste en entregar cada película a un director diferente y dejar que haga prácticamente lo que le dé la gana con el material original. Y, de momento, está funcionando de maravilla.

Yo siempre he considerado el remake de 2013, dirigido por Fede Álvarez, como una especie de cuarta parte encubierta de las tres películas originales de Sam Raimi. Aunque oficialmente sea un remake y tenga personajes y una historia diferentes, para mí conecta con aquel universo y funciona casi como una continuación espiritual de lo que había hecho Raimi. Después llegó Evil Dead Rise, que se fue todavía más por su cuenta, y ahora Burn parece recuperar algunas de aquellas piezas para volver a construir una especie de mitología común.

La película conecta directamente con Evil Dead Rise, bastante más de lo que yo esperaba, aunque no sea una continuación convencional de sus personajes. Volvemos a encontrarnos con los Deadites, o poseídos, o como queráis llamarlos, esas criaturas que llevan toda la vida dedicándose a una única cosa: matar a todo ser humano que tengan alrededor de la manera más desagradable posible.

Pero esta vez el punto de partida es una familia que tiene que enfrentarse a una situación absolutamente demencial mientras arrastra sus propios traumas y problemas. Y me gusta que, debajo de toda la carnicería, haya una historia familiar bastante potente. El problema es que el trauma familiar acaba siendo prácticamente lo de menos cuando empiezan a pasar las cosas que empiezan a pasar.

Porque lo que hace Vaniček aquí es llevar la violencia de la saga a un nivel que me ha dejado directamente exhausto. Es una barbaridad. Hay sangre, mutilaciones, cuerpos destrozados, violencia física y unas imágenes que parecen diseñadas específicamente para que el espectador se pregunte cómo coño han conseguido rodar eso. Y no es solamente cuestión de cantidad. Es la imaginación con la que utiliza la violencia lo que me ha dejado alucinado. y Nada de CGI, o al menos eso parece.

Pero una de las cosas que más me han gustado es que, pese a llevar la saga a un terreno mucho más brutal, no se olvida de que Evil Dead también puede ser divertida. Hay momentos de humor negro desperdigados por toda la película y esa mezcla entre terror, gore y comedia sigue siendo una de las señas de identidad de la franquicia. No tiene exactamente el mismo tono de Evil Dead II, que sigue siendo mi favorita de todas, pero sí conserva ese espíritu de hacer que estés horrorizado y riéndote prácticamente al mismo tiempo.

También me ha gustado mucho cómo la película empieza a recuperar elementos de diferentes etapas de la saga. Está el Necronomicón, está la daga Kandarian, aparecen referencias a acontecimientos anteriores y hay detalles que conectan con películas que parecían estar funcionando en universos diferentes. Es como si poco a poco estuvieran intentando ordenar todo este disparate de libros malditos, posesiones, Deadites y objetos demoníacos que llevamos viendo desde 1981.

Y me parece especialmente interesante que estén haciendo esto sin necesidad de recuperar a Bruce Campbell como Ash ni convertir la saga en una especie de museo de nostalgia. Raimi, Tapert y compañía están dejando que cada nuevo director aporte su propia personalidad. Primero fue Fede Álvarez, después Lee Cronin y ahora Sébastien Vaniček. Y cada uno ha hecho una película diferente. Eso, para una franquicia que podría haberse quedado perfectamente atrapada en los años ochenta, me parece una decisión estupenda.

Pero vuelvo al principio porque es lo que realmente me ha dejado esta película: qué barbaridad.

He salido del cine cansado. Cansado físicamente. Como si hubiera estado yo dentro de la película recibiendo golpes, sangre y vísceras durante casi dos horas. Y eso, para una película de terror, es un piropo.

Así que si todavía no habéis visto Evil Dead Burn, yo recomiendo verla en el cine y, sobre todo, verla con gente. Porque cuando estás viendo determinadas cosas con tus amigos al lado y llega una escena en la que todos miráis a los demás con cara de «¿pero qué coño estamos viendo?», ahí es cuando el cine de terror vuelve a ser una experiencia colectiva.

Y NO OS LEVANTÉIS CUANDO EMPIECEN LOS CRÉDITOS. Hay dos escenas, una durante los créditos y otra al final de todo, y especialmente la última tiene bastante importancia para lo que pueda venir después en la saga. Así que os quedáis sentados hasta el final.

Después de haber visto esto, solo puedo decir una cosa: que venga la siguiente.

Hay veces que pasa una cosa muy curiosa cuando haces algo creativo. Tú crees que has tenido una idea original, llevas meses (o incluso años) desarrollándola, y de repente descubres que, en otra parte del mundo, alguien ha llegado a una conclusión muy parecida.

Eso es exactamente lo que me pasó hace unos días con Arca, un cómic que acaba de publicarse en España y que descubrí gracias a un vídeo de Tomos y Grapas. Ya sabéis que siempre lo digo: los cómics los compro en Elektra Comic de Madrid, pero las novedades casi siempre me las descubren los chicos de Tomos y Grapas. Algún día tendré que pasarme por vuestra tienda, porque tiene una pinta estupenda.

Arca, escrito por Van Jensen y dibujado por Jesse Lonergan, fue publicado originalmente en 2024 en Francia por 404 Éditions, a pesar de que los autores son norteamericanos. Yo he leido la edición USA realizada por IDW. Esta obra ha sido editada en España en 2026 por Nuevo Nueve. Un poco lío, ¿verdad?

Lo primero que me llamó la atención de Arca fue su argumento.

La historia nos presenta a un grupo de millonarios que abandonan la Tierra cuando el planeta está a punto de colapsar debido a una serie de catástrofes. Todos embarcan rumbo a un supuesto paraíso llamado Edén, donde comenzarán una nueva vida lejos del desastre... aunque, por supuesto, enseguida queda claro que hay algo muy turbio detrás de todo ese proyecto.

Cuando escuché esa premisa me quedé estupefacto.

Porque es exactamente el mismo punto de partida de Desarrollo Personal en el Espacio Exterior.

Obviamente, yo no tenía ni idea de que existía este cómic cuando empecé el mío hace ya casi dos años. Pero me fascinó comprobar que unos autores profesionales, con muchísima más trayectoria que yo, habían arrancado desde una idea tan parecida. Así que no tuve más remedio que leerlo para descubrir hasta qué punto nuestras historias se parecían.

Y la respuesta es: muchísimo menos de lo que imaginaba. Este comic comparte la premisa inicial con el mío, pero ahí prácticamente terminan las similitudes.

El dibujo de Jesse Lonergan es espectacular. Muy trabajado, muy detallista, con una narrativa visual potentísima y una planificación de página que hace que la nave parezca casi un personaje más.

Pero donde realmente se separa de mi cómic es en el tono.

Mientras Desarrollo Personal en el Espacio Exterior es una comedia satírica que se ríe de los gurús de la autoayuda, Arca es una distopía muy seria, bastante deprimente y profundamente pesimista.

Aquí los pasajeros no siguen a un gurú del crecimiento personal, sino a un poderoso empresario que ha conseguido construir esa gigantesca nave espacial para salvar a una pequeña élite. Junto a ellos viajan numerosos adolescentes y niños que, oficialmente, son asistentes... aunque en realidad funcionan mucho más como mano de obra esclava, con la promesa de que, cuando lleguen a Edén, todos vivirán en igualdad.

Naturalmente, las cosas no son exactamente como les han contado.

Una de esas jóvenes empieza a sospechar que toda la misión esconde una enorme mentira y la historia gira alrededor de ese descubrimiento. No voy a contar mucho más porque merece la pena leerlo completamente a ciegas.

Yo lo he leído en GlobalComix y me ha gustado muchísimo. De hecho, seguramente acabaré comprándome también la edición española porque es uno de esos cómics que merece la pena tener en la estantería.

Pero, sobre todo, me ha servido para recordar algo importante.

Las ideas, por sí solas, no hacen una obra.

Dos personas pueden partir exactamente de la misma premisa y terminar construyendo dos historias completamente diferentes. Supongo que todos absorbemos influencias parecidas, vivimos en el mismo mundo y compartimos ciertas inquietudes. Lo interesante no es quién tuvo primero una idea, sino qué hace cada autor con ella.

Y en ese sentido me ha hecho mucha ilusión comprobar que Arca y Desarrollo Personal en el Espacio Exterior son como dos primos lejanos: nacen del mismo punto, pero cada uno toma un camino completamente distinto.

Si os apetece comparar ambas propuestas, Desarrollo Personal en el Espacio Exterior sigue disponible de forma gratuita en GlobalComix. Os dejo el enlace aquí.

Y si os gustan las buenas distopías de ciencia ficción, no dejéis escapar Arca. Merece muchísimo la pena.

Acabo de terminar el episodio 10 de la segunda temporada de Monarch: Legacy of Monsters y estoy literalmente llorando de emoción. Hacía muchísimo tiempo que una hora de televisión no me parecía tan trepidante, emocionante y espectacular. Acción, drama, ciencia ficción, monstruos gigantes, viajes en el tiempo, personajes, familias rotas, sacrificios, misterios y, sobre todo, emoción. Muchísima emoción.

Y creo que lo más bonito es que este final no solo cierra una temporada, sino que demuestra lo que puede llegar a ser el MonsterVerse cuando se toma en serio a sus personajes. Porque Monarch forma parte del MonsterVerse de Legendary, ese universo cinematográfico que comenzó con Godzilla en 2014 y que después fue incorporando a Kong y al resto de Titanes. Un universo que, sinceramente, cuando empezó no parecía que fuera a llegar demasiado lejos y por el que probablemente no mucha gente habría apostado, pero que película a película y con el añadido de esta serie ha ido construyendo una mitología propia cada vez más amplia y, en mi opinión, bastante más cohesionada de lo que cabría esperar.

Las películas tienen una misión muy clara, que es ofrecer espectáculo: Godzilla, Kong, edificios cayendo, monstruos gigantes dándose de hostias y una pantalla de cine haciendo todo lo posible para que sintamos que tenemos delante algo gigantesco. Monarch, en cambio, hace otra cosa. Aquí los monstruos importan, pero importan también las personas que intentan comprenderlos, y creo que precisamente ahí está una de las grandes virtudes de la serie.

Dos épocas, una misma historia

Una de las grandes virtudes de esta segunda temporada es su estructura temporal. La historia se mueve entre los años cincuenta y la década de 2010, siguiendo a varias generaciones de una misma familia y a los científicos y militares que fueron descubriendo progresivamente que la Tierra no estaba tan vacía como pensábamos.

Keiko, Bill Randa y Lee Shaw construyen las primeras investigaciones que acabarán dando lugar a Monarch y, décadas después, sus descendientes continúan enfrentándose a las consecuencias de aquello que ellos descubrieron. La serie consigue así entrecruzar dos épocas y hacer que las investigaciones, decisiones y errores de una generación tengan consecuencias sobre la siguiente.

Y aquí aparece uno de los detalles de casting que más me fascinan: Kurt Russell y Wyatt Russell interpretan al mismo personaje, Lee Shaw. Son padre e hijo en la vida real interpretando al mismo personaje en dos momentos diferentes de su vida, algo que aporta una dimensión muy especial a la propia estructura temporal de la serie.

Junto a ellos están Anna Sawai como Cate Randa, Ren Watabe como Kentaro Randa, Mari Yamamoto como Keiko, Kiersey Clemons como May y Joe Tippett como Tim, además de las incorporaciones de esta temporada como Amber Midthunder, Takehiro Hira y Curtiss Cook. Detrás de todo esto están Chris Black y Matt Fraction, creadores de la serie, con Black ejerciendo como showrunner de esta segunda temporada. Y es quizás la presencia de Matt Fraction lo que le da mucho aire de cómic a esta serie.

Una serie que exige atención

Hay otra cosa que me encanta de Monarch: no es una serie para ver con el móvil mientras haces otra cosa. Ni siquiera creo que sea posible entenderla del todo de esa manera. Hay que estar atento porque las dos líneas temporales se cruzan constantemente, los personajes cambian, envejecen, desaparecen y reaparecen, y la historia va acumulando secretos familiares, investigaciones científicas, conspiraciones, Titanes, Monarch, Apex, Godzilla, Kong, Axis Mundi y toda una mitología que se va construyendo progresivamente.

Axis Mundi es precisamente una de las mejores ideas de la serie. Ese espacio extraño entre dimensiones, entre lugares y entre momentos del tiempo convierte Monarch en algo mucho más cercano a la ciencia ficción clásica que a una simple serie de monstruos. Es una serie de aventuras pulp, y lo digo como un elogio enorme, porque Monarch no tiene miedo de ponerse completamente loca: hay portales, monstruos imposibles, comunicaciones a través del tiempo, criaturas gigantes, científicos obsesionados, organizaciones secretas y situaciones que sobre el papel podrían parecer absolutamente disparatadas.

Lo interesante es que la serie consigue que todo eso tenga consecuencias emocionales. Ahí está, para mí, una de sus grandes virtudes. No se limita a acumular ideas espectaculares, sino que consigue que lo que ocurre con los Titanes afecte de verdad a las personas que estamos siguiendo.

Titan X, el gran protagonista monstruoso

Y entonces llegamos a Titan X, que para mí es el gran protagonista monstruoso de esta temporada. Godzilla aparece, sí, y cada vez que aparece se nota, pero quizá precisamente porque no está constantemente presente sus apariciones conservan ese carácter de acontecimiento. Kong tiene bastante más peso esta temporada y protagoniza algunos de los momentos más espectaculares, pero Titan X es diferente porque acaba convirtiéndose en un personaje.

No es simplemente una criatura gigantesca que aparece para destruir cosas. La serie consigue que entendamos progresivamente su comportamiento, su naturaleza y sus motivaciones, y eso hace que cuando llegamos al final ya no estemos viendo simplemente a un monstruo enfrentándose a otro monstruo, sino que estemos viendo otra cosa mucho más cercana a una historia de personajes.

Y su última escena de Titan X me parece realmente preciosa. Después de todo lo que hemos visto y después de haber construido progresivamente a esta criatura como una presencia misteriosa y amenazante, la serie consigue convertir su despedida en un momento profundamente emotivo. Y ahí es donde Monarch demuestra que sabe hacer algo que muchas producciones de monstruos olvidan: conseguir que nos importe lo que le ocurre al monstruo.

Godzilla y Kong sin robarle la serie a los humanos

También me gusta muchísimo cómo utiliza la serie a Godzilla y Kong. Godzilla aparece poco en esta temporada, y creo que es una decisión inteligente porque si estuviera permanentemente en pantalla probablemente acabaría ocurriendo lo contrario de lo que necesita la serie: dejaríamos de mirar a los personajes.

Aquí Godzilla funciona casi como una fuerza de la naturaleza. Cuando aparece, el mundo cambia. Kong, en cambio, tiene una presencia más importante y funciona mucho mejor dentro de la historia de Skull Island. El enfrentamiento entre Kong y Titan X en el episodio final es exactamente el tipo de espectáculo que uno espera de una producción del MonsterVerse, pero incluso ahí la serie encuentra una manera de introducir emoción, porque no se trata solamente de saber quién gana, sino de comprender qué está ocurriendo realmente.

Y eso me parece fantástico, porque permite que Monarch utilice todo el potencial espectacular del MonsterVerse sin convertirse simplemente en una sucesión de peleas entre criaturas gigantes.

El MonsterVerse que nadie esperaba

Hay algo curioso en todo esto. Cuando empezó el MonsterVerse, creo que poca gente habría apostado por que acabaríamos hablando de él en estos términos. Parecía simplemente otra franquicia intentando construir su propio universo cinematográfico después del éxito de Marvel. Sin embargo, con el paso del tiempo ha encontrado una personalidad propia y Monarch es probablemente la pieza que mejor demuestra sus posibilidades.

Las películas pueden seguir siendo el gran espectáculo de monstruos y me parece perfecto. Que Godzilla y Kong sigan partiéndose la cara en una pantalla gigante. Mientras tanto, Monarch puede hacer lo que mejor sabe hacer: contarnos qué significa vivir en un mundo en el que existen Godzilla, Kong y cientos de criaturas que todavía no comprendemos. Cómo estudiarlas, cómo protegernos, qué quieren, de dónde vienen, qué relación tienen con nuestro planeta y qué consecuencias tiene para una familia descubrir que durante generaciones ha estado metida en el centro de todo eso.

Eso es ciencia ficción, pero también es aventura, drama familiar y pulp, además de ser, por supuesto, una historia de monstruos. Y creo que la segunda temporada ha demostrado que todas esas cosas pueden convivir sin que ninguna de ellas tenga que desaparecer.

Un cierre perfecto que abre todavía más preguntas

Lo mejor del final de esta segunda temporada es que consigue cerrar muchas cosas y, al mismo tiempo, abrir otras nuevas. Eso es exactamente lo que debería hacer un buen final de temporada: dejarnos satisfechos, pero no completamente tranquilos.

Porque ahora quiero saber qué viene después. Quiero saber qué va a ocurrir con los personajes, qué significa todo lo que hemos descubierto sobre Axis Mundi, qué nuevos Titanes pueden aparecer, qué está pasando realmente con Monarch y qué nos están preparando para una posible tercera temporada.

Porque esta serie ha demostrado algo que me parece muy importante: no necesita utilizar constantemente a Godzilla para resultar fascinante dentro del MonsterVerse. Ha creado su propio espacio, sus propios personajes, sus propios misterios, sus propias reglas y hasta sus propios monstruos.

Por eso, después de terminar el episodio 10, solo puedo pensar que quiero que pasen ya esos dos años. Quiero volver a entrar en Axis Mundi, volver a encontrarme con los Randa, volver a ver a Lee Shaw, saber qué será de Monarch y descubrir qué nuevas historias pueden surgir de todo lo que la serie ha dejado abierto.

Porque si la segunda temporada ha demostrado algo es que Monarch: Legacy of Monsters no es simplemente un complemento de las películas de Godzilla y Kong. Es una de las mejores cosas que le han pasado al MonsterVerse y, para mí, ahora mismo, una de las mejores series de ciencia ficción que se pueden ver.

Descubrir a H. P. Lovecraft a los cincuenta y tantos años tiene algo de curioso. Es uno de esos autores cuya influencia es tan enorme que da la sensación de haberlo leído incluso sin haber abierto nunca uno de sus libros. En mi caso ocurrió justo lo contrario. Empecé muy joven con la literatura de terror (el primer libro que me compré con mi propio dinero, allá por 1988 y con quince años, fue un volumen de relatos de Edgar Allan Poe), pero por alguna extraña razón Lovecraft nunca había caído en mis manos. Hasta ahora.

He empezado con una edición de Penguin que reúne algunos de sus textos fundamentales y ya he leído dos de ellos: La llamada de Cthulhu y El color que cayó del cielo. Y enseguida he encontrado un rasgo común que me ha llamado mucho la atención. Más que relatos narrativos al uso, con personajes desarrollados, diálogos y una acción que avanza escena a escena, parecen investigaciones. Alguien reconstruye unos hechos imposibles a partir de documentos, testimonios o confesiones de terceros, y es el lector quien va uniendo las piezas del rompecabezas. Esa estructura consigue transmitir una gran sensación de autenticidad, como si estuviéramos leyendo un expediente prohibido, aunque también me produce cierta desconexión emocional. Echo de menos vivir los acontecimientos junto a los personajes en lugar de que me los cuenten a posteriori.

Probablemente esa forma de narrar también tenga mucho que ver con el contexto en el que escribió Lovecraft. La mayoría de sus relatos no nacieron como libros, sino que fueron publicados originalmente en revistas pulp, publicaciones populares dedicadas a la ficción de terror, aventuras y ciencia ficción. En ese formato, la estructura de investigación o de “documento encontrado” funcionaba especialmente bien, permitiendo que cada historia pudiera leerse de forma independiente y reforzando esa inquietante sensación de estar accediendo a un testimonio real de lo imposible.

El color que cayó del cielo es un magnífico ejemplo de ese estilo. La historia transcurre en una tranquila zona rural de Nueva Inglaterra, entre finales del siglo XIX y principios del XX. Todo cambia cuando un extraño meteorito cae en las tierras de una granja. Los científicos son incapaces de explicar su naturaleza: el objeto parece desafiar las leyes de la física, desprende un color imposible de describir y acaba desapareciendo de una forma tan misteriosa como llegó. A partir de ese momento, la tierra comienza a corromperse. Las cosechas crecen con un aspecto extraordinario, más grandes y brillantes que nunca, pero resultan incomestibles. Los animales enferman, enloquecen o sufren deformaciones, el agua adquiere un aspecto inquietante y los miembros de la familia que habita la granja empiezan a deteriorarse física y mentalmente hasta precipitarse hacia un destino espantoso. Lo más perturbador del relato es que el enemigo nunca llega a definirse del todo: no es un monstruo, ni un fantasma, ni una criatura identificable, sino una presencia completamente ajena a cualquier forma de vida conocida, una fuerza cósmica indiferente al ser humano.

Resulta muy interesante comparar este relato con su adaptación cinematográfica de 1987, The Curse (estrenada en España como La granja maldita), una película que tuve la suerte de ver en el cine de mi pueblo cuando era adolescente. Aquel pequeño cine proyectaba muchas películas de terror de serie B que años después acabarían convirtiéndose en clásicos del videoclub, así que puedo decir que soy muy afortunado.

Se trata de una coproducción italo-estadounidense con una marcada influencia del fantástico italiano, algo que se percibe desde el primer momento en su atmósfera, en los efectos especiales y en la manera de abordar el terror. La historia traslada el argumento a la América rural de los años ochenta. El meteorito vuelve a caer sobre una granja y las consecuencias son muy parecidas a las del relato: las cosechas se corrompen, los animales se vuelven agresivos y los habitantes comienzan a sufrir una transformación física y mental. Sin embargo, la película apuesta por un terror mucho más explícito y visual. Donde Lovecraft sugiere y deja que la imaginación complete los huecos, The Curse muestra monstruos, mutaciones y escenas de horror corporal propias del cine fantástico de aquella década.

El guion también incorpora elementos que no aparecen en el texto original, como conflictos familiares, tensiones religiosas o infidelidades, buscando una estructura más cercana al cine de terror comercial de los años ochenta. El protagonista es Wil Wheaton, poco antes de hacerse mundialmente conocido como Wesley Crusher en Star Trek: La nueva generación, acompañado por Claude Akins en el papel del padre.

Volver a verla tantos años después ha sido una experiencia muy agradable. Me ha reconciliado con ese cine de terror ochentero que tenía un poco olvidado y, sobre todo, me ha hecho apreciar su magnífica banda sonora, que desprende ese inconfundible aroma del fantástico italiano de la época.

Lo más curioso de esta experiencia ha sido comprobar que relato y película persiguen el mismo objetivo utilizando caminos completamente distintos. Lovecraft apuesta por la inquietud, por el miedo a lo desconocido y por la sensación de que el universo es un lugar inmenso e indiferente donde el ser humano apenas tiene importancia. La película, en cambio, convierte esa misma idea en un espectáculo de horror físico, criaturas deformes y tensión constante. Ninguna sustituye a la otra; simplemente ofrecen dos maneras muy diferentes de contar la misma pesadilla.

¡Ah! hace un par de años vi otra película basada en esta misma historia. Esta nueva versión estaba protagonizada por Nicholas Cage pero no recuerda nada, esta película no dejó en mi la huella que dejó Granja Maldita…

Seguiré leyendo el libro y ya os diré qué me ha parecido. En este primer contacto con Lovecraft todavía no puedo decir que me haya conquistado del todo, pero sí que empiezo a entender por qué, un siglo después, sigue siendo uno de los escritores más influyentes de la literatura de terror.

Desde que dejé de usar Apple Music y Spotify, que durante muchos años fueron las herramientas con las que encontraba productores, DJs y artistas que me podían interesar, me tengo que buscar la vida para encontrar nueva o vieja música para escuchar o para mis sesiones..

Y, curiosamente, ahora descubro cosas mucho más interesantes.

La diferencia es que ya no espero a que un algoritmo me las ponga delante. Ahora soy yo quien sale a buscarlas.

Uno de los canales que más utilizo últimamente es Raw Cuts, un sello y colectivo de DJs de Nueva York especializado en house y techno underground. Organizan sesiones y fiestas con una filosofía que me encanta. En algunas de ellas, por ejemplo, una de las normas es que el público no puede usar smartphone. Eso hace que la gente esté realmente allí, viviendo la música y el momento, en lugar de grabándolo todo.

Ayer, mientras desayunaba, entré para ver qué había publicado y me encontré con una sesión de hace aproximadamente un año de Butch.

Ha sido un flechazo.

Creo que es el DJ más cool que he visto nunca detrás de unos platos. Me gusta cómo selecciona la música, cómo mezcla los temas, la energía que transmite y, sobre todo, cómo baila mientras pincha. Se nota que está disfrutando de lo que hace y esa actitud acaba contagiando al público. Y los caretos que pone… ¡Está de subidón todo el rato! No está simplemente poniendo discos; está viviendo la sesión.

Después de escucharla me puse a investigar un poco y descubrí que Butch, cuyo nombre real es Bülent Gürler, es un DJ y productor alemán de raíces turcas con más de veinte años de trayectoria. ¡Veinte años! Y yo sin haber oído jamás hablar de él. Es uno de esos artistas enormemente respetados dentro de la escena electrónica, aunque fuera de ella no sea especialmente conocido.

Ha publicado música en algunos de los sellos más importantes del house y el techno, como Defected, Innervisions, Diynamic, Rekids o Running Back, y entre sus producciones más conocidas están No Worries, Lale, Countach, Same Like Dope, Joy o Shahrzad. Su sonido se mueve entre el house y el techno, siempre con un punto muy personal, elegante y tremendamente bailable.

Tengo la impresión de que voy a pasar unas cuantas mañanas descubriendo su música y viendo sus sesiones. Sus últimos videoclips, hechos con IA, son puro brainrot, pero del bueno.

Y eso es precisamente lo bonito de dejar atrás los algoritmos. Ya no busco la canción del momento. Busco artistas que me despierten curiosidad y con los que tenga ganas de pasar tiempo. Butch acaba de convertirse en uno de ellos.

Os lo dejo por aquí por si también os apetece descubrirlo. Yo, desde luego, acabo de empezar este viaje.

Bueno, se está hablando mucho últimamente de que los tebeos de Marvel han bajado muchísimo de calidad. No sé si como consecuencia del exitazo del Universo Cinematográfico Marvel, que quizá ha hecho que la parte creativa de los cómics pase a un segundo plano, pero el caso es que yo estoy leyendo bastantes series nuevas de Marvel y, sinceramente, no me parecen tan chungas como dicen por ahí.

Uno de los personajes que siempre me ha gustado más de Marvel, probablemente mi favorito, es el Capitán América. Yo empecé a leerlo en los años 80, en aquella etapa en la que Steve Rogers trabajaba también como dibujante de cómics y dibujaba tebeos del propio Capitán América. Los más viejos del lugar seguro que os acordáis de aquella época, cuando luchaba contra la Sociedad Serpiente. Era un tebeo divertidísimo, muy loco y con un equilibrio perfecto entre acción, espionaje y superhéroes.

Después he ido leyendo otras etapas, especialmente algunas de los años 2000, bastante más solemnes y respetuosas con el mito, que también me gustaron mucho. Así que, cuando vi que en 2025 empezaba una nueva colección escrita por Chip Zdarsky, con dibujos de Valerio Schiti y color de Frank Martin, decidí darle una oportunidad sin saber absolutamente nada de ella.

Y la sorpresa fue mayúscula.

La serie arranca con Steve Rogers recién descongelado. Los Vengadores le ofrecen formar parte del grupo, pero él rechaza la propuesta porque todavía sigue siendo un soldado y considera que su deber está en el ejército. Apenas acaba de despertar en un mundo completamente distinto al que dejó atrás y todavía está intentando encontrar su sitio.

Paralelamente, el cómic recupera a otro Capitán América, llamado David Colton, surgido muchos años después para sustituir temporalmente a Steve Rogers. Un Capitán América bastante más imperfecto, más humano y con bastantes más dudas que el original.

Rogers y Colton acabarán trabajando bajo las órdenes del general Thunderbolt Ross, que les envía a una misión diplomática extremadamente peligrosa en Latveria, donde Doctor Doom mantiene retenidos a varios diplomáticos. A partir de ahí, la colección se convierte casi en un thriller de espionaje militar con muchísima acción, infiltraciones, conspiraciones y alguna que otra sorpresa.

Y aquí llega la parte que más polémica ha generado.

Este reinicio es bastante confuso. Hay momentos en los que parece contradecir cosas que llevamos más de sesenta años dando por hechas en la continuidad de Marvel. Mucha gente se ha llevado las manos a la cabeza intentando encajar cada detalle con todo lo anterior.

A mí, sinceramente, me da exactamente igual.

Lo único que quiero es disfrutar del tebeo sin tener que estar pensando constantemente en lo que pasó hace cuarenta o sesenta años en otra colección distinta. Creo que los lectores deberíamos relajarnos un poquito. Si una historia funciona, entretiene y está bien contada, no necesito que cada viñeta encaje perfectamente con un mapa gigantesco de continuidad construido durante décadas.

Precisamente una de las cosas que más me ha gustado de esta serie es la valentía de Chip Zdarsky para empezar prácticamente desde cero y contar una versión fresca del personaje sin sentirse esclavo de todo lo que vino antes.

Visualmente la colección también entra por los ojos. Valerio Schiti hace un trabajo espectacular. Sus escenas de acción son dinámicas, los personajes transmiten muchísimo y Latveria luce fantástica. El color de Frank Martin termina de darle personalidad a una serie que, además, tiene un tono bastante diferente al de otras colecciones actuales de Marvel.

De momento llevo leído el primer arco argumental, Our Secret Wars, formado por los cinco primeros números, y la verdad es que me ha dejado con muchas ganas de seguir. Lo estoy leyendo cómodamente en Marvel Unlimited, y una vez más me reafirma en la idea de que estas plataformas digitales son la mejor manera de seguir los superhéroes actuales sin arruinarte.

Y sí, quizá Marvel no atraviese su época más brillante. Pero entre tanto ruido y tanta queja todavía siguen apareciendo series como esta que demuestran que aún hay autores con ganas de probar cosas distintas. A veces basta con olvidarse un rato de la continuidad, relajarse y simplemente disfrutar de un buen tebeo.

La primera fue They Will Kill You (2026), dirigida por Kirill Sokolov, escrita por el propio Sokolov junto a Alex Litvak y protagonizada por Zazie Beetz, Myha’la, Patricia Arquette, Heather Graham, Tom Felton y Paterson Joseph.

Llevaba evitándola desde que se estrenó porque pensaba que iba a ser otra película más sobre una sociedad secreta de ricachones que secuestran personas para cazarlas por deporte. Ya había visto esa historia demasiadas veces, desde Ready or Not, The Hunt, You´re next… hasta unas cuantas variaciones más, y sinceramente no me apetecía volver a lo mismo.

Pero el viernes por la noche vi que apenas duraba hora y media y pensé: «Venga, va». Y menos mal.

Porque sí, en efecto, la película gira alrededor de un culto secreto formado por millonarios, pero el planteamiento es completamente distinto. La protagonista, interpretada por una fantástica Zazie Beetz, arrastra un trauma de hace diez años y acepta un trabajo en un lujosísimo edificio de Nueva York donde pronto descubrirá que nada es lo que parece. No quiero contar mucho más porque buena parte de la gracia consiste precisamente en descubrir poco a poco qué demonios está pasando allí.

Lo que más me sorprendió fue el tono. Es una mezcla de terror, acción y comedia que funciona sorprendentemente bien. La violencia está rodada con muchísimo estilo y, en muchos momentos, me recordó al cine de exploitation norteamericano de los años setenta: una cámara muy dinámica, escenas de acción muy físicas, sangre a discreción y un sentido del humor perfectamente dosificado, sin convertir la película en una parodia. Sales con la sensación de haber visto algo muy divertido y, sobre todo, bastante más original de lo que parecía desde fuera.

La segunda sorpresa del fin de semana fue El hombre menguante (L’Homme qui rétrécit, 2025), producción franco-belga dirigida por Jan Kounen, basada de nuevo en la extraordinaria novela de Richard Matheson y protagonizada por Jean Dujardin, junto a Marie-Josée Croze y Daphné Richard.

Me enteré de que existía gracias a una de las cosas que más me gustan de Movistar: muchas veces descubro estrenos que han pasado casi desapercibidos por los cines o que llegan directamente al mercado doméstico.

El hombre menguante siempre ha sido una historia muy importante para mí. La película original de 1957 me marcó muchísimo cuando era niño y, hace un par de años, por fin leí la novela de Richard Matheson, que me parece uno de esos clásicos imprescindibles de la ciencia ficción, al nivel de 1984 o Do Androids Dream of Electric Sheep? el relato en el que está basado Blade Runner.

Por eso también llegué a esta nueva adaptación con bastante desconfianza. Pensaba que sería otro remake innecesario. Y tampoco.

La película sigue muy de cerca tanto la novela como el clásico de Jack Arnold, aunque introduce algunos elementos nuevos (como la presencia de una niña y un pez) que enriquecen ligeramente el relato sin traicionar su esencia. Lo mejor es que tampoco siente la necesidad de explicar el origen del fenómeno. Hay alguna insinuación al principio, pero la historia entiende perfectamente que lo importante nunca fue saber por qué este hombre encoge, sino qué ocurre dentro de él mientras va desapareciendo del mundo.

Los efectos visuales están realmente conseguidos. Jean Dujardin transmite muy bien esa sensación de fragilidad creciente mientras el mundo cotidiano se convierte en un lugar gigantesco y hostil. Pero, por encima de todo, sigue funcionando la enorme carga filosófica que ya tenía la novela de Matheson. A medida que el protagonista pierde tamaño también cambian sus prioridades, su manera de relacionarse con el espacio y con las personas. La película acaba hablándote de algo muy sencillo y muy profundo a la vez: que lo único que realmente poseemos es el momento presente y que todo, absolutamente todo, depende del punto de vista desde el que lo observemos.

Al final me hizo gracia darme cuenta de que las dos películas habían jugado conmigo exactamente igual. Las dos parecían historias que ya había visto demasiadas veces. Las dos escondían bastante más personalidad de la que prometían sus tráilers. Y las dos me recordaron algo que intento no olvidar nunca como espectador: por muchos años que llevemos viendo cine, todavía hay películas capaces de sorprendernos cuando menos lo esperamos.

Os traigo aquí, en primicia, mi tebeo Desarrollo personal en el espacio exterior.

Tenía pensado publicarlo primero en papel antes de que terminara el año, pero ya no aguanto más. Quiero ponerlo a vuestra disposición y, sobre todo, quiero que lo leáis ya.

Si preferis esperar, antes de final de 2026 saldrá publicado en papel. Pero quiero daros la oportunidar de leerlo antes.

Así que he decidido subirlo a GlobalComix, que es mi plataforma de referencia para leer cómics internacionales. Llevo tiempo utilizándola para descubrir autores de todo el mundo y me hace especial ilusión que mi nuevo tebeo largo forme parte también de su catálogo.

Si queréis leerlo, simplemente tenéis que descargar la aplicación GlobalComix y buscarlo alli. Otra opción es entrar directamente desde este enlace. Y atención: podéis hacerlo de manera completamente gratuita. No hace falta pagar ninguna suscripción para leer Desarrollo personal en el espacio exterior. GlobalComix permite crear una cuenta gratuita y acceder a todos los cómics que los autores hemos decidido ofrecer sin coste, como es mi caso. Si más adelante os suscribís a esta aplicación, tendréis acceso a muchísimos más cómics y funciones adicionales, pero para leer el mío no hace falta.

Hay dos motivos por los que he decidido hacerlo así.

El primero es que podáis leer ya el cómic, sin tener que esperar a la edición en papel, que llegará un poco más adelante para quienes queráis tenerlo también en vuestra estantería.

Y el segundo es animaros a descubrir el cómic digital. Ya sabéis que siempre hablo de él y quería predicar con el ejemplo. Sé que muchos de vosotros todavía no os habéis lanzado, pero de verdad creo que os estáis perdiendo un mundo de diversidad, de variedad y también una forma muy económica de descubrir autores y obras de todo el mundo.

Estoy muy orgulloso de este tebeo y tenía muchísimas ganas de compartirlo con vosotros. Aquí está completo, de principio a fin.

Si os animáis a leerlo, me encantaría que después me dejarais un comentario contándome qué os ha parecido. Me hará muchísima ilusión leeros.

Podéis empezar a leerlo aquí. Os recomiendo que lo leáis desde una tablet. También poséis usar el móvil, pero es menos cómodo. No es posible descargarlo en formato PDF.

Ojalá os divirtáis tanto leyéndolo como yo me he divertido haciéndolo durante estos dos últimos años. Si después os apetece, dejadme un comentario en GlobalComix o escribidme por aquí. Me encantará saber qué os ha parecido.

¡Espero que lo disfrutéis!

Se me escapó el año pasado, pero ya he visto por fin la que, desde ya, es mi película favorita de 2025. Me refiero a Anaconda, dirigida por Tom Gormican, escrita por el propio Tom Gormican junto a Kevin Etten, y protagonizada por Paul Rudd, Jack Black, Daniela Melchior, Thandiwe Newton, Steve Zahn y Selton Mello.

Es una película de la que había oído auténticas maravillas, pero aun así ha superado completamente mis expectativas.

La saga Anaconda nunca fue precisamente una saga de prestigio. Todo empezó con aquella película de 1997 protagonizada por Jennifer Lopez, Ice Cube, Jon Voight, Eric Stoltz y Owen Wilson, una mezcla muy entretenida de aventura, acción y serie B que funcionó bastante bien. Después llegaron varias secuelas directas al videoclub, cada una peor que la anterior, hasta que la franquicia quedó enterrada para siempre... o eso parecía.

Porque esta nueva Anaconda es mucho más que un reboot. En realidad es una película que funciona en tres niveles distintos.

El primero, y el más evidente, es que es una comedia divertidísima. Hacía muchísimo tiempo que no me reía tanto con una película comercial. El reparto está completamente entregado, todos parecen estar pasándoselo en grande y esa sensación se contagia al espectador. La química entre Paul Rudd y Jack Black funciona de maravilla y el resto del elenco entra perfectamente en el juego. Es ese tipo de comedia que no intenta demostrar nada: simplemente quiere que te lo pases bien, y lo consigue.

La segunda capa es que, además, funciona como una película de acción y aventuras estupenda. Hay persecuciones, ataques de la serpiente, momentos de tensión, delincuentes a la fuga, giros de guion y un ritmo que no decae prácticamente nunca. Lo mejor es que no se entretiene en rellenar metraje. Dura apenas 99 minutos, algo que hoy parece casi revolucionario. En una época en la que cualquier blockbuster supera las dos horas y media, encontrarte con una película que entra, cuenta lo que tiene que contar y se marcha es una auténtica delicia.

Pero la tercera capa es la que más me ha fascinado. Porque debajo de toda esa diversión hay una sátira bastante afilada del Hollywood actual. La película se ríe de la obsesión de los grandes estudios por reciclar continuamente sus viejas franquicias, por convertir cualquier éxito del pasado en un reboot, un remake o una secuela tardía. Y lo hace de la mejor manera posible: utilizando precisamente un reboot para burlarse de los reboots. Hay bromas muy directas sobre las grandes franquicias actuales, sobre los universos compartidos, sobre las escenas poscréditos y sobre esa sensación de que Hollywood lleva años alimentándose únicamente de su propio pasado.

Y, curiosamente, al hacer esa crítica consigue algo que muy pocas películas consiguen: sentirse fresca. Sí, voy a caer en ese tópico, pero es que no encuentro una palabra mejor. Anaconda tiene ganas de divertirse, de sorprender y de recordar que el cine comercial todavía puede ser ingenioso sin dejar de ser enormemente entretenido.

Además, conecta mucho conmigo por otra razón. En el fondo habla de un grupo de perdedores que quieren hacer una película sin pensar demasiado en el éxito, simplemente porque disfrutan haciéndola. Personas que aman el proceso creativo por encima del resultado. Y esa idea me resulta especialmente bonita en un momento en el que parece que todo tiene que medirse únicamente por cifras de taquilla, algoritmos o repercusión en redes sociales.

Ojalá Hollywood tomara nota. Si al final van a seguir haciendo remakes y reboots (que los seguirán haciendo), por lo menos que sean con la inteligencia, el sentido del humor y las ganas de jugar que demuestra esta Anaconda. Porque, paradójicamente, una de las películas que mejor explica los problemas del cine comercial actual... es precisamente un reboot. Y eso tiene bastante más gracia de la que parece.

Este mes quería recomendar cuatro canales de Youtube muy distintos entre sí, pero que tienen algo en común: son personas que hacen pública su vida privada. Y resulta que ese tipo de contenido, aunque a veces me sorprenda reconocerlo, me engancha muchísimo.

La primera es Teresa López Cerdán. Llegué a ella de la peor manera posible: a través de un vídeo en el que Soy una pringada le dedicaba uno de sus habituales ataques. Yo he sido muy fan de Soy una pringada durante años, pero cada vez me interesa menos. Tengo la sensación de que se ha convertido en una bully, y ver a alguien que convierte el odio en su forma habitual de relacionarse con el mundo ya no me hace ninguna gracia.

Gracias a ese vídeo descubrí a Teresa, y me pasó una cosa curiosa: en teoría no tenemos absolutamente nada en común. Es actriz, escritora, produce obras de teatro, escribe comedias románticas, hace activismo body positive... Ninguna de sus trabajos conecta especialmente conmigo. Y, sin embargo, me he enganchado completamente a sus vídeos.

Me gusta su ingenuidad. Me gusta que hace las cosas hasta el final. Ha escrito libros que funcionan, produce sus propias obras de teatro y las gira por toda España, y todo eso prácticamente lo levanta ella sola. Hasta ayuda a su padre con su tienda de zapatos y va los mercadillos de Alicante a vender esta mercancía. En sus vídeos enseña su semana, su trabajo y también su intimidad con una naturalidad que me encanta.

Y hay una cosa con la que sí me identifico muchísimo: va constantemente a su pueblo. Yo también voy siempre que puedo al mío, y me gusta esa idea de que Madrid lo tiene todo, sí, pero que escaparse al pueblo de vez en cuando también forma parte de una vida feliz. Quizá sea eso lo que me conecta con ella.

Otro canal que veo de vez en cuando es La Botella de Kándor, aunque es verdad que llevaba varias semanas sin verlo hasta que di con el video que aquí os muestro.

Confieso una cosa: hay canales que veo por hate watching. Sé que está fatal, pero a veces pasa. Hay gente que te desespera un poco y aun así quieres saber qué está diciendo.

Con este canal me ocurre algo así. Habla de cine de superhéroes y de esa cultura que todavía algunos siguen llamando “friki”, aunque hace mucho tiempo que dejó de serlo. Al final son personas que consumen el entretenimiento más mainstream del planeta, pero como tienen la casa llena de figuras de colección se creen que pertenecen a una tribu alternativa.

El vídeo en cuestión iba sobre el nuevo retraso de la próxima película de Batman de Matt Reeves. Javier Olivares, El botellas, está realmente preocupado en este vídeo porque ya no iba a coincidir en el mismo año con la nueva película de Superman y porque, según él, el universo DC se está yendo al garete.

Y yo lo veía pensando: relájate, hombre. Habla de ello como si fuera accionista de Warner Bros. Son películas. Si una se retrasa, comentas otra. Me hace muchísima gracia cuando algunos aficionados viven estas cosas como si les fuera la vida en ello. Se toman demasiado en serio las pelis de superhéroes en mi opinión.

También me ha alegrado muchísimo reencontrarme con Minimalistamente.

Era un canal que seguía hace años, cuando ella compartía su vida minimalista: vivir con cuatro cosas, hacerse su propio jabón, tener lo justo para vivir... Todo muy coherente con esa filosofía.

Luego conoció a un chico que no era minimalista y los dos decidieron irse a vivir en una caravana mientras seguían trabajando creando contenido. Durante un tiempo compartieron toda esa aventura y, de repente, desaparecieron.

Han estado muchísimo tiempo sin publicar vídeos y yo estaba convencido de que se habían separado.

Pues no.

Simplemente se han cansado de la vida en caravana. Y ella reconoce también que ya no es tan minimalista como antes. Incluso se ha quitado las rastas.

Me hizo gracia comprobar que la gente cambia. Que a veces una etapa termina y no pasa absolutamente nada. Yo ya estaba imaginándome divorcios, dramas o hijos de por medio... y no. Lo único nuevo es que ahora tienen un perro.

Y me alegra mucho volver a verla.

El último canal que quiero recomendar es Malbert.

Yo lo sigo, sobre todo, porque resume La isla de las tentaciones. Me parece infinitamente mejor ver una hora de resumen suyo que tragarte cuatro horas de programa.

Pero esta vez publicó un vídeo completamente distinto contando su experiencia intentando alquilar un piso en Barcelona.

Y me sorprendió mucho.

Malbert tiene dinero, trabaja muchísimo, hace campañas de publicidad, presenta podcasts... En principio pertenece a ese grupo de personas para las que uno pensaría que alquilar una vivienda debería ser relativamente sencillo.

Pues no.

Cuenta todas las dificultades que ha encontrado, anuncios absurdos, requisitos imposibles y situaciones surrealistas. Y me parece una denuncia muy útil. Se habla muchísimo del problema de la vivienda, pero pocas veces alguien con tanta visibilidad se sienta simplemente a contar lo difícil que es encontrar un piso, incluso cuando, sobre el papel, eres un inquilino perfecto.

Ojalá más gente utilizara su altavoz para hablar de estas cosas.

Estos son cuatro canales muy diferentes, pero todos tienen algo en común: personas que viven su vida de forma pública. Y resulta que ese tipo de vídeos se ha convertido en uno de mis pequeños placeres.

También veo vídeos sobre música, sobre series o sobre cine, claro. Pero cuando quiero simplemente sentarme a comer y desconectar un rato, casi siempre acabo viendo cómo alguien me cuenta su semana.

Y, por alguna razón, nunca me canso de hacerlo.

Obsession es la primera película de un jovencísimo talento llamado Curry Barker, que con solo 25 años, cuando la presentó en Toronto, ha conseguido ofrecer una experiencia realmente intensa. Una película terrorífica, a ratos muy divertida, pero que esconde una reflexión sobre un terror quizá mucho más terrenal y que todos, de una manera u otra, conocemos: el de los amores no correspondidos.

Obsession es una película independiente, hecha con muy poco presupuesto y con un equipo bastante limitado, pero que consigue dar completamente el pego de ser una producción económicamente mucho más grande de lo que realmente es. Y eso tiene mucho mérito, porque Barker no intenta esconder sus limitaciones, sino que parece saber perfectamente dónde poner el dinero, dónde enseñar y cómo conseguir que una película pequeña tenga una enorme presencia en pantalla.

La historia, en realidad, es una historia universal. Una historia que hemos visto mil veces. Podría ser perfectamente una historieta de Historias de la cripta, por ejemplo. Un chico está enamorado de una chica que no le corresponde y, desesperado, recurre a la magia para conseguir que ella le haga caso. Y bueno, ya sabemos que en estos casos todo sale siempre mal, porque cuando pides un deseo el resultado nunca es exactamente el esperado.

Pero lo que más me interesa de Obsession es que, en realidad, su esqueleto es el de una comedia romántica. No porque lo que cuenta tenga nada de romántico, sino porque utiliza una estructura que el cine lleva décadas repitiendo: un protagonista enamorado, la chica de sus sueños, un grupo de amigos, la esperanza de conquistar a la persona deseada y la sensación de que, con suficiente empeño, el amor acabará triunfando. Barker parte de todos esos elementos para llevarlos hacia un lugar completamente distinto.

Bear, interpretado por Michael Johnston, está enamorado de Nikki, a la que da vida una increíble Inde Navarrette, y alrededor de ellos están Ian y Sarah, interpretados por Cooper Tomlinson y Megan Lawless. Los cuatro forman un cuarteto imprescindible y están fantásticos.

Son cuatro empleados de una tienda de música que, además, son amigos y comparten tanto su mundo laboral como su mundo social. La película se toma el tiempo suficiente para enseñarnos las dinámicas que existen entre ellos, las relaciones, las sorpresas y los secretos. Y es un poco gracioso porque, debajo de toda la sangre, el horror y las barbaridades que van sucediendo, hay una película independiente sobre el amor y sobre un grupo de jóvenes intentando averiguar qué coño hacer con sus vidas.

De hecho, me ha recordado bastante al cine americano de los noventa, a esas películas sobre jóvenes un poco perdidos que tienen aspiraciones laborales altísimas pero que, por unas razones o por otras, acaban trabajando en una tienda. Fijaos lo que voy a decir: hay cosas de Obsession que me han recordado a Reality Bites. Sí. Reality Bites. Y eso que Curry Barker es tan joven que probablemente vio aquella película muchísimos años después de su estreno.

La película es bastante bruta y va bastante al grano. Empieza muy, muy rápidamente y no da demasiadas vueltas, pero aun así consigue hacer un buen retrato de sus protagonistas. Y creo que ahí está una de sus grandes virtudes: no utiliza a los personajes simplemente como carne para una película de terror. Te interesa lo que ocurre entre ellos incluso antes de que la situación empiece a descontrolarse.

Porque, en el fondo, Obsession habla de algo bastante horrible: querer a alguien que no te quiere. Y también de la fantasía de poder modificar los sentimientos de otra persona para que se ajusten a los tuyos. Evidentemente, aquí todo está llevado al terreno de la magia y del terror, pero el punto de partida es tremendamente cotidiano. El deseo de Bear no es conquistar el mundo ni hacerse millonario. Solo quiere que una chica le quiera. Y precisamente por eso todo lo que viene después resulta todavía más retorcido.

Porque el problema nunca ha sido la magia. La magia solo hace visible lo que ya estaba ahí. Lo verdaderamente monstruoso es la idea de que el amor de otra persona pueda conseguirse eliminando su libertad para decidir. Bear no intenta conquistar a Nikki. Intenta convertir sus sentimientos en una obligación. Y una historia cuyo conflicto consiste en someter la voluntad de una mujer para satisfacer el deseo de un hombre no puede ser una historia romántica.

Por eso me parece tan inteligente la propuesta de Curry Barker. Utiliza la estructura de una comedia romántica para demostrar que, si eliminas todas las convenciones con las que el género suele dulcificar este tipo de situaciones y observas lo que realmente está ocurriendo, descubres que nunca hubo nada romántico en esa premisa.

Al final puedes poner magia, sangre, horror y todas las barbaridades que quieras, pero Obsession sigue siendo la historia de un chico incapaz de aceptar que una chica no le quiere.

Y precisamente por eso funciona tan bien como película de terror.

Porque hay historias que nunca debieron contarse como comedias románticas.

Jota es un editor apasionado que elige muy bien los proyectos que publica. También tiene los suyos propios, por supuesto, pero hoy quiero hablaros un poquito de los tres lanzamientos más recientes de Unbrained que han caído en mis manos. Son los últimos que he leído, me han gustado bastante y quiero comentároslos y, por supuesto, recomendároslos.

Haciendo cómics / Pierre Dola (Unbrained Comics, 2026)

Es un volumen gordísimo (no recuerdo las páginas que tiene) que ya desde la portada juega a parodiar el Cómo se hace un cómic de Scott McCloud, que personalmente es uno de mis libros favoritos sobre el medio.

Y, para empezar, os diré que Haciendo cómics no es un tebeo nada complaciente. Es un cómic que necesita dos o tres lecturas como mínimo para poder profundizar en todos sus detalles. No cuenta una historia desde principio a fin, sino que, a través de distintos personajes relacionados de una manera u otra con el mundo del cómic, va destilando un poco las entrañas de ese mundillo.

Y además, quizá esto sea lo más polémico de la obra, se atreve a cuestionar a algunos de los tótems sagrados del mundo del cómic. No voy a decir ninguno porque lo que tenéis que hacer es comprar el tebeo y leerlo, pero sí os digo que después de leerlo quizá os cambie un poquito la percepción de lo que es este mundo.

Porque, al fin y al cabo, aunque el mundo del cómic sea algo pequeñito, pues sigue siendo lo mismo: las mismas mierdas y las mismas historias que existen en cualquier otro mundo un poquito más grande.

En el apartado gráfico también es un tebeo muy, muy currado. Pierre Dola utiliza técnicas muy distintas, juega muchísimo gráficamente y usa unos colores muy vivos. De verdad, es un cómic que merece muchísimo la pena y al que tenéis que echarle un vistazo. Bueno, un vistazo no. Varios. Porque es complicado, ¿vale?

Ganador genuino /Javi Beltrán (Unbrained Comics, 2026)

Ganador genuino va por otro lado. Aquí se nota que estamos ante un autor muchísimo más joven y el tebeo se mete de lleno en el mundo de los adolescentes atrapados por esos gurús de YouTube dirigidos, sobre todo, a un público masculino y que les ofrecen promesas, consejos y supuestas maneras de mejorar sus vidas.

Javi Beltrán tiene además un trazo muy enérgico, muy distinto, con el que consigue manejar especialmente bien las expresiones de los personajes, sobre todo cuando están brotando emocionalmente. Ahí el dibujo funciona de maravilla.

Y es un tebeo que recomiendo especialmente porque pone sobre la mesa un tema del que se habla muchísimo desde el punto de vista de los adultos. Pero aquí tengo la sensación de que Javi Beltrán sabe perfectamente de lo que está hablando, que conoce ese mundo y a esa generación, y eso es precisamente lo que más me ha gustado del cómic.

Transcendence / José Ángel de Álvaro (Unbrained Comics, 2026)

Y luego tenemos Transcendence, un tebeo con un sabor mucho más clásico. Se notan muchísimo las influencias del autor, que además él mismo reconoce en el prólogo: las revistas de ciencia ficción de los años 70 y 80, Tótem, 1984 y todo aquel universo de cómic para adultos que se publicaba en España.

Es una historia que da un poquito de miedo porque, más que una historia, parece una especie de previsión de lo que los avances tecnológicos pueden traer a la humanidad desde ya, desde dentro de poquísimos años, hasta dentro de 200 o 300 años. No recuerdo exactamente hasta dónde llega la obra, pero tampoco importa demasiado.

El caso es que piensas en cómo han avanzado la tecnología y la ciencia durante los últimos veinte años y es inevitable imaginar que van a seguir haciéndolo de forma exponencial. Y ahí es donde Transcendence conecta directamente con el cyberpunk, porque este es un tebeo puramente cyberpunk, tanto en su estética como en las ideas que propone.

Vamos viendo a unos personajes que evolucionan a través de los años porque una de las primeras barreras que la ciencia y la tecnología van a romper será la edad y los problemas de salud. Vemos cómo cambian físicamente, cómo la humanidad se transforma y cómo la religión y la ciencia empiezan a enfrentarse de una manera cada vez mucho más directa hasta crear un conflicto enorme.

Y, bueno, como ya dije hace poco hablando de otro cómic, si Transcendence se hubiera publicado hace treinta años probablemente habría aparecido en entregas de seis páginas en una revista como 1984. Lo veo clarísimo.

José Ángel de Álvaro es un autor que tiene muy poquitas obras publicadas porque, en realidad, laboralmente se dedica a otras cosas y no puede dedicar todo su tiempo al cómic. Es una pena, porque ojalá tuviera más tiempo para hacer tebeos: todo lo que hace me parece muy interesante. Recordemos, por ejemplo, su excelente El exorcismo de Almansa.

Tres tebeos muy distintos entre sí, pero que explican bastante bien qué tipo de editorial es Unbrained Comics y por qué merece la pena estar pendiente de lo que publica. No busca hacer siempre lo mismo ni parece demasiado preocupada por seguir las modas. Y en un panorama editorial donde muchas veces tenemos la sensación de ver una y otra vez los mismos tipos de tebeos, eso se agradece muchísimo.

Llevo vistas ya las tres primeras temporadas de Lost en 2026, es decir, veinte años después de su estreno, y la verdad es que lo estoy flipando.

Además, está siendo una experiencia muy curiosa porque estoy viendo la serie desde dos puntos de vista completamente diferentes.

Por un lado está el mío. Cuando se estrenó Lost yo no la veía. Siempre he sido un poco antimodas y, cuando una serie se convierte en un fenómeno gigantesco, me suele dar bastante pereza. Pero claro, aunque no la siguiera, era imposible escapar de ella. Se publicaban noticias constantemente, todo el mundo hablaba de la serie, de los misterios, de las teorías... Así que, sin verla, más o menos sabía lo que iba pasando.

Y luego está mi chico.

Él es muy fan de las series de televisión, pero de una manera completamente distinta a la mía. Ve las series y ya está. No entra en redes sociales a leer teorías, no investiga, no profundiza, no busca entrevistas ni artículos. Simplemente disfruta la serie y pasa a la siguiente.

Le apetecía ver Lost y hemos empezado a verla juntos.

Y la verdad es que está siendo un viaje muy curioso porque, mientras yo la veo sabiendo muchas cosas que forman parte del imaginario colectivo de la serie, él la está viendo completamente virgen. No sabe absolutamente nada. Y es muy divertido contemplar el asombro y la sorpresa a través de sus ojos.

Lo que más me ha sorprendido a mí es que durante todos estos años tenía una idea equivocada de lo que era Lost. Siempre pensé que era una serie sobre unas personas atrapadas en una isla a las que les pasaban cosas misteriosas y que nunca explicaban nada.

Pero me he dado cuenta de que eso es casi lo de menos.Lo que realmente engancha de Lost son los personajes.

Y eso lo estoy comprobando precisamente viendo la serie con mi chico. La serie dedica muchísimo tiempo a contar quiénes eran esas personas antes de estrellarse en la isla: cómo eran sus vidas, qué problemas tenían, qué decisiones tomaron y cómo acabaron todos coincidiendo en aquel vuelo.

Y luego, cuando no está contando esos flashbacks, la propia vida en la isla también funciona muy bien porque, además del misterio, hay acción, hay momentos de comedia, hay aventuras... Al final es una serie muy variada y muy entretenida. Siempre están pasando cosas.

Nosotros acabamos de terminar la tercera temporada y es ahí donde noto que la serie pega un giro importante. Empieza a abrazar mucho más la ciencia ficción y ya aparecen conceptos que la llevan por otro camino. Sin entrar en spoilers, es cuando empiezan a entrar en juego ciertas ideas que hacen que ya no haya vuelta atrás.

Y aquí es donde mi chico y yo empezamos a separarnos como espectadores.

Yo estoy completamente enganchado. Quiero seguir viéndola, incluso sabiendo, más o menos, cómo termina la historia.

Sin embargo, él ya no está tan convencido. Dice que empieza a resultarle demasiado enrevesada y que no sabe si quiere seguir.

Y me hace mucha gracia porque tengo la sensación de que los dos representamos perfectamente a los dos tipos de espectadores que tuvo Lost en su momento.

El que llegó hasta el final fascinado...

...y el que, en algún punto del camino, decidió bajarse porque la serie ya le estaba pidiendo demasiado.

En fin. Esta es mi pequeña reseña después de ver las tres primeras temporadas de Lost, que hemos visto tranquilamente durante unos seis meses. Y la verdad es que, veinte años después, entiendo perfectamente por qué se convirtió en el fenómeno televisivo que fue. Aunque también empiezo a entender por qué dividió tanto al público.

La momia de Lee Cronin es una película que se estrenó este año y que dejé pasar en los cines. Pero bueno, ya la han puesto en Movistar, así que la vi anoche, un sábado por la noche que no salimos, y fue un plan perfecto.

Es una película de la que no tenía mucha información ni mucho contexto. Me llamaba la atención que estuviera promocionada directamente como La momia de Lee Cronin, con el nombre del director bien grande, cuando es un director que tampoco conozco tanto. Yo no sabía que su puesta de largo con Evil Dead Rise, que fue una gran película, le había dado tanto impacto como para permitirle que su siguiente película llevase su nombre junto al título. Quizás también sea una forma de diferenciarla de las tropecientas películas de momias que existen.

Una cosa que siempre me ha dado mucha rabia es que, en el imaginario popular, sobre todo para los millennials, La momia sea la película de 1999 de Stephen Sommers. Esa película que, en realidad, era mucho más una película de Indiana Jones que una película de momias. Para mí la momia siempre ha sido un concepto mucho más relacionado con el cine de terror. No solo con la película clásica de Universal, sino con todas esas películas de serie B y Z que se fueron estrenando durante el siglo XX siguiendo, de una manera u otra, la estela de aquel monstruo.

Y, por supuesto, entre medias estuvo la Hammer, con Christopher Lee envuelto en vendas y Terence Fisher llevando a la momia al Technicolor y a un terror mucho más físico en La momia de 1959. Luego hemos tenido de todo. Incluso aquella versión con Tom Cruise del fracasado intento de crear el Dark Universe de Universal, que vi en su momento y, bueno, tampoco me desagradó. Quizás debería volver a verla.

El caso es que llegué a La momia de Lee Cronin totalmente virgen. No sabía nada del argumento. Nada, nada, nada, nada. Hasta el minuto exacto en el que le di al play.

Y me encontré con una película que sí, efectivamente, es sobre momias, pero que parte de un concepto bastante distinto y bastante innovador. La historia está protagonizada por un núcleo familiar y no voy a decir absolutamente nada más. Si todavía no la habéis visto, creo que es mucho mejor descubrirla como la descubrí yo: sin saber nada.

Lo que sí puedo decir es que me ha sorprendido en todos los sentidos. Es una película muy dinámica, muy original y, sobre todo, muy agradecida de ver en un momento en el que parece que ya conocemos de memoria todos los mecanismos del cine de terror.

Y otra de las cosas que más me ha gustado es que yo veo muchísima influencia del cine de terror italiano de los 80. Sobre todo de directores como Lucio Fulci, que es un director que a mí me encanta. Esa capacidad de mostrar imágenes sangrientas, viscosas, desagradables y conceptos completamente enrevesados sin pedir perdón a nadie. Hay momentos en La momia que me han llevado directamente a ese tipo de cine. No sé si Lee Cronin diría que Fulci es una influencia directa, pero yo desde luego la he visto ahí.

La verdad es que es muy, muy refrescante ver cómo desde el lado más comercial del cine, con nombres como Blumhouse o James Wan moviendo los hilos de buena parte del terror contemporáneo, se está reconstruyendo el género de una manera brutal. Se están cogiendo monstruos, fórmulas e ideas que parecían completamente agotadas y se están pasando por el filtro de nuevos directores que han mamado décadas de cine de terror.

Así que sí, un 10 para La momia de Lee Cronin. Una película que me ha encantado, que ha conseguido sorprenderme sin necesidad de reinventar el cine y que, sobre todo, me ha devuelto a la momia como lo que siempre ha sido para mí: un monstruo de terror.

Y ahora, a ver qué más nos trae Lee Cronin. Yo, desde luego, ya me he aprendido su nombre.