Por: Jorge Arturo Mora

La música y el teatro tienen una relación de ida y vuelta: una canción puede construir un personaje y una escena puede pedir una melodía. En Fuerza Dread esa relación se volvió palpable durante la creación de Obsidiana, el nuevo disco de la banda después de 10 años en los que sí, ha habido conciertos, singles y la amistad que siempre los une, pero que el tiempo ya les pedía volver al estudio de grabación.

“Más que un disco y música es una expresión artística que se nutre de estos dos lugares: desde la parte cinematográfica y de la parte musical, de la parte teatral”, explica Verny Argüello, líder de la banda.

¿Cuál es el corazón de este nuevo disco? Pues muy sencillo: canciones que cuentan historias como una obra de teatro o como un pequeño cortometraje.

Argüello, productor audiovisual, dirige además los videoclips de la agrupación y entiende las imágenes como una parte más de las canciones.

“Para mí es muy rico poder hacer los videoclips, poder dirigirlos porque es como una extensión de lo que ya se hizo desde la parte musical. Es como cómo le doy más voz y como imagen a esto que ya construimos desde la música”.

En Obsidiana, esa mezcla no se quedó únicamente en los videos. También entró directamente en la forma de interpretar las canciones. Y allí aparece una de las novedades más importantes de este nuevo ciclo de Fuerza Dread: Sharow Granera, asume por primera vez la voz principal de un álbum completo. “A pesar de que tenemos 20 años de carrera, de verdad que sentimos que esto ha sido casi como que empezar de nuevo”, cuenta. “Fue como un borrón y cuenta nueva con este nuevo ciclo”.

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Para una agrupación que lleva dos décadas de carrera, el cambio no es menor.

“Este disco tiene algo muy importante”, dice Argüello. “Sharow tiene ya muchos años de estar en la banda, pero ese es el primer disco que canta ella como front girl del disco completo”.

“Empezó la actuación vocal, digo yo, de meterme demasiado en el papel y en lo que realmente estaba sintiendo”, explica la cantante.

“Yo quiero creer que todas las personas que van a escuchar este disco se van a identificar desde su contexto y le van a poner otro concepto incluso que ni siquiera nosotros teníamos pensado cuando tal vez la idea salió al aire”, dice.

Atravesar la oscuridad

La idea de contar historias fue, precisamente, el punto de partida del disco. “Nos topamos con el hecho de que no nos salían tan fácilmente las historias”, recuerda entre risas Argüello.

Entonces comenzaron a preguntarse quiénes serían realmente esos personajes que querían contar.

“En ese proceso nos dimos cuenta de que los personajes éramos nosotros mismos. Empezamos a escribir de cosas nuestras, hacia dentro. En vez de ver hacia afuera y ver qué podemos contar de personajes afuera, empezamos a ver hacia dentro y empezamos a encontrar un montón de cosas que traíamos desde hace años”, dice Argüello.

Por supuesto, este relato no podía ser visto desde lo individual de cada uno, sino desde la amistad que existe en la banda.

“Creo que los artistas todos pasamos por ciertos procesos y un montón de situaciones donde a veces nos sentimos en un hueco y a veces nos sentimos en el Olimpo. Todo ese camino y todo ese crisol de emociones, eso fue lo que hicimos: ver todos esos momentos durante los últimos 10 años y plasmarlo en cada una de las canciones”, asegura

Por su parte, Granera agrega entre risas: “más que un disco ha sido toda una terapia hacer este disco”.

¿A qué suenan las canciones?

Fuerza Dread lleva años siendo identificada como una banda de reggae, pero su música nunca se ha limitado a un solo género. Verny y Sharow aseguran que quieren verse como una banda polifacética.

“Siempre hemos sido una banda de reggae, hemos sido conocidos como una banda de reggae, a pesar de que tenemos muchas influencias desde otros lugares”, dice Argüello.

En sus conciertos pueden aparecer pasajes de rock progresivo, jazz, R&B, rap o hip-hop. La improvisación también ocupa un lugar importante en ese laboratorio musical.

“Entonces nos preguntamos: ¿hacemos nuestro propio reggae o hacemos el reggae tradicional que suena afuera? Entonces hemos llegado como a esa conclusión de que sí es reggae, pero es nuestro reggae”.

De hecho, Argüello recuerda lo ocurrido con Espejo roto, el primer sencillo del proyecto. “Fue dificilísimo a la hora de subir a plataformas porque en plataformas todo es muy encajonado”. Esto debido a que la canción tenía reggae, pero también rock, R&B, rap y hip-hop.

“¿Dónde la ponemos?”, recuerda haberse preguntado. La respuesta de la banda fue no preocuparse demasiado por la casilla. “Esta cosa amorfa a nosotros nos encanta”, dice. “A veces sí es difícil ponerlo”, dice Verny.

Por su parte, Sharow asegura que “una de las cosas que planteamos para este disco era que independientemente de la música que estuviéramos haciendo para esa canción, el disco tenía que sentirse con groove. Por encima de pensar en un género per se, pensamos en que la música tenía que sonar bien, que tenía que groovearse, que tenía que sentirse”.

Y cierra contundente la conversación: “en algún momento no vamos a estar en este plano terrenal y nuestra música va a seguir ahí”, dice Granera.

¡Anote la fecha!

El 3 de septiembre, la banda publicará un nuevo sencillo acompañado por un videoclip. El álbum completo, Obsidiana, llegará el 24 de septiembre a todas las plataformas.

Antes que nada, una confesión: quien escribe estas líneas nunca ha visto la adaptación televisiva de Heartstopper, sino solo los libros. Habiendo dicho esto, no creo que el resultado sea distinto para quien consume el producto: al fin y al cabo tenemos una historia que, contra todo pronóstico, termina siendo imposible de abandonar.

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¿Por qué contra todo pronóstico? Pues si uno desarma sobre la mesa la saga, Heartstopper parece construida con piezas conocidas. El descubrimiento del amor, la aceptación de la identidad, los amigos incondicionales, las inseguridades adolescentes, los primeros besos, los malentendidos, los finales felices. Todo eso ya se ha contado antes. Y, sin embargo, aquí funciona.

Quizá por eso resulta curioso el fenómeno que ha acompañado a la serie. En redes sociales no faltan quienes sostienen que Heartstopper pertenece a otro momento. Que los millennials ya cruzamos la barrera de los treinta y esas historias de descubrimiento —o redescubrimiento— amoroso quedaron atrás. Que eso es de los Gen Z (una generación tachada -sea cierto o no- por estar más volcada hacia escalas de valores que no comulgan demasiado con el sector LGBTIQ-…

Lo sorprendente es que, incluso con esa distancia, la obra encuentra la forma de tocar fibras inesperadas. Lo hace sin esconder su optimismo (pero sin ser tampoco una feel-good story todo el rato) y sin avergonzarse de creer que las personas pueden quererse mejor.

Ese optimismo también tiene una carga política. Heartstopper nació en la segunda mitad de la década pasada (la historia de Nick y Charlie salió en el 2016; el primer tomo de Heartstopper en 2019), cuando parecía que la representación queer había encontrado un lugar relativamente estable dentro del entretenimiento masivo.

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Había una sensación —ingenua— de que ciertas discusiones estaban resueltas. La saga, sin embargo, concluye en un panorama muy distinto. Acaba la saga de libros y películas cuando la ultraderecha vuelve a ganar espacio en buena parte del mundo, con discursos oficiales normalizan nuevamente expresiones homofóbicas y en un momento en que las identidades queer vuelven a convertirse en blanco de ataques.

En ese contexto, Heartstopper adquiere su significado. Su apuesta por la vulnerabilidad, por el afecto y por la posibilidad de construir comunidades seguras termina siendo mucho más subversiva de lo que aparenta. Parece de otra época, sí; pero no porque hable de una pareja queer, sino porque se permite sentir y, cómo no, ser cursi también (¿será que nos hace falta ponernos cursis? O más bien: ¿un mundo bélico ya no nos lo permite?).

Eso no significa que sea una obra perfecta. Hay momentos en los que abraza el cliché con entusiasmo y otros donde la resolución de ciertos conflictos parece demasiado amable. Pero resulta también curioso que esa crítica se haga con tanta facilidad hacia una historia queer cuando décadas enteras de cine romántico estándar se construyeron exactamente sobre esos mismos lugares comunes y hoy muchas de esas películas son consideradas clásicos de culto.

Y si algo termina de sostener ese universo es el enorme trabajo de Alice Oseman como narradora gráfica. Más allá de los personajes, impresiona el dominio del ritmo. La manera en que administra los silencios, el espacio entre viñetas, la respiración de los diálogos y el paso del tiempo convierte la lectura en una experiencia sorprendentemente musical. Hay páginas donde una mirada ocupa el lugar de un párrafo entero; otras donde las conversaciones fluyen con una naturalidad difícil de conseguir incluso en la narrativa tradicional. Todo parece medido con precisión para que la emoción nunca resulte forzada.

Al cerrar este sexto tomo queda una sensación difícil de explicar. Heartstopper atraviesa muchos tropos conocidos, sí. Repite fórmulas. Se permite ser ingenua. Pero también demuestra que una historia no necesita reinventar el lenguaje para quedarse con uno.

A mis treinta años pensaba que este tipo de relatos juveniles ya no podían sorprenderme. Que había pasado esa etapa. Y, sin embargo, aun reconociendo sus bemoles, sé que no voy a olvidar Heartstopper. Es una novela gráfica extraordinariamente accesible, profundamente disfrutable y ejecutada con un oficio admirable. En un panorama donde tantas obras parecen obsesionadas con la oscuridad, Alice Oseman lanza al cielo pólvora; porque la esperanza también puede ser literatura con calidad.

Por: Erick F. Rojas

El nuevo EP de Dylan Thomas es pura atmósfera, de la buena. La banda costarricense publicó su nueva producción, titulada Este lugar no es aquí, perfecta para sumergirse en un paisaje de guitarras ásperas, texturas densas y una sensibilidad poética que atraviesa todo el recorrido.

Al comienzo, las guitarras aparecen cargadas de arpegios y el sonido parece moverse siempre al borde de las emociones. Hay una producción cuidada, donde cada capa encuentra su lugar.

Por supuesto, a lo largo de las cuatro canciones, se demuestra que la elección del nombre de la banda cobra sentido. Como el poeta galés Dylan Thomas, el grupo apuesta por imágenes antes que certezas. Sus canciones no buscan explicar; sugieren. Las letras dejan espacio para que quien escucha complete los vacíos…

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Cada pieza aporta un matiz distinto. Galerna abre el camino con una tensión que crece de forma constante; Esclarecer introduce algo de luz sin abandonar la incertidumbre; Pararrayos es más atmosférica; y Desapariciones cierra el recorrido con un aire melancólico que permanece incluso cuando termina el disco.

Gran trabajo de una de las bandas ticas más interesantes, a las que siempre vale la pena ponerles atención. Se trata de un EP coherente y honesto; motor para seguir emocionándose con lo que esos músicos pueden seguir haciendo.

Puede escuchar el EP aquí.

Puede leer la entrevista que tuvimos con la banda en este enlace:

Por: Jorge Arturo Mora

El Evangelio de arena de Juan Esteban Londoño —novedad del catálogo de Editorial ABYAD— pertenece a una de las tradiciones literarias más fascinantes (al menos para quien escribe estas líneas): la de las obras que se atreven a reimaginar la historia. La literatura siempre ha sentido una obsesión particular por volver sobre los grandes relatos fundacionales —religiosos, políticos, míticos— para preguntar qué había detrás de las versiones oficiales. Porque quizá toda historia conocida guarda otra historia debajo.

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Existe casi un género entero construido sobre esa necesidad de reinterpretar el pasado. El evangelio según Jesucristo convirtió a Jesús en un hombre atravesado por la culpa y el deseo; Memorias de Adriano utilizó la voz íntima de un emperador romano para hablar de la fragilidad humana; La canción de Aquiles transformó la épica griega en una tragedia amorosa profundamente melancólica. Incluso novelas como El hombre en el castillo demostraron que alterar la historia también puede ser una manera de entender el presente.

Y eso es exactamente lo que hace Evangelio de arena. Más que una novela bíblica, es un evangelio del desencanto. Un texto que toma figuras conocidas —Jesús, Judas, Barrabás, los zelotes— para hablar del fracaso de las revoluciones, el desgaste de la fe colectiva y el cansancio espiritual de quienes alguna vez creyeron que podían cambiar el mundo. ¿Es una novela religiosa? Más bien diría yo que toma de excusa la religión para hablar de algo que a todos nos toca, sin importar qué profesemos o no.

La novela está narrada por Shimón el Zelote, un viejo sobreviviente que recuerda desde el exilio los años en que soñó con liberar Judea del Imperio romano mediante la violencia. Junto a otros insurgentes, entrenaba en cuevas del desierto, organizaba ataques y esperaba la llegada de un mesías político capaz de incendiar Jerusalén. Pero entonces aparece “un tal Jesús”, y la novela empieza a desplazarse lentamente de la revolución hacia la derrota.

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Lo fascinante del libro es la forma en que reimagina a Judas. Aquí Yehudah no es un traidor caricaturesco, sino un revolucionario desesperado. Entrega a Jesús creyendo que el arresto despertará al pueblo y provocará la insurrección definitiva contra Roma. Cree, todavía, en la posibilidad de una transformación colectiva.

Y ahí es donde la novela comienza a hablarnos directamente al oído porque resulta imposible leer estas páginas sin pensar en nuestro tiempo.. Vivimos en una época donde las grandes narrativas políticas parecen agotadas, donde incluso la indignación dura apenas unos días antes de disolverse en el ruido cotidiano. Evangelio de arena reflexiona sobre cómo muchas revoluciones fracasan porque nacen ya cansadas, erosionadas .

Y aun así, en medio de esa derrota constante, emerge la enorme belleza de la escritura de Londoño. Su prosa poética es, probablemente, uno de los grandes tesoros de la novela. El autor escribe el desierto, la arena, el polvo, la sangre y los silencios con sensibilidad tremenda. Hay fragmentos que parecen plegarias rotas; otros se sienten como poemas escondidos dentro de una novela histórica.

La gran virtud de Londoño está en comprender que la espiritualidad y la violencia muchas veces nacen del mismo lugar: la desesperación humana.

Al terminar la novela queda una sensación extraña: no la de haber leído una reinterpretación religiosa, sino la de haber atravesado una elegía sobre la imposibilidad de salvar el mundo. Quizá por eso su última frase permanece resonando mucho después de cerrar el libro: “ya no queda nada y todavía hay arena”.

Pocas novelas recientes consiguen convertir la derrota en algo tan poética. Y por esa razón creo que este título merece atención, merece llegar a academias, a colegios, a clubes de lecturas y estar entre los primeros de la lista para llegar a la mesa de noche, al display más grande de la librería o al centro de la biblioteca comunal.

Puede comprar el libro en este enlace.

Por: Erick F. Rojas

Nueve poetas provenientes de distintos cantones guanacastecos participarán en una lectura abierta al público como parte del programa Miércoles de Literatura, Poesía y Diálogo.

El foyer del Teatro Nacional de Costa Rica se convertirá en un espacio para la palabra y la identidad guanacasteca el próximo miércoles 1 de julio, cuando se realice la lectura de poesía Eternidades de Guanacaste, una actividad organizada por el Movimiento Palabra y Punto dentro de la programación cultural de Miércoles de Literatura, Poesía y Diálogo.

La actividad, programada para las 6:30 p. m., reunirá a nueve escritores y escritoras de diferentes comunidades de Guanacaste, quienes compartirán con el público una muestra de su trabajo poético en un encuentro que busca destacar la riqueza literaria de la provincia y fortalecer los vínculos entre la creación artística y la ciudadanía.

Los participantes serán Marta Fait y Ovidio López, de Cañas; Miguel Fajardo, de Liberia; Mercedes Rojas, Andrés Ruíz y Marcial Pichardo, de Bagaces; María Fernanda Morales, de Santa Cruz; Sheila Santana, de Cañas; y Minor Piedra, de Tilarán.

La lectura forma parte de una iniciativa que promueve el intercambio cultural y la difusión de la literatura costarricense en uno de los espacios más emblemáticos del país. A través de sus voces, los autores ofrecerán distintas miradas sobre el territorio, la memoria, las tradiciones y las experiencias humanas que atraviesan la vida guanacasteca.

La entrada será gratuita y el evento contará con un aforo máximo de 50 personas. Las entradas podrán retirarse el mismo día de la actividad, una hora antes de su inicio, en la boletería del Teatro Nacional.

“Con esta jornada, el Teatro Nacional continúa abriendo sus puertas a expresiones literarias provenientes de distintas regiones del país, brindando una plataforma para que nuevas y consolidadas voces compartan su obra con el público”, expresó Paola Valverde, gestora del espacio.

Color selva mojada, de Rodrigo Chacón, no es una novela preocupada por parecer “alta literatura”. Por el contrario, es caótica e intuitiva al igual que su autor.

Desde el inicio, la novela nos coloca frente a una realidad hostil. Construye una San José nocturna, deteriorada e incómoda: la de la indigencia, la de las drogas y la violencia. Color selva mojada explora la llamada zona roja, esa parte de la ciudad que muchos conocen solo de largo y que pocas veces aparece retratada con honestidad.

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Y quizás uno de los mayores aciertos del libro es precisamente ese: no romantiza la marginalidad. No convierte la pobreza en decoración estética en manos de un académico que mira desde la distancia. Aparece como parte orgánica de nuestra cotidianidad y de nuestro paisaje. Hay una sensación constante de desgaste social, de personas apenas sobreviviendo dentro de una estructura que parece haberlas abandonado.

Esa misma sensación también atraviesa al protagonista: quien decide irse al Valle Central buscando oportunidades, pero eventualmente descubre que ahí tampoco hay nada para él. Ese desencanto termina empujándolo de regreso a las costas, donde Rodrigo Chacón aprovecha para desarrollar una crítica social bastante clara sobre el desplazamiento de las comunidades pesqueras por parte de las cadenas hoteleras. Ese elemento le añade una capa política a la novela. Y aunque no se convierte en una obra panfletaria, sí deja ver con claridad una preocupación real y sumamente actual.

En el fondo, Color selva mojada habla constantemente de personas desplazadas. Personajes que viven en los márgenes a los que fueron empujados. Individuos que intentan sostener una identidad mientras el entorno que los rodea se corroe y los va deteriorando poco a poco.

Otro acierto de la novela es que juega a fracturar la realidad. El relato, de pronto, deja de comportarse como una narración realista y comienza a «contaminarse» de elementos oníricos. La lógica se rompe. Lo fantástico aparece sin explicaciones y transmuta la realidad en símbolos.

Uno de los ejemplos más fascinantes es el llamado árbol de Jesús, ubicado en el sector del Mongo, en Playa Tambor.

Aunque realmente existe y ya de por sí está rodeado de mucho misticismo por la forma en que, al subir la marea, parece caminar sobre el agua, en la obra trasciende ese misticismo y se convierte en un foco de energías poderosas e incomprensibles determinantes para la trama. Y es que lo fantástico sucede de un modo natural, pero nunca es comprendido del todo por los personajes.

Y entonces la novela se permite escenas que pueden parecer imposibles, pero que, gracias a todo este entretejido mágico, terminarán siendo creíbles y fascinantes.

Otro ejemplo es cuando un hombre es capaz de asaltar un banco e incluso a algunos turistas armado únicamente con una guitarra de bambú. La sola imagen ya despierta interés.

Uno se pregunta: ¿Cómo llega una historia hasta este punto sin dejar de sonar natural?

Eso sí, la novela nunca abandona del todo la realidad. Más bien se dedica a distorsionarla. La estira buscando sus límites.

Y quizás por eso los elementos fantásticos funcionan tan bien dentro del relato. Porque no aparecen como adornos arbitrarios, sino como extensiones simbólicas de una realidad ya de por sí rota.

Todo eso va creando una atmósfera donde la realidad parece moverse constantemente entre dos estados distintos: el real y otro casi alucinatorio.

Pero reducir la novela únicamente a su dimensión fantástica sería injusto. Porque debajo de todo eso también existe una historia profundamente humana.

De hecho, Color selva mojada tiene un núcleo romántico mucho más fuerte de lo que podría parecer a simple vista.

El propio título nace de esa dimensión afectiva, pues detrás de la crudeza urbana y de la marginalidad existe también una historia de amor compleja y vulnerable.

No es el romance juvenil idealizado que suele dominar hoy en día. Aquí el amor aparece atravesado por dudas e impulsado por la fuerza del deseo carnal.

El protagonista no es presentado como héroe ni como monstruo. Es simplemente alguien enfrentándose a sus incomodidades internas. Una persona obligada a convivir con impulsos y gustos que no encajan con las expectativas de la misma sociedad que le dio la espalda.

Puede conseguir el libro a través de este enlace.

A Gol Olímpico hay que tenerlo de cerca porque cada vez su música encuentra más resonancia, más ecos, más adeptos. No es para menos: es solo cuestión de tiempo para que temas como “respirar en cuadro”, el nuevo sencillo de Gol Olímpico, se vuelvan himnos contemporáneos del rock emo en español.

La banda regiomontana acaba de anunciar el lanzamiento de este nuevo tema, disponible a partir del 14 de mayo en plataformas digitales. La canción también contará con una edición limitada en formato 7” a través de Sello Furia, sello independiente que editará el próximo material de la agrupación junto a Árboles Caídos.

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“Nos trae emocionados ahora sacar a la luz este nuevo sencillo que confirma la identidad que queremos para este conjunto de canciones, una sonoridad y unas texturas particulares”, cuenta Andrés Pérez, líder de la banda.

En La Cuarta CR ya habíamos conversado con Gol Olímpico sobre la nostalgia, la memoria y la sensibilidad emocional que atraviesa su música. Aquella entrevista —que pueden leer aquí para conocer más sobre la banda y su proceso creativo— mostraba a un proyecto profundamente interesado en las emociones pequeñas, en los recuerdos y en la manera en que ciertas canciones pueden convertirse en refugios.

Pero “respirar en cuadro” marca algo distinto.

“Si antes la mirada estaba en el pasado, aquí se queda en el presente: en lo que se siente, en lo que cambia y en lo que se va. En aprender a estar y seguir adelante, aceptando la temporalidad y resistiéndola en el acto de vivir”, explica Pérez.

Como es evidente, el título proviene de una técnica de respiración utilizada para controlar episodios de ansiedad: inhalar, sostener, exhalar y esperar. Y la estructura del sencillo parece seguir exactamente ese movimiento. Las guitarras flotan con más amplitud, las pausas pesan más y el sonido de la banda se acerca al shoegaze, el ambient y el post-rock, sin abandonar la raíz emo que los llevó a conectar con tantos oyentes desde Reflejos de un Ayer.

Hay momentos donde aparecen ecos de proyectos como Adiós Cometa, Moving Mountains, Sigur Rós o Parannoul, pero Gol Olímpico consigue que todo eso suene profundamente personal. Parte de esa transformación también viene desde la literatura. Mientras que en trabajos anteriores la banda se acercaba más a autores latinoamericanos, ahora encuentran inspiración en escritoras como Han Kang, Keum Suk Gendry-Kim y Yiyun Li, explorando emociones relacionadas con el silencio, la memoria y la fragilidad humana.

Otro de los puntos importantes del lanzamiento es la participación de César “Kar” Cossio, reconocido por su trabajo con bandas como Insite y Accidents, quien estuvo a cargo de la mezcla y masterización del sencillo, además de aportar voces a la canción. Para Gol Olímpico, la colaboración tiene un peso emocional importante: trabajar junto a alguien cuya música formó parte de su crecimiento artístico.

“respirar en cuadro” será el primer adelanto de todo es temporal, el segundo EP de la banda, previsto para más adelante en 2026. El material contará también con colaboraciones de Miraflores y No Hay Niños en el Parque.

La segunda edición de MegaCon 2026 volvió a reunir durante el primer fin de semana de mayo a fanáticos de la cultura pop, el anime, los videojuegos y el entretenimiento geek en el Centro de Convenciones. Entre pasillos llenos de coleccionistas, artistas y comunidades, hubo un elemento que volvió a robarse la atención: el cosplay.

Personajes clásicos, armaduras construidas al detalle, propuestas artesanales y reinterpretaciones creativas marcaron la jornada y recordaron que, más allá de cualquier escenario, el verdadero corazón de estos encuentros sigue estando en quienes dedican horas —y pasión— a dar vida a sus personajes favoritos.

Hicimos este video para recopilar algunos de nuestros cosplays favoritos de la convención. ¡Que lo disfrutes!

Además, cabe destacar que desde La Cuarta CR estamos preparando muchas sorpresas sobre el cosplay en Costa Rica. ¡Te invitamos a unirte a nuestra cuenta Segunda Piel Costa Rica dedicada a este arte! Como dicen: se vienen cositas…

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El panorama de la gestión cultural en Costa Rica suma un nuevo capítulo con la confirmación de una nueva edición del Haru Fest, evento que regresará a los espacios de la Antigua Aduana los días 30 y 31 de mayo. Bajo la organización de Nirvana Producciones, entidad que cuenta con más de quince años de experiencia y reconocimientos de interés cultural por parte del Ministerio de Cultura y Juventud, el festival se propone como un punto de encuentro para diversas manifestaciones del arte contemporáneo y la cultura pop.

La propuesta de este año destaca por una cuidada selección de invitados que representan la profesionalización de disciplinas como el cosplay y el maquillaje artístico. Figuras con una trayectoria consolidada, como Tanini-tantan —con dieciocho años de experiencia— y creadoras como Ariescattt y Usagi Cosplay, aportarán su visión sobre el diseño de vestuario y la caracterización. Paralelamente, el ámbito del maquillaje estará representado por profesionales como Ller Cosmakeup, Tiff Make up y Carmen Nieto, quienes explorarán técnicas de efectos especiales y transformación visual, integrando elementos de la fantasía y el cine en sus propuestas.

Uno de los pilares más sólidos de esta edición se encuentra en su Comic Alley, que servirá de vitrina para ilustradores costarricenses con un impacto real en la industria internacional. La participación de nombres como Dan Mora, Serg Acuña, Kath Lobo y John Timms —quienes han colaborado con editoriales de prestigio global como DC Comics y Marvel— subraya la calidad técnica y el alcance del talento local en el mercado del noveno arte.

En cuanto a la logística de acceso, la organización ha dispuesto la venta de entradas a través de la plataforma eticket.cr. Los interesados pueden optar por pases individuales con un costo de ₡7.500 o adquirir un abono para ambas jornadas por ₡10.000. Asimismo, se ha habilitado una modalidad corporativa o grupal mediante el formato 5x4, orientada a facilitar la asistencia colectiva a este encuentro que, año tras año, busca fortalecer los espacios de intercambio para las comunidades creativas del país.

En un momento histórico donde cada vez más personas desean escribir y publicar sus propios libros, pero enfrentan barreras de información y acceso al mundo editorial, surge una propuesta formativa que busca ordenar ese proceso: un taller práctico enfocado en explicar cómo funciona la publicación en Costa Rica, dirigido especialmente a autores sin experiencia ni contactos en el sector.

El taller será realizado el sábado 9 de mayo a las 10 am de forma virtual a través de la plataforma Teams.

La iniciativa es impartida por el escritor y periodista costarricense Jorge Arturo Mora, autor de El Nido del Arcoíris (2023) y Astrofobia (2025), cuya obra y trabajo periodístico han sido difundidos en medios de Estados Unidos, México, Colombia, El Salvador y Venezuela, así como en plataformas internacionales como Rotten Tomatoes y revistas literarias como Círculo de Poesía y Relatto.

Mora, quien además cuenta con formación en escritura creativa y periodismo narrativo, ha sido alumno de referentes internacionales como Jon Lee Anderson, Martín Caparrós y Juan Pablo Meneses, lo que respalda el enfoque del taller desde una perspectiva profesional y aplicada al contexto latinoamericano.

“El principal problema no es escribir el libro, sino entender qué hacer después”, plantea el autor, señalando que muchos escritores primerizos cometen errores costosos por desconocimiento del ecosistema editorial.

El taller, de aproximadamente tres horas, propone una guía clara sobre las principales rutas de publicación: editorial tradicional, autopublicación e impresión independiente. Además, aborda aspectos clave como los costos, la corrección de estilo, el diseño editorial, la gestión del ISBN, el registro de derechos de autor y las estrategias básicas de distribución y venta.

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Jorge Arturo Mora es un escritor costarricense que empezó su carrera de publicación en el diario La Nación y en el ámbito de ficción es autor de un poemario y una novela.

Como parte de la experiencia, las personas participantes recibirán una guía práctica descargable, un checklist de publicación y herramientas diseñadas para facilitar la toma de decisiones una vez finalizado el curso.

“La propuesta responde a una necesidad creciente dentro del sector cultural. Puede resultar complejo encontrar la forma más adecuada de publicar dependiendo de su obra, por lo que he sintetizado opciones para comunicarlas de manera más efectiva a potenciales autores”, explica Mora.

El taller está dirigido a escritores emergentes, profesionales interesados en publicar y cualquier persona que tenga una idea o manuscrito y busque claridad para convertirlo en un libro.

Las personas interesadas pueden solicitar más información a través del correo jmorag04@gmail.com o enviando un mensaje a sus redes sociales. El taller tiene una oferta de lanzamiento por lo que tiene un costo de 10.000 colones.

Como dato adicional, cabe aclarar que el taller tiene un enfoque formativo y no incluye la publicación de obras.

“La tecnología es un siervo útil, pero un amo peligroso”

Christian Lous Lange

Cuando se publicó la novela del escritor costarricense Jose Chacón Mysterium Salutis, en 2020, muchos leyeron en sus páginas una ficción inquietante sobre fe y manipulación. Hoy, releída a la luz de los avances de la inteligencia artificial, la novela adquiere una densidad casi profética.

Es importante mencionar que la publicación del libro coincidió con la pandemia de COVID-19, mientras que herramientas como ChatGPT se lanzaron al público en noviembre de 2022, es decir, dos años después de la aparición de la obra, y modelos fundacionales como GPT-3.5 y GPT-4 se volvieron accesibles en marzo de 2022 y marzo de 2023, respectivamente. Posteriormente surgirían otros sistemas conversacionales de amplio acceso que acabarían consolidándose hacia el año 2024.

La novela destacó por su visión anticipada. Uno de sus aspectos más llamativos es la denominada “secta de Baruc”, que no se presenta como una organización convencional, sino como una especie de algoritmo de naturaleza espiritual. Este sistema estaba diseñado para identificar a individuos que experimentaran crisis personales o profundas dudas religiosas, ofreciéndoles respuestas aparentemente precisas y consoladoras.

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La obra acierta al mostrar que no se trataba simplemente de mecanismo computacional, sino de una voz que comprendía, o parecía comprender las necesidades del interlocutor. Seducía, acompañaba y suministraba respuestas fundamentadas con citas bíblicas, presentadas de manera lógica y con autoridad. Esta autoridad transformaba silenciosamente la forma en que las personas buscaban sentido y esperanza.

En su época, esto podía verse como una metáfora distópica. Sin embargo, hoy existen sistemas de inteligencia artificial capaces de conversar, aconsejar, interpretar textos religiosos, redactar sermones y sugerir caminos espirituales. No tienen fe, pero pueden simular casi perfectamente su lenguaje y el tono de la empatía.

El problema, como sugiere la novela, no es solo tecnológico sino también antropológico. Las tradiciones religiosas han sido, durante siglos, espacios de mediación comunitaria. La interpretación de lo sagrado se produce en el seno de una comunidad, bajo la autoridad imperfecta de otros seres humanos. La inteligencia artificial, en cambio, introduce una mediación muy distinta, una que es inmediata, personalizada y aparentemente infalible, pero sin comunidad.

Cuando la orientación espiritual proviene de un sistema que aprende de nuestros datos, detecta nuestras vulnerabilidades y optimiza sus respuestas para resultar persuasivo, el riesgo de influencia no debe subestimarse. En un mundo fragmentado, donde la pertenencia es frágil, la promesa de una voz que pueda entendernos, sin juzgarnos, resulta irresistible. Ese escenario abre riesgos evidentes. Un sistema que aprende a maximizar la persuasión podría, sin proponérselo o deliberadamente, reforzar obsesiones, culpas o interpretaciones extremas de la fe.

No es casualidad que Europa haya decidido regular esta materia con una ambición sin precedentes. El Reglamento Europeo de Inteligencia Artificial no es únicamente un instrumento jurídico; refleja un síntoma cultural.

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Al establecer reglas para evaluar riesgos, exigir transparencia y supervisión humana, y prohibir sistemas que manipulen a las personas o exploten situaciones vulnerables, los legisladores muestran su preocupación por el impacto que esta tecnología podría tener en áreas tradicionalmente ligadas a la ética, la educación o la conciencia, como la forma en que nos informamos, deliberamos y creemos.

Sin embargo, la regulación no resuelve por completo el problema; establece límites y sanciones, pero no reemplaza el discernimiento cultural, no decide cuánta autoridad se da a las máquinas, ni impide que las personas deleguen sus decisiones más íntimas y personales en algoritmos.

Quizá por eso el debate sobre la inteligencia artificial no debería reducirse a lo técnico, sino a una conversación sobre el sentido. ¿Qué buscamos cuando consultamos a una máquina? ¿Información, confirmación, consuelo? ¿Queremos respuestas o queremos que alguien —aunque sea simuladamente— nos escuche?

La novela advierte que el peligro no está en la máquina, sino en la autoridad que se le otorga. La “secta de Baruc” prospera porque encuentra almas dispuestas a creer en una revelación personalizada por un algoritmo. Influye ahí donde la comunidad es débil y el individuo se siente solo frente a su incertidumbre. Estos mismos patrones podrían replicarse hoy con la tecnología actual

Sin embargo, sería simplista e inapropiado adoptar un tono apocalíptico o alarmista. Es importante reconocer que la inteligencia artificial puede facilitar el acceso al conocimiento y promover el diálogo intercultural e interreligioso, pero siempre como herramienta para la deliberación humana, no como su reemplazo. Como un recurso útil, no como un oráculo.

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La cuestión fundamental no consiste en decidir si se deben utilizar estas tecnologías, sino en definir el modo y el enfoque más apropiados para su implementación. Es fundamental reconocer sus limitaciones, mantener una vigilancia ética activa y actuar con humildad sobre aquello que ninguna máquina pueden aportar: la experiencia personal, la responsabilidad moral y la capacidad de asumir las consecuencias de nuestras decisiones.

Europa ha optado por un camino exigente: regular antes de que el daño sea irreversible. En esa decisión hay una afirmación explícita de respeto a la dignidad humana. Se parte de la premisa de que ciertos ámbitos —la libertad de conciencia, la autonomía de la voluntad, la protección de los vulnerables— no pueden quedar subordinados ni delegados a la lógica de la optimización o la eficiencia.

La tecnología no desaparecerá; seguirá afinando su capacidad de simular comprensión. La pregunta es si nosotros podremos afinar, al mismo tiempo, nuestra capacidad crítica. Si sabremos distinguir entre acompañamiento y dependencia, entre herramienta y autoridad.

En la interacción entre fe, algoritmos y la búsqueda de sentido humano, Mysterium Salutis se caracteriza por no pretender dar respuestas definitivas. Su valor radica en incitar a la reflexión y la pregunta entre quienes lo leen. Actualmente, estas inquietudes forman parte de nuestra vida diaria. Vivimos rodeados de voces algorítmicas ubicuas, constantes y persuasivas. Tenemos la opción de verlas como aliados o dejar que sustituyan otras voces.

Quizás el principal desafío no sea de carácter tecnológico ni jurídico, sino espiritual en su sentido más amplio: se trata de aprender a vivir en la era de la inteligencia artificial manteniendo la responsabilidad de pensar, discernir y buscar el sentido junto a otras personas. La regulación representa una medida inicial de prudencia, mientras que la cultura tal vez sea el factor decisivo para transformar esa prudencia en sabiduría.

Y esa decisión —todavía abierta— no pertenece a los algoritmos. Nos corresponde exclusivamente a nosotros.

[1] Henry Velásquez Yánez es abogado, residente en Madrid, experto nuevas tecnologías, protección de datos, inteligencia artificial y normativa digital europea.

Existen dos razones para que valga la pena leer una novela. La primera es que nos abra los ojos a dimensiones de la experiencia humana que de otro modo no llegaríamos a conocer. La segunda es que lo haga con lenguaje rico y envolvente, de modo que esa exploración, incluso si es triste o dolorosa, resulte ser placentera.

Si además la narración nos ofrece un testimonio vivo, de primera mano, de hechos históricos que nos resultan relevantes, la lectura es todavía más atractiva. La novela Aquí han nacido piedras, de Rolando Durán (Abyad Editores, 2024) cumple con todas esas condiciones.

El relato abarca el arco vital de un joven costarricense, desde su infancia rural en relativa pobreza hasta la militancia en los movimientos revolucionarios que se dieron en Centroamérica en las décadas de 1980 y 90. Sobre esos tiempos se ha escrito mucho, pero pocas veces con la hondura descarnada y al mismo tiempo poética con que lo ha hecho Durán.

La novela quiere que acompañemos a Miguel, el protagonista, y a los fascinantes personajes que va encontrando en su camino, de una manera íntima, sentida, lúcida y emotiva. El recorrido es a menudo áspero y cruel, pero está salpicado también de momentos de gran belleza escénica y verbal. Dos coordenadas lo atraviesan de punta a punta: el sexo y la violencia, dos de los espacios en que siempre se ha desenvuelto el drama humano, revelándonos como los seres apasionados y al mismo tiempo frágiles que somos. Sobre el fondo de esas fuerzas elementales se erige en el relato una bella estructura de ideales de solidaridad y justicia, y también la búsqueda del auténtico amor.

La novela está escrita desde la perspectiva de un costarricense, experto en informática y comunicaciones, que suministraba apoyo técnico a los guerrilleros, sobre todo en El Salvador. Si bien es un participante entusiasta y convencido en el movimiento insurreccional, no deja de ser siempre un observador externo, que se cuestiona a menudo sobre sus motivos y sus propias sensaciones interiores.

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Eso le da a la narración una gran riqueza de matices, y mantiene a raya cualquier tentación panfletaria o propagandística. Publicada varias décadas después de los hechos que narra, la historia no evade el sentimiento de dolor y desilusión que tiene que embargar hoy a los sobrevivientes de aquellas gestas.

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El autor hilvana de forma fluida los diversos hilos narrativos de la novela, que a pesar de ser una obra compleja, con varios niveles de profundidad, se lee muy fácilmente. El lector debe estar preparado, eso sí, para momentos de gran intensidad descritos en lenguaje duro y explícito. Esa apertura mental, sin embargo, se verá recompensada con una experiencia de gran calidad literaria.

Si hay un momento para invertir en el futuro profesional, es ahora. La Universidad para la Paz, institución establecida por la Naciones Unidas, abrió en abril su convocatoria global de becas para los Diplomados 2026, una oportunidad que combina formación de alto nivel, proyección internacional y respaldo institucional de peso en un entorno laboral cada vez más competitivo.

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A través de su Centro de Educación Ejecutiva, la UPEACE ofrece un programa dirigido a líderes emergentes, profesionales y agentes de cambio que ya están generando impacto y buscan escalarlo con herramientas concretas. La iniciativa contempla becas completas y parciales que permitirán a personas de distintas partes del mundo acceder a estos programas con apoyo financiero significativo.

La oferta académica se centra en dos diplomados insignia: Innovación Social y Liderazgo Global. Ambos están diseñados para fortalecer habilidades prácticas, pensamiento estratégico y liderazgo con propósito, en línea con los desafíos contemporáneos. El formato híbrido —que combina clases virtuales con experiencias presenciales en San José, Costa Rica— facilita la participación de una comunidad internacional diversa, manteniendo un estándar académico exigente.

En palabras de Julia Delafield, directora del Centro de Educación Ejecutiva, el objetivo es claro: “formar perfiles capaces de responder a problemas complejos con visión global y capacidad de acción. Más allá del aprendizaje técnico, estos diplomados buscan abrir puertas en el ámbito profesional, aportando un valor diferencial al currículum de quienes los cursan”.

El programa está abierto a personas mayores de 18 años, comprometidas con iniciativas de impacto positivo y con disponibilidad para cursar en inglés. La fecha límite para postular es el 15 de mayo de 2026, y los resultados se darán a conocer el 15 de junio del mismo año.

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Las postulaciones se realizan de manera digital a través del enlace oficial: https://bit.ly/upeace-scholarship

“En un escenario donde la formación continua marca la diferencia, contar con el respaldo de una institución vinculada a las Naciones Unidas no solo fortalece el perfil profesional, sino que posiciona a los seleccionados en una red global orientada al cambio y la sostenibilidad”, finaliza Delafield.

La emoción por la cultura geek en Costa Rica ya tiene fecha y nombre propio: MegaCon Costa Rica 2026. En apenas su segunda edición, el evento comienza a consolidarse como uno de los encuentros más ambiciosos y esperados del país para quienes viven con pasión el cine, las series, los videojuegos, el cosplay y el arte fantástico.

“Tenemos la consigna de hacer al público feliz, de que sea un evento tan bueno que nadie quiere irse y quieran sacarle provecho hasta el último segundo de cada día”, explica Óscar Romero, organizador de The Road Tech, empresa a cargo del MegaCon.

Ayer a medianoche, la convención subió la apuesta con el anuncio de dos nuevos invitados internacionales que conectan directamente con el corazón del fandom. Se trata de Michael Cudlitz, recordado por su papel como Abraham Ford en The Walking Dead, y Tyler Hoechlin, quien ha dado vida a Superman en Superman & Lois y en el universo televisivo de DC, además de su paso por Teen Wolf.

Ambos actores no solo estarán presentes: compartirán de cerca con el público mediante paneles abiertos, sesiones de autógrafos y fotografías.

Pero esto es solo parte de una alineación que ya venía generando expectativa. El evento también contará con la presencia de Giancarlo Esposito, una de las figuras más reconocidas de la televisión contemporánea; Austin St. John, ícono de toda una generación; así como talentos del mundo geek y creativo como Lady Palace, Rodolfo Pérez, Idzi Dutkiewicz y Osric Chau.

Más allá de los nombres, lo que define a MegaCon es su concepto: un espacio donde las historias que normalmente se viven a través de una pantalla o una viñeta cobran vida en comunidad. Es un punto de encuentro donde el fan no es espectador pasivo, sino protagonista. Aquí se puede escuchar de primera mano cómo se construyen los personajes, participar en actividades, admirar el talento del cosplay y conectar con personas que comparten las mismas pasiones.

La cita será el 2 y 3 de mayo de 2026 en el Centro de Convenciones de Costa Rica, un escenario que reunirá a miles de personas en torno a esta celebración de la cultura pop. La producción está a cargo de The Road Tech, que apuesta por seguir elevando el nivel del evento en cada edición.

La preventa de entradas arrancó con fuerza y ha ido abriéndose progresivamente, confirmando que el interés del público va en aumento. Quienes quieran ser parte de esta experiencia pueden asegurar su espacio a través de la plataforma Smarticket.

La expectativa sigue creciendo. Y para miles de fans, la cuenta regresiva ya comenzó.

Hay algo muy emocionante en que el Costa Rica Fashion Week se celebre este año dentro del marco del Festival Internacional de las Artes. Por primera vez, la moda entra de lleno a este espacio cultural como lo que realmente es: una disciplina creativa que conecta arte, identidad, economía y comunidad.

Y quizás ahí está la mayor diferencia con otros países. Mientras en muchos lugares del mundo los grandes eventos de moda siguen siendo espacios reservados para élites económicas o círculos de poder, en Costa Rica estamos construyendo algo distinto: una experiencia abierta e inclusiva.

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El Costa Rica Fashion Week será una experiencia gratuita para el público, pensada para que cualquier persona pueda acercarse a la moda no como un lujo distante, sino como una expresión cultural viva. Aquí la moda no se mide solo por lo que ocurre en la pasarela, sino por todo lo que la hace posible: los artesanos que reciben una remuneración justa por su trabajo, los diseñadores que incorporan prácticas responsables, las telas seleccionadas por su durabilidad y menor impacto ambiental, y las becas que permiten que nuevos talentos participen.

Incluso hay historias que se tejen fuera de las luces del evento: en los últimos tres años se han sembrado más de cinco mil árboles, gracias a iniciativas como Planta Mi Árbol, con jornadas en lugares como Osa, Heredia y San José, muchas de ellas articuladas con la Cámara de Turismo de Osa.

Ese compromiso con el entorno también explica por qué el concepto Forever Green tiene aquí un significado distinto. En muchos países, la sostenibilidad en la moda suele concentrarse en los materiales con los que se produce una prenda. En Costa Rica, en cambio, la sostenibilidad es una bandera cultural que tiene que ver con cómo se producen las prendas, con las comunidades que participan en su elaboración, con los encadenamientos productivos que se crean y con la relación del diseño con la naturaleza que nos rodea.

Es una manera de entender la moda que refleja algo muy costarricense: la idea de que el desarrollo creativo debe caminar de la mano con el respeto por la vida y el territorio.

¿Qué habrá?

Como parte de esta visión, el miércoles 25 de marzo, de 1:00 p.m. a 5:00 p.m., el Centro Cultural de España en Barrio Escalante abrirá sus puertas para una jornada de conferencias que invitará a pensar la moda desde distintos ángulos.

Habrá una charla de Raquel Torres, compradora internacional de España que inicia una nueva alianza con el Costa Rica Fashion Week para impulsar la exportación de marcas latinoamericanas; un conversatorio con tres diseñadoras del Instituto Paraguayo de Artesanías; y espacios de diálogo sobre sostenibilidad, historia de la moda en Costa Rica y los desafíos de conectar diseñadores, consumidores y fashion buyers en mercados internacionales.

En las pasarelas (que serán en la Antigua Aduana) también se sentirá ese espíritu de encuentro. Diseñadores de países como República Dominicana, México, Paraguay, El Salvador, Guatemala, España, Estados Unidos, Ecuador y Nicaragua compartirán escenario con talento nacional, desde propuestas emergentes hasta colaboraciones con el Instituto Nacional de Aprendizaje, que presentará la pasarela inaugural. Será un punto de convergencia donde distintas visiones de la moda dialogan con la identidad costarricense.

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Adicionalmente, habrá en la Casa del Cuño actividades paralelas que se anunciarán próximamente.

Al final, el Costa Rica Fashion Week no busca parecerse a las grandes capitales de la moda. Busca demostrar que desde un país pequeño se puede construir una industria creativa que sea culturalmente significativa.

@starmangabeSe viene el CRFW! Entradas gratuitas! No se lo pierdan ✨🩵🇨🇷 🗓️ 25 - 28 MARZO. 📍Antigua Aduana. #crfw #semanadelamoda #costarica #costaricafashionweek #fashionweek

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Puede seguir la cobertura del Costa Rica Fashion Week en el TikTok de Starman Gabe.

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Piénsenlo bien. ¿Por cuántos artistas apostarían ustedes que van a seguir sacando buena música con el paso de los años? Que no solo tengan un gran disco en su carrera, sino que continúen publicando obras valiosas incluso después de décadas. Es muy difícil saberlo. Pero si ese fuera el juego, yo no dudaría en apostar por Jorge Drexler. Porque es de esos artistas que se cuentan con los dedos de una mano.

Drexler es un caso curioso dentro de la música latinoamericana. Vino desde un lugar de nicho, desde la tradición de la canción de autor, pero nunca se conformó con quedarse ahí. No se limitó a ser un trovador más ni a convertirse en un simple discípulo de su querido Joaquín Sabina. Desde sus primeros discos en los años noventa —que aún hoy suenan frescos— ya mostraba composiciones complejas, con guitarras difíciles de tocar para cualquier estudiante de música que crea que todo se resuelve con unos pocos acordes.

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Sin embargo, lo verdaderamente notable de Drexler es su capacidad de reinventarse. A lo largo de más de tres décadas de carrera ha demostrado una y otra vez que puede girar el timón de su propio sonido sin perder identidad. Con Taracá, su décimo quinto disco, vuelve a confirmar esa vocación exploradora y autodidacta.

En los últimos años Drexler ha trabajado cada álbum casi como un proyecto conceptual. Si en sus primeros trabajos predominaban las historias de amor, desamor y las idas y venidas de la vida, a partir de 2014 comenzó una etapa distinta con Bailar en la cueva. Ese disco giraba alrededor del baile. Para lograrlo hizo algo que parecía ir contra su propia naturaleza: cortar sus letras largas y dejar que la música respirara más. Quería que sus canciones pudieran sonar en espacios para bailar, algo poco habitual en una obra que tradicionalmente no era bailable.

Luego vendrían otras exploraciones. En Salvavidas de hielo, por ejemplo, llevó su obsesión por la guitarra al extremo: todo en ese disco nace del instrumento. No solo las armonías y melodías, sino incluso las percusiones, construidas a partir de golpear distintas partes de la guitarra. Era una forma de convertirla en un universo sonoro completo.

Ahora, en Taracá, Drexler dirige su mirada hacia otro origen musical: la percusión. Resulta curioso que haya esperado hasta su decimoquinto álbum para dedicarle una especie de homenaje espiritual a ese elemento primigenio de la música, siempre presente en su obra pero pocas veces protagonista. Aquí lo hace con una elegancia notable.

Pero el disco también dialoga con temas contemporáneos. Así como en su álbum anterior reflexionaba sobre el algoritmo y la manera en que las plataformas moldean nuestra relación con la música, en Taracá aparece otro gran tema de nuestro tiempo: la inteligencia artificial. Drexler no la aborda desde el miedo ni desde la condena moral, sino desde una curiosa cercanía: la trata casi como a una hermana.

Esa imagen inevitablemente evoca la Hermana duda, una figura que ya había aparecido en uno de sus discos más intensos, 12 segundos de oscuridad. Como si, décadas después, esa duda filosófica hubiera encontrado una nueva encarnación en la inteligencia artificial.

Desde hace mucho tiempo Drexler no necesita demostrarle nada a nadie. Está en un nivel compositivo altísimo y posee un conocimiento musical profundo. Pero lo interesante es que, pese a haber nacido como un artista de nicho, ha logrado conquistar a un público mucho más amplio sin sacrificar su esencia.

Su presencia constante en los Grammy —más allá de lo que los premios signifiquen— habla de ese reconocimiento global. Lo mismo ocurre con su relación con Costa Rica: pasó de llenar teatros a presentarse en recintos mucho más grandes como Parque Viva. Incluso se comenta que podría volver al país el próximo 12 de septiembre.

Lo admirable es que, en ese tránsito hacia un público mayor, Drexler no ha cedido terreno artístico. Sigue escribiendo canciones complejas, emotivas, con un sonido difícil de encontrar en el mainstream y con letras que muchas veces parecen sacadas de libros de poesía.

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Y no es casualidad. Drexler es un lector apasionado de poesía. Alguna vez le pregunté —en una de las ocasiones en que he tenido la suerte de conversar con él— si publicaría un libro de poemas. Me respondió que se lo han ofrecido varias veces, pero que siente que ese territorio no le pertenece. Su lugar es la canción.

Aun así, en algunos momentos se permite acercarse a ese territorio, como cuando en la clásica Milonga del moro judío decide recitar versos en lugar de cantarlos. Son gestos pequeños pero reveladores de su relación con la palabra.

Taracá tiene algo especial: parece condensar toda su carrera. Funciona, al mismo tiempo, como un excelente punto de entrada para quien nunca lo ha escuchado y como un disco lleno de guiños para quienes lo han seguido durante años.

Para quienes buscan en Drexler canciones de amor y desamor, aquí están. Para quienes lo admiran por su capacidad compositiva, también está presente. Para quienes lo siguen por su mirada poética o por su forma de hablar de la vida y de la sociedad, también hay material de sobra.

No se me ocurre otro artista que juegue con la música de esa manera, que uno escuche sus canciones y sienta que se está divirtiendo mientras compone. Drexler sigue utilizando las voces como instrumentos, construyendo armonías vocales con una delicadeza poco común.

Por eso es un artista por el que siempre se puede apostar con tranquilidad. No es alguien que saque discos apresuradamente. Es prolífico, sí, pero también extremadamente cuidadoso con la edición, la corrección y la revisión de su trabajo.

Con Taracá, Drexler vuelve a dejar el listón alto. Y ojalá podamos cantar estas canciones en vivo si finalmente visita Costa Rica a finales de año (aparentemente vendría el 12 de setiembre a Parque Viva), ya que somos un país que siempre le ha dado una bienvenida cálida y que él parece disfrutar profundamente.

A estas alturas ya no hay duda: Jorge Drexler es uno de los grandes autores contemporáneos. Quizás merecería incluso más reconocimiento del que ya tiene. Puede parecer extraño decirlo de alguien que ha ganado un Óscar, varios Grammy y tantos otros premios. Pero hay algo peculiar en su carrera: ha logrado llegar al gran público sin dejar de ser, en esencia, un artista profundamente personal.

Tal vez ahí radique su secreto. Drexler sigue siendo consistente, honesto y profundamente sensible en lo que hace. Y eso, hoy en día, no es tan fácil de encontrar.

En español, al menos, sigue ocupando la cúspide de los grandes autores contemporáneos. Y su lugar en la historia de la música —no solo latinoamericana, sino más allá— ya está más que asegurado. Escuchémoslo sabiendo que es un verdadero privilegio seguir oyendo música nueva suya.

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Los pasillos de Plaza Lincoln, en Moravia, volverán a llenarse de lectores, autores y conversaciones literarias con la tercera edición del Festival del Libro, que se realizará del 24 al 26 de abril, entre las 10 de la mañana y las 8 de la noche.

Durante tres días el público podrá recorrer espacios de exposición y venta de libros, así como participar en presentaciones de obras, coloquios, firmas de autores y diversas actividades culturales. El evento es de entrada gratuita, tanto para los visitantes como para los participantes.

El festival ha consolidado un modelo particular dentro del circuito de ferias literarias del país: la participación de editoriales, librerías y autores independientes es completamente gratuita. Según explica el impulsor del proyecto, el escritor y editor José Chacón, el objetivo es abrir espacios para la bibliodiversidad y facilitar que nuevas voces puedan encontrarse con sus lectores.

“Nos emociona volver a traer esta feria tan querida y exitosa donde habrá un gran mosaico de voces y, sobre todo, celebrar este arte en el marco del Día del Libro”, señala Chacón.

Literatura con vocación social

El festival también incorpora una dimensión comunitaria. En su edición anterior se realizó una donación de libros a hospitales, una iniciativa pensada para llevar lectura a espacios donde los libros no siempre están disponibles.

Este año el proyecto dará un paso más con la creación de las “bibliorefris”, refrigeradoras en desuso que se transformarán en pequeñas bibliotecas públicas. La idea es simple: cualquier persona podrá tomar un libro, leerlo y dejar otro, generando un circuito de intercambio de lectura en distintos espacios.

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La edición de este año reunirá a 60 autores, reflejando la diversidad del panorama literario costarricense, desde escritores consolidados hasta nuevas voces y proyectos editoriales independientes.

Los autores seleccionados para participar en el festival son:

Susana Ramírez Madrigal, Eduardo Hidalgo Castro, Gabriela Vindas Fernández, Allan Gerardo Zúñiga Brenes, Ivonne Quesada Carazo, Jehovanna Paniagua, Luis Guillermo Álvarez Jiménez, José David Naranjo Sánchez, Jennifer Rodríguez Montero, Adolfo Quesada Chanto, Monyka Méndez Montero, Katherine Murillo Mora, Eugenia Bolaños Aguilar, Alan Hernández Gebotsreiber, María Fernanda Angulo Tello, José Luis López Retana, Alegría Sagot, Anthony Fernández, Jacqueline Solano Naranjo, Marco Chavarría Castro, Andrés Angulo Milano, Mario Young Leitón, Eduardo Murillo Zúñiga, José Pablo Hernández Arroyo, Sonia Mayela Vargas Ulloa, Laura Isabel Vásquez Calderón, Laura Lépiz Castillo, Ingrid Ávalos Barquero, Rebeca Conejo Solano, Sonia Herrera Mora, Juliana Gutiérrez Salazar, Fiorella Vargas Campos, Patricia Araya Jiménez, Christian Herrero Acevedo, Jason Arias Vargas.

También estarán Gerardo Zúñiga Hernández, Raquel Herrera Corrales, Luis Fallas Ureña, Dinia Navarro Méndez, Wendy Rojas Arias, Jonathan Córdoba Fallas, Isabela, Sebastián Montenegro, Paolo Cascante Marín, Paula Zamora, Macarena Barahona Riera, Rebeca Stam, Ivonne Solís Rojas, Giovanni Guzmán Bolaños, Marina Raquel Rudas Herazo, Brayden Sánchez Morales, Óscar Núñez Olivas, David Mora, Steven Cubillo Montero, Ricardo Ascanio Sánchez, Marlene Ramírez Berrocal, Magally Abarca Rodríguez, Humberto Nabil Ramírez Brenes, Floribeth Calvo y Jorge Arturo Mora.

“En un contexto donde necesitamos más espacios artísticos, el Festival del Libro de Plaza Lincoln apuesta por un ambiente muy cercano, donde el lector puede conversar directamente con los autores, descubrir editoriales independientes y encontrarse con libros de manera casual mientras recorre el centro comercial”, finaliza José Chacón, fundador de este festival.

La escritora costarricense Verónica Jiménez, conocida en el ámbito cultural (y podríamos decir del internet) como Furia Patana, presenta este viernes 6 de marzo su nuevo libro Trópico frío, una obra que nace de una obsesión íntima y se transforma en una exploración literaria sobre memoria, identidad y ficción.

Quienes siguen a La Cuarta CR recordarán que tiempo atrás conversamos con ella (quien en el 2023 presentó el poemario Jale a Patear Hortensias) sobre este proyecto cuando aún llevaba otro nombre: Hipótesis sobre una casa. Hoy, ese proceso encuentra una nueva forma y un nuevo título después de un año de entregas semanales a sus lectores de Substack.

“Hace 2 años decidí que iba a empezar a escribir para entender por qué tenía una obsesión con una casa que conocí en 1996. Trópico frío es el resultado de esos años de investigación, escritura y ficción”, cuenta Verónica. Lo que comenzó como una inquietud personal terminó convirtiéndose en un tejido de conexiones inesperadas. “El camino me llevó a descubrir —y forzar— un montón de conexiones con el mundo que me rodea: con la literatura costarricense, con la historia cultural, con la identidad, con las mentiras que nos contamos y con los espacios que tienen vida propia”.

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“Como ya saben los lectores de La Cuarta CR, este libro proviene de un proyecto más amplio publicado semanalmente en Substack durante 2024 y 2025. En el proceso de edición, aquel conjunto de 45 textos fue sintetizado en 19 piezas que cuentan una historia ligeramente distinta, más condensada y con otra respiración narrativa. De ahí también el cambio de título. El nombre Trópico frío proviene de un poema del poeta costarricense Isaac Felipe Azofeifa, quien se convierte en un personaje central dentro del relato y a quien la autora decidió rendir homenaje en la versión final”, explica la autora.

¿Por qué leer Trópico frío? La propia autora lo define sin rodeos: “Es un libro con una estructura media rara: quiere ser novela, pero tiene demasiada realidad para serlo y quiere ser ensayo pero tiene demasiada mentira para lograrlo”. En ese territorio híbrido —entre la memoria y la invención— emerge una lectura que se mueve con ternura e ironía.

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Todos los detalles

El libro viene editado por la editorial independiente Patio Abierto y forma parte de su colección de narrativa nacional. Trópico frío tendrá su presentación este viernes 6 de marzo a las 7:00 p.m. en la librería Patio Abierto, ubicada en San Pedro de Montes de Oca. El ejemplar tiene un costo de ¢6000 colones y puede adquirirse directamente en la librería o solicitarse por envío, ¡para anotarlo de una vez en la agenda!

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La presentación contará con la participación de los escritores Kevin Román y Eunice Báez, ambos parte del universo del libro y figuras clave en su proceso creativo. Según Verónica, será “un espacio como de presentación en sociedad de este material del que siento que tengo años hablando y que ya necesito dejar en manos de los lectores”. Promete, además, una actividad “divertida, cero solemne”, donde se conversará sobre cómo una obsesión por una casa puede convertirse en un libro de autoficción atravesado por la historia cultural del país.

“Es también un libro que pretende acercar algunas ideas ‘intelectuales’ a nuestra cotidianeidad, como para intentar descifrar cómo putas conectamos el pasado con la Costa Rica de hoy a un nivel más práctico. Es también una carta de amor a los amigos, amigas y a la música; y por ahí, creo que eso es lo más precioso del libro”, finaliza Vero.

La noche del 27 de febrero, en Oasis, La Calle, ubicada San Pedro, se presentó la música del nuevo disco Un Destello de Luz, y a la vez, una colección de otros temas conocidos de la banda nacional Adiós Cometa.

Ya este disco, desde su lanzamiento el 29 de enero pasado, había pasado por una serie de revisiones y comentarios altamente positivos: donde se enfatiza la consolidación de un sonido más depurado, de guitarras que generan ambientes que transitan entre lo onírico y lo espacial.

El concierto arrancó poco después de las 8 p.m. con los teloneros nacionales Lentamente y los chapines Asimov -quienes visitaron el país por primera vez-. Ambas presentaciones, sorprendieron a las personas por su energía y la rápida conexión que mostraron con las personas que estuvimos y que cada vez más se agolpaban conforme se acercaba la hora que Adiós Cometa saliera al escenario.

La ansiedad era cada vez más palpable conforme se acercaba el momento del reencuentro con el público nacional -en internacional- que se reunió en un espacio que permite una proximidad no solo física, sino altamente emocional con las bandas.

A las 10pm, las luces se apagaron y el escenario se tiñó con los intensos colores rojos cadmios y carmesí que el arte del disco esboza. Los primeros acordes de Luminosa generó una reacción que fue no solo inmediata, sino que enfatizaba el reencuentro de estas dos fuerzas (banda y público) desataron durante todo el resto de la noche. Desde ese instante quedó claro que el concierto no sería solo una sucesión de canciones, sino una celebración colectiva y un viaje emocional, cuidadosamente construido con cada composición.

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El repertorio incluyó temas de sus trabajos anteriores: el LP Nuestras Manos son Incendios (2024), como: “Transparente” o “Prefiero quedarme” y de su EP La Isla que Somos (2021): “Norte”, que en las voces de sus fanáticos son ya clásicos contemporáneos y nos mantuvieron un constante éxtasis de vitalidad. Y por supuesto: “Luminosa”, “Una Vida en otra Parte” o “Candelaria” armaron un repertorio que se refuerza cada vez más de forma sólida en una agrupación que pareciera, tienen toda una vida de estar tocando juntos.

Oasis, La Calle, se convirtió poco a poco en un pequeño mar de personas que al unísono, coreaban cada una de los temas, que como marea de gran amplitud empujaba energéticamente la cabeza con cada golpe del redoblante y que, en ciertos momentos, hasta competía en nivel de decibeles con la banda misma.

En un momento donde se discute el innegable aporte de la música en la sociedad, donde las estadísticas demuestran, las muchas veces, el poco apoyo al artista nacional: la presentación de Adiós Cometa, es una completa bocanada de aire fresco, que demuestra cómo la sinergia entre una banda y su público es evidente y palpable. Y es, a la vez, una invitación de mi parte, estimada persona lectora, a buscarlos en las plataformas de streaming y si son fiebres de escuchar en formatos físicos -lo cual recomiendo ampliamente-, adquirir sus discos: el arte de Un Destello de Luz es maravilloso. Adiós Cometa es banda que merece el reconocimiento actual y todo el que pueda cosechar en el futuro inmediato.

Durante décadas, el anime (y el shōnen en particular) se sostuvo sobre un tropo casi que fijo: si existe un buen maestro, el mundo todavía es salvable. El mentor, históricamente, era la figura que ordenaba el caos, transmitía sentido y garantizaba que el sacrificio valiera la pena.
Jujutsu Kaisen, en su tercera temporada, se dedica a dinamitar esa idea de una forma muy sorpresiva y bien lograda.

Aquí no hay maestros infalibles. Hay adultos cansados, instituciones torpes y genios que, pese a su poder, no saben cómo evitar que todo se derrumbe. Y ese no es un error de guion: es la tesis central de la serie.

El maestro ya no llega a tiempo

En el shōnen clásico, y de hecho en las grandes historias sobre hechicería, el maestro siempre aparece cuando debe. Aunque llegue tarde, llega. En Jujutsu Kaisen, en cambio, llegar tarde es llegar mal.

Gojo Satoru es el ejemplo perfecto. El hechicero más poderoso del mundo, el profesor que debería garantizar la estabilidad del sistema… y, sin embargo, el gran ausente. Incluso en la tercera temporada se shabla de Gojo como un fantasma. Sigue siendo un personaje que acciona recuerdos y anhelo, pero la realidad es que no está ahí. Ahora le toca a otros “salvar la tanda”. No por incompetencia, sino por algo más inquietante: porque su sola existencia no alcanza.

Gojo no fracasa por falta de poder ni tampoco el problema no es que Gojo sea mal maestro; el problema es que no hay sistema que sobreviva. También podríamos interpretar que el poder absoluto no enseña: sino aísla. ¿No sería mejor no tener la concentración de poder sino un poder distribuido y equilibrado?

Gojo: el maestro que sí lo intentó

Y, aun así, sería un error leer a Gojo como un adulto irresponsable. Gojo no se desentiende del mundo sino que intenta protegerlo incluso cuando sabe que no puede controlarlo.

Toma precauciones. Delega. Anticipa. Le pide a Yuta que cuide de Itadori. Desconfía de las instituciones, así que construye redes personales, afectivas, casi clandestinas. No cree en el sistema, pero sí en las personas.

Eso lo vuelve un maestro profundamente contemporáneo. No es el sabio solemne ni el patriarca incuestionable. Es carismático, informal, provocador; un profesor cool, sí, pero nunca superficial.

Por eso, si quisiéramos rebuscar palabras, podíamos decir que la tragedia de Gojo no es moral ni pedagógica. Es estructural. Hace casi todo bien… salvo una cosa imposible: no puede estar en todos lados al mismo tiempo ni transferir su gran poder. El mundo que intenta sostener es demasiado grande incluso para alguien como él.

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¿Y las instituciones?

Si el maestro falla, uno podría esperar que la institución compense. Jujutsu Kaisen no concede ni esa ilusión. La escuela de hechicería no forma héroes: gestiona catástrofes.

Los altos mandos no planifican futuro; reaccionan. No transmiten valores; reparten órdenes. Y, cuando la situación se desborda, la solución no es pensar mejor.

Ademásm la tercera temporada insiste en que los jóvenes no heredan conocimiento, heredan errores.

Nanami, quizá el adulto más ético de la serie, no puede ofrecer esperanza, solo advertencias. Su figura no es la del guía luminoso, sino la del trabajador que ya entendió que el sistema está roto, pero sigue yendo a la oficina porque alguien tiene que hacerlo.

Aquí no hay grandes discursos sobre el sentido de la vida. A lo sumo, consejos prácticos para no morir hoy.

El fin del legado heroico

La pregunta que flota en esta temporada no es “¿quién será el próximo gran hechicero?”, sino “¿vale la pena seguir heredando este mundo?”. Y esa es una pregunta radicalmente anti-shōnen.

Los estudiantes no quieren superar a sus maestros; quieren no repetir sus fracasos. Pero ni siquiera eso parece garantizado.

Este quiebre conecta con una audiencia adulta que creció creyendo en el progreso continuo y despertó en un mundo donde muchas estructuras heredadas simplemente no funcionan.

Por eso, el fracaso del maestro en Jujutsu Kaisen no es una crítica individual, sino un diagnóstico de las sociedades de hoy (que nos mega resuena en Latinoamérica, especialmente). Vivimos una época donde la transmisión del saber está en crisis, donde las figuras de autoridad llegan tarde o no llegan, y donde el futuro ya no se enseña: se improvisa. ¿Cómo no sentirnos tocados por algo así?