É o esporte que talvez melhor carregue em si os valores de um povo, a forma de encarar a vida coletiva e como isso estrutura os afetos do cotidiano. Tudo isso é construído pelos encaixes políticos que guiam as sociedades e criam hábitos, que se tornam em manifestações culturais e estéticas

Esse encontro une a moda e o futebol já que, no esporte a força do simbólico também joga. O soft power, a influência sutil dos significados surgidos através da esportividade e da postura competitiva das seleções dos países, e dos símbolos estéticos que traduzem isso, participam ao mesmo tempo da sociedade que os define. Isso torna o futebol um lugar de continuidade das relações e dos conflitos entre países. Ainda assim, um “gênio” disse que futebol (e, por esse jeito de pensar, também a própria moda) não se mistura com política.

Gana: lendas e ancestralidade em tecido

A camisa da seleção de Gana foi eleita a mais bonita da Copa do Mundo de 2026. E não foi por qualquer lugar: foi pela The Athletic, editoria das grandes histórias do esporte e dos atletas do New York Times. Considerando a história não apenas das seleções mas também dos países e de sua cultura, a página fez um ranking dos uniformes dos 48 times nacionais que estavam da disputa. Isso chamou minha atenção, pesquisei o design e vi o quanto de significado a camisa de futebol carregava

Produzidos pela marca esportiva italiana Puma, os conjuntos esportivos ganeses para a Copa tem como peça-chave a camisa o uniforme principal. A partir da estrela negra de cinco pontas da bandeira de Gana, que representa a liberdade da África e a união dos povos negros, se desenha um grande padrão visual único, composto por linhas em diferentes direções e de diferentes tamanhos, atravessando toda a frente da camisa, lembrando uma teia de aranha. Como todos os detalhes do uniforme ganês, a escolha é cheia de intenção, e foi fundamental para a intenção de Gana de afirmar identidade cultural através no maior palco mundial do futebol.

A teia remete à lenda de Anansi, aranha mitólogica da tradição Ashanti — grupo étnico que baseou e baseia a organização política, social e cultural ganesa — e também divindade, que simboliza sabedoria, criatividade, sobrevivência e inteligência. Na origem do mito, dois caçadores teriam andetrado a floresta de Ashanti e encontrado Anansi, uma aranha mágica que tecia uma teia muito complexa, de formas geométricas. Fascinados pela precisão dos padrões, observaram com atenção os movimentos de dança de Anansi ao cruzar os fios.

Há quem diga que, a entidade, com seus truques, ensinou o segredo da tecelagem aos humanos em troca de pequenos favores. O saber transmitido por Anansi deu origem ao tecido Kente, um dos maiores símbolos culturais do país, por ser materializar uma expressão estética e de habilidade que que só existem ali, originados da cultura, do comportamento e de tudo o que forma um país, seja como espaço com fronteiras demarcadas por um governo ou como a alma de um ponto no mapa-múndi.

A técnica do Kente mimetiza a teia de aranha por ser feita em teares de madeira manuais, tecendo tiras estreitas que depois são costuradas nas laterais, gerando o efeito quadriculado e geométrico típico. O fato de Anansi dar origem ao Kente reforça que o tecido imprime em suas linhas, formas geométricas e cores a sabedoria ancestral do povo de Gana. A geometria do tecido corresponde a uma linguagem visual da filosofia e dos valores Ashanti.

Ficando só nas formas geométricas mais simples, temos:

Ziguezague: a vida não segue um caminho reto. Representa o dinamismo da trajetória humana e a flexibilidade essencial para crescer em momentos difíceis.

Quadrado: sinônimo de ordem e estrutura, a solidez de sociedades organizadas.

Triângulo: força, estabilidade e o ciclo completo da vida. Afinal, ninguém escapa de nascer, viver e morrer.

Losango (ou diamante): é o duplo vínculo da liderança. Um grande líder deve saber dosar firmeza e sabedoria.

Cruz: ponto em que o destino humano encontra o divino, cultivo da espiritualidade

O uniforme de Gana tem muitas camadas de significado, vindas de algo muito presente no cotidiano do país, em roupas, acessórios, itens domésticos, sempre à vista nas feiras de rua. Os ganeses incorporam os valores do Kente no dia a dia, e isso é uma das principais razões pela qual ele foi levado por seus jogadores à Copa do Mundo como linguagem estética nos uniformes.

Para muito além disso, esses valores foram mostrados por eles em prática, no campo, encarado sua trajetória esportiva com a resiliência, a firmeza e a superação que essa linguagem comunica. Isso é, de fato, representar um país como seleção nacional: tornar reais, em movimento, pela disputa construtiva do futebol, os príncipios vestidos pelos atletas.

Ali, com a televisão ligada durante o almoço, um dos clipes que eu mais esperava era de uma música que o refrão e a estrofe se ligam por uma irresistível sequência de “na-na-na-na-na-na-na-na”, num loop acelerado que é uma mistura perfeita de pop e eletrônica dançante. Isso dava o compasso a uma narrativa visual com uma jovem mulher que saía por uma porta, fazia um trajeto pelas ruas, passava por entradas, saídas, vitrines, pegava flores, cumprimentava e interagia com as pessoas do caminho e, ao passar pela mesma porta, vinha se juntar ela uma outra versão de si, que percorria o mesmo trajeto com ações diferentes. Depois de mais umas três outras versões da moça saírem do mesmo lugar, todas elas existiram ao mesmo tempo e no mesmo espaço — como em diferentes planos possíveis numa mesma vida, tal qual os multiversos dos filmes de herói.

A jovem mulher do clipe é a cantora australiana Kylie Minogue, uma das minhas divas absolutas do pop, a música é “Come into My World”, facilmente uma das que eu mais ouvi nas últimas quase duas décadas e meia, e é só o “na-na-na-na-na-na-na-na” voltar na minha cabeça que a música e o cenário surgem bem na minha frente, como se eu fosse um dos personagens do quarteirão em que as cinco Kylies passeiam juntas, mas em mundos diferentes. Acredito que isso é o que se chama de ‘entrar no imaginário’, e é a ele que a moda e o consumo recorrem com muita maestria para colocar no mundo as ideias que os fazem continuar em movimento. Um ótimo exemplo recente foi a recriação desse videoclipe pela Chanel, para a campanha da bolsa Chanel 25.

A escolha por recriar esse imaginário (com uma das estrelas mais brilhantes em Hollywood hoje, Margot Robbie) e dos elementos usados nela, dá pra observar que o endereço é certo: a nostalgia de millennials apaixonadas por moda de rua dos anos 2000, marcada pela total influência da cultura pop — já que o acesso ao que as celebridades vestiam em todos os momentos começava a crescer exponencialmente, via internet. Passava a ser comum topar com registros daquela atriz que você ama o estilo de jeans e camiseta, pelas calçadas de Los Angeles, Nova York ou Londres, com acessórios, óculos de sol e modelos de bolsas de saltar aos olhos. Fosse pela marca, pelos detalhes dos modelos ou, melhor ainda, pelos dois.

Um dos primeiros fenômenos de proliferação de informação de moda online, pré-mídias sociais — seria uma das primeiras camadas desse multiverso que não para de crescer? — looks cotidianos de celebridades até os de figuras dos então recém-popularizados reality shows, passando por queridinhas da moda e dos bastidores do showbiz, publicados diariamente nos sites de moda e cultura pop e protagonizados principalmente pelas bolsas, fez surgir um movimento paralelo em torno delas: o das it-bags.

A it-bag é a bolsa do momento, o modelo que passava a ser sinônimo de estar na vanguarda global de estilo urbano, seja por ter ganhado um impulso extra por compor um look de alguma celeb que tinha se espalhado pela home de todos os sites (o “viralizou” da época) ou por reunir tudo que uma bolsa precisava ter para ser a companhia perfeita para os visuais preferidos da hora. As it-bags criaram uma linha do tempo própria, misturando marcas, modelos, anos e também as personas artísticas que as adotavam.

Essa timeline se tornou um território específico em que as etiquetas passaram a disputar espaço para se comunicar com o grande público e também para consolidar duas dinâmicas já muito importantes no luxo: bolsas e acessórios como produtos de “entrada” e propulsores da aspiracionalidade das marcas, a além de reforçar as relações das casas de moda com celebridades a ponto de serem essenciais para sua identidade.

As escolhas estéticas e de estilo na moda são pautadas por como essências particulares se relacionam entre si e com o mundo, sem uma separação clara — a expressão da personalidade passa por como se compõem os diferentes repertórios de vida, diretamente atravessados pelo que foi cultivado na memória. A nostalgia, em doses saudáveis, é uma forma de ativar a memória com camadas de resgate afetivo, e isso é uma das chaves para entender o comportamento de consumo de moda millennial hoje, principalmente no mercado de luxo.

Para uma geração em que até consumidores de alto padrão não deixam de se ver em situações de expectativas não atendidas e conquistas não alcançadas, e nisso filtram a identificação ou o desejo de compra das peças, aquilo que passa pelos lugares quentinhos da cabeça e do coração ganha a preferência — e a Chanel, conectada com o presente do alto de sua sabedoria de maison histórica mais que centenária, sabe muito bem disso.

São mudanças de postura complexas, em que preciso olhar camada a camada com com cuidado e autocompaixão e, nisso, volto em lembranças e feridas antigas. É um processo que demanda tempo, claro, e a vida de ninguém para até que tudo se integre ao presente. Conciliar o aprender com o passado com fazer diferente no agora é um desafio diário.

Tenho uma ânsia muito grande por quase tudo na vida. A por viver tudo que eu sei que posso e quero, então, é a maior possível. Toda essa pressa para resolver os pontos de evolução que encontrei, para minha vida ‘andar pra frente', junto de um crítico interno mordaz e por vezes até cruel, não preciso dizer que entrei numa espiral de sentimentos muito difíceis de administrar. Isso desregulou meu humor e meu comportamento, acabei perdendo pé das coisas mais básicas da vida. Tocava a rotina num automático em que não confiava em mim e, nesse ritmo, só queria chegar viva no final do dia.

Faltava espaço na minha cabeça para escrever e, toda vez que pensava nisso, experimentava a maior sensação de paralisia do mundo. “Você precisa pesquisar e elaborar insights só seus, e não vai ter tempo, “você tem que parar de dar voltas na sua cabeça na hora de escrever”, “você precisa ser mais dinâmica e menos 'dura', ninguém quer ler nada grande e chato” — dizia, e ainda diz, o crítico interno. Será que eu devia dar um nome para ele?

Minha cabeça, de certa forma, me colocou num looping de que não valia a pena continuar ou começar nada, porque eu não manteria, então para que insistir? Principalmente, com a cabeça desgastada e confusa. Já entendia que precisava atravessar cada coisa que me prendia, parando, escutando e entendendo o que cada reação queria dizer e de onde ela vinha dentro de mim. Essa travessia me dá medo e uma certa tristeza, e acabo me escondendo na fuga das emoções, mecanismo de sobrevivência que desenvolvi no decorrer da vida e que quero substituir por mecanismos de ação.

Mas ando notando que encarar cada ponto de atenção dentro do tempo e estado de espírito possíveis não me atrasa. Junto a uma rotina que organiza minha cabeça, mas que é flexível, e torna as ações mais claras, isso constrói meu eixo, o centro que preciso para criar a confiança que sempre senti que faltava.

A confiança para materializar o que habita meu vasto mundo interno, um refúgio feito para lidar com o que eu não consegui absorver no mundo real, mas que guarda repertório, ideias e uma curiosidade meio adormecida, porém viva. Tudo isso, se colocado às claras, pode colocar no mundo coisas incríveis. Elas serão incríveis a seu tempo, dentro dos próprios limites — e tá tudo bem.

Também senti necessidade de redescobrir minha autenticidade, perder a resistência exagerada à rejeição e ao ridículo, que construí durante a vida para fugir da frustração e da sensação de fracasso. Fazer o que for possível em cada momento, desprendida, como uma obra criativa que a validação de fora não é essencial para que ela tenha sentido completo.

Acho que estou me movendo lentamente em direção à tão desejada clareza, entendendo com mais maturidade os hábitos e atitudes que vão me impulsionar, com fluidez, na direção que busco, apesar do desconforto. Nas oscilações e dias difíceis, a solução é aceitar o que vem e se olhar com autocompaixão, abaixando o volume do crítico interno, o que inclusive preciso fazer bastante. Aliás, acho que realmente vou dar um nome pra ele — assim nos conhecemos melhor e podemos nos entender.

Agora, sinto que reganhei um pouco de confiança para exercitar minha escrita e para entender como cultivar outros canteiros da vida que quero ver florescer. Apesar dos receios e bloqueios providenciados pelo crítico interno (olha aí de novo!), pretendo seguir.

O que escrevo aqui reafirma moda como engrenagem das sociedades, ao mesmo tempo que manifesta de uma maneira ampla e encantadora como elas vivem, se organizam, pulsam. Isso, para mim, é uma das coisas mais importantes e impressionantes que existem — e, traduzido por imagem, palavra e pelos significados construídos através disso, se torna ainda mais poderoso.

Seja em textos ou em diferentes formatos essa é a direção do que produzo. Espero que, no caminho, não só através dos tópicos diversos que serão tratados dentro de moda, cultura e comportamento e partindo daqui para os outros pontos do país internet, você me acompanhe sempre que (e como) puder.

O Nó Górdio é uma lenda da Antiguidade que envolve o rei da Frígia e Alexandre, o Grande, e a disputa pela Ásia Menor entre seus povos. Costuma ser usada como metáfora para problemas insolúveis facilmente resolvíveis pela astúcia ou por uma quebra de paradigma.

Sempre quis o mundo e não tenho vergonha de admitir, por mais que soe meio ególatra — senti e sinto que estou disposta a ir atrás dele e que sou capaz de encarar essa travessia. Esse caminho não é fácil pra ninguém no mundo e, no meu caso, ainda preciso de algumas manobras extras, pela dinâmica da minha bela cabecinha ser influenciada por essas letrinhas tão simpáticas: TDAH (Transtorno de Déficit de Atenção e Hiperatividade) e TAG (Transtorno de Ansiedade Generalizada). Quem manda em quem? Em quase quinze anos de tratamento alopático e um pouco mais de terapia (não é fácil, mas graças a Deus!), ainda não sabemos. E, ainda assim, entre altos, médios e baixos, seguimos

É simples? Haha, não meeeesmo, mas seguimos. Oscilando entre queimar no golpe e paralisar de ansiedade, a autossabotagem me acompanha na vida — e todo o ímpeto de realizar o que é preciso para conquistar o que busco se transforma em frustração, pelas ações não realizadas por duvidar da minha capacidade de conduzi-las da melhor maneira até a conclusão.

De forma alguma, falo da desatenção e da ansiedade para me vitimizar ou me definir. Hoje, tenho consciência que são aspectos que vão me acompanhar pela vida e preciso cada vez mais transformá-los em aliados para que o ciclo da autossabotagem não prevaleça. Em diferentes períodos, métodos de organização que adotei me ajudaram, às vezes mais, às vezes menos, mas todos se esgotaram em algum momento. Nessas horas, o dia a dia se torna um automático com uma permanente ponta de insatisfação, como se eu não tivesse recursos para enxergar as oportunidades de fazer o melhor no presente para ir na direção do que busco.

A cada ida e volta do automático, procuro evoluir no entendimento da vida cotidiana e encontrar uma maneira de encaixá-la que faça sentido para mim e se adapte às mudanças que virão, grandes ou pequenas — essas sim, uma constante inescapável. Em paralelo a esse ciclo, que atravessa minha vida há quase tanto tempo quanto eu me entendo por gente, descobri pontos de mim mesma que pensava estarem assentados, mas que na verdade precisam ser revistos com mais sinceridade. Afinal, num caminho tão particular como o de entender cada vez melhor a nós mesmos, é essencial que nos enxerguemos amplamente.

Todas essas idas e vindas, mais frequentes em alguns períodos e menos em outros, me fazem olhar para as circunstâncias com angústia e um pouco de agonia. Estabelecer uma rotina já é bastante desafiador, e não nego que já quis jogar tudo pro alto, então imaginem ainda ter que acomodar atitudes para evoluir mais profundamente em pontos sensíveis, que percebi que não dei atenção por receio de encarar o que as reais mudanças necessárias para melhorar trariam — confronto com verdades incômodas, a necessidade de sair de um certo estado de acomodação em que me coloquei para não olhar de frente o fato de querer mais de algumas situações, e ao mesmo tempo não saber como colocar isso pra fora ou tomar a iniciativa para mudar.

Com o tempero da ansiedade, da desatenção e da angústia, isso se embola com rapidez e complicação assustadoras na minha cabecinha caótica. Não me entendam mal — gosto que minha cabeça seja caótica, o caos acaba tornando possível ver ângulos curiosos e diferentes entre si sobre quase tudo — mas isso forma um nó górdio, como o da lenda que é falada no início desse texto, na minha cabeça, que pesa o coração e enevoa o discernimento.

Qualquer movimento no sentido de tentar desatar isso é inconclusivo, já que o nó me apavora, além de não sentir que consigo começar a resolvê-lo. O que me faz cair diretamente e sem escalas na autossabotagem e numa postura evitativa quase que constantes. Como não consigo enfrentar o desconforto de resolver o que preciso, busco a distração como escape para fugir do bloqueio. Me preocupa ter tanta dificuldade em refrear isso para me ater mais ao presente e, também, reconhecer que pegar a minha vida nas mãos plenamente é o que eu mais quero e preciso.

Olhar com ainda mais atenção para a terapia, processo que não é dos mais fáceis para mim, apesar de ser familiarizada com ela, e viver um dia de cada vez — o que sempre me assustou pelo receio de acabar em lugar algum — para tentar entender o espaço que preciso para lidar com cada descoberta e redescoberta, e como encará-las de forma coerente, necessária e, mais importante de tudo, mais generosa comigo mesma.

A última expressão vai poder ser muito bem vista neste ano, nos Jogos Olímpicos de Paris. Agora que vocês sabem que eu adoro esporte, nem preciso falar o quanto as Olimpíadas e o movimento olímpico me emocionam: o mundo reunido para celebrar o ápice das habilidades, da resiliência e da superação do ser humano, física e mentalmente, enquanto várias culturas se encontram e suas muitas expressões, mais tradicionais ou contemporâneas, se esbarram e vemos as identidades dos diferentes países se delinearem. Também não preciso falar que a moda é parte importantíssima disso, já que é uma das ferramentas centrais do esporte para transmitir valores e estilo de vida, e assim remeter à características individuais e de grupo.

Não à toa, visuais e peças esportivas saíram e saem dos vestiários para o guarda-roupa casual, já que as mensagens de atitude e comportamento do esporte, como conforto, versatilidade e autenticidade, manifestadas na moda, tem grande identificação com o cotidiano de diferentes grupos e torna itens desse universo queridinhos dos mais diversos estilos. Junto disso, o mundo do esporte está cada vez mais relevante na cultura contemporânea — por se posicionarem como plataformas que reúnem comunidades em torno da afinidade por uma prática esportiva e do entretenimento. Comercializando transmissão de campeonatos, experiências e eventos para fãs, as ligas das mais diversas modalidades e seus atletas contam com alcance e poder de influência cada vez maiores.

Esse grande público reunido em torno do mundo esportivo também é bastante interessado no estilo de vida dos atletas fora do campo ou da quadra. Onde vão, com quem andam e como se vestem quando não estão de uniforme — como chegam para os treinos, para os jogos e eventos importantes das modalidades. Por isso, nos anos recentes, esses rápidos momentos que fazem parte do ritual de acompanhar um esporte e seus atletas, e que são responsáveis por criar expectativa e identificação no público a partir das personalidades ali presentes, viraram uma importante plataforma para as grandes marcas de moda e luxo se posicionarem dentro da estratégia que têm adotado para espantar o fantasma de crise que ronda esse mercado nos últimos anos: buscar diferentes territórios que dialogam com a moda, mas vão além da moda em si. Este movimento coloca as criações das maisons em outros contextos, para criar momentos de estilo impactantes que gerem identificação de maneira mais ampla.

Claro que por trás também existe um movimento muito bem azeitado de estratégia de mercado: a grande capital da moda receber os Jogos Olímpicos 2024 deu um belo empurrão para as grifes acordarem para o capital financeiro e cultural de modalidades como basquete, futebol, tênis e Fórmula 1. Até recentemente, salvo algumas exceções, os esportes eram um nicho com que a moda não priorizava cultivar ligações consistentes, mas isso mudou — o que já vinha surgindo com força em algumas ligas e campeonatos, se expandiu ainda mais com as oportunidades olímpicas, que são o passo ambicioso dos players de moda e luxo para entrar na bilionária seara dos patrocínios esportivos. Em tempo: segundo a consultoria de negócios global PricewaterHouse Cooper, esse mercado tem uma projeção de crescimento mundial de US$ 63.1 bilhões em 2021 para US$ 109.1 bilhões até 2030 (!!!).

Nas modalidades esportivas em que isso já florescia, o basquete e suas maiores ligas no mundo, a NBA americana, masculina, e seu “equivalente” (entre muitas aspas) feminino, a WNBA, são o melhor exemplo. Acompanhando tanto o esporte em si, que amo, quanto o movimento em volta, já sabia do diálogo do luxo com a NBA — tanto institucionalmente, em produtos da Louis Vuitton em collab com a liga, quanto no vestir dos figurões do campeonato. Um exemplo é o jogador-fenômeno LeBron James, que usa e abusa das peças masculinas da mesma LV fora da quadra, assinadas por seu parceiro e ícone global da música e da moda, Pharrell Williams.

Mas de 2023 para cá, a liga feminina de basquete americano teve um grande crescimento em audiência e o apelo de suas atletas nas plataformas sociais revelou um enorme potencial de alcance, apesar de continuar muito distante das figuras da NBA. Ao perceber que as jogadoras dividiam seu lifestyle em posts e vídeos curtos com mulheres interessadas em estilo e esportes, as grifes de luxo, que antes não viam as jogadoras de basquete como figuras alinhadas à sua imagem, passaram a construir guarda-roupas para uma temporada inteira nos mais diferentes estilos e ocasiões para as atletas - como nos momentos já esperados por quem as acompanha para checar os looks da vez, a exemplo da famosa ‘tunnel walk’, a passagem das jogadoras pelo túnel de entrada da arena ao chegarem para os jogos.

Isso acontece no movimento das marcas de patrocinar as jogadoras e contratá-las como embaixadoras, e os momentos de rotina na prática da modalidade se tornam plataformas de criação de conteúdos que mostram roupas, acessórios e cosméticos aderidos ao dia a dia delas. Isso também é um belo up para os ganhos das meninas do basquete, que ainda faturam menos que os homens, e posiciona o esporte como referência de expressão de comportamento e lifestyle na cultura popular, através da moda. Por isso, não é à toa que essa dinâmica tem grande chance de seguir cada vez mais presente na WNBA e amadurecer mais nas outras ligas e campeonatos, masculinos e femininos.

Moda do Olimpo no Olimpo da Moda: identidades nacionais

Moda e identidade nacional tem uma relação direta — e com a relação com o esporte, outro elemento central de construção dos referenciais dos países no imaginário das pessoas, ganhando contornos novos e mais abrangentes, e a grande festa dele na maior cidade da moda fez os uniformes e trajes olímpicos ganharem ainda mais atenção nestes jogos de 2024. Que o digam as peças feitas para a delegação brasileira, que geraram debates mil nas redes e fora delas e até quem não é ligado em moda foi conferir o quanto os looks olímpicos representavam as visões coletivas e idividuais sobre as características mais marcantes que ideia de nação ligada ao Brasil transmite.

O porquê da comoção? Porque tudo que mexe com símbolos onipresentes no imaginário de uma população sobre o contexto que ela vive toca não só na identificação com como aspectos essenciais de sua realidade estão sendo representados, mas também com como a representação posiciona a identidade nacional em termos de ligação com o presente e olhar para o futuro, e manifesta sua sintonia com valores de progresso e evolução sociais econômicos, diante do restante do mundo — uma demarcação de território político com a moda, em que países buscam mostrar que estão alinhados com o que representam para sua população e como isso afirma sua influência global em múltiplas frentes.

As peças que vestem as delegações na cerimônia de abertura de uma edição dos Jogos Olímpicos têm esse aspecto ainda mais forte em seu papel, já que a ideia do desfile dos grupos de cada país é a de mostrar que eles vieram em seu melhor disputar as Olímpiadas, por estarem munidos com, além das habilidades, as características únicas de suas nações. Por estarem carregando em si e, por que não?, por estarem vestidos daquilo que diferencia a postura dos países que representam e seus atletas diante dos desafios dos Jogos. Então, as criações feitas para as delegações vestirem, incorporarem e expressarem como se posicionam e agem nas disputas entre si e, ao mesmo tempo, para afirmarem as potencialidades de seus países e a relevância de suas identidades nacionais, precisam ser MUITO bem pensadas, bem estudadas e bem observadas.

Por isso, é fundamental que, junto com design, estética e funcionalidade, se considere os significados que a criação final vai manifestar e os efeitos deles, partindo da observação dos aspectos políticos, culturais e sociais que atravessam a representação nacional e global das peças. A varejista de moda Riachuelo, uma das maiores e mais conhecidas do Brasil, foi a marca apontada para elaborar essas peças que carregam tantos significados e impactam a autopercepção do povo sobre si, o que explica parte importante da comoção gerada por elas.

A marca criou o traje cerimonial e algumas peças esportivas olímpicas, e o caminho criativo para a abertura foi o de aliar os elementos marcantes da cultura francesa e da cultura brasileira para compor o look — mas essa mistura do Brasil com a França acabou não dançando tão bonito assim. A base do visual da cerimônia foi composta pelo típico ideal de elegância associado à França junto da desprentensão do jeanswear, que ganhou aplicações de figuras da fauna brasileira bordadas manualmente para fazer referência à riqueza do artesanato feito no Brasil.

As camisetas em verde ou amarelo listradas de branco representavam o encontro do look marinière francês, o estilo marinheiro-chique universalmente ligado ao país, com as cores do Brasil, e eram a parte de cima do visual masculino e do visual feminino. A silhueta das calças e saias tinha modelagens clássicas, a calça masculina reta, mas não sisuda, e a saia feita para as mulheres foi um modelo evasê de comprimento nos joelhos, típico da feminilidade de outros tempos. E, também, de acordo com a Riachuelo, inspirado no New Look de Dior, uma instituição da alta-costura francesa.

O jeans fez o item de maior destaque do look, os três modelos de jaquetas jeans clássica, cada uma com a aplicação da figura de um animal típico do Brasil feita em bordado manual. Elas foram criadas e executadas artesanalmente por bordadeiras de uma cooperativa no Rio Grande do Norte, estado natal da varejista, fomentada por seu braço de responsabilidade social, o Instituto Riachuelo. No todo, a reação ao uniforme, vinda desde formadores de opinião até de interessados e curiosos, foi a de que ele quis representar muito mas, na entrega, acabou significando pouco.

O Brasil tem uma potência cultural e estética IMENSA, que podia ter sido referenciada na silhueta e modelagem das peças. Afinal, porque lançar mão do repertório da moda francesa, ainda que como homenagem ao país sede dos Jogos, já identificado como clássico mundial da moda, e não de formas feitas por designers brasileiros? A cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos é um palco mundial para o vestir dos países — na capital da moda, então, nem se fala — e teria sido um momento para evidenciar o design nacional.

Além de que a estética clássica à francesa materializada em peças feitas em malha e outros materiais associados ao conforto e à casualidade mirou na elegância despretensiosa e acertou numa simplicidade óbvia. Roupas de silhuetas quase que universais da moda ocidental feitas de matérias-primas básicas compuseram um visual que poderia ser o de qualquer delegação, e o ponto de destaque que os bordados pretendiam trazer acabam quase como um artifício, um detalhe estereotípico para fazer referência clara ao Brasil, sendo que mereciam um espaço mais bem pensado. Outra oportunidade perdida de mostrar com mais força a riqueza do artesanato regional potiguar e tornar mais claro o trabalho do Instituto Riachuelo com essas comunidades.

O dia a dia de trabalho numa grande varejista pode ser absurdamente corrido, sim, mas para o traje do Time Brasil para as cerimônias dos Jogos Olímpicos de Paris faltou enxergar melhor o papel das criações como demarcadoras da identidade de um país e de sua representação. Como isso é atravessado por conotações sociais, políticas e culturais e tem muitas camadas, os elementos estéticos e de design do Brasil poderiam ter sido pesquisados e explorados com mais profundidade para chegar a um resultado autêntico, contemporâneo e que fugisse de estereótipos e lugares comuns.

Os movimentos que organizam a moda nas diferentes zonas do mundo, junto à expressão cultural e ao comportamento delas, são uma bela demonstração disso. Lembram do War da moda? Naquela edição, estávamos olhando para os territórios e exércitos centrais dele, e nesta olhamos para lugares sempre vistos como ‘entorno’, ‘mercado regional’ e zona de influência para as tropas principais - ora, para ser global não basta em diferentes pontos do globo terrestre? Pelo visto, depende da posição deles no mapa.

Na História do Vestuário, que compreende não só a engrenagem da moda mas as roupas em si, como objetos funcionais e simbólicos, a formação da estrutura delas mais ou menos como conhecemos hoje parte das cortes europeias do século XVIII, segue para a definição do conceito de Alta Costura por um inglês em meados do século XIX, patenteado algum tempo depois por ateliês parisienses no Ministério da Cultura da França, estabelecendo o que era feito por eles como o padrão-ouro da moda.

No século XX, também na França, alguns estilistas queriam romper com o tradicionalismo da couture e decidiram mostrar peças produzidas industrialmente em seus desfiles, que chegariam às lojas em variedade na estação seguinte. Isso criou a categoria de prêt-à-porter (na tradução, pronto para vestir) na estrutura da moda - a alta costura ficou reservada para marcas que recebiam essa chancela do governo francês por manter a linha de moda produzida artesanalmente para uma parcela enxutíssima de clientes, ainda que tivessem também aderido às coleções produzidas em maior escala.

O prêt-à-porter, por ser ligado à expansão industrial, se espalhou pelo mundo como forma hegemônica de se criar e produzir moda. Enquanto isso tudo acontecia, a moda nas outras zonas do mundo também se movimentava, ainda muito guiada pelas referências que chegavam, com atraso, da Europa. Ao ganharem vida aqui, assumiam formas próprias, ligadas aos hábitos e vontades da vida nos trópicos, junto dos poucos criadores autorais que surgiam. Se a moda nos outros lugares também se sistematizava, por que a referência europeia se estabeleceu como o cânone em torno do qual diferentes articulações, de outros destinos, com contextos diferentes, deveriam se organizar?

Porque, do Absolutismo à Segunda Revolução Industrial até hoje, a Europa, sobretudo a França, concentra os meios fundamentais para fazer o sistema da moda acontecer, e essa lógica virou o ponto de partida para o florescimento dela pelo mundo. A busca de replicar uma mesma forma de fazer em meios e condições diferentes daqueles em que ela foi estabelecida diluiu a diferenciação que a moda nos outros pontos do mundo pode expressar.

Além de ter praticamente evitado que as outras regiões desenvolvessem sua maneira própria de produzir, não só criativamente, mas na industrialização e nos negócios, olhando de perto a própria realidade estrutural e cultural - um dos motivos pelos quais a cópia de peças de estilistas europeus passou a ser amplamente adotada, já que eram mais adequadas ao modus operandi assimilado, acabando por enfraquecer a autoralidade das criações de cada região.

Para estabelecer um DNA de moda representativo de uma região, de forma que ele simbolize características dos grupos que lá vivem, interagem e criam, é essencial olhar para como esse local se formou social, cultural e produtivamente. Não estabelecer o parâmetro do lado de fora, e sim buscar referências olhando para dentro - inverter o ponto de referência e colocar o Sul como norte. Como fez, aliás, o artista hispano-uruguaio Joaquín Torres García no desenho de 1943 aqui em cima, América Invertida, marco no debate sobre a identidade estética sul-latinoamericana referenciado até hoje.

Moda Latinoamericana: além dos estereótipos

O discurso central de sistema da moda ditado pela Europa colocou a estrutura criativa, produtiva e as manifestações dela em outras regiões do mundo, a América Latina incluída, como derivados ‘locais’ ou ‘alternativos’ do que ele estabelece. Ao transformar a ‘moda local’ em zona de influência, a dita ‘moda global’ a posiciona, no cenário internacional, como articulação que molda suas características particulares segundo uma organização estrangeira às suas condições e características econômicas, sociais e culturais.

Isso dilui a competitividade mercadológica da moda latina, por seguirem um funcionamento tendo meios diferentes (ou até insuficientes) do necessário, e sua criatividade - moldada por um sistema de produção e comercialização específico, a moda latinoamericana termina por produzir, no geral, produtos não muito distantes daqueles das marcas que estabeleceram a tradição do luxo, pontuados por referências estéticas locais que terminam percebidas apenas como elemento cosmético. Assim, elas criam o fator de singularidade que valorizaria as criações, por não terem o mesmo peso cultural e de autoridade em moda como as das etiquetas europeias, americanas e até da Ásia.

No todo, esse contexto cria uma situação que perpetua esses desafios e dificulta que a moda feita na América do Sul ocupe espaços além dos já demarcados. A moda latinoamericana é vista de maneira homogênea: nuances culturais e subjetividades ligadas à símbolos e hábitos dos diferentes países, que se manifestam nas criações, aparecem suprimidas quando as marcas do continente são posicionadas no cenário mundial. A criação de moda da América Latina é confinada a um lugar de “exotização” e, assim, não consegue se apropriar à(s) sua(s) maneira(s) de um território autônomo na esfera das referências globais de moda autoral e de luxo.

Você aí do outro lado da tela deve estar se perguntando o porquê disso, e até surpreso que a carta do “exótico” ou “tropical” não contribui para o reconhecimento das criações latinas. As características que demarcam o terreno do luxo e aquilo que faz parte dele foram definidas pelos saberes e dinâmicas culturais e sociais da Europa, ganharam corpo próprio em alguns outros países centrais e estereotiparam elementos originários de diferentes pontos do mundo para esconder o potencial da produção deles de pertencer ao que se estabeleceu como referência de autoralidade e sofisticação globais e, principalmente, transformá-los em algo homogêneo.

Isso vira o tal do “multicultural”, usado para identificar as criações de outras regiões do mundo como descoberta ou redescoberta estética e de estilo para os mercados centrais, enquanto, com ou sem a luz vinda de fora, a moda fora do eixo do Hemisfério Norte sempre esteve criando, produzindo e buscando se consolidar em seus locais de origem e em sintonia com o mundo. A percepção disso não é ampla porque a prevalência dessa visão cultural e social homogênea mantém a moda latina orbitando ao redor da criatividade e do luxo ditos autênticos, numa distância segura para ser “premium”, “glocal” (termo em inglês que identifica algo local com afinidade global), mas dificilmente do mundo.

As cores, estampas e texturas são muito parte da moda no Brasil e na América do Sul, e é incrível - mas por aqui também temos marcas e criadores fazendo moda a partir de visões contemporâneas levantadas em qualquer ponto do mundo hoje, sem perder de vista sua própria cultura. Isso é inverter o mapa: trazer o referencial do eixo para o entorno em que estamos. Nesse observar da moda no país e no continente, falo um pouco de quatro nomes que chamaram minha atenção, de quatro países: Brasil, Colômbia, México e Argentina.

Anacê

Começando pelas nossas terras, a Anacê (@anace____), marca da diretora criativa (@ceciliagromann), vale ser vista mais de perto pela abordagem dada à alfaiataria como técnica de construção e como tipo de peças tradicionalmente ligado à demarcação de papeis de gênero e dinâmicas de poder na sociedade. A etiqueta se estruturou a partir de da nostalgia e da lembrança das roupas de família, que atravessam gerações, por isso, antes de mais nada, a alfaiataria está no centro de sua identidade como um ofício a ser preservado na produção de peças contemporâneas que não ficam datadas.

Outra parte essencial do DNA da Anacê é o olhar constante para os itens criados como elementos que moldam quem usa, explorando as relações que se estabelecem entre o corpo e a roupa, as pessoas e os objetos - a roupa é memória, condutora de experiências de mundo e geradora de significados para quem a usa. Assim, são parte da construção das identidades particulares, e por isso atravessam as vivências e conferem sentido a elas, ao mesmo tempo em que resguardam a essência. É nesse terreno que Cecília, encaixando e desencaixando os elementos da alfaiataria, reinterpreta as marcações de gênero tão presentes nesse tipo de vestuário para transpor as articulações de influência e assim afirmar a ocupação de espaços pelo feminino através de símbolos predominantemente feitos por e para homens, desafiando representações sociais através da moda.

A atenção ao tempo dos processos de cada peça e a percepção delas como extensão do cotidiano, com funções estéticas e simbólicas bem desenhadas, coloca a abordagem criativa e produtiva de Cecília Gromann na Anacê próxima da de designers brasileiros que marcaram época em outras áreas, como os do mobiliário modernista, que são parte de suas referências importantes. Coincidência ou não, o ateliê da marca fica no centro de São Paulo, ao lado do icônico edifício Copan, de Oscar Niemeyer - onde a diretora criativa elabora alfaiataria contemporânea com olhar feminino, atenta aos movimentos e dimensões dos diferentes corpos e com um equilíbrio de estrutura, fluidez e volume que só a vivência da relação do vestir com o corpo na cultura latina poderia delinear.

A etiqueta segue evoluindo com a alfaiataria e outros itens feitos de técnicas particulares e materiais especiais, em especial o tricô e o látex amazonense, que se destacaram no desfile de Córion, coleção da Anacê para 2024 - outro evento que também tive o privilégio de fazer a assessoria de imprensa através do meu trabalho.

La Petite Mort

Design apurado e técnicas artesanais juntos de forma absolutamente singular em roupas masculinas é o que fez os designers Andrés Duran e Jonathan Cortez fundarem, em 2015, a marca colombiana La Petite Mort (@lapetitmortstudio). Baseada em Medellín e parte da programação da Bogotá Fashion Week (BFW), - cliquem no link e confiram, é um calendário de moda que me surpreendeu e vale a atenção - também tem em seu centro uma interpretação própria da alfaiataria, junto aos tecidos tradicionais do país em peças praticamente únicas, a partir da reconstrução desses saberes tradicionais.

A criação têxtil da La Petite Mort é um universo à parte: a marca trabalha com grupos de artesãos de tecelagem plana em tear e de tricô, compostos por chefes de família que vivem dessas habilidades e buscam preservá-las para que não se perca no tempo. Por isso, a marca dá ênfase à esses processos em sua estrutura interna, além de, claro, oferecer a justa remuneração aos trabalhadores, o que ressalta a importância do ofício de suas tecelãs, teceções e alfaiates - responsáveis por elaborar peças ímpares que podem levar até 20 dias para ficarem prontas (!).

Apesar de não se colocar como uma marca sustentável ou ecológica, a La Petite Mort segue a cartilha do slow fashion, forma de criar e produzir moda em que a responsabilidade ambiental e a elaboração de peças atemporais de alta qualidade não são fatores agregados aos valores da marca, e sim partes integrantes de sua identidade desde o princípio. Outra parte importante do DNA da marca é a visão contemporânea da alfaiataria, a partir da qual Andrés e Jonathan consolidam sua visão particular de vestuário e que os alfaiates tradicionais passam a incorporar ao trabalhar com eles, implementando novas silhuetas, recortes e assimetrias através das técnicas clássicas do ofício.

Mas os designers entendem que se trata de um processo de cocriação: eles também incorporam sugestões, modificações e adaptações pontuadas pelos artesãos às peças, durante seu desenvolvimento. É nessa retroalimentação, que destaca a multiplicidade de culturas e manifestações artísticas da latinidade na criação de moda, que reside a mudança de perspectiva que Andrés e Jonathan veem sobre o setor na América do Sul: a criação de visões e estéticas inseridas num contexto global pelas características próprias de sua origem cultural, por designers com um olhar local que gradativamente vem deixando de lado as referências da Europa e da América do Norte para abrir caminho para as suas tradições.

JT

Deixemos o bairrismo para o futebol, tá? E, em todo caso, sempre de forma saudável! rs A Argentina também tem um cenário de moda contemporânea fértil, apesar de enxuto, com assinaturas estéticas das mais variadas. Antes de olhar para a moda latina com mais atenção, já conhecia alguma coisa da JT, fundada pela designer argentina Jessica Trosman com os também hermanos Paula Neira e Patrício Bayá e parte da programação da BAFWEEK (@bafweek_oficial), a semana de moda de Buenos Aires. A etiqueta surgiu sob o nome JT by JT, já que Jessica era o principal nome à frente da criação, mas em 2019 ela deixou a empresa, que seguiu como JT com os outros dois sócios e mantendo os elementos de design de seu DNA que a fizeram se destacar na moda autoral argentina.

Múltiplas camadas e amplitudes de volume na silhueta fazem parte da identidade de marca da JT em todas as suas fases: a marca faz coleções que transpõem os gêneros e abraçam os diferentes tipos de corpos combinando itens essenciais e peças marcantes por suas formas e dimensões apuradas, e o jogo de contrastes cria um visual contemporâneo, que poderia estar em qualquer lugar do planeta.

O desenvolvimento do design conceitual na JT acontece justamente na modelagem original, que explora proporções diferentes, e ganha ainda mais força com a experimentação têxtil pela qual a marca também é conhecida. Peças estruturadas, como jaquetas de modelagem reta, são feitas em denim com recortes de algodão, que também estão em vestidos assimétricos pontuados por nós e amarrações. Os elementos de forma, volume e textura se combinam de uma forma singular, que desafia o lugar comum.

É o momento em que as forças simbólicas de cada uma dessas partes se retroalimentam e criam uma narrativa própria, em que o vestir se articula com a trama de um filme, série ou até mesmo com a que gira em torno dos artistas fora das telas. Personificadas nessas figuras, que protagonizam histórias vivas no imaginário do público, durante essas poucas horas de glamour, elas fazem com que o tapete vermelho se transforme, ainda que por pouco tempo, numa porta para que esse universo saia dos bastidores e sets e leve para realidade, ainda que distante, o que se vive na ficção ou num mundo inacessível.

Sem precisar de fala ou palavra, o tapete vermelho amplifica discursos através da moda e da cultura que falam do mundo além delas, com muita repercussão - e não apenas os do mundo pop ou das celebs, mas qualquer narrativa que destaque e comunique elementos do modo de vida contemporâneo, e claro que nem a política escaparia. Nem a política, nem a afirmação de territórios culturais e muito menos os valores que guiam o comportamento de diferentes grupos e como eles se organizam.

Cannes: territórios políticos e culturais

No fim do último mês, aconteceu o Festival de Cinema de Cannes, uma das festas mais importantes da sétima arte que reúne em seus vários tapetes vermelhos, no sul da França, constelações de atores, atrizes, cineastas, produtores, top models e influenciadores do mundo inteiro. Os artistas que concorriam aos prêmios do festival, na edição deste ano, foram orientados pela organização a não abordarem questões políticas em seus discursos e entrevistas, pelo momento armado crítico do conflito Israel-Palestina, sobretudo ao se considerar que o evento faz parte de uma indústria com forte presença de judeus nas posições de poder. Num festival que se afirma como um dos mais globais do cinema, conhecido por receber e premiar mercados cinematográficos de muitos países do mundo com diferentes origens étnico-raciais, essa observação soou, no mínimo, estranha.

A atriz australiana Cate Blanchett, estrela hollywoodiana de máxima grandeza e ícone de moda, chegou ao tapete vermelho do filme “The Apprentice” concentrando todos os flashes, como de costume, já que é conhecida por looks sempre atemporais e elegantérrimos. Ela usava um vestido da última coleção de Alta Costura de Jean Paul Gaultier, assinado pelo estilista Haider Ackermann, daquele tipo simples-mas-absurdamente-chique: linhas limpas, decote ombro a ombro com um fio de cristais, frente preta, parte de trás com uma cauda reta em branco até os joelhos e, abaixo deles, a parte de fora ganha tom rosa bem claro e a de dentro, verde escuro. Até aí, tudo bem, mais uma aparição incrível de uma atriz da prateleira de cima de Hollywood e favorita das grifes de luxo.

Maaaaaaas, ao andar pelo tapete vermelho, Cate segurou a cauda do vestido, levantando a parte com as faces em rosa claro e verde que, contra o vermelho do tapete como pano de fundo, formaram, imaginem só!, uma composição com as cores da bandeira da Palestina (!!!!!!). Isso é algo que diz tudo sem sequer se aproximar do tipo de “polêmica” que o festival pedira para os artistas evitarem - mas o mérito não é só trazer um assunto vetado à tona evitando repercussão negativa para sua imagem ou indisposições com o festival e o mercado.

Insistir em transgredir a imposição de uma regra absurda fazendo justamente o que foi desaconselhado não tem o mesmo impacto que transgredi-la da forma que se espera que seja adotada para obedecê-la. Silenciosamente, e não à toa, já que é Embaixadora da Boa Vontade da ONU para questão dos refugiados, Cate Blanchett colocou o símbolo nacional da Palestina no lugar de maior destaque de um dos acontecimentos que mais atraía olhares do mundo naquele momento.

A atriz pôs a questão no centro do Festival de Cannes com um elemento surpresa em seu look para aquela estreia, sem abordá-la em entrevistas - dentro do pedido da organização do evento, longe da apatia que ela impunha e com a perspicácia de compor o visual com o símbolo maior da ocasião, o tapete vermelho em si. Cate Blanchett demarcou o território de sua postura diante de uma questão política complexa através do vestir, maneira efetiva e impactante que a atriz enxergou para atravessar a abordagem de ‘panos quentes’ dada ao assunto pelo evento.

No mesmo festival, o vestir também demarcou território de afirmação cultural, algo ainda necessário mesmo com a grande pluralidade de artistas representando seus países. Na indústria cultural, produções, ideias e personalidades, para serem consideradas ‘globais’, precisam ser reconhecidas pelos centros hegemônicos, os EUA e a Europa. Nisso, quando o centro abre espaço para visões de fora em festivais e prêmios, os artistas, na representação de seus países, acabam se moldando ao protocolo ‘internacional’ ao levar suas narrativas para eventos mundiais, o que dilui a visibilidade da potência cultural dos diversos olhares ali reunidos.

Demonstração disso é a aposta da maioria das convidadas nas marcas de luxo tradicionais para os tapetes vermelhos globais, quase numa maneira implícita de se mostrar à altura da ocasião. Mas quem disse que só os europeus fazem moda à altura de uma grande recepção? As histórias de um país num festival de cinema não estão só nos filmes inscritos, mas também na afirmação de sua capacidade criativa e produtiva nas outras frentes que se movimentam quando uma produção chega a uma vitrine mundial - a presença de produtores, assessores, profissionais de bastidores e, claro, looks de estilistas nacionais que não deixam a desejar para nenhuma maison francesa ou italiana.

Assim fez Taís Araújo, uma das maiores atrizes brasileiras em atividade, dona de uma carreira versátil e conhecida mundialmente como voz brasileira para a equidade racial, que usou um vestido assinado pelo veterano estilista paraense Lino Villaventura para a pré-estreia de maior projeção dentre todas as que compareceu em Cannes. Lino é um dos pioneiros da moda autoral brasileira, com mais de 40 anos de carreira, e é mestre em peças esculturais de muitas camadas, plissadas de uma forma única, sua marca registrada.

Taís marcou a presença da cultura brasileira no Festival de Cannes como a embaixadora do Brasil, no entretenimento, da gigante francesa da beleza L’Oréal Paris e representou o talento e a capacidade da produção cultural nacional ao falar de sua atuação nesse universo, como atriz e também como produtora executiva, nas ocasiões em que esteve presente no evento - o que ganha ainda mais força quando a grande estrela brasileira no festival usa uma peça de um estilista de seu país, conhecido por um trabalho artesanal singular que carrega referências culturais características do Brasil. Em tempo: a beleza da diva também foi feita por mãos brasileiras que foram até Cannes, com maquiagem e cabelo assinados pelo experiente Ale de Souza, do salão paulistano Studio W.

MET Gala: a linha fina entre celebrar a história e o conservadorismo

Antes do Festival de Cannes, na primeira segunda feira de maio, acontece o amado, odiado e quase que universalmente palpitado, seja pela bolha fashion ou não, MET Gala. O baile de gala organizado pela Vogue americana, com a própria diaba Anna Wintour à frente de todos os detalhes, para arrecadar fundos para o acervo de história do vestuário do Metropolitan Museum de Nova York, se tornou a maior festa da moda global, indo bem além da conservação das roupas históricas. Hoje, se firmou como potência midiática - é o momento-chave para a Condé Nast, editora americana que detém a Vogue, fechar grandes negócios com os seus maiores anunciantes, pelo alcance massivo do evento, ancorado na presença das maiores celebridades do mundo - e como a hora para oficializar consagrações que podem redesenhar as fronteiras do War da moda, já que é quando a diaba faz e desfaz ícones fashion e os altos e baixos de marcas e estilistas.

O tapete do MET Gala, que ganha cores e figuras conforme o tema da exposição de moda que inaugura, é a articulação dos interesses e tensões do encontro potente do topo da moda com o topo da cultura pop. Criar referências de moda entre as celebridades, impulsionar novas narrativas para as marcas entrarem em outras conversas, afirmar atitudes através do vestir para dar o que falar - tudo isso está posto ali, num ‘jogo dos tronos’ de influência cultural, estética e de mercado.

Assim, além de looks que comunicam mensagens e demarcam territórios, a recepção do MET Gala tem a capacidade de traduzir o contexto amplo de como a expressão individual e coletiva através da moda revela muito sobre o conceito de moralidade e costumes alimentados pelo alto da cadeia de influência para orientar o comportamento contemporâneo. E a mensagem final é: o conservadorismo está na moda. Muito já foi dito sobre o evento: os looks mais bombados, o tema da exposição que mudou no meio do caminho, a referência do dress code que acabou soando mal, conforme outros acontecimentos em torno do MET Gala o faziam ganhar certos (problemáticos) contornos.

Então, de tudo isso, indico três ótima leituras sobre a edição deste ano da festa nos três tópicos aqui abaixo, para que você leia e, se achar que deve, se provoque sobre o baile e seus significados. Elas dão boa visão da importância que o evento tem para a moda e o entretenimento, e mostram como as escolhas em torno dele terminaram por reforçar controvérsias desses universos, jogando luz sobre pontos de atenção em como eles agem.

• Para quem manja de leituras em inglês, indico a edição “I Sniffed a Wall at the Met and I Liked It”, da ótima Shop Rat, newsletter sobre moda e estilo pessoal da jornalista americana . Com bom humor e sagacidade irônica, Emilia também fala sobre looks e poder no red carpet, mas foca em descrever a exposição de moda e em como as interações sensoriais presentes no percurso da mostra de fato convidam o visitante a entender as articulações da moda na História e a aprender com elas, indo além do onipresente “instagramável”.

• Outra leitura em inglês, daquela que para mim é a rainha dos Substacks de moda - da jornalista americana que cobre o assunto com olhar mais que afiado, com passagem pelos veículos mais importantes do mundo na área, como o The Cut e a própria Vogue US e, melhor de tudo, biógrafa (não autorizada) da diaba! , autora da excelente newsletter , coloca no texto da edição “Met Gala Not Dead, But Decaying” como as conexões da Condé Nast com marcas de luxo, plataformas de entretenimento e mídias sociais para fazer o MET Gala acontecer já mostra claramente a mudança de lado do peso na balança de poder: hoje, o evento precisa muito mais das marcas e do poder de comunicação das plataformas sociais do que o contrário. Reflexão perspicaz sobre uma realidade cada vez mais evidente.

• “Na mosca!” foi o que veio à minha cabeça quando terminei de ler a análise apurada de Luigi Torre, diretor de reportagem de moda da Elle Brasil, sobre o tema e o dress code do MET Gala de 2024 no site da revista, “Vale a Pena Vestir de Novo?”. Luigi aborda como esses dois pontos centrais do evento acabaram por evidenciar as intenções da prateleira de cima de manter as coisas em seus devidos lugares, por trás da temática de jardins encantados onde o tempo não passa e do redespertar do romantismo do início do vestuário feminino moderno como preservação de registros fundamentais da história da moda - e o que as roupas impossíveis que comprimiam quem as vestia pelo bem da montação e o como o evento realmente teve que correr contra o tempo para se blindar de questões inevitáveis do presente (crise entre os funcionários da Condé Nast e posição ante a crise Israel-Palestina dentre as principais) representam nisso.

A previsão para as enchentes da emergência climática no Rio Grande do Sul muito preocupantes, sem visibilidade de quando as tempestades irão dar trégua - isso sem falar da reconstrução do estado, que vai levar um bom tempo. Vou abrir um parêntese, sempre que puder, no início de cada edição para divulgar informações sobre como doar para as entidades que estão na linha de frente dos resgates. Nesta, coloco também as infos do Serviço Social Autônomo de Minas Gerais (Servas), braço de assistência social do governo de Minas que, junto com a Defesa Civil do estado, está recolhendo não só doações de valores, mas também de roupas, comida e outros itens de primeira necessidade, além de enviar equipes e meios de transporte das forças de segurança mineiras para somar ao trabalho de resgate feito pelas autoridades locais.

CUFA - Central Única de Favelas - doacoes@cufa.org.br (PIX)

Ação da Cidadania - sos@acaodacidadania.org.br (PIX)

Defesa Civil do Rio Grande do Sul - 92.958.800/0001-38 (PIX)

Serviço Social Autônomo de Minas Gerais (Servas) - ppe@servas.org.br (PIX)

Quando a ansiedade bate mais, costumo me questionar sobre a vida que eu levo e a que quero levar - como se minha cabeça já não tivesse coisa suficiente, né?

Fico nervosa e até irritada, ainda que sejam reflexões válidas, poxa, precisa aparecer justo quando minha atenção, que já oscila, precisa ser 100% demandada? Isso deve acontecer, imagino eu, porque quando o foco tá maior no mesmo desafio, acabamos entrando num automático e perdemos a atenção no básico que nos cerca: acordar, almoçar, falar/mandar mensagem para alguém amado com atenção.

A percepção que tenho é que isso nos afasta da vida que levamos - que inclui tanto o corriqueiro como as experiências que fogem do cotidiano - e assim vem o nervosismo, já que aquilo em que estamos quase unicamente focados sofrer um revés, parece que tudo irá pelos ares. Conduzir esse sentimento é difícil, dá uma certa agonia, e não é incomum que eu procure escapes nessas horas, acabe perdendo algum tempo para me dedicar ao que é importante, fique numa procrastinação improdutiva e que me frustra, por reconhecê-la e não conseguir sair desse looping na hora em que eu preciso.

Nessas horas, também acontece do pensamento viajar e chegar naquele lugar lá do início do texto: que vida eu levo e que vida eu quero levar? Eu tô aqui sofrendo por tal motivo, devia estar em tal lugar, pra ter uma vida interessante. Esse pensamento não ajuda por muitos motivos— um deles é porque a vida interessante começa nas pequenas coisas: nos hábitos diários, no trato básico com as pessoas.

Ver a interessância (adoro essa palavra! nem sei se existe de verdade) naquilo que costumamos apenas passar por faz a vida diferente pra melhor por criar um senso de pertencimento da gente com nosso próprio cotidiano. Nos faz saber que poderemos recorrer à coisas simples, mas que fazem muita diferença para nos sentirmos fortalecidos para os desafios que virão.

Outro, que é um que eu percebo com cada vez mais clareza, é que é essencial entender a vida que levamos para buscar a que queremos levar, e sobretudo ter coragem de encarar conclusões desagradáveis sobre o momento presente, que impedem a evolução para aquilo que buscamos. Olhar para isso sem sentir pena ou raiva de si, sem se culpar ou procurar culpados, com a maior serenidade possível para enxergar formas de superar o que virou obstáculo.

Esse olhar também vale para rupturas necessárias, mas que não queremos encarar; situações que estão estabilizadas e felizes, mas estão começando a ficar confortáveis demais; e um vasto etcetera que descobrimos na nossa própria jornada. Para que a vida interessante apareça, é preciso construí-la a cada momento do dia a dia e, para isso, é fundamental estar em estado pleno de presença no que acontece agora — é nas frestas do corriqueiro que estão as grandes viradas.

O texto pode não ter a ver diretamente com esse assunto - mas esse assunto tem a ver com tudo. Não dá para não levantar a urgência, em qualquer conteúdo, da emergência climática no Rio Grande do Sul e do suporte às vítimas. Fiz doações para as entidades que indico abaixo, com os meios para enviar valores - qualquer quantia é válida. Se mobilizar para doar roupas, cobertores e itens de higiene em pontos de coleta também é válido e essencial. Faça o melhor ao seu alcance - nas horas críticas ou não, pois a contenção da crise climática está nas nossas mãos e é vital para todos.

CUFA - Central Única de Favelas - doacoes@cufa.org.br (PIX)

Ação da Cidadania - sos@acaodacidadania.org.br (PIX)

Defesa Civil do Rio Grande do Sul - 92.958.800/0001-38 (PIX)

Os desfiles brasileiros sempre geram debates sobre o cenário da moda nacional, pelo viés dos estilistas e marcas autorais principalmente, mas que não deixa de lançar luz sobre as outras camadas da estrutura no Brasil, de maior ou menor visibilidade. Os questionamentos foram mais incisivos na última edição da SPFW, que abriu a temporada de apresentações, mas paira sobre a moda brasileira, quase como uma constante - em alguns momentos mais, outros menos - a pergunta que abarca todas as outras: O que é preciso para moda 100% brasileira se consolidar definitivamente?

Logo após o encerramento da semana de moda, no fim de abril, o desfile apoteótico da Misci, marca fundada pelo designer mato-grossense Airon Martin, seu diretor criativo, cravou sua marca na cronologia dos grandes desfiles da moda nacional como poucas apresentações conseguem - por, ao mesmo tempo, ter captado seu momento atual com perspicácia e ter provocado o meio em torno dela desafiando o status de permanência da pergunta do primeiro parágrafo.

Como? Ao demonstrar, nos elementos viabilizados e articulados para formar o desfile e a coleção apresentada nele, possíveis alternativas e caminhos para começar a responder de fato essa quase onipresente questão. Desde 2018, quando encontrou as condições suficientes para colocar a Misci em movimento em torno de suas primeiras ideias que viraram produtos, Airon norteia seu trabalho através de direcionais claros: reunir referências criativas e produtivas, consolidadas a partir de influências de origens diversas, diante do que o local no qual se cria e produz oferece, utilizando essas condições de maneira coerente com o coletivo, em seus variados aspectos, e de forma que a essência das criações se destaque em sua singularidade e seja financeiramente viável.

Esse caminho parece natural e até mesmo óbvio para um negócio de criação se manter bem-sucedido ao mesmo tempo em que se posiciona como um ativo de valorização econômica e cultural do contexto em que está inserido. Mas nem como a moda nem o Brasil são para principiantes (os dois juntos, então, imagina só!), dou alguns passos atrás a seguir, para contar depois porque a Misci e Airon tem construído com constância e agilidade um lugar próprio na moda nacional fazendo exatamente isso - a partir do que pude acompanhar dos processos da marca e do fundador ao fazer parte da equipe de assessoria de comunicação de seus últimos quatro desfiles, incluindo o último e mais impactante de todos, através do meu trabalho.

O Brasil na Moda (?)

No final da década de 90 e durante os anos 2000, mudanças no mercado indicavam que era a vez das marcas nacionais conhecidas do grande público e dos estilistas autorais virarem gente grande de vez. Etiquetas icônicas no imaginário nacional de jeanswear e estilo urbano, como Ellus e Forum, foram adquiridas por grandes grupos empresariais da indústria têxtil e do mercado de consumo. Com o aumento de seu alcance de comunicação e nos canais de venda, viraram sinônimo de marcas de moda brasileira até para quem não era ligado no assunto. Criadores e suas marcas pioneiras de assinatura inconfundível, como a de Alexandre Herchcovitch, também foram vendidas para conglomerados. O cenário ideal que se buscava era que os fundadores e criativos se voltassem especificamente para o produto e para a imagem das marcas, enquanto a gestão passaria para as mãos de profissionais da área.

Aparentemente, era a solução sob medida para os nomes de criação que fizeram marcas reconhecidas, mas tinham dificuldade em conduzir suas empresas e atravessar os desafios de um mercado volátil. Num momento em que o Brasil atravessava um ótimo momento econômico, o melhor visto em décadas, tudo conspirava para a virada acontecer - e para algumas marcas de jeans e de moda casual com apelo fashionista, aconteceu, de certa forma.

Mas em pouco tempo, dificuldades entre gestão de marca e criação desfizeram acordos e geraram mudanças internas sob os nomes que tinham identidades e produtos reconhecidos - a assimetria entre o cerne das grifes versus a pressão para se adequar ao modelo de negócio de ‘moda brasileira’ que foi estabelecido fez muitas delas se descaracterizarem e se tornarem, muitas vezes, marcas premium comerciais cujo valor estava em imagens que remetiam, beeeeem de longe, aos valores e ideias que as originaram.

A vontade de colocar o Brasil na Moda e consolidar o mercado nacional, como um todo, como uma atividade relevante para o país e até no cenário global neste momento deixou poucos frutos e a impressão incômoda que marcas autorais tinham pouca vocação para serem negócios de impacto. A imposição de uma forma de gerir estabelecida em outros segmentos ou outros mercados não faz sentido não só por desconsiderar as particularidades de se posicionar um produto criativo, mas por não atribuir a importância devida ao funcionamento das cadeias nacionais que dão suporte ao mercado de moda brasileiro e abarcar suas forças e fraquezas ao se pensar o negócio.

Não foi suficiente encaixar as criações do Brasil para responder à parâmetros de um sistema de Moda que não considerava o contexto do segmento no país; Antes disso, é preciso olhar as camadas que compõem a Moda e como elas são atravessadas pelos aspectos diversos que o segmento reúne, na forma em que eles se apresentam dentro do cenário nacional. Como está o público consumidor dos nichos do mercado no país? Capacidade das cadeias industriais para viabilizar as ideias? É sobre olhar os processos da Moda no Brasil, e não o contrário.

A Moda no Brasil, por Misci

Esse olhar atento, realista e ao mesmo tempo criativo (seria isso possível?) que a abordagem do trabalho de Airon na Misci carrega é movido, em essência, pelo desejo que o que é criado e produzido no Brasil seja motivo de orgulho e de reconhecimento da grandeza das possibilidades de crescimento que a produção criativa nacional oferece - seja ao contexto estrutural do país e ou à visibilidade global dele nos mercados internacionais pela capacidade de oferecer produtos com valor agregado e não só matérias-primas para as grandes indústrias. Não à toa, a Misci estampa a expressão ‘design brasileiro’ na etiqueta interna de suas peças desde a primeira coleção.

Claro que ir atrás de fazer moda de maneira coerente com a realidade estrutural, cultural e de mercado do Brasil requer poder investir tempo, recursos e correr certos riscos. Isso é possível para Airon desde o início da marca pelo apoio de parceiros. Não o isenta de dificuldades, mas o coloca alguns passos à frente. Independente das muitas caras que um negócio de moda tem no Brasil, a forma que Airon e sua equipe impulsionam a Misci aponta caminhos válidos para a evolução do mercado brasileiro justamente porque é uma forma de pensar que articula raciocínio estratégico, mas ao mesmo tempo flexível, onde entra a criatividade para enxergar oportunidades de alavancar a marca como um todo - e esse tipo de visão pode se moldar conforme diferentes cenários.

Olhar o Brasil dentro das possibilidades e limitações do contexto em que se está, (afinal, os Brasis são muitos) para conduzir a criação e produção das coleções, além do posicionamento da marca, como articuladores de soluções que não só tangibilizam peças singulares, mas que impactam a estrutura em torno desse universo de forma propositiva e ampliam o poder de comunicação da marca através da conexão genuína do discurso da Misci com o que acontece no presente. Abaixo, detalho os elementos que formam esse fio condutor da marca e como eles ganharam vida na coleção e no desfile Tenda Tripa, vistos pela ótica dos bastidores de antes, durante e depois.

1. Entender para traduzir

Airon nasceu e cresceu em Sinop, norte do Mato Grosso, com o desejo de ser criador em áreas cujas restritas referências nacionais eram (e ainda são) baseadas no Sudeste. É por esse olhar construído pela experiência de outras maneiras de viver, pelos hábitos e cultura do Brasil interiorano que é comumente distante do visto como vanguardista no eixo Rio-SP, que o diretor criativo tem como norte em sua marca e em seu trabalho lançar luz sobre identidades que a moda nacional, muitas vezes, coloca num lugar de ‘típico’ ou ‘regional’ - como se essas ‘regiões’ fossem órbitas paralelas e não parte do cerne do país.

Airon resgata o Brasil profundo a partir de sua vivência construindo referências a partir das manifestações artísticas tradicionais do Centro-Oeste e os diversos aspectos de seus significados nos contextos de origem, sejam comportamentais ou estéticos, ao mesmo tempo em que apura seu repertório de design em si, linhas, formas, volumes, cores e materiais para desenvolver a estética orgânica e contemporânea pela qual a Misci é conhecida.

A última coleção aborda isso diretamente, começando pelo nome: Tenda Tripa faz referências às tendas, palco que reúne as diferentes formas da cultura popular pelo vasto interior brasileiro, e às tripas como órgãos vitais, entranhas - aquilo que sustenta o centro de algo. Ou seja: o dito ‘regionalismo’ é vital para a identidade criativa do Brasil.

O diálogo constante da marca com a cultura brasileira passa longe do caricato e é autêntico e contemporâneo pela compreensão que Airon tem da essência da cultura interiorana junto ao domínio de seu vocabulário estético - enquanto um criador fluente em sua linguagem, ele a utiliza para traduzir nas criações as ideias que definem as expressões regionais num idioma próprio.

2. Criar uma marca é criar empresa e nicho de mercado

Nas entrevistas concedidas por Airon que acompanhei, era bem comum ouvi-lo de dizer que “a marca Misci é grande, mas a empresa é pequena”. Não, isso não é um contrassenso: o alcance do negócio não é equivalente ao seu tamanho em estrutura ou faturamento. As ideias dele chegam longe através do posicionamento da Misci como marca, mas são pensadas para além de um conceito, sempre levando em conta como contribuem de fato para fortalecer a etiqueta como negócio e junto a quem a consome - manter significados e experiências em evidência no imaginário de clientes e admiradores demarca o nicho da etiqueta de forma que ela se diferencia claramente da concorrência.

Essa maneira de atuar é o eixo da marca para fazer frente ao maior desafio do mercado de moda no Brasil: a fragmentação, seja na cadeia de fornecedores e na indústria, ou entre as próprias marcas. Um criador que toca seu negócio de forma independente, como no caso de Airon na Misci, encontra bem mais dificuldades para viabilizar e produzir suas ideias e chegar a outros mercados com potencial para expandir o público que consome a marca.

A cada coleção, ele busca contornar esse obstáculo apostando na força das co-criações com outras marcas e parceiros criativos e coleções-cápsula e produtos além do vestuário. Ao buscar a troca com estilistas contemporâneos e de outras gerações, com os quais tem afinidade, para criar melhores circunstâncias de mercado, surgem collabs da Misci com marcas de outros segmentos. Esse movimento expande o raio de alcance da etiqueta para diferentes grupos com potenciais clientes diretos e para canais de venda ainda pouco explorados - com o impulso do parceiro naquilo que a Misci, pela capacidade estrutural, não faria sozinha.

O melhor exemplo disso é um dos pontos altos do último desfile, a linha da moda praia feita pela marca em parceria com uma das referências-mor de beachwear no Brasil e no mundo: a estilista Lenny Niemeyer, que há 30 anos está à frente de sua marca homônima. Com a expertise na produção de maiôs, biquínis e peças resort da estilista e a solidez de seu negócio, a Misci desenvolveu a quatro mãos moda praia de qualidade fiel ao seu DNA e, através da Lenny, produtos da marca foram vendidos em atacado pela primeira vez, num showroom que atrai 200 multimarcas de moda premium do país. A collab também estará nas vitrines próprias da Misci, e contará com suporte da parceira para produzir os itens, considerando as demandas do varejo e do mercado recém-aberto de atacado.

3. O produto fala - e se conecta com personas e parceiros

Tanto quanto o acabamento ou a modelagem, um aspecto pensado com afinco por Airon em cada produto é o seu significado dentro da narrativa global da coleção e como ele dá força à mensagem central que ele projeta para a Misci transmitir. Junto à campanhas e conteúdos feitos para as mídias digitais da marca que também exploram a força do simbólico nos diferentes contextos, a etiqueta torna seu discurso reconhecido e dá grande impulso à sua comunicação, tudo isso com as ferramentas que tem à mão, atingindo naturalmente os grandes players de informação de moda, influenciadores e celebridades.

Emicida, Alice Wegmann, Sasha, João Guilherme, Maisa, a apresentadora Kenya Sade e outros nomes de impacto de várias gerações do showbiz brasileiro ocupavam seus lugares na primeira fila. Eles chegaram como clientes, atraídos pelas peças e pela narrativa da marca, e se tornaram amigos ou parceiros próximos do designer - existe sim o interesse mútuo entre o que cada um oferece, mas ele surge por uma identificação genuína. Prova disso é que praticamente todas as celebridades, influenciadores e outros famosos presentes, após o fim do desfile, foram celebrar Airon nos bastidores.

Por falar em conexão genuína, Airon também lança mão de ligações com o mundo artístico surgidas antes do auge, aliás, dentre elas, de uma ligação de peso: Ivete Sangalo cruzou a passarela levantando o público e a repercussão do desfile sem cobrar cachê, por ter o designer como parte da família - a sobrinha da estrela é uma das melhores amigas de Airon, e usa Misci bem antes da etiqueta ter se tornado, quase que por unanimidade, a marca de moda brasileira mais influente do país hoje.

Tão importante quanto construir uma comunidade de fãs famosos engajados de verdade com o que a Misci representa, capazes de retroalimentar o público que consome ou apenas admira, é estabelecer uma relação constante com parceiros de diferentes mercados que buscam se ligar ao território da moda para alavancar suas marcas neste universo. Airon está atento a essas oportunidades e sabe muito bem que a identidade singular e o poder de comunicação da Misci podem contribuir para as percepções almejadas por esses nomes, muitos deles gigantes da indústria, em momentos específicos. Uma das parceiras da etiqueta há vários desfiles, por exemplo, é a cervejaria Heineken, além de empresas importantes da indústria têxtil e da beleza.

Outra das falas de Airon que povoou muitas das entrevistas que pautamos para o desfile e sempre volta à minha cabeça quando penso no todo impactante que ganhou vida na coleção e no desfile de Tenda Tripa, é a em que ele diz que “luta todos os dias para que o estilista não mate o empresário e o empresário não mate o estilista”. Airon Martin sabe bem que precisa ser criativo para articular soluções nos dois papeis: se os conceitos não tornam possíveis as mudanças estruturais, o reconhecimento da marca nas frentes de negócio e a criação de uma comunidade engajada de clientes, parceiros comerciais e admiradores, não dão conta de criar a Moda no Brasil do agora.

Agora, damos vez à São Paulo Fashion Week (SPFW), ponto mais importante do calendário de desfiles do Brasil. Foi a primeira semana de moda brasileira, fundada há quase 30 anos, e é responsável por institucionalizar nacional e globalmente uma visão do que é a moda feita e comunicada no Brasil. Mérito de seu fundador, Paulo Borges, e das gerações de estilistas e profissionais de bastidores que fizeram edições com muitos desfiles e coleções icônicas - e, ainda mais importante, estruturaram um marco de referência criativa, mercadológica e identitária para as várias camadas que formam o sistema da moda brasileira, até as mais distantes. A posição da moda como elemento da cultura nacional, nos sentidos produtivo e simbólico, também começa a entrar definitivamente em perspectiva por aqui com a consolidação da SPFW.

O evento teve seus momentos áureos até a metade da década passada - o boom das mídias digitais e as mudanças de comportamento que ele trouxe deslocaram a atenção para outras camadas da moda e outros setores da indústria criativa. Neste caminho, a SPFW perdeu patrocínios, viu marcas relevantes trilharem caminhos autônomos para se posicionarem e hoje tenta se reencontrar num cenário pulverizado em que apenas o pioneirismo não basta.

Mas é inegável que o evento é o ponto de partida da moda brasileira entendida como um mercado em que a autoralidade e a capacidade de criar cultura e crescimento econômico diversificado (pois atravessa indústria, comércio e serviços) para o país, ao mesmo tempo, são o valor agregado do que é produzido. A articulação destes elementos, tornada mais possível e visível pela SPFW, estabeleceu uma esfera em que a moda é pensada para além da sua condição de parte da indústria têxtil, mas como um sistema que engloba comportamento, consumo e projeção de olhares sobre o agora através das coleções e desfiles.

Por isso, a veia criativa dos designers e marcas que permanecem no calendário e trazem a moda ao vivo e a cores com desfiles únicos é, hoje, o que oxigena a SPFW, cujo significado próprio anda meio nebuloso. Conto aqui um pouco dessa percepção pela experiência que tive trabalhando como atendimento de imprensa e relações-públicas de moda na última edição da semana de moda brasileira.

Muito além dos 15 minutos

Hoje, um desfile dura, em média, de 10 a 15 minutos. Isso para quem assiste, claro! Nas temporadas de eventos de moda, tenho o prazer, o privilégio e a oportunidade de assessorar os desfiles de algumas marcas e posso garantir: o trabalho começa antes e termina depois, com muitos momentos frenéticos no meio, mas quando tudo ganha vida na passarela, o corre de fazer a criatividade chegar o mais longe possível vale a pena.

Nesta edição 57 da SPFW, assessorei Weider Silveiro, Walério Araújo e Martins, marca do designer Tom Martins, todos incríveis à sua maneira. Falo um pouco do caminho de cada desfile e coleção, do lado de trás da passarela, aqui abaixo.

Weider Silveiro

A cada recomeço de temporada, ouvir Weider detalhar as etapas de criação do que vai para a passarela é acompanhar a elaboração muito rica de um guarda-roupa pronto para usar, mas que nem por isso deixa de ser singular e elegante - sim, chique de doer - pensado para a mulher que ele imagina ao criar. Urbana, contemporânea e versátil, sem deixar de ser feminina em meio às silhuetas minimalistas, que se equilibram entre estruturadas e fluidas, amplas e ajustadas.

Se a cada estação Weider mostra mais uma versão desse armário único e, ao mesmo tempo, possível, elas são alimentadas pelo seu repertório criativo sempre pautado por suas origens. A maior mostra disso são as tipologias artesanais trazidas nas coleções, sob diferentes perspectivas.

Os volumes, formas e cores do vestuário tradicional africano sempre encantaram o estilista, que trabalha o tema desde a conclusão de sua formação em Design de Moda. Agora, esse universo vem à tona com ainda mais maturidade técnica e criativa. Numa cartela de cores enxuta, de tons neutros iluminados por verde-água e amarelo, Weider trouxe sua conhecida (e adorada pelas clientes) alfaiataria em malha encorpada, em vestidos próximos ao corpo, coletes amplos e calças que são telas em branco para a aplicação de grandes contas esféricas bordadas.

O bordado, aliás, é a principal manualidade da coleção, e também aparece nos tops de contas que complementam os conjuntos de alfaiataria e em peças feitas inteiramente de miçangas, como blusas e vestidos.

As contas redondas remetem ao vestir ancestral da África e ganham forma através de uma das técnicas artesanais que despertaram Weider para a criação de moda, ainda na infância, no interior do Piauí. A articulação entre a temática que mostra a evolução do repertório do estilista e habilidades artesanais que o levaram de encontro à sua essência na moda é o que faz Weider Silveiro ter um DNA criativo dos mais sólidos hoje - isso torna o resgate da ancestralidade negra e dos saberes absorvidos em sua trajetória, através da coleção, coerente e fluido, sem deixar de ser marcante.

Walério Araújo

Toda arte tem seus grandes mestres do lúdico e dos universos fantásticos: é só pensar no cinema de Tim Burton (ou de José Mujica, por que não?) ou no País das Maravilhas de Lewis Carrol. Na moda brasileira, quem traz o absurdo e o exagero de forma irreverente, criativa e, por isso, encantadora, é Walério Araújo. O estilista começou sua história na década de 90, criando peças para performers do underground da noite paulistana, e em 30 anos de carreira virou nome escolhido de famosos e ícones da cultura pop brasileira para vesti-los em vários momentos.

Como já dá pra imaginar, Walério esbanja atitude desde a primeira conversa sobre o desfile e a coleção. Desta vez, resolveu entrelaçar memórias e afeto com as referências de glamour e opulência, homenageando sua mãe, Dona Neném, pelos 95 anos que ela fará este ano. Os prazeres da matriarca, principalmente a cozinha, viraram peças feitas para levantar a passarela - o vestido-cuscuz e a capa vinílica de ovos fritos trouxeram humor e criatividade, e não à toa foram direto para os stories dos convidados em tempo real.

Mas não significa que a coleção não esteja pronta para vestir: é o trabalho de Walério com mais peças intercambiáveis, com destaque para as camisas e calças de alfaiataria de modelagem arredondada. Esses looks remetem ao que o estilista e a família vestiam durante sua infância e adolescência, com referências tiradas de registros fotográficos feitos entre os anos 70 e 80. Uma mistura ideal, à sua maneira, de amor, ousadia e muito brilho.

Martins

Seja qual for a expressão criativa, da arte a um novo viral de dança na internet, a linguagem estética do presente é tão múltipla que dá um nó na cabeça. Entre resgates de movimentos icônicos e a busca do que define o agora, o tempo parece suspenso, como um enigma a ser desvendado. Um dos nomes que mais se aproximam de ter a chave que resolve esse mistério é Tom Martins, com a marca que leva seu sobrenome.

A paixão do estilista por música, cinema e tudo em torno da cultura pop faz com que o motor da criação de suas peças seja observar e traduzir numa interpretação própria e instigante a manifestação estética dos diferentes movimentos culturais underground e subculturas urbanas das décadas recentes - mistura totalmente identificada com a cultura jovem atual.

Depois do grunge e da new wave, é a energia de ruptura do punk que alinhava as muitas referências de Tom, desde um fundo do mar distópico nas estampas de criaturas marinhas redimensionadas feitas através de imagens geradas por Inteligência Artificial até os diferentes formatos e cores das flores, passando por marinheiros punks, com as referências aos desenhos de tatuagem.

Sempre sobre silhuetas amplas e oversized, os elementos do punk tem seus melhores momentos no tricô-arrastão, desenvolvido por Tom a quatro mãos com o estilista cearense David Lee, e nas clássicas camisetas de banda transformadas em vestidos com a aplicação de organza de seda no comprimento. Tops construídos por patches de bandas de rock e outras figuras da cultura pop costurados manualmente também chamaram a atenção não só pela construção, mas pela identificação com os símbolos das peças - quem viu de perto, sempre enxergava o logo da banda ou do personagem que marcou ou marca momentos da vida.

A amarração de inspirações tão díspares num primeiro olhar se mostra ainda mais potente quando os looks do desfile entram na passarela ao som de bandas icônicas do punk, o que reforça que para Martins o novo está em encontrar uma harmonia própria afinando o (aparentemente) dissonante, provocando o olhar estabelecido e, talvez, a própria percepção do tempo.

Ei, você aí do outro lado da tela! Depois de viajar pelo mundo criativo de cada um desses estilistas e como eles acontecem nos bastidores, como você enxerga um desfile? Acompanha as apresentações de moda, brasileiras ou gringas? Me conta nos comentários aqui embaixo para começarmos uma conversa :)

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PFW - Celular or not celular? É mesmo essa a questão?

Não é exagero dizer que cresci e virei adulta olhando para o lifestyle de Mary Kate e Ashley Olsen - do seriado adolescente na Nickelodeon e comédias românticas, passando pela fase universitária cool até hoje, como bem-sucedidas e elegantes criadoras e empresárias da alta moda global com a marca The Row, que eu vejo como uma das mais incríveis e desejáveis nos últimos anos, quiet luxury à parte (detesto o termo, explico mais em outra edição). O assunto já teve seu ‘pico’ nos debates fashionísticos, mas ainda levanto ele aqui porque traz observações importantes para manter em vista ao olhar para o vai-e-vem das modas.

Por estarem no show business desde que eram bebês (literalmente), as Olsen sabem bem o valor da atenção quando ela é bem direcionada e sabem melhor ainda como a espetacularização traz alcance mas não necessariamente conexão com o que é feito, e assim proibiram os convidados de usarem celular durante o desfile da marca, e presentearam os jornalistas e criadores de conteúdo com um caderninho e uma caneta. O resultado todo mundo viu: um grande bafafá da moda que levantou vários pontos de vista sobre posicionamento de marca e a relação delas com o público.

Uma das lebres levantadas foi sobre a democratização da moda, sempre tão falada. A The Row é uma marca de moda de vanguarda, nichada, que cria produtos de design muito apurado, de linhas limpas, fluidas ou arquitetônicas, alfaiataria cool e impecável e bolsas, sapatos e acessórios que são desejo imediato para quem consome luxo discreto. Importante lembrar também que os tecidos e materiais dos produtos são os mais refinados e a estética da marca bebe da fonte da arte moderna e contemporânea. Olhando esse universo, antes da situação-desfile, já é evidente que a marca quer vender e se conectar com um público específico, que não se expõe e dificilmente é influenciado pelo que circula nas mídias sociais mainstream.

Além disso, a troca dos celulares pelo caderninho é também um convite para uma atenção maior da plateia ao desfile. E as informações sobre ele não ficaram restritas aos convidados: alguns dias depois, a The Row divulgou fotos das peças desfiladas, que estão na internet ao alcance de poucos cliques. Então, peraí: a marca fala para um nicho restrito, quer conduzir seus desfiles com as peças sendo protagonistas e não o evento em volta, e para que a instantaneidade da comunicação em tempo real das semanas de moda não esvazie a coleção e suas mensagens, prefere divulgá-la amplamente quando o foco de clientes e público em geral não está em saber o que aconteceu em um desfile de uma marca seguido do desfile de outra, outra e mais outra. Aqui eu vejo escolhas de posicionamento de marca - que podem não ser comuns, mas são coerentes com o espaço que a The Row e as Olsen estão construindo no panorama da moda - e não elitismo ou exclusão.

Sabe por que? Porque a moda é um sistema que vai beeeeem além dos desfiles e eventos, sustentado por articulações que impactam o coletivo com sintomas mais contundentes do que as consequências de reter informações em tempo real sobre um acontecimento importante desse universo, como fizeram Mary Kate e Ashley - eles podem ser econômicos, sociais e culturais, e existem efeitos positivos também. O certo é que na moda nada é absoluto, seja para o bom ou o ruim, e um desfile é a “casca” de uma estrutura maior que precisa rever como lida com diversos pontos para se aproximar de abordagens um pouco mais democráticas - e permitir a divulgação de imagens em tempo real do que é produzido não é sinônimo disso.

Gucci na MFW e a dança das cadeiras entre a criatividade e o$ negócio$

O ‘War’ das semanas de moda, de que falei na última edição, é parte de uma de uma disputa de territórios ainda mais ampla e complexa que articula a moda global. Ela é conduzida pelas grandes redes de varejo, e pelos poderosíssimos conglomerados detentores das principais marcas de luxo, que dão as cartas na alta moda. Dentre esses últimos, se destacam (e rivalizam) os dois maiores grupos: as holdings francesas LVMH (sigla para Louis Vuitton-Möet Hennessy) e Kering.

O grupo LVMH, da família Arnault, surgiu a partir da Louis Vuitton e, ao longo de sua história de mais de um século e meio, incorporou marcas como Christian Dior, Givenchy e a joalheria Tiffany & Co. Seu principal concorrente é o grupo Kering, da família Pinault, com Balenciaga, Yves Saint Laurent, Bottega Veneta e Gucci. A última grife, aliás, passa por um período de transição na direção criativa, processo cada vez mais comum nas labels dos grupos de luxo.

Na busca constante pela estética que vai seguir escalando suas vendas e expandindo seus negócios (e influência), sem se preocupar muito com a identidade criativa e os símbolos que a marca consolidou ao longo de sua história, as holdings dão um tempo cada vez menor para os diretores criativos consolidarem seu trabalho à frente das etiquetas. As marcas de moda, no século XXI, vão muito além de uma construção simbólica do universo de um criador, se tornando players globais de negócios que, além dos produtos, com a difusão em massa das mídias sociais, precisam manter uma audiência engajada na velocidade da luz para se manterem relevantes, inclusive comercialmente. São muitas frentes de trabalho complexas para a direção de criação, a pressão por resultados dos grupos não alivia, e assim se criou uma dança das cadeiras que não deve ser interrompida tão cedo.

No girar dessa roda, Sabato de Sarno, estilista de 40 anos com passagem pela chefia dos estúdios de design de pesos-pesados como Prada e Valentino, foi nomeado em meados de 2023 diretor criativo da Gucci, substituindo o até então chefe de criação da marca, Alessandro Michele. Em seu ‘reinado’ de oito anos, Michele criou um universo opulento, excêntrico e maximalista, um mundo de fantasia com uma nova fábula a cada temporada. 

As histórias fantásticas do criador começaram a ficar maiores que o nome Gucci, e o sinal de alerta se acendeu. Isso somado à busca da marca, já há algumas temporadas, de crescer suas vendas em 15%, fez a Gucci descontinuar uma das eras mais icônicas de sua história, de muita repercussão entre especialistas do mercado e críticos, com muitos fãs, das estrelas do tapete vermelho aos anônimos endinheirados e com narrativas que se espalharam pelas plataformas sociais e colocaram a label italiana no imaginário de muitos que não circulam muito na bolha do luxo, da moda e da cultura pop.

Para a mudança de estratégia, foram ativados dois elementos do vocabulário Gucci conhecidos por trazer sucesso comercial e crítico para a marca: a alfaiataria e a sensualidade. Não à toa, um nome com o perfil de De Sarno foi a escolha para assumir o comando: criador fascinado pela construção das peças em si, desenvolve as coleções e ideias com elas e seus papeis no cotidiano do cliente da marca no centro do processo.

O desfile da Gucci na mais recente semana de moda de Milão partiu da desconstrução de casacos e trench coats, itens que são sua obsessão desde que entrou na Prada como auxiliar de modelagem. As técnicas de alfaiataria foram exploradas de muitas formas, e o resultado foram roupas estruturadas, de linhas limpas, com recortes estratégicos, sobreposição de comprimentos e até de peças diferentes num mesmo visual, responsáveis pelo ar minimalista, sensual e urbano que representa bem o que a Gucci quer transmitir para seu consumidor e para sua audiência agora.

A última apresentação é a terceira de Sabato à frente da equipe de design da Gucci, que soma cerca de 200 pessoas. Ele pensa as apresentações como armários-cápsula de luxo contemporâneo para mulheres e homens urbanos: os dois primeiros desfiles partiram da mesma ideia, em que a coleção feminina de primavera 2024, apresentada em setembro, se desdobrou em correspondentes masculinos na coleção apresentada na Men’s Fashion Week de Milão em meados de janeiro.

Ideias e produtos comerciais e desejáveis, coerentes com a marca, tudo certo para atingir o crescimento comercial e manter uma identificação de marca coesa - a moda também é mercado e precisa faturar. Mas, na divulgação dos números de balanço financeiro do grupo Kering para o primeiro trimestre deste ano, foi reportada uma queda de 20% nas vendas da Gucci e um declínio de 10% no faturamento geral da holding. Peças impecáveis são ótimas e essenciais, mas só elas dão conta de criar conexão com o público para movê-los a consumir, num mundo superestimulado por informações?

Pierpaolo Picciolli deixa a Valentino: aonde mora hoje o encantamento pelas ideias?

Numa busca por respostas comerciais imediatas e pronta, o mercado de luxo está ignorando a centralidade da direção de criação, já que a ideia desenvolvida por ela é o que é desdobrado nas frentes de negócio para que o cliente consuma e a marca crie uma comunidade em torno do que ela representa. Ao tratar criativos como peças meramente substituíveis, a alta moda cria essa dança das cadeiras que sufoca a criatividade, torna os talentos descartáveis e, principalmente, que não resolve o X da questão de integrar inventividade e business. Na última sexta-feira, outra saída de um profissional que deixou sua marca numa etiqueta histórica pegou o mundo do luxo de surpresa e causou até comoção.

O italiano Pierpaolo Picciolli, que assinava a direção de criação da Valentino desde 2008, quando o próprio fundador, que deu seu nome à grife, se aponsentou, entregou o cargo de diretor criativo em comum acordo com a empresa proprietária da marca, o fundo de investimento privado árabe Mayhoola, pertencente à família real do Catar, depois de 25 anos de casa.

Nos 16 anos à frente da criação, os oito primeiros foram em dupla com Maria Grazia Chiuri, hoje diretora criativa da Dior e, na fase solo, Pierpaolo assinou os desfiles e coleções mais marcantes. A cada desfile, o clima era cercado por um “o que ele vai fazer agora?”, já que sempre trazia os códigos da Valentino de forma contemporânea e glamourosa; também costumava entrar na passarela com toda a equipe de artesãs, costureiras e modelistas dos ateliês da marca, elevando o ofício, muitas vezes ofuscado pelas luzes da passarela.

No mundo do luxo, a estratégia básica é criar um universo envolvente e encantador a ponto de que, mesmo comprando algo simples, como um batom, um perfume ou uma bolsa, o consumidor seja transportado para dentro desse mundo como se frequentasse a primeira fila dos desfiles. Inegavelmente, Pierpaolo entregou tudo nesse quesito, elogiado várias vezes até pelo próprio Valentino Garavani por saber trabalhar a herança da marca de forma original e sem caricatura.

Porém, para a Valentino empresa de itens de luxo, seu maior sucesso foi a linha Rockstud, acessórios de couro matelassados com rebites aplicados, com vários desdobramentos que geraram desejo imediato e engajamento altíssimo nas redes e, claro, vendas. Suas coleções não geraram tamanho efeito, mesmo bem-sucedidas, em repercussão ou em faturamento. O diretor criativo tem que cativar o público com uma narrativa marcante e desejável, mas até que ponto ela consegue ser marcante para atender o que é colocado como apelo do público da marca? Isso é a ideia que vai encantá-lo? Como um líder de criação equaciona isso tendo que também atender a uma demanda comercial que muitas vezes desconsidera o contexto amplo de como a criação e o consumo de moda acontecem?

De novo, mais perguntas que respostas. Deixo com vocês para pensarmos juntes com bastante papo nos comentários, mas o que vejo pelas últimas fashion weeks e nessa dança das cadeiras nada agradável, a criação e o business das grandes grifes tem que estar integrados com relação à construção do que a marca pretende buscar como perfil de consumidor, como audiência (que não necessariamente consome) e como forma de conduzir os negócios. Ao mesmo tempo, os bastidores da moda sempre funcionaram no imperativo da visão do dono do poder de decisão no contexto do momento - seja o criador, seja a marca.

Vai ser interessante e muito surpreendente viver para ver as mudanças do mundo e, nisso, como a moda vai ir percebendo que as boas e eficientes ideias se concretizam com uma abordagem bem mais ampla da estrutura e das circunstâncias que vão se criar em torno dela. É de usar a grande-angular e ter atenção com os pontos cegos.

O roteiro das principais fashion weeks do planeta é um ecossistema em que cada um desses mercados-chave traz o prisma característico que o transformou num pilar e sua capacidade fazer barulho, se conectar com os universos ligados à moda (celebs, entretenimento, arte). Além, claro, de destacar as marcas e estilistas que trazem os olhos de todos para o que só aquele ponto do mapa é capaz de oferecer, e assim se afirmar como força que gera impacto cultural, comportamental e econômico através da moda. O papel dos quatro grandes é demarcado desse jeito no centro da narrativa fashion, com todo mundo sempre querendo ampliar e valorizar seu território. É como um War, só que mais encantador e com interesses mais sutis envolvidos - o que não quer dizer que sejam menos complexos (rs!).

Os vagões do Expresso da Moda Global, porém, partiram de Nova York. O ‘quê’ da semana nova-iorquina foi, por muito tempo, conseguir um equilíbrio esperto entre novos nomes e marcas de moda de vanguarda, os medalhões americanos com o casual-esportivo de luxo ou o chic-bem-nascida que definem a tradição da moda dos EUA e as primeiras filas que faziam a alegria da imprensa - o acesso próximo ao maior mercado do entretenimento no mundo e seus nomes icônicos tornavam o evento um tapete vermelho à parte, em que marcas ganhavam projeção trazendo as celebridades certas e elas posicionavam sua imagem com as grifes da hora. Todo mundo ganhando.

Esse clima teve um de seus auges mais importantes até o início dos anos 2010, período que a NYFW concentrou o surgimento dos então novos talentos mais instigantes da moda - Alexander Wang, Jason Wu, Proenza Schouler -, nomes tradicionais que sabem dar frescor ao próprio DNA, como Diane von Furstenberg e a presença daquele que talvez foi o mais celebrado estilista da primeira década deste século, Marc Jacobs. Marc, na virada do milênio, experimentou um de seus maiores auges, com sua marca própria desfilando em NY ao mesmo tempo que comandava a linha de roupas da Louis Vuitton desde seu início, mostrada em Paris, destino dos sonhos de todos os estilistas da indústria.

Mas aí, a partir do estouro da bolha imobiliária americana em 2008, que desencadeou a maior crise econômica global desde a Grande Depressão, nos anos 30, a festa começou a micar. A Grande Recessão (como ficou conhecido esse período), abalou as marcas do calendário nova-iorquino - importante lembrar aqui que, ao contrário da maioria das grandes marcas europeias, as dos EUA não costumam ter uma holding de empresas de luxo imensa e poderosa por trás -, os medalhões tem grandes empresas, mas não enormes, e os nomes autorais são pequenos negócios. Os dois modelos de business estrearam os anos 2010 com cautela, para recuperar fôlego e entender o novo ritmo de mercado.

Se as forças políticas do mundo podem virar a qualquer minuto, o War das modas não deixa por menos e, quando mal se começava a navegar o pós-Grande Recessão, BOOOM! Um novo vírus, altamente perigoso, contagioso e mortal, transmitido através do contato humano, fecha as portas das lojas e interrompe eventos de alta concentração de pessoas, como desfiles de moda. Sim, sim, é ela mesma, gente, a COVID-19 que, até não muito tempo atrás, controlava a minha vida e a sua (e eu espero que não volte a controlar nunca mais). As marcas nunca precisaram tanto, e em tão pouco tempo, criar e comunicar produtos e conceitos de maneira tão sintonizada com o presente, em que viver em isolamento rompeu com as formas conhecidas de estilo de vida e colocou a incerteza como ordem do dia. Para manter o negócio de pé, entender as necessidades de lojistas e clientes finais se tornou ainda mais essencial, deixando pouco ou nenhum espaço para o escapismo.

Somado a tudo isso, as grifes precisaram explorar novos formatos para apresentar as coleções, pelo impedimento dos desfiles. O vídeo, que já era uma ferramenta muito presente nas campanhas de moda e crescia em importância na comunicação das marcas com as mídias sociais, se tornou o recurso preferencial para mostrar lançamentos e, mesmo dentro do calendário das fashion weeks, as grifes passaram a buscar apoiadores e patrocínios próprios para viabilizar suas ações de marca. Se a necessidade é a mãe da invenção, isso fez marcas e estilistas se tornarem ainda mais donos dos próprios discursos e entenderem seu posicionamento como plataformas que falam com territórios específicos que interessam também a outros players.

A NYFW, que já andava discreta desde o início da década passada, pelas marcas com o pé no freio e perda de patrocinadores importantes, se pulverizou quase que definitivamente depois que as soluções e perspectivas experimentadas na pandemia se mantiveram no vocabulário das grifes para mostrar suas coleções. Os nomes tradicionais passaram a apostar em eventos proprietários, como Ralph Lauren, ou levar uma dose de estilo extra para as linhas comerciais e descontinuar as coleções conceituais, caso da Calvin Klein. Outros chamarizes, como o próprio Marc Jacobs, para ter mais liberdade de timing ao criar e exibir seu trabalho, saíram do calendário - Marc tem apostado em apresentações mais performáticas em pontos icônicos de NY, como a Biblioteca Pública. Permaneceram as marcas independentes nova-iorquinas, e a fashion week, hoje menor em tamanho, as tem como principal ponto de interesse para atrair a atenção do mercado.

Ser celeiro de novos talentos já era uma característica do calendário nova-iorquino, e nos anos recentes, foi plataforma para marcas que deram o que falar no debate global de moda, como Pyer Moss e Eckhaus Latta. Mas projetar é bem diferente de impulsionar - a pulverização dos calendários que começou no pós-crise e virou realidade no pós-pandemia, concentrou os negócios e as verbas de marketing nas capitais onde o mercado de moda e luxo é mais estabelecido, leia-se Milão e Paris. Quem pôde, assumiu a organização da própria apresentação e foi tocar o business por lá. Quem não, se desdobra para, além de fabricar seu produto nos EUA (o custo de confecção no país é alto, e marcas independentes não tem volume para produzir no exterior), apresentá-lo de um jeito que atraia os nomes-chave do mercado para NY. O que, no cenário atual, a semana de moda não tem podido acrescentar muito e os próprios players do mercado tem visto como mais vantajo$o concentrar seus esforços nas cidades mais estratégicas.

Mas NY ainda é uma bússola cultural e comportamental, e os estilistas autorais da cidade tem assinaturas estéticas e discursos bem contemporâneos e interessantes. O dinheiro fugiu, o mercado se tornou (ainda mais) difícil, os nomes pop que trazem o buzz das celebs diminuíram e a NYFW tem ficado em segundo plano, até porque calendários de moda de cidades fora do caminho desse trem estão mostrando sua cara no War da moda, como Copenhagen, porém ainda vale a pena olhar para o que a NYFW revela. No dia 26, o trem desembarcou os fashionistas na parada mais aguardada por eles. Oui, Paris! E ontem, com o fim da semana de moda francesa, se encerraram as quatro principais fashion weeks - vou registrar meus destaques em cada uma delas, trazendo o que for mais curioso, na próxima edição da Lado Avesso. Que, inclusive, deve até chegar em menos tempo. Fiquem atentos e até a próxima!

É o caminho das plataformas sociais da internet nos últimos 15-20 anos, que chegou a lugares que nem seus inventores imaginavam, e os movimentos do comportamento e as mudanças nas expressões estéticas e culturais com certeza não escapariam. Marcas, veículos de comunicação, personalidades e gente como eu e você entraram nas mídias sociais guiadas pelos assuntos ‘em alta’ para entrar/estar/participar no assunto do momento, tomando isso como sinônimo de captar o momento cultural, seja para se fazer presente e ‘antenado’ ou para entender uma audiência e criar identificação e pertencimento com o público que a compõe.

Nisso, as tendências, que até então simbolizavam (e ainda simbolizam) manifestações de momentos da cultura que apontam comportamentos, formas de pensar, valores e atitudes na sociedade, passaram a ser também entendidas como o que se torna (aparentemente) onipresente nas plataformas sociais - o famoso “viralizou nas redes”.

Impelidas a acompanhar a trend da hora para manter a relevância na rapidez de um rolar do feed, pessoas e marcas perderam perspectiva de quais ideias e acontecimentos carregam consistência para traduzir o presente e as que são mais um assunto reverberado para manter a roda da Economia da Atenção girando. Entre o que é momentâneo e o que é representativo de verdade, muito do que é apontado como tendência de mercado, consumo ou comportamento é, no fundo, apenas entretenimento digital.

Barbiecore, Cottagecore, Normcore… É tanto core, né? Desde que a Margot Robbie tirou a Barbie e seu rosa choque do baú de brinquedos eu perdi tudo. Mas o que quer dizer mesmo esse sufixo que parece dar conta de definir tudo? O Dicionário Oxford falou, e eu traduzo aqui para o nosso querido PT-BR:

Substantivo - núcleo; cerne

Verbo - Descaroçar; Tirar a parte central.

Ou seja: essência. ‘Core’ é aquilo que define a manifestação de algo, ainda que, claro, ela aconteça de diferentes formas e tenha diferentes facetas. As vontades e pontos de vista expressas hoje e em vários momentos da História definitivamente não são uniformes, mas tiveram e têm aspectos fundamentais que as caracterizam - então como uma mesma época pode ter tantas ‘essências’ definidoras? Na verdade, não têm. Todos esses ditos ‘core’ são respostas rápidas de pessoas, marcas e do entretenimento para sustentar narrativas e presença online no timing das mídias sociais e do mercado de consumo acelerado, sem observar o contexto amplo da sociedade e da cultura, o que uma tendência consistente capta e traduz por um período mais abrangente.

Comportamento e tendências: entre o real e o virtual

Tendências que traduzem a cultura estão em alta, e ao mesmo tempo tudo que está em alta é chamado de tendência. Pensando no significado que acabamos de descobrir, algo contraditório acontece - qualquer ideia pode ser a essência de nosso tempo, ainda que ele tenha o mesmo ritmo de sempre e as realidades não se alterem na velocidade de um scroll.

A sobreposição (ou a confusão?) desses aspectos coloca marcas e indústrias correndo atrás do próximo ‘core’ para se conectar com o público, enquanto ele próprio se mostra confuso com o ritmo cultural cada vez mais acelerado e de poucas referências sólidas. Como resposta, surgem movimentos anti-tendência e até o tal do Corecore - onda que aponta para o colapso dos contextos e sentidos e para o absurdo da vida online - e também algo que acende o sinal amarelo: tanto ondas efêmeras quanto dinâmicas que sinalizam impactos sobre comportamentos e estilos de vida estão sendo vistas com a mesma proporção. Não apenas pelos mercados, mas por cada um de nós quando escolhemos rolar o feed ‘só mais uma vez’, ou só dar ‘uma olhadinha’ naquele patrocinado.

Você aí do outro lado da tela sabe tão bem quanto eu: depois dessas decisões aparentemente inofensivas, caímos na espiral infinita de vídeos de cachorrinho/gatinho, memes debochados, daqueles que são prints do Twitter, e na obsessão pela treta do dia - esteja o BBB no ar ou não. A pulverização de informações numa abrangência imensa alterou drasticamente como a força cultural de acontecimentos, modismos, ideias e do que mais possa dar significado às nossas ações é percebida.

No infinito da Internet, orquestrado pelos algoritmos, tudo é veloz, e por isso percebido como novo (nem sempre é), e tudo é enorme, graças aos grandes números de alcance e views, e assim entendido como relevante (também nem sempre é). Esse entendimento pauta atitudes e escolhas no mundo real, que se tornam dissonantes, já que muitas das últimas ‘tendências’ fazem bem mais sentido para o mecanismo das redes, sem capturar aspectos culturais e comportamentais vividos no cotidiano real.

É impossível se isolar totalmente da influência do meio e invariavelmente o fluxo das tendências de comportamento, sejam elas mais ou menos consistentes, vai agir sobre as escolhas que fazemos. Numa época que a oferta de conteúdo e ideias é muuuuito maior do que é possível absorver, é essencial calibrar nossa antena e entender se o que alimenta as nossas ideias e ações agrega de fato ao que buscamos individual e coletivamente, ou se apenas adere à lógica da pura e simples atenção que induz relevância, algo que é construído tijolo a tijolo e não ao sabor da próxima-onda-da-internet.

Escrevendo esse texto, saio com muito mais perguntas que respostas, e acho que você que lê também. Mas não é pra ficar pilhando! Dê só um passinho atrás e observe se o que chama sua atenção encontra eco nas realidades que você conhece e se interessaria, de fato, a diferentes grupos de pessoas, e não ao que um algoritmo avalia como algo a ser visto. Sua atenção vale MUITO para quem manda no mundo hoje, ao mesmo tempo que é essencial para que você esteja conectado e plenamente presente na vida que leva AGORA, que tem dores e delícias que só você sabe - por isso, cuide bem dela e saiba identificar o que é música e o que é ruído ;)

Trago assuntos do mundo que movimentam a minha mente inquieta, com as lentes da moda e da cultura, para levar até você, que me dá o prazer da sua leitura e atenção, informação e conhecimento que instiguem de forma leve e despretensiosa, para que isso gere conexões e trocas e se torne um bate-papo entre pessoas interessadas e interessantes :D Então, como você se relaciona e absorve os movimentos de comportamento e cultura que circulam por aí? Como vocÊ calibra sua antena? Pode me contar nos comentários aqui embaixo que eu vou amar saber!

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A Alta Costura é parisiense por essência, mas, ora vejam, surgiu das mãos de um inglês, o costureiro Charles Frederick Worth, em 1860. Worth desenvolvia roupas sob medida, elaboradas manualmente com acabamentos apurados e matéria-prima impecável, para mulheres de finíssimo trato, de dentro ou fora de Paris. Seu trabalho passou a ser chamado de alta costura, e outros ateliês e costureiros também passaram a reivindicar o termo. 

Para por ‘ordem na casa’, entrou em cena, alguns anos depois, a Chambre Syndicale de la Mode et de la Haute Couture (Câmara Sindical da Moda e da Alta Costura), ligada aos órgãos reguladores da indústria na França, para definir e, assim, patentear o exercício da couture. Foi assim que a moda e seus diferentes segmentos ganharam espaço no país como um patrimônio cultural e, ao mesmo tempo, um poderoso mercado para a economia francesa, que se tornou um dos maiores do mundo. 

De acordo com o que se desenhou entre os séculos XIX e XX, com updates conforme o desenrolar dos tempos, só faz Alta Costura a marca ou estilista que recebe uma chancela do Ministério da Indústria da França por cumprir os seguintes requisitos: ter um ateliê em Paris empregando no mínimo 15 pessoas, produzir as peças de forma totalmente manual com pelo menos uma prova de roupa e apresentar publicamente suas coleções, com no mínimo 35 looks, com opções para dia e noite, duas vezes por ano.

Você deve estar se perguntando como algo tão nichado, um deslumbre tão distante de nós, meros mortais, se sustenta. Então, trago outros detalhes para coçar um pouquinho mais a pulguinha atrás da sua orelha: nos anos recentes, a Alta Costura tem contado com cerca de 4 mil clientes no mundo inteiro (!!), dispostas a pagar a partir de US$ 10 mil, considerando uma peça menos complexa, até o limite acima do céu - as roupas mais elaboradas da couture consomem horas de trabalho de artesãos especializados (algumas levam até 1.000 horas!!!). Não à toa, chamar o seleto grupo de adeptas da couture de ‘clientes’ não é suficiente. Elas são chamadas de colecionadoras, afinal, as peças são obras de arte usadas no corpo.

 “Então, Deborah. A coisa é só pras arquimilionárias, custa uma grana que a gente não consegue nem imaginar, deve dar pouco lucro pras marcas e ser caríssimo de manter”

Sim! Tudo que você pensou está certo. Maaaas, a Alta Costura não é sobre faturamento para as marcas. É sobre algo tão precioso quanto, num mundo em que discursos surgem e somem tão rápido quanto as trends do TikTok e ter um lugar especial no imaginário do público, seja o que vai consumir aquela mensagem material ou simbolicamente, é um grande (senão o maior) desafio para qualquer marca. A couture é a plataforma para a expressão máxima do universo das grandes grifes de luxo, é o diálogo mais apurado delas com quem e o que pretendem impactar, como um filme vivo com cenas que materializam em carne e osso - ou melhor, em formas, texturas e silhuetas ultra sofisticadas - toda sua potência técnica e criativa.

Essas histórias vívidas que a Alta Costura conta geram imagens de moda impressionantes, que mostram as ideias mais ousadas dos diretores criativos de grifes do tamanho de Chanel, Dior, Schiaparelli, Valentino e Maison Martin Margiela e seus exércitos de artesãos-peritos nas mais sofisticadas técnicas de criação e construção de peças de vestuário. 

Tão impressionante que as mesmas mídias sociais que descartam percepções estéticas com cada vez mais rapidez se encantam pelo deslumbre e criatividade pura da Couture e espalham esses grandes momentos de moda, virais por si, e itens que são restritos a pouquíssimas viram tendências que contaminam todas as camadas do mercado. Sem falar das mirabolâncias criativas virando assunto onipresente nos perfis de moda, beleza e cultura pop - o que, tesouro dos mais valiosos, coloca as marcas no discurso contemporâneo global, algo indispensável para atualizar a relevância simbólica e de mercado da Couture e tornar suas perspectivas futuras mais consistentes.

A Alta Costura é, hoje, o meio mais completo de investimento em comunicação e posicionamento de marca das grifes de luxo, ainda que através de um segmento pequeno, seu encanto tem alcance grande e potente. Isso se deve também a outro ponto bem importante: a couture é o grande elo da moda com o entretenimento, conexão forte que gera um dos grandes momentos para inspirar glamour e sonho - o tapete vermelho. Mas essa conversa rende todo um outro texto (fiquem de olho, vem aí).

Lembra que eu falei lá em cima que a definição da Alta Costura como um segmento específico dentro da moda a colocou, na França e depois como referência para outros mercados pelo mundo, num lugar de relevância não só econômica como também cultural? Pois é! Mesmo que a couture não seja a maior fatia do business de luxo, ela é mantida para a manutenção dos saberes artesanais que se desenvolveram durante séculos na Europa, e também para que eles sejam transmitidos para novas gerações de profissionais, que darão continuidade aos ateliês e à Alta Costura em si e são o motor que desenha o futuro dela na moda.

Na Alta Costura, todo desfile é um acontecimento, mas ainda assim acontecem apresentações que vão além. Isso não acontece toda hora, mas no encerramento da última semana de moda da Couture, o desfile da linha Artisanal da Maison Martin Margiela entregou tudo que uma exibição da Alta Costura precisa - celebração da artesania, da criatividade, da história e da cultura, enquanto criava manifestações estéticas que traduzem o presente e, invariavelmente, traçam o porvir.

Mestre e aprendizes: ligação que se molda ao tempo

O principal par de mãos por trás de tudo é um dos maiores nomes da moda nas últimas duas décadas e autor de outras grandes histórias já contadas na Couture: John Galliano. Mas o inglês, grande showman da moda nos anos 2000 e gênio criativo em qualquer época, hoje está à frente da Maison Margiela de forma beeem mais discreta (depois de sair da Dior e ficar algumas temporadas fora dos holofotes por polêmicas graves, como geralmente manda o figurino), voltando sua atenção para uma forma de trabalho coletiva, que treina outros jovens pares de mãos para traduzir frescor criativo com as técnicas preciosas da Alta Costura e garante a conexão dela com o agora e com o que virá.

O desfile considerado o ‘vencedor’ da última temporada da Couture é mais uma prova da habilidade de Galliano de contar histórias vivas com a moda, ambientá-las, vesti-las e trazer os personagens à luz. Em um bar-sótão embaixo da Pont Alexandre III, à meia-luz e revestido de espelhos, na melhor forma da noite vanguardista da Paris dos anos 30, o diretor criativo trouxe elementos estéticos dessa época para exercitar a moda da sua forma mais pura e mostrar que, num momento de tendências esvaziadas, ela ainda tem o poder de deslumbrar, impressionar e transportar para universos singulares.

Cortesãs ruivas e homens em corsets apertadíssimos vindos da obra do pintor Kees Van Dongen e do fotógrafo francês Brassaï falavam do proibido no velar e desvelar dos corpos, sem distinguir gênero, e redesenhavam as silhuetas de forma impressionante. O andar “quebrado” dos modelos tornaram tudo ainda mais incrível e traduziram tanto a metamorfose dos ‘corpos marginais’ para se afirmarem existentes na década de 30 quanto o espanto que ainda resiste hoje quando corpos femininos e masculinos são reimaginados ao máximo. 

As bonecas de porcelana também são centrais no imaginário desse desfile, representadas pela beleza absolutamente realista e impecável da gênia Pat McGrath, numa ideia de fetiche (com um quê de BDSM) e idealização sobre quem personifica os muitos corpos - nesse jogo de marionetes luxuoso, alimentamos a imagem estabelecida de sensualidade e somos alimentados por ela. 

Mal posso esperar pela próxima película viva que Galliano e seus aprendizes irão criar, com novas provocações e, por mais que a plateia peça, com aplausos ensurdecedores e até batendo o pé, sem a entrada final do criador, mantendo o hábito do fundador da grife, o misterioso belga Martin Margiela, e permitindo que parte da glória paire também sobre a equipe que reuniu e treina desde sua chegada à marca. Sinais de (quem sabe) outros tempos.

Se é ele ou Clarice Lispector, nunca saberemos, mas, seja quem for, estava certo. Se são mudanças que queremos, principalmente coletivas, temos que ser mudança. Sermos agentes das transformações que queremos ver acontecer, da maior à menor atitude. Desse jeito, um pequeno fluxo de mudança começa, encontra outros na mesma direção e gera a força para “desencaixar” o que é preciso para transformar.

Para iniciar a Lado Avesso e esse ano, te convido a ser mudança através de como você vê e se relaciona com a moda. Sim, optar por uma ou outra peça e levar mais fatores em consideração na hora das comprinhas faz uma baita diferença em mais níveis do que imagina. 

A moda é como um ilusionista muito habilidoso: enquanto faz achar que é tudo sobre looks e tendências, por trás dessa cortina é uma das grandes engrenagens do funcionamento da sociedade, por conter em si economia, política, linguagem, significados simbólicos e culturais, e assim tem impacto marcante em outras engrenagens fundamentais, como as do meio ambiente e as das relações entre diferentes grupos.

Percebe como uma decisão simples sobre o que se veste ou sobre como se relaciona com a moda atravessa vários pontos de contato com o coletivo? Por isso, ser mudança através dela não é só sobre ter um armário-cápsula de 30 peças ou se vestir só com peças artesanais belíssimas de slow fashion (o que seria um sonho, mas não está ao alcance da maioria dos amantes da moda, rs). Mas sim em entender que a moda é um mecanismo que se desdobra de formas diferentes em contextos de realidade diversos e, seja qual for o seu, é preciso agir em relação a ela de acordo com o que contribui para a evolução do mundo que vivemos - que tem desafios que vão desde a impedir a fervura climática à valorizar os trabalhadores das cadeias produtivas da moda e de tantos outros mercados.

Para chegar no centro da ideia: buscar mudanças de cenário positivas para o mundo através da moda é encontrar um equilíbrio entre minimizar os impactos negativos e maximizar os benefícios (ambientais e sociais, principalmente) nas várias interações possíveis com o sistema que se cria em torno dela. A moda responsável está, antes de tudo, em pensar o impacto dos movimentos, em todas as frentes desse universo, no coletivo, isolados ou articulados. Cada um deles são pequenos grandes passos, capazes de, pouco a pouco, materializarem transformações.

Para difundir essa percepção, é essencial que as muitas frentes de comunicação de moda que falam diretamente com o público hoje, informem, entretenham e criem conteúdo reafirmando que a moda responsável não está presa em consumir produtos sustentáveis ideais, o que, em lugares como o Brasil, ainda é um privilégio. Cabe a elas, ou melhor, a nós mostrar como o impacto dos múltiplos tipos de relação com a moda podem ser mais saudáveis para o coletivo, em um ou vários aspectos - considerando todo o caminho que ela faz até você, da matéria-prima ao guarda-roupa.

Não é só eu que penso assim, não! Em julho do ano passado, o Programa das Nações Unidas para o Meio Ambiente (UNEP), junto com a Convenção das Nações Unidas para a Mudança Climática (UNCFCC) e o Compromisso da Indústria da Moda para Ação Climática (minha tradução em português para o nome do grupo de trabalho Fashion Industry Charter for Climate Action), desenvolveram um manual para a comunicação responsável da moda, sobretudo em termos socioambientais. O The Sustainable Fashion Communication Playbook traça o caminho de mudança necessário para a narrativa da comunicação de moda, seja em veículos grandes ou independentes, nas empresas do setor ou com os influenciadores, contribuir em toda sua potência para o cumprimento dos objetivos globais de sustentabilidade das Nações Unidas. 

Essa galera toda aponta que, para isso, a comunicação sobre esses tópicos na moda deve ir além dos contextos institucionais e corporativos, e ser levada cada vez mais ao público que se relaciona com a moda no cotidiano. Quem comunica moda deve informar (com checagem, claro) sobre o impacto coletivo dos assuntos e passar mensagens que orientem à percepção das questões do todo através deles, contribuindo para que esse comportamento faça parte da relação cultural do público com a moda.

Isso é bastante do meu intento com a Lado Avesso. Não sei é muita pretensão, mas além de fazer uma das coisas que mais me empolga, que é escrever sobre essa grande loucura que é o agora pelo prisma da moda, da cultura e do comportamento, quero que esse trabalho seja uma ferramenta para que vocês adquiram e compartilhem conhecimento. E, a partir disso, descubram, mesmo que bem escondidas aí na cabecinha de vocês, novas percepções sobre o hoje por meio desses assuntos que eu tanto amo. 

Para inspirar um novo olhar sobre ser mudança na moda este ano, trouxe aqui um exemplo de design autoral, que cria e produz com visão estrutural, buscando impacto positivo nas diferentes etapas dos processos, e a proposta de um jeito mais cuidadoso e atento de lidar com a nossa relação com o sistema da moda. A intenção aqui é mostrar como os desafios dele podem ser entendidos e levados para o cotidiano.

Trama Afetiva

A Trama Afetiva é uma plataforma múltipla - unindo pesquisa de estudos em design social e regenerativo sobre inovação para resíduos das indústrias têxtil e da moda mostra que ambas podem (e devem!) funcionar em torno da busca constante pelo impacto socioambiental positivo através das muitas ações que desempenha: cursos que trazem o sistema da moda em perspectivas decoloniais, antirracistas e contra a misoginia e a LGBTfobia, capacitação de grupos de mulheres em situação de vulnerabilidade para valorizar seus saberes e emancipá-las financeiramente, como costureiras e crocheteiras, e a criação de produtos de design autoral. 

A Trama foi fundada em 2016 pelo renomado jornalista e crítico de moda, e especialista em Economia Afetiva (EA) Jackson Araujo, que atua como diretor criativo, Luca Predabon, comunicólogue e diretore de conteúdo da plataforma e Rogério Zé, publicitário, produtor cultural e diretor executivo. Desde então, buscam, acima de tudo, afirmar a moda, em todas as suas pontas, como comportamento e sistema social.

Partindo das possibilidades do upcycling, técnica que ressignifica itens que seriam descartados em matérias-primas para novas criações, as roupas e acessórios autorais da Trama são desenvolvidos a partir da recuperação do náilon de guarda-chuvas descartados, separados para o projeto por uma rede de cooperativas de resíduos sólidos lideradas por mulheres. 

Num mundo em que os recursos estão cada vez mais perto de se esgotar, a inovação está de fato em reinventar o que parece não ter mais uso, mas sempre esteve aí. Cada guarda-chuva separado para a Trama demoraria 30 anos para se recompor num aterro sanitário - os novos produtos interditam o descarte destes objetos, que são ressignificados em bolsas, pochetes, quimonos, macacões e outras várias peças cheias de cor e autenticidade, já que as cores e estampas dos tecidos são as do náilon dos guarda-chuvas encontrados, sem escolha prévia. Cortado em espiral, ele pode render até 42 metros de fitas de tecido das quais são feitas as peças em crochê.

A diretora de moda Thais Losso, que comanda o ateliê da Trama Afetiva em São Paulo, desenvolve as peças com todo o conhecimento de quem é, há mais de 20 anos, gente grande na moda brasileira. Na virada dos anos 90 para os 2000, ela foi responsável pelo estilo de marcas que ditavam tendência e faziam desfiles memoráveis, como Zapping e Cavalera. Agora, como mente fashionista da Trama, Thais leva toda essa bagagem para os desfiles da plataforma na Brasil Eco Fashion Week, semana de moda que reúne marcas brasileiras com práticas comprovadamente responsáveis. É neste momento que ela cria imagens de moda impactantes com as peças do projeto combinadas a itens criados colaborativamente com pequenos ateliês e designers que também trabalham o upcycling. Para elaborar toda coleção de roupas da Trama através dessa técnica, foram usados 250 guarda-chuvas. Também é a própria Thais quem modela e corta as peças, para explorar todas as possibilidades das estampas e cores que chegam de ‘surpresa’ do náilon dos guarda-chuvas. 

As peças são executadas por equipes de costureiras e artesãs que já participaram de projetos da Trama Afetiva, empoderadas social e financeiramente pelo trabalho de desenvolvimento dos itens da plataforma. Um exemplo sólido da parceria da Trama com esses coletivos são as Empreendedoras da Quebrada, profissionais do bairro periférico do Jaraguá, na zona norte de São Paulo, que confeccionam as peças criadas já há algumas coleções. Assim o ciclo se fecha e se sustenta: da matéria-prima que não vira descarte a uma cadeia de produção que gera oportunidades e dignidade reais.

Fast ou slow fashion, vale ver além da etiqueta

Você pode estar pensando, aí do outro lado da tela: “mas coisas como a Trama Afetiva são pontuais com um jeito de produzir que vai precisar de tempo para abranger públicos maiores”. Sim, isso é verdade - e as grandes varejistas de moda, as marcas do tão falado fast fashion, são a maior ponte de contato de grande parte das pessoas com a moda e tudo em torno dela. Por isso, seja caro ou em conta, sofisticado ou casual, o importante é lembrar de todos os movimentos da moda e como eles se entrelaçam com os sistemas da sociedade.

A moda, como tantos outros mercados no capitalismo, se mantém pela lógica do consumo exacerbado - que, em tempos de tendências ditadas pelas mídias sociais, não se trata nem da troca do “velho” pelo “novo”, mas do “novo” pelo “mais novo ainda” pelo “novíssimo” -, e isso pede que a gente mude, ainda que pouco a pouco, nossa perspectiva de consumir roupas, acessórios, calçados e outras peças de estilo.

Tratar itens de moda como de rápida substituição, desconsiderando a história das peças, seus significados e durabilidade é uma forma de pensar que deve mudar radicalmente daqui para sempre - as roupas que já vivem no nosso armário precisam ser pensadas como protagonistas de múltiplas narrativas e, as que entram, devem ser muito bem pensadas para fazerem sentido com esse todo. 

Em meio à geração infinita de novidades que a própria moda se impõe, é fácil perder de vista as letras pequenininhas das tantas etiquetas e se esquecer que marcas de alto padrão não são livres de impacto negativo e que grandes varejistas de moda tem ampliado seus esforços em responsabilidade ambiental e social - claro que com alguma dose de pressão corporativa - a exemplo do trabalho da C&A no Brasil com o Instituto C&A e a Renner, que foi uma das apoiadoras da última edição da Brasil Eco Fashion Week e apresentou um projeto de sustentabilidade no evento. Nenhuma marca está no cenário ideal - por isso, para ser mudança através da moda temos que olhar com cuidado para as nossas interações com ela, considerando a nossa história, o nosso cotidiano e o coletivo. 

Mais do que a compra de produtos sustentáveis ou não, o que faz o potencial de mudança da moda acontecer é agirmos em relação a ela de um jeito que anda junto à maneira que se vive, com inspiração, informação e sagacidade de sobra - as maneiras com que, aliás, eu pretendo trazer todos assuntos aqui na Lado Avesso. Começou!