Ecco come lo presentai nel n.18 di Scuola di Fumetto, nel lontano gennaio 2004

Ed ecco la sua storia, l’avevo un po’ rimproverato per la narrazione, perché con un disegno così maturo e disinvolto, ci volevano grandi emozioni!

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Non resta che aspettare nuove firme, nuovi esordienti, che oggi si provino a sfidare arte e avventura!

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Ma guardiamo l’evoluzione di Gigi el Cave…

E i suoi affascinanti colori di oggi, molto contemporanei e ricercati

Una carriera… Nel 2014 ha iniziato il suo lavoro a Dylan Dog, diventandone presto il copertinista ufficiale per cinque anni e firmando anche il crossover con Batman, in collaborazione con DC Comics.

Nel 2021 è iniziata la sua collaborazione con Mark Millar, per il terzo volume di The Magic Order, e nel 2023 tradisce un po’ il fumetto per lavorare all’animazione… inizia a collaborare con Netflix Animation come concept artist e character design.

Nel 2024 ha preso il via la collaborazione con Titmouse Studio su alcune sequenze del film Spider-Man: Across the Spider-Verse e come art director della puntata How Zeke Got Religion della serie Love, Death & Robots, conquistando anche un Emmy Award nella categoria Outstanding Individual Achievement in Animation – Production Design e un Annie Award.

È main character designer con Titmouse, per la serie Mister Miracle prodotta con Warner Brothers, e con Sony Pictures Animation come visual artist per il film Spider-Man: Beyond the Spider-Verse.

Io non ho mai effettivamente calcolato o previsto di andare a lavorare per l’animazione perché mi sembrava un mondo estremamente lontano e, effettivamente, non mi sono mai neanche preparato. Per fortuna viviamo in un mondo in cui ogni cosa è collegata, tramite i social il tuo lavoro gira e tramite il passaparola arriva anche dove tu non puoi neanche calcolarlo o prevedere.
Sono quindi stato chiamato, mi hanno aperto le porte e mi hanno detto: ‘Accomodati, adesso ti chiediamo di fare questo e quest’altro’.

Ci manchi un po’ come fumettista, speriamo di rivederti su carta, ogni tanto.

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Come Scuola di Fumetto abbiamo insegnato tanto, come rivista e poi con la nostra A Scuola di Fumetto Online, corsi annuali e semestrali, da casa, ma con rapporto diretto con esercitazioni e revisioni degli insegnanti… a Ottobre parte l’anno scolastico di Fumetto, e a novembre Sceneggiatura… vuoi saperne di più?

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Ma intanto gustatevi la solita diretta di venerdì scorso!

Questo Molière del fumetto, che supera i tempi e arriva a noi con i suoi fumetti scritti negli anni 50 e 60, era nato 100 anni fa (il 14 agosto) e in Francia lo si celebra giustamente (preparatevi, l’anno prossimo saranno i 100 anni dalla nascita di Hugo Pratt), impossibile non dedicargli un articolo che sarà composto così: qualche cenno biografico, noto non a tutti i lettori italiani, e brani dalle sue rare interviste.
Goscinny è morto a 51 anni nel 1977.

Una vita poco gallica

Nulla avrebbe lasciato presagire che René Goscinny sarebbe diventato un maestro dell’“umorismo francese”. Ma forse, proprio aver guardato per più di vent’anni la Francia da lontano gli ha dato uno sguardo più acuto, l’infanzia e la giovinezza in Argentina, l’ha educato al grande fumetto, la Disney gli ha insegnato la comunicazione popolare e Mad a dissacrare…

Nasce il 14 agosto 1926 a Parigi in una famiglia ebrea ashkenazita originaria della Polonia e della Russia.
Probabile che la tradizione ebraica dei witz, storielle comiche, sia una delle basi della sua ironia e del gusto per le gag.

Da piccolo amavo fare orribili smorfie… poi far ridere è diventata una passione. (foto del 1928)

Nel 1928, con la madre raggiunge il padre, già espatriato a Buenos Aires. Gran parte della sua famiglia, rimasta in Francia, avrebbe poi trovato la morte nei campi di concentramento.

Vive a Buenos Aires, dove visse fino alla morte del padre e a 19 anni si trasferisce a New York, dove sognava di lavorare per Walt Disney. Lì lavorerà come disegnatore, colorista e altro.

I miei primi passi nel mondo del lavoro risalgono al periodo in cui ero apprendista disegnatore in un’agenzia pubblicitaria argentina, a Buenos Aires, intorno al 1944. Dovevo avere 17 o 18 anni e avevo già fatto parecchie cose che non avevano nulla a che vedere con il disegno. Successivamente, sempre in Argentina, sono diventato assistente di un disegnatore pubblicitario, poi alla fine del 1945 sono partito per gli Stati Uniti, dove mi guadagnavo da vivere come impiegato in una società commerciale.

Dopo un periodo di grandi difficoltà economiche, verso il 1948 sono tornato a lavorare come disegnatore in uno studio dove c’erano Harvey Kurtsman, Will Elder, John Severin… che in seguito avrebbero creato il famoso MAD. Ma li ho conosciuti prima di MAD e insieme, a New York, abbiamo lavorato a libri per bambini, pubblicità e piccoli lavori di questo genere.

Una delle svolte decisive sarà l’incontro con il disegnatore Morris che, con Franquin e la famiglia di Jijé, parte per una lunga vacanza in America. Morris vi si fermerà qualche anno e affiderà poi a Goscinny il suo Lucky Luke, il cowboy «che spara più veloce della sua ombra» ( in riedizione oggi in albi nelle edicole).

Ho conosciuto Morris a New York, nel 1948. Si parlava del suo Lucky Luke e se ne parlava sempre di più, finché, qualche anno dopo, mi ha chiesto se mi interessasse occuparmi della sceneggiatura. E ne avevo davvero voglia, perché era una storia che mi stava a cuore.

Molti sceneggiatori iniziano come disegnatori, il mezzo che più istintivamente li porta all’amato fumetto.
A 24 anni Goscinny torna in Francia. José-Louis Bocquet racconta come Goscinny, che si considerava innanzitutto un disegnatore, debba la sua riconversione in sceneggiatore alla schiettezza del suo collega belga Joseph Gillain: «Sei fatto per scrivere, non per disegnare».

«Con Uderzo – racconta Anne – c’è stato un incontro, due amici che hanno riso insieme e che hanno cercato un’idea per continuare a divertirsi».
È stata la stessa cosa con Jean-Jacques Sempé per Il piccolo Nicolas, con Morris per Lucky Luke o con Jean Tabary per Iznogoud: ogni album diventava un momento di divertimento. Del resto, René Goscinny ne aveva fatto uno stile di vita. Anne racconta che conquistò sua madre, durante una crociera, facendola ridere a crepapelle!

Il suo genio risiede anche nella sua capacità di pensare oltre i confini. Con la rivista Pilote, di cui fu caporedattore, René Goscinny non si accontentò più di creare: diede ad altri autori i mezzi per farlo e contribuì a far uscire la nona arte dal suo status di sottocultura. Ha permesso l’affermarsi di numerosi talenti che ha lanciato su Pilote, tra cui Jean-Claude Mézières, Claire Bretécher, Enki Bilal, Cabu e Marcel Gotlib.

Nel 1968, in quei giorni di grande fermento di contestazione e scioperi… una riunione spezza l’armonia nel giornale.

Processo “stalinista”

Per Goscinny, che arriva a questa riunione, come si può immaginare, fischiettando (sua figlia è nata da pochi giorni), ovviamente a piedi (tutte le linee della metropolitana sono in sciopero), in una brasserie all’angolo tra rue Saint-Honoré e rue des Pyramides, «La Rotonde des Tuileries», si tratta di un incontro tra autori.

Ma ben presto, colui che, di fronte a una folla di capelloni eccitati, sfoggia un abito classico che gli conferisce l’aria di un notaio e a cui le vendite di albi (Asterix, Lucky Luke, Iznogoud, Il Piccolo Nicolas…) assicurano un reddito agiato, si ritroverà sotto i riflettori.

Infatti, la grande questione del momento è che, a causa degli scioperi, il «Journal Pilote» ha smesso di uscire. Angoscia. I giovani autori [...] avevano tutte le ragioni per preoccuparsi.

La conversazione verte su una presa di potere sul giornale da parte degli autori. Goscinny, che non è certo alla sua prima riunione sindacale – ricordiamo che era stato licenziato dalla World Press proprio per questo motivo, trascinando con sé, per solidarietà, Albert Uderzo e Jean-Michel Charlier – in linea di principio non è contrario. [...]

Goscinny uscì da quell’episodio profondamente mortificato. Si era appena voltata una pagina su una certa «banda di simpatici amici»… (Didier Pasamonik)

Avviene un suo sensibile allontanamento dal mondo amichevole del fumetto… Continuerà a scrivere splendidamente, ma si occuperà anche di animazione e crea un proprio studio. Purtroppo, nel 1977, a 51 anni, muore.

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Interviste e citazioni

Sopra: © Catel & Grasset - Catel, tavola da Le roman des Goscinny… quando se ne vanno da Word Presse

Nel 1959, Uderzo, Charlier, io e un piccolo gruppo di collaboratori fondammo la rivista *Pilote*. E bisognava creare nuove serie. Così abbiamo cercato e abbiamo trovato *Asterix*. Del primo album ne vendemmo appena 6.000 copie. Ma già con il secondo raddoppiammo le vendite e da lì in poi la crescita fu esponenziale. Nell’estate del 1965 mi trovavo a Biarritz e ricordo di aver sentito alcuni ragazzi per strada dire: «Sono pazzi, questi romani!» e altre frasi del genere.

«Abbiamo cercato in ordine cronologico. Per un attimo abbiamo pensato alla preistoria, agli uomini delle caverne, ma l’idea non ci entusiasmava. Ci restava la vena gallica: subito ci è sembrata azzeccata. Di questi eccellenti Galli si era parlato poco, mentre, in fondo, avevano un legame molto diretto con i francesi. Così ho ripassato ciò che avevo imparato su di loro al liceo di Buenos Aires, dove ero stato studente. Poche cose, in verità: i druidi, il vischio, il cielo che minaccia di crollarci addosso… Avete notato quanto poco spazio occupino i nostri antenati nel nostro sistema educativo? Ho approfondito le mie ricerche, ho letto libri, ho trovato i nomi che finiscono in -ix e, ben presto, l’argomento mi è sembrato molto interessante. La gestazione di una storia non è sempre divertente. Questa volta, però, tutto andava per il meglio; un pomeriggio — era la fine del 1959 — ci siamo persino divertiti da matti a elaborare la nostra storia. Asterix è nato nella gioia. Era di buon auspicio…»

Sopra: © Catel & Grasset - Catel, tavola da Le roman des Goscinny… l’invenzione di Asterix

Sono un appassionato della futilità

La genialità di Goscinny (con Uderzo), è stata quella di creare storie che si leggono e fanno ridere a 8 anni come a 16 o da adulti, ognuno può leggervi quello che è al suo livello… L’ironia può unire i lettori e, per dirla con Umberto Eco: "Una delle prime e più nobili funzioni delle cose poco serie è di gettare un'ombra di diffidenza sulle cose troppo serie".

In effetti, in quel periodo, anche gli adulti cominciarono ad acquistare gli albi e ad ammettere di leggerli. Ci fu una vera e propria ondata di Asterix, se ne parlava ovunque.

Mi sono sempre ispirato alle pagine rosa (sul latino) del Petit Larousse per far parlare i miei romani. Mi è capitato di ricevere lettere da illustri latinisti che mi segnalavano un errore in una determinata frase, e io li rimandavo alla pagina corrispondente del Petit Larousse. Io non posso commettere errori, non ho mai studiato latino.

Estratto da un articolo apparso su LES NOUVELLES LITTÉRAIRES n. 2048, Intervista a René Goscinny di Henri-Paul Eydoux, «Asterix con noi!», 1° dicembre 1966.

«Per Asterix, mi documento su tutte le opere che riesco a trovare riguardanti la Gallia, Roma e i vari paesi che compaiono nella nostra storia in quel periodo, ovvero circa cinquant’anni prima di Cristo: La Guerra gallica di Giulio Cesare, Vercingetorige di Camille Jullian, e poi La vita quotidiana a Roma di Jérôme Carcopino, e in generale tutti i libri che possono essermi utili per farmi un’idea di ciò che accadeva in quel periodo. Quindi mi documento il più seriamente possibile, e poi… mi dimentico di questa documentazione quando scrivo la storia, perché ovviamente attingo molto dalla mitologia, insomma, dall’immagine idilliaca dei Galli che anche i francesi conoscono, cioè un misto di verità, un misto di ciò che si immagina, di leggenda e poi, naturalmente, oltre a questo, si cerca di aggiungerci un po’ di fantasia.»

Da un’intervista a Goscinny e Albert Uderzo realizzata da Guy Gauthier per la Radio Télévision Scolaire, Nos images et l’histoire, «Dai Galli al XX secolo», 3 maggio 1966.

Nel 1967 esce il primo film animato di Asterix, ma… all’insaputa (fino a metà lavorazione) dei suoi autori come si vede qui sotto…

Sopra: © Catel & Grasset - Catel, tavola da Le roman des Goscinny… annuncio del cartone animato in preparazione

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E così risponde Goscinny a un’intervista su Asterix, in quell’occasione (1967):

Ho pensato al Gallo medio: innanzitutto l’ho definito prendendo spunto dalle prime pagine dei nostri libri di storia. Cioè, all’inizio è un attaccabrighe, un burlone, un mangione, un tipo pittoresco, e poi, man mano che andavamo avanti con la storia, abbiamo preso alcuni dei problemi dei Galli di oggi e li abbiamo trasformati. È il “disordine” in persona.
Quando si scrive una storia, è necessario che ci sia almeno un personaggio vagamente intelligente! Ma è circondato da una collezione di idioti piuttosto notevole, peraltro simpatici: ci sono degli idioti davvero simpatici. Ma la cosa bella, quella che ci diverte, è mostrarli mentre discutono con una certa serietà di una situazione, scelgono la soluzione sbagliata e partono con determinazione. È questo che è divertente, altrimenti diventerebbe una lezione di storia!

LE PETIT NICOLAS

La serie “Il piccolo Nicolas” è nata nel 1954. Sempé disegnava vignette umoristiche sul giornale Le Moustique con un personaggio bambino, e gli fu proposto di utilizzarlo per un fumetto. Dato che lui non scriveva sceneggiature, chiamarono me. Allora proposi a Sempé di riprendere Nicolas, ma sotto forma di racconto illustrato, con un’idea stilistica originale: far parlare il personaggio e quindi inventare un linguaggio da bambino. Fu un successo incredibile, tanto che ci chiesero di continuare e realizzammo Nicolas ogni settimana per quasi otto anni.

IZNOGOUD

La serie Iznogoud (pubblicata anche su Pilot diretto da Tiziano Sclavi) è nata in modo particolare: curiosamente deriva dal “Piccolo Nicolas” che realizzavo con Sempé. Avevo scritto una storia in cui Nicolas era in vacanza in un campo estivo, con un animatore che raccontava storie ai bambini. E aveva raccontato loro la storia di un malvagio gran visir che voleva sempre diventare califfo al posto del califfo. Tutto qui.

E quando a me e a Tabary è stato chiesto di realizzare una serie per la rivista Record, ho pensato di fare una parodia delle Mille e una notte, riprendendo sempre il tema del visir che vuole diventare califfo ma non ci riesce. E poi ho deciso che in quell’occasione mi sarei abbandonato al mio piccolo peccato: trovare i giochi di parole più atroci.

I DALTON

Gli sciocchi abbondano nella mia opera. Va detto che amo molto gli sciocchi; beh, li amo nella misura in cui li invento e, di conseguenza, posso controllarli. Amo gli sciocchi perché hanno una straordinaria forza comica. Amo la loro ingenuità, la loro tenacia, la loro infallibilità nell’errore, il barlume di falsa intelligenza nei loro occhi e il loro sorriso soddisfatto mentre tutto crolla per colpa loro, intorno a loro e su di loro.

Sopra: © Catel & Grasset - Catel, tavola da Le roman des Goscinny… I Dalton erano esistiti davvero, ma Morris li aveva già uccisi, così nascono i cugini…

Così, quando Morris, dopo aver ucciso i primi Dalton che aveva creato, mi ha chiesto di riportarli in vita in un modo o nell’altro, è stato con entusiasmo che ho inventato i cugini Dalton, i quattro cavalieri della stupidità: Joe, William, Jack e Averell.

I due motori del quartetto sono Joe e Averell; e quando dico «motori», non intendo dire che vanno avanti. Piuttosto, vagano in tutte le direzioni, tranne quella giusta.

In ogni caso, per noi ci sono due misteri riguardo ai Dalton: innanzitutto, pur mostrando più o meno sentimenti umani, hanno un senso della famiglia incrollabile. I quattro fratelli sono inseparabili e pronti a correre grandi rischi per tirarsi fuori dai guai a vicenda.

L’altro enigma, che ci entusiasma, è che i nostri quattro orribili ometti sono simpatici e che i nostri lettori li adorano.

Un sentimento incomprensibile, ma che rassicura noi autori, sempre preoccupati per il domani: i Dalton ci dimostrano che c’è un futuro anche per gli sciocchi. Siamo quindi tranquilli.

Quest’uomo chiuso e malinconico amava far ridere e lo fa, con intelligenza, ancora oggi.

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Come saluto questo video in cui, assieme a Uderzo, spiega il fumetto…

…e ultimo omaggio, questa bellissima versione-dedica di Lewis Trondheim tradotto anche in italiano.

Come sempre vi saluto ricordandovi i nostri corsi ESCLUSIVAMENTE ONLINE dal 2010 (per allievi dai 18 in su, su , su) di fumetto e sceneggiatura… scopriteli sul sito comicout.com o scrivete a info@ascuoladifumetto-online.com

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E poi eccovi il video di venerdì scorso, gustatevelo, scoprite questo grande autore un po’ dimenticato, e seguite i Venerdì a fumetti:

L’Eterna Odissea…

Fabio Visintin e Andrea Serio: due autori raccontano due visioni dell’Odissea a fumetti... non sono i primi, ma mai come ora pare che il vagare di Ulisse sia particolarmente attuale e vicino al fumetto.

Ci sono poche opere che si sono diffuse in forme spurie, in varianti, in riedizioni e ammodernamenti. Sono quelle in cui il/la protagonista assume un valore assoluto, simbolico, più di una maschera della commedia dell’arte (un “tipo”). Una è l’Amleto di Shakespeare, ma sono soprattutto le tragedie greche, come l’Elettra, l’Antigone o Edipo, che sono perdurate e evolute in altre storie. E sempre greca, ma non appartenente al teatro, la più importante, come diffusione e variabili. L’Odissea, con Ulisse e i vari personaggi umani e magici che incontra, non solo è archetipo del viaggio, della ricerca, dell’inquietudine, della figura sociale maschile, ma anche dei rapporti della famiglia e dei diversi amori, solo per dirne una piccola parte.

D’altra parte Ulisse è trattato già da Dante, come figura epica, e diventa il romanzo fondamentale di Joyce.

Anche il fumetto, nel suo piccolo, ha spesso trattato Ulisse, indirettamente a volte, e spesso in riduzioni per ragazzi, ma non solo. Dalla riduzione di Pratt per il «Corriere dei Piccoli» nel 1963, a quella di lob e Picherd, anni 70, alla disneyana Topodissea di Gagnor e Soffritti, le versioni sono infinite.

Dopo quelli di Hugo Pratt vediamo Pichard, per un Ulisse nel futuro.

Nel 1978 avevo osato anch’io e uscì su Linus, una succinta Odissea nella laguna di Venezia

Tono decisamente diverso quando diventa parodia, qui quella di Marcello Toninelli:

in Topolino…

Questa è la china della copertina (di Andrea Freccero) del volume Paperodissea, testi di Guido Martina e disegni di Pier Lorenzo De Vita.

e la Topodissea di Gagnor e Soffritti

Polifemo è sempre il più divertente nemico…

Varie le riduzioni per bambini…

Più recenti, innovative e di stile pittorico sono quelle che trattiamo in questo articolo, la prima di Fabio Visintin, l’altra, scritta da Bepi Vigna, è stata disegnata da Andrea Serio.

Per tutto l’articolo il © delle immagini è degli aventi diritto

Visintin ha disegnato un’opera altamente evocativa, osando, per un’opera così nota e basata sulla parola, il silent comics.

La nuova versione edita da Gallucci, vede inseriti dei testi a piè pagina, per arricchire la lettura, ma non sono indispensabili:

All’inizio per Fabio Visintin, si è trattato della ricerca di un nuovo mercato:

“Volevo arrivare a un pubblico più vasto, quindi ho pensato di raccontare qualcosa utilizzando solo il linguaggio visivo, che avrebbe consentito di rivolgersi a lettori di vari paesi superando il problema della lingua».

Serviva un racconto noto come struttura.

«Ho pensato all’Odissea perché è il prototipo del romanzo moderno, vi sono infatti al suo interno tutti i modi della narrazione... mi sono via via appassionato ancora di più rendendomi conto che quell’intuizione iniziale era stata particolarmente felice».

Hai avuto riferimenti iconografici particolari nella lavorazione, moderni o classici?

L’immagine che noi abbiamo dell’antichità classica ci viene in buona parte dagli studi scolastici oppure dalle interpretazioni Holliwoodiane. Io volevo uscire da questi schemi,

Ci sono, nel mio ricordo dei modelli a cui rifarsi, penso ai film di Pasolini: Medea, Edipo re, ed anche al Satiricon di Fellini, penso anche al famoso sceneggiato televisivo di Rossi che per la prima volta tentava una ricostruzione dell’antichità meno “satinata” di quella propostaci dal cinema americano ma soprattutto mi ha ispirato la visita al museo archeologico, la visione dei manufatti, la loro elegante bellezza la percezione di un mondo antico più vasto ed articolato di quello generalmente descritto.

«Nel terzo libro dell’Iliade il vecchio Antenore, ricorda di aver ospitato Ulisse mentre si tentavano trattative di pace tra greci e troiani. Lo definisce così: “Restava immobile guardando in basso, con gli occhi fissi al suolo. Sembrava non sapesse che dire. L’avresti detto in preda alla collera oppure pazzo del tutto. Ma quando dal petto faceva uscire la voce profonda e diceva parole che parevano fiocchi di neve in inverno, allora nessun uomo avrebbe sfidato Ulisse, nessuno pensava a guardare il suo aspetto”.
Il re di Itaca possedeva la magia della parola.
Come potevo tradurre in parole i “fiocchi di neve” senza sminuirli?
Ecco che allora, il silenzio e lo scorrere delle immagini per ridare suggestione a questo racconto, nel quale il Mare e la Solitudine hanno una parte così rilevante».

«La sfida principale quando si decide di concentrarsi su di una narrazione esclusivamente visiva, sta nel creare delle immagini che emozionino, che trasportino il lettore in un’atmosfera particolare, davanti cui la parte infantile del lettore deve provare stupore e curiosità».

Visintin utilizza una tecnica che utilizza anche per il suo lavoro di illustratore e copertinista, sempre più abituato a dare alle immagini, per forza di segno e composizione, la grande suggestione narrativa. Un segno forte su carta, ricco di tratti e ombre, colori invece in ampie stesure digitali, o riportate al computer ma dipinte su carta.

Come dice lui, il suo lavoro di illustratore che lo fa campare è prevalentemente per case editrici importanti: Marsilio, Mondadori, Giunti, De Agostini… ma nel mondo del fumetto questo è più difficile e dunque preferisce pubblicare con piccoli editori amici, e osserva:

«Vincere scudetti col Manchester è facile, ma quando ho vinto il Gran Guinigi e il Micheluzzi con un libro edito da Comicout, oppure ho avuto le tavole esposte a un museo a Roma, tratte da un fumetto edito da Roundmidnight, mi sono sentito come il Leicester di Ranieri».

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Vigna e Serio hanno invece lavorato sulla figura femminile di Nausicaa, capovolgendo il soggetto del racconto. Per Serio ed Vigna il discorso è dunque completamente diverso.

L’idea nasce allo sceneggiatore, Bepi Vigna. Ha dichiarato che quando ha visto per la prima volta i disegni di Andrea Serio, ha pensato al Mediterraneo, al mare e al nostro clima.

Le grandi stesure compatte di mare, di scuola mattottiana, così come l’iconicità delle figure, riportano a elementi antichi, al mito.

In particolare il tema che Vigna voleva trattare nell’affrontare l’Odissea, probabilmente proprio perché legato al mare – elemento femminile per antonomasia – è stato soffermarsi sulla figura della donna, come personaggio, ma soprattutto come archetipo. Lo stesso Vigna cita lo storico e sociologo svizzero Joahann Jakob Bachofen, che studiò il femminile visto come fantasia, sessualità, odio per la guerra e anche l’accettazione per il diverso e per altre culture, e lo ha identificato in questo libro, nella figura di Nausicaa.

Nonostante la figura di Ulisse, centrale nell’Odissea, sia ritenuta fondamentale come personaggio valido e di grande intelligenza, questa inquietudine del viaggio, mentre tende a quietarsi nel desiderio della casa e nel ritrovare figlio e moglie, viene passata a Nausicaa, l’ultima delle donne che incrocia, la più giovane, e la più innocente e quindi fragile verso l’amore. Esposta.

È Nausicaa che riceve l’eredità di Ulisse, quella bramosia della ricerca e del viaggio. Ma lo fa con spirito diverso, non è travolta da sete di conoscenza e abbandonata al caso, la sua è una ricerca mirata, ed è quella dell’uomo di cui si è innamorata. Un innamoramento che diventa più fascinazione e quindi passaggio di testimone. Ulisse viaggia in eterno? Lei anche, cercandolo.

Nausicaa è una libera rivisitazione della storia del personaggio omerico, intesa da Vigna come prima tappa di un ideale viaggio alla scoperta delle figure femminili mitiche della cultura mediterranea. Il mio primo fumetto lungo.
Mi hanno sostenuto, allora, a passione per la storia antica e per l’arte moderna, un certo gusto per gli effetti di luminismo e per i volumi “morbidi”, i ricordi infantili di un’Odissea televisiva, la dichiarata ammirazione per il lavoro di Lorenzo Mattotti e Sergio Toppi.
A distanza di anni, tendo a vedere di quel lavoro tutti i difetti, più che i pregi, ma è un lavoro cui sono grato, e che mi ha portato fortuna. (Serio)

Se in Visintin la grande quercia, da cui è ricavato il letto nuziale richiama l’eroe a un ordine familiare (che non durerà), in Serio e Vigna la ricerca dell’esterno, la fuga, è mirata, realistica anche nella sua follia. L’estetica sostiene la figura femminile che appare come un’elegante cariatide, a dirci forse che il viaggio non esiste.

«Passando, poi, ad analizzare la tecnica di realizzazione, mi accorgo che, anche in questo senso, applico la logica della leggerezza. Dopo aver raccolto

e accumulato per anni una quantità insensata di materiale da disegno, con cui potrei tranquillamente tirare avanti per altri quarant’anni, la scorsa estate ho deciso di ridurre al minimo la mia attrezzatura da lavoro e di usare solamente un pastello a cera, nero. Con quest’unico pastello, che sostituisco solo una volta completamente consumato, percorro le pagine dei miei quaderni Moleskine». (Serio)

Da questo fumetto è stato tratto un elegante corto, semi animando i disegni del fumetto e ha ricevuto premi e riconoscimenti a Venezia e Madrid.

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Come sempre vi ricordo non solo di seguirci e diffonderci…. ma anche di curiosare (e diffondere) la nostra A Scuola di Fumetto Online:

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A ottobre il corso di fumetto a novembre quello di sceneggiatura! E i prossimi a primavera…

Inoltre vi regalo un incontro del venerdì di qualche anno fa… visto che causa influenza ho dovuto saltare qualche settimana… ma ci rivediamo venerdì prossimo!

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Mi scuso, ma l’eccesso di calore mi ha resa inabile ad articoli sensati e anche a qualche diretta…

ci vediamo dopo ferragosto con nuovi articoli e ricchi aggiornamenti….

se avete proposte di argomenti SCRIVETECI QUI

e per la scuola Online

sempre info@ascuoladifumetto-online.com

Tra i mondi appena fuori la porta di casa, c’è anche l’Africa.

Mi ha colpito la coincidenza, a distanza di un anno tra loro sono usciti due libri che parlano d’Africa, entrambi per Becco Giallo, e dei 4 autori 3 sono stati miei allievi alla Scuola Online. Non sono gli unici ex-allievi passati alla professione o pubblicati anche da Becco Giallo, ma volevo parlare di questi libri attorno all’Africa e mi sono trovata con questa coincidenza.

Questa volta parliamo di:

Lumumba

I due autori sono Luca Catalano, ex-allievo del corso di sceneggiatura (2 anni) e Michele De Sanctis, che frequentò tre anni dii fumetto, nell’ultimo anno di ognuno feci incontrare le due classi per una collaborazione. Tra Luca e Michele. nacque una bella intesa attorno al progetto di Luca, e quel progetto, dal 2022 è cresciuto per uscire a inizio 29025 in libro.

La sceneggiatura è maturata e il segno si è trasformato, ma mi fa piacere far vedere le prime pagine di quel lontano progetto. Vi si nota già un taglio professionale e convinto, e un bel rapporto tra testi e disegni.

Credo che prima di passare all’intervista dei due autori, sia importante comprendere il tema del libro, poiché non tutti conosciamo la storia di Lumumba, pure se importante e non troppo lontana nel tempo. Il periodo che segue la Seconda Guerra Mondiale, cambia la faccia del mondo e gli equilibri politici. È anche la fine del colonialismo della prima metà del secolo. L’Africa cambia faccia, ma cominceranno anche lotte intestine, governi che si succedono freneticamente e la lotta perché il colonialismo sparisca davvero e con lui il razzismo.

Ma di tutto questo abbiamo nozioni sempre molto vaghe, mentre Africa e Europa sono sempre più vicine ed è sempre più necessario un dialogo alla pari.

Cominciamo a intervistare Luca Catalano, che in Africa vive e lavora da 15 anni in contesti di crisi umanitarie e muovendosi tra Congo e Grandi Laghi.

Quando arriva alla Scuola Online (frequentabile anche dall’Africa, appunto), già grande lettore di fumetti e graphic journalism, ha in mente di sviluppare dei progetti proprio inerenti alla storia africana.

Luca Catalano

La storia di Lumumba è praticamente ignota in Italia a chi non abbia approfondito la storia dell’Africa. Tu invece ci hai lavorato e vissuto, in Africa... intanto spiegaci brevemente la tua esperienza:

Io e l’Africa ci siamo incontrati giovani. Ci caddi dentro quindicenne prima ‘per colpa’ del libro ‘Ebano’ di Kapuściński, poi qualche settimana dopo vedendo un documentario sulle guerra civile angolana. Fu una chiamata, un’apertura di uno scrigno di storia e storie. Poi studi in relazioni internazionali, esperienze di volontariato in Africa, specializzazione e tesi sul conflitto congolese. Era destino - ma anche volontà - che dovessi arrivare in Congo e nell’Africa dei Grandi Laghi. Ora sono quindici anni che vivo nel continente africano, lavorando in diversi paesi nella cooperazione internazionale.

Che cosa ti ha spinto a raccontare proprio questa tra le tante storie e sconvolgimenti delle guerre africane?

Lumumba era ed è oggi un esempio per generazioni di congolesi e africani. Un simbolo di lotta contro la schiavitù e le tremende ingiustizie che il suo popolo ha sofferto per secoli. Un eroe assassinato giovane perché, prima di ogni altra cosa, voleva la libertà per la sua gente.

Ho riletto e ristudiato i suoi testi mentre lavoravo in Congo, in mezzo al conflitto che da decenni distrugge quel paese. Uomo carismatico, grande oratore e scrittore, le sue parole a volte liriche e visionarie combinate alle sue azioni coraggiose ispirano africani di ogni età e latitudine. Volevo che arrivassero anche qui da noi.

Documentazione e studio... come hai lavorato per approfondire la comprensione dei fatti? Che rapporto hai avuto in questo senso con i congolesi?

La ricerca è avvenuta su due livelli: anni di studi su testi italiani e soprattutto francesi e, fondamentali, diverse interviste effettuate mentre lavoravo in Congo. Essendo Lumumba un personaggio degli anni ‘50 c’è poco materiale video - utile però nella ricostruzione di paesaggi, volti e ambienti sui cui abbiamo lavorato attentamente con Michele.

Non avrei potuto scrivere Lumumba se non avessi ascoltato con le mie orecchie la passione e il rispetto che il popolo congolese nutre verso di lui. Mi ha spinto ad approfondire, a fare sempre quella domanda in più, a conoscere quell’aneddoto supplementare che mi ha dato conoscenza, confidenza e serenità per raccontarlo.

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Come hai deciso di impostare il racconto? Tra storia vera e narrazione a fumetti la differenza è molta, e perché fumetto e non un romanzo o un saggio?

Il linguaggio del fumetto ha tre punti di forza in questa storia.
Il primo è che faccio molto parlare Lumumba attingendo direttamente ai suoi discorsi e suoi scritti. Questo ce lo rende ‘reale’ riducendo la parte di fiction e restituendoci di conseguenza la sua visione.
Il secondo sono chiaramente i disegni che nel fumetto hanno il ruolo di potenziare il testo e, spesso, di sostituirlo del tutto attraverso la carica espressiva ed emotiva di una scena.
Terzo volevo che la sua storia arrivasse a un pubblico che non aveva mai sentito prima il suo nome. Di saggi di centinaia di pagine per specialisti ce ne sono (pochi), invece la graphic novel ti ti permette - in una lettura di un paio d’ore - di farti una chiara idea del personaggio, di farti riflettere e magari anche approfondire in seguito.

Qui inserisco un testo di Luca, ritrovato dalla prima stesura, non dalla sceneggiatura, ma dalla presentazione del progetto all’editore:

A sessant’anni dall’assassinio di Patrice Lumumba, questa graphic novel vuole raccontare la sua storia insieme a quella del suo paese soprattutto attraverso le sue stesse parole, raccolte nelle sue lettere, nelle sue poesie e in quelle trascritte dai suoi diversi e famosi discorsi pubblici. La storia consumata breve di uomo ancora sconosciuto nel 1954, leader e capopopolo di un’intera nazione nel 1958, Primo Ministro democraticamente eletto del primo governo congolese nel giugno 1960, ucciso il 17 gennaio 1961.

La notizia della sua tragica fine si sparse rapidamente per tutta l’Africa e fece sì che, ad ogni latitudine, popoli diversi lo riconobbero immediatamente come il primo eroe panafricano. Ancora oggi, la sua lotta per la giustizia fino al sacrificio estremo è un esempio per generazioni di giovani africani.

Un uomo che, giova ricordare, venne spazzato via da un altro protagonista di quegli anni al servizio di quegli stessi interessi coloniali contro cui Lumumba coraggiosamente si batté. Colui che passerà alla storia come uno dei più feroci dittatori dell’intera Africa, Joseph Mobutu, che proprio Lumumba scelse all’inizio come il suo più prezioso collaboratore e che da lui verrà meschinamente tradito.

La storia di Lumumba non è quindi solo la storia di un’ eroe congolese. È una storia dove si mescolano sogni e sacrifici, un profondo desiderio di amore e di emancipazione per il proprio popolo e per la propria terra che sarà da esempio per tutte le lotte di indipendenza africane che si scateneranno in quegli anni caotici e ferventi, ricchi di speranza, che furono gli inizi degli anni ’60. Alla notizia del suo assassinio, il suo volto giovane ma già scavato, costantemente corrucciato, verrà riprodotto su muri, striscioni e cartelli di ogni capitale africana. Le sue parole saranno lette a voce alta tra i combattenti di ogni guerra d’indipendenza le notti prima di battaglie, recitate nelle assemblee universitarie e tra i circoli di lavoratori di donne e di uomini di tutta l’Africa i quali, con le stesse parole di Lumumba, “lottarono con le lacrime, il fuoco e il sangue per porre fine all’umiliante schiavitù che ci è stata imposta con la forza”.

E ora l’intervista a Michele De Sanctis, Restauratore dei Beni Culturali, prima del fumetto, di cui è da sempre grande appassionato ha frequentato la Scuola d’Arte di Urbino, e che ora collabora con vari editori di fumetto.

Michele De Sanctis

Tu hai incontrato Luca all'interno della scuola (mi sento fieramente responsabile), ma non era scontato che il rapporto, dopo un esercizio, prosegui esse... che cosa vi ha legato rispetto a questo lavoro?

La colpa è solo ed esclusivamente tua:) A parte gli scherzi, io e Luca ci siamo trovati...la sua tenacia e risolutezza nel credere nel progetto mi ha conquistato. Io ero molto titubante visto che i temi, interessanti e molto seri della Novel, erano per me però difficilissimi da illustrare ( ne avevo avuto un assaggio nella prova che avevamo fatto al corso)...Luca però è molto bravo a non farsi dire di no e così...

Questo è anche il tuo primo fumetto, se non sbaglio. Non certo facile cominciare con un tema così tosto e con un'ambientazione complessa e a te non direttamente nota. Come ti sei occupato della documentazione e per ricreare il clima?

Anche qui è stato Luca ad aiutarmi dandomi un sacco di riferimenti. Documenti storici come il filmato del discorso di Lumumba al parlamento congolese, le foto dell’epoca, ma anche documentari sul Congo e il film Lumumba di Raoul Peck. Io da parte mia ho cercato di documentarmi il più possibile per cercare di essere se non eccepibile, almeno plausibile.

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Siamo sempre tutti portati a disegnare noi stessi, spesso anche con "difficoltà" a disegnare il sesso opposto... Le diverse etnie sono spesso state, da un fumetto occidentale e "bianco", standardizzate in tipi con molta retorica e vecchi schemi... come hai affrontato una storia tutta africana e nera? Lo studiammo anche in classe, è qualcosa che oggi ritengo andrebbe sempre fatto, disegnare non solo il tipo europeo, ma guardarci attorno, è sempre più fondamentale. Quali sono state le maggiori difficoltà e quali i riferimenti?

È stato molto difficile disegnare etnie, luoghi e periodi storici di cui io sapevo poco e niente. Prima ho cercato riferimenti fumettistici spaziando ovunque...da Hugo pratt all’ historieta, dal Tarzan di John Buscema al graphic novel francese. Avevo bisogno di trovare una linguaggio che funzionasse e che fosse alla mia portata. Poi alla fine e allo stremo, ho deciso di virare verso quella tecnica a linee giustapposte, mutuata un po’ dal mio altro lavoro, il restauratore, e in particolare dalla tecnica del “rigatino”. È un discorso un po’ lungo, magari per un’altra intervista.

Confronto le due pagine nella versione precedente (sopra a inizio articolo) e attuale,
con maggiore espressività e con questo tratteggio “da restauratore” ¹

Come avete lavorato rispetto alla sceneggiatura... la scelta delle inquadrature e il taglio dell’impaginazione sono stati decisi assieme o li hai interpretati?

Credo che il metodo di lavoro utilizzato sia quello canonico, nel senso che Luca mi mandava la sceneggiatura con i dialoghi, io realizzavo le matite, le mandavo a Luca e all’editor che facevano le correzioni di rito e poi io ridisegnavo quello che c’era da ridisegnare. Una volta avuto l’ok preparavo il definitivo e inchiostravo. Detta così sembra facile, ma vi assicuro che non lo è stato:).

Un bel controllo e un lavoro fianco a fianco (anche se a distanza). Ora una domanda a tutti e due: avete qualche nuovo progetto? Michele, avresti voglia di andare a trovare Luca e vedere l’Africa che hai disegnato?

Per adesso nessun progetto, tra l’altro non sarò io il nuovo disegnatore della prossima graphic novel di Luca sempre edita da Beccogiallo. Questo mi ha fatto un po’ incazzare perché ci tenevo proprio a lavorare di nuovo con Lui. Vedremo in futuro...

Dall’inizio del progetto ho visto Luca solo una volta di persona... il nostro rapporto è così ormai… un legame che trascende spazio e tempo… non vado a trovarlo perché ho paura che ci metteremmo talmente a parlare e a gozzovigliare che il fumetto passerebbe in secondo piano :)

Per ultima volevo ringraziare il corso e te Laura, grazie per avermi permesso di realizzare un progetto che mi ha dato tantissime soddisfazioni (e tanti momenti di sconforto). Come dicevo all’inizio: è tutta colpa tua!

Questo libro ha proprio chiesto di essere pubblicato.
Un tema importante ma poco noto da noi, che può aiutarci non solo a conoscere la figura di Lumumba, ma di capire un poco meglio la storia africana.

1 Il tratteggio rigatino del restauratore è fatto in modo da creare al colpo d’occhio l’effetto visivo completo, restaurando delle parti mancanti di una pittura, ma a guardare più da vicino il rigatino rivela che la parte è aggiunta e non originale.

Questo libro lo trovate in libreria o qua: https://www.beccogiallo.it/negozio/biografie/lumumba/

Se invece vuoi provare la scuola vera e propria, scrivici, dicendoti qualcsa di te e dei tuoi interessi a : info@ascuoladifumetto-online.com

E intanto non mi dimentico di linkarvi le chiacchierate del venerdì, dirette a cui potete partecipare o seguire poi registate, come sempre vi posto quella di venerdì scorso…

…e vi ricordo che di Sergio Toppi abbiamo scritto la settimana scorsa qua:

Ecco l’intero articolo anche se un po’ fatto a pezzi:

«Mi son guardato attorno per scoprire come facevano gli altri disegnatori che mi interessavano…

Battaglia, Pratt… guardavo le copertine di Crepax, quello che c’era di nuovo in quel momento».

Io amo i racconti inquietanti, quando nella realtà si inserisce qualcosa di anomalo….

Io non amo i mostri bavosi e digrignanti, piuttosto i racconti strani… Dino Buzzati per me è un maître à penser…»

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Sei stato il primo a sfasciare la pagina.

Quando occorreva. Questa cosa viene etichettata, non ho nulla in contrario a usare le vignette e le sequenze; semplicemente ho provato a toglierle, non ci sono spiegazioni razionali: mi piaceva farlo. Mi piace la verticalità che non trovo nella gabbia classica…

L’AUTORE

L’autore unico lavora meglio?

L’autore ce scrive e disegna sa quali sono le sue possibilità, sa quello che…

Faccio un piccolo lay-out al momento, per studiare la composizione della pagina. Perché essendo così libera mi piace comporla bene, i palloncini che siano equilibrati (li faccio tondi apposta).

Devo avere la storia bene in testa, anche perché la sceneggiatura deve essere logca, anche se fai le cose con la più sfrenata immaginazione, devono stare in piedi, essere credibili e questa è forse la maggiore difficoltà delle sceneggiature.

Se non mi piace il disegno lo butto… rompo a pezzi molto piccoli, così anche mi sfogo…

Ad ogni storia il suo modo di raccontarla…

Pensi di aver influenzato degli autori?

Non so, quello che posso dire è che ho cercato di NON essere influenzato da molti, credo di essermi fatto uno stile abbastanza personale e spero che se qualcuno si ispira a me, lo faccia solo in fase formativa, di studio, all’inizio. Si impara guardando molto gli altri. Ma poi bisogna trovare la propria connotazione, una strada personale…

In effetti Anna Brandoli e Renato Queirolo raccontano che quando fecero il primo loro fumetto La Strega, Toppi lo ammirò, ma disse ad Anna, però non copiarmi più… (e lei così fece (in nota sotto La Strega e Rebecca)°

Toppi diceva che spesso usava un pennino per ogni tavola… lo distruggeva con la pressione…

E questi hanno tutto e lo usano poco…

Con questa frase chiudiamo la splendida intervista di più di 20 anni fa…

A presto, spero, con il reportage della mostra di Pordenone.

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nota visuale Brandoli toppiana e non toppiana

Sotto: Rebecca

Per saperne di più su Brandoli e Queirolo, oltre ai libri pubblicati ora da Oblomov, su ComicOut: https://www.ascuoladifumetto-online.com/prodotto/corti-e-crudi/

e https://www.ascuoladifumetto-online.com/prodotto/il-mago-di-oz/

Come ogni settimana ti ricordo un po’ di cose… per esempio che la nostra Scuola di Fumetto (e sceneggiatura) Online ha aperto le iscrizioni (e info) fino al 10 agosto!

I corsi partono da ottobre e novembre e li segui da casa, ma confrontandoti con prof e classe. Per infromarti scrivi a info@ascuoladifumetto-online.com

Ed ecco a voi la diretta del venerdì della settimana scorsa:

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“Morto un genio non se ne fa un altro.” Questo il monito, in copertina, apparso sul numero di «Frigidaire» uscito subito dopo la tua scomparsa. All’interno, nell’indispettito editoriale, il rimando a una frase che hai pronunciato dopo la perdita di Stefano Tamburini, due anni prima: il genio va studiato, non monumentalizzato.

[…]

Evitare a tutti i costi il mito dell’artista maledetto, che muore giovane perché caro agli dei, e le insidie dell’agiografia, che esige amore incondizionato e niente più.

“Di un autore contano solo le opere.”

Ecco l’altra frase che ho ritenuto sempre inaggirabile, quella che ha orientato tutta la mia vita di lettore, prima che di scrittore. Una sentenza che è il doveroso complemento dell’altra.

Questa mostra è una sonora sconfessione di entrambe.

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Così scrive Oscar Glioti nel catalogo della mostra al MAXXI (https://www.maxxi.art/events/andrea-pazienza-non-sempre-si-muore/) che ha curato assieme a Giulia Ferracci. E noi adesso parliamo di questa mostra e di come si possa guardare ad Andrea Pazienza. E capiamo perché Glioti dica l’ultima frase.

Le mostre di grandi autori prolifici, le mostre di molti materiali, sono sempre eccessive. Dopo alcune sale esci con quel senso di stanchezza, di piacere e nausea da dopo bevuta. Troppe cose, e troppe cose belle. Di recente mi è successo Alle Gallerie dell’Accademia a Venezia. Troppe madonne e troppi bambini o santi. La moltiplicazione di soggetti ti rapisce il piacere, rende monotona l’arte, e questo vale anche per l’arte contemporanea, biennali che ripetono schemi e sorprese.

Nel fumetto la caduta nella ripetizione è anche più facile, e la tavola appesa, avulsa dalla lettura del racconto, perde una parte dell’anima. La ripetizione è già insita nel fumetto, il personaggio torna nelle vignette, si ripropone. Al muro diventa meraviglioso ma ossessivo. Guardiamo mille immagini e nessuna.

Una mostra enorme di fumetto ti distrae dalla lettura e ti mostra lo scheletro nudo e poco significante. Con Andrea Pazienza la molteplicità era necessaria, ma pericolosa.

E non solo per il numero di immagini, anche per il loro contenuto.
Andrea ha sempre disegnato visceralmente. Certo, come analizzavo nell’articolo precedente, Pazienza non era solo istintivo e creativo, aveva esigenze di perfezione, correggeva, ritoccava, o interrompeva. Ma era anche un fiume in piena con un’enorme produzione di opere compiute e di schizzi, studi, bozze, disegnetti sul bordo di un foglio.

QUESTA mostra doveva cogliere questo infinito.

E nel farlo Oscar e Giulia hanno dovuto per forza incontrare l’intimo, non tanto l’istintivo e il geniale, ma il sincero e profondo… ma tutto era tanto.

Ecco che dunque non si è fatta una mostra elencativa, espositiva di tanta (tanta da da sembrare tutta) la sua opera , ma la mostra è l’opera. LA MOSTRA è il corpo e il lavoro di Andrea Pazienza.

Nel febbraio del 1975 hai scritto un testamento. Avevi diciannove anni. In quelle righe affidavi a Isabella tutte le tue mostre postume e i quadri che non avresti mai realizzato. È un gesto che dice tutto della lucida ironia con cui guardavi alla tua vita: non come qualcosa di illimitato, ma come un campo d’azione con un orizzonte già intuito.

(scrive Giulia)

È un testamento anche questo, un testamento come li si fa mentre si vive, si lasciano tracce, e questi eredi (non di cose o denaro) conservano e mostrano il lascito al mondo.

Ecco, questa mostra ricostruisce quello che Paz ha lasciato, ma lo fa suo malgrado o piuttosto interpretando la motivazione dei suoi gesti, le lettere, i disegni, i pensieri fin da bambino, e poi, divisi per stanze che sono la sua casa,e il suo corpo, i temi, o momenti, o sentimenti….

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Allora non ci si perde nell’elencazione, perché la mostra è un percorso dentro e verso Andrea.

E ha ragione Oscar quando scrive che questa volta ha disobbedito al motto : “Di un autore contano solo le opere.” perché questa mostra squarcia infanzia e vita… e che in fondo questa mostra è un monumento (e no, bisogna studiare, non fare monumenti), ma in realtà, pur commuovendo, esaltando e creando una enorme mostra-corpo, come una statua gigantesca, non c’è un eccesso, perché la letterina del bambino Andrea era già sua opera prima, e perché è analisi critica mettere sullo stesso foglio o muro l’opera complessa, e il disegnino ghignante. E questa mostra d’amore dei curatori, contiene anche la giusta analisi dell’opera e dell’autore.

Insieme a Oscar abbiamo girato l’Italia facendo visita alle persone che ti hanno conosciuto e amato. Ogni incontro ha aggiunto uno strato di conoscenza, e il ritratto che ne è emerso è quello di un uomo che tutti amano ancora. Zanardi, Pentothal, Pompeo non sono maschere ma sonde calate dentro un’epoca: la frantumazione dell’io collettivo, la risposta cinica come forma di sopravvivenza alla caduta degli ideali, la resa degradata della vita alla ferocia della dipendenza. (Giulia)

Butto un po’ di immagini dalla mostra e dal catalogo, fra queste parole, perché siano soprattutto la spinta a visitare il MAXXI: In questi giorni estivi (non so per quanto tempo) se comprate il biglietto e compilate con i vostri dati un foglietto, il biglietto dura vari giorni, e potete tornare a riguardare l’oceano Pazienza.

E quindi i bozzetti a matita, gli studi, le improvvisazioni, le performance sulle grandi superfici. Gli appunti, le poesie, le lettere private, le prose più disparate. Aggiungendo addirittura le fotografie, che segnano la resa di ogni rigore critico.

E se il rischio è quello di valutare l’opera non solo per il suo valore intrinseco, ma anche per il suo contorno mitologico, be’, dopo tutti gli anni di cui sopra spesi a rincorrere un’arida filologia, ho pensato che ci potesse pure stare. Non è forse un modo per pareggiare i conti con la vita che ti ha tirato via da questo mondo schifo, proprio quando più avevamo bisogno di te? (Oscar)

Ebbene, per voi che non potete andarci trattenuti da lavoro e impegni, o che vorreste tornarci, o riguardare o mostrare ad amici… oltre al bel catalogo c’è una cosa bellissima e di accesso libero. Ne ho già accennato l’altra volta, ma sbagliando due dati ecco dunque il sito in cui troverete (al futuro, ma già straordinariamente al presente) TUTTO quello che riguarda Paz, a opera di Michele Mordente, Kicca d'Ercole e Michele Pazienza:

https://andreapazienza.com/

Ecco, questo è un articolo più smilzo, ma con due grandi inviti, alla mostra, meravigliosa, con quel video che vi fa entrare di petto e che vi saluta alla fine, e al sito, che vi accompagnerà sempre… perché a volte non si muore…

Come sempre vi saluto con un invito: il fumetto si impara, si impara a scrivere e a disegnare, non si impara a diventare geniali artisti, ma a trovare una strada, una svolta, il segno per raccontarsi e raccontare.

Per la nostra scuola online, che ha dato il via ad autori, sceneggiatori e disegnatori…. info@ascuoladifumetto-online.com

Ecco nuovamente il video della diretta open-class:

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Mentre venerdì scorso ho parlato di Dick. Tracy… il fumetto originale… scopritelo!

Ma passiamo a questo mio articolo, datato 2018, uscito sul volume ANDREA PAZIENZA - TRENTANNI SENZA (Coconino Fandango).

L’articolo esamina le tavole di Andrea nei suoi originali, dove oltre l’opera rivolta al lettore, si distinguono i vari passaggi, pensieri e correzioni… qualcosa che stiamo perdendo da anni, in letteratura e disegno, nella smemoria creativa del computer… cancella.

Cerchiamo di non cancellare.

Archeologia su Andrea Pazienza - Scavi e reperti

Bisognerebbe scrivere dei disegni e delle opere cartacee, pittoriche o altro, seduti in mezzo ai fogli, come fossero un tappeto in cui rotolarsi, affondare, da toccare, annusare e leccare.

Se ci sono disegni che chiamano questo approccio sono proprio gli originali di Andrea Pazienza, per come li ha fatti lui, e per come il tempo ha infierito su questi reperti, non cancellandone le caratteristiche, come ha cancellato il colore nelle stature antiche che ci arrivano bianche, essenziali nella struttura, ma private di una loro parte significativa.

Nei lavori di Andrea il tempo a volte impallidisce, ingiallisce e cancella i segni, ma più spesso evidenzia nella sua trasformazione, quello che era il lavoro, i materiali, la stratificazione di tecniche e sudore.

Non tutti gli originali, anche di grandissimi autori, rivelano così tanto e oltre alla loro faccia pulita della stampa ben fatta.
Disegnatori nitidi, ordinati, anche se forti e graffianti, danno un brivido più intellettuale che carnale davanti all’esposizione di tavole originali.
Davanti alle tavole di Pazienza invece si può, armandosi della passione e della cura degli archeologi, riconoscere i segni del lavoro, dell’invenzione, del dolore e del divertimento, della sperimentazione e della velocità, della nonchalance e della fatica, e della cura ostinata (benedette pecette!). E poi riconoscere quanti anni sono passati (30, 40) da quelle tavole che ci apparirebbero vivissime e contemporanee, se non fosse per quel nero che non è più, e per la carta ingiallita, dove colla e scotch lasciano aloni bruni.

Allora, l’altro modo di parlarne, è sfogliarle rievocando le nostre letture e le volte che le abbiamo viste (o le avremmo voluto vedere) appena fatte, ancora puzzolenti di quei pennarelli che avvelenavano, o degli altri (forse) atossici, per bambini, da due lire.

Appena sfogliate tutte le immagini del catalogo, ho scritto di getto un elenco di parole. Ma questo elenco istintivo, disordinato e – infine – sentimentale credo sia un buon metodo per affrontare un autore come Pazienza e dunque lo ripiglio qua, dalla prima parola.

Stratificazione

Le tavole di un disegnatore così abile e istintivo, le penseremmo sporche, ma solo di disordine, di qualche macchia sbianchettata, non di correzioni, cambiamenti, rielaborazioni.
Invece tantissime tavole sono collage di pecette, piccoli ritocchi, stratificazioni di nero e bianco a creare la giusta immagine, densa del pensiero.
Alla generazione di Andrea (la mia generazione) l’oblio era lento a venire e doloroso.

Con la mancanza di oblio, senza la leggerezza di un command mela zeta, l’insoddisfazione aveva tempo di radicarsi. Ma al tempo stesso l’indecisione (e l’insoddisfazione assieme) avevano dei limiti, il foglio ha una certa resistenza, che arriva fino a un certo punto. Poi la carta cede, si rompe.
Devi gettare e andare oltre o fermarti un momento prima che accada, e accettare l’imperfezione.
Stratificando in te anche l’insoddisfazione, non solo bianchetto e pecette, ma il nostro essere imperfetti e a strati, a livelli.

E se magari io avrei previsto nei suoi lavori molto bianchetto per il gusto del pasticcio e della materia, invece è un Pazienza ordinato e preciso che riscopro, incontentabile finché non si arriva alla giusta definizione, al dettaglio “bello”, che completa con piccoli francobolli che servono dal cambiare la curva di un pezzo di naso, a un intero personaggino che pesca sul molo.

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Insoddisfazione

Era la seconda parola dell’elenco, e colloquia con stratificazione, ma non coincide. Stratificazione e insoddisfazione fanno parte della ricerca. E anche di una chiarezza di idee. Se cerchi sai, grossomodo, dove devi andare. E magari cogli al volo l’idea balzana, che pare improvvisa e irrazionale, ma perché in fondo sai che è quella nella giusta direzione, verso la meta.

Guardiamo qualche tavola rivelatrice. In questa di Pompeo (Prima vignetta in apertura articolo) ci sono di 3 tipi di correzioni o varianti completamente diversi.

1) Estetico, tecnico, le gocce sul fondo, il riflesso laterale del volto. Sono più che correzioni un metodo di lavoro, il bianco sul nero, come il nero sul bianco. Un ripensamento, certo, così viene da pensare per quei raggi-ciglia che danno un eccessiva luce allo sguardo e lo esaltano, forse rielaborazione, o solo rifinitura. È un bianchetto candido quello, che prova anche per il materiale, la differenza con l’altro

2) quello più ingiallito, sul volto, le parti ingiallite sono vere e proprie correzioni. Pennellate di bianchetto di marca diversa, a corregge il nero, non ad aggiungere segni. Pupille spostate, area dell’occhio diversa, ombra più corta.

3) Infine, ma fondamentale, la correzione a pecetta. Che vuol dire non “ritocco” o “correggo”, ma “cancello e rifaccio”. Annullo. Mela zeta. Cerco anche di dimenticare, ma so che non ci riuscirò. Il foglio della correzione, quello classico da pecetta, non spesso, è leggero. Il disegno traspare e si lascia intuire dall’occhio umano, la macchina che lo porterà alla stampa leggerà solo la superficie del foglio e non sa che cosa c’era sotto.

Noi oggi sì lo capiamo, a fatica perché la pecetta trasparente, con ampie zone nere, a sua volta ha un doppio (triplo) livello.

Il volto originale, sul foglio, era di 3/4, piegato verso il basso a sinistra (posizione di chiusura, di blocco) e sofferto, digrignante o urlante. Sofferenza dichiarata (lo si vede dai melodrammatici tratti delle occhiaie), lo si vede anche dal segno non “bello” e poco controllato, una serpentina lungo la mascella, che non è tipica dell’autore.
La pecetta, che con la vecchia faccia ha in comune solo tre ricci, stranamente coincidenti, visto il cambio di angolazione. È un volto essenziale e drammatico, per metà morte, con le cavità vuote e nere, per metà l’uomo che ne resta colpito e tira le labbra sui denti in una smorfia dolorosa, ma controllata. Il naso, col gioco d’ombre, sta mezzo tra quello carnoso umano, e quello cavo d’osso del teschio. Ma a un attento esame capiamo quanto questa soluzione sia stata pensata e sofferta. Arrivarci è stato un gesto di essenzialità, definitivo.
Sotto al nero Pantone, infatti, traspaiono due occhi grandi, dalle palpebre appena abbassate, scettici o stoici davanti al dolore. Ma no, Pompeo è molto oltre, è inutile che reciti lo stoico, e così gli occhi vengono coperti e due cerchi neri chiudono la tavola.
La chiudono così bene, che se dalla pecetta esce un piccolo pezzo nero del mento cancellato, Andrea la lascia là. Bianchetto dovrebbe averne, ma quel segnetto, così isolato non dice più nulla, dunque non c’è e può restare.

La terza parola annotata era:

Fatica della correzione.

La lascio qua.

Quanto ci mette un autore a disegnare una tavola? Si chiedono i giovani disegnatori. Non si tratta solo di quante piastrelle, quante finestre o tratteggi. O di quanto sia difficile disegnare un cavallo che cade. A volte una piccola faccia in basso a sinistra può richiedere giorni. E fatica.
La quarta parola (sto seguendo proprio il mio flusso e – stranamente – coincide ora con quello che mi passa davanti), è:

Mollare

E sto guardando proprio una tavola a matita lasciata a mezzo.

I disegnatori, gli autori, sanno cosa significa lasciare incompleta un’opera o portarla a termine. La vita di tutti, credo, è costellata di progetti non completati. Nel mollare c’è una grande sconfitta, o una grande forza. Se si lascia qualcosa che avevamo iniziato male è coraggio.
Andrea, credo, perché solo lui e pochi amici può saperlo, mi sembra abbia fatto molte cose nel fumetto e che ne abbia – in proporzione – mollate poche. Quando lo ha fatto c’erano senz’altro grandi motivazioni.
È verso la fine che abbandona di più. O definitivamente,
Astarte è forse la storia che sembra più assurdo mollare eppure lo fa, inevitabilmente. “Eravamo a questo destinati io e mio fratello”, una storia che inizia con un destino, imposto da qualcuno, da quell’uomo-padrone, e non pare illogico con concluda il percorso destinato all’uomo creatore di quella storia.

Mollare è cedere, ma anche agire contro.
In Pazienza la tavola troncata assume spesso un altro sapore. Altrimenti perché avrei scritto Mollare, nel mio elenco?
Anche quando è una scelta giusta, oculata. Mollare ha dentro il sapore di sconfitta e cedimento anche se fatto da con forza.
D’altra parte non possiamo dimenticare una storia dal titolo emblematico Il segno di una resa invincibile.
Cedere, mollare, arrendersi, non sono solo gesti deboli, non lo sono nella vita e non lo sono per Pazienza, e ha lottato perché non lo fossero.

Ma torniamo a questa tavola che tanto ha senso con la parola “mollare”:
È una pagina in cui l’aspetto autobiografico, il disegnatore al suo tavolo con fogli sparsi, è evidente. È inedita, e non so la datarla con precisione.

Il tavolo sembra quasi da studente, la scena è malinconica, il disegnatore riflette su qualcosa, o semplicemente non sa come andare avanti col disegno e guarda il tavolo, come probabilmente fa il disegnatore in carne ed ossa in quel momento. Il segno è quello basato sulla linea che senza quasi interrompersi, serpeggia e crea le forme.

La stanza è certo facilmente identificabile, il modello di lampada, il temperamatite con Topolino, piccolo ma perfettamente definito, la macchina da scrivere tipo Olivetti 32, la posizione del tavolo davanti alla finestra (con termosifone), al muro l’arco e una piccola balestra, poi una candela, forse una radio. Stringe il cuore quella stanza un poco sproporzionata rispetto al ragazzo seduto.

La matita è precisa, ma non definita. L’inchiostrazione a pennarello è iniziata, precisa, ma nel momento in cui la linea del tavolo passa davanti al personaggio e gli blocca il gesto che potrebbe fare verso il tavolo, il disegno si blocca. Anche la prospettiva è andata un poco troppo in su. La matita era più precisa. Ma non è quello, per correggere lo sappiamo, c’è il bianco. Se il pennarello si interrompe è perché la vignetta rispecchia troppo l’incertezza del suo autore in quel momento.
Quanto la prima vignetta si cura delle forme tutte e cerca la sintesi, la seconda (dove la stilizzazione fisica cambia, aldilà della tecnica.

Non sappiamo che cosa sia successo tra l’una e l’altra immagine, quando la linea che inchiostrava si è interrotta, il pennarello (a occhio il tipo graduato come un rapidograph) è stato usato in modo tra l’ossessivo e l’annoiato e fare puntini in forma

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d’angolo, a disturbare il foglio inutile.
Ha distrutto il volto già disegnato? O piuttosto il volto poi si è sovrapposto cercando di vincere quella noia angosciata, quel martellare di punti?

Credo che quel volto così troppo realistico nel suo naso e lineamenti arricciati, appartenga a un momento separato, ma sequenziale e legato alla frase nata con il primo disegno: Ecco – Non ho più nulla a cui appellarmi

L’interruzione viene dall’insoddisfazione del segno. Ma anche dal non avere l’appiglio del significato che sostiene ogni immagine.

Memoria

è la quinta parola.

Potete non vederla così vicina alla precedente, mollare, ma interrompere è lasciare una traccia di percorso e poi aiutare a ricordarlo. La scena precedente è intrisa di memoria, sia lontana che prossima. È al tempo stesso memoria e smarrimento di infanzia, e memoria di quei sentimenti che hanno segnato il foglio, con disegni e tracce.

La memoria cambia con i tempi. Con i tempi, non con l’ età.
Oggi la nostra memoria sembra non servire più, la affidiamo ad aggeggi che la perdono tutta d’un colpo e che al tempo stesso fungono da cervelloni. Memoria è anche trasformare le notizie, modificarle o contestare il passato, negare la storia o semplicemente tacerla.
Perderla non è più una questione personale, ma un normale incidente di percorso.

Per questo si trovano altri mezzi, non tanto per ricordare fatti o cose, ma per lasciare dei segni. I tatuaggi sono un chiaro esempio di lavoro sulla memoria, sull’incancellabilità delle cose. Una lotta contro l’oblio digitale e l’impalpabile. Il dolore legato al tatuaggio fa parte della sua essenza. Non cambiare idea, ma se per caso la cambierai, te ne resterà il segno.
Nella memoria il corpo entra in gioco.

“Se almeno il destino gli avesse concesso di lasciare dietro di se una traccia, un segno, se si fosse imbattuto in un animo affine d’artista che ritraendolo gli potesse sgravare il fardello... Invece niente! Niente!” è il Michele sempre da Il segno di una resa invincibile.

Quello che combatte la perdita di memoria è il segno. Lo sappiamo, non solo il tatuaggio, ma il taglio fondo nella pelle, la scritta sul muro, una ferita, un gesto inscordabile.

Poi c’è la memoria che ci ritroviamo addosso. La ragazza che non dimentichiamo, l’amore o l’amicizia che tradiscono, i momenti intensi, i dolori (che si ricordano più intensamente), ricordi che proviamo a esorcizzare, o piuttosto non vogliamo dimenticare e riviviamo all’infinito ripetendoli, magari su carta

Giorno

O in Campofame: “Posso vivere senza di te, non c’è dubbio, amaramente e bene.

Il ricordo è tormento. Sempre, anche quando ha il sorriso della ragazza, anche quando è un ricordo bello.
È tormento IN QUANTO e ricordo, se è ricordo è passato. Tanto più dunque il tormento è dato dal ricordo bello.

I ricordi dell’infanzia sono i ricordi per antonomasia. La memoria varia da persona a persona, ma i ricordi dell’infanzia e adolescenza hanno una forza particolare, sono stati vissuti con tutto il corpo.

Per questo per me resta potente il racconto di un’estate in Sogno (con l’acqua pettina le dita), perché il sogno diventa la vera memoria, in quanto ingovernato, agisce direttamente sulla sfera dell’emozione e del pensiero.

Queste tavole evidenziano la memoria attraverso il bianco, i vuoti.

Infanzia infatti è la sesta parola.

Non è slegata dalla memoria. Anzi, è la memoria più forte. Ma qui mi interrompo, ricordando solo l’uso dei pennarelli da bambini, da poche lire, e i fogli dei quaderni a quadretti, nei fumetti di Andrea.
Ma compare in Paz nell’atteggiamento di molti personaggi nel rifiuto di crescere, nelle paure abissali negli scherzi crudeli di bambini cresciuti.
Infanzia è il continuare a convivere con Topolino, con Pippo –ma induriti e sballati – che Paz priva della loro infanzia.
L’infanzia è anche nei suoi pupazzetti comici che escono a sorpresa dai suoi fogli, e sembrano quelli fatti a scuola sul bordo dei quaderni.

Piacere fisico. Pasticciare

erano le parole 8 e 9.

Si disegna con cervello e occhi, lo sguardo prevale.
Forse non tutti saranno d’accordo, ma nel disegno su carta lo sguardo è solo una parte del controllo, la mano “tasta” il disegno e il colore.

Sui pasticci di nero e bianco e sulle tavole a colori, col tempo sempre più raffinate, pittoriche e ricche (e direi quasi più classiche), si può vedere la differenza del piacere a diversità di opera di Andrea Pazienza.

Dove prima esplode la voglia di mostrare abilità, ma anche di fottersene, subentra a periodi, e forse sempre di più, una raffinatezza tecnica che torna ad aspirare all’arte.

Quanto più cresce la sicurezza pittorica, sembra quasi crescere un’insicurezza, che è la crescita e l’abbandono dall’adolescenza, che tutto può e pensa che potrà, senza un domani.

Ordine e disordine, pasticciacci belli e precisione convivono però sempre.

(foglio esposto alla mostra al MAXXI estate 2026)

Stampate e ripulite queste tavole raccontano l’esito, non il travaglio, e sembrano fatte i getto, che è stato il primo movimento nel crearle (e qui è la radice del piacere), ma poi quello che ne esce è proprio la limatura, la ricerca di una perfezione narrativa che, ancora più dell’abilità del disegno, ha reso Pazienza quello che è.

Andrea aveva, nella sua modernità, anche l’animo di un amanuense.
La precisione certosina di chi fa del disegno preghiera, che veniva dopo l’artista che esplode, e usa il suo sangue per disegnare.

Dopo il sangue, le lacrime e la saliva, si chinava sul manoscritto, prendeva un pennellino, prendeva la foglia d’oro e cercava la perfezione.

IN ATTESA DI VEDERVI lA MOSTRA DI ROMA… esplorate lo straordinario sito curato da Michele Mordente e dalla famiglia di Andrea, che sta inserendo TUTTO TUTTO… tutto:

https://www.andreapazienza.com/

Come sempre vi ricordo che SONO APERTE LE ISCRIZIONI AI NOSTRI CORSI DI FUMETTO E SCENEGGIATURA ONLINE.

Per saperne di più:

https://www.ascuoladifumetto-online.com/a-scuola-di-fumetto-online/

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E infine ecco per i distratti la diretta di venerdì scorso… le lezioni degli antichi:

Al prossimo venerdì (e qui ogni giovedì)

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Così vi furono pubblicati in anteprima Alessandro Baronciani, Rocco Lombardi, Francesco Poli, Mabel Morri, Oscar Celestini, Michele Benevento, Elena Mirulla, Checco Frongia, Francesca Follini… e molti altri.

Oggi ti presento Decò, che aveva già precisamente il taglio attuale… eccola:

È il n.30 di Scuola di Fumetto, 2005.

in realtà Decò è forse la sola esordiente (oltre a Baronciani, che già si autopubblicava con un metodo geniale) che non fosse davvero esordiente, anche se ancora non apparsa su carta, faceva parte di varie produzioni digitali:

Come sempre, la rivista pubblicava oltre alle opere degli esordienti anche qualche consiglio di crescita, oltre ad elogi.

Rimproverata perché non legge altri fumetti (il che la avrebbe aiutata a crescere nei testi), si apprezzava il suo stile sicuro e curato fino al bel lettering, coerente con il disegno, e la sua ispirazione non solo a Tim Burton, ma a molta illustrazione inglese…

Ed ecco le altre strisce pubblicate:

Eccoci alla conclusione, oggi Decò si descrive così sul suo sito:

DECO

ILLUSTRATRICE E CARTOONIST, COMINCIO L’ESPERIENZA COME CARTOONIST NEL 2OO1 CREANDO LA COMIC STRIP “INKSPINSTER”, PRESENTATA SETTIMANALMENTE SUL SITO WWW.INKSPINSTER.COM E SU BALLOONS E IN SEGUITO PUBBLICATA IN TRE RACCOLTE, NEL 2OO3, 2OO8 E 2017.

HO OTTENUTO DIVERSI PREMI E RICONOSCIMENTI A CONCORSI E MANIFESTAZIONI DI SATIRA, FUMETTO E ILLUSTRAZIONE.

REALIZZO ILLUSTRAZIONI PER LIBRI, RIVISTE PER RAGAZZI, SITI WEB.

e il sito è questo:

http://inkspinster.com/

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Scuola di Fumetto è nata per insegnare, una rivista sotto le cui ali sono cresciuti molti autori, da 16 anni invece è diventata anche A SCUOLA DI FUMETTO ONLINE.

Ti seguiamo da casa a casa, benedetta Internet utile!
In una classe dove puoi comunicare con gli altri studenti, ma a cui accedi nei TUOI orari e tempi… però iscriviti se hai voglia di fare, perché si impara facendo, disegnando o scrivendo… fumetto e sceneggiatura ti aspettano.

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Ma ora passiamo al mio video di venerdì!

Studiando la modernità degli autori passati… una serie di chiacchiere per questa estate!

11th Mahmoud Kahil Award a Beirut

Mi sono trovata con una degna giuria a leggere e guardare opere prodotte da artisti dei diversi paesi del mondo arabo.

Non ti segnalerò i vincitori ufficiali, i premi dovevano essere consegnati a primavera a Beirut, la guerra insensata e violenta ha impedito che si svolgesse la cerimonia, che si sposterà al Cairo a Novembre.

Sento necessario però far conoscere tante varie e interessanti tendenze e stili.
Siamo abituati a pensare in modo limitato ad alcuni Paesi che sono arrivati relativamente da poco alla produzione di fumetti.

A seconda delle zone si notano stili omogenei, e si alternano segni grotteschi e vecchio stile a ricerche più underground e artistiche, ma oggi gli autori giovani conoscono bene il manga e vi si ispirano.

È un articolo veloce e fatto di immagini, questo.

In realtà, solo una carrellata che accosta disegni per nulla scontati e che si sviluppa maturo, seguendo tendenze varie e internazionali, e da queste creando varianti che raccontano anche la cultura dell’autore.

Il premio considerava diverse categorie, e parto da queste
Graphic Novel e Fumetto:

Sono di parte e metto qui i tre che ho trovato più interessanti sia graficamente che a livello narrativo…

Il genio di Beirut . Una storia che ci immerge in una realtà attualissima, ma trasformato dalla visione di giovani personaggi. Uno stile particolare, di grande impatto grafico e che riesce a farci seguire il racconto con il dovuto distacco. Colorazione essenziale e stringata di impatto.Tratto da un romanzo. Lena è libanese

L’albero di pistacchio. Una storia minimalista, ma poetica e intensa, della giornata di una ragazza che si ambienta in un nuovo paese di cui deve imparare anche la lingua. Uno stile che ha impara il meglio del Giappone, con un pizzico di Francia. Mariam è egiziana

Ashman. Avventura, musica, donne, da una storia vera. Una storia complessa che racconta bene un mondo e anche i cambiamenti che vi avvenivano, con un disegno dichiaratamente naif, ma raffinato, con un gusto forte del colore. Laure è libanese.

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E gli altri

È interessante però molto del materiale in gara, a volte catalogato come gn, altre come comics… Mi pare interessante creare una carrellata velocissima di stili molto diversi, che sono significativi per comprendere come il fumetto stia comunicando attraverso Internet, collegando paesi e stili, e creando un grande linguaggio più universale.

Jihad Khatib - Libano

Michael-Jabareen - Palestina

Ahmed Raafat - Egitto

Farid Nasry - Egitto

Munayr AlWrifili - Libia

Jamal Kobtan - Palestina

Amani Zain Elabden Mahgoub Babikir - Sudan

Hussein Adil - Iraq

Questo post è piccolo e passa in superficie, ma può stimolare a cercare, a guardarsi attorno e a non fermarci su preconcetti e semplificazioni… il fumetto del mondo ararabo è in movimento, così come quello europeo , che unisce stili e guarda fuori da confini… la speranza è che lo scambio culturale tra diversi paesi e idee diventi il ponte, parlare linguaggi vicini ci farà capirci tutti meglio… e dunque in pace?

Per leggere qualche libro che guardi a autori fuori dalle nostre tradizioni, per ComicOut…

https://www.ascuoladifumetto-online.com/prodotto/in-out/

https://www.ascuoladifumetto-online.com/prodotto/porti/

https://www.ascuoladifumetto-online.com/prodotto/silenzi/

Ovunque abiti, qualunque fumetto tu voglia fare o scegliere per ispirazione la nostra A Scuola di Fumetto Online ti può aiutare, a conoscere fumetti, autori, docenti e futuri fumettisti come te (e anche sceneggiatori)

info@ascuoladifumetto-online.com

E intanto qui trovi la scorsa chiacchierata del venerdì…. molto partecipata di interventi, vieni a chiacchierare anche tu sul peso delle immagini…

Un autore che ti presento prima con un piccolo inciso Online di 5 anni prima (2012):

Ciao Maicol & Mirco, di dove sei, quanti anni hai e da quanto fai l’illustratore?
Marche, 33, 33.

Matita o penna grafica?
Cucchiaio o forchetta? Dipende da cosa c’è a tavola.

Un illustratore o un’illustratrice che mi consiglieresti?
King Pritt.

(da frizzifrizzi.it)

E ora facciamo un piccolo balzo in avanti… 2017:

Attenzione, l’intervista è in buona parte DISEGNATA! Qui sopa dunque riconoscete e conoscete i 4 fumetti preferiti da M&M?

Qui poi entra in scena anche Altan!

Fine dell’intervista!

Oggi M&M sta lavorando freneticamente come vignettista, insegna e dirige La fine del mondo… ne volevamo parlare con lui a ottobre scorso, quando fu annunciata, ma era top secret, e quindi ecco l’articolo che uscì

Ma nota ai personaggi citati:

E adesso che sei davvero alla fine… buona settimana e…

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Come sempre in appendice la diretta di vener… no! Questa volta ti metto quella di lunedì scorso… una diretta speciale, una open class per conoscere meglio A Scuola di Fumetto Online per mandare le tue domande sulla scuola info@ascuoladifumetto-online.com

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Carlos Trillo, argentino (1943-2011 ) ha lavorato con grandi disegnatori e con disegnatori giovani, molto attento ai diversi segni e a diverse storie da abbinare, ha lavorato con Alberto Breccia, scritto Alvar Major per Enrique Breccia, Cicca con Jordi Bernet, Cybersix per Meglia e altre splendide e originali storie per Risso, e persino con me, Laura Scarpa… lavorare con lui era uno scambio continuo, sempre con grande rispetto e divertimento.

Riproporre questa intervista nella edizione completa originale, mantenendo il suo bell’italiano argentinizzato, è un omaggio alla nostra rivista, al fumetto internazionale e alle scuole di fumetto (è stato insegnante amatissimo), che se ben fatte sono utili e stimolanti e danno un po’ di luce e slancio a giovani, per farli esordire e trovare una propria linea.

Questa intervista-lezione la dedico a tutti gli aspiranti sceneggiatori (e autori)

IL LAVORO

Tu scrivi storie di tutti i generi: quotidiano, avventuroso, fantastico, noir, fantascientifico, questo è abbastanza frequente nella scuola argentina, più raro negli States e in Francia, ma ci sono dei generi che preferisci, o nei quali ti senti più bravo?

In Argentina, storicamente, le riviste sono state pubblicazioni contenitori. In ogni numero pubblicavano almeno 10 storie di tematica diversa. E per questo motivo che ho fatto tanti generi. Se si vuole vivere come sceneggiatore nel mio paese si deve fare così. Tutti sanno che in questi tempi le cose sono diverse e le riviste contenitori sono in calo veloce in tutto il mondo. I contenitori in questi tempi sono più tematici, scelgono una linea e la seguono, come, da voi, Blue o Mondo Naif. Io amo il quotidiano, il noir, il fantastico. Amo anche, soprattutto, fare storie con tutti i tre elementi. Non sopporto le navi spaziali, né gli eroi assoluti, né i personaggi che non sono mai ironici, che non fanno mai ridere.

testo Trillo, disegni Alberto Breccia

Di che cosa ha bisogno uno che vuol scrivere fumetti? di che strumenti, di che materiali, di che preparazione o esercizi?

Letture, vita, ricordi, una macchina da scrivere o un computer.
Lo strumento che uno deve avere sempre pronto è “l’osservatorio interiore”. Devi essere sempre attento ad ascoltare le cose che ti dicono, le cose che passano davanti alla tua finestra, le parole sentite per caso, una riga letta sul giornale, una vecchia fotografia. Questi elementi sono quelli che si mischiano con il tuo brodo interiore e diventano una storia.

Dunque da questo ‘brodo’ esce il fumetto, ma come vengono le idee e, per te, nasce prima la storia o il personaggio?

Quando uno crea un personaggio e lo sceneggia lo pensa di un modo, gli dà tic, movimenti, parole che ripete. Quando uno crea una storia e la sceneggia la pensa con la sua ambientazione, i suoi ritmi, la sua epoca. Succede che a volte si pensa un personaggio e a volte, invece, una storia. Quando si pensa un personaggio, di sicuro, ha la storia dentro di sé. Tu, con lui, solo puoi fare certe cose, non tutte le cose, e le storie che vengono dopo vanno sempre in una certa direzione. Quando, invece, pensi prima una storia devi mettere i personaggi che ti servono, quelli adatti per raccontarla. Non sempre, ma di solito è più comodo quando si pensa prima il personaggio. Il pubblico, si sa, ama più i personaggi che le storie. Se si affeziona a Corto Maltese, per mettere un esempio forte, segue lui e la storia è in secondo piano. Come vengono le idee? Questa è una domanda a cui non si sa mai come rispondere. Ci sono degli esercizi per inventare storie, ma servono solo come diversione, come dimostrazione che è possibile sviluppare la creatività. Mi viene in mente un libro assolutamente da leggere, La Grammatica della Fantasia di Gianni Rodari. Lui mette esempi meravigliosi di come far creare ai bambini un racconto, con elementi dati da un altro, un maestro per esempio. Il libro di Rodari serve agli adulti, senza dubbio.

Che cosa ti piace dello scrivere storie?

Mi piace il momento nel quale la storia fa clic e si chiude nella tua testa, l’hai presa!

TRA SCENEGGIATORE E DISEGNATORE

Non sei tu a realizzare le scene, alla fine, dunque qual è il tuo rapporto col disegnatore? Sai sempre per chi stai scrivendo? Scrivi in funzione del suo stile? Sei mai rimasto deluso o stupito alla fine?

Sempre so per chi sto scrivendo. Succedeva, tanti anni fa, che ho fatto sceneggiature per un editore argentino senza sapere chi le avrebbe disegnate. Ma se pensi un personaggio per una serie, non puoi non sapere chi sarà a disegnarla. (non è sempre vero, come nella produzione bonelliana, per esempio… n.d.r.) Ho lavorato con tanti, alcuni sono intelligenti, hanno idee, fantasmi propri. Uno sceneggiatore deve ascoltare, come fa con la gente che appare nel suo percorso, i disegnatori. Loro hanno fantasie, personaggi che vogliono disegnare, anche storie che non sviluppano perché non sanno farlo. Io dico sempre che il meglio è mettere insieme i fantasmi dei disegnatori e i miei, così il tutto va d’accordo. Ogni tanto mi è capitato di rimanere deluso per come è stata disegnata una mia sceneggiatura. Ci sono disegnatori che, o sono troppo personali e hanno bisogno che il disegno sia sopra l’opera, o cercano di mettere troppe cose per abbellire il fumetto, e non si rendono conto che tutto si appesantisce. Anche mi è capitato di pensare che l’idea era buona, ma che i disegni non erano adeguati.
Ma in genere io so esattamente come verrà fatto il lavoro finale. E mi è capitato anche di sorprendermi per una forma di raccontare le cose che io non avevo pensato e che mi piace.
Sempre ho firmato tutto quello che ho scritto, anche le cazzate.

Che rapporto credi ci sia tra disegno e testo, quale prevale?

Non credo sia importante sapere se prevale disegno o testo. L´importante è la combinazione che deve suonare come un’orchestra affiatatissima.

Lavori per il pubblico o a te stesso? A che cosa pensi quando scrivi?

La ricerca di storie e personaggi la devi fare dentro di te. Il pubblico arriva dopo e ti prende o ti lascia, si identifica con la tua storia o non ti crede.
Sempre voglio raccontare una storia, ma certo quello che penso, la mia ideologia, i miei sentimenti sui fatti del mondo, le mie cose più intime vengono fuori nelle mie storie, sicuramente.

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L’IDEA

Come viene l’idea di una storia? Progettando o pescando a caso? Come nasce la storia o il personaggio?

Ci sono idee che già esistono, che ti vengono imposte da un editore, Disney, Bonelli… hanno personaggi propri con le loro distinte personalità e tu devi solo raccontare un episodio delle loro vite. Se lavori, per dire, con Sherlock Holmes, non puoi fare una storia adatta a Philip Marlowe, anche se ti piace di più. Se, invece, devi creare il tuo personaggio e sviluppare la sua storia, incominciando dall’inizio, il processo creativo è molto più difficile, ma anche ti dà tante più soddisfazioni. Le storie ti vengono da parti diverse.

Come procedi dalla prima idea base alla costruzione della storia e, poi, alla sua sceneggiatura? Pensi all’inizio, al finale per primi o no?

Io, in genere, scrivo lunghi plot (trame, tracce di storia), pezzi di dialoghi, frasi che voglio vedere scritte nei balloons. Quando inizio la scrittura definitiva di una storia, in genere, so già tutto su tutto. Scrivendo vengono, sempre, nuove cose… meno male, sennò sarebbe noiosissimo.
Ho scritto storie che avevano bisogno di finali importanti, come i film di Orson Welles. Altre invece no, come i film di Truffaut. Ma sempre un colpo di scena finale, quel tan tan taaaaan della orchestra serve, e come!...

E come procedi praticamente? Hai preferenze come sviluppo di lavoro e stili?

Il metodo tecnico di scrivere sceneggiature è simile a quello del cinema e del teatro.
Da una parte si dice che cosa deve fare il disegnatore e, dall’altra, si mettono i dialoghi e i testi che non sono dialoghi ma che deve leggere il lettore, come le didascalie o i rumori.
Io odio i testi non detti dai personaggi, quelle didascalie che scrive lo sceneggiatore per spiegare le cose che non sanno dire i disegni.
Penso che i disegni devono far percepire sempre le particolarità, i sentimenti, i movimenti.

LA SCRITTURA

Ci sono metodi diversi di scrittura a seconda di storie lunghe, di serie o di storie brevi?

Una serie ha bisogno di un personaggio forte, interessante, amabile. Una storia lunga ha bisogno di situazioni, intrecci, code. Una storia breve ha bisogno di un buon finale. È sempre così.
Le storie brevi hanno bisogno di un finale forte, inatteso, sorprendente. Si può dire che nascono perché esiste prima il finale. È come la gag della striscia comica: deve chiudere veloce e pungente per essere efficace. Le storie lunghe, invece, hanno bisogno di approfondire i personaggi, di dare a ognuno le proprie particolarità. Sono importantissimi i personaggi nelle storie lunghe e ancor più nelle serie, nelle brevi, invece, ogni tanto, sono solo pupazzi che si muovono per arrivare a un finale.
In una storia lunga o una serie lo sceneggiatore deve sapere di più di quello che si dice al lettore, deve conoscere le sue creature. Per lavorare meglio uno può pensare a se stesso, a gente che conosce e, sceneggiando, se si pensa a uno che esiste davvero, il personaggio si muove sempre bene.
E sempre, prima di incominciare a scrivere su un tema fissato, uno deve cercare dietro che cosa ti muove il tema. Se devi scrivere una storia horror, devi prima cercare dentro di te l’orrore e così per tutto.

Qual è la cosa che ritieni più difficile e impegnativa: il ritmo o i dialoghi?

Con il ritmo non ci sono problemi, viene da solo, ogni storia ha una sua musica e ti obbliga a ballare al suo ritmo.
Con i dialoghi, invece, io non sono mai soddisfatto. Mi turbano le parole che si ripetono senza il mio controllo, le cose dette in un tono col quale quel personaggio non può parlare.
L’ideale sarebbe fare un’ultima correzione ai dialoghi quando già la storia è stata disegnata. Ma in genere non si può perché il disegnatore consegna all’editore, l’editore fa le pellicole… l’industria ti mangia.

Nascita di un “eroe”, da fumetto…

Un’idea nasce, a volte, a richiesta (“Ho bisogno di un giallo”, dice l’editore), a volte perché esiste un tema che senti nello stomaco e, un giorno o l’altro, vedi che viene fuori. Tutto, l’horror, l’humor, la stupidaggine, l’azione, i tempi morti, devi cercarli dentro di te. E questo non significa che uno faccia sempre autobiografia. Ma, come diceva Flaubert, “Madame Bovary sono io”. Un autore è sempre nascosto dentro i suoi personaggi.

Ecco una presentazione che ci fa capire ancora meglio Cybersix e come si presenta e si fa conoscere un personaggio.

Carlos fu ispirato dall’incontro di due notizie, due eventi, uno era la fuga dei nazisti in Argentina, lo fecero davvero in molti, proprio di recente sono stati trovati dei documenti che testimoniano del tesoro rubato agli ebrei e lì portato. Erano generali, ma anche scienziati.
Seconda notizia, le prime scoperte genetiche importanti, la pecora Dolly... Ma a questo si unisce il discorso moderno sulla sessualità (già presente allora nei manga), i miti dei vampiri, i fumetti dei supereroi. Realtà e letteratura...

Scuola di Fumetto allarga la tua conoscenza del fumetto, insegna, discute, intervista…

MA VUOI DIVENTARE SCENEGGIATORE ANCHE TU? O DISEGNATORE?

Segui la nostra rivista e poi ISCRIVITI ai nostri corsi Online… fumetto, sceneggiatura, disegno, storytelling…

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Chiedere non costa, scriverci e mandarci disegno o testi ti farà avere una mia risposta, consigli e dritte!

LUNEDì 15 GIUGNO h 17 e 30 una lezione in diretta OPEN sul canale youtube https://www.youtube.com/@laurascarpafumetto8015

Venerdì scorso ero a Parigi, e non ho fatto la mia diretta del Venerdì…ma domani parleremo del rapporto autori, editori e lettori sui social! A cosa serve? Come comportarsi? Chi avrà torto e chi ragione? Tra i due litiganti il terzo gode?

Ma intanto in regalo una diretta di un paio di anni fa, dedicata a un grande sceneggiatore, che era da poco scomparso: Alfredo Castelli, ed era con me Lucio Filippucci, suo disegnatore e amico.

Scrivere un fumetto è una parte fondamentale, il nostro corso di sceneggiatura si rivolge a tutti, sia che si sia solo scrittori sia per disegnatori che vogliano migliorare la propria narrazione, grazie a Carlos e ad ALfredo, per le loro splendide storie, per avventura, ironia e profondità.

A giovedì prossimo e a domani alla diretta (e se volete, a Lunedì)

per cominciare, vediamo in apertura Tunnels di Michaël Sanlaville © dell’Autore,
dallo schizzo alla definizione e colorazione definitiva.

la prima tavola mostra l’essenziale, il contenuto, clima e ritmo della scena.Le parole sono accennate.

La matita, più precisa ma non definitiva, cambia la gabbia e il ritmo della storia, nonostante il numero delle vignette sia sempre 7, l’ordine e le misure diverse sottolineano alcuni punti e rendono il ritmo più serrato e dinamico.

Mancava ancora il disegno dell’ultima vignetta, nel definitivo, con le basi di colore, si riprende il soggetto del primo layout

Il colore poi definisce, assieme ai testi

Sebbene possa considerarsi il layout del futuro disegno definitivo, lo scopo dello storyboard assomiglia a quello equivalente cinematografico. Proprio tra i primi articoli di SdF in versione Online, ne troverete due dedicati allo storyboard, da una bella mostra milanese di più di un anno fa.

Nei nostri corsi Online di fumetto e sceneggiatura, lo studio dello storybord ha un ruolo importante, perché è la struttura della narrazione. e il fumetto è la narrazione attraverso le immagini.

Vediamo ora alcuni esempi diversi. Ci sono quelli usati proprio da uno sceneggiatore, in luogo o a supporto, della sceneggiatura.

Ci sono quelli, in cui il disegnatore si “scrive” da sé la sua sceneggiatura direttamente disegnandola.

E tra questi poi ci sono quelli molto sintetici e vagamente schematizzati, o quelli più dettagliati che creano già il clima della pagina e della scena.

Ed eccoci a vedere vari storyboard d’autore.

Lo sceneggiatore

È sicuramente l’aspetto più curioso e divertente, scoprire come si spieghi uno sceneggiatore, con schizzi rapidi e pupazzetti, a un disegnatore magari realistico e dettagliato.

Qui sopra Alfredo Castelli, sceneggia uno speciale di Martin Mystère.

Sotto, invece, le espressive sceneggiature schizzate (e scritte) di Sergio Bonelli, per Tex…

A una seconda occhiata si capisce quanto sia stato efficace lo storyboard/sceneggiatura di Bonelli.

Sotto una per Mister No, disegnato da Diso.

Quello che traspare sempre è il clima e il ritmo, anche se nello story c’è molto divertimento e ironia.

Si passa poi a un caso curioso, lo sceneggiatore, Giancarlo Berardi, prima dà la sceneggiatura a Laura Zuccheri, poi la corregge, rifacendo lui stesso un nuovo story per spiegarsi meglio.

Sopra Laura Zuccheri
Sotto Berardi

Dove si vedono diverse misure e proporzioni del carro, rispetto all’inquadratura

Nei nostri corsi anche agli sceneggiatori insegniamo a concepire, o magari schizzare, dei simil-story, che sono di aiuto a molti nello sceneggiare, per comprendere i quantitativi di testo e visualizzare il ritmo.

Il Disegnatore

Per il disegnatore è ancora più utile.

In genere, ricevuta la sceneggiatura, il disegnatore visualizza rapidamente quanto legge, per poi lavorarci più dettagliatamente e con correzioni.

Lo vediamo qui in Angelo Stano per Dylan Dog, basta anche un’agenda…

Con lo storyboard il disegnatore che è autore anche dei testi, pensa la storia, la sviluppa e poi può modificare la sequenza o la gabbia o le inquadrature, prima di passare al definitivo.

Hugo Pratt lavora in modo essenziale, occupandosi quasi solo esclusivamente dei dialoghi, e dei soggetti disegnati.

Eisner al contrario, lavora già sulle figure, sul senso grafico e “fisico” della pagina…

Testo e recitazione vanno assieme

O come questo fumettista franco-belga

E lo storyboard rapido , ma pensato, di Keiko Ichiguchi

Ma per molti si tratta di capire non solo quello che accade, azioni e dialoghi, ma anche come gestire le singole vignette, notare, come in questo esempio, sbalzi fastidiosi nelle sequenze o tagli da evitare.

Ecco come si studia alla A Scuola di Fumetto Online. Alcuni bravi allievi, come Lidia, oggi autrice e illustratrice pubblicata, qui costruisce la storia attraverso un primo storyboard

O lo studio di un altro bravo autore, Mauro Cao, in stile manga, che deve curare proprio ritmo e narrazione manga, anche se con ordine di lettura occidentale.

Non resta che studiare ogni storia e ogni pagina, facendolo, leggendo con più attenzione i vari fumetti…

Perché poi alcune pagine sono meno “ordinate” e per essere foti e leggibili ci vuole dello studio… come questa di Paolo Bacilieri:

Se volete iscrivervi ai nostri corsi, potete informarvi….

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Come sempre ti ricordo la nostra mail per info sulla Scuola:

info@ascuoladifumetto-online.com

E poi ecco il video di venerdì scorso… seguici il venerdì in diretta o quando puoi da registrati…

Quando vedendo un film, sorge un tema che ci riguarda a tutti noi autori….

A parte ricordarvi i prossimi incontri del venerdì (il 22 parlerò di didattica oggi: tra copie, intelligenze non molto naturali e materiali da utilizzare a manbassa, come insegnare e cosa imparare?), le mostre che girano molto interessanti:

72^a MOSTRA MERCATO DEL FUMETTO ANAFI - BOLOGNA, sabato 23 maggio - BolognaFiere, Pad.32. Ore 9,30-18

12° ARF! – TESTACCIO - ROMA, 22 – 24 maggio Città dell’Altra Economia, Testaccio Estate, Villaggio Globale.

7° TRAPANI COMIX & GAMES - TRAPANI, 22 – 24 maggio - Villa Margherita.

12° ARF! – GARBATELLA ROMA, 29 – 31 maggio - Casetta Rossa, Villetta Social Lab e Hub Culturale Moby Dick.Villa Margherita.

14° ETNA COMICS - CATANIA, 30 maggio – 2 giugno - Centro Fieristico Le Ciminiere.

23 maggio al 4 ottobre - Toppi – https://palazzodelfumetto.it/toppi-le-profondita-verticali/Centro Fieristico Le Ciminiere.

Un maggio meraviglioso di mostre (Toppi, Quino, Altan per dirne solo alcuni…), eventi, collezionismo (ANAFI)

Allora il fumetto vive ancora?

Allora il fumetto dove va?

Vi consigliamo oggi solo alcuni siti e blog come il nostro…

Non solo parlando di fumetto, un bel pezzo su un meraviglioso film (e serie TV di Igmar Bergman.

Lo stile dell’anatra

Lo stile dell’anatra. 48. La lanterna magica di Bergman

«Tutto può accadere, tutto è possibile e verosimile. Il tempo e lo spazio non esistono. Su una base insignificante di realtà, l'immaginazione fila e tesse nuovi disegni.»…

Read more

4 months ago · 36 likes · Lo stile dell’anatra

Un altro paio sul fumetto, Claudio Calia ha molto da die, non solo le sue opere di graphic journalism

Maledetti Fumetti

Dice che la gente non legge più

Forse il problema nasce anche dall’immagine mentale che continuiamo ad associare alla lettura. Una persona seduta ferma, un romanzo in mano, il silenzio attorno, il tempo lineare della pagina scritta. Una forma precisa, riconoscibile, rassicurante…

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4 months ago · 16 likes · 5 comments · Claudio Calia

e questo

Maledetti Fumetti

I fumetti sono la mia ossessione. Farli, leggerli, raccontarli.

Di Claudio Calia

insomma c’è molto da leggere, e poi pensare e dire.

Spostare lo sguardo ti pota poi sempre. a pensare anche al fumetto—-

Per esempio oggi che parliamo di Biennale.. come sarebbe una biennale di fumetto? o cos’è l’arte?

Questa volta vi lascio così.. a pensare. Ci vediamo giovedì prossimo.

Ma vi ricordo la mia Scuola di Fumetto Online. La prima in Europa, con un metodo personalizzato aperto a chi abita… ovunque, dal paesino a Sidney, a tutte le età dai 18 in su, e a qualunque orario…

https://www.ascuoladifumetto-online.com/a-scuola-di-fumetto-online/

e la chiacchiera di vennerdì scorso… particolarmente CALIENTE ee importante con Marco K. Galli! e Dylan Dog!

Bene, abbonatevi gratis, seguiteci con interesse, frequentate la scuola… fate fumetti!

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Su Scuola di fumetto n. 45 intervistammo Tiziano Sclavi e tre suoi sceneggiatori, oltre che alcuni tra i più importanti disegnatori.
Vi riproponiamo le testimonianze dei suoi scrittori.

Tiziano Sclavi

Nasce a Broni nel 1953, appassionato di cinema e letteratura noir e horror, a Certosa di Pavia conosce Grazia Nidasio e poi Mino Milani, che ne intuiscono l’arte e lo spingono a rivolgersi al Corriere dei Piccoli, da lì inizia una carriera di sceneggiatore , scrittore e redattore…

Citiamo solo Altai & Jonson per Giorgio Cavazzano… ma il grande successo arriva con Dylan Dog, il resto è storia (ma vi consogliamo di leggere i romanzi Non è successo niente e Le etichette delle camice)

…e se volete sapere anche Xabaras se n’è andato, ha preso a vivere di vita sua.

Un altro esempio? È la prima volta che lo rivelo, ma ci sono personaggi che mi stanno proprio sulle scatole, e che io vorrei tanto uccidere […] Ne cito solo uno per tutti, H.G. Wells. Non lo sopporto!

Nel mio blocco stagnante affiorano alcune cosette… […] ma Dylan, quello non lo abbandonerò mai.

E il blocco del lettore, non so dirti perché, è quasi peggio di quello dello scrittore, è più triste… Ma finiamo così, in calando? No, dai!

Ed ora 3 interviste lampo a 3 sceneggiatori che DD lo conoscevano molto bene (ma non erano i soli)

Pasquale Ruju

Michele Medda

Paola Barbato

Scrivere un personaggio che già esiste, ha il suo creatore e una sua anima, non è facile, ognuno di questi e altri autori hanno portato i loro incubi, passioni e sensibilità. Dylan dunque è cresciuto con molte trasfusioni di sangue… è invecchiato? Forse, ma come per noi umani, non è tanto l’individuo che invecchia, è il mondo attorno che sfugge e cambia.

Buoni 40 anni Dylan Dog!

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Come al solito ti lascio qualche aggiornamento e il video del venerdì.

Domani (venerdì 15) l’incontro sarà assieme a Marco K. Galli, di cui hai letto 15 giorni fa una micro-intervista e i suoi esordi su SdF… domani il tema partirà proprio da Dylan Dog, dall’ultimo Color Fest in cui l’autore Galli non si riconosce più… parleremo del ruolo e del peso dell’editing…

Intanto goditi la registrazione scorsa su Cosa vediamo da lontano… nel fumetto:

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Inoltre ti ricordo che a ottobre si aprono i corsi della nostra
A Scuola di Fumetto Online

Dal 2010!
La prima scuola solo online, ma con contatto diretto con docenti e compagni di corso. Fumetto, sceneggiatura, illustrazione, il corso annuale e alcuni workshop in arrivo

Puoi curiosare sul sito…

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o scriverci direttamente (magari dicendoci qualcosa di te) a

info@ascuoladifumetto-online.com

Convegno organizzato da
Fabrizio Foni & Dominique Lanni (University of Malta)

con il sostegno di:
Ambasciata d’Italia a Malta, Ambassade de France à Malte, Din l-Art Ħelwa

Il convegno ha visto molti interventi, in italiano e francese, e sarà pubblicato nel 2027.

Pubblico qui, un po’ adattato, quello mio, che tratta più la nascita di Corto Maltese, che il suo sviluppo tardivo dopo la morte di Hugo Pratt.
Mi sembra importante in questo periodo e anche utile a leggere la scrittura di Pratt, che sotto un velo leggero e di avventura ancora romantica, si pone molto seriamente ad approfondire il senso politico della guerra.

Laura Scarpa – La guerra non è un’avventura (ma l’avventura racconta le guerre)

La Prima Guerra Mondiale nel fumetto e nella letteratura di avventura è stata trattata relativamente poco.
In parte perché il fumetto avventuroso in Italia inizia a prendere vita timidamente solo a fine anni 30, ma principalmente perché è stata una guerra che è stata teatro di dolore, e dai cui reduci si formano le basi del fascismo... quindi è stata taciuta prima, perché contestata, e poi perché legata all’origine della dittatura.

Solo più di recente l’aspetto eroico e doloroso, soprattutto delle trincee, è stato riproposto anche in fumetti di guerra (La guerre de tranchée di Tardi, e il recente Tapum di Ortolani, ma anche il mio War painters ), ma ormai più cogliendone la tragedia storica che il lato avventuroso.

Dagli anni 50 e 60 è facile trovare invece storie sulla Seconda Guerra Mondiale, i giovani lettori l’avevano vissuta, da piccolissimi o nei racconti dei genitori, e gli autori l’avevano vissuta e combattuta, anche se da adolescenti, come Pratt, nato nel 1927, e che tra gli 11 e 14 anni passa la sua giovinezza in Africa, dove poi perde il padre.
Tornato a Venezia,nel ‘44 e ‘45, ornai quasi 18enne, sta nascosto, esce poco, per il rischio di essere rastrellato e messo ai lavori dai tedeschi (testimonianze di Alberto Ongaro e di Ivo Pavone).

Verso la fine della guerra però si fa spavaldo, rischiando anche la vita per indossare, prima divise tedesche (per corteggiare la bella tedesca rischia la fucilazione, testimonianza indiretta di Patrizia Zanotti) e poi degli alleati, in un collage di divise diverse che lo inguaiano… indossare la divisa nemica è spionaggio che porta a condanne a morte: un tema ricorrente che ritroveremo già subito nella Ballata.

In un qualche modo, la Ballata è un’elaborazione della sua autobiografia, delle sue esperienze.

Fatta questa premessa, vorrei parlare del suo rapporto con la guerra in generale e soprattutto di come racconta la Prima, che affronta, credo, per avere il giusto distacco storico ed emotivo.

Pratt dentro la guerra

Corto Maltese nasce, in quanto personaggio, ai primi segnali della Prima Guerra, ma è anche la prima storia di cui Pratt è completamente autore (lo so, non dobbiamo dimenticare Anna della Giungla) ed eccezionalmente libero, perché Ivaldi, suo intelligente e generoso fan, gli dà soldi, tempo e carta bianca: non ha limiti!

Con La Ballata del Mare Salato Hugo Pratt prende tutti gli ingredienti dell’avventura per ragazzi che gli era cara: guerra, pirati (negli stessi anni propone anche un Sandokan al Corriere dei Piccoli), ambientazione esotica e stevensoniana nell’Oceano Pacifico (che è stato protagonista nella Seconda più che nella Prima).

Unendoli questi topoi e rielaborandoli, attratto dallo scenario del film Il trono nero, Pratt crea la più originale storia mai ambientata nella Prima Guerra Mondiale.

Originale il soggetto, che scorre lateralmente alla guerra, originale lo scenario dell’Oceano Pacifico ma soprattutto il momento: la storia inizia quando la guerra futura è solo vagamente nell’aria… le nazioni però già lo sanno e si preparano.

Oggi è Tarowean, il giorno delle sorprese, il giorno di Tutti i Santi, 1° novembre 1913

Delle guerre si studiano sempre date ufficiali, il giorno in cui tutto iniziò ufficialmente… ma sappiamo bene che sono dati da interpretare.

Preannunciato, da triplice intesa, rivoluzione russa e guerre balcaniche, il conflitto mondiale ebbe inizio il 28 luglio 1914 con la dichiarazione di guerra dell’Impero austro-ungarico al Regno di Serbia in seguito all’assassinio dell’arciduca ed erede al trono Francesco Ferdinando, il 28 giugno 1914 a Sarajevo… ma senza l’assassinio del Duca, non avremmo avuto la guerra? Com’è allora che qui, 8 mesi prima, si stanno già preparando, rifornendosi di carbone (eh, sì, ancora niente petrolio…)?

L’Italia entrerà in guerra un anno dopo, 1915, la guerra raggiungerà una scala mondiale poi con l’ingresso nel conflitto di Giappone, Bulgaria, Romania, Portogallo, Grecia, e infine gli Stati Uniti d’America entrano nel 1917.

E allora, detto questo, andiamo a osservare la prima vignetta della Ballata…

Siamo nell’Oceano Pacifico nel novembre 1913. La guerra è ancora lontana di otto mesi… sembrerebbe… Rasputin e Corto, pirati, parlano di una guerra a venire, dopo la quale saranno così ricchi che dividere il bottino in tre o in dieci sarà indifferente. E la danno per certa.

(attenzione spoiler)

Dopo pochissime pagine l’imbarcazione, travestendosi con bandiera inglese, accosta una nave olandese per prenderne il carbone che trasporta e servirà alla Germania. Tutti i marinai e capitano vengono mitragliati e uccisi.

Quella prima scena, la più violenta e improvvisa di tutta l’opera, è un’importante passaggio narrativo, diventa subito avventura adulta (anche se sarà poi pubblicata anche sul Corriere dei Piccoli), non per la violenza, ma perché è una lezione sulle guerre, sulle loro origini, motivazioni e valori morali.

La situazione verrà evidenziata dall’arrivo di ufficiali tedeschi (siamo in “terra germanda”, lì nell’Oceano), dove si chiarisce che in vista di una guerra imminente non si pi può guardare per il sottile per i rifornimenti di carbone.

Per altre 60 pagine della guerra ce ne dimentichiamo.

L’avventura passa velocemente al genere esotico e di avventura pura, anche se con un taglio fuori dagli schemi e con riferimenti sociali e politici.

Questa storia fantastica è però inserita puntualmente nella Storia mondiale.

È il misterioso Monaco (personaggio in pieno codice fumettistico, con un cappuccio che gli cancella totalmente il volto in una pennellata nera) che ci comunica la dichiarazione di guerra dell’Inghilterra e il conseguente coinvolgimento dei protagonisti da fumetto:

«4 agosto 1914 […] siamo in guerra anche noi». (p73)

A tavola 101-102 è Pandora che, involontariamente, dà il via a una strage, chiedendo aiuto dalla capanna in cui è rinchiusa.

Un’intera nave disintegrata. Niente di più duro e realistico della colpa casuale di una ragazzina… l’ingenuità diventa assassina

Dopo altre sessanta pagine il tenente di vascello Slutter viene fucilato per aver indossato nell’attentato la divisa nemica (come accennavo all’inizio, il tema ricorre e Pratt racconta di cose che sa personalmente), Slutter è il vero eroe, e dunque muore, ma non prima di aver coraggiosamente criticato gli affondamenti di navi passeggeri piene di donne e bambini (tema sempre attuale).

Importante anche il discorso tra lo zio Groovesnore e l’altro comandante (generale o similia) che gli dice:

«Se togliamo l’accusa di fellonia, lo fuciliamo solo per aver affondato la Victoria, cosa che, come nemico, era suo dovere. Se togliamo l’accusa di omicidio tutti gli affondamenti che ha causato la nostra marina mercantile diventano illegali..»

Queste frasi sono una precisa presa di posizione nei confronti di eserciti e guerre. Pratt ci tiene molto a quella parte della storia.
La frase: «tra ironia e sarcasmo c’è la stessa differenza che tra un sospiro e un rutto» resta memorabile, a spregio della guerra e le sue leggi… me la citò lui stesso per vedere se ricordavo chi la diceva… Il finale romantico con Pandora, è un finale che serve a dare leggerezza, il finale è per i giovani lettori…

Con l’arrivo all’Escondida dell’esercito neozelandese arriviamo anche alla fine del racconto, che chiude nel gennaio 1915; sono quasi due anni di narrazione, che la guerra definisce, protagonista discreta, senza battaglie, trincee, soldati, ma con molti morti, a gruppi numerosi, sono massa, tranne il povero Slutter, unica vittima bellica in solitaria.

La nostra storia finisce, ma la guerra, si sa, continua indifferente e con ben altre motivazioni che confini e patriottismi.

Un grande racconto morale in una grande storia di avventura.

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Le brevi storie attraverso la guerra

Ormai le date sono definite: siamo in piena guerra, ma non ovunque.

Così le successive avventure autoconclusive di Corto Maltese, venti pagine su quattro strisce – nate per Pif Gadget e in Italia pubblicate su Corriere dei ragazzi e poi su Linus – dovranno convivere con il periodo bellico e confrontarsi con gli eventi della storia.

Intendiamoci, all’inizio Pratt sembra evitare il tema guerra.

Si rifugia dapprima in un territorio che gli è noto, il Sud America. Ne La laguna dei bei sogni vi compare come incubo di un soldato sperduto nei suoi deliri e sensi di colpa, dalla guerra è vilmente scappato, ha rubato all’esercito e abbandonando i suoi uomini alla morte, ne ha ben donde.

Qui e in altre storie la figura del vile, avrà sempre un taglio drammatico e antieroico tutto prattiano: pietà per i traditori, miseramente vili e per sempre ossessionati.

(come ne L’ultimo colpo, straordinaria storia tra Irlanda e nord Africa)

Abbandonato il Sud America, in Euopa non tutte le storie riguardano la guerra, o non direttamente, e in molte si tratta di spionaggio, belle spie svolgono in modo diverso e moderno le figure affascinanti alla Mata Hari.
Vorrei soffermarmi invece sulle due storie più significative anche se Corto Maltese vi ha un ruolo più di comparsa e osservatore, come commenterà lui stesso alla fine.

Côtes de nuit e rose di Piccardia (1972), tratta l’ultimo volo del Barone Rosso, ed è l’unica storia con una vera scena di combattimento, combattimento aereo e poi con l’antiaerea in azione, siamo nel 1918.

È interessante notare una qualche affinità con un’avventura di un fumetto americano del 1970, Enemy Ace che racconta le avventure di Hans von Hammer, un immaginario asso dell’aviazione tedesca. Scritto da Robert Kanigher e disegnato da Joe Kubert e poi da diversi autori, nel n. 148, Von Hammer salva un cagnolino e ne diviene amico, successivamente il cagnolino cadrà accidentalmente dal suo Fokker durante un combattimento. Von Hammer piange la perdita del cane, poi procede a massacrare i restanti piloti britannici in una sanguinosa vendetta.

Il raffinato racconto di Pratt è ben diverso, ma il contrasto tra l’atteggiamento freddo di Von Hammer e il suo animo gentile, facile alle lacrime, ricordano in qualche modo il più raffinato e sarcastico racconto prattiano, in cui il Barone Rosso, si commuove per i saluti di mammina e lascia rose ai nemici abbattuti.

La documentazione è come sempre precisa: la realtà che rende credibile la fantasia.

Nella realtà storica il Barone, fu colpito avvicinatosi troppo alla contraerea della Somme. Alcuni testimoni oculari raccontarono che von Richthofen fosse trovato riverso sulla cloche, già colpito e ucciso prima della caduta. Recenti ricerche attribuiscono l’abbattimento al sergente mitragliere Cedric Popkin oppure all’artigliere Robert Buie o, il più probabile tra tutti questi, all’artigliere “Snowy” Evans. Soldati che facevano tutti parte della contraerea australiana. Così come il povero eroe ubriaco, vittima di questa storia.

Pratt ingloba nella storia fiction elementi reali ben documentati, che fanno apparire la realtà storica ancora più assurda (come la zia Frieda del Barone, amante dello scrittore Lawrence).

Importante il “denudamento”del barone, a scopo collezionistico, la figura dell’aviatore si trasforma completamente da nobile eroe del cielo a cadavere anonimo e maltrattato.

Del 1971 (e datato nel 1917, dopo Caporetto) è uno dei più bei racconti contro la guerra.

Sotto la bandiera dell’oro rivolta tutti i patriottismi e farà alleare, in pieno conflitto, soldati italiani, francesi, scozzesi, statunitensi, un nobile austriaco e Corto Maltese, uniti nella ricerca del tesoro del re del Montenegro. Per una volta l’avidità umana non provoca guerre, ma dà un segnale di pace.

Una narrazione unica per profondità e lievità. Una storia umana, amorale, ma profondamente morale, il miglior racconto di guerra che io ricordi, dove ha senso anche la comparsa, sotto falso nome, del futuro armatore Aristotele Onassis e dello scrittore Ernest Hemingway.

Qui l’avventura torna in pieno, ma il senso della storia è ben più profondo.

Una vera caccia al tesoro sepolto (senza isola), convulsa e complessa. La gravità, la profonda umanità e l’ironia della beffa convivono in 20 pagine dense.

L’imbarazzo, lo stupore, l’imbroglio ridicolizzano non i soldati ai loro posti di combattimento, ma gli eserciti, stolide masse ignare dell’inganno, che si contrappongono alla grande umanità di quei soldati – questa volta davvero alleati, anche se di eserciti nemici – e per una giusta causa: il denaro! Il recupero del tesoro del fuggiasco re del Montenegro.

Questo intricatissimo episodio di fantasia, prende spunto ancora una volta dalla realtà, la vera fuga di quel curioso re montenegrino e lo spostarsi avanti e indietro degli eserciti negli stessi territori di confine. Già dal suo titolo denuncia come il denaro sia la forza che muove il mondo e che può unire i popoli, e lo propone in una visione di provocatore di pace.

Con questo significativo episodio concludo l’analisi su Hugo Pratt e la Grande Guerra, che si era aperta con la Ballata, speculare e opposto significato del rapporto oro e guerra.

Le successive storie africane, della guerra sono lo strascico, o resti abbandonati, come l’incrociatore in Leopardi. Nella prima pagina, in un gioco di strisce e zebre, la didascalia recita:

1918, mentre in Europa la guerra stava per finire, in Africa continuava, tranquillamente.

Non sono gli ultimi racconti di guerra, però, per Pratt con o senza Corto Maltese, ma questa è un’altra storia.

Con la loro (ri)lettura si potrebbe dare un onorevole senso alla persona e all’opera di Hugo Pratt, soffermandoci, in questi tempi cupi, a riflettere sulle guerre.

Iscriviti a Scuola di Fumetto - Comicout! Diffondi e collabora, parliamo del fumetto e della sua arte

Questa settimana niente video, ma ci vediamo su FB e su Youtube come ogni venerdì, a parlare di fumetti, disegno, sceneggiatura ed editoria.

Ma vi ricordo che si sono aperte le pre-iscrizioni ai nostri corsi!

La prossima settimana ci sarà un Aperitivo Open-school Online!

https://www.ascuoladifumetto-online.com/a-scuola-di-fumetto-online/

Marco Galli, classe ‘71, esordisce nel fumetto a 36 anni, nella rubrica esordienti di Scuola di Fumetto, siamo nel 2007.

Si propone con storie monopagina che immediatamente ci piacciono, non solo per la qualità grafica, ma anche per la linea di pensiero, di narrazione e stile.

Ecco come viene presentato, nella scheda che precede le sue tavole

Vi racconta brevemente i suoi studi, ma anche i vari lavori e viaggi, prima di decidersi ad affrontare il fumetto. Questa curiosità di fondo, questa disponibilità al movimento, all’ester(n)o è strettamente legata al suo stile, che guarda oltre l’Italia, e alla libertà di segno e narrazione, che ancora oggi lo caratterizza.

Ho deciso di pubblicare (con il suo consenso) il suo ormai lontano esordio (l’anno prossimo festeggiamo i 20 anni di fumetto?).

Ma aggiornato da una nuova intervista:

Ed ecco le due prime tavole dal vecchio SdF:

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Quanto conta il segno nel fumetto? Come lo modifichi relativamente all’opera che affronti?

Per me il segno è fondamentale. Anzi, direi che il fumetto è segno grafico, o almeno il fumetto che piace a me. Invecchiando ho cambiato parecchie idee su “Il fumetto”, per esempio il fumetto pittorico mi interessa pochissimo, come del resto la colorazione “carica” e piena di effetti di certo fumetto, soprattutto americano, che si usa oggi, proprio perché, immancabilmente, uccide il segno, perciò il fumetto. Trovo, per esempio, il “Terry e i pirati” di Caniff più moderno e contemporaneo, almeno visivamente, di molti fumetti contemporanei.

Ultimamente mi accorgo che il mio segno si sta stabilizzando, mentre una volta cercavo di cambiare segno, anche radicalmente, tra un fumetto e l’altro. Resta il fatto che se ami disegnare, disegnare sempre con lo stesso segno diventa noioso, almeno per me.

Nello sviluppo della storia procedi più per immagini o per dialoghi e testi? Ti senti più narratore o disegnatore di storie e personaggi?

Parto sempre da suggestioni, guizzi di pensiero, scene viste dal vivo o in un film, una musica, ecc. Costruisco sempre i miei fumetti dalle immagini. Di solito parto subito con uno storyboard con testi abbozzati e poi finite le tavole da mandare in stampa, scrivo e riscrivo per bene. Ma non ho mai un metodo preciso. Credo anche che il disegno (già “il segno”!) sia di per sé narrazione. Il testo scritto è un’integrazione, o uno sviluppo ulteriore della narrazione. Perciò, narratore e disegnatore sono la stessa cosa per me.

Credo che una mia bravura stia nel creare personaggi che sono “vivi”. Per esempio, nel mio prossimo fumetto ci sono molti personaggi, alcuni principali e altri secondari, eppure tutti, anche se appaiono in poche vignette, sono personaggi forti, con un loro carattere preciso.

È bello rileggerle ora, vedere riferimenti a segni diversi, ma coerenti, e coerenti ai racconti, con sensibilità critica al mondo reale…

Ecco, Marco Galli ha una notevole sensibilità critica, che non traspare solo dalle sue opere…

Chiudiamo guardando il vicino futuro

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Come sempre, a fine articolo, vi ricordo che COMICOUT ha la prima scuola europea di fumetto, totalmente Online, dal 2010.
A ottobre partono i corsi annuali, ma per informarsi già da ora: info@ascuoladifumetto-online.com

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https://www.ascuoladifumetto-online.com/a-scuola-di-fumetto-online/

Inoltre vi ricordo che dal 1° al 3 Maggio siamo a Venezia Comics, Padiglione 30.

Ed ecco il nostro solito link alle chiacchiere del venerdì, ma domani, 1° maggio, niente… sarò in volo da Malta dove oggi parlo di Corto Maltese

Una lunga e bella intervista filmata che vi ripropongo.

Oggi leggo che Enrique – disegnatore che fuggì l’essere figlio d’arte e visse nella Pampa, un autore che potrebbe davvero raccontare la sua vita complessa e movimentata – vuole lasciare Roma e tornare in Argentina…. volvér…

Volver con la frente marchita
las nieves del tiempo platearon mi sien
sentir que es un soplo la vida
que veinte años no es nada

Tornare, con la fronte segnata
le nevi del tempo hanno argentato le mie tem­pie.
Sentire che la vita è un soffio
che vent’anni non sono niente

Su questo aggiornamento tradurrò qualche parte di questo articolo di Juan Mascardi (qui intero in spagnolo)

SRADICATO…. è questo che gli ruba l’anima.

Dopo gli 80 anni Enrique Breccia sente la mancanza di una sua Terra…
Inutile qui raccontarvi la sua lunga carriera. Dopo il Che, opera fatta assieme al padre Alberto, El Viejo, negli anni Settanta lavora (ne parlerà nell’intervista) a sue storie personali, ma poi e negli e Ottanta, lavora con la casa editrice britannica Fleetway (sotto pseudonimo e per otto anni), è pubblicato con le opere più originali su Linus in Italia e El buen Dios e Alvar Mayor scritti da Carlos Trillo escono sulla rivista Skorpio. Ha collaborato con sceneggiatori come Guillermo Saccomano, Ricardo Barreiro e Walter Slavich, pubblicando in Argentina e all’estero. In Italia riceve il Gran Guinigi nel 2011

Nel suo studio a Roma in Tiburtino, Breccia rifiuta la definizione estesa di «artista» e denuncia la perdita del «vecchio concetto greco di bellezza, verità e bene».

«È un termine ormai logoro. Oggi qualsiasi cosa è arte, ovvero nulla è arte. E questo vale per le arti figurative, la musica, la scultura, per tutto. Si assiste a un degrado impressionante e crescente, soprattutto in Occidente».

L’arrivo dell’AI lo disturba, con quello si accentua una diseducazione di autori, editori e pubblico…

«…perché uniformizza. L’intelligenza artificiale, sei o sette anni fa, ha iniziato a cambiare i gusti del pubblico. Le grandi case editrici, che non sono certo organizzazioni filantropiche, hanno iniziato ad assumere giovani esperti nell’uso di Internet. […] Sono tutti uguali, sono tutti brutti, sono tutti orribili. C’è un’uniformazione nella volgarità.

Il vecchio concetto greco di bellezza, verità e bene è andato perduto. Credo che sia stato perso deliberatamente.

Il gusto del pubblico si è progressivamente deteriorato e ora le case editrici hanno adottato questo approccio: se il pubblico consuma schifezze, gli daremo schifezze.

Credo che faccia parte del suicidio dell’Occidente. Sono convinto che l’Occidente odi se stesso, si stia dando la testa contro il muro e che alla fine ci riuscirà.

Quella fase (di essere autore) è finita anni fa. Qui ora non ti lasciano scrivere le sceneggiature, te le danno già pronte, si firmano i contratti. Devo guadagnarmi da vivere, quindi faccio qualsiasi cosa. Le sceneggiature sono sempre più banali, sempre più stupide. Ci metto il meglio di me per una questione di rispetto personale. Non mi permetto di abbassare il livello del disegno, sono rigoroso. Ma il risultato è mediocre perché le sceneggiature sono un disastro».

L’amarezza si coglie e coincide forse con la voglia di un ritorno alla Terra…

«Sai, non so se sia bucolico. Io sono un tipo selvaggio, Juan. Sono come un’erbaccia, un cardo. Ma, letteralmente parlando, arrivo a Mar del Sur e mi integro immediatamente».

«Yo me tengo que divertir, ya que pagan poco, que al menos me divierta»

(Io devo divertirmi, visto che pagano poco, almeno voglio divertirmi) da una precedente intervista

Ecco l’intervista del 2013. I ricordi su come cominciò a disegnare, dice che non ha imparato dal padre, che stava sempre per conto suo (ma poi lo aiutò nel lavoro sul Che). Anche in questa nuova intervista dice qualcosa sulla distanza che li separava:

All’inizio non lavoravo con mio padre. Mio padre era un tipo molto particolare, per dirla in qualche modo. Era molto assorto nelle sue cose. Gli mostravo i miei disegni e lui si rifiutava di guardarli, ma mi chiedeva aiuto, questo sì. Glielo davo perché era mio padre, perché gli volevo bene.

Del suo imparare a disegnare sottolinea l’averlo imparato da solo, e guardando dal vero, per capire le cose, le luci, le ombre, copiare tutto, non solo le persone…

Disegnando e parlando

Parla delle sue prime inchiostrazioni con bianchi e neri netti, con la carta scratch, più autoriali anche nei testi suoi… e il passaggio al segno che conosciamo di più, per poter lavorare e mangiare ( e fare 3 pagine ogni due giorni, senza avere molto tempo per vivere..)

È un video lungo, ma ho deciso di non tagliarlo. Puoi vedertelo a pezzi o vai avanti, ma un dialogo continuo non si taglia…

A un certo punto scopriamo i suoi materiali e disegna e inchiostra, sul tavolo c’è una tavola a matita… è una striscia per il TEXONE… ecco, ora la vedete qui sotto disegnata in quel momento.

Grazie Enrique, spero di vederti prima che tu parta, anch’io, nel mio piccolo, sono tornata alla mia terra… odore di laguna invece che selvaggia pampa… volvér…

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Come sempre vi aggiungo qualche informazione:

Sul sito comicout.com potrete trovare qualche copia di La mia Ciclotimia ha la coda rossa, esauritissima, ma sbucate un po’ di copie da un paio di scatoloni!

Scuola: iniziano le info e le preiscrizioni ai nostri corsi di Fumetto Online da ottobre: info@ascuoladifumetto-online.com

2 news:

il 29 e 39 aprile io (Laura) sarò a Malta a un convegno su Hugo Pratt… e parlerò di Pratt e la guerra

ComicOut sarà presente a Venezia Comics dal 1° al 3 Maggio.

Allo stand Claudio Calia (il venerdì) a dedicare il suo Manuale di Graphic journalism

Maledetti Fumetti

I fumetti sono la mia ossessione. Farli, leggerli, raccontarli.

Di Claudio Calia

e io Laura, ci sarò sabato e domenica con alcune chicche! Vi aspettiamo!

E ora il video del Venerdì (scorso) che domani ci sarà, ma salta il 1° Maggio.

È un tema scottante quello trattato… parla di lavoro e retribuzioni, tra le cose…

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Si tratta dell’uso della silhouette, sia in vignette singole che in corpose sequenze.
Cosa sia la silhouette è piuttosto noto, anche per una suo uso nella comunicazione grafica e nella segnaletica… Nel fumetto acquista valori molto precisi e legati alla narrazione. Iniziamo da alcuni esempi su cui torneremo poi:

Sopra e sotto ci troviamo con due esempi narrativi tra i più usati.
Uno da una parte evoca tutti i fatti con una “censura”, che permette - tra l’altro - un tocco ironico in una situazione anche violenta, non cade in volgarità, ma evidenzia bene gli elementi cruciali.

Il secondo invece si concentra su un aspetto più intimo e poetico, anche qui tralasciando u dettagli che distrarrebbero, e concentrandosi su una contenuta gestualità e spostamento.

Le seconde due tavole son ben diverse tra loro, eppure entrambe giocano su una certa teatrlaità.

Nella prima Pratt evoca, davanti a un Corto spettator, uno spettacolo di ombre cinesi di ambientazione magica, con mago Merlino…. fasulle come ombre (visto che non posano i piedi per terra, fasulla la recitazione della rana… un gioco ammiccante per farci entrare in un clima magico, che poi magico non sarà affatto.

Sotto la teatralitàsta nell’eccesso, estremizzazione di situazione, sentimento e gestualità, Chester Gould è autore di eccessi, ma di solito più contenuti e rigidi, qui le figure si sciolgono letteralmente in un abbraccio, e quel che è più importante, trasgrediscono alla regola delle silhouette che impone la leggibilità della figura, in cui si distinguano i vari elementi e arti, qui invece la fusione è totale: due figure in un unico grumo. Un grande effetto significante.

Troveremo qualcosa di simile solo in Miller, nel suo Batman rannicchiato, ma si tratta di immagini uniche e di un personaggio molto noto, ma è anche qui una rivoluzione, in rapporto al supereroe (e la silhouette non è pura, senza occhi e qualche punto di luce, la prima non sarebbe leggibile).

La nascita della silhouette

La silhouette nasce certamente prima, ma da tutto l’800 è molto amata e frequentata.
Passatempo da salotto, ma anche lavoro di strada, come quei disegnatori che oggi operano con carboncino o matite, cartoncino nero e forbicine fornivano dei piacevoli ritrattini.
Profili, eh sì, perché è il profilo il modo più leggibile di tracciare una forma riconoscibile di ritratto… una sola linea. Lo sapevano egiziani, cretesi e pittori dell’antichità…

Se il ritratto si faceva ritagliando la silhouette del volto di profilo, per illustrazioni la figurina poteva comprendere anche animali, piante e oggetti. D’altra parte anche le marionette del teatro delle ombre seguivano questa logica.

Ma vediamo l’uso nel fumetto:

Stacco di ambiente, esaltazione di zone di luce e ombra, diversificazione di piani. In questo è maestro Milton Caniff, ma non è il solo.

Milton Caniff

Isolamento della figura in secondo piano, semplificazione e velocizzazione della lettura, evidenziazione di spazi assolati, ma anche attesa e tensione.

Sotto, le teste e i corpi dei cavalli sono con luce a picco, ma soldati e spade diventano “gruppo” trattandoli colo con il nero

Bellissima questa immagine finale in cui i soldati sono una piccola zona nera, nascosti, ma per il lettore, ben evidenti nel fogliame

Non solo dramma, ma sintesi

La prima motivazione è davvero la sintesi, l’occhio riposa nella vignetta in silhouette, non deve decifrare mille elementi, questi vengono in gran parte cancellati e la figura annerita colpisce forte e, se ben disegnata, appare leggibilissima ed efficace

Questi supereroi, hanno bisogno di simboli per un’immediata identificazione, ma i loro gesti e corpi li rappresentano chiaramente.

Il procedere del mistero

Chabouté (sopra) e Mari (sotto) muovono in modi diversi sulla figura nera per scoprirla…

Sì, più spesso la figura che si staglia in controluce è minacciosa, la si teme… un pericolo oscuro, abbiamo paura di quel che non vediamo e dell’ombra.

Non sempre il mistero ci terrorizza, ma di sicuro stupisce

Censura o fantasia?

Come abbiamo visto all’inizio, il nero può essere un velo pietoso o pudìco su figure scandalose in qualche modo.

Eppure la censura, che assomiglia alle onde del mare che sostituivano l’amplesso degli amanti, non è solo pudore o moralismo. Una violenza o altro, che si intuisca in sagome nere in azione, rende meno particolare il soggetto, lo trasforma in universale, assoluto. Ne aumenta il significato, come in queste morti drammatiche e delittuose, disegnate da Casertano per un Dylan Dog, che elenca una serie di morti violente, così ogni figura diventa ogni donna uccisa, ogni persona morta sparata, non ci perdiamo nel singolo caso, ma nel suo essere vittima.

L’ombra e il sole

La luce racconta, ci porta a spostarci nella storia e a immergerci nel clima, da esterno a interno, da esposti al riparo…

Un bellissimo Micheluzzi ci fa sentire su e dentro una nave, e un clima estivo, soleggiato.

una vignetta da un Dampyr

Sotto Chabouté

Il sole, la notte e gli spazi attorno ai personaggi.

E Alberto Breccia trasforma le silhouette in scacchiera…

Un semplice controluce

….tanto per staccare

L’ho già detto. La silhouette, completa o con pochi tocchi di luce, serve alla narrazione. Serve in lunghe conversazioni, o in scene in contano solo le parole, o - al contrario, solo il movimento del corpo.

Movimento? Qui sopra, il volto della vecchia e la giovane tennista all’opera, un dialogo tra elementi a contrasto, e il movimento che si esprime.

Queste invece sono della figurae “banali” ancora di Casertano, ma ben diverse alle sue precedenti vignette. Qui i controluce servono solo a spezzare la noia del disegnino dettagliato, a dare forza ai soggetti, ma solo in quanto supporti del dialogo.
Il lettore si sente più intimo con loro, nella prima pagina. Mentre nela seconda può guardare veloce e concentrarsi nella lettura.

Per finire ancora con Casertano, in v3 il controluce è in silenzio. La silhouette aiuta anche a raccontare la solitudine, lo abbiamo visto anche in una delle pagine iniziali, permette al vento di farsi sentire, anche senza onomatopea, rappresenta simbolicamente e in sintesi, l’espressione delle alte vignette e in quanto vignetta astrattae senza parole, il tempo che vi passa non è misurabile…. dura quel che deve durare.

La silhouette è un riassunto a cui il lettore dà il significato che crede.

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Come al solito aggiungo il link al sito

Tra qualche giorno inizierà la campagna per A Scuola di Fumetto Online

Ne parleremo presto…

Intanto ecco la solita Diretta del Venerdì scorso:

La psiche nel fumetto… che razza di eroi…

A venerdì!

Hermann appartiene alla seconda generazione della Scuola Franco-belga, il riferimento grafico è ancora quello di Jijé, autore che è stato suo maestro e venerato assieme a Moebius-Giraud. Hermann inizia a pubblicare a metà degli anni 60, racconti brevi sulla rivista «Spirou» e nel 1966, su sceneggiatura di Greg, le avventure di Bernard Prince (che quasi contemporaneamente leggeremo in Italia sul «Corriere dei Piccoli»). Sempre Greg scriverà le storie di Comanche (in Italia ancora sul CdP).

Lo spirito di queste storie, grazie anche all’influenza di Hermann e del suo segno non retorico, è molto forte, adulto, affine a quello di Blueberry.

Copertina del CdP con Bernard Prince- La storia intera è pubblicata

https://corrierino-giornalino.blogspot.com/2026/03/uragano-di-fuoco.html

Nel 1975, in Cielo rosso su Laramie, Red Dust, uno dei 4 eroi della serie, uccide un bandito, che in quel momento ha l’arma scarica. Un assassinio.

Hermann non è un disegnatore infantile o delicato, guarda in faccia la cruda realtà.

«Lui (Greg) mi ha seguito. C’era senza dubbio la volontà di shoccare i benpensanti, i politicamente-corretti che ci fanno credere che l’uomo è buono».

«Come la pompa della bicicletta, l’Umanesimo – e lo stesso Dio – sono creati dall’uomo. Ma con la differenza che la pompa serve a gonfiare le gomme a terra».

Hermann si separerà da Greg, con sua grande delusione. Non vuole essere solo un disegnatore, una mano, vuole raccontare le sue storie (e nell’intervista a Scuola di Fumetto, accusa Greg di una mentalità razzista, coloniale).
Nascono così Jeremiah, un mondo post apocalisse nucleare in una guerra razzista deli USA – un’atmosfera che precede di molti anni The Walking Dead – e la saga medievale Le Torri di Bois Maury, in cui più che preoccuparsi dell’esattezza storica, Hermann ricrea un clima credibile, vivo e fuori dai cliché.

A inizio anni 90 Hermann darà luce a dei volumi one-shot, tra cui Sarajevo Tango, ispirato al conflitto in atto nell’ex-Jugoslavia. IN questo libro sperimenta un nuovo disegno, solo a colori, senza china nera, ma soprattutto renderà evidente il significato politico delle sue storie a fumetti, così vicine al mondo reale contemporaneo, sotto il velo dell’avventura.

Nei primi anni 2000 Incontro Hermann a Torino, al Salone del Libro (o piuttosto alla Fiera del Fumetto). Lo riesco a intervistare mentre fa colazione nell’Hotel a fianco al Lingotto. Ve lo ripropongo:

«Sono andato verso una sintesi, mantenendo la forza, ma con meno segni, tratti… perché il lettore non deve affaticare lo sguardo con troppi segni. Se il disegno è troppo pieno di cose, è molto faticoso per chi legge…»

Siccome socialmente e politicamente non posso portare soluzioni, non ne ho né il potere né la forza evidentemente, amo però fa… come diciamo in francese “far mettere all’umanità il naso nella sua cacca”… Io le tolgo la maschera.

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La parola progetti non si può utilizzare con me. Io non ho progetti… io faccio.

Per i materiali da disegno, Hermann ha le sue scelte, non troppo rigide o snob, usa le carte che anche noi troviamo nel colorificio, marche buone ma comuni, ma usate con cura nei diversi casi.

Il mio amore per il cinema sono stati La strada di Fellini e I sette samurai di Kurosawa […] questi mi hanno aperto gli occhi e mi hanno fatto dire: “Ecco, il cinema è grande!”

… prima ce n’erano [di fumettisti] bravi 2 su 10, oggi forse 20 su 100, il rapporto non cambia, ma ogi ce ne sono di molto bravi, ce ne sono anche moltissimi non molto bravi…

Ho rivisto Hermann altre volte, l’ultima credo ad Angoulême, alla grande mostra a lui dedicata. Ogni volta penso alla sua dedizione al lavoro «Una giornata senza disegnare è una giornata persa» cita di lui Alain Lorfevre.

Ma per me resta incisa la frase amara che mi disse più di vent’anni fa, e per cui oggi penso che sia stato contento di morirsene in questi giorni bui e politicamente più che scorretti:

Non credo nella bellezza dell’umanità, infatti, ma so che ci sono persone splendide, ne incontro, ma più invecchio più vedo assurdità e ipocrisia, ho un’immagine sempre più disfattista. Non dovrei, ma sono contento di sapere che un giorno non ci sarò più, l’umanità non la sopporto più.

Come ogni articolo, vi linko la chiacchierata di Venerdì scorso…

Il montaggio nei fumetti (parte I^)

e domani? Il prossimo venerdì potremmo parlare di editori e autoproduzione…. accetto consigli e richieste, anche per i prossimi articoli.

Vi ricordo anche che il 1° maggio nessuna diretta (sarò a Malta per un interessantissimo convegno su Corto Maltese) e poi subito a Venezia Comics! Non mancate.

E volete informazioni sui prossimi corsi annuali e workshop di fumetto, sceneggiatura e disegno?

sempre: info(eat)ascuoladifumetto-online.com

e sul nostro sito comicout.com