Mon été se résume à la crise existentielle, lire et boire du café. Je reprends petit à petit goût avec les mots, et le fait d’avoir supprimé les réseaux sociaux dernièrement me permet de sortir la tête de l’eau (qui était ces derniers temps assez troubles). Dans cette crise existentielle, j’ai (re)découvert un auteur qui résonne énormément avec qui je suis : Franz Kafka.

Il y a deux semaines, j’ai pris plaisir à me créer de nouveau une carte à la bibliothèque de ma ville. Cela faisait une éternité que je n’y avais pas mis les pieds, je devais avoir neuf ans la dernière fois et j’y allais pour emprunter les derniers Pokémon. Aujourd’hui je vais en avoir vingt et un et j’ai emprunté Franz Kafka ne veut pas mourir de Laurent Seksik, deux salles, deux ambiances, mais qui apportent un plaisir de lecture commun.

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La seule fois que j’ai lu Kafka, c’était avec La Métamorphose, classique aujourd’hui de la littérature mais révolution et scandale pour l’époque. Je ne vais pas vous mentir en disant que cette lecture a été un bouleversement, au contraire, j’ai été déçu. Je pense que la taille même de l’histoire m’a paru trop courte, une rapidité qui a enlevé mon plaisir et ma compréhension de la nouvelle. Avec le temps, j’ai été plus fasciné par le personnage de Gregor Samsa que par la nouvelle en tant que telle, dû à une identification je suppose. J’aime le fait de mûrir mes lectures, et de les aimer après coup et de me plonger dans les souvenirs qui me restent.

La figure de Franz Kafka a aujourd’hui dépassé ses écrits, en ce sens la modernité ne rend pas hommage à cet auteur perfectionniste. Je pense qu’il aurait préféré que nous rendions populaires ses écrits et non sa personne. C’est peut-être pour cela qu’il souhaitait que ses écrits soient brûlés à sa mort, car il savait que la modernité ne rendrait pas hommage à son travail. Sommes-nous si prévisibles?

Est-ce que je me suis procurée tous ses écrits et une grande partie des essais sur son sujet ? Oui. (Je suis assez obsessionnel, je l’admets.)

Je me suis donc dit qu’il serait intéressant de rendre cette obsession plus pertinente en la partageant. Kafka était à la recherche de la vérité et de la sienne cachée derrière une âme complexe. Nous sommes aujourd’hui dans un monde facile, qui cherche constamment à se débarrasser du complexe, et à vider l’essence de toute chose pour aller trouver l’illusion de l’essentiel. Cet essentiel était la quête de Kafka, mais il ne voulait pas passer par la facilité, au contraire, il avait compris qu’il fallait être complexe pour ne serait-ce l’apercevoir.

Je pourrais passer des heures à lire et écrire sur des “séries” d’analyses et de réflexions sur un ou une autrice, j’ai cette chance que mes études me permettent de le faire et j’en ai trois à mon actif : Zola, Maupassant et Kafka. Je partagerais ici mes retours sur Kafka dans un premier temps, que je perçois comme “l’été de Kafka”.

Voici un petit guide de lecture pour (re)commencer à lire les œuvres de Kafka. Je lirais sûrement en parallèle des essais critiques et des biographies pour comprendre davantage le contexte de son écriture.

La littérature est si vaste qu’elle permet à chacune et chacun de trouver un “auteur.e âme sœur” et la liberté qu’elle nous apporte nous donne le plaisir de les chercher ou de tomber dessus sans prévenir. La littérature n’est pas égoïste avec les lectrices et lecteurs, car elle nous laisse l’opportunité de combler notre âme avec plusieurs âmes sœurs qui ont trouvé ou trouveront notre chemin.

xxLili

Nous sommes élevés pour éduquer les hommes, qu’ils soient enfants ou non. L’image est gravée de façon inconsciente pour beaucoup de femmes qu’il faut s’occuper d’un homme, de faire attention à lui. Non pas que je les blâme au contraire, il y a tout un mécanisme derrière qui nous pousse à ce rôle, et qui nous conditionne par la suite à être la « femme de » ou finir dans une cuisine à servir son homme et mettre la bonne dose de sel qu’il aime.

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Je n’aime pas le sel et je ne veux pas élever un homme.

Pourtant, contre mon gré, j’ai été maternel avec plus d’un homme, à devoir faire attention à lui et à ses émotions. Prendre soin de son ami ou de son petit ami n’est pas le mal, au contraire, le mal se trouve dans la banalisation qui en a été faite et du comportement retour qui est fait, qui prouve l’automatisation de cette maternité. Cela crée dans la relation qu’elle soit amoureuse ou amicale une surcharge mentale pour la femme et un taux de stress supplémentaire. Vous verrez qu’il est plus difficile pour une femme de couper les ponts même de manière symbolique (du type stalker sur les réseaux) avec un homme, alors qu’avec une femme la rupture, tout du moins amicale (je ne m’y connais pas en relation amoureuse lesbienne, je ne parle donc que de ce que je connais) sera beaucoup plus facile car l’égalité dans la relation est la même. Pas de mère et fille, mais sœurs à la limite, le lien de parenté a son importance. Il est difficile de le percevoir mais ce lien maternel existe bien, et les hommes de façon consciente ou non s’en nourrissent et cela les construit, tandis que cela détruit des femmes.

L’espace-temps leur est dédié entièrement, le fait donc que quelqu’un d’externe décide en fonction de son temps à elle, les met dans une position de frustration et amène une victimisation qu’ils essayent de véhiculer auprès des autres. Ici je ne juge pas le fait de tourner la page, ici je ne parle pas du fond qui est forcément propre à chacun. Je parle ici de la forme qui est faite par et pour les hommes.

Nous devons être aptes et présentes au moment où les hommes veulent parler. Mais lorsque nous insérons notre temps dans le leur, ils se sentent incompris et victimes d’une situation causée par un manque de communication. Le problème n’est pas que je ne veuille pas parler, mais le fait de ne pas vouloir parler quand il le souhaite. Nous devons constamment agir en fonction d’une envie masculine, et ici le temps qui est censé être une notion universelle, explose sous tout cet égo et testostérones. Nous devons adapter non pas que notre désir (qui par ailleurs nous est imposé et qui pour la plupart des femmes est pourrie par l’homme, mais là n’est pas le sujet aujourd’hui), mais également notre temps et notre parole. Je me suis retrouvée plus d’une fois bloqué non pas par légitimité mais par frustration d’un désir non nourri, ne voulant pas être disponible quand ils le voulaient, je me retrouvais comme problème de la situation ne m’accordant pas à leur existence.

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Je ne suis pas là dans le but de dévaloriser et diminuer la souffrance des artistes masculins, chaque humain a ses tourments, mais la femme artiste reste à mon avis la plus propice à porter cette image “d’artiste torturée” relevant d’un mal-être qui lui est imposé de part des facteurs externe lié à une société qui la pousse à bout : que cela soit les relations amoureuses ou avec elle-même.

J’ai toujours déploré le fait qu’il y ait peu de films avec une “Yearning Woman” sans la rendre objet de l’homme aimé mais sujet de son amour pour lui. Il y a une phrase de Toni Morrison que j’aime particulièrement qui est “If there is a book you really want to read but it hasn’t been written yet, then you must write it.” (« S’il y a un livre que vous voulez vraiment lire mais qu’il n’a pas encore été écrit, alors vous devez l’écrire. ») et je dois admettre que je songe de plus en plus à cette idée qui grandit face à ce manque de représentation, ce qui est assez paradoxal quand on voit que la Femme est montrée comme émotive et romantique, mais la relation entre Femme et Amour n’est représentée que lorsque l’une est dominée par l’autre au profit d’un homme et non comme relation profonde et révélatrice pour elle-même. L’amour qu’elle porte et donne est vidé de son essence au profit d’autrui.

Cette réflexion synthétisé ici, m’a permis d’être conscientiser grâce à un passage écrit par Susan Sontag dans À propos des femmes, notamment dans sa réflexion “Les deux poids deux mesures du vieillissement” où elle parle de la notion de vieillissement dans la vie des femmes.

L’inconfort qu’éprouve une femme chaque fois qu’elle livre son âge n’a cependant que peu à voir avec la conscience de la mortalité humaine que chacun éprouve de temps à autre. […] Le grand âge est une épreuve réelle, qu’homme et femmes traversent de façon semblable. Vieillir, en revanche, est surtout une épreuve issue de l’imagination - une maladie morale, une pathologie sociale - et lui est intrinsèque le fait qu’elle afflige les femmes bien plus que les hommes.

Susan Sontag met le doigt sur la duplicité du mal-être humain, qui est censé être naturel, et qui est pourtant construit pour la femme. Le temps nous est indispensable et est la peur de nombre d’âmes sur cette terre, elle a été pourtant rattachée à une peur plus poussée pour les femmes les rattachant non plus qu’à la mort mais également à l’image. Le temps est devenu pour les femmes le symbole de la mort physique et symbolique. Susan Sontag insiste sur le fait qu’il ne faut pas confondre le fait de vieillir et le “vieillissement” qui est une construction sociale, contrairement au premier qui est un fait et qui d’ailleurs se traduit par trois facteurs matériels qui sont : la fragilité physique ; l’expérience venant de la durée ; l’altération des traits physiques. Le fait de vieillir est universel et consiste au cycle de la vie, mais le “vieillissement” est une image négative de ce phénomène naturel qui hante les femmes à cause d’une société qui les complexe. Le vieillissement est un phénomène universel tandis que la vieillesse est une lecture singulière, elle est codée et orchestrée à une institution qui tire profit de cette construction, dans notre cas : les hommes.

Un culte de la jeunesse est fait dans notre société, et ceux depuis la Grèce antique avec Sophocles dans Œdipe à Colone qui parle de la “vieillesse odieuse qui rassemble en elle tous les maux”. La vieillesse est diabolisée (la peur des sorcières qui est un des plus grands massacres de l’Histoire nous le montre bien) et devient punitive pour les femmes. Le rapport à l’âge entre hommes et femmes est différent, les hommes vieillissent tandis que les femmes deviennent vieilles. Les hommes ont une relation “naturaliste”, pour reprendre le terme de Susan Sontag, avec leur corps : devenant le reflet de leurs vies et de leur “maturité” (et de “virilité”). Tandis que les femmes devront cacher ce corps rempli des traces de leurs vies, Susan Sontag analyse la duplicité presque schizophrène que la société nous impose sur notre propre image : les femmes ont un corps et un visage. Cette séparation est profondément ancrée en nous. Le visage est notre carte d’entrée dans la société et doit être constamment présentable. En revanche, le corps connaît son heure de gloire pendant une période relativement courte, de l’enfance au début de l’âge adulte, avant d’être finalement caché, ne correspondant plus aux critères de beauté désirable conçus par et pour l’homme. Dans La vieillesse : une construction sociale de Jean Foucart il explicite le fait que “Chaque type d'organisation socio-économique et culturelle est responsable du rôle et de l'image de ses vieux”. La nôtre étant sexiste et raciste, l’image de la vieillesse ne peut donc être que le reflet de ses idées, rendant les femmes victimes de leurs propres corps. Elles deviennent sujet de la société à travers leurs apparences, dans un délai défini par les désirs des hommes qui tirent profit de ce physique. Une fois la projection du désir perdue, elles seront mises de côté et deviendront la honte de la société, nourrissant un mal-être malsain envers elle-même et l’obsession d’une reconquête des faveurs de la société à travers le désir d’une jeunesse retrouvée pour être de nouveau vues.

Cette réévaluation du cycle de la vie sert avec brio une société profane dont les idoles sont une production et une consommation effrénées et la cannibalisation sans limite de la nature. Une tell société se doit de créer une nouvelle perception des rythmes de la vie afin d’inciter à acheter plus, à consommer et à jeter plus vite.

Cette citation a été pour moi un électrochoc quand je l’ai lu, car l’image de la jeunesse et le complexe de la vieillesse profitent au capitalisme. La société a créé une co-dépendance de la femme et du capitalisme. Le complexe des femmes est profitable pour les hommes, leur permettant de garder une posture dominante et un contrôle sur le corps de la femme, mais en plus de cela, leurs complexes permettent de nourrir le mécanisme capitaliste de notre société. Les produits de beauté se multiplient, les soins anti-âge ne cessent d’être à la mode et les nouvelles méthodes de beauté sont destiné à un public féminin. Le marché commercial sait utilisé les complexes de la femme pour les exploités et les approfondir avec des méthodes et des informations polluantes sur notre physique. Il n’est d’ailleurs pas anodin que les plus grands groupes de beauté sont dirigés en majorité par des hommes, mais surtout par une logique : te faire croire que tu dois te corriger pour être accepter.

Nous sommes devenus, contre notre gré, l’instrument du mal de notre société. On nous met dans la position de victime option syndrome de Stockholm, avec cette conscience d’être soumise aux critères physiques dictés par un désir masculin, mais également dans une position culpabilisante car nous nourrissons un système économique destructeur. La manipulation instaurée est si grande qu’elle nous dépasse et nous rend victime et bourreau. On nous rend dépendantes de notre propre image pour avoir une chance d’être considérées, nous sommes élevées à entretenir cette apparence et à nourrir cet espoir qui grandit et qui ne sera jamais satisfait, car elle nous maintient dans un cercle infini et pervers. On nous oblige à suivre les règles pour en tirer profit, mais on nous retire notre utilité dès que nous avons servi autrui, sans tenir compte de la frustration engendrée par cette vie volée et réduite au silence.

Cette société offre aux femmes vieillissantes moins encore de satisfactions qu’elle n’en offre aux hommes. Être physiquement séduisante est beaucoup plus important dans la vie d’une femme que dans celle d’un homme […] Les femmes sont rarement encouragées à développer leur intellect au-delà du dilettantisme.

La seule façon pour une femme de devenir sujet de la société se fait à travers son apparence et de la façon dont elle se présente au monde. Sa vie est faite pour qu’elle ne soit que futile et profitable aux autres, on ne sollicite jamais son intellect car elle n’est pas considérée comme nécessaire. Le système mis en place sert aux hommes et à leurs réussites, le fait d’élever les femmes avec la même ambition de réussite qu’eux les amènerait à voir leur chance de réussite baisser. Écarter les femmes n’est qu’une stratégie régit par l’égo et la peur d’être dépassé. Leurs visions patriarcales et dominatrices les conduisent à percevoir une guerre de réussite méritante uniquement si elle est menée entre hommes. Cependant, si les femmes sont si inférieures et futiles qu’ils le prétendent, pourquoi ne pas leur ouvrir ce champ de bataille pour le succès ? Car cela les obligerait à nous considérer sur le même piédestal et donc reconnaître une égalité entre hommes et femmes. Cela engendrait toute une déconstruction du mécanisme sexiste mis en place, nous permettant de reprendre le rôle de sujet et non d’objet, et ceux qu’importe l’âge ou l’apparence, la réussite et le succès étant les seules choses méritantes dans un monde égalitaire.

Cher journal,

La vie est un cycle, et qui plus est, plutôt bien conçu, avec ses hauts et ses bas, mais globalement tenable. En cette nouvelle année, j’ai fait mon devoir de citoyenne d’une société conformiste ( ou citoyenne avec encore de l’espoir sur un avenir meilleur, je vous laisse décider lequel des deux est le pire ) c’est-à-dire j’ai fait le point des années précédentes pour rendre meilleure 2026.

Croyez-le ou non, je n’ai pas pris de résolution ( je ne vais pas pousser le conformisme à son paroxysme ), je ne vois pas l’intérêt de me créer de futures crises d’angoisses à une moi future qui regretterait de ne pas tenir une vision de vie d’un moi passé.

Quand je vois le chemin depuis 2024 ( mon année de référence en matière de tristesse et de déprime ), je ne peux m’empêcher d’être fière de mes progrès. Les résolutions de début d’année semblent bien ridicules comparées à une vie en constante évolution, en sachant qu’aucune des résolutions prises n’a été atteinte.

Je pense que le changement peut se faire lorsque nous nous trouvons face à une chute imminente, et que nous comprenons que la meilleure des solutions n’est pas de reculer vers le passé et l’habitude. Au contraire, tout réside dans la prise de conscience qu’il faut sauter vers l’inconnu qui ne peut que nous apporter un regard nouveau (bon ou non… c’est le risque de la vie). Pour ma part, le saut que j’ai fait pour ce début d’année est plus grand que ce que l’on pourrait croire, car j’ai sauté vers la déconnexion Pour ma part, le saut que j’ai fait pour ce début d’année est plus grand que ce que l’on pourrait croire, car j’ai sauté vers la déconnexion (ironique je sais vu que j’écris cet article, l’humain est imparfait rappelons-le pour ma défense).

Depuis 1 an je me découvre à aimer créer sur les réseaux, à partager et ne cesse de m’ouvrir des portes nouvelles sur mes centres d’intérêt et sur moi-même. Mais le risque lorsque nous ouvrons une porte et notamment celle du plaisir de la création, c’est que nous ne pouvons reculer et que nous nous confrontons à une réalité plus frappante que ce que nous pensions savoir. Plus je crée et plus je trouve mon monde futile et superficiel. J’ai eu le temps d’analyser et de voir que tout ce qui est bon peut pourrir de l’intérieur.

Faire du contenu culturel n’est pas chose aisée, il faut s’instruire au quotidien, il faut trouver sa place dans un monde où la culture est une forme et non un fond. Je me suis surprise à déconstruire mon contenu pour en faire un produit social comme tant d’autres. Je me suis surprise à reprendre les codes d’une société qui allait à l’encontre de l’essence même de mon contenu.

Je me trouvais superficielle.

Je ne veux pas devenir réac, j’ai encore pas mal de temps avant de pouvoir le devenir, mais je trouve que la société de ce monde est ridicule et auto-destructrice. Je ne suis pas assez riche pour comprendre les motivations égoïstes de ceux qui nous pourri ce monde par le pouvoir, donc je peux encore me permettre de critiquer cette société qui nous abrutit au quotidien. Prendre conscience de notre propre régression est une tragédie. Surtout lorsque nous sommes producteurs et consommateurs de celle-ci. Mon arrivée sur les réseaux m’a permis d’accroître ma culture et ma réflexion, mais cette consommation est à double couteau tranchant, car elle m’emprisonne et m’empêche de voir autre chose. Je me sens étouffé par les réseaux sociaux et plus encore, par son influence et son impact sur moi, d’où mon saut volontaire provoquant ma chute : la déconnexion.

Je le dis souvent, mais le fait de tout regrouper dans un même endroit toutes nos capacités n’a été que le début de l’abrutissement collectif. Le téléphone nous a rendus flemmard.e. Alors dans un raisonnement logique, je me suis dit que pour être l’inverse du produit de cet “abrutissement collectif” il fallait simplement revenir à la source même du problème et l’inverser : me séparer de mon téléphone. Si je suis devenue flemmarde et que je cultive cette flemmardise avec le regroupement de toutes mes capacités en un même objet, il fallait simplement les disperser.

J’ai donc investi dans un MP3, un appareil photo argentique, un caméscope et un téléphone à clapet. Cela peut paraître beaucoup et pourtant il prend beaucoup moins de place dans ma vie que mon iPhone (ou autre smartphone). J’ai tout de même gardé mon ancien téléphone, je suis sûrement névrosée de ce monde mais cela ne m’empêche pas d’être consciente de la valeur et de la chance des opportunités matérielles que j’ai. Je ne l’utilise plus, mais il pourra un jour me rendre service. Le fait de me déconnecter de mon téléphone m’a permis de m’interroger et de me challenger face à mes ambitions, qui au premier abord semblaient incompatibles : comment faire du contenu sur les réseaux sans téléphone portable?

J’ai dû réinventer ma conception de création de contenu ainsi que ma relation avec les réseaux sociaux, qui est devenue, je vous le promets, beaucoup plus saine. Je filme désormais avec ma caméscope et je les monte et publie sur mon ordinateur, c’est effectivement plus long mais cela me permet à contrepartie d’être plus consciente et de ne plus être passive de mon contenu. Cela fait 1 semaine maintenant que je vis “déconnecter” et je suis étonné de voir la simplicité que cela est et qui est plus faite sans frustration. Je ne consomme les réseaux sociaux simplement pour poster mon contenu, et le pire c’est que je ne cherche même pas à consommer. Le résultat est donc que nous ne voulons pas consommer mais nous sommes habitués à le faire, sans grande conviction. Désormais ma consommation est intelligente et à un sens, je cherche à me divertir autrement, me permettant également à avoir plus de temps pour mes projets personnels que je ne cessais de repousser à cause de ma procrastination nourri ma consommation des réseaux.

En me déconnectant, je ne cherche pas à me retirer de mon monde, au contraire nous sommes dans une évolution permanente et qui a besoin de se réinventer. Je ne me déconnecte pas de la société, mais de ce qui est nocif pour moi : la surconsommation d’information, la comparaison, la procrastination, la culpabilisation. Je suis connecté autrement, à mon rythme et non celui que l’on m’impose.

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Qui est Artemisia Gentileschi ?

On en a entendu parler l’été dernier grâce à l’exposition sur Paris, au musée Jacquemart-André. C’est une peintre italienne fascinante et talentueuse, élève de l’école caravagesque. Elle est considérée comme l’une des premières peintres baroques, forçant un monde artistique masculin à lui faire une place. Artemisia Gentileschi est constamment ramenée à son viol par le peintre Agostino Tassi, un événement paradoxal dans l’image qui restera d’elle, car pendant longtemps on ne souviendra que de cela, invisibilisant d’une certaine manière la femme et la peintre qu’elle est. Mais d’un autre côté, cela a fait d’elle une voix importante et un modèle de courage, car elle portera plainte allant jusqu’à un procès qui l’humiliera malgré le soutien de son père. Elle s’accrochera à la vie, en détachant sa colère dans ses œuvres connues pour leurs violences et obscurités. Ces peintures, outre le talent indiscutable, sont importantes de part le point de vue adopté qui est féminin, dénonçant la violence masculine exercée sur les femmes ( déjà à l’époque ).

Danae d’Artemisia Gentileschi

Pour commencer, il faut contextualiser le mythe de Danae : Danaë est enfermée par son père Acrisios, qui craint une prophétie annonçant qu’il sera tué par son petit-fils. Zeus parvient à la rejoindre sous la forme d’une pluie d’or et la féconde : de cette union naîtra Persée. Nous retiendrons le fait que cette représentation du mythe est souvent excuse à un nu érotisé pensé avec un regard masculin, qui est ici bousculé par le celui d’une femme : Artemisia Gentileschi.

Danae est dans le tableau allongée sur un lit, nue et dans une posture contradictoire. Une lumière met avant son corps qui contraste avec le fond sombre, rendant hommage au clair-obscur du Caravage. Malgré le fait que Danae soit mise en avant, nous avons une autre femme dans ce tableau qui a un rôle important : la servante. Cette dernière est quand à elle entièrement vêtue et détourne le regard face à la scène, dû au fait qu’elle récupère la pluie d’or dans son tissu bleu. La couleur n’est pas choisie par hasard chez Artemisia Gentileschi, car le bleu signifie plusieurs choses car le tissu bleu est tenu par la servante et non Danae. Cela crée une distance physique et symbolique entre Danae et la pluie d’or. La servante avec ce tissu devient un intermédiaire, le contact de Danae et la pluie d’or est atténué et détourné. Nous sommes non pas dans une scène de désir assumé mais au contraire une intrusion atténuée. La couleur du bleu en tant que telle dans la peinture occidentale est souvent associée à la retenue, à la fidélité et à la protection. Ici, le bleu représente le contrepoids au nu avec le corps de Danae qui est exposé et ce bleu qui encadre de façon “morale”. Mais le fait que le bleu soit tenu par la servante montre un rôle protecteur face à cette intrusion de Zeus. Le bleu permet de refuser la lecture érotique de la scène. Il est forcément impossible de passer à côté d’une interprétation religieuse de ce tableau, qui rappelle évidemment le bleu marial. Un bleu qui est la couleur traditionnellement associée à la Vierge Marie, représentant la pureté et la passivité imposée. Artemisia Gentileschi crée alors un parallèle troublant avec Danae qui est fécondée par un dieu comme Marie avec Dieu, elles sont toutes deux choisies sans choix. Le bleu rapproche la scène mythologique à un imaginaire chrétien, qui permet d’accentuer le malaise de la scène.

La lecture féministe de Danae

Le fait que ça soit une femme qui porte le bleu montre une interprétation possible ( très possible ) du tableau de Danae. Le fait que ça soit la servante qui gère l’or montre une reprise du contrôle féminin sur la situation. La servante est loin d’être passive, elle agit et détourne Zeus de Danae comme elle le peut. Artemisia Gentileschi redonne une agence aux femmes même dans une scène dominée par un homme. Il est évidemment impossible de dissocier la vie d’Artemisia avec ce tableau, elle a subi une agression sexuelle mêlant non-consentement et violence, qu’elle retranscrit dans la scène de Danae. Sa réinterprétation du mythe interroge la violence masculine et la vision portée sur la scène. Danae n’est pas montrée comme une tentatrice, car elle subit une intrusion de Zeus qui n’est pas montré comme un amant, mais comme une force abstraite. La pluie d’or est ici représentation de la domination ( masculine ). Artemisia Gentileschi peint un corps réaliste loin des critères de beauté idéalisés. Le nu est ici non pas un objet de désir, mais un corps traversé par une expérience imposée.

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L’importance du regard féminin VS masculin

Contrairement à la Danae de Klimt, Artemisia Gentileschi montre une Danae qui subit la venue de Zeus, alors que Klimt montre une Danae qui jouit pleinement de l’union. Comme nous l’avons vu, le bleu dans le tableau de Gentileschi crée une mise à distance, tandis que cette couleur disparaît totalement dans la Danae de Klimt. Cette dernière est complètement envahie d’or, Zeus n’est donc plus à distance, il enveloppe Danae. L’or ne représente plus seulement Zeus mais prend une dimension sensuelle qui est assumée. L’or n’est plus symbole de domination comme nous l’avons vu chez Gentileschi, mais fusionne avec le corps féminin. Klimt met avant une Danae absorbée par les sensations avec un plaisir assumé, montrant un consentement face à l’intrusion de la situation. Le tableau devient une fantaisie érotique, pensée pour le regard. Alors que Gentileschi montre une Danae qui ne regarde pas le spectateur, avec un visage fermé montrant un plaisir ambiguë qui questionne sur le consentement de la femme face à l’intrusion du dieu. Zeus est montré comme une force abstraite, symbole de violence et de domination, tandis que Klimt le rend désirable. Ce dernier donne à la scène une allégorie du désir féminin, alors que Gentileschi combat avec ce tableau pour interroger le consentement imposé et l’appropriation du corps féminin d’un monde masculin.

Pour conclure

Avec Danae, Artemisia Gentileschi ne peint pas un mythe érotique : elle peint une expérience féminine sous contrainte. Son usage du clair-obscur, la distance instaurée par le tissu bleu, l’absence de regard adressé au spectateur transforment la scène mythologique en réflexion sur le pouvoir, l’intrusion et le consentement. Danae n’est pas offerte : elle est traversée par un acte qui la dépasse. Le corps féminin n’est pas un fantasme, mais un lieu de tension. Face à elle, la Danae de Klimt semble presque répondre un siècle plus tard par l’exact opposé : l’or envahit tout, le corps jouit, se replie sur lui-même dans une extase assumée. Là où Gentileschi montre ce qui arrive à une femme, Klimt montre ce qu’une femme ressent, ou plutôt, ce que l’on projette sur son plaisir. Car si Klimt célèbre le désir féminin, il le fait encore à travers un regard masculin, stylisé, décoratif, esthétisé. Entre ces deux œuvres, on pourrait croire à une évolution majeure : d’un corps contraint à un corps jouissant. Pourtant, cette progression reste largement illusoire. Car ce que ces tableaux révèlent surtout, c’est la permanence d’un regard qui parle sur les femmes, à propos de leur corps, rarement avec elles. Et c’est là que le lien avec aujourd’hui s’impose.

Et c’est précisément ce que révèle l’actualité récente. En 2025, lorsque Brigitte Macron insulte des femmes mobilisées pour les droits des femmes, les disqualifiant par une violence verbale : “sales connes”. L’événement ne relève pas simplement de la polémique ou de la maladresse, il met en lumière une fracture plus profonde : le pouvoir peut aussi être exercé contre les femmes par d’autres femmes, au nom de l’ordre, de la respectabilité ou de la hiérarchie sociale. Le problème n’est donc pas seulement qui parle, mais depuis quelle position de pouvoir, et contre quels corps. De Danae enfermée dans une tour, à Danae enfermée dans un fantasme doré, jusqu’aux femmes contemporaines discréditées lorsqu’elles protestent, la continuité est frappante : la parole féminine reste tolérée tant qu’elle ne dérange pas.

Artemisia Gentileschi l’avait déjà compris : représenter une femme, ce n’est pas montrer son corps, c’est révéler les mécanismes de domination qui s’exercent sur elle. Et tant que ces mécanismes traverseront aussi bien l’art que le discours politique et social, Danae ne sera pas une œuvre du passé, mais un miroir brutal de notre présent.

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Commençons par une analyse visuelles du tableau …

Nous avons en face de nous deux Frida qui se tiennent la main, assises sur un même banc montrant une proximité volontaire. À droite nous avons une Frida vêtue d’une robe traditionnelle mexicaine qui est le Tijuana, et à gauche une Frida dans une robe blanche occidentale. La différence est marquée par la tenue mais également sur les traits physiques, car la “Frida mexicaine” si on peut dire, a une moustache qui a disparu sur “l’occidentale”, qui quand à elle est beaucoup plus pâle que celle de droite. Ce qui est au cœur du tableau ( sans jeu de mots ) sont les cœurs représentés : la Frida de gauche à un cœur déchiré, avec une des veines qui entoure son coup et qui s’arrête de saigner grâce à un clip de chirurgien. Quand à la Frida de droite, son cœur est intact mais qui est lié à celui de gauche, sans savoir quel cœur alimente l’autre. La symétrie parfaite entre l’écoulement du sang et le médaillon tenu par la Frida de droite introduit un des sujets implicites bien que centraux du tableau : Diego Rivera ( son mari / ex-mari / l’homme de sa vie / celui qui lui a brisé le cœur… oui on peut être tout ça en même temps ). Nous avons en face de nous deux femmes en une seule, qui n’ont qu’elles pour se sauver et se consoler, pour survivre face à la douleur.

[ ici est représenté ] La Frida que Diego avait aimé mais également l’autre Frida que Diego n’aime plus.

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Passons à des analyses et réflexions plus poussées …

J’ai écouté un podcast sur France Culture sur ce tableau ( lien du podcast) et une des intervenantes était Anne-Laure Sacriste, elle est artiste et a avancé une idée que j’ai trouvé plus qu’intéressante : la vie ( et y compris Diego ) n’est qu’un sujet d’art pour Frida. On associe souvent les œuvres de Frida Kahlo à un récit ou une autobiographie ( malgré le fait que ça soit le cas ), mais le fait de se détacher de cette idée permet de voir autrement ces peintures. Cela peut être un féminisme sur-interprété, mais si on détachait l’histoire d’amour de Frida et Diego à l’image de Frida Kahlo, on peut se rendre compte et émettre l’hypothèse qu’elle tient à la vie simplement par pure inspiration. Cette idée peut se raccrocher à celle de Klossowki : “La vie comme tableau vivant”, c’est-à-dire que la vie n’est pas conceptualisée comme linéaire mais comme une succession de moments figés que nous performons. Une idée inspirée des tableaux vivants du XIXème siècle qui mettaient en scène des personnages sur une scène d’image célèbre. Klossowki considère que nous ne sommes pas des “moi” constants, mais nous sommes au contraire traversés par des impulsions, qui produisent des figurations. Ce que nous appelons “vivre” est pour lui une suite d’images incarnées. Klossowki met en scène les corps de ses personnages comme un théâtre et une opportunité de représentation. Chaque désir et rencontre devient une composition, le fait de vivre permet de mettre son corps en scène et de le transformer en tableau vivant. Avec cette idée, Klossowski réinterprète le concept de “retour éternel” de notre très cher Nietzsche, en un principe d’image qui revient. La vie n’avance pas en continu, au contraire elle rejoue des scènes intérieures. Le tableau vivant devient donc une figuration répétée des mêmes impulsions, permettant à chaque impulsion de créer un tableau qui est constamment remis en question avec “le retour éternel”. Les fameux tableaux vivants abolissent la frontière entre l’art et l’existence, ce qui nous ramène à notre amie Frida Kahlo et son tableau, car la vie ( et donc sa vie ) devient esthétique au sens fort et met en jeu les formes et les images. L’individu en suivant cette idée ne devient plus un être stable, mais une œuvre mouvante et une source d’inspiration constante. Ce n’est plus l’art qui imite la vie, mais bien la vie qui imite l’art.

Mais cette idée peut s’avérer vraie étant donné qu’elle peut découler d’une vérité qui est la solitude de Frida Khalo. Ayant subi un grave accident à l’adolescence, elle sera handicapé et subira son corps toute sa vie. Cette douleur la force à passer beaucoup de temps alité, mais encore une fois elle détourne sa douleur en création et se met à peindre. N’ayant qu’elle comme seule compagnie la plupart du temps, elle se dessine et peint à travers des auto-portrait, la solitude lui permet de devenir sa propre muse. Vous entendrez beaucoup de gens dire qu’ils sont “mal à l’aise” face aux oeuvres de Frida Khalo, pourquoi ? Tout simplement car elle offre sa douleur à autrui, elle le porte et l’assume faisant d’elle une maîtresse de la douleur telle une martyre. Dans Les deux Frida, il y a un jeu de regard presque accusateur, avec l’une qui a un regard plus doux que l’autre, qui est plus autoritaire. Cette autorité, je la voix plus comme une puissance et confiance, elle est maîtresse d’elle même. Frida Khalo dépasse sa propre image, aujourd'hui on la voit partout et sur tout, elle est devenue une icône au sens propre et en joue. Elle fait d’elle une figure martyre mais également hiératique ( les deux allant souvent ensemble ), notre tableau sous ce prisme se révèle presque comme un portrait de “double vierge en majesté”. Cette idée est intimement lié à sa solitude comme nous le montre le ciel de notre tableau Les deux Frida qui est vide, contranstant avec ses paysages de couleurs et remplis, ici le ciel représente le vide de sa vie et son ressentis. Il n’y a pas de révélation divine dans ce ciel, car Frida l’incarne elle même, elle constitue son propre personnage de déesse, elle est sa muse et sa voix. Je vous invite à regarder des photos de Frida Khalo, elle impressionne et est remarquable au sens premier du terme. Elle travaille son image et ainsi son immortalité. Je pense qu’elle avait conscience qu’elle se démarquait des autres et le fait qu’elle avait “ce truc en plus”, elle devient un mythe en son temps et perdure encore. Elle assume un style, un esthétisme, une vision, sa vérité. Son art est certes dans sa peinture, mais avant tout dans sa vie, elle est sa plus belle réussite.

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Frida Kahlo est une femme qui intrigue, on l’a vu, elle joue et travaille son image. Mais Frida est une femme complexe, vivant dans une dualité constante. Dans Les deux Frida, cette idée est flagrante et est un des thèmes centraux presque implicite. Ce que nous avons sous les yeux, si facile à voir, nous est plus complexe à penser ou analyser. Frida Kahlo est partagée entre ses racines mexicaines, mais est partagée avec le monde occidental qui peut lui ouvrir des opportunités pour sa carrière. De par son style traditionnelle assumé et volontaire, elle montre son soutien à son pays et à ses valeurs révolutionnaires. Elle a essayé tant bien que mal de s’intégrer dans un monde occidental mais comprend vite qu’elle ne peut avoir sa place, étant un monde superficiel et prétentieux. Les surréalistes sont pour elle un accomplissement, le prestige et la popularité du mouvement la poussent à produire d’avantage et à se dépasser pour y avoir une place. Repérée par Breton, elle comprend bien vite à son arrivée à Paris pour une exposition où elle sera exposée par les surréalistes, qu’ils sont superficiels. Car le talent que Breton avait vu en elle, lui est vite passé, ne l’accueillant même pas et ne lui consacrait que quelques tableaux dans cette exposition. Breton pourtant dira d’elle et de sa peinture qu’ils sont “un ruban autour d’une bombe”, une expression assez réductrice qu’elle n’appréciera pas. Elle prendra conscience que cette société d’intellectuels menée à cette époque par les Surréalistes est vide et pédante face aux autres, se voyant supérieure, créant eux-mêmes l’échelle. Les Surréalistes ne lui laisseront pas la place nécessaire, ainsi celle qu’elle voulait. La société occidentale ne veut pas d’elle étant trop “vraie”, car l’idéalisation et l’ “exotisme” fait sur le Mexique, n’est utile que de loin, mais une fois près n’en veulent plus ou essayent de le transformer en Occident, enlevant toute la beauté et l’essence du pays et de la culture. Frida Kahlo part sans se retourner, prête à être tournée à 100% vers son Mexique. La dualité chez Frida se retrouve également dans sa perception d’elle-même, elle trouve dans la solitude un dédoublement d’elle-même comme compagne, hypothèse que nous pouvons transférer sur notre tableau. Les deux Fridas représentent certes Frida, mais avec l’allégorie de sa propre compagnie. L’art de Frida Kahlo est vu comme rêve ou monde imaginaire, celui qu’elle veut connaître ou imaginé, mais elle a toujours clarifié le fait “qu’elle ne peint pas ses rêves mais sa réalité”. Une dualité se crée dans sa vie entre le monde qui l’entoure et le sien, peut-être que le secret de l’image de Frida qui fascine autant est avant tout une question de point de vue de la réalité et de la vie. Frida Kahlo nous permet de voir son monde, ou pour aller plus loin le monde que nous sommes incapables de voir. D’une certaine façon, nous sommes effectivement incapables de percevoir la réalité de Frida Kahlo, l’alitement lui permet une observation et un éveillement de la vie plus vraie et bien réelle, nous autres étant dans une vie d’habitude et non de découverte comme elle. Sa dualité est causée par sa solitude ainsi que sa réalité de façon consciente, mais elle subit également ce dédoublement imposé par un monde extérieur qui la divise entre la “femme de” et l’artiste. Il serait faux de croire que l’art de Frida et son amour pour Diego est dissociable, comme nous l’avons vu Diego est un sujet d’art pour elle et elle fait de son amour une inspiration constante. Mais devient-elle prisonnière de son amour au regard des autres ? Cette dualité est-elle volontaire ou adaptée ? Notre regard contemporain et anachronique nous permet d’avoir plus de recul et de voir la pression sur Frida Kahlo car c’est une femme qui impressionne et talentueuse, elle vit et survis par elle-même. La société patriarcale doit rattacher l’indépendance de Frida à une dépendance affective, lui permettant de dépendre d’un homme. Mais le détachement contemporain qui se fait de nos jours, montre Frida comme icône, transformant sa “dépendance” comme sujet d’art. Frida incarne la liberté, l’engagement, la souffrance exhibée et assumée, l’indépendance, le talent ainsi que la beauté ( physique et intellectuelle ) ; qu’elle met dans son art et dans sa plus grande œuvre Les deux Frida.

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J’ai donc réfléchi à la question et je me suis remise en question ( comme toute personne saine d’esprit qui veut avancer ), mais ne trouvant aucune réponse qui me convienne ( et qui lui convienne ), je me suis rangée sur l’idée que j’avais un problème à exprimer mes émotions et un manque de confiance en moi. La communication étant soi-disant la clé de toute bonne relation humaine, je me suis retrouvée en position d’obstacle à toute communication possible, fluide et stable avec cet homme. Mais plus on me disait que j’avais un problème avec les mots et plus j’avais du mal à m’exprimer et à légitimer mes mots.

Les mots ont un sens. Un mot est un mot.

Les mots ont un sens. Un mot est un mot.

Les mots ont un sens. Un mot est un mot.

Pourquoi avais-je un problème avec les mots ?

La capacité première à m’exprimer, et donc par conséquent vivre avec les autres, devenait un problème pour moi. Comment pouvais-je vivre si le simple fait de parler et d’être comprise par autrui était un “problème” ? J’ai fait du mieux que j’ai pu pour dire ce que je ressentais à cet homme, quitte à contrôler chacun de mes mots, mais cela m’épuisait et je dois avouer en mon fort intérieur que je n’y trouvais aucun sens à faire cela. Ce n’est que quelques années après que j’ai compris ce qui était sous mes yeux : le sens.

Sans sens tout est vide, et pourtant on me forçait à en trouver sur mes propres mots et pensées. Tout venait de là, d’une perception plus qu’importante, et je me retrouvais face à une vérité qui était la cause de plusieurs disputes ingérables et qui en réalité était générée par deux oppositions de “sens”. Pour lui “un mot est mot” avec un sens clair, alors que pour moi les mots sont vidés de sens. Le temps et la maturité m’ont amené à ce constat qui n’est pas facile à conscientiser et à faire comprendre légitimement, je ne regrette pas le processus de réflexion mais je dois avouer que cela m’aurait bien servi pendant une époque.

Nous ne voyons pas les choses mêmes ; nous nous bornons, le plus souvent, à lire des étiquettes collées sur elles. Cette tendance, issue du besoin, s’est encore accentuée sous l’influence du langage. Car les mots (à l’exception des noms propres) désignent des genres. Le mot, qui ne note de la chose que sa fonction la plus commune et son aspect banal, s’insinue entre elle et nous […].

Et ce ne sont pas seulement les objets extérieurs, ce sont aussi nos propres états d’âme qui se dérobent à nous dans ce qu’ils ont d’intime, de personnel, d’originalement vécu.

Quand nous éprouvons de l’amour ou de la haine, quand nous nous sentons joyeux ou tristes, est-ce bien notre sentiment lui-même qui arrive à notre conscience avec les mille nuances fugitives et les mille résonances profondes qui en font quelque chose d’absolument nôtre ? Nous serions alors tous romanciers, tous poètes, tous musiciens.

Mais, le plus souvent, nous n’apercevons de notre état d’âme que son déploiement extérieur. Nous ne saisissons de nos sentiments que leur aspect impersonnel, celui que le langage a pu noter une fois pour toutes parce qu’il est à peu près le même dans les mêmes conditions, pour tous les hommes.

Le rire, Bergson

J’ai utilisé un extrait de mon très cher Bergson ( philosophe passionnant du XIXème siècle ) pour avancer l’idée du vide des mots. Ce vide est créé par la simplicité qui a été créée autour du mot pour véhiculer une idée. Le mot devient utile et non représentation, on pourrait penser que le mot représente l’idée que je veux avancer, mais en réalité il a été décousu et extrait d’une idée pour le simplifier et le rendre compréhensible aux yeux des autres. Le mot devient donc impersonnel et utile à autrui et non plus à soi, chose que j’ai très vite comprise au côté de cet homme sans m’en rendre compte : je ne parlais pas pour moi, mais pour lui. Quel intérêt de parler quand ce que je ressens est impossible à expliquer, je ne prétends pas que mes pensées et réflexions soient tellement intellectuelles qu’elles sont impossibles à faire comprendre à autrui ( je n’aurais pas cette prétention ), mais c’est dans la conception même de l’idée du mot que je ne peux exprimer, avec des mots appauvris et banals, pour une pensée qui ne m’est pas banale au contraire. Si je veux exprimer ma tristesse, je préfère me contenter d’un “tu m’as rendu triste” plutôt que de m’exprimer d’avantage, car ce que je ressens au plus profond de moi est impossible à percevoir et à comprendre. De là, face à l’autre qui veut en savoir davantage, je dois combler une envie alors que je suis moi-même en train de traverser un besoin qui ne peut être assouvi, l’autre se met en position de victime alors que je suis moi-même inconnu de mes pensées. Qui devient la vraie victime ? De là vient le choix d’être égoïste ou non, d’essayer ou non, de faire comprendre à l’autre une pensée: reprenons notre exemple et partons du principe que je lui explique “que la situation de dispute et de tensions me rend triste et me rend dans l’incapacité de réagir, me rendant triste”. Mais ici on se confronte, malgré un effort d’appauvrissement de mots volontaire, à une opposition qui continue d’accroître, car l’autre va voir un sens différent du “tu m’as rendu triste”. Je me retrouve à devoir expliquer cette différence en lui expliquant que c’est approximativement l’idée derrière la première, qui permet de mieux comprendre la première. Mais ce qui est reproché est le changement de sens, sans prendre conscience du sens lui même de la tentative d’expression. En plus des “mots” qui appauvrissent l’essence même des pensées, l’autre lui même dans sa réaction en réponse à une envie égoïste va appauvrir le sens des mots, en les rendant soit illégitime soit incompris à ses yeux. Et donc on en revient au fameux et terrifiant “un mot est un mot”. Est-ce ma réponse qui ne lui plaît pas et qui ne l’arrange pas, ou est-ce une incompréhension de nos âmes face à nos pensées ?

Le fait de forcer une personne à exprimer ce qu’elle ressent, est un acte égoïste dans le fait même de vouloir remplir un désir personnel de compréhension en enlevant l’essence même de la pensée propre à la personne. Et je trouve que la communication est un compromis et un sacrifice dans une relation ( qui est certes utile pour le bon fonctionnement de certaines relations ), qu’il ne faut pas oublier. Vous remarquerez que beaucoup demandent une certaine communication mais n’est pas prêt à la recevoir, ils y voient uniquement des avantages qu’ils peuvent y gagner, au fait de calquer une idée directrice dans la conversation. Sans prendre en compte l’autre, la communication peut être vue comme égoïste servant à remplir un désir personnel.

On sous-estime beaucoup le silence dans notre société, alors que plus je grandis et plus je l’utilise et suis à l’aise avec. Il réside dans le silence quelque chose de beau et de beaucoup plus puissant que les mots. Les mots touchent le cœur tandis que le silence touche l’âme, il y a quelque chose de physique qui se crée quand un silence s’installe. On le voit comme le sens du vide, mais beaucoup plus de choses se passent dans le silence que dans une conversation, et celles-ci sont plus que l’on peut se l’imaginer. Le silence tend à l’observation et donc à prendre conscience de l’existence de l’autre, ce que le langage peut supprimer à certains moments. Une proche à moi a théorisé le fait que chaque individu traversait trois phases : “le fait d’entendre, le fait de parler puis d’écouter et d’expliquer”. Le degré à son importance car la dernière étape amène à une prise de conscience de l’autre et à une reconnaissance qui permet une profondeur dans l’idée. J’aime le silence pour ce qu’elle dit des gens, le silence entre deux personnes peut être beau comme terrifiant. Outre le fait que je vois les mots comme vidé de leur sens, il n’en est pas de même pour le silence. Ce dernier permet une connexion et une conversation d’âmes. Peut-être que j’idéalise une communication nourrie par le silence que la littérature a pu m’apprendre avec deux êtres qui se comprennent en un seul regard ou dans l’existence même de l’autre ( je suis matricé par ma lecture des Hauts de Hurlevent d’Emily Brontë ). Mais j’en suis tout de même venu à la conclusion que je serais à l’avenir, plus épanoui avec un homme qui accepte mon silence et le comprend, me permettant le temps et l’espace nécessaire pour utiliser les mots au plus proche de ma pensée et non dans l’utilité égoïste d’autrui.

Vivre sa vie suit la vie de Nana dans une mise en scène de 12 tableaux, telle une pièce de théâtre. Cette Nana rêve jusqu’à la fin de devenir actrice, mais le seul rôle qu’elle incarnera est la sienne dans sa propre vie à travers le film de Godard ( une mise en abîme complexe et un peu rocambolesque ). Les spectateurs sont témoins d’un rêve qu’elle n’atteindra jamais.

Nana prend le contrôle de sa vie à travers la prostitution. Cette idée de renversement de possession de son propre corps - représentant également sa vie de façon générale - ne tient qu’un temps, car elle est vite rattrapée par la société patriarcale et les stratagèmes de la domination masculine sur la femme. Nana se retrouve à appartenir à une société et à un réseau, alors qu’elle cherchait une indépendance financière et morale.

Le tableau qui m’a le plus touché est “Nana fait de la philosophie sans le savoir”. Elle rencontre un homme dans un café et se mettent à parler de sujets métaphysiques. C’est la première fois que Nana a une interaction constructive avec un homme, la poussant au delà de ses limites de pensée. C’est à mon sens un moment déclencheur dans la vie de Nana, car après ce tableau et cette rencontre elle va avoir pour ambition de quitter la vie qu’elle s’est faite et la reconstruire par amour ( pour homme et pour la vie ).

Durant leur échange métaphysique, ils se questionnent sur l’importance des mots et du langage.

Et pourquoi est-ce qu’il faut toujours parler. Moi je trouve que très souvent on devrait se taire, vivre en silence… Plus on parle, plus mots ne veulent plus rien dire… .

Outre le fait que cette réflexion m’a fait penser à la grève de la parole de Damso ( voir la vidéo sinon je vais partir loin dans mon analyse ), elle analyse le fait que les mots se vident de leur sens une fois prononcé. Elle se confesse sur le fait de penser sa parole, mais être incapable de la parler. C’est une chose que je ressens également, les paroles ne sont qu’une empreinte de notre pensée effaçant l’essence même de nos idées ( déjà que les mots sont des limites à part entière ). Il met parfois plus simple de garder les pensées pour moi, car ils me sont plus compréhensibles dans ma tête ( vient alors le sujet de la perception de l’autre et de notre rapport face à celui-ci ), embrouillé sans vouloir les démêler. Car le fait de les parler permet d’enlever les nœuds - si réconfortant pour nous - et donc permet au monde extérieur de percevoir l’idée de notre pensée. Certaines choses sont parfois plus simples quand elles sont incompréhensibles pour les autres.

Une conversation sur l’amour est mise sur la table lors de cette conversation, un moment qui je dois l’admettre à comblé la philosophe névrosée qui est en moi. Nana questionne la relation et la vérité :

L’amour ne devrait-il pas être la seule vérité ?

Ce à quoi lui répond son compagnon de pensée :

Connaissez-vous quelqu’un qui sait immédiatement ce qu’il aime ?

Pour lui, nous prenons conscience de ce que nous aimons avec le temps et la maturité. Sur l’instant présent nous ne savons que des “morceaux” de cet amour nourrit par “des choix arbitraires”. Il considère que l’affirmation d’aimer dans le présent est “une affaire impure”. Nous n’aimons donc réellement que dans le passé, où nous avons le recul nécessaire pour affirmer le fait d’aimer. Ce fait demande donc de la recherche et des questionnements sur nos propres sentiments et ressentis. L’amour ne peut donc être vrai que dans le passé ? Nous serions donc dans l’incapacité d’en profiter pleinement sur le moment présent. Nous aimons de façon nostalgique, regardant vers le passé pour aimer et vers le futur pour vivre.

L’amour, serait-il incompatible avec le fait de vivre pleinement ?