El mes pasado viajé por primera vez a GenCon, el festival de juegos de mesa más grande de Estados Unidos. Es una convención que también reúne aficionados de otros hobbies como los juegos de cartas y los juegos de rol, e incluso también había un espacio para la literatura de fantasía y de ciencia ficción. A mí, que me gustan todas esas cosas y que me han gustado desde que tenía quince años, sentía que algún día tenía que ir y aproveché este año en que uno de nuestros socios en Leap nos invitó para finalmente asistir. Mi objetivo principal, además de descansar del día a día que a veces no nos deja pensar en otras cosas, era explorar y entender cómo funcionaban estas industrias y qué podía aprender para los videojuegos que solemos hacer.

♟️Lo analógico no pasará de moda

Casi no vi pantallas con videojuegos durante los días de la convención. Principalmente vi a gente sentada jugando juegos de mesa o juegos de cartas. Y todos la estaban pasando muy bien. En estos tiempos en que todos estamos hiperconectados quizás regresar a lo analógico es lo que nos hace volver a pisar tierra. Esa desconexión cada vez cobra más valor porque es difícil hacerlo durante el día y quizás por eso los juegos analógicos han cobrado tanta atención.

Al menos eso me está pasando a mí desde hace varios meses. Casi no juego videojuegos, salvo aquellos que reviso para los trabajos que hago relacionados a ellos. Y no es porque no tenga tiempo, sino que prefiero dedicarle ese espacio de ocio a jugar frente a otra persona algún juego analógico. Unos días juego Star Wars: Unlimited (el juego de cartas de Star Wars), otros días juego Magic y otros días juego algún juego de mesa con amigos o con mi esposa. Me gustaría jugar rol más seguido pero es difícil encontrar un grupo activo. Siento también que muchas de las ideas más originales y creativas no están naciendo en la industria del videojuego, sino en los juegos de mesa o en los juegos de rol.

🦥Ir en contra de la corriente

Una de las cosas que más quería hacer en este evento era conocer a Cole Wherle. Él es el diseñador de juegos de mesa como Root, Arcs y Oath que han sido bastante populares en los últimos años pero también es el creador de juegos como Pax Pamir o John Company que son juegos históricos bastante específicos con lo que quieren retratar. Recientemente, junto con su hermano y otros socios, fundaron Buried Giant Games, una compañía que se encargará de publicar sus juegos actuales y futuros. Fui a la sala que tenían en el centro de convenciones y estuve en una demostración que hizo de su próximo lanzamiento, la reedición del juego An Infamous Traffic, acerca de las guerras del Opio de inicios del siglo XX.

Pax Pamir (2nd Edition)

Pero más allá de conocer sus planes y lanzamientos futuros, quería saber por qué había fundado un estudio que se quería enfocar en hacer juegos lentamente y con sus seguidores más leales, en vez de buscar lo que otros suelen hacer: sacar juegos rápidos y de géneros que tengan más posibilidades en el mercado. Me dijo que ha sido una apuesta muy arriesgada pero que él y sus socios creen que es lo único que tiene sentido en estos tiempos de muy dura competencia en donde las tendencias y el comportamiento del mercado cambian tan rápido. Ellos hacen sus juegos con la comunidad y luego ellos son sus principales embajadores.

🤪Por qué hacemos esto

Además de conocer las novedades y de comprar varios muchos juegos (y cartas), asistí a algunas charlas. La que más me llamó la atención fue la charla que tuvieron R. A. Salvatore y Tracy Hickman. Ambos son escritores de fantasía que han sido muy importantes para el género y que han creado personajes entrañables para todos los que alguna vez hemos jugado Dungeons and Dragons o leído alguna novela relacionada al juego de rol. Crecí leyendo sus novelas y aprendiendo de las aventuras de Drizzt, el elfo oscuro y de los hermanos Caramon y Raistlin Majere. Verlos sentados, hablando con tanta pasión sobre su oficio y cómo siguen haciéndolo hasta hoy me hizo pensar que eso es lo que nos permite seguir y enfrentar nuevos retos.

La industria de los juegos de mesa y de los juegos de rol no es más grande que la industria de los videojuegos. Empieza también a tener algunos de sus mismos problemas: consolidación del mercado por parte de unas pocas empresas y un aumento de la competencia. Pero sí vi en esta conferencia más ánimo y más sana locura en los ojos de sus creadores que lo que vi, al menos, en la última conferencia de videojuegos a la que asistí. Quizás una de las claves para salir del mal momento en el que estamos sea voltear la cabeza y ver qué es lo que están haciendo los creadores de juegos de mesa y de juegos de rol. Al menos yo, luego del viaje, regresé a intentar escribir por enésima vez esa novela de fantasía que siempre he querido escribir y a trabajar en un nuevo juego de rol que ya está por terminar el proceso de diagramación.

💭Recomendaciones

• Todos los juegos diseñados por Cole Wherle merecen atención pero ayer juegué Pax Pamir (2nd Edition) y fue una excelente experiencia. El juego se sitúa durante “El gran juego”, la rivalidad que tuvieron el imperio ruso y británico a través del control de Afganistán durante el siglo XIX. Es un juego complejo de aprender pero es muy satisfactoria cuando le agarras el hilo.

• Star Wars: the Deckbuilding Game es un excelente juego de construcción de mazos. Acaba de salir la expansión (la compré en GenCon) y las mecánicas originales que añade al género funcionan muy bien, además de estar ambientado en el universo de Star Wars.

  

Desde hace varios meses vengo conversando con Mateo y Gabriel Alayza (los Hermanos Magia) sobre qué podemos hacer para ayudar a aquellos jóvenes talentosos que quieren entrar a la industria de videojuegos pero no saben cómo hacerlo o no encuentran las oportunidades. Tras esas charlas, lo que decidimos hacer, ya con el apoyo de Alessandra Camacho como program manager, fue organizar Telar, un taller para descubrir, formar y conectar a la nueva generación de líderes de una industria que aún sigue en formación pero que sigue teniendo el mismo potencial que me sedujo a entrar a ella inicialmente.

🧶¿Qué es Telar?

La idea detrás de Telar es simple: los más talentosos en sus respectivas áreas y que les gustaría hacer videojuegos no los están haciendo (o si lo hacen lo hacen por privilegio o por sacrificio). Y no lo hacen por varias razones. No existen oportunidades o vacantes abiertas en estudios locales. No conocen o no tienen los contactos para intentar hacer algo con estudios del extranjero. Les falta adquirir experiencia o conocimientos específicos. No tienen una guía clara de qué camino seguir en sus respectivas especialidades. Tienen opciones más seguras profesionalmente en otras industrias. En gran parte esto sucede porque en Perú la industria no está tan consolidada y no tenemos a muchas personas con muchos años de experiencia que puedan formar a las nuevas generaciones en los estudios locales, a diferencia de lo que sí sucede en Estados Unidos o en los países de Europa Occidental.

En ese contexto, la apuesta con Telar es crear un espacio presencial que albergue a los mejores estudiantes y recién graduados de distintas disciplinas y darles las conexiones locales e internacionales que les ayuden a acelerar su crecimiento, a la par de ofrecerles capacitaciones específicas y de acuerdo a sus especialidades para que destaquen a la hora de postular a un empleo o para que lo utilicen en los juegos que podrían desarrollar de forma independiente. Pero, probablemente, lo más útil será conectarlos entre ellos mismos para que ahora o en el futuro creen juegos o estudios juntos.

🚩Juegos alrededor de un tema social

La otra cara de Telar es la discusión sobre un tema social. Para esta primera edición el tema elegido es Democracia en tensión. Elegimos el tema por vivir un año electoral en Perú en 2026 y por ser un tema vigente y relevante en todo el mundo. Nos hemos aliado con Transparencia, una asociación civil sin fines de lucro que supervisa el proceso electoral en Perú y que nos garantiza diversidad y pluralidad en las voces que estarán presentes como charlistas o expositores.

Con el conocimiento y experiencia que se obtendrá en la primera parte del taller enfocada a democracia, los participantes realizarán juegos en grupos bajo la supervisión de un productor con experiencia en la industria, mientras reciben clases y talleres específicos a su especialidad. El objetivo para estos proyectos es que se use el medio interactivo para decir algo sobre el tema en cuestión.

🗣️Buscamos nuevas voces en todo el Perú

La convocatoria para Telar es en todo el Perú y no hay coste para los participantes. Si existen participantes que necesiten de apoyo económico para estar en Lima esas semanas estamos hablando con donantes que ayuden con becas para esos casos. No queremos que el dinero sea un limitante para participar de esta experiencia. Creemos que el centralismo que existe en la industria local es también parte del problema de su sostenibilidad.

Estos son algunos apuntes sobre por qué creamos Telar, y por qué creo que deberías postular si estás escuchando o leyendo esto y eres parte del grupo de la convocatoria (estudiantes de últimos ciclos y recién graduados). Este viernes 9 de enero tendremos un webinar donde contestaremos preguntas al respecto y las inscripciones están abiertas hasta el 18 de enero en telarworkshop.com.

💭Recomendaciones

• Terminé el año leyendo el libro Viendo tu vida derrumbarse desde un lugar seguro, del escritor peruano Gianni Biffi. Lo mejor que he leído de literatura peruana en mucho tiempo. Es una colección de cuentos graciosa e ingeniosa.

  

• Descubrí la música de Olivia Dean y llevo escuchando sus canciones en loop desde hace unos días en Spotify.

• El documental sobre los 100 años de The New Yorker es imperdible. Está en Netflix y es una ventana hacia lo que puede ser la obsesión por la perfección y cómo esta revista puede mantenerla sin caer en la quiebra ni en el desquicio.

Soy un mal fotógrafo.

La semana pasada viajé a Buenos Aires para asistir a la EVA 2025. Fue un viaje semi improvisado porque me animé unos días antes luego de conversar con un desarrollador argentino y pedirle al publisher para el que trabajo como scout si quería costearme el viaje. En un par de días tenía el viaje organizado y comencé a agendar reuniones. En total tuve más de veinte, entre estudios que me pitchearon sus proyectos y otras en las que conversé con publishers para mostrarles algunos prototipos y hacer un update.

Pero más allá de las reuniones de negocio, el viaje me sirvió para actualizarme con la escena argentina, volver a ver a amigos que no veía desde años y entender qué están haciendo los estudios para resistir los malos momentos por los que pasa hoy la industria de desarrollo de videojuegos.

📐Los (nuevos) desarrolladores indie en Argentina

Me encanta Buenos Aires. Es quizás mi ciudad preferida en Latinoamérica luego de Lima (y Lima le gana solo por la comida). Y durante los días del evento pude recorrer algunos de sus barrios visitando algunos estudios y juntándome con algunos equipos. Hace nueve años escribí una crónica sobre el nacimiento de la industria argentina para Polygon, y este viaje me sirvió para hacer una comparación. Por ejemplo, de los personajes de aquella crónica, Daniel Benmergui continuó desarrollando juegos y su más reciente título, Storyteller, es un éxito en descargas y en críticas. Javier Otaegui creó un nuevo estudio junto a dos socios y ese fin de semana asistí a la fiesta por el lanzamiento de uno de sus juegos, Kentum. Andrés Chilkowski siguió liderando Nimble Giant, que tras ser adquirido por Embracer y luego por Saber, pasó a ser Saber Latam, como lo anunció Andrés al lado de las cabezas del estudio durante la fiesta de cierre de la EVA.

Kentum (Tlon Industries)

Además de ellos, la escena ha seguido desarrollándose. En la exposición de juegos del evento vi más de ochenta proyectos y la mayoría eran argentinos. Cada vez que conversaba con un desarrollador me contaba lo que hacía con mucha pasión. Press Over, un medio y podcast local enfocado en la industria latinoamericana, ha hecho un gran trabajo exponiendo muchos de estos juegos y dándoles tribuna. Los organizadores de AccionDev realizan game jams y eventos con temáticas sociales para que cualquiera pueda participar. El ADVA (Asociación de Desarrolladores de Videojuegos Argentinos) sigue organizando a las empresas argentinas y atrayendo interés internacional. Las universidades e institutos han aumentado y nutren a los estudios locales y fomentan el emprendimiento de sus alumnos. Fue un grupo de recién graduados que luego de formar un estudio y lanzar un juego me mostraron el título que más me llamó la atención en el evento. En resumen, la escena argentina sigue vibrando a pesar de las adversidades.

🦙Hablar desde lo que conocemos

Los juegos argentinos hoy tocan temas argentinos. Si bien las temáticas fantásticas o de ciencia ficción siempre estarán presentes, hoy existen juegos que hablan sobre una línea de bus en Buenos Aires, un desastre natural en Bahía Blanca o la dictadura militar. Estos temas están muy presentes en juegos de otras regiones y en Latinoamérica cada vez están cobrando más espacio. Eso, sumado con el crecimiento del expertise de los desarrolladores y un mejor conocimiento del mercado, hace que estos proyectos puedan salir al mercado y encontrar una audiencia.

Quizás este sea un camino para la región. Diferenciarnos por lo que conocemos y vivimos y atraer miradas e inversión usando la curiosidad y el apoyo de aquellos que ya pasaron por esto y quieren compartir su experiencia y sus redes de contactos.

Este viaje me ayudó a reconectar con la industria de Latinoamérica, a hacerme más preguntas pero también para mantener la confianza de que al final todo va a estar bien.

💭Recomendaciones

• Durante el viaje aproveché para visitar algunas librerías en Buenos Aires y ya empecé a leer algunos libros. Recomiendo sobre todo Archipiélago, de Mariana Enríquez, una selección de apuntes sobre la lectura y sobre su relación con ella.

• He empezado a jugar el juego de rol Daggerheart, creado por el equipo detrás de Critical Role. Ya creamos los personajes y esta semana empezaremos con la aventura.

• El documental sobre la vida de Juan Gabriel me ha enganchado. Es a partir del archivo de cientos de videos y fotografías que el cantante grabó mientras estaba con vida. Está en Netflix.

I’d been toying with the idea of making a game about the Nazca lines ever since I read the news that hundreds of new figures had been discovered with the help of AI. The sheer mystery of these ancient geoglyphs — massive shapes carved into the desert, visible only from above — felt like the perfect seed for a small, creative TTRPG.

I’ve never actually seen the lines in person. To do that, I’d need to hop into one of those tiny planes that buzz over the Ica desert, south of Lima, which is… let’s just say, not my usual weekend plan. So, in a way, designing this game was my way of getting closer to them — to imagine not just what they look like, but what it might have meant to make them, and the myths they could hold.

This became my entry for the One Page RPG Jam, a fun excuse to distill all those ideas into a single sheet of paper where rules, theme, and imagination live side by side.

🖋️Making a drawing game

Ever since I played The Quiet Year by Avery Alder, I’ve been fascinated by games that ask players to draw. There’s something magical about watching a world take shape under your pen — it pulls you into the fiction in a way that words alone can’t. And it doesn’t matter if you’re a great artist or can barely doodle a stick figure; the act itself is the point.

So when I started thinking about the main mechanic for a game inspired by the Nazca lines, drawing was the obvious choice. The challenge was figuring out how to give that drawing a structure without crushing the creativity.

I landed on two guiding ideas: first, the drawings had to echo the style of the Nazca lines; second, they had to reflect the wonder, beliefs, and concerns of the small community the players embodied. Whether you play alone or with a group, each card you draw gives you a spark — a prompt about your community — and your task is to turn that spark into a single, unbroken line on the page. A symbol. A metaphor. A mark that says, we were here.

In a group, these moments become conversation starters. Players might debate the meaning of a symbol, or argue about how it should be shaped — just as I imagine the Nazca people might have done two millennia ago, standing in the desert and sketching lines that would outlast them. By the end, you’re left with four distinct drawings that, taken together, tell the story of one people from four different perspectives.

🐛Say no to scope creep

An issue I ran into with the first TTRPG I made last year — also for the One Page RPG Jam — was that I tried to fit too much information into the design. Packing it all into a two-sided page was a real struggle. For this game, I wanted to keep things more focused, which also meant leaving more space for the beautiful cover Karoline was going to create.

I concentrated on building an intuitive, compelling game loop, with the dynamics centered on the discussions players would have around the table. The prompts were also more open-ended and straightforward compared to my previous game. I liked the result, and I might keep this design choice for future projects.

Another insight came after I finished the game, when I read an article on Exeunt Press about the lessons learned from Ghost Beacon, another One Page RPG Jam entry. The author mentioned that sometimes certain ideas just don’t fit in the game you’re making — and that’s okay. You can save them for an expanded version later, or park them somewhere and reuse them in a completely different project. I’ve applied this approach to fiction writing before, but now I’m planning to use it more deliberately in my game design as well.

👀Looking Back, Looking Ahead

Designing this Nazca-inspired game wasn’t just about creating something for the One Page RPG Jam — it was about finding a way to get closer to a piece of history I’ve never seen in person, and turning that curiosity into something players could share. Along the way, I came away with three main lessons:

1. Make something you can relate to — or want to relate to. The more personal the connection, the more the game has a heartbeat.

2. Keep the scope small. A tighter focus gives you room to breathe — and in my case, room for Karoline’s gorgeous layout and art.

3. Leave space to grow. Sometimes, ideas don’t fit the current project. That’s fine — they can seed something bigger later.

With this game, I feel like I’ve proven to myself that a small, contained design can still carry a lot of heart. For my next project, I want to take that energy and scale it up into a larger TTRPG — something with more space to explore mechanics, story arcs, and the worlds players can build together.

If you’d like to see what came out of all this — and maybe create your own set of mysterious desert lines — you can check out the game here.

No tomé ninguna buena foto este año, esta foto es de la página de GDC.

Regresé de San Francisco hace algunos días y tras leer varios posts en LinkedIn sobre cómo algunas personas vieron el evento, y en general, sobre cómo perciben el estado actual de la industria de videojuegos, comencé a pensar también sobre ambos temas. La industria ha cambiado y el modo en que pensamos la producción de videojuegos desde Latinoamérica también debería hacerlo. Por eso me gustaría compartir algunas ideas aún en desarrollo pero que podrían servir para iniciar la conversación.

📍La auto publicación ya no debe ser solo el plan B

LAN Party Adventures, el nuevo juego que estamos auto publicando en Leap (por favor agréguenlo a su lista de wishlists).

Hasta ahora, el modelo que seguíamos solía ser: hacemos un prototipo atractivo y buscábamos financiarlo a través de un publisher. En caso eso no sucedía, seguíamos trabajando en él mientras continuábamos la búsqueda con un menor presupuesto. Si no lo encontrábamos optábamos por auto publicarlo o cancelarlo. Creo que hoy las posibilidades de encontrar un publisher, sobre todo en etapas iniciales, son menores debido a la gran cantidad de proyectos que buscan lo mismo y a que, al menos por los siguientes dos años, los publishers serán más cautos con los proyectos que financiarán (lo cual me parece que es lo correcto porque siento que muchos proyectos financiados en 2020-2022 no debieron serlo). Por eso, la auto publicación podría considerarse como una primera opción desde etapas iniciales.

Esto trae algunos retos: el equipo debe agregar a su flujo las actividades de publicidad, relaciones públicas, QA y localización, además de un mayor trabajo administrativo y legal. Sin embargo, también trae recompensas: un mayor revenue share y más control sobre el proyecto. Al mismo tiempo, mantiene abiertas algunas puertas como buscar publishers regionales ahora que es más común trabajar con partners específicos para algunos países. Pero la principal pregunta entonces pasa a ser de dónde se puede conseguir el presupuesto del proyecto.

💸El financiamiento de proyectos puede venir de fuentes fuera del mundo del videojuego (y no me refiero a VCs)

Los proyectos de videojuegos son riesgosos, no siempre se recupera la inversión y muchas veces se extienden fuera del tiempo planeado. Por eso, es difícil conseguir dinero con una buena tasa de interés de los bancos u otros medios tradicionales de deuda. Los publishers y los fondos enfocados en videojuegos llenaban ese vacío. Pero si optamos por auto publicar debemos encontrar otras fuentes de financiamiento.

Además de los fondos del estado, que varían dependiendo de cada país, y que al mismo tiempo son muy competitivos y cambian constantemente, una opción viable es recurrir a inversionistas ángeles o fondos locales. Ellos suelen invertir en proyectos más riesgosos y que toman más tiempo como en startups u otros vehículos financieros. Las startups suelen ser apuestas a largo plazo (diez años o más) y se espera tener un rendimiento alto (diez veces o más de lo invertido) y los otros vehículos de inversión como lo del sector inmobiliario o financiero tienen tiempos más cortos (uno o dos años) con un retorno de 10 a 20 por ciento al año. Teniendo en mente eso, creo que los proyectos de videojuegos pueden crearse para ser atractivos a este sector, pensando en que puedan entregar un retorno en 2 a 3 años superior al 20 por ciento, incluso en el estado actual de la industria. El reto está en elaborar correctamente el proyecto y en explicar los riesgos y oportunidades a los inversionistas interesados.

🤖Las plataformas de User Generated Content (UGC) son una alternativa viable para los estudios

No conversé lo suficiente sobre este tema en GDC pero sí he leído varios análisis al respecto. En resumen, plataformas como Roblox y Fortnite se ha convertido en espacios donde desarrolladores de todo tamaño pueden crear juegos con los assets que estas plataformas ofrecen. Esta semana, por ejemplo, Fortnite agregó elementos del mundo de The Walking Dead para crear islas con ellos. Lo mismo pasó con las Tortuninjas hace un tiempo.

El modelo de monetización ha ido cambiando. En Fortnite ahora los estudios ganan dinero a partir de la cantidad de tiempo que los usuarios pasan en sus islas. En Roblox existe una moneda virtual y un porcentaje de las compras en los juegos va para los desarrolladores. En ambos casos, también se pueden crear videojuegos para empresas que quieran tener sus marcas en estas plataformas.

Havoc Hotel, de Teravision Games.

Un buen ejemplo de una franquicia exitosa en Fortnite es Havoc Hotel, un roguelike que ya tiene tres entregas y que fue desarrollado por el estudio colombiano Teravision Games, que antes había desarrollado juegos premium para Steam.

🦙Latinoamérica está mejor posicionada que otras regiones en el contexto actual

Hoy más estudios que antes se dedicaban únicamente a crear videojuegos originales están ofreciendo servicios. En el caso de los estudios latinoamericanos (y del sudeste asiático y de Europa oriental) esto ya era una práctica más común debido a que los precios lo permitían. Si bien muchos estudios latinos estaban enfocándose en crear sus propios videojuegos, volver a este modelo que es más seguro aunque menos atractivo creativamente podría ser una excelente opción. Con más experiencia y conocimiento del mercado, los estudios latinoamericanos podrían liderar este tipo de servicios mientras siguen creando más capacidades internas.

Además, el costo de los proyectos, ya sea para auto publicación o para convencer a un publisher probablemente serán menores que los de otras regiones y eso podría ayudar a llevarlos a cabo.

🎓Es necesario crear iniciativas para incluir a recién graduados a la industria

Los más perjudicados por este contexto actual son los recién graduados o aquellos que quieren entrar a la industria de videojuegos y provienen de otros sectores. Hoy compiten no solo con sus pares sino también con los miles de desempleados tras los despidos que se dan cada semana. A pesar de ser muy talentosos y tener mucha energía, los estudios simplemente no tienen plazas suficientes para contratar.

Una opción podría ser crear su propio estudio, haciendo bootstrapping con poca inversión y trabajando en proyectos de scope reducido, pero no todos tienen el lujo o el privilegio de hacerlo sin tener un salario. En ese sentido, es necesario crear iniciativas que conecten a los recién graduados con herramientas o iniciativas para iniciar sus primeros proyectos y tener así mejores posibilidades para conseguir un empleo o para conseguir recursos para empezar sus propios estudios. Actualmente estoy trabajando en un proyecto alrededor de esta idea.

Además de estos temas, siento que durante esa semana de GDC se sintió la misma camaradería de siempre entre los desarrolladores, sobre todo entre los latinoamericanos. Creo que entendemos que necesitamos el apoyo de todos y que no somos competidores. La ciudad se sintió más amable que en años anteriores, aunque sus precios siguen subiendo cada vez. Se habla sobre una menor asistencia al evento y en los lobbies de los hoteles pero no sentí un cambio tan considerable.

🎢La nueva normalidad

Este año no será el año en que la industria volverá a la normalidad, pero quizás eso no sea lo que debemos esperar que ocurra. Creo que debemos afrontar el escenario de que las cosas han cambiado definitivamente y es necesario transformarnos, si es que queremos seguir haciendo lo que nos gusta, que es crear videojuegos.

💭Recomendaciones

• Hace unas semanas jugué el juego de mesa Castles of Burgundy y me gustó mucho. Es un juego de estrategia donde hay varias formas para conseguir puntos abarcando un tablero de la época medieval de Francia. Lo recomiendo si les gustan ese tipo de juegos. Lo volveré a jugar este martes.

• Finalmente vi Cónclave en el avión de ida a San Francisco y me gustó mucho. Es un thriller alrededor de la elección de un nuevo Papa. El final no lo entendí muy bien pero recomiendo la película.

• Desde hace unos meses escucho la música de Sarah Kang, una cantante coreana que canta en inglés. Sus canciones son una alternativa a la agresividad y a los ritmos que solemos escuchar en las radios y espacios públicos. Entre sus canciones recomiendo Time Traveling.

Algunas cartas del set 151 de Pokémon.

El nuevo año empezó ya hace más de treinta días, pero esta es la primera entrada del año en el newsletter. Luego de una pausa semi anunciada, o inferida, tras el contenido de la última publicación, regreso para seguir compartiendo algunas ideas o ensayos sobre la industria del videojuego y, en general, sobre jugar.

Y lo que he estado jugando más en estos meses, no ha sido un videojuego. Ha sido el juego de cartas físicas de Pokémon, o como se conoce en este mundo, el Trading Card Game, o simplemente, el TCG.

¿Pero cómo llegué a jugar este juego luego de veinte años?

🎴 La estrategia de The Pokémon Company

El interés en Pokémon es el mayor que se ha tenido hasta el momento. Para llegar a este punto han pasado varias cosas. En primer lugar, la franquicia, a pesar de lanzamientos de videojuegos con altibajos, siempre ha tenido una legión de fans muy fiel que suele comprar cada juego de la serie y los productos relacionados. En segundo lugar, el lanzamiento de Pokémon GO a mediados de 2016 ayudó a sumar a más interesados a la franquicia. Posteriormente, la pandemia hizo que muchos buscaran sus colecciones de cartas antiguas que estaban en cajones o en áticos y volvieran al hobby, ya sea como coleccionistas o como jugadores del juego de cartas. Pero el golpe final, fue el lanzamiento de Pokémon TCG Pocket para celulares hace un par de meses y que en menos de 30 días ya había generado más de 120 millones de dólares en ventas.

Pokémon TCG Pocket

Todo esto hizo que la demanda por las cartas creciera sostenidamente en estos últimos años al punto que hoy, cada nuevo set se agota en la tienda oficial de Pokémon el mismo día que se anuncia y que algunas cartas lleguen a valer miles de dólares. A partir de lanzamientos y de una franquicia con una identidad muy fuerte, los fanáticos empezaron a llegar y a consumir también los otros productos de la marca, siendo el juego de cartas al que llegó la mayoría que quería tener un reto mayor que el que ofrecía el juego para celulares.

👦 Cómo llegué yo también a jugar después de veinte años

Yo también me bajé Pokémon TCG Pocket y, más allá de las mecánicas del juego, volví a sentir nostalgia por las cartas que coleccionaba cuando estaba en el colegio. Decidí volver a coleccionarlas, tanto ese primer set que salió en 1998 como uno de 2023 que tenía a todos los 151 pokemones originales. Empecé a comprar algunos sobres o cajas de sobres para volver a sentir la emoción de abrirlos y también algunas cartas individuales a través de Ebay. Cuando le comentaba a amigos lo que estaba haciendo, varios me decían que ellos también coleccionaban o jugaban y me invitaban a hacer lo mismo. Descargué una aplicación que simulaba el juego de cartas tradicional y me gustó más que la versión pocket. Luego de algunas semanas, ya estaba compitiendo en un torneo en Lima junto a otros entrenadores Pokémon.

Algunas cartas del set original.

Me gustan los juegos competitivos (mañana tengo una sesión de coaching con un jugador de Age of Empires IV para mejorar mi desempeño en ese juego) y Pokémon me ofrece eso en un formato físico. Compites con un mazo que has preparado durante la semana luego de ver videos y de practicar en la aplicación móvil y lo pones a prueba en el torneo del fin de semana. Las cartas pueden ser proxies, es decir, impresas, o pueden ser las cartas originales. Con cada enfrentamiento aprendes algo nuevo y vuelves a seguir perfeccionándolo durante la semana. Mientras lo haces, conoces gente que acude a la tienda y al torneo y compartes experiencias y consejos.

💪El poder de una propiedad intelectual fuerte

En una época en donde estamos rodeados de microtransacciones y prácticas predatorias en la industria de los videojuegos, ir los sábados a jugar cartas con desconocidos se ha convertido en un momento de paz durante mi semana que espero con ilusión. Lo único extraño es que siento que todo esto fue planeado por alguien de The Pokémon Company hace años, y que yo solo soy el resultado de una fórmula que no podía fracasar.

Recomendaciones

• Este jueves 13 de febrero estaré dando una charla sobre cómo aprovechar al máximo GDC, sobre todo para aquellos que van por primera vez. Me acompañarán Mateo Alayza y Karoline Jiménez como panelistas. Pueden inscribirse aquí.

• Hayao Miyazaki y la garza es un documental sobre el conocido director japonés, en donde reflexiona sobre lo difícil que fue hacer su último largometraje. Está en Netflix.

• Febrero es el mes de ZineQuest y otras campañas relacionadas a la creación de TTRPGs. The Soloist recopiló algunos de los mejores proyectos que están buscando financiamiento en estas semanas.

Over the past few months, I've been immersing myself in independent role-playing games. Titles like Alice is Missing, A Quiet Year, and Brindlewood Bay have not only introduced me to fresh ideas but also brought me a sense of joy and warmth. This inspired me to create my own game, though I kept postponing it due to other creative projects and work commitments. Recently, however, two events aligned perfectly: the One-Page TTRPG Jam began, and Exeunt Press released an excellent guide on creating a One-Page TTRPG. With the timing just right and some projects already wrapped up, I had no more excuses.

👨🏽‍🍼 A Game About Fatherhood

When people learn you’re expecting a baby, they love to offer advice. One common suggestion is, "You should write her a letter." While I liked the idea and enjoy writing, I wanted to do something different—a game seemed like an interesting approach. But how do you create a game about fatherhood?

Role-playing games are fantastic because they can be about anything. If Brindlewood Bay can be about a group of elderly women solving mysteries in a Cthulhu-like setting, why not make one about fatherhood? I also wanted the game to be deeply personal, allowing each player to have a unique experience based on their own background and life story.

That’s how So You Are Going to Be a Girl Dad came to life. It’s a solo journaling game where you write short messages or anecdotes to your future daughter, drawing from your own experiences. Depending on your dice rolls and life events, some entries might be powerful messages, while others could be simple, humorous anecdotes. Initially, I considered offering choices for some prompts, but due to space constraints (everything had to fit on two pages), I set that idea aside.

✍🏽 Solo Journaling as Self-Reflection

Journaling is a popular genre, especially for solo games. These games prompt you to write—whether on paper or in a word processor—based on tables or dice rolls. This process encourages you to reflect before putting your thoughts down, which is exactly the goal of this game: to put you in the mindset of a father who’s about to welcome a baby girl. Although the target audience is specific, the game can also be enjoyed by others who want to explore the experience of expecting a daughter. Some prompts in the game delve into topics like sexism and relationships with others, offering a chance for deep reflection.

The game can be played in a single sitting, usually under 60 minutes, though it varies depending on your dice rolls—mirroring how pregnancies don’t always go as planned. Another key aspect is that, as a solo game, you choose whether or not to share what you’ve written. The game suggests saving your entries to share with your daughter later in life, but ultimately, it serves as a private space for self-reflection.

🧭 Starting Small with a Well-Crafted Guide

A one-page TTRPG is an excellent way to dip your toes into game design. You can quickly prototype an idea and have something ready for testing in an afternoon. Participating in a game jam is also a fantastic way to share your work, receive feedback, and learn from others.

The “Make Your Own One-Page RPG” guide from Exeunt Press is the best resource for anyone looking to create a one-page TTRPG. It’s well-organized, covering everything from concept to layout, making it easy to turn your idea into something tangible. For the illustrations and layout of my game, I collaborated with Karoline Jimenez, whose style I knew would be a perfect fit. Her contributions gave the game the warmth I was aiming for.

So, if you’ve been toying with a quirky idea for a role-playing game, or just want to try your hand at TTRPG design, start small and check out Exeunt Press’s guide.

You can download So You Are Going to Be a Girl Dad for free on Itch.io.

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Portada del libro Phillip Chu Joy - La diversión es un negocio serio.

El mes pasado salió a la venta el libro más reciente que escribí: “Phillip Chu Joy - La diversión es un negocio serio”. Phillip es el influencer de videojuegos y tecnología más grande en el Perú y últimamente está llegando a nuevos públicos a raíz de su participación en un programa de cocina en señal abierta. Lo conozco desde hace bastante tiempo y en octubre de 2023 le propuse escribir un libro sobre él. No tuve que convencerlo demasiado y hace un par de semanas tuvimos la presentación oficial del libro en la Feria Internacional del Libro de Lima a la que fueron más de 500 personas y el libro se ha vendido bien en estas semanas que ha durado la feria y ya está en la imprenta la primera reimpresión luego de un tiraje inicial de 2500 copias. Los comentarios han sido positivos y me ha gustado cómo quedó el libro. Pero al margen de los resultados, en esta entrada quiero compartir algunas ideas acerca del proceso de creación del libro y de la importancia de tener este tipo de proyectos que para algunos podrían parecer una pérdida de tiempo o una mala idea de negocio.

El proceso para escribir un libro es clave

El libro fue uno de los libros de desarrollo personal más buscados en la feria.

Los escritores de ficción suelen dividirse en dos categorías: aquellos que crean un esquema del libro y una vez que están contentos con él empiezan a escribirlo, y aquellos que empiezan a escribir sin pensar exactamente a dónde van a llegar. Brandon Sanderson es un ejemplo del primer grupo y Stephen King del segundo. Para escribir un libro de no ficción como el libro sobre Phillip decidí trabajar como aquellos del primer grupo porque así podía organizarme mejor a lo largo de los meses y porque de mi progreso dependía el trabajo del equipo de edición (Cosmo Comunicación) y de la ilustradora Melissa Siles. Trabajar bajo este formato me ayudó a organizar el trabajo que tenía que hacer cada semana y la meta para cada una, por ejemplo, sabía cuándo tenía que terminar cada capítulo y cuánto tenía que avanzar cada día que me sentaba a escribir, además de saber en qué momento iba a recibir comentarios y cuándo iba a sentarme a trabajar en las ediciones de los editores.

El proceso previo a la escritura también fue importante. Para escribir un libro sobre la vida de Phillip Chu Joy tenía que hablar con la mayor cantidad de personas cercanas a él, y de preferencia cara a cara. Organicé entre tres a cuatro entrevistas largas por semana y en dos meses y medio tenía más de treinta horas de grabación. Además de varias charlas que tuve con él hacia el final de esta fase, cuando ya tenía varias preguntas que habían salido de anécdotas de sus amigos o familiares. Luego, utilicé un servicio en línea para desgrabar los audios y tener las transcripciones que me sirvieron cuando trabajé en los esquemas de cada capítulo y en la escritura.

La fase de entrevistas e investigación tomó dos meses y medio, la de escritura y edición unos cuatro (aunque el primer mes tuvo un traslape con la parte final de las entrevistas) y el cierre, en el que más que nada supervisé versiones ya diagramadas y ayudé en las revisiones finales, un mes. En total, siete meses.

Tener proyectos creativos al lado de lo que hacemos mantiene viva nuestra creatividad

A pesar de que trabajemos en una industria creativa, a veces caemos en el día a día y nos preocupamos demasiado por las cifras y el mercado, y sin pensarlo pasan semanas o meses sin hacer alguna tarea que nos rete creativamente. O peor aún, podemos pensar que simplemente no somos personas creativas y no tiene sentido hacer alguna actividad relacionada a la pintura, la ilustración, la escritura o a lo audiovisual.

Desde hace algunos años trato de hacer siempre algo creativo, no comercial y que me fuerce a aprender nuevas habilidades. A veces es un episodio de podcast, una charla o incluso dibujar mapas de fantasía. Este año fue escribir el libro que mencioné. No solo me forzó a volver a escribir un perfil y ensayar algunas ideas alrededor del juego y de la tecnología, sino que me dio la oportunidad de participar en la creación de un proyecto editorial y trabajar en equipo con editores, ilustradores, diagramadores y aprender también un poco sobre el proceso de impresión, distribución y promoción. Fue divertido, y creo que muchos de los aprendizajes podré usarlos en futuros proyectos. Quién sabe. Lo recomiendo.

Recomendaciones

• La segunda temporada de House of the Dragon está disponible en Max y me gustó mucho porque me hizo recordar cuando esperaba con anticipación un nuevo episodio de Game of Thrones. Si no la han visto, la recomiendo. Team black.

• Estoy leyendo el libro The Anarchy, sobre la historia de la Compañía Británica de las Indias Orientales, aquella corporación que sublevó y colonizó a todo un país y las consecuencias que trajo al mundo.

• Si les gustan los juegos de rol, en Kickstarter están ahora dos campañas de financiamiento de juegos de rol que me llaman la atención. El primero es una campaña adicional para 7th Sea, un juego de rol de piratas y exploración; y el segundo es el juego de rol del Cosmere, el universo de fantasía de Brandon Sanderson.

Behind Every Great One (Deconstructeam)

Doy clases en una universidad en Lima desde hace unos años. Es algo que me gusta hacer porque me mantiene al día de las ilusiones y de las angustias de la generación que está por entrar a trabajar en la industria de videojuegos. Me gusta retarlos y animarlos a jugar juegos distintos porque la mayoría llega al curso solo conociendo los juegos más populares y no han experimientado juegos independientes.

Desde hace unos ciclos, para uno de los controles de lectura, les pido que jueguen el juego Behind Every Great One, del estudio español Deconstructeam. Es un juego de 2018, corto y gratuito, que se puede jugar en la web o desde una PC o Mac. Les pido que jueguen ese juego porque es un juego incómodo, que habla sobre el machismo y los roles que la sociedad espera que cumplan las personas en una pareja (si desean leer un buen ensayo sobre el juego pueden leer este de Marta Trivi en Anaitgames). Me interesa que mis alumnos jueguen este juego porque no es un juego que te divierta, y eso marca una gran diferencia con lo que estamos acostumbrados. Solemos escuchar que lo más importante de un juego es que sea divertido, pero, ¿qué pasa cuando un juego busca hacer lo contrario?

Tomemos otro ejemplo, esta vez de un juego de rol que jugué hace un par de meses. El juego se llama Alice is Missing, y en él debemos encontrar a una adolescente desaparecida mientras investigamos qué es lo que sucedió. La diferencia con otros juegos de rol es que no estaremos sentados alrededor de una mesa discutiendo nuestras hipótesis y tirando dados, sino que conversaremos dentro de un grupo de Whatsapp y el juego nos irá empujando a conocer más de los hechos durante la hora y media que dura el juego. Alice is Missing es un juego de rol que nos hizo sentir incómodos. Tocó temas como el acoso, el bullying y la homofobia. Cuando terminamos de jugar estábamos exhaustos. Pero fue una experiencia de la que no podíamos dejar de hablar. Había dejado una huella.

El poder que tienen los juegos —y los videojuegos, por supuesto— es su interactividad. Somos nosotros los que tomamos las acciones y sufrimos las consecuencias. ¿Por qué no usar eso para tocar temas serios como lo hacen otros medios como el cine o la televisión? Hacerlo no excluye que no diseñemos o que no juguemos otras experiencias —sobre todo ahora que los cozy games, que son juegos que nos hacen sentir bien, han crecido tanto— sino que abre la posibilidad de expandir el medio con otro tipo de emociones.

Al final del ciclo pasado en la universidad, uno de los grupos de alumnos hizo un juego en el que el jugador controlaba a un perro que debía curar las heridas de su dueña luego de pasar por un periodo de duelo. Otro grupo hizo un juego sobre los últimos días de una señora adulta y sobre sus recuerdos. Esa era la idea.

Recomendaciones

• Hace unas semanas vi la película Perfect Days, en donde el protagonista va por los baños públicos de Tokio limpiándolos y nosotros vamos conociéndolo más. Está disponible en MUBI y si nunca se han suscrito al servicio de streaming le dejo un link para que tengan un mes gratis.

  

• No es novedad, pero ChatGPT está cambiando la forma en la que trabajamos, pero en mi caso está cambiando sobre todo la forma en la que estudio chino. En la nueva versión es posible tener conversaciones con la inteligencia artificial y estoy practicando con ella hablando en chino y luego preguntándole en inglés qué errores cometí. Si están aprendiendo un idioma, anímense a crear su rutina personalizada allí.

Reunión de fin de año de Leap (Diciembre, 2023)

Hace unos años escribí un post en Medium con algunos consejos prácticos para conseguir una práctica o empleo en un estudio de videojuegos en Latinoamérica. Pueden leerlo aquí. El post fue de 2018 pero luego de revisarlo otra vez esta semana creo que todas los consejos siguen siendo válidos. Sin embargo, quería añadir algunos apuntes luego de ver varios casos de chicos que entraron a la industria en los últimos años y destacar algunos puntos que han sido clave para su desarrollo. Además de pensar un poco sobre cómo ha cambiado el mercado laboral en estos tiempos difíciles en la industria.

En primer lugar, creo que luego de la pandemia se han abierto más espacios virtuales que rompen la barrera que antes había entre las personas que querían entrar a la industria y las oportunidades de talleres, becas o pasantías, normalmente organizadas por organizaciones internacionales. Hoy existen varias becas que te permiten acceder a eventos como la Game Developers Conference, Gamescom y talleres de mentoría para empezar a crecer tu red de contactos. Estas oportunidades son efectivas y además, una vez que ganas o accedes a una de estas becas, la siguiente es más fácil de ganar porque ya tienes la primera en tu CV. El consejo entonces es comenzar a aplicar a todas y no tener miedo al rechazo. Si no postulas te estás eliminando antes de cualquier proceso. Deja que sean los otros los que te digan que no.

Otra recomendación es hacer proyectos personales. Si son estudiantes y aún no han trabajado en un proyecto publicado en una plataforma, la mejor forma de mostrar tu interés y habilidades es a través de proyectos personales o en grupo. Los juegos hechos en game jams son perfectos para armar un portafolio. Aquí siempre es importante mencionar qué parte hiciste dentro del proyecto.

Una tercera idea es participar en actividades de la comunidad, ya sea como asistente o como voluntario. Esto es ideal para hacer networking y comenzar a conocer a las personas que hacen juegos en tu comunidad. Hay tantas cosas por hacer en la industria de Latinoamérica que siempre encontrarás un lugar donde podrás ayudar. Luego, cuando alguien esté pensando en contratar para algún puesto quizás piense en ti o te recomiende si escucha alguna oportunidad.

Es cierto que estamos pasando por un momento complicado en la industria de juegos. Escuchamos de despidos y cancelaciones todas las semanas. Pero como alguien en la GDC me dijo: “Siempre vamos a necesitar nuevos juegos”. En otras palabras: siempre habrá alguna vacante que se abre, pero sí es cierto que este año y probablemente el que viene no hayan tantas como habían hasta 2022.

Y el último consejo es quizás el más importante. Mantén una buena reputación y sé humilde. La industria pequeña y la vida siempre puede dar vueltas. El proyecto en el que estás trabajando no será el único de tu carrera y no vale la pena que rompas relaciones solo por mejorar la calidad del juego solo un poco. Y si recién estás empezando no esperes asumir la dirección del área o del juego inmediatamente. Expresa tus opiniones y trata de entender por qué otras personas pueden pensar diferente y aprende del resto. Espera pacientemente tu oporunidad y aprovéchala haciendo un buen trabajo.

Con un grupo de becados en la GDC de 2015.

Estas son algunas ideas al respecto de conseguir una práctica o un primer empleo en la industria a partir de lo que he visto últimamente o de lo que algunos me han contado. También de mi propia experiencia. Si bien no seguí el camino más tradicional y empecé en la industria creando mi propio estudio, sí me ayudó mucho el trabajo voluntario que hice fundando y dirigiendo la IGDA Perú, el Lima Game Jam y otras iniciativas. Postulé a muchas becas cuando recién comenzaba y gané algunas y me rechazaron de otras, pero eso me ayudó a asistir a muchos eventos alrededor del mundo y conocer a personas que hoy son mis socios o compañeros. Y al margen de mi trabajo como productor/ejecutivo siempre destino una parte de mi tiempo en la semana para proyectos creativos personales, no solo porque me mantiene creativamente fresco sino porque es la manera en que he encontrado de estar siempre en una posición de aprendiz y no dejar nunca de aprender.

Recomendaciones

• A propósito de estar siempre aprendiendo algo nuevo, hace poco descubrí este curso gratuito organizado por una comunidad de fotografía en Reddit, en donde enseñan todos los conceptos importantes en fotografía y dan feedback sobre tareas semanales. Se llama Photo Class y se organiza todos los años.

• La serie Shogún que está en Star Plus y Disney Plus es bastante buena. Buenas actuaciones, fotografía y la trama está bien repartida a lo largo de la temporada.

  

• El mejor anime que he visto este año es Frieren, que trata sobre una elfa maga que viaja por el mundo luego de haber derrotado al mal con su equipo anterior. Está en Crunchyroll.

• Esta semana falleció Paul Auster, uno de los mejores escritores estadounidenses de los últimos tiempos. En mi librero tengo un estante dedicado solo a sus libros. Recomiendo las novelas La noche del oráculo, La trilogía de Nueva York y el ensayo La invención de la soledad.

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Dicefolk, el juego que lanzamos en Leap junto con Tiny Ghoul este martes en Steam.

Una mañana de abril de 2015 estaba sentado en un aula de la ENJMIN —la escuela pública de videojuegos en Francia—, esperando a que llegara el profesor. Unos meses atrás, había comenzado una maestría en videojuegos en esa escuela que quedaba en un pueblito llamado Angulema, conocido por ser la capital del cómic franco-belga. El edificio lo acababan de inaugurar y quedaba al lado del río del pueblo. Yo era el único peruano y además de mí, solo había una mexicana, una belga y un par de chinos. El resto de la clase de unas sesenta personas eran franceses. Lo que yo y el resto esperábamos esa mañana era que el profesor entrase y nos dijese qué proyectos habían sido elegidos para hacerse ese semestre. Iban a ser los mini proyectos de juegos en los que íbamos a trabajar por los siguientes cuatro meses y estábamos emocionados. Luego de meses de clases teóricas y académicas por fin íbamos a hacer juegos.

El profesor entró al salón. Era un francés corpulento y rubio que había trabajado en varios juegos famosos que al parecer mis compañeros franceses conocían pero de los que yo nunca había escuchado. Estábamos atentos, no solo para saber qué juegos habían sido aprobados sino también para conocer un poco más de cada proyecto y decidir si queríamos trabajar en él. Yo no postulé ninguno, así que sobre todo quería saber quiénes eran los líderes de los proyectos y qué intenciones tenían para cada uno.

De los juegos que seleccionaron me llamaron la atención dos. Uno era un juego sobre la rutina y la soledad, a través de la historia de un hombre que va a jugar la lotería todos los días. Se llamaba My Lucky Day. El segundo era un juego competitivo en el que cooperabas contigo mismo para derrotar a tus rivales. Jugabas con el fantasma de la ronda anterior. Se llamaba Chronobot.

Al terminar la sesión, me acerqué a los líderes de los dos proyectos y les dije que quería trabajar en ellos. El del primero me dijo que no había problema y que mi experiencia les venía bien. Contratado. El del segundo proyecto me dijo que lo iba a conversar con el resto de su equipo porque ya tenía a otra personas con él. Me pasaría la voz.

Al día siguiente, el líder del segundo proyecto se me acercó y me dijo que le gustaría que entrara al equipo como productor (o chef de projet, como se le llaman allá). Le agradecí y empecé a unirme a las sesiones del equipo. Lo que me llamó la atención de este proyecto fue sobre todo la claridad con la que el líder —Paul— presentó la idea y como con pocos elementos lograba darle un buen giro a un género tradicional. Sentí una chispa de genialidad.

La misma chispa la sentí en el resto del equipo, y sobre todo en Greg, el artista del grupo, quien propuso hacer el juego en 3D y con una dirección de arte influenciada por las interfaces de las BIOS de las computadoras y unos artistas clásicos que yo no conocía.

Chronobot (2015)

Me llevaba bien con todos, pero quizás porque la mayoría ya se conocía o porque mi francés no era tan bueno, no participaba mucho en las reuniones. Sin embargo, unas semanas después, comenzamos a tener problemas con un par de integrantes del equipo y eso estaba afectando al proyecto. Llegaban tarde, o no cumplían lo que decían que iban a hacer. Las ideas ya no fluían tan bien y trabajar en el juego ya no era tan divertido. Decidí intervenir y conversar con las dos personas que estaban teniendo problemas y además sugerí tomarnos un par de semanas para hacer pruebas de mecánicas para tratar de darle nueva vida al juego. El experimento resultó y luego de esas semanas el juego y el proyecto habían recobrado energía. Los franceses me lo agradecieron. Quizás lo noté porque también comenzaron a invitarme a almorzar con ellos.

Ese videojuego se llamó Chronobot. Lo presentamos en varios festivales en Europa y ha sido uno de los proyectos más divertidos en los que he trabajado. Casi conseguimos inversión para hacerlo realidad de un publisher que recién estaba comenzando que se llamaba Raw Fury pero al final no pudimos concretarlo. Pero lo más importante es que conocí a Paul y a Greg, con quienes luego del proyecto hicimos otros juegos durante game jams y después de graduarnos mantuvimos el contacto. Mientras ellos siguieron su camino en estudios de videojuegos en Europa yo me fui a China y luego volví al Perú. Luego de unos años seguimos intentando hacer juegos juntos e hicimos otro con un cuarto amigo que se llamó Bombert. Tampoco pudimos conseguir el financiamiento adecuado y solo quedó como un demo en itch.io. Pero decidimos intentarlo una vez más.

Cuando comenzó la pandemia volví a conversar con ambos y les propuse lanzar algunas ideas y trabajar un nuevo prototipo. En ese momento Leap ya era un estudio más conocido, —ya había lanzado Arrog y estaba por lanzar Tunche—, y ya conocíamos mejor el mundo del publishing. Quizás ahora íbamos a tener más suerte. Las ideas empezaron a salir y finalmente decidimos trabajar en un prototipo de un juego por turnos en donde controlabas las acciones de tus aliados y de tus enemigos con dados. Lo llamamos Minion Squad. El prototipo era divertido, y sentí esas mismas chispas de genialidad en ambos que cuando trabajamos en Chronobot. Realmente amaban hacer juegos. Decidimos invertir más tiempo e hicimos un demo más pulido. Lo presentamos a publishers y la respuesta fue casi automática. Recibimos seis ofertas. Firmamos con uno de ellos y de paso le cambiamos de nombre al juego, le pusimos Dicefolk.

Esta semana hemos lanzado Dicefolk en Steam, luego de tres años y medio de desarrollo. En el camino se nos unieron otras personas para ayudarnos con arte, música, narrativa, sonido y todas las cosas que hoy en día se necesitan para sacar adelante un proyecto independiente. Cuando escribo esta entrada no sé cuál habrá sido el resultado del lanzamiento pero siento que el proyecto ha sido la continuación de todos estos años haciendo juegos con Paul y con Greg. Si comienzo a unir los puntos hacia atrás todo tiene sentido ahora.

A veces me preguntan qué hace que un juego sea divertido o no, o con qué se debe comenzar un proyecto de este tipo, si con el arte o con la mecánica. O qué hace que un proyecto pase o no a producción. Normalmente no sé qué contestar, porque lo que pienso en realidad es que la clave para todas estas cosas suele ser esa chispa de genialidad que es difícil poner en palabras pero que se nota desde el primer momento del pitch y cuando conversas con las personas que están detrás, cuando aún las ideas no tienen forma pero al mismo tiempo son irresistibles.

Recomendaciones

• A propósito de Dicefolk, el juego ya está a la venta en Steam. Es un roguelike por turnos y con mecánicas de colección de monstruos. Y si ya lo han comprado por favor escriban una reseña que nos ayuda bastante.

• La semana pasada vi el documental de NoClip sobre The Return of Monkey Island. Relatan todo lo que se tuvo que dar para traer de vuelta la IP. Es también un buen recuento de todo lo que se necesita para hacer un juego de aventura.

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Una reunión de becarios latinos en GDC de 2023.

Después de un descanso largo regreso a escribir. Creo que este año me enfocaré más en desarrollar algunas ideas o tratar de explicar algunas tendencias que veo en la industria en este newsletter, pero cuéntenme también qué les gustaría encontrar.

Comienzo con una reflexión sobre por qué sigue siendo importante ir a la GDC (la Game Developers Conference), a pesar que la industria está en un mal momento, los pasajes están carísimos y todo parece que está por colapsar.

En primer lugar, pensar en por qué es importante ir me hace recordar a la primera vez que fui a GDC. Fue en marzo de 2013, acababa de fundar el estudio en el que aún seguimos haciendo juegos y había organizado varias actividades para impulsar la industria en Perú y en Latinoamérica. Y lo que encontré en GDC ese año no solo me impulsó a seguir ambas cosas a mi regreso, sino que validó muchas de las preguntas sin resolver que tenía en ese momento: ¿habrá más gente que hace juegos profesionalmente?, ¿se puede vivir de esto?, ¿cómo empezar a crear un proyecto propio?

Una noche de esa semana, durante una de las tantas fiestas que se organizan durante GDC, una persona tuiteó que ese evento le daba un sentido de pertenencia. Era su tribu. Me sentí identificado porque en Perú y en Latinoamérica es difícil que no te vean como un loco por dedicarte a hacer videojuegos (sobre todo hace diez años). Quizás también pasaba lo mismo en Estados Unidos o en Europa, pero al estar en una misma ciudad con otras veinte mil personas que hacen lo mismo, la extrañeza se disipa y se vuelve una normalidad.

En cada conversación no solo aprendes sobre cómo hacer (o no) un videojuego sino que te llevas la pasión que tiene la otra persona por lo que hace. Y eso te renueva de energía.

Una segunda idea al respecto de GDC es que hay muchas cosas que no se pueden leer en las noticias o en Twitter y uno solo se puede enterar en conversaciones que tienes o escuchas en los pasillos del Moscone Center o en los lobbies de los hoteles cercanos. Allí te enteras quién está financiando qué tipo de juegos, qué publisher hay que evitar a todas costa y qué juegos merece la pena revisar. Es chisme útil.

Y lo tercero es la serendipia. Es decir, encontrar personas u oportunidades inesperadas a lo largo de esa semana. Por ejemplo, una noche, en una fiesta que alguien organizó en las oficinas de GitHub en el centro de San Francisco yo estaba tomando algo y encontré un sitio vacío en un sofá. Le pregunté a la persona que estaba ya en el sofá si el sitio de al lado estaba ocupado y me dijo que no, que me sentara. Luego comenzamos a hablar. El hombre resultó ser uno de los programadores originales de Baldur’s Gate y en ese momento estaba trabajando en los remakes en HD que salieron para varias consolas. No solo conversamos por una media hora sino que meses después mantuvimos el contacto y exploramos trabajar en un proyecto de la saga. Se acordaba también de las anécdotas que le conté cuando jugué el juego.

El año pasado me encontré con Mark Brown de Game Maker’s Toolkit cruzando la calle. Le dije que me encantaban sus videos.

Todas estas razones además son importantes en un momento como el actual. Apenas hemos comenzado el año y las noticias siguen siendo tan desalentadoras como el año pasado. Despidos, cierres, cancelaciones. Todos hablan de ello y todos necesitamos conversar con alguien que también esté pasando por eso y que nos entienda. Que hacer juegos no le parezca un capricho. Que nos comparta su optimismo y que nos de advertencias para lo que resta del año. Por eso viajamos a GDC, a pesar de San Francisco, de sus precios y de su mal clima. Para volver a convencernos que hacer juegos tiene sentido.

Recomendaciones

• A propósito de GDC estoy organizando una charla gratuita con consejos útiles para aquellos que van a GDC por primera vez. Es este lunes a las 6 pm hora de Perú. Pueden inscribirse aquí.

• La mejor película que he visto este año que recién empieza pero que creo que será lo mejor que veré en el año es Past Lives, una película que se estrenó el año pasado en el resto del mundo pero que recién vi esta semana. Es sobre el amor y el reencuentro. Pueden verla también si la alquilan en Apple TV.

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Untitled Goose Game (House House). Un juego donde controlamos a un ganso que hace travesuras en su barrio.

Este será el último post del año, mientras tomo un descanso que probablemente lo dedique a leer y jugar algunos juegos que tengo pendientes. Me gustaría terminar el año con una idea sobre la que he estado pensando bastante desde inicios de año y que hace levantar las cejas de algunos cuando la menciono. Y es que nadie se espera que alguien que se dedica a hacer juegos diga que los juegos son inútiles.

La primera idea al respecto viene de un libro que leí y que entre muchas cosas, discute el propósito o la utilidad de los objetos estéticos, y dentro de este grupo ubica a los juegos. El libro se llama The Beauty of Games y fue uno de los mejores libros que leí este año. El autor, Frank Lantz, es un catedrático y fundador del NYU Game Lab y también es un game designer. Él evita la clásica discusión de si los juegos son o no arte y prefiere ubicarlo como un objeto estético, es decir, “como un objeto que lo hacemos por su propio interés, en búsqueda de la belleza, el placer y sentido”. Partiendo de esta definición, Lantz argumenta que la clave para identificar este aspecto en un objeto o experiencia es hacernos la siguiente pregunta:

“Si pudiera saltearme esta experiencia para obtener instantáneamente su resultado, ¿lo haría?”

Él pone los ejemplos de una pastilla para curar una enfermedad y lo compara con leer una novela, en donde no tendría sentido presionar un botón para leerla automáticamente. Para él, cualquier beneficio positivo adicional es un beneficio secundario.

Esta idea resonó mucho conmigo porque en los últimos años ha sido frecuente recibir comentarios o preguntas sobre la utilidad que pueden tener los juegos para aprender historia, ciencias o incluso, para resolver el calentamiento global. Y por otro lado, otros me preguntan si también ofrecemos servicios de gamification para empresas. La sugerencia es que si usamos tanto tiempo en jugar, quizás ese tiempo podría usarse para algo más útil o productivo para toda la humanidad. Detrás de esto subyace la idea de que jugar solo por jugar es una pérdida de tiempo, y que lo ético es usar al menos una parte de ese tiempo en algo que nos ayude a todos como grupo. Quizás esta idea cobró más relevancia luego de la popular charla TED de Jane McGonigal llamada Gaming can make a better world. Ella se hacía la pregunta de qué pasaría si usáramos el poder de los gamers para resolver problemas reales.

La contradicción es que la mayoría de juegos que se crean con estos objetivos (enseñar historia, las consecuencias del cambio climático o las cualidades de una democracia sólida) son aburridos y nadie los quiere jugar, por lo que no cumplen el objetivo inicial. Y por otro lado, juegos que no buscan enseñar ni concientizar sobre un tema específico en primer lugar, sí logran visibilizar esos problemas o motivar el aprendizaje por algún tema. Me pasó con Age of Empires 2 y me sigue pasando con juegos como Pharaoh A New Era o Terra Nil. Estos ejemplos, en vez de mostrar que lo más importante a la hora de hacer un juego es que sea divertido, lo que terminan haciendo es que se piense que hacer un juego solo por diversión es un desperdicio.

La otra característica que tienen los pedidos para crear este tipo de juegos y que también la tienen los pedidos de juegos con NFTs y otros similares relacionados al metaverso es que las personas que suelen estar detrás no son del ámbito de desarrollo de juegos. Y en el caso del metaverso, la mayoría proviene del mundo de las startups y del capital de riesgo. Hace un par de meses salió un artículo en Fast Company llamado “¿Por qué el metaverso murió? Porque Sillicon Valley no entiende el concepto de diversión”. El autor del artículo, Andrew Thompson, argumenta que si bien uno pensaría que el mundo de la tecnología y del capital de riesgo estaría muy cerca de los videojuegos, lo cierto es que no pueden estar más separados. Y es que Sillicon Valley idolatra la productividad y el uso del tiempo. Según el artículo, la categoría más frecuente en los tipos de apps que aparecen en Product Hunt, una web para encontrar las nuevas apps de moda, es la de productividad. Quizás la muestra más evidente fue la ola de criptomonedas y los juegos que se trataron de hacer alrededor de ellas. El modelo era claro: gana dinero mientras juegas. El modelo play-to-earn sostenía lo mismo que las ideas a favor de juegos educativos o medioabientales: usa tu tiempo en algo más productivo.

La belleza de los juegos, como sostiene Frank Lantz en su libro, proviene de la abstracción de los sistemas y cómo interactuamos con ellos y nos apropiamos de ellos. Los juegos son útiles por sí mismos. Jugar es un fin en sí mismo y es inherente a quiénes somos. Es una forma de expresión y no debemos darle la responsabilidad de salvar el mundo. La paradoja es que mientras más interactuemos con ellos y nos sintamos más cómodos con sistemas complejos, inciertos y grises, estaremos más preparados para resolver los problemas de un mundo cada vez más conectado.

Recomendaciones

• Hace unos días terminé Palabras Radiantes, la segunda novela de la serie El Archivo de las Tormentas de Brandon Sanderson. La recomiendo mucho, creo que es una de las mejores sagas de fantasía de la actualidad y a cualquier fan de El Señor de los Anillos o Game of Thrones le gustaría.

• La cantante que más escuché este año fue Sarah Kang, una artista coreana de jazz y R&B que vive en Nueva York. Pueden encontrar sus canciones en Spotify.

• La nueva temporada de For All Mankind está muy buena. Es una serie sobre qué hubiera pasado si la Unión Soviética hubiera llegado antes a la Luna que Estados Unidos. Está en Apple TV.

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Quiero probar un nuevo tipo de entrada en el newsletter, inspirado en otros como el de Skeleton Code Machine, en donde revisan al detalle algunas mecánicas de juegos no tan conocidos y sacan conclusiones útiles para el diseño de juegos. Voy a hacer algo similar con algunos de los juegos de rol, juegos de mesa y videojuegos que juego normalmente. Empezamos con Brindlewood Bay.

Señoras detectives

Brindlewood Bay es un juego de rol creado por Jason Cordova en el que asumimos el rol de señoras de más de setenta años que deben resolver los misterios de un pueblo en Massachusetts llamado Brindlewood Bay. A diferencia de juegos de rol como Dungeons and Dragons o Pathfinder, en este juego no peleamos contra orcos o enanos ni vamos en busca de tesoros sino que debemos conversar con los habitantes de este lugar y resolver misterios como asesinatos o robos.

El juego lo administra un jugador que asume el rol de la Guardiana, que relata los sucesos que van pasando y que pone en aprietos a los jugadores. Es una especie de dungeon master, haciendo el símil con Dungeons and Dragons.

La ambientación del juego es lo que lo hace distinto a otros juegos de rol. Por ejemplo, las señoras (o expertas del crimen, como se llaman en el juego) comienzan relatando cómo es su hogar, qué objetos tienen en él y qué recuerdos les traen de sus vidas. Cada objeto es una oportunidad para relatar más de la vida de cada experta, y para el jugador, para adentrarse más en su personaje.

Principales mecánicas

Brindlewood Bay es un juego basado en el sistema Powered by the Apocalypse (PbtA) creado en 2010 para el juego Apocalypse World. De ahí proviene principalmente el sistema de movimientos, bajo el cual el sistema determina si nuestras acciones tienen éxito o no. Pero veamos cuáles son las principales mecánicas de Brindlewood Bay y lo que las diferencia de otros juegos.

1. El movimiento afable

A lo largo del juego, nuestros personajes pueden sufrir de algunas condiciones negativas. Por ejemplo, se pueden torcer el tobillo, golpearse la cabeza o tener un corte. El juego nos penaliza en algunas tiradas de dados si tenemos una de estas condiciones. El juego encuentra una forma de remediar estas complicaciones a través del movimiento afable. Este es un movimiento que realizamos cuando hacemos alguno de nuestros pasatiempos (que determinamos al inicio del juego) junto a otra de las expertas. Por ejemplo, si nos gusta tejer a crochet, podemos realizar el movimiento afable cuando estamos en nuestro club de lectura y nos ponemos a tejer mientras conversamos con una de nuestras amigas. Esta además es una excelente oportunidad para narrar más sobre la vida de la experta y de su pasión por tejer.

2. La corona de oro

El juego no duda en ser despiadado. Si fallamos una tirada de dados podemos meternos en problemas muy duros. La guardiana se encarga de esto y se sugiere que no tenga piedad por las expertas. Pero para contrarrestar esto, las expertas poseen una mecánica particular: la corona de oro. Al decidir usarla, el jugador debe narrar como un personaje ficticio que aparece en unas novelas de detectives que leen las expertas resuelve un crimen muy parecido al problema que están enfrentando las expertas en ese momento. Debe decir el nombre del libro (ficticio) y narrar la escena, y cómo eso le da pistas para salir del apuro en el que se encuentra. Por ejemplo, puede decir que en el libro este personaje logró salir de una celda usando un imperdible que guardaba siempre en su bolsillo, y que su experta planea hacer lo mismo. Si el jugador usa una de estas coronas entonces tiene una mejora en la tirada de dados que acaba de tirar y quizás eso le permita seguir adelante.

Además, al usar una corona, el jugador debe narrar otra situación personal de su experta de una lista de temas que sale en su hoja de personaje. Otra gran oportunidad para conocer más de su vida cuando era más joven.

3. Las pistas y la resolución colectiva del misterio

Los misterios se resuelven con pistas, y para encontrarlas, las expertas deben conversar con los habitantes de Brindlewood Bay e indagar sobre el misterio en cuestión. Para ello, cada misterio es presentado junto a una lista de sospechosos y sus relaciones con él.

Las expertas deben preguntar y buscar cualquier pista que pueda ayudarlas. Cuando la Guardiana intuye que las expertas están buscando una pista les pide que hagan una tirada, y a partir del resultado les revela una de las pistas que es parte del misterio. Sin embargo, la Guardiana tiene libertad para interpretar el detalle de la pista que desea entregar y puede adaptarla a la historia que se está armando en la partida.

Esto va de la mano con la resolución del misterio. Al inicio de la partida nadie, ni siquiera la Guardiana, sabe quién es el culpable. Es a partir de las pistas y de la interpretación de todos que la verdad va descubriéndose. Una vez que el grupo tiene una idea más clara de qué puede estar pasando elabora una teoría incluyendo las pistas que encontró. Esas pistas sirven de modificadores para una tirada de dados a la que se resta la dificultad del misterio (que es parte de la información general del misterio). Y a partir de eso se ve si la teoría tiene o no tiene sentido. La solución al misterio no la determina la Guardiana, sino todos los participantes en la mesa.

4. La conspiración siniestra

Brindlewood Bay funciona como una serie de misterios conectados a través de las vivencias de las señoras detectives. Pero un punto clave es que existe otra capa de la historia que los jugadores van descubriendo poco a poco a través de los misterios. Existe una conspiración siniestra relacionada con seres de las profunidades y que es la clave de los sucesos extraños que están sucediendo en el pueblo. Esto se va presentando a los jugadores poco a poco, dependiendo de ciertas tiradas que hacen y se van añadiendo como detalles en cada historia hasta que se llega a un punto que desbloquea el misterio final del juego.

Es una excelente forma de darle una capa mayor de complejidad narrativa al juego y de mantener enganchados a los jugadores dándole un giro inesperado a la historia.

Conclusión: El éxito de Brindlewood Bay está en hacernos sentir realmente como detectives

Existen muchos juegos de rol y de mesa de detectives, pero lo que hace distinto a Brindlewood Bay es que realmente nos sentimos como detectives, sobre todo cuando llegamos juntos a una solución creíble de lo que pasaba en la aventura.

El juego se financió a través de una campaña en Kickstarter y este año ganó el premio al mejor juego de rol en formato electrónico en los premios Ennies. Se puede conseguir una copia en español a través de la editorial The Hills Press y las versiones físicas en inglés se van a empezar a distribuir este año. Mientras tanto, pueden conseguir la versión digital en DrivethruRPG.

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Recomendaciones

• Hace poco comencé a ver el remake del anime Rurouni Kenshin. Me trajo buenos recuerdos de cuando lo vi por primera vez hace unos veinte años. Lo pueden ver en Crunchyroll.

• Cuando vuelen es un un juego absurdo sobre los cerdos que vuelan. Hecho por Mer Grazzini, David T Marchand y Fede Cardi. Una joya.

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A few weeks ago, I was in Cusco, which is perhaps what foreigners have in mind the most when I tell them I'm from Peru. "Machu Picchu is impressive," is what they usually say. For us, our country is more than that. It's also our food, our people, our problems. But for the rest of the world, the simplest thing is to simplify it, maybe also to distinguish it and remember it from the rest of the countries. This distinction also happens with Latin America from the perspective of foreigners unfamiliar with our region.

This month, when the new characters for the games Tekken 8 and Overwatch 2 were announced, we Peruvians were excited because both fighters were from our country. It was a new opportunity to draw attention to Peru and at the same time, create a new memory in people's minds when they think of the country. In this post, I want to develop some ideas about the Latin American representations in video games that I've been thinking about in recent years.

Azucena, the (Peruvian) queen of coffee, and Illari, the last daughter of the sun

Tekken 8 is a fighting video game set to be released in early 2024, developed by the Japanese company Bandai Namco. The core of fighting games lies in their characters and the variety of their moves, and for the next installment of the franchise, they will introduce Azucena, a Peruvian fighter. According to the developers, Azucena is the only daughter of a family that owns a coffee plantation, and she enters the competition as a fighter to become the face of the family business. Additionally, they mention the type of fighting style she practices: Rumi Maki, a martial art that was practiced during the Inca era and was mandatory for military aspirants.

The representation of Azucena and the setting in which she operates (Cusco ruins, people playing instruments like the quena, and llamas) is accurate. The developers have done a commendable job of research, and the inclusion of an Inca martial art fits well within the game. Perhaps the only unusual aspect is the emphasis on coffee within Azucena's story. While Peru is increasingly gaining recognition for its coffee production, it's usually Colombia that is known for this within the Latin American countries.

In the case of Illari and Overwatch 2 (a team-based first-person action game developed by Activision Blizzard), a different style of representation is employed. In this case, inspiration has been drawn from Inca legends and the worship of the sun god, leading to the creation of a special storyline for Illari. She is part of a group called the "Children of the Sun" (or "Inti warrios") and must address the problems caused by the powers she received from the sun. The inspirations are evident, and a noteworthy detail is that the character's design and story were created by a designer with Peruvian origins.

Unlike Azucena, Illari isn't attempting to be a direct representation of Peruvian or Incan society. Instead, she draws from tradition to craft a fictional character that aligns with the game's universe.

Stereotypes vs Inspirations

Azucena and Illari are based on cultural traditions or myths and legends to create characters that fit within the universes of the respective games. This marks an improvement compared to other appearances of Latino characters in video games, where the focus tends to be on stereotypes of the region, such as drug trafficking, or myths that don't necessarily apply to the entire region, like the legend of El Dorado.

@marcaperuLlegó Illary, heroína de apoyo 100% peruana y con los poderes del sol 🇵🇪❤️Descubre más de ella jugando la nueva temporada ya disponible de Overwatch 2. #overwatch2 #illary #marcaperú #perú

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Another improvement in both cases has been the research effort, focusing not only on historical references but also on cultural ones. For instance, Illari uses phrases like "qué palta" (what a shame!) and even sentences in Quechua. And both Azucena and Illari have Peruvian actresses as their voice actors.

Peruvian and Latin American culture can serve as inspiration for great epics that can be portrayed in video games. Just as Roman, Greek, or Norse cultures have been part of successful video games, Latin American cultures could be equally popular as long as the references are chosen carefully, and the project's ambition remains realistic. The key lies in conducting thorough research and integrating it into the game mechanics, so that it doesn't feel like a narrative layer without relevance.

Conclusion: Latin American video games also reflect our culture

Video games reflect our culture, and, like in other media, the representations of characters and settings must align with reality, as they remain in players' memories for a long time and, in some cases, serve as their first interaction with that country or culture.

Recommendations

• I'm currently reading The Anthropocene Reviewed by John Green. It's a collection of reviews about things or situations in life and the world, such as Halley's Comet or air conditioning. I highly recommend it.

• I've started reading some books from the Ludografías series by the Spanish publisher Shangrila. They're academic approaches to various topics related to games. The book I'm currently reading is Jugar el malestar, ludonarrativas más allá de la diversión.

• This week, I completed the online course "The Joy of Birdwatching." It's a well-structured course that introduces the world of birdwatching. It provides helpful advice for those who want to start exploring this hobby.

¿Cómo incluir a Latinoamérica en un videojuego?

O qué tienen en común los nuevos personajes de Tekken 8 y Overwatch 2

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Hace unas semanas estuve en Cusco, que es quizás lo que los extranjeros tienen más en mente cuando les digo que soy de Perú. “Machu Picchu es impresionante”, es lo que me suelen decir. Para nosotros, nuestro país es más que eso. Lo es también nuestra comida, nuestra gente, nuestros problemas. Pero para el resto del mundo lo más sencillo es simplificarlo, quizás también para diferenciarlo y recordarlo del resto de países. Esa distinción también sucede con Latinoamérica desde los ojos de extranjeros ajenos a nuestra región.

Este mes, cuando se anunciaron los nuevos personajes de los juegos Tekken 8 y Overwatch 2, los peruanos nos emocionamos porque ambas luchadoras eran de nuestro país. Era una nueva oportunidad para llamar la atención hacia el Perú y al mismo tiempo, crear un nuevo recuerdo en la mente de las personas cuando piensen en el país. En este post quiero desarrollar algunas ideas sobre las representaciones latinoamericanas en videojuegos que he estado pensando en los últimos años.

Azucena, la reina (peruana) del café e Illari, la última hija del sol

Tekken 8 es un videojuego de peleas que saldrá a inicios de 2024 y que es desarrollado por la empresa japonesa Bandai Namco. Lo principal en los juegos de pelea son los personajes y la variedad de sus movimientos, y para la siguiente entrega de la franquicia incluirán a Azucena, una luchadora peruana. Según los desarrolladores, Azucena es la única hija de una familia que tiene una plantación de café y ella entra a competir como luchadora para ser la imagen del negocio familiar. Además, hacen mención al tipo de lucha que practica: el Rumi Maki, un estilo de arte marcial que se practicó en la época de los incas y que debían practicarlo los aspirantes a militares.

La representación de Azucena y del escenario en donde actúa (ruinas cuzqueñas, gente tocando instrumentos como la quena y llamas) es acertado. Los desarrolladores han hecho un correcto trabajo de investigación y la inclusión de un arte marcial incaico calza bastante bien con el juego. Quizás lo único extraño es el énfasis en el café dentro de la historia de Azucena. Si bien el Perú cada vez destaca más por su producción de café, normalmente es Colombia el país latinoamericano conocido por ello.

En el caso de Illari y Overwatch 2 (un juego de acción en primera persona y por equipos desarrollado por Activision Blizzard) tenemos otro estilo de representación. En este caso la inspiración ha llegado a través de las leyendas y el culto al dios sol de los Incas y a partir de ahí se ha creado una historia especial para Illari, quien es parte de un grupo llamado los hijos del sol (o guerreros inti) y ella debe resarcir los problemas que causó cuando recibió los poderes del sol. Las inspiraciones han sido claras y algo particular es que el diseño del personaje y de su historia fue hecho por un diseñador con orígenes peruanos.

A diferencia de Azucena, Illari no trata de ser una representación real de la sociedad peruana o incaica, sino que se basa en la tradición para recrear a un personaje ficticio que vaya de acuerdo al universo del juego.

Estereotipos vs inspiraciones

Azucena e Illari se basan en tradiciones culturales o en mitos y leyendas para crear personajes que vayan de acuerdo a los universos de los juegos en cuestión. Esto es una mejora con respecto a otras apariciones de personajes latinos en videojuegos, donde se enfocan en estereotipos de la región como el tráfico de drogas o alrededor de mitos que no necesariamente se aplican a toda la región, como la leyenda de El Dorado.

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Otra mejora en ambos casos ha sido el trabajo de investigación, no solo de referencias históricas sino culturales. Por ejemplo, Illari dice frases como “qué palta” o incluso frases en quechua. Y tanto Azucena como Illari tienen a peruanas como actrices de voz.

La cultura peruana y latinoamericana pueden servir de inspiración para grandes epopeyas que se pueden representar en videojuegos. De la misma forma que la cultura romana, griega o nórdica han sido parte de videojuegos exitosos, las culturas latinoamericanas también podrían ser igual de populares siempre y cuando se elijan correctamente las referencias y la ambición del proyecto sea realista. La clave está en hacer una investigación correcta y adaptarlo a las mecánicas del juego, para que no se sientan como una capa narrativa sin relevancia.

Conclusión: Los videojuegos latinoamericanos también son un reflejo de nuestra cultura

Los videojuegos son un reflejo de nuestra cultura, y al igual que en otros medios las representaciones de los personajes y escenarios deben ir acorde con la realidad porque permanecen en la memoria de los jugadores por mucho tiempo y en algunos casos, es su primera interacción con ese país o cultura.

Recomendaciones

• Estoy leyendo The Anthropocene Reviewed de John Green. Es una colección de reseñas de cosas o situaciones de la vida y el mundo como el cometa Halley o el aire acondicionado. Lo recomiendo.

• He comenzado a leer algunos libros de la serie Ludografías de la editorial española Shangrila. Son aproximaciones académicas a varios temas relacionados a los juegos. El libro que estoy leyendo ahora es Jugar el malestar, ludonarrativas más allá de la diversión.

• Esta semana terminé el curso virtual The Joy of Birdwatching. Es un curso en línea que introduce al mundo del avistamiento de aves. Está bien estructurado y da buenos consejos para aquellos que quieran comenzar en este mundo.

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Over the past four months, I taught a game design class at the Faculty of Communication of the University of Lima. Although I have been teaching this course for several years, I feel that this last semester was exceptional, and I wanted to share some of the valuable insights I gained along the way. Whether you are considering creating a syllabus for a similar class or are interested in taking a game design course, I hope these lessons prove beneficial.

1. Game design is a practice

In his book "The Rules We Break," Eric Zimmerman emphasizes the significance of remembering that game design is a practice, above all else. Sometimes, we tend to focus too much on creating game design documents rather than prototyping physical or digital games. As I had read the book earlier in the year, this concept stayed with me throughout the semester. That is why I made some changes to our usual content and activities, prioritizing hands-on practice, i.e., prototyping games.

Students and jurors testing board games during the semester.

Throughout the semester, we prototyped a traditional game, a roleplaying game, a board game, and a video game, in addition to testing games from those categories. I believe this was one of the keys to the semester's success. In each module, we covered some basic theory topics, but quickly, the students engaged in working on mechanics and testing their games with other groups. This kept them motivated and accustomed to the process of prototyping.

2. Embracing roleplaying games

One of the novelties I introduced this semester was roleplaying games. Perhaps because I had read about the history of Dungeons and Dragons in Ben Riggs' excellent book "Slaying the Dragon" a few months prior. We started with a theoretical class on the history of that game and also explored the independent roleplaying game scene. In the second class, all the groups played "A Quiet Year" by Avery Alder. Although hardly any student had played a roleplaying game before, they quickly became engrossed in the game, understanding what it meant to assume a role in this type of game and realizing how enjoyable it could be. In the subsequent sessions, each group developed a roleplaying game, and we even had time to conduct playtests among the groups.

Roleplaying games emphasize player interaction, which is helpful for those less familiar with board games due to the absence of too many rules. It is important to propose roleplaying games that can be played in a single session and have relatively simple rules, making "A Quiet Year" an excellent choice. This experience made it much easier to proceed with the next unit of the course, which focused on board games.

3. Empowering students to shine

Another change this semester was that, midway through, I asked the students to fill out a survey to assess their feelings about the course up to that point. Additionally, I posed a question: "Would you like to prototype a video game, even though it is not part of the course syllabus and would require extra effort on your part?" More than 80% said yes. With the support of the class's teaching assitant, we decided to go ahead with it, which motivated the students greatly. They were going to create a video game.

Students presenting a video game based on procrastination (Photo: Karoline Jiménez).

One student even proposed that we do the final presentation in a significant auditorium at the faculty, often used for presentations or film screenings. After making the necessary arrangements, we went ahead with this plan. To make it even more special, we invited people from the local video game industry, professors, and students from the faculty. Over seventy people attended the final exhibition, which motivated the students even further. They delivered excellent presentations and prototypes in record time. Most importantly, they got to witness the entire process of creating a video game prototype, from idea conception to presenting in front of an audience. The key to motivating them was providing the ideal stage for them to shine.

Conclusion: The Focus of a Game Design Class Should be on Practice and Sharing Knowledge

I enjoy teaching because it keeps me updated on the latest trends and ideas from younger individuals, and their passion energizes me. However, we must not lose sight of the fact that the essence should always lie in the practical aspect.

Shoutouts

• I'm currently reading "Nuestra parte de noche," the novel by Mariana Enriquez, winner of the 2019 Herralde Novel Prize. It's a novel filled with darkness, featuring deeply Latin American characters and settings. This year, the English translation was released, titled "Our Share at Night."

• I'm in the process of learning how to use Godot, an open-source game engine. The best learning resources I've come across are from GDQuest. Recently, I purchased one of their courses, and the quality is outstanding.

• The list of role-playing games nominated for the Ennies Awards, which recognize the best in the industry, has just been released. I recommend checking it out in case any of the games catch your attention. My personal favorites are "Brindlewood Bay," "Fateforge," and "Journeys through the Radiant Citadel."

Versión en español

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En los últimos cuatro meses dicté una clase de game design en la facultad de comunicación de la Universidad de Lima. El curso lo he dictado desde hace unos años pero siento que este último ciclo fue especial y quería compartir algunos aprendizajes que tuve en el camino, en caso alguien esté pensando en armar un sílabo para una clase similar o esté interesado en llevar un curso de diseño de videojuegos.

1. El diseño de videojuegos es una práctica

Eric Zimmerman, en su libro The Rules We Break describe la importancia de no olvidar que game design es una práctica, por encima de la teoría. A veces olvidamos ese concepto clave y nos esforzamos en crear documentos de diseño en vez de prototipar juegos físicos o digitales. Quizás porque leí el libro a inicios de año esa idea se me quedó grabada durante todo el semestre. Así que decidí hacer algunos cambios en los contenidos y actividades que normalmente hacíamos y le di más importancia a la práctica, es decir, a prototipar juegos.

Alumnos y jurados probando los juegos de mesa del ciclo.

Durante el semestre prototipamos un juego tradicional, un juego de rol, un juego de mesa y un videojuego, además de probar juegos de esas categorías. Creo que esa fue una de las claves del éxito de este semestre. En cada módulo revisábamos algunos temas básicos de teoría pero rápidamente los alumnos se ponían a trabajar en mecánicas, y los probaban con otros grupos de alumnos. Eso los mantuvo motivados y empezaron a acostumbrarse al proceso de prototipar.

2. Los juegos de rol son tus amigos

Una de las novedades que incluí en este ciclo fueron los juegos de rol. Quizás porque unos meses antes había leído la historia de Dungeons and Dragons en el libro Slaying the Dragon, de Ben Riggs. Empezamos con una clase teórica sobre la historia de ese juego pero también describí cómo funcionaba la escena independiente de juegos de rol. En la segunda clase todos los grupos jugaron A Quiet Year, de Avery Alder. Si bien casi ningún alumno había jugado antes un juego de rol todos se engancharon rápidamente con el juego, entendieron lo que era asumir un rol en un juego de este tipo y se dieron cuenta de lo divertido que era. En las siguientes sesiones, cada grupo desarrolló un juego de rol y hasta tuvimos tiempo para hacer pruebas entre los grupos.

Los juegos de rol ponen el énfasis en la interacción entre los jugadores, lo cual ayuda a aquellos que no conocen mucho los juegos de mesa porque no hay tantas reglas de por medio. Es importante proponer juegos de rol que puedan jugarse en una sola sesión y que las reglas no sean muy complicadas, por eso que A Quiet Year es una excelente opción. Con esa experiencia fue mucho más fácil seguir con la siguiente unidad del curso, que era sobre juegos de mesa.

3. Haz brillar a tus alumnos

Otro cambio este ciclo fue que a mitad del semestre les pedí a los alumnos que llenen una encuesta para ver cómo se sentían hasta ese momento con el curso. Además, les hice una pregunta: ¿Les gustaría hacer un prototipo de un videojuego, a pesar de que no está dentro del sílabo del curso y requeriría más trabajo de su parte? Más del 80% dijo que sí. Junto con la jefa de práctica de la clase decidimos hacerlos y a los alumnos los motivó bastante. Finalmente iban a crear un videojuego.

Alumnos exponiendo un videojuego sobre las pinturas del pintor peruano del siglo XIX Pancho Fierro (Foto: Karoline Jiménez).

Una alumna propuso además que hagamos la presentación en un auditorio importante de la facultad, que suele usarse para presentaciones o funciones de cine. Hice las consultas y decidimos usarlo. Y para hacerlo más especial invitamos a personas de la industria local de videojuegos, profesores y alumnos de la facultad. Más de setenta personas llegaron a la exposición final y todo eso motivó mucho a los alumnos que hicieron muy buenas presentaciones y prototipos en tiempo récord. Lo más importante es que pudieron ver el proceso de creación de un prototipo de videojuego, desde la creación de la idea hasta la presentación frente a una audiencia. La clave para motivarlos fue darles el escenario ideal para que pudieran brillar.

Conclusión: El foco de una clase de game design debe estar en la práctica y que puedan compartir lo que han aprendido

Me gusta enseñar porque me mantiene al tanto de las nuevas tendencias e ideas de personas más jóvenes que yo y pero también porque la pasión que veo en ellos me recarga de energía. Lo que no hay que perder de vista es que la clave siempre debe estar en la práctica.

Recomendaciones

• Estoy leyendo Nuestra parte de noche, la novela de Mariana Enriquez, ganadora del Premio Herralde de Novela de 2019. Es una novela llena de oscuridad, con personajes y espacios muy latinoamericanos. Este año salió la traducción al inglés: Our Share at Night.

• Estoy aprendiendo a utilizar Godot, un motor de juegos open source. Los mejores recursos para aprender que he encontrado están en GDQuest, hace poco compré un curso y la calidad es muy buena.

• La lista de los juegos de rol nominados a los premios Ennies que premian a lo mejor en esa industria, acaba de salir. Les recomiendo revisarla por si algún juego les llama la atención. Mis favoritos son Brindlewood Bay, Fateforge y Journeys through the Radiant Citadel.

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The moments I enjoy the most in game development are two: the moment of idea creation and the release of the finished game. The first one is closely tied to bouncing ideas with the whole team and brainstorming original mechanics. The second one is related to finally launching the game in the market and sharing it with the world. Today, I will write down some ideas about the first topic, with a few aspects to consider when choosing what game to make.

1. What experience does the team have?

Today's game engines allow us to do things that used to take a lot of time. It's now easier to integrate graphical elements, VFX libraries, shaders, or even ad and analytics tools. However, most of the work still relies on the team and their skills. That's why a significant part of the decision on which team to assemble depends on their abilities.

For example, if there are team members who lack experience with 3D art, it may take them some time (or quite a bit) to learn, which could delay the game's production. The same goes if the artists' style differs from what the game will have, or if the lead game designer lacks experience with the genre of the game being made.

If the team is being formed specifically for this project and you have to hire them, it's equally important to have an idea of what the ideal team would be like and what experience they should have for the project you have in mind, as well as their professional background in that field. Those are some of the questions you can consider during the interviews.

2. What kind of game appeals to the team?

Maybe not everyone wants to make a GaaS game (Redfall, Arkane Studios).

Skills are important, but something I've noticed as vital is the team's interest in the game they are creating, especially in independent games. If the team doesn't like or have faith in the project they're working on, the work becomes tedious, and the game's quality is the one that will suffer the most, as was discussed this week regarding the production of Redfall, Arkane Studios' latest game, where experienced team members would have preferred the game to be canceled, according to this article.

A good option is for the game to originate from the team itself. Through pitching sessions, team members can present their ideas and be involved from the beginning. However, sometimes it's difficult to find a game that fascinates everyone, and compromises have to be made. Nevertheless, it's important to find at least some aspect of the project that keeps each team member interested in it. For example, maybe the project's lead programmer doesn't like the game's story but is excited to work on a mobile game because it's something they want to explore in their career. In this regard, the role of the producer or the person making the decision about what game to create is to have conversations with each team member to understand their motivations.

3. What scope do I want the game to have?

The scope, or the project's ambition, can sometimes be challenging to determine at the beginning when you're trying to find a core mechanic that works. However, having an idea can help understand where it would fit in the market and what team size would be needed, and if the studio is prepared for it.

For example, if one of the ideas I'm considering for my next game is a fighting game, I can anticipate that the project's scope (and what the market expects from a game in that genre) would require considering features such as a variety of characters and stages, online gameplay, extensive work on balancing abilities, a single-player mode and a multiplayer mode, among others. If I'm not comfortable with such a scope (which would require hiring new people and potentially extending the development time more than anticipated), perhaps that's not the idea I should choose. Or maybe it is. But it's important to have at least a vague idea of the scope from the beginning to understand the potential risks.

4. What place could it have in the market?

The main issue on platforms like Steam, the App Store, or the Google Play Store is discoverability. There are so many (good) games that it's very difficult to stand out and find an audience. Over a hundred games are released on Steam each week, and that number keeps increasing. That's why it's important to consider where the game I'm planning to make would fit in the market and what niche it would occupy, and whether that category is overcrowded or not, and what new features I'm offering.

This is even more challenging because we are playing the role of fortune-tellers. Game development will likely take a couple of years at least, and within two years, anything can happen. This is especially important regarding mechanics, where a game can suddenly appear and change what is expected from the genre (e.g., Hades). Some tools that can assist in this analysis are SteamDB or Game Data Crunch, which allow us to see how many followers games have on Steam and provide some sales approximations. We can also get an idea of the number of wishlists for upcoming games using certain models, given that this information is not public. Finally, all this information can be organized into a market research spreadsheet.

This doesn't mean that we should only make games that have a space in the market, but it is important to make an informed decision. If I want to make a non-commercial game because I believe it's a game that needs to exist or if I think my game offers unique features (like Dordogne, which was released this week), go ahead. You are the one who knows your game best.

5. How does this game contribute to the studio's strategy?

We can create a game simply for the pleasure of doing so, but sometimes studios decide to develop a game because it's part of a larger strategy. For example, if the goal is to make an RPG game and perhaps the studio isn't yet prepared for it, a pathway towards that could involve creating games that build those capabilities within the team. A first step could be developing a visual novel game to establish dialogue and inventory systems. Then, an exploration game could be made that already incorporates those mechanics. Finally, the team could create an RPG game that integrates all of those mechanics. This approach allows the studio to mitigate risks by creating sellable products while gaining valuable experience working as a team and developing those specific skills.

Kriegsfront Tactics (Toge Productions)

A great example of this is Toge Productions, an Indonesian studio and publisher. Before embarking on their current in-production game, Kriegsfront Tactics (a tactical mecha game), they developed the tactical game Vanaris Tactics (a short narrative-driven tactical game) and the game Necronator: Dead Wrong (an isometric strategy game). Additionally, they even released Kriegsfront Battlescaper - Diorama Editor, a free diorama editing game featuring the mechas from their upcoming game, serving as a promotional tool for Kriegsfront Tactics.

Conclusion: Ask yourself some questions before making the decision of which game to create

Producing a game is a significant decision. It will impact your life and the lives of your team for a considerable period of time. That's why it's important to take the time to reflect on certain aspects and make an informed decision.

Shoutouts

• A great tool for keeping up with weekly game releases on Steam is the ICO Steam Newsletter, which provides a summary of the most reviewed games. They also have one for Nintendo Switch releases, called of course the ICO Switch Newsletter.

• As game developers, we often get asked about our opinions on criticisms towards games, such as their impact on violence or addiction. This week, an article was published on Kotaku featuring Rachel Kowert, a PhD focusing on these topics, who shares her insights backed by studies.

• Mexico is the guest country at the Annecy Animation Festival, and this video created by students from the Gobelins school in Paris served as the opening for the event. It's the best thing I saw this week. It captures everyday life in Mexico (and Latin America) very well.

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Los momentos que más me gustan en el desarrollo de un videojuego son dos: el momento de la creación de la idea y el lanzamiento del juego terminado. El primero está más ligado con rebotar ideas con todo el equipo y pensar en mecánicas originales. El segundo está relacionado con finalmente lanzar el juego al mercado y compartirlo con el mundo. Hoy escribiré algunas ideas sobre el primer tema, con algunos aspectos a considerar para elegir qué juego hacer.

1. ¿Qué experiencia tiene el equipo?

Los motores de juego de hoy en día nos permiten hacer cosas que tomaban muchísimo tiempo antes. Hoy es más sencillo integrar elementos gráficos, librerías de efectos y shaders o hasta sistemas de ads o de analítica. Sin embargo, la mayor parte del trabajo sigue recayendo en el equipo y en sus habilidades. Por eso, gran parte de la decisión de qué equipo hacer depende de las habilidades que tiene el equipo.

Por ejemplo, si dentro del equipo están personas que no tienen experiencia con arte 3D, quizás les tomará un poco de tiempo (o bastante) aprender y eso retrasará la producción del juego. Lo mismo pasa si el estilo de los artistas es distinto al que el juego tendrá o si el game designer responsable no tiene experiencia con el género del juego que se hará.

En caso el equipo recién se va a conformar con este proyecto y tú tengas que contratarlos, igual es importante tener una idea de cuál sería el equipo ideal y qué experiencia debería tener para el proyecto que tienes en mente, así como la experiencia laboral que han tenido en ese campo. Esas son algunas de las preguntas que puedes tener en cuenta en las entrevistas.

2. ¿Qué tipo de juego le llama la atención al equipo?

Quizás no todos en el equipo quieran trabajar en un juego game-as-a-service (Redfall, Arkane Studios).

Las habilidades son importantes pero algo que he notado que es vital es el interés que el equipo tiene sobre el juego que están haciendo, sobre todo en juegos independientes. Si al equipo no le gusta o no tiene fe en el proyecto que están haciendo, el trabajo se vuelve tedioso y la calidad del juego es la que más va a sufrir, como esta semana se comentó alrededor de la producción de Redfall, el más reciente juego de Arkane Studios, en donde muchos en el equipo hubieran preferido que el juego se cancele.

Una buena opción es que el juego surja del propio equipo. A través de sesiones de pitching los miembros del equipo pueden presentar sus ideas y así formar parte desde el inicio. Sin embargo, a veces es difícil encontrar un juego que le fascine a todos y hay que hacer concesiones. Sin embargo, es importante encontrar al menos algún aspecto del proeycto que haga que cada miembro del equipo esté interesado en él. Por ejemplo, quizás al programador principal del proyecto no le guste la historia del juego pero le anima mucho trabajar en un juego móvil porque es algo que quiere explorar en su carrera. Para esto, el rol del productor o de la persona que toma la decisión sobre qué juego crear es conversar con cada miembro del equipo para entender sus motivaciones.

3. ¿Qué scope quiero que tenga el juego?

El scope, o la ambición del proyecto, a veces es difícil determinar al inicio del proyecto, cuando se está tratando de encontrar una mecánica principal que funcione. Sin embargo tener una idea puede ayudar a entender dónde se situaría en el mercado y qué tamaño de equipo se necesitaría, y si el estudio está preparado para ello.

Por ejemplo, si una de las ideas que estoy barajando para mi siguiente juego es un juego de peleas, puedo intuir que el scope del proyecto (y lo que el mercado espera de un juego de ese género) hará que deba considerar características como: una variedad de personajes y escenarios, juego en línea, mucho trabajo en el balance de las habilidades, un modo para un jugador y un modo multijugador, entre otros. Si no estoy contento con un scope de ese tipo (que haría que tenga que contratar a nuevas personas y que el tiempo de desarrollo quizás se extienda más de lo que había pensado) quizás ese no es la idea que deba elegir. O quizás sí. Pero es importante tener una idea al menos vaga del scope al inicio para entender los posibles riesgos.

4. ¿Qué lugar podría tener en el mercado?

El principal problema en plataformas como Steam, la AppStore o la Google PlayStore es la visibilidad, o discoverability. Existen tantos (buenos) juegos que es muy difícil destacar y que los juegos encuentren una audiencia. Cada semana salen más de cien juegos en Steam y ese número sigue aumentando. Por eso, es importante pensar dónde se situará el juego que pienso hacer en el mercado y en qué nicho estará, y si esa categoría está sobrepoblada o no, y qué características nuevas estoy ofreciendo.

Esto es aún más difícil porque estamos jugando a ser videntes. El desarrollo del juego probablemente tome un par de años al menos y en dos años todo puede pasar. Esto es sobretodo importante a nivel de mecánicas, en donde de un momento a otro puede aparecer un juego que cambie lo que se espera del género (por ejemplo, Hades). Algunas herramientas que pueden ayudar a este análisis son SteamDB o Game Data Crunch, que nos permiten ver cuántos seguidores tienen los juegos en Steam y algunas aproximaciones de ventas. También podemos tener una idea de la cantidad de wishlists de los juegos por lanzarse con algunos modelos dado que esta información no es pública y finalmente organizar toda esta información en un estudio de mercado.

Esto no significa que solamente debemos hacer juegos que tengan un espacio en el mercado, pero sí es importante tomar una decisión informada. Si lo que deseo es hacer un juego no comercial porque creo que es un juego que debe existir o si creo que mi juego ofrece características que lo harán único (como Dordogne, que se lanzó esta semana), adelante. Tú eres el que conoce mejor tu juego.

5. ¿Cómo contribuye este juego a la estrategia del estudio?

Podemos hacer un juego solo por el placer de hacerlo, pero a veces los estudios deciden hacer un juego porque es un parte de una estrategia mayor. Por ejemplo, si la meta es hacer un juego RPG y quizás el estudio aún no está preparado para hacerlo, un camino hacia ello podría hacer juegos que creen esas capacidades en el equipo. Un primer paso podría ser hacer una novela visual para tener el sistema de diálogos y de inventario. Luego se podría hacer un juego de exploración que ya integre esas mecánicas. Y finalmente el equipo podría hacer un RPG que integre todas esas mecánicas. Con esto el estudio podría disminuir los riesgos creando productos que pueden venderse mientras obtiene experiencia trabajando en equipo y en esas habilidades en particular.

Un buen ejemplo de esto es el estudio y publisher de Indonesia Toge Productions, que antes de desarrollar su actual juego en producción, Kriegsfront Tactics (un juego táctico de mechas) desarrolló el juego táctico Vanaris Tactics (un juego táctico narrativo corto) y el juego Necronator: Dead Wrong (un juego de estrategia isométrico). Incluso, ha lanzado Kriegsfront Battlescaper - Diorama Editor, un juego gratuito de edición de dioramas con las mechas del juego que están desarrollando que sirve de herramienta de publicidad para Kriegsfront Tactics.

Conclusión: Hazte algunas preguntas antes de tomar la decisión de qué juego hacer

La producción de un juego es una decisión importante. Impactará tu vida y la del equipo por un buen tiempo. Por eso es importante tomarse un tiempo para pensar en algunos aspectos y tomar una decisión informada.

Recomendaciones

• Una buena herramienta para seguir los lanzamientos de cada semana en Steam es el ICO Steam Newsletter, que es un resumen de los juegos lanzados con más reseñas. También tienen uno para lanzamientos de Nintendo Switch.

• Si trabajamos en videojuegos muchas veces nos preguntará qué opinamos sobre las críticas hacia ellos, por ejemplo en su efecto en la violencia o en la adicción. Esta semana salió un artículo en Kotaku sobre Rachel Kowert, una PhD enfocada en estos temas y que nos cuenta -con estudios- sus opiniones.

• México es el país invitado en el festival de animación de Annecy, y este video creado por estudiantes de la escuela Gobelins de París sirvió de apertura para el evento. Lo mejor que vi esta semana. Resume muy bien la vida cotidiana en México (y en Latinoamérica).

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Esta semana anunciamos el nuevo juego que venimos trabajando en Leap en co producción con Tiny Ghoul. Se llama Dicefolk y mezcla elementos de juegos roguelike con los juegos de captura de monstruos. Si les gustaron juegos como Slay the Spire, Monster Train o Wildfrost, estoy seguro que les llamará la atención. Ya pueden ponerlo en sus wishlists y estar atentos cuando salga en Steam. Lo empezamos cuando comenzó la pandemia y unos meses después teníamos un demo con el que buscamos y conseguimos un publisher que está financiando el resto de la producción y el marketing del proyecto. En este post les cuento cómo contactar a un publisher, qué mostrarle y qué ventajas y desventajas tiene firmar con uno a partir de esta experiencia y también de otras que he tenido produciendo este tipo de proyectos.

Dónde encontrar a un publisher

Devolver Digital presentando sus juegos en el evento WASD hace unas semanas.

Encontrar el contacto de un publisher no es tan difícil como parece: acá está una lista bastante completa de la mayoría de publishers importantes, los juegos que han publicado y un correo de contacto. Hace unas semanas la compartieron en Reddit y es un resumen muy completo del panorama de publishers de juegos indie. A diferencia de lo que pasaba antes no es muy difícil encontrar el contacto de un publisher. Basta con buscar la cuenta del publisher en Twitter o el perfil de la empresa en LinkedIn para encontrar las personas que se encargan de encontrar o evaluar los juegos, al menos como un primer filtro. Suelen tener los nombres de “scout” o “business developer”. También he visto el bastante impersonal “source manager” que no me gusta porque hace sentir que solo están revisando contenido genérico que quieren distribuir.

Otro lugar donde suelen estar los representantes de los publishers son en eventos de la industria, como GDC, Gamescom, DICE u otros más chicos. Algunos incluso organizan sus propios eventos o viajan a los países para conocer a los desarrolladores. Esta opción no es excluyente a los correos o mensajes que pueden recibir. Lo que sí es distinto es que al conocer a una persona en un evento físico (o virtual) le pones una cara al proyecto o al pitch y es más fácil que te reconozcan cuando luego envíes los materiales. Los publishers más conocidos como Devolver Digital, Good Shepherd, Raw Fury o TinyBuild suelen recibir cientos de pitches al mes y a veces es difícil dedicarle la atención ideal a cada proyecto por lo que hay que tratar de diferenciarnos de alguna forma.

Qué quiere ver un publisher

Charla de Johan Toresson (Raw Fury) sobre lo que busca en un pitch: magia.

La mayoría de publishers busca juegos comerciales. Es decir, que la inversión que pueda poner en un proyecto le haga ganar algo de dinero, aunque sea en el largo plazo. En otras palabras, si invierte 300 mil dólares en un juego quiere recibir al menos más de esa cantidad, para que el riesgo que asumió tenga sentido, pueda pagar salarios y tenga algo de utilidad. Para eso, el análisis de mercado que hace es muy importante. Esto puede ser algo bastante subjetivo. Porque si bien se pueden revisar estadísticas de juegos similares y tratar de sacar un estimado de ingresos a partir de la información pública (cantidad de reviews, de seguidores en Steam, etc), es imposible saber cómo le irá a un juego, sobre todo si va a salir aún en uno o dos años. Los buenos scouts tienen un excelente ojo ganado a partir de la experiencia y logran diferenciar un juego con posibilidades reales de vender bien en cuestión de segundos. A veces es a partir de una imagen, un video, un gif visto en Twitter o con un ejecutable.

El otro componente para tomar la decisión es el presupuesto. Esto no quiere decir que firmarán el juego más barato; si el presupuesto no es real podría significar que el equipo no tiene experiencia o no tiene una buena idea del esfuerzo que representará terminar el proyecto. El presupuesto debe estar hecho con cuidado, tener en cuenta imprevistos y considerar a todas las personas que estarán en el proyecto a lo largo del tiempo, aún si no tenemos los nombres específicos.

Estos materiales son los principales para tener una primera respuesta de un publisher. Si el proyecto parece interesante, probablemente el publisher pedirá más documentos como algún documento de diseño o más información de las personas clave del equipo. También habrán reuniones, quizás muchas reuniones, y finalmente, si todo sale bien, un contrato con los términos y condiciones.

Por qué firmar con un publisher

La primera razón por la que un equipo firmaría con un publisher es por el dinero. Hacer proyectos de videojuegos son costosos, no solo por los montos que hay que pagar, sino por la incertidumbre por la que hay que pasar. Hay que crear diversión. Al aceptar el dinero del publisher estamos cediendo el riesgo. A cambio estamos dispuestos a otorgar una buena parte de las regalías del juego. Otras razones por las que un equipo firmaría con un publisher son la necesidad de alguien que se encargue de la publicidad y distribución del proyecto o que realicen los procesos de localización y asguramiento de la calidad. O si es un proyecto móvil quizás lo más importante es el presupuesto de adquisición de usuarios. Las razones dependen de cada proyecto y los únicos que realmente saben lo que necesitan son los miembros del equipo.

Por qué no firmar con un publisher

También existen razones por las que muchos desarrolladores prefieren no trabajar con publishers. Una es el control creativo del proyecto. Algunos publishers no solo piden un porcentaje de las regalías del juego, sino también tener injerencia en las decisiones creativas del proyecto. Otros también piden una parte o el control total de la propiedad intelectual una vez que se lance el proyecto, lo cual hace que puedan explotarla en otros formatos como cómics, películas o series de televisión. Algunos equipos también sienten que el publisher no aporta lo suficiente como para llevarse el porcentaje que desean (normalmente alrededor de un 50% si invierten dinero, o alrededor de 30% si no lo hacen). Los únicos que conocen la situación exacta de cada proyecto son los miembros del equipo, pero siempre vale la pena conversar del tema con otros desarrolladores que hayan trabajado con ese publisher, para conocer sus puntos fuertes y débiles y tomar la decisión con todos los elementos de juicio.

Conclusión: Piensa con tu equipo qué es lo mejor para el proyecto y prepara los materiales que necesitarás para pitchear

Para Dicefolk decidimos ir con un publisher. Luego de trabajar por unos seis meses presentamos el demo a varios y afortunadamente les llamó la atención. Luego de conversar con otros desarrolladores tomamos la decisión y empezamos a trabajar juntos. La razón principal por la que decidimos ir con un publisher era porque necesitábamos financiamiento y porque no teníamos las habilidades para encargarnos del marketing nosotros mismos (o el dinero para contratar a una agencia). También nos animó que los publishers interesados tenían experiencia y una buena trayectoria.

La clave está en entender qué es lo que estás buscando de un publisher y qué estás dispuesto a ceder a cambio. Y después, trabajar en los materiales que los publishers quieren ver. Y un poco de suerte, también.

Recomendaciones

• La película Air, que ya está en Amazon Prime Video, es en el fondo una película de business development y cuenta la historia de cómo Nike firmó al mejor jugador de básquet de todos los tiempos para que llevara sus zapatillas.

• El libro Enron: The Smartest Guys in the Room recuenta la historia y caída de Enron, una de las empresas más grandes de Estados Unidos que cayó en la ruina a inicios de la década del 2000. Un recordatorio de que la inteligencia mezclada con ambición desmedida puede causar desmanes.

• El evento King of the Desert V es un campeonato de Age of Empires 2 que reúne a los mejores jugadores de este videojuego en partidas 1 vs 1 en un mapa desértico llamado Arabia. Las partidas son emocionantes y los participantes son de todo el mundo, como el clásico The Viper y la nueva estrella canadiense Hera. Va hasta el 28 de mayo.

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Regresé de GDC hace unas semanas y me tomé una pausa escribiendo este newsletter para descansar un poco. GDC fue intenso: más de 26 mil personas llegaron esa semana a San Francisco y nadie se esperaba eso. Las colas fueron gigantes y el clima tampoco ayudó. Pero la energía fue la de siempre y las conversaciones me ayudaron a recargar energías para el resto del año.

Estas semanas fui varias veces al cine y dos de ellas fueron adaptaciones de juegos: Dungeons and Dragons y la película de Mario Bros. Ambas me gustaron, cada una a su modo, y creo que ya ha dejado de ser algo raro que las películas basadas en videojuegos sean buenas, o al menos, entretenidas. El temor que muchos tenían luego de adaptaciones terribles en los ochenta y noventa parece ahora ser infundado. ¿Por qué el cambio y por qué también vemos y veremos más adaptaciones de películas a videojuegos? Acá algunas ideas al respecto.

Las adaptaciones a películas

Recuerdo ver cuando era un adolescente la película de Street Figther, esa con Jean-Claude Van Damme como Guile y con Raúl Julia como Bison. Era una mala película: malas actuaciones y un peor guión que tenía una que otra referencia al videojuego. Pero a diferencia de la mayoría de películas que vi en esa época a esta la recuerdo con emoción y muchos detalles. Ver una película de uno de mis videojuegos favoritos era algo que me llamaba la atención, solo para ver a un actor real representar a los personajes con los que crecí. Quizás eso pasó por la cabeza de los estudios de cine cuando empezaron a hacer lo mismo con otras franquicias, pero al mismo tiempo las expectativas de los jugadores no perdonaban ningún error. La gran mayoría fracasaron y crearon un temor fundado para las que llegarían después.

Pasaron algunas décadas y desde hace unos años hemos comenzado a ver nuevos videojuegos adaptados a series o películas. Y son buenas adaptaciones. Algunas muy buenas. Arcane, basada en League of Legends, fue una de las mejores series del año pasado y ganó un Emmy por mejor animación. La serie anime de Cyberpunk fue bien recibida. Y la película de Pikachu haciendo de detective fue la película más taquillera basada en un videojuego (hasta la película que se estrenó hace un par de semanas).

No solo el respeto por los videojuegos creció en estos años sino que los que produjeron estas películas probablemente crecieron al lado de estas franquicias y las entendían. Además, los estudios de desarrollo trabajaban de cerca para llevar su visión a otras pantallas (por ejemplo, Riot encargó la serie Arcane y luego la distribuyó a través de Netflix). ¿Por qué el renovado interés en llevar un videojuego a otros medios?

La saturación del mercado y la importancia de las propiedades intelectuales

Tenemos demasiados juegos. Al año, se lanzan más de diez mil juegos en Steam. Es muy difícil diferenciarse y los estudios lo saben (y lo sufren). La situación es aún más complicada para los estudios independientes que están lanzando sus primeros juegos. El presupuesto de marketing es clave pero aún así es difícil competir con franquicias establecidas y que todos conocen.

Las adaptaciones a películas y series hacen que más personas conozcan a los personajes de los juegos y aquellos que ya los han jugado tienen nuevas razones para seguir la franquicia y comprar futuros juegos. De alguna forma, podrían considerarse como herramientas de publicidad (teniendo en cuenta que el videojuego puede facturar bastante más que la película o serie). Sigamos con el ejemplo de Arcane. En los últimos años, Riot obtiene alrededor de 1.5-1.8 mil millones de dólares de ingresos cada año. La mayoría de sus juegos están basados en los personajes de su primer juego, League of Legends. La serie de televisión que produjo costó más de 20 millones de dólares y tomó varios años en terminarse, pero poniéndolo en perspectiva y el nuevo público que atrajo a la franquicia de Riot tiene sentido (luego de tres días de lanzarse la serie se convirtió en la más vista en Netflix). En 2022 Riot invirtió un monto no anunciado en el estudio francés detrás de la serie, Fortiche.

Las adaptaciones a videojuegos

Pero el otro cambio que estamos viendo es que también hemos empezado a ver más franquicias establecidas yendo al mundo de los videojuegos. Esto ha pasado desde siempre pero la diferencia ahora es que las adaptaciones están siendo hechas con más cariño, incluso, por estudios independientes. Lo normal eran los juegos web o de PC y consola de “bajo presupuesto” que simplemente cambiaban a los personajes de un juego por los de la película. Pero hemos comenzado a ver juegos con mecánicas distintas que usan a los personajes de forma más inteligente y por lo tanto, más efectiva.

Un ejemplo es John Wick Hex, un juego por turnos basado en la franquicia de John Wick. Uno esperaría quizás el típico juego de disparos en primera persona con mucha acción para un juego de John Wick pero este juego no es así: es un juego de acción por turnos donde debemos ser cautos en la estrategia que elegimos. Esto no fue al azar, el equipo de desarrollo fue un estudio independiente, Bithell Games, conocidos por hacer antes Thomas Was Alone, un juego introspectivo. Otros juegos inspirados en películas o franquicias conocidas creados por estudios independientes son Hellboy: Web of Wyrd y Killer Klowns from Outer Space: The Game.

Conclusión: Las franquicias transmedia han dejado de ser una ilusión

Algunas palabras llevan una mala reputación porque hablan de conceptos abstractos y crean falsas expectativas en los consumidores y en los desarrolladores. La palabra transmedia estaba en ese grupo. Pero hoy es un concepto concreto y real que puede aumentar nuestras posibilidades de tener éxito en esta industria.

Esta semana salió el reporte anual de consumo de medios digitales de Deloitte. En este gráfico vemos cómo un buen porcentaje de los usuarios deciden jugar un videojuego tras ver una película y cómo otro a tanto le gustaría que sus películas y series favoritas sean videojuegos. Hacia eso estamos yendo.

Recomendaciones

Les dejo algunas recomendaciones y un evento en el que voy a participar esta semana.

• El episodio La Estética de la Dificultad de Nuevebits Podcast es muy bueno. Habla sobre cómo la dificultad en un videojuego puede estar en otros elementos más allá de los obstáculos y los enemigos. Una discusión académica pero que también presenta algunos ejemplos de esto, a partir de un libro que lleva el mismo nombre del episodio.

• Storyteller es un juego muy especial. A través de viñetas que debemos ir ordenando y llenando de personajes se van creando historias. El desarrollador argentino Daniel Benmergui y su equipo trabajó durante más de diez años en este juego que está disponible para Steam y Nintendo Switch.

• Este viernes 21 de abril a las 3 pm voy a dar una charla sobre cómo entrar (y permanecer) en la industria de los videojuegos en la Universidad Nacional de Ingeniería en Lima. La entrada es gratuita y están invitados.

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En unos días viajo a la GDC de este año. Me da mucha ilusión volver a ver en persona a tantos amigos de la industria que he ido haciendo a través de los años y también por las nuevas personas que conoceré y las oportunidades que aparecerán. En caso quieran revisar algunos consejos para los que van por primera vez pueden revisar esta entrada que escribí hace poco al respecto.

The Quiet Year, de Avery Alder (2013)

Pero antes de viajar quería escribir un poco sobre los “nuevos” juegos de rol. Y digo “nuevos” porque no es que hayan aparecido hace poco, pero sí han cobrado más atención desde hace unos meses, luego del escándalo en el que estuvo envuelto Wizards of the Coast por la Open Game License de Dungeons and Dragons y cómo, tras idas y venidas, acabaron por debilitar el cariño por la marca.

Es a partir de este tema que muchas personas empezaron a buscar otras opciones de juegos de rol y algunas editoras independientes comenzaron a capitalizar esto. En este post quiero hablar un poco sobre parte de todo ese mundo que he comenzado a redescubrir y cómo incluso podemos aplicarlo a la creación de videojuegos.

Los juegos de rol independientes

El juego de rol que empezó todo fue Dungeons and Dragons en 1974. Empezó, como suelen empezar las empresas de jóvenes de veinte años, en un sótano y de forma muy desorganizada en un pequeño pueblo en Wisconsin. Tras éxitos de venta y un crecimiento veloz en los siguiente años, comenzaron los problemas y en los noventa fue comprada por Wizards of the Coast, que tras el sorpresivo éxito de Magic: The Gathering tenía los bolsillos llenos y compró la empresa detrás de Dungeons and Dragons (TSR) por unos treinta millones de dólares y lo convirtió en una de las franquicias de entretenimiento más importante en el mundo. Luego Hasbro compró Wizards of the Coast y así es como llegamos (haciendo un gran resumen) al 2023 y al escándalo de la Open Game License, que pretendía limitar el uso de mecánicas y otras propiedades intelectuales que inicialmente habían sido liberadas por Wizards of the Coast para que la comunidad hiciera nuevos juegos o suplementos basados en ellas.

La primera portada de Dungeons and Dragons (1974), publicada por Tactical Studies Rules (TSR).

En todos estos años se crearon otros juegos de rol y otros sistemas pero era imposible competir contra Dungeons and Dragons. Con el paso a la distribución digital y la apertura de canales de venta como Itch.io o DriveThruRPG también aparecieron creadores independientes que lanzaron juegos basados en versiones antiguas de Dungeons and Dragons (cuando aún pertenecía a TSR) o creaciones con sistemas originales. Y del mismo modo que en la industria de videojuegos, estos juegos de rol indpendientes tomaban riesgos que las grandes editoriales no se permitían, haciéndolos muchas veces más interesantes.

Existe toda una industria de este tipo de juegos e incluso en febrero se llevó a cabo la quinta edición de ZineQuest, un movimiento que busca financiar proyectos indies de juegos de rol a través de plataformas como Kickstarter o Indiegogo. Lo más importante es que esto hace que surjan nuevas voces en la escena de creación y todo esto contribuye a nuevas experiencias de juego.

La creación colectiva

Algunos de estos juegos se centran en la parte narrativa de los juegos de rol, dejando a un lado la parte mecánica: números a los cuales hay que llegar para realizar acciones y decenas de modificadores a tener en cuenta para cada tirada. Se enfocan en qué dicen los personajes y qué hacen, y cómo se relacionan los jugadores entre sí para resolver los problemas a los que se enfrentan.

Arte de Brindlewood Bay (Jason Cordova).

Por ejemplo, está Brindlewood Bay de Jason Cordova que explora las indagaciones de un grupo de señoras de setenta años que resuelven misterios sin resolver de su comunidad. Es un juego en el que nos pone en el lugar de una señora de esa edad y nos hace preguntas como qué encontramos en nuestro rincón favorito de nuestro hogar, a qué se dedicaba nuestra pareja ya fallecida y qué hacíamos antes de jubilarnos.

Otros juegos se centran en la creación colectiva. Un ejemplo es The Quiet Year, de Avery Alder. Lo jugué hace una semana con unos amigos (una amiga nunca había jugado un juego de rol) y fue una gran experiencia. Entre todos creamos la historia de una comunidad en medio de la selva. Narramos sus mitos y leyendas y creamos juntos varias situaciones históricas importantes para sus habitantes. Y mientras hacíamos eso creamos un mapa de la comunidad que al finalizar la partida nos quedó como un recuerdo físico de lo que sucedió en ese tiempo. Es un excelente juego para ver el potencial de un juego narrativo en relación a una típica partida de Dungeons and Dragons en la que tenemos como objetivo derrotar a un villano y llevarnos el tesoro a casa.

Mecánicas frescas para inspirarnos

Y estas reflexiones que he estado teniendo se cruzaron con una entrevista al creador de Citizen Sleeper, uno de los videojuegos indie más comentados de la temporada y que está nominado a varios premios en los premios IGF de este año. En la entrevista el creador del juego, Gareth Damien Martin, comenta como se inspiró de un juego de rol independiente (Blades in the Dark) para crear una experiencia narrativa distinta, enfocándose no solo en lo que hace el jugador para avanzar la historia del juego sino en todo lo que está alrededor de la aventura. Además, Martin habla sobre cómo se inspiró del uso de mecánicas muy sencillas para promover la exploración y el desarrollo de personajes en el juego.

Conclusión: anímate a jugar un juego de rol distinto a Dungeons and Dragons

Los juegos de rol independientes están intentando cosas que no se están haciendo en ningún otro medio y puede ser un buen baúl de ideas para prototipar en un videojuego. Y además, son muy divertidos.

Recomendaciones

Les dejo algunas recomendaciones de juegos de rol independientes:

• Cypher System: es un juego de rol que puede ser usado en cualquier temática y tiene reglas muy sencillas.

• Brindlewood Bay y otros hechos por el grupo The Gauntlet: juegos narrativos con mecánicas sencillas para empezar a entrar al mundo de juegos independientes.

• A Quiet Year: una experiencia de creación de historias y de mapas colaborativa. Puede usarse como una experiencia individual o como inicio de una campaña de otro juego de rol.

Les recomiendo también el libro Slaying the Dragon the Ben Riggs, que resume la historia de la creación de Dungeons and Dragons hasta su venta a Wizards of the Coast. Tiene una excelente reportería y nos da una idea de cómo se creó este juego en la década de los setenta y de cómo ha tenido una gran influencia hasta ahora.

Y finalmente, les recomiendo la serie documental PsychOdyssey, grabada durante los años de producción de Psychonauts 2, el juego de Double Fine y todo lo que sucede en una producción de un videojuego independiente.