Nota: Esse texto tem uma versão em vídeo. Caso prefira ouvir os argumentos, ao invés de ler, aí vai. ;)

Eu tenho um enorme interesse nesse tema da criatividade e de técnicas que ajudam a desbloquear, por isso, sempre ouvia falar n’O Caminho do Artista, da Julia Cameron. Mas vou confessar que a premissa dele nunca me atraiu. Na verdade, bem o contrário. Ele é o tipo de livro que me repele, principalmente pela pegada de autoajuda americana com diquinhas.

Mas, por um acaso, num dos piores bloqueios criativos que tive na minha vida, acabei esbarrando nele de novo. E, dessa vez, eu pensei… é, por que não?

A ideia por trás dele é muito simples. Basicamente o livro é um percurso de 12 semanas que é todo pensado pra destravar a sua criatividade. Então, aqui dentro você vai encontrar diferentes técnicas e exercícios que servem pra cultivar suas habilidades e talentos criativos.

Agora, eu decidi trazer minhas experiências com esse livro, como eu lidei com os exercícios, alguns pontos positivos, outros negativos e, principalmente, será que vale o seu tempo?

Um remédio amargo para pessoas excessivamente analíticas

Esse livro pode ser bem amargo pra quem tem um perfil mais cético, racional, analítico — seja lá como você quiser chamar.

Acho que vale dizer que eu estou mais no meio do caminho. Eu tenho uma vida espiritual, pratico meditação, gosto de escrever, de desenhar, de cantar e tudo mais. Esse lado mais intuitivo é forte em mim.

No entanto, eu também tenho um lado mais analítico e estratégico. Eu considero os dados e faço meu melhor pra justificar e embasar minhas decisões… enfim, esse tipo de coisa. Às vezes eu fico pendendo mais pra um lado, mais pra outro. Mas as duas coisas convivem em mim.

E, no momento em que eu peguei esse livro, acho que estava pendendo mais pro lado analítico. Talvez não seja coincidência que estivesse tão bloqueado naquela fase, justamente porque a minha mente não estava operando na região de ”vamos tentar isso ou aquilo”. Ela estava mais ”com base nisso e nisso, o que provavelmente vai dar certo é aquilo” e “eu preciso otimizar meu trabalho”. Então, era um momento mais de racionalidade.

Sobre a parte espiritual

Vale destacar o fato de que esse livro menciona bastante Deus e utiliza de vários argumentos que vão numa linha mais espiritual, digamos assim. Na minha opinião, esse não é o tipo de leitura pra quem gosta de ouvir números e citações de artigos científicos. Ele vai completamente numa outra direção.

Pra quem não acredita em Deus, a autora sugere substituir por qualquer outra palavra que faça sentido como “Universo”, ou ”Criação”, ou “flow”. Só que a questão é que o livro está completamente envolto nesse tipo de ideia mais religiosa, o que torna difícil só trocar uma coisa pela outra.

Eu não sou avesso a uma linguagem mais espiritual por si. Acho que a criatividade tem esse componente intangível, quase mágico, que acaba mesmo transcendendo o conhecimento material. Porém, a minha prática espiritual vai em uma outra direção. Então, essa linguagem foi difícil. Eu precisei abstrair e tentar separar o joio do trigo.

Os fundamentos

Antes de qualquer coisa, o livro introduz duas práticas básicas. Todos os outros exercícios giram ao redor delas: as páginas matinais e o encontro com o artista.

As páginas matinais, como o nome diz, são uma prática de escrita diária. A ideia é você escrever três páginas em fluxo de consciência. Ou seja, o que quer que esteja na sua cabeça no momento em que você acorda, você vai lá e escreve.

Pode ser algum problema ou questão, pode ser sobre como você anda bloqueado, pode ser suas dúvidas sobre o que comprar no supermercado… o conteúdo não importa. O que importa é que você cumpra as três páginas.

É bom ressaltar que essas páginas precisam ser um depósito de pensamentos e que você reduza ao máximo qualquer fator de censura. Por isso, é recomendado nunca mostrar pra ninguém — nem pra você mesmo. Escreveu, deixa lá e esquece.

O ponto é que assim você tira força do seu crítico interno e a barreira criativa se reduz. Com isso, o seu eu criativo ganha potência e o acesso às suas ideias fica mais rápido.

A outra prática é o encontro com o artista. Ou seja, passar um tempo consigo mesmo, como se fosse um date. Não precisa ser nada complicado ou que tenha que gastar dinheiro. Pode ser uma caminhada, uma ida à papelaria, ou passar um tempo lendo um livro na praia. O importante é que seja um momento a sós fazendo algo que estimule seus sentidos.

Esses dois conceitos se relacionam com a ideia do “poço criativo”.

A Julia usa essa imagem de que toda pessoa criativa tem um poço dentro de si. Tudo que a gente cria sai dali. Seja um texto, uma música, uma pintura… a gente vai tirando as ideias de lá.

O problema é que esse poço não é infinito. Chega num ponto em que você não consegue mais coletar nada, o balde sobe vazio. Na teoria dela, é isso que acontece quando a gente se sente bloqueado. O poço seca.

E a forma de encher ele de novo é alimentar os sentidos. Todas as texturas, cores e sons do mundo são esses estímulos que nos recarregam. É por isso que o encontro com o artista não é só um luxo. Ele é uma das engrenagens que mantém a máquina rodando.

As páginas matinais limpam o poço, tirando o ruído da frente. E o encontro com o artista coloca “água pura” que vira ideias pra você poder retirar depois.

Ideias que mais me marcaram

Apesar das minhas resistências, a leitura foi bastante frutífera. Fiz inúmeras anotações, e por uma questão de espaço, não dá pra passar por todas nesse texto.

Ainda assim, vou falar sobre alguns dos pontos que mais mexeram comigo, na esperança de que sejam úteis por aí também.

O exercício das afirmações positivas

Eu tive vários momentos de rejeição à linguagem da Julia Cameron. Mas acho que nenhuma foi tão forte quanto o que eu senti sobre a ideia das afirmações positivas.

Como falei antes, eu tenho os dois lados. Um espiritual e um analítico. Mas quando me deparei com essa parte, o analítico realmente se contorceu. Eu quase deixei o livro ali mesmo, porque parecia muito papo de coach. Apesar de tudo, decidi persistir.

Para quem não sabe, uma afirmação positiva é uma frase dita ou escrita no presente, afirmando algo que você quer que seja verdade. “Eu sou um artista criativo.” “Eu mereço ser levado a sério.” Coisas assim. A lógica da Julia é que a gente já repete afirmações o dia inteiro, sem perceber, só que com a polaridade negativa. “Isso não vai dar certo.” “Quem sou eu pra fazer isso.” As afirmações positivas seriam só uma forma de ocupar esse espaço de forma intencional, usando o mesmo mecanismo pra treinar outra operação da mente.

No meu caso, ficou super evidente o quanto a minha fala interna era violenta. Eu comecei a pegar os pensamentos mais absurdos, que definitivamente não serviam pra nada. Coisa como ”Luri, que burro”. Ou ”você não escreve nada, precisa estudar mais”, sabe?

A parte boa é que depois de um certo tempo, percebi a importância de flagrar esse comportamento no ato. À medida que fui tomando consciência e sobrescrevendo as frases, fui vendo meu humor se alterar e as ideias voltando a fluir por mim. Então, eu soltei minha rigidez e decidi apenas aceitar que funciona. Hoje, é uma das minhas práticas diárias favoritas.

A armadilha da virtude

Outra ideia que me marcou bastante foi a da ”armadilha da virtude”.

A Julia Cameron tem essa tese de que muita gente criativa se esconde sob uma faceta de “boa pessoa”. Fazem tudo o que podem para ajudar, atendem todas as ligações, são sempre responsáveis e disponíveis… para os outros, nunca para elas próprias.

Então, essa pretensa bondade vira uma grande e plausível desculpa, a de que nunca sobra tempo, de que sempre aparece algum problema. Algo na linha de ”ah, se não fosse meu trabalho, minha família, meu cachorro…”.

Ela aponta esse obstáculo como mais uma das milhões de formas do artista se esconder e não fazer o que realmente precisa ou quer fazer.

Por mais que me doa admitir, eu costumava ser essa pessoa, incapaz de dizer não, com medo de ser rejeitado, de ferir a minha identidade de bonzinho. Eu achava que estava sendo nobre, mas de nobre essa atitude não tinha nada e gerava um ressentimento absurdo em mim a cada vez que eu cedia quando queria estar em outro canto.

Então, a ficha que caiu é que proteger minha agenda é proteger minha vida criativa. Ainda que, de vez em quando, eu corra o risco de soar meio cuzão.

Encontrar o senso de conexão

Aqui tem dois trechos do livro que se misturam pra mim. Um é o trecho sobre encontrar um senso de conexão. E o outro é sobre se permitir luxos autênticos.

Ali, ela fala sobre como as páginas matinais e os encontros com o artista têm esse propósito de fazer com que o eu criativo volte a ouvir. No caso das páginas matinais, ele passa a realmente se conectar com seus pensamentos, é algo interno. E no caso dos encontros, ele passa a interagir com o ambiente, a prestar atenção e alimentar os sentidos.

Então, ela segue falando sobre como essa conexão é o que permite alcançar as ideias, como se fosse uma antena recebendo um sinal do universo.

O mecanismo inteiro é super lógico pra mim, apesar da linguagem que ela usa. Na minha experiência, quanto mais eu estou anotando e dando importância às minhas ideias, mais eu vou refinando esse senso de conexão com o mundo abstrato. Não é tão místico quanto parece.

O outro trecho é sobre trazer essas ideias para o chão. E como isso se conecta com encontrar um certo senso de abundância que se transforma num ato de dar importância a impulsos que podem não parecer muito lógicos naquele momento. Ela chama isso de ”permitir luxos autênticos”.

Vou precisar abrir também um pouco da minha história. Eu venho de uma família que tinha muitas restrições, ninguém ali era rico. Então, eu me habituei a não poder fazer as coisas que eu queria. Hoje, eu conto com o privilégio de ter uma renda razoável, ter algum tempo, alguma liberdade geográfica… enfim, posso muito mais do que antes. Mas nem assim eu me permitia.

Esse ano, no entanto, depois de começar a ler esse livro, eu venho me permitindo muito mais. Já comprei alguns consoles portáteis que eu sempre quis quando era criança — só pra ter na minha coleção mesmo, já comprei livros que eu sentia que eram importantes para o meu momento artístico, melhorei a estrutura do meu ateliê comprando uma câmera e uma impressora… No final das contas, todos esses pequenos luxos acabaram contribuindo de alguma forma pra me estimular e pra dar continuidade ao meu trabalho.

Mas é interessante observar como no momento da compra, eu me sentia quase sempre um pouco culpado por não estar investindo em “outras coisas mais importantes”. No entanto, a real é que nada disso me matou. Muito pelo contrário.

Vale deixar o alerta de que não estou estimulando ninguém a ser irresponsável, obviamente. Mas acho que se questionar de vez em quando se estamos mesmo sendo responsáveis ou se estamos só nos limitando não faz mal a ninguém.

Alguns pontos negativos

Um lado negativo do método é que as tarefas podem consumir muito tempo. No meu caso, que trabalho em tempo integral, além das minhas atividades criativas, começou a ficar difícil conciliar as coisas. De repente, eu percebi que se eu fazia as tarefas do livro, começava a não conseguir efetivamente criar — o que até é um problema bom.

Seguindo o conselho que ela dá no livro, decidi manter os exercícios no mínimo pra poder seguir. Eu fiz até menos do que ela indica, que seria algo na linha de fazer só metade dos exercícios. Ainda assim, teve várias semanas onde não foi possível.

Também acho que 12 semanas é bastante tempo pra manter o foco. Pode ser muito difícil pra muita gente — o que é o caso, pelas pesquisas que fiz pela internet.

De qualquer forma, eu optei por não ficar me culpando e nem desistir. Fui avançando do jeito que deu e estou feliz que fiz dessa forma. Fazer o método inteiro oferece uma espécie de fechamento de ciclo que, pra mim, foi muito importante.

Acho que em outro momento vou tentar de novo. Tenho a impressão de que esse método provavelmente vai destravar aspectos diferentes da criatividade em diferentes momentos da vida, principalmente considerando como ele ataca obstáculos variados.

Outra questão é que os exemplos que ela cita são, em muitos casos, meio fora da realidade dos criativos de 2026 — e especialmente pra nós, brasileiros. Tem um exercício lá no qual ela fala sobre se privar de leitura por uma semana que, na minha opinião, não teria efeito nenhum pra muita gente. O que não quer dizer que não faria sentido adaptar a proposta e “se privar de redes sociais”, por exemplo.

E, na verdade, esse é um dos pontos negativos pra mim. Ler esse livro hoje demanda uma certa dose de boa vontade e de adaptação das ideias contidas nele. Ela não menciona um monte de mudanças no mundo nos últimos trinta e tantos anos. Nada sobre as redes sociais, sobre a cultura da atenção, sobre saúde mental, sobre contexto social — e nem poderia, afinal, o livro foi escrito em 1992 e está chegando num ponto em que ele mostra a idade.

Uma pessoa que pegue essa leitura cegamente pode acabar se frustrando ou até se complicando de forma mais séria (gastando demais, se isolando demais, se forçando demais, por exemplo).

Vale a sua leitura?

Apesar de tudo, eu achei a forma como esse livro está estruturado muito inteligente. Ele não é um livro pra ser lido, é um experimento a ser vivido.

Foi muito importante que a partir de certo ponto eu decidi apenas confiar. Eu pensei “se o jeito que eu penso e ajo me trouxe até aqui, eu preciso começar a pensar e agir diferente pra ter outros resultados”. Foi assim que eu me entreguei ao processo dela.

Esse livro funcionou tão bem comigo porque eu tinha um problema específico: meu eu analítico estava bloqueando meu eu criativo. Então, é como se o livro tivesse entrado na minha vida como um remédio necessário, por mais que o gosto fosse meio desagradável.

Esse livro pede um voto de confiança, pra pular a barreira analítica e colocar o leitor em contato com um eu mais intuitivo. Pra quem consegue dar esse salto, acho que pode funcionar bastante. Caso você seja uma pessoa que não abre mão do seu ceticismo e precisa entender tudo antes de fazer alguma coisa, daí eu acho que talvez seja o caso de evitar.

Mas pra mim, o mais interessante foi que esse livro ligou uma nova camada no meu pensamento. Toda vez que eu me via dizendo ”não posso”, ”não tenho tempo” ou ”não faço isso”, eu comecei a apitar os alarmes. Isso é legítimo ou é alguma voz antiga me reprimindo?

Obviamente, ainda estou no processo e imagino que isso vai ser pela vida toda. Mas a real é que essas vozes já perderam muita força.

A parte boa é que ninguém precisa de livro nenhum pra fazer esse mesmo caminho. Qualquer um pode pegar um caderno pra escrever um diário. Qualquer um pode definir um tempo inegociável pra ter consigo mesmo. E sempre que aparecer um ”não consigo”, qualquer um pode questionar pra ver se é verdade mesmo.

Lá no começo do texto, eu perguntei se esse livro mudou a minha vida e se mudaria a sua. Sobre a minha, acho que fica fácil saber: mudou, sim.

E sobre a sua, só tem um jeito de descobrir.

Aqui vai mais um texto da minha série sobre o que fazer quando seu Substack não cresce. A parte 1 está aqui, caso você não tenha lido.

Dessa vez, vamos falar sobre dois aspectos chave que, na verdade, são duas faces da mesma moeda. A retenção e o cultivo de comunidade.

A retenção é a arte de manter o interesse das pessoas ao longo do tempo. O cultivo da comunidade é o que você faz para que essas pessoas se sintam em casa e voltem sempre.

Como já deve ter dado pra perceber, na teoria é simples. Mas é na execução que a magia acontece.

Eu gosto de pensar nessa parte do trabalho como uma versão digital do papel do anfitrião em uma festa. Você convidou as pessoas, elas decidiram aparecer, então, é importante fazer todo mundo se sentir bem e se divertir.

Então, vamos lá… agora vamos entender como manter a festa rolando.

Índice

1. O que tem aqui:

2. A diferença entre audiência e comunidade

3. A escadinha do vínculo

4. O onboarding não é só um e-mail

5. Retenção: por que as pessoas ficam

6. Rituais e seções fixas: o quentinho familiar

7. As ferramentas para cultivo de comunidade

8. O outro lado da retenção: por que as pessoas saem

9. Focando nos números que importam

A diferença entre audiência e comunidade

De uns tempos pra cá, a gente ouve muito falar sobre comunidade. Todo mundo quer montar a própria comunidade ao redor do trabalho que faz. E não é à toa. Essa é, sim, uma das melhores maneiras de sustentar uma vida criativa no longo prazo. O problema é que, como tudo que vale a pena, é mais fácil falar do que fazer.

O equívoco já começa na forma de encarar quem se envolve na nossa atmosfera. Em geral, as pessoas tratam a newsletter como um “broadcast”, ou seja, como se estivessem transmitindo um programa pela TV para uma audiência passiva. Você falando de um lado, as pessoas ouvindo do outro.

E é compreensível. Nos outros ambientes digitais, por mais que existam as discussões e compartilhamentos, a lógica descartável do conteúdo acaba gerando esse efeito de “soltar a bomba e deixar o parquinho pegar fogo” nos comentários. Além disso, como as redes são voltadas para o entretenimento e não para a construção de relação entre os creators e o público, aquele conteúdo desaparece e, muitas vezes, as pessoas nem sabem quem foi que fez.

A newsletter — e o Substack, por extensão — é bem diferente nesse sentido. Eu sempre digo que o e-mail é um espaço muito íntimo. O atrito da relação pelo e-mail é enorme, mesmo que o Substack tenha facilitado bastante. Não é qualquer coisa quando alguém escolhe receber seu e-mail periodicamente.

Isso leva a um sentimento de intimidade, um senso de comunidade. As pessoas se enxergam no seu conteúdo, se enxergam em você. Mas, principalmente, também se enxergam mutuamente quando convivem nos espaços que a plataforma proporciona.

É por isso que é importante cultivar o espaço da newsletter com essa outra lógica. A de sentar em círculo para conversar, muito mais do que a de subir ao palanque para dar discurso.

É como se a sua newsletter fosse um bairro e cada edição fosse um evento na praça, onde as pessoas podem se ver, enquanto você vai lá e vende seu bolo.

Sabe quando você comenta em algo e a pessoa responde de um jeito que deixa claro que ela leu de verdade? Que não foi um “obrigado!” automático, mas uma resposta que continua a conversa? Essa é a diferença que faz um creator que cultiva comunidade.

No meu ofício, considero a generosidade a base de qualquer construção de comunidade. Não dá para agir a partir do interesse próprio o tempo inteiro, porque depois de um certo tempo sem muito retorno palpável, você simplesmente perde a energia pra continuar. No entanto, se você tem essa fagulha que faz acordar mais um dia e escrever outro texto pra entregar pros outros, todo o resto vai acontecendo. Então, você começa a ter algo que motiva conversas, que estimula trocas, que permite que você venda coisas.

Trocando essa chave, a retenção deixa de ser uma decisão meramente tática e se torna uma consequência natural de todo o contexto construído. As pessoas acabam voltando porque ali, de alguma forma, elas são mais do que um número.

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“Se, por exemplo, considerarmos os livros como remédio, entenderemos que é bom ter muitos em casa, em vez de poucos: quando quiser se sentir melhor, você vai até o ‘armário de remédios’ e escolhe um livro. Não um aleatório, mas o livro certo para aquele momento. É por isso que você sempre deve ter uma escolha nutritiva!”

Antes, eu discordaria, mas hoje vejo completo sentido nessa abordagem. É bom ter livros, mesmo que você não leia agora. Mesmo que não leia nunca. Eventualmente, você ou alguém próximo pode precisar. E aí, é melhor ter que não ter.

Ao longo dos anos, fui acometido diversas vezes por uma espécie de gripe de artista. Aquela que vem quando a gente perde o brio, se sente vazio e não faz ideia sequer se faz sentido continuar. Por sorte, encontrei ótimos livros que me ajudaram a curar esses resfriados criativos.

Aqui embaixo separei 5 deles, que até hoje me ajudam a sentir vontade de sair escrevendo, cantando, tocando guitarra, cozinhando ou seja lá o que estiver ao meu alcance.

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O Caminho do Artista (Julia Cameron)

Venho falando ultimamente sobre como o final do ano passado me colocou num dos bloqueios criativos mais difíceis que já tive na vida. Desesperado que estava, decidi ler esse livro que eu fiz questão de ignorar por anos — a própria premissa dele já me afastava. No final, não é que é bom mesmo?

Tem várias coisas que me perdem um pouco pelo caminho (a linguagem excessivamente religiosa, o lance todo de manifestação…), mas não tem como negar que O Caminho do Artista teve um impacto super positivo em mim. E até mudou minha cabeça com relação a alguns desses tópicos que me davam ranço.

Erra uma vez (Tiago Henriques)

A essa altura, quem não conhece o “ do Tira do Papel”, né? Se você curte o tema da criatividade, provavelmente já esbarrou no trabalho dele — e duvido muito que tenha deixado de gostar. Esse livrinho é todo ilustrado e consegue entuchar umas ideias super profundas em pouquíssimo texto. É para sentar uma tarde e sair transformado antes mesmo de esfriar seu café e terminar o bolo.

É tão bom que emprestei e nunca mais voltou. Caso eu tenha emprestado pra você, pode passar adiante. Quanto mais gente começar a criar, melhor. 😌

Mostre seu Trabalho (Austin Kleon)

Dos livros lançados pelo Austin Kleon, acho que esse é o melhor. Apesar de todos serem focados no fazer criativo, dando ótimas ideias para quem quer percorrer essa trilha, o Mostre seu Trabalho é o mais centrado e, ao mesmo tempo, o mais empolgante. Você, de fato, fica querendo se colocar à prova. Quando li, esse foi um dos eventos que me conduziram a abrir essa newsletter.

Em águas profundas (David Lynch)

Desde que ele morreu, entrei fundo no universo filosófico e criativo do David Lynch. Inclusive, por recomendação do , acabei comprando esse livro pra ler. É outro super curtinho, que você consegue terminar em uma ou duas sessões.

O que gosto no Em Águas Profundas é que é uma coleção de ideias soltas do David Lynch, mas que juntas mostram como ele executava o processo dele. Inclusive, ao ler sobre como ele escrevia, isso pacificou uma culpa que eu tinha de não ter um processo linear. Ele fazia as coisas dele de uma forma similar, coletando pedaços até ter um conjunto. Falo mais disso aqui.

Devoção (Patti Smith)

Devoção é outro que tive mas que se perdeu pelos empréstimos da vida. Até aproveitei que lembrei dele agora e comprei outra cópia pra guardar. A escrita da Patti Smith é embebida numa linguagem de pura força criativa. Não é bem um livro sobre criatividade, mas contando sobre as experiências que teve em uma viagem a Paris, ela fala sobre a importância das referências e de botar a cara na rua, transbordando uma sabedoria que só quem vive colocando a pele pra ralar adquire.

***

E aí, já leu algum deles? Tem algum outro que recomenda? Comenta aqui embaixo. ;)

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O que ninguém te conta sobre crescer no Substack

A gente pode perder a vontade de escrever por mil motivos, mas uma das que mais pegam é a sensação de estar falando para ninguém. A questão é que se fosse fácil chegar nas pessoas, todo mundo conseguia — e não é bem assim. Pra ajudar com isso, uma vez por mês eu escrevo sobre conteúdo, criatividade e escrita de um jeito mais prático e direto, só para apoiadores. O texto mais recente é um guia sobre como ser descoberto no Substack, pra quem quer parar de falar pro vazio.

Quero parar de falar pro vazio

Este é Ferrante Imperato. Ele era um boticário que viveu ali pelo século XVI. O sonho dele era catalogar cada pedacinho da natureza. Então, ele construiu uma sala e encheu de textos, ilustrações, conchas, pássaros, fósseis. Eram cerca de 35.000 itens. Pois é, um monte de coisa.

Esse tipo de lugar tem um nome. É Wunderkammer, ou Gabinetes de Curiosidades.

Esse conceito não sai da minha cabeça tem um tempo. O motivo é que eu sempre me deparei com discursos contraditórios sobre como lidar com o consumo e o acúmulo de coisas. Em um momento, dizem pra gente que ter um monte de coisas é ruim. Em outras dizem que a gente tem que sempre ter o mais novo, o mais legal, e descartar as coisas antigas.

Só que, nisso, acabei me desfazendo de objetos que significavam alguma coisa pra mim.

Agora, cheguei numa fase da minha vida em que eu sinto o peso de ter apagado a minha história. Eu me vejo olhando pra trás, tentando me agarrar ao conforto do que já vivi com a minha família e os meus amigos e, muitas vezes, eu não tenho nada ali que me ajude a lembrar.

Sim, eu sei que faz parte… também não é legal ficar carregando um monte de tranqueira pela vida. Ainda assim, eu sinto falta.

Eu não sou um boticário do século XVI. Mas tenho minha pequena coleção, composta por objetos que servem a um propósito, o de representar partes importantes de mim e da minha história.

Esse objetos são peças do meu museu pessoal.

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O Switch 2, FOMO, brainrot e o cansaço de girar a roda do hamster

Eu acho muito interessante olhar o nosso impulso de compra do ponto de vista do pertencimento.

Pensa comigo. Uma das bases do marketing é o FOMO. Ou seja, o medo de ficar de fora. Você vê as pessoas compartilhando um determinado momento e se sente fora do grupinho. Isso faz você ficar um pouco aflito e aí, quando menos espera, você está colocando alguma coisa no carrinho da Amazon e parcelando em dez vezes.

Agora, por exemplo, parece que o objeto mais desejado por quem gosta de games, é o Nintendo Switch 2. Todo mundo está correndo pra pegar um e jogar Pokémon Pokopia ou Star Fox.

Mas eu decidi não fazer o mesmo.

E, não me entenda mal, eu realmente fiquei numa ansiedade maluca, desejando demais um Switch 2 o quanto antes. A questão é que entre o lançamento e o meu atual momento, eu meio que mudei minhas prioridades.

A fadiga mental — ou brainrot — que a vida digital causa começou a me afetar de uma tal forma que aquele alívio de uns minutinhos de dopamina perdeu completamente a força e deu lugar ao ranço, puro e simples. Então, sem muito alarde, eu só decidi que não queria mais isso pra mim. Deletei apps de redes sociais, reduzi meu tempo no celular, criei políticas pessoais mais claras para o meu consumo de informação…

E aí que, nesse entremeio, aquele objeto que eu tanto desejei passou a representar algo do que eu estava fugindo.

Objetos carregam significado

Quando eu penso que estou mais velho e tento entender meu lugar na vida, parece que agora não é a hora pra ficar perseguindo a próxima coisa como se isso fosse, de fato, aliviar essa coceira constante que a gente sente.

Na verdade, com a experiência que eu tenho agora, parece que comprar o próximo lançamento tem o efeito contrário. Eu compro hoje pra amanhã já estar na ansiedade de outra coisa que também não vai me deixar, de fato, satisfeito. O que acontece é só um barato momentâneo, um alívio rápido. E, logo em seguida, eu repito o ciclo.

A cada dia que passa, eu fico mais atento e mais cansado disso, sabe?

A gente foca nos grandes momentos, na realização dos sonhos, na ideia de chegar lá. Muitas vezes, representamos isso com a próxima grande compra. Uma casa, um carro, ou no meu caso agora, o videogame mais recente. E a pergunta que eu não consigo parar de me fazer é: pra quê?

Veja bem… esses museus pessoais que os nobres e intelectuais mantinham na antiguidade não tinham só o papel de acumular conhecimento. Eles eram um reflexo do dono daquela coleção.

Ou seja, quanto mais glamourosa e vasta a coleção, mais ela tornaria tangível a inteligência, a erudição, o bom gosto. A lista de objetos representava os locais por onde aquela pessoa passou, as aventuras que viveu, as iniciativas que financiou.

Isso era verdade naquela época e ainda é verdade hoje. Não é à toa que o mercado de luxo está aí, firme e forte, independente de qualquer crise que assole a economia mundial.

Meu ponto aqui não é incentivar ninguém a consumir pra elevar o próprio status, mas sim, mostrar que os nossos objetos dizem algo sobre a gente, eles carregam histórias e geram emoção. E, sendo assim, a gente pode usar esse ato de forma intencional e até afetiva.

Comprando pra trás, não pra frente

A Nintendo é uma empresa que me fascinou desde criança. Eu tive Super Nintendo, Nintendo 64, vários Game Boys de todo tipo… Até que eu cresci e só fui retomar esse interesse por videogame ali pela pandemia.

Mas foi difícil não notar que algo tinha mudado. É óbvio que a Nintendo é uma empresa bilionária e lucrar o máximo possível é o grande objetivo. Ninguém aqui é ingênuo. Mas quanto mais a fase do Switch original ia acabando, e mais o lançamento do Switch 2 se aproximava, mais eu notava essa energia, digamos, “corporativa”.

E os sinais estavam ali, no marketing, no aumento exorbitante dos preços, na repetição das fórmulas já batidas.

Em meio a tudo isso, eu percebi que com o valor de um Switch 2, eu poderia completar a minha coleção de portáteis da Nintendo. Ter um de cada geração.

Então, foi assim que eu comecei o meu garimpo.

Eu achei um 3DS XL a 600 reais, que não estava na melhor das condições, mas estava funcional. Acontece que eu fiquei encasquetado com isso e decidi reformar ele, o que foi todo um processo também.

Eu passei um tempo garimpando as peças, esperando chegar, depois me preparando pra desmontar ele e efetivamente fazendo a reforma — quem conhece, sabe que é um pesadelo fazer manutenção nesse console, porque realmente demanda foco pra não acabar quebrando nada por acidente.

Isso, em si mesmo foi quase como um reflexo do processo que eu estava passando, de sair da gratificação instantânea para um modelo mental que me demandava desacelerar, prestar atenção.

Agora, eu pego esse console e sinto algo tão bom, eu tenho uma história com ele.

Eu também comprei esse DSi XL, que eu escolhi por causa da qualidade da tela e por estar em perfeitas condições, praticamente novo. Ele também foi 600 reais e me abriu toda uma biblioteca de jogos que eu nem fazia ideia que existia, porque eu já não tinha mais tanto interesse em videogame na época em que ele saiu. Agora, estou jogando Pokémon White entre uma coisa e outra.

E, agora, encontrei um Game Boy Advance que eu coloquei uma tela IPS. Pra quem não sabe, as telas do GBA eram difíceis de ver as coisas e eu lembro disso ser uma reclamação até na época em que lançou. Essa nova tela corrige o problema e torna a experiência mil vezes melhor.

Mas continuando… Eu tive um desses junto com o meu irmão quando a gente era criança. Era um modelo parecido com esse aqui, transparente.

Então, mantendo esse console, eu sinto como se estivesse resgatando uma parte dessa história que eu tenho com ele, algo que só ele e eu vivemos. No fundo, acho que estou tentando garantir que essa parte da nossa história possa sobreviver um pouco mais ao tempo.

Deixando marcas afetivas

Voltando ao exemplo do começo do vídeo, se hoje estamos falando do Ferrante Imperato é porque ele deixou a presença dele no mundo demarcada por meio daquela coleção. Pra ele, com certeza, não importa muito. Afinal, ele morreu como qualquer outra pessoa.

Mas pra nós, que ficamos, esses objetos se tornaram um degrau a partir do qual a gente pode subir nos ombros do que ele descobriu e conheceu. E eu gostaria que comigo fosse parecido.

É quase inevitável pensar que um dia eu vou morrer. E que, morrendo, vou deixar restos de mim nas coisas que fui acumulando ao longo da vida.

Aqui, eu falei de alguns objetos que, pra mim, tem um valor afetivo intenso. Mas eu também tenho livros, quadros, cadernos com textos que escrevi.

Eu sei que essas coisas vão virar lixo ou pilhas de doação. Mas algumas delas vão ser especiais para alguém e, por isso, vão virar memórias, representações de quem fui. Mais do que isso, vão ocupar um lugar simbólico, afetivo, que vai servir para passar adiante algo sobre a minha presença, algo que seja maior do que o meu corpo ocupando espaço.

Eu adoraria saber que um neto achou meus textos e gostou deles. Ou que o meu sobrinho, num momento de saudade, decidiu pegar meu videogame pra saber o que o pai dele sentia na infância. Ou que minha filha pegou um dos meus discos pra mostrar pro namorado a música que ela ouvia quando era bebê.

Eu sei que não vou ter a chance de decidir a hora da minha morte. Então, o que me resta é tentar, na medida do possível, estar sempre preparado, como se eu fosse morrer amanhã.

E, por mais que isso possa parecer um papo meio macabro, na verdade, eu acho que não é algo que me conecta com a morte, mas sim, com uma vontade forte de viver.

De perceber que, no final das contas, eu não tenho sequer um minuto a perder.

Quer me ver continuar criando?

Além de garantir que eu tenha um teto, esteja bem alimentado e com a lombar inteira pra aguentar as horas escrevendo o que publico por aqui, você vai receber textos exclusivos, participar do Destrava (nosso clube da escrita), fazer parte do Quintal (o grupo no Telegram) e ganhar acesso ao Repositório de Referências Infinitas. Ou seja, só coisa boa — para saber mais, é aqui.

Se quiser ajudar seu escritor favorito a continuar escrevendo, esse é o caminho:

Apoie o Luri

Começar a publicar seus textos e perceber que ninguém aparece para prestigiar as horas e horas que você dedicou à escrita. Essa é a dor das dores no que diz respeito a começar no Substack.

É fácil olhar para o dashboard e culpar o algoritmo, se conformar que o mercado está saturado, que passou da hora de começar, entre outras razões. E, talvez, essas questões até desempenhem um papel. Mas isso não explicaria por que tem gente por aí começando do zero e construindo comunidades super legais.

A questão é que, ao contrário do que os gurus de conteúdo dizem por aí, não existe nenhum hack pra chamar atenção. O que existe é trabalho sólido aliado a várias técnicas de descoberta e retenção aplicadas de forma consistente ao longo do tempo.

E, por mais que pareça muita coisa, a boa notícia é que você pode aplicar essas técnicas para fazer seu trabalho chegar em quem precisa dele.

Eu quero ver você entregar seus textos para mais gente. É por isso que decidi fazer um guia com tudo que sei sobre descoberta e retenção.

Como o tema é amplo, dividi em duas partes.

Nessa primeira parte, vou falar sobre descoberta e tudo o que acontece antes de alguém se tornar seu assinante. Como ser notado, como empacotar seu conteúdo e como furar a bolha sem virar escravo de planilha.

Na segunda parte, vou falar sobre como manter quem chegou por meio de técnicas de cultivo de comunidade e retenção.

Índice

1. O primeiro grande obstáculo: as pessoas gostam do que conhecem

2. Você é o que você faz, não o que você diz

3. A pergunta dolorida: será que meu conteúdo é bom mesmo?

4. “Mas eu não quero adaptar minha escrita”

5. Os desafios do creator: descoberta e retenção

6. Adaptando sua forma de pensar para a descoberta

7. Embalando seu conteúdo

8. Furando a sua bolha: recomendações, Notes e SEO

9. Soluções fora da caixa: não esqueça do mundo offline

10. Como abordar seus progressos

O primeiro grande obstáculo: as pessoas gostam do que conhecem

Quando você vai a um shopping, por exemplo, o mais comum é escolher a loja mais movimentada. Você passa na frente e tem uma fila de gente querendo entrar. É quase natural que surja uma curiosidade. Afinal, se tem tanta gente ali, deve ser bom. Além disso, quando tem gente, tem também uma comunidade, um valor de pertencimento. Essa validação social, por si só, faz você ficar mais aberto, tendendo a fazer aquela escolha.

Por outro lado, quando passa por uma loja vazia, você entra meio desconfiado. O vendedor precisa ser muito mais simpático, oferecer uma cadeira, um cafezinho. Ele mostra o catálogo, dedica toda uma atenção especial, na tentativa de convencer que aquela loja tem o que você precisa e vale seu tempo e seu dinheiro.

O novo creator é como se fosse a loja vazia. Quando ainda não existe um movimento acontecendo, é necessário todo um salto de fé para que alguém veja o seu conteúdo, compartilhe e comente.

Então, se você conseguiu fazer com que essa pessoa também te siga, é porque ela tomou essa decisão por ela mesma. Seu conteúdo fez a diferença.

A gente precisa dizer isso: quem já tem uma comunidade tem vantagem. A gente gosta de ver quem já “chegou lá”.

E isso, por extensão, nos faz perceber que os primeiros seguidores de quem está começando são os mais difíceis, os que valem mais.

Pra fazer uma conta de padaria aqui, é como se cada um dos primeiros seguidores valessem por 100 — a proporção do atrito é mais ou menos por aí, segundo o Data Luri.

Logo, se há mais atrito, é necessário mais esforço por parte do escritor para cativar esse leitor. No meio dos produtos digitais, a gente chama isso de Custo por Aquisição — o investimento que você precisa fazer para gerar a conversão que você quer. No nosso caso aqui, a assinatura da nossa newsletter.

O curioso é que todo consumidor de mídia vive um paradoxo entre o desejo por novidade e a busca por pertencimento e familiaridade. Uma vez, li num livro chamado Hit makers: como nascem as tendências, a seguinte citação:

“A maioria dos consumidores são, ao mesmo tempo, neofílicos, curiosos para descobrirem coisas novas, e profundamente neofóbicos, temendo qualquer coisa que seja nova demais. Os melhores hits foram feitos por artistas que têm o dom de criar instantes de significado ao casar o novo com o antigo, a ansiedade com a compreensão. São arquitetos de surpresas familiares.”

No exemplo que dei, sobre a loja vazia, o esforço do vendedor não é apenas para seduzir, mas para criar um espaço familiar, de conforto, que gere abertura ao que vai ser vendido.

No caso do criador de conteúdo, isso se dá pela repetição, pelo tom, pela consistência de publicação. Acontece vez após vez, quando o leitor “esbarra” com seus textos e links aqui e ali.

A decisão de seguir pode ocorrer de uma vez, mas o mais comum é que seja uma construção que se dá à medida que a sua presença se torna familiar. É uma construção de confiança que vai se estabelecendo em camadas. Primeiro o clique, depois outro clique, depois assina pra receber mais, depois faz um apoio pago, depois compra um produto… e por aí vai.

Essa é apenas uma das muitas razões pelas quais não devemos analisar o sucesso de um texto isoladamente — nem quando já temos presença consolidada e muito menos quando estamos começando.

Você é o que você faz, não o que você diz

Qualquer pessoa que tenha feito uma oficina de escrita alguma vez na vida, já ouviu falar do show don't tell. Ou, em bom português, “mostre, não conte”.

A premissa, como a expressão dá a entender, é de que contar ou instruir o leitor sobre o que aquela cena supostamente deveria ser ou como ele deveria se sentir, é prejudicial à experiência em si. E, bem… a sua presença online também está sujeita a esse mesmo princípio.

É por isso que, no meu curso Ano 1, minha proposta é que antes de focar em crescimento, você deveria focar em estabelecer identidade como criador. E, provavelmente, a melhor forma de fazer isso é colocar trabalho no mundo por tempo suficiente até que um padrão se estabeleça.

Quando falamos em um ano como uma métrica básica, estamos falando de uns 50 textos — se você decidir publicar toda semana. Pode até parecer loucura quando a gente coloca o número assim todo de uma vez, mas eu acho super interessante observar o que acontece com a gente quando nos deparamos com ele.

É natural começar a se perguntar algo como “sobre o quê eu conseguiria escrever com essa frequência, por tanto tempo, sem pesar e sem ter que fingir?” Essa pergunta, quando respondida com honestidade, revela mais do que qualquer exercício de posicionamento.

Antes de se preocupar se o seu público está crescendo, você precisa dar razões para alguém se tornar um fã. Um “fã” se cria quando uma pessoa pode passar uma tarde inteira lendo seus textos e terminar o dia feliz, achando que encontrou algo muito legal.

Eu considero esse esforço muito mais fundamental do que ver os números crescendo. E posso garantir que essa troca de foco, eventualmente, levaria a uma clareza que teria como consequência, justamente, um ganho de público.

Então, publique.

A pergunta dolorida: será que meu conteúdo é bom mesmo?

Há um tempo atrás, eu estava bem envolvido com a ideia de fazer meu canal de Youtube crescer. Nisso, encontrei um vídeo com falas do Mr. Beast.

Ali, ele explicava de uma virada de chave que teve. Ao invés de dizer que “o algoritmo não tinha gostado do meu conteúdo”, ele preferia dizer que “as pessoas não gostaram do meu conteúdo”.

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Era uma manhã de maio de 2022. Naquele dia 16, preparei o primeiro post desta newsletter que você lê agora. Um texto bastante simples, só demarcando que eu começaria a ocupar esse espaço digital.

Para quem não sabe, maio é o mês do meu aniversário. Não sei se todo mundo é assim, mas quando termina abril, começa a temporada de reflexões. Não que eu não esteja em constante estado reflexivo — se tem um problema que carrego é o de, às vezes, pensar até demais em muita coisa que não precisa ser pensada.

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Naquele ano, já tinha passado uma fase tentando me reconstruir após um burnout seguido de demissão. Foram quase dez anos desempenhando um certo papel, falando de uma certa coisa, sendo um certo alguém. Não foi fácil me reconstituir mas vinha sentindo firmeza o suficiente nos pés para dar passos próprios. Como falei em outro texto, eu tinha cansado de desperdiçar minha criatividade com o sonho dos outros.

“Tenho amigos músicos que fazem jingles pra publicidade. Ilustradores que desenham para o aplicativo do banco. Escritores que se tornam especialistas em estratégias de inbound marketing… e por aí vai. São trabalhos honestos e que pagam as contas. Eu mesmo faço isso também. Mas todos são pessoas que de alguma maneira se viram obrigados a usar suas habilidades em troca de uma quantia que não superava o que realmente custava estar ali. Ao longo dos anos, é visível como algo fundamental fica quebrado por dentro.

Percebo que não é porque eu gosto de escrever que vou ficar feliz escrevendo manual de instruções de microondas. Muitas vezes, brinco que a melhor forma de odiar uma coisa que você ama é começar a trabalhar com ela — uma brincadeira que tem um baita fundo de verdade.”

De lá pra cá, obviamente, muita coisa mudou. Comecei a newsletter pra arrancar esse sentimento de mim, só tentando me expressar, tirar a poeira. Não muito tempo depois, mais gente foi chegando e aí, percebi que estava na hora de levar o projeto mais a sério. Parei e retomei o Puxadinho muitas vezes. Mas, se tem algo que aprendi até aqui é que a continuidade é uma linha tracejada — se voltei, isso significa que o projeto continua.

E aqui estamos. Quatro anos escrevendo, publicando, demarcando um território que posso chamar de meu.

Hoje, somos 7 mil pessoas. Nada mal para quem começou enviando e-mails para um punhado de amigos que receberam uma mensagem do chatão do “hey, estou abrindo um Substack, assina lá”.

Qual o sentido de manter uma newsletter?

Outro dia, participei de um papo com o sobre Substack. Ele fez uma pergunta que iniciou um processo em mim.

“Você está há anos colocando no ar texto após texto, semana após semana. Por que você faz isso?”

De bate-pronto, eu não soube muito bem como responder, a não ser com a coisa mais espontânea que veio à minha mente.

Mas, depois que o papo acabou, aquilo ficou maturando.

Ali, eu disse que era porque gosto do processo criativo. E, de fato, gosto. Não estava mentindo porque não tem como negar que esse é um dos principais motores. Mas, como tudo na vida, acho que tem mais camadas aí que valem ser exploradas.

Sei que eu poderia desistir a qualquer momento. Inclusive, já pensei muitas vezes no assunto. Só parar. Deixar o acervo de textos aí para quem, por acaso venha a se encontrar com eles e seguir a vida fazendo qualquer coisa.

Mas, imediatamente, noto que não seria tão simples. Todas as vezes em que dou uma pausa, não demora muito, tem um vazio que se instaura. Parece que uma sala no meu corpo foi desocupada e não entrou outra coisa no lugar.

E, como quem sente fome depois de algumas horas, me vejo buscando um tempo para sentar, fechar todas as abas, ir para longe do celular e só habitar o tal espaço que ficou lá me esperando.

O curioso é que escrever nunca é fácil. Esse texto mesmo, foi fruto de várias tentativas. No começo dessa semana, tentei acordar duas vezes às 5:30 da manhã para pegar o silêncio, mas falhei. Ainda com esperança, tentei fazer depois da janta, mas fiquei encarando a tela em branco e o celular venceu. Quando dei por mim, estava cansado demais e capotei. Apenas no terceiro dia os pensamentos fluíram. Em geral, o processo é meio tortuoso desse jeito. É o meu normal.

O bizarro é que gosto disso. Eu adoro dar duro, ficar espremendo até encontrar o texto. Parece que fico aqui com uma antena tosca tentando achar algum sinal e, de repente, sai música do meu radinho, alguém fala e fico feliz por ter achado algo interessante.

Sou daqueles que começam sem saber exatamente o que tem para falar. É o processo de sentar que revela o texto. E, juro… quando acho, fico satisfeito por ver a coisa escrita. E é um paradoxo divertido, porque eu sinto orgulho por ter escrito algo que ache bom, mas ao mesmo tempo, no minuto em que está fora de mim, não parece mais que fui eu quem fez.

Tanto é que, até hoje, não tenho muito interesse em views, likes ou seja lá qual a métrica do momento. Eu não consigo me motivar por nada disso — o que é até um certo problema. Comentários, por outro lado, sempre me alegram. Adoro ver as reações das pessoas e saber de qual maneira o que eu fiz chegou do outro lado.

Escrever, publicar, ouvir as pessoas. Apesar de não ter sido o que me fez começar, é uma parte fundamental do que me faz continuar.

Acredite na sua versão mais elevada

Às vezes, me pego lembrando que inicialmente, foi uma amiga me trouxa pra cá pro Substack — a , do . Ela, a pessoa mais entusiasmada que conheço, estava super feliz com a plataforma. E, como ela sempre me coloca pilha pra sonhar mais alto, pra me expressar, pra ser quem eu sou, foi exatamente isso que ela fez.

Inclusive, acho que todo introvertido deveria ter um amigo assim. Nada como estar ao lado de quem acredita na sua versão mais elevada.

O interessante é observar como muitas e muitas vezes, ela era um exemplo de pessoa que acreditava em mim mais do que eu mesmo. Fui treinado a isso pela vida, sempre me adaptando às circunstâncias, tentando sobreviver em meios que não estavam dispostos a me ouvir de verdade.

Então, como diz o meme… algum dia, sua amiga vai falar que você tem muito a contribuir e que deveria abrir um Substack, Youtube, ou coisa que o valha. É muito importante que você ouça.

Sei que, quando falamos em autoestima na internet, isso recai num lugar que facilmente vira um poço para o egocentrismo e o egoísmo. É a coisa mais comum ver isso se tornando discurso autoajuda e materialismo espiritual. Mas observo que é urgente, como criador, desenvolver a apreciação pelo que faço e por quem sou.

O motivo é simples: se tenho interesse em me mover por compaixão, o lógico é que, no mínimo, ofereça algo que eu gostaria de receber. Ou seja, nada menos que o meu melhor, aquilo que gosto, que valorizo, feito do jeito mais cuidadoso possível.

Quando parto do pressuposto de que o que tenho é pouco, que não é digno de destaque, que não vale tanto assim, melhor nem publicar pra não fazer os outros perderem tempo. E eu não quero ser assim. O que quero é ser a criança cheia de brilho no olho, andando pela casa e mostrando pra todo mundo o desenho que acabou de fazer.

Nesse sentido, escrever e publicar tem sido um processo de me tornar o ser humano que eu realmente gostaria de ser.

4 anos depois, um projeto de futuro

Quando comecei aqui, o nome da newsletter era Puxadinho do Luri. Com o tempo, passei a usar menos esse nome porque sentia que ele não representava mais o espaço que a newsletter foi ocupando na minha vida.

Do começo até aqui, já soltei disco, lancei canal de Youtube, fiz oficina, curso, mentoria. Alguns textos furaram a minha humilde bolha e continuam recebendo acessos até hoje, o que é um feito que acho super legal.

Não é raro eu dizer que me sinto alienígena no mundo. Eu genuinamente não entendo muita coisa. Mas depois que comecei a escrever, acho demais como me sinto acolhido, encontrando quem tem a mesma vibe.

Eu acho demais quem tem comunidades ao redor do que faz, com pessoas que apoiam, se interessam pelo que eles têm a oferecer, compram seus projetos, cursos, etc. No meu caso, sei que ainda tenho muito o que melhorar na minha forma de abordar isso, mas cultivar essa comunidade de uma forma saudável é uma das minhas prioridades.

Eu quero um mundo onde possamos ser mais compassivos, generosos, amorosos, pacientes, abertos. Mas, infelizmente, vejo pouquíssimas pessoas escrevendo sobre isso de um jeito que faça a gente ver como é legal demais andar satisfeito, com o coração leve, repleto de bondade, de vontade de contribuir, de adicionar beleza.

Pra mim, sempre parece que se fala sobre isso de um lugar de quem está tentando bancar o espiritualzão e que é errado viver como um ser humano qualquer por aí, fazendo piada, tomando uns drinks, beijando umas bocas, falando besteira.

Num mundo cada vez mais maluco, consumista — e fascista — parece que é até proibido falar desses temas. Mas cá estou, fazendo da escrita a minha forma de atacar meus moinhos de vento.

Então, não tenho como não terminar agradecendo. Você é essencial, quer saiba ou não.

É por isso que, todos os dias, antes de dormir, eu aspiro pela sua felicidade.

Um abraço e até o futuro!

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“Você tem tudo, exceto uma coisa. Loucura! Um homem precisa de um pouco de loucura, ou então, nunca se atreve a cortar a corda e ser realmente livre.”

Essa é uma fala de Zorba, o Grego. Um filme de 1964 que retrata o encontro entre duas pessoas. Um escritor, de perfil introvertido, ordeiro, limpinho, preciso. E Zorba, movido pela fluidez das ideias, da espontaneidade e do sentimento.

À primeira vista, parece que estamos falando de dois opostos. Homens que jamais compartilhariam um almoço. Mas, quando eu vi o filme, a impressão era de que tinham duas partes minhas finalmente conversando entre si.

O filme não tem uma trama forte no sentido clássico. Ele se move pelo atrito entre esses dois personagens, guiado pela atmosfera, pelas conversas, pelo jeito que Zorba arrasta o escritor para fora de si mesmo. Anthony Quinn transforma Zorba em algo maior que um personagem. Uma postura diante da vida.

E Alan Bates, como o escritor, carrega o peso de calcular todas as possibilidades, escolher a certa e nunca ver até onde os flertes com o erro o levariam.

No fundo, o filme lança uma pergunta que fica latejando depois que tudo acaba: qual dessas duas partes você está deixando definhar?

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***

A escrita é um ofício muito acessível. Tendo a sorte de ter sido alfabetizado, você precisa de bem pouco para começar. Um caderno na mão e uma ideia na cabeça.

O grande problema da escrita, porém, é o escritor.

Veja meu triste exemplo: mesmo vivendo sozinho, sem filhos e sem um gato pra dar água, acordo com as galinhas, faço meu café e sento. O cursor pisca. Os olhos também. A boca seca. Lembro do dia que vem pela frente, os clientes que preciso atender, as demandas que vão chegar. Olho o relógio.

Dez minutos, meia hora… de repente, o salto quântico para o exato momento do início da primeira reunião do dia.

Com essa, os gurus de produtividade não contavam. Eu não consigo trabalhar pensando na próxima coisa que vou fazer.

***

Almocei.

O privilégio de trabalhar em casa tem seus prazeres sutis. Muitas vezes, é o momento em que tiro um pequeno cochilo antes do segundo turno de escrita do dia.

Mas hoje, pulei o cochilo porque aquele objeto transparente azulado, revestido de nostalgia, me chamou novamente. É meu Game Boy Advance na mesinha de cabeceira.

Ligo e escuto o “plim” da Nintendo. Eu sempre sorrio quando faço isso. A chavinha que tem um leve click, a tela com o logo descendo… é muito satisfatório.

Abro aquele Mario, o Yoshi's Island, e percebo que avancei bastante. Sexto mapa, quinta fase.

Eu não precisei dedicar horas do meu dia, fazer longas sessões ritualísticas. Cheguei aqui só jogando uma ou duas fases antes de começar a trabalhar depois do almoço. Uns dez ou vinte minutinhos de jogo e agora já estou quase terminando.

Tem uma lição aí.

***

Numa daquelas épocas de travamento, depois de passar meses sem conseguir criar, decidi destravar com um exercício de escrita.

Eu tinha visto ele num livro de um autor chamado Pat Pattison, chamado Writing Better Lyrics. Como dá pra perceber, era um livro sobre composição musical, mas eu acho extremamente útil até hoje.

Ele chamava de “object writing” e consistia em escolher um objeto aleatório — uma xícara, uma caneta, uma câmera, um animal… qualquer coisa — e escrever sobre ele por 10 minutos. Nesse processo, você tem que evocar o cheiro, a cor, a textura, tudo que ajude a sentir o objeto.

Mas a regra mais importante nem era sobre o durante, mas sim sobre o final. Quando o relógio tocasse, você tinha que parar imediatamente. Nada de terminar a frase, nada de continuar por mais um minutinho até concluir a ideia. Só parar.

Esse exercício me mostrou duas coisas.

Uma é que, nos primeiros dias, era muito difícil acessar as ideias. Eu passava 90% do tempo tentando achar algo que fosse digno de ser escrito. Às vezes, chegava ao final do exercício e tinha escrito uma frase, algumas palavras soltas. Não tinha nada muito concreto.

Mas, com o tempo, eu passei a acessar a “entrada da escrita” cada vez mais rápido. Era como se alguém tivesse aumentado o volume do pensamento e eu começasse a ouvir as frases com mais clareza. O “sinal” foi ficando mais forte.

A outra lição foi sobre a importância de não trabalhar à exaustão. Eu sou cheio de ficar enlouquecido quando tenho uma boa ideia. Vou até o fim, escrevo com sangue e suor até cair desfalecido — ok, exagerei, mas é algo nessa linha. No entanto, esse exercício pede que você pare no meio, não importa onde tenha ficado. Isso é muito importante — e desagradável.

Esse desconforto de não ter terminado faz com que a sua mente siga processando as ideias a nível subconsciente. Ela continua procurando formas de terminar, mesmo que você tenha saído da mesa.

Com o tempo, você começa a olhar ao seu redor e imaginar cenas. Você ouve alguém dizer uma frase e as luzes internas acendem. As pessoas passando na rua e conversando suas aleatoriedades diárias viram uma fonte infinita.

Ou seja, esse exercício não só ensina a começar mais rápido, mas também ajuda a regular a antena das ideias.

***

Vivo essa eterna gangorra.

A necessidade de organização, de disciplina, consistência, foco. E, ao mesmo tempo, tenho que lidar com uma energia fervilhante, curiosa, infantil.

O paradoxo é que uma energia precisa da outra. Elas não existem sozinhas, só existem em tensão.

Escrever é, basicamente, fotografar o pensamento. As coisas precisam ser enquadradas para que um sentido possa aparecer. Caso contrário, é como se você tivesse jogado as peças do quebra-cabeça pro alto. Alguém precisa ir lá e organizar as coisas. Esse alguém é o escritor.

Mas, ao mesmo tempo, é preciso lembrar que o quebra-cabeça ainda é um brinquedo.

Ou seja, se tiver que escrever, escreva como quem joga Mario na hora do almoço.

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Gaveta de links

• Esse texto da sobre fazer as pazes com o desejo de ser lida vale cada caractere.

• Amo ver gente inteligente falando, mas a Ursula K. Le Guin era outro nível. “Defina, o que você quer dizer com progresso? Acho que a gente meio que assumiu que significa avançar em direção a algo melhor, mais elevado, mais nobre, mais generoso, mais livre. Não sei… você pode progredir em direção ao mal tão fácil quanto.”

• Eu adoro os vídeos da Hello Erika e achei muito legal esse dela terminando uma pintura em 24 horas.

• Assisti Valor Sentimental no MUBI e curti.

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A dona do restaurante sorri antes mesmo de abrir a boca, como quem já sabia a resposta.

— Você não tem namorada?

A voz é madura e aconchegante, mas as palavras mordem.

— Ela está chegando.

Eu sabia que não estava.

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Lembrei do que tinha acontecido alguns minutos antes. Tenho certeza que a dona do restaurante queria me constranger porque estava sozinho e pedi uma mesa, ao invés de aceitar a proposta de ir para o balcão.

Eu recusei porque jurava que, assim, estaria me escondendo, mas o restaurante não tinha cantos escuros. Em todo lugar que eu sentava, a luz ia até mim, contrariando meu impulso de autopreservação.

Aquele era um típico izakaya, visível apenas para os passantes mais atentos. Uma portinha, uma escada e uma cortina vermelha, impedindo quem está de fora de ver o que tem lá dentro.

Ao entrar, afastei as cortinas e o espaço se formou à minha frente.

Agora, paro para notar. As luminárias de papel tremulam. Nas paredes, alguns kanji, cartazes com mensagens mais longas em japonês e um aquário, com peixes multicoloridos. Eu não consigo ler e nem identificar os peixes.

Ao fundo, um Buda dourado. Sentado, com a palma da mão direita repousada sobre a perna direita, tocando o chão. A mão esquerda sobre o colo, segurando um pote de arroz. Olhando de novo, não consigo definir bem a expressão. Não vejo os olhos, mas sinto que eles me observam. A boca tem um leve e confiante sorriso. Ainda assim, não me sinto em paz.

A dona corre de um lado para o outro, orquestrando a entrada e saída de pessoas, o fluxo de funcionários e os pedidos para cada mesa. Eu não ouço exatamente o que ela diz, como se tudo estivesse embaixo d’água, exceto quando ela se direciona a mim.

— Peça e eu trago pra você.

Ela me serve saquê, ainda que eu não tenha dito nada. Seus olhos brilham como bolhas ao sol. Seu rosto, de repente, me lembra a mulher que decidiu não vir. O mesmo formato, o mesmo nariz, a mesma boca.

Pego o cardápio e sinto frio na barriga.

— Eu não sei o que eu quero.

A dona sorri.

— Agora sabemos por que ela não veio.

Ainda mais constrangido, tento ler o cardápio. As letras perdem o foco e dançam devagar.

Penso em ser agressivo, dizer que eu não mereço ser tratado assim.

Então, percebo as pessoas ao meu redor. Todos são diferentes tipos de eu. Alguns, bem parecidos comigo. Outros, provavelmente viveram vidas totalmente diferentes da minha. Olhando com atenção, noto que estão sentados todos os tipos de casais e configurações de sexualidade que você puder imaginar. Basicamente, todas as fisionomias, cores e gêneros que eu poderia ter tido.

Um eu que ria alto com uma mulher bonita no colo, outro eu que dividia um prato com um homem alto e bem vestido, um terceiro eu que era uma mulher e sentava abraçada a uma garota de cabelo longo, preto. Rosto relaxado, postura aberta. Aquele jeito de quem sabe que conseguiu.

Uma mesa chama mais atenção que as outras. De um lado, era eu — literalmente eu, mesmo corpo, mesma aparência. Do outro, era ela. O encontro desse eu não tinha resultado em ausência. Os dois sorriam, ela reclinada pra frente, as mãos se encontrando.

Uma lágrima chegou perto de cair, mas o sentimento era raiva. Inveja. Eu queria perguntar por que ela fez isso comigo, o que mais ela queria de mim. Fiz força nas pernas para levantar, mas interrompi o movimento.

— Eu trouxe o que você realmente precisa—ouço.

A dona, de repente, me entrega um peixe cru inteiro em um prato. Não era exatamente o que eu esperaria de um restaurante como aquele.

Ela fala, mas seus lábios não se movem.

— Não existem vitoriosos no Samsara.

O Buda sorri.

O peixe tem um cheiro desagradável, mas como assim mesmo. É o melhor peixe que já provei na vida.

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Variando o cardápio

Olá, pessoa querida!

Hoje decidi variar o cardápio. Faz um bom tempo que não envio um conto, então, dessa vez quis exercitar um músculo diferente da escrita, arriscando uma brincadeira meio Lynchiana. Afinal, Twin Peaks está virando minha religião.

Espero que goste — mas se não gostar, tudo bem também. :)

Vou participar do Clube Passageiro

Volta e meia eu cito o Matheus de Souza por aqui. Ele tem a Passageiro e a Faça Você Mesmo, duas das minhas newsletters favoritas aqui no Substack.

Tive a honra de ser convidado pra participar do Clube Passageiro, a comunidade dele, que se encontra uma vez por mês para papear sobre escrita, produção de conteúdo, monetização, livros, viagens e aleatoriedades.

Vamos prosear sobre Como Começar no Substack, passando pelos temas de posicionamento, linha editorial, criação de comunidade e o que mais o nosso coração pedir.

Assinantes do Puxadinho também têm entrada garantida. Amanhã passo o link para os chegados. ;)

• Data: quarta-feira, 06 de maio de 2026.

• Horário: 18h30 de Brasília.

• Como participar: inscrevendo-se em qualquer um dos planos pagos do Clube Passageiro ou do Puxadinho do Luri.

Passageiro

Clube #32 – Como começar no Substack? (feat. Luri Ribeiro)

O Clube Passageiro é uma comunidade que se encontra uma vez por mês para papear sobre escrita, produção de conteúdo, monetização, livros, viagens e aleatoriedades…

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4 months ago · 9 likes · Matheus de Souza and Luri Ribeiro

O Substack é um oásis. Um canto na internet com um bocado de gente legal compartilhando conhecimento, escrevendo histórias ou só contando da vida mesmo. Tem pra todos os gostos.

Muita gente chega e se deslumbra porque, apesar de ter seus problemas, como qualquer plataforma, o geral do Substack é bem interessante.

A questão é que uma coisa é ser leitor e outra é ser autor. Subir no palco pra começar a se expor ativa todo tipo de bloqueio e trauma. O que parecia uma boa ideia, de repente, vira motivo pra suar frio.

Esse é um texto para quem está nesse momento. Vou falar um pouco sobre os principais obstáculos de quem está começando e como simplificar pra passar desse período e chegar do outro lado feliz.

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Como ter consistência criativa?

Talvez, essa seja a dúvida que eu mais escuto repetida por aí, pelos meus comentários e caixas de entrada.

Com certeza, a consistência é um fator essencial. Nós não somos vistos como artistas por aquela vez que fomos numa oficina de pintura. As pessoas só vão dizer “á lá o pintor” se passarem na frente da sua garagem e verem que você está lá de novo. É na repetição que se constrói uma vida criativa.

Claro que, atualmente, essa garagem aberta é, na maioria das vezes, a sua presença online. Então, não dá pra esquecer de pingar aqui e ali sobre o que você anda aprontando.

No entanto, existe uma armadilha aí. Quando eu digo para você estar online, não é ficar quatro horas por dia rolando reels. Estou falando de postar, interagir por um período razoável, mas fazer o que importa em seguida, sem dar nenhum minuto a mais da sua atenção pro Zuck.

Dito isso, é essencial respeitar o seu momento criativo todos os dias. Bater ponto. Não conseguiu criar nada? Tudo bem. Confia que em algum momento você vai ter treinado a sua mente a operar dentro daquela janela de tempo.

Sei que é uma analogia batida, mas juro que é igual ir na academia. Você vai, faz seu treino e volta pra sua realidade. Parece difícil no começo, mas depois de uns meses, fica até de mau humor se não vai.

Se você conseguir fazer 12 semanas de rotina criativa sem falhar e isso não mudar a forma como você se relaciona com a consistência, pode voltar e me cobrar um sorvete.

Saiba que tipo de iniciante você é

Nem todos os iniciantes são iguais. O fato de você estar começando numa nova plataforma, como o Substack, pode significar mil coisas. Você pode desde já ter um trabalho com público em outro lugar, uma profissão que pode servir de base ou pode nem saber como se estrutura um texto. Então, isso também importa: saiba que tipo de iniciante você é.

Alguns tipos básicos, só para referência:

O migrante: é aquele que já construiu um trabalho em outra plataforma (Youtube, Instagram, podcast) e tem uma audiência pra trazer. Às vezes, esse público já é uma base de e-mails, o que facilita. Quando não é o caso, a migração pode ser um pouco mais complicada. De qualquer forma, é bem melhor do que começar do zero. Aqui, muitas vezes, o problema está mais em aprender a desenvolver um trabalho nesse outro formato.

O especialista sem audiência: já tem uma bagagem profissional, conhecimento técnico e experiência. Falta a parte de transformar isso em conteúdo e levantar a audiência.

O escritor indefinido: aqui, a pessoa escreve super bem, mas não tem uma massa de público pra distribuir. Além disso, também não faz muita ideia sobre para quem ou o quê, exatamente, escrever. É um problema quase oposto ao anterior. A pessoa sabe expressar, mas não sabe o que colocar na proposta de conteúdo.

O aprendiz: quando não existe público, não tem uma profissão “conteudável” e ainda falta desenvolver o músculo da escrita. Aqui, tem muito trabalho a ser feito, mas por mais que não pareça, é um dos melhores cenários quando existe a paciência e a consistência.

O repetente: aquele que tentou criar um canal, um blog, um podcast, mas parou. Quando existe a bagagem de falhas anteriores, pode ser que algumas narrativas internas predominem e atrapalhem de ganhar forças para seguir.

Saber quem você é nessa fila do pão ajuda a pensar em estratégias mais adequadas para o seu caso. E, como é de se esperar, saber qual remédio aplicar ajuda a descomplicar as coisas.

Saiba que tipo de criativo você é

Dá para dizer que as pessoas criativas costumam estar dentro de um espectro, no que diz respeito ao perfil psicológico e à forma de abordar o trabalho. Para fins didáticos, vou chamar de eixo estrategista-intuitivo.

O perfil estrategista é aquele que parece ser o mais elogiado pela internet. É a pessoa que prefere saber exatamente o que fazer com antecedência. Amante de planilhas, calendários e listas de tarefas. Senta e faz.

Já o intuitivo funciona diferente e, muitas vezes, não se dá tão bem com essa parafernália técnica. Uma lista de pautas raramente funciona porque ele precisa sentir algo para expressar. Às vezes, começa a escrever antes de saber o quê — ele procura o texto até achar. Por ser mais conectado aos sentimentos, às ideias, às filosofias… acaba se enrolando, procrastinando, se perdendo. Em troca, costuma chegar em resultados mais profundos, verdadeiros, imaginativos.

No final das contas, os dois perfis têm seu momento — e, na prática, nós oscilamos aí dentro.

Por exemplo, não tem como negar que ter um senso de direção importa. Não dá pra sair fazendo qualquer coisa sem ter a menor noção. É necessário um nível de compatibilidade entre os assuntos, formatos e abordagens para que uma proposta clara surja e não confunda demais quem vai ler sua newsletter.

Dito isso, ter a consciência dessa dimensão do trabalho não significa dizer que absolutamente cada vírgula que você escreve tem que ser calculada, imaginando os efeitos na comunidade e focando em acelerar seu crescimento, viralizar, furar a bolha, transcender os limites do espaço-tempo.

Obviamente, todo mundo quer crescer, construir um público e, quem sabe, até ganhar um dinheiro fazendo essa coisa que a gente adora fazer. Não estou pregando também o completo oposto e dizendo que temos que criar apenas por amor, sem pensar no impacto, alcance, etc.

Porém, se trazer esses aspectos para a sua criatividade no momento da criação atrapalha o seu fluxo, se traz aflição, te faz procrastinar ou simplesmente não fazer a sua coisa… pow, aí a gente tem um problema, né?

Talvez valha considerar que você não é esse tipo de criador super estratégico-marketeiro, que constrói personas e faz o que faz já imaginando o slogan com que vai vender a coisa. Tem gente que não é assim, paciência.

Caso esteja difícil, pode ser que você esteja colocando muita energia em ser alguém que você não é.

Nada do que você decidir agora está escrito em pedra

Ainda nesse aspecto do que decidir e como fazer, vejo muita tensão no que diz respeito à formação de um posicionamento, sobre qual persona atingir, que tipo de artista/creator se tornar, etc.

Posso dizer com toda certeza do mundo: ninguém começa e termina igual. O natural e correto é mudar de opinião, de posicionamento, de identidade, de tudo.

Basta olhar qualquer artista famosão que você curta: eles nunca estão iguais à como começaram. E como poderiam? A vida anda.

Sendo assim, é bom também tirar esse peso todo do começo. Defina o que tiver que definir, só pra não ir totalmente às cegas. Mas logo que perceber algo que precisa mudar, mude. Sem dó, sem fritação, sem pensar demais. É até melhor que seja assim.

Só chegou à forma final quem já morreu.

O único ponto indispensável: escreva

Então, quando você não sabe qual direcionamento dar pra sua newsletter, tem medo sobre o que pode acontecer, se cobra demais, não sabe ser consistente… tudo isso tem uma única solução dividida em duas partes: escrever e publicar.

Primeiro você publica um texto, depois outro e outro… e nota que ninguém respondeu. Então, você publica mais, mudando uma coisinha ali e outra lá. Daí, percebe que gosta dos textos, mas que talvez seja melhor trabalhar os títulos e as imagens pra deixar mais atraente para quem ainda não conhece a sua escrita… e por aí vai.

Não existe outro processo. É escrever, publicar, entender o que pode não ter funcionado, melhorar uma coisinha, escrever e publicar o próximo e repetir essa sequência para sempre.

O mais importante é criar. Sem a sua escrita, música, fotografia, ilustração, etc, você não tem nem sobre o quê criar estratégia. Então, foco no que importa.

O resto você vai aprendendo com o tempo e uma hora as coisas se encaixam.

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Vou participar do Clube Passageiro

Volta e meia eu cito o por aqui. Ele tem a Passageiro e a Faça Você Mesmo, duas das minhas newsletters favoritas aqui no Substack.

Tive a honra de ser convidado pra participar do Clube Passageiro, a comunidade dele, que se encontra uma vez por mês para papear sobre escrita, produção de conteúdo, monetização, livros, viagens e aleatoriedades.

Vamos prosear sobre Como Começar no Substack, passando pelos temas de posicionamento, linha editorial, criação de comunidade e o que mais o nosso coração pedir. Mais detalhes, aqui.

Passageiro

Clube #32 – Como começar no Substack? (feat. Luri Ribeiro)

O Clube Passageiro é uma comunidade que se encontra uma vez por mês para papear sobre escrita, produção de conteúdo, monetização, livros, viagens e aleatoriedades…

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4 months ago · 9 likes · Matheus de Souza and Luri Ribeiro

Gaveta de links

• Continuo engajado com Twin Peaks, quase terminando a série original, então, vou renovar essa recomendação. Tem no MUBI.

• No embalo, assisti essa masterclass do David Lynch que, evidentemente, é uma ótima aula.

• Pouco falo disso por aqui, mas tenho uma obsessão absurda por games retrô. Eu quase não jogo, mas meu Youtube só dá videoensaios sobre isso. Ultimamente, tenho gostado bastante do canal do Analog Den. Se eu fizesse um canal de games, provavelmente seria algo assim.

• Voltei a escrever à mão, coisa que tinha deixado de fazer um tempo atrás. A melhor parte é renovar a papelaria. Comprei esse caderno e essa caneta. Simples, mas efetivo.

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— Porra, Luri, que burro!

Caiu o café e essa foi a minha reação.

Normalmente, eu encaro essas falas como piada. Mas dessa vez, bateu diferente. Não consigo nem pensar que eu seria capaz de virar pra alguém que fez uma bobagem como derrubar um pouco de café e chamar ela de burra na cara dela. Mas é o que eu fiz comigo. É o que eu faço, admito com uma certa vergonha.

Provavelmente, meu momento de vida estava relacionado ao aumento da frequência nesses eventos. Fazia um tempo que algo tinha se rompido. O fio que me conectava ao meu trabalho soltou. Não conseguia sentir as palavras com a mesma força que antes. Era como se eu tivesse perdido os meus poderes. A caneta pesou.

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***

Um dos meus filmes favoritos é O Serviço de Entregas da Kiki.

Nota: Desculpa se você nunca viu, mas agora vou contar um trecho. Acho que, se o filme tem mais de trinta anos pode, né?

Tem uma cena nesse filme que virou um marco na representação do que acontece quando um artista se esgota. Kiki, a bruxinha que protagoniza a animação, busca ganhar a vida usando seus poderes. Então, ela monta um negócio de entregas, já que pode levar as coisas voando na vassoura.

No começo, tudo dá certo. Mas dia após dia, a pressão aumenta, os clientes vão ficando cada vez mais exigentes, até que ela pifa. Não consegue mais voar.

Isso dura um tempo, ela fica triste, perdida… mas depois de conhecer a Ursula, uma pintora que vive no meio da floresta, vai progressivamente se recuperando. Ela descansa, conversa, passa um tempo com essa nova amiga.

Ela não se recupera forçando a barra, gritando consigo mesma, trabalhando enquanto chora. Ela só se recupera quando esquece um pouco das coisas.

A recuperação criativa é um processo de cicatrização.

***

Eu sentia que estava precisando de inspiração.

Fui chamado por Twin Peaks, que eu tinha assistido alguns episódios soltos, mas nunca tinha engajado do começo ao fim.

O agente Cooper tem uma das falas mais bonitas de Twin Peaks. Ele vira pro delegado Truman e diz:

“Harry, vou te contar um segredo. Todo dia, uma vez por dia, dê um presente pra você mesmo. Não planeje, não espere. Deixa acontecer. Pode ser uma camisa nova. Um cochilo na cadeira do escritório. Ou duas xícaras de um bom café preto bem quente. Como esse.”

Truman responde: “Um presente. Tipo Natal.”

Cooper concorda e os dois sentam pra tomar café.

***

Vendo o agente Cooper, é impossível não lembrar do próprio David Lynch, da maneira como ele se expressava e manifestava a sua forma de viver por meio do seu fazer artístico.

Lynch era praticante da meditação transcendental. Dizem que ele meditou todos os dias, desde que descobriu a existência dessa prática até a sua morte.

Essa citação dele, do livro “Em águas profundas: criatividade e meditação”, não sai da minha cabeça.

“Se vou para o set com medo, obtenho um por cento e não os cem por cento que poderia obter. E deixa de ser divertido estar com os outros. E deveria ser divertido. O que se espera tanto no trabalho como na vida é que estejamos juntos. Todos nascemos para sermos felizes, felizes como cachorrinhos abanando os rabinhos. Nascemos para viver uma grande vida, uma vida que se espera ser fantástica.”

É essencial que o trabalho seja feito com contentamento. Nós não nascemos para o sofrimento.

***

Os cronogramas arrancam de nós um aspecto importante da atividade criativa: a leveza de poder sentar para fazer algo sem objetivo nenhum. Escrever é bom porque é. Não precisa de mais nada além disso. Ao menos, esse é um dos motivos pelos quais escrevo: só é bom mesmo.

Mas, às vezes, pensando nos números, em como fazer a newsletter crescer, como monetizar o projeto, essa parte da escrita acaba soterrada. E, com isso, eu me desconecto dela. Escrever vira só mais uma tarefa na lista. Algo que faço porque devo, não porque quero. E aí, claro, a frustração cresce, a criatividade some, e a escrita, que antes era um refúgio, vira mais uma cobrança.

Ainda assim, não dá pra fingir que o sonho vai deixar de ser só um sonho se não houver um pouco de suor.

***

Uma das premissas básicas do Budismo é que a mente pode ser transformada. Ou seja, por meio do treino e da prática, você pode desenvolver qualidades positivas e reduzir traços negativos.

Tristeza, inveja, culpa, raiva, desatenção, egoísmo… esses não são estados mentais inerentes, inevitáveis ou irreversíveis. Eles são hábitos ruins adquiridos ao longo de muitas vidas. O estado natural da nossa mente é a bondade, a compaixão, a generosidade, o amor, etc.

Ainda que esse papo possa parecer muito espiritual, a premissa básica é difícil de negar. Ninguém nasce sabendo nada. Nós precisamos aprender a beber água, comer, andar, ir ao banheiro, falar, ler, escrever… tudo. Então, esse conjunto de reações que temos enquanto deixamos — por exemplo — o café cair, foram aprendidos. E, por isso, da mesma forma, podem ser desaprendidos, condicionados de um jeito diferente.

***

Afinal, se a autoviolência é um hábito aprendido, então o antídoto também é. Dá pra treinar o contrário.

Ao invés de me cobrar uma disciplina dura, militar, vou partir de um lugar de cuidado, carinho, compaixão. E não de cobrança. A ideia é sempre lembrar de criar porque aquilo me movimenta, não porque tenho medo das consequências — embora seja sempre bom lembrar.

O fato é que a mesma tarefa, feita por obrigação ou por amor, produz resultados completamente diferentes — não só no produto final, mas no que ela faz com você no processo. Uma dá energia, força, brilho no olho. A outra vai drenando aos poucos, até que você se esgota completamente ou passa a odiar a sua criação.

***

Minha prática atual envolve ter um momento no dia para fazer uma coisa boa para mim mesmo. Um presente todos os dias, como disse Cooper.

Paro e aprecio meu café. Como um pão de queijo, um bolo, um chocolate. Medito. Vou na academia, saio para caminhar, corro. Sento na praça, olho as árvores, os cachorros e a coruja buraqueira que fez uma casa no campinho. Leio dez páginas de um livro. Jogo meu Game Boy Advance com Final Fantasy VI. Vejo Twin Peaks. E, principalmente, escrevo.

Deixar um momento do dia para fazer o que eu amo, o que deixa o coração leve, é fundamental.

Pela repetição, uma vida é construída.

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Gaveta de links

• O fez uma análise do preço do livro e ainda tem uma lista de recomendações muito boa.

• Primeiro capítulo do livro da , “Qual vida não é um inferno?”.

• Aqui, o dá toda a letra sobre como criar um curso online.

• Peguei para assistir Twin Peaks, que nunca vi todo. Tem no MUBI.

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Uma vez, fui a um retiro do budismo zen, de apenas um dia. A ideia era dar uma amostra grátis de como é a vida em um monastério.

5 da manhã, todo mundo falando baixinho. Sentamos, meditamos, depois fomos para as tarefas do dia.

Mantive meu silêncio, dediquei atenção e presença em tudo que pude. Mas, durante o almoço, quando estava lavando as louças, soou o sino da prática seguinte.

Eu ia ficar ali, terminar tudo e depois voltar para a meditação. Porém, o monge veio de lá, acelerado — o que é uma cena peculiar, dado todo o contexto.

— Vem logo.

— Mas ainda falta termin...

E ele me cortou:

— O momento acabou.

***

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Eu acho o Alan Moore uma das figuras mais interessantes da literatura e dos quadrinhos. Não exatamente pelo que ele escreve, mas sim, pela forma como aborda o ato de escrever.

Nesse vídeo, Moore trata de quatro instrumentos, ou quatro armas que o escritor precisa dominar e que são essenciais para sustentar uma carreira como criativo.

Esses quatro instrumentos correspondem aos quatro naipes do tarô ou aos quatro elementos.

• Moedas (terra) — circunstância material. Conhecer o mundo físico: como as coisas funcionam, história, ciência. Entender o aspecto material de como se sustentar e ter uma condição mínima que permita a atividade criativa. Escrever sem isso é não ter o quê ou como escrever.

• Espadas (ar) — intelecto discriminatório. A capacidade de distinguir uma boa ideia de uma ruim. Afiação crítica.

• Cálice ou Copas (água) — compaixão. Sentir compaixão pelos personagens, mesmo os vilões. Entender suas motivações, por que eles são como são, suas circunstâncias, enfim, tudo o que os faz ser quem são, sem julgamento. Escrever é habitar o outro.

• Bastões ou Paus (fogo) — a vontade. O mais importante dos quatro, porque é o que dirige os outros três.

A escrita, segundo ele, é um ato da vontade. A palavra exata que ele usa em inglês é will, que além de vontade, como já disse, também pode ser traduzida como intenção, determinação.

Acho interessante que, no inglês, a palavra comporte esses três aspectos. Mas, ao mesmo tempo, acho bem melhor que no português a gente precise de três palavras pra envelopar tudo.

Vontade, pra mim, está mais no campo do impulso. A gente sente vontade de escrever, mas isso não quer dizer que vamos fazer algo a respeito. Vontade dá e passa, já diz o ditado.

A intenção tem um pouco mais de força, já é outra fase dessa fagulha. Quando há intento, a gente já está planejando, o som aumenta um pouco de volume. Quem sabe, você já pode até estar com as mãos no teclado. É um ato, embora sutil.

A determinação me vem com uma frase, que é “não vou parar”. É quando a gente está com os motores ligados, o movimento criativo ganha força, momentum.

Eu adicionaria a esses componentes o desejo. Pra mim, ele gera outra frase importante pro criativo: “não consigo parar”. O desejo pode se dar tanto durante quanto antes do ato. É a sede. A dor que nos impede de não fazer.

***

“Quando estiver escrevendo, tente terminar imediatamente.”

Esse foi o conselho que John Lennon deu ao George Harrison, num momento de irmão mais velho, explicando a arte da composição. A moral da história é que, uma vez que se abandona a ideia, é muito mais difícil retornar a ela depois, afinal, o seu estado mental muda completamente. O momento passa.

Para o John, a ideia precisava ser devorada ainda quente.

Numa era onde é tão fácil ser interrompido, esse toque é ouro.

***

De passagem, Moore deu forma a um dos meus maiores medos. Passar 30 anos pulando para a próxima grande ideia, escrevendo rascunhos, ideias soltas… e nunca terminar um projeto.

Eu não tinha articulado isso como um distúrbio na capacidade de direcionar a vontade, mas observando a base do comportamento, faz bastante sentido. Sem ser canalizada, a vontade vira puro impulso que nunca se ancora.

É fácil culpar os fenômenos externos, mas até que ponto o canto da sereia é realmente irresistível?

Como criativos, a tendência é seguirmos o som, nos deixar levar pelo que quer que tenha nos cativado agora. Eu tenho essa tendência. Com alguma frequência, fico obcecado por um assunto e não consigo pensar em outra coisa. É algo que me lembra a paixão. O problema é quando esse desejo forte vem atravessando outro.

Às vezes, é importante ignorar umas boas ideias. Pelo menos, até terminar o que está na mesa.

***

Agora, minha luta é contra o meu próprio tempo. Parece que, por mais que eu me esforce, nunca consigo colocar a atenção naquilo que quero fazer.

Não deve ser coincidência que eu tinha parado de usar Instagram, mas retornei, coisa de um mês atrás. Confesso que senti falta da troca de memes e da sensação de falar com as pessoas queridas que moram longe. Como alguém que mora numa cidade de interior, longe da família, e que não conhece ninguém no bairro, sentir que tenho minhas pessoas por perto — ainda que virtualmente — faz uma diferença.

Parece uma bobagem, só dez minutinhos, vinte, trinta… mas quando repito isso toda vez que sinto solidão, meu espaço para criar se vai e sobra aquela névoa mental horrível que chamam de brainrot.

***

Ao treinar minha mente a interromper o fluxo de pensamento e recorrer à tela para lidar com o isolamento, no fundo, estou destruindo minha capacidade de direcionar a vontade. Esse é o maior erro que eu poderia cometer, se levo em consideração a estrutura que o Alan Moore propõe.

Tento justificar, dizendo que estou procurando pautas para escrita, me mantendo atualizado… mas os ganhos não compensam o custo. A Meta criou algo que destrói a capacidade de criar.

***

Tenho um prazo e uma ideia, mas ao mesmo tempo, tem sido difícil sentar e dar direção pras palavras. Eu gostaria de fazer algo mais estruturado, que pudesse se tornar um vídeo bem editado para o Youtube, mas em meio ao caos da rotina, venho cedendo constantemente ao “amanhã eu continuo”. Hoje, não.

Com os ecos de Alan Moore, do George Harrison e do monge, sobra aceitar o escritor que sou nesse momento e deixar de lado um pouco o escritor que eu gostaria de ser.

O momento acabou.

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Gaveta de links

• A escreveu um guia muito bom para usar o estudo para ampliar a criatividade.

• Um dia na vida do como escritor em Paris.

• Abrir canal no Youtube, ter newsletter, perfil no Instagram, pintar, desenhar, cantar, tocar guitarra… Quem não conhece esse sentimento, a vontade de fazer tudo?

• Snacks de pensamento da sobre o ato criativo e a reconquista do tempo.

• O passou 24 horas fingindo ser produtivo. Gente como a gente.

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Eu gosto de pensar que sou uma pessoa aventureira, que estou aberto às mudanças e que a novidade traz um sabor à minha vida. Mas a verdade é que não demora muito, um evento inesperado acontece, acabo super ansioso e isso atrapalha bastante.

É claro que nem toda mudança é igual.

Tem os eventos menores, como o café acabar, você ter que ir na loja de materiais de construção pra consertar alguma coisa ou precisar ir ao médico. Esses são só inconvenientes. Eles são chatos, mas fazem parte da nossa existência.

A questão maior surge quando os eventos abalam as estruturas da vida. O proprietário pedir o imóvel de volta, você perder o emprego de repente ou bater o carro de um jeito grave. Quando você percebe, não consegue fazer outra coisa a não ser lidar com aquilo.

De um jeito ou de outro, tudo isso costuma abalar a base do trabalho criativo: a rotina.

Passo muito tempo pensando a respeito da consistência. Manter a roda girando quando você tem toda uma vida ao redor é um desafio gigantesco, mesmo quando não tem nenhuma situação grandiosa rolando. A verdade é que no nosso contexto atual, as distrações vêm por todos os lados. E mesmo se você tem o privilégio de se isolar completamente em uma sala para nunca ser interrompido, os obstáculos internos aparecem pra mostrar que o buraco é muito mais embaixo.

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Por mais que muita gente demonize a rotina como sinal de que o tédio vai se instaurar, ela nos dá um senso de segurança. Não tem coisa melhor do que acordar e saber que vai dar tudo certo, que você não precisa se preocupar. É pra isso que a rotina serve, ela traz essa paz em um mundo que constantemente puxa o nosso tapete.

No que diz respeito à vida criativa, noto como uma boa parte da aflição vem justamente do “não sei como manter consistência” ou “como faço pra postar toda semana” e variações disso — tenho uma caixa de e-mails para provar.

A questão é que vejo muitas soluções focadas em anotar coisas no calendário, definir horários e escrever listas de tarefas, quando existem problemas muito maiores envolvidos.

Perdi a conta de quantas vezes eu comecei um novo caderno, com a esperança de que dessa vez, tudo seria diferente e eu finalmente encontraria o sistema perfeito. Então, lá ia eu começar a fazer listas, até que eu descobria que existia um universo de pintura com aquarela e mergulhava naquilo pelos próximos dois meses, sem sequer lembrar que precisava focar no projeto que eu tinha antes.

Não sei quantas pessoas se identificam com isso, mas meu foco vem em ondas. Muitas vezes sou arrebatado por um assunto e não consigo pensar em outra coisa. Se não existe uma configuração de rotina que permita que eu explore meu interesse do momento, a tendência é que eu fique estagnado. Nem faço o que eu tinha me proposto e nem persigo o novo interesse.

Dizem que isso é procrastinação. Eu não sei, sinceramente.

O que eu sei é que procrastinação é o terror dos coaches de produtividade, como se fosse sinônimo de preguiça ou falta de caráter. Mas acho que a coisa é mais complicada do que isso.

Existe uma ideia que me fez pensar bastante, a de que a procrastinação é uma tentativa de regulação emocional. Ou seja, quando a gente evita uma tarefa, raramente é só por falta de organização ou responsabilidade. É mais provável que aquela tarefa tenha algum peso. E, junto com isso, as vozes da cabeça começam a sussurrar por meio de sensações sutis aquelas emoções que a gente não fala. Medo de não ser bom o suficiente, de se expor, de falar pro vazio.

E aí a gente aceita qualquer desculpa pra não encarar isso. Seja que o texto ainda não está bom, que a inspiração teve outro compromisso ou que a torneira da cozinha está pingando. Ou seja, a dor daquela outra coisa é menor do que dessa que eu realmente gostaria de fazer.

Entender isso não resolve a questão inteira, mas ajuda a pensar no problema certo. O que, obviamente, facilita na hora de pensar em alguma solução.

Eu não sei como é com a maioria das pessoas, mas no meu caso, muito da sensação de que não tenho tempo vem da minha incapacidade de dizer não.

Quando alguém me busca querendo a minha presença ou a minha ajuda, dificilmente eu digo que não posso agora. Por um lado, sim, é muito legal pensar que estou disponível para os outros e que as pessoas podem contar comigo. Por outro, o preço disso é eu cortar qualquer previsibilidade e colocar minhas necessidades em segundo plano. No final do dia, eu vou dormir frustrado por não ter conseguido fazer minhas coisas.

Esse “eu bonzinho” que sempre quer estar disponível, na prática, é inimigo do meu trabalho criativo. E, quando paro pra pensar, ele nem é tão nobre assim.

Lembro da época na qual eu era mais presente na cena musical. Sempre existe aquele artista mais badalado da cidade. O que é curioso é que eu já notei como outros artistas e pessoas próximas julgam essa figura. Frequentemente pipocam as fofocas dizendo que fulano é cuzão, isso e aquilo, porque ele não quis ir no aniversário de alguém, não ficou conversando depois do show, não ajuda os outros... É claro que a gente não quer ser assim. Mas acho que hoje eu vejo diferente.

É necessário um nível de cuzonice para manter a sua rotina criativa, o seu foco.

E eu nem estou falando de nada absurdo, basta ter uma direção própria, um momento seu que seja inegociável. Então, quando alguém chamar, você só diz que agora não e aceita que, talvez, aquela pessoa saia da conversa descontente.

Nota: incrível como é fácil falar, mas absurdamente difícil na prática.

O ponto é que uma dose saudável de cuzonismo é exatamente o que vai garantir a execução dos seus projetos. O cuzão, se olhar bem, nem é cuzão. Ele só está protegendo o trabalho dele.

Anota aí: proteger a rotina é proteger a nossa capacidade de criar.

Estou uma vida inteira pensando nesse tema, tentando, falhando e recomeçando. E, dentro das minhas limitações, a real é que é preciso firmar o pé. As pessoas nunca vão parar de precisar da gente. O Instagram não vai parar de tornar o feed mais viciante. O corpo vai cansar, a torneira vai estragar. Sempre vai ter algo pra fazer em outro lugar.

A gente pode até dourar a pílula, entender as causas, olhar para as nossas emoções e tudo mais. Porém, por mais que doa admitir, o que vai contar é sentar e escrever, pintar, tocar, estudar.

Dentro disso, a gente não sabe se vai ter o privilégio da criatividade daqui a um ano ou dois. Pode acontecer um acidente, uma doença ou qualquer outra coisa que mude totalmente o foco. E, caso isso aconteça, eu peço que você se dedique e se sinta livre da obrigação de criar porque a internet fica dizendo que isso é um dom divino que não pode ser desperdiçado. Mas enquanto isso, também gostaria de dizer que, se você carrega dentro de si essa coceira que não passa nunca, essa voz que fica chamando… corta um tempinho de algo no seu dia e só vai.

O importante é que seja o mais próximo possível de “todo dia”, porque quanto mais você exercita esse músculo, mais fácil é começar. Mais fácil você vai entrar no clima e as coisas vão acontecer. Ao final de uma semana, se você coletar notas e rabiscos que foi acumulando, vai ter o que costurar. Confie em mim, vai funcionar. É assim que eu faço. E é assim que vejo gente com muito mais pratos pra equilibrar também dando conta.

Por que, vale lembrar, você também importa.

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Nota: esse texto também virou um vídeo no Youtube, para quem prefere a rota audiovisual. ;)

Quando vi as imagens dessa câmera pela primeira vez, fiquei encantado pela forma como as flores aparecem nela, como as cores saltam, especialmente o rosa, o amarelo… isso me remeteu a memórias boas, a um tempo cheio de afeto e amor que eu nem sei se já existiu. Mas que, de alguma forma, me dá uma energia, uma vontade de viver, como se essas pequenas situações do cotidiano fossem mesmo tudo que eu preciso pra ser feliz.

Essa bonitinha é uma camcorder da JVC. Ela não é exatamente uma grande ferramenta pra vídeo, como dá pra ver pela baixa resolução e pelas cores estouradas, mas ela tem uma vibe, sabe?

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Eu nunca fui de criar vlogs. Em geral, sinto que não tenho muito o que sustentar em termos de narrativa pra fazer isso de forma recorrente. Em bom português, minha rotina é chata, sabe?

Mas essa câmera mudou minha opinião. Ela me fez perceber que nem tudo precisa ser vibrante, ultra-definido. Que a imperfeição e a banalidade do cotidiano pode ser representada de uma forma carinhosa, que transmita a realidade não só pelo que ela é, mas pelo que ela nos faz sentir.

Essa câmera me devolveu o sabor da vida. E, dessa forma, me fez voltar a ter inspiração pra criar.

Eu adorei passar por isso. E agora, fiquei reflexivo, tentando entender o que foi que aconteceu.

Será que foi a câmera? Será que foi outra coisa?

Recentemente, eu tive um período criando vídeos que deram certo, que tiveram uns números legais. Milhares de pessoas viram meu conteúdo, comentaram, compartilharam. Mas, ao invés de me estimular como seria de se esperar, esse sucesso fez o contrário. Eu fiquei super travado, achando que tinha que manter o mesmo nível. Eu queria repetir o resultado. Queria imitar a fórmula, otimizar o processo.

Mas, quando paro pra pensar… acho que eu não funciono assim. No final das contas, precisei fazer uma pausa pra reorganizar as ideias.

E até aí, tudo bem. O problema é que eu não conseguia voltar de jeito nenhum.

E, nisso, os meses foram passando. Já tem mais de 3 meses que eu fiquei na inércia.

Agora, com essa câmera em mãos, eu pude me reconectar com algo super importante dentro de mim. Porque, pra mim, ela não é exatamente uma ferramenta de trabalho — embora seja. Ela atuou mais como um brinquedo novo — e eu me senti como a criança que ganha esse brinquedo.

A baixa definição, as imagens tremidas, o zoom absurdo… tudo isso tira de mim a pressão por performance. Na verdade, ela pede o contrário. Que eu relaxe e brinque de filmar, com naturalidade e curiosidade.

Com ela, o objetivo é explorar o limite do incorreto. Ela me faz sentir que está tudo bem em filmar do jeito que dá, mesmo que seja meio tosco. Porque, com ela, a questão está longe de ser a precisão, o rigor técnico. O foco vira a expressão artística.

E aí que eu me pego sentindo uma coisa estranha. Porque eu vejo que, provavelmente, não foi a câmera que solucionou o meu problema. Na verdade, ela foi só um gatilho.

O ponto central está no encantamento, no interesse irresistível que aparece quando a gente se conecta com uma ferramenta.

O que realmente aconteceu foi uma mudança de perspectiva, de postura.

Eu estava pesado, tenso. Nessa de querer encontrar a fórmula do meu sucesso, eu transformei a minha criação em uma questão de vida ou morte.

Ou seja, minha criatividade virou coisa de adulto.

E tudo bem, eu sei que isso faz parte do processo de se tornar um creator profissional. A gente precisa de um mínimo de seriedade pra conseguir estruturar o projeto, fazer acontecer. Mas pelo visto, tem horas que o remédio é o oposto do que todo mundo fala na internet pra gente fazer.

Ou seja, como eu sou obcecado em ter tudo bonitinho, arrumadinho, bem iluminado… o jeito foi tacar o foda-se pra qualidade profissional e voltar a brincar.

Mas será que isso justifica ter comprado a câmera? Eu poderia usar outra solução, só diminuir a qualidade do vídeo na pós ou algo assim.

Pensando sobre isso, eu eu lembro de uma fala do Umberto Eco que mudou a minha forma de pensar minhas compras artísticas.

Pra quem não sabe, o Umberto Eco é um escritor que, além de ser famoso pelos livros que escreveu, era bastante conhecido por ter uma biblioteca insanamente gigantesca, com mais de 30.000 livros.

E uma das frases que é atribuída a ele diz como ele achava que certas coisas a gente precisa ter em abundância, mesmo que use pouco. Como remédios que você deixa ali sempre prontos pra quando você precisar.

Eu achei essa visão fantástica.

Pensando em como a criatividade é frágil e como estamos tão distraídos, sendo puxados por mil notificações e desejos de mais e melhor, acho bem legal pensar que algo não é só a função que exerce, mas também o tempero que ele adiciona à vida. É essa graça, essa energia que a gente está encapsulando pra tomar quando estiver adoecido.

Então, talvez, o ponto de se permitir comprar uma câmera nova esteja em ter o remédio certo, na hora certa.

Naquele momento, eu estava assim. Um pouco confuso, sem entender quem eu era como criador, sem saber como continuar a criar de uma forma que suprisse minha necessidade de autenticidade. É como se eu estivesse com uma gripe de artista.

Nem sempre a gente precisa do equipamento mais caro, da melhor iluminação, da lente mais clara e mais definida.

Às vezes, o que a gente precisa é só de alguma coisa que faça a gente lembrar do que dá gosto pela vida.

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Oi, tudo bem?

Essa é a ocasional newsletter no formato carta/conversa solta que, de agora em diante, acho que vou trazer mais vezes. Pense como se fosse a sessão de resposta a cartas dos telespectadores da Eliana. Só que, ao invés da loira, sobrou eu. ;)

Abaixo respondo algumas dúvidas que chegaram no chat do Substack.

“Eu tenho muitos textos começados e isso me fez refletir sobre a dificuldade em começar e terminar uma coisa. Não sei se você tem isso, mas acredito que outras pessoas possam ter.” (

Eu tenho um milhão de coisas começadas e nunca terminadas. E acho que todo mundo que está coletando ideias e experiências também vai ter. Na minha visão, é uma parte natural do processo.

Lembro sempre de como o David Lynch monta os filmes dele. O método dele para desenvolver histórias é um dos mais objetivos e práticos que já vi na vida. Consiste, basicamente, em escrever as ideias para as cenas em pequenos cartões de uns 8x12cm, aproximadamente. Ele faz isso várias vezes e, quando tem 70 cartões preenchidos, ele tem um filme.

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Muitos dos meus textos são assim. No início, não sei nem sobre o que quero escrever. Então, vou anotando coisas soltas ao longo de um certo tempo. Em um momento, eu vejo que essas notas se conectam de alguma forma. E aí, remendo e vou até onde elas me levarem. É impressionante como, normalmente, esses fragmentos de um certo período se conversam e têm uma coerência, por mais que no início pareça que não.

Outras vezes, as notas não são o começo de algo, mas o final. Quando é assim, construo o raciocínio até chegar nelas. Ou seja, ao invés de perguntar “o que eu escrevo depois disso”, me pergunto “o que veio antes disso?”

Costuma funcionar bem.

De qualquer maneira, notas soltas também podem compor um bom texto. Eu tenho alguns nesse estilo, como esse. Mas quem faz isso muito bem é a Carol Bensimon da Nevoeiro e o Matheus de Souza.

“Tenho algumas pastas de arquivos que vão até a página 20... sinto que tem aí algo que breca... talvez o ideal fosse parar e planejar um mini roteiro... mas às vezes apenas deixo quieto...”

Não saber como continuar é uma constante pra mim também.

Vejo que tem muita gente que escreve linearmente. A primeira palavra é o começo do texto, a última é o final. Isso nunca deu muito certo pra mim, não sei bem porquê.

Eu sempre escrevi de forma não linear.

Quando travo, vejo que não é raro já ter clareza sobre outra parte. Às vezes, estou escrevendo uma parte e sou interrompido pela ideia pra escrever algo mais pra frente, ou pra adicionar algo que faltou num parágrafo anterior.

Então, paro, vou lá e escrevo o que está passando pela minha cabeça.

Percebo que todas as vezes que tento fazer o que acho que tenho que fazer ao invés de fazer o que realmente quero, o fluxo se interrompe. É como se estivesse sendo pedido de mim absoluta sinceridade, mesmo que seja nesse fragmento de pensamento que estou tentando registrar.

Nesse caso, eu me perguntaria se não tem algo na página 30 que não valha adicionar. Se não tem outra coisa pra consertar em alguma dessas 20 páginas já escritas. Se algum dos outros textos que você escreveu nesses outros projetos, na verdade, não pertencem a esse… tem mil possibilidades.

Muito do processo de continuar um trabalho é realmente se abrir a ele, se abrir a mudar os planos e deixar o projeto fazer o que ele quer fazer.

Deixar quieto, muitas vezes, funciona. Mas é importante não deixar quieto tempo demais pro momento não passar. Então, você fica ali e continua olhando, olhando, olhando… essa teimosia faz a coisa destravar em algum momento.

E, caso sinta que está demorando demais, é importante ter outros projetos pra dar vazão à sua energia enquanto esse descansa. De resto, é como qualquer trabalho. Todo dia você bate ponto, não importa qual seja o projeto em específico.

“Sobre até que ponto vale a pena reescrever um texto. Aquela linha sutil entre começar de novo e desistir da ideia.”

Sobre o aspecto prático de saber a hora de desistir, eu sou a pior pessoa possível pra você pedir conselho.

Quando a coisa brilha mesmo, fico totalmente obsessivo ao ponto de esquecer de comer e beber água. Além disso, sinto na alma quando acho que não fiz o que precisava pra algo ficar no nível que eu gostaria que chegasse.

Óbvio que, muitas vezes, isso é só procrastinação. Em outras, é sintoma de algum outro problema maior, não relacionado ao que eu estou fazendo. Mas também tem as vezes onde isso compensa.

Percebo que, sim, esse preciosismo me faz atrasar entregas e perder prazos. Mas tento não ficar me culpando tanto porque gosto da filosofia dessa frase que — dizem — é do Shigeru Miyamoto: “um jogo atrasado eventualmente pode ficar bom, um jogo corrido fica ruim pra sempre”.

Então, eu já cometi “loucuras” como passar umas 40 horas revisando um texto até que cada palavra esteja exatamente no lugar em que precisa estar, pra fluir sem nenhum atrito, sem nenhum salto entre um parágrafo e outro. Fiz isso nesse texto sobre viver sozinho, por exemplo — que, até hoje, é um dos meus favoritos.

Não sei se tem uma regra pra saber a hora de parar. O que sei é que quando ela chega, a gente sabe. Comigo, isso normalmente vem com um sentimento de conclusão, de que não tenho mais nada a adicionar. Quando tudo que eu penso em colocar parece excesso. É difícil definir, mas é por aí… o impulso acaba.

E eu sei que tem muita gente que vai abordar isso com prazos e metas e números e planilhas. Mas hoje, vejo que continuar produzindo na internet me pede pra evitar o povo que lida bem com disciplina, regras e racionalidade. Minha produção não é corporativa, é mais “artesanal” em espírito.

Inclusive, se é pra ter um referencial na vida, prefiro que seja um Gandalf, não algum CEO. Eu sinto que a criação vai na linha daquela citação dele, de que “um mago nunca está atrasado, que ele sempre chega na hora exata em que tem que chegar” — ou algo assim.

Acho que a conclusão do trabalho feito com amor, pra realmente ressoar, precisa estar além dessa noção industrial de cumprir metas — e não que não seja importante saber quando é a hora de mostrar algo novo. Mas prefiro ter algo onde depositei energia de verdade, do que soltar mais um texto, mais um vídeo, mais um note…

O que sei é que é tempo demais se começo a me sentir mal por não estar fazendo nada. E é tempo de menos se ainda não sinto a satisfação de ter feito algo que gostaria de mostrar pras pessoas que eu amo.

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Vamos bater um papo sobre Substack?

Gostou dessa edição mais conversadeira? A gente pode se falar no próximo encontro online para apoiadores do Puxadinho que já está marcado: dia 24/02 às 19hrs.

Dessa vez a ideia é bater um papo sobre o Substack. Vou ficar disponível pra quem quiser tirar dúvidas, trocar ideias ou só conversar mesmo. ;)

Pra participar, é só se tornar um apoiador aqui. Eu mando o link da sala antes do encontro acontecer.

Vamo?

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Mas não sem antes passar por uns perrenguinhos.

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Pra quem não sabe, esse é o Nintendo 3DS. Um videogame lançado em 2011. Ou seja, 15 anos atrás.

É até bobo falar isso, mas a melhor parte é que eu passei uma tarde inteira sem pegar o celular nenhuma vez. Não lembrei que poderia ter alguma mensagem pra responder. E nem fiquei imaginando que poderia estar fazendo algo melhor em outro lugar. Eu só fui.

Isso não acontecia há um bom tempo. O motivo eu acho que tem mais a ver com o que o 3DS não faz do que com o que ele faz.

Pra começar, ele não tem notificações, não tem navegador, não tem loja oficial, não tem mais multiplayer online, entre outras coisas. Pra rodar, você precisa modificar o sistema, instalar um hack ou comprar os jogos físicos.

Em resumo, tem bastante atrito até chegar na parte boa.

Mas apesar desses inconvenientes, eu estou amando passar essa temporada com ele. De alguma forma, o fato de eu ter dedicado um esforço pra colocar ele pra funcionar me deixou mais contente. Parece que ele é mais meu, que representa algo de mim,

Isso começou a levantar uma pulga atrás da minha orelha… será que faz sentido eu trazer mais inconveniências assim pra minha vida?

Em busca de experiências analógicas

De uns tempos pra cá, eu comecei a prestar atenção em outras experiências que me deixam com essa mesma sensação. E todas essas coisas têm algo em comum: elas têm atrito, pedem um certo esforço. Em resumo, elas têm algo de analógico.

Eu sei que pode soar estranho chamar um videogame de “analógico”. Afinal, né… isso aqui tem tela.

Mas foi esse mesmo estranhamento que me fez notar como essa palavra, “analógico”, não vem mais sendo usada só pra falar de tecnologia, mas sim de um tipo de experiência.

Não vou mentir, é claro que a tela me incomoda.

Como profissional da internet já há quase década e meia, uma quantidade vergonhosa dos meus dias foram em frente a uma tela. Esteja ela na mesa, no meu colo ou nas minhas mãos, perdi tempo demais sem olhar nos olhos das pessoas, sem sentir o vento na pele, sem deixar entrar luz do sol na retina.

Hoje, isso me faz uma falta imensa. Na verdade, me gera a desagradável sensação de arrependimento. Quase como se eu tivesse passado a vida em coma e, só agora, estivesse acordando com fome de viver.

Então, é natural que eu esteja procurando experiências que me deixem mais presente, mais dentro do corpo, mais vivo. Não vou negar, eu estou sedento pelo que as big techs foram tirando de mim ao longo dos anos.

Eu não sou o único. Não é de hoje que o fascínio pela simplicidade do passado circula por aí, mas é difícil não notar como parece que a rebelião contra a conveniência anestesiante vem ficando mais forte.

A minha impressão é que o canto da sereia das big techs, dizendo “não se preocupa com isso, eu resolvo pra você” perdeu o encanto. A gente sabe que tudo tem um preço, que a nossa vida está passando e que os memes não são o suficiente pra fazer passar esse vazio dentro da gente.

Entre o analógico e o digital

Aí que eu fiquei me perguntando uma coisa: se o analógico é tão bom, porque a gente não abandona tudo e vive como se tivesse nos anos 90?

E eu te digo: porque é super inconveniente.

A conveniência que muitas das experiências digitais adiciona às nossas vidas é incrível, não tem como negar. Ligar a TV, escolher algum filme ou série entre as infinitas opções da Netflix enquanto espera o delivery chegar. No final, dá pra comer e ver um filme sem sujar uma louça, sabe?

Chega a ser insano pensar no tanto de estruturas que a gente move só pra ter essa comodidade. E isso é tão empurrado pra nós, seja pelo marketing das plataformas, ou até pela pressão que sentimos quando vemos nossos amigos vivendo assim nas redes sociais, que parece que a gente não tem muita escolha a não ser viver desse jeito.

E aí que fica esse sentimento de que ou você vive gastando seu dinheiro pra ter esses mimos ou você vai pro old school, sai da internet, joga fora seu celular e se isola no meio do mato.

Mas agora, eu venho percebendo que tem uma terceira via: eu posso escolher as inconveniências que quero abraçar.

Recentemente, eu me mudei para uma cidade menor. Hoje, vivo em Aracruz, depois de uma vida inteira em capitais como São Paulo, Belém e Vitória.

É óbvio que às vezes o meu lado mais ranzinza sente falta de um lanchinho na porta sem ter que tratar com nenhum ser humano.

Mas eu faço também um esforço de lembrar o quanto é essencial não esquecer que a ida até a lanchonete inclui uma breve saída de casa, que você vê pessoas na rua, as crianças na praça, cumprimenta quem vai fazer seu lanche… não é só a comida em si.

Esse breve ato de ir atrás de comida tem todo um aspecto sensorial que, no fim do dia, faz uma baita diferença. É uma nutrição inconsciente que vai além do alimento pro corpo. Você passa a fazer parte da paisagem, tanto quanto vivencia ela.

As experiências analógicas têm essa serendipidade inerente, pervasiva. A gente nunca sabe muito bem o que vai encontrar, quais memórias que vão se formar, quais detalhes da experiência vão marcar.

E, como eu trabalho em casa, esses momentos fazem toda a diferença. Sem isso, eu sou praticamente uma cabeça sem corpo.

Não é à toa que a necessidade de imersão e profundidade permeia quase todas as minhas atividades. Tem ficado cada vez mais forte um desejo de viver o que está à minha frente, de tocar, cheirar e degustar a realidade. É por isso que, hoje, eu quero que os meus objetos tenham forma física no mundo. Eu quero que eles existam.

Não aguento mais nem a ideia de arquivos que não passam de nomes num SSD ou na nuvem.

Ainda assim, como ser que vive em sociedade, eu me vejo tendo que pesar até que ponto eu posso fazer tudo no modo físico, lento e contemplativo; e quando preciso da conveniência e da agilidade.

Por exemplo, eu adoro o som do teclado mecânico e o retorno tátil que ele me dá enquanto estou trabalhando. Isso adiciona textura e presença à escrita, que é uma atividade que acontece super na cabeça. Porém, não quero a dificuldade da escrita em uma máquina de escrever porque aí já seria demais perto da minha necessidade de produção e edição constantes.

Eu prefiro meus livros físicos, não nego. Com eles eu posso fazer anotações, sublinhar, rabiscar e eles viram um diário daquele momento na minha vida. Mas sim, o Kindle é super útil quando viajo ou quando quero ler algo novo naquela hora, sem ter que esperar a entrega ou sem ir à livraria.

Eu uso recortes e papel pra ter imagens de apoio nos meus vídeos, mas eu filmo tudo com o iPhone e faço a edição no computador.

Ou seja, ninguém precisa esquecer que essas tecnologias estão aí, disponíveis, pra poder usufruir dos benefícios do analógico.

Você pode escolher até que ponto a inconveniência é útil ou benéfica. Algumas vezes, o estímulo extra do atrito vai fazer toda diferença. Em outros, é só atraso mesmo.

Cabe a cada um avaliar até onde dá pra ir.

O que a gente ganha escolhendo a inconveniência

Eu tenho a visão de que tudo o que a gente faz acaba treinando certas qualidades mentais. Por exemplo, se eu me nego a lavar a louça porque quero ficar deitado no sofá sem pensar em nada, só vendo uma série, tudo bem — a gente sabe que tem dias e dias.

Mas se isso vira padrão, eu estou treinando preguiça. A questão não é nem moral, é até bem prática: quando eu precisar de disposição, essa qualidade vai estar atrofiada.

O inverso também é verdade. Se eu escolho experiências com um certo atrito, mesmo que lúdicas, estou treinando compromisso, presença, persistência. Dessa forma, é como se aquela atividade se transformasse num treino, como a musculação ou o Crossfit. Ou seja, são esforços, mas esforços benéficos.

É uma abordagem meio zen budista, mas que me ajuda bastante no dia a dia.

Então, pensa comigo… quando você faz algo de forma analógica, aquilo pede que você se comprometa com a experiência. Você não pode sair pulando de coisa em coisa. Você precisa se dedicar, conhecer, dar a oportunidade daquilo funcionar para você.

Por exemplo, quando você começa um disco de vinil, é difícil sair pulando as músicas porque é inconveniente, é trabalhoso.

É muito melhor deixar rolando, permitir que as músicas contem a história que têm pra contar pra, só então, avaliar a forma como aquela experiência te envolveu ou não.

E, quem sabe, nesse meio tempo, você pode descobrir coisas novas que não teria conhecido se não se abrisse. Esse processo envolve uma certa confiança de que, independente de gostar ou não dos primeiros segundos, o caminho pode surpreender.

Quem desenha no papel sabe bem o que isso significa. O seu desenho é tudo o que aconteceu no processo. Não dá para apagar sem manchar. Os vestígios dos erros estão ali para quem quiser ver. É necessário aceitar os erros e imperfeições do processo como parte do resultado final.

Pra quem gosta de escrever à mão, também fica super claro como o texto fica mais enxuto, mais deliberado. É fisicamente cansativo colocar as palavras no papel e elas têm consequências claras. Uma vez que você coloca a caneta no papel, precisa estar comprometido com a ideia e ir até o fim. Não tem essa de sair escrevendo na velocidade com que se pensa e apagar como se nada tivesse acontecido. O pensamento fica longo, mais aterrado.

Quando a gente contrasta isso com as conveniências das experiências digitais, como desfazer infinito, a possibilidade de pausar a qualquer momento pra fazer outra coisa… fica claro como esse compromisso que você faz com a experiência analógica traz peso pra presença que você se vê obrigado a dar.

Você tem que confiar, tem que se entregar. Você tem que parar de ficar pensando na próxima coisa.

Flow vs Scrolling

Isso me faz lembrar da experiência que tive com o 3DS. Como mencionei no começo do texto, o fato dele ter uma tela me deixava com uma pulga atrás da orelha.

Mas eu notei que tem uma diferença que está principalmente no que a tela quer de você.

O 3DS quer que você jogue, claro, mas ele também se preocupa se você está há tempo demais ali, se está se divertindo, se está bem. Tem até um aviso que aparece de tempos em tempos, falando pra você descansar.

Ninguém pode dizer o mesmo do Instagram, que faz questão de te isolar naquela bolha de vídeos curtos, na esperança de que o seu cérebro esteja tão podre que você só pense em comprar mais uma calça, um relógio, um curso…

Quando você se deixa levar por um bom jogo, com uma boa história, com um loop interessante, acontece algo muito similar à experiência de ler um livro, de sentar para desenhar, ou escrever.

É um transe estimulante, que traz um retorno satisfatório, energizante. Eu gosto de pensar que isso é o mesmo que chamam de Estado de Flow.

É fácil identificar quando estamos no Estado de Flow. É aquele momento quando a concentração finalmente bate. Você não pensa mais, você só faz. Os julgamentos somem e você se sente no comando do que está fazendo. O tempo flui e você sente um prazer construtivo.

O scroll tem similaridades, afinal, quem nunca passou horas arrastando pra cima, em busca de algo que nem sabe o que é? Porém, o resultado costuma ser drasticamente diferente. Ao invés de satisfação, você termina com a mente meio confusa, fica difícil se concentrar. Você sabe, é bem desagradável.

Quem não conhece o sentimento de terminar uma hora de Reels e ficar se sentindo a pior pessoa do universo?

O verdadeiro valor da inconveniência

Eu sei que às vezes é difícil optar pela alternativa com mais atrito. Afinal, não é sempre que dispomos de meia hora extra pra caminhar até o mercado ou que podemos passar uma tarde inteira recomeçando desenhos até sair um do jeito que a gente quer.

Ainda assim, eu venho dando pequenos passos nessa direção porque, cada vez mais, fica claro pra mim como o atrito ajuda a moldar o valor que a gente dá às coisas.

Sim, um vinil pode ser um investimento alto, em termos de tempo e de dinheiro. Mas quando você pega um disco que comprou, aquilo tem um significado. Ele representa um momento, uma lembrança que se imprimiu na sua história. Você saiu, foi na loja, talvez estivesse ali com a sua namorada, depois foi almoçar, chegou em casa, fez um café e tomou com ela enquanto ouvia.

Isso tudo tem peso, tem valor.

Eu percebo como ler um livro que está na minha estante é totalmente diferente de ler algo que só estava no meu Kindle. Tanto que, muitas vezes, eu acabo comprando o livro físico depois que termino a leitura. É um trofeuzinho meio besta? Talvez. Mas é algo que conta num sentimento de ter a vida preenchida, de estar satisfeito.

E eu sei que existe uma pressão invisível pairando na nossa cabeça.

Rola até uma certa ansiedade, uma tensão pra escolher a melhor experiência possível. Antes de ver um filme, ler um livro ou até começar um game, é quase inevitável a gente olhar um review pra ter certeza de que não vamos desperdiçar o nosso tempo.

E quando eu penso nisso, só consigo chegar à conclusão de que o ponto não deveria ser justamente esse? Passar o tempo enquanto se aventura, conhece algo novo? Um hobby justamente deveria girar ao redor da ideia de se divertir sem métricas, sem pressão.

Às vezes, a gente dá tanto peso pra uma coisa performática de querer fazer mais em menos tempo que esquece que a gente não vive só quando obtém o que quer. A vida acontece justamente na jornada, nesse meio do caminho.

Se não, parece que a gente está transformando tudo em mais uma tarefa pra cumprir. Um showzinho pra performar na frente dos outros.

Essas 3 horas com o 3DS foram um lembrete de que ainda existe outro jeito de conseguir o que a gente quer. Eu queria um joguinho, um tempo leve com meu café e um bolo enquanto escuto o Mario morrer 30 vezes na mesma fase — ok, talvez isso não seja tão leve.

Mas o ponto é que depois do perrengue de achar um console barato, comprar um cartucho, esperar chegar pelo correio e hackear o sistema… eu gostei mais do processo até do que dos jogos em si. E pra todo mundo que chega na minha casa, eu mostro o cacareco novo que eu comprei e conto tudo o que precisei fazer.

Escolher o jeito mais devagar e complicado fez eu me sentir mais presente, mais vivo.

Ninguém precisa abandonar tudo e voltar pros anos 90, claro. Mas dá pra gente escolher conscientemente onde colocar o corpo. Nem tudo precisa ser otimizado, facilitado, acelerado.

Eu ainda estou aprendendo a amar essas inconveniências. Algumas vezes eu vacilo, escolho o caminho fácil e me perco scrollando. Mas cada vez que escolho o atrito, sinto que recupero um pedaço de mim que o digital estava apagando.

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Sobre o mito do gênio criativo

Eu queria mencionar que no final do ano fui convidado pelo pra fazer uma participação no Luz, Câmera, Empreenda!. O que saiu foi um papo por escrito falando sobre as nossas crises criativas, sobre como lidar ao não ser como alguém criativo e sobre o tal mito do gênio criativo.

Luz, Câmera, Empreenda!

O mito do gênio criativo

Essa é mais uma newsletter sobre criação de negócios, inspirada na minha experiência de 7 anos ajudando pessoas a realizar o sonho de empreender. Na edição de hoje, convidei o Luri Ribeiro para contribuir com a sua baita experiência no tema. Ficou incrível, espero que gostem…

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9 months ago · 21 likes · Daniel Niggli and Luri Ribeiro

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Teve uma época em que eu estava bastante perdido.

Quer dizer, eu sempre estou perdido, em maior ou menor grau. Mas aquele momento da minha vida realmente era especial, de um jeito ruim — não sei a palavra pra isso, pra quando algo se destaca por ser uma bosta.

De qualquer forma, eu estava tão perdido que arrisquei me confidenciar com meu pai. Para quem não sabe, o homem que me abandonou quando eu tinha nove anos de idade.

Naquele momento, ele tinha retornado à minha vida havia pouco tempo. Em meio à pandemia, decidiu cruzar o país de carro e vir me ver adulto pela primeira vez. Eu nunca entendi muito bem essa decisão, talvez tenha sido o medo de morrer de repente e não dar tempo de, ao menos, responder algumas questões que existiam entre nós. Afinal, eram dez anos sem trocar nenhuma palavra. Outros tantos desde a última vez que o vi pessoalmente, ainda adolescente. Bem, o que importa é que ele veio.

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Por mais que pareça a receita pronta para um encontro conturbado, a verdade é que deu certo e, apesar de ser estranho dizer, foi bom pra mim. Tirou um peso das minhas costas, tanto que eu acreditei que seria uma boa ideia ouvir as “palavras de sabedoria” do homem que me deu uma conta enorme no psicólogo.

E, considerando que ele estava em uma sequência bastante positiva, ele soltou uma frase de parachoque de caminhão que guardei comigo: “pra trás, nem pra pegar impulso.”

Por mais que eu tenha começado o texto falando das minhas inquietações, eu tenho uma forte tendência a resolver as coisas esperando elas passarem, no melhor estilo homem-que-fica-doente. Só que, ao invés de não ir ao médico, eu só evito meus problemas mesmo — incluindo, porém, não limitado a questões de saúde.

O que não ficou muito claro no que meu pai me disse é que, muitas vezes, ficar no mesmo lugar já é andar pra trás.

Tem momentos na vida em que a mudança vem a galope, inevitável, atropelando tudo. Tem outros em que ela demora, como se pedisse que você tomasse a iniciativa. Assim, o mundo vai passando por você e tudo que fica igual vai perdendo a magia. É por isso que a gente precisa forçar um pouco a barra e trocar uns móveis de lugar de vez em quando. A parte ruim é que se encaramos esses momentos de tranquilidade nos negando a agir, acontece alguma coisa que tira o chão de baixo dos seus pés. E costuma ser bem traumático.

Eu deixei as coisas muito tempo no mesmo lugar. A mesma cidade, o mesmo bairro, o mesmo apartamento, com a mesma decoração. E o pior: convivendo com os mesmos problemas. Aconteceu o que tinha que acontecer.

Eu estava agitado, pensando constantemente em me mudar. Como eu tinha acabado de me separar, a confusão natural desses momentos estava me fazendo questionar tudo. Imediatamente, uma das ideias que tive foi voltar para a casa da minha mãe, em Belém. Por isso, meu pai alugou esse triplex na minha cabeça.

Hoje, a frase me pega por outro motivo. Ao invés de terminar um relacionamento, sinto que uma fase da minha vida está acabando: a juventude. A crise da meia idade fincou as presas e eu não consigo soltar de forma alguma. Agora, tudo o que penso tem a ver com a ideia de estar perdendo tempo, de não ter mais tempo, de ter que escolher bem como vou passar o tempo que tenho e outras variações da mesma aflição.

Meu pai disse que eu não deveria voltar atrás em hipótese alguma, mas às vezes é difícil resistir à tentação de buscar um conforto nos lugares que já conheci no passado.

Pra piorar, também venho repetindo o clichê do homem que regride à adolescência e ouve os mesmos discos, assiste às mesmas séries, os mesmos desenhos, lê os mesmos livros, os mesmos quadrinhos, joga os mesmos jogos… quando não faço isso, vou em busca de experiências que não pude ter até então. Compro os videogames que não tive, vivo as experiências que deixei de viver… por exemplo, recentemente, comprei um Game Boy Advance só pra deixar na estante. E gastei uma pequena fortuna num ingresso pra ver o Oasis.

O show estava lotado, então, acho que ao menos não sou o único.

Com tanta coisa maluca acontecendo, parece que o mundo inteiro está viciado no docinho da nostalgia. Em coisa de cinco anos teve a pandemia, a IA deixando um monte de gente desempregada, o colapso ambiental gritando e os tambores da guerra batendo cada vez mais perto… quem pode julgar?

O que não vem faltando é evento histórico e cultural mudando tudo da noite pro dia.

No final das contas, a gente fica parecendo a temporada final de Stranger Things. Um monte de adulto vestindo roupa de criança, interpretando uns papéis que não cabem mais.

Meu pai foi bem maluco. Ele causou um monte de coisa terrível pra um monte de gente. Mas tem algo que eu invejo nele: o fato de que ele não pensava duas vezes antes de fazer o que ele queria. Meio sociopata? Talvez.

No entanto, uma coisa é certa: ele não passou vontade. Veio, casou, teve filhos, traiu, ficou rico, faliu.

Ele realmente não andou pra trás nem pra pegar impulso. O problema é que lá na frente achou o muro da realidade que fez ele se ver na obrigação de ser mais humilde.

Óbvio que eu não quero ser como ele. Eu já tenho problemas demais e já surto sem ter metade das coisas que ele tinha em jogo. Mas também não quero ser essa versão de mim que fica esperando a vida passar.

Pra trás, nem pra pegar impulso. É… eu até concordo. Ele só esqueceu de me dizer que seguir em frente às vezes significa arrastar um monte de merda junto.

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Feliz 2026!

Hey, um novo ano começando. :)

Eu precisei dar uma pausa, mas agora estou voltando aos trabalhos.

Desejo toda felicidade do mundo a você e agradeço imensamente por todo o apoio que veio em 2025.

Que venham memórias maravilhosas para nós!

Abraço,

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Nota: Esse texto tem versão vídeo lá no Youtube. Caso você goste e queira me ajudar, veja/ouça pelo app e me manda um hype. :)

***

Eu tenho muito medo de perder tempo. Olhar pra trás e ver que eu não realizei nada, sabe?

E, por mais paradoxal que seja, era exatamente isso que eu estava plantando. Começava vários projetos, vários hábitos, mas nunca continuava. A própria definição de fogo de palha.

Até que eu fiz um voto de meditar todos os dias por um ano. E, contra todas as minhas expectativas… não é que eu consegui? Quer dizer… quase.

Mas a real é que nos dias em que falhei, eu aprendi uma coisa muito mais importante do que em todos os outros que eu acertei.

Eu descobri que a continuidade não é uma linha perfeita. A continuidade é uma linha tracejada.

O importante é manter a sensação de continuidade, de que as coisas estão em movimento.

Mas ninguém ensina isso pra gente, né?

Porque não dá pra vender aplicativo com essa mensagem. Não dá pra gamificar “volte quando puder”. [Mostrar imagem do Duolingo, Headspace, etc]

Vale sempre lembrar: eles monetizam a atenção e a urgência que eles conseguem fabricar em você.

O problema é que isso não te serve. Na vida real, as coisas acontecem e, de repente, você falha.

Eles fazem você achar que a culpa é sua, pra você correr pra comprar o próximo curso. O próximo app. O próximo framework.

Sendo que não é necessário voltar à estaca zero toda vez.

Eu queria ter entrado em contato com essa visão mais compassiva das coisas antes. Ouvir os gurus de produtividade, da disciplina, da performance, só me atrasou.

É até irônico: quando eu parei de perseguir esse tipo de ideal é que as coisas começaram a fluir pra mim.

Nem todas as falhas são iguais

Todo mundo já deve ter ouvido falar que demora 21 dias para formar um hábito. Ou 30 dias, ou 60, ou 90… O número de dias pode variar, mas a ideia é sempre a mesma: você precisa ser super rígido. Não pode falhar. Nem um dia.

Aguenta aí e depois o hábito vai rolar automaticamente pro resto da vida.

Só que essa história é meio furada.

No mundo real, é óbvio que as coisas acontecem. Vai ter dias que algo te atropela e você não tem escolha a não ser postergar o que queria fazer. Especialmente se você já tem uma vida toda encaixadinha, com trabalho, estudo, filhos, família, cachorro… esse tempo do seu dia pra mudar algo que não faz parte desse encaixe é uma tensão que você está adicionando. E, como toda tensão, demanda uma energia que não é fácil de continuar segurando pra sempre.

Mas é importante frisar que nem toda falha é igual.

Tem a falha que acontece, por exemplo, quando você adoece ou tem algum imprevisto. E tem a falha que, lá no fundinho, foi você quem escolheu, mas por um motivo ruim: preguiça, fuga ou autossabotagem.

Acontece, é da vida.

A questão é que quando você cede a esse segundo tipo, é criada uma associação negativa muito forte. Você registra uma informação de que esse novo hábito é estressante, chato, sofrido… e que o hábito antigo é que é gostoso, reconfortante.

Isso cria um ciclo difícil de romper. Cada vez que você recai nisso, precisa de mais energia pra retomar. A resistência fica muito maior. E você fica muito mais refém de algo que te prejudica.

A boa notícia é que o que está em movimento tende a permanecer em movimento. A gente é extremamente adaptável e, da mesma forma como o corpo se acostuma com o gostosinho do hábito velho, ele também se habitua de volta ao esforço.

A gente só tem que pegar no tranco, sabe?

O voto que mudou minha vida

Eu tenho um interesse bem grande no budismo.

E uma das premissas do budismo é que a mente é maleável. A gente pode se moldar e se transformar, desde que treine.

No meu caso, eu queria ser mais focado, mas nunca conseguia.

Então, eu fiz um voto de meditar todos os dias por um ano, como uma forma de treinar essa característica que eu valorizava.

No começo, era tudo lindo. Eu comecei com 10 minutos, depois fui subindo até chegar a uma hora de prática. Mas, como nem tudo são flores, logo a empolgação passou e eu pude perceber claramente qual era o meu padrão.

Mesmo um minuto de prática que fosse era absurdamente difícil. Eu não só não fazia a prática como eu fugia dela ativamente. É difícil até de explicar.

Até que em um certo dia, eu esqueci. Fiz minhas coisas, dormi e só fui lembrar no outro dia. Eu fiquei arrasado, pensei em deixar pra lá de vez.

Mas então, veio na minha cabeça uma frase de um monge budista, o Tsem Rinpoche: “Não é porque você falhou hoje que você precisa falhar amanhã”.

Ou seja, não adianta nada ficar remoendo culpa, me achando a pior pessoa do mundo só porque eu dei um deslize. É melhor só retomar de onde eu parei e vida que segue.

No caso da minha prática de meditação, eu voltei no dia seguinte. Meditei. Voltei no outro. E no outro.

E aí que no final daquele ano, eu tinha meditado muito mais dias do que em todos os outros anos da minha vida. O acumulado de sucessos foi muito maior do que uma vez ou outra que eu tenha falhado. Foi um avanço imenso.

Na vida criativa

Com a minha escrita também é um pouco assim.

Eu já cheguei a ficar alguns meses sem publicar na minha newsletter do Substack. E é óbvio que isso mexia muito comigo.

Eu queria voltar, mas ficava remoendo que eu não sabia o que escrever, não queria encarar o fato de que iria um tempo até aquecer de novo a base e que tinha uma certa vergonha naquele esforço. A real é que a cada dia que passava, aquilo ficava mais difícil.

Até que um dia eu assumi que ia escrever alguns textos horríveis, que ninguém ia ler e que eu precisava de um tempo até começar a me sentir bem de novo. E foi exatamente isso: escrevi mesmo enferrujado e mandando mal.

No final, o problema estava mais na minha cabeça do que qualquer coisa… hoje, não é como se alguém ficasse apontando que eu parei. A newsletter continua aí, firme e forte.

Eu queria ser mais como um Stephen King, juro. Sentar todos os dias, fechar a porta, escrever lá minhas 5 ou 6 páginas e nunca falhar.

A gente vê isso e pensa que é dessa disciplina que a gente precisa pra poder sentir que está no nível profissional. E aí, lá vem cobrança e lá vem culpa.

Mas dá pra ter outras abordagens nisso. No livro ”Do que eu falo quando falo de corrida”, o Murakami conta como tem fases de dedicação diária intensa. Ele escreve, corre, dorme e acorda cedo… ele vive pra isso. Mas depois, ele também respira, deixa o corpo relaxar por meses.

Ou seja, cada um tem um sistema próprio que serve ao que gera o conforto ou desconforto necessário pra manter o movimento deles rolando.

Eu acho que a gente costuma dar muita ênfase ao que podemos controlar, como se fosse possível passar por cima de tudo como um trator sem perder ritmo, sem deixar a peteca cair, seja em qualidade, seja em saúde mental ou seja na própria frequência.

Não é à toa que esses exemplos de disciplina acabam fascinando tanto a gente, mesmo que seja alguém como o Murakami, justamente porque as pausas dele são planejadas, cronometradas. Contando assim, parece que ele escolheu, forçou a barra e deu tudo certo, exatamente como ele imaginava. E isso contradiz tudo o que a gente vive.

A história do David Bowie é um exemplo de alguém que vivia lutando contra questões muito maiores do que o controle que ele conseguia exercer. Óbvio, ele tinha uma grande diligência e a arte, de uma certa forma, era o que mantinha ele vivo.

Mas, no caminho dele, teve a recorrência do vício, depressão, um ataque cardíaco, o desejo de ser um pai presente… vários eventos que demandaram a presença dele para além do papel de artista. E, teve até uma pausa bem relevante, a partir de 2004, na qual ele ficou 9 anos sem disco, sem shows, sem nada. E voltou com um disco com tudo que ele vinha vivendo, mesmo que não fosse exatamente um período produtivo.

Até que em 2013, do nada, ele solta The Next Day. Um disco inteiro sobre envelhecer, sobre ter medo, sobre querer desistir... E três anos depois, o Blackstar, processando o próprio morrer.

Ou seja, olhando de forma ampla, você nota que nem sempre ele esteve no auge da energia ou da inspiração. Mas ele seguiu.

É claro que transportar de forma direta essas vivências é muito difícil, afinal, a gente aqui só está tentando criar enquanto lida com as milhares de demandas da vida.

Ainda assim, hoje, eu queria trazer esse outro ponto de vista, de que você pode respeitar seus ritmos de pico e de queda de energia.

No meu caso, eu descobri que eu funciono melhor quando aceito que tenho esses ciclos de interesse e de cansaço.

É óbvio que cada jeito tem suas vantagens e desvantagens. O que eu quero dizer é que se você também é alguém que para, que some, que trava… talvez você precise menos dessa disciplina linha dura e mais de autocompaixão.

Com isso, não quero dizer que a dedicação não é importante. Com certeza, é. Especialmente se você está numa fase em que ainda tem que fundamentar as bases, aprender ou construir um público, a diligência vai contar demais. Ainda assim, a flexibilidade e a leveza também fazem parte do pacote que nos mantém na ativa no longo prazo.

E por que isso é importante?

Você não precisa complicar

Porque a vida já é difícil o bastante. A gente não precisa complicar ainda mais.

Quando a gente pega um desafio como esse de meditar ou de sustentar um projeto criativo, a ideia é que isso seja um trampolim pra gente treinar a mente, desenvolver algo do lado de dentro que é importante pra realizar os nossos sonhos do lado de fora. Ou seja, fazer o que a gente quer fazer.

Não importa exatamente conseguir ou deixar de conseguir cumprir o desafio à risca. A pergunta principal é se aquilo te deixou mais perto de uma vida mais plena, mais feliz, mais leve.

É por isso que eu acho que a gente precisa redefinir o que a gente chama de sucesso.

Dar check numa tarefa todos os dias é muito pouco, é pequeno. Não é isso que a gente quer de verdade.

O que a gente está procurando é ser feliz.

Hoje, eu digo que o meu sucesso é poder continuar. E o motivo é exatamente esse: criar é algo que me deixa feliz. Sim, eu dou meus deslizes aqui e ali, mas se eu volto não muito tempo depois, eu sei que está tudo bem.

Quando comecei a meditar todos os dias, eu achava que o desafio era só não quebrar a corrente. Mas a verdade é que eu aprendi muito mais do que isso.

Essa linha contínua, perfeita, que eu imaginava, não existe e nem importa. Agora, eu sempre lembro da linha tracejada.

Eu entendi que o fracasso não é ter espaços, pausas. O fracasso é não desenhar o próximo traço.

Então, é isso… eu espero que da próxima vez que você falhar algum compromisso, isso não te desanime. E você volte pro que te faz bem.

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Luri, você sumiu e não vai falar nada?

Pois é, eu sumi.

Eu não sei se posso considerar um bom motivo, mas eu entrei numa breve crise porque meus vídeos no Youtube deram certo muito antes do que eu esperava. A pessoa não fica em paz nem quando tudo dá certo, né?

A verdade é que esse meu vídeo já está com 58 mil visualizações, tem outro que foi super bem também e eu pulei de uns 700 assinantes pra 4500. Nesse processo, meu canal também monetizou, o que trouxe a necessidade de começar a pensar no que eu ia fazer com tudo isso.

Basicamente, eu adquiri a síndrome do segundo álbum e travei tentando repetir o sucesso dos outros vídeos. Até que cansei de mim, sentei e escrevi um vídeo ruim — esse que estou trazendo aqui hoje. A sorte é que, como sempre, eu entrei no fluxo e voltei a amar o processo.

Infelizmente, isso veio junto com uma viagem. Estou em Belém nesse momento e, portanto, longe do meu equipamento, do meu cenário e das minhas plantas. Então, talvez, os vídeos acabem ficando em segundo plano por uns tempos, a não ser que aconteça um milagre e eu decida abrir a câmera e falar sem roteiro, fazer um vlog ou algo nessa linha — o que eu acho super difícil.

Mas nunca se sabe, né? Eu não gostava de fazer vídeos e agora sou Youtuber.

De qualquer forma, pretendo não passar tanto tempo sumido aqui do Substack. Desejem-me sorte, porque a rotina anda uma correria só.

Um abraço a todos vocês e sejam muito felizes,
Luri

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Nota: Esse texto tem versão vídeo lá no Youtube. Feito com carinho para quem gosta de ver e ouvir. :)

Hayao Miyazaki gastou um ano e cinco meses para fazer 4 segundos de animação.

Pois é. Um ano e cinco meses.

Essa cena está no filme “Vidas ao Vento”. É uma cena de multidão que, se você olhar pro lado, já perde. Passa muito rápido.

Qualquer outro diretor teria repetido elementos, usado ângulos diferentes pra enrolar. Enfim, qualquer coisa pra evitar o trabalho e poder partir pra próxima, pra terminar o filme o quanto antes e cortar custos.

Não o Miyazaki.

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Ele fez questão que o animador passasse 15 meses desenhando cada pessoinha, dando uma personalidade única pra cada elemento na cena.

Foram 96 desenhos individuais. 6,4 desenhos por mês. Tudo acompanhado bem de perto pelo diretor.

O resultado fala por si só. A cena é viva, ela transborda emoção autêntica, crua.

Daí que esse exemplo não sai da minha cabeça já tem um tempo.

Por que assim como você, eu ouvi a vida inteira que eu tinha que ser rápido e eficiente.

Porque, se eu parasse um pouco que fosse, eu ia ficar pra trás. Eu acreditei nisso por muito tempo — até perceber que estava sempre cansado, ansioso, e com a sensação de que eu nunca era suficiente.

Mas, chega uma hora na vida que a gente cansa de ser a mesma coisa, de cair nos mesmos problemas. Isso aconteceu comigo.

E, se a minha busca por ser mais competente estava me destruindo, então, a cura só poderia estar na outra direção. Foi assim que eu comecei a entender que ser rápido e eficiente não é sempre a melhor maneira de abordar o que a gente faz.

O único problema é que lutar contra tudo o que a sociedade espera de você nunca é uma tarefa simples.

A dicotomia entre qualidade vs quantidade

Existe uma discussão muito grande no meio da arte e da criatividade sobre a questão da qualidade vs a quantidade.

Eu vi, pouco tempo atrás, um podcast que trouxe uma luz muito interessante sobre esse tema. Nele, o Jack Conte, que é o CEO do Patreon, conversava com o Van Neistat, que tem um canal genial no Youtube e também é irmão do Casey Neistat.

Lá, eles comentam sobre como de um lado, muitas pessoas argumentam que a qualidade precisa de tempo, que os prazos precisam ser afrouxados para que se possa lapidar e chegar a algo com mais substância.

Só que tanto para o Jack Conte quanto para o Van Neistat é a frequência que conduz à qualidade.

Com certeza, essa é a abordagem que a gente vê mais ser difundida por aí. Quantidade, consistência. Coloque seu trabalho no mundo o quanto conseguir. Uma hora você vai ficar bom.

E eu não vou negar que reconheço o mérito dessa visão. Existem inúmeros exemplos disso, desde gênios como Picasso, passando até por criadores de conteúdo como o próprio Casey Neistat.

Tentar ser o mais prolífico quanto der é uma ótima ideia, especialmente se você está em um momento de aprendizado, de criar as bases de um trabalho.

Mas tenho a impressão de que isso não funciona pra todo mundo.

Na minha experiência, toda vez que tentei forçar frequência, o resultado foi o contrário. Em vez de melhorar, eu começava a repetir fórmulas. Perdia o entusiasmo. Ficava naquela de “preciso postar alguma coisa” numa urgência, numa correria.

O corre do artista

Essa ansiedade não vem do nada.

Pensa comigo… com o surgimento das redes sociais, veio junto a noção de conteúdo. Arte não é mais arte. É conteúdo. Até o nome de quem faz foi trocado: você não é mais um artista, é um creator.

Esse bolo também trouxe como um dos ingredientes uma demanda muito mais alta por frequência de produção.

É claro que nunca existiu de verdade essa figura do artista contemplativo que espera a musa aparecer e iluminar a mente dele com algo divino. Na prática, não é assim que funciona. Mas também não dá pra negar que houve uma aceleração da demanda por entrega.

Agora, você precisa “soltar o próximo post o quanto antes, porque essa semana já atrasou”. Sabe?

E eu sei que isso funciona pra bastante gente. Tem criador que se dá bem com esse ritmo, consegue manter qualidade publicando todo dia. Mas pra outros, essa pressão constante por frequência é algo que mata a vontade de criar no médio-longo prazo.

Tem algo que se perde quando a gente força a barra pra manter a linha de produção rolando de acordo com o cronograma. E não é muito difícil entender porque isso acontece… pensa no seu trabalho, seja ele qual for. No começo, você se empolga, tem todo um espírito de novidade ali. Mas, com o tempo, quando isso passa, vai ficando cada vez mais difícil continuar. E aí você fica nessa: precisa produzir, mas perdeu o tesão pela coisa.

Eu não sei se você já viu esse filme, mas no Serviço de Entregas da Kiki, que também é do Miyazaki, tem uma das cenas que melhor ilustra esse momento.

Para quem não sabe, a Kiki é uma bruxinha em um mundo no qual ser uma bruxa é normal. É uma carreira.

A Kiki é uma menina que sonha com o momento em que ela vai ter a própria independência sendo uma bruxa. E, pra se manter, ela cria um negócio de entregas, aproveitando a habilidade dela de voar. Algo que me lembra bastante como artistas costumam se tornar designers ou publicitários.

No começo, tudo funciona. Mas conforme a pressão aumenta e ela vai se deparando com exigências cada vez maiores dos clientes, ela vai perdendo a conexão com aquilo que ela amava. Até que um dia... ela simplesmente não consegue mais voar.

Parece familiar, né?

Essa é, basicamente, a experiência de quase todo creator em forma de desenho animado.

Você se apaixona, trabalha, busca entregar o seu melhor, aprender o máximo no menor tempo possível e, de tanto esticar a corda, se esgota.

O próprio Miyazaki passou por algo assim.

Apesar de, hoje, ser conhecido pelos métodos de animação feita à mão e pelos processos longos, sua origem no mercado de animação vem justamente dos estúdios de TV, que tinham demandas muito mais altas.

Miyazaki trabalhou na Toei Animation durante os anos 1960. Havia uma insatisfação cada vez maior com os prazos apertados e as exigências para cortar custos — que se refletiam em animações de baixa qualidade e em outras consequências ainda mais sérias, como o falecimento de um animador.

A situação se tornou tão tensa que Miyazaki, junto com Isao Takahata, até lideraram uma greve.

Vinte anos depois, os dois se juntaram a Toshio Suzuki e fundaram o Studio Ghibli.

Competência primeiro

Mesmo com luta política organizada que rendeu frutos e melhorou as condições de trabalho, eventualmente, o caminho do Miyazaki passou por construir uma iniciativa própria, na tentativa de atuar por regras diferentes.

Essa é a parte dura da realidade. Às vezes, você não consegue florescer atuando dentro das mesmas estruturas, seguindo um caminho convencional.

Mas chegar a ter essa possibilidade é algo que, em geral, pede toda uma construção prévia para que seja possível.

Miyazaki começou oficialmente a carreira como animador ao entrar para a Toei, em 1963. Apenas em 1985, com a fundação do Studio Ghibli que ele se consolidou como o Miyazaki que a gente conhece. Mais de vinte anos de estrada aí.

Ou seja, ele precisou, primeiro, provar que sabia operar dentro das regras do jogo tradicional. Trabalhou anos na Toei e depois em outros estúdios. Aprendeu as técnicas, ganhou prática e respeito na área. Não foi da noite pro dia.

Só depois disso ele teve o capital, tanto financeiro quanto de credibilidade, pra propor um caminho diferente.

Isso me leva a um ponto crucial que muita gente ignora quando fala sobre “seguir sua paixão” ou “fazer do seu jeito”...

Conquiste o direito de ser lento

A oportunidade de criar os próprios métodos e fazer as coisas no seu tempo não é algo dado.

Você precisa conquistar o direito de ser lento.

Miyazaki não começou fazendo animações que demoravam quase uma década para ficarem prontas. Ele começou construindo uma reputação baseada na competência.

E essa é uma parte que muita gente pula quando ouve esses conselhos sobre desacelerar e focar na qualidade.

É tentador ouvir a história do Miyazaki e pensar: “Pronto, vou começar a demorar meses em cada projeto e esperar que as pessoas entendam minha visão artística.”

Só que não é bem assim que funciona.

No mundo real, você primeiro precisa provar que consegue entregar. Que é confiável. Que sabe do que está falando.

Só depois você se acotovela ali pra garantir a liberdade — e o luxo — de experimentar com ritmos de produção diferentes.

Mesmo em iniciativas que parecem novas, a gente acaba descobrindo depois que a pessoa já tem uma história com aquela carreira, que muitas vezes inclui cinco ou dez anos atuando profissionalmente de uma maneira mais tradicional.

É o caso, por exemplo, de canais como o Life of Riza. A Kariza tem anos e anos trabalhando dentro da indústria cinematográfica. Ela não apareceu do nada entregando o trabalho de um iniciante a cada semestre. Ela demora meses entre cada entrega, mas o tempo se converte em um ganho de qualidade porque ela já tem a experiência necessária para fazer valer a oportunidade.

Nós, que ainda não temos uma habilidade excepcional, nem um currículo brilhante, temos que percorrer o caminho. Dói, eu sei. Mas é assim.

Seja lento e ineficiente

Muitas vezes, quando analisamos exemplos e contamos histórias, a nuance se perde. É normal, afinal, se for pra explicar cada detalhe e possibilidade, eu vou ficar aqui por horas e não vou esgotar os argumentos e ramificações.

Mas isso também não quer dizer que não dê pra gente olhar pra tudo isso e pensar em como podemos trazer ao menos um nível disso pra nossa vida. Não pode ser que a gente realmente tenha que ser obrigado a passar vinte anos pra, enfim, ter condições de trabalho mais razoáveis.

E eu vou dizer: acho que é possível, sim. E é o que eu tenho feito.

Diminuir o ritmo para obter mais qualidade não significa, necessariamente, passar um ano e meio em alguns segundos de animação. Você pode, perfeitamente, só buscar ser um pouco mais razoável com seus prazos.

Talvez seja um projeto a cada duas semanas. Ou uma vez por mês.

O importante é que seja um ritmo que:

Em primeiro lugar, permita colocar dedicação real no trabalho e não seja aquela correria de postar pra atender alguma ideia maluca do que o algoritmo quer, ou seja, um tempo genuíno pra pensar, criar, revisar e sentir que chegou “lá”.

Depois, que seja frequente o suficiente para você continuar praticando e não ser esquecido pelas pessoas que decidirem acompanhar seus progressos. A continuidade é mais uma linha tracejada do que uma linha reta. O importante é que o próximo traço não esteja longe demais, ao ponto de perder o que torna eles uma linha só.

E, por último, que não te esgote. Porque burnout é coisa séria, e quando você perde a paixão pelo que faz, demora muito para recuperar. Provavelmente, muito mais do que se você deixasse seu fluxo criativo acontecer sem pressão por prazos.

***

O ato de criar deve ser a coisa que mais me ensina na vida.

E, quando a gente se coloca no mundo como artista, tentando fazer o que fazemos com a maior sinceridade possível, fica bem óbvio que as coisas têm um ritmo próprio de ser. E que, na maioria das vezes, essa dor que está no fundinho de tudo que a gente passa, é porque a gente não está indo junto com a correnteza. A gente está forçando a barra. Ou, como o pessoal fala: dando murro em ponta de faca.

A questão não é tanto sobre qual a frequência correta e como isso impacta o trabalho quanto é sobre o que funciona pra você.

Na minha opinião, a única coisa que realmente representa um fracasso é deixar de continuar, deixar de ser aquilo que você quer ser e parar de fazer o que você ama fazer.

No final das contas, é quando a gente está presente, de corpo e alma, que a felicidade flui.

E, considerando que quase tudo nessa vida é feito pra atingir um certo objetivo, é refrescante saber que ainda tem espaço pra criar como uma forma de estar vivo.

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Que você seja feliz!
Luri

Esse texto é uma transcrição de um vídeo no meu canal do Youtube. Abaixo deixo o vídeo, com o convite para você assistir. Ou, se preferir, pode ler o texto. :)

Um conceito que costuma ficar na minha cabeça é o da Resistência, que ouvi falar a primeira vez num livro do Steven Pressfield, chamado A Guerra da Arte. O livro recebeu uma edição caça-níqueis, com título clickbait aqui no Brasil que, realmente, presta um desserviço a uma obra que já era meio exagerada. Não sei se recomendo. Provavelmente, não.

Mas aqui trabalhamos tentando extrair algo de positivo mesmo das piores experiências e esse conceito da Resistência é interessante como forma de nomear algo que todos nós, criativos, enfrentamos: a procrastinação, o medo, a fuga daquilo que mais queremos fazer.

Eu estava num desses momentos.

Sempre comento sobre como o planejamento super rígido não funciona comigo. Em geral, minhas fases de grande produtividade são seguidas de momentos de retração, onde preciso me recolher. Houve uma época da minha vida em que essas fases de baixa demoravam muito, ao ponto de realmente estragarem a percepção de continuidade no meu trabalho. Hoje, aprendi a administrar bem melhor.

Uma das principais formas que encontro de sair do vale da resistência é criar aquilo que está mais imediato. Falar do que não sai da minha cabeça no momento. No caso, eu vinha há meses com esse título na cabeça: “Comece pensando em desistir”. Então, esse foi o jeito que encontrei de sair de mais um período de esgotamento criativo.

Pegando no tranco mesmo, comecei a escrever o roteiro, depois filmei tudo o que precisava, editei e agora o vídeo está no ar.

É incrível como, ao criar, a gente sai de um estado de torpor total para um de pura empolgação e brilho. Sinceramente, eu gostaria muito que as pessoas, no geral, lembrassem disso: não é que a gente precise estar animado pra começar. É o ato de criar que desperta o ânimo e a vontade de viver.

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Comece pensando em desistir

Pois é, parece contraditório, eu sei.

Mas quase toda furada que eu me meti na vida foi porque eu não soube a hora de parar.

Eu comprei valendo a ideia de que a gente tem que persistir em tudo que a gente faz e passei mais de dez anos da minha vida insistindo num sonho que não me levou a lugar algum.

Mas, depois que eu li esse livro horroroso, mas com uma boa ideia, eu consegui abandonar o que estava me frustrando e começar a me dedicar à minha escrita, com resultados muito mais concretos.

Por isso, eu vou mostrar aqui 3 tipos de situação que vão deixar bem claro se você deve ou não desistir do que você está fazendo.

E vou mostrar também qual é a melhor hora de desistir e como fazer pra não entrar mais nessas furadas da vida.

Por que se abrir à ideia de desistir?

Vou começar com uma história que aconteceu comigo.

Eu tive uma longa fase que eu queria muito ser músico profissional.

E é importante fazer aqui uma distinção. Você pode amar uma coisa, se dedicar muito, mas não ser um profissional. Eu amo a música e ainda toco em casa, mas eu não tinha o conhecimento, o treino e os recursos para aquilo ser minha profissão.

A parte mais interessante, quando eu olho pra trás, é que existiam vários sinais de que eu estava num caminho equivocado. Mas, dada a minha paixão, eu me negava a ver.

E eu acho que teria sido melhor se eu tivesse aceitado antes o lugar que a música ocuparia na minha vida, justamente porque eu poderia colocar aquela energia em algo que utilizasse melhor minhas habilidades.

Se você passou por isso, você sabe do que eu tô falando. O gosto que fica depois é extremamente desagradável. Parece que você perdeu tempo de vida, um tempo que nunca vai voltar.

Talvez por isso a gente evite tanto desistir. É o medo de passar vergonha, de assumir uma falha. O peso emocional é enorme.

Mas, ao contrário do que a gente ouve por aí, saber a hora de desistir não é ruim.

É claro que a gente aprende muito com as nossas cabeçadas, mas é importante que a gente erre de maneira frutífera, pra encontrar caminhos, não de uma forma que não dê em nada.

Aprender a desistir de uma maneira inteligente ajuda a gente a não ficar entrando nesses becos sem saída.

O beco-sem-saída

Que, aliás, é exatamente o jeito que o Seth Godin chama o primeiro tipo de situação onde é melhor cair fora.

O Seth Godin representa essa ideia por meio desse gráfico, que mostra uma situação que, basicamente, não tem solução.

É algo que, não importa o quanto você invista em tempo e dinheiro, provavelmente não vai sair do lugar — ou que, demandaria um investimento em tempo e recursos alta demais pra compensar.

Eventualmente, sua energia se esgota e você desiste.

Nesse cenário, quanto antes você fizer isso, melhor.

Meu exemplo na música seria bem isso. Desde moleque eu insistia nessa ideia, passava meus dias ali com o violão e o caderno na mão, cantando e compondo.

Mas as coisas nunca fluíam, sabe? Eu não conseguia estudar bem porque estava sempre cansado do trabalho, não encontrava quem quisesse tocar comigo e as reações nas minhas apresentações eram meio… “é, legal”.

E eu achava que aquilo tudo era só o desafio esperado, que era normal. Então, lá se foram dez anos de idas e vindas, sempre com aquela cara de início de carreira.

O que, obviamente, é horrível quando eu paro pra pensar.

O penhasco

O outro tipo de situação que o Seth Godin fala é o penhasco.

Eu lembro que, nessa fase, eu pegava minhas contas como qualquer outro artista em transição, ou seja, com um emprego formal.

E não era ruim. Na verdade, até acho que foi uma das melhores fases da minha vida. O salário era bom, a galera era legal, tinha uns projetos muito interessantes. Era uma ótima ideia ficar por ali enquanto isso.

Mas aos poucos, as coisas foram mudando e os sinais estavam na cara. Alguns dos meus colegas que eram os melhores da equipe foram “procurar outras oportunidades”. Daí, os projetos que pagavam as contas da empresa estavam cada dia mais raros. O ambiente, que era ótimo, estava cada vez mais tenso.

Mas eu fui ficando. Eu não tinha essa experiência, achava que as coisas iam mudar e que aquilo era uma oportunidade pra mim.

Mas o tempo passou...

Um belo dia, fui chamado pra uma reunião e rolou meio que um “não é você, sou eu” corporativo e eles me desligaram.

Foi pânico total, né?

Essa história ilustra bem o penhasco.

Basicamente, é uma situação que já funcionou, mas que está indo de mal a pior.

A armadilha do penhasco é você se apegar ao passado, ao esforço que já dedicou ali. Ou, como eu fiz, ficar se agarrando numa esperança de que o problema seja passageiro.

A questão é que, quanto mais você demora pra sair, mais difícil é pra se recuperar.

Aqui, a decisão mais inteligente é aceitar que a fase acabou e partir pra próxima o quanto antes.

O vão

O último tipo de situação é o vão, que tem um gráfico mais ou menos assim.

É aquele momento que você está se esforçando mas não vê lá muito resultado, sabe?

Minha trajetória no Substack foi um pouco assim.

Quando comecei a escrever, fui vendo alguns resultados rápidos. Novos inscritos, comentários elogiando.

Ainda não era um sucesso da noite pro dia, mas era o suficiente pra dar esperanças.

Eu conhecia bem o desânimo que vinha depois de um tempo. E, se tem uma coisa que aprendi ao longo dos anos, foi que eu costumo desanimar quando passa a empolgação do começo dos projetos. Então, eu decidi que não ia repetir o erro dessa vez.

Um belo dia, tive um primeiro salto que mudou o ritmo de crescimento do projeto. Um texto que eu publiquei foi divulgado por um creator mais famoso e, desde então, a minha comunidade no Substack só se fortalece.

Sem manter o hábito de publicar, eu não teria como contar com esse imprevisto de ser compartilhado por um criador com mais audiência. E, sem ter acumulado textos, não teria a base necessária pra converter os recém chegados em público recorrente.

Quando você avalia apenas o curto prazo, dá pra confundir o vão com o beco-sem-saída ou até com o penhasco. Mas a diferença é que, se você olha o cenário geral, você vê que tem pessoas conseguindo bons resultados. É só que você ainda não chegou lá.

E, sim, o vão é ingrato. Não é fácil atravessar o deserto. A questão é que tudo que compensa na vida tem esse momento que você tem que insistir em fazer o seu rolê mesmo quando é flopado.

É importante não confundir as coisas.

Porque o outro lado só aparece pra quem aguenta passar por essa parte.

Defina seus termos

E, pra chegar a ter essa resiliência, você precisa se preparar.

Quando estamos no meio de alguma coisa que não parece que está avançando, é difícil ter a clareza mental pra tomar uma boa decisão. A frustração cega a gente.

Por isso, é fundamental definir seus critérios antes de começar qualquer projeto. Não só critérios de sucesso, mas também quais dificuldades e quanto fracasso você aguenta.

Vamos supor que o seu objetivo é se tornar Youtuber. Você pode, por exemplo, colocar um limite de 50 vídeos ao longo de um ano, o que dá, mais ou menos, um por semana.

Caso você não consiga ao menos monetizar nesse tempo e com essa quantidade de vídeos, você para.

Isso seria um exemplo desse conceito num projeto criativo.

Junto com isso, também vale tentar prever o que você vai encontrar no caminho em termos de dificuldade e sofrimento.

Quando você sabe exatamente o que está buscando e quais os seus critérios de desistência, fica muito mais fácil identificar se está no caminho certo ou se é hora de mudar de direção.

****

Eu sei que existe todo um peso emocional que a sociedade coloca na gente sobre desistência. Mas o fato é que tudo fica muito mais simples quando você para de ter medo de desistir.

Porque aí você pode dizer “ok, aprendi o que precisava aqui” e depois consegue colocar sua energia em algo que faça mais sentido.

É claro que a gente precisa aprender a identificar exatamente quando está num beco-sem-saída ou quando está num penhasco, justamente pra não desistir de algo que pode dar frutos enormes mais na frente.

O grande pulo do gato é parar de gastar energia nas coisas erradas e aprender a persistir nas coisas certas.

Porque se tem uma verdade, é que a vida é curta.

Ninguém aqui tem tempo a perder.

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Destrava #3: falando de coração

O Destrava é o nosso clube da escrita. A ideia é simples: nos reunirmos pra aproveitar a energia coletiva pra começar ou destravar nossos projetos.

Dessa vez, vai fluir um pouquinho diferente. Quero falar sobre como chegar à sinceridade e perder o medo de nos colocar na escrita de verdade, de um jeito que não seja vergonha alheia.

Depois vamos ter uma dinâmica de escrita pra explorar nossas emoções e, pra fechar, vamos falar sobre a experiência — que é a melhor parte, confie em mim.

Quando e como participar

O Destrava #3: falando de coração acontece no sábado, 27/09, das 10h às 12h.
Para entrar, basta assinar o plano pago da newsletter — vou mandar um e-mail com o link do Meet algumas horas antes da oficina.

Quer me ver continuar criando?

Além de garantir que eu tenha um teto, esteja bem alimentado e com a lombar inteira pra aguentar as horas escrevendo o que publico por aqui, você vai receber textos exclusivos, participar do Destrava (nosso clube da escrita), fazer parte do Quintal (o grupo no Telegram) e ganhar acesso ao Repositório de Referências Infinitas. Ou seja, só coisa boa — para saber mais, é aqui.

Se quiser ajudar seu escritor favorito a continuar escrevendo, esse é o caminho:

Contribua com o Puxadinho do Luri

Que você seja feliz!
Luri

Se você clicou, é porque está começando um projeto no Substack e quer saber o que (ou como) escrever. Esse texto quer te ajudar nisso.

Escrever para a internet tem suas nuances, da mesma forma como escrever um romance não é o mesmo que criar um poema.

No caso do Substack, estamos falando de um nível de comunicação que acontece num dos espaços digitais mais íntimos: o e-mail.

A proposta aqui, é de oferecer um contato mais imersivo. Receber um e-mail é como receber uma carta de um amigo. É um resto de um período da internet quando as plataformas não intermediavam nossas conexões. É você e eu — ou você e seu amigo.

Assine agora

Apesar de ter um app, acredito que cerca de 90% dos usuários prefere receber o texto pelo e-mail — com base nos dados da minha lista.

Então, esse é um aspecto importante a considerar. Quando alguém assina seu conteúdo, existe uma promessa de contato íntimo que é boa de se aproveitar.

De uma forma geral, isso nos aproxima do formato dos blogs. E, assim como era naqueles idos e saudosos tempos, um post (ou disparo) pode assumir infinitas formas.

Dito isso, vou trazer aqui algumas ideias e referências que podem ajudar a organizar o pensamento e inspirar seu trabalho.

Índice

• Já parou pra pensar na vibe do seu texto?

• Curto vs longo

• Quanto a formatos e estruturas

  • Literários

  • Blog Post

  • Lista

  • Podcast

  • Guia ou tutorial

  • Entrevista

  • Estudos de caso

  • Análise

Já parou pra pensar na vibe do seu texto?

Um dos primeiros aspectos a se pensar é qual o tom que você quer imprimir.

Muitas vezes, isso vem de uma forma razoavelmente natural. Como criador, você escreve mais ou menos da forma como se porta na vida real. Mas também é uma possibilidade você assimilar o tom que seria mais efetivo para um determinado resultado estético, para gerar uma certa impressão, um sentimento ou atmosfera.

Esse processo pode ser consciente ou pode se dar de forma intuitiva, na medida em que você experimenta palavras, ritmos e imagens até sentir que achou seu jeito de se expressar.

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