L’amour et la vérité

Come bonus track estiva ferragostana, Strapuntino vi offre uno speciale schema, che tenta, in sintesi, a dar conto dalle tre settimane di luglio del festival di Avignon, che rimane (a nostro giudizio) un’esperienza speciale, pressoché unica, per chi ama il teatro.

La dimensione festivaliera è quella della festa, del godimento, degli incontri magici e dell’abbuffata e, al contempo, inevitabilmente, quella dell’esperire i propri limiti, umani e spettatoriali, ché - anche con il ritmo “matto e disperatisssimo” di 4-5 spettacoli al giorno per 23 giorni di fila - si può vedere con dedizione la quarantina di proposte ufficiali del festival (ho visto in tutto 34 spettacoli dell’IN, uno due volte), ma solo una percentuale necessariamente selezionata e circoscritta di quelli dell’OFF (sono riuscito a vedere 64 spettacoli della rassegna “collaterale”, che vede una proposta di 1900 - MILLENOVECENTO! - titoli).

L’idea/gioco è stata di applicare, in termini di attese, e poi a consuntivo, la logica termometrica dello Strapuntino, dunque ogni titolo visto ha una colorazione azzurra (neutra, freddina), gialla (degna di nota, tiepida), arancione (convincente, calda) o rossa (entusiasmante, very hot). Ho provato poi, a caldo (e data la rovente “canicule” francese è proprio il caso di dirlo), a tracciare un breve commento/giudizio/qualche impressione descrittivo-analitica su quasi tutto quello che ho visto, con i limiti linguistici e di comprensione (del mio francese), contestuali (l’attenzione, l’energia, il tempo rapido della metabolizzazione), critici e di gusto (relativi al mio sguardo parziale, soggettivo, affaticato, con i suoi bias). A fronte di questi giudizi, degli amori e delle verità che ho saputo incontrare, ho scoperto nomi, compagnie, sedi avignonesi, linguaggi amati e nuovi alfabeti, fra conferme, sorprese e tanti incontri inattesi. Con il colore violetto ho infine evidenziato quei nomi e quelle compagnie che, secondo me, vale la pena di tenere sott’occhio, di vedere dove vanno e che cosa ci porteranno in futuro (almeno: io lo farò). Molte produzioni del programma ufficiale sono creazioni (ad hoc per il festival, o di poco precedenti) che sarà possibile vedere in giro per la Francia e per l’Europa la prossima stagione (in questo senso questa può servire da bussola per scoprire spettacoli in arrivo). Dall’OFF, un panorama necessariamente più piccolo e meno di “grandi nomi”, talvolta più legato a territori più circoscritti, ma di una qualità media e generale direi stupefacente e da tenere in considerazione.

Capisco che non a tutti possa interessare uno sguardo maniacale, un filo ossessivo, su un centinaio di spettacoli dal vivo, per lo più in francese, scene che magari potranno difficilmente vedere o scoprire in prima persona, ma spero lo prendiate invece come un invito al viaggio, uno spunto per concedervi, una volta nella vita, di “fare Avignone”, ché è qualcosa di magico, che segna a fondo. Garantisco.

A volte non sono gli spettacoli, neppure. Ad Avignone accadono cose speciali: i due capretti che volevano fare irruzione al Carrière de Buorbon, per esempio; rimanere chiusi un’ora nell’ascensore della Maison Jean Vilar per dirne una; mettere una sveglia alle 4 del mattino per assistere all’alba alle domande architettata da Tiago & Co. al Palais de Papes; scoprire la storia bellissima di Pamplemousse, che fu il gatto, padrone segreto del Palais; o ancora imparare che la Fabrica ha la possibilità di far provare gli artisti su una superficie (che non a caso è) identica a quella montata del palco nella Cour d’honneur; incontrare persone e storie per le strade, e accettare consigli dagli sconosciuti; riconoscere nel caso propiziato dalla scena parti di te… E tanto altro. Tanto oltre.

Qui, da spulciare, lo schema del FOCUS FESTIVAL AVIGNON 2026:

AVIGNON 2026 OFF e IN

Poi, a settembre, torniamo sulle scene nostrane, curiosi come sempre.

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Les serments indiscrets: stagioni a sensazioni

In attesa del numero 5 di Strapuntino, che fra fine agosto e inizio settembre aprirà la nuova serie e vi porterà il consueto sguardo (sistematico e schematico, semaforico e giocoso) ogni mese sui successivi due mesi di programmazione dei teatri di Milano e dintorni, andando nel dettaglio minuto del cartellone di SETTEMBRE-OTTOBRE, profittiamo qui della pausa estiva, che ha visto la presentazione a giugno di molte nuove stagioni teatrali 2026-2027, per darvi qualche prima dritta sugli spettacoli che più ci attendiamo e maggiormente ci incuriosiscono, o abbiamo già visto e vorremmo rivedere, da qui a fine anno solare.

L’idea è di segnalarvi alcuni highlights per ciascun teatro, con una breve motivazione, così che possiate cominciare a pensare ai primi appuntamenti (gli imperdibili?) della rentrée. Insomma, ecco le “punte”, fino a fine 2026, secondo Strapuntino.

MILANO

PICCOLO TEATRO

Quest’anno l’istituzione compie 80 anni (anniversario speciale!): la stagione si chiama Il gioco del tempo, e non vediamo l’ora - va detto off topic - di vedere il Faust di Latella a inizio 2027, spettacolo-evento che onorerà la memoria di Giorgio Strehler, ne siamo certi.

Ma veniamo agli spettacoli da non perdere fino a fine 2026:

Coro degli amanti di Tiago Rodrigues [29 settembre-18 novembre]:

L’opera prima di Tiago Rodrigues mette in scena una giovane coppia che si confronta con la morte. Una corsa contro il tempo in cui i due amanti rievocano la loro storia dando voce a un racconto polifonico straordinario. Un gioiello. Visto al Théâtre de Grasse nel 2024 nell’interpretazione di Alma Palacios e David Geselson. Una bella sfida per Francesco Alberici e Isabella Ragonese. M.Al.

Oscar di Antonio Latella [20 ottobre-1 novembre] (anche TPE e LAC):

Un regista che amiamo molto, rinnovando un tandem collaudato e felice con Sonia Bergamasco, con a fianco una dramaturg come Linda Dalisi, su un personaggio che ha segnato, col mitico cartone animato, l’immaginario POP tardo novecentesco. MC

Latella ritrova la drammaturga Linda Dalisi (con cui ha fatto i suoi spettacoli più belli) e l’attrice Sonia Bergamasco per affrontare un personaggio mitico e mitizzato. Grande attesa alla corte di Francia e non solo. M.Al.

Che dolore terribile è l’amore di Daria Deflorian [30 ottobre-8 novembre] (esordisce a ERT, Bologna):

Abbiamo visto il work in progress in maggio al festival biennale Indicativo presente, e vedremo il passaggio del lavoro completo al Festival di Avignon, di questa nuova personale incursione di Deflorian nel mondo romanzesco/interiore di Han Kang, che aprirà la stagione dell’ERT di Bologna. MC

ELFO PUCCINI

Con una stagione ricca come al solito, che quest’anno si propone di sondare Nuovi sguardi, l’Elfo resta un punto di riferimento del teatro milanese.

Madri di Alice Sinigaglia [27 ottobre-1 novembre]:

Testo geniale e originalissimo, con una forte vena kafkiana, scritto da Diego Pleuteri, con in scena un’imperdibile (sempre) Valentina Picello. Alice Sinigaglia è un giovane sguardo registico posseduto, con tanto da dire e fuori dagli schemi (da non perdere anche il Progetto Orlando a RomaEuropa, che la vede coinvolta!). MC

Eight di Michele Di Giacomo [3-8 novembre]:

La drammaturga inglese Ella Hickson è amata dall’Elfo (che già ha portato in scena nella scorsa stagione I corpi di Elisabeth). Nella sezione Nuove storie, arriva per la prima volta in Italia Eight : otto monologhi per altrettanti interpreti per uno spaccato dell’Inghilterra contemporanea. Ogni sera solo quattro monologhi andranno in scena, scelti dagli spettatori attraverso il cellulare. Teatro partecipativo… allettante. M. Al.

FRANCO PARENTI

Lezione d’amore di Andrée Ruth Shammah [3-15 novembre]:

Perché è ispirato al film cult Harold e Maude (Hal Ashby, 1971) oltre che a Madame Pylinska e il segreto di Chopin (Éric-Emmanuel Schmitt, 2018) e perché la protagonista è l’immensa Milena Vukotic. M.Al.

(Non c’è veramente una cosa da qui a fine anno che non possiamo perdere (forse Dix, forse Laura Morante, sicuramente la Lezione d’amore con Milena Vukotic) ma tant’è. Aspettiamo il 2027)

FONTANA

Un “bravo!” alla direzione di Ivonne Capece, ché questa sala osa una programmazione con molti autori giovani, aprendosi a una drammaturgia che fatica a emergere e che spesso non raggiunge i palcoscenici maggiori. Anche per noi è più difficile riconoscere/prevedere, ma siamo curiosi di scoprire nuove energie creative all’opera un po’ fuori dall’abituale compagnia di giro. Da monitorare.

Qui vivremo bene di Luigi Vittoria/Dopolavoro Stadera [8-10 ottobre]:

Scoperto l’anno scorso al PimOff, contentissimi che questo bello spettacolo sul tema della casa, scritto, diretto e recitato con grazia e urgenza, stia girando e torni nella “sua” Milano. MC

Lo strano caso del dottor Jekyll e del signor Hyde di Fabio Condemi [10-15 novembre]:

Il lavoro di Condemi si concentra da tempo sul male e la sua irriducibile capacità di attrazione: qui propone un viaggio ipnotico dentro le ossessioni del presente chiosando il racconto gotico di Stevenson. La drammaturgia è di Federico Bellini (già sodale di Latella), l’interpretazione è affidata a Christian La Rosa che non delude mai. M. Al.

CARCANO

Una stagione decisamente e fieramente al femminile (che vede, tra l’altro un evento per i trent’anni dei Monologhi della vagina). Qui per ora segnaliamo:

Il viale del tramonto di Muta Imago [10-13 dicembre]:

I Muta Imago ci piacciono assai e da tempo, e questo strano incontro con Iaia Forte, propiziato da Cechov, guardando a Billy Wilder e al teatro italiano, c’incuriosisce. Dove porterà? MC

MENOTTI

Si chiama Controtempo la nuova stagione del Menotti.

Sette a Tebe [10-11 novembre] e Vangeli [12-15 novembre] di Gabriele Vacis:

Vacis affronta l’Eschilo di Sette a Tebe, nella lotta tra sovrani e possibili tali, per il controllo della città in una riflessione politica e psicanalitica e, sempre con i suoi ragazzi PEM, Potenziali Evocati Multimediali, presenta il secondo capitolo della Trilogia dei Libri - dopo Antico Testamento e prima di Corano - per capire cosa queste scritture hanno ancora da offrire oggi. Progetti molto interessanti. M.Al.

La bisbetica domata di Roberto Aldorasi [17-22 novembre]:

Amanda Sandrelli sembra una scelta giusta e divertente, e lo Shakespeare apparentemente più “fuori tempo” (ma forse no) nelle mani di un giovane regista, lo vedrei. MC

TEATRO DEGLI ANGELI

Assettati di Davide Pascarella [5-8 novembre]:

Messa in scena del testo di Wajdi Mouawad, l’autore franco-libanese prolifico e fra le voci più interessanti del panorama d’Oltralpe (Incendi, Come gli uccelli), già direttore de La Colline, ideata da Pascarella, giovane regista e attore (e spettatore) di straordinaria passione. Finalmente a Milano! MC

TRIENNALE - FOG

Muette di Boris Charmatz [10-11 ottobre]:

Se la danza non è la nostra cup of tea (né il focus di Strapuntino); Charmatz, ospite complice ad Avignon un paio d’anni fa, è un coreografo straordinario che mischia intelligenza e sensibilità, genio e divertimento. Il suo Liberté Cathédrale rimane, a mio giudizio, un momento di teatro tout court potentissimo. Questo spettacolo è ad Avignone a luglio. MC

Haribo Kimchi di Jaha Koo:

Lui aveva tre bellissimi spettacoli al Festival d’Avignon, con lingua ospite il coreano, e si è rivelato un autore interessantissimo nel mescolare autofiction, poesia, videoarte, documentazione socio-culturale della storia di un Paese fuori dagli stereotipi, o meglio scavando dietro e dentro i clichès. Diverso da tutto. MC

GIUDITTA PASTA, SARONNO

L’uomo che brucia di Ugo Fiore [13 novembre] (anche al LAC):

Alfonso De Vreese è un grande giovane attore (tre condidature UBU under 35). Ugo Fiore, franco-italiano già coinvolto in tanti progetti interessanti (spettatore curioso, dalle volte che lo vedi in sala in platea, sempre un ottimo segno, e non scontato) porta in scena il romanzo L’Homme qui brûle di Alban Lefranc, autore da scoprire. MC

LUGANO - LAC

Sempre ricca e varia la stagione dell’istituzione teatrale di Lugano, con una stagione focalizzata su In/civiltà del nostro presente. Qui alcune cose da non perdere.

Efeso. Cascau do’ cielu di Salvo Drago [14 novembre]

Prova d’attore/autore intensa e potente: materia tellurica e lingua (il siciliano) che forgia il mondo. Vale un sabato sera svizzero. MC

L’uomo che brucia di Ugo Fiore [9-10 dicembre] (vedi Giuditta Pasta, Saronno)

Guerra civile di Andrea De Rosa [-] (vedi TPE, Torino)

Oscar di Antonio Latella [24-25 novembre] (vedi Piccolo, Milano e TPE, Torino)

TORINO

TEATRO STABILE

La stagione dello Stabile si chiama Elisir, è mette in copertina due attempate catwomen rosa, con gelato in mano. Un percorso che interroga ciò che queste scritture hanno ancora da offrire oggi: il programma è, al solito, notevole e ricchissimo, ma l’immagine di copertina (da cui non si dovrebbe giudicare il contenuto) primeggia senz’altro. Qui i nostri highlights per il primo segmento di stagione:

Incendi di Marco Lorenzi [17-29 novembre]

Una tragedia moderna, scritta da Wajdi Mouawad, portata sul grande schermo da Denis Villeneuve (La donna che canta - Incendies, 2011): un viaggio a ritroso nella memoria e nel tempo per ricostruire una verità. Visto nel 2011 al Teatro i di Milano nella regia di Renzo Martinelli. Da rivedere. M.Al.

Abracadabra di Babilonia Teatri [8-13 novembre] (nel 2027 anche all’ELFO):

Francesco Scimemi è uno dei pochi prestigiatori (oltre a Arturo Brachetti) che riesce in Italia a fare incontrare con piena felicità prestigiazione e teatro. Da vedere, parola di mago. MC

TPE

La stagione si chiama, senza giri di parole e dritta al punto del conflitto, Guerra. Una sfida. Ecco i titoli per i quali spezziamo una lancia

Guerra civile di Andrea De Rosa [18-29 novembre] (anche al LAC):

Cesare contro Pompeo, fratelli contro fratelli, famiglie contro famiglie... La guerra non può venire modificata ma inesorabilmente modifica e distrugge gli esseri umani. L’affiatata coppia De Rosa-Sinisi (Orlando, Dracula) propone un’opera quanto mai attuale in un’epoca di normalizzazione della guerra. M.Al.

Quinto: non uccidere di Massimiliano Civica [1-6 dicembre]:

L’ispirazione al fim di Ernest Lubitsch (Broken Lulaby) è già una certezza. Mettici uno dei registi che da sempre seguiamo e stimiamo. E poi, viva la commedia, se scritta genialmente e diretta con grazia. MC

Oscar di Antonio Latella [8-9 dicembre] (vedi Piccolo, Milano e LAC, Lugano)

COLLINE TORINESI

Un programma tutto da scoprire per il festival dell’autunno torinese, primo anno firmato anche da Federica Rosellini. Con una propensione alla ricerca e al performativo, curiosi di incontrare/esperire i lavori della brasiliana Janaina Leite. Ma ci sono anche certezze, come Asteroide di Marco D’Agostin.

BOLOGNA

ERT

Che dolore terribile è l’amore di Daria Deflorian [22-25 ottobre] (vedi Piccolo, Milano)

Catalogo di Marta Ciappina, Marco D’Agostin, Damien Modolo [19-22 novembre] (anche a Romaeuropa):

Essere gli artefici della propria sparizione, in forma di danza. Una teoria degli addii. Dopo la coproduzione Gli anni – vincitrice nel 2023 di due Premi Ubu come Migliore spettacolo di danza e Miglior performer – un nuovo atteso incontro tra Marco D’Agostin e Marta Ciappina. MC

FAUST di Romeo Castellucci [18-19 dicembre] (anche a RomaEuropa)

Romeo Castellucci si vede sempre. Il suo lavoro su Faust, insieme all’elaborazione che ne farà Latella, sono fra le cose più attese dell’anno intero. Se volete fare gli snob, vedetelo all’Odéon di Parigi [30 ottobre-27 novembre]. MC

Aggiungiamo un supplemento romano per un festival autunnale importante

ROMA

RomaEuropa

FAUST di Romeo Castellucci [15-18 ottobre] (vedi ERT, Bologna)

Progetto Orlando [20-21 ottobre]:

Questo progetto della “meglio gioventù” del teatro nostrano, con lo zampino ideativo/testuale di Alice Sinigaglia e Francesco Toscani, con la partecipazione di Elena C. Patacchini, potrebbe essere materia incandescente. MC

No Yogurt for the Dead di Tiago Rodrigues [24-25 ottobre]:

Testo del regista portoghese che “lavora al festival d’Avignone” (come ama dire lui, ma è il direttore), dedicato alla morte del padre giornalista e alla patria d’origine: un lavoro personale, come un fado insieme ironico, intimo e struggente. MC

Haribo Kimchi di Jaha Koo [24-25 ottobre] (lui anche a FOG, Milano)

Catalogo di Marta Ciappina, Marco D’Agostin, Damien Modolo [31 ottobre] (vedi ERT Bologna)

Qui riportiamo il NUMERO QUATTRO - MAG/GIU 2026, più qualche aggiornamento torinese ed estero

Qui, al solito, il “cuore” di Strapuntino (ancor più pertinetnte dopo aver rivisto - nel contesto di Indicativo presente al Piccolo, dal palco e con enorme piacere, By Heart di Tiago Rodrigues e Valentina, lo spettacolo di Caroline Guiela Nguyen, che pure intorno al cuore, letteralmente e simbolicamente, ruota):

STRAPUNTINO MAGGIO 2026

STRAPUNTINO GIUGNO 2006

Le Chemin de la fortune

Piccolo aggiornamento: abbiamo aggiunto il programma del Fringe Festival, ora in corso a Torino. Siamo curiosi (e vi invitiamo ad esserlo), ci sembra organizzato con attenzione e senza vocazioni ipertrofiche, ci sono alcuni nomi che conosciamo e vi consigliamo (uno su tutti il Qui vivremo bene di Dopolavoro Stadera), visto al PimOff. Ma soprattutto è giusto andare a vedere cosa bolle nella pentola dell’underground, dell’OFF, dell’under35, insomma un po’ ai margini dei circuiti ufficiali, per scoprire un teatro talvolta molto vivo e con cose da dire. Di questo rischio/opportunità spettatoriale vorremmo contagiarvi.

Intanto torno da Berlino, dove il meritorio Theater Treffen è stato nel complesso un po’ deludente (con poche cose indelebili, a parte Three Times Left is Right, transitato anche a LIFE a Milano): La cosa più bella visa è stata un fuori programma, l’apprezzatissima versione dell’Avaro di Molière di Thomas Ostermeier. Il mostro sacro del teatro tedesco ed europeo si conferma un grande regista anche in questa versione del classico francese, affrontando un autore mai messo in scena precedentemente del, e facendo del suo Arpagone (un Lars Edinger grandioso, con espressioni fisiche a tratti da slapstick comedy) un proprietario di concessionario d’auto arricchito e grossier, che nasconde il suo tesoro monetario non nella proverbiale cassette ma nella scatola di un Happy Meal del noto fast food. Un ritratto dell’uomo dei tardo capitalismo che racconta del nostro rapporto con possesso e denaro. Da vedere assolutamente, se passate dalle parti del mitico Schaubhüne e avete voglia di farvi qualche ora in fila per la lista d’attesa (lo spettacolo è sempre SOLD OUT).

Da Londra, segnalo infine il Dracula di Kip Williams (in questo perriodo al Noël Coward Theater). Il regista australiano di The Picture of Dorian Gray (per me uno degli spettacoli più stupefacenti dello scorso anno) mette in scena (e in video, con il suo stile caleidoscopico e fiammeggiante) la narrazione horror di Bram Stoker sul corpo di Cynthia Erivo (la protagonista cinematografica di Wicked). Anche se lei non ha la presenza carismatica e la potenza trasformista di Sarah Snook e l’operazione ha un sottile retrogusto di maniera, è impossibile non guardare a questo regista come un punto di riferimento per un uso d’essai e sperimentale, e al contempo super POP (che guarda ai grandi eventi-concerti: si veda al cinema, in questa direzione il doc di James Cameron su Billie Eilish) dello strumento video che osa riscrivere e rivoluzionare la rappresentazione sulla scena. Da seguire.

Dall’OFF al teatro d’autore, dalle luci del West End agli scantinati dei Fringe, sempre alla ricerca di dove accadono cose nuove, pensanti e toccanti, sui palchi.

Buone scoperte!

Strapuntino - Cosa vedere a teatro

La newsletter che prova a pre-vedere e selezionare quello che accadrà sulla scena a Milano, e a un’oretta da lì (Lugano, Torino, Bologna e Parma).

Con qualche incursione altrove nel mondo.

NUMERO QUATTRO - MAG/GIU 2026

Qui il “cuore” (ossessivo, ossessionato, colorato) di strapuntino:

STRAPUNTINO MAGGIO 2026

STRAPUNTINO GIUGNO 2006

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Le chemin de la fortune

Palchi estivi, e peregrinazioni nei boschi della scena

Il deserto dei teatri. In giugno, ahinoi, molti teatri hanno già praticamente concluso la loro stagione, o sparano gli ultimi fuochi. Per fortuna ci sono iniziative come Da nessuno vicino è normale, al TeatroLaCucina dell’ex ospedale psichiatrico Paolo Pini, in un un luogo significativo e particolare (anche nel suo essere un filo nascosto e avventuroso da raggiungere), a regalarci una programmazione sempre stimolante, con compagnie di valore come La Ribalta, Fanny&Alexander, Muta Imago, Teatro delle Albe, e l’occasione di vedere creazioni di Francesco Alberici, Antonio Tagliarini, Giovanni Ortoleva fra gli altri. Da sempre grandi fan di questa rassegna, e di questo spazio, vi consigliamo di trovar rifugio, attraverso il bellissimo tragitto la sera nel bosco, in questa sala unica, che ha segnato la Milano, estiva e non solo, della scena, e che non smette di sorprenderci.

Per chi può e vuole, la primavera e l’estate portano con loro la stagione dei grandi festival europei, dal Theater Treffen (in corso ora a Berlino: le dieci migliori produzioni tedesche dell’anno) al Wiener Festwochen, nella capitale austriaca (da metà maggio a metà giugno, sotto la direzione di Milo Rau), dal festival d’Avignon, centro della scena teatrale europea (l’IN, diretto da Tiago Rodrigues, quest’anno con Daria Deflorian in programma, ma anche l’OFF con una selva di 1800 spettacoli proposti, tre settimane a luglio), ma anche il mitico (e ipertrofico) Fringe Festival di Edimburgo (che ha un programma agostano di migliaia di spettacoli) o il più alternativo festival di Aurillac (pure ad agosto), dedicato al teatro da strada. In Italia, tenete senz’altro d’occhio la Biennale Teatro di Venezia (giugno), vetrina di riconoscimenti e canonizzazione, e il mitico festival di Santarcangelo (prima metà di luglio), di cui a breve apparirà il programma.

Per quello che riusciremo, e dove saremo, sarà nostro impegno non certo fare un’impossibile cronaca completa, ma continuare a darvi suggestioni, suggerimenti, highlights e dritte dalla scena europea, in attesa di potervi dare conto e opinione delle programmazioni della prossima stagione, che da settembre, spesso e interamente da ottobre, ripopoleranno le sale di Milano, Lugano, Torino, Parma e Bologna, e i nostri sguardi.

Buon entracte estivo, che magari sarà discretamente interrotto (dallo Strapuntino alla sdraio, dalla sala buia al sole caniculare) da qualche aggiornamento su quello che accade sulla scena festivaliera.

Strapuntino - Cosa vedere a teatro

La newsletter che prova a pre-vedere e selezionare quello che accadrà sulla scena a Milano, e a un’oretta da lì (Lugano, Torino, Bologna e Parma).

Con qualche incursione altrove nel mondo.

NUMERO TRE - APR/MAG 2026

Qui il “cuore” (ossessivo, ossessionato, spietatamente colorato) di Strapuntino:

STRAPUNTINO APRILE 2026

STRAPUNTINO MAGGIO 2026

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La surprise de l'amour

C’è del rosso in Danimarca. Gli ultimi fuochi della programmazione (ché giugno è già un po’ desertico il panorama teatrale) - per supplire alla pausa estiva racconteremo un po’ di qualche festival europeo - insieme a due bei festival milanesi di respiro internazionale (Indicativo Presente del Piccolo Teatro e Life di Zona K: li abbiamo evidenziati/distinti in verde nel nostro schema di maggio), portano per maggio cose molto interessanti sulla scena di Milano e dintorni. Già felici e grati per la personale del Piccolo di Deflorian, come sapete (potete leggere nostra intervista nell’intermezzo precedente), potremmo vedere in anteprima a fine maggio (al Piccolo Melato) lo spettacolo di Daria che (è notizia di pochi giorni fa) rappresenterà l’Italia (e un po’ anche la Korea) al festival d’Avignon (con Che dolore è l’amore, terza incursione nel mondo della premio Nobel coreana Han Kang), in un programma ufficiale che, se guardiamo agli ultimi tre anni, non ha avuto altra rappresentanza nostrana. Orgoglio e pregiudizio (positivo, naturalmente). Riservate il vostro posto al Cloître des Carmes, luogo magico.

La seconde surprise de l'amour

Ma anche l’Italia si apre al mondo: e così ri-vedremo a Milano due spettacoli del direttore di Avignone: quella meraviglia del cuore (e del ri-cordare) che è By Heart e La distance, visto nella città dei papi lo scorso anno, ultima commovente creazione di Tiago Rodrigues. Sempre a Indicativo Presente sarà possibile vedere il polacco Łukasz Twarkowski, che sta acquisendo un’aura mitica, e non immotivata, e presenta qui il suo Oracle. E ancora sarà possibile vedere il nuovo di Guiela Nguyen (Valentina; il suo Lacrima era ad Avignone due anni fa), e il Processo Pelicot, grande oratorio civile di Milo Rau, qui con cast italiano. Nell’interessante rassegna LIFE, ci sarà poi lo spettacolo manifesto di Studio Julian Hetzel (Three Times Left is Right: visto a Bruxelles, selezionato da TheaterTreffen fra i 10 migliori spettacoli dell’anno di produzione tedesca). Da non perdere.

Se non volete essere solo esterofili, prendete un biglietto per Silvia Gribaudi (applauditissima anche in Francia), che passa alle Fonderie Limone di Torino a maggio. Un rosso tutto italiano.

L'amour et la vérité

Sul fronte francese, ci piace ricordare tre cose di altissimo livello viste in giro in questo ultimo periodo: la prima è la nuova creazione di Milo Rau, Rage, un capolavoro (visto a Stoccolma) in cui il maestro affronta con ferocia e coraggio molte questioni del presente raggiungendo una maturità e un livello di complessità felicissimi; Vudu (3318) Blixen di Angélica Liddell, primo capitolo della trilogia funebre della spagnola super provocatrice, 5 ore e mezza che ti segnano dentro (all’Odéon di Parigi, valgono la maratona e la trasferta); e infine uno spettacolo in apparenza piccolo (e per piccini) visto a Bourg-en-Bresse, quello di Jeanne Garraud che è pura magia e si chiama: La chambre claire (del resto lei è la drammaturga e regista di Nos prochaines vacances ensemble, che è il migliore spettacolo visto ad Avignone lo scorso anno, degli 85 ai quali ho assistito). Qui potete leggerne qualche appunto a caldo. Segnativi questo nome, guardate cosa fa questa compagnia giovane e geniale di Lione che ci ha tanto colpito, la Cie Neue, e cercate di intercettare tutto quello che produce la penna/anima di Jeanne Garraud: QUI

Scusate il ritardo in questa uscita pre-estiva e pre-festivaliera, scritta fra trasferte franco-belghe-svedesi, e buone avventure (vacanze) nel buio della sala!

Qui il “cuore” di Strapuntino:

STRAPUNTINO MARZO 2026

STRAPUNTINO APRILE 2006

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La surprise de l’amour

Incontro speciale (con lei sono sempre speciali) con Daria Deflorian

“Nominare è indispensabile ma non esauriente”

Lunga è la relazione che ci lega a Daria Deflorian. Per noi è stato senza dubbio un colpo di fulmine. Era il 2016 quando la vedemmo per la prima volta a teatro. Nell’arco di una settimana entrammo nel mondo di Deflorian/Tagliarini attraverso cinque spettacoli: Rewind in cui i due autori/attori raccontano Cafè Müller, il celebre spettacolo di Pina Bausch mentre lo guardano sullo schermo di un computer e, con grande naturalezza, parlano di se stessi, della Storia, di 2001 Odissea nello spazio, di Marcello Mastroianni, di Johnny Depp e di Marilyn Monroe. Il giorno successivo fu la volta di Reality, che fa rivivere attraverso i suoi quaderni Janina Turek, donna polacca che per oltre 50 anni ha trasformato la sua vita in enciclopedia, annotando minuziosamente tutto ciò che le succedeva (costola di questo spettacolo è l’installazione/performance rzeczy/cose che si fa percorso a ritroso sulla memoria e gli oggetti accumulati nel corso del tempo). E ancora Ce ne andiamo per non darvi altre preoccupazioni (in cui condividevano la scena con Monica Piseddu e Valentino Villa) su quattro pensionate greche che decidono di suicidarsi per non gravare sulla società. E infine Il posto, un site specific creato appositamente per la casa-museo Boschi Di Stefano di via Jan a Milano. Questo fu solo l’inizio. Sotto un apparente tono informale e scanzonato si celava una poetica precisa che si fa esperienza e ci chiama in causa in maniera mai scontata, ci punzecchia, ci invita ad alzare l’asticella. Da lì ogni spettacolo di Deflorian/Tagliarini è diventato un appuntamento immancabile, da inseguire. Come non ricordare Il cielo non è un fondale (visto due volte, a distanza di pochi giorni, al Piccolo, per provare a coglierne la segreta architettura), le trasferte al LAC di Lugano per incontrare Quasi niente, riflessione intorno a Deserto rosso di Antonioni, la visione a Modena di Chi ha ucciso mio padre il 22 febbraio 2020, al festival Vie, al Teatro delle Passioni, il giorno prima della chiusura per Covid dei teatri (e non solo)? E poi ancora le tante volte degli spettacoli in Triennale a Milano, fino ad Avremo ancora l’occasione di ballare insieme, crepuscolare (in qualche modo del teatro e del connubio artistico con Antonio Tagliarini) e Sovrimpressioni, in cui i due artisti si guardano ancora allo specchio, e decidono - in parte, per il momento - di dividere il loro percorso. E poi gli ultimi tragitti di Daria, in cui la sua vocazione di lettrice/interprete va ancora in profondità, incrociando la lettura della Ernaux e incontrando l’opera di Han Kang, a cui (in una dinamica tipica del suo teatro) dedica più di un lavoro, affiancando progetti collaterali a missioni più a fondo. Nasce Elogio della vita a rovescio, con Giulia Scotti, e poi La vegetariana, che rivedremo in questa “personale” che le dedica il Piccolo.

Siamo di parte, è indubbio perché siamo dei sostenitori/ammiratori, ma la qualità della recitazione, la profondità del pensiero senziente, le aperture di senso e dei sensi del teatro di Daria Deflorian non ci hanno mai deluso. Ci ha spalancato porte e sguardi. Come solo un’autrice/attrice che è capace di scavare e restituire intuizioni e domande che illuminano. Perciò abbiamo voluto profittare, e incontrarla per Strapuntino. Ché è lei uno dei motivi per i quali andiamo a teatro e abbiamo capito un po’ meglio “cosa vedere a teatro”.

Una personale al Piccolo rappresenta il riconoscimento di un percorso lungo, anche una sorta di consacrazione. Che effetto ti fa?

Più che una consacrazione ha per me il sapore felice di una occasione per riconoscere - anche e prima di tutto per me - un tema ricorrente all’interno di un percorso variegato, anche e volentieri condiviso. Il legame stretto con una letteratura recente. Tutti i lavori di questa personale mostrano forme molto diverse di questo legame. Dalla lettura (Annie Ernaux) a piccoli formati, uno rispettoso dell’oggetto di partenza (Edouard Louis) a uno estremamente libero, una dedica all’incontro con Han Kang (Elogio della vita a rovescio) fino a uno spettacolo in cui tutte le lingue della scena si intrecciano per restituire non solo le parole ma le atmosfere perturbanti de La vegetariana, uno dei capolavori della scrittrice sud coreana che le hanno fatto vincere il Nobel per la letteratura 2024.

Annie Ernaux, e poi Han Kang: Daria Deflorian ha sempre messo molte letture nei suoi testi, ma ultimamente ha intercettato e messo in scena due Nobel per la letteratura, e lo ha fatto in anticipo rispetto alla loro consacrazione internazionale. Anche Chi ha ucciso mio padre prende vita dallo spazio letterario/autobiografico di Éduard Louis. Come scegli le tue letture, qual è il segreto delle tue “antenne” di lettrice, come decidi che alcuni di questi incontri trovino voce sulla scena?

Non ho mai messo veramente in scena i testi di Annie Ernaux, ma la considero una mia maestra. Ha aperto in me innumerevoli possibilità per ripensare ad avvenimenti della mia vita che avevo incasellato, mi ha fatto capire quale muscolo allenabile è la memoria, e mi ha definitivamente convinto delle connessioni tra dimensione individuale e collettiva. Per Han Kang per certi versi è l’opposto. Ha riempito quel bisogno di finzione e immaginazione che la ricerca precedente non aveva fatto. È una questione di pieni e di vuoti, di appetiti e sazietà. Questa storia dei Nobel è una divertente coincidenza, molti mi prendono in giro per questo. Posso solo dire che se mi dovessi definire sono prima di tutto una lettrice. I libri sono stati e continuano a essere un luogo dove ritrovarmi e dove scoprirmi, un termometro. Le scelte? Istintive, necessarie. A loro modo casuali. Catene di suggerimenti, coincidenze, come aver visto il breve testo di Èdouard Louis in una libreria parigina vicino al Théâtre de La Bastille e averlo preso in mano per il titolo. Ed essere rimasta folgorata dalla prima pagina. L’ho comprato.

C’è un incontro, quello con Han Kang (la sua opera, ma hai conosciuto anche la persona) sul quale sei tornata più volte, e attraverserai anche col nuovo progetto, il tuo terzo intorno all’autrice coreana, che sarà presentato a Indicativo Presente. Ci racconti di questo tuo oggetto d’elezione/ossessione?

Anche qui. Quanto scegliamo e quanto siamo scelti dalle circostanze. Il desiderio è sempre stato quello di portare a teatro La vegetariana. Quando ho scelto per ragioni di lavoro (la proposta di Nanni Moretti di lavorare come attrice per la sua prima regia teatrale) di rimandare di un anno il debutto, si è creata l’occasione per fare un piccolo lavoro che non avesse me in scena e che mi permettesse di studiare Han Kang e la sua opera non solo a tavolino. E così è nato Elogio della vita a rovescio. Questo tra l’altro ha permesso al debutto de La vegetariana di coincidere con il Nobel dato alla scrittrice due settimane prima del nostro debutto, un’eco al nostro lavoro inaspettato. Quando un anno fa ho proposto a Claudio Longhi - in quanto artista associata- un possibile percorso per il pubblico tra teatro e letteratura, dal nostro dialogo è nata l’idea di offrire anche un oggetto nuovo. E da lì la veloce intuizione di chiudere un cerchio rispetto all’incontro con la scrittrice sud coreana. La recente lettura del suo ultimo romanzo Non dico addio mi aveva molto toccato e insieme con Monica Piseddu ci siamo dette che quel dialogo tra fantasmi che avviene al centro del libro ci riguardava. Nel giro di qualche mese questo piccolo pensiero che doveva essere poco più di una lettura si è trasformato in un oggetto più solido, anche grazie all’interesse dell’Ert e del Teatro di Roma: Che dolore terribile è l’amore. Iniziamo le prove a breve, quindi in maniera molto scaramantica rimando i discorsi a quando sarà la scena a confermare cosa di quell’incredibile e complesso romanzo riusciremo a trasformare in teatro.

Dal lungo felice sodalizio artistico con Antonio Tagliarini al lavoro, spesso ricorrente, con alcuni attori giovani e importanti del panorama italiano: Monica Demuru, Monica Piseddu, Francesco Alberici, la giovane Giulia Scotti. Come scegli i tuoi attori/autori? Che ruolo gioca il tuo modo personalissimo di abitare la scena nel creare il lessico della tua “famiglia” teatrale? C’è in qualche modo il tema dell’eredità di una voce?

Lo dico spesso. Sono una cartina di tornasole che si attiva per contatto. Le relazioni di amicizia e lavoro, sia quelle estemporanee che quelle più durature sono vitali e danno senso e concretezza a un mondo interno che già grazie a queste persone si sposta dal « mio » al « nostro ». Ogni incontro è poi unico e speciale. Il più speciale, quello con Antonio Tagliarini è durato quasi vent’anni ed è (credo) irripetibile. Meno visibile di altri, ma centrale, quello con Attilio Scarpellini. È sempre il primo a vedere una prova, so che lui vede oltre quello che c’è. E poi Monica Piseddu, Monica Demuru. Artiste che abitano la scena con corpo e voce quando ancora io riesco solo a immaginarla. E poi gli incontri (insegnare è un’occasione sempre vitale in questo senso) con le nuove generazioni. Sono felice che Francesco Alberici e Giulia Scotti abbiano una loro personale strada artistica. Siamo in un crocevia dinamico più che in una famiglia. E vorrei almeno nominare apporti “fuori scena” che mi stanno aprendo a una drammaturgia di spazi, suoni, luci: Andrea Pizzalis, Emanuele Pontecorvo, Giulia Pastore. E mi scuso con chi non nomino. Nominare è indispensabile ma non esauriente…

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NUMERO DUE - MAR/APR 2026

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STRAPUNTINO MARZO 2026

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Le Préjugé vaincu

De-forme attoriali mutevoli del corpo femminile

Per ri-attraversare al volo alcune delle cose belle viste il mese scorso, e altre dalle quali ci aspettiamo molto nei tempi prossimi (marzo e aprile: naturalmente avete sempre i nostri schemi, con note, link e colori-temperature con cui misuriamo attese, e registriamo poi gradimenti o delusioni), il corpo dell’attrice, per la qualità di molte performance e alcuni personaggi femminili centrali e rivelatori, sembra un luogo assai privilegiato per osservare temi, nodi e forme del teatro odierno, di quello che più ci parla e ci sfida.

E, in qualche modo questo taglio anticipa una bellissima surprise de l’amour, per dirla sempre con Marivaux, che vi riserviamo per un Intermezzo in preparazione…

Corpi visitati a febbraio

A febbraio abbiamo rivisto Valentina Picello in una modernissima Maggie, la “gatta” di Tennessee Williams, nella versione di Leonardo Lidi (ne scrivevo qui), e abbiamo apprezzato l’attrice premio UBU 2025 anche, con talento trasformistico ma senza perdita d’intensità, nei cinque atti del drammaturgo americano “riscoperti” e messi in scena da Andrea Piazza, sondare declinazioni di un femminile (in)sofferente e inquieto.

A lungo ha tenuto nuovamente la scena I corpi di Elizabeth, nel quale Elena Russo Arman incarna il potere regale in guisa di donna in un mondo che non lo prevede, dominato (per certi versi ora come allora) da pregiudizi e stili di comando maschili.

Nei panni modernamente e adolescenzialmente fluidi dell’Orlando di Virginia Woolf (adattato/ritagliato con sapienza e ritmo da Fabrizio Sinisi, con la regia di Andrea De Rosa) Anna Della Rosa ha dimostrato la sua assoluta versatilità espressiva e comprovata padronanza, superando un problema tecnico al microfono (la sera che mi è capitato di assistere alla replica) che, costringendola ad allontanarsi dal palco per lunghi minuti, aveva spezzato gioco forza l’atmosfera del monologo. Di nuovo in scena dopo il disguido, con una suprema capacità nel riprendere il filo del discorso e l’attenzione del pubblico, l’interprete ha trasformato l’inciampo in prova sublime di virtuosismo. Da standing ovation.

Anche se da un’idea buona, forse ancora da limare per testo e regia, il corpo esibizionista e millantatore di La diva del Bataclan, in cerca di attenzione come forma di riscatto sociale, fra narcisismo e vittimismo, trova nella presenza scenica di Claudia Marsicano un carisma provocatorio, che lascia il segno.

Sono corpi carnevaleschi, comici e grotteschi (anche qui maggioritariamente femminili), posseduti dalla loro mostruosità, quelli messi in gioco con spirito dissacrante dal Rabelais ri-letto, in forma di conferenza dadaista, da Alice Sinigaglia (scritto insieme a Elena Contenta Patacchini) in Uno spettacolo gigantesco, visto al LAC. La giovane regista, felicemente pantagruelica, è una rivelazione creatrice e dissacrante (già responsabile di Madri di Diego Pleuteri, molto amato a Hystrio Festival, lì pure con una Picello fenomenale) da anni sta anche covando, in primaverile vulcanico ensemble di talenti in erba, un attesissimo Orlando, di ariostesca sfida e indole punk (non vediamo l’ora di verderlo!). Nella replica a Lugano dello spettacolo rabelaisiano - fra le cose da annotarsi di recuperare assolutamente ovunque fosse distribuito - l’autrice sostituiva tra l’altro sulla scena Lorena Nacchia (classe 1997), impegnata a Torino (con grandissima prova) a fare Mirra, eroina alfieriana mossa da pulsione incestuosa (della partita una balia canterina di Monica Demuru decisiva), tragedia messa in scena con intelligenza nella sua potenza attuale da Giovanni Ortoleva, insieme a quella di Sinigaglia una delle regie migliori viste questo mese, e non solo.

Sempre frutto di giovani talenti, e intorno alla costruzione interiore/esteriore del corpo femminile, è concepito con acume illuminante e disturbante intuizione uno spettacolo più piccolo (per soli venti spettatori, visto nella sala prove del TPE a Torino) ma non per questo meno importante, di Marco Corsucci, in cui la performance coraggiosa della ventiseienne Matilde Bernardi mette in corpo il racconto perfetto e folgorante Mine-Haha ovvero dell’educazione fisica delle fanciulle di Frank Wedekind (Adelphi), offrendo una riflessione sulla formazione del corpo femminile sotto lo sguardo crudele e ineludibile di attese, modelli, desideri e immaginario.

Corpi in arrivo (o ritorno) a marzo e aprile

Nei corpi in trasmutazione e trasfigurazione che ci attendono sulle scene sarei tentato di ricordare, anche se lievemente off-topic, quelli mossi dal discorso amoroso, qui maschile e omoerotico ma in fondo universale, messi in moto con grazia e passione da Alessandro Bandini e Alfonso De Vreese nel bellissimo Come nei giorni migliori, che arriva al Parenti di Milano (scritto da Diego Pleuteri, regia di Leonardo Lidi, ne parlavo qui).

Torna poi il corpo tatuato e inscritto nell’immaginario post-apocalittico e divinatorio di Marina Carr (tradotta da Monica Capuani) di quel unicum che è i-Girl, spettacolo diretto, concepito e interpretato da Federica Rosellini come una riflessione/performance sul femminile contemporaneo che apre coraggiosi abissi.

Una dimensione di profondità cosmica, seppur entro gli schemi più convenzionali della romantic comedy, portata a sondare gli abissi delle fisica quantistica, si trova in Costellazioni testo di Nick Payne che vede la felice alchimia sul palco di Pietro Micci e Elena Lietti, premiati da successo di pubblico per una storia d’amore e altre catastrofi(siche), quasi fossimo pure loro/noi corpi celesti.

E se possiamo aspettarci una fine analisi di orbite relazionali e forze gravitazionale interpersonali negli esercizi teatrali di Circle Mirror Transformation, dei quali fa drammaturgia la penna geniale di Annie Baker, grande maestra minimalista, ironica e penetrante dei non detti (con regia di Valerio Binasco), alla trentenne Gaja Masciale va invece l’onere/onore di indossare i panni di Mirandolina (regia di Caitríona McLaughlin), riscrittura su commissione, accettata con coraggio dall’irlandese Marina Carr, del personaggio femminile goldoniano attraverso il quale si espressa la storia della regia novecentesca (potremmo dire il male director gaze) e che crediamo possa regalare nuove inattese dimensioni a questo classico (sia Baker che Carr sono anche tradotte da Capuani).

Attendiamo poi di rivedere il corpo proiettato, dipinto, asciugato ed esposto di Monica Piseddu (altra grandissima attrice del nostro panorama teatrale) in La vegetariana, spettacolo importante della scorsa stagione (candidato a sette Ubu, qui ne ho scritto), centro di una personale che il Piccolo Teatro meritatamente dedica alla nostra amatissima (finalmente un po’ di ROSSO!) Daria Deflorian autrice/attrice fra le voci più originali del teatro italiano (leggete l’ottimo libro che le ha dedicato Rossella Menna, Qualcosa di sè, Luca Sossella Editore, e vedete tutto quello che fa!) che, in un percorso di scavo intorno all’opera di Han Kang che continua (vedremo a maggio a Indicativo presente il suo nuovo lavoro sulla Nobel coreana), sta sondando aspetti perturbanti e profondi del femminile, e dell’umano tout court.

E nel proteiforme e poliedrico dell’uomo, al di là del genere, che ancora ci dona il canone shakespeariano s’incarica di tuffarsi/tuffarci Lucia Giagnoni in A pelle nuda sul palco. Eroine ed eroi shakespeariani per voce femminile, riattraversano con occhi di donna questo classico assoluto, il cui Amleto interpretato da Federica Rosellini per Antonio Latella ancora vibra nelle assi del Piccolo Melato, aprendoci a un sempre nuovo ascolto.

Qualcosa di vitale ed energetico, e attento al sguardo e corpo della donna, è lecito infine aspettarsi da Emma Dante, che in Extra mœnia racconta, per quadri danzanti d’ispirazione bauschiana (di Pina), il suo universo immaginifico. La sua messa in scena del molièriano Femmes savantes ancora nel cuore (speriamo che la Comédie-Française lo faccia girare nel mondo), mentre l’artista si appresta a ricevere un meritato Leone d’oro alla carriera, ci fanno ben sperare in preziose fioriture.

Mostruose, mutanti, sboccianti, femminili (ma non solo, direi: fecondamente de-genere*) visioni!

*Degenere si chiamava, per vocazione e provocazione, il cineforum del venerdì del Centro Culturale San Fedele, contesto per molti critici e autori d’importante formazione spettatoriale. Fra poco ricorrono i vent’anni della scomparsa prematura di Ezio Alberione, critico, animatore del cineforum, drammaturgo singolare, intellettuale poliedrico, al quale moltissimi devono importanti porzioni del loro sguardo sul cinema, sul teatro e sul mondo.

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NUMERO UNO - FEB/MAR 2026 - Primo intermezzo

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La joie imprévue

Strapuntino sulla situazione

Piccolo promemoria, prima di un breve intermezzo sulla scena che troviamo sugli schermi e nella rete in questi giorni.

Il cuore della newsletter che prova a pre-vedere e selezionare quello che accadrà sulla scena a Milano (e a un’oretta da lì: Lugano, Torino, Bologna e Parma) è nei sui schemi ossessivi e colorati (riportiamo link in apertura), che ogni mese danno il quadro delle aspettative dei successivi due mesi, e subiscono variazioni in itinere (quando uno spettacolo lo vediamo viene riquadrato in nero, il suo colore può anche cambiare, e riportiamo un’impressione più concreta, in confronto alle attese).

Aggiornamenti. Colpiti dall’originalità dal First love olimpico di Marco D’Agostin, ad esempio, e finalmente (in ultima replica) abbiamo visto I corpi di Elisabeth, che ci mancava e che ha costituito, con le sue ragioni (e sentimenti), un piccolo caso di successo di pubblico e tenitura notevoli per il contesto nostrano. E brava Elena Russo Arman, che ha saputo intercettare e incarnare un personaggio che parla a spettatrici e spettatori odierni!

Segnalo poi una piccola perla: Qui vivremo bene di Luigi Vittoria (Dopolavoro Stadera e Argot Produzioni), che fa del tema dell’emergenza abitativa, a partire dalla vicenda di cronaca degli sgomberi del Giambellino, un prezioso oggetto documentario, di denuncia e anche (cosa non scontata) drammaturgico. Da sostenere.

Les serments indiscrets

Teatri da ascoltare: fronte del Podcast

Per affinità, sintonia, complementarietà, e in qualche modo per casuale sincronicità col nostro piccolo Strapuntino, ci piace consigliarvi i due podcast nuovissimi realizzati dall’autorevole (al di fuori delle mie sporadiche collaborazioni) rivista on line Teatro e critica, lanciati da pochissimo, con cadenza settimanale, e ricchissimi di informazioni su quello che accade a teatro in Italia: si tratta di Ariel, agenda e selezione ragionata degli spettacoli da vedere nei successivi sette giorni (curata da Simone Nebbia), e di Tiresia, una rassegna stampa attenta alla critica ma anche alla politica culturale che del teatro determina esistenza e funzionamento (di Andrea Pocosgnich). Due strumenti, dai nomi belli e parlanti, che sono utilissimi per tenersi informati e orientarsi su quello che accade sulla scena nostrana, e dietro le quinte.

La réunion des amours

Il corpo sotto la pellicola: “scene padri” in Hamnet e Sentimental Value

Due film densi e significativi hanno, almeno in parte, in questo periodo raccontato il palco (e il padre-regista-autore) in maniera diagonale, toccante, rivelatrice del suo rapporto con la creazione e con il femminile.

Se Hamnet di Chloé Zhao, per eccesso di hype pre-Oscar e lacerazioni da melò, ha avuto una ricezione più divisiva (qui ne parlo, bene, per Il Libraio), Sentimental Value, sesto lungometraggio del danese Joachim Trier, Grand Prix Speciale della Giuria a Cannes, ha decisamente conquistato critica e pubblico.

Nel primo, ricostruendo la genesi immaginaria di Amleto attraverso l’elaborazione del lutto della morte per peste di un figlio quasi eponimo, il lungo segmento finale del film è ambientato durante la prima rappresentazione al Globe Theater del capolavoro shakespeariano, immaginato come momento di disvelamento e catarsi, fra il fantasma del padre sulla scena, recitato dal drammaturgo, e la moglie in prima fila nel pubblico, che, ugualmente segnata dalla perdita del figlio, riconosce nella tragedia il dolore indelebile trasfigurato in storia. Il padre, assente alla dipartita dell’erede perché rapito dal demone della creazione, riversa, agisce in prima persona e ribalta i ruoli sul palco, che diviene uno spazio di possibile dialogo/riconciliazione fra i vivi e i morti.

Di un padre regista, assente e manchevole, e del suo rapporto con il femminile, qui le due figlie rimaste con la madre psicanalista dopo la separazione, parla Sentimental Value. Alla morte della madre, il cineasta, nel tentativo di riavvicinarsi alle figlie adulte e di tornare a girare un film di finzione, prova a coinvolgere nella realizzazione di un film scritto in particolare per la maggiore, Nora, attrice di teatro che appare profondamente recalcitrante alla collaborazione. Dopo il prologo dal punto di vista della dimora di famiglia che apre il film di di Trier, prospettiva di un tema delle elementari dell’attrice da giovane, che si fa correlativo oggettivo dei nodi della vicenda, la scena si sposta non a caso dietro le quinte di una rappresentazione, Casa di bambola, dove Nora (nome programmaticamente ibseniano che con-fonde persona e personaggio) è posseduta da una potente crisi di panico. Questo stage fright, raccontato con adesione pedinante e ansiogena, al confine del tragicomico, parla della paura del palco, ma più avanti scopriamo che è l’assenza ripetuta del padre in platea un elemento rinnovato di sofferenza della giovane donna, a cui manca lo sguardo e l’approvazione del genitore. Senza far troppo spoiler, anche qui, come in Hamnet, si troverà, nell’atto creativo (in questo caso il set cinematografico) lo spazio di un riavvicinamento, la “casa” finzionale dove la ferita esistenziale assume paradossalmente una dimensione più autentica e si rinviene la possibilità di un abbraccio cauterizzante, di affetto e di senso.

A margine, ricordiamo alcuni dei recenti, attuali e prossimi Amleti sulla scena: da quello originale e riuscitissimo (in veste di clown bianco) di Leonardo Lidi (con drammaturgia di Diego Pleuteri, qui ne scrivevo per Teatro e critica) visto al Carignano di Torino a ottobre a quello “esponenziale di Filippo Timi Amleto², dalla maratona, per me indelebile e abissale, in situ al Piccolo Melato di Antonio Latella, all’Hamlet ora in scena all’Odéon di Parigi (fino a metà marzo, super sold out) di Ivo Van Ove. Al Theatre 13 - Bibliothèque di Parigi (teatro dalla proposta molto interessante), una riscrittura di Clémence Coullon, Hamlet(te), promette una variante fantastica che gioca con la convenzione e corteggia l’assurdo.

Per quanto riguarda Ibsen, super stimolante e acuta L’anatra selvatica messo in scena da Thomas Ostermeier, una delle proposte più interessanti del festival di Avignone dello scorso anno, spettacolo transitato al Teatro di Roma per un paio di repliche a fine gennaio.

Buone sale buie, di cinema e di teatro! E buoni ascolti!

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NUMERO UNO - FEB/MAR 2026

STRAPUNTINO FEBBRAIO 2026

STRAPUNTINO MARZO 2026

“Bien écouter, c’est presque répondre” (Marivaux, Le paysan parvenu)

Marivaux una voce: un sottile fil rouge

Cominciamo (questo è il vero Numero Uno, in fondo) nel segno di Pierre de Marivaux, autore che amiamo alla follia, e che dal Settecento illumina il nostro sguardo.

Abbiamo deciso, per gioco, quasi per partito preso, che ogni capitolo di Strapuntino avrà, se possibile, un titolo, una citazione, un riferimento (o più) allo scrittore e drammaturgo che così acutamente ha colto e rappresentato l’animo umano e le sue passioni. Un po’ come Il Circolo Pickwick di Dickens, che un amico di Italo Calvino - lo racconta lo scrittore in Perché leggere i classici - elesse a metro del mondo («A ogni proposito cita battute del libro di Dickens, e ogni fatto della vita lo associa con episodi pickwickiani. A poco a poco lui stesso, l’universo, la vera filosofia hanno preso la forma del Circolo Pickwick in un’identificazione assoluta»). Così sarà per noi l’autore delle False confidenze e Il gioco dell’amore e dell’azzardo. Innervando e nutrendo lo spirito di Strapuntino. Cosa vedere (e sentire) a teatro.

Le triomphe de l’amour

Quello che ci è piaciuto, quello che aspettiamo

Breve bilancio di gennaio. Visti a oggi, abbiamo amato e ci hanno segnato in maniera importante: il Testori apocalittico di Antonio Latella (Gli angeli dello sterminio), il Diego Pleuteri su Piero Gobetti giovane e rivoluzionario (Tutto in me è amore), la drammaturgia acutissima di Annie Baker (Il corpo consapevole), quella insubordinata e cinica di Niccolò Fettarappa, il musical personalissimo e distopico di Gipo Gurrado (F*CK). Leggete i dettagli nei nostri ossessivi e appassionati schemi mensili, che sono il cuore di Strapuntino!

A marzo aspettiamo, e in parte vedremo, le nostre selezioni di gialli e arancioni, che trovate nei link. In attesa di sorprese, si intravede anche un po’ di rosso: un paio di certezze, il Milo Rau di Medea’s Children (parliamo di uno dei grandi autori europei, che vale senza esitazione la trasferta a Lugano) e Licia Lanera con la sua versione rock di Altri libertini di Tondelli; poi c’è la scommessa: è sul dittico di Frankenstein dei Motus, il cui teatro ci sembra spesso saper produrre uno scarto e pare ancora capace di sorprese.

Le petit-maître corrigé

Fuori campo: integrazioni e assenze

Naturalmente, ci siamo accorti, e ci avete fatto notare, assenze e mancanze (oltre che, questo va da sé, difformità di attese e giudizi). Proviamo sempre ad aggiungere e monitorare più sale possibili, e siamo aperti a suggerimenti. Ne abbiamo aggiunte alcune “di provincia”, come il Teatro Manzoni di Monza e il Giuditta Pasta di Saronno, che fanno una programmazione di qualità e nelle nostre corde, e sono in fondo sale “quasi” milanesi per la loro raggiungibilità. Guardiamo sempre anche a teatri con una programmazione più POP (Lirico, Arcimboldi, Manzoni, Nazionale…) che raramente entrano nel nostro gusto/selezione, hanno certamente altri canali di promozione, ma che non escludiamo a priori. Capita anche che, per snellire lo sguardo d’insieme dell’affollata piazza milanese, teatri che hanno solo proposte che ci lasciano freddi o tiepidi (tinte di azzurro) siano momentaneamente assenti. Ma nulla vieta che ricompaiono in seguito. Si tratta, sempre, di provare a fare delle scelte. Aiutateci, nel caso, a cambiare idea!

La dispute

Cogliete l’Instagram: vetrina, finestra, porta girevole

Con questo Numero Uno nasce anche un profilo Instagram: serve a dire della newsletter, a mostrarne e anticiparne esempi, estratti, assaggi, carotaggi. È anche un canale aperto per confrontarci, e ascoltare cosa ne pensate della newsletter, dei colori, delle motivazioni, e - soprattutto - degli spettacoli.

Consapevoli di soggettività e limiti del nostro giudizio, l’esperienza del teatro si nutre anche e soprattutto del confronto, e del vostro sguardo. Come l’esergo di questo numero suggerisce: siamo in ascolto.

Qui il link al profilo (seguiteci!):

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Le jeu de l’amour et du hasard

Book-crossing on the stage

L’adattamento letterario sembra sempre più in voga a teatro. È una tendenza che riscontriamo da tempo, ma in questo periodo in particolare sono tante le trasposizioni dei generi più disparati che affollano i palcoscenici. Ci sembra un taglio possibile e rivelatore per il quale attraversare il cartellone di febbraio-marzo.

Tra i grandi classici del Novecento: Orlando di Virginia Woolf per la regia di Andrea De Rosa e la drammaturgia di Fabrizio Sinisi che si basa sulla nuova traduzione del romanzo a cura di Nadia Fusini (Neri Pozza) e sul carteggio tra la Woolf e Vita Sackville-West Scrivi sempre a mezzanotte (Feltrinelli, a cura di Elena Munafò). Luca Marinelli dirige e interpreta uno dei racconti che compongono Tutte le cosmicomiche di Italo Calvino (Oscar Mondadori), ovvero La cosmicomica vita di Q, riflessione ironica sull’esistenza e la meraviglia dell’infinitamente grande. Torna La coscienza di Zeno di Italo Svevo che Paolo Valerio diresse nel 2023 per il centenario della pubblicazione: Zeno Cosini è un Alessandro Haber fuori dai canoni che rende il suo personaggio «molto simile all’uomo contemporaneo» e a lui in particolare intrecciando verità (due episodi della sua vita) e finzione.

Dal bacino dei classici attingono anche i Motus con il loro dittico sul Frankenstein, immaginazione gotica immortale di Mary Shelley, e i Sotterraneo, che con Il fuoco era la cura rielaborano Fahrenheit 451 di Ray Bradbury (Oscar Mondadori). Se Guglielmo Ferro mette in scena un Moby Dick di Herman Melville con Moni Ovadia, trovano spazio sul palco le pagine di Joseph Roth de Il santo bevitore (Adelphi), con la regia di Tommaso Di Pietro, quelle di L’analfabeta di Ágota Kristóf (Edizioni Casagrande), racconto autobiografico portato in scena da Fanny & Alexander con Federica Fracassi. E ancora: La storia di Elsa Morante (Einaudi) diventa un’esperienza immersiva nell’adattamento di Fausto Cabra, Mine-Haha ovvero Dell’educazione fisica delle fanciulle di Frank Wedekin (Adelphi) trova nuova linfa nel progetto di Marco Corsucci e Matilde Bernardi, e Cemento di Thomas Bernhard (Adelphi), con la regia di Roberto Trifirò, romanzo che ha ispirato recentemente anche un altro lavoro molto interessante, Ils nous ont oubliés della regista Séverine Chavier, passato al Festival d’Avignon. Infine cosa farà della satira cinquecentesca di Franòois Rebeleis Gargantua e Pantagruele, sulle vie del mostruoso, Alice Sinigaglia?

Transitando al contemporaneo Altri libertini di Pier Vittorio Tondelli rivive nella rilettura di Licia Lanera che mescola le parole dell’autore di Correggio al suo vissuto personale in un omaggio toccante e riuscitissimo. Michela Cescon porta in scena Guarda le luci, amore mio di Annie Ernaux (L’orma editore) cui l’autrice premio Nobel si propone di “raccontare la vita” - questo era il nome della collana per la quale l’editore Seuil le chiese un libro - attraverso quello che succede in un ipermercato (Erneax tornerà ad aprile, con l’attesissima personale di Daria Deflorian al Picccolo). Anche In exitu di Giovanni Testori, che nasce come romanzo, la confessione di un giovane tossicodipendente ridotto alla prostituzione è la fonte di ispirazione di Speed con la regia di Paolo Panizza.

I dipendenti di Olga Rawn (Il Saggiatore), epopea fantascientifica sulla forza lavoro nel XXII secolo, arrivano in scena grazie al regista polacco Łukasz Twarkowski (che ha incantato le platee d’Europa con il suo Rohtko, premio Ubu per il miglior spettacolo straniero nel 2024: The Employees è raccomandatissimo!). Francesco Niccolini dirige Resto qui di Marco Balzano (Einaudi) in cui un uomo e una donna, sono testimoni, vittime e carnefici della Storia: dopo aver vissuto sulla loro pelle la violenza del fascismo, vedono cancellata la comunità a cui appartengono, in Sud Tirolo, al confine tra Austria e Svizzera (Curon, ancora oggi celebre perché è rimasto solo il campanile che emerge da un lago, mentre il paese si trova sul fondo sommerso dalla diga inaugurata nel 1950).

La storia d’amore che si snoda attraverso l’Europa, da Sarajevo a Istanbul, raccontata da Paolo Rumiz in La cotogna di Istanbul. Ballata per tre uomini e una donna (Feltrinelli) trova il suo coronamento in Un sogno a Istanbul per la regia di Alessio Pizzech e la drammaturgia di Alberto Bassetti. Torna in cartellone anche Nel guscio di Ian Mc Ewan (Einaudi) diretto da Cristina Crippa (debuttò nel 2021, storia del feto Amleto che ha un punto di vista privilegiato di quello che lo attenderà alla sua nascita, avendo come genitori Trudy e l’usurpatore Claude, zio che ha preso il posto del fratello John, poeta squattrinato).

Tra gli spettacoli per bambini, famiglie e scuole, Marta Cortellazzo Wiel presenta Pinocchio. Dalla favola al destino mentre Davide Iodice in Pinocchio. Che cos’è una persona? tratteggia il burattino/bambino come il diverso per eccellenza, «fratello simbolico dei ragazzi con sindrome di Down o di autismo, o Williams, o Asperger». Davide Carnevali porta in scena la sua personale rilettura dei Promessi sposi di Alessandro Manzoni in Quel ladro del lago di Como, soffermandosi sui Bravi, don Rodrigo e l’Innominato.

Speriamo di avervi dato spunti, strapuntini e motivazioni per scoprire nuove scene, e addentrarvi ulteriori letture. Ai prossimi intermezzi!

Strapuntino - Cosa vedere a teatro: primo intermezzo

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Con qualche incursione altrove nel mondo.

Grazie dei followers

Grazie, innanzitutto! Siete/siamo già quasi un centinaio. Non ci aspettavamo tanta attenzione e curiosità, che speriamo di saper ripagare, offrendo un servizio utile, sempre migliore e più stimolante. A inizio febbraio, con un nuovo numero, un vero e proprio numero uno, apriremo la prospettiva anche sul mese di marzo. Ma intanto ci facciamo vivi (visto che di spettacolo dal vivo qui si tratta) con qualche aggiornamento. Chiamiamolo Intermezzo.

United Colors of Strapuntino

Le prime risposte/reazioni a Strapuntino riguardano soprattutto la scala dei colori. Misura delle aspettattive e, in caso di spettacoli visti, del gradimento, il “teatrometro” che abbiamo voluto adottare (azzurro/giallo/arancione/rosso) prova a dar conto delle nostre attese, conoscenze e gusti (con tutti i limiti). Volendo però fornire una selezione (che avviene già nel non includere tutte le sale e tutti gli spettacoli, anche se l’idea è fornire un qaudro della programmazione) è fatale che alcune scelte vadano fatte, e siano naturalmente opinabili (talvolta rivedibili).

A volte gli azzurri sono semplicemente una banale ammissione di non conoscenza, o un’attesa tiepida per qualche cosa che ci pare proprio, per esperienza pregressa, non essere (o non più) la nostra cup of tea. I gialli sono da intendersi come segnalazioni di curiosità, un interesse già significativo (magari con qualche piccola riserva o dubbio). Per gli arancioni, sono le nostre grandi speranze, quegli spettacoli che pensiamo non vadano proprio persi.

Chi ha trovato le tonalità troppo severe, deluso dai troppi azzurri, dalle dominanti gialle, e dai pochissimi rossi, sappia che, pur conservando la natura di un gioco, specialmente nella sfida di dire qualcosa di quello che ancora non abbiamo visto, il rosso rimane merce rarissima, e preziosa. Sono quegli spettacoli che crediamo possano cambiarci la vita. Qui l’incontro è veramente qualcosa che si conta, in un anno, sulla punta delle dita. Ma nulla proibisce che attese gialle e arancioni diventino colpi di fulmine. O, viceversa, che previsioni entusiastiche si rivelino cocenti delusioni o moderati ridimensionamenti.

S(t)iamo fluidi

Succede anche che, essendo già noi in due (quindi un compromesso/sintesi di sguardi differenti), e parlando poi con amici spettatori appassionati, più o meno addetti ai lavori, affini o meno al nostro stile spettatoriale, leggendo una critica o un post, possiamo rimodulare le nostre aspettative. Lo strumento di Fogli ci dà in questo la possibilità (della quale non vorremmo però abusare) di correggere il tiro (e la tinta) in corso d’opera.

È capitato, ad esempio, che il Latella di Gli angeli dello sterminio, sul quale riponevamo aspettative spropositate, ci abbia convinti decisamente, ma sia al contempo uno spettacolo con le sue asperità e non per tutti (abbiamo deciso dunque di portarlo da rosso a un più prudenziale arancione). Viceversa può capitare che ci giungano buone (e fidate) voci su cose di cui sapevamo poco o prevedevamo non fondamentali. Pur nell’autonomia, siamo aperti a rivedere i nostri pre-giudizi.

Capita poi che dimentichiamo qualche sala o qualche spettacolo. Cercheremo, in tal senso di includere teatri che, magari più periferici, puntano su una programmazione interessante (penso a realtà prossime milanesi, come il Manzoni di Monza, il Giuditta Pasta di Saronno, alcune vivaci realtà bresciane, anche se non sarà possibile fare “brevi cenni sull’universo”, ahinoi). Questo per dire che il cuore di Strapuntino ha una dimensione fluida e viva, in progress.

Qui riportiamo i link di quello che è un po’ il cuore (in moto) della nostra newsletter:

Strapuntino GENNAIO 2026

Strapuntino FEBBRAIO 2026

E rimane sempre, in ultima istanza, da confrontare con il vostro gusto, le vostre personalissime scelte e la vostra unica esperienza in sala.

Brevi dispacci da Parigi

Vorrei fornire un rapido bilancio di una decina di giorni di gennaio a Parigi di visioni teatrali, sottolineando l’assoluta importanza e bellezza di due spettacoli, che consigliavo nel numero zero: Le Jardin del Collectif Greta Koetz, che confermana una formula di teatro coraggiosa, capace davvero di trafiggere al cuore (ho visto due volte questo loro spettacolo, e vi consiglio di inseguirli per il mondo; e ai programmatori nostrani di portarli in Italia): fra il sacro e lo scherzo, la scena di questi pazzi belgi è divertentissima e insieme mistica, e si sperimenta quella che si potrebbe chiamare una vera e propria trasverberazione. Quando il teatro riesce a fare questo è molto potente, un piccolo miracolo.

E poi: Les femmes savantes, rilettura di rara intelligenza e forza ri-creativa (messa in scena e mise en abyme radicale, pur nel rispetto di lettera e dello spirito del genio) del penultimo Molière, da parte di Emma Dante (è freschissimo l’annunicio del Leone d’Oro per la regista, già osannatissima in patria e Oltralpe: complimenti!). L’autrice fa rinvenire il copione (e alcuni cliché dell’epoca sui rapporti fra generi) da una giovane attrice/personaggio in vesti contemporanee, e riesce a liberarsi, con idee di regia spumeggianti, coloratissime e fecondamente provocatorie, della inevitabile polvere ideologica del testo, senza rinunciare alla sua potenza espressiva e forza critica, ché il sapere può essere morto, libresco, pura posa e vuota pedanteria, oppure qualcosa di rigoglioso, rivoluzionario, che fiorisce (dalle tappezzerie e dai volumi), una cosa vivissima. Bravo!, per dirla alla francese che, ironia della lingua, non declina il genere.

Infine, mentre esce al cinema (in Italia dal 5 febbraio) Hamnet di Chloé Zhao (dal romanzo di Maggie O’Farrell, qui edito da Guanda), preceduto da grande battage pre-Oscar e dal carisma debordante dei due interpreti (da vedere, con qualche riserva, ma loro, Jessie Buckley e Paul Mescal prendono la scena e sono pura alchimia), sulla genesi immaginaria del capolavoro shakespeariano, all’Odéon di Parigi il belga Ivo Van Hove, una delle grandi voci della regia europea, allestisce, secondo il suo sguardo, il monumento del canone occidentale. Dal 21 gennaio al 14 marzo, essere o non essere in sala, il tempo per una capatina a Parigi per questo Amleto forse vale bene questa messa in scena.

Buone scelte, sempre un po’ felicemente al buio!

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Strapuntino - Cosa vedere a teatro

La newsletter che prova a pre-vedere e selezionare quello che accadrà sulla scena a Milano, e a un’oretta da lì (Lugano, Torino, Bologna e Parma).

Con qualche incursione altrove nel mondo.

NUMERO ZERO - GEN/FEB 2026

La passione come movente

L’idea di Strapuntino è piuttosto semplice. Io e Marì Alberione (dovrei dire: io grazie a Marì Alberione, che mi ha fatto da guida, e rinnova sempre il mio entusiasmo) amiamo il teatro, ci andiamo spesso (a volte di più, a volte di meno: è la vita), con una vocazione spettatoriale aperta, curiosa e onnivora, pronta al confronto. Sappiamo tuttavia che il teatro comporta un certo investimento (di tempo, economico, di attenzione ed emotivo) che non sempre viene ripagato, in termini di soddisfazione e intensità dell’esperienza, piacere della scoperta, respiro per l’anima. Siamo dunque esigenti, anche se portatori di un piacere personale e soggettivo, e di un giudizio parziale e fallibile. Così un’ora di cattivo teatro può sembrare un supplizio interminabile. Al contrario, una maratona di otto ore di scena può offrire un’immersione che ti trasforma e ti rigenera. Qualche felice volta vorremmo che la potenza di quella storia, la forza di quell’immagine o la profondità di quell’emozione, la presenza viva dei gesti e del corpi, le parole incarnate che si incidono nella memoria, si riproponessero, potessero ritrovarsi o continuare, o si rinnovassero in ulteriori incontri.

Nomen omen?

Chiamare Strapuntino questa newsletter presuppone naturalmente un punto di vista giocoso, magari leggermente pungente o non sempre confortevole, programmaticamente laterale ed economico (il termine designa un tipo di sedile pieghevole o a scomparsa che aumenta la capienza di una sala, che è presente anche nei corridoi dei vecchi treni). Questa seduta offre dunque una prospettiva, si è detto, appassionata, magari un po’ parziale, provocatoria, umile ma non per questo modesta (che allarghi lo sguardo), comunque mai troppo comoda e definitiva.

Come scegliere lo spettacolo dal vivo

Programmare e scegliere il meglio dello spettacolo dal vivo può non essere sempre così facile, e comunque, per definizione, non è mai certo. Il rischio fa parte del gioco, e (a essere onesti) non prevede rete e non è uguale per tutti. Capire quello che ti piace e che accade di buono (a volte perfino di meraviglioso) a teatro (a fronte di teniture spesso brevi, una copertura dei media di fatto modesta e quasi sempre a consuntivo, l’impossibilità materiale di vedere e di conoscere tutto) spesso non è per nulla semplice. Per orientarsi in qualche modo in un’avventura intricata, labirintica e talvolta defatigante, anche solo per operare una selezione di poche incursioni annuali nella sala, affinando con un po’ di criterio, gusti e sensibilità personali (nostri e vostri), Strapuntino (a cadenza mensile) vuole rispondere a una domanda molto chiara e diretta: che cosa (vale la pena, è possibile) vedere a teatro?

Un focus milanese (o a un’oretta di distanza)

Abbiamo scelto di circoscrivere la prospettiva di osservazione alle piazze a noi più prossime: in primis MIlano (che rimane una delle più importanti e complete offerte di spettacolo dal vivo in Italia), aggiungendo il LAC di Lugano, per la qualità e ricchezza della programmazione, Torino (più contenuta, ma molto vivace e di qualità) e l’Emilia Romagna (Bologna, Modena, Parma, di ottima qualità), essendo mete a distanza di treno (milanocentrica) praticabile e in giornata. L’insieme di queste piazze offre un bouquet di circa 90-100 spettacoli al mese, comunque una sfida all’ubiquità e alla capacità di scegliere (il noto paradox of choice che ci paralizza di fronte a un menù troppo ampio). Allora scremiamo l’offerta, attraverso il nostro sguardo, e l’esperienza assidua, ampia, disinteressata e onesta, spassionata della sala.

Il termometro della scena

Attese tempestose, un foglio e (pre)giudizio

Intendiamo dunque fornire ogni mese uno schema piuttosto esaustivo della programmazione dei due mesi successivi, che offra una panoramica di quello che va in scena, in una sintesi grafica che mostri chiaramente ingombro e sovrapposizioni dei vari programmi delle singole sale che decidiamo di monitorare (quelle che riteniamo siano portatrici delle proposte più interessanti). Con i limiti di conoscenza e gusto, decidiamo poi di attribuire a ogni spettacolo delle aspettative (se, come capita spesso, non l’abbiamo ancora visto) e, gradualmente e parzialmente (l’ubiquità è un obiettivo), un eventuale gradimento/giudizio.

La scala delle temperature distingue:

• in AZZURRO che indica aspettative neutre/tiepide (o un gradimento scarso, a spettacolo eventualmente visto);

• un colore GIALLO per segnalare un’attesa intermedia (quello che costituisce una segnalazione, ciò che suscita curiosità e riteniamo degno di nota) o un gradimento (se dopo la visione) medio-buono magari con dei “ma…”;

• poi c’è l’ARANCIONE che indica aspettative significative, molto buone (o, a spettacolo visto: gradimento buono/ottimo), questi spettacoli ci sentiamo di consigliare, anche se non ci avessero rivoluzionato, l’esistenza, ma pensiamo che siano solidi, raccomandabili, belli, significativi. Che lascino una traccia.

• Infine, con estrema parsimonia (e ricordo: sindacabile soggettività), indichiamo i titoli in ROSSO, i più caldi, quelli che costituiscono le scommesse, dai quali ci aspettiamo proprio tanto (gran pericolo, le alte aspettative!) o che (una volta visti) ci hanno totalmente entusiasmato. Son questi i colpi di fulmine, quelli che vuoi tornare a vedere, gli spettacoli che costituiscono uno scarto significativo, che cambiano il mondo o il modo in cui guardi il mondo, che a volte ti rimangono addosso a lungo (per sempre?). Sono questi gli incontri decisivi, e per forza rari. Sono i premi che riceviamo, ancorché quelli che proviamo a dare (una sorta di UBU del cuore).

L’idea è di accompagnare le attese, che poi si trasformano in conseguenti gradimenti (o sorprese, nel bene e nel male: e dunque cambieranno colore dopo l’eventuale visione) con brevi motivazioni. In particolare gli arancioni e i rossi porteranno delle brevi note (visualizzabili nella tabella/calendario passando il cursore sui singoli titoli) che argomentano sinteticamente: perché ci aspettiamo tanto, perché vale la pena non mancare questo appuntamento, che cosa fonda la nostra attesa o la nostra valutazione. Gli spettacoli già visti, o quelli man mano visti, sono evidenziati con un riquadro nero, sottilmente necrologico, anche se nessun giudizio è scritto sul marmo, e lo spettacolo dal vivo contempla anche il nostro essere vivi, sbagliare, cambiare, rivedere le nostre impressioni e poter cambiare nel tempo opinioni e gradimenti. Non si tratta di critiche o analisi dettagliate (se e dove possibile rinviamo con dei commenti ad altre sedi per approfondimenti, interviste e/o disamine più puntuali).

La scena (anche) altrove

Strapuntino vorrebbe offrire anche delle brevi rubriche sul teatro aperte al mondo, con incursioni, curiosità e consigli sul teatro francese, quello inglese e americano, con quello che ci arriva dal mondo, e che ci può capitare di vedere (o di desiderare di vedere) a Parigi, Londra, New York, Berlino, Vienna, o in giro per i numerosi festival (il Festwochen di Vienna, TeatroEuropa di Roma, il Festival delle Colline di Torino, Indicativo Presente di Milano, Biennale Teatro di Venezia, Festival d’Autumn di Parigi, Edimburgh Frindge Festival, Festival d’Avignon, Theater Treffen di Berlino, Festival du théâtre de rue Aurillac, e altri).

L’idea, è di avere un occhio a quello che avviene di speciale sui palcoscenici del mondo, partendo da un’attenzione e considerazione locali, ma aprendosi a uno sguardo sulla scena che ha luogo altrove. Magari per scoprire che lo spettacolo in Italia è di livello e varietà notevoli, a volte inaspettate, ma consapevoli che altre strade sono sempre possibili e stimolanti, e che il viaggio, l’esperienza di uscire di casa e avventurarsi nel buio della sala teatrale, è consustanziale al godimento (in parte sempre uno scarto, un attrito, uno spiazzamento e uno stupore) dello spettacolo dal vivo. Almeno, per noi funziona così questa magia. “Accomodatevi”, ma non troppo, sullo Strapuntino!

Qui i primi due mesi di Strapuntino, nella sua essenza, una panoramica di GENNAIO e FEBBRAIO 2026 (link qui di seguito):

STRAPUNTINO GENNAIO 2026

STRAPUNTINO FEBBRAIO 2026

Questo è solo un “numero zero” per capire se questo servizio, che facciamo in primis a noi stessi, può essere utile e proficuo per quegli amici e conoscenti che in questi ultimi anni ci hanno spesso chiesto: “Che cosa vedo a teatro nei prossimi mesi?”.

Altre rubriche sono in cantiere e stanno prendendo forma.

Un assaggio piccolo:

Parigi val bene una messa in scena

Segnalo tre spettacoli che vedo a Parigi a gennaio e sui quali mi sento di scommettere:

Les Femmes Savantes di Emma Dante (al Théâtre du Rond-Point): la Comédie-Française, nel quadro del Festival d’Autumn, affida alla regista palermitana, molto apprezzata oltralpe, il penultimo testo di Molière. Vediamo che cosa saprà farne.

Les petites filles modernes (titre provisoire) di Joël Pommerat (al Théâtre Amandiers di Nanterre): l’autore-registra presenta al Festival d’Autumn la sua nuova creazione. Grandi attese.

Le Jardin del Collectif Greta Koetz (al Théâtre de la Bastille): il collettivo belga, visto/scoperto al Festival Impatience al 104 di Parigi a dicembre nel meraviglioso Le mal du hérisson, torna nella capitale francese con Le Jardin, suo spettacolo culto di qualche anno fa, viaggio nel giardino d’infanzia, e sorta di riscrittura inconsapevole dei ciliegi cechoviani.

Restiamo curiosi e in ascolto di vostri commenti, spunti, suggerimenti, feedback su chiarezza e leggibilità della formula, mancanze e difetti, cose sensate o materiale in eccesso. GRAZIE!

Buon viaggio in sala,

Matteo

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