Sinopse: Homem de grande dignidade e valores inquebrantáveis, Policarpo Quaresma é um ufanista convicto, vendo superioridade brasileira em qualquer tipo de comparação que se faça com estrangeiros. Não é raro, porém, que a realidade traia suas utopias mais entranhadas: seu idealismo o faz ser alvo de escárnio e perseguição na sociedade em que vive.

É fácil reduzir Policarpo Quaresma ao homem excêntrico que desejava transformar o tupi-guarani na língua oficial do Brasil. Essa é uma das passagens mais conhecidas do romance, frequentemente lembrada pelo aspecto cômico, embora represente somente uma etapa da trajetória do personagem. Ao acompanhar suas tentativas de contribuir para o país, Lima Barreto escreve sobre nacionalismo, identidade cultural, vida política, agricultura, autoritarismo e exclusão. O que começa como uma sátira aos excessos patrióticos assume, aos poucos, um tom mais melancólico, já que cada experiência aproxima Policarpo da constatação de que o Brasil no qual acreditava existia sobretudo em seus livros e em sua imaginação.

Policarpo é um funcionário público disciplinado, solteiro e conhecido como major, apesar de não possuir uma carreira militar que justifique plenamente o título. Sua vida parece organizada ao redor de uma única convicção: o Brasil é um país grandioso, e cabe aos brasileiros reconhecer e desenvolver aquilo que lhes pertence. Ele estuda história, geografia, costumes, tradições e recursos naturais. Também evita valorizar automaticamente tudo o que vem da Europa, comportamento bastante comum entre as camadas mais prestigiadas da sociedade carioca. Sua dedicação desperta curiosidade e riso porque ultrapassa o patriotismo superficial dos discursos oficiais. Policarpo acredita de verdade naquilo que os outros repetem por conveniência. Essa sinceridade é essencial para compreender o personagem. Lima Barreto poderia tê-lo transformado em uma caricatura do nacionalista exagerado, porém existe muito respeito em sua construção. Policarpo é ingênuo e, em vários momentos, interpreta o Brasil a partir de ideias idealizadas. Ainda assim, não procura enriquecer, conquistar cargos ou ganhar reconhecimento. Seus projetos são desinteressados e nascem da vontade de participar do desenvolvimento do país. O problema é que ele tenta colocar em prática princípios que as pessoas ao redor preferem manter apenas no campo das palavras.

A narrativa se divide em três partes, ligadas a diferentes projetos do protagonista. Primeiro, Policarpo procura uma identidade cultural própria para o Brasil e defende a adoção do tupi-guarani como língua nacional. Depois, muda-se para o sítio Sossego, onde pretende comprovar a produtividade da terra brasileira. Por fim, envolve-se na defesa do governo de Floriano Peixoto durante a Revolta da Armada, acreditando que a consolidação da República poderá corrigir os problemas do país. A sucessão desses projetos organiza a transformação do personagem. Ele começa confiante em seus estudos, passa pela experiência concreta do trabalho agrícola e termina diante da violência política. A defesa do tupi-guarani costuma provocar riso, mas a petição de Policarpo contém uma reflexão séria sobre a formação nacional. Para ele, a independência política continuaria incompleta enquanto o Brasil utilizasse a língua de Portugal. O personagem acredita que a emancipação do país precisaria ser acompanhada por uma emancipação linguística. Por isso, apresenta o tupi como uma língua ligada ao território, à história indígena e à natureza brasileira. Seu raciocínio revela o desejo de encontrar uma origem autenticamente nacional, livre da dependência europeia. Ao mesmo tempo, a proposta mostra as limitações de seu pensamento. Policarpo trata o tupi como se houvesse uma única língua indígena capaz de representar todo o país e imagina a identidade nacional como algo puro e uniforme. Seu interesse pelo passado indígena é sincero, embora permaneça distante das condições reais dos povos indígenas. Ele transforma esse passado em símbolo de uma nacionalidade ideal. Lima Barreto, dessa maneira, permite que o leitor reconheça a generosidade do projeto e perceba sua ingenuidade. Na narrativa, os jornais publicam a petição para divertir o público, os colegas da repartição fazem piadas e quase ninguém tenta compreender os argumentos apresentados. O documento resulta de anos de estudo, mas chega ao Congresso como uma espécie de número cômico. A situação piora quando Policarpo envia por distração um ofício escrito em tupi. Os funcionários não reconhecem o idioma e procuram respostas em regulamentos burocráticos, enquanto um dos supostos intelectuais da repartição conclui que o texto deve estar em grego. A ironia recai sobre uma instituição cheia de títulos, normas e aparências de conhecimento, mas incapaz de compreender algo que não esteja previsto em seus formulários. O episódio conduz Policarpo ao hospício, revelando como a sociedade reage àquele que foge das expectativas comuns. Seus conhecidos podiam considerá-lo excêntrico enquanto seus estudos permaneciam dentro de casa. Quando ele tenta transformar uma ideia em ação, passa a ser tratado como louco. Olga, afilhada de Policarpo, é uma das poucas personagens que enxergam algo além do aspecto extravagante da petição. Ela não aceita facilmente a conclusão de que o padrinho enlouqueceu. Mesmo percebendo o exagero da ideia, reconhece que existe ali um projeto sincero e uma tentativa de pensar o país por caminhos diferentes. Olga sente admiração e piedade por aquele homem isolado, dedicado a um sonho que ninguém deseja compreender. Sua presença cria um contraponto importante, pois ela observa a realidade com mais liberdade do que os homens supostamente instruídos do romance.

A valorização da cultura popular aparece principalmente na relação de Policarpo com Ricardo Coração dos Outros. O músico toca violão e compõe modinhas, atividades vistas com desconfiança pelos grupos que desejavam reproduzir os padrões europeus de respeitabilidade. Ao receber Ricardo em casa e procurar aprender sobre a música popular brasileira, Policarpo desafia discretamente esse preconceito. A cena mostra uma sociedade que exalta a cultura nacional nos discursos, enquanto despreza manifestações produzidas nos subúrbios e associadas às camadas populares. Ricardo também é vaidoso, preocupa-se com a própria reputação e não recebe com tranquilidade o surgimento de concorrentes.

Depois de sair do hospício, Policarpo abandona a repartição e muda-se com a irmã Adelaide para o sítio Sossego, depositando sua esperança na agricultura. Ele acredita que a fertilidade do território brasileiro poderá sustentar um projeto de desenvolvimento independente e produtivo. O personagem leva livros e manuais para a propriedade, estuda técnicas agrícolas e começa a trabalhar com entusiasmo. Quando um morador afirma que as terras estão cansadas, Policarpo responde que o solo europeu é cultivado há milhares de anos e continua produzindo. Seu interlocutor explica que lá existe trabalho organizado e que, no Brasil, há muitas dificuldades. O major ainda acredita que todos os obstáculos poderão ser superados. Essa parte do romance questiona a imagem do Brasil como uma terra naturalmente abundante, capaz de oferecer riqueza quase sem esforço. Policarpo logo descobre que a fertilidade não resolve tudo. Faltam recursos, ferramentas, transporte, compradores e apoio aos pequenos produtores. Quando consegue colher frutas, encontra dificuldade para vendê-las por um preço justo. Os intermediários controlam o mercado, e o produtor recebe muito pouco pelo próprio trabalho. Aos poucos, o protagonista compreende que a agricultura depende de condições sociais e econômicas que seus livros não explicavam adequadamente.

A política local torna a situação ainda pior. Policarpo não deseja participar de disputas partidárias e se recusa a colaborar com uma fraude eleitoral. Como resposta, recebe uma intimação para capinar uma área enorme das estradas próximas ao sítio. A ordem tem aparência legal, mas funciona como vingança, mostrando como as instituições públicas podem ser usadas para atender a interesses pessoais. O cidadão que não participa dos acordos locais passa a ser tratado como inimigo. As saúvas - espécie de formigas - completam o fracasso da experiência agrícola, invadindo a despensa, atacam as plantações e destroem parte do trabalho realizado no sítio.

Na última parte, Policarpo transfere suas esperanças para o governo de Floriano Peixoto. Durante a Revolta da Armada, retorna ao Rio de Janeiro e se apresenta para defender a República. Ele acredita que Floriano poderá organizar o país e realizar as reformas necessárias. Essa confiança repete o movimento das etapas anteriores. Primeiro, Policarpo procurou a salvação na cultura. Depois, depositou sua fé na terra. Agora, espera encontrá-la em um governante. O encontro com Floriano começa a desmontar essa última ilusão. Em vez do grande estadista imaginado, Policarpo encontra um homem indiferente aos projetos que lhe são apresentados e cercado por militares, burocratas e admiradores interessados em posições. Os personagens falam de Floriano como se ele fosse a própria República, e qualquer crítica ao presidente passa a ser entendida como ataque ao país. A Revolta da Armada é retratada longe das imagens heroicas presentes em pinturas oficiais e discursos militares. O general Albernaz gosta de falar sobre guerras, apesar de não possuir a experiência que tenta demonstrar. Nesse ambiente, o tema do autoritarismo ocupa cada vez mais espaço. Prisões, deportações e mortes são justificadas pela necessidade de preservar a ordem. O governo afirma defender a República enquanto viola direitos e elimina adversários.

Triste fim de Policarpo Quaresma trabalha, portanto, com vários temas ligados pela trajetória do protagonista. O nacionalismo aparece como um desejo sincero para com a Nação e como discurso oportunista. A identidade brasileira é procurada na língua indígena, na música popular e na agricultura, a política surge marcada por fraudes, favores e autoritarismo, a loucura revela o modo como a sociedade afasta quem não se enquadra, o casamento limita o futuro de Ismênia, enquanto Olga representa uma postura mais crítica, a burocracia e o militarismo completam um retrato pouco idealizado da Primeira República. Policarpo comete erros, idealiza o Brasil e demora a compreender o funcionamento da política. Mesmo assim, há dignidade em sua recusa a agir por conveniência. Seu fim é triste porque o país que ele desejava melhorar responde com desprezo, internação, prisão e ridicularização.

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Sinopse: Este romance recria a história da Guerra de Troia pela perspectiva de Helena e das mulheres da Ilíada de Homero.
No meio da noite, Creusa acorda e encontra sua amada cidade tomada pelas chamas. O conflito aparentemente interminável entre os gregos e os troianos termina depois de dez anos. Troia tinha sido derrotada. Em Mil Navios para Troia, por meio de uma narrativa poderosa, contada com base em uma perspectiva exclusivamente feminina, Natalie Haynes coloca as mulheres, garotas e deusas no centro da história de um dos maiores épicos da literatura ocidental.
Finalista do Woman´s Prize for Fiction, esta recontagem feminista da Guerra de Troia, dá voz às mulheres que os mitos esqueceram.

“Mil navios para Troia”, de Natalie Haynes, é uma releitura da Guerra de Troia que nasce de uma proposta muito clara: contar uma história já conhecida a partir das mulheres que a tradição épica frequentemente deixou à margem. A edição brasileira, publicada pela Jangada, traz o romance originalmente intitulado “A Thousand Ships”, com tradução de Marcelo Barbão, e parte de um material mítico imenso, atravessado por Homero, Eurípides, Virgílio, Ovídio, Ésquilo e outras tradições antigas. Esse ponto é importante porque o livro não tenta apenas recontar a Ilíada de outro jeito, ele se aproxima de Troia como quem recolhe fragmentos espalhados: vozes de rainhas, esposas, mães, escravizadas, deusas, ninfas, guerreiras e mulheres que, em muitos casos, foram lembradas mais pela relação que tinham com os homens do que por uma existência própria.

A estrutura do livro deixa essa intenção muito evidente. O sumário já revela uma sucessão de perspectivas femininas: Calíope, Creusa, as mulheres troianas, Teano, Pentesileia, Penélope, Briseis e Criseida, Tétis, Laodâmia, Ifigênia, Afrodite, Hera, Atena, Enone, Éris, Hécuba, Polixena, Têmis, Cassandra, Gaia, Clitemnestra, as Moiras e Andrômaca aparecem em capítulos que alternam pontos de vista e momentos do ciclo troiano. Essa variedade é um dos aspectos mais interessantes da obra, porque Haynes parece entender que “as mulheres da Guerra de Troia” não formam um bloco único. Cada uma ocupa um lugar diferente diante da guerra: algumas assistem à queda da cidade de dentro das muralhas, outras esperam homens que talvez nunca voltem, algumas são tratadas como prêmio, outras como culpadas, outras ainda observam o conflito a partir de uma posição divina, aparentemente distante, embora também marcada por interesses e ressentimentos. Esse movimento dá ao romance uma qualidade muito própria. A guerra, que nos poemas antigos costuma ser lembrada pelos nomes de Aquiles, Heitor, Agamêmnon, Menelau, Odisseu e Páris, passa a ser percebida por suas consequências. Em vez de acompanhar apenas os combates, a narrativa se detém em quem ficou esperando, em quem perdeu a casa, em quem foi carregada como espólio, em quem viu a própria história ser reduzida a uma nota lateral. O capítulo de Creusa, por exemplo, é muito forte nesse sentido, porque a queda de Troia aparece a partir da experiência doméstica. A cidade queima, os templos queimam, e aquilo que poderia ser narrado como grande episódio épico se torna medo, fumaça, procura pelo marido e pelo filho, tentativa de entender o que está acontecendo enquanto o mundo conhecido desaba. Há um trecho especialmente revelador quando Creusa percebe que os homens viveram uma guerra diferente daquela vivida pelas mulheres que os esperavam, cuidavam deles e os alimentavam ao fim de cada dia. Essa frase sintetiza bem o projeto do livro: a guerra não é a mesma para todos, e a glória cantada pelos poetas quase sempre depende de muita dor sem nome.

A presença de Calíope como moldura narrativa é um dos recursos mais interessantes do romance. O livro começa com o poeta invocando a Musa, em uma referência direta ao gesto inaugural da épica antiga, só que Haynes desloca o tom da invocação. Calíope não surge como uma entidade obediente, pronta para conceder inspiração ao poeta. Ela se mostra cansada, irônica, incomodada com a repetição de guerras, cidades saqueadas, retornos ao lar e histórias contadas inúmeras vezes. Quando o poeta pede que ela cante, o tom dele “deixa claro que não está pedindo”, e a Musa responde com uma espécie de impaciência lúcida diante de tantos homens que exigem sua atenção e sua ajuda. Essa narração é parcial no sentido mais interessante da palavra. Calíope não finge neutralidade. Ela comenta, julga, ironiza, escolhe o que merece ser visto e, principalmente, parece desconfiar da tradição que está ajudando a produzir. Em vez de ser apenas a fonte da poesia épica, ela se torna uma consciência crítica dentro do próprio mecanismo da epopeia. Essa relação entre o poeta e Calíope também coloca em questão quem tem direito de narrar. O poeta, figura ligada à tradição homérica, quer organizar a guerra em canto, talvez buscando grandeza e beleza formal. Calíope, por sua vez, percebe o cansaço dessa repetição. Ela sabe que os poetas costumam pedir guerras, heróis, naufrágios, saques e retornos, e por isso sua voz soa como uma interrupção dentro do modelo épico. Há algo de muito inteligente nessa escolha, porque Haynes não abandona a tradição clássica. Ela entra nela e a perturba por dentro. A Musa continua sendo Musa, o poeta continua pedindo canto, a Guerra de Troia continua no centro, porém a perspectiva muda. O que antes parecia destino heroico passa a ser visto também como insistência masculina em transformar sofrimento em beleza narrativa.

As vozes femininas do romance funcionam justamente como resposta a essa tradição. Penélope, por exemplo, aparece ligada ao universo da Odisseia, escrevendo ao marido ausente e atravessando a espera com inteligência, ironia e desconfiança. Não se trata da esposa imóvel que apenas aguarda o retorno do herói, e sim de uma mulher que observa as histórias sobre Odisseu e parece medir a distância entre o homem real e a lenda que cresce ao redor dele. A própria lista de personagens lembra que o retorno de Odisseu passa por episódios famosos, como Polifemo, Circe, as sereias, Cila, Caríbdis e Calipso, o que mostra como o romance também incorpora materiais da Odisseia ao seu tecido narrativo. Ao trazer Penélope para esse conjunto, Haynes desloca a aventura masculina para o lado de quem ficou em casa lidando com espera, rumor, solidão e administração de uma ausência longa demais.

O livro também recupera episódios ligados à Ilíada e ao ciclo troiano de maneira ampla. Briseis e Criseida remetem diretamente ao conflito inicial da Ilíada, aquele que envolve a disputa entre Aquiles e Agamêmnon e expõe como mulheres escravizadas eram tratadas como bens de prestígio entre guerreiros. Ifigênia carrega outro ponto: a ideia de que a guerra de Troia começou com o sacrifício de uma filha, antes mesmo que os navios gregos conseguissem partir. Hécuba, Andrômaca, Polixena e Cassandra ampliam o olhar sobre a destruição final, porque mostram que a queda da cidade não termina quando os guerreiros vencem. Para as mulheres troianas, a vitória grega inaugura outra violência, feita de luto, escravização, deslocamento e perda de futuro. Haynes confirma no epílogo esse mosaico de fontes, citando As Troianas e Hécuba, de Eurípides, a Odisseia para os capítulos de Penélope, a Eneida para Creusa, Heroides para Laodâmia, a Oresteia para Clitemnestra, além da Ilíada para Briseis e Criseida e Eurípides para Ifigênia e Andrômaca.

Essa reunião de tantos mitos é, ao mesmo tempo, a grande riqueza e um dos limites do romance. Quando funciona, dá a sensação de que a Guerra de Troia não pertence a uma única obra, nem a um único herói, nem a um único ponto de vista, aparecendo como uma rede de narrativas que atravessa gerações, famílias e cidades. Haynes consegue lembrar que o mito antigo nunca foi uma história fechada, porque já circulava em versões diferentes, tragédias diferentes, poemas perdidos, comentários posteriores e tradições que se completavam ou se contradiziam. A autora inclusive observa que algumas mulheres quase não possuem história preservada na literatura antiga, como Teano e Enone, e que personagens femininas costumam ficar nas sombras ou nas margens das narrativas sobreviventes. Nesse sentido, o romance tem um gesto muito bonito: ele tenta aproximar figuras desiguais em presença literária, dando espaço tanto às personagens famosas quanto às que chegaram até nós de maneira fragmentária.

Ainda assim, a organização nem sempre favorece a leitura. A alternância de vozes cria movimento, porém em alguns momentos a ordem dos acontecimentos parece trocada de uma forma que não acrescenta tanto à experiência. O romance começa com a queda de Troia, volta a episódios anteriores, avança para consequências posteriores, retorna a cenas já sugeridas e distribui os capítulos como uma espécie de mosaico afetivo. Essa escolha combina com a ideia de memória quebrada, de mito recolhido em pedaços, de vozes que aparecem de lugares diferentes do tempo. Apesar disso, em certos momentos, uma ordem mais cronológica talvez tornasse o impacto maior. A sequência dos acontecimentos da guerra, desde Áulide até a queda de Troia e os retornos, ajudaria o leitor a perceber melhor a acumulação das perdas. Como o livro reúne muitos mitos, muitas personagens e muitas referências, a desordem temporal às vezes exige um esforço que não se converte em maior profundidade. Em vez de intensificar a leitura, alguns deslocamentos acabam criando uma sensação de dispersão.

Outro ponto que merece atenção é a maneira como o romance descreve deuses e personagens a partir de imagens que, em alguns casos, soam um pouco imprecisas ou modernas demais. Isso aparece, por exemplo, na descrição de Helena com “longo cabelo dourado”, vestido vermelho, bordado dourado e correntes de ouro. A imagem é bonita e funciona visualmente, porque cria uma Helena luminosa, angélica. Ao mesmo tempo, ela pode empurrar o leitor para uma ideia muito contemporânea de “Helena loira”, como se a beleza dela dependesse de um padrão físico específico e facilmente reconhecível. No imaginário grego antigo, a questão é mais complexa. Termos como xanthós, muitas vezes traduzidos como “loiro” ou “dourado”, podiam abranger diferentes tons claros, amarelados, avermelhados ou brilhantes, e a associação com o ouro nem sempre descrevia apenas uma cor literal. Em muitos contextos poéticos, o dourado sugeria brilho, valor, prestígio, juventude, beleza e proximidade com uma aura quase divina. Estudos sobre vocabulário homérico observam que xanthós cobre um campo cromático mais amplo que o nosso “loiro”, enquanto palavras ligadas ao ouro, como khrýseos, carregam uma estrutura semântica mais complexa do que uma simples descrição física. Assim, quando Helena aparece como dourada, seria interessante que o romance explorasse mais essa dimensão simbólica, e não apenas a imagem visual de uma mulher de cabelos claros. Essa questão importa porque “Mil navios para Troia” pretende justamente reler a tradição antiga com mais consciência. Quando a obra descreve uma personagem como Helena em termos muito próximos de um imaginário moderno de beleza, corre o risco de simplificar aquilo que, no mundo grego, podia estar ligado a uma ideia de brilho, riqueza, distinção e poder de fascínio. O ouro não era somente uma cor bonita. Ele estava associado à preciosidade, à luz, à permanência e ao estatuto elevado de certas figuras. No caso de Helena, uma descrição mais cuidadosa poderia mostrar como sua beleza não está apenas na aparência, mas na forma como todos projetam nela desejo, culpa, posse, ameaça e valor. Haynes chega a trabalhar bem essa culpa lançada sobre Helena em outros momentos, especialmente quando a personagem questiona por que Páris, também casado, é tão facilmente esquecido na distribuição da responsabilidade pela guerra.

Apesar dessas ressalvas, o romance tem passagens muito fortes. A queda de Troia narrada por Creusa, as cartas de Penélope, a presença trágica de Ifigênia, o ressentimento de Clitemnestra, a dor de Hécuba, a lucidez de Cassandra e a condição das mulheres troianas depois da derrota dão ao livro uma densidade que vai além da simples releitura mitológica. O que Haynes faz de melhor é mostrar que, para cada grande episódio lembrado pela tradição, existe uma consequência íntima, doméstica ou corporal que muitas vezes ficou fora do canto principal. O cavalo de madeira, por exemplo, não é apenas o truque genial de Odisseu. Para Creusa, ele surge como objeto estranho, discutido pelos homens, observado pelas mulheres e ligado a uma liberdade recém-recuperada que logo se transforma em destruição. O romance ganha força quando olha para esses episódios conhecidos a partir de alguém que não está interessado em glória, estratégia ou fama, e sim em sobreviver, proteger a casa, encontrar o filho, esperar o marido ou compreender a perda.

A linguagem de Haynes também contribui para esse efeito. O texto não tenta imitar uma épica antiga de maneira rígida. Ele se aproxima do mito com uma sensibilidade contemporânea, muitas vezes irônica, especialmente nos capítulos de Calíope e Penélope, e mais dolorosa nos capítulos das troianas. Essa mistura torna a leitura acessível e envolvente, embora em alguns momentos a voz moderna apareça com força demais e quebre um pouco a ilusão de antiguidade. Ainda assim, esse parece ser um risco assumido pela autora. “Mil navios para Troia” não quer soar como Homero. Quer conversar com Homero, discutir com ele, entrar nas brechas deixadas pela tradição e perguntar quem ficou fora da cena enquanto os homens eram transformados em heróis.

No fim, “Mil navios para Troia” é uma leitura muito recomendável para quem se interessa por mitologia grega, releituras femininas e narrativas que desmontam a centralidade dos heróis tradicionais. O livro tem uma boa proposta, uma estrutura ambiciosa e momentos de grande beleza, especialmente quando permite que cada mulher revele uma parte diferente da guerra. Sua maior qualidade está em mostrar que Troia não foi apenas uma cidade sitiada, nem apenas o cenário de uma disputa entre guerreiros famosos, Troia foi também o lugar de mulheres que perderam casa, família, liberdade, nome e um futuro. O romance perde um pouco de força quando a ordem fragmentada dos capítulos parece embaralhar mais do que aprofundar, e também quando algumas descrições recorrem a imagens antigas de maneira um tanto simplificada. Ainda assim, sua leitura permanece valiosa, uma boa releitura para os amantes da literatura clássica grega.

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Sinopse: Este livro procura elucidar o cenário cultural que propiciou o nascimento do gênero literário da linguagem das flores no início do século XIX. Se, por um lado, esse gênero literário fez imenso sentido em uma conjuntura histórica e cultural bastante específica, por outro, sua estrutura morfológica, composta de listas ordenadas de espécies vegetais unidas ao seu simbolismo, ilumina um sistema de comunicação que faz sentido em si mesmo e garante sua eficácia para além de um contexto social circunscrito. Apoiada em uma variedade de fontes históricas – crônicas, romances, jornais, relatos de memória e manuais de comportamento – para elucidar o significado social do namoro no século XIX, a autora ilumina algumas práticas de cortejo e galanteria, bem como seus desafios e consequências, demonstrando que, em compasso com a troca de flores, havia também o namoro de janela, os bilhetes passados de mão a mão e, entre outros artifícios, as mensagens publicadas nas seções de anúncio de jornais. Assim, entrelaçando esse conjunto de estratégias, este livro esclarece aspectos importantes do universo amoroso da época e os sentimentos de homens e mulheres que agiam impulsionados por algum tipo de expectativa afetiva.

“A linguagem sentimental das flores”, de Alessandra El Far, é uma obra que parte de um tema delicado, à primeira vista quase ornamental, para revelar um campo muito rico de relações sociais, literárias e afetivas. A ideia de que flores podem comunicar sentimentos costuma ser associada ao romantismo, à beleza decorativa ou a gestos amorosos mais convencionais. No entanto, ao investigar a chamada linguagem das flores, a autora mostra que esse repertório simbólico participou de um universo social bastante complexo, marcado por regras de comportamento, expectativas sobre o amor, formas de cortejo e maneiras indiretas de expressar desejos. Assim, a flor deixa de aparecer apenas como um objeto bonito e passa a ser compreendida como sinal, mensagem e código. Esse deslocamento é um dos pontos mais interessantes da obra, porque permite olhar para práticas sentimentais do século XIX com mais atenção e perceber que a vida amorosa também possui uma história.

Ao longo do livro, Alessandra El Far demonstra como as flores se integravam a um conjunto de gestos e práticas de comunicação afetiva. Em uma sociedade na qual as relações entre homens e mulheres eram atravessadas por vigilância, convenções familiares e limites de exposição pública, os sentimentos nem sempre podiam ser declarados de maneira direta. Nesse contexto, a flor funcionava como uma forma de mediação. Ela podia sugerir interesse, saudade, recusa, esperança, fidelidade ou desejo de aproximação. O gesto de oferecer uma flor carregava, portanto, uma intenção que dependia de leitura e interpretação. A partir disso, a obra mostra que o sentimentalismo da época não era apenas uma expressão espontânea da emoção, pois também passava por códigos compartilhados, rituais de convivência e formas socialmente reconhecidas de dizer aquilo que não podia ser dito de modo aberto.

O livro ajuda a compreender que o amor, mesmo quando parece íntimo e individual, também é organizado por práticas culturais. A maneira como se corteja, como se espera uma resposta, como se demonstra interesse ou como se evita uma exposição excessiva depende das normas de cada tempo. A linguagem das flores, nesse sentido, revela uma sensibilidade histórica, pois, cada flor, ao receber um significado específico, passava a participar de uma espécie de vocabulário afetivo. A natureza era transformada em texto, e aquilo que parecia simples ornamento ganhava função comunicativa. Uma flor podia condensar uma frase inteira, uma promessa, uma insinuação ou até uma despedida - que coisa mais delicada, não? Essa passagem do elemento natural ao signo social é uma das dimensões mais bonitas do tema, pois mostra como os objetos cotidianos podem carregar sentidos muito mais amplos do que aparentam.

A autora também amplia a discussão ao relacionar a linguagem das flores a outras práticas de galanteria e sociabilidade. Bilhetes, anúncios de jornal, trocas discretas de mensagens, namoro de janela e pequenos rituais de aproximação aparecem como parte de um mesmo ambiente cultural. Com isso, o livro reconstrói um mundo em que o amor precisava encontrar caminhos indiretos para circular. O sentimento não surgia isolado da vida social, ele dependia de espaços, permissões, olhares, intermediários e códigos de conduta. Essa reconstrução evita uma visão ingênua do passado amoroso, como se tudo fosse mais puro ou delicado apenas porque era dito de maneira velada, assim como vemos em diversas obras de romance modernos retratando o século XIX. O que a obra permite perceber é algo mais interessante: havia beleza nesses gestos, sem dúvida, porém havia também controle, cálculo, expectativa e risco: uma flor podia aproximar duas pessoas, alimentar uma esperança ou provocar uma leitura equivocada.

Outro aspecto forte do livro está na maneira como ele valoriza fontes diversas para compreender a circulação desses códigos. Romances, crônicas, jornais, relatos de memória e manuais de comportamento ajudam a formar um quadro mais vivo das práticas sentimentais do período. Essa variedade é importante porque a linguagem das flores não pertence a um único campo. Ela atravessa a literatura, os costumes, a moral, a experiência cotidiana e os modos de comunicação. Os textos literários revelam o imaginário sentimental da época, enquanto os jornais e manuais indicam como certas normas e significados circulavam socialmente. Dessa forma, a pesquisa não se reduz a explicar o significado de cada flor, como em um dicionário de curiosidades, o interesse maior está em compreender como esses significados eram usados, desejados, ensinados, repetidos e reinterpretados.

A linguagem das flores também permite pensar o lugar da mulher, da reputação e da vigilância social nas relações afetivas. Em um mundo no qual a exposição feminina podia comprometer a imagem pública e familiar, os gestos indiretos ganhavam importância. A flor, o bilhete e a troca de sinais criavam pequenas brechas dentro de um sistema de normas bastante rígido. Ao mesmo tempo, esses códigos não eliminavam o controle social, pois muitas vezes o reproduziam de maneira sutil. A delicadeza do gesto convivia com as exigências de recato, casamento, honra e comportamento adequado.

Há ainda uma dimensão literária muito significativa na proposta. A linguagem das flores organiza sentimentos em listas, equivalências e associações simbólicas, criando uma espécie de gramática do afeto. Cada espécie vegetal podia corresponder a uma emoção, a uma qualidade moral, a uma intenção ou a uma resposta. Esse funcionamento tem algo de muita poesia, pois transforma a natureza em mensagem e faz da flor uma forma de escrita. Assuntos ligados ao namoro, à delicadeza, ao sentimentalismo e aos gestos amorosos muitas vezes são vistos como periféricos diante de objetos históricos considerados mais centrais. “A linguagem sentimental das flores” mostra o contrário ao revelar que essas práticas também ajudam a entender uma sociedade. A maneira como as pessoas amam, esperam, insinuam, escrevem e interpretam sinais diz muito sobre os valores de um tempo. Nesse percurso, o livro mostra que o sentimental faz parte da história e merece atenção crítica. A vida cotidiana, com seus pequenos gestos e seus códigos silenciosos pode revelar estruturas sociais tão importantes quanto acontecimentos mais visíveis. Embora a linguagem das flores pertença a uma conjuntura específica, a necessidade de expressar sentimentos por meio de sinais indiretos continua reconhecível. Ainda hoje, afetos circulam por objetos, mensagens ambíguas, escolhas simbólicas, pequenos gestos e formas de presença ou ausência. As convenções mudam, os meios se transformam, as flores talvez já não ocupem o mesmo lugar, mas a comunicação amorosa continua dependendo de códigos compartilhados.

“A linguagem sentimental das flores” é, portanto, uma leitura recomendável para quem se interessa por história cultural, literatura, sociabilidade e práticas afetivas dos tempos passados (perfeito para aqueles que querem se inspirar nessas práticas tão doces). Alessandra El Far transforma um tema delicado em objeto de investigação consistente, sem retirar dele o encanto. Ao final, o livro permanece como uma reflexão sensível sobre as formas históricas de sentir e comunicar. Sua principal qualidade está em revelar que, nos gestos aparentemente pequenos, também se escondem modos de compreender uma época inteira.

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Sinopse: Filoctetes companheiro de Héracles e herdeiro de seu arco, convocado para a expedição contra Troia, não completou a viagem, porque na Ilha de Tênedo foi picado no pé por uma serpente. A chaga extremamente dolorosa o fazia gritar e exalava um fedor insuportável, perturbando assim toda a tripulação. Persuadidos por Odisseu, os reis Agamêmnon e Menelau decidem abandoná-lo em Lemnos, que então era uma ilha deserta.

Passados dez anos sem que a guerra tivesse fim, o adivinho troiano Heleno, feito prisioneiro, revela aos gregos que Troia somente seria conquistada com o arco e as flechas de Héracles, então em posse de Filoctetes. Incumbido de buscá-lo e trazê-lo a Troia por persuasão ou à força, Odisseu retorna à Ilha de Lemos, acompanhado de Neoptólemo, filho de Aquiles. Sendo Odisseu um velho e odioso inimigo, o jovem Neoptólemo recebe a missão de convencer Filoctetes a participar da luta ao lado daqueles mesmos que outrora o abandonaram a sós sem compaixão.

Amante da verdade e partidário do emprego da força, o jovem vive um tumultuoso conflito de consciência entre a aspiração à glória guerreira, o dever militar, a necessidade de se servir de dolo e as incontornáveis injunções de um oráculo revelador dos desígnios de Zeus. As surpreendentes reviravoltas em que se desdobra esse conflito interior constituem o entrecho da tragédia Filoctetes, apresentada neste sexto volume das obras completas de Sófocles em edição bilíngue na tradução poética de Jaa Torrano pelas editoras Ateliê e Mnema. Os ensaios analíticos e interpretativos bem como o glossário mitológico, elaborados pelo tradutor e por Beatriz de Paoli, conduzem o leitor pelas sendas de tempos míticos em que heróis profunda e extremamente humanos conviviam com Deuses
tão próximos quanto imperscrutáveis.

“Filoctetes”, de Sófocles, é uma tragédia que permanece uma obra marcante porque parte de uma situação extrema e representa a profundidade humana. A peça se passa muitos anos depois de Filoctetes ter sido deixado na ilha de Lemnos pelos próprios companheiros gregos, durante a expedição contra Troia. Ferido por uma serpente, tomado por dores constantes e considerado um incômodo para os demais guerreiros, ele foi abandonado à própria sorte. Anos depois, os gregos descobrem que não conseguirão vencer a guerra sem o arco de Héracles, que está justamente em posse de Filoctetes. Odisseu e Neoptólemo, filho de Aquiles, são enviados para buscá-lo. A partir desse reencontro, Sófocles constrói uma obra marcada por conflitos morais, ressentimentos antigos, jogos de persuasão e uma pergunta que atravessa toda a peça: o que se faz com uma pessoa depois de tê-la ferido de maneira irreparável?

Sófocles desloca o olhar do campo de batalha para um lugar de abandono. A Guerra de Troia aparece como pano de fundo, mas o centro emocional da peça está em Lemnos, na solidão daquele que foi retirado da convivência humana. Filoctetes vive afastado dos homens, cercado pela memória da traição e pela necessidade de sobreviver, construindo um cenário extremamente significativo. Lemnos é o lugar para onde os gregos empurraram aquilo que não queriam mais suportar. A dor de Filoctetes atrapalhava os ritos, a viagem, a convivência e a imagem heroica da expedição. Por isso, ele foi deixado para trás. Filoctetes não foi excluído por covardia, por deslealdade ou por ter cometido alguma falta contra os companheiros, foi abandonado porque sofria uma dor física. A tragédia expõe, com muita lucidez, como uma comunidade pode se tornar impaciente diante de uma dor que não consegue organizar. Enquanto o sofrimento permanece discreto, talvez seja tolerado, mas quando ele incomoda, ocupa espaço e exige cuidado, passa a ser visto como obstáculo.

O arco de Héracles concentra boa parte da tensão da tragédia, porque reúne, em um único objeto, memória heroica, sobrevivência e dignidade. Ele aproxima Filoctetes do mundo dos grandes heróis, pois remete diretamente a Héracles e ao valor mítico de sua herança. Ao mesmo tempo, dentro da ilha de Lemnos, esse arco assume uma função muito concreta: é por meio dele que Filoctetes caça, se defende e consegue permanecer vivo. Odisseu, nesse contexto, surge como uma figura marcada pela inteligência prática e pela capacidade de calcular os meios necessários para alcançar determinado fim. Ele pensa no resultado, mede os riscos, compreende a urgência da guerra e aceita a mentira como parte da estratégia. Odisseu age em nome da vitória dos gregos, e essa justificativa dá à sua conduta uma aparência de necessidade. Ainda assim, a tragédia permite perceber o quanto essa lógica é perigosa quando passa por cima da dignidade de uma pessoa ferida. Para Odisseu, Filoctetes interessa porque possui o arco e porque seu retorno pode favorecer o destino da guerra. A dor, a memória e a vontade do protagonista acabam colocadas em segundo plano diante da urgência militar. É nesse ponto que a peça revela uma de suas questões mais incômodas: quando uma causa coletiva autoriza o uso de alguém como instrumento, a justiça começa a se confundir com conveniência. Odisseu domina o discurso estratégico e sabe usar a linguagem como instrumento de convencimento. Neoptólemo, orientado por ele, aprende a contar uma história falsa para se aproximar de Filoctetes. Já Filoctetes fala a partir da dor, da memória e da revolta, como alguém que precisa narrar a própria ferida para impedir que ela seja esquecida. As palavras aproximam, consolam, seduzem, manipulam e ferem. Sófocles mostra que a violência nem sempre precisa ocorrer pela força física, quando a mentira se volta contra alguém vulnerável, ela também se transforma em agressão.

A dor de Filoctetes também rompe a imagem tradicional do heroísmo. Em muitas narrativas, o herói aparece associado à força, à glória, ao combate e à superação. Aqui, porém, o herói grita, adoece, depende, sente vergonha, se revolta e precisa de uma arma para garantir a própria sobrevivência. Sua fragilidade não diminui sua importância, pelo contrário, a peça parece lembrar que a grandeza humana também pode existir em corpos feridos, em vozes desesperadas e em sujeitos que já não correspondem à imagem perfeita do herói.

A edição da Mnema contribui para aproximar essa tragédia de leitores que talvez não tenham tanta familiaridade com o teatro grego. Em uma obra como “Filoctetes”, a leitura ganha profundidade quando vem acompanhada de uma apresentação cuidadosa, notas ou materiais que ajudem a situar os personagens, os mitos e os conflitos. A peça dialoga com um contexto ligado à Guerra de Troia, a Héracles, a Aquiles e à tradição heroica grega, e esses vínculos ampliam bastante a compreensão do texto.

Ao final, “Filoctetes” permanece como uma tragédia sobre abandono, necessidade e reconhecimento tardio. Sófocles mostra um homem ferido que, depois de ter sido deixado para trás, volta a ser procurado porque se tornou útil aos gregos. A dor de Filoctetes conduz a peça inteira e impede que o abandono seja tratado como algo superado. Mesmo quando o retorno a Troia se torna possível, a obra não apaga aquilo que aconteceu em Lemnos. “Filoctetes” fala de um mundo antigo, mas alcança questões que continuam próximas: a forma como pessoas podem ser descartadas quando incomodam e lembradas apenas quando passam a ser necessárias.

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Sinopse: Os mitos antigos são as raízes de histórias que ainda hoje exercem fascínio na cultura pop e na literatura contemporânea. A renomada classicista Caroline Lawrence apresenta os perfis de deuses, heróis e monstros, conectando as fontes de Homero e Hesíodo aos dilemas atuais de identidade e justiça. Através de uma análise de imagens que viajam de vasos gregos do século V a.C. a estátuas romanas, a obra permite identificar os arquétipos que regem o comportamento humano.
Com ilustrações de Flora Kirk, este conteúdo apresenta as trajetórias do Olimpo e explica por que figuras como Afrodite e as Musas permanecem tão influentes. Uma leitura indispensável para quem busca profundidade histórica com a agilidade exigida pelas novas gerações de leitores.

“Para entender a mitologia grega” é o tipo de livro que funciona muito bem para quem sente curiosidade pelo universo dos mitos, mas ainda não sabe exatamente por onde começar. A mitologia grega pode parecer, em um primeiro contato, um território imenso e até um pouco intimidador: muitos nomes, genealogias complicadas, versões diferentes para a mesma história, deuses que se contradizem, heróis cheios de falhas e criaturas que aparecem em narrativas diversas. Nesse sentido, a obra se destaca por conseguir organizar esse material de maneira clara, atraente e convidativa, sem transformar a leitura em algo simplista demais.

Um dos maiores méritos do livro está justamente em sua capacidade de apresentar uma grande variedade de figuras mitológicas. A obra não se limita aos nomes mais conhecidos, como Zeus, Atena, Afrodite, Apolo ou Hades, embora essas divindades tenham, naturalmente, um espaço importante. Ela também abre caminho para heróis, monstros, musas e outras presenças fundamentais desse imaginário. Isso torna a leitura mais rica, porque a mitologia grega não se sustenta apenas nos grandes deuses do Olimpo, sendo feita também de personagens secundários, conflitos familiares, seres híbridos, punições divinas, jornadas heroicas e símbolos que continuam sendo reinterpretados até hoje. Uma das qualidades da obra está em mostrar como essas narrativas antigas ainda aparecem na cultura moderna. As referências contemporâneas ajudam o leitor a perceber que a mitologia grega não ficou restrita aos textos clássicos ou aos museus, ela continua presente em livros, filmes, séries, jogos, expressões cotidianas e até na forma como entendemos certos comportamentos humanos.

Outro ponto muito forte é a organização. Em livros introdutórios sobre mitologia, é comum que a quantidade de informações acabe confundindo mais do que ajudando. Aqui, a estrutura favorece a compreensão. A obra parece pensada para consulta e também para leitura contínua, o que é uma qualidade importante. É possível avançar aos poucos, conhecendo uma figura de cada vez, mas também é possível voltar a determinados personagens quando surge alguma dúvida. Essa organização dá ao livro um caráter muito prático, sem perder o encanto do tema. As ilustrações são um dos aspectos mais marcantes da edição, e elas ajudam muito a construir a experiência da leitura. Em uma obra sobre mitologia, isso faz muita diferença, porque os mitos sempre tiveram uma relação forte com a imagem. Vasos, esculturas, pinturas e representações artísticas foram, durante séculos, formas de preservar e reinterpretar essas histórias. Por isso, uma edição ilustrada combina muito bem com o tema. As imagens tornam os personagens mais presentes e ajudam o leitor a entrar nesse universo com mais facilidade. O livro tem aquele cuidado visual e material que faz diferença na relação do leitor com a obra. A edição em capa dura, o projeto gráfico, a disposição das informações e o equilíbrio entre texto e imagem criam a sensação de um livro bem pensado, não apenas no conteúdo, mas também como objeto (no sentido literal da palavra).

Apesar de ser uma obra introdutória, o livro não parece tratar o leitor como alguém incapaz de lidar com complexidade. Esse é um ponto importante. Há livros que, ao tentarem tornar a mitologia acessível, acabam esvaziando demais os mitos, reduzindo tudo a pequenas curiosidades. “Para entender a mitologia grega” consegue evitar esse problema em boa parte justamente porque oferece uma visão ampla do tema. Ele não substitui a leitura de obras clássicas como a Ilíada, a Odisseia, a Teogonia ou as tragédias gregas, mas também não tem essa obrigação. Sua função é outra: servir como porta de entrada, guia de reconhecimento e convite para que o leitor queira saber mais. Apesar disso, mesmo quem já teve contato com os principais mitos pode aproveitar a obra pela forma como ela reúne informações, estabelece relações e apresenta visualmente esse universo. Às vezes, a qualidade de um guia não está em revelar algo absolutamente inédito, mas em reorganizar aquilo que conhecemos de um modo mais claro e prazeroso. Nesse sentido, a obra cumpre muito bem sua proposta.

No fim, “Para entender a mitologia grega” é uma obra muito recomendável para curiosos, estudantes, leitores iniciantes e também para quem simplesmente gosta de edições bem construídas. Seu maior valor está em unir clareza, beleza visual e organização. Uma das melhores vantagens é que se trata de uma introdução à mitologia que não entrega tudo de forma definitiva, mas abre diversas portas para os leitores e entusiastas mais curiosos.

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Sinopse: De Helena de Troia a Pandora e das Amazonas a Medeia, esta é uma visão fascinante e reveladora de mulheres notáveis colocadas no centro das histórias clássicas da mitologia grega. Em O Jarro de Pandora, Natalie Haynes, coloca as mulheres dos mitos gregos em pé de igualdade com os homens. Com inteligência, humor refinado e conhecimento erudito, Haynes revoluciona nossa compreensão sobre poemas épicos, histórias e peças de teatro, ressuscitando-os sob a perspectiva da escrita de uma mulher, traçando as verdadeiras origens das míticas personagens femininas. Escrito com humor perspicaz, esta obra propõe uma reflexão importante: Por que somos tão rápidos em transformar essas mulheres em vilãs, e ficamos tão ansiosos em aceitar as histórias que nos contam sobre elas, deixando os homens apenas no lugar de heróis, enquanto relegamos às personagens femininas papéis secundários, insossos ou marginais?

Em “O Jarro de Pandora”, Natalie Haynes propõe uma releitura das mulheres da mitologia grega, mas o livro não se limita a simplesmente dizer que essas personagens foram injustiçadas. A autora faz algo mais interessante: ela mostra como essa injustiça foi construída ao longo do tempo, por meio de traduções, adaptações, pinturas, peças, filmes e versões populares que foram diminuindo a complexidade dessas figuras até transformá-las em ideias muito fáceis de reconhecer, mas pouco fiéis à riqueza dos mitos. Pandora vira a mulher curiosa que destrói o mundo, Helena vira a beleza culpada por uma guerra, Medusa vira apenas um monstro, Medeia e Clitemnestra viram assassinas sem contexto, Penélope vira o ideal de esposa fiel.

A escolha de começar por Pandora é muito significativa, porque ela representa bem o tipo de distorção que Haynes quer discutir. A expressão “caixa de Pandora” já está tão enraizada na cultura que quase ninguém para para pensar na origem dessa imagem. A autora mostra que, na versão de Hesíodo, não se tratava de uma caixa, mas de um jarro, detalhe muito importante para o significado do mito: enquanto uma caixa pequena representa um lugar de intimidade, segredo, tentação e curiosidade, um jarro grande e pesado sugere outra cena, outra relação com o objeto e até outra possibilidade de culpa. Ao recuperar essa diferença, Haynes mostra como uma alteração aparentemente simples pode mudar completamente a maneira como julgamos uma personagem. O ponto mais forte do argumento está no fato de que Pandora costuma carregar sozinha uma responsabilidade que, no próprio mito, é muito mais ampla. Zeus planeja a punição, Hefesto a cria, Atena a ornamenta, Hermes a conduz, Epimeteu aceita o presente apesar do aviso de Prometeu. Ainda assim, a memória cultural preferiu fixar a culpa na mulher que abre o jarro.

A obra também se destaca por não transformar suas personagens em figuras puras ou totalmente vitimizadas. Esse seria um caminho fácil, mas menos honesto. O que Haynes questiona não é necessariamente o peso dos atos dessas mulheres, mas a maneira como a tradição muitas vezes só permitiu que elas fossem lembradas por esses atos. Há uma diferença importante entre compreender uma personagem e absolvê-la. O livro se sustenta justamente nesse espaço: ele não apaga a culpa, mas também não aceita que a culpa seja a única lente possível. Outro mérito da obra está em mostrar que os mitos não são narrativas fixas. Eles mudam conforme são recontados, e cada nova versão revela muito sobre a sociedade que a produz. Quando Helena é reduzida à beleza, quando Medusa perde sua história e resta apenas como ameaça, quando Penélope é lembrada apenas pela fidelidade, estamos vendo os valores de quem escolheu preservar essas imagens. Haynes trabalha bem essa ideia de que os mitos funcionam como espelhos.

A escrita de Natalie Haynes contribui bastante para a força do livro. Ela demonstra domínio das fontes clássicas, mas não escreve de maneira excessivamente distante. O texto tem momentos de humor e ironia, além de referências a obras modernas, filmes e artes visuais, o que ajuda a mostrar como essas personagens continuaram vivas fora dos textos antigos. Essa aproximação torna a leitura mais acessível sem torná-la superficial. Haynes sabe que está lidando com um tema que poderia facilmente virar apenas um discurso de correção histórica, mas evita isso ao construir argumentos com base nas versões, nas contradições e nos apagamentos. Ainda assim, o livro pode ser um pouco irregular em alguns momentos. Como a autora trabalha com muitas referências, há capítulos em que a análise parece se alongar mais do que o necessário. Para quem espera uma recontagem mais narrativa dos mitos, a leitura pode causar certa frustração, porque o objetivo principal não é contar as histórias de forma linear, mas discutir como elas foram representadas. Essa escolha faz sentido dentro da proposta, mas também exige mais atenção do leitor.

No fim, “O Jarro de Pandora” é uma leitura valiosa porque incomoda certezas antigas. O livro faz pensar em quantas vezes aceitamos uma personagem feminina como culpada, monstruosa ou secundária simplesmente porque essa foi a versão mais repetida. Haynes não tenta limpar essas mulheres de toda ambiguidade, pelo contrário, ela devolve a elas a ambiguidade que perderam. E talvez seja justamente isso que torne a obra tão convincente.

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Sinopse: As quatro novelas aqui reunidas são ambientadas em Nova York, entre as décadas de 1840 e 1870. São elas: "Falso amanhecer", a célebre "A solteirona", "A faísca" e "Dia de Ano-Novo". Esses textos, gestados no auge do processo criativo da autora, com seus enredos e personagens marcantes, abrem ao leitor uma janela para os códigos e costumes que permeavam a estrutura e o funcionamento da sociedade norte-americana no fim do século XIX.

Atenção: esta resenha contém spoiler.

Existe algo muito interessante em como Edith Wharton constrói suas narrativas: seus livros parecem inofensivos à primeira vista. Não há grandes explosões dramáticas imediatas, reviravoltas incessantes ou acontecimentos absurdamente grandiosos. Pelo contrário, suas histórias se desenvolvem por meio de olhares, convenções sociais, diálogos aparentemente banais e descrições extremamente detalhadas dos ambientes e dos costumes. Entretanto, é justamente nesse silêncio que reside a maior força de sua escrita. Em A Velha Nova York, Wharton transforma a aristocracia novaiorquina do século XIX em objeto de observação crítica, expondo suas hipocrisias, obsessões por status, repressões emocionais e estruturas familiares profundamente controladoras.

A obra funciona quase como um retrato arqueológico de uma sociedade que tentava desesperadamente se parecer com a aristocracia europeia. Isso fica evidente principalmente na obsessão de Mr. Raycie pela construção de uma “família tradicional” digna dos grandes nomes ingleses, como se o sobrenome fosse mais importante do que os próprios indivíduos que o carregam. O personagem representa perfeitamente esse desejo de transformar riqueza em linhagem e dinheiro em legitimidade social. É curioso perceber como Edith Wharton constrói essa figura patriarcal: Mr. Raycie é tanto um pai severo quanto alguém que administra emocionalmente toda a família através do medo, da culpa e da autoridade moral. Ele controla a esposa financeiramente, determina os comportamentos dos filhos e até organiza o futuro de Lewis como se estivesse montando uma peça de exposição social, e não criando um ser humano.

Talvez um dos maiores méritos da autora seja justamente a forma como ela denuncia esses mecanismos sem transformar o livro em uma crítica escancarada ou panfletária. Tudo acontece através das entrelinhas. Quando descobrimos, por exemplo, que a sra. Raycie precisa economizar até em necessidades básicas para conseguir manter a aparência refinada esperada pelo marido, entendemos perfeitamente a lógica daquela sociedade: a imagem importa mais do que o conforto, a felicidade ou até mesmo a autonomia feminina. A própria ideia de “família respeitável” em Wharton parece funcionar como uma prisão cuidadosamente ornamentada. Lewis Raycie, por sua vez, é um protagonista extremamente interessante porque representa um sujeito em transição. Diferente do pai, ele possui sensibilidade artística, interesse pela literatura e uma visão menos rígida do mundo, mas ainda assim carrega dentro de si os valores aristocráticos que o formaram. É como se o personagem estivesse constantemente dividido entre aquilo que deseja ser e aquilo que foi treinado para representar socialmente. O Grand Tour, que inicialmente parece apenas uma viagem de amadurecimento tradicional da elite, adquire um significado muito maior dentro da narrativa: ele simboliza a tentativa de moldar Lewis conforme os ideais masculinos e aristocráticos do pai. O objetivo da viagem não é apenas fazê-lo conhecer o mundo, mas transformá-lo em um “verdadeiro homem”, digno de perpetuar o nome da família. Inclusive, é impressionante como Edith Wharton utiliza os detalhes materiais para construir significado. As descrições dos jantares, das roupas, da prata sobre a mesa, dos objetos decorativos e até das refeições possuem função narrativa. Nada está ali apenas para ornamentar o texto. A famosa cena da mesa de jantar, extremamente detalhada, revela excessos, aparências e o ritual social daquela elite novaiorquina que tenta transformar abundância em demonstração pública de superioridade. A comida, os móveis e os costumes acabam funcionando quase como extensões psicológicas dos personagens.

Outro ponto muito interessante da obra é a relação entre América e Europa. Existe um fascínio constante dos personagens pela cultura europeia, especialmente italiana e francesa, vista como símbolo máximo de refinamento artístico e intelectual. Porém, ao mesmo tempo, há também um medo moral em relação à Europa: os duelos, os jogos de azar, as mulheres, o catolicismo, os “costumes estrangeiros”. Wharton trabalha essa dualidade de maneira brilhante, mostrando como a elite estadunidense admirava profundamente aquilo que fingia condenar. O próprio Mr. Raycie vive esse paradoxo: despreza moralmente certos aspectos europeus enquanto tenta importar para dentro de casa toda a lógica aristocrática do Velho Mundo.

Além disso, o romance também aborda de maneira muito forte a questão da masculinidade. Lewis é constantemente pressionado a performar uma virilidade que não parece natural a ele. Seu pai deseja vê-lo mais “forte”, mais “másculo”, mais adequado ao papel social esperado de um herdeiro. Existe quase um desconforto em relação à delicadeza intelectual do filho, como se o gosto pelas artes precisasse ser compensado por experiências masculinas mais agressivas e aventureiras. Isso torna Lewis um personagem particularmente moderno, porque ele não se encaixa completamente no modelo masculino tradicional que tentam impor a ele. Treeshy Kent também merece destaque justamente por fugir parcialmente do padrão feminino refinado esperado naquele meio social. Ela possui uma energia mais espontânea, emocional e quase instintiva, contrastando diretamente com a rigidez artificial das famílias aristocráticas. Entretanto, Edith Wharton não idealiza esse romance juvenil entre ela e Lewis. Existe um tom melancólico muito evidente em toda a relação dos dois, como se o leitor percebesse desde cedo que sentimentos sinceros dificilmente sobrevivem intactos dentro de estruturas sociais tão controladoras.

A escrita de Edith Wharton é outro aspecto que merece enorme destaque. Existe uma sofisticação muito grande na maneira como ela constrói ambientes e conduz diálogos. Em alguns momentos, a leitura pode parecer lenta para leitores acostumados com narrativas mais aceleradas, mas essa lentidão faz parte da experiência proposta pela autora. Wharton escreve observando comportamentos sociais minuciosamente, quase como alguém analisando uma sociedade através de um microscópio. É uma literatura que exige atenção aos pequenos gestos, aos silêncios e às sutilezas das relações humanas - definitivamente os leitores que preferem não desfrutar da obra lentamente vão ser os mais afetados.

Com todos esses aspectos, em A Velha Nova York, Edith Wharton transforma a aristocracia novaiorquina em um grande estudo sobre tradição, aparência, poder familiar e repressão emocional. Talvez seja justamente por isso que sua obra permaneça tão atual: porque, mesmo distante temporalmente, ainda reconhecemos nesses personagens muitas estruturas sociais que continuam existindo até hoje, apenas sob novas formas e novos discursos.

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Saudações, caros leitores de literatura clássica!

Durante minhas aulas da faculdade de literatura em língua inglesa, tive a experiência de passar pela leitura de “A Rose for Emily”, do escritor estadunidense William Faulkner. Achei uma leitura extraordinária e eu tive que trazer o texto para vocês na íntegra. Infelizmente ele está em inglês, o que pode atrapalhar um pouco quem deseja ler e não compreende o idioma, mas pretendo trazer uma tradução dele logo que possível.

Fiquem com esse maravilhoso conto de Faulkner!

A Rose for Emily, William Faulkner (1930)

WHEN Miss Emily Grierson died, our whole town went to her funeral: the men through a sort of respectful affection for a fallen monument, the women mostly out of curiosity to see the inside of her house, which no one save an old man-servant--a combined gardener and cook--had seen in at least ten years.

It was a big, squarish frame house that had once been white, decorated with cupolas and spires and scrolled balconies in the heavily lightsome style of the seventies, set on what had once been our most select street. But garages and cotton gins had encroached and obliterated even the august names of that neighborhood; only Miss Emily's house was left, lifting its stubborn and coquettish decay above the cotton wagons and the gasoline pumps-an eyesore among eyesores. And now Miss Emily had gone to join the representatives of those august names where they lay in the cedar-bemused cemetery among the ranked and anonymous graves of Union and Confederate soldiers who fell at the battle of Jefferson.

Alive, Miss Emily had been a tradition, a duty, and a care; a sort of hereditary obligation upon the town, dating from that day in 1894 when Colonel Sartoris, the mayor--he who fathered the edict that no Negro woman should appear on the streets without an apron-remitted her taxes, the dispensation dating from the death of her father on into perpetuity. Not that Miss Emily would have accepted charity. Colonel Sartoris invented an involved tale to the effect that Miss Emily's father had loaned money to the town, which the town, as a matter of business, preferred this way of repaying. Only a man of Colonel Sartoris' generation and thought could have invented it, and only a woman could have believed it.

When the next generation, with its more modern ideas, became mayors and aldermen, this arrangement created some little dissatisfaction. On the first of the year they mailed her a tax notice. February came, and there was no reply. They wrote her a formal letter, asking her to call at the sheriff's office at her convenience. A week later the mayor wrote her himself, offering to call or to send his car for her, and received in reply a note on paper of an archaic shape, in a thin, flowing calligraphy in faded ink, to the effect that she no longer went out at all. The tax notice was also enclosed, without comment.

They called a special meeting of the Board of Aldermen. A deputation waited upon her, knocked at the door through which no visitor had passed since she ceased giving china-painting lessons eight or ten years earlier. They were admitted by the old Negro into a dim hall from which a stairway mounted into still more shadow. It smelled of dust and disuse--a close, dank smell. The Negro led them into the parlor. It was furnished in heavy, leather-covered furniture. When the Negro opened the blinds of one window, they could see that the leather was cracked; and when they sat down, a faint dust rose sluggishly about their thighs, spinning with slow motes in the single sun-ray. On a tarnished gilt easel before the fireplace stood a crayon portrait of Miss Emily's father.

They rose when she entered--a small, fat woman in black, with a thin gold chain descending to her waist and vanishing into her belt, leaning on an ebony cane with a tarnished gold head. Her skeleton was small and spare; perhaps that was why what would have been merely plumpness in another was obesity in her. She looked bloated, like a body long submerged in motionless water, and of that pallid hue. Her eyes, lost in the fatty ridges of her face, looked like two small pieces of coal pressed into a lump of dough as they moved from one face to another while the visitors stated their errand.

She did not ask them to sit. She just stood in the door and listened quietly until the spokesman came to a stumbling halt. Then they could hear the invisible watch ticking at the end of the gold chain.

Her voice was dry and cold. "I have no taxes in Jefferson. Colonel Sartoris explained it to me. Perhaps one of you can gain access to the city records and satisfy yourselves."

"But we have. We are the city authorities, Miss Emily. Didn't you get a notice from the sheriff, signed by him?"

"I received a paper, yes," Miss Emily said. "Perhaps he considers himself the sheriff… I have no taxes in Jefferson."

"But there is nothing on the books to show that, you see We must go by the--"

"See Colonel Sartoris. I have no taxes in Jefferson."

"But, Miss Emily--"

"See Colonel Sartoris." (Colonel Sartoris had been dead almost ten years.) "I have no taxes in Jefferson. Tobe!" The Negro appeared. "Show these gentlemen out."

So SHE vanquished them, horse and foot, just as she had vanquished their fathers thirty years before about the smell.

That was two years after her father's death and a short time after her sweetheart--the one we believed would marry her --had deserted her. After her father's death she went out very little; after her sweetheart went away, people hardly saw her at all. A few of the ladies had the temerity to call, but were not received, and the only sign of life about the place was the Negro man--a young man then--going in and out with a market basket.

"Just as if a man--any man--could keep a kitchen properly, "the ladies said; so they were not surprised when the smell developed. It was another link between the gross, teeming world and the high and mighty Griersons.

A neighbor, a woman, complained to the mayor, Judge Stevens, eighty years old.

"But what will you have me do about it, madam?" he said.

"Why, send her word to stop it," the woman said. "Isn't there a law? "

"I'm sure that won't be necessary," Judge Stevens said. "It's probably just a snake or a rat that nigger of hers killed in the yard. I'll speak to him about it."

The next day he received two more complaints, one from a man who came in diffident deprecation. "We really must do something about it, Judge. I'd be the last one in the world to bother Miss Emily, but we've got to do something." That night the Board of Aldermen met--three graybeards and one younger man, a member of the rising generation.

"It's simple enough," he said. "Send her word to have her place cleaned up. Give her a certain time to do it in, and if she don't..."

"Dammit, sir," Judge Stevens said, "will you accuse a lady to her face of smelling bad?"

So the next night, after midnight, four men crossed Miss Emily's lawn and slunk about the house like burglars, sniffing along the base of the brickwork and at the cellar openings while one of them performed a regular sowing motion with his hand out of a sack slung from his shoulder. They broke open the cellar door and sprinkled lime there, and in all the outbuildings. As they recrossed the lawn, a window that had been dark was lighted and Miss Emily sat in it, the light behind her, and her upright torso motionless as that of an idol. They crept quietly across the lawn and into the shadow of the locusts that lined the street. After a week or two the smell went away.

That was when people had begun to feel really sorry for her. People in our town, remembering how old lady Wyatt, her great-aunt, had gone completely crazy at last, believed that the Griersons held themselves a little too high for what they really were. None of the young men were quite good enough for Miss Emily and such. We had long thought of them as a tableau, Miss Emily a slender figure in white in the background, her father a spraddled silhouette in the foreground, his back to her and clutching a horsewhip, the two of them framed by the back-flung front door. So when she got to be thirty and was still single, we were not pleased exactly, but vindicated; even with insanity in the family she wouldn't have turned down all of her chances if they had really materialized.

When her father died, it got about that the house was all that was left to her; and in a way, people were glad. At last they could pity Miss Emily. Being left alone, and a pauper, she had become humanized. Now she too would know the old thrill and the old despair of a penny more or less.

The day after his death all the ladies prepared to call at the house and offer condolence and aid, as is our custom Miss Emily met them at the door, dressed as usual and with no trace of grief on her face. She told them that her father was not dead. She did that for three days, with the ministers calling on her, and the doctors, trying to persuade her to let them dispose of the body. Just as they were about to resort to law and force, she broke down, and they buried her father quickly.

We did not say she was crazy then. We believed she had to do that. We remembered all the young men her father had driven away, and we knew that with nothing left, she would have to cling to that which had robbed her, as people will.

SHE WAS SICK for a long time. When we saw her again, her hair was cut short, making her look like a girl, with a vague resemblance to those angels in colored church windows--sort of tragic and serene.

The town had just let the contracts for paving the sidewalks, and in the summer after her father's death they began the work. The construction company came with riggers and mules and machinery, and a foreman named Homer Barron, a Yankee--a big, dark, ready man, with a big voice and eyes lighter than his face. The little boys would follow in groups to hear him cuss the riggers, and the riggers singing in time to the rise and fall of picks. Pretty soon he knew everybody in town. Whenever you heard a lot of laughing anywhere about the square, Homer Barron would be in the center of the group. Presently we began to see him and Miss Emily on Sunday afternoons driving in the yellow-wheeled buggy and the matched team of bays from the livery stable.

At first we were glad that Miss Emily would have an interest, because the ladies all said, "Of course a Grierson would not think seriously of a Northerner, a day laborer." But there were still others, older people, who said that even grief could not cause a real lady to forget noblesse oblige - without calling it noblesse oblige. They just said, "Poor Emily. Her kinsfolk should come to her." She had some kin in Alabama; but years ago her father had fallen out with them over the estate of old lady Wyatt, the crazy woman, and there was no communication between the two families. They had not even been represented at the funeral.

And as soon as the old people said, "Poor Emily," the whispering began. "Do you suppose it's really so?" they said to one another. "Of course it is. What else could . . ." This behind their hands; rustling of craned silk and satin behind jalousies closed upon the sun of Sunday afternoon as the thin, swift clop-clop-clop of the matched team passed: "Poor Emily."

She carried her head high enough--even when we believed that she was fallen. It was as if she demanded more than ever the recognition of her dignity as the last Grierson; as if it had wanted that touch of earthiness to reaffirm her imperviousness. Like when she bought the rat poison, the arsenic. That was over a year after they had begun to say "Poor Emily," and while the two female cousins were visiting her.

"I want some poison," she said to the druggist. She was over thirty then, still a slight woman, though thinner than usual, with cold, haughty black eyes in a face the flesh of which was strained across the temples and about the eyesockets as you imagine a lighthouse-keeper's face ought to look. "I want some poison," she said.

"Yes, Miss Emily. What kind? For rats and such? I'd recom--"

"I want the best you have. I don't care what kind."

The druggist named several. "They'll kill anything up to an elephant. But what you want is--"

"Arsenic," Miss Emily said. "Is that a good one?"

"Is . . . arsenic? Yes, ma'am. But what you want--"

"I want arsenic."

The druggist looked down at her. She looked back at him, erect, her face like a strained flag. "Why, of course," the druggist said. "If that's what you want. But the law requires you to tell what you are going to use it for."

Miss Emily just stared at him, her head tilted back in order to look him eye for eye, until he looked away and went and got the arsenic and wrapped it up. The Negro delivery boy brought her the package; the druggist didn't come back. When she opened the package at home there was written on the box, under the skull and bones: "For rats."

So THE NEXT day we all said, "She will kill herself"; and we said it would be the best thing. When she had first begun to be seen with Homer Barron, we had said, "She will marry him." Then we said, "She will persuade him yet," because Homer himself had remarked--he liked men, and it was known that he drank with the younger men in the Elks' Club--that he was not a marrying man. Later we said, "Poor Emily" behind the jalousies as they passed on Sunday afternoon in the glittering buggy, Miss Emily with her head high and Homer Barron with his hat cocked and a cigar in his teeth, reins and whip in a yellow glove.

Then some of the ladies began to say that it was a disgrace to the town and a bad example to the young people. The men did not want to interfere, but at last the ladies forced the Baptist minister--Miss Emily's people were Episcopal-- to call upon her. He would never divulge what happened during that interview, but he refused to go back again. The next Sunday they again drove about the streets, and the following day the minister's wife wrote to Miss Emily's relations in Alabama.

So she had blood-kin under her roof again and we sat back to watch developments. At first nothing happened. Then we were sure that they were to be married. We learned that Miss Emily had been to the jeweler's and ordered a man's toilet set in silver, with the letters H. B. on each piece. Two days later we learned that she had bought a complete outfit of men's clothing, including a nightshirt, and we said, "They are married." We were really glad. We were glad because the two female cousins were even more Grierson than Miss Emily had ever been.

So we were not surprised when Homer Barron--the streets had been finished some time since--was gone. We were a little disappointed that there was not a public blowing-off, but we believed that he had gone on to prepare for Miss Emily's coming, or to give her a chance to get rid of the cousins. (By that time it was a cabal, and we were all Miss Emily's allies to help circumvent the cousins.) Sure enough, after another week they departed. And, as we had expected all along, within three days Homer Barron was back in town. A neighbor saw the Negro man admit him at the kitchen door at dusk one evening.

And that was the last we saw of Homer Barron. And of Miss Emily for some time. The Negro man went in and out with the market basket, but the front door remained closed. Now and then we would see her at a window for a moment, as the men did that night when they sprinkled the lime, but for almost six months she did not appear on the streets. Then we knew that this was to be expected too; as if that quality of her father which had thwarted her woman's life so many times had been too virulent and too furious to die.

When we next saw Miss Emily, she had grown fat and her hair was turning gray. During the next few years it grew grayer and grayer until it attained an even pepper-and-salt iron-gray, when it ceased turning. Up to the day of her death at seventy-four it was still that vigorous iron-gray, like the hair of an active man.

From that time on her front door remained closed, save for a period of six or seven years, when she was about forty, during which she gave lessons in china-painting. She fitted up a studio in one of the downstairs rooms, where the daughters and granddaughters of Colonel Sartoris' contemporaries were sent to her with the same regularity and in the same spirit that they were sent to church on Sundays with a twenty-five-cent piece for the collection plate. Meanwhile her taxes had been remitted.

Then the newer generation became the backbone and the spirit of the town, and the painting pupils grew up and fell away and did not send their children to her with boxes of color and tedious brushes and pictures cut from the ladies' magazines. The front door closed upon the last one and remained closed for good. When the town got free postal delivery, Miss Emily alone refused to let them fasten the metal numbers above her door and attach a mailbox to it. She would not listen to them.

Daily, monthly, yearly we watched the Negro grow grayer and more stooped, going in and out with the market basket. Each December we sent her a tax notice, which would be returned by the post office a week later, unclaimed. Now and then we would see her in one of the downstairs windows--she had evidently shut up the top floor of the house--like the carven torso of an idol in a niche, looking or not looking at us, we could never tell which. Thus she passed from generation to generation--dear, inescapable, impervious, tranquil, and perverse.

And so she died. Fell ill in the house filled with dust and shadows, with only a doddering Negro man to wait on her. We did not even know she was sick; we had long since given up trying to get any information from the Negro. He talked to no one, probably not even to her, for his voice had grown harsh and rusty, as if from disuse.

She died in one of the downstairs rooms, in a heavy walnut bed with a curtain, her gray head propped on a pillow yellow and moldy with age and lack of sunlight.

THE NEGRO met the first of the ladies at the front door and let them in, with their hushed, sibilant voices and their quick, curious glances, and then he disappeared. He walked right through the house and out the back and was not seen again.

The two female cousins came at once. They held the funeral on the second day, with the town coming to look at Miss Emily beneath a mass of bought flowers, with the crayon face of her father musing profoundly above the bier and the ladies sibilant and macabre; and the very old men --some in their brushed Confederate uniforms--on the porch and the lawn, talking of Miss Emily as if she had been a contemporary of theirs, believing that they had danced with her and courted her perhaps, confusing time with its mathematical progression, as the old do, to whom all the past is not a diminishing road but, instead, a huge meadow which no winter ever quite touches, divided from them now by the narrow bottle-neck of the most recent decade of years.

Already we knew that there was one room in that region above stairs which no one had seen in forty years, and which would have to be forced. They waited until Miss Emily was decently in the ground before they opened it.

The violence of breaking down the door seemed to fill this room with pervading dust. A thin, acrid pall as of the tomb seemed to lie everywhere upon this room decked and furnished as for a bridal: upon the valance curtains of faded rose color, upon the rose-shaded lights, upon the dressing table, upon the delicate array of crystal and the man's toilet things backed with tarnished silver, silver so tarnished that the monogram was obscured. Among them lay a collar and tie, as if they had just been removed, which, lifted, left upon the surface a pale crescent in the dust. Upon a chair hung the suit, carefully folded; beneath it the two mute shoes and the discarded socks.

The man himself lay in the bed.

For a long while we just stood there, looking down at the profound and fleshless grin. The body had apparently once lain in the attitude of an embrace, but now the long sleep that outlasts love, that conquers even the grimace of love, had cuckolded him. What was left of him, rotted beneath what was left of the nightshirt, had become inextricable from the bed in which he lay; and upon him and upon the pillow beside him lay that even coating of the patient and biding dust.

Then we noticed that in the second pillow was the indentation of a head. One of us lifted something from it, and leaning forward, that faint and invisible dust dry and acrid in the nostrils, we saw a long strand of irongray hair.

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Sinopse: Lamiel, jovem camponesa de espírito rebelde, desafia as convenções sociais em busca de liberdade e poder. Sua trajetória, crítica contundente à hipocrisia da sociedade e à exploração da mulher, compõe um retrato mordaz da França do século XIX. A crítica à burguesia, a busca pela liberdade individual e a exploração da sexualidade feminina são elementos que tornam a obra surpreendentemente contemporânea.

O romance Lamiel, a última e inacabada obra de Stendhal, permanece como um dos testamentos mais vigorosos da irreverência intelectual e da agudeza crítica do autor francês. Escrita entre 1839 e 1842, a obra trata de uma jovem camponesa dotada de uma inteligência afiada e ambições que desafiam a estrutura estratificada da sociedade francesa do século XIX. Durante essa narrativa, um detalhe pode chamar a atenção dos leitores mais atentos: o elemento narrativo das tílias, que articulam tensões fundamentais entre o paganismo e o cristianismo, o desejo individual e a norma social.

A aldeia de Carville é apresentada por Stendhal através de dois polos: de um lado, a autoridade eclesiástica e a tradição; do outro, a liberdade em seu sentido mais puro. A descrição de Carville foca em uma rua larga com uma praça central, culminando em uma igreja gótica e um cemitério. No entanto, é para além desses marcos de controle social que se situam as "três grandes tílias sob as quais se dançava aos domingos". A localização física dessas árvores - a apenas quarenta passos do cemitério - é o gatilho para o descontentamento de Du Saillard, que vê na dança uma profanação do solo sagrado. Para Lamiel, contudo, as tílias representam o oposto da interdição. Elas são o destino de suas fugas e o objeto de seu fascínio estético. A análise da disposição espacial em Lamiel, sobretudo em relação às tílias, apenas confirma que Stendhal utilizava o cenário para descrever a relação entre indivíduos e sociedade. As tílias funcionam como um terceiro espaço, não sendo nem a casa opressora dos pais adotivos de Lamiel, os Hautemare, nem o espaço sagrado da igreja. É o local onde o corpo se expressa através da dança, desafiando a gravidade da moral cristã.

Para compreender a profundidade da escolha de Stendhal pela tília, é necessário recorrer ao vasto repertório mitológico que a árvore carrega na cultura europeia. Na mitologia greco-romana, a tília está intrinsecamente ligada ao mito de Baucis e Filêmon, narrado por Ovídio. O casal, que acolheu os deuses Zeus e Hermes disfarçados de viajantes após todos os seus vizinhos ricos os terem rejeitado, foi recompensado com o desejo de nunca se separarem, mesmo na morte. Filêmon foi transformado em carvalho e Baucis em tília, com seus troncos entrelaçados para a eternidade.

Esta associação confere à tília os atributos de fidelidade, amor conjugal e hospitalidade. Contudo, em Stendhal, essa simbologia é subvertida. Lamiel não busca a estabilidade do matrimônio ou a docilidade da "esposa perfeita" que a tradição greco-romana atribui à tília. Pelo contrário, a figura da árvore rompe com o tradicional e acolhe os instintos que a civilização tenta domesticar. Na tradição germânica, a tília era sagrada para Freya, a deusa do amor e da verdade. Acreditava-se que era impossível mentir sob sua sombra, o que levou à prática de realizar assembleias judiciais e julgamentos criminais. Esta dimensão da "verdade" ressoa profundamente com o caráter de Lamiel. Ela é uma personagem que desmascara as hipocrisias da sociedade francesa e busca uma verdade pessoal que não passa pelo filtro da moralidade convencional.

Du Saillard argumenta que as danças sob as tílias profanam as cinzas dos mortos devido à proximidade com o cemitério. Esta visão reflete a tendência do cristianismo institucional de associar o corpo e a alegria terrestre ao pecado, em contraste com a solenidade da morte. Stendhal, no entanto, posiciona Lamiel como uma observadora que rejeita as "injúrias e grosserias" da vida cotidiana e busca algo mais elevado. Para ela, as tílias são "árvores tão belas" que sua mera visão é capaz de transformar seu estado interior. Temos, aqui, então, uma forma de paganismo, onde a natureza é vista como o verdadeiro templo do ser. Enquanto o padre vê o solo como depósito de cadáveres, Lamiel vê as tílias como explosões de vida que se alimentam da terra, talvez sugerindo que a vida dos jovens que dançam é a forma mais autêntica de honrar a existência.

As árvores representam a intersecção perfeita entre o indivíduo e a natureza, um marco de inovação na literatura do século XIX que antecipa debates modernos sobre liberdade e gênero. As tílias de Carville, com sua sombra que abriga a dança e sua proximidade com os túmulos, encapsulam a visão profunda de Stendhal sobre a condição humana: uma busca incessante por experiências em um mundo que tenta impor limites. A obra deixa um legado duradouro, onde a árvore deixa de ser apenas paisagem para se tornar um agente da narrativa.

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Até a próxima!

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Sinopse: Na Inglaterra do final do século XVIII, as possibilidades de ascensão social eram limitadas para uma mulher sem dote. Elizabeth Bennet, de vinte anos, uma das cinco filhas de um espirituoso mas imprudente senhor, no entanto, é um novo tipo de heroína, que não precisará de estereótipos femininos para conquistar o nobre Fitzwilliam Darcy e defender suas posições com perfeita lucidez de uma filósofa liberal da província.

Atenção: esta resenha contém spoiler.

É uma verdade universalmente conhecida que Orgulho e Preconceito é um dos maiores clássicos do século XIX, e um dos maiores — senão o maior — exemplos de crítica à sociedade inglesa deste mesmo século. Sua narrativa vai muito além do que pode se chamar de ‘romance’ (como tema), resumindo-se apenas às relações entre Lydia e Mr. Wickham, Jane e Mr. Bingley ou Elizabeth e Mr. Darcy. Desde a sua publicação, os críticos, estudiosos e conhecedores da literatura o classificam como um livro-crítica dos costumes e hábitos da sociedade inglesa, perpassando o orgulho e o preconceito (como o próprio título destaca), a ganância, os interesses das mães resumidos em conseguir casamentos proveitosos às filhas, o medo pela perda da honra etc.

À primeira vista, é sim um livro que pode se tornar tedioso para a maioria dos leitores que se concentram apenas na história que ele tem para contar, mas ele é interessantíssimo quando saímos desse conforto da história e passamos para as relações e para os personagens estritamente descritos conforme os clichês: o rico orgulhoso que apenas se preocupa consigo mesmo, a garota diferente das outras que consegue ficar com o rico, as mulheres desesperadas por conseguir um militar e as consequências de suas escolhas feitas sem ponderar, o ‘canalha’ que se aproveita da fragilidade, a mulher de alta classe preocupada com a imagem da própria família dentro dos convívios sociais, a diferença de classes — mesmo estando umas muito perto das outras —, e por aí vai. Com essas descrições, imagino que os leitores de Austen já devam reconhecer de quais personagens estou descrevendo. Por isso é tão interessante a maneira que Jane Austen constrói seus personagens e nos fazem lembrar com poucas palavras de quem estamos falando, pois cada um deles tem sua função muito bem delimitada e representacional dentro da trama geral do livro. Orgulho e Preconceito, portanto, é uma aula sobre como criar personagens memoráveis e atemporais sem a necessidade de tantas voltas a serem dadas.

Sempre gosto de apontar o quanto o título entrega que o protagonismo pertence à Elizabeth e Darcy. Temos muitos acontecimentos com vários personagens do livro, um seguido do outro, e talvez o protagonismo, para muitos, pode acabar se perdendo no meio da leitura, mas devemos nos atentar ao próprio título: Orgulho e Preconceito. As personificações das duas palavras que compõem o nome do livro se baseiam em Darcy e Elizabeth, respectivamente. Mr. Darcy, pertencente à elite inglesa, foi curiosamente criado para reafirmar a própria posição, e seu próprio orgulho o impede de enxergar verdadeiros valores contidos nas pessoas para além de suas conexões e rendas. Ou seja, seguindo esses preceitos, Elizabeth seria insuficiente para ele, e dificilmente uma mulher se encaixaria em seus padrões estritamente estabelecidos. Não é o que vemos quando seguimos a leitura pelo livro, não é mesmo? O que acontece com Darcy é a quebra do próprio orgulho quando vê que Elizabeth, apesar de sua posição e da própria família (em questões de comportamentos), é a única que o desconserta. Lizzie, por outro lado, tem muita confiança em sua própria percepção, mas é muito inteligente — talvez não mais do que sua irmã Mary, se levarmos em consideração o conhecimento técnico, mas consideraremos aqui, o conhecimento de mundo e das relações que nele acontecem —. Ela se caracteriza como alguém que consegue compreender as pessoas rapidamente, mas é essa rapidez que a torna tão falha. Ao ser rejeitada por Darcy, ela forma imediatamente um juízo de valor negativo sobre ele e, consequentemente, aceita qualquer informação que vá de acordo com essa visão, como as mentiras de Wickham. Esse preconceito de Elizabeth Bennet se torna arma contra o próprio leitor — apesar de não ser ela a narradora —, à medida que, no início, acredita tanto quanto ela que Mr. Wickham é um homem de boa índole. Essa característica de preconceito a torna teimosa, incapaz de mudar de opinião até que se prove ao contrário para ela, uma mulher firme em suas próprias decisões e visões das pessoas. Apesar dos dois representarem os dois substantivos do título, não se exclui o fato de que cada um deles possui também um pouco do outro: Darcy contém o preconceito e Elizabeth também contém o orgulho.

No âmbito dos amores, Orgulho e Preconceito perpassa por diferentes tipos de relacionamentos conjugais: o de Jane e Bingley é o amor doce, passivo, ingênuo, em que não há maldades a serem atribuídas, mas facilmente manipulável pela opinião alheia e comentários que desviam o casal de seu real propósito (a exemplo de Darcy dizer que Jane estava indiferente em relação à afeição de Mr. Bingley, sendo que era o contrário, e Jane apenas não sabia como demonstrar muito bem seus sentimentos); Lydia e Wickham tem o amor baseado na paixão física, na impulsividade, na aparência e nos interesses de posição. Wickham é militar, e Lydia tem seu interesse profundamente restrito ao título que o acompanha. Esse amor leva à ruína moral, que quase se estendeu à família Bennet, se não fosse a interferência dos Gardner e de Darcy. Posteriormente, no capítulo de encerramento, sabemos que os dois têm instabilidade financeira, e Lydia constantemente envia cartas a Elizabeth e Jane pedindo quantias variadas; o amor do Sr. e Sra. Bennet é também interessante de ser analisado, já que foi uma relação constituída em atração passageira. O pai das cinco Bennet rapidamente perdeu o interesse na esposa quando ela começou a realmente se revelar do jeito que ela é. Assim, o casamento se tornou infeliz e baseado, diversas vezes, no silêncio dos dois de um para com o outro; e por fim, o de Lizzie e Darcy: o amor ideal. Apesar das dificuldades que os separavam, anteriormente descritas nesta resenha, o amor dos dois é o ardente, que supera até mesmo o de Jane e Bingley em afeto. É o amor que supera barreiras e tem um final feliz baseado na vida financeira confortável e no amor verdadeiro.

Com todos esses aspectos supracitados, talvez seja visível o porquê de Orgulho e Preconceito ser um dos meus livros clássicos preferidos e também o motivo que o levou a ser tão atemporal — qualidade intrínseca que caracteriza um clássico. É uma obra que deu inspiração para diversas produções hoje muito famosas, como Bridgerton, de Julia Quinn, e outros romances de época, ainda uma classificação de gênero comercial muito em alta entre os adolescentes e jovens-adultos.

Espero que tenham gostado da resenha, e agradeço a companhia durante a leitura!

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— Mel

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Sinopse: Tessa Gray devia estar feliz. Todas as noivas não o são? No entanto, ao se preparar para o casamento, uma rede de intrigas e perigos começa a envolver os Caçadores de Sombras do Instituto de Londres. Um novo demônio surge... ligado, por sangue e segredo, a Mortmain e à cruzada deste para destruir a humanidade e seus guardiões celestes. O Magistrado precisa apenas de um último item para libertar o caos. Um último detalhe para legar a seu exército de autômatos, as Peças Infernais, a invencibilidade. Ele precisa de Tessa.

Enquanto Jem e Will, ambos com direitos iguais ao coração de Tessa, Charlotte Branwell, líder do Instituto, e o feiticeiro Magnus Bane trabalham juntos para salvar Tessa e todos os Caçadores de Sombras, a menina percebe que somente ela tem a chave para sua liberdade. Pois, com a descoberta de sua real natureza, Tessa pode se tornar mais poderosa do que até ela mesma imagina. Mas pode apenas uma garota, mesmo uma com o poder do Anjo, vencer um exército inteiro? Perigo e traição. Segredos, encantamentos e redenção. A mistura perfeita para a conclusão da trilogia As Peças Infernais.

ESSA RESENHA NÃO CONTÉM SPOILER

A leitura de Princesa Mecânica foi feita durante muito tempo (quando quero dizer ‘muito tempo’, quer dizer que foi muito tempo MESMO). Se eu falar para vocês que ela durou quase o ano de 2025 inteiro, talvez não acreditem, mas é verdade. Foi um ano muito corrido, devo admitir. Tive dois semestres na faculdade com tanta coisa a ser feita que elas consumiam todo o meu tempo, além de que a rotina universitária me forçou muitas vezes a ter de deixar o livro de lado e começar algum outro para cumprir as leituras do semestre. MAS aqui está, finalmente, a resenha do livro, lido ainda no mesmo ano de 2025.

Um pouco da demora na leitura se deveu muito ao começo, que levou a história de Tessa em uma carruagem com rodas desgastadas. A escrita de Cassandra Clare, em cenas que demandam mais detalhamento e são naturalmente lentas, é condizente com a ambientação que ela construiu durante toda a narrativa, mas tem uma melhora significante quando a demanda de acontecimentos dramáticos chama a escritora; sua escrita favorece muito esses momentos, tornando-os, muitas vezes, ainda mais dramáticos do que normalmente seriam em contextos outros que não da ficção — um pouco impossível de acontecer, já que a fantasia está presente em todo o momento, e presumo que ela obriga o autor a trazer ainda mais drama. Não que isso seja algo ruim.

O livro é baseado puramente no enredo, não tendo muitas peripécias e malabarismos estéticos. Bom, o público alvo é jovem: adolescentes e jovens-adultos, portanto, é possível compreender que a demanda manda (nossa, que cacofonia!) no como as coisas são contadas. É clara a intenção de Clare: atingir a massa. É daí que tiramos a expressão ‘literatura de massa’, que procura alcançar a maior quantidade de públicos possível, mas também é a mais perigosa para se escorregar e cair em uma poça de lama com escrita superficial. Não digo que é o caso de Cassandra Clare — que, como eu disse no parágrafo anterior, tem uma escrita que faz jus aos acontecimentos —, mas é o que se nota quando lidamos com a análise da escrita de muitos livros de massa. Voltando ao assunto enredo, ele é muito bem construído. Estamos falando de uma autora que criou um mundo inteiro de Caçadores de Sombras e conseguiu levá-lo ao século XIX, puxando os galhos genealógicos dos personagens que conhecemos na série principal: Os Instrumentos Mortais. É uma tarefa complexa, pois pede uma construção de mundo muito bem amarrada, com poucas lacunas (ou nenhuma) para que seja devidamente compreendido pelos leitores, e Clare atinge seu objetivo de criar todo o universo dela. É por isso que a escrita de fantasia me impressiona tanto quando o autor consegue a proeza de criar uma realidade dentro da própria, com a ajuda dos recursos da língua.

Nem preciso dizer sobre o final da trilogia. O resultado? Terminei de ler com os olhos embaçados pelas lágrimas. Claro, terminar uma trilogia que, de alguma forma, tem personagens tão cativantes é um sofrimento para qualquer leitor que preze pelas pessoas fictícias por quem se apaixonou e conviveu durante o tempo de leitura. O encerramento do livro é uma demonstração perfeita de como a autora conseguiu amarrar tudo em seu mundo e preparar o leitor para os livros seguintes.

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— Mel no Literaverso, 2026

Você já ouviu falar do Calendário Ático?

Ele foi um calendário utilizado pelos gregos da região de Atenas e da Ática e é um dos mais conhecidos calendários usados por este povo, porém, não é o único que os povos gregos usavam. Outras regiões se utilizavam de outras formas de contagem temporal baseada em ciclos lunares e solares.

O calendário ático era um calendário lunisolar, o que significa que ele combina os ciclos da lua e o ano solar. Os meses lunares variavam de 29 a 30 dias, com o ano tendo em média 354 dias totais. De tempos em tempos faziam uma intercalação de um mês a mais para conciliarem os festivais religiosos com as festividades agrícolas e civis sazonais. Parece bem familiar esse tipo de calendário, não é?

Os doze meses principais desse ano são marcados por grandes festivais em homenagem a vários deuses, com o mês começando bem próximo a cada lua nova vista em Atenas. A intercalação dava um mês a mais a Poseidon, e é dele que vamos falar hoje.

O grande festival dedicado a Poseidon é chamado de Poseideia (Ποσίδεια) – alguns chamam Posidéia –, contendo 29 dias. Hoje, a Posidéia é relativa ao nosso mês de dezembro, em que comumente é celebrado o Natal para os cristãos. Lembre-se que os gregos antigos não comemoravam o Natal, justamente por não serem monoteístas e também por estarem em uma época muito anterior ao nascimento de Jesus. Infelizmente sabemos muito pouco sobre esse grande festival, mas presume-se que ele se iniciava no dia 8 do “nosso mês de dezembro” e nela se comemorava o solstício de inverno. Alguns pesquisadores sugerem que é durante esse mês que o Mar Egeu se encontrava mais turbulento, então os tripulantes das embarcações recorriam à divindade para ajudá-los a cruzar o mar e chegar ao destino em segurança. Ainda durante esse mês eram celebradas as Dionísias Rurais em homenagem ao deus Dioniso.

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— Mel no Literaverso

Sinopse: O primeiro volume da série “Inferno Provisório”, intitulado Mamma, Son Tanto Felice, acompanha, grosso modo, a derrocada do pequeno agricultor frente à modernização. Tem como cenário uma comunidade de descendentes de imigrantes italianos pobres – Rodeiro e arredores, interior de Minas Gerais – e aborda a dispersão de forças e de valores. Os pais agarrados a uma moral ligada ao trabalho no campo e os filhos encantados com as novidades da cidade.

A leitura de Mamma, son tanto felice se deu pelo fato de que o livro foi solicitado por uma professora minha da faculdade (ainda sou graduanda em Letras, no penúltimo semestre da faculdade). Trabalhamos durante todo o semestre com ele, explorando seus seis… podemos dizer…capítulos?, tanto seus aspectos estilísticos — que como verão posteriormente nesta resenha, são fundamentais — quanto de enredo. O trabalho interdisciplinar entre as matérias (que marca o final do semestre), ainda nos utilizando deste livro, foi um projeto anual de sequências didáticas para ser trabalhado em uma escola fictícia. O projeto foi um sucesso, devo dizer. Saíram ótimas ideias de trabalho com o livro, mostrando que mesmo com um volume complexo, podemos explorar muitas coisas com os alunos do ensino básico. É um livro que é perfeito para um desenvolvimento de língua portuguesa e literatura dentro da escola, mas precisa ser bem estudado pelo professor, pois nesse caso, a forma com que o enredo é contado é o que mais importa.

Devo fazer um adendo: o livro Mamma, son tanto felice, assim como os outros livros da coleção foram compilados em um livro só, chamado Inferno Provisório. Neste livro, os capítulos contidos em Mamma são tirados de ordem (talvez para cumprir o que Ruffato quer dizer com ‘romance’?, não sei) e reorganizados conforme uma ordem que ainda não tenho conhecimento.

Não é minha primeira experiência com um livro de Luiz Ruffato. Ainda na faculdade li Eles eram muitos cavalos, que me instigou a ler Romanceiro da Inconfidência, de Cecília Meireles (belíssimo, inclusive), então logo pude perceber que o estilo do autor é bem único. Ruffato se aproveita dos recursos de diagramação do texto — itálicos, negritos, fontes diferentes etc. — para criar algo que, sinceramente, nunca vi outro autor fazendo de forma tão única e tão significativa, e não para apenas marcar pensamento ou ênfase — que é o que comumente vemos. Os discursos indiretos livres são marcados com essas pequenas diferenças, assim como os fluxos de memória. É complexo, encantador, no mínimo hipnotizador, demanda esforço do leitor, pede luta constante contra o próprio texto — talvez reflita o próprio conflito dos imigrantes italianos em solo brasileiro.

O primeiro capítulo é logo um choque, o leitor se assusta com algo tão novo. Esqueça o enredo, o importante aqui é COMO ele é contado. É realmente impactante para o leitor quando ele vê Chiara, mulher, fraca de “tantas gravidezes”, impossibilitada de fazer qualquer coisa para sair de sua própria situação, trancada em casa pelo próprio marido, chamado de Micheletto Velho. Essa realidade de mulheres é reafirmada durante todo o livro, memórias do passado se entrelaçam com a do presente e as vozes se misturam de forma que é, às vezes, impossível de se localizar, de se sentir pertencente àquela história. Sequer aquele povo pode se sentir pertencente àquelas terras do interior de Minas Gerais. Não é um livro sobre imigração, deixo claro.

A maior discussão a ser feita sobre Mamma, son tanto felice é a afirmação do próprio autor de que se trata de um romance. Isso gerou diversas discussões dentro de sala enquanto estudávamos o livro, e também foi tema da última aula do plano anual do projeto que fizemos: Mamma, son tanto felice é um romance…antologia…? O que seria esse livro? Será que no volume completo, Inferno provisório, essa questão é resolvida? Apenas lendo para tentar entender. Essa discussão foi traga pelo fato de que em um romance, os capítulos não podem ser lidos de forma a não ter ordem específica, mas isso é possível com, ao menos, o primeiro livro da série — além de, claro, outras questões que englobam a concepção de romance. Durante a leitura da própria obra e também de alguns artigos, pude encontrar algumas coisas que justificassem a afirmação do autor: muitas vezes os capítulos se ligavam pelas famílias (membros citados, relações de primeiro grau, ou não), mas o principal: o que permeia essa ligação é o espaço: a cidade de Rodeiro, no interior de Minas. O livro se inicia com ela e termina com ela. Mas mesmo assim os capítulos podem ser lidos de forma isolada. Seria essa uma nova concepção moderna de romance?

Mamma, son tanto felice é um dos melhores exemplos de literatura como arte, como trabalho com a palavra e com a estética do próprio texto, que tenho. Rufatto é realmente um autor de outro tempo, e talvez demoremos um pouco para compreender suas propostas tão únicas. De fato, este livro é um desafio imenso que demanda tempo do leitor, desde o mais atento até o menos atento, sendo que este último pode deixar passar muitos detalhes se querer “correr” demais. Se você quer um livro rápido, não é uma boa recomendação, mas se quiser aprimorar a habilidade leitora e atenta, conjugar seus conhecimentos de língua portuguesa com os de literatura e explorar novas estéticas desse mundo literário, é perfeito! É o que digo: quanto mais difícil, melhor.

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Se você ler o livro, por favor, venha até mim para que possamos dialogar sobre ele!

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— Mel no Literaverso

“É uma verdade universalmente conhecida que um homem solteiro, possuidor de uma boa fortuna, deve estar necessitado de esposa.” — Orgulho e Preconceito, Jane Austen

Neste dia 16 de dezembro o mundo literário celebra o aniversário de uma das maiores escritoras femininas da história: Jane Austen, nascida em Steventon, na Inglaterra. Muitas vezes, a cultura pop tentou nos vender a imagem da “Tia Jane”: uma solteirona recatada, bebendo chá em salões elegantes e escrevendo romances fofos sobre vestidos e casamentos, mas basta ler a primeira página de qualquer um de seus livros — ou pior, uma de suas cartas privadas — para saber que essa imagem não poderia estar mais longe da verdade.

Diferente das autoras vitorianas que vieram depois, que muitas vezes romantizavam a pobreza ou a morte, Jane era bastante materialista em seus escritos. É por isso que a famosa frase de abertura de Orgulho e Preconceito é tão mal compreendida. “É uma verdade universalmente reconhecida que um homem solteiro, na posse de uma boa fortuna, deve estar necessitado de uma esposa”. Essa primeira frase do célebre livro, senão o mais famoso que ela já escreveu, é uma demonstração do desespero econômico, que pode facilmente ser traduzido, em outras palavras por: “Todo mundo sabe que um homem rico é uma presa a ser caçada por mães falidas e filhas sem herança”. Em suas cartas para a irmã Cassandra, a ironia de Austen fica ainda mais visível. Sobre uma conhecida que teve um parto prematuro, ela escreveu com um humor de fazer inveja a comediantes modernos:

“A Sra. Hall, de Sherborne, deu à luz ontem uma criança morta, algumas semanas antes do esperado, devido a um susto. Suponho que ela tenha olhado para o marido sem querer.” — Carta de Jane à Cassandra

Aos 27 anos, idade em que já era considerada uma “solteirona” sem esperanças, Jane recebeu uma proposta de casamento de Harris Bigg-Wither. Harris era o sonho de qualquer mãe da época: herdeiro de uma vasta propriedade, rico e capaz de garantir o futuro de Jane e de toda a sua família. Jane aceitou. Por uma noite, ela foi uma mulher noiva, com o futuro garantido. Mas ela acordou na manhã seguinte, olhou para a realidade de passar o resto da vida ao lado de um homem que ela não amava, e desfez o noivado. Ela escolheu continuar vivendo de favor na casa de irmãos e parentes, dependendo da caridade alheia, a se prender a um casamento sem afinidade. Essa decisão, tomada dois séculos antes do feminismo moderno, mostra que a independência de suas heroínas, como Elizabeth Bennet e Emma Woodhouse, não era mera fantasia.

A ironia de Austen não poupava nem a realeza. O Príncipe Regente (futuro Rei George IV) era um grande fã de seus livros. Ele mantinha cópias em todas as suas residências. O problema? Jane o detestava. Ela o considerava um libertino imoral e gastador, que tratava mal a esposa. Quando o bibliotecário do Príncipe sugeriu “sutilmente” que ela dedicasse seu próximo livro Emma ao Príncipe, Jane se viu num beco sem saída. Então ela obedeceu, mas do jeito dela.

Por que ainda lemos Jane?

Duzentos e cinquenta anos depois, a ironia de Austen permanece fresca porque as pessoas não mudaram. Ainda temos os nossos Srs. Collins, Sras. Elton, e, acima de tudo, ainda temos a pressão para conformar nossas vidas às expectativas econômicas e sociais dos outros. Jane Austen nos ensinou a olhar para essas pressões e rir. Ela nos deu permissão para sermos inteligentes, para julgarmos o caráter (mesmo que em silêncio) e para exigirmos que nos casemos por amor, com alguém que nos respeite por quem somos. Neste 16 de dezembro, celebre a mulher que olhou para uma sociedade que tentava silenciá-la e respondeu com uma das vozes mais nítidas e irônicas da história.

Feliz 250 anos, Jane! O mundo ainda está tentando te alcançar.

E neste mês, o Clube de Literatura Clássica lançou o box de Orgulho e Preconceito em uma edição inspirada na Peacock, de 1894, com ilustrações de Hugh Thompson! Aproveite para dar de presente de Natal para alguém e comemorar os 250 anos de Jane Austen!

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Referências utilizadas:

ANHISTORIAN. History Bite: Jane Austen and the Prince Regent | An Historian About Town. Disponível em: <https://anhistorianabouttown.com/jane-austen-and-the-prince-regent/>.

AUSTEN, J. Orgulho e Preconceito. L&Pm Editores, 2010.

She was a literary genius, and pioneered new writing techniques. Disponível em: <https://janeaustens.house/learn/school-visits/online-resources/who-is-jane-austen/new-writing-techniques/>.

The Wit of Jane Austen’s Letters. Disponível em: <https://historylizzie.co.uk/2023/12/16/the-wit-of-jane-austens-letters/>.

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Quando um grupo de pessoas se reúne com o objetivo comum de discutir a leitura de uma obra em qualquer local – dentro da escola, em bibliotecas, cafés ou livrarias, na casa de amigos e até mesmo em discussões on-line – estamos diante de um círculo de leitura. Rara é a cidade que não possui um grupo de senhoras lendo livros; adolescentes que se encontram para jogar RPG, declamar seus textos favoritos e discutir os autores; crianças que se sentam em roda para ouvir a história contada pelo animador da área de recreação; alunos de todas as idades que descobrem o prazer de compartilhar leituras com seus colegas na sala de aula e na biblioteca da escola. Neste livro, Rildo Cosson, professor e especialista na área de Literatura, apresenta uma proposta de organização e de funcionamento de círculos de leitura, orientando e oferecendo embasamento e sugestões de atividades para auxiliar tanto educadores na formação de leitores quanto os próprios leitores. Abarcando uma grande diversidade de interesses de leitura, o autor convida o leitor a formar o seu próprio círculo. (Resenha provida pela editora)

Em “Círculos de Leitura e Letramento Literário”, Rildo Cosson nos convida a uma reflexão sobre o lugar da literatura na escola e, por extensão, na sociedade contemporânea. Não pense que o livro é apenas um manual técnico para a aplicação da metodologia do círculo de leitura em sala de aula, embora ofereça ferramentas práticas muito importantes na vida de um professor de literatura. Também temos uma defesa muito bem do letramento literário como um processo contínuo de apropriação da cultura escrita. Ao longo de minha formação acadêmica, deparei-me com diversas teorias que diagnosticam a crise da leitura no Brasil, mas poucas conseguem, com a clareza de Cosson, articular a teoria da recepção com a realidade da sala de aula, propondo caminhos alternativos para superar o abismo entre o texto canônico e o leitor em formação.

Cosson argumenta que o literário migrou e se metamorfoseou em outras mídias, como o cinema, as canções populares e até mesmo os jogos de RPG. Essa perspectiva é fundamental para nós, futuros educadores pois o problema, segundo o autor, reside na incapacidade da escola em dialogar com essas novas manifestações e em construir pontes efetivas para a leitura do texto escrito. E por quê não utilizar esses métodos migrados durante a metodologia de aplicação do texto literário na sala de aula? A análise que ele faz dos elementos da leitura (autor, leitor, texto e contexto) serve de base para o que ele denomina “modos de ler”, que nos permite entender que ler um clássico pelo viés do contexto histórico é apenas uma das doze possibilidades de interação com a obra, e não a única ou a mais correta.

O autor também resgata a ideia da leitura como uma prática social e compartilhada, contrapondo-se à solidão da leitura escolar tradicional, que visa apenas a avaliação. Ao propor a formação de comunidades de leitores dentro da sala de aula, a dimensão humanizadora da literatura é recuperada (parte do letramento literário). A estrutura sugerida para os círculos, que vai desde a seleção das obras até o registro e o compartilhamento das interpretações, é sólida e permite o professor a devida adaptação — caso necessário — para incluir todos os alunos no trabalho, formando uma metodologia ativa muito efetiva que pude acompanhar muito bem durante as minhas práticas de estágio da universidade, com uma professora supervisora maravilhosa. É, sem dúvida, um ótimo livro para desenvolver metodologias de ensino de literatura, pois não nos entrega fórmulas prontas, entrega princípios extremamente flexíveis que respeitam a autonomia do professor e a singularidade dos alunos. A possibilidade de moldar o “círculo” para diferentes faixas etárias e contextos, inserindo práticas como a leitura em voz alta e a dramatização, valida a tese de que o ensino da literatura deve ser, antes de tudo, uma vivência completa, reforçando a questão da metodologia ativa já citada anteriormente.

Em suma, a relevância e o impacto que a leitura do livro “Círculos de Leitura e Letramento Literário” pode ter no cenário educacional e literário é visível e consigo imaginar um futuro promissor para o trabalho com textos literários com os alunos da educação básica, mesmo que a divisão “Literatura” nas matérias escolares estejam desaparecendo aos poucos. Felizmente, alguns processos seletivos, como o vestibular seriado da UFMG, estão recuperando e reinserindo a análise literária e de outras semioses nas provas (realmente espero que isso possa mudar um pouco da realidade atual). Rildo Cosson consegue desmistificar o ensino da literatura sem banalizá-lo, oferecendo uma base teórica sólida, dialogando com nomes como Antonio Candido, Roger Chartier e Mikhail Bakhtin, sem perder o teor pedagógico do livro, o que torna a obra essencial para os estudantes de graduação. Ao terminar a leitura, fica a certeza de que a sala de aula pode ser, sim, um espaço de encantamento e de construção crítica, desde que estejamos dispostos a descer do pedestal acadêmico e sentar em círculo com nossos alunos, compartilhando a palavra e o mundo.

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Muito obrigada pela sua leitura, e até a próxima! ❤️

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— Mel

@melnoliteraverso

Como imaginamos o fim de um herói? Em campo de batalha, lutando contra os inimigos para o bem de seu povo, em sacrifício pela vida de alguém que importa mais do que a própria vida? Bom, não foi exatamente o que aconteceu com um dos heróis mais famosos da mitologia grega: Héracles (Ἡρακλῆς), ou Hércules, aquele que realizou os Doze Trabalhos, que subjugou o Leão de Nemeia e desceu ao Hades para capturar Cérbero. O herói encontrou o destino fatídico que o levou à ascensão divina no mais comum dos sentimentos: no ciúme.

Hércules se casou com Dejanira, filha de Eneu, rei de Cálidon (ou Calidão), território localizado na região da Etólia, no extremo oeste da Grécia central. (Veja no mapa abaixo)

Certo dia, precisaram, durante uma viagem, cruzar o Rio Evenus (ou Evinos/Eveno), localizado no oeste da Grécia. Hércules decidiu cruzá-lo a nado, mas Dejanira não conseguia atravessar da mesma forma. Foi então que o herói convocou o centauro Nesso, filho de Íxion e Néfele, para levá-la até o outro lado. No meio do caminho, o centauro sequestra Dejanira. Hércules sacou imediatamente seu arco e disparou uma flecha contra o centauro, que estava infectada pelo veneno da Hidra de Lerna. Num último golpe, Nesso chama Dejanira e, aproveitando-se da ingenuidade e da insegurança amorosa dela, mente: ele a convence de que seu sangue, seria um poderoso filtro de amor, capaz de garantir a fidelidade eterna de Hércules. Movida pelo medo de ser preterida ou esquecida, Dejanira recolhe o sangue envenenado, acreditando ter adquirido uma poção mágica.

Depois de travar uma batalha contra o rei da Ecália e sair vitorioso, Hércules leva a filha do Rei, a princesa Íole, como escrava. Então, alguns boatos começam a se espalhar, e claro, eles chegam aos ouvidos de Dejanira: Hércules estava supostamente apaixonado por Íole. Então, movida pelo ciúme, ela pega aquele sangue recolhido da ferida de Nesso e embebe uma túnica de Hércules com o líquido viscoso, acreditando ser esse líquido a solução do problema. Nunca esteve tão enganada.

Dejanira, então, despacha a túnica para o marido, que a veste. O contato da pele de Hércules com a vestimenta faz com que a pele do herói seja queimada e deixada em carne viva, e, ao tentar removê-la, arrancava a própria carne. O sangue continha o veneno da Hidra. A vingança de Nesso havia sido executada com sucesso.

A dor, insuportável levou o semideus à loucura. Diante da inevitabilidade de um sofrimento que nem mesmo sua força lendária podia vencer, Hércules ordenou a construção de uma pira funerária no Monte Oeta e deitou-se voluntariamente sobre a pilha de madeira, aceitando que o fogo era a única via de libertação da dor. Dejanira, ao saber do sofrimento atroz que involuntariamente causara, não suportou a culpa e, em um ato de remorso, tirou a própria vida. Depois das chamas terem consumido o corpo de Hércules, ele recebe a bênção da apoteose, concedida por Zeus em agradecimento pela luta efetiva na gigantomaquia, se tornando assim, uma divindade.

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— Mel

Sinopse do livro provida pela editora: Um mergulho na efervescência cultural e social da Vila Rica de Ouro Preto nos turbulentos anos da Inconfidência. Pelos olhos do jovem Afonso, A viagem proibida recria a atmosfera da Vila Rica, no coração das Minas Gerais, em um de seus períodos de maior efervescência. Além de descrever o dia a dia desse importante centro da economia no Brasil colônia, a narrativa também apresenta as tensões sociais e econômicas que fermentavam no local, em particular o descontentamento com os impostos exigidos pela Coroa portuguesa. Os ideais de igualdade dos inconfidentes, a filosofia e a mística organizadoras da resistência quilombola e o descontentamento do povo com as autoridades coloniais se unem numa aventura que encantará qualquer interessado pela história do Brasil.

Em “A Viagem Proibida: Nas Trilhas do Ouro”, a historiadora Mary del Priore aceita o desafio de nos transportar para o século XVIII (século 18), especificamente para o ano decisivo de 1789. A premissa nos apresenta a uma família portuguesa, um pai funcionário da Coroa e seus dois filhos gêmeos, Afonso e Francisco, que desembarca no Rio de Janeiro rumo às Minas Gerais, com a missão de investigar o contrabando de ouro e os rumores de revolta. O livro se apresenta, desde as primeiras páginas como uma janela para um Brasil que começava a questionar sua fidelidade à metrópole durante o acontecimento histórico chamado de Inconfidência Mineira.

“Tudo era perigoso.

— Viver era perigoso — disse ao mano.” — A Viagem Proibida, Mary Del Priore

(Achei muito interessante essa alusão a Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa)

A primeira questão estética que saltou aos olhos durante a leitura foi a sinestesia presente na descrição dos ambientes e de elementos cruciais da cultura das regiões em que o livro perpassa. Del Priore é hábil em pintar odores e texturas, descrevendo desde o “cheiro de coisa apodrecida” do cais do Rio de Janeiro até a culinária dos escravos e tropeiros, com seus angus e feijões tropeiros. É interessante que seja notada a diferença nos alimentos de cada divisão social presente na trama: vemos as cozinheiras negras debruçadas sobre tachos, remexendo a “pasta amarela”, um “caldo dourado” feito de miúdos, banha de porco e quiabo, mistura que alimentava a força de trabalho local, presente até hoje na nossa culinária. Em contrapartida, nos salões ou nas casas mais abastadas, o aroma muda para o doce, como o do pão-de-ló recém-saído do forno na casa de Ana.

“Os funcionários da Coroa eram perigosa corja. Tinha de tudo: juízes corruptos, governadores violentos que abusavam de seus poderes e protegiam bandidos, soldados que roubavam gente e animais.” — A Viagem Proibida, Mary Del Priore

O arco sobrenatural, sugerido pelo título e materializado no Livro dos Prodígios e Arcano Hermético, um manuscrito roubado da biblioteca da Ajuda que promete a transmutação de metais, apresenta um potencial narrativo que a obra resolve de maneira precipitada. A trama constrói um ambiente interessante ao fundir a alquimia europeia com a sabedoria ancestral africana de Cosme, que utiliza rituais de “desenfeitiçamento” e interpretações oníricas para guiar Afonso na leitura dos enigmáticos símbolos de homúnculos e esferas celestes. No entanto, após a meticulosa preparação da “Grande Obra”, a resolução é frustrada pela expectativa de um desfecho mágico ou aventureiro. Poderia haver um maior aproveitamento da própria trama para o desenvolvimento de algo talvez mais bem elaborado, não necessariamente complexo, pois o público do livro ainda é bastante jovem. Apesar disso, sequer posso diminuir o bom uso dos elementos de costumes brasileiros inseridos na obra para retratar a época.

“E havia também livros que eram mais perigosos se lidos aqui do que lá. Falavam contra a escravidão e a colonização. […] A intenção era manter todos na mais perfeita ignorância” — A Viagem Proibida, Mary Del Priore

Como recurso paradidático, a obra revela-se uma introdução competente ao universo da Inconfidência Mineira para o público jovem, traduzindo a complexidade fiscal e política do período, como a derrama e os quintos, em uma linguagem acessível. No entanto, o potencial da narrativa é por vezes refreado por uma execução que prioriza a didática em detrimento da fluidez da ficção, resultando em um enredo que, embora não precise ser labiríntico, poderia se beneficiar de um ritmo menos precipitado e de uma construção de clímax mais envolvente para o leitor. Da mesma forma, o aspecto estético e o design da obra poderiam ser mais explorados para capturar a imaginação visual dessa faixa etária, oferecendo uma experiência sensorial que acompanhasse a riqueza das descrições históricas, elevando o livro de um simples complemento escolar para uma leitura de entretenimento mais robusta e acabada. Com certeza os alunos vão gostar de trabalhar com “A Viagem Proibida”, sendo ele um ótimo livro para trabalhar literatura (sem deixar de explorar, por exemplo, a estética da sinestesia) e história conjuntamente.

— Mel

@melnoliteraverso

Atenção: esta resenha PODE CONTER SPOILERS!

Qual é a conexão entre uma fracassada tentativa de suicídio, uma injusta acusação de roubo contra uma estudante e a vida romântica de um famoso jogador de tênis? Para o observador comum, aparentemente nenhuma. Mas um encontro familiar em Gull’s Point, a casa de veraneio de uma viúva, traz antigos ressentimentos à tona e provoca um desfecho dramático. É aí que entra em cena o superintendente Battle,o astuto oficial da Scotland Yard que casualmente passava as férias nas proximidades. (Sinopse da editora)

A trama se desenrola em Gull’s Point, a residência de Lady Tressilian, uma aristocrata idosa e autocrática, mas justa, situada no topo de um penhasco em Saltcreek. Todo o cenário contém bastante contraste. Apesar de idílico, encantador, ele é, ao mesmo tempo, sufocante. O catalisador dessa tensão é Nevile Strange, um famoso tenista e ex-tutelado de Lady Tressilian, que insiste em uma reunião social absurda e moderna: passar o verão na casa de sua “mãe adotiva” com sua atual esposa Kay, e sua ex-esposa Audrey.

A estética do livro é construída sobre contrastes, quase como um jogo de luz e sombra que vemos nos quadros clássicos. De um lado, temos Kay Strange: “rosa vermelha”, cheia de vida, cor e paixão, mas também vulgar e temperamental. Do outro, Audrey Strange: “Branca de Neve”, pálida, silenciosa, uma figura que parece deslizar pela casa como um fantasma (lembre-me, de alguma forma, do conto de Poe, Ligeia).

“Havia algo de inatingível em Audrey Strange, […] Lembrava um fantasma, mas ao mesmo tempo sentia-se que neste fantasma havia algo mais real do que em qualquer ser humano vivo...” — Agatha Christie, Hora Zero

Christie utiliza essa dualidade não apenas para confundir o leitor, mas para explorar como diferentes tipos de personalidade reagem à pressão. O desenvolvimento psicológico de Nevile Strange é, talvez, o ponto alto da obra. Inicialmente apresentado como um “bom perdedor” e um esportista cavalheiro, sua máscara de sanidade começa a cair sutilmente conforme vamos lidando com a progressão dos acontecimentos dramáticos. A reviravolta da trama reside na descoberta de que o verdadeiro alvo do ódio não é a esposa atual, mas a antiga: Nevile não perdoou Audrey por tê-lo deixado (e não o contrário, como o mundo acreditava).

“Você não compreende? Deus pode precisar de você. [...] pode estar simplesmente andando por uma rua algum dia, e só em fazer isto, realizar algo terrivelmente importante. Talvez nem mesmo sabendo que o fez.” — Agatha Christie, Hora Zero

A investigação é conduzida pelo Superintendente Battle, um personagem que foge ao arquétipo do detetive excêntrico como Poirot. Battle é sólido, “esculpido em madeira”, e possui uma compreensão profunda da natureza humana, se utilizando de uma abordagem bastante metódica e focada na psicologia e na quebra de álibis aparentemente perfeitos. Ele percebe que o crime foi um “toque de mestre” , desenhado para parecer um crime passional cometido por Nevile, apenas para que este fosse inocentado e as suspeitas recaíssem, com força total e provas plantadas, sobre Audrey.

A autora manipula como a mestra que é a percepção do leitor, fazendo-nos olhar para o lugar errado (o triângulo amoroso superficial) enquanto o verdadeiro perigo (a psicopatia ferida de Nevile) cresce nas sombras. É um livro sobre a perversidade de um homem que, incapaz de aceitar a derrota no jogo da vida, decide quebrar todas as regras, culminando em um desfecho bastante satisfatório.

— Resenha escrita por Mel

@melnoliteraverso

“Eu li 100 livros este ano”. Quantas vezes você já ouviu ou leu coisas parecidas enquanto passava pelas redes sociais de influenciadores digitais voltados à leitura? Aposto que depois de saber dessa informação, o pensamento foi logo nos míseros quase 10 livros que leu no mesmo ano. É impossível não querer também ter lido essa quantidade toda de obras, aliás, quem lê tanto assim deve ser muito mais inteligente, mais culto. . . né?

Não necessariamente.

Existe, na cultura digital contemporânea, uma métrica de sucesso intelectual que se manifesta na forma de listas anuais e desafios puramente numéricos. A ostentação de dezenas, ou mesmo centenas, de títulos consumidos anualmente transformou a leitura em uma espécie de esporte de alto rendimento, uma competição de volume frequentemente celebrada nas redes sociais. No entanto, é imperativo questionar se essa obsessão quantitativa traduz-se em leitura de qualidade, ou se ela é, na verdade, um sintoma da nossa sociedade voltada para a produção rápida e superficial, fruto de um sistema competitivo e que cobra constante rendimento e produtividade.

E a reflexão? Onde está?

Completar um livro rapidamente, ou ler o máximo possível em um mês, torna-se o objetivo final, em detrimento da absorção, da reflexão crítica e da capacidade de síntese. Este modelo competitivo impõe um ritmo que é hostil à leitura profunda (ou deep reading), que é o verdadeiro motor do crescimento intelectual. O leitor, pressionado a atingir o próximo marco numérico, tende a desenvolver uma leitura superficial, um hábito que a neurociência cognitiva tem estudado com crescente preocupação.

Ou seja . . . alguém que leu apenas 10 livros no ano inteiro pode ter tido momentos muito mais proveitosos e agregadores com as obras, colaborando para a correta absorção de informações e estimulando as reflexões acerca das temáticas e do trabalho estético do autor, do que alguém que leu 100 livros e já esqueceu 80% de tudo aquilo que leu.

O que a ciência fala?

Pesquisas recentes em psicologia cognitiva e neurociência fornecem evidências sólidas de que o ato de skimming (passar os olhos rapidamente pelo texto), também conhecido como leitura dinâmica, inerente à leitura excessivamente veloz e volumosa impede a formação de circuitos neurais complexos necessários para a compreensão global do conteúdo. (Leia este artigo de Maryanne Wolf para entender um pouco mais sobre o skimming).

Estudos coordenados pela Dra. Anne Mangen, da Universidade de Stavanger, na Noruega, demonstraram que, especialmente em textos longos e complexos, a leitura em tela ou a leitura rápida comprometem a capacidade do indivíduo de reter o conteúdo no longo prazo e, mais importante, de sintetizar informações globais. A leitura superficial é suficiente para o reconhecimento básico, mas falha miseravelmente quando a tarefa exige a compreensão de analogias, ironias e a estrutura argumentativa integral do texto. Esses aspectos formais e estilísticos são o que fazem da literatura o que ela é. A literatura vai muito além do enredo, se estendendo ao trabalho com a palavra, ela é isso: a arte da palavra.

“As palavras de uma boa prosa significam o que elas dizem. As palavras de uma boa poesia significam o que elas não dizem.” - G. K. C., Daily News, 22 de Abril de 2005

A leitura proveitosa

A leitura, em sua forma mais produtiva e enriquecedora, exige tempo. É um processo que não pode ser totalmente otimizado. A métrica de sucesso não deveria ser a pilha de livros que se empilha na estante ao longo de um ano, mas sim o nível de transformação intelectual que o leitor experimenta ao terminar uma obra. Um único livro lido com profundidade, que desafie a permanência no enredo e expanda o universo de referências do leitor, é infinitamente mais valioso do que dezenas de títulos superficialmente consumidos para cumprir uma meta arbitrária.

Muitas coisas também influenciam o quanto uma pessoa leu naquele ano: trabalho, estudos, dificuldades financeiras etc., e a realidade em que cada indivíduo está vivendo na sociedade também é um fator crucial. Não é possível comparar a quantidade de obras lidas de alguém que trabalha integralmente com a leitura com outro que trabalha o horário comercial padrão, ou estuda conteúdos específicos complexos durante o dia com a intenção de passar em um concurso. Essa questão nos leva à reflexão e ajuda a reconhecer que a quantidade - mesmo com a diferença de vivências diárias - é servente da disponibilidade, mas isso não descarta as questões anteriormente abordadas em relação à qualidade da leitura feita.

É bom pensar em se deliciar com a literatura, explorar o que o autor quer nos contar (ou não), dançar a mesma dança que a mão que segura a caneta faz ao entrar em contato com o papel e desenhar traçados que, no final, fazem arte. É completamente transformador chegar ao final de um livro e poder falar “meninos, eu li”.

Assim o Timbira, coberto de glória,
Guardava a memória
Do moço guerreiro, do velho Tupi.
E à noite nas tabas, se alguém duvidava
Do que ele contava,
Tornava prudente: “Meninos, eu vi!”.

- Gonçalves Dias, I-Juca Pirama

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Novembro, 2025.

ATENÇÃO: Este texto contém spoilers sobre a obra por se tratar de um texto analítico. Se você não se importa com isso, bem-vindo! Ele é para você!

No vasto panorama da literatura romântica, poucas obras capturam a essência da paixão desenfreada e do destino trágico com a intensidade de “Amor de Perdição”, de Camilo Castelo Branco. Publicado em 1861, este romance é uma homenagem à tragédia do amor proibido, ecoando, em muitos aspectos, a obra que William Shakespeare imortalizou séculos antes com “Romeu e Julieta”.

“Se viveres, um dia serás livre; a pedra do sepulcro é que nunca se levanta.” - Camilo Castelo Branco, Amor de Perdição

À primeira vista, as semelhanças entre a história de Simão Botelho e Teresa de Albuquerque e a dos amantes de Verona são bastante notáveis, e é impossível não se lembrar da tragédia dos dois amantes. Ambos os casais são vítimas de um ódio que perdura anos entre suas famílias - os Botelhos e os Albuquerques em Portugal, os Montecchios e os Capuletos na Itália. Enquanto Romeu e Julieta, em sua juventude e impulsividade, buscam um caminho para a união que a sociedade lhes nega, Simão e Teresa parecem fadados a um destino pré-determinado. A paixão de Simão, embora ardente, é frequentemente acompanhada por uma fúria e um desespero que o empurram para atos de violência, como o assassinato de Baltasar, o prometido de Teresa. Esta ação, embora motivada pelo amor, sela irrevogavelmente o seu destino, distanciando-o de qualquer possibilidade de redenção terrena.

Camilo não hesita em mergulhar nas profundezas da alma humana, explorando a obsessão, a honra ferida e a resignação perante um destino adverso. A sociedade portuguesa do século XIX, com seus valores rígidos e sua estrutura patriarcal, age como uma prisão para os amantes, cujas escolhas são sempre limitadas e as consequências, severas. Teresa, em particular, é uma figura de pureza e devoção inabalável, cuja fé e lealdade a Simão transcendem as barreiras físicas e sociais. Comparado a Julieta, que desafia abertamente sua família e as normas sociais em nome do amor, Teresa assume uma postura mais contemplativa e resignada, mas não menos poderosa em sua resistência passiva. Sua força reside na constância de seus sentimentos e na sua capacidade de suportar a dor com uma dignidade quase santificada (tanto que é levada a um Convento no Porto).

“Não deve custar a morte a quem tiver o coração tranquilo. O pior é a saudade, saudade daquelas esperanças que tu achavas no meu coração.” - Camilo Castelo Branco, Amor de Perdição

Em última análise, tanto “Amor de Perdição” quanto “Romeu e Julieta” nos lembram da força avassaladora do amor e da fragilidade da vida humana diante de forças maiores, seja o ódio familiar, o destino ou as imposições sociais. São obras que, mesmo com o passar dos anos, não são esquecidas quando são lidas por leitores atentos e que se dedicam à história tanto quanto os amantes se dedicaram ao amor. São livros de deleite, para se ler com calma, deliciando-se com o sabor - um pouco amargo - de um amor não correspondido, que mata por dentro, mas floresce esperanças para aqueles que ainda acreditam, a falsa morte.

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Este post foi feito com base no livro recebido da Editora Unesp, fruto de uma grande parceria.