aufmerksamen Leser:innen wird es vielleicht aufgefallen sein: Letzte Woche kam keine neue Ausgabe von Misfits & Margins. Es ist dem Workload der letzten Wochen geschuldet und genau damit steigen wir in dieser Ausgabe von Misfits & Margins ein. Im ersten Pick geht es um eine neue Art von Retail Therapy als Stress Relief - Dopamine Sites. Weiter geht es mit der ersten genossenschaftlichen Musikstreamingplattform, um dann auf Hermès und die Liebe zu human- und hand-made Content zu schauen.

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Viel Spaß mit Ausgabe 009 von Misfits & Margins. To all the misfits!

Pick 01: Artifical Dopamine Hits aus Südkorea

Themenfeld: Consumer Behaviour & E-Commerce

Die letzten vier Wochen waren bei mir stressig, enorm stressig. Mein Weg, mit Stress umzugehen? Unter anderem Retail Therapy. Nicht gut für das Konto, aber Balsam für die Seele, wenn Deadlines drücken und der Workload sich stapelt. Aus Südkorea kommt ein Trend, der meinem Konto ordentlich Entlastung gebracht hätte: „Dopamine Sites”.

Seiten wie Dopamine Shop und FoodNeverComes bauen das Shopping-Ritual nach: Produkte suchen, Reviews vergleichen, in den Warenkorb legen, Adresse eingeben, bestellen, Lieferung tracken. Nur kommt nie etwas an. Aber man zahlt auch nichts.

Klingt absolut absurd, finde ich, hat aber eine ganz spannende These zur Grundlage: Vorfreude > Erhalt oder Shopping > Purchasing.

Während der ganze E-Commerce-Funnel auf einen einzigen Moment gebaut ist: den Checkout. Conversion Rate, Warenkorbabbrecher, Retargeting - also den Kaufabschluss, verlagern Dopamine Sites den Fokus auf den Schritt davor: das Aussuchen, das Stöbern und dann den fiktiven Kaufabschluss.

Kim, ein 25-Jähriger aus Südkorea hat beispielsweise eine Dopamine Food Delivery App designt. Der Grund? Eine Lösung, um den Late-Night-Cravings zu widerstehen: “There are many times when I crave food late at night but hold back to save money. It feels like a real delivery app, so I somehow keep looking at it,” […] “I don’t end up ordering anything, but it feels like it relieves a little stress.” (Curation Edit)

Das Ritual des Shoppings ist spannender und vor allem erreichbarer als der Besitz selbst. Das gesparte Geld ist der Trigger, der mit Leaderboards immer zum weiteren Nicht-Shoppen anregt. Wäre ich eine Bank, würden mich solche Kontexte wahrscheinlich für meine Anlageprodukte interessieren.

Denn Dopamine Sites sind nicht allein Gen-Z-Spielerei. In Seoul frisst eine Ein-Zimmer-Wohnung schon mal den Großteil vom Netto eines Absolventen. Eine Generation, der Konsum als Lifestyle als Ultimo angepriesen wurde, steigt leise aus. Fake Shopping ist da eine erstaunlich rationale Anpassung: das Gefühl behalten, die Schulden weglassen.

Zum Nachlesen:
🔗 The online shopping trend where you buy nothing – Rest of World
🔗 The Comfort of Almost – Curation Edit

Pick 02: Genossenschaftliches Musikstreaming - Subvert

Themenfeld: Music & Business Models

Über 20.000 Menschen besitzen eine Musikplattform. Keine Investoren, keine VCs, sondern Artists, Labels und Fans. (Hypebot)

Die Plattform heißt Subvert, ist im Mai 2026 live gegangen. Subvert ist ein bisschen das, was Bandcamp mal war, bevor es 2022 an Epic Games und 2023 weiter an Songtradr durchgereicht wurde.

Subvert dreht die Idee von Plattform-Ownership um. Artists, Labels, Fans und die Angestellten selbst sind Miteigentümer, sie wählen den Vorstand - ein Mitglied, eine Stimme. Der größte Unterschied zu anderen Streaming-Plattformen? Subvert nimmt 0% Plattformgebühr. Der volle Kaufpreis geht an den Artist. Finanziert wird die Plattform über freiwillige Sponsoren. Ob das trägt, wird sich zeigen. Subvert hat angekündigt, das Modell öffentlich zu evaluieren.

Das Model ist nichts Neues. Eigentlich ist das älteste Geschäftsmodell der Welt im neuen Gewand. 19. Jahrhundert, Rochdale, England. 28 Weber legen je ein Pfund zusammen, damals zwei Wochenlöhne, und gründen. Daraus werden die Rochdale-Prinzipien, die bis heute jede Genossenschaft weltweit tragen. In Deutschland erfinden Schulze-Delitzsch und Raiffeisen in den 1860ern die Kreditgenossenschaften, die Ursprünge der Volksbank. 1956 gründet ein baskischer Priester Mondragon, heute 70.000 Beschäftigte, 11 Milliarden Umsatz, die größte Arbeitergenossenschaft der Welt. Subvert nennt sich selbst “Mondragon of Music”. (Subvert.fm)

Subvert’s founder Austin Robey put it directly in an interview: “The primary product of Subvert is the co-op. It’s not the platform.” (The Fader) Die meisten Plattformen definieren die Infrastruktur als das Produkt. Subverts Musik-Marketplace ist ein Tool, um Mitglieder in eine selbstverwaltete juristische Entity zu bringen, bei der es um collective Ownership geht. Governance wird zum Produkt.

Die eigentliche Frage an Subvert ist nicht, ob es erfolgreicher als Bandcamp wird, sondern ob kooperativer Besitz ein langfristiges Geschäftsmodell im Musikmarkt ist oder ein idealistisches Experiment bleibt, das sich gegen die Macht der Big Player der Branche stellt.

Zum Nachlesen:
🔗 How Subvert is building a co-op owned Bandcamp alternative; The FADER 🔗 Subvert.fm and the Plan for the Artist-Owned Internet – Murat Esmer

Pick 03: Der Erfolg von Human-made Design im Luxusmarkt

Themenfeld: Design & Fashion

Anfang August hat Hermès seinen Online-Store neu bespielt. Keine CGI, kein Stock, keine KI, sondern Papier. Die Künstlerin Sarah Martinon hat die Illustrationen von Hand gemacht, Armand Béraud hat sie für jede Sektion des Hermès-Onlineshops animiert. Ein handgemalter Laden, Abteilung für Abteilung.

Der Auftrag kam keine zwölf Monate, nachdem Martinon im Dezember die Schaufenster der Lugano-Boutique von Hand bemalt hatte. Im Januar hatte schon die französische Illustratorin Linda Merad die komplette Website übernommen, zum ersten Mal überhaupt setzte Hermès Illustrationen auf seiner Seite ein, dazu eine große Neujahrskampagne, in der ihr Lithografie-Stil vom Animator Quentin Klein zum Leben erweckt wurde.

Hermès baut seinen Ruf seit fast einem Jahrhundert auf einem Detail auf, dem doppelnadeligen Sattelstich, jede Birkin von einer einzigen ausgebildeten Hand gefertigt.

Vom Sattelstich bis zum digitalen Schaufenster gilt eine klare Markenhaltung und -handlung: sichtbar von Menschen gemacht, und genau deshalb teuer. Seit Jahrzehnten arbeitet das Haus mit echten Künstlern, von Bauhaus-Ikone Josef Albers über Karel Martens bis zum Fotografen Hiroshi Sugimoto. (Highsnobiety) Und das bringt Erfolg.

Während der Luxus-Fashionmarkt nur noch langsam bis moderat wächst (Textilwirtschaft), spricht Hermès nach dem ersten Halbjahr 2026 von Momentum und starken Wachstumsraten (Hermès). Dass der alleinigen Liebe zu “Human-Made” Content und Design zuzuschreiben ist, wäre wohl eine Umdrehung zu weit. Nichtsdestotrotz ist die markenstrategische Ausrichtung auf Exzellenz und Handwerk an jedem Punkt der Markenexperience eine clevere Strategie in Zeiten von KI-Slop und Automatisierung.

Der Case Hermès bringt zwei Beobachtungen aus den letzten Wochen zusammen: die absolute Wertsteigerung von “Human-Made” als Label in Zeiten von KI (Mistfits & Margins Issue 002) sowie die Rückbesinnung starker Marken auf ihre Heritage in Zeiten unendlicher Reproduzierbarkeit (Misfits & Margins Issue 004).

Was wir hier sehen, ist eine Langzeitstrategie, die sich mit der verändernden Welt, ihre volle Wirkung entfaltet.

Zum Nachlesen:
🔗 Step inside Linda Merad’s whimsical and poetic illustrated universe for Hermès; It’s Nice That
🔗 State of the Art: In the Age of AI, Hermès Goes All-In on Illustration; Highsnobiety

Zum Schluss: Eventankündigung
Fireside Chat beim IVY Female Collective, Hamburg

Seit knapp vier Wochen bin ich Co-Lead beim IVY Female Collective in Hamburg. Das IVY Female Collective ist eine Community ambitionierter Frauen aus ganz unterschiedlichen Berufen, Branchen und Karrierestufen.

Bei unserem Fireside Chat am 8. September geht es um das Thema “Kündigungs- & Trennungssituationen”. Wir freuen uns auf ein spannendes Gespräch mit zwei Frauen, die das Thema rechtlich und organisatorisch beleuchten.

Mit dabei: Theresa Arndt LL.M. (Université Paris 2 Panthéon-Assas), Rechtsanwältin, und Sabine Menke, Director People & Organisation. Gemeinsam sprechen sie über die Fragen, die uns als Arbeitnehmerin und/oder Führungskraft in Trennungssituationen begegnen können.

Wann? 8. September, 18:30 Uhr
Wo? Hamburg, Heidi-Kabel-Platz 2
➡️ Link zur Anmeldung für alle Interessentinnen: HIER

Und damit bis zur nächsten Ausgabe von Misfits & Margins.

Der Themenstretch ist in der achten Ausgabe breit. Wir bewegen uns zwischen Hamburg und Lagos: LVMH hat Interesse an HYROX, Mogelpackungen aka Enshittification und ihre Auswirkungen auf Businesses sowie ein Spot on Nollywood, die nigerianische Film & Design Industrie.

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To all the misfits, viel Spaß mit Ausgabe 008.

Pick 01: Von Hamburg straight in die Luxuswelt - HYROX

Themenfeld: Sports & Fashion

Bis zu 1 Milliarde Dollar, so hoch wird der Wert von HYROX aktuell geschätzt. (Stock World) Gegründet in Hamburg, mittlerweile famously known und beliebt in der ganzen Welt.

Für alle, die noch nie von Competition Sled, Assault Bike und Wall Balls gehört haben, hier ein bisschen Background: HYROX wurde 2017 in Hamburg gegründet, von Christian Toetzke und dem Ex-Hockey-Olympiasieger Moritz Fürste. Der Ablauf des Fitness-Wettkampfs ist immer gleich, egal ob Berlin oder Bangkok. Acht Kilometer Laufen, dazwischen acht Fitnessstationen, Schlitten schieben, Rudern, Burpees.

Weil jede Strecke identisch ist, ist deine Zeit weltweit vergleichbar. 2026 werden über 1,3 Millionen Menschen in 34 Städten antreten (DIE ZEIT). Rekord!

Die Ökonomie hinter HYROX ist spannend. Das Stichwort der Stunde lautet „Culture-led Sports Ecosystems”. (Highsnobiety) Das HYROX-Kernprodukt ist basically ein Workout und wird damit ein Spielfeld für diverse Kooperationen und Produkte: HYROX-Cruises (Fitness-Wettkampf und Training auf einem Kreuzfahrtschiff), Schuhe, Shirts, Equipment, das Haus of HYROX (eine Location für Training, Ernährung, Co-Working und Community Events) und vieles mehr. Der Invest für Kundenakquise steht in keinem Vergleich mit klassischen Sports Brands. Jede Finisher-Zeit, jedes Workout-Posting ist die beste Anziehungskraft für potenzielle neue Customer. Community wird zum „Commercial Asset”.

HYROX’ Umsatz stieg von rund 40 Millionen Euro auf 133 Millionen in zwei Jahren, bei zirka 20 Prozent EBITDA-Marge. (Capital) Der aktuell potenzielle Investor kommt nicht aus dem Sportsbereich, sondern aus der Luxuswelt: L Catterton, eine Private-Equity-Firma, an der LVMH und die Familie Arnault maßgeblich beteiligt sind. Letzte bekannte Investments liefen in Peloton, Equinox und Birkenstock. Aktuell gibt es exklusive Gespräche über eine Beteiligung bei HYROX.

Das potenzielle Invest ist eine Wette darauf, wie Status in Zukunft funktioniert. Health, Power und Performance beweisen mehr Status als die Handtasche, die du easy shoppen kannst. Zugehörigkeit und Anerkennung innerhalb einer Community haben mehr Wert als Bewunderung von der breiten, aber anonymen Masse.

L Cattertons Interesse an HYROX ist nur ein Beispiel für die Umkehr der Beziehung von Culture und Sports. Highsnobiety formuliert es so: „For decades, sports brands chased culture. Today culture is chasing sports.” (Highsnobiety) Kein Wunder: Kaum etwas transportiert Ambition, Identität und Zugehörigkeit so unmittelbar wie Sport.

Zum Nachlesen:
🔗 L Catterton in Talks for Stake in Hyrox, Bloomberg
🔗 Athletes are Cultural Editors, Highsnobiety

Pick 02: Neue Perspektiven auf “Enshittification”

Themenfeld: Business & Customer Relation

„Die Packungen werden immer kleiner, die Preise immer teurer.”, wie oft ich das am heimischen Küchentisch gehört hab. Das, was die Verbraucherzentrale als “Mogelpackung” bezeichnet, klingt bei Cory Doctorow etwas buzz-wordiger: Enshittification, 2023 Wort des Jahres. Gemeint ist das schleichende Verschlechtern von Produkten und Services zugunsten der Marge. Kleinere Portion, gleicher Preis. Ein Feature wandert hinter die Paywall. Der Kundenservice wird ein Chatbot.

Matt Klein, Head of Foresight bei Reddit, hat mit YouGov über tausend Amerikaner gefragt, ob Unternehmen ihre Kundschaft ernst nehmen. 62 Prozent sagen, Firmen priorisieren Wachstum, auch wenn es die Kundenerfahrung kaputt macht. Unter 2 Prozent glauben das Gegenteil. UNTER ZWEI!

Bisher wurde das immer als Kosten für Konsument:innen diskutiert. Kleins Studie fragt, was es die Unternehmen kostet. Die Antwort ist unangenehm: 81 Prozent der Konsument:innen haben im vergangenen Jahr tatsächlich reagiert, nicht überlegt, sondern gehandelt. 45 Prozent haben gekündigt oder ein Produkt komplett aufgegeben. 38 Prozent haben eine Marke innerlich für immer abgeschrieben. Das Fatale? Die Feedbackbereitschaft ist auf einem Allzeittief. Wer den Eindruck hat, dass niemand zuhört, hat eben auch nicht die Motivation, seine Punkte zu adressieren.

Die Generationen bestrafen unterschiedliche Sünden. Gen Z geht bei digitaler Ausbeutung, 53 Prozent würden gehen, wenn Features hinter eine Paywall wandern, bei Boomern sind es 31. Boomer und Gen X gehen bei Entmenschlichung, über die Hälfte würde einen schwer erreichbaren Kundenservice mit Abwanderung quittieren, bei Gen Z ist es gut ein Viertel. Anders gesagt: Es gibt keine Zielgruppe, die verzeiht. Nur unterschiedliche Auslöser.

Mein Lieblingsdetail der Umfrage: 12 Prozent der unzufriedenen Konsument:innen sind zu einer teureren Alternative gewechselt. Einer von acht zahlt inzwischen freiwillig einen Aufpreis. Qualität als Fluchtweg aus der never ending Verschlechterung der Dinge.

Hier geht es zu mehr spannenden Facts, Zahlen und Einschätzungen von Matt Klein:

ZINE

Stop Enshittifying Yourself

This is the third report collaboration between ZINE x YouGov, an initiative studying under-surveyed cultural phenomenon. Previous studies investigated shame, demographics and the role of business, and self-reported AI-content detection skills and responses…

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a month ago · Matt Klein

Pick 03: Nollywood und die Power eigener Strukturen

Themenfeld: Film & Culture

2024 drehten Netflix und Amazon den Geldhahn für nigerianische Originals zu. Ein Jahr später stieg das westafrikanische Box Office um 36 Prozent. (LA Times)

Kurz zur Einordnung: Nollywood ist der Begriff für die nigerianische Filmindustrie, gemessen an der Zahl produzierter Filme die zweitgrößte der Welt nach Indien. Aktuell arbeiten in Nigerias Film- und Musikindustrie 4,2 Millionen Menschen. Nollywood produziert jährlich mehr als 2.500 Filme und trägt über 154 Milliarden Naira zum nigerianischen Bruttoinlandsprodukt bei. (Rome Business School)

Entstanden ist sie in den 90ern. Damals gab es keine staatliche Förderung, also produzierten arbeitslose Schauspieler und Crews ihre Filme selbst und verkauften sie auf VHS und DVD, um die Kosten wieder reinzuholen. Kein großes Studiosystem im Hintergrund. Der Name “Nollywood” wurde 2002 von einem Journalisten der „New York Times” geprägt. (fluter)

Als Netflix 2016 in den Markt ging, sicherte sich der Streamingdienst „Lionheart”, einem der bekanntesten Nollywood-Filme von Genevieve Nnaji und investierte bis 2023 geschätzte 23,6 Millionen Dollar in Originals und Lizenzen. Amazon zog 2022 nach. Die Produktionsqualität stieg, Private Equity kam rein, allein 2020 entstanden 2.599 Filme. 2024 war Schluss: wirtschaftliche Lage zu schwierig, zu wenig Abonnenten, das Funding wurde gestrichen. Doch der DIY-Spirit und die Creative Power von Nollywood wussten auch damit umzugehen: Nigeria baute Kinos. Die Zahl der Leinwände wuchs zwischen 2019 und 2025 von 218 auf 369. Zum ersten Mal lief mehr eigenes Kino als amerikanisches. Funke Akindeles „Behind the Scenes” knackte als erster Nollywood-Titel die Milliarde Naira im Erscheinungsjahr, in 19 Tagen. (LA Times)

Ein echtes Exportthema sind Nollywood-Produktionen noch nicht. Regisseur Niyi Akinmolayan sagt offen, dass es außerhalb Afrikas kaum Interesse an afrikanischem Content gibt. Nigerianische Filme lassen sich nicht einfach problemlos nach Ghana oder Südafrika verkaufen, weil Humor und kulturelle Nuancen sich nicht einfach übersetzen. Die aktuelle Antwort darauf ist nicht Marketing, sondern andere Filme: Stoffe mit thematisch kulturell relevanten Anknüpfungspunkten, in denen sich andere wiedererkennen. Für neue Auslandsmärkte stehen Dokumentationen im Vertrieb an erster Stelle. Sie bauen kulturelles Verständnis auf und wecken so Interesse an Nollywood-Produktionen. (LA Times)

An den Nollywood-Entwicklungen finde ich spannend zu sehen, dass Relevanz nicht bei Kanälen nicht anfängt, sondern beim kulturellen Verständnis. Das ist the first thing to do, alles andere kommt danach.

Zum Nachlesen:
🔗 Nollywood’s next act: How Nigeria’s film industry is leveling up, Los Angeles Times
🔗 2026 Is Breaking the Traditional Development Model, Open Access Government

Spot-On: Nollywood Design Aesthetics

Wer jetzt Lust hat, sich jetzt noch weiter mit Nollywood und vor allem Design-Ästhetiken auseinanderzusetzen, hier ein schöner Artikel zu „The unique design influence of Nollywood movie poster nostalgia” von It’s nice that.

Baseline: Nachdem die hochdramatischen Trailer und überbordenden Plakatdesigns der Anfänge von Nollywood cleaneren Aesthetics gewichen sind, folgt nun eine Ära der Reminiszenz an die Ursprünge. Auch Nollywood erlebt ein Nostalgie-Momentum. Ein spannender Visual Artist, der neue und alte Welt verbindet: Iyebiye Adeitan

Und jetzt happy Summer und bis zur nächsten Ausgabe von Misfits & Margins.

wow, über die letzten Wochen sind ganz schön viele neue Menschen dazugekommen. Bevor wir in die neue Ausgabe von Misfits & Margins starten: schön, dass ihr da seid! <3

Hi, ich bin Julia. Misfits & Margins ist mein Side-Projekt, mein persönlicher Marketing- und Culture-Radar. Hier geht es nicht um die hottest News und latest Trends, sondern um meinen spezifischen Point of View auf die Zeichen der Zeit in Musik, Kunst, Design, Marketing und ein bisschen Tech. Ich schaue auf Themen, die sich an den Rändern entwickeln, als Gegenentwurf zum Mainstream sowie auf Spannungen, die Etabliertes in Frage stellen. Alle zwei Wochen gibt es eine neue Ausgabe.

In der siebten Ausgabe von Misfits & Margins schauen wir darauf, wie TIDAL als erste Musikstreaming-Plattform KI-generierten Tracks den Geldhahn zudreht und damit gegen Milliarden-schweren Streaming-Betrug vorgehen will. Wir fragen, warum ausgerechnet ein 30 Jahre alter Mercedes W124 zum Quiet-Luxury-Statement einer Generation wird. Und wir sezieren Reddits Dilemma, dieselben Community-Daten lukrativ an KI-Firmen zu verkaufen, auf deren Exklusivität eigentlich das eigene Werbegeschäft beruht.

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To all the misfits, los geht’s!

Pick 01: TIDAL gegen KI-Fraud

Themenfeld: Music & Streaming

KI-Content flutet nicht nur soziale Netzwerke, sondern ist mittlerweile großer und fester Bestandteil von Musik-Streaming. Im April 2026 wurde bekannt, dass auf Deezer fast jeder zweite hochgeladene Song von einer KI stammt. CRAZY! Die einzelnen Streaming-Anbieter haben das Thema schon längst auf ihrer Agenda und reagieren mit Kennzeichnung. Die Streaming-Plattform TIDAL geht jetzt einen Schritt weiter: Seit dem 15. Juli werden KI-generierte Tracks nicht mehr nur als “KI-Track” gelabelt, sondern TIDAL zahlt für Songs, die ausschließlich von einer KI erzeugt wurden, kein Geld mehr aus.

Warum das so wichtig ist? Hier einmal rough skizziert wie die Monetarisierung von Streamingsongs läuft: Wenn ein Song aus Plattformen gestreamt wird, wird das Geld für diesen Stream aufgeteilt. Ein Teil geht an das Label (wenn vorhanden). Ein Teil geht an die Person, die den Song aufgenommen hat, also die Künstler:in (Leistungsschutzrecht). Ein anderer Teil geht an die Person, die den Song geschrieben hat, also die Songwriter:in (Urheberrecht). Bei vielen “echten” Songs sind die Rechteinhaber und damit Ausschüttungsberechtigten unterschiedlichen Parteien. Ein reiner KI-Track hat keinen menschlichen Songwriter und ist urheberrechtlich niemandes Werk. Das heißt: Der Topf für die Urheberrechte, für Songwriter, existiert bei einem KI-Track schlicht nicht. Dieser Anteil bleibt bei der Person, die den KI-Track hochgeladen hat.

Der Knackpunkt: Auf Streaming-Plattformen, wo KI nach klassischem Denken monetarisiert wird, behält die Person hinter einem KI-Track pro Stream einen größeren Anteil als eine Künstler:in, die ihren Song mit einer Songwriter:in, meistens vertreten durch die GEMA, teilt. Der klassische Geld-Split fehlt. Damit verwässert KI den Ausschüttungstopf an echte Artists nicht nur durch die Masse an KI-Songs, sondern eben auch durch die schmale Auswertungsstruktur, die hinter einzelnen Tracks steckt.

KI-Fraud im Musikstreaming ist längst ein Geschäftsmodell geworden: Betrüger:innen nutzen KI-Generatoren, wie u.a. Suno, um Millionen Tracks zu erstellen und damit die Plattformen zu fluten. Um automatische Erkennungssysteme nicht auszulösen, wird nicht ein einzelner Track in einem hohen Volumen gestreamt, sondern viele Tracks nur tausend Mal. Eine Studie von CISAC und PMP Strategy hat prognostiziert, dass dadurch bis 2028 etwa 25% der Tantiemen, 4 Milliarden Euro, für echte Artists gefährdet sind. (forbes)

Prominentestes Beispiel ist der Fall von Mike Smith, der sich dieses Jahr schuldig bekannte, in großem Stile KI-Streaming Betrug begangen zu haben. Smith gab zu, die Musikindustrie um über 8 Millionen Dollar geprellt zu haben. (Rolling Stone)

TIDALs Schritt ist ein Novum in einer Industrie, in der sich die meisten Player auf Kennzeichnung und Spam-Filter fokussieren: ‘Industry analysts note that the new policy could influence how AI music is distributed. By cutting off revenue for fully AI tracks, TIDAL creates a financial disincentive for large‑scale AI music uploads, which could reduce the volume of AI‑only content on the platform. The move also signals a stance that may encourage artists and labels to use AI tools in collaborative ways that still involve human creation.’ (musicnews.com)

Abzuwarten bleibt, ob in Zukunft auch andere Streaming-Plattformen bei der härteren Regulierung von KI-Song-Monetarisierung mitziehen.

Für mich gilt weiterhin: Support Your Favorite Artists! Daher an der Stelle ein human-made Track, der seit zwei Wochen bei mir rauf und runter läuft: Chris Lorenzo & Kah-Lo mit In This Bih’

Zum Nachlesen:
🔗 How AI-Generated Music Became A $4 Billion Fraud Machine, Forbes
🔗 TIDAL to Cut Monetization for Fully AI-Generated Music, musicnews.com
🔗 AI Music Labels Land Tomorrow, TechTimes

Pick 02: Mercedes W124 als Luxus-Statement

Themenfeld: Design & Fashion

Der Mercedes W124 stand früher bei Opa in der Garage. Heute steht er in Prenzlauer Berg vorm Späti, als Statussymbol. Geschraubt wird von Leuten, die bei Marktstart noch nicht geboren waren. Der Marktwert des Benz steigt. (auto, motor und sport) Ob ich vielleicht auch dieses Wochenende eine kleine Probefahrt gemacht habe? Wahrscheinlich.

(Anmerkung: Bin nicht ich in dem Instagram-Post.)

Quiet Luxury auf vier Rädern. Dieselbe Generation, die auf Depop nach dem perfekt getragenen Kaschmirpulli jagt, kauft sich lieber einen 30 Jahre alten Diesel mit Patina als ein Neuwagen-Abo. Die neuen Parameter des Luxusempfinden: Teuer aussehen, ohne neu zu sein. Geschmack zeigen, nicht Kaufkraft.

Der Benz ist das sichtbarste Symptom. Analog wird gerade zum Luxussignal, quer durch alle Kategorien. Getragene Designerkleidung auf dem roten Teppich. Analoges Hi-Fi in Listening Bars. Es ergibt sich ein Muster: Das Taktile, das Gemachte, das Reale schlagen den Hochglanz.

Das geht auch an der Automobilindustrie nicht vorbei. Mercedes, die Marke mit dem dashboardbreiten Hyperscreen, holt die physischen Knöpfe zurück. Begründung des Software-Chefs: Die Daten zeigen, dass Buttons einfach besser sind. Volkswagen ist zuvor vorausgegangen. (heise) Ab 2026 gibt EuroNCAP die Bestnote nur noch für Autos mit echten Bedienelementen für Blinker, Hupe, Scheibenwischer. (Inside EVs)

Zehn Jahre lang war der Screen das Premium-Signal. Nahtlos, glatt, wischbar, Zukunft. Doch die Zeiten haben sich geändert. Während alle noch dachten, mehr Display sei mehr Fortschritt, ist der neue Luxus die Wiederverbindung mit dem echten Fahrgefühl. ‘Complexity and craftmanship has become the real luxury,’ sagte 2025 Bugatti CEO Mate Rimac. (Alloy)

Die Codes für “hochwertig” invertieren sich gerade. Wer seine Marke über perfekte, geglättete, digitale Makellosigkeit inszeniert, signalisiert plötzlich das Gegenteil von Luxus. Reibung, Haptik, sichtbare Handarbeit, das ist die neue Distinktion.

Zum Nachlesen:
🔗 End Screen: How Analog Will Be the New Luxury, Alloy
🔗 Mercedes W124 wird 40: Trend-Youngtimer, auto motor und sport
🔗 Mercedes brings back physical buttons for current and future models, heise

Pick 03: Reddit und das Data-Narrativ

Themenfeld: AI & Plattformökonomie

In Cannes hat der Reddit-Werbechef, Roelof van Zwol, EVP Ads Monetization, laut gesagt, was viele Big-Tech-Player bisher elegant umschifft haben: Man wisse noch nicht, ob der Verkauf der Community-Daten fürs Training von ChatGPT und Gemini genau den Datenvorteil zerlegt, auf dem das eigene Werbegeschäft steht. (Digiday)

Reddit monetarisiert den Zugang zu seinem Gesprächsarchiv über KI-Lizenzen. Gleichzeitig heißt es gegenüber den Werbekunden, ihre Werbeprodukte seien deshalb so gut, weil genau dieses Archiv einzigartig ist. Laut eigener Aussage gibt es einen kleinen Unterschied: ‘Reddit licenses raw content, while its ad products rely on a deeper layer of engagement and platform behavior that is not shared in the same way.’ (Content Grip)

Zuletzt launchte Reddit neue Shopping-Ad-Formate, die es Unternehmen möglich machen, ihren Katalog auf die Plattform zu bringen. Damit stärkt das Unternehmen vor allem das Lower-Funnel-Geschäft, das mit einem Anstieg der kaufnahen Shopping-Konversationen auf der Plattform von 40 Prozent gegenüber dem Vorjahr hohe Attraktivität für Werbetreibende verspricht. (Reddit)

Das Spannungsfeld zwischen KI-Daten und Targeting-Daten bleibt: Dieselben Community-Daten, die lukrativ an OpenAI und Google lizenziert werden, könnten die eigene Targeting-Story untergraben, die die Plattform an Werbetreibende verkauft. Es reicht dafür, dass Marketer den Targetierungs-Vorteil als weniger exklusiv und schwerer bepreisbar wahrnehmen, sobald „Reddit-artige Antworten" auch anderswo verfügbar werden. Aktuell blicken Analysten weiterhin positiv in die Zukunft.

Reddit ist nur ein Plattform-Beispiel, das offen über beide Seiten der Waagschale spricht. Die Plattformen mit den reichhaltigsten menschlichen Daten werden zunehmend zu beidem: Medienkanal und Datenlieferant für KI. Und da wird es spannend: Aktuell weiß noch niemand so recht, ab wann das Hebelwirkung erzeugt, der Doppeldeal aufgeht und ab wann es das eigene Geschäft kannibalisiert.

Zum Nachlesen:
🔗 Reddit questions if AI data deals could hurt its ad business, Digiday
🔗 Reddit data deals raise ad questions, ContentGrip
🔗 Reddit Eyes Higher AI Data Fees And Launches Shopping Ad Tools, Yahoo Finance

Zum Schluss: Werbung! Schamlose Eigenwerbung.

What’s Next, Agencies?, eine Frage, die wir uns in der Agenturbranche doch im letzten Jahr häufiger gestellt haben, obwohl sie schon immer gültig war. Kim Notz, Inhaberin und CEO von KNSK, hat mich zu einem Gespräch in ihren fantastischen Podcast eingeladen. Wir haben unter anderem die Frage diskutiert, wie Strategie wieder sichtbar wird. Zur Folge geht es hier lang:

Und da Kim ebenfalls einen tollen Substack hat, hier die Verlinkung zu What’s Next? Hier geht es um Herausforderungen, unbequeme Wahrheiten bis hin zu mutigen Schritten: grundsätzlich um Gedanken, die die Zukunft von Marketing und Agenturen bewegen.

What's Next

Von Herausforderungen, unbequemen Wahrheiten bis hin zu mutigen Schritten: Gedanken, die die Zukunft von Marketing und Agenturen bewegen.

Von Kim Notz

Und damit bis zur nächsten Ausgabe von Misfits & Margins.

Wir gehen rein in die Kommerzialisierung von Fankultur am Beispiel Bootlegs, schauen aus gegebenem Anlass der StratCon 2026 auf den Status von Strategie, um dann kurz in das spannende Feld der Single Economy einzutauchen.

Zum Schluss gibt es noch ein bisschen Charli xcx, Design und künstlerische Weiterentwicklung. To all the misfits, viel Spaß mit Ausgabe 006!

Pick 01: Fandom als Designmacht: Bootleg-Merch

Themenfeld: Design & Brand

It’s Nice That hat ein In-Depth-Dossier veröffentlicht: “The bootleg factor: when unofficial design beats the master brand”. Die Bottomline des Artikels: Das interessanteste Branding passiert längst außerhalb der Wirkungsmacht derjenigen, die für Fan-Designs beauftragt werden.

Bootleg-Merch (inoffizielle, nicht lizenzierte Fan-Ware) verletzt in der Regel Marken-, Urheber- und manchmal auch Personenrechte. Rechteinhaber, also Bands, Labels, Sportvereine, Filmstudios, gehen dagegen vor, historisch wie heute. Benson Boones Team hat gerade eine gerichtliche Verfügung gegen Bootleg-Merch durchgesetzt, inklusive Beschlagnahmung. Bei der New-York-Knicks-Parade wurden ebenfalls etliche Bootleg-Seller aus dem Verkehr genommen.

Erfrischend anders geht die Hardcore-Band Terror mit Bootlegs um: Statt zu klagen, entschied sich die Band letzten Dezember, den Bootleg mit einem eigenen Bootleg zu bekämpfen, und brachte kurzerhand selbst eine offizielle Version eines Bootleg-Shirts heraus: “Combat the bootleggers by bootlegging the bootleg! It can suck to be a hardworking band & have this happen, but that’s life and we try to make the best of it. Pick up an official shirt from us of a design we did ages ago for a very limited time. If you happened to grab one from @brokenuniformsyndicate we encourage you to get a refund. Merry Christmas and thanks for the love! Hoodie version also available.” (Metal Injection, 2025)

Und obwohl im großen kommerziellen Ausmaß geschäftsschädigend für Artists, sind Bootlegs heute gleichzeitig die lebendigste Design-Sprache mancher Bands & Brands. Superfans warten oft nicht auf offizielle Drops. Sie drücken ihre Liebe und Passion für ihre Lieblings-Artists in eigenen Designs und Items aus. Prominentestes Beispiel sind wahrscheinlich die Taylor-Swift-Bracelets der Eras-Tour. Überall auf der Welt gab es Events rund um die Freundschaftsarmbänder. Mittlerweile sind sie auch offiziell im Merch-Store erhältlich.

Noch interessanter als Fan-Merch selbst sind die Businessmodelle, die rund um Superfans entstehen. Plattformen wie Fave verwandeln das, was die Industrie jahrelang als “Chaos” und “Wildwuchs” abgetan hat, in eine echte Ökonomie. Die “Passion Economy”, angetrieben von digitalen Plattformen, die die Leidenschaft von Einzelpersonen, Superfans, monetarisieren. Die Gründerin von Fave, Jacquelle Horton, hat mit zwölf Eminem-Rucksäcke mit Tipp-Ex bemalt. Jetzt hat sie einen Marktplatz gebaut für genau diese Energie und damit einen Gegenentwurf zur Gig-Economy: “Unlike the gig economy, which centers on commoditized tasks, this emerging model prioritizes individuality and creativity.” (Forbes, 2026)

Superfan-Creator:innen stehen im Zentrum dieses Wandels, indem sie tiefe, direkte Beziehungen zu Nischen-Zielgruppen aufbauen und visuelle Welten erschaffen, die oft besser als das Original selbst sind.

Es ist ein schmaler Grat im Umgang mit Bootlegs. Sie sind Gefahr und Potenzial zugleich. Die wahrscheinlich wichtigste Frage, die man sich als Artist, Label, Verein stellen muss: Gehe ich gegen professionelle Businesses vor oder gegen die, die eigentlich mir am nächsten stehen, meine Fans?

Zum Nachlesen:
🔗 It’s Nice That In Depth: “How to wield the power of fan culture in design”
🔗 Forbes zu Fave und der Superfan-Ökonomie
🔗 Benson Boone: Gerichte gehen parallel härter gegen Bootleg-Merch vor

Pick 02: Are we having fun yet? - Die Zukunft von Strategie

Themenfeld: Agencies & Organisationen

80 Prozent der Strategen sagen, ihre Disziplin stehe am Scheideweg. 62 Prozent sprechen davon, dass Strategie als Erstes gestrichen wird, wenn das Budget knapp wird. Und trotzdem war die Nachfrage nach strategischem Denken nie höher. WARC nennt das das "Strategie-Paradox".

Der bequemste Reflex wäre, die KI zum Täter zu machen. Zu einfach. Ellie Bamford, Chief Strategy Officer bei VML North America, fasst es wie folgt zusammen: “We’ve become risk averse, and our clients have become risk averse… We are hiding behind mountains of data and research, and we’re not coming out strongly enough with our point of view. And that’s diminishing our value.” (WARC)

Der Report zeigt, dass ein wachsender Teil der “Upstream”-Arbeit, also die großen Fragen, an Independents und Freelancer geht, die agnostisch und lösungsorientiert arbeiten. Nicht die Agentur mit dem größten Deck gewinnt, sondern Personen mit klarerer Urteilsfähigkeit. Eine Bewegung, die das ganze Feld gerade prägt: Die Funktion überlebt, die Institution strauchelt.

Rob Campbell hat die StratCon 2026, das jährliche GWA-Branchenevent der Strateg:innen in Deutschland, mit einer einfachen und doch so entwaffnenden Frage eröffnet: Are we having fun yet?

Campbell spricht im Laufe seines Vortrags davon, dass für Strateg:innen der gefährlichste Ort der Welt hinter dem Schreibtisch ist, und er hat recht. Die besten Kampagnen und kreativsten Lösungen sind nicht entstanden, weil wir uns Daten und Research angeschaut haben, die alle anderen auch zur Verfügung haben, sondern weil wir Nuggets, POVs und Standpunkte entwickelt haben, die menschliche Wahrheiten berühren.

Wir wissen das, und doch steigt der Einsatz synthetischer Daten im Research. Zeit- und Budgetknappheit erfordern Effizienz, aber produzieren, wenn man sich nur darauf verlässt, am Ende doch "Average". Denn gerade Urteilsvermögen, die Fähigkeit zu fühlen, zu beobachten und abzuleiten, ist eines der letzten echten Differenzierungsmerkmale unserer Disziplin. Don’t get me wrong: alles, was AI und Daten in strategischer Arbeit betrifft - cool, macht Sinn, macht Prozesse schneller, hilft! Alles, was strategische Arbeit alleine in synthetische Umfelder zurückdrängt, not a fan!

Die StratCon 2026: The Next Episode hat die Frage nach dem Jetzt und der Zukunft von Strategie gestellt. Ich glaube, es gibt viel zu tun. Und das ist doch gut so, oder? Denn ich habe diesen Job gewählt, weil mir versprochen wurde, dass es niemals langweilig wird. Und das wird es nicht: Neudenken der Ausbildung junger Strateg:innen, Tagesgeschäft zwischen Effizienz und den Schreibtisch verlassen, um raus in den (Human) Jungle zu gehen, Upstream schwimmen und Zukunftsfelder neu entwickeln. Fühlt sich alles groß, wild und aufregend an. Und gleichzeitig manchmal überfordernd.

Vinzenz Rösch, Mother Berlin, hat meinen aktuellen Gemütszustand und wahrscheinlich auch den vieler anderer in einer Zeit voller Spannung perfekt auf den Punkt gebracht: “I love strategy. I can’t stand it.”

Eine gesamte Zusammenfassung der StratCon 2026: The Next Episode gibt es hier: Campaign Live.

Zum Nachlesen:
🔗 WARC “The Future of Strategy”

Pick 003: Single! Don’t want to mingle. Die Einzelgänger-Ökonomie

Themenfeld: Wirtschaft & Kultur

Immer mehr Menschen leben allein. Seit 2010 ist der Anteil der Alleinlebenden in 26 von 30 Ländern gestiegen. In Finnland und Schweden lebt rund ein Drittel der Erwachsenen allein. The Economist nennt es die “große Beziehungsrezession”. Und die Pandemie hat den Trend beschleunigt. Airbnb meldet 80 Prozent mehr Suchen nach Solo-Reisen im Frühjahr 2025 (im Vergleich zu 2024). Reisende wählen häufiger Auto oder Taxi mit Privatsphäre statt Bus und Bahn. Der Economist bringt es auf den Punkt: Die Einsiedler-Ökonomie zur Zeit von Covid-19 ist der Einzelgänger-Ökonomie gewichen.

Alleinsein gilt heute als cool. Allein essen, allein reisen, Tisch für eine Person. Und wer allein lebt, entscheidet allein, was er kauft. Kein Gegenüber redet rein. Das macht Alleinlebende zu schnellen, treuen Kunden. Sie geben ihr Geld für sich selbst aus. Ein starker Markt, dessen Potenzial nicht genutzt wird, wenn man nur über Einzelpackungen und Einzelkabinen nachdenkt. Wobei die Reduktion von “Single Taxes”, finanzielle Nachteile, die Alleinstehende durch höhere Lebenshaltungskosten haben, natürlich ein wichtiger Treiber im Markt ist. Trotzdem wissen viele Unternehmen noch nicht, wie sie sich Singles annähern sollen.

Die grundlegende strategische Tension: Wie Singles ansprechen, ohne sie in die Single-Ecke zurückzudrängen?

Flash Pack: Singles als Businessmodell
Flash Pack muss nicht behaupten, Singles zu verstehen, denn die ganze Firma existiert nur für sie. Die Kernidee: “We unite like-minded people in their 30s, 40s & 50s on group adventures where 90% travel solo.” Das Reiseangebot wird ausgesucht nach Altersgruppen, Zimmer-Matching sowie Gruppengröße.

HYROX × Puma × Bumble: Connection durch geteiltes Interesse
Viele Singles verspüren den Wunsch nach Gemeinsamkeit. Das Nervigste ist allerdings, immer wieder seinen Single-Status vorgehalten zu bekommen. Bumble, Hyrox und Puma sind Dating in Indien anders angegangen: Gemeinsames Workout, danach lockerer Mixer. Die Menschen kommen wegen des Sports, und das Kennenlernen passiert ganz nebenbei. Über ein geteiltes Erlebnis fällt der Druck weg.

Singles’ Day: Eigene Anlässe
Der Valentinstag “gehört” den Paaren. Aus einem ironischen Studenten-Witz gegen den Valentinstag wurde eines der größten Shopping-Events: Singles’ Day. Manchmal ist es der stärkere Move sich nicht gegen etwas zu positionieren, sondern hinter sich zu vereinen. (Auch, wenn natürlich super kommerziell an dieser Stelle!)

Zum Nachlesen:
🔗 The Rise of Singlehood, The Economist
🔗 7 Cultural Trends for 2026 and Beyond, Forbes
🔗 How to Tap the Solo Economy for Sustainable Growth, Forbes
🔗 How China’s Solo Dwellers Are Rewriting Brand Seeding, Double V Consulting

Zum Schluss: Charli xcx mit John Cale, Marc Jacobs und Martin Scorsese

Charli xcx startet künstlerisch in eine neue Ära. Erst kürzlich hat Art Director Brent David Freaney den Design-Prozess zum letzten Album “Brat” geteilt - die Core-Idee “death of the finished state”.

Was bei mir besonders hängen geblieben ist, ist der Satz: “I think it’s a misconception that from design one to two, three, four you need to be getting better and better, and closer to the thing, […] “Sometimes you’re just exploring more and learning and trying to define what you don’t want it to be, so you can understand what the boundaries are.” (DJ Mag)

Das nächste Konzeptalbum “Music, Fashion, Film” wirkt mit den ersten Singles sowie dem Cover wie der Gegenentwurf zu “Brat” - John Cale, Marc Jacobs und Martin Scorsese auf dem Cover, geshootet von Aidan Zamiri.

Ich bin gespannt, wie weit Charli xcx die Grenzen der Popwelt sprengt und ob sich das Album so interdisziplinär in Kunst, Film und Fashion bewegt, wie das Cover es teasert.

Und damit bis zur nächsten Ausgabe von Misfits & Margins.

Mental habe ich mich dafür an Orte begeben, an denen es noch wärmer ist als hier in Hamburg. Sweat, Sweat, Sweat, baby! – denn in dieser Ausgabe von Misfits & Margins geht es um den Untergang des Prinzips „Mega-Galerie” im Kunstmarkt, Louis Vuitton, ein Rennrad, das niemals den Asphalt unter sich spüren wird und warum sich der Luxusmarkt gerade verändert und natürlich geht es auch um Cannes, Ritson, Sharp und wie man „Marke denkt und macht”.

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To all the misfits, los geht es mit Ausgabe fünf von Misfits & Margins.

Pick 01: Der Untergang der Mega-Galerien und das Beben in der Kunstwelt

Marc Glimcher hat Anfang Juni etwas gesagt, das in der Kunstwelt noch lange nachhallen wird: “The current gallery model isn’t only broken, it’s unfixable.” Der Mann, der dieses Modell mit erfunden hat, erklärt den Untergang. Pace Gallery, 1960 gegründet, eine der mächtigsten kommerziellen Galerien der Welt, hat 50 Künstler aus seinem Portfolio gestrichen und 50 Mitarbeitende entlassen. Roster-Reduktion von 30%, kurz vor der Art Basel.

Da ich, wie bestimmt die meisten von euch, von außen und als Halb-Laie auf den Kunstmarkt schaue, kurz zur Funktion einer Galerie: Bist du bei einer Galerie unter Vertrag, zahlt sie dir dein Atelier, organisiert deine Ausstellungen, bringt dich auf die Messen, redet mit Museumskuratoren über dich. Galerien fungieren grundsätzlich als Schnittstellen zwischen Artist und Markt, um es einfach zu sagen.

Was ist jetzt rund um Pace passiert? Pace hatte jahrelang auf Größe gewettet: ein $100-Millionen-Flaggschiff in Chelsea, internationale Räume in Tokyo, Seoul, Genf, London. NFTs mit Pace Verso. Immersive Art mit Superblue. Ein Roster von 135 Artists. Das Problem ist nicht, dass Kunst keinen Wert mehr hat. Im Gegenteil: Ein Picasso oder ein Pollock geht gerade für achtstellige Summen weg. Aber der Markt für alles darunter, für Künstler, die nicht schon Museumsgeschichte geschrieben haben, ist schwierig.

Das Monopol-Magazin schreibt zur aktuellen Lage: “Pace-Chef Marc Glimcher begründet den Schritt mit einer Überdehnung des Systems: “Das gesamte Galeriewesen ist zu groß, zu kommerziell, zu unpersönlich und zu unternehmerisch geworden.” […] Seit der Pandemie hätten viele kleine und mittlere Galerien konsolidiert, sich verkleinert oder geschlossen. Selbst Branchenriesen wie Pace, die lange als weitgehend krisenfest galten, stünden inzwischen unter Druck durch hohe Betriebskosten, Inflation, gestiegene Zinsen und globale Unsicherheiten.”

Also lasst uns doch dahin schauen, wo aktuell noch besser funktioniert.

Einen Gegenentwurf zur Mega-Galerie präsentierten bereits Ende 2023 Hauser & Wirth: “Collective Impact”. Das Prinzip? Mega-Gallery trifft kleinere Galerie, teilen sich einen Künstler, teilen sich die Kommission 50/50, arbeiten als ein Team. Keine Konkurrenz um denselben Künstler, sondern geteilte Ressourcen. Die Idee: Kleinere Galerien entdecken und formen, große Galerien skalieren. Zusätzlich hat Hauser & Wirth mit Artfarm ein zweites Standbein aufgebaut, das echte Umsätze generiert: Hotels, Restaurants, Kulturzentren.

Profitable Businesses anstatt reiner Marketingkonzepte. Und on top bauen sie kulturelle Relevanz, die weit über den Kunstmarkt hinausgeht. Vor kurzem haben Hauser & Wirth den Palazzo De Seta gekauft, einen Adelspalast aus dem 19. Jahrhundert im historischen Kalsa-Viertel. Palermo, nicht Mailand, nicht London, nicht New York als DIE Kunstmetropolen.

In Somerset wurde ein Hof aus dem 18. Jahrhundert zum Kunstzentrum wurde. In Menorca, wo ein Marine-Hospital aus dem 18. Jahrhundert restauriert und zurück an die Gemeinde gegeben wurde. Diese Projekte haben Preise gewonnen für Denkmalpflege und soziale Wirkung, nicht alleine für Kunst.

Hauser & Wirth sind damit nicht mehr nur Galerie für liquide Kunstliebhaber:innen. Sie sind mittlerweile selbst kultureller Akteur, der Orte prägt und Bedeutung schafft. Das ist eine Form von Kapital, die kein Marketingbudget replizieren kann. Pace ist als Mega-Modell, das auf Skalierung und Portfolio-Logik gesetzt hat, auf einen Markt geprallt, der wieder mehr nach kuratorischer Identität fragt.

Aus meiner Perspektive ein Spannungsfeld, das nicht nur den Kunstmarkt und seine Major-Player bewegt, sondern auch andere Branchen treibt.

Links zum Nachlesen:
🔗 Pace Cutting 50 Artists Is Painful. It’s Also Necessary; Anarchy Daily
🔗 How the Pace Layoffs Went Down; ARTnews
🔗 Monopol Medienschau; ARTnews, 2026
🔗 Hauser & Wirth eröffnet Galerie in Palermo; Hypebeast 2026

Pick 02: Für den Mann, der alles hat. Luxury und Culture Marketing im Zeitalter des Exits von Aspirational Käufer:innen

Louis Vuitton hat gerade ein Rennrad auf den Laufsteg gestellt. Pharrell Williams, Men’s Creative Director seit 2023, hat für die SS27-Show in Paris einen Strand in eine Pariser Universität bauen lassen: Sand, künstliche Wellen, Surfboards, 40-Grad-Hitzewelle. Und mittendrin: ein Pinarello Dogma F, LV-Monogramm auf dem Rahmen, Leder auf dem Sattel.

Als ein Journalist Pharrell fragte, ob er denn selbst surfen gehen würde: “I don’t think I’m gonna go.” Das Rad wird vermutlich auch niemals Asphalt unter den Rädern spüren.

WTF macht LV da? Und warum jetzt? Der Luxusmarkt ist in einem strukturellen Umbruch. Aspirational Clients, Menschen, die sich selektiv Luxus leisten, eine Tasche, ein Paar Schuhe, eine Uhr, kaufen weniger. Oder gar nicht mehr.

Fashion & Leather Goods organic revenue growth* geht seit 2024 in den negativen Bereich. (*Randnotiz: Japan, das 2025 noch als Wachstumstreiber glänzte, weil ein schwacher Yen chinesische Touristen zum Luxus-Shopping nach Tokio lockte, schwächelt 2026 ebenfalls.)

Der EY Luxury Client Index 2025 bringt es auf den Punkt: “The slowdown stems from a drop in new customer acquisition and reduced spending from aspirational consumers — those not yet in the top tier of wealth. Many of them are now rethinking the value of premium purchases.” Konkret: 62% der Luxuskunden haben laut EY in den letzten zwölf Monaten einen Kauf erwogen und ihn wegen des Preises nicht gemacht. Nicht weil sie kein Interesse haben. Sondern weil der Abstand zwischen ihrem Budget und dem Luxus-Pricing zu groß geworden ist.

LVMH CFO Jean-Jacques Guiony hat darauf in zwei aufeinanderfolgenden Earnings Calls bereits 2024 keine Preissenkungen und damit volle Konzentration auf die VICs angekündigt.

VIC steht für “Very Important Client”. 2% der Kundenbasis, die fast 40% des Umsatzes ausmachen. Haushaltseinkommen über 400.000 Euro, Luxury Spend über 10.000 Euro.

Hier wird es markenstrategisch interessant. Der EY Index zeigt: Je mehr jemand ausgibt, desto mehr geht es nicht nur um Qualität, sondern darum, was das Produkt über einen sagt. Das heißt: Das Pinarello-Rad ist kein Cycling-Produkt. Es ist ein Statussignal der spezifischsten Art. Nicht “Ich kann mir Luxus leisten.”, sondern “Ich bin der Typ, der in Costa Rica surfen und Rennrad fahren könnte, wenn er wollte. Aber ich will gerade nicht.” Das ist Freiheit als Luxusobjekt, gemacht um an der Wand zu hängen: “Louis Vuitton spins travel-themed fantasies for the man who has it all.“

Am Beispiel Louis Vuitton kann man zwei grundlegende Wege ablesen, wie Brands strategisch mit Kultur umgehen. Und beide sind in nichts weniger begründet als in unternehmensstrategischen Zielsetzungen.

Der erste: Expanding. Kultur öffnen, neue Audiences einladen, Zugänglichkeit als Statement. Der Louis Vuitton x Supreme Drop 2017 ein Beispiel für die Öffnung des Luxury Marktes hin zu neuen, aspirational Käufergruppen: Schlangen vor dem Store, Monogramm auf dem Skateboard-Deck, eine neue Käuferschicht, für die Luxury plötzlich als erreichbar wurde. Unternehmensstrategisch steht dahinter, den Markt zu öffnen, neue Käufer reinzulassen, Begehrlichkeit durch Zugänglichkeit zu skalieren.

Der zweite, aktuelle Weg von Louis Vuitton: Narrowing. Kultur schließen, Exklusivität schützen, Zugehörigkeit als Privileg. Pharrell destilliert Subkultur, Cycling, Surfing zu einem Objekt, das nur wenige besitzen können.

Wenn wir also heute von “Cultural Marketing” sprechen, dann geht es nicht nur um die richtige Auswahl von Creatorn, Communities und Themenfeldern, innerhalb derer sich Brands glaubwürdig platzieren. Es geht um längerfristig angelegte business-getriebene Entscheidungen, die markenstrategisch verankert sein müssen.

By the way: die Cycling-Szene reagiert zwiegespalten auf das Louis Vuitton x Pinarello Bike – zwischen “beautiful”, “perfect” und “non-sense” finden sich alle Sentiments, aber vor allem jede Menge Buzz in den Kommentarspalten auf Social Media.

Links zum Nachlesen:
🔗 Pinarello x Louis Vuitton Dogma F; BikeRadar
🔗 EY Luxury Client Index 2025; EY Global
🔗 LVMH Sales falls again after demand slumps in Japan; Bloomberg 2026
🔗 Cycling auf der Paris Fashion Week, Textilwirtschaft, 2026

Pick 03: Showdown von Ritson und Sharp in Cannes

Seit knapp zwei Jahren bin ich bei OMR Education dabei. Mein ongoing Thema: Brand Building.

Jedes meiner Decks ist von zwei großen Namen geprägt: Mark Ritson und Byron Sharp. Beide in ihren Grundlagen und der Forschung essentiell, wenn es um Marketing, Kommunikation und Markenaufbau geht. Ritson und Sharp sind auf den ersten Blick die beiden, die sich seit Jahren über alles streiten. Auf der Bühne in Cannes? Überraschend viel Einigkeit, vor allem in der Grundthese von Mental Availability.

Der Shift in der Definition des Kernjobs von Marke, von „What does the brand evoke?" zu „What evokes the brand?", ist real, datenbasiert und nach wie vor noch nicht oft verstanden oder umgesetzt. Mental Availability ist nicht die einfache Verknüpfung von Attributen und Items mit deiner Marke, sondern deine Marke, die mit Kauf- und Bedarfssituationen verknüpft ist.

Die meisten Marken tracken heute noch immer das Erste. Sie messen Markenbekanntheit, Attribut-Assoziationen, Net Promoter Scores. Was sie selten messen: in welchen Lebensmomenten taucht ihre Marke überhaupt auf? Welche Category Entry Points besitzen sie wirklich?

Über Mental Availability als Diskussionspunkt hinaus, hat Andrew Tindall, Chief Growth Officer @system1group, die wichtigsten Übereinstimmungen und Differenzen des Streitgesprächs in seiner The Drum-Kolumne zusammengefasst und kommentiert. Lesenswert und lohnenswert. Hier geht es zum Kommentar: Andrew Tindall: What Ritson and Sharp got right (and wrong) at Cannes

Und damit stecke ich meine Füße wieder ins Planschbecken. Bis zur nächsten Ausgabe von Misfits & Margins.

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To all the misfits, viel Spaß mit Ausgabe 004.

Pick 01: David Hockney und die Frage nach Originalität von Kunst

Am 12. Juni 2026 ist einer der großen Künstler unserer Zeit kurz vor seinem 89. Geburtstag verstorben: David Hockney. Gleichzeitig läuft noch bis 23. August seine erste Ausstellung in der Serpentine Gallery, London, mit aktuellen Arbeiten aus seiner letzten Schaffenszeit. Und die sind ausschließlich digital entstanden.

Hockney, dessen Bild The Splash, Acryl auf Leinwand, eines der bekanntesten Pop-Art-Gemälde des 20. Jahrhunderts ist, malte zuletzt täglich, ausschließlich auf dem iPad.

Er schickte Blumensträuße als iPhone-Zeichnungen an Freunde. Als der Lockdown kam, saß er in seinem Garten in der Normandie und dokumentierte jeden Tag die Jahreszeiten, Baum für Baum, Sonnenaufgang für Sonnenaufgang. Daraus wurde der 90-Meter-Fries A Year in Normandie, angelehnt an den Wandteppich von Bayeux.

Hockneys iPad-Werk war von Anfang an umstritten. Als er 2010 mit 71 Jahren anfing, auf dem iPad zu zeichnen, war die Reaktion der Kunstwelt eindeutig: „It’s just a gadget.”
„Where’s the skill in that?”
„Anyone can draw on a tablet.”

Klingt irgendwie vertraut, denn es ist dieselbe Debatte, die gerade auch über KI-generierte Kunst geführt wird. Die Fragen, die wir aufwerfen, wenn es um KI-generierte Ideen in der Werbung geht.

Die Kritik an seiner Serpentine-Ausstellung hat einen konkreten Nerv getroffen: Was passiert, wenn man ein iPad-Bild auf 350 % vergrößert und auf Papier druckt? London Art Roundup schreibt es direkt: „Galleries and museums wouldn’t dare suggest that an oil on canvas looks better as an image on your smartphone, but that’s exactly what they’re doing in reverse.”

Das Argument: Die flüchtigen Fingerspuren, die knallenden Farben, die repetitiven Stempel-Muster, das alles funktioniert auf einem kleinen Bildschirm. Ausgedruckt auf Museumsgröße verliert es genau den Kontext, aus dem es entstanden ist: intim, privat, täglich. Der Kritiker des London Art Roundup schreibt offen: „His wayward finger strokes and patterned stamps just don’t entice my eyes in the same way that the brush marks in a streak of paint draws my focus.”

Es gibt viele Perspektiven auf das Thema, aber eine hat in der Auseinandersetzung mit der Debatte sehr mit mir resoniert: „The question now isn’t whether digital practice is legitimate. Hockney settled that. The question is what we’re willing to admit about why we resisted it for so long.”

Geht es bei den Debatten um den Wert digitaler Kunst wirklich um die Ästhetik? Oder die Angst vor Medium und Möglichkeit, Zugang zu demokratisieren und bestehende Machtstrukturen in Frage zu stellen? Wer entscheidet, was ein Kunstwerk ist – das Material, die Institution, der Markt?

Hockney hatte eine klare Antwort auf die Kritik an seinen iPad-Arbeiten: „Ich habe immer geglaubt, Kunst sollte ein tiefes Vergnügen sein … Es gibt überall enormes Leiden, aber ich glaube, meine Pflicht als Künstler ist es, die Sterilität der Verzweiflung zu überwinden … Neue Wege des Sehens bedeuten neue Wege des Fühlens.” — David Hockney, Serpentine 2026.

Wer etwas tiefer in den Kunstmarkt, seine Dynamiken und das Thema Vermarktung einsteigen will: Ich habe vor einigen Jahren Management of Art Galleries von Magnus Resch gelesen. Can highly recommend.

Links zum Nachlesen:
🔗 Über David Hockney zu seinem Tod, ZDF 2026
🔗 Hockney takes on the Bayeux Tapestry: Artnet Serpentine-Review, 2026
🔗 "Anyone who thinks the iPad isn't a serious art tool hasn't been paying attention", CREATIVE BLOQ, 2026
🔗 Pressemitteilung zur Ausstellung, Serpentine Galleries, 2026

Pick 02: Von Blanding zu Heritage Branding

Blanding ist kein neuer Begriff in der Marketingwelt. In den letzten Jahren sind die meisten „Brand Refreshes” in die gleiche Richtung gelaufen: Neue Fonts. Rundere Logos. Gedämpfte Farben. Weniger Text. Mehr Weißraum.

Und weil alle denselben Design-Agenturen folgen, denselben Trend-Reports lesen, denselben Awards bewundern, kommen dabei immer öfter dieselben Ergebnisse raus: Serifenlose Typo. Minimalistische Icons. Pastellige Sekundärfarben. Check, check, check. Und das, obwohl Industry Research konkret aufzeigt, wie bedeutend Salience und Distinctive Brand Cues sind.

Spannend, dass sich nach der langen Zeit des Blandings ein Gegentrend abzeichnet: Heritage Branding. I know, I know … Heritage Branding klingt erst mal nach dem, was alte Brands machen, wenn ihnen nichts Neues einfällt. Rückgriff auf die Vergangenheit, weil die Gegenwart zu schwierig ist.

Wichtig! Heritage Branding und Nostalgie sind nicht dasselbe. Nostalgie sagt: „Damals war alles besser.” Heritage sagt: „Wir waren damals schon hier, und wir wissen deshalb etwas, das andere nicht wissen.”

Levi’s hat das in den letzten Jahren mustergültig vorgemacht. Statt gegen Fast Fashion zu konkurrieren, hat die Brand ihre eigene Langlebigkeit zur Kernbotschaft gemacht: „Buy Better, Wear Longer.” Kein neues Produkt, kein neuer Look. Aktuellstes Beispiel: der Super-Bowl-Spot 2026.

Ein weiteres Beispiel gerade ist Polaroid. Die Kampagne für das neue Flip-Modell heißt „The Camera for an Analog Life” und basiert auf einem einfachen Insight: Digitale Erschöpfung ist real, und Polaroid ist strukturell das Gegenteil davon.

Die Plakate liefen neben Apple Stores und Google-Offices in New York und London. Die Copy: „AI can’t generate sand between your toes.” Und: „No one on their deathbed ever said: I wish I’d spent more time on my phone.”

Und weil alle guten Dinge drei sind, eins der aktuellsten Beispiele: Aperol.

”Die neu gestaltete Flasche spiegelt die italienischen Wurzeln der Marke durch haptische Details wider: eine doppelt geprägte Schulter, inspiriert von Santa Maria della Salute, geripptes Glas, das die venezianischen Kanäle und die Kunst Muranos evoziert, sowie das eingeprägte Monogramm als Siegel für Qualität und Handwerkskunst.” (aus dem Englischen übersetzt)

Wir sind gerade an einem Punkt, wo AI-Tools Markenidentitäten „demokratisiert” haben. Jeder kann jetzt innerhalb von Stunden „einen Look” haben. Moodboards, Logos, Brand Voices - alles generierbar, alles schnell, alles relativ günstig. Was das bedeutet: Die Frage „Wer bist du wirklich, und seit wann?” wird zur stärksten Differenzierung überhaupt.

Heritage Branding ist nicht nur eine kreative Wahl, sondern ebenso eine strategische Entscheidung und wird unter anderem dieses Jahr eines von vielen Themen in Cannes sein.

Links zum Nachlesen:
🔗 Adweek on Blanding, 2023
🔗 How heritage brands can stay culturally relevant in 2026, Creative Review
🔗 The Limits of Nostalgia, MadTech Mag

Pick 03: Culture Debt, Transformations Paradox - warum technologische AI-Implementierung alleine zu kurz springt

Und zum Schluss noch ein Transformationsthema. Deloitte hat in diesem Jahr den Begriff Culture Debt geprägt. Ganz einfach gesagt beschreibt Culture Debt den Schaden, den eine Organisation ansammelt, wenn sie KI als technisches Upgrade einführt, ohne die Kultur darunter anzufassen. 65 % der Organisationen glauben, ihre Kultur muss sich wegen KI erheblich verändern. Nur 5 % machen dabei echte Fortschritte.

Microsoft hat dasselbe Phänomen aus einer anderen Richtung betrachtet und es Transformation Paradox genannt. 20.000 AI-nutzende Beschäftigte in zehn Ländern. Das Ergebnis: 65 % haben Angst, zurückzufallen, wenn sie AI nicht nutzen, gleichzeitig sagen 45 %, dass es sich sicherer anfühlt, sich auf aktuelle Ziele zu konzentrieren statt die eigene Arbeit mit AI neu zu gestalten. Und nur 13 % geben an, für AI-getriebene Neugestaltung belohnt zu werden, wenn ihre Ziele nicht erreicht werden.

Zwei Studien, eine Hypothese: Unternehmen halten sich viel zu oft an einer rein technologisch getriebenen Transformation fest und lassen einen der wichtigsten Faktoren außer Acht: die eigene Kultur. Das führt zu Transformation, die an der Oberfläche kratzt und Business-Potenziale langfristig liegen lässt.

Nirit Cohen, Work Futurist mit mehr als 30 Jahren Erfahrung in Senior-Leadership-Rollen in HR sowie M&A, ordnet die Situation auf Substack wie folgt ein: Kultur entsteht durch alles, was wir sagen und tun, und durch alles, was wir nicht sagen und nicht tun. Durch die Meetings, die wir absagen. Durch die Fragen, die niemand stellt. Wenn KI jetzt in dieses System eintritt und die Organisation nicht weiß, was sie glaubt, amplifiziert die Technologie genau das: die Leerstelle.

Was folgt, ist das, was Deloitte Change Exhaustion nennt. Ein Drittel der Befragten hat letztes Jahr allein 15 größere Veränderungen erlebt. Die Kern-Challenge ist nicht AI-Adoption, sondern vor allem, was strukturell und kulturell passiert – oder eben nicht.

Culture Debt wächst still. Schulden wachsen immer still. Bis sie fällig werden.

Links zum Nachlesen:
🔗 2026 Work Trend Index; Microsoft
🔗 Global Human Capital Trends 2026; Deloitte
🔗 AI Is Creating Culture Debt In Organizations; Nirit Cohen, Substack

Und zum Schluss noch etwas Inspiration. Mit dem Start der WM kann es gar nicht um etwas anderes als Fußball gehen. Die Frage, ob Adidas oder Nike es derzeit aus Marketing-Perspektive besser macht, wurde schon rauf und runter diskutiert. Deswegen beschränke ich mich auf etwas leichte Inspiration: die Bedeutung des Trikots in der Fashionwelt, zusammengefasst in einem Carousel von uniformdisplay.

Und damit bis zu zur nächsten Ausgabe von Misfits & Margins!

“drei” ist eine Serie. Willkommen zu Ausgabe drei von Misfits & Margins.

Heute: Punk trifft Running Culture. Und wir schauen auf zwei Cases, in denen Tech und Daten wenigen Playern echte Sven-Marquardt-Türsteher-Qualitäten verleihen: Machtverschiebung durch Infrastruktur mit Agentic Commerce und die Monopolisierung im Live-Musikmarkt durch Streamingdaten. Und zum Schluss: Bisschen Mittelalter. Aber in cool. Und mit female Energy.

Misfits & Margins Issue 003 — let’s go!

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Pick 01: Running Circle Pits, Punk und Austern

Bevor wir hier reinstarten, muss ich zugeben: Ich bin selbst kein großer Running Enthusiast. Boxen, Rennrad, bisschen Hiking — that’s it for me. Zum Running habe ich nur in wenigen Phasen meines Lebens gefunden, bin aber immer eine gespannte Beobachterin der Szene geblieben. Und die Öffnung des Running Sports hin zu Punk und Austern lässt mich überlegen, ob ich nicht doch den Staub von meinen Asics pusten sollte. Ich spüre förmlich den Blutdruck meiner Running-Performance-Freunde steigen. Sorry not sorry!

Running ist 2026 nicht mehr alleine Performance. Running ist Lifestyle. Das gefällt nicht allen. Gen Z treibt den Boom, der sich in Zahlen so beschreiben lässt: Run-Club-Beteiligung 2024 um 59% gestiegen, 1,1 Millionen London-Marathon-Bewerbungen in 2026, bereits 1,3 Millionen Anmeldungen (Weltrekord!) für 2027.

Für die neue Läufer-Generation ist der Mittwochabend-Run nicht alleine Fitness. Laufen ist Ritual, Identitätskonstruktion, Third Place. Eigene Merch-Drops, kuratierte Kalender, Club-Ästhetiken.

22% der Gen Z sehen Run Clubs als “new dating app.” Beim Running Oyster Club in Frankfurt gibt es jetzt nicht nur Energy Gel, sondern Austern zum Run. Crazy!

Die Markenkooperationen ziehen nach. Am 22. Mai droppte Adidas seine erste Collab mit der Pariser Cult-Running-Brand Satisfy: ein Adizero Adios Pro 4 in drei Colorways für $300 plus Fashion Collection, Ästhetik inspiriert von Skatekultur und DIY-Spray-Paint. Löcher im Running Shirt. Das Launch-Event fand nicht in irgendeiner pulsierenden Großstadt statt, sondern auf einem Pump Track in der Sonoran Desert in Arizona (”The Circle Pit”), mit Hardcore-Punk-Konzert.

Die Kritik kommt sofort: Zu teuer, zu lifestylig, ein Hardcore-Konzert ohne echte Fans, Influencer Slop von Influencern, die niemals zuvor Satisfy getragen haben. Und, und, und.

Dabei ist das Muster nicht neu. Großer Player sucht kulturelle Legitimation bei kleiner, glaubwürdiger Brand: Saucony × Minted NY (2024), Pleasures × Altra (2026). Die große Kunst dabei: nicht nur die kleinere Brand an Board holen und skalieren, sondern ihre Codes und Habits wirklich verstehen und glaubhaft bedienen. Bei Adidas: halb geglückt, wenn man der Community glaubt.

Adidas und Satisfy haben sich auf eine mehrjährige Partnerschaft committed. Ob der Widerstand wächst oder der punkige Lifestyle-Appeal den Pricing Point irgendwann rechtfertigt, wird sich zeigen.

Tiefer in die Anatomie der Collab taucht Dan Petitt ein, Creative Director und Founder. Dan’s YouTube-Kanal ist generell eine Empfehlung: snackable Content über Cycling, Outdoor Culture und die entsprechenden Fashion- und Performance-Brands. 10 out of 10.

Zum selbst Nachlesen:
🔗 adidas Running Continues Its Rise With SATISFY Partnership
🔗 Running Statistics 2026: Participation, Injuries, Trends
🔗 Over 1.3 million people apply for next year’s London Marathon
🔗 YouTube Channel von Dan Petitt

Pick 02: Brands werden nicht mehr erinnert, sondern empfohlen

Google hat am 20. Mai beim Marketing Live offiziell bestätigt, was sich seit Anfang 2026 abgezeichnet hat: AI-Agenten sollen künftig die letzten Meter der Journey übernehmen, den Decision- und Buying-Process. Consumer delegieren Discovery, Vergleich und Checkout an Systeme wie Gemini, ChatGPT, Rufus (Amazon). Das Universal Commerce Protocol (UCP), von Google gemeinsam mit Walmart, Shopify, Target und 20+ Partnern entwickelt, schafft die Infrastruktur dafür: ein Standard, über den AI-Agenten direkt in Merchant-Systemen buchen, ohne dass der Kunde je einen Shop oder eine Website selbst besucht hat. Für im Universal Cart abgelegte Produkte wird direkt Preis und Verfügbarkeit vergleichen, während die User weiter surfen.

Ben Essen (Global CSO, Iris) formuliert das spitz: “The future of brand isn’t being remembered. It’s being recommended.” Auf den ersten Blick nur eine Nuance, aber dahinter steckt ein Paradigmenwechsel. Wer empfohlen wird, entscheidet die KI, und die legt andere Kriterien an als wir Menschen. Zwei Pole, unterschiedlich zu bespielen, mit echten Implikationen für markenstrategische Entscheidungen.

Implikation 1: Der hauptsächliche Battleground von Marke wird der Upper Funnel

Welche Brand fällt mir ein, bevor ich die Suche delegiere? Distinctiveness, Salience, Meaningfulness sind wichtiger als je zuvor. Erinnert zu werden, präsent und relevant zu sein, bevor der Consideration- und Decision-Prozess startet, gewinnt in Zeiten von KI-Commerce hart umkämpfte Meter hin zur Entscheidung.

Konkret: Situation 1 - Julia zu Agent: “Finde mir gute Laufschuhe.” Agent entscheidet. Situation 2 - Julia zu Agent: “Finde mir New Balance Laufschuhe.” New Balance hat gewonnen, bevor der Agent überhaupt anfängt.

Das Verständnis für Category Entry Points und die eigene Brand Performance wird damit noch zwingender.

Implikation 2: Marken müssen für Menschen UND Maschinen interpretierbar sein

Bisher konnten Brands im Kaufprozess noch eingreifen: Consideration, schöne Produktseiten, Storytelling, Pricing-Psychologie. In einem Agent-geführten Checkout gibt es das nicht mehr. Der Agent kauft. Die Produktseite ist Datenquelle, nicht Erlebnisraum. Zugespitzt formuliert: Eine Marke muss gleichzeitig für Menschen lesbar und für Maschinen interpretierbar sein. Wer nur eines davon beherrscht, hat ein strukturelles Problem.

Implikation 3: Brand Equity verpufft, wenn nicht explizit codiert

Agents sind Commoditization-Maschinen, optimiert auf Preis, Lieferzeit, Verfügbarkeit. Bain & Company sieht vor allem Multi-Brand-Retailer und Marktplätze bedroht: AI schafft Markttransparenz, die großen, billigen, schnellen Playern strukturell nutzt. Was dagegen hilft: Differenzierungsmerkmale, die über Preis hinausgehen und explizit in strukturierten Produktdaten codiert sind. Nicht in Copywriting. Nicht in Brand Videos. Maschinenlesbare Attribute.

Beim aktuellen Stand der AI Adoption stehen wir bei AI-Commerce-Agenten wahrscheinlich noch am Anfang. Aber überall, wo Convenience und Kosten sich die Hände reichen, folgen Akzeptanz und Anwendung erfahrungsgemäß schnell. Die Geschichte zeigt das immer wieder.

Zum selbst Nachlesen:

🔗 Introducing Universal Cart, Google
🔗 Preparing Your Brand for Agentic AI; Harvard Business Review, März 2026
🔗 Have Brands Outgrown Mental Availability? Creative Salon (Ben Essen, Iris)
🔗 Agentic AI Commerce: The Next Retail Revolution; Bain & Company
🔗 Agentic Commerce: How Brands Should Act Now; eMarketer

Pick 03: Superfans als Geschäftsmodell

Spotify ist gerade überall. Ich bin gestern mitten in die Diskussion rund um das neue Flaggschiff-Produkt Reserved by Spotify bei Deutschlandfunk Nova eingestiegen. Aber kurz zurück zum Anfang.

Spotify Investor Day 2026 in New York. Spotify präsentiert eine zentrale strategische These: Die Welt funktioniert nach dem Prinzip des Power Laws. Es gibt keine “durchschnittlichen User.” Deshalb baut Spotify ein Portfolio von Add-ons mit höherem Average Revenue per User (ARPU), um aus den engagiertesten Fans deutlich mehr Umsatz herauszuholen.

Das Flaggschiff dieser Strategie heißt Reserved by Spotify: In Partnerschaft mit Live Nation werden ab diesem Sommer für ausgewählte Touren im US-Markt bis zu zwei Konzerttickets pro Fan für die treuesten Fans eines Artists reserviert, identifiziert über Spotify-eigene Nutzungsdaten: “We’ll identify real fans based on factors like streams, shares, and other Spotify activity, and will also monitor the activity of Premium users to ensure these are real human fans and not bots.”

Die Logik: Wer am meisten streamt, bekommt zuerst Zugang und hat dann einen Tag Zeit die Tickets zu kaufen. Spotify spricht von Fairness und Mehrwerten für die Fans. Analysten nennen es “Retention-Moat”. Eine langfristig angelegte Strategie die Wechselkosten für User zu erhöhen. Superfans sind damit nicht mehr nur eine emotionale Kategorie, sondern werden zu anonymen Datenpunkten im Algorithmus.

Reserved by Spotify ist ihrer Auffassung nach kein einfaches Feature, sondern eine Machtverschiebung im Streaming- aber auch Live-Markt. Denn aktuelle Live-Nation-Exklusivität lässt Fragezeichen bei unabhängigen Venues und Promotern offen. Welche Artists, in welchen Ländern Teil von Reserved by Spotify sind, auch noch nicht klar. Zu hoffen bleibt, dass die Öffnung hin zu Independent Venues, Promotern und eben auch up-and-coming Artists stattfindet. Spotify hat bereits angekündigt, das Programm künftig zu erweitern.

Mit Blick auf die strategischen Ziele ist Reserved als Premium-Funktion neben KI-gesteurten Wachstumsplänen und neuen Audioformaten nur eine Säule. Denn die Ziele für 2030 sind ambitioniert: 1 Milliarde User (aktuell ca. 761 Millionen) sowie ein jährliches Umsatzswachstum im mittleren 10er Bereich (mid-teens) auf einen Jahresumsatz von 100 Milliarden Dollar.

Zum selbst Nachlesen:
🔗 Investor Day, Reserved by Spotify, Newsroom Article
🔗 Spotify For the Record; Digital Music News
🔗 Key Music Takeaways from Spotify Investor Day 2026 — Hypebot
🔗 Spotify Investor Day Recap — Inderes Analyse

Trend Pick: Future Medieval Design “brought to life” von Die Spitz

Future Medieval wurde bereits 2025 als Design Trend für 2026 ausgerufen. Creative Boom beschreibt es als die Fusion von Blackletter-Typografie, heraldischen Motiven und ornamentalen Symbolen mit zeitgenössischer digitaler Präzision. Dunkel, symbolisch, detailreich. Weder minimalistisch noch nostalgisch.

Ich sehe Medieval Signs, Fonts und Symbole gerade überall. Ein aktuelles Beispiel: das D&AD Award Design.

Auch in der Musikkultur blitzen Medieval-Referenzen genre-unabhängig durch. Eine Band, die locker den Soundtrack zum nächsten Adidas x Satisfy Circle Pit liefern könnte und Future Medieval par excellence videographisch umgesetzt hat: Die Spitz, “A mayhem inciting cohort from Austin, Texas.”

Viel Spaß damit. Wir sehen uns zur Ausgabe 004. To all the misfits!

OMR Small und Big Talks gut verarbeitet? Dann willkommen zur zweiten Ausgabe von Misfits & Margins.

Für alle, die zum ersten Mal hier sind: Bei Misfits & Margins gibt es Entwicklungen aus Marketing und Kreativwirtschaft, die von den Rändern ins Spotlight drängen, als Gegenentwurf zum Mainstream. Keine fast-moving Social Trends, keine fünf Tipps für mehr Growth, sondern drei bis vier Themenpicks, alle zwei Wochen und mein persönlicher Blick auf die Zeichen der Zeit.

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Die heutige Ausgabe widmet sich der Gleichzeitigkeit der Dinge. Denn wir befinden uns irgendwo im Nirgendwo zwischen ungebrochener KI-Euphorie und Anti-KI-Slop-Petition. Und wie so oft im Leben ist es die Gleichzeitigkeit der Dinge, die wir lernen müssen zu akzeptieren und zu orchestrieren. Vor allem im Marketing.

To all the Misfits, let’s go! <3

Pick 01: Die Analog-Economy wird zur Asset Class

Jeder Hype zeugt seine eigenen Kritiker-Kids. So auch KI & Always-Online.

Strava hat Ende 2025 im Jahresbericht bestätigt, was sich gefühlt in meinem ganzen Freundeskreis bereits im Kleinen gezeigt hat: Hiking Clubs sind auf der Plattform 5.8x gewachsen, mehr als alle anderen Sportarten-Clubs. Club ist ein gutes Stichwort. Der Offline Club aus Amsterdam bekommt stetig Zulauf und ist mittlerweile über die niederländischen Grenzen hinaus in 19 Städten aktiv. Bei den Treffen wird gemeinsam gestrickt, gelesen oder sich einfach unterhalten. Und was mich als großen Musikfan besonders freut: Vinyl-Sales in den USA haben letztes Jahr über 1 Milliarde US-Dollar erreicht. Ein Rekordhoch.

Die Analog-Economy ist keine Subkultur mehr.

Spannend daran ist, dass ausgerechnet Gen Z, die erste Generation, die vollständig digital sozialisiert wurde, diese Kritiker-Kids sind. Sie bauen die Gegeninfrastruktur zur Welt, die für sie gebaut wurde. So explodiert auch der globale Markt für Social-Media-Blocker-Apps. Das Wachstum wird laut Fortune von 1,47 Milliarden US-Dollar in 2025 auf 5 Milliarden US-Dollar in 2035 geschätzt.

Sollten wir jetzt alle unsere Social-Budgets runterfahren? Doubt it. So ganz offline und analog unterwegs zu sein, können und wollen sich die Wenigsten leisten. Dafür ist der digitale Layer zu tief und zu essentiell in unserem Leben eingewebt, Selbstinszenierung ökonomisch zu wichtig.

Macht es trotzdem Sinn als Brand, wieder mehr über Experiential Marketing und analoge Mehrwerte nachzudenken? Auf jeden Fall. Denn die Analog-Economy ist zu oberflächlich interpretiert, wenn man hinter ihr nur Nostalgie als Treiber sieht. Der eigentliche Treiber ist Erschöpfung. Und die bleibt.

Links zu dem Thema:
🔗 Gen Z is engineering an analog future, Fortune April 2026
🔗 Why young people are swapping social media for vinyl and brick phones — CNBC, Februar 2026

Pick 02: “Underplay” als Marketingstrategie

Wir bleiben analog und beim Thema Experiences:

New York, 2026. Eine der größten Rockbands der Welt spielt vor 1.200 Menschen im Irving Plaza. Die Rede ist von den Foo Fighters: Mainstage-Festival-Band, Stadion-Rockstars mit Shows im Olympiastadion und der Allianz Arena in diesem Jahr, Heroes meiner Jugend.

Die kleinen und intimen Shows sind kein Zufall, die Foo-Fighters-Fanbase nicht so klein, als dass es die kleinen Clubs in Manchester, London, Dublin, New York, … sein müssten. Die Auswahl der Locations ist Strategie.

Bloomberg hat kürzlich einen Artikel darüber veröffentlicht, wie die Musikindustrie systematisch Scarcity aka Verknappung im Live-Bereich erzeugt. Das Prinzip: „Underplay”. Man bucht absichtlich eine Venue, die kleiner ist, als die Band eigentlich füllen könnte. Warum? Es lohnt sich.

Zwei Mechaniken, die Underplay so attraktiv machen:

Scarcity Creates Story. 30-Dollar-Tickets für einen Resale-Preis ab 675 Dollar. Das Sekundärmarkt-Ticket erzeugt Buzz, ohne großes Zutun der professionellen PR- und Marketing-Teams.

Die richtige Crowd schlägt die größte Crowd. New York, Manchester und weitere Metropolen werden bewusst „underplayed” – nicht weil die Städte klein wären, sondern weil dort die Multiplikatoren sitzen. 400 Menschen mit Reichweite sind mehr wert als 2.000 ohne.

Verknappung ist nichts Neues und funktioniert in fast jeder Kategorie. Ein Fashionbrand mit limitierten Drops (jüngstes Beispiel: Audemars Piguet x Swatch Royal Pop Collection). Ein Event mit limitierten Plätzen. Exklusiver Content mit Warteliste.

Wir wissen, wie es läuft, und trotzdem sehnen wir uns dieser Tage so sehr nach dem Besonderen, dass FOMO jegliche Rationalität ausschaltet. Der Sänger der Indie-Band Cloud Nothings, Dylan Baldi, bringt es am Ende des Bloomberg-Artikels zum Thema Underplay auf den Punkt:

„The whole thing is fake in a way. But at the heart of it, people are playing music and other people are enjoying it.”

Links zu dem Thema:
🔗 Why Musicians Are Manufacturing Sold-Out Shows, Bloomberg April 2026
🔗 Foo Fighters Bring Their Stadium Show To A Modest NYC Venue, Seattletimes 2026

Pick 03: Human-made und die Umkehr des KI-Effizienz Narrativs

AI-Slop, AI-Slop, AI-Slop, AI-Slop, AI-Slop – das Wort des Jahres 2025 und auch 2026 weiterhin in aller Munde. Für alle, die es noch geschafft haben, dem Begriff aus dem Weg zu gehen: AI-Slop = AI-generierter Content, massenhaft produziert, minderwertig und inhaltlich belanglos.

Für das Gegenteil gibt es ebenfalls bereits ein Label: „human-made”. iHeartMedia vermarktet sich aktiv mit „guaranteed human”. Patagonia experimentiert mit „human-made” als Label. Spotify führt den neuen „verified”-Button ein, der anzeigt, ob hinter dem Artist ein echter Mensch steckt oder eben nicht. Und Co-Twitter-Gründer Jack Dorsey finanziert diVine, die Neuauflage der Short-Video-Pioneer-App Vine. Die Idee: maximal 6 Sekunden lange Videos, ohne KI produziert. Nach anfänglicher Euphorie ist der Hype wieder abgeflacht. Der Triggerpunkt bleibt: Massen an KI-Content, die die Plattformen mit Nonsens fluten.

Was wir gerade erleben, ist die direkte Umkehrung des KI-Effizienz-Narrativs, das wir seit 2023 hören. Der Markt schafft eine neue Knappheit: menschliches Können. Wer Kreativarbeit, Design, Text und Fotografie als handgemacht glaubwürdig positionieren kann, hat plötzlich ein Premium-Argument, das vor zwei Jahren nicht existierte. „Craft” war lange ein Lifestyle-Begriff. Jetzt wird er zum Wettbewerbsvorteil. Wichtig wie immer: Glaubwürdigkeit!

Wie genau „human-made” definiert wird, ist noch nicht ganz klar, vor allem, wenn KI in die meisten unserer Anwendungen Einzug hält. Als strategisches Hebel wird das Label in Zukunft in jedem Fall eine wichtige Rolle spielen.

Links zu dem Thema:
🔗 Spotify adds ‘Verified’ badges to distinguish human artists from AI, BBC, Mai 2026
🔗 Vine video-sharing app is back – and battling AI slop, The Guardian, Mai 2026
🔗 What is the Human-Made Premium?, MindStudio, April 2026
🔗 „Human-made” als Badge of Honor, Lippincott Trends 2026

Pick 04: Girlbossing & AI

Ich bin kurz vor Veröffentlichung dieser Ausgabe noch über ein kleines, aber feines Rage-Thema gestolpert: The Girlbossification of AI. In ihrem The-Cut-Artikel beschreibt die Autorin Angelina Chapin ein Narrativ, das sich gerade unter Business-Influencerinnen wie Reese Witherspoon, Sheryl Sandberg und Mel Robbins verbreitet. Runtergebrochen klingt das meistens ungefähr so: Frauen nutzen KI weniger als Männer. Wir Frauen müssen endlich damit anfangen, sonst werden wir in der Arbeitswelt überflüssig.

Die geringere KI-Nutzung von Frauen ist belegt. Forschende der Stanford University, der Harvard University sowie der University of California, Berkeley haben bereits 2025 herausgefunden, dass Frauen KI im Businesskontext durchschnittlich 25 % weniger nutzen als Männer.

In den kurzen Content-Pieces der “Girlbosses” wird nur leider nicht über die Ursachen gesprochen und damit deutlich zu kurz gesprungen.

Denn eine der Hauptgründe für die geringere KI-Nutzung hat nichts mit Willen oder Können zu tun. Die Herausforderung ist nicht individuell, sondern systemisch: „Women face greater penalties in being judged as not having expertise in different fields.”, so Rembrand M. Koning, Associate Professor of Business Administration an der Harvard Business School. „They might be worried that someone would think even though they got the answer right, they ‘cheated’ by using ChatGPT.”

Wenn Spokeswomen wie Reese Witherspoon also dieser Tage erzählen, dass Frauen endlich anfangen müssen, KI „zu lernen”, um nicht überflüssig zu werden, dann ist das zunächst einmal Fear-Mongering, oder schlicht Angstmache, und kein wirklich wirksamer Lösungsansatz für eine echte Challenge.

Denn der größte Hebel liegt nicht in der individuellen Willenskraft und Stärke von Frauen, sondern in der Schaffung einer richtigen Unternehmenskultur.

Ein Content Pick zum Abschluss:

Eines meiner Highlights der OMR: Philipp Klöckner zum Thema „Beyond the AI Hype – Wo wir wirklich stehen und was uns erwartet." Neben allen anderen kondensiert smarten Slides eine, die bei mir besonders hängen geblieben ist:

„99,7 % der Menschen zahlen nicht für KI.” Kernaussage: Ein paar Wenige nutzen KI kostenlos, noch weniger zahlen dafür. Wer schon einmal mit KI gecoded hat oder KI nutzt, gehört bereits zu den Top 3 % der Weltbevölkerung. Gibt also noch viel Raum für Wachstum!

Mehr smarte Slides, Gedanken und einen super Überblick über den Status quo in Sachen KI gibt es hier:

Mich hat schon immer all das interessiert, was zwischen Welten und abseits vom Mainstream passiert ist. Proudly raised zwischen Carrie Bradshaw und Tumblr & MySpace. Zwischen klassischer Klavierausbildung und Skatepark. Zwischen Masterarbeit über Taylor Swift und Business Partner auf der Gamescom akquirieren. Zwischen Musiklabel und Kreativagentur.

Misfits & Margins dreht sich um Entwicklungen aus Marketing und Kreativwirtschaft, die von den Rändern ins Spotlight drängen. Ideen, die sich als Gegenentwurf zum Mainstream positionieren und gerade deshalb dort erfolgreich sind oder das Potenzial haben, es noch zu werden. Denn wir wissen alle: Wer es sich zu lange in der cozy Mitte gemütlich macht, geht langfristig unter.

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Und jetzt los zu den Picks der ersten Ausgabe.
Happy great fucking birthday, Misfits & Margins!

Pick 01: Der Untergang der Millennial Brands

Selten habe ich – und offensichtlich viele andere – in den letzten Jahren so eine 180-Grad-Drehung gesehen wie bei Allbirds. All who?! Allbirds ist eine in San Francisco ansässige Schuhmarke, die nachhaltige, bequeme Sneaker aus Naturmaterialien wie Merinowolle herstellt. Ende März der Paukenschlag: Allbirds verkauft seine Brand an die American Exchange Group und richtet sich neu aus: von Merinowolle zum KI-Infrastrukturunternehmen unter dem Namen NewBird AI. Von Sneakern, promoted by Obama, zu GPU as a Service. Die Aktie gewinnt um 640 Prozent. Aber um den Hype, den alleine die beiden Buchstaben KI an den Finanzmärkten auslösen, soll es nicht gehen.

The Economist sieht Allbirds symptomatisch für eine Reihe typischer Millennial Brands wie Glossier oder Casper, die in ihrer Anfangszeit schnelles Wachstum vor allem über reinen Onlinevertrieb und direkte Customer-Akquisition über Social Media erreichten. 2026 ist das Klima rauer: Venture Capitalists verschieben ihre Investments in Richtung KI, Customer-Akquisition ist deutlich teurer geworden und Creator Brands drücken mit Communities in den Markt, die sie nicht erst aufbauen müssen.

Ob NewBird AI im GPU-Business überlebt, interessiert mich nur am Rande. Was mich interessiert: Warum wir immer noch überrascht sind, wenn Marken, die nie wirklich eine Community aufgebaut haben, verschwinden, sobald der Paid-Media-Hahn zugedreht wird.

Creator Brands machen es nicht besser, weil sie authentischer sind oder die besseren Produkte haben. Sie sind so stark, weil sie ihre Community verstehen und sie entsprechend kommunikativ sowie mit den richtigen Produkten bespielen.

🔗 Links zum Nachlesen:
Wirtschaftswoche über Allbirds
The Economist über Allbirds

Pick 02: UK Ug - Anti-Establishment wird Mainstream

UK Underground Rap, UK Ug, ist back. Und mit mehr Mainstream-Potenzial als je zuvor. 2025 stiegen die Streams laut Music Intelligence Report von SoundCloud um fast 300%. Bekanntester Artist der Stunde: EsDeeKid, der zunächst im Verdacht stand, ein Alter Ego von Timothée Chalamet zu sein, und kürzlich den größten Record Deal der UK-Rap-Geschichte mit Capitol Records unterschrieben hat. Geschätzte 30 Millionen Dollar.

Aber auch ohne Hollywood-Gerüchte findet UK Underground Rap seinen Weg nach oben. Artists wie Rico Ace, Fakemink und Nettspend bestimmten nicht nur den Sound der Aftershow-Partys, sondern liefen die Gucci-AW26-Show. Die Wut und das Gefühl der Machtlosigkeit gegenüber dem Establishment: raus aus dem Untergrund, rauf auf die Laufstege der High Fashion. Geschafft hat die Szene das, indem sie sich ihr Narrativ komplett selbst geschrieben hat: über TikTok-Lore, Reddit-Memes, abseits der großen Mainstream-Musikmedien.

Und was passiert, wenn der Fame kommt? Gefällt nicht allen. Unter dem Begriff „newgen”, einem abwertenden Begriff für neue Hype-Fans, verkauften Reddit-User und Fans der ersten Stunde Screenshots von EsDeeKids Spotify-Profil vor seinem Durchbruch.

Crazy, didn’t know that that’s possible. Aber Originalfans, die ihre Position verteidigen, sind nun mal nicht untypisch für Sub-Phänomene, die Traction im Mainstream bekommen.

Was UK Ug gerade zeigt, ist etwas super Spannendes: eine Szene, die den Mainstream-Moment nach ihren Spielregeln verhandelt. EsDeeKid unterschreibt beim Major Label, aber die Ästhetik, das Narrativ gehören noch immer der Community (auch, wenn sich Widerstand regt). Marken, die zu einem solchen Zeitpunkt in eine Kultur reinwollen, bauen keine Kampagnen. Sie verhalten sich wie Fans, bestenfalls, bevor es cool war. Das gilt nicht nur für UK Underground Rap, sondern für jede Subculture auf dem Sprung in den Mainstream.

🔗 Links zum Nachlesen:
Papermag über EsDeeKid

🔗 Mehr zur Underground Szene in Deutschland
dazed über die DE Ug Szene

Pick 03: Anti-Stress, Anti-Speed, Anti-AAA-Gameplay: der Hype um Cozy Games

Was als Stardew-Valley-Nische begann und mit Animal Crossing während der Pandemie zum Hype wurde, ist längst zum „emotional habit” mutiert: Cozy Games gehören für viele bereits zum Alltag. 2026 erscheinen mehr Cozy-Titel als je zuvor, dominiert von Solo-Devs und Kleinstteams. Seit 2020 ein Anstieg von 657%, mit Titeln wie The Darkest Files und Tiny Bookshop. Warum so populär, wenn gefühlt die ganze Welt nur über den GTA-6-Release spricht?

Über 50% der Player spielen Cozy Games, um Stress, Angst und Alltag hinter sich zu lassen. Cozy Games = der Gegenentwurf zu allen super hoch produzierten AAA-Titeln: ruhige und einfache Grafik, langsames Spieltempo und wenig Spektakel. Cozy an, Alltag aus! – so die Idee dahinter. Dabei bedeutet Cozy nicht gleich anspruchslos, denn vor allem deutsche Gamer:innen suchen in all der Coziness Herausforderung und Tiefe.

Was ich daran spannend finde: Die erfolgreichsten Cozy-Titel kommen nicht von EA oder Ubisoft mit 200-Personen-Teams und Hollywood-Budgets. Sie kommen von Solo-Devs in Schlafzimmern und kleinen Studios, die verstanden haben, was Gamer:innen gerade wirklich brauchen. Und dafür braucht es kein Hochglanz. Warte ich trotzdem auf GTA 6? YEEEES!

🔗 Links zum Nachlesen:
Cozy Games Studie

🌹🗡️Aesthetic Pick

Leeds 2034, Chaos und ein Shortfilm inklusive Single Release in dem Yung Lean mit seinem Acting Debüt gibt. Falls du es noch nicht gesehen hast, jetzt auf jeden Fall nachholen.

🔥 GENER8ION - STORM starring Yung Lean

Produzent: Surkin, Regisseur: Romain Gavras, Choreograph: Damien Jalet

Und da der Begriff lore rund um UK Underground Rap gefallen ist, zum Abschluss ein Content-Trend, der auch 2026 weiter anhält: die Story hinter der Story, lore halt. 2026 geht es mehr denn je um das Storytelling hinter der eigentlichen Story, die Referenzen, die Welten und Beziehungen, die sich hinter der eigentlichen Geschichte verbergen, Behind-The-Scenes.

Und mit etwas lore zu dem neuen Gener8ion & Yung Lean Video beende ich die erste Ausgabe von Misfits & Margins.

To all the Misfits, bis in zwei Wochen, Julia