Ho una teoria.

Il primo spettacolo che scegli all’inizio di una stagione è quasi sempre il più sincero. Non necessariamente il più bello. Né quello che ricorderai di più. Ma quello che dice di più su di te.

Iscriviti ora

O meglio, su quello di cui hai bisogno in quel momento.

Per anni ho pensato che scegliessimo gli spettacoli come scegliamo un ristorante: confrontando recensioni, leggendo la trama, guardando il cast. Poi mi sono accorta che non era vero.

Ci sono stagioni in cui, senza pensarci troppo, scelgo subito una commedia.Non perché sia il mio genere preferito. Ma perché ho bisogno di ridere.

Altre volte mi ritrovo ad acquistare il biglietto di uno spettacolo difficile, uno di quelli che sai già ti farà uscire con più domande che risposte.

E altre ancora torno a un classico. Non per nostalgia, ma perché certe storie, in alcuni momenti della vita, sembrano conoscerti meglio di quanto tu conosca te stessa. È strano.

Se qualcuno mi chiedesse perché ho scelto proprio quello spettacolo, probabilmente gli parlerei del regista, degli attori, delle recensioni. Sono tutte risposte vere.

Ma ho il sospetto che ce ne sia un’altra, molto meno razionale. La verità è che scegliamo le storie che, in quel momento, ci somigliano. O quelle che speriamo possano cambiarci.

Non è un’intuizione romantica. Gli psicologi parlano di mood congruent choice: tendiamo a scegliere esperienze coerenti con il nostro stato emotivo oppure con quello che desideriamo raggiungere. Succede con la musica che ascoltiamo, con i libri che compriamo e persino con i film che decidiamo di vedere.

Perché il teatro dovrebbe essere diverso? Forse il primo spettacolo della stagione non è mai casuale.

Forse è una domanda che ci stiamo facendo senza rendercene conto.

“Ho bisogno di leggerezza?”, “Ho voglia di essere messa in discussione?”, “Cerco conforto o sorpresa?”, “Voglio uscire diversa da come entro?”

Mi è capitato, qualche settimana fa, di riguardare i primi spettacoli delle ultime stagioni.

È stato quasi come rileggere un diario. C’era l’anno in cui avevo bisogno di ridere. Quello in cui cercavo storie più intime. Quello in cui volevo essere travolta da qualcosa di completamente nuovo. Nessuno di quei biglietti raccontava i miei gusti.

Raccontavano la persona che ero in quel preciso momento. Ed è questo che mi affascina del teatro. Pensiamo di scegliere uno spettacolo.

In realtà, molto spesso, stiamo scegliendo una conversazione con noi stessi. E forse è anche per questo che il primo spettacolo della stagione ha sempre un sapore diverso dagli altri.

Non apre soltanto un cartellone. Apre un periodo della nostra vita.

☕ Chiacchiere da foyer

Qual è stato il primo spettacolo che hai comprato per questa stagione?

E se dovessi rispondere con sincerità, cosa stavi cercando in quel momento? Una risata? Una domanda? Un rifugio? Una scossa?

Mi piacerebbe leggere le vostre risposte. Ho la sensazione che raccontino molto più di uno spettacolo.

Condividi

Ogni anno mi riprometto che questa sarà la stagione in cui riuscirò a essere razionale. Apro il cartellone con le migliori intenzioni. “Segno giusto un paio di spettacoli che mi interessano davvero.” Dura pochissimo.

Nel giro di dieci minuti ho il calendario aperto, tre PDF sul desktop, una chat WhatsApp con un’amica che inizia con un innocente “Hai visto?” e finisce, immancabilmente, con una wishlist che occupa più serate di quante ne abbia realmente una settimana.

È in quel momento che compare lei. La mia versione del futuro. Le voglio bene, perché è una donna decisamente migliore di me.

Esce sempre dall’ufficio in orario. Non dimentica compleanni. Non prende mai l’influenza. Riesce a cenare fuori, andare a teatro tre volte in una settimana e svegliarsi il giorno dopo piena di energia.

Io, invece, sono quella che il pomeriggio dello spettacolo apre Google Maps per capire se davvero aveva pensato di attraversare mezza città in venti minuti.

Eppure, ogni anno, continuo a fidarmi di lei. Mi sono chiesta spesso perché. Perché scegliere uno spettacolo ci mette così in crisi?

In fondo non stiamo decidendo dove vivere, né quale lavoro accettare. Stiamo scegliendo come passare un mercoledì sera.

Eppure basta aprire un cartellone perché tutto diventi improvvisamente complicato. Credo che il motivo sia questo: non stiamo scegliendo uno spettacolo. Stiamo scegliendo a cosa rinunciare.

È una differenza piccola, ma cambia completamente la prospettiva.

Quando diciamo sì a uno spettacolo, stiamo automaticamente dicendo no a un altro. Oppure a una cena con gli amici. A una serata sul divano. A quel film che volevamo vedere. O, molto semplicemente, alla possibilità di non fare niente.

Ogni scelta porta con sé una rinuncia. E forse è proprio questo che ci pesa.

Lo psicologo Barry Schwartz ci ha costruito sopra un libro diventato un classico, The Paradox of Choice. La sua teoria è semplice: più aumentano le possibilità, più scegliere diventa difficile. Non perché siamo incapaci di decidere, ma perché ogni decisione ci ricorda tutte le alternative che stiamo lasciando indietro.

Un cartellone teatrale è esattamente questo. Non è un elenco di spettacoli. È un elenco di possibilità. Ogni titolo è una serata che potremmo vivere, un attore che potremmo scoprire, una storia che potrebbe cambiare il nostro modo di vedere una cosa. Una risata. Una delusione. Una conversazione durante il viaggio di ritorno.

Più ci penso, più mi convinco che non compriamo un biglietto soltanto per vedere uno spettacolo. Compriamo una serata che ancora non esiste. Compriamo una versione futura di noi.

Quella che, quel martedì di novembre, avrà ancora voglia di uscire di casa, spegnere il telefono e sedersi accanto a perfetti sconosciuti per ascoltare una storia. È un gesto incredibilmente ottimista.

Forse è per questo che continuo a comprare biglietti con mesi di anticipo, nonostante sappia benissimo che la mia agenda reale farà di tutto per sabotare quella immaginaria.

Qualche settimana fa mi è capitato di trovare un biglietto acquistato quasi sei mesi prima. La prima reazione è stata ridere.

“Ma chi era la donna convinta che quel martedì sarebbe uscita dall’ufficio alle sei in punto?” Poi ci sono andata. E tornando a casa ho pensato che, in fondo, aveva ragione lei.

Perché quella versione di me, così ingenuamente ottimista, aveva fatto una cosa che io, nel caos della quotidianità, faccio sempre più fatica a fare. Aveva protetto una serata. Le aveva dato un nome, una data e un posto.

Si era ricordata che il tempo non si trova. Si sceglie.

Forse è questo che mi emoziona davvero quando apro un nuovo cartellone. Non l’idea di vedere tutto. Ho smesso da tempo di rincorrerla.

Mi emoziona sapere che, tra centinaia di possibilità, ce ne saranno alcune che deciderò di vivere davvero.

E forse il valore di una stagione teatrale non sta negli spettacoli che contiene. Sta in quelli che scegliamo di non rimandare.

☕ Chiacchiere da foyer

Dimmi che non succede solo a me. Qual è la promessa che fai ogni volta che esce una nuova stagione?

“Quest’anno mi trattengo.”

“Aspetto prima di comprare.”

“Ne vedo uno al mese.”

Oppure hai un altro rito, una tua piccola superstizione o un criterio tutto personale per scegliere gli spettacoli?

Raccontamelo nei commenti. Sono curiosa di sapere se anche la tua versione del futuro è molto più organizzata della mia.

Iscriviti ora

C’è un gioco che possiamo fare. Togliamo il palco. Fatto? Ok. È ancora teatro?
Togliamo anche il sipario. E le poltrone. Facciamo sparire il copione. Pure gli attori. Magari anche il teatro stesso: niente edificio, niente platea, niente palco all’italiana, niente di niente.

A questo punto probabilmente starete pensando: “Complimenti. Hai appena inventato... il nulla.” E invece no. Abbiamo appena scoperto il teatro contemporaneo.

A partire dal Novecento il teatro invade fabbriche dismesse, appartamenti, strade, foreste, ospedali, supermercati. Gli spettatori camminano e prendono decisioni che influenzano la performance. Difficile, in questi contesti, trovare un confine preciso ed essere d’accordo su dove finisca il teatro e inizi qualcos’altro.

1. “Dove mi trovo?” Quando gli spettatori non sanno di assistere a uno spettacolo

Stai facendo la spesa, quando all’improvviso una cliente comincia a discutere animatamente con un cassiere. Alcuni intervengono, prendono le difese dell’una o dell’altra parte. La tensione cresce, non sai come muoverti, ti senti incastrato in circostanze inaspettate.

Poi, qualche minuto dopo, scopri che era tutto organizzato.

L’idea nasce negli anni Settanta grazie al regista brasiliano Augusto Boal, fondatore del Teatro dell’Oppresso. L’obiettivo era quello di trasformare la vita quotidiana in uno spazio di riflessione politica e sociale. Le persone coinvolte, infatti, non sanno di assistere a una performance: reagiscono spontaneamente, come farebbero nella realtà. Per Boal era un modo per fare emergere conflitti normalmente invisibili, dal razzismo all’abuso di potere.

Se nessuno sa che quello a cui sta assistendo è uno spettacolo… è ancora teatro?

🎭 Da recuperare

Augusto Boal spiega il teatro dell'oppresso

2. Quando il teatro parla ai sensi che usiamo meno

Chiudi gli occhi. Adesso immagina uno spettacolo. Probabilmente stai ancora “vedendo” qualcosa, è normale.

Siamo abituati a pensare che il teatro sia soprattutto un’arte visiva, ma se togliamo il primato al senso della vista, nasce il teatro sensoriale. Qui il pubblico viene guidato attraverso odori, suoni, variazioni di temperatura e molto altro. All’inizio è destabilizzante, ma quando ci si adatta il cervello comincia a costruire immagini molto più personali. Ogni spettatore vede uno spettacolo diverso anche se, in realtà, nessuno vede davvero.

Negli ultimi anni molte compagnie hanno esplorato questa direzione, spesso intrecciandola con il teatro immersivo. Una delle più interessanti è Punchdrunk, celebre per aver rivoluzionato il teatro immersivo con spettacoli in cui il pubblico esplora liberamente enormi ambienti scenici. Più recentemente ha creato Viola’s Room, un’esperienza quasi completamente affidata all’ascolto, al movimento e alla percezione dello spazio.

🎭 Da recuperare

Compagnia

Punchdrunk

Spettacoli consigliati

• Sleep No More

• Viola’s Room

▶️ Video

Viola’s Room Trailer

3. E se il regista fosse un algoritmo?

Negli ultimi anni l’intelligenza artificiale è entrata praticamente ovunque: scrive email, crea immagini, compone musica e ormai è perfino capace di sostenere una conversazione. Era inevitabile che, prima o poi, qualcuno decidesse di invitarla anche a teatro.

L’AI può generare dialoghi in tempo reale, modificare la scenografia in risposta ai movimenti del pubblico, oppure influenzare il comportamento di luci e immagini durante ogni replica. Questo significa che lo spettacolo non è più completamente scritto in anticipo, ma viene in parte creato sul momento e può subire variazioni.

Uno dei collettivi che da anni esplora il rapporto tra tecnologia e performance è Blast Theory. Le loro opere mescolano teatro, videogiochi, smartphone, geolocalizzazione e partecipazione del pubblico. In Karen, ad esempio, lo spettatore conversa con una life coach virtuale attraverso il telefono. Quella che sembra una semplice app diventa lentamente una riflessione sul controllo dei dati personali, sulla fiducia e sulle relazioni umane.

🎭 Da recuperare

Compagnia

Blast Theory

Spettacoli consigliati

Karen

▶️ Video

Blast Theory Karen trailer

4. E se il teatro non avesse più un teatro?

Per molti di noi il teatro è un edificio con una sua facciata, un foyer, un palco e una platea. Ma chi l’ha deciso?

Il site-specific theatre costruisce lo spettacolo attorno a un luogo preciso, che diventa a tutti gli effetti una parte fondamentale della storia. Uno spettacolo pensato per una metropolitana perderebbe gran parte della sua forza se venisse trasferito su un palco.

Il collettivo Rimini Protokoll è probabilmente uno dei nomi più importanti di questo approccio. Le loro opere utilizzano spesso luoghi reali e persone comuni, trasformando intere città in scenografie viventi. In Italia, invece, compagnie come Teatro dei Venti lavorano frequentemente in spazi urbani, paesaggi naturali e luoghi di grande valore storico.

🎭 Da recuperare

Compagnie

• Rimini Protokoll

• Teatro dei Venti

Spettacoli consigliati

• Remote X (Rimini Protokoll)

• Moby Dick (Teatro dei Venti)

▶️Video

Moby Dick Teatro dei Venti

Quindi... dove finisce il teatro?

Dopo aver tolto il palco, il sipario, la platea, il copione, aver sostituito il teatro con una città e aver affidato parte della regia a un algoritmo, la domanda iniziale torna inevitabilmente a galla: quando qualcosa smette di essere teatro?

Non esiste una risposta condivisa. Per alcuni molte delle esperienze di cui abbiamo parlato sono già arte contemporanea, per altri sono performance, per altri ancora sono installazioni partecipative. E forse è proprio questa la sua caratteristica più affascinante.

Conoscevi già qualcuna di queste forme di teatro? Hai assistito a uno spettacolo che ti ha fatto pensare: “Aspetta... ma questo è ancora teatro?”

Se ti viene in mente un’altra forma insolita o una compagnia che meriterebbe di comparire in questa lista, raccontacela nei commenti. Potrebbe essere il punto di partenza per un secondo viaggio nei territori più strani e sorprendenti della scena contemporanea.

Siamo diventati bravissimi a rimandare.

Ci capita continuamente: viviamo con la confortante certezza che tutto quello che ci sfugge oggi resterà lì ad aspettarci. Il video che non abbiamo tempo di guardare finisce salvato nei preferiti, il messaggio vocale possiamo ascoltarlo svariate volte, rallentarlo, velocizzarlo.

Quella odierna è una società che conserva, replica, cataloga. Tutto è a portata di mano, recuperabile in un secondo momento.

Poi, in una sera qualunque, entri in un teatro.

Siedi al tuo posto e aspetti che le luci attorno a te si abbassino. E proprio in quel preciso istante ti rendi conto che sta per entrare in vigore una regola del tutto opposta a quella a cui siamo abituati. Quello che sta per succedere non lo potrai recuperare domani.

C’è una caratteristica del teatro che spesso diamo per scontata, ma che rappresenta la sua natura più intima e affascinante: la sua caducità.

Non esiste il tasto “riavvolgi”. Non c’è una seconda possibilità per cogliere uno sguardo, una battuta sussurrata o un movimento improvviso. Ciò che si consuma su quel palcoscenico, in quell’esatto secondo, appartiene soltanto alle persone che si trovano in quel momento dentro la sala.

Un tempo l’irripetibilità degli eventi era semplicemente la norma. Le cose accadevano, finivano e diventavano ricordi da custodire nella propria mente. Oggi che tutto può essere conservato e registrato, l’irripetibile è diventato un patrimonio raro.

Ed è proprio in questa rarità che il teatro trova la sua forza. La magia dell’evento dal vivo non risiede unicamente nella sceneggiatura o nella regia, ma anche nel fattore umano.

Un attore può recitare lo stesso identico spettacolo per centinaia di repliche, ma la sua interpretazione non sarà mai davvero la stessa. Basta una minima sfumatura nella voce, un respiro trattenuto mezzo secondo in più, per cambiare radicalmente l’energia della scena.

E poi c’è l’altra metà dell’equazione, senza la quale lo spettacolo non esisterebbe: il pubblico.

Andare a teatro è un’esperienza umana a tutto tondo perché l’emozione di quella sera dipende in modo inevitabile anche da chi sta seduto nella poltroncina.

Quando ti ritrovi a cantare ed entusiasmarti durante un musical leggero e pop come Grease, la gioia è un coinvolgimento fisico che parte dai performer e travolge la platea. Quando, invece, di fronte a una pièce drammatica senti un nodo alla gola immedesimandoti nelle fragilità di un personaggio, non stai guardando un file riprodotto. Stai compiendo un atto di empatia reale.

Il teatro è questo: un incontro irripetibile in cui la sensibilità dell’artista e quella dello spettatore si fondono insieme in un unico conglomerato emotivo. Un’esperienza che ci riporta alla radice di ciò che significa essere umani, regalandoci la potenza e la bellezza del qui e ora. Ci insegna ad accettare che non tutto debba essere fissato per sempre o catalogato, e che il valore di un’emozione risiede talvolta proprio nel fatto di essere viva solo per quel momento.

Quando lo spettacolo finisce, ti porti a casa la sensazione preziosa di aver assistito a qualcosa che non accadrà mai più identico a se stesso.

Andare a teatro ci ricorda, in fondo, che la perfezione è soltanto un’illusione e che sono proprio le piccole sfumature, i dettagli inaspettati e persino gli errori a rendere un’esperienza autentica e vicina alla verità.

Hai trovato il tuo posto.

Controlli un’ultima volta di aver messo il telefono in silenzioso. Rispondi al volo a quel messaggio con un “ti scrivo dopo”. La persona accanto a te sfoglia il programma di sala, qualcuno due file più avanti sta ancora cercando gli occhiali, dietro di te una coppia discute se fermarsi a bere qualcosa dopo lo spettacolo.

Poi si abbassano le luci.

Ed è sorprendente quanto velocemente il mondo fuori perda volume.

La riunione di domani.
La lista della spesa.
Quella mail che aspetta una risposta.
Il collega da richiamare.
La lavatrice da stendere.

Certo, ogni tanto il pensiero torna. Ti chiedi se hai davvero inviato quel documento, controlli il telefono durante l’intervallo, ti ricordi all’improvviso che domani hai una sveglia impossibile.

Poi il sipario si riapre. E, quasi senza accorgertene, sei di nuovo da un’altra parte.

È curioso, se ci pensi. Passiamo gran parte della nostra vita a presentarci attraverso quello che facciamo. “Che lavoro fai?” è probabilmente la domanda che rivolgiamo più spesso a uno sconosciuto. Come se una professione bastasse a raccontare una persona.

Non è una cattiva abitudine. È il modo in cui funziona il nostro cervello. Per orientarci nel mondo abbiamo bisogno di semplificare, e le etichette sono una scorciatoia efficace.

Il problema è che, a forza di usarle con gli altri, finiamo per usarle anche con noi stessi.

Così smettiamo di essere semplicemente Marco, Giulia o Francesca e diventiamo “quello del marketing”, “la mamma di...”, “quello che organizza sempre tutto”, “quella che non stacca mai”.

I ruoli ci aiutano a vivere. Ma c’è una domanda che mi gira in testa da un po’.

Quando è stata l’ultima volta che sei stato semplicemente una persona?

Non un professionista. Non un genitore. Non quello che deve risolvere un problema. Solo una persona seduta davanti a una storia.

Forse è per questo che il teatro continua ad avere qualcosa di speciale.

Non perché ci faccia evadere dalla realtà, come si dice spesso. Anzi, chi frequenta il teatro sa che molte storie sono tutt’altro che evasione. Parlano di guerra, di famiglia, di politica, di perdita, di amore. Parlano della vita, spesso in modo più duro della vita stessa.

Eppure succede qualcosa di paradossale.

Mentre gli attori fanno di tutto per convincerci di essere qualcun altro, noi facciamo il percorso inverso. Più crediamo alla loro storia, meno sentiamo il bisogno di restare intrappolati nella nostra.

Questa sensazione ha anche un nome. Gli psicologi la chiamano narrative transportation: è quel momento in cui una storia ci coinvolge così tanto da spostare, anche solo temporaneamente, l’attenzione fuori da noi stessi.

Non diventiamo il protagonista. Succede qualcosa di molto più interessante. Per qualche minuto smettiamo di essere il protagonista della nostra storia.

Ci interessa sapere se quella coppia riuscirà a dirsi finalmente la verità. Se quel figlio perdonerà suo padre. Se quel personaggio troverà il coraggio di partire o di restare.

Sembra poco. In realtà è un esercizio rarissimo.

Viviamo in un mondo costruito per riportarci continuamente al centro. Gli algoritmi selezionano contenuti per te. Spotify crea playlist per te. Netflix suggerisce serie per te. Persino le pubblicità sembrano conoscerci meglio di alcuni amici.

Quasi tutto ci invita a guardare il mondo dal nostro punto di vista. Il teatro fa una proposta diversa. Per due ore ti dice:

“Prova a guardarlo dagli occhi di qualcun altro.”

E non è solo una bella immagine. Studi di psicologia narrativa, come quelli di Raymond Mar e Keith Oatley, mostrano che frequentare le storie è associato a una maggiore capacità di comprendere emozioni, intenzioni e punti di vista degli altri. Non perché il teatro renda automaticamente persone migliori, ma perché allena una capacità che oggi rischiamo di usare sempre meno: uscire, anche solo per un momento, dalla nostra prospettiva.

Forse è questo il vero motivo per cui continuiamo a tornare in platea.

Non per dimenticare la nostra vita, ma per ricordarci che non è l’unica che vale la pena ascoltare.

Quando si riaccendono le luci, il telefono torna a vibrare. Le notifiche sono sempre lì. Anche la riunione di domani, la lista della spesa e quella mail che continua ad aspettare.

La differenza è che, per un paio d’ore, abbiamo fatto una cosa che nella vita di tutti i giorni facciamo sempre più raramente.

Abbiamo smesso di guardare il mondo solo dalla nostra poltrona.

☕ Chiacchiere da foyer

C’è uno spettacolo che ti ha costretto a guardare il mondo da una prospettiva completamente diversa?

Oppure uno che, uscendo dal teatro, ti ha fatto pensare: “Non avevo mai visto questa cosa in questo modo.”

Raccontacelo nei commenti.

Le conversazioni più belle, in fondo, iniziano quasi sempre nel foyer.

C’è un momento, durante quasi ogni spettacolo, in cui in platea compare una piccola luce. A volte dura un secondo.
A volte molto di più.

Qualcuno controlla il telefono velocemente, quasi senza pensarci. Non per fare una foto. Non per rispondere a un messaggio urgente. Più spesso per abitudine. Un gesto automatico. Schermo acceso, occhi bassi, micro-scroll, schermo spento.

Poi di nuovo il palco.

Succede ovunque. Anche nei teatri.

Ed è difficile perfino considerarlo strano, perché nel frattempo il multitasking è diventato il nostro stato naturale.

Negli ultimi vent’anni il tempo medio che riusciamo a dedicare a una singola attività su uno schermo si è ridotto drasticamente. La ricercatrice Gloria Mark, che studia attenzione digitale all’Università della California Irvine, parla ormai di meno di un minuto prima di cambiare focus.

Guardiamo serie mentre scorriamo Instagram. Ascoltiamo podcast mentre rispondiamo alle mail. Mandiamo vocali mentre cuciniamo. Apriamo una scheda mentre ne stiamo leggendo un’altra.

La nostra attenzione ormai funziona così: frammentata, intermittente, continuamente interrotta.

Non consumiamo più contenuti. Li attraversiamo. Il teatro invece no.

Il teatro pretende una cosa molto semplice e ormai rarissima: presenza continua. E la cosa più assurda è che spesso basta perfino la presenza del telefono per distrarci. Alcuni studi mostrano che avere lo smartphone vicino riduce comunque la capacità di concentrazione, anche quando non lo stiamo usando.

Quando si abbassano le luci non possiamo accelerare la scena successiva. Non possiamo skippare un monologo. Non possiamo aprire altre finestre mentali per “ottimizzare il tempo”. Possiamo solo restare lì.

Seduti.
Nello stesso posto.
Dentro la stessa storia.

Ed è forse questo il motivo per cui oggi il teatro può risultare quasi estremo.

Se ti interessano questi ragionamenti sul rapporto tra teatro, internet e comportamento collettivo, potrebbero piacerti anche:

🎭 La standing ovation è il like dal vivo
👀 Come andare a Teatro GRATIS (o quasi)
📱 Se il teatro nascesse oggi

Perché non compete davvero con Netflix o TikTok. Compete con qualcosa di molto più grande: la nostra incapacità di restare concentrati su una sola cosa per più di qualche minuto. In pratica il teatro oggi non compete solo con altre forme di intrattenimento. Compete con un ecosistema costruito per interrompere continuamente la nostra attenzione.

A teatro il tempo torna ad avere peso.

I silenzi durano davvero.
L’attesa esiste.
La noia, a volte, anche.

Eppure è proprio lì che succede qualcosa di interessante.

Dopo un po’ il cervello rallenta. L’attenzione cambia ritmo. Si smette di cercare continuamente stimoli nuovi e si entra dentro una forma di ascolto più fisica, quasi dimenticata.

Forse è anche per questo che certe scene a teatro colpiscono in modo diverso rispetto a uno schermo.

Non perché siano “migliori”. Ma perché non possiamo viverle a metà.

Non c’è la possibilità di distrarsi completamente senza perdere qualcosa. E quindi, anche controvoglia, restiamo. Nel 2026 questa cosa assomiglia quasi a un lusso.

Due ore senza notifiche. Senza multitasking. Senza il bisogno costante di controllare altrove se sta succedendo qualcosa di più interessante. Non è un caso se uscire da teatro a volte dà una sensazione stranissima di “reset”.

Dopo ore passate a saltare da uno stimolo all’altro, qualcuno ci costringe improvvisamente a stare dentro la stessa esperienza dall’inizio alla fine.

Il paradosso è che il teatro oggi sembra contemporaneo proprio perché va contro il modo in cui consumiamo tutto il resto.

Mentre le piattaforme combattono per pochi secondi della nostra attenzione, il teatro continua a chiedere tempo pieno.

E forse è proprio questo che lo rende ancora così potente.

Non ci chiede performance. Non ci chiede produttività. Ci chiede soltanto di esserci.

📮 Se ti piacciono questi ragionamenti sul teatro contemporaneo, la cultura pop e il modo in cui viviamo gli spettacoli oggi, puoi iscriverti alla community di Poltroncina.

Iscriviti ora

Ora però la domanda è semplice: quanto resistiamo davvero senza controllare il telefono? Raccontacelo qui.

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

C’è sempre un momento, durante l’intervallo, in cui il foyer smette di sembrare un semplice spazio di passaggio.

Le persone iniziano a disporsi in piccoli cerchi.
Qualcuno ordina un prosecco.
Qualcuno esce a fumare velocemente.
Qualcuno apre il programma di sala come se contenesse risposte esistenziali.

Poi parte la frase rituale:

“A me però il primo atto non ha convinto.”

E improvvisamente perfetti sconosciuti iniziano a parlare tra loro come se si conoscessero da anni. Succede continuamente nei teatri.

Persone che fino a dieci minuti prima non si erano mai viste si ritrovano a discutere di scenografie, monologhi, finali, attori, durata dello spettacolo e temperatura della sala con un livello di confidenza che online raggiungiamo solo dopo mesi.

Ed è una cosa stranamente bellissima. Anche perché fuori dal teatro succede sempre meno.

Gran parte delle conversazioni oggi passa attraverso schermi, notifiche, algoritmi, gruppi WhatsApp silenziati e messaggi vocali ascoltati a 1.5x. Il foyer invece funziona ancora con regole molto fisiche:

Ci si guarda. Ci si ascolta. Ci si interrompe. Ci si accorge delle reazioni degli altri in tempo reale. E soprattutto succede una cosa rarissima: si parla ancora con sconosciuti. Forse è per questo che il foyer assomiglia così tanto a un social network. Solo che qui il feed è umano.

C’è chi osserva tutto senza parlare. Chi ascolta le conversazioni degli altri fingendo di cercare il bagno. Chi recensisce lo spettacolo dopo dodici minuti. Chi ha già deciso che “nel libro funzionava meglio”. Chi controlla immediatamente se qualcuno ha messo storie.

E poi ci sono quelle micro-community temporanee che esistono solo lì, per venti minuti. Persone unite dalla stessa esperienza, nello stesso posto, nello stesso momento. È una dinamica molto diversa da quella online. Sui social gli algoritmi decidono continuamente cosa mostrarci e con chi interagire. Nel foyer invece il caso fa ancora il suo lavoro.

Ti ritrovi accanto a persone che non avresti mai scelto. Eppure parlate della stessa cosa con un’intimità sorprendente. Forse perché il teatro crea un tipo di attenzione collettiva che fuori facciamo sempre più fatica a vivere.

Per due ore le persone guardano nella stessa direzione. Ridono negli stessi momenti.
Restano in silenzio insieme. E quando si riaccendono le luci, quella tensione condivisa da qualche parte deve andare.

Il foyer serve anche a questo: a decomprimere, a confrontarsi, a capire se quello che abbiamo sentito lo hanno sentito anche gli altri.

Non è un caso se molte delle frasi più iconiche del teatro contemporaneo probabilmente non vengono dette sul palco, ma davanti al bancone del bar durante l’intervallo, tipo:

“Secondo me il secondo atto sarà devastante.”

Oppure:

“Scusa ma quello era un simbolo o si è rotto davvero?”

O ancora:

“Comunque bellissima lei. Lui insopportabile.”

Il teatro, in fondo, non è mai soltanto quello che succede in scena.

È anche tutto quello che succede intorno.

Le attese prima di entrare. Le persone che cercano il numero della fila al buio.
I commenti sussurrati all’orecchio. La fila per il bagno femminile che sembra un survival game psicologico.

E il foyer è il punto in cui tutta questa energia si incontra. Forse il teatro continua a sembrarci così vivo anche per questo. Perché crea ancora luoghi fisici dove le persone condividono attenzione, opinioni e presenza nello stesso momento.

Senza filtri.
Senza notifiche.
Senza algoritmo.

Solo esseri umani un pò troppo vicini mentre cercano di capire se lo spettacolo è piaciuto davvero oppure no.

☀️ Speciale Festival 2026

Dentro trovi:

• festival da vedere almeno una volta nella vita

• rassegne immerse nella natura

• spettacoli sotto le stelle

• eventi perfetti anche per chi “a teatro non ci va mai”

• idee per costruirti un’estate molto teatrale senza sembrare una persona pesante

📮 Se ti piace il teatro, la cultura pop e le strane dinamiche sociali della platea, iscriviti alla community di Poltroncina!

Iscriviti ora

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

No no, qui non si fa politica! Qui si fa musica, arte, teatro!

Quante volte ce lo sentiamo dire? Eppure, seduta in poltroncina, io mi aspetto di essere lì ad assistere alla politica!

Tutta l’Arte è politica, perché la politica stessa è un’Arte. Lo diceva Pericle, per lui la politica è “l’Arte di vivere insieme”. Del resto, cosa fa l’Arte? Prende posizione sul modo in cui viviamo il presente, pensiamo, immaginiamo il futuro. Complica, disturba, pone delle domande, mette in crisi.

Iscriviti ora

Vi sembra familiare? Io mi sento seduta tra il pubblico, davanti a un palcoscenico. Immaginatevi qui con me, siamo un gruppo di sconosciuti, nello stesso spazio allo stesso tempo, pronti a guardare qualcosa. Un’interpretazione o proiezione della realtà.

Dalle tragedie greche a Brecht, passando da Shakespeare e Pirandello, cosa abbiamo visto se non il potere, la società e l’umanità smontati, ridicolizzati e umanizzati sul palco? C’è chi ci ha mostrato la bellezza, chi il male, chi ha immaginato un mondo migliore, chi ha mostrato le fragilità del suo contemporaneo, chi dopo millenni parla ancora al mondo come non fosse passato un giorno.

Noi poltroncinǝ, già solo quest’anno, abbiamo assistito all’analisi dell’umano e dell’ipocrisia con Pirandello, alla richiesta di pace di Lisistrata, alla lotta contro il potere di Antigone, all’atroce ritualità del femminicidio per Emma Dante, e una lista lunghissima di spettacoli che ci hanno messo davanti al mondo com’era, com’è e come potrebbe essere. Non solo i drammi, anche la commedia, il musical, la stand-up comedy! Tutto racconta, in modo diverso.

La libertà, i corpi, la giustizia, il dolore, l’autorità, la responsabilità, la gioia, l’amore in tutte le sue forme. Non è questa politica?

Allora perché ci si tira indietro spaventati dal dire apertamente che si fa politica facendo Arte?

Forse perché si confonde la politica con la propaganda. Un errore molto comune! Attenzione!

A teatro non ci si trova davanti a degli slogan, ma si accetta di confrontarsi con i conflitti umani, i corpi, le parole, insieme a un pubblico reale, non filtrato da uno schermo e da una pagina. Siamo lì, tutti insieme, a reagire, qui e ora, in un momento che non si ripeterà più! E lo vogliamo noi!

Il teatro, come direbbe Gaber, è partecipazione!

Poltroncina stessa, questa bellissima community, è un bellissimo atto politico: il pubblico che prende in mano la narrazione del teatro, e lo racconta a modo suo! Una piccola rivoluzione per far uscire il teatro dal foyer e invitare chiunque a entrare senza paura. Per una chiacchera, una riflessione senza pretese, dove tutti hanno diritto di raccontare semplicemente ciò che hanno sentito.

In questo anno di crescita insieme, nel nostro piccolo, ci sembra di aver fatto nostro l’invito di Willem Defoe nel messaggio per la Giornata Mondiale del Teatro:

Continua a emozionarci leggere queste parole, come fosse la prima volta. Ci sentiamo chiamate a rispondere e fare nel nostro!

Aprire il suo invito ai creatori teatrali anche a chi il teatro lo vive dalla platea per noi è un passo necessario, è rompere davvero la quarta parete e amplificare la capacità degli artisti di creare connessioni e comunità.

Chi lo sa meglio di noi, Poltroncinǝ?

Vi va di raccontarci quale spettacolo vi ha messo più in crisi quest’anno? C’è stato un momento a teatro in cui vi siete posti delle domande che non vi sareste fattǝ altrimenti?

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Bellissimo che, tanti secoli fa, nell’antica Grecia, qualcuno abbia iniziato a scrivere storie pensate per essere recitate davanti a un pubblico. Bellissimo che da quelle esperienze siano nate forme sempre più strutturate, regole, generi, personaggi e millemila modi di stare in scena.

Bellissimo anche che siano stati costruiti teatri giganteschi, progettati apposta da architetti esperti che si sono ingegnati e spremuti le meningi, che quelle architetture si siano poi evolute nel tempo, attraversando imperi, rivoluzioni e secoli di storia fino ad arrivare alle nostre amatissime platee con le poltroncine in velluto rosso.

Quando pensiamo alla storia del teatro, però, tendiamo quasi sempre a raccontarcela nominando più che altro Grecia, Roma, Rinascimento, teatro moderno. Ci si ferma lì.

Ma cosa succedeva nel resto del mondo mentre Eschilo, Sofocle ed Euripide riempivano gli anfiteatri?

Un sacco di cose. In diverse parti dell’Asia, dell’Africa e delle Americhe esistevano già tradizioni performative complesse, spesso legate alla religione, al rituale, alla musica o alla vita comunitaria. Alcune assomigliano veramente poco all’idea di teatro a cui siamo abituati, mentre altre sembrano anticipare pratiche che in Occidente avremmo scoperto molti secoli dopo.

Insomma: se per una volta usciamo dalle nostre poltroncine rosse e allarghiamo lo sguardo, scopriamo che la storia del teatro è estremamente ricca, bizzarra e affascinante.

Iscriviti ora

1. Giappone: Nō, Kabuki e il teatro del silenzio

Se il teatro occidentale spesso punta tutto sulla trama, il teatro giapponese tradizionale è caratterizzato da estrema calma.

Il Nō nasce in Giappone tra il Trecento e il Quattrocento, ma arriva da rituali religiosi e danze sacre molto più antiche. L’azione si svolge su un palco essenziale in legno di cipresso, dominato dal kagami-ita, un pino dipinto che simboleggia il mezzo con cui le divinità scendono sulla terra.

Gli attori accedono alla scena tramite il ponte hashigakari, una passerella che funge da tramite tra il mondo umano e quello soprannaturale. Il protagonista, lo shite, recita solitamente indossando una maschera che, grazie a una sapiente lavorazione, muta espressione come per magia a seconda dell’inclinazione e della luce.

Pur essendo una forma d’arte aristocratica e poco accessibile (al contrario del Kabuki), dopo un po’, quando l’occhio si abitua e l’attenzione si allena, ci si scopre sorpresi anche davanti ad un piccolo gesto della mano.

Il Kabuki punta verso la direzione opposta: usa costumi giganteschi e trucco teatrale appariscente. Si tratta di un teatro super popolare, nato anche come intrattenimento urbano.

All’inizio il Kabuki era molto diverso da come lo conosciamo oggi. Nacque inizialmente come una forma di danza e spettacolo in cui i ruoli principali erano interpretati da donne. Successivamente, però, le autorità ne vietarono la partecipazione per ragioni morali, affidando le parti femminili ad attori maschi. Nel corso dei secoli lo stile si fece sempre più codificato e spettacolare: costumi, trucco, gesti e movimenti vennero enfatizzati fino a trasformarsi in uno degli elementi più riconoscibili del teatro giapponese.

Pur essendo distantissimi tra loro, Nō e Kabuki hanno entrambi poco a che vedere con l’idea occidentale di “realismo”: nessuno cerca mai di convincerti che quello che vedi sia vero. Il teatro qui non nasconde di essere teatro.

2. India: il teatro-danza e il Nāṭya, ovvero “fare tutto contemporaneamente”

Siamo abituati a inquadrare in un certo modo le arti sceniche: recitazione, danza, musica. In India questo è assolutamente impossibile. Tutto è (tradizionalmente) sempre insieme. Sempre.

Alla base c’è il Nāṭyaśāstra, un antichissimo testo teorico che per le arti performative indiane è più o meno quello che Aristotele è stato per l’Occidente. Solo che invece di chiedersi come costruire una tragedia, qui il focus è tutto centrato sul capire come generare emozioni precise nello spettatore.

Nasce così la teoria dei rasa: gli “stati emotivi” o “sapori” estetici che lo spettacolo deve evocare.

Il Kathakali, forma teatrale del Kerala, sembra quasi uscito da un universo fantasy: volti dipinti in modo elaboratissimo che reggono copricapi enormi e si muovono in movimenti ultra codificati. Gli attori possono e riescono a raccontare scene intere solo con gli occhi: fanno letteralmente degli esercizi giornalieri per poterli muovere con tanta destrezza.

3. Indonesia: il teatro d’ombre che dura tutta la notte

Se pensavate che gli spettacoli lunghi fossero una crudeltà inventata dal teatro contemporaneo europeo, l’Indonesia è prontissima a darvi torto.

Il Wayang Kulit, il celebre teatro d’ombre indonesiano, può durare anche tutta la notte. Sì, proprio tutta.

Le storie vengono raccontate attraverso sagome di cuoio proiettate su uno schermo illuminato, accompagnate dalla musica tradizionale del gamelan. In tutto ciò, l’unico vero mito dello spettacolo è il dalang: il narratore-manovratore-regista-performer che controlla le figure, racconta la storia, cambia voce ai personaggi e coordina tutto. DA SOLO.

Come spesso accade, anche in questo caso il teatro non nasce solo per intrattenere, ma ha più scopi: creare comunità e trasmettere valori sono fra i più comuni.

Scopi utilissimi da cui nascono rapporti preziosi, anche se, ammettiamolo, dopo sei ore di spettacolo probabilmente serve comunque un caffè.

4. Cina: l’opera tradizionale e le arti marziali

L’opera tradizionale cinese (soprattutto l’Opera di Pechino) sembra una cosa impossibile da classificare con categorie occidentali.

È teatro? Sì. È musica? Anche. È danza? Pure. Ci sono acrobazie? Certo. Arti marziali? Ovviamente.

Separare nettamente sarebbe come cercare dove finisce l’ultima goccia di fiume e inizia la prima goccia di mare. Se qualcuno ci riesce mi faccia pure un fischio.

Comunque i costumi sono incredibili, il trucco facciale è altamente simbolico (un colore può indicare il carattere morale del personaggio) e anche qui ogni gesto è codificato e corrisponde ad una serie di significati precisi.

Il repertorio dell’Opera di Pechino arriva a contare oltre 1400 opere, principalmente basate sulla storia della Cina e sul suo folklore.

Tra l’altro, molte avanguardie europee del Novecento sono rimaste ossessionate da queste forme asiatiche. Registi e teorici occidentali guardavano questi spettacoli con occhi sognanti. Come dar loro torto?

E insomma…

Queste sono solo alcune delle tantissime tradizioni performative che esistono nel mondo.

Forse non tutte possono essere definite propriamente “teatro”, ma questo dipende anche dal fatto che la parola è nata qui, in Occidente, per descrivere un certo tipo di esperienza e una precisa tradizione culturale.

Come tutte le etichette, è uno strumento utile: ci aiuta a orientarci, a trovare somiglianze. Ma la realtà tende a essere più complicata delle categorie che inventiamo per descriverla. Ai confini dell’etichetta “teatro” iniziano infatti a comparire forme ibride, rituali, danze, narrazioni collettive e performance che al teatro un po’ ci assomigliano e un po’ proprio no.

In quelle zone di confine le definizioni diventano meno nette e le tradizioni meno familiari. Alcune ci sembrano vicine, altre lontanissime. Ma sono proprio queste differenze a ricordarci che esistono molti modi di stare in scena, di raccontare una storia e di dare forma alle emozioni umane.

E, diciamocelo, poche cose sono affascinanti quanto scoprire orizzonti lontani e rendersi conto che il mondo è molto più grande delle nostre (pur sempre amate) poltroncine rosse.

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

La stagione teatrale è finita ed ecco che a noi Poltroncine sale il magone.

Che anno è stato! Ricchissimo di emozioni e di incontri a dir poco “spettacolari”. Di palco in palco, da foyer a foyer, di città in città, abbiamo riso, pianto, saltato di gioia e nel frattempo siamo cresciutǝ!

Quante ce ne siamo raccontate, quanti audio post spettacolo, meme, quante volte abbiamo consigliato una data agli amici o trascinato qualcuno con noi perché: TI GIURO LO DEVI VEDERE!

Ora arriva l’estate, il sole, il mare, le vacanze. Ma lo sappiamo bene: sotto l’ombrellone, magari sorseggiando un cocktail ghiacciato, ci torneranno in mente tutte quelle serate magiche accoccolatǝ in platea, e arriverà un insopportabile sensazione di nostalgia.

COME RIMEDIARE?

Beh …Abbiamo pensato che una community come quella di Poltroncina, così attiva e presente nei teatri, non poteva non avere un suo premio. Non se ne parla proprio!

Così, dal 4 giugno 2026, nascono ufficialmente i POLTRONCINA COMMUNITY AWARDS!

Il premio che esce dalle stanze delle giurie di esperti e arriva nel foyer, per lasciare la parola a chi ha vissuto il teatro seduto in poltrona, a chi vive il teatro non da addetto ai lavori ma da vero protagonista: il pubblico!

Iscriviti ora

ORA TOCCA A TE!

Perché chi pensate sia la giuria del premio teatrale più partecipativo esistente se non voi, Poltrincine?

Condividere le nostre esperienze teatrali, quello che ci è piaciuto di più (e anche di meno), è ciò che ci ha unito, ha creato questa community bellissima, viva e vivace di ben 38mila appassionatǝ.

Non ci saremmo chiuse in una stanza a decidere senza tutta la community, non sarebbe stato da noi. Così, a votare saremo noi, tuttǝ insieme! Esattamente come abbiamo vissuto questa favolosa stagione…

MA QUINDI… COME SI VOTA??

Votare è facilissimo! DA OGGI, a QUESTO LINK è possibile accedere alle varie categorie e ai premi da scegliere.

Le nomination sono state selezionate tra gli spettacoli visti durante la stagione da Poltroncina e dalla community: i più amati, i più divertenti, o quelli che più ci hanno fatto riflettere e innamorare.

Naturalmente, abbiamo pensato di dar vita a 5 categorie in pieno stile Poltroncina.

Per ogni categoria, potrai votare un solo vincitore!

CATEGORIE

🤧 PREMIO PIANTINO - Lo spettacolo che ci ha fatto uscire con gli occhi lucidi.

💘 PREMIO CRUSH - L’artista che ci ha fatto perdere completamente la testa.

🎭 PREMIO DRAMA - Lo spettacolo che ci ha tenuti dentro la storia.

🤭 PREMIO GOODVIBES - Lo spettacolo che ci ha fatto ridere troppo forte.

🎶 PREMIO MUSICAL - Il musical che ci ha fatto uscire con la colonna sonora in testa.

MA ATTENZIONE!

Le votazioni scadono il 15 giugno, quindi appoggia un attimo quel cocktail ghiacciato e affrettati a votare il tuo preferito!!

And the winner iiiiiiiiiiiiiiiiiis…beh, ditecelo voi!

Stiamo già lucidando le statuette…

✨✨ https://www.poltroncina.com/communityawards ✨✨

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Mi sono venute in mente due cose guardando Stato contro Nolan.

La prima, forse la più comune, è l’impatto cinematografico della scenografia (di Gianluca Amodio) che mi ha ricordato film come The Judge, in cui accusa e difesa giocano a tennis in quello che no, non è un campo, ma un’ambientazione maestosa al pari di una foresta di bamboo. Ti ci senti piccolo, in un posto così, e gigante al tempo stesso (dipende da che parte stai).

La seconda è personale, un ricordo. È il titolo, ad avermelo suggerito, soprattutto la parentesi (un posto tranquillo). Mi ha ricordato un libro, “Un posto pulito, illuminato bene” di Hemingway, consigliato dal mio insegnante di sceneggiatura, che mi suggerì questo testo per un motivo ben preciso: imparare ad osservare gli ambienti prima di poterli raccontare.

Qui si aggancia la mia seconda riflessione su Stato contro Nolan. Ed è appunto sulle luci. Sulla capacità delle luci (di Marco Palmieri) di portarci nel presente, nel passato e nel “presagio”, oserei dire. Nel momento “allusivo”. In quello che è il sottotesto per gli attori, il pensiero per gli spettatori - che diventano giuria - e il futuro, per chi è sotto accusa.

La capacità delle luci di fondersi con quelli che appaiono come fantasmi, ologrammi, ricordi, che in realtà sono le proiezioni di Marco Schiavoni e che raccontano al pubblico qualcosa che è successo, che sarebbe potuto succedere, un ricordo, una didascalia.

Tra un ologramma e una figura, tra persone e personaggi, i costumi di Mariano Tufano ci ricordano che siamo in un’aula di tribunale, che c’è chi ha la toga, chi il miglior completo in armadio, chi è strato preso tra le strade del proprio “posto tranquillo” e trascinato a testimoniare.

Iscriviti ora

Stato contro Nolan di Stefano Massini è uno spettacolo di Alessandro Gassmann e ha debuttato al Teatro Bellini di Napoli lo scorso 7 maggio, in scena fino al 24.

È la storia di Herbert Nolan, azionista di una importante azienda di armi e proprietario di un giornale locale. E fin qui, tutto bene. Il problema (e il processo) nasce quando un vagabondo, scambiato per un criminale, viene ucciso. Così, il giornale di Nolan pubblica un articolo, che però non si limita a raccontare l’accaduto ma finisce per alimentare il clima di terrore. Successivamente la paura (vero motore di tutta la storia) si estende a macchia d’olio, e tutti gli abitanti di questo “posto tranquillo” cominciano ad acquistare armi per difendersi. Giocoforza, i profitti del riveditore di armi aumentano e Nolan viene accusato di aver manipolato l’informazione a suo vantaggio.

Parto dal testo di Stefano Massini che considero uno dei miei autori preferiti. Mi ha colpito molto la velocità dei dialoghi nonostante la densità dei contenuti. Un risultato che, per tematica e per ampiezza, non è scontato. Sono parole che prendono per mano il pubblico e lo portano sul palco, colmando il vuoto che si crea talvolta tra la scena e chi assiste, facendolo sentire realmente parte - nella parte, appunto - della giuria.

E poi ci sono i monologhi che scendono giù come fossero cubi di grandine, che non parlano solo alla giuria, non parlano solo all’accusa, non parlano solo alla difesa e non parlano nemmeno solo al pubblico in senso lato. Parlano alla persona, cucendole addosso sensazioni che sotto sotto prova già, suggerendole pensieri che, in fondo in fondo, nutre.

Passo per la regia di Alessandro Gassmann che ha una firma ormai inconfondibile. Non so che tipo di lavoro abbiano fatto, ma sembra tutto perfettamente incastrato e lavorato a quattro mani, nessun testo che sovrasti il gesto, nessuna azione che tolga potere alla parola.

Ho trovato geniali e necessarie le proiezioni, mi hanno fatto pensare più volte al fatto che forse quello non era affatto un posto tranquillo, ma abitato da realtà, identità e abitudini tutt’altro che placide. Come se ci fossero delle zone d’ombra, dei fantasmi - o ologrammi - di azioni e persone che nessuno conosce fino in fondo.

Entro ancora di più nel dettaglio e passo al cast, in stato di grazia.

Daniele Russo indossa i panni del procuratore Miles e non li abbandona mai. Ci lascia leggere il desiderio di verità, la convinzione mossa dalle sue analisi, la voglia di arrivare fino in fondo. Ma porta alla luce anche un altro lato e lo fa con un lavoro sul corpo e sulla voce ben preciso.

Si legge la rabbia di chi sa di avere di fronte a sé degli asserviti, la frustrazione di chi “canta di fronte a un popolo di sordi” e l’amarezza di chi conosce la risposta alla domanda “qual è il confine tra la libera informazione e il controllo di chi legge?” ma teme di non ricevere ascolto. E fa tutto questo magistralmente.

Gaetano Bruno è la sua controparte, ovvero l’avvocato Nathan, ed è credibilissimo, al punto da far vacillare la giuria. Anche quando inciampa nelle arringhe di Miles non perde un colpo e lo scontro tra i due ha un ritmo sempre alto e mai cauto, seppur intenso.

Mauro Marino (giudice Rutherford) è ineccepibile. Divide la scena e l’aula con maestria, ha una voce calda e un’ironia che incolla l’orecchio di chi ascolta ma anche di chi si distrae.

Incisivi i ruoli dei testimoni interpretati da Emanuele M. Basso, Gaia Benassi, Davide Dolores, Giuseppe Gandini, Alessia Santalucia, Angelo Zampieri, chiavi di volta del racconto ma anche del tono dello spettacolo.

Attraverso momenti grotteschi e confessioni velate hanno più volte fatto spostare l’ago della bilancia (e dell’umore) a favore o contro Nolan. E proprio Nolan (Stefano Guerrieri) porta in scena un elemento fondamentale che è trama e verità:

questo spettacolo non è incentrato su un processo.

Si potrebbe dire che Stato Contro Nolan sia uno spettacolo incentrato sulla paura: quella di giudicare errando, quella di accusare o difendere ingiustamente, o ancora la paura di esporsi, la paura di non essere credibili, la paura di non avere un pensiero libero ma al contrario che lo stesso sia esposto a manipolazioni continue, la paura suggerita e alimentata dall’informazione.

Stato contro Nolan è ambientato nel Midwest degli anni cinquanta ma è più attuale che mai. Fa da lente a un presente che ha ancora lo spettro di queste dinamiche in corpo.

Con la speranza che, continuando a portarle in luce, le stesse dinamiche possano dissolversi come ricordi. Come fotogrammi ai piedi di una realtà che, intanto, drizza la schiena e dice: adesso sono libera.

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

C’è un angolo della Sicilia dove, ogni estate, il teatro smette di essere “solo” spettacolo e diventa incontro, confronto, comunità. Quel posto è Leonforte, e il momento è la XLIII edizione del Premio Nazionale “Città di Leonforte”.

Un premio che negli anni è diventato un punto di riferimento per compagnie indipendenti, artistə emergenti, operatori culturali e spettatori curiosi. E quest’anno ci saremo anche noi di Poltroncina…

Iscriviti ora

Cos’è il Premio Leonforte

Il Premio “Città di Leonforte” nasce con l’obiettivo di valorizzare il teatro contemporaneo e tradizionale, offrendo alle compagnie provenienti da tutta Italia uno spazio reale di visibilità e confronto. Non solo una competizione, quindi, ma un vero ecosistema culturale che mette in dialogo artisti, pubblico e professionisti del settore.

La sezione teatro — cuore pulsante del Premio — è aperta a compagnie attive sul territorio nazionale con spettacoli di almeno 45 minuti, senza limiti di genere. Tradotto: ricerca, drammaturgia contemporanea, teatro popolare, sperimentazione, commedia, tutto può trovare spazio, purché abbia qualcosa da dire.

Il percorso si divide in tre fasi:

• una prima selezione affidata a una giuria tecnica;

• le rappresentazioni live delle opere finaliste;

• il gran finale con la premiazione pubblica.

E sì: il pubblico conta davvero. Accanto ai premi assegnati dalla giuria tecnica, esiste anche il Premio Gradimento del Pubblico, deciso direttamente dalla platea.

Dove entra in gioco Poltroncina

Quest’anno Poltroncina entra ufficialmente nel progetto con una partecipazione attiva ai processi di selezione e valutazione.

Formeremo infatti una giuria interna che prenderà parte alle votazioni assegnando il Premio Poltroncina: un riconoscimento speciale pensato per valorizzare gli spettacoli capaci di creare un dialogo autentico con il presente, con il pubblico e con le nuove sensibilità della scena contemporanea.

Per noi significa portare dentro il Premio quello sguardo pop costruito negli anni tra chiacchiere in foyer e infinite discussioni post-spettacolo. Insomma: quello sguardo un po’ da insider che conoscete bene.

E soprattutto significa continuare a sostenere il teatro indipendente non solo raccontandolo, ma partecipando concretamente ai processi che possono amplificarne la visibilità.

Dentro il bando: cosa sapere davvero prima di candidarsi

Il bando del Premio Leonforte 2026 è una di quelle letture da fare evidenziatore alla mano.

La sezione teatro è aperta a compagnie provenienti da tutta Italia con spettacoli di almeno 45 minuti, senza limiti di genere: contemporaneo, ricerca, teatro popolare, drammaturgia originale, riletture classiche. Conta la qualità del progetto e la sua forza scenica.

La selezione avviene in più fasi: una giuria tecnica visionerà i video integrali degli spettacoli candidati e sceglierà tre opere finaliste, due opere “meritevoli” e una menzione speciale dedicata al teatro popolare. Parallelamente entrerà in gioco anche la Giuria Giovani under 35, che assegnerà una menzione speciale dedicata ai nuovi sguardi sulla scena contemporanea.

Un altro aspetto interessante? Il Premio non vive solo online o “su carta”: gli spettacoli finalisti vengono messi in scena a Leonforte davanti a pubblico e giurie, trasformando il concorso in una vera esperienza festivaliera.

Le candidature per la sezione teatro dovranno essere inviate entro il 19 giugno 2026 alle ore 12.00, mentre i finalisti saranno annunciati il 18 luglio 2026 durante una serata pubblica dedicata.

Per consultare il bando completo, scaricare gli allegati e seguire tutti gli aggiornamenti ufficiali:

• Sito ufficiale Premio Città di Leonforte

• Instagram @premioleonforte

• Facebook Premio Città di Leonforte

Il Premio viene raccontato anche come uno degli appuntamenti teatrali più interessanti dell’estate siciliana, capace di unire spettacolo, territorio e nuove reti culturali.

Ricapitoliamo: le date da segnare

Per chi vuole candidare il proprio spettacolo, la deadline è fissata al 19 giugno 2026 alle ore 12.00.

Le compagnie finaliste saranno annunciate durante una serata-evento prevista per il 18 luglio 2026.

Poi si entrerà nel vivo ad agosto, con le rappresentazioni live a Leonforte:

• 9 agosto 2026 — spettacolo “Menzione speciale Teatro Popolare”

• 24 agosto 2026 — prima compagnia finalista

• 26 agosto 2026 — seconda compagnia finalista

• 28 agosto 2026 — terza compagnia finalista

• 30 agosto 2026 — Gala finale e premiazione

Tutti gli spettacoli si svolgeranno all’aperto, in uno dei luoghi simbolici della città siciliana, trasformando il festival in un’esperienza che vive tanto sul palco quanto nello spazio urbano.

Un premio che guarda avanti

Una delle cose più interessanti del Premio Leonforte è proprio il modo in cui tiene insieme esperienza e nuove generazioni.

Accanto alla giuria tecnica composta da professionisti del settore (registi, attori, autorə) troviamo infatti anche una “Giuria Giovani” under 35 dedicata a valorizzare nuovi sguardi e nuove modalità di lettura della scena contemporanea.

Un dettaglio che racconta bene la direzione del Premio: creare continuità tra tradizione teatrale e nuove pratiche artistiche, senza trasformare il teatro in qualcosa di museale o autoreferenziale.

Ed è probabilmente questo il motivo per cui Leonforte continua ad attirare compagnie da tutta Italia.

Perché ci interessa così tanto

In un momento in cui il sistema teatrale indipendente continua a reggersi più sulla resistenza che sulle strutture, premi come questo diventano spazi fondamentali.

Perché non si limitano a “premiare”: creano reti, occasioni di visibilità, incontri professionali, possibilità future.

E perché permettono agli spettacoli di vivere davanti a un pubblico reale, fuori dalle logiche iper-veloci della promozione digitale.

Noi saremo lì per guardare, discutere, votare, ascoltare. E ovviamente raccontare tutto.

Per consultare il bando completo e tutte le informazioni ufficiali:

CLICCA QUI!

E se avete una compagnia, forse questo è il momento di inviare quella candidatura che avete aperto in bozza da settimane!

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Sono le sette di sera al teatro greco di Siracusa, l’aria si riempie degli schiamazzi dei liceali, delle aspettative curiose degli appassionati, della trepidazione generale e per un attimo sembra che il tempo si sia fermato.

La città a maggio si colora di una tinta ogni anno nuova eppure sempre familiare… Spettatori da tutto il mondo accorrono per partecipare alla stagione delle rappresentazioni classiche e io, come loro, seguo l’iter standard: parcheggio a 20 minuti a piedi dal teatro (e fidatevi, mi è andata bene!), aspetto i miei amici davanti l’ingresso e insieme ci dirigiamo verso la biglietteria. Passeggiamo immersi tra le rovine, ricordiamo gli spettacoli che negli anni passati ci hanno toccato il cuore, scommettiamo su come saranno le scenografie quest’anno e senza rendercene conto qualcuno ci chiede il biglietto per entrare. Cerchiamo il nostro settore, ci dirigiamo verso i nostri posti ed eccoci. Il sole è ancora alto e come lui il nostro umore.

Mentre mi siedo faccio un respiro profondo e lo riconosco: il profumo di comunità. Quell’inconfondibile sensazione di pienezza che ti dà la consapevolezza di non essere sol*, la rassicurazione del guardarsi attorno per scoprire che i propri dubbi, le proprie domande e paure sono condivise, e che in quel momento tutti chiediamo le stesse cose. Ed oggi come migliaia di anni fa, torniamo a teatro quando la collettività cerca risposte, e forse anche domande nuove.

Mi guardo ancora una volta attorno e avvolta dalla magia che solo un luogo come quello in cui ci troviamo adesso può donare, chiudo gli occhi e assaporo gli ultimi momenti prima dell’inizio. Questa è forse tra le parti che più amo dell’andare a teatro: stare seduta in mezzo agli altri, sentirmi parte di qualcosa, qualcosa di grande.

Tra il chiacchiericcio generale si sente l’annuncio che tutti stavano aspettando: ha inizio la magia…

Iscriviti ora

Per questa 61esima stagione delle rappresentazioni classiche, siamo chiamatə a interrogarci sulla scelta, sull’amore, sulla vita e sulla morte.

Sono proprio i primi due spettacoli a metterci davanti a questi temi, con le voci di due grandi donne: Alcesti e Antigone.

C’è un momento, poco prima che inizi una tragedia greca, in cui il teatro sembra trattenere il respiro. La pietra è ancora calda del sole del pomeriggio, qualcuno tossisce nelle ultime file, le voci si abbassano lentamente mentre il cielo diventa più scuro. Poi le luci cambiano appena, entra il coro, e all’improvviso succede una cosa strana: una storia scritta migliaia di anni fa smette di sembrare antica.

Forse è questo che continua a colpirci delle tragedie. Non il fatto che parlino di re, dèi, eroi. Ma il fatto che parlino di cose che non abbiamo ancora imparato a risolvere.

Come si ama qualcuno senza distruggersi?
Come si resta fedeli a ciò che si sente giusto?
Quanto costa disobbedire?
E soprattutto: cosa facciamo quando qualunque scelta porterà comunque dolore?

Queste storie non consolano quasi mai. Non promettono redenzione, non sistemano il caos. Ti mettono davanti esseri umani che cercano disperatamente una strada dentro qualcosa di troppo grande: il potere, la morte, il desiderio, la colpa, l’amore. Credo sia proprio questa onestà brutale a renderle ancora vive.

Antigone, per esempio, non entra in scena per piacere a qualcuno. Arriva con la furia di chi ha già deciso. Vuole seppellire il fratello anche se la legge glielo proibisce, anche se sa benissimo cosa rischia. E mentre la guardi parlare con Creonte senti che il centro della tragedia non è solo il conflitto politico: è quella tensione insanabile tra ciò che è giusto per lo Stato e ciò che è giusto per la coscienza.

Antigone è rabbia, sì, ma una rabbia lucidissima. Non urla per capriccio. Urla perché capisce che obbedire significherebbe tradire qualcosa di essenziale dentro di sé. È una figura che ancora oggi ci mette a disagio, perché non accetta compromessi. Non cerca una soluzione diplomatica. Va fino in fondo.

E il pubblico, seduto lì nel buio, sente tutta la violenza di quella scelta. Perché tutti, almeno una volta, abbiamo avuto paura di dire no. Paura di opporci. Paura del prezzo da pagare per restare fedeli a noi stessi.

Alcesti invece fa male in un altro modo.

Non c’è la stessa energia di sfida. Non c’è il muro contro muro di Antigone. In Alcesti c’è un dolore più quieto, quasi domestico. Una donna decide di morire al posto del marito, e già questo basterebbe a farci arretrare sulla sedia. Ma la tragedia di Euripide non parla solo di sacrificio: parla del silenzio che spesso accompagna l’amore.

Alcesti non compie un gesto eroico nel senso classico. Non combatte contro il potere. Non difende una legge morale universale. Semplicemente ama qualcuno fino al punto di sparire per lui. Ed è proprio questo a renderla insopportabilmente umana.

Perché guardandola ci chiediamo continuamente dove finisca l’amore e dove inizi l’annullamento di sé. Ci chiediamo se il sacrificio sia davvero la forma più alta dell’amore o se, invece, ci sia qualcosa di terribile nel dover dimostrare il proprio amore morendo.

E mentre lei si avvicina alla morte, il teatro diventa silenzioso in un modo diverso. Non il silenzio teso del conflitto, ma quello pesante del lutto. Si sente quasi il caldo della pietra sotto le mani, il fruscio dei vestiti del pubblico, qualcuno che si sposta piano per non rompere quel momento.

Le tragedie greche funzionano ancora perché non ci permettono di restare spettatori innocenti. Non guardiamo Antigone e Alcesti da lontano come figure mitologiche. Le riconosciamo. Dentro le loro scelte ci sono le nostre contraddizioni più intime: il bisogno di essere amati, il desiderio di essere liberi, la paura della perdita, il rapporto complicato con l’autorità, con il dovere, con il corpo, con la morte.

E forse il teatro greco continua a emozionarci proprio per questo: perché ci ricorda che la modernità non ci ha resi meno fragili. Abbiamo cambiato lingua, vestiti, città, leggi. Ma continuiamo a riunirci nel buio per guardare persone che cercano di capire come amare qualcuno senza perdersi, come scegliere quando ogni scelta ferisce, come opporsi al potere senza venire distrutti, come sopravvivere alla perdita.

Dopo migliaia di anni siamo ancora lì, seduti su gradinate di pietra, ad ascoltare le stesse domande. E chissà, magari le tragedie greche continuano a colpirci così tanto proprio perché non hanno mai avuto la presunzione di dare una risposta definitiva.

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Immaginate una donna che cammina in una stanza piena di sconosciuti seduti in cerchio. La donna si accovaccia, si sistema le maniche del maglione blu e racconta, con lo sguardo basso, di una telefonata con sua madre finita male.

Dopo pochi minuti, quattro attori salgono sul palco e iniziano a recitare quella stessa storia. Ripetono le sue pause, le sue esitazioni, perfino quel mezzo sorriso nervoso con cui aveva cercato di minimizzare. La donna li osserva in silenzio.

A un certo punto, quella storia che fino a poco prima gravava soltanto su di lei prende una forma diversa: esce all’esterno, diventa visibile, condivisa, quasi trasformata.

Sembra teatro, ma per molti psicologi e terapeuti è di più!

Iscriviti ora

Guarire con il teatro: l’Antica Grecia

Da anni, neuroscienze, psicoterapia e arti performative stanno tornando a interrogarsi su una questione che gli Antichi Greci si erano già posti molto tempo fa.

Fin dai tempi dell’Antica Grecia, infatti, il teatro e la guarigione andavano a braccetto: pensate che il santuario di Asclepio (una specie di ospedale dell’epoca) era costruito proprio accanto al Teatro di Dioniso ad Atene. Coincidenze? Decisamente no.

Gli Antichi sapevano che le canzoni del coro potevano “curare la città” e i soldati segnati dalla guerra. Ma fu Aristotele, qualche tempo dopo, a dare un nome a questa intuizione: la funzione catartica del teatro. Nella Poetica, definì infatti la tragedia come una rappresentazione di azioni serie che, attraverso l’immedesimazione, permette di liberare passioni intense e ristabilire un equilibrio interiore.

Oggi questa antica saggezza è tornata prepotentemente al centro dell’attenzione, trasformando il palco in un laboratorio per esplorare chi siamo veramente.

Il Playback Theatre: La tua vita in scena (senza copione!)

Immaginate di entrare in una stanza, raccontare un frammento della vostra giornata (o anche un sogno o un ricordo d’infanzia) e vederlo immediatamente trasformato in arte da un gruppo di attori e musicisti, proprio come la ragazza col maglione blu. Questa è la magia del Playback Theatre (PT), una forma di teatro improvvisato nata a New York negli anni ‘70 grazie a Jo Salas e Jonathan Fox.

Nel Playback Theatre non esiste copione. Esistono persone. Qualcuno dal pubblico racconta un ricordo, un litigio, una paura, perfino un sogno assurdo fatto la notte prima. Gli attori ascoltano e in una manciata di secondi quella storia prende forma sul palco, improvvisata in tempo reale.

In una sessione di PT ci sono quattro ingredienti fondamentali:

1. Il Pubblico: chi assiste alla performance. Chi vuole può diventare Narratore e fornire la materia prima, cioè le storie.

2. Il Narratore: la persona del pubblico coraggiosa che decide di condividere un pezzetto di sé.

3. Gli Attori (Playbackers): chi si occupa di mettere in scena il racconto in tempo reale.

4. Il Conduttore: una sorta di “host” che guida il ritmo dell’incontro e intervista il narratore per farne emergere la storia.

I risultati, potete starne certi, non sono solo applausi. Studi scientifici hanno dimostrato che il Playback aiuta a ridurre i sintomi di ansia e stress post-traumatico, aumenta l’autostima e crea una connessione profonda tra sconosciuti, facendoci sentire meno soli.

Grandi poteri, grandi responsabilità

Sebbene i benefici siano evidenti, la ricerca scientifica in questo campo è ancora un po’ troppo giovane, ma il futuro promette bene!

La direzione è quella di un Teatro Playback Psicoterapeutico (PPT) più strutturato, guidato da professionisti esperti che utilizzano protocolli precisi per misurare il benessere dei partecipanti. Di fatto, lavorare con le storie reali delle persone è come maneggiare una scarpetta di cristallo: tutto bello finché non cade a terra in frantumi!

Per questo chi lavora nel teatro terapeutico insiste su alcuni principi fondamentali: il consenso del narratore, la possibilità di fermarsi, l’uso della metafora per non riattivare traumi troppo violenti, e soprattutto il rifiuto di ridurre una persona alla sua ferita. Il fine è creare uno spazio abbastanza sicuro da permettere a qualcuno di guardarlo senza esserne travolto.

Ma questa cosa in Italia esiste?

Sì. E non solo nei manuali universitari o nei laboratori sperimentali!

Negli ultimi anni anche in Italia stanno nascendo esperienze che provano a usare il teatro non semplicemente come intrattenimento, ma come spazio di ascolto, relazione ed elaborazione emotiva.

Per esempio, il 28 marzo, nel Gazebo Sambuy di Piazza Carlo Felice di Torino, si è tenuto un evento di Playback Theatre intitolato Attese, organizzato insieme al progetto Giardino Forbito. Le persone presenti hanno condiviso racconti: attese felici, frustranti, sospese, quotidiane. E quelle emozioni sono state immediatamente trasformate in scena dagli attori della compagnia Live! Playback Theatre.

La cosa interessante è che eventi del genere si svolgono spesso in spazi pubblici e informali, abbattendo quella barriera per cui il teatro viene spesso (tristemente) percepito come qualcosa di distante o elitario.

E ciò ci dice qualcosa: oggi abbiamo sempre più bisogno di spazi collettivi in cui raccontare la nostra esperienza senza essere immediatamente giudicati, corretti o trasformati in contenuto.

Un mondo Altro

Il teatro come terapia non è solo un gioco di ruolo, ma un secondo mondo. Un luogo dove possiamo liberarci dalle catene della realtà per sperimentare nuove versioni di noi stessi. Che sia per superare un momento difficile o semplicemente per conoscerci meglio, il palco può essere ciò che ci offre alcuni strumenti per trasformare la sofferenza in bellezza e forza.

Quindi, la prossima volta che avete una storia da raccontare, ricordate che anche la vostra vita merita di essere messa in scena!

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Ogni estate succede una cosa strana: pensiamo che il teatro si fermi. In realtà succede l’opposto. Il teatro esce.

Esce dai teatri. Si sposta nelle città, si infiltra nei cortili, nei parchi, nei festival. Cambia ritmo, cambia forma, cambia anche pubblico.

E soprattutto: cambia il modo in cui lo incontri. Non sempre lo scegli. A volte ci inciampi. Vuoi avere la lista completa? Scaricala subito per non avere più scuse!

LA NOSTRA MAPPA

📍 Abbiamo raccolto tutti i festival in una guida scaricabile.
👉 Clicca qui e te la mandiamo. Non è una lista. È una mappa per capire dove vuoi essere quest’estate.

⭐​ PARTI DA QUI

Se non sai da dove iniziare, parti da qui. Ci sono festival che tengono insieme tutto: pubblici diversi, linguaggi diversi, modi diversi di stare a teatro. Sono quelli più facili da “agganciare”, ma anche quelli che spesso aprono nuove possibilità.

→ FringeMI Festival (Milano)

FringeMI è uno di quei festival che cambiano davvero la percezione del teatro.

Non perché “porta il teatro fuori”, ma perché lo rimette dentro la vita quotidiana. Non devi organizzarti: ti trovi uno spettacolo nel cortile sotto casa, nel quartiere che attraversi ogni giorno.

E in quel momento succede una cosa semplice ma potente: il teatro smette di essere un appuntamento e diventa una possibilità.

👉Scopri FringeMI

→ Festival Attraverso (Piemonte)

Attraverso è un festival diffuso tra paesaggi, borghi e colline, ma la cosa più interessante è la sua scelta di lavorare sulla parola POP.

Non come estetica leggera, ma come posizionamento culturale. Un modo per costruire un programma accessibile, trasversale, capace di tenere insieme linguaggi diversi senza creare barriere.

È uno di quei festival che prova a stare nel mezzo: tra chi il teatro lo frequenta già e chi potrebbe iniziare proprio da qui.

👉 Scopri Attraverso

→ Festival dei Due Mondi (Spoleto)

Spoleto non è solo un festival: è un ecosistema.

Per alcune settimane la città cambia ritmo, e il teatro diventa una presenza continua.
Ti muovi tra spettacoli, incontri, spazi diversi e la sensazione è quella di essere dentro qualcosa che succede tutto il giorno.

👉 Scopri il Festival dei Due Mondi

→ Santarcangelo Festival

Santarcangelo è il punto in cui il teatro smette di rassicurare. Qui trovi linguaggi ibridi, ricerca, performance che spesso mettono in discussione le definizioni stesse. Non sempre è immediato, ma è proprio questo il valore.

👉 Scopri Santargangelo Festival

→ Campania Teatro Festival

Il Campania Teatro Festival è quasi una città dentro la città. Un programma così ampio che non puoi viverlo tutto e non è nemmeno quello l’obiettivo. La cosa interessante è costruire il tuo percorso.

👉 Scopri Campania Teatro Festival

🏕️​ FESTIVAL CHE DIVENTANO DESTINAZIONE

(quelli che valgono il viaggio)

Questi non li incastri tra un impegno e l’altro. Li scegli. E spesso diventano il motivo per cui parti.

→ Mittelfest (Cividale del Friuli)

Mittelfest è costruito su un’idea precisa: mettere in dialogo culture diverse.

Non è solo internazionale: è proprio un cambio di prospettiva. Ti porta fuori dalla tua bolla, anche quando non te ne accorgi.

👉 Scopri Mittelfest

→ Kilowatt Festival (Sansepolcro)

Kilowatt è uno spazio di scoperta.

Nuove drammaturgie, compagnie emergenti, pubblico coinvolto. Qui il teatro non è ancora definito e proprio per questo è interessante.

👉 Scopri Kilowatt Festival

→ Operaestate Festival (Bassano del Grappa)

Operaestate è una costellazione.

Non un unico centro, ma tanti punti. Danza, teatro, performance: costruisci il tuo percorso.

👉 Scopri Operaestate

Stai pensando: “ok ma da dove parto?” Abbiamo raccolto tutti i festival (anche quelli che non sono qui) 👉 Scarica la guida completa

🏖️ I FESTIVAL CHE SANNO DI ESTATE

Ci sono festival che non devi spiegare. Li immagini. Qui non è solo quello che vedi.
È quello che ti succede intorno.

→ Estate Teatrale Veronese

Teatro sotto le stelle, scenari storici, estate piena.

Qui il contesto diventa parte dello spettacolo. Non è solo quello che vedi, ma come lo vivi.

👉 Scopri Estate Teatrale Veronese

→ Estate Fiesolana (Fiesole)

Uno dei festival più longevi d’Italia.

Non cerca di stupire, ma di accompagnare. Ha un ritmo più lento, più immersivo.

👉 Scopri Estate Fiesolana

→ La Versiliana

Un festival che vive su più livelli.

Spettacoli, incontri, cultura pop. Puoi passare da uno spettacolo a una conversazione senza soluzione di continuità.

👉Scopri Versiliana Festival

🌊 I FESTIVAL TRA MARE E LENTEZZA

Il teatro vicino al mare ha un altro tempo.

Meno urgenza, più spazio.
Più possibilità di lasciarsi sorprendere.

→ Collinarea Festival

Indipendente, contemporaneo, con una forte identità. Non punta alla quantità, ma alla coerenza.

👉 Scopri Collinarea Festival

→ Inequilibrio Festival (Castiglioncello)

Un equilibrio tra ricerca e accessibilità.

Non ti semplifica le cose, ma non ti lascia fuori. E il contesto cambia tutto.

👉 Scopri Inequilibrio Festival

🔍 I FESTIVAL PIÙ PARTICOLARI

(quelli che non ti aspetti)

→ Drodesera / Centrale Fies

Un festival dentro una centrale idroelettrica.

Non è solo una location: è un modo diverso di pensare lo spazio e il pubblico.

👉 Scopri Centrale Fies

→ Pergine Festival (Trentino)

Un festival che mette al centro il contemporaneo senza trasformarlo in qualcosa di distante. Oltre 40 eventi tra teatro, danza, musica e circo, diffusi in teatri, strade, piazze, edifici pubblici e spazi sospesi.

Performance, progetti site-specific, nuovi linguaggi:
Pergine lavora molto sull’idea di esperienza, più che su quella di semplice programmazione.

È uno di quei posti dove spesso entri senza sapere esattamente cosa aspettarti — ed è proprio lì che funziona.

👉 Scopri Pergine Festival

L’ESTATE INIZIA DA QUI
Abbiamo raccolto i festival che sanno di estate: teatro sotto le stelle, musica, città da scoprire e spettacoli per cui vale partire.

La guida ai Festival 2026 di Poltroncina
Un’agenda estiva da salvare, condividere e riempire di date.

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Ammettiamolo, siamo tutti abituati a goderci lo spettacolo dal comfort vellutato della nostra fidata poltroncina.

Vediamo le luci spegnersi con un clac drammatico, sentiamo la musica che comincia a caricare l’atmosfera, il sipario si apre maestoso e... voilà! Scenografia perfetta, oggetti di scena al loro posto, tutto appare così impeccabilmente “pronto ed impacchettato“. Ma dietro questa apparente calma, cosa si nasconde?

Ebbene, fidatevi: dietro quel “quadrato perfetto” illuminato dai riflettori, opera un ecosistema segreto e leggermente eccentrico. Un formicolio di professionisti che si muovono nell’ombra, sussurrano indicazioni in codice, si muovo tra piccole manie (neanche tanto piccole!) e possiedono abilità così rapide e precise da sembrare magia.

Per rendere omaggio a questi eroi che non vedrete mai in prima fila, vi mettiamo alla prova con il nostro “Indovina Chi Teatrale“. Abbiamo selezionato 10 figure chiave del backstage (a volte un po’ fuori di testa, ammettiamolo). Per ciascuna troverete: un identikit psicologico dettagliato (con annessi i traumi caratteriali), la sua frase preferita (che solitamente è una lamentela) e gli oggetti che non abbandonerebbe neanche per un milione di euro.

Le regole per partecipare sono semplici e chiare:

1. Leggete con attenzione la descrizione.

2. Analizzate gli indizi (sono la chiave per non sbagliare).

3. Sfidate la vostra mente e provate ad indovinare il mestiere misterioso (e non sbirciate la soluzione prima, per favore!).

La Poltroncina, vi lancia la sfida: riuscirete a dare un nome a chi rende possibile la magia sul palco, pur restando perennemente nell’ombra?

Che il gioco abbia ufficialmente inizio!

Iscriviti ora

Il Signore delle ombre

• ​L’identikit: Lo riconosci perché anche in pieno agosto veste solo di nero, per “non riflettere”. Ha la vista di un gufo e se accendi lo schermo del cellulare vicino a lui, rischi la vita. Passa le ore a fissare un faro mormorando che “è spostato di un millimetro”.

• ​La frase tipica: “Chi è che ha toccato il faro? Mi avete sporcato tutto il taglio!”

• ​Gli oggetti: Una torcia sempre al collo, guanti neri e un’ossessione per le sfumature di ambra.

L’eremita del Mixer

​L’identikit: È un tipo solitario che vive dietro una muraglia di cursori. Se gli parli mentre ha le cuffie, ti ignora. Se gli parli senza cuffie, ti chiede di ripetere perché “c’è troppo rumore di fondo”. Però sente se un attore sospira a tre chilometri di distanza.

• ​La frase tipica: “Prova, sa, sa... un-due-tre... Mi senti? No, troppo volume.”

• ​Gli oggetti: Cuffie giganti, un rotolo di nastro adesivo e una collezione di pile cariche (e scariche, che confonde sempre).

  ---

​L’Angelo dell’aesthetic

​L’identikit: È l’unica che può sgridare il protagonista senza che lui osi fiatare. Se ti cade un bottone a un secondo dall’ingresso, lei lo riattacca con la forza del pensiero.

• ​La frase tipica: “Non sederti! Ti si stropiccia tutto il velluto e io non lo ripasso!”

• ​Gli oggetti: Mille spille da balia appuntate sulla maglietta e un metro che usa come se fosse una frusta.

  ---

​Il gigante Buono

​L’identikit: Un gigante silenzioso che sposta muri come se fossero piume. Cammina sempre guardando il soffitto per controllare che nulla gli cada in testa. Se c’è un problema meccanico, lui tira una corda e tutto torna a posto.

• ​La frase tipica: “Occhio alla testa!”

• ​Gli oggetti: Un avvitatore sempre in mano e scarpe che pesano quanto un bue.

Il vigile urbano

• ​L’identikit: È la persona più stressata del pianeta. Corre ovunque con una cartellina in mano e urla “Silenzio!” anche quando non c’è nessuno. Se lo spettacolo inizia in orario, è merito suo (e del suo imminente esaurimento nervoso).

• ​La frase tipica: “Mancano due minuti! Dove è finito l’attore protagonista?!”

• ​Gli oggetti: Una ricetrasmittente che gracchia e un orologio che controlla ogni tre secondi.

  ---

La diplomatica

• ​L’identikit: Ha la pazienza di un santo e il sorriso di una hostess di volo. Deve gestire gente che non sa leggere i numeri sulle poltrone e persone che provano a entrare con il gelato. È l’ultima faccia gentile che vedi prima che inizi il dramma.

• ​La frase tipica: “No, signore, la fila B viene prima della fila V... lo so, è strano.”

• ​Gli oggetti: Una torcia sottile, una pila di programmi di sala e scarpe che sembrano eleganti e scomodissime (parlo per esperienza).

  ---

Il mago del fai-da-te

• ​L’identikit: Se un trono si rompe o una spada si piega, lui arriva con un pezzetto di legno e della colla e risolve tutto. Le sue tasche sono magiche: ci trovi dentro dai chiodi ai cioccolatini.

• ​La frase tipica: “Non toccatelo! Sembra solido ma è tenuto insieme dalla speranza (e dalla colla a caldo).”

• ​Gli oggetti: Un taglierino, un rotolo di spago e un vasetto di vernice fresca.

​Il pittore sotto copertura

• ​L’identikit: Ti guarda e vede solo zigomi da scolpire o occhiaie da coprire. Ti insegue con un pennello sporco di polvere colorata e se provi a parlare mentre ti mette il rossetto, finisci per sembrare un clown.

• ​La frase tipica: “Stai fermo! Se sbatti gli occhi ti infilo il pennello nel naso!”

• ​Gli oggetti: Pennelli di ogni forma, glitter ovunque e una spugnetta sporca di cerone.

  ---

L’uomo dei cablaggi

• ​L’identikit: Lo trovi sempre attorcigliato a dei cavi neri che sembrano serpenti. Odia profondamente chiunque attacchi il caricabatterie del telefono dove non deve. Vive nel terrore che “salti la luce”.

• ​La frase tipica: “Se attacchi quella roba lì, restiamo tutti al buio tra tre minuti.”

• ​Gli oggetti: Matasse di fili e ciabatte elettriche

  ---

Il sognatore tormentato

• ​L’identikit: Se ne sta seduto in mezzo alla sala vuota con una sciarpa al collo anche se ci sono 30 gradi. Sospira molto. Parla per ore di “emozioni” e “concetti”, mentre i tecnici aspettano solo di sapere dove mettere un chiodo.

• ​La frase tipica: “Voglio che questa scena sappia di pioggia d’aprile... ma con un tocco di sole d’estate.. facile no?”

• ​Gli oggetti: Un taccuino dove scrive cose che capisce solo lui e una matita tutta rosicchiata.

  ---

​Conclusione 🎭

​Il teatro è una macchina perfetta dove ogni ingranaggio, anche quello più nascosto nel buio delle quinte, è fondamentale. Senza la sarta che riattacca un bottone al volo, senza il tecnico che azzecca il “taglio” di luce o senza la maschera che accoglie il pubblico con un sorriso (e tanta pazienza), lo spettacolo semplicemente non esisterebbe.

​La prossima volta che ti siederai in platea e vedrai il sipario alzarsi, prova a tendere l’orecchio o a guardare verso l’alto: da qualche parte, tra polvere e cavi elettrici, c’è una di queste persone che sta lavorando sodo per farti vivere un sogno.

Le Soluzioni: Chi si nasconde dietro le quinte? 🕵️‍♂️

Hai analizzato gli indizi, scrutato gli oggetti e ascoltato le frasi tipiche. È il momento di scoprire se sei un vero esperto del mondo teatrale o se sei ancora un “illuso spettatore”!

Ecco i nomi dei nostri dieci protagonisti:

1. Il Tecnico Luci (o Light Designer)

2. Il Fonico

3. La Sarta di Scena

4. Il Macchinista

5. Il Direttore di Scena

6. La Maschera

7. L’Attrezzista

8. La Truccatrice / Il Parrucchiere di scena

9. L’Elettricista di Palco

10. Il Regista

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Mie care Poltroncine, quante volte vi è capitato di aver voglia di immergervi con un tuffo a bomba nel mondo del teatro anche fuori dalle sale, ma di fermarvi davanti a costi, lontananza e barriere di accesso?

Abbiamo una buona notizia e una cattiva. Quella buona è che online esiste una quantità enorme di materiale gratuito fruibile per tutti i gusti (ma proprio tutti!). Quella cattiva è che questo tesoro è ancora troppo nascosto e sconosciuto ai più. Niente paura, ci pensa Poltroncina!

Abbiamo raccolto alcune delle risorse migliori per continuare a frequentare il teatro anche fuori dalla sala.

Se volete scoprire tutte le risorse gratuite a disposizione per drama-sognatori, scorrete con noi verso il basso!

Iscriviti ora

📺 Piattaforme streaming e canali gratuiti

RaiPlay

Una miniera spesso sottovalutata, è in realtà una delle piattaforme culturali gratuite più ricche in Italia. Si accede semplicemente registrandosi sul sito o sull’app. Qui si trovano opere liriche, spettacoli teatrali registrati, concerti e programmi culturali, oltre a molti materiali dell’archivio storico Rai. Spesso ospita produzioni di grandi teatri italiani e registrazioni storiche.

⭐è TOP per: le opere liriche. Le trovi praticamente tutte, in qualità ottima e sottotitolate.

ARTE (piattaforma + YouTube)

Probabilmente la piattaforma culturale gratuita migliore in Europa.
La televisione culturale europea per eccellenza. Sul sito e sul canale YouTube pubblica regolarmente opera, teatro contemporaneo, balletto e concerti dai principali festival europei. La qualità delle riprese è altissima e molti spettacoli restano disponibili per mesi.

⭐è TOP per: i concerti e la musica. Un video imperdibile è Mozart’s Requiem in the Basilica of the Sagrada Familia - ARTE Concert, un piacere per le orecchie e una delizia per gli occhi. Meraviglia pura.

Digital Theatre+

Una piattaforma dedicata al teatro internazionale. Prevede l’iscrizione con abbonamento per singolo utente, ma diverse biblioteche e università sottoscrivono accordi e offrono accesso gratuito ai vari contenuti, tra cui Shakespeare e produzioni contemporanee. Vale la pena controllare.

⭐ è TOP per: chi cerca una piattaforma specializzata esclusivamente in teatro.

Archivi di grandi teatri

Diversi grandi teatri italiani hanno iniziato a rendere disponibili online parti del proprio patrimonio artistico. Il Piccolo Teatro di Milano, per esempio, pubblica materiali d’archivio, registrazioni di spettacoli e incontri con artisti sul proprio sito ufficiale e sui canali YouTube e social del teatro. Anche il Teatro alla Scala offre diverse risorse online: oltre agli estratti e ai documentari disponibili sul canale YouTube ufficiale, periodicamente propone streaming gratuiti di opere e balletti sul sito del teatro e sulla piattaforma streaming dedicata agli spettacoli della Scala, spesso accessibili per un periodo limitato. Molti teatri internazionali fanno lo stesso con i loro siti e canali YouTube (ad esempio l’Opéra de Paris, il Globe Theatre…)

⭐ è TOP per: chi vuole sentirsi quasi come in platea.

The Shows Must Go On! su YouTube

Un’altra iniziativa interessante è The Shows Must Go On!, un progetto nato durante il lockdown del 2020 con l’obiettivo di rendere accessibili online alcuni grandi spettacoli teatrali e musical. Attraverso il canale YouTube omonimo sono stati pubblicati, per periodi limitati e gratuitamente, spettacoli completi provenienti da importanti produzioni internazionali, tra cui musical del West End e grandi classici del teatro musicale. Anche se molti streaming erano temporanei, il progetto ha contribuito a rendere più accessibile il teatro online e il canale continua a raccogliere materiali e contenuti legati al mondo dello spettacolo dal vivo.

⭐ è TOP per: gli amanti dei musical che cantano sotto alla doccia.

🎧 Per chi ama il teatro ma anche ascoltarlo

Podcast teatrali

Sei in costante movimento, con le cuffie sempre ben piantate nelle orecchie. Beh, non ci siamo scordati di te!

● Radio3 Rai: Teatri in prova
Qui si trovano podcast e programmi interessantissimi su spettacoli, drammaturgia e regia. Provare per credere.

● BBC: Radio Drama
Qui ci sono audio-drama di altissimo livello.

⭐ è TOP per: gli amanti dei podcast che vogliono un bel monologo come sottofondo mentre lavano i piatti.

🎓 Per capire meglio il teatro

Per chi vuole andare oltre la visione degli spettacoli e approfondire il teatro anche dal punto di vista teorico, esistono online interi corsi gratuiti messi a disposizione da alcune delle migliori università a livello mondiale. Letteralmente oro:

● MIT OpenCourseWare: Corsi gratuiti su teatro, drammaturgia e performance.

● Open Yale Courses: Lezioni universitarie gratuite su letteratura e teatro.

⭐ è TOP per: chi vuole sudare forte e imparare dai migliori.

Il teatro dal vivo è insostituibile, inutile girarci attorno. A volte però vogliamo continuare ad approfondire, a capire, a cercare anche fuori dalla sala. Si può creare comunità tra chi lo guarda e lo racconta. E queste elencate sono delle risorse aggiuntive. Aumentiamo la ricchezza, moltiplichiamola, facciamo rete!

ORA TOCCA A VOI! 👀​👀​

Se conoscete altre risorse gratuite che vale la pena esplorare, segnalatele: allarghiamo insieme questo piccolo archivio per spettatori curiosi.

L’unico rischio è ritrovarsi alle due di notte a guardare l’Otello su YouTube (ops).

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Oggi Lusiana ci porta nel pazzo mondo degli attori amatoriali, eterni pendolari tra la scrivania e il palcoscenico che ogni giorno scelgono di sfidare la giungla urbana per inseguire la propria passione.

💞​QUESTA LETTERA E’ PER VOI 💞​

Iscriviti ora

Cari attori amatoriali,

Ci si riconosce per strada e parte l’occhiolino di complice. Con te che caricando la spesa nel cofano della macchina ti ritrovi a spostare il blocco di copioni stampati per scegliere lo spettacolo dell’anno (ne hai almeno dieci e sceglierete l’undicesimo).

Ed eccoti, tu che durante la corsetta mattutina ripeti a mente le battute, così preso da cominciare a muovere le braccia in aria mentre gli altri runner ti guardano come fossi svalvolato.

Il tuo specchietto ha visto più tragedie greche del Teatro di Siracura, il tuo cane ormai ti dà consigli sulla dizione muovendo la coda. Se dico zattera, non pensi al mare… Ti conosciamo mascherina teatrale! Supereroi e supereroine della passione teatrale, impiegati di giorno e attori di notte, eccoci!

Di generazione in generazione, ci siamo innamorati del teatro negli oratori, nelle ludoteche, alle elementari. Abbiamo sognato il momento Rachel Berry al NYADA, con tanto di audizione davanti Whoopi Goldberg (anche se era don Mario per la recita di Natale).

Ci siamo iscritti al gruppo teatro della scuola, recitato Dante mentre i compagni andavano in discoteca, ringraziato i nostri genitori allo specchio con una bottiglia d’acqua al posto dell’Oscar e ragionato se fidanzatin* X avrebbe applaudito dalla Platea del Dolby Theatre tra vent’anni. (Che fine avrà fatto, poi, in questi vent’anni?)

Stringi la bottiglia - ehm, Oscar - alzalo! Lacrimuccia? Sì, ma non esageriamo. Piccolo messaggio di empowerment: per tutt* noi che non abbiamo mai smesso di sognare!

Hai cominciato dopo? Non è mai troppo tardi. Un giorno per caso, all’università, perché parlare davanti alla gente ti metteva ansia e gli esami erano un disastro? Te lo ha consigliato quell’amica che lo fa da anni - Pssss, lo sai che Luisa Ranieri ha iniziato proprio così? - Eh sì, se ora non è avvocata dobbiamo ringraziare un amico che glielo ha consigliato come terapia per la grandissima timidezza.

Vabbeh, che stiamo qui a parlare, noi lo sappiamo come funziona! Eravamo quelli a cui il prof urlava “Alzi la voce che non la sento!” Adesso invece ci si sente bene, forte e chiaro, lì dal fondo. Senza urlare, però, eh! Scandito bene, respirando di diaaaaaaaaaafraaaaaammaaaaaaaaaaah.

Noi amattori consigliamo il teatro per ogni malanno, la panacea di tutti i mali!

In effetti, come darci torto. Dopo una lunga giornata di lavoro, di faccende, di studio, smettere i propri panni e indossare pantaloni morbidi e maglia larga, tutto rigorosamente nero e senza scritte, ha un che di terapeutico.

Sarà per questo che attori come Lino Guanciale, Luigi Locascio e Giacomo Poretti sono passati dagli studi di medicina e infermieristica al teatro (e noi non ci siamo lamentando, dottore!).

C’è chi dice che fare teatro ti fa dimenticare te stess@, che diventare qualcun altro sul palco ti permette di lasciarti dietro i problemi, le paure, le ansie. Alcuni dicono che permette di esorcizzarle, affrontarle a viso aperto, con coraggio. C’è chi supera la timidezza, chi si racconta e chi si nasconde. Insegna di certo l’empatia! Modi diversi per essere cura, verso se stessi e gli altri.
Chi, però, avrà ragione?

Tutti, forse. Il teatro, la compagnia, sono luoghi di libertà in cui ci si impegna a stare scomodi e non porsi limiti. Si impara, sempre. Ci si butta, e fa anche paura. Nel gruppo giusto, però, ti senti al sicuro. Senti l’apprezzamento, la spinta a fare sempre di più e sempre meglio. E ridi, ridi a crepapelle. A volte piangi anche, a dir la verità!

Spesso non è un vero teatro, spesso non c’è un palco, ma non manca mai un cerchio di persone. La forma perfetta, perché dal centro si possa essere tutti alla stessa distanza, essere circondati ma non soffocati. Che dopo una settimana a rincorrere cose da fare e bollette, l’aria è importante! (di diafraaaaaaaaammaaaaaaaaaaaaaaah)

E’ proprio così che la nostra voce si carica di tanta leggerezza, specie quelle sere in cui gli amici ti invitano per una pizzata e tu devi dire “Non posso, ho teatro”. Non lo dici dispiaciut@, ma sorridente:

“Sarà per la prossima volta! Io stasera ho da mettermi in cerchio e guardarmi negli occhi con la mia gente, nel nostro luogo”.

E come Clark Kent toglieva gli occhiali e diventava Superman o Dianne Prince, girando vorticosamente su se stessa, vestiva i panni di Wonder Woman, scattato l’orario delle prove ci trasformiamo anche noi. Magari in supereroi. Chi ce lo impedisce?

Per la normalità, ci sarà tempo domani.

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Dearest gentle reader… Aprile e maggio sono il momento dell’anno in cui i teatri italiani danno il meglio di sé prima della chiusura estiva. Per questo motivo (anche se un pò in ritardo), abbiamo voluto confezionare per il vostro weekend un mega uovo di Pasqua. La sorpresa?

Una panoramica degli spettacoli — in scena da nord a sud — divisi per gusto, anima e curiosità!

Scartiamolo insieme prima che si apra il sipario (il rumore della carta potrebbe infastidire qualche poltroncina!).

Iscriviti ora

PRIMA CATEGORIA - PSICOLOGICO

Partiamo subito rivolgendoci a tutti i theatre kid che amano dei riflettori sul palco il loro potere terapeutico: la scena come specchio, il buio in sala come spazio per pensare. Questi spettacoli sono le prime cinque sorprese che abbiamo selezionato per voi:

“Il numero esatto”, di Fabio Pisano.

Vi siete mai chiesti se può un numero — quello esatto degli ovociti rimasti — misurare il destino di una donna, autorizzare o negare un’emancipazione?

Se la risposta è sì, lo spettacolo di Fabio Pisano fa al caso vostro. E non parliamo solo alle poltroncine rosa, no, ma anche agli uomini che comprendono l’inferno silenzioso dei dettami sociali, del conto alla rovescia inscritto nei corpi delle donne, dell’idea che generare coincida con il senso stesso dell’esistere. Le donne di questa storia non coincidono con un modello, non rispondono a un dovere. Pensano, dissentono, si ascoltano. Nella parola condivisa, nella confidenza trovano se stesse.

“Il numero esatto” andrà in scena, in prima nazionale, al Ridotto del Teatro Mercadante di Napoli, dal 9 al 19 aprile. Vedrete che, a fine spettacolo, chiunque narrerà al foyer di una coscienza e di un modo diverso di nominare l’amore.

“Chiedi allo Psy”, di Michele Mezzanotte.

Avete mai desiderato una seduta dallo psicologo condivisa, come nei grandi film, da cui uscirne coi cerottini sul cuore… e pure un ottimo drink?

Chiedete e Poltroncina vi risponderà, suggerendovi una terapia che esce fuori dalla stanza d’analisi e arriva a teatro, dove lo psicoterapeuta e psicologo italiano, Michele Mezzanotte, chiarirà ogni vostro dubbio sulle relazioni, sul cambiamento, sulla felicità, sulla realizzazione personale, sul significato del dolore e tanto altro.

Per garantirvi la massima esperienza, insieme al biglietto per lo spettacolo potete prenotare anche un aperitivo esclusivo all’interno del Teatro, affacciato sulla stupenda cornice di Piazza Piemonte. Non è fantastico? Allora assicurate il vostro ingresso al Teatro Nazionale di Milano, comprando un biglietto per mercoledì, 29 aprile!

“Le false confidenze”, di Marivaux.

Siamo più sinceri quando sappiamo di star mentendo, o quando invece non vogliamo, o non riusciamo, a riconoscere la verità dentro di noi?

Marivaux ha scritto questo testo nel Settecento, ma i meccanismi dell’inganno e della seduzione non sono cambiati di una virgola. Le false confidenze (dove già il titolo è un ossimoro) è un modernissimo trattato psicoanalitico sul tema dell’innamoramento, in cui non vi è malattia né esasperazione, ma un gioco sottile e ambiguo tra il falso (le confidenze) e il vero (il cuore), in cui può accadere d’incominciare ad innamorarsi senza accorgersene.

In scena troverete una meravigliosa Elena Sofia Ricci e un cast eccezionale, che merita di esser visto al Teatro Argentina di Roma, dal 14 aprile al 3 maggio 2026.

“Beata oscenità”, di Massimo Sgorbani.

Quanto sarebbe bello vivere liberi da ogni pregiudizio?

Il titolo è volutamente provocatorio. Lo spettacolo lo è altrettanto, ma nel senso migliore: sfida l’idea di oscenità come tabù. In scena si racconta la vita incredibile di Gioacchino Stajano, conte Briganti di Panico, primo omosessuale dichiarato d’Italia, scrittore scandaloso, nobile dandy e infine suora laica, interpretato da Gianluca Ferrato.

Lo trovate al Teatro Stabile di Torino, dal 5 al 10 maggio, scomodo quanto basta per essere necessario. Super consigliato!

“Walking Therapie”.

E se la terapia si facesse camminando per strada, con due terapeuti immaginari come guide? Sarebbe pazzesco, non trovate?

Ebbene, si può fare! Durante questo spettacolo, gli spettatori/pazienti vengono muniti alla partenza di cuffie che li isoleranno dal mondo reale, per farli entrare in una dimensione parallela in cui ascolteranno solo le parole e i suoni manipolati dell’inventiva di due attori/improvvisatori. Una camminata terapeutica di gruppo attraverso le vie dell’inferno urbano, con l’obiettivo di liberare i partecipanti dalle proprie paure. Ogni persona incontrata, ogni piccolo evento accidentale con Gregory Eve e Luca Avagliano diventano oggetto, spassoso o imbarazzante, della “terapia di gruppo”.

Gli spettatori dovranno ritrovarsi al punto di ritrovo tra le 20.30 e le 20.50 per il ritiro delle cuffie e degli sgabelli, presso il Nuovo Rifredi della Toscana. Andrà in scena aperta, dal 19 maggio all’11 giugno. Non perdetevelo, sarà bellissimo!

SECONDA CATEGORIA - PROSA

Pronti ad aprire la seconda sorpresa dell’uovo pasquale di Poltroncina? Dentro ci saranno ben altri cinque spettacoli, perfetti per chi ama “le parole dette bene”. Se ci pensate, c’è un motivo per cui andiamo ancora a teatro a sentire testi scritti secoli fa, o a vedere un filosofo in scena: le parole, quando sono vere, non invecchiano mai e non smettono di intrattenerci. Questa, è la selezione che vi regaliamo con gran cura.

“Umberto Galimberti - Il bene e il male. Educare alle nuove generazioni”.

Se la capacità di distinguere tra bene e male non è più intrinseca, è bene interrogarsi sull’educazione emozionale e morale fornita ai giovani?

In questo spettacolo, il filosofo Umberto Galimberti sottolinea l’importanza della “risonanza emotiva”, un processo attraverso il quale si comprendono le conseguenze emotive dei propri comportamenti. Questa mancanza può portare a non riconoscere la differenza tra bene e male, un principio che secondo Kant dovrebbe essere intuitivo.

Se desiderate prender parte a un dibattito più ampio sulla responsabilità sociale ed educativa, allora non prendete impegni per il 13 aprile. Il Teatro Arcimboldi di Milano vi aspetta, per porre interrogativi significativi riguardo l’educazione emozionale e morale fornita ai giovani.

“I Promessi Sposi” di Angelo Savelli.

E se il capolavoro di Alessandro Manzoni celasse al suo interno una deliziosa commedia, anzi due? Questo spettacolo… s’ha da fare!

Una compagine di giovani attori cerca di scrollar via un po’ di soggezione dalle pagine del meraviglioso affresco letterario de “I Promessi Sposi” e di riproporlo, con rispetto e ammirazione, in una riduzione teatrale, all’insegna di una delle più originali ma spesso ignorate peculiarietà del capolavoro manzoniano: l’ironia.

Se vi va di addentrarvi in una commedia della gente semplice, ma anche delle umane passioni, questo spettacolo vi aspetta al Teatro Era di Pontedera, il 14 e il 15 aprile. Rileggere i classici con leggerezza è una delle cose più serie che il teatro sappia fare. Per cui, non mancate!

“Il berretto a sonagli” di Luigi Pirandello.

Classico dei classici a cui ci inchiniamo. E se poi è anche interpretato da Silvio Orlando, siamo già pronte alla standing ovation!

Questo spettacolo riporta in vita Ciampa, un uomo nato dalla penna di Luigi Pirandello, che cammina sul filo, cerca la quiete ma viene spinto allo scontro. Il salotto borghese diventa un ring, dove le parole sono fendenti e il riso muta presto in angoscia. Orlando, con la sua intensità distintiva, dà vita a un personaggio umile e profondo, che si difende con parole taglienti, oscillando tra comicità amara e dolore lirico.

Un Pirandello vivo, moderno, necessario, tutto da vedere al Teatro Stabile di Torino, dal 28 aprile al 10 maggio. Fossimo in voi, non ce lo perderemo affatto!

“Un sabato con gli amici”, dal romanzo di Andrea Camilleri.

Avete presente una serata tranquilla fra amici, dove una notizia improvvisa vi lascia tutti a bocca aperta?

In questo spettacolo accade esattamente questo. In un quartiere alto borghese di una grande città italiana, tre coppie di amici si ritrovano a passare una serata insieme, come d’abitudine. Ma un evento imprevisto finirà per far riemergere antichi e pericolosi fantasmi (quale sia l’evento, lo scoprirete in sala).

Ognuno dei protagonisti ha uno scheletro più o meno ingombrante nell’armadio o si trova a fare i conti con un trauma irrisolto. Un po’ alla Perfetti Sconosciuti. Se vi abbiamo incuriosite, questo spettacolo vi aspetta al Teatro San Ferdinando di Napoli, il 9 e il 10 maggio.

“Le notti bianche”, da Fédor Dostoeveskij.

Quanto spazio dà una notte d’estate a chi ha il cuore pieno, come noi?

Amore, illusione, solitudine, “un attimo di beatitudine” in una notte d’estate, malinconica e romantica, che lascia a un giovane lo spazio per esplorare i suoi sentimenti più intimi, quasi di riscrivere la propria storia, come in un sogno dove tutto è concesso. E, come per ogni sogno, aprire gli occhi, all’alba, veder svanire le gocce di rugiada dai bocciuoli madidi e, con essa, la mano dell’amata stretta e ormai sfuggita.

Questa meraviglia allo stato puro vi aspetta al Teatro Torlonia di Roma, dal 21 maggio al 7 giugno.

TERZA CATEGORIA: STORICO

Giungiamo ad un territorio perfetto per gli amanti delle poltroncine collocate in territori insidiosi. Qui, dove il teatro politico funziona quando non predica ma ti lascia con qualcosa di scomodo a cui pensare sulla realtà che vivi ogni giorno, c’è la nostra preziosissima selezione di spettacoli:

“Cornuti e contenti” di Marco Travaglio.

Siamo o no, con le nostre scelte fuori e dentro le urne, artefici del nostro destino?

Marco Travaglio torna a teatro con un titolone che dice già tutto — oppure no? — sull’Italia contemporanea, tutta da discutere e analizzare in un recital di informazione e satira politica da scoprire al Teatro Arcimboldi di Milano, il 23 aprile.

“Ezra in gabbia o il caso Ezra Pound” di Leonardo Petrillo.

“C’era una volta quel circolo intellettuale veneziano che dialogava con uomini e donne di cultura internazionale, come Peggy Guggenheim o Ernest Hemingway…”

Ezra in gabbia è uno spettacolo — scrive il regista nelle note — basato sulle ossessioni: ossessione per la giustizia, per la libertà, per l’usura, che corrode il mondo. L’ossessione del poeta che si sente inadeguato, per non essere riuscito, se non a sprazzi, a far fluire carità e amore, “a rendere le cose coerenti”; ma difende la sua poesia, la scoperta delle incongruenze sociali e artistiche, del mondo e degli uomini.

È una messinscena che tutto mostra e tutto nega. Se siete interessate alla parola, ghianda di luce, che trova la propria forma e la propria ragione, e a un silenzio che restituisce dignità e libertà, allora questo spettacolo fa al caso vostro. Lo trovate al Teatro Mercadante di Napoli, dal 21 al 25 maggio.

“La guerra com’è” di Elio Germano, Teho Teardo.

Come si racconta la guerra a chi non l’ha mai vista?

La voce intensa di Elio Germano incontra la musica di Teho Teardo per dare vita alle pagine di Gino Strada, fondatore di EMERGENCY, in un’esperienza di teatro civile che racconta la guerra, i diritti e l’umanità. Un viaggio appassionato tra esperienze vissute in prima linea, riflessioni sul diritto universale alla salute e la forza di chi ha scelto di ricucire vite invece che dividerle.

Abbiamo selezionato per voi questo spettacolo, per offrirvi una giusta riflessione sulle conseguenze della guerra e sul diritto universale alla salute. Se ritenete importante quanto noi prender parte alla narrazione, l’appuntamento è per i giorni 8 e 9 maggio al Teatro Era di Pontedera.

“Il Presidente” - di Davide Carnevali.

Può la commedia dire la verità sul potere meglio di qualsiasi analisi politica?

La trama ruota attorno a un ex presidente che, dopo aver lasciato il suo incarico, si trova a riflettere sulla sua vita, le sue scelte e le conseguenze delle sue azioni. Questo spettacolo mescola diversi linguaggi e codici teatrali, creando lavori provocatori a volte spiazzanti con lucida ironia e grande capacità di porre interrogativi. Se sceglierete di assistervi, sarete invitati a riflettere sulla natura del potere, sulla fragilità dell’essere umano e sulle complessità del ruolo di un leader, interpretato da Filippo Nigro.

Segnate le date sul calendario: 29-31 maggio, Teatro India di Roma.

“Mandragola” di Niccolò Machiavelli.

Questa commedia machiavelliana parla al nostro presente con un’accuratezza imbarazzante. Cinquecento anni e non li dimostra!

Ferrini affida a Matteo Alì, Matteo Schiano Di Cola, Angelo Tronca questo testo rinascimentale con rigore intellettuale, enfatizzando la complessità morale dei personaggi e il paradosso tra apparenza e realtà.

Questo spettacolo intriso di virtù, malizia e sottile ironia vi attende al Teatro Stabile di Torino, dal 28 maggio al 14 giugno, per un’acuta analisi della natura umana e delle dinamiche emotive che sottendono ogni inganno.

QUARTA CATEGORIA: MUSICALE

Poltroncine, si cambia registro! Clicchiamo play e mettiamo della bella musica, perché questa carrellata è per chi desidera alzarsi e ballare al teatro (almeno dentro, non vogliamo disturbare il nostro caro vicino di posto). Pronte? Per entrambi gli spettacoli, batteremo le mani a tempo!

“We will rock you”.

Se vi dicessimo “dum, dum, tà!”, cosa vi vien voglia di riprodurre? Esatto, il futuro ha bisogno proprio di questo rock!

Dopo il clamoroso successo delle passate tappe italiane, questo musical torna più potente che mai con una nuova tournée destinata a infiammare i teatri del nostro Paese, riportando in scena gli iconici brani dei Queen, cantati in lingua originale e suonati rigorosamente dal vivo. Lo show non ha bisogno di presentazioni, ma se vi dicessimo che insieme al biglietto per lo spettacolo potete prenotare anche il vostro aperitivo esclusivo all’interno del Teatro, affacciato sulla stupenda cornice di Piazza Piemonte… beh, allora è davvero imperdibile!

L’appuntamento è al Teatro Nazionale di Milano, dal 9 al 19 aprile. Non mancate!

“Napoli Nobilissima” di Raffaele Viviani.

La tradizione napoletana è, senza campanilismo, una delle tradizioni musicali più ricche d’Europa e quindi da vivere intensamente, Poltroncine!

Le musiche originali di Viviani, che s’intrecciano a canti, danze e prosa, avvolgono lo spettatore in un viaggio emozionante nel cuore del teatro partenopeo e restituiscono la forza lirica dei bassifondi, immergendo il pubblico in una realtà cruda e poetica.

L’appuntamento, per vostra sorpresa, non è a Napoli ma al Teatro Stabile di Torino, dal 12 al 24 Maggio, pronto ad offrirvi uno spaccato della città popolare e autentica.

QUINTA CATEGORIA: ARTI PERFORMATIVE

Care Poltroncine, siamo arrivate ai titoli di coda, che dedicheremo alle arti performative, tra le più belle al mondo. Questa selezione è per chi crede che il corpo abbia qualcosa da dire:

“Ballata – attraversa il bosco, sali la scala e tocca il cielo” della Compagnia Crile.

E se ogni spettatore costruisse la propria storia, diversa da quella del vicino di poltroncina?

All’inizio c’è una scuola, una casa e il sentiero che le unisce. Ma ogni passaggio aggiunge un elemento: un oggetto, un personaggio, un gesto. Nella ripetizione che cambia, lo spettatore è invitato a esplorare, immaginare, costruire la propria storia. Partendo dal movimento astratto si indaga coreograficamente la ripetizione, elemento centrale nello sviluppo dei bambini, e la si trasforma in una narrazione danzata.

Questo spettacolo è per chi il 12 aprile desidera esplorare il mondo delle fiabe e dei racconti tradizionali, tra incontri inattesi, scoperte, forse l’amore, al Teatro India di Roma.

“Amazzoni”, di Silvia Gribaudi.

In quali e quanti gabbie siamo rinchiusi ogni giorno, senza accorgencene?

Ripensiamo al mito delle Amazzoni, figure della cultura greca viste come una minaccia all’ordine patriarcale. Sul palco esse diventano simboli di libertà e coraggio, rompendo le barriere delle convenzioni di genere. Perché ve lo consigliamo? Perché è una celebrazione della forza di chi sceglie di non lasciarsi imprigionare da rigide definizioni, per immaginare un mondo più inclusivo e giusto.

Save the date: 5-7 maggio, Teatro Stabile di Torino.

“Full Moon”, di Josef Nadj.

Da dove veniamo noi? E cosa c’era prima dell’inizio del mondo?

La luna del titolo si riferisce al cosmo, alla formazione dell’universo, al processo che precede e anticipa la comparsa della vita: associata al rinnovamento e alla trasformazione, con il suo ciclo di 28 giorni e le sue quattro fasi, dona alla coreografia una sorta di struttura ritmica, una griglia compositiva. La danza come cosmogonia: il movimento che precede la vita, l’universo che si forma. Suona grandioso perché lo è. Ma, attenzione, la presenza della marionetta, dell’”uomo burattinaio” accanto al vivente, rappresenta per lui il fatto che una creazione non è mai perfetta e che impone la necessità di accettare il gioco, anche nella sua imperfezione.

Bisogna aggiungere altro? Questa descrizione è già fantastica di suo. Acquistate i biglietti per il 16 o il 17 maggio al Teatro Mercadante di Napoli. Ne uscirete estasiati!

“Bolle and Friends”, di Roberto Bolle.

Secondo il rapporto annuale della SIAE, gli spettatori del balletto sono aumentati del 13,2%, per molta parte, si dichiara, grazie al cosiddetto “effetto Bolle” che ha interessato soprattutto l’inafferrabile “Generazione Z”. Non è meraviglioso?

Allora fatevi colpire dalla maestosità di questo effetto, per ammirare quanto di meglio si muove in ambito tersicorea a livello internazionale e per applaudire uno dei simboli più amati dell’eccellenza italiana nel mondo, Roberto Bolle.

L’Ėtoile scaligera tornerà al TAM Teatro Arcimboldi Milano con il suo iconico gala “Roberto Bolle and Friends”, dal 21 al 24 Maggio. Vi aspettiamo lì, pronte a far aumentare quella bellissima percentuale!

Eccoci arrivate alla fine di tutte le sorprese riservate per voi.

Nel frattempo, avete terminato il cioccolato del nostro uovo? Perché se la risposta è sì, siete pronte anche voi a scegliere lo spettacolo con il quale festeggiare la chiusura di questa meravigliosa stagione teatrale italiana.

Segnatevi le date, comprate i biglietti in anticipo — i teatri buoni si riempiono — e andate. C’è il sole, il tempo è bellissimo e… il divano può aspettare!

A parlarvi è la vostra Poltroncina, che potete trovare anche su Instagram e TikTok.

Le sirene. Circe. Penelope. Achille. Polifemo. La giostra. I tamburi. Le luci. La voce di Francesca Del Duca. Ulisse che sembra Rocky Balboa. Stefano Accorsi, che interpreta Ulisse, che potrebbe anche solo leggere gli ingredienti di un pacco di biscotti per emozionarmi.

Sono stata al Teatro Bellini qualche settimana fa e ho visto “Nessuno. Le avventure di Ulisse” con Stefano Accorsi e Francesca Del Duca. Sono andata a teatro con lo stesso spirito di sempre:

Il desiderio di immergermi in una storia e la voglia di uscirne in qualche modo diversa. Esplorare, respirare, andare altrove. Essere, e non solo andare, oltre.

Iscriviti ora

Entro sempre presto, molto presto. Voglio sentire quello che accade prima dello spettacolo. Spesso mi trattengo poco dopo. Osservo tutte quelle persone e penso che stiamo per respirare insieme, stare in silenzio insieme (scongiurando tosse, fruscii di caramelle e cellulari molesti), dedicare un tempo delle nostre vite alla stessa cosa, nello stesso momento, senza conoscerci.

Entriamo tutti. Ci sediamo. Silenzio in sala. Qualcuno affanna. Respira così: “uh, uh, uh”. È Stefano Accorsi. Entra in scena saltellando come un pugile prima di sferrare il colpo. La scenografia (di Luigi Ferrigno) potrei descriverla come un trabattello gigante: una struttura girevole che, in un’ora e mezza, diventa Polifemo, la grotta, il cavallo di Troia, la nave di Ulisse, Itaca.

Fasci di luce e una voce potente (Francesca Del Duca è stata proprio una bella scoperta) circondano Stefano Accorsi che si prepara ad un’ora e mezza davvero coinvolgente.

Se dovessi raccontare in modo semplice e diretto “Nessuno. Le avventure di Ulisse”, direi che mi hanno fatto vivere l’Odissea con una chiarezza e una leggerezza mai percepite prima.

Conosciamo tutti la storia di Ulisse eppure la versione a cui ho assistito, la rende nuova. Emanuele Aldrovandi per il testo e Daniele Finzi Pasca alla regia, hanno lavorato su un impatto immediato, asciutto e contemporaneo. Persino i costumi (di Giovanna Buzzi) sono stati studiati per avvicinare il più possibile l’eroe all’uomo.

Pensiamo ad Ulisse: come lo percepiamo? La prima cosa a cui lo associamo sono spade, sandaletti, una probabile tunica o armatura, e tutte quelle caratteristiche che ci vengono in mente quando ci riferiamo a degli eroi. Invece questo Ulisse è del tutto umano: fa battute in dialetto bolognese, ironizza su battaglie e peripezie affrontate o ancora da vincere, vive le sfide con l’aplomb di cui abbiamo bisogno.

Allora mi sono detta: cosa voglio raccontare di questo spettacolo? Che cosa mi porto a casa? La soddisfazione di applaudire spontaneamente a tutte le maestranze di “Nessuno. Le avventure di Ulisse”.

È stato armonioso - non saprei definirlo diversamente se non proprio armonioso – ben fatto, e mi ha fatto riflettere su un errore umano, di vita, molto comune, che invece può essere evitato seguendo l’esempio della messa in scena di questo spettacolo.

Spesso, almeno parlo dal mio punto di vista, carichiamo di tensione le cose. Le facciamo diventare pesanti, perché siamo ossessionati da un concetto di perfezione che non esiste.

Invece basta seguire una traccia, partire da un’idea e farla semplice, renderla fruibile, senza fronzoli. Non parlo di superficialità, parlo di leggerezza. Un concetto che per materia, forma e suono, si avvicina alla bellezza. Qualcosa che non ti fa venire voglia di scappare. Qualcosa che ti tiene ferma in un posto, per un momento, senza pensare ad altro. Questo mi porto a casa e questo voglio raccontare.

“Nessuno. Le avventure di Ulisse” è stato un sogno, impattante e lucido, un esempio di arte raffinata senza esasperazioni. Un ricordo che terrò stretta durante il mio mestiere di vivere, con la speranza di seminare leggerezza lì dove c’è competizione e sottrazione dove regna l’eccesso.