Antes de que saliera el disco, Phoebe Bridgers llevaba seis años sin sacar un álbum en solitario. Seis años. En ese tiempo ganó los Grammys, cantó con SZA, apareció junto a Taylor Swift y Lorde, y devastó a toda una generación y a medio internet con boygenius; rompió una relación de alto perfil y probablemente contestó suficientes correos electrónicos como para llenar un disco doble de spoken word. ¿Qué hace entonces una persona después de todo eso? ¿Se encierra en una cabaña de madera a grabar el nuevo ‘Carrie & Lowell’? ¿Se compra un sintetizador y empieza a hablar con los muertos? ¿Con DEAD de Mayhem? ¿Se muda a un hotel de aeropuerto, que es como una cabaña de madera pero con máquinas expendedoras?

Phoebe, por fortuna, escogió algo más raro. En “The Outside”, la primera canción de ‘Lost Weekend’, su voz aparece atrapada dentro de un vocoder. La guitarra acústica entra y desaparece, la canción se corta, vuelve, se queda mirando desde lejos. Un opening macabro y a la vez dulce. Sin entenderlo completamente a la primera escucha, estaba escuchando a una cantante que después de convertirse en una de las voces más reconocibles de su generación decidía ahora esconderla. Capturarla al vacío. No para desaparecer, exactamente. Más bien para comprobar si todavía puede encontrarse.

A Alan Sparhawk, integrante de Low, ya se le había ocurrido algo parecido. Después de la muerte de Mimi Parker, quiso llevar su voz hacia otro lugar: sintetizadores, beats, pitch-shifters, guitarras distorsionadas muy a lo black metal, y un vocoder tan castigado, que si carecías de la referencia, lo quitabas después de un rato de carcajadas. No le salió del todo bien. Lamentablemente, White Roses, My God tiene momentos de genuina inspiración, y también otros en los que el experimento parece un fracaso inmediato. Pero es, quizá, el disco más triste de Alan Sparhawk. Un álbum hecho después de perder a Mimi, en su honor, con todo el ruido y toda la alegría artificial que uno puede fabricar cuando la persona con la que hizo música durante treinta años ya no está para responderle.

Y aquí la diferencia es que Lost Weekend sí consigue que esa voz deformada, mordida por el aire, parezca una decisión y no un accidente de estudio. “Lost Boys”, el gran single pegadizo que no me puedo sacar de la cabeza, es una de esas canciones que, en cualquier otra discografía, sería la piedra angular del álbum. Aquí funciona como una trampa: después de ese estribillo, Phoebe vuelve a esconderse. “Kill Me” tiene silencios tan grandes que uno alcanza a escuchar su propia ansiedad, y “The Governor’s Waltz” una canción construida como The Partisan de Leonard Cohen, con esa gran frase de “so let’s see how long we can go without touching”. Para esta parte, justo en la primera mitad, nos damos cuenta que no es un disco sobre rupturas, duelos, ni sobre haber cumplido treinta años y descubrir que es difícil navegar socialmente en un mundo podrido. Es sobre todas ese cúmulo de data que habita en el interior de una artista que quiere expresarse.

“Bobby” es chingona. Brutal. Una canción shoegaze con Justin Broadrick (Godflesh) y Mike Kinsella (American Football) en las guitarras, que convierte el enamoramiento en una enfermedad contagiosa. “Solo quería comprarte un par de zapatos”. Es la Phoebe más feliz que hemos escuchado, lo cual significa que también es la más peligrosa. La idea de que una relación pueda transformarte hasta volverte una persona insoportable aparece aquí con una ternura casi obscena. “Lost Weekend”, mi favorita, enciende, la melodía se desarma y aparece una especie de remix iluminado por estrobos, como si la tristeza se compactara, como si la música fuera finalmente agua. Phoebe finalmente entiende que las canciones no sanan el alma del todo y en el camino va encontrando algo peor y más honesto: la música narra, explica, y tortura a su paso.

A estas alturas del partido, con una espectacular bandada de IAs en el horizonte, tratando de comer lo único que nos queda de humanos, Phoebe Bridgers sigue intentando a paso firme, ponernos a llorar de principio a fin. Pero ahora quiere que no sepamos exactamente dónde nos tocará para arrancarnos las lágrimas. Phoebe es única. Y su fin de semana perdido pareciera venir desde una relación terminada o quizá desde una infancia fragmentada, o desde la voz de Alan Sparhawk intentando tragarse un vocoder para llegar hasta Mimi Parker. Lo importante es que llega. Entrega, sirve. Y que, por una vez, el fantasmas no está en la habitación, si no sentado estratégicamente en la consola, produciendo el disco.

Durante la coronación del reggaetón, ocurrida hace casi 4 años con el impacto mundial de Despacito, había un profundo resquemor en las redes sociales y los medios en general, sobre si este género musical tenía o no los atributos suficientes para ser considerado música. No había debate ahí. Incluso si pensamos que la mayoría de las personas que ponían esto a prueba, venían cargados de blandos argumentos sobre la “pureza de la música” o una “derrota a los valores humanos”. Mermar todo un género por ser poco propio, impuro, y medirlo con la misma vara con la que se mide a King Crimson o Fela Kuti, no tenía sentido.

Sin embargo, fuera del margen de esta maravillosa explosión de perreo que ha dejado grandes glorias modernas, como las intervenciones de Bad Bunny con otros artistas, los primeros dos discos de J Balvin, y los impresionantes sencillos de Super Yei y su tropa de salvajes (por no mencionar el proto-dembow de gente como Tego Calderón o El Alfa) existen artistas que llevan el reggaetón a otro nivel, con las mismas herramientas, la misma física de los botones, y con un corazón bien puesto,

Dinamarca, un productor de Chile radicado en Suecia, sumó el sonido preciso y mecánico de artistas pop como Justus Köhncke, y le dio al reggaetón una finura nunca antes vista en un album llamado Sol de mi vida: 7 temas de nightclubbing que invariablemente se pueden colar en una carne asada, una rifa clandestina, o una pelea de gallos. Poco menos de 22 minutos de gracia y bajos que hacen retumbar ventanas.

Amnesia Scanner, de Finlandia, lleva el house y el dembow y lo tritura hasta convertirlo en pasajes ambient en los que abusa de sintetizadores para llevar al escucha a situaciones inverosímiles que solo se experimentan en un episodio de Twin Peaks; Lotic, que nació en Houston, pero vive en Berlín, llevó dos grandes temas del Vulnicura de Björk al trance hipnótico del reggaetón con un drumpad básico, creando toda una vasta obra de re-interpretaciones de otros artistas, y colocándolas en la pista de baile con precisión de cirujano.

Y en esta línea, está Kelman Duran, el Dj inquieto de República Dominicana pero residente en Nueva York, que con una laptop vieja irrumpió en la escena electrónica con el tema que se encuentra en su album debut, 1804 Kids, el gran 6 de la mañana. Conjugando el ambient de bandas como Stars of the lid con el reggaetón más desafiante, Kelman Duran graba sonidos de callejones, sirenas, vendedores, mascotas, voces de neoyorquinos y dominicanos en su día a día (y uno que otro sicario perdido reclamando una apuesta), y lo mezcla con bases de reggaetón y sintetizadores que ponen a temblar a todo fan de Steve Reich o Tim Hecker.

En perspectiva, los primeros sencillos de Kelman Duran me parecían electrónica de manual, clichés que bien resolvían las necesidades de la pista, pero que no dejaban claro el rumbo que quería lograr este artista con el reggaetón. Sin embargo, me topaba con destellos impresionantes como el remix a Moonshine para el tema de Lipanda, o ese mashup (que antes se encontraba en Soundcloud) de Rihanna con William Basinski. Epopeyas ambient exageradas que hacían arquear mis cejas cada que daba con ellas.

Pero no fue hasta 2018 que caí redondo. Los medios mundiales comenzaron a verle y a hablar de él. Kelman Duran se adueñó de una sesión de Boiler Room y de ahí no se bajó. Todos estaban tan brutalmente confundidos, pues no sabían qué camión los había atropellado. Un set de casi una hora en la que el dominicano mezclaba a Daddy Yankee, Pharmakon y Kruder & Dorfmeister, y ponía sobre la mesa el futuro del género en las arcas de la electrónica.

Y luego vino 13th Month, una joya. Un album de trece tracks de electrónica casi imposible, y tractat político sobre las condiciones en las que viven las reservas indias en EU. Con temas como Diablos, en los que mezcla a un rapero dominicano Mc Albertico, con un sample clásico de Notorious B.I.G. y Club 664B, una apología a un bar de Tijuana del que Durán dice (según una entrevista para Vice) un bar con “una oscuridad que parecía necesaria”. Un tema que contiene un extracto de Calentura, gran ese tema de Yandel, repitiéndose por casi 12 minutos.

No hay debate. No hay héroes ni villanos. Kelman Duran está en el pico. Promueve una visión nueva de ver el reggaetón desde una perspectiva electrónica poco inusual, y sienta las bases para una mejor experimentación del género. Detrás de él vienen muchos artistas que están rompiendo el esquema y le están dando al perreo nuevos argumentos para defenderse. Aunque a decir verdad, ni falta le hace.

Charli XCX – Music, Fashion, Film (Atlantic, 11 tracks, 30 minutos)

Antes de que saliera el disco, Charli comentó a la prensa que “la pista de baile estaba muerta” y que hacer rock era lo de hoy. Y ahí empezó el tipo de pelea que solo el pop es capaz de tomarse tan en serio. ¿Estaba esta cantante inglesa repudiando la música electrónica? ¿Estábamos ante el velorio del BRAT summer, fall, winter? ¿Teníamos que sacar nuestros discos de grunge del ático, del taller mecánico de Don Juan, que se quedó con todos tus discos para pagarle aquella apuesta de “quién se moría primero si MJ o Prince”? Madonna, en el fervor de la preparación de su disco más reciente, le contestó con un dejo de socarronería: Había que defender la pista de baile a como diera lugar. Pasaron dos semanas y parecía que estábamos por presenciar el más grande feudo entre dos ícenos del pop (uno moderno y otro modernísimo). Pero nada pasó. Puro pedo. Al final, Charli aclaró que jamás renunciaría al género que la hizo crecer y ambas terminaron conviviendo en un grave (después de un desfile de Saint Laurent), charareando, fumando, etc.

Y sí, “Music, Fashion, Film” tampoco es rock exactamente. No es el nuevo Loveless, ni alguna extensión del Screamadelica (como algún crítico profetizó en Pitchfork) Hay guitarras sumamente distorsionadas, baterías programadas pero bastante orgánicas, menos Auto-Tune. Pero por debajo de todo eso sigue latiendo la misma cabeza inquieta de Charli, ahora con A.G. Cook y Finn Keane en la producción, y con John Cale (como Music), Marc Jacobs (como Fashion), y Martin Scorsese (como Film), los tres fotografiados por Aidan Zamiri para la portada, formando la triada perfecta de ensueño de una artista que pone el statement: nuestras influencias no sólo nos definen, sino también nos mueven.

“Rock Music” comienza con un riff atropellado y machancante. La clase de canción que funciona como un lado B y que en otra época sería ese éxito japonés que solo sonaría bien en un bar de Akihabara. “SS26” es lo más. Una pasada. La fábula de la pasarela que va directo al infierno, donde moda, celebridad y fin del mundo terminan siendo prácticamente lo mismo (y su video, uff, el video del año, sin discusión). “Card Declined” coge la idea de salir de compras para comprar una personalidad completa, con unas guitarras tan ahogadas que me recordaron a los primeros Moldy Peaches o a Half Japanese. “Camera”, por otro lado (otra de mis favoritas), aparece una Charli hablando del miedo a la sala de cine, y de cómo la oscuridad nos da siempre una oportunidad. Para mí, la mejor canción del disco, por lo que alcanza en su producción, y por sonar fino, prístino, muy al estilo de “Tiny Fordable Cities” de Orbital.

Y a pesar de que todo el disco aparenta ser una reinvención, nos topamos con una Charli con cero intención de comunicarlo. Pareciera que en el viaje, intenta ensayar doblando y desdoblando los temas, arrojándolos a un pozo, rescatándolos, creando una canción de dos, etc. No quiero decir que suena inacabado, para nada, pero sí suena a un máster que bien puedo estar entre alguna carpeta de tracks olvidados por A.G. Cook, que luego descubrió abriendo sin querer.

Y entonces llegamos al final, la estupenda “No One Lasts Forever”. Un David Cronenberg (Croonerberg) haciendo spoken word sobre la vida y la muerte y el arte que nos sobrevive. (Que bien lo dijo Juan José Gurrola una vez: quizá los unicos que vayan a sobrevivir, serán las piedras). Que Charli cierre el disco con ese tema, encanta; y ese recurso muy a lo Giorgio by Morder, no solo invita a nuevas generaciones a conocer el trabajo de este autor, sino que establece muy bien que no hay que ser tan hibrow para planchar un momento mori en un disco que se la pasó hablando de frivolidad. Y ahí está el catch: Cuando todos esperábamos un BRAT II, Charli decidió volantear hacia la muerte del rock, revivirlo, plantarse ante sus enemigos (si es que los hay), dándole al mundo once canciones de las que hablar. Un statement punk de una artista que, antes de matar a la pista de baile, quiere ser recordada muchos años más allá, en piedra, en los objetos, en la memoria colectiva.

Lo único que sí quisiera que dejara es el cigarro. Deja de fumar, Charli. Quiero que vivas muchos años.

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A principios de los dos miles, The Strokes aparecieron de la nada con un single que me recordaba a la primera etapa de Tom Petty: “Last Nite”. Era un video interesante por decir lo menos de cinco tipos de Nueva York sumamente desvelados, probablemente “subidos” en algo, y graciosamente desgarbados muy al estilo de las bandas punk de los setenta. Después los fui dejando de escuchar como quien deja de hablarle a un amigo o dejamos un libro boca abajo encima de una repisa sucia. A Julian Casablancas me lo volví a topar mucho tiempo más tarde en “Instant Crush” de Daft Punk, una de las canciones que personalmente a mí no me gustaban tanto como por ejemplo“Touch” de Paul Williams, pero que con el tiempo fui entendiéndola y admirando la manera en que aquel chavito punkarro terminó obsesionándose con el autotune, y utilizándolo para bien a la primera oportunidad. Tal vez por eso un disco como “Reality Awaits” naturalmente me llamaría la atención a la primera escucha.

“Reality Awaits” es el séptimo disco de The Strokes y el primero después de esa oda a la sociedad pandémica que significó “The New Abnormal”. “Reality Awaits” es un disco que, antes de salir, ya venía con el chiste empaquetado: estaba programado para el 26 de junio, y por razones que ya no me dieron oportunidad de investigar, lo retrasaron hasta el 24 de julio, y durante todo ese tiempo, los fans se dedicaron a llamarle “Reality Awaits… awaits”. Son 9 canciones producidas por esa anomalía del pop rock, Rick Rubin, de quien me sigue resultando fascinante que alguien pueda confiarle un disco a un señor descalzo, de aspecto cultista, para que solo se la pase diciendo “pícale aquí, pícale acá”. Equis. El caso es que, el tema que terminó dividiendo a todo el mundo fue la voz de Casablancas. En este álbum hay canciones donde el Auto-Tune deja de corregir o adornar y directamente lo convierte en una criatura digital propia, que se desdobla y se posa encima de los instrumentos como un instrumento independiente. Para unos ha resultado en una afrenta insoportable; para otros (yo incluido) es simplemente una versión tecnológica de aquel desparpajo borracho con el que cantaba hace 25 años.

Y con esa duda razonable (la de entender todo este periplo de circunstancias musicales), terminé entendiendo todo este debate luego de conocer a The Voidz, un proyecto de electrónica punk experimental de Casablancas. Ahí estaba trazado ya el futuro de The Strokes. Sintetizadores mal mezclados, bases que parecen irse descomponiendo mientras ocurren, una fascinación por el de Nueva York de llevar el recurso (muy a lo Alan Vega, si me preguntan) más allá de donde compactar, y planchando tracks que, la verdad, funcionan y funcionan bastante bien. “Reality Awaits” es la receta que tenía escondida Casablancas para llevar a su banda al terreno de The Voidz. Y, obviamente, en lugar de destruirlos, los transfigura en un álbum bien pensado, agresivo, maniáticamente pop, entendiendo que el futuro son solo fases que planchamos para lograr ser relevantes cuando ya no estemos.

Mis canciones favoritas fueron 3: “Psycho Shit”, “Dine n’ Dash” y “Lonely in the future”. La primera por ser, sin tapujos, la mejor intro de un disco para prepararnos al viaje, un viaje agresivo, melancólico, y brutalmente bien construido. La segunda, en cambio, en cambio, podría venir de otra época, una época de guitarras limpias, un Casablancas mucho menos abatido, regulando la temperatura con las mejores letras que he escuchado de ellos y uno de los riffs más sencillos que explican por qué durante los dosmiles aparecieron miles de bandas copiándolos hasta el cansancio. Y la tercera más cerca de su sonido original, machacado, demoledor, con una letra más llena de paranoia y de referencias que van desde Chris Hedges a Anthony Fantano (el cual me ha estado cayendo gordísimo estos días). También llamó mi atención “Going to Babble on” (quizá la más política de todo el disco) con esta frase demoledora: “Some things, they feel like they just won’t change” con este arreglo new wave sincopado y con un airesillo al primer Lou Reed, el de Coney Island Baby, hablando-cantando bajo una calma extraña

Este álbum confirma algo que The Strokes lleva haciendo prácticamente desde que se volvieron los reyes de Nueva York en los dos miles: desmontar su propio sonido. Es una banda que no se ha dedicado a repetir sus primeros grandes éxitos, sino empujar bajo sus propios medios, el sonar a como la época les pide sonar. No sé si fue Brian Eno o David Byrne quien dijo que el aire que respiramos cuando escuchamos la música no es el mismo aire que respira la música cuando la hacen. Casablancas parece infectado con el virus de la verdad, y este disco es un intento más de cantarle a los tiempos que corren. Las guitarras son las mismas, sí, pero The Strokes son ese tipo de banda que no se hinca ante nada ni ante nadie, que no agacha la cabeza y que no intenta venderse a la máquina, como le habrá pasado ya a muchas bandas. “Reality Awaits” podría significar el último suspiro, un testamento, una declaración de principios (otra vez, por qué no) y aunque sabemos que los testamentos suelen ser dolorosos, en este todo está bien. Todo encaja. Todo sigue su curso. Y es absolutamente maravilloso.

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1. Para la final, Servando y yo tuvimos que bajar la tele de la recámara a la sala; o sea, del segundo piso a la planta baja. Quizá una de las experiencias más Laurel y Hardy que nos ha tocado vivir juntos.

2. Durante los Fan Fests más intensos me tocaba cruzar Morones Prieto para llegar a casa de mi mamá. En uno de esos trayectos (quizá el más salvaje, el del México vs. Inglaterra) sonaba “Bitter Sweet Symphony” mientras veía pasar a la gente de Parque España rumbo a Fundidora. Me pareció ver a Richard Ashcroft y me espanté. Pero no: era solamente un tipo con la misma chaqueta de piel, empujando a la gente.

3. Uno de los comentaristas de Telemundo contó que su historia favorita de los Mundiales era la vez que le había tocado cubrir un partido de Alemania y batalló muchísimo con la pronunciación de los nombres. Fue tanta su frustración que terminó inventándoles otros: André Schürrle era “Churros”; Shkodran Mustafi, “Mufasa”; y Mesut Özil, “Metamucil”.

4. Faitelson peleándose en la peor cobertura del Mundial: la de Televisa. A cada rato. Indiscriminadamente. Random de a madre. Un bólido de tonterías sin freno. Llegó a decir que deberían respetarlo más porque él había puesto el apodo de Chicharito a Chicharito y porque era el único comentarista que había leído a Marx. (¿?)

5. Bellingham dándole un zape a Barco.

6. Ver los marcadores en tiempo real de Google con un minuto de adelanto respecto a la transmisión de Telemundo. Alguien metía gol, yo gritaba y mi familia se enojaba.

7. Apagar la televisión cada vez que Infantino salía a cuadro.

Pero eso no es relevante, ¿verdad? Le diste clic a este contenido para leer…

Discos que nunca había escuchado y que ya era pasarse de rosca seguir ignorando:

Hayley Williams – Ego Death at a Bachelorette Party
(Post Atlantic, 20 tracks, 66 minutos)

Yo conocía a Paramore, claro, pero Hayley Williams me llamó verdaderamente la atención por aquel beef (más bien ajuste de cuentas) con Fat Mike de NOFX. En 2023, mientras todo el mundo celebraba el regreso del emo como si nunca hubiera sido motivo de burlas, Williams recordó que Fat Mike solía hacer en el escenario un comentario sexual bastante asqueroso sobre ella cuando tenía 19 años. “Eso no es punk”, dijo, y tuvo razón. Después de aquello comencé a verla menos como la cantante pelirroja de una banda que nunca había seguido demasiado y más como alguien que había sobrevivido a una escena, una industria y un contrato con Atlantic que firmó a los 15 años y que duró dos décadas. Ego Death at a Bachelorette Party es precisamente su primer disco completamente independiente: primero soltó las canciones por separado para que la gente armara su propio orden y después terminó convirtiéndolas en este álbum larguísimo, desordenado y muy suyo.

Lo interesante es que Williams no utiliza esa libertad para fabricar un disco de Paramore sin Paramore. Aquí caben el pop rock noventero de “Glum”, el indie de guitarras de “Mirtazapine”, el dream pop medio anestesiado de “Discovery Channel”, la oscuridad casi cinematográfica de “True Believer” y la explosión emocional de “Parachute”. Hay canciones que parecen demos bellísimos y otras completamente terminadas; algunas entran a patadas y otras se quedan flotando como música ambiental que se pone en un concierto cuando va arribando la gente. No siempre funciona: veinte temas son muchos y por momentos se siente más como una carpeta abierta en su computadora que como un álbum perfectamente diseñado. Pero esa falta de orden también es lo que me ha volado la cabeza. Williams canta sobre la separación, la fama, Nashville, los medicamentos y el cansancio de haber sido una adulta profesional desde que todavía era una niña, sin intentar convertir cada herida en un himno para TikTok.

Hayley Williams pertenece a una estirpe de artistas que el pop parece haber dejado de fabricar: mujeres como Sarah McLachlan o Natalie Imbruglia, capaces de hacer canciones grandes, tristes y radiales sin tener que disfrazar la vulnerabilidad del espectáculo. Por más que lucha, aquí no logra asomarse del todo a sus contemporáneas: no tiene la puntería pop de Olivia Rodrigo ni alcanza siempre esa capacidad de Mitski para destruirte con una sola frase. Pero no importa. Ego Death at a Bachelorette Party tiene algo más difícil de conseguir: una personalidad real, contradictoria y un poco incómoda, como si Williams estuviera aprendiendo a hacer música sin pedir permiso por primera vez en su vida. Demasiado extenso, sí, pero la mayor parte del tiempo brillante y mucho más hermoso de lo que esperaba.

After Louise – Nothing’s Accidental
(Independiente, 5 tracks, 15 minuticos)

Hay discos que tardan tres canciones en explicar quiénes son y este se termina apenas dos después. “Nothing’s Accidental” es el debut de After Louise, el nuevo proyecto de Sofía Carrillo, una productora de Los Ángeles que antes publicaba como Calica y que comenzó a llamar la atención con videos donde arma canciones sentada en el piso de su cuarto. Podría haberse quedado como una bonita curiosidad de internet, pero aquí hay demasiado oficio: sintetizadores suaves, cajas de ritmos que nunca suenan baratas, bajos inesperadamente enormes y una voz que no necesita levantarse para quedarse dando vueltas en la cabeza. “Crybaby” crece hasta convertirse en una cosa brillante y triste; “Angel” es sensual y envolvente; y “Fine”, mi favorita, tiene una línea de bajo exquisita y ese tipo de estribillo que repite que todo está bien con tanta insistencia que uno entiende perfectamente que nada lo está.

“No Fun” comienza con una batería que recuerda por un instante a “Be My Baby” antes de deshacerse en un sueño electrónico, mientras que el tema que da nombre al EP convierte el deseo de caminar más lento y bailar más cerca en su confesión más bonita. Todo se mueve en una zona donde Men I Trust, Hatchie y la primera Grimes podrían compartir habitación sin pelearse por el sintetizador, pero After Louise tiene su propia manera de cubrir el desencanto con superficies bonitas, como esconder una carta de ruptura dentro de una funda de almohada. Quince minutos quizá no alcanzan para saber hasta dónde puede llegar, pero tampoco necesita más: “Nothing’s Accidental” es breve, envolvente y peligrosamente fácil de volver a poner, un EP que termina justo cuando comenzaba a sentirse como un lugar en el que uno podría quedarse toda la tarde.

The Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced
(Track Records, 11 tracks, 40 minutos en su edición británica original)

De Jimi Hendrix se ha hablado muchísimo y creo que casi siempre mal. Se habla del guitarrista que tocaba con los dientes, incendiaba instrumentos y hacía solos imposibles, cuando lo verdaderamente extraordinario era que debajo de todo ese ruido había un compositor de canciones pop excepcional. Pop y psicodélico. Siempre he pensado que la única razón por la que sabemos quién es Hendrix es porque se fue a Inglaterra y se encontró con Chas Chandler, quien lo vio tocar en Nueva York. Chandler entendió algo que nadie en Estados Unidos parecía haber entendido: había que dejarlo ser Jimi, pero también “cortarle las manos” antes de que se saliera de los tres minutos. No literalmente, claro, sino obligarlo a meter todas sus ideas, distorsiones y viajes espaciales dentro de una canción que todavía pudiera sonar en la radio. Por eso este disco funciona.

Porque Are You Experienced no es una exhibición de guitarra de cuarenta minutos, sino una colección increíblemente compacta de canciones que parecen estar a punto de desarmarse y, aun así, nunca pierden el estribillo. “Foxy Lady” tiene uno de esos riffs clásicos que no comienzan: aparecen flotando frente a ti como una nave extraterrestre; “Manic Depression” avanza sobre la batería de Mitch Mitchell, que toca como si el jazz hubiera llegado borracho a una banda de rock; “May This Be Love” es delicadísima y demuestra que Hendrix también sabía bajar la voz; y “I Don’t Live Today” termina convertido en una nube de feedback, pero antes ya te dejó una melodía perfecta. Noel Redding y Mitchell son fundamentales porque no lo acompañan solamente: le ponen paredes a una música que, sin ellos, probablemente habría terminado escapándose por el techo.

“Third Stone from the Sun” es el momento en que Chandler afloja un poco la correa y Hendrix convierte el estudio en una película de ciencia ficción; mientras que la canción titular, con guitarras y baterías al revés, sigue sonando como una transmisión recibida de otro planeta. Pero incluso ahí hay orden, humor y una claridad que se iría perdiendo cuando Hendrix obtuvo más dinero, más horas de estudio y menos personas dispuestas a decirle que ya era suficiente. Sus discos posteriores quizá son más ambiciosos y técnicamente asombrosos, pero ninguno vuelve a tener esta mezcla de libertad y disciplina. Are You Experienced funciona porque captura al mejor guitarrista del mundo justo cuando alguien todavía podía pedirle que terminara la canción. No sé por qué tardé tanto en llegar a él. Salvaje, conciso y todavía imposible de imitar.

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También escuché y son grandiosos:

Fruit Bats - Gold Past Life (Que la verdad yo no estaba enterado que estos locos seguían sacando discos)

Death - Symbolic (El disco en el que mejor suenan sus guitarras)

Hacer una segunda parte de Confessions on a Dance Floor ponía a Madonna en un aprieto, no porque el disco original ha cumplido ya 21 años, y sigue siendo el bombazo que casi todo mundo acepta sin ponerlo a discusión, sino porque ponerle un “II” a algo tan querido queda inevitablemente en los anales de las franquicias, aparatos para la nostalgia de los fans que buscan ver qué ha envejecido mal, qué ha envejecido bien. Pero Madonna volvió a retomar su relación laboral con Stuart Price (o como yo lo conocía, Jacques Lu Cont), y contra todo pronóstico, no intentó fabricar otro “Hung up” ni hacer cosplay de su versión 2005. Las “confesiones” de este año retoma aquella idea del álbum mezclado como una sesión de DJ (las canciones se hablan entre ellas), pero la utiliza para recorrer toda su historia: la chica material que repartía demos en los clubes de NY, la Madonna nocturna de Erotica, la electrónica ayahuasquera de Ray of Light y hasta la melancolía oscura de Bedtime Stories. Esto, más que una secuela, sucede en una fiesta organizada por una artista que finalmente dejó de pelear con sus recuerdos.

En Confessions II hay house clásico, acid, techno, un poco de UK Garage, bajos saturados que afortunadamente no reducen las canciones y, en la parte final, breakbeats y trip-hop. “I feel so free” toma el sudor de sexual de “French Kiss” de Lil Louis y lo convierte en una suerte de ceremonia apocalíptica; “Danceteria” es disco-house brutal y autobiografía, Madonna recordando cuando todavía tenía que convencer a los DJs de que pusieran sus canciones, citando a Basquiat y a los Lounge Lizards de John Lurie; y “Frágil” cambiando la euforia por una guitarra acústica y un ritmo descompasado mientras habla de la complicada relación con Christopher, su hermano. Y quizá lo mejor es que Stuart Price deja espacios instrumentales ultra largos, pianos deep house, líneas ácidas que aparecen cuando uno menos las espera, y pequeños detalles que hacen que el disco se sienta vivo. Una música de club hecha por dos personas que no necesitan fingir que descubrieron ayer la pista de baile.

Y llegamos a la maravillosa “The Test”, con su hija Lourdes Leon, donde Madonna reconoce que la convirtió en figura pública antes de que pudiera decidir si quería serlo; “Betrayal”, un viaje trip-hop elegante y brutal; y el cierre “L.E.S. Girl”, que recuerda sus años sobreviviendo en el Lower East Side y termina mirando cómo desaparecen amigos, familiares, amantes y toda una ciudad que ya no existe o se ha reconfigurado. Ahí se entiende que las confesiones del título ya no son las mismas: en 2005 Madonna bailaba para olvidar y aquí intenta bailar porque sabe perfectamente todo lo que ha perdido. El disco quizá no tiene un sencillo monstruoso como “Hung Up”, y alguna canción podría haberse quedado afuera, pero su ambición es mucho más bonita que fabricar otro hit. Confessions II suena a una mujer regresando a la pista para demostrar que ese siempre ha sido su lugar. Poderoso, emotivo y sorprendentemente hermoso.

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Pero esto no es relevante. Estás aquí para leer...

Dos maravillosos álbumes para poner de fondo en cualquier partido del Mundial:

Madelman - Idem Palais (Austrohúngaro, 10 tracks, 39 minutacos)

Llegué a Madelman por un post de Instagram. Resulta que para celebrar los 30 años de Palais (1996), Austrohúngaro cura y reedita, para sacar por primera vez el disco en vinilo, una edición revisada por el propio José Luis Rebollo (integrante de Chico y Chica). Le pusieron de nombre Idem Palais. Palais fue, de hecho, el único disco que Rebollo sacó bajo el alias Madelman, publicado originalmente por Cosmos Records, un sello dedicado a la electrónica más experimental de los noventa en España.

Lo curioso de Palais es que es prácticamente la única huella de Madelman como proyecto: Rebollo, nacido en Bilbao, lo lanzó en Cosmos en el 96 y después desapareció de ese sonido por completo para meterse en Chico y Chica, un dúo de techno mucho más ligero y pop que también me fascina. El nombre Madelman viene del muñeco articulado español que podía vestirse de astronauta, buzo o pirata, y ese gusto por los mundos paralelos y las referencias de ciencia ficción se nota en el ambiente del álbum: IDM juguetón, techno Detroit y tramos ambientales sin pulso, todo con un aire muy noventero a Orbital y a Kraftwerk pero con ese toque francófilo casi sensual que pareciera ser una obsesión personal de Rebollo.

Escuchada hoy, con el máster nuevo, la sensación es de un disco que no necesita la nostalgia para sostenerse: suena limpio, casi recién hecho, y aun así uno entiende por qué se quedó como pieza de culto de la electrónica española de esa década. Mis favoritas terminaron siendo “Favorita” con esos más de diez minutos que van cambiando de paisaje sin perder el hilo, “Raccord”, que tiene unas cuerdas que suenan como el silbato de un tren, y que me recuerda a la primera época de Justus Köhncke; y el cierre “Eurovisible”: puro juego synth-pop con un pie en la pista de baile y otro en un planeta lejano. Un disco poderosamente atemporal, bello y sorprendentemente bien producido, incomparable.

Hekt - FOREVER (Numbers, 13 tracks, 42 min.)

Numbers, el sello de Glasgow, lleva años siendo de esos que reviso a menudo cuando sacan algo nuevo, así que cuando vi que habían lanzado el debut de Hekt en mayo, un tal “Forever”, no dudé en ponerlo. Lo escuché de corrido sin saber mucho del productor más allá de que es de Copenhague y que viene rodeado de gente del mismo circuito escandinavo: Smerz (el dúo de Henriette Motzfeldt y Catharina Stoltenberg que puse en mi lista de lo mejor de 2025), Fine, y Valeria Litvakov, que aparece como invitada en uno de los temas.

Lo que más me sorprendió fue la cantidad de ritmos y registros que caben en 42 minutos sin que el disco se sienta destripado o sin orden: hay momentos de hyperpop brutal, otros que suenan a EDM pulido de hace una década (con toda esa emoción intacta y que ya ha explotado exquisitamente Pinkpantheress), guiños al acid house con líneas tipo 303, e incluso un desvío hacia el dubstep más guarro cerca del final. Se nota la cercanía con el universo PC Music/SOPHIE, pero también hay algo de la fricción entre synth pop y bajo pesado que me recuerda a productores como Barker. Pareciera que Hekt entiende el pop no como un género fijo sino como un estado emocional al que se puede llegar desde cualquier lado sin remordimientos.

A destacar la hermosa “Someday”, con Valeria Litvakov soltando esa letra medio ingenua sobre esperar a que alguien te quiera, que funciona perfecto contra esos arpegios brillantes; “Forever”, el tema título con Smerz, que me gusta para que sea canción del año, si el año no tuviera los nuevos temazos de Charli; y “Anytime Anywhere”, que tiene ese aire de electro semi-arruinado que me parece la “arma secreta” del álbum. Un disco que suena a fiesta que sabe que se va a acabar, y que justo por eso se aferra más fuerte a cada momento. Un must.

También en estos días he escuchado unos álbumes que me han parecido increíbles pero que no me dio el tiempo de escribir sobre ellos, pero dénselos:

Jean - Yebba

Aldous Harding - Train on the island (me recordó mucho a PJ Harvey)

Arima Edema - A rush to nowhere

Kacey Musgraves - Middle of nowhere (Hermoso y esperanzador a más no poder, me pone mucho de buenas)

JPEG MAFIA - Experimental Rap

Pero esto es totalmente irrelevante. Le has dado clic a este contenido para leer:

Tres discos que jamás escuché y que ahora que he descubierto me han partido el hocico.

The Streets - Computer and Blues (Deluxe Version)

Computers and Blues, quinto álbum de The Streets, fue lanzado el 7 de febrero de 2011 y en su momento anunciado como el último bajo ese nombre. En él, Skinner retomaba la estética de sus primeros trabajos (instrumentales de aire garagero casero y esa voz de “everyman”), pero desde la insatisfacción de quien ha crecido. El tema central gira alrededor del control que ejercían en ese entonces la tecnología y las redes sobre su vida: citas románticas en Facebook, adicción a los videojuegos, fatiga crónica y la perspectiva de ver a su hija por primera vez en una ecografía. Descubro que en su momento la recepción fue dispar: algunos críticos lo vieron como un regreso a la autenticidad, aunque marcado por las ambigüedades y el cansancio de una voz que ya no necesita probar nada; otros apreciaron la mirada irónica y resignada hacia el zeitgeist digital, pero señalaron que su ingenio lírico ya no alcanzaba el filo de los álbumes iniciales. En contraste, mixtapes como Cyberspace and Reds, con cameos de figuras clave del grime como Wiley o Kano, mostraban a un Skinner más liviano, cómplice y explorador de su entorno urbano contemporáneo.

En 2011, Mike Skinner (quiero pensar) ya no era el chico de los bares suburbiales de Birmingham narrando la noche desde la barra; este disco parece surgir de un sitio muy distinto, casi desestimado en la trayectoria de The Streets, como un eco tardío que busca resonar. Original Pirate Material, su debut, fue esa descarga visceral que sentía que al fin alguien devolvía a The Fall y a Mark E. Smith sus callejones libres, sin pedir permiso, como un comodín de imitación. Luego se le emparejó con contemporáneos del grime como Wiley, Kano y Skepta, y aun así, Skinner siempre terminaba irrumpiendo, como si en la tertulia faltara justo su voz. Aquí todo olía menos a nostalgia y más a una quinta bien iluminada, con videojuegos y cervezas frías circulando entre amigos; un paso de los pubs oscuros a un salón de desmadre quizá demasiado limpio y maduro.

Canciones que más me gustaron: “We can never be friends”, “Going through hell” y “Soldiers”.

The Gun Club - The Las Vegas Story

El tercer álbum de The Gun Club (el más extraño que escuché de ellos, la verdad), fue grabado en los Ocean Way Studios en la primavera de 1984 y lanzado ese mismo año por Animal Records, el sello que Chris Stein, guitarrista de Blondie, le había conseguido a la banda. Llegué a él por la autobiografía de Kid Congo Powers, ‘Some New Kind of Kick’: un relato de un chico chicano queer que crece al este de East LA y termina cofundando una banda con Jeffrey Lee Pierce tras encontrárselo haciendo fila para ver a Pere Ubu. Después de leer eso, no había forma de no ir directo al disco. El álbum marcó el regreso de Kid Congo Powers tras tres años con The Cramps, y es el único registro de esa alineación clásica: Terry Graham de vuelta en la batería y Patricia Morrison (su excompañera en The Bags) cubriendo el bajo.

Lo que más me sorprendió al escucharlo fue entender de dónde salió tanto de lo que vino después. The Gun Club es citado como influencia directa por The Pixies y Jack White, y escuchando este disco en particular, la deuda de ‘Surfer Rosa’ se vuelve casi obvia: esa forma de tensar el blues contra la distorsión sin que ninguno de los dos ceda, de meter un slide de guitarra donde esperas el coro y un silencio donde esperas el riff. Pierce tomó el blues de raíz y lo forzó a convivir con la energía post-punk, en un momento en que la mayoría de las bandas seguía mirando a Iggy o a los New York Dolls. Black Francis claramente estuvo escuchando.

Lo único de bajón (bajonazo) es que fue ignorado en su momento, en parte como daño colateral del desastre de mezcla que había arruinado a su predecesor, ‘Miami’. Llegó con esa sombra encima, y aun así, o quizás por eso, es donde Pierce suena más seguro como guitarrista y compositor. En el centro hay dos covers que yo no me esperaba: una versión que provoca ñáñaras de “The Creator Has a Master Plan” de Pharoah Sanders, y una lectura fúnebre de “My Man’s Gone Now”, de ‘Porgy and Bess’. No suenan a homenaje; suenan a exorcismo puro. The Gun Club nunca terminó de encajar: demasiado blues para los del punk, demasiado punk para los del blues. ‘The Las Vegas Story’ suena exactamente así: una banda que ya no le debe nada a nadie.

Canciones que más me gustaron: ‘The stranger in our town’, ‘Bad America’ y ‘Secret Fires’.

R.E.M. - Out of Time

Gildardo me dijo una vez que no le gustaba R.E.M. porque le parecían demasiado sobrios, así como no le gustaba Bauhaus por considerarlos menos goth que Depeche Mode. Pero después de leer ‘Esta banda se llama R.E.M.’ de Peter Ames, he me interesó mucho el Out of Time. Lanzado el 12 de marzo de 1991 por Warner Bros., fue el disco que los movió de banda de culto a fenómeno internacional. Pasó 109 semanas en las listas estadounidenses y 183 en las británicas, ganó tres Grammys en 1992, y acumuló más de 18 millones de copias vendidas en el mundo. Pero antes de que Losing My Religion tronara con ese video de Tarsem Singh y la mandolina de Peter Buck en cada canal de MTV, en Monterrey sonó primero —y fuerte— Radio Song: un funk festivo con KRS-One encima que parecía más accesible, más de radio en el sentido literal (más D99), antes de que nadie supiera que el hit del siglo estaba en la siguiente canción.

Lo que hace extraordinario al disco es que logró algo que nadie en la industria creía posible: una banda alternativa alcanzando éxito masivo sin traicionar lo que era. Peter Buck dejó casi por completo la guitarra eléctrica para abrazar acústicas, mandolinas, y melotrones y sin embargo el resultado no suena a concesión sino a convicción. La recepción crítica fue entusiasta pero también algo desconcertada: nadie sabía bien cómo categorizar un disco que saltaba del funk rapeado a la melancolía de cámara, de Shiny Happy People —puro chicle luminoso con Kate Pierson— a Country Feedback, que suena como si Stipe estuviera despidiéndose de algo que no puede nombrar.

Otra decisión radical: la banda se negó a girar para promocionarlo. Hicieron apariciones esporádicas en televisión y visitaron estaciones de radio, y aun así el disco fue imparable. Escucharlo ahora es entender por qué Buck nunca necesitó el mainstream para seguir siendo relevante: después de que R.E.M. se disolviera en 2011, encontró en Luke Haines (del que algún día escribiré), un cómplice perfecto. Llevan ya tres discos colaborativos, combinando el ingenio literario y satírico de Haines con el jangle inconfundible de Buck, y suenan como dos personas que no le deben nada a su propio legado. Que el mismo guitarrista de Losing My Religion esté ahora haciendo eso, me parece de lo más sano que puede hacer alguien con esa carrera.

Canciones que más me gustaron: “Belong”, “Half a World Away” y “Country Feedback”.

Cobrah – Torn (Gagball AD, 11 tracks, 30 minutitos)

Hay discos que uno encuentra por accidente y que, sin previo aviso, se instalan en la rotación con una comodidad que uno tarda en explicarse. Torn, el debut largo de la sueca Cobrah, me llegó sin contexto previo, sin conocer sus EPs anteriores ni el ecosistema hiperpop y BDSM del que viene. Y aun así, o quizás precisamente por eso, el disco me atrapó desde el inicio: esa voz susurrada sobre bajos electrónicos que aplasta todo a su paso es difícil de ignorar, venga de donde venga.

Lo que más sorprende de Torn es su doble naturaleza. Por un lado están los tracks de catwalk, los himnos de arrogancia calculada como “IG”, “Platinum” o “Hush”, que funcionan como declaraciones de revolución casi coreografiadas. Por el otro, aparece algo menos esperado: vulnerabilidad real. “Charming” y la propia canción título revelan a una artista dispuesta a pelar capas, a hablar de estar rota sin perder ni un gramo de presencia, a buscar en el sonido industrial de la Wax Trax, una página en blanco para destacar. Cobrah lo explica sin rodeos: el álbum es mitad vibes, mitad grieta. Ese equilibrio, lejos de sentirse forzado, es exactamente lo que le da peso al conjunto.

La producción acompaña esa doble cara de la baraja con inteligencia. Illangelo, Machinedrum y sus colaboradores habituales Isac Hördegård y Hannes Roovers construyen paisajes que van del witch-house al club más oscuro sin perder coherencia. “Hit Girl” hipnotiza con sus pausas y explosiones rítmicas; “Dog” rompe cualquier suavidad con algo más crudo y físico. No hay relleno en las once canciones, ninguno, algo que la propia Cobrah defiende con convicción, y se nota: cada track justifica su lugar y pertenencia.

Llegar a Cobrah desde Torn y no desde sus EPs tiene su propio valor. Uno se enfrenta al disco sin la carga de expectativas ni la nostalgia de etapas anteriores, y lo que queda es un debut que se sostiene solo: oscuro, sensual, emocionalmente honesto en los momentos menos obvios. Para alguien ajeno a este universo, Torn no pide credenciales de entrada. Solo pide que te rindas y escuches. Un poco como el Brat de la Charli: una máquina glitch pop sumamente ilustrada.

Mandy, Indiana – Urgh (Self released, 10 tracks, 35 minutazos)

“Abandonne tout espoir, car ce soir je viens pour toi.“ Abandona toda esperanza, porque esta noche voy por ti. Valentine Caulfield lo canta distorsionada, en francés, sobre una pared de feedback y batería que no da tregua. Es el centro de “Magazine”, y también la frase que mejor resume lo que es Urgh: un disco que no negocia.

El contexto importa aquí. Caulfield y el baterista Alex Macdougall pasaron los últimos años entre enfermedades y cirugías, y ese tiempo de quiebre se filtró directo al material. “Magazine” la escribió durante su recuperación de una agresión sexual, por indicación de su terapeuta. “Life Hex” destruye a alguien que “desfila en su estupidez convencido de ser rey”, una línea que funciona igual apuntando a un político que a un acosador cercano. No hay distancia artística entre lo que vivieron y lo que grabaron. Eso se siente y advierte todo a kilómetros.

En su sonido visceral, el cuarteto de Manchester construyó algo más pesado y extraño que su debut. La batería de Macdougall tiene una intensidad de Lightning Bolt que ancla canciones que de otra forma se dispersarían en puro ruido. “Sicko!” mete al rapero Billy Woods sobre sintetizadores que suenan a maquinaria hospitalaria en colapso, y el resultado recuerda a Anti-Pop Consortium en su mejor momento, urgente y casi ilegible. “Sevastopol” abre el disco con una orquesta sintética que aparece de la nada como algo sacado de Dean Blunt, incómoda y perfecta.

Para alguien que llega sin historial con la banda, Urgh no ofrece puntos de entrada amables. Pero tampoco los necesita. Es un disco construido desde la rabia genuina, no desde la estética de la rabia, y esa diferencia se nota. Me dejó helado de la buena manera: esa sensación de haber escuchado algo que todavía no termino de procesar del todo.

ADULT. – Kissing Luck Goodbye (Dais Records, 10 tracks, 35 minutos)

“Glue Your Eyelids Together” es de esas canciones que uno no olvida. Ese electroclash roto y amenazante de los dos miles, la voz de Nicola Kuperus como una advertencia, el beat que no descansa. Llegar a Kissing Luck Goodbye desde ahí es llegar con expectativas formadas, y el disco, hay que decirlo, las cumple sin sorprender demasiado. Para bien y para mal.

Lo que ADULT. hace bien lo sigue haciendo bien. Los beats rotos, los sintetizadores destrozados, la rabia contenida pero lista para explotar en cualquier momento. “R U 4 $ALE” es exactamente eso: Kuperus repitiendo “the chaos is what they want” mientras las máquinas de ritmo explotan a su alrededor, un mantra tan cansado como necesario en 2026. “No One Is Coming” suena a derrota pero se entrega con tanta energía que termina siendo lo contrario. Llevan veinticinco años haciendo esto y todavía saben cómo sostener la rabia sin que se pudra en nihilismo, lo cual no es poca cosa.

El contexto del disco pesa. Kuperus lidiando con vértigo crónico, la muerte de Douglas McCarthy de Nitzer Ebb, a quien dedican el álbum, y encima la elección presidencial (y el teatro enfermizo que se ha volcado) en Estados Unidos. Todo eso está en la música, aunque no siempre de forma que trascienda lo familiar. “Freaks” no termina de cuajar, sus partes demasiado dispersas para encontrar un centro. La tendencia de Kuperus a la repetición vocal, que en sus mejores momentos hipnotiza, aquí ocasionalmente la acorrala. El disco es corto y aun así hay momentos donde fatiga pero para bien.

Pero cierra fuerte. “So Unpleasant” recupera algo del punk DIY más crudo, guitarra y batería atravesando los beats electroclash como si no hubiera pasado el tiempo. Y “Destroyers” termina con Kuperus declarando “I will eat your hate”, la rabia todavía intacta en la lengua. Para alguien que los conoce de antes, Kissing Luck Goodbye no reescribe nada, pero confirma que ADULT. sigue siendo de los pocos que saben exactamente para qué están aquí. Altamente recomendable.

Angine de Poitrine - Vol. II (Self released, 6 tracks dementes, 37 minutos)

¿Qué no se ha escrito ya sobre estos carnales? Desde que el video del KEXP en el Festival de Rennes los convirtió en el misterio más comentado del internet musical, cada reseña, cada hilo de Reddit, cada video de Rick Beato quejándose de que le siguen mandando lo mismo, ha intentado descifrar qué diablos son Klek y Khn de Poitrine. Yo los encontré ahí, como casi todos: dos figuras con máscaras de papel maché, guardarropas monocromáticos y una guitarra microtonal de doble mástil que no debería funcionar en ningún contexto bailable y sin embargo no puedes dejar de moverte.

Vol. II llega con el peso de una expectativa que ellos mismos generaron casi por accidente. Los primeros tres tracks son versiones de estudio de su set de KEXP, y lejos de decepcionar, demuestran que lo que parecía caos en vivo es en realidad una arquitectura muy precisa. Trabajan con pedal de loop como tercer miembro, lo que los ancla en un pulso constante mientras construyen ilusiones rítmicas encima. No es la locura fragmentada de Dillinger Escape Plan, es algo más parecido a Meshuggah o Dawn of Midi: establecen un metro y luego lo habitan de formas que uno no termina de anticipar. Llevan veinte años tocando juntos y se nota en cada acento descolocado, en cada curva que el otro ya sabía que venía.

Mi canción favorita del disco es “UTzp”, y no es casualidad. Tiene algo que me recuerda a “Howen” de los Fabulosos Cadillacs, esa forma de construir tensión rítmica a partir del western y que de repente se va convirtiendo en un caos. En un disco lleno de puzzles matemáticos, “UTzp” es el momento donde la ecuación se vuelve pura energía.

Vol. II es de esos discos que dividen a la gente de forma limpia y honesta. Mi hijo los odia. Y entiendo perfectamente por qué, lo cual dice todo lo que hay que decir sobre Angine de Poitrine. LOL.

También escuché y son geniales:

Singin’ to an Empty Chair de Ratboys

Nothings about to happen to me de Mitski

The apple tree under the sea de Hemlocke Springs

Medium Rare de Excalibur and DJ Spence

Con We Will Annihilate Our Enemies, el dúo londinense Real Lies — Kev Kharas y Patrick King — vuelve a agarrar esa mezcla rara de nostalgia y club nocturno que los define, pero esta vez con más claridad y madurez que nunca. El álbum, su tercer largo oficialmente publicado en abril de 2025 (lo recuerdo porque sonaba en una activación de Herdez del Tecate Pal’ Norte), suena como una caminata por una Guadalupe vacía a las 3 a.m.: beats house que te arropan, sintetizadores como neones en lluvia y las reflexiones murmuradas de Kharas dando vueltas en tu cabeza. Canciones como “Loverboy”, “Towards Horses” o “I Could Join The Birds”(con una base imposible) se sienten a la vez eufóricas y ligeramente melancólicas, con esa sensación de que la pista de baile puede ser refugio y confesionario al mismo tiempo. Aquí no hay trucos y efectos grandiosos, sino un tejido de momentos íntimos que, juntos, convierten el disco en un paisaje emocional nocturno que sabe a fiesta, a memoria y a esa extraña esperanza que sólo nace al amanecer. Un cuento breve sobre la juventud en éxtasis.

19. Horsegirl - Phonetics On and On

Otro de esos discos que solo me pueden recordar a bandas que añoro con demasía, como Electrelane, por decir alguna. Con Phonetics On and On, el trío de Chicago Horsegirl transforma ese indie rock crudo y juvenil de su debut en algo más sutil y curioso. Producido por Cate Le Bon, el disco se deshace deliberadamente de la saturación y la ditorsión para dejar que cada nota y cada silencio cuenten, como si la ausencia de ruido fuera tan importante como los acordes que suenan. Las guitarras claras y entrelazadas, los ritmos que parecen juguetear entre la nostalgia y la reflexión, y las voces de Nora Cheng y Penelope Lowenstein —a veces habladas, a veces cantadas— construyen canciones que se sienten a la vez íntimas y confesionales. Hay grandes temas como “Frontrunner” o “Well I Know You’re Shy”, y hay la mejor canción romántica de 2025, “Well i know you’e shy”. Un disco que me recuerda también la mejor época de la K Records, y sí, las naranjas con chilito un domingo de verano por la mañana.

18. Marie Davidson - City of Clowns

    

Ahora que he empezado a jugar Cyberpunk 2077, no saben cuántas veces he pensado que el soundtrack debió ser un poco esto. Marie Davidson, la productora y vocalista de Montreal, vuelve con su sexto álbum en solitario y parece salir directamente de una conversación sobre cómo vivimos y respiramos dentro de la máquina digital y todo este barullo internetero que se está yendo al carajo. Aquí el techno y el electro-pop no son sólo para mover los pies: son un telón de fondo para frases mordaces, ritmos que chillan con ironía y una mirada divertida y escéptica sobre la vigilancia, los algoritmos y cómo la data nos devora mientras fingimos divertirnos. Desde la energía nerviosa de “Push Me Fuckhead” hasta los sintetizadores cargados de humor seco en “Sexy Clown” (mi favorita), el disco se siente como un aquelarre en un cybercafé en el Día de la marmota. City of Clowns transforma la paranoia digital en cuerpo, sonido y baile — un recordatorio de que el futuro puede ser duro, pero también totalmente irresistible.

17. Heimat - Iti Eta No

    

El dúo francés conformado por Olivier Demeaux (Cheveu, Accident du Travail) y Armelle Oberlé (The Dreams, Badaboum) abandona las tonalidades orientalistas de sus trabajos previos para adentrarse en un territorio más refinado pero igualmente perturbador. La mudanza al campo francés post-pandemia dejó una huella visceral: una tormenta violenta derribó árboles en su camino, imagen que permea toda la atmósfera del disco. Las letras inventadas de Oberlé —una glosolalia que funciona como residuo emocional más que como comunicación— evocan a Elizabeth Fraser pero con un sesgo más inquietante, oscilando entre el sermón y el vodevil. Su registro grave recuerda al sprechstimme de Blixa Bargeld mientras Demeaux construye beats complejos que incorporan elementos de baile funk experimental y drill africano sobre melodías europeas. La mezcla de Krikor Kouchian vuelve este pop alquimista sorprendentemente bailable sin sacrificar su esencia punkarra. El disco que más escuché cuando preparaba la cena.

16. Nourished by time - The passionate ones

El gran Marcus Brown eleva su propuesta de R&B post-disco a dimensiones insospechadas en este segundo álbum, pero sin perder la crudeza que caracterizó “Erotic Probiotic 2”. Grabado entre Baltimore, Londres y Nueva York, el disco funciona como un manifiesto donde el amor y el trabajo se entrelazan en una misma batalla contra el capitalismo tardío. Brown aprendió a samplear al estilo hip-hop clásico para este proyecto (usando fragmentos de Labi Siffre en “Max Potential” y archivos de la Library of Congress en “Crazy People”), lo que le permite construir texturas más densas sin sacrificar su ADN de bedroom pop. La única colaboración del álbum, Tony Bontana en “Jojo”, refuerza el mensaje central: crear arte es un acto de resistencia cuando el tiempo mismo se ha convertido en mercancía. Brown no solo documenta la precariedad; la transmuta en euforia bailable. Un auténtico artista en los márgenes.

15. Blood Orange - Essex Honey

Siete años después de “Negro Swan”, Dev Hynes regresa con un álbum que funciona como cartografía emocional de su condado natal tras la muerte de su madre en 2023. El luto permea cada nota: el piano deambula melancólico entre arreglos que invocan a Arthur Russell, mientras el violonchelo de Mabe Fratti interrumpe abruptamente el mid-tempo de “Vivid Light” como quien detiene el tiempo frente a la ventana. Hynes esparce colaboradores estelares (Polachek aparece tres veces, Lorde se mimetiza casi hasta lo imperceptible, ¡Zadie Smith canta por primera vez!) como easter eggs, pero nunca pierden de vista que esto es un ejercicio de duelo personal. Las letras abandonan la abstracción por precisión quirúrgica, como quien aferra objetos del pasado sabiendo que la nostalgia es trampa. No sé dónde leí que Essex Honey no es música para fiestas sino para sus últimas horas, cuando la gente se dispersa y sólo quedan conversaciones reales bajo una luz tenue. Así, tal cual.

14. Geese - Getting Killed

La banda neoyorquina completa su metamorfosis en este tercer álbum grabado con Kenny Beats (ahora Kenneth Blume) durante diez días frenéticos mientras los incendios californianos cubrían Los Ángeles de ceniza. El cuarteto —ahora sin Foster Hudson, quien partió en 2023— construye algo entre exorcismo y sermón: Cameron Winter despliega su barítono como predicador desquiciado mientras Max Bassin hace estallar la batería como submarino implosionando en “Trinidad”. La producción privilegia imperfecciones deliberadas: samples de coros ucranianos se incrustan bajo riffs garage en el track titular (mi favorito), máquinas de ritmos sisean detrás de guitarras que chillan, canciones de cuna mutan en experimentos repetitivos. Emily Green, Dominic DiGesu y Bassin funcionan con la sincronía de quienes llevan una década tocando juntos —esa química es el verdadero instrumento del disco. Las referencias oscilan entre Can y Funkadelic, The Gun Club y Tom Waits, pero el motorik-funk resultante es indiscutiblemente suyo. Lo único malo (igual es chiste) es que tienen al viejo rancio de Nick Cave como fan. Espero que no se les pegue ningún ademán.

13. Smerz - Big City Life

    

Henriette Motzfeldt y Catharina Stoltenberg regresan a la accesibilidad sin sacrificar complejidad. Grabado entre Copenhague, Oslo y Londres, el disco funciona como ópera urbana minimalista donde las salidas nocturnas desembocan en epifanías melancólicas. El dúo noruego aprendió en el Conservatorio Rítmico de Copenhague —cuna de Erika de Casier y ML Buch— y aquí demuestran su dominio del art-pop despojado: sintetizadores escasos, breaks de trip-hop manipulados, voces que oscilan entre la anhedonia y el spoken word. Las letras operan en segunda persona especialmente en “Roll the dice”, como una versión perversa de “Dancing Queen”. Motzfeldt canta líneas absurdas con convicción total, mientras Stoltenberg construye beats que evocan tanto a Sade como a Chairlift sin sonar derivativas. El álbum respira espacio negativo deliberado; las canciones terminan abruptamente como conversaciones interrumpidas. Es música para esas horas donde el bling bling se disuelve y sólo queda la claridad brutal de saberse temporal.

12. Suede - Antidepressants

    

Treinta y tres años después de su debut, Brett Anderson y compañía entregan su disco mas urgente desde “Coming Up”. Producido nuevamente por Ed Buller, el álbum funciona como segundo capítulo de una trilogía post-”Autofiction” que reformula el ADN britpop de Suede a través del prisma post-punk ochentero. Las influencias son nítidas: Public Image Ltd en el track homónimo, Sisters of Mercy en el cierre gótico de “Life Is Endless, Life Is a Moment”, y Magazine y Chameleons atravesando todo el disco. Richard Oakes desgarra con riffs inspirados por Keith Levene y John McGeoch mientras Anderson alterna entre barítono operático y spoken word, apropiándose del recurso de Dry Cleaning y Yard Act sin perder su teatralidad característica. Las letras abandonan la autobiografía de “Autofiction” para cartografiar la paranoia colectiva: voces automatizadas interrumpen entre canciones, notificaciones sisean bajo los temas como recordatorios del pánico tecnológico. Yo, como un fan tardío de esta banda, estaré siempre encantado cuando estos se internan con muchas ganas, dentro del estudio musical. Un disco de 10 de una banda britpop que se niega a morir.

11. Saya Gray - SAYA

    

Después de pulir su art-pop errático a través de tres EPs caóticos (incluyendo “19 MASTERS”, grabado mayormente en notas de voz), la multiinstrumentista japonesa-canadiense entrega finalmente un álbum cohesivo sin sacrificar su excentricidad. La génesis del disco es cinematográfica: tras una ruptura tóxica en otoño de 2023, Gray voló a Japón con una guitarra acústica como copiloto, dejando que Beatles, Led Zeppelin y Joni Mitchell dictaran el rumbo. Su voz angelical siempre juguetona con inflexiones como quien prueba juguetes distintos y letras que rechazan narrativas de desamor convencionales anclándose en imágenes extrañas: pelotas de goma, feria, chimeneas, charcos. El cierre “LIE DOWN” funciona como resolución dub de Fleetwood Mac, en un disco absolutamente precioso y a la vez sumamente perturbador.

10. Pulp - More

More funciona como exorcismo colectivo tras la muerte del bajista Steve Mackey en 2023. El álbum está dedicado a él, con dos canciones escritas cuando aún estaba vivo, como si su fantasma habitara en cada letra. Cocker amalgamó su proyecto Jarv Is con los miembros históricos de Pulp —Candida Doyle, Mark Webber, Nick Banks— resultando en una formación expandida donde violines de Emma Smith y arreglos de cuerdas de Richard Jones contrastan con la urgencia disco-punk de tracks como “Spike Island” (coescrita con Jason Buckle de Relaxed Muscle) o “Got to Have Love”, cuya bola de espejos disco-dramática recuerda por qué fueron los outsiders teatrales del britpop. Cocker, ahora en sus sesentas, confronta arrugas y mortalidad con la misma lucidez que documentó la vida de clase trabajadora en los noventa. La portada —recortes de cartón de la foto de “Different Class” sobre un paisaje islandés— encapsula perfectamente el ejercicio: no nostalgia sino continuidad temporal, envejecimiento digno sin regresión. Una obra maestra.

9. Stereolab - Instant Holograms On Metal Film

Grabado en Londres con Cooper Crain (Bitchin Bajas), quien también aporta colaboraciones junto a Ben LaMar Gay y la sobrina de Mary Hansen, Molly Hansen Read, el disco privilegia texturas retro-futuristas de los setenta y ochenta sobre híperpop moderno, vamos a decir, bastante discreto. La voz de Sadier suena más oscura que nunca —casi rugosa— especialmente en “Transmuted Matter”, donde canta sobre frecuencias superiores como quien invoca rituales. Gane confesó haber transitado rápidamente en su juventud desde Buzzcocks hacia Throbbing Gristle, y esas influencias post-punk emergen aquí más que en trabajos previos. Las letras atacan extorsión sistémica y promesas vacías de clase media con elegancia verbal —tracks como “Colour Television” utilizan palabras como “desuetude”— mientras beats propulsan esperanza desafiante. Un álbum que confirma que su proyecto permanece en pie: un manifiesto donde resistencia política y placer sónico coexisten sin sacrificar complejidad. Hay Stereolab para rato.

8. Oklou - Choke Enough

   

Ouklu, una francesa entrenada en conservatorio, construye algo entre polifonía barroca y culto Y2K: “Thank You for Recording” intercambia melodías entre flauta sintética y voz como Prokofiev cyberpunk, mientras “Ict” despliega trompetas que pudieron escribirse en el 1600 bajo beats hiperquantizados. La producción rechaza percusión convencional deliberadamente (es casi ambient); tracks como el homónimo mutan constantemente sin llegar a resolverse, manteniendo tensión arquitectónica donde otros buscarían catarsis. Mayniel confesó haberse cansado de internet pero su música permanece anclada al margen, operando en esa zona liminal donde la privacidad resiste ante el acceso total. Las letras gesticulan hacia rituales neopaganos y autodestrucción obsesiva pero funcionan más como poesía tonal que narrativa. “Blade Bird” fue nombrado mejor canción del año por The Fader; su cierre con cuerdas acústicas confirma que este pop despojado privilegia atmósfera sobre estrellato. Un disco que explica el hyperpop quedito, como si estuviera contando historias debajo de una almohada.

7.Panda Bear - Sinister Grift

Noah Lennox regresa con su statement más cálido pero paradójicamente más devastador. Por primera vez todos sus compañeros de Animal Collective aparecen: Avey Tare, Geologist, Deakin, más Rivka Ravede (quien diseñó el arte con estética similar a “i’m so lucky” de Spirit of the Beehive) y Patrick Flegel de Cindy Lee desplegando un solo de guitarra aplastante en “Defense” que evoca sus días desmadrosos con Women. La secuencia es riesgosa: las primeras canciones exhiben pop psicodélico accesible con influencias reggae-dub deliberadas (el wah-wah de “50mg”, la cumbia tropical de “Just as Well”), pero pasada la mitad el tempo colapsa hacia introspección fantasmal. “Elegy for Noah Lou” recuerda el naufragio psicológico de Syd Barrett o Skip Spence —seis minutos donde la guitarra amenaza desintegrarse bajo ruido blanco sintetizado. Noah Lennox confesó que el título refiere a esa mentira autoimpuesta: creer que siendo cuidadoso podemos evitar sufrimiento.

6. PinkPantheress - Fancy That

Dos años después del pulido “Heaven Knows”, Victoria Beverly Walker entrega veinte minutos compactados que funcionan como universo paralelo donde el UK garage conquistó Estados Unidos en 2006. Producido principalmente con Aksel Arvid —el noruego de 23 años detrás de Aminé — el mixtape opera mediante arqueología sampleada: tres cortes de Basement Jaxx (su “Rooty” de 2001 es referencia obsesiva), Underworld en “Illegal”, William Orbit flotando bajo beats four-on-the-floor, incluso Panic! at the Disco transformado en house número en “Tonight”. El arte kitsch británico (corona imperial, cabina telefónica roja, collage de flores) encapsula perfectamente el ejercicio: nostalgia deliberada sin ironía. Nominado al Mercury Prize y Grammy, el disco fue acompañado por “Fancy Some More?”, álbum de remixes con Bladee, Oklou (otra vez), Kylie Minogue, Kaytranada y veinte colaboradores más. Apenas nueve tracks pero cada uno funciona como portal dimensional completo. Mi descubrimiento más adorado de 2025.

5. Folk Bitch Trio - Now Would Be a Good Time

Lo he descubierto apenas esta semana: tres amigas de secundaria de Melbourne —Heide Peverelle, Jeanie Pilkington y Gracie Sinclair— conforman una de mis revelaciones más sorprendentes del año, firmadas por Jagjaguwar tras girar con King Gizzard, Alex G y Julia Jacklin. Las comparaciones con boygenius son inevitables pero reduccionistas: sus armonías tripartitas evocan ADN compartido al estilo Staves o CSN, mientras las letras documentan fracasos románticos con humor oscuro comparable a Mary Gaitskill u Otessa Moshfegh. “The Actor”, la canción que más me ha gustado, traza el colapso de una relación con precisión teatral; “Cathode Ray” juega con dobles sentidos mientras repite líneas sobre cuerpos deshechos; y el único cover del álbum —”I’ll Find a Way (To Carry It All)” de Ted Lucas— funciona como manifiesto: aprendieron colectivamente que hacer música juntas desmitifica futuros imposibles. Este debut demuestra que folk nunca fue delicado; siempre ha sido vehículo para una catarsis dolorosa.

4. Danny Brown - Stardust

Todos los que me conocen saben que tengo una debilidad por default a todo lo que saque Danny Brown. Desde XXX, el rapero de Detroit ha encontrado conectar conmigo misteriosamente porque no tenemos nada en común. Sus cuitas y vendettas nada tienen que ver conmigo y sin embargo me impresionan tanto que siento que en cada canción termino enterándome mucho sobre la oscuridad de su mente. Este “Stardust” —su primer álbum grabado completamente sobrio tras rehabilitación en 2023— opera mediante un alter ego llamado Dusty Star, estrella pop noventera inventada a sugerencia de Jesse Taconelli (A&R de Jane Remover) como método para evitar trauma-dumping directo. Brown escuchó 100 gecs obsesivamente durante ocho semanas en rehabilitación y decidió zambullirse en hyperpop/digicore: Quadeca aparece tres veces, Underscores coprodujo bangers instantáneos como “Copycats”, Cynthoni (antes Sewerslvt) construyó el épico de nueve minutos “The End” dividido en tres actos emocionales. Brown escribió “Make SOPHIE proud” en todos sus cuadernos lamentando nunca haber colaborado con ella; ese lamento permea beats donde el gabber industrial (”1999” con JOHNNASCUS) convive con un drum’n’bass que no escuchaba desde Venetian Snares. Su flow nasal permanece intacto pero ahora suena liberado, corriendo hacia la luz en lugar de zambullirse en la autodestrucción.

3. Rosalía - LUX

Se ha escrito demasiado sobre LUX que no podría escribir una línea más. Bueno quizá 4: Ninguna sorpresa: Es tan impactante que o le amas o le odias. Yo terminé amándolo. Quizá, dentro de 20 años, estemos ante la cereza del pastel de un gran coleccionista, o solo un puñado de canciones sueltas sobre la redención y el viaje de una mujer que quiso expresarse de cualquier manera posible, para vivir eternamente. Ambas me cuajan.

2. Sudan Archives - The BPM

Brittney Parks abandona el maximalismo orquestado de “Natural Brown Prom Queen” para adoptar la identidad de Gadget Girl, un avatar cyborg que encarna su hiperindependencia tecnológica. Las colaboraciones provienen de su círculo íntimo: un puñado de familiares, más el colectivo de cámara afroamericano D-Composed que aparece en nueve tracks aportando texturas clásicas bajo arquitecturas electrónicas. Parks describió este álbum como su más divertido y desenfadado pero las letras documentan ansiedad cotidiana, rupturas amorosas, enfermedades mentales e ironías románticas con videojuegos ochenteros como metáfora. Su violín autodidacta —inspirado por violinistas sudaneses y ritmos de África Occidental— permanece como ancla pero ahora procesado hasta parecer sintetizador puro, techno. El track homónimo declara su tesis sin sutilezas: el BPM es poder. Parks toca violín mientras opera drum machines Akai simultáneamente; esa sincronía física con gadgets define todo el proyecto. La amo.

1. Baxter Dury - Allbarone

A sus 53 años, el hijo del legendario Ian Dury consigue su álbum más cohesivo y—contra todo pronóstico—su mejor disco hasta la fecha. Tras obsesionarse con “Brat” de Charli XCX durante el verano de 2024, convenció a Paul Epworth (Adele, Bloc Party) de colaborar tras su actuación en Glastonbury. Grabado en diciembre-enero en The Church Studios con sesiones intensivas de tres horas diarias, el resultado funciona como respuesta británica madura al hyperpop: el track titular narra plantones románticos en la cadena de bares All Bar One con beats italo-disco, “Schadenfreude” celebra desgracias ajenas como terapia, y “Mockingjay” (mi favorita, y mi canción más escuchada del año en mi Apple Music) referencia Los Juegos del Hambre para criticar el activismo performático. Más que nostalgia nepo baby, esto confirma dinastía legítima: ingenio verbal heredado aplicado a deconstrucción generacional contemporánea. Un crack. Además, siempre trae el mismo traje, por lo que supongo yo que nunca se baña. Jaja.

Que tengan un bello 2026, les desea un servidor windows NT.
Prometo apartar mucho más tiempo para escribir en los próximos días (y en el próximo año) y gracias a todos ustedes que están suscritos: significa mucho para mí.

Hoy me estuve acordando mucho de él. Siempre le dije que era fantástico. Lo voy a extrañar un montón.

Ahora, te quiero recomendar todos estos discos:

Tropical Fuck Storm - Fairyland Codex (Fire Records, 51 minutos)

El cuarto álbum de Tropical Fuck Storm (banda recomendada por mi querido amigo Yero Moroder), Fairyland Codex, reafirma su extraña maestría en el art punk caótico y experimental. Esta banda australiana, formada por talentos de The Drones y High Tension, se aventura en todo lo que pueda parecer impredecible a la hora de escribir punk. A diferencia de su trabajo anterior, este disco recupera la intensidad y la locura contenida que definen su sonido. Desde el inicio con "Irukandji Syndrome", el álbum exhibe su rock distorsionado, letras sarcásticas y armonías vocales ridículas, elementos que persisten a lo largo del disco. Sin embargo, Fairyland Codex profundiza en atmósferas más densas y oscuras, con temas como la hipnótica "Goon Show" y la emotiva "Stepping on a Rake", donde las letras van entre lo sentimental y lo desesperado. La participación vocal se equilibra entre los miembros, evocando la energía de Sleater-Kinney con elementos progresivos muy a lo Zappa o Mr. Bungle, y una crítica social cargada de rabia y frustración.

El álbum transita con fluidez entre la experimentación en temas como "Dunning Kruger’s Loser Cruiser", y tracks con un pulso más directo y roquero como "Bloodsport", donde las voces femeninas añaden un vigor que no escuchaba desde Malaria. Aunque su complejidad y densidad pueden resultar un bajonazo a ratos, este trabajo consolida a Tropical Fuck Storm como artesanos del caos meticulosamente orquestado, capaces de conmover y desafiar a partes iguales. Si buscas un álbum que estimule tu rabia y resuene con la ansiedad actual (la antítesis cultural de Real Lies, vamos a decir), este pedazo de desmadre es para ti.

The Reds, Pinks and Purples - The Past Is a Garden I Never Fed (Fire Records, 41 min, 14 tracks)

Entrarle a The Past Is a Garden I Never Fed, el nuevo álbum de The Reds, Pinks and Purples, es como descubrir una extensa colección de rarezas y joyas perdidas de indie-pop, con ecos a bandas como The Ocean Blue o The Smiths. Glenn Donaldson, el cerebro detrás de esta banda, despliega su singular voz —cargada de melancolía y una sensibilidad azotada— con una naturalidad que evita caer en la repetición. Aunque el álbum recoge solo 14 temas, representa una cuidada selección entre más de 200 canciones (sí, 200) que ha compuesto en los seis últimos años, muchas de ellas ya conocidas por sus seguidores pero ahora finalmente editadas para sonar en formato físico bajo el sello Fire Records.

Este álbum funciona como un compendio honesto y efectivo del sonido y las emociones que han marcado su carrera reciente. Baladas de jangle pop y dream pop se mezclan con letras afiladas y títulos que no dejan indiferente, como The World Doesn’t Need Another Band (mi favorita), donde reflexiona sobre la ironía de pertenecer a otra banda más (mi drama favorito), o My Toxic Friend, un tributo a Dan Tracey de Television Personalities. Para quienes aprecian el lirismo introspectivo y desgarrado en la línea de The Cure o el cancelocuandoquiero Morrissey, este trabajo ofrece un exquisito equilibrio entre tristeza, sarcasmo y melodías con olor a tierra mojada que seguramente calarán hondo.

Lorde - Virgin (Universal Music, 11 tracks, 35 minutos)

No hace falta ser un experto para entender que algo se quiebra dentro de Lorde en cada nuevo lanzamiento. What Was That, que abre con una evocación sutil de la icónica Sweet Thing de Bowie, encaja a la perfección y conmueve desde el primer instante. Aunque al principio no siempre conecta de inmediato conmigo, termino cayendo rendido ante su voz, capaz de reflejar esa multiplicidad compleja, esa cartografía llena de lugares, emociones, juegos y rituales, ese vivir los días a flor de piel. Como en GRWM —quizá uno de los mejores temas grabados en 2025— donde se define con ironía como “una mujer adulta en una camiseta de bebé”.

Esa mezcla de producción minimalista y un repertorio de canciones elegidas con precisión es la fuerza que hace estallar Virgin. Esa explosión fragmentada, dispersa a lo largo de 35 minutos de pop imposible, dibuja el perfil de una de las artistas pop más grandes que conozco y admiro desde que Marisol me la envió en un mensaje de Whatsapp hace tres años. Simplemente brutal.

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Real Lies - We Will Annihilate Our Enemies (TONAL Recordings, 11 tracks, 41 minutos)

La última entrega del dúo electrónico Real Lies, subraya una verdad que Kevin Lee Kharas plantea con acierto: las mejores canciones siempre llevan consigo una carga de anhelo y nostalgia. Desde el debut de 2015, donde las escenas urbanas y la melancolía convivían con destellos de esperanza, hasta Lad Ash (2022), que equilibraba el amor con la búsqueda de identidad, Kharas y Pat King regresan con un trabajo (y no me gusta usar estas palabras) más ambicioso y refinado. En este disco, expanden sus influencias para crear un sonido que oscila entre himnos de club como I Could Join The Birds (la mezcla perfecta entre Pet Shop Boys y Todd Rundgren) y pasajes más cinematográficos, como el envolvente WWAEO (una balada con los coros mejor grabados que he escuchado en mucho tiempo), que atrapa con atmósferas de soledad y fraternidad.

No faltan detalles juguetones, con canciones como LOVERWORLD que deslizan ironía y ell cierre, Finding Money, con la participación de Jess Barden, reafirma la intención del álbum: mirar hacia adelante desde un pasado cargado de memoria, sin perder ese pulso de emotividad urbana que caracteriza a Real Lies. Un disco que merece ser escuchado con atención, porque en él late la ansiedad y la esperanza de nuestra época.

“I came to this world with nothing, and I leave with nothing but love. Everything else is just borrowed.”
― Mike Skinner

Mi hijo de 12 años me sacó mucho de onda el otro día con una pregunta que me dejó pensando: "¿Son Catriel y Paco Amoroso el equivalente actual a lo que representó Nirvana en su tiempo?" Bastante pasada de lanza la pregunta, ¿verdad? Mi respuesta instintiva fue un rotundo no, pero después de reflexionarlo, encontré un punto de conexión extraño entre estos artistas separados por décadas y estilos.

No, definitivamente no comparten el mismo impacto revolucionario ni la propuesta sonora. Nirvana transformó el panorama musical de los 90 con un sonido crudo que desafió lo establecido, mientras que Catriel y Paco Amoroso se mueven en coordenadas completamente distintas, con una estética y sonoridad que responde perfectamente a nuestros tiempos digitales. Sin embargo, hay algo que une a estos proyectos tan dispares: ese magnetismo que nace de un ego descomunal, esa presencia escénica que trasciende lo musical y se convierte en fenómeno cultural.

Nirvana siempre fueron una banda talentosísima con grandes riffs y grandes letras, que lamentablemente les demolía la ansiedad el saber que podían tener todo el dinero del mundo; Catriel y Paco Amoroso son dos tipos igualmente talentosos, que juegan a ser Illya Kuriaki and The Valderramas en tiempos en donde lo efímero manda.

Pero esto es irrelevante, lo relevante es que:

Estos son grandes discos que escuché esta semana y que si los escuchas probablemente te gusten tanto como a mí:

Panda Bear - “Sinister Grift”. Domino Records. Electrónica. 45 min.

Noah Lennox, conocido como Panda Bear, es un músico cuyas grabaciones siempre evocan un ambiente playero, surfero, de coquito y coquina de vidrio. Sus canciones reflejan la paciencia y despreocupación de alguien que pasa mucho tiempo al sol sin hacer mucho. Como miembro de Animal Collective y en su carrera en solitario, Lennox ha explorado diversos estilos musicales, desde el avant-pop de "Person Pitch" hasta las influencias del reggae en trabajos posteriores. Su música se caracteriza por armonías vocales apiladas y un enfoque de collage sonoro que ha evolucionado a lo largo de los años, manteniendo siempre un aire de experimentación y frescura.

"Sinister Grift", el último álbum en solitario de este cabezón, marca un cambio hacia un sonido más accesible y menos experimental. Como si fuese grabado en 1969, y casi sacado, podría decir, del montonal de bsides que pudieron haber grabado los Monkeeys, Panda Bear sigue con el discurso de desamor y pérdida, bajo un sonido dub que no le pide nada a contemporáneos como Dan Snaith o el mismísimo Mac DeMarco. Grabado en su estudio casero en Lisboa con la colaboración de sus compañeros de Animal Collective, las canciones mantienen una energía despreocupada y ligera. Aunque menos experimental que sus trabajos anteriores, "Sinister Grift" muestra a un Panda Bear juguetón y cómodo (luego de haberle jugado al Mariachi con esa otra leyenda del soul Sonic Boom), explorando la melancolía a través de arreglos soleados y melodías pegadizas. Una razón de peso para regresar a los discos de Animal Colllective.

Heimat - “Iti Eta No”. Teenage Menopause. Folk Electrónico. 37 min.

Mi amigo A me presentó a Heimat hace unos meses y quedé fascinado. Este dúo francés, formado por Olivier Demeaux y Armelle Oberlé, me atrapó desde el primer momento. Cuando me puse a explorar sus primeros trabajos, noté una clara obsesión por las tonalidades "orientales" - algo que han ido abandonando con el tiempo para crear algo mucho más personal y único. Después de mudarse al campo francés al terminar el confinamiento, transformaron completamente su sonido. La voz de Oberlé es hipnótica, me recuerda a veces a Bettina Köster o a Blixa Bargeld, pero con su propio carácter. Y Demeaux es un genio mezclando ritmos complejos - toma elementos de funk experimental y drill y los fusiona con melodías europeas y música concreta de una forma que me deja boquiabierto.

"Iti Eta No" es pura exploración sonora. No es para cualquiera, eso está claro - desde la primera canción te das cuenta de que estás ante algo especial. Lo que más me encanta es cómo Oberlé canta en un idioma inventado que suena como inglés pero no lo es, creando algo que me recuerda a Cocteau Twins pero más inquietante. "Tree" es mi tema favorito, con ese folk psicodélico sesentero, aunque "So Long" con sus ocho minutos de lamento groovy también me tiene enganchado. Y la portada de Anouk Ricard es perfecta - ese arte minimal captura exactamente la extrañeza esotérica que define a Heimat. Un disco que me sigue rompiendo la cabeza con cada escucha.

Marie Davidson - “City of Clowns”. DEEWEE. Techno. 47 min.

Marie Davidson, la DJ y productora canadiense, saca por sorpresa su sexto álbum "City of Clowns", una obra que fusiona hábilmente (por no decir magistralmente) el techno preciso y el electroclash con una crítica aguda a la tecnología moderna. Producido en colaboración con Soulwax y Pierre Guerineau, el álbum se inspira en el libro "The Age of Surveillance Capitalism" de Shoshana Zuboff, explorando cómo las grandes corporaciones tecnológicas invaden nuestra privacidad. Desde el primer track "Validations Weight", Davidson establece el tono del álbum, recitando un texto inquietante sobre cómo la tecnología nos está convirtiendo en una "colmena humana".

A lo largo del disco, Davidson aborda temas como la naturaleza perniciosa de las redes sociales en "Demolition" (la canción que más he escuchado en lo que va del año), critica con humor las frases típicas de la era digital en "Push Me Fuckhead", y reflexiona sobre las expectativas que enfrenta como artista en la industria musical en "Sexy Clown". El álbum representa una evolución en la carrera de Davidson, quien comenzó en la música experimental antes de aventurarse en el techno, y refleja su reciente incursión como DJ profesional con un enfoque más directo y orientado al club. "City of Clowns" no solo es un comentario sobre la sociedad actual y nuestra relación con la tecnología, sino también una muestra del crecimiento artístico de Davidson, una morra brutalmente chingona, con una habilidad sobrenatural para crear música que es tanto intelectualmente estimulante como físicamente contagiosa.

Youth Lagoon - “Rarely do i dream”. Fat Possum. Rock. 42 min.

Trevor Powers, la mente detrás de Youth Lagoon, encontró una caja de videos caseros de su infancia mientras buscaba una armónica en el sótano de sus padres, y decidió incorporar fragmentos de estos recuerdos en "Rarely Do I Dream". El contraste es brutal: por un lado, la inocencia de cumpleaños y paseos en bici; por otro, historias sombrías sobre familias rotas y oportunidades perdidas. Su voz suena tan vulnerable, casi susurrando esas historias que parecen pesarle. En "Seersucker" repite "Estamos bien, estamos bien" mientras una guitarra distorsionada sugiere exactamente lo contrario, y me pone la piel de gallina cada vez que la escucho.

Lo que más me impresiona es la atención al detalle. Esos ritmos crujientes en "Parking Lot" que suenan como un herrero digital, o la inquietante historia de "Gumshoe". Es curioso pensar que Powers abandonó Youth Lagoon en 2016 porque sentía que le limitaba, pero tras una enfermedad que casi le deja sin voz, decidió regresar a este proyecto. El álbum termina con "Home Movies (1989-1993)", donde solo se oyen sus videos de infancia y alguien dice "Esta es la historia de Trevor". Qué suerte que haya decidido seguir contándonosla, porque este disco es una auténtica joya que no puedo dejar de reproducir.

“Literalmente he estado sentada en la casa de Elon Musk sola durante días esperando a que Grimes aparezca y comience estas sesiones.

No tengo idea de cuándo va a volver.

Voy a esperar un día más y luego me voy a ir a casa.”

- Azalea Banks

Au Pairs - Playing with a different sex

Lo único que sabía de The Au Pairs es que venían de Birmingham y que habían formado parte del Rock Against Racism en una de las peores épocas de tensión política en el Reino Unido. El grupo, compuesto por Lesley Woods, Paul Foad, Jane Munro y Pete Hammond, se caracterizaba por su enfoque político directo y rudo y su rechazo a las normas establecidas. Luego, leyendo el libro de Simon Reynolds, “Rip It Up and Start Again,” supe que con Woods al frente, la banda no temía enfrentarse a figuras como Margaret Thatcher o abordar temas controvertidos en televisión nacional, como lo demostraron al interpretar "Armagh" en el programa The Old Grey Whistle Test de la BBC, a pesar de las advertencias. Su música, influenciada por bandas como Gang of Four y The Slits, desarrolló un sonido post-punk distintivo con la voz perfectamente entonada de Woods, una simetría sónica particular y letras abstractas pero potentes que abordaban relaciones personales desde perspectivas poco convencionales.

Con una portada grandiosa fotografiada por Eve Arnold, "Playing With a Different Sex" mostraba a dos jóvenes mongolas entrenando para la milicia, consolidando su ethos de caos y colectividad. Reynolds dice en su libro que críticos como Lester Bangs los aclamaron como "lo mejor del rock 'n' roll actual" y Greil Marcus los describió como "la banda más interesante y desafiante del Reino Unido". El álbum presenta temas como "We're So Cool", "Come Again" y el himno post-punk perfecto "It's Obvious", donde la repetición y la disonancia me despertaban cada que salía de una junta o pelaba una naranja. A través de estas canciones, The Au Pairs cuestionaban las normas sexuales y sociales establecidas, con Woods escribiendo sobre la libertad de amar a quien quieras sin caer en el positivismo sexual simplista. Aunque la banda se disolvió rápidamente tras tensiones internas y un segundo álbum menos exitoso, su legado perdura en "Playing With a Different Sex", un disco que pendejamente tardé un montonal en escuchar, pero que obviamente requiere cierta apertura mental para abrazar su honestidad radical y su enfoque político directo, sentando las bases para movimientos posteriores como el riot grrrl. Un 10.

Azealia Banks - Broken With Expensive Taste

Me topé con Azealia Banks un día buscando discos de Doechii. Estaba ahí, en los relacionados de Youtube Music. Azealia emergió como una fuerza disruptiva en la escena musical neoyorquina hace más de una década, desafiando convenciones y fusionando géneros con una audacia, vamos a decir, característica. Su trayectoria desde el lanzamiento de "212" ha sido tan impresionante como turbulenta, marcada por enfrentamientos con figuras de la industria y una personalidad sin filtros que le ha valido tanto admiradores como detractores. Lo que verdaderamente distingue a Banks es su versatilidad artística: una morra rapera con filo y habilidades vocales excepcionales para la música house, capaz de transitar entre el inglés y el español con fluidez natural. Esta combinación de talentos la convierte en una auténtica amenaza doble, representando genuinamente la esencia multicultural de Harlem, donde las influencias del hip-hop se entrelazan con el freestyle, el reggaetón y la bachata, creando un sonido que es innegablemente neoyorquino pero inevitablemente contemporáneo.

"Broke With Expensive Taste" es un testimonio del eclecticismo musical de Banks. La producción abarca desde house y dubstep con toques caribeños en "Idle Delilah" hasta incursiones en el post-disco y merengue en "Gimme a Chance", pasando por el garage británico en "Desperado". Algunas canciones presentan un caos sonoro tan abrumador que me vi obligado a desintoxicarme con álbumes completos de The Bonzo Dog Band para recuperar cierta estabilidad. Sin embargo, bajo esta aparente dispersión estilística, Banks revela ser una clasicista del dance pop, como demuestran las melodías de "Soda", "Miss Camaraderie" y la impresionante (IMPRESIONANTE) "Chasing Time". El álbum funciona mejor cuando se entiende como una antología que captura la esencia de una artista que, a pesar de sus controversias, representa auténticamente la evolución del sonido neoyorquino, viajando musicalmente a través de los diversos barrios y tradiciones que conforman el paisaje cultural de esa ciudad, y quizá de todo Estados Unidos.

Billy Joel - The Stranger

Para mí, Billy Joel representaba esa estantería de discos que yo he titulado: "No doy ni tres pesos por ellos". Quiero decir, antes de escuchar este álbum, Joel era simplemente el tipo de "Piano Man". Trabajando con el productor Phil Ramone, Joel trajo a su banda de gira —Doug Stegmeyer en el bajo, Liberty DeVitto en la batería y Richie Cannata en múltiples instrumentos— para crear un disco que finalmente capturó la energía magnética de sus presentaciones en vivo. La manera en que todos estos músicos tocan, el feeling, los vibes que dan, son solo comparables a actos como Stevie Wonder o The Band, elevando las composiciones de Joel a otro nivel completamente distinto.

Lo que hace excepcional a The Stranger es cómo Joel y su banda crean extraordinarios episodios soul / funk para historias y emociones ordinarias. Desde el enérgico "Movin' Out (Anthony's Song)" hasta la épica de siete minutos "Scenes From an Italian Restaurant" y la ganadora del Grammy "Just the Way You Are", Joel equilibra una musicalidad sofisticada con letras accesibles sobre experiencias cotidianas. Canciones como "Vienna" combinan la decepción con la aspiración a través de melodías que son alternativamente caprichosas y sentimentales, mientras que baladas como "She's Always a Woman" suenan inocentes a pesar de su inseguridad subyacente. The Stranger finalmente me dio un cachetada brutal. Un álbum que alcanzó el número dos en las listas de Billboard y superó a Bridge over Troubled Water de Simon & Garfunkel como el álbum más vendido de Columbia. Una verdadera joya que todo mundo debería escuchar.

Grace Cummings - Storm Queen

Conocía "Ramona" (2024) de Grace Cummings, pero nunca me había adentrado en su discografía anterior hasta toparme con "Storm Queen". Cada vez que comparto su música, inevitablemente alguien menciona el parecido con Diamanda Galas, comparación que personalmente encuentro desacertada. Si bien ambas poseen voces poderosas, la de Cummings está firmemente anclada en tradiciones folk y blues, con esa cualidad áspera y terrenal que evoca más a Bob Dylan o Paul Kelly que al experimentalismo vocal de Galas. Su voz, inusualmente ronca y accidentada como ruedas de coche derrapando sobre rocas, posee una autenticidad que refleja perfectamente sus raíces australianas, donde la tierra está constantemente amenazada por incendios forestales. Esta conexión con la naturaleza y sus peligros no es casual; impregna cada nota que canta, cada historia que cuenta.

"Storm Queen" brilla precisamente por esa tensión magnífica que Cummings logra crear, oscilando salvajemente entre catarsis y disonancia. Canciones como "Dreams" destacan por la intensidad abrasadora y el hastío mundial que transmite su voz sobre una guitarra acústica que suena tanto rudimentaria como psicodélica. Los momentos más convincentes del álbum no están en sus ascensos, sino en esa tensión apretada que parece animar cada canción, haciendo que su voz suene como una cometa atada a su cuerda, un pájaro desesperadamente aleteando dentro de su trampa. La espontaneidad es parte fundamental de su proceso creativo; la mayoría de las canciones fueron grabadas en tres tomas o menos, creando una cercanía casi incómoda en cada grabación, íntima y viva, como si la banda estuviera tocando en círculo. Esta inmediatez, combinada con su capacidad para desatar emociones crudas a través de su voz volcánica, convierte a "Storm Queen" en una experiencia musical visceral que trasciende las convenciones del folk contemporáneo, estableciendo a Cummings como una fuerza única en el panorama musical actual. Una artista que me estremece a cada escucha.

También escuché por primera vez y me encantaron:

Mac Miller - Blue Slide Park
The Cult - Hidden City

La Luz aplastó y me sorprendió un montón con"News Of The Universe", una obra que marca una evolución significativa en su sonido, alejándose del surf psych con twang característico de sus inicios para adentrarse en territorios más etéreos. El disco, que suena como un tesoro perdido de los años 60, está cargado de armonías y guitarras que han cambiado su característico twang por un sonido más envolvente, más maduro. Canciones como "Strange World", con su profundo riff psicodélico y la voz hipnótica de Shana Cleveland, y "Dandelions, que brilla con sintetizadores envolventes y una sección rítmica influenciada por el jazz, recordando al sonido de The United States Of America. El álbum mantiene una atemporalidad que lo hace sonar como si pudiera haber sido grabado en cualquier momento de las últimas cinco décadas, con letras que reflexionan sobre los ciclos de la vida y la naturaleza.

19. Fabiana Palladino - Fabiana Palladino

Un álbum mayormente autoproducido que cuenta con colaboraciones notables como su padre, el reconocido bajista Pino Palladino, el baterista Steve Ferrone y el arreglista Rob Moose. Musicalmente, el disco refleja una reinterpretación moderna de estilos de los años 80, con referencias a Jimmy Jam, Terry Lewis, Madonna y Prince, destacando canciones como "Stay With Me Through the Night". A pesar de sus influencias retro, el álbum mantiene un sonido contemporáneo con elementos caóticos modernos, incluyendo distorsiones en las bases rítmicas, sintetizadores disonantes y voces electrónicamente alteradas. A ratos parece un disco de 4AD, y en otros, un album de outtakes de Kylie Minogue. Las diez canciones del álbum se distinguen por sus melodías potentes y la voz contenida pero poderosa de Palladino, además de contar con la colaboración vocal de Jai Paul en el increíble tema "I Care".

18. Claire Rousay - Sentiment

En esta entrega, Rousay combina elementos de su trabajo anterior con un nuevo enfoque en canciones más cortas y melódicas de estilo slowcore (más cercado a Codeine que a Low), donde su guitarra sencilla y su voz procesada con Auto-Tune son protagonistas. Las letras exploran temas profundos como la depresión, el autodesprecio y la soledad, comenzando con una confesión impactante: "Son las 4 p.m. de un lunes y no puedo dejar de llorar". El álbum mantiene el uso característico de Rousay de sonidos encontrados y grabaciones de campo, pero los integra en una estructura más convencional de cantautor. Cuenta con colaboraciones de Mari Maurice en el volín y el violonchelo de Emily Wittbrodt, que aportan profundidad y textura (si es que de textura podríamos hablar). A pesar de su ritmo contenido, "sentiment" logra ser una obra conmovedora y original que demuestra cómo las técnicas vanguardistas pueden fusionarse exitosamente con el folk-pop melancólico para crear un retrato psicológico y emocional complejo.

17. Espanto - Rumores

"Rumores" es una obra conceptual que explora el poder de la palabra a través de un sonido electrónico de cámara cuidadosamente producido. El disco arranca con una introducción que incluye la voz de Ursula K. Le Guin y se desarrolla con canciones como "Estarán aparcando", "Estilo" y "El último rumor", mezclando influencias que van desde Kraftwerk hasta The Human League. El álbum combina humor y sátira social con momentos más emocionales y reflexivos en temas como "Filtros resonantes", "La voz" y "El temblor de las palabras". Destacan las colaboraciones vocales de Luis Bayo en tres temas ("¿Cómo fue?", "Lorito" y "El rumor del río") y la inclusión de elementos sonoros radiofónicos y cinematográficos. El disco mantiene un equilibrio entre la crítica social envuelta en humor y reflexiones más profundas, todo ello con un sonido que recuerda a cajas de música y texturas electrónicas cuidadosamente trabajadas, consolidándose como una obra madura que continúa la línea de calidad de su trabajo anterior "Cemento" (que estuvo también en mis discos favoritos de 2021).

16. Moin - You Never End

Moin ha logrado crear uno de los álbumes de guitarra más vanguardistas del año, reuniendo un impresionante elenco de colaboradores que incluye a Coby Sey, Sophie Al-Maria, james K y Olan Monk, cada uno aportando su distintiva voz al universo sonoro de la banda. Lo fascinante de este tercer trabajo es cómo el trío logra fusionar elementos del grunge, shoegaze y post-hardcore con una sensibilidad contemporánea única. La producción de Tom Halstead y Joe Andrews, junto a la polirrítmica batería de Valentina Magaletti, construye paisajes sonoros que son tanto nostálgicos como decididamente modernos. Temas como "We Know What Gives" con Coby Sey y las colaboraciones con Sophie Al-Maria en "Family Way" y "Lift You" destacan especialmente por su capacidad para entretejer voces espectrales con instrumentación atmosférica. Como si Shellac se asociara de repente con Unwound. Un disco maravilloso.

15. Grace Cummings - Ramona

Pitchfork dice que Grace Cummings entrega sus discos siempre con una teatralidad excesiva. Yo creo que están pendejos, principalmente, y que si la teatralidad les molesta, ¿cómo es que le ponen un 8 a un Justin Timberlake que se la pasa chillando como si estuviera en La Rosa de Guadalupe? La producción de Jonathan Wilson permite a Cummings desatar todo su potencial vocal, comparable con la potencia de Nina Simone y el alcance de Angel Olsen, especialmente en temas como "A Precious Thing" y "Something Going 'Round". Yo siempre he creído que Grace se ha pasado casi una década llevando la fuerza de Diamanda Galas al sonido del sur de Estados Unidos, entendiéndolo y potenciándolo siendo ella de Australia. La banda, liderada por Wilson y Drew Erickson, construye un marco sonoro grandioso con cuerdas y arpa, que no le pide nada a bandas como Wilco o The Handsome Family. Un gran disco de folk etéreo que haría temblar al otrora crooner de la oscuridad convertido ahora en padrecito católico insoportable que es Nick Cave.

14. Kim Gordon: The Collective

Una obra de una de mis artistas favoritas de todos los tiempos, que captura magistralmente la ansiedad y el caos de la vida moderna. En colaboración con el productor Justin Raisen (conocido por su trabajo con Charli XCX y Lil Yachty), Kim Gordon se aventura más allá de su característico estilo Sonic Youth para explorar territorios del trap y hip-hop alternativo, creando un paisaje sonoro perturbador y fascinante. El disco navega temas como el capitalismo, la política y la desinformación a través de una perspectiva no convencional, desde la hipnótica apertura de 'Bye Bye' hasta la intensidad claustrofóbica de los temas finales 'The Believers' y 'Dream Dollar'. Canciones como 'I Don't Miss My Mind' y 'Psychedelic Orgasm' ejemplifican la manera en que Gordon juega con la yuxtaposición entre ritmos post-industriales y una voz interior sin restricciones. Gordon, siempre desafiando convenciones, demuestra que a estas alturas de su carrera aún puede sorprender y evolucionar, entregando un trabajo que no solo refleja el caos contemporáneo, sino que lo abraza como parte integral de su propuesta artística.

13. Chat Pile - Cool World

"Cool World" representa una evolución significativa en el sonido de Chat Pile, donde el cuarteto de sludge-metal de Oklahoma City trasciende la urgencia local de su debut "God's Country" para abordar la violencia humana desde una perspectiva más universal. La banda expande su paleta sonora incorporando elementos de death metal, new wave gótico y grunge noventero, evocando el estilo de bandas como Oozing Wound, mientras mantiene su esencia perturbadora. Temas destacados como "Funny Man", con su fusión de no-wave e indie rock, y el díptico "Camcorder"/"Tape", demuestran una madurez compositiva que, aunque menos visceral que su trabajo anterior, revela nuevas dimensiones de su potencial creativo. Como reflexiona su vocalista Raygun Busch, el álbum reconoce que "el mundo está lleno de zonas deprimidas", transformando así las tragedias locales que antes documentaban (desde la crisis de opioides hasta la contaminación industrial que da nombre a la banda) en una exploración más amplia del sufrimiento humano universal.

12. Sofie Royer - Young-Girl Forever

Un álbum conceptual que explora brillantemente la eterna juventud y el consumismo moderno. La artista austriaca, un estuche de monerías (violinista clásica, DJ de Boiler Room, pintora y modelo), construye una obra más pulida que su anterior "Cult Survivor", fusionando autotune y sintetizadores elegantes con influencias que van desde el cabaret hasta el italo disco, pasando por Morricone, Todd Rundgren y Jane Birkin. El álbum destaca por temas como 'Young-Girl (Illusion)' y su versión de 'Sage comme une image' de Lio, creando un pop inteligente que examina la cultura de influencers y la banalidad de las redes sociales, mientras incorpora referencias cinematográficas de Rohmer y Bertolucci, todo ello reflejando sus raíces austro-iraníes y su experiencia internacional en una propuesta que logra ser tanto bailable como conceptualmente profunda. Un disco como una montaña nevada a la que sales a esquiar empapándote de 100 referencias en solo 12 tracks.

11. British Murder Boys - Active Agents & House Boys

British Murder Boys regresó con fuerza este año. Fue el primer disco que escuché con mis audífonos Audio Técnica recién salidos de sus estuche. Este dúo mantiene su sonido industrial pero con una paleta expandida, como demuestra el dub atmosférico de 'Killer I Said' y la evolución vocal de Regis, que ahora evoca más a Genesis P-Orridge que a sus anteriores influencias. El álbum rinde homenaje a la tradición de Throbbing Gristle, Whitehouse y especialmente Coil, fusionando electrónica siniestra, elementos ocultistas y humor negro con ritmos envolventes y feedback estridente. Según leí en The Guardian, Esta obra llega en un momento crítico para la escena nocturna británica, con el cierre del 13% de locales musicales y un tercio de los clubes nocturnos entre 2020-2023, posicionándose como un grito de guerra musical con temas como 'We Will Show You', que reivindica la importancia de la vida nocturna en un país que está perdiendo sus espacios de desmadre y cotorreo. Un disco para escuchar mientras se lava el coche.

10. Tyler The Creator - Chromakopia

La transformación artística de Tyler, The Creator alcanza nuevas dimensiones en "Chromakopia", un álbum conceptual que trasciende la mera colección de singles para ofrecer una experiencia inmersiva y cohesiva. Las canciones fluyen orgánicamente desde un poderoso mensaje maternal inicial hasta un himno final de autoaceptación, incorporando influencias sorprendentes del Zamrock setentero y colaboraciones brillantes con Childish Gambino, Willow y Lil Wayne. El disco profundiza en temas como la alienación de la fama ('NOID') y las complejidades familiares ('Like Him'), tejiendo una narrativa personal que demuestra la evolución del artista desde sus días como comediante-rapero hasta convertirse en un narrador maduro capaz de transformar sus experiencias vitales en una obra artística compleja y bella, que resuena especialmente con sus seguidores más fieles mientras mantiene la capacidad de atraer a nuevos oyentes.

09. Jane Weaver - Love in Constant Spectacle

Jane Weaver presenta Love In Constant Spectacle como una evolución natural de su trayectoria musical, pero con un giro más contemplativo y sobrio que contrasta con la exuberancia de sus álbumes anteriores Flock y Modern Kosmology. En esta nueva entrega, la artista incorpora instrumentos acústicos que complementan su característico estilo, manteniendo elementos distintivos como sus particulares patrones rítmicos que oscilan entre lo motorik y lo jazzístico. Sin abandonar su esencia, Weaver conserva su sello personal en el uso de sintetizadores y efectos de guitarra, tejiendo un álbum que, aunque más contenido, se integra perfectamente en la progresión artística que ha venido desarrollando en sus trabajos recientes. Soy super fan y seré super fan hasta el fin de mis días.

08. Dame Area - Toda la verdad sobre Dame Area

Dame Area, el dúo catalán formado por Silvia Konstance y Viktor Lux Crux, nace del legendario club Màgia Roja de Barcelona, un espacio DIY que fue fundamental en su formación musical. Con "Toda la Verdad sobre Dame Area", el dúo logra por primera vez capturar en estudio la energía bruta de sus presentaciones en vivo, contrastando con su trabajo anterior más melódico "Toda la mentira sobre Dame Area". El nuevo álbum presenta una combinación explosiva de percusión metálica en vivo, gritos, feedback y elementos post-industriales, donde la voz punketera de Konstance se fusiona con construcciones musicales dinámicas y una instrumentación minimalista pero efectiva. Temas como 'Striscia', 'Tú Me Hiciste Creer' y 'Si No Es Hoy Cuando Es' ejemplifican la capacidad del dúo para crear música confrontacional que, surgida tras el cierre del club en 2019 y la pandemia, mantiene vivo el espíritu del Màgia Roja a través de una intensa actividad que incluye cerca de doscientos conciertos y cinco álbumes en pocos años.

07. Christopher Owens - I Wanna Run Barefoot Through Your Hair

Christopher Owens, ex líder de Girls, regresa con "I Wanna Run Barefoot Through Your Hair" tras un período turbulento marcado por un grave accidente de motocicleta que desencadenó una serie de pérdidas personales devastadoras. El álbum, su trabajo en solitario más meticuloso hasta la fecha, refleja esta travesía vital a través de diez canciones que se extienden por una hora, donde su voz, ahora más profunda y áspera, navega por territorios que evocan el rock clásico de los 70s y el gospel, recordando a "Father, Son, Holy Ghost" de Girls. Con las guitarras de Derek Barber como acompañamiento destacado, el disco mantiene un tempo deliberadamente pausado y un tono más sombrío que sus trabajos anteriores, pero demuestra que la creatividad de Owens permanece intacta tras su resurgimiento personal, marcado por su matrimonio y nueva vida en Nueva York, sugiriendo un prometedor segundo acto en su carrera musical.

06. Astrid Sonne - Great Doubt

La artista danesa Astrid Sonne da un giro significativo en su tercer álbum, Great Doubt, transitando desde sus anteriores trabajos centrados en la electrónica ambiental y la viola hacia un formato más íntimo de cantautora, donde por primera vez incorpora letras directas y personales. El álbum se abre con un breve preludio de flauta y viola antes de sumergirnos en "Do you wanna", una canción que aborda sin rodeos preguntas existenciales sobre la maternidad y el futuro, marcando un contraste notable con su anterior reticencia a escribir letras. A través de canciones como "Give my all" y "Almost", la artista explora temas de amor, pérdida y ambivalencia, utilizando una combinación de programación de batería pausada, cuerdas melancólicas y una voz que transmite tanto anhelo como resignación, creando un álbum que destaca por su honestidad emocional y su minimalismo musical.

05. Mount Eerie - Night Palace

A lo largo de 26 pistas, Phil Elverum entreteje sus diversas facetas artísticas: la primera mitad del disco presenta algunas de sus composiciones más hermosas y contemplativas hasta la fecha, mientras que la segunda parte revela un lado más agresivo y políticamente consciente, influenciado por su colaboración con el dúo doom Ragana. Elverum logra fusionar elementos de black metal, rituales sonoros y narrativas personales, incluyendo la presencia de su hija Agathe y su pareja Indigo Free, creando una obra maestra que equilibra perfectamente lo íntimo con lo universal, y lo político con lo personal, resultando en un álbum sobrecogedor que marca un hito en su ya extraordinaria carrera.

04. MEMORIALS - Memorial Waterslides

Memorials, la colaboración entre Verity Susman (ex Electrelane) y Matthew Simms (Wire), materializa quince años de trabajo conjunto que cristalizó formalmente en 2022, presentando ahora "Memorial Waterslides", su primer álbum de estudio con Fire Records. Tras crear bandas sonoras para diversos artistas y girar con Stereolab, el dúo ha creado un trabajo más cohesivo y experimental que sus anteriores lanzamientos, navegando entre el psych, la electrónica temprana, el folk y el jazz, con influencias desde Sun Ra hasta Stereolab. El álbum, que recuerda a la estructura del "Low" de Bowie, se desarrolla desde la psicodelia inicial de 'Acceptable Experience' hasta el melancólico final de 'The Politics Of Whatever', explorando temas como la mortalidad y el paso del tiempo a través de arreglos que van desde el folk minimalista hasta explosiones de free jazz. Con temas destacados como 'Lamplighter', 'Cut It Like A Diamond' y 'I Have Been Alive', el dúo demuestra su habilidad para fusionar experimentación con sensibilidad pop, creando un álbum que, aunque teñido de melancolía, celebra la creatividad y el potencial de la banda.

03. Charli XCX: BRAT

No sé qué más escribir sobre este bólido oscuro de sensaciones que nos atropelló a la mayoría. El álbum anterior, Crash, transmitía una sensación de final al ser la última entrega de un largo contrato discográfico, presentando un sonido más pulido y comercial que marcaba un contraste con su trabajo anterior durante el confinamiento, How I'm Feeling Now. Sin embargo, dos años después, Brat, que marcó un hito en 2024 con su Brat summer, demuestra que cualquier duda sobre su relevancia era infundada. A pesar de entrar en sus treinta y ser una veterana en una industria obsesionada con la juventud, Charli ha regresado con mayor fuerza, abrazando su faceta más clubera y desenfrenada. Liberada aparentemente de presiones contractuales, aunque todavía bajo un sello importante, el álbum desprende una energía juvenil y demoledora, y un profundo entendimiento de la electrónica más brutal, como se evidencia en el fastuoso tema 'Symphony is a Knife', mi canción favorita de todo el disco, estableciendo el tono de una obra redonda que se aleja deliberadamente de la madurez convencional para abrazar una actitud más rebelde y liberada. Una obra maestra impecable a la que no le sobra ni un track.

02. Cindy Lee: Diamond Jubilee

Diamond Jubilee, el nuevo y extenso álbum de Cindy Lee (alter ego de Patrick Flegel), se presenta como una experiencia sonora única que abarca dos horas y 32 canciones, evocando la sensación de sintonizar una misteriosa estación de radio donde los géneros y las épocas se entremezclan de manera fantasmagórica. Flegel, anteriormente líder de la banda post-punk Women, ha creado bajo su personaje drag una obra maestra que fusiona la música de girl groups de los 60, rock clásico distorsionado, disco fragmentado y pop sintético nocturno, todo ello envuelto en una producción lo-fi deliberadamente nebulosa. El álbum, autoeditado sin campaña promocional y disponible solo a través de una web estilo Geocities o un video de YouTube de dos horas, demuestra un dominio excepcional de la composición clásica y la interpretación musical, aunque manteniéndose fieramente independiente de las convenciones de la industria musical moderna. Un cúmulo de emociones de una artista que logra hacer válida la paradoja de hacer perfecta la imperfección

01. Clairo: Charm

Desde que escuché "Sexy to someone" sabía que había algo mágico e indescifrable en Claire Cottrill del que sabría, más adelante, no podría escaparme jamás. Este nuevo disco se aleja deliberadamente de sus orígenes bedroom pop para adentrarse en un territorio sonoro más maduro, inspirado en el soft rock y soul de los 60s y 70s. Co-producido con Leon Michels, el álbum combina arreglos analógicos detallados con la voz susurrante característica de Cottrill, creando un sonido cálido que explora temas de conexión humana y encantamiento. Desde el single 'Juna' hasta temas psicodélicos como 'Echo' y 'Second Nature', Charm demuestra la habilidad de Cottrill, a sus 25 años, para reinventarse mientras rinde homenaje a la música soul, resultando en una obra que se siente tanto nostálgica como sorprendentemente actual. Mi disco más escuchado en 2024. Hermoso, único y perfecto.

Gracias por leer.

1. El director sabe muy bien su oficio: sabe vestir con imágenes perfectamente y es capaz de poner la cámara donde debe ser; entonces, ¿por qué no sabe contar una historia medianamente funcional?

2. Hay un gag en el que están involucrados 3 elementos que no esperas que estén involucrados nunca en una ficción: Santa Claus, orina y nitrógeno líquido.

3. La máscara de la "novia" del payasito Terrifier es verdaderamente espeluznante.

4. Hay un bombazo en el centro comercial que es activado por un niño.

5. Hay un socavón que conduce al infierno.

6. Le sobra una hora.

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Ahora, los discos que escuché esta semana y que creo te pueden gustar:

Chat Pile - Cool World

(The Flenser, 42 min. 10 tracks)

El nuevo álbum "Cool World" marca un giro significativo en la trayectoria de Chat Pile, expandiendo su horizonte musical y temático hacia territorios más amplios. La obra se aleja de la inmediatez y la urgencia de su predecesor para explorar la violencia humana desde una perspectiva más panorámica, incorporando elementos de death metal, new wave gótico y grunge de los 90, muy parecido al We Cater To Cowards de esa banda tan brutal llamada Oozing Wound. Temas como "Funny Man", con su fusión de no-wave e indie rock, o el díptico formado por "Camcorder" y "Tape", con su aproximación cinematográfica a la violencia, demuestran una madurez compositiva que, si bien puede resultar menos visceral para los amantes del ruido, revela nuevas facetas de su potencial creativo.

Este cuarteto de sludge-metal de Oklahoma City se había dado a conocer con "God's Country" (2022), un debut que examinaba con lupa las tragedias locales de las Llanuras del Sur, desde la adicción a los opioides hasta la contaminación industrial que da nombre a la banda -en referencia a los montículos tóxicos que dominan un pueblo minero abandonado de Oklahoma. Ahora, sin embargo, Chat Pile ha decidido ampliar su campo de visión, sugiriendo que las atrocidades que documentaron en su estado natal no son exclusivas de ningún lugar específico. Como señala su vocalista Raygun Busch para The Guardian: "El mundo está lleno de zonas deprimidas", una observación que refleja el nuevo enfoque universal de la banda sobre el sufrimiento humano.

Tyler The Creator - Chromakopia

(Columbia, 53 min. 14 tracks)

Mi acercamiento tardío a Tyler, más allá de su época inicial en Odd Future y "Yonkers", me ha permitido observar su evolución desde una perspectiva distinta. "Chromakopia" emerge como un álbum que trasciende sus inicios como comediante convertido en rapero, presentando un viaje sonoro que inicia con un poderoso mensaje maternal sobre la luz interior. Como "Chroma the Great", Tyler teje una narrativa donde las canciones se entrelazan orgánicamente, rechazando el formato actual de singles aislados para crear una verdadera experiencia inmersiva que rememora la intimidad de los vinilos clásicos. Una cultura muy ajena a mí, pero que seguramente, pega duro a un sector amplio de fans que siguen a Tyler incansablemente.

Esta nueva obra brilla por su exploración profunda de la identidad, reuniendo a un elenco estelar que incluye a Childish Gambino, Willow y Lil Wayne, quienes aportan matices únicos a la narrativa. Las letras van planchadas entre la introspección de 'NOID', que examina los efectos alienantes de la fama, y la vulnerabilidad de 'Like Him', que profundiza en las relaciones familiares. La inclusión sorpresiva de elementos del Zamrock setentero y su culminación en un himno de autoaceptación demuestran la madurez artística de Tyler y su habilidad para transformar el caos en belleza.

Kit Sebastian - Melodi

(Mr. Bongo, 37 min. 10 tracks)

Kit Sebastian, el dúo londinense formado por Merve Erdem y Kit Martin, ha logrado forjar una identidad musical única que fusiona elementos del funk noir cinematográfico con la psicodelia turca de los años 70. Su propuesta, que va más allá de la simple nostalgia, se distingue por crear atmósferas nocturnas y reflexivas donde la voz de Erdem navega con elegancia entre el inglés y el turco. La banda ha conseguido establecerse como un proyecto innovador que, si bien bebe de influencias como el legendario Barış Manço o la cantautora Şenay, logra transcender sus referencias para crear algo genuinamente propio.

Este, su segundo álbum, representa una evolución significativa respecto a su debut "Mantra Moderne”, al cual le entré con recelo porque la producción dista mucho de lo que ahora cocinan con mucha gracia y disciplina, permite que brillen especialmente las interpretaciones vocales de Erdem. El disco, aunque anclado firmemente en la psicodelia anatólica, experimenta con diversos elementos sonoros como vientos, pianos erosionados y ritmos hipnóticos que construyen un paisaje sonoro envolvente y trepidante. Sin embargo, esta adherencia estricta a su fórmula musical, aunque seductora, ocasionalmente limita su capacidad de sorpresa, algo que solo se rompe en momentos puntuales como el cierre jazzístico de "Please Don't Take This Badly", que sugiere horizontes aún por explorar.

Mount Eerie - Night Palace

(P.W. Elverum & Sun, 1hr. 21 min. 26 tracks)

Phil Elverum, uno de mis héroes personales favoritos y figura emblemática de la música independiente de Washington, ha evolucionado a través de múltiples encarnaciones artísticas, desde sus días como The Microphones hasta su actual proyecto Mount Eerie. Su trayectoria, marcada por transformaciones significativas y pérdidas personales, alcanza un nuevo hito con "Night Palace", un álbum monumental de 1 hora con 21 minutos que funciona como una síntesis de sus diversas personalidades musicales. En esta obra, Elverum reconcilia sus diferentes facetas: el poeta zen, el artesano del ambient y el experimentador sonoro, todo ello sin abandonar la honestidad brutal que ha caracterizado el corpus de su obra entera.

El álbum, que se extiende a lo largo de 26 pistas, representa una vuelta a la grandiosidad de sus primeras obras, pero con una madurez renovada. La primera mitad del disco despliega algunas de sus composiciones más hermosas hasta la fecha, desde la concisa belleza barroca de "Broom of Wind" hasta la contemplativa "I Walk". Esta sección del álbum mantiene un equilibrio delicado entre la experimentación sonora y la intimidad narrativa, permitiendo que ocasionalmente se filtre un humor sutil que enriquece su característico tono meditativo. Sonando, finalmente, como una Cindi Lee de sótano remoto.

La segunda parte del disco revela una faceta más agresiva y políticamente consciente, influenciada por su colaboración con el dúo doom Ragana. Aquí, Elverum aborda temas como la colonización y la propiedad privada con una intensidad renovada, mientras integra elementos de black metal y rituales sonoros. Lo más notable es cómo logra entrelazar estas preocupaciones sociales con narrativas personales, incluyendo la presencia de su hija Agathe y su pareja Indigo Free, creando un cama sonoro que es tanto íntimo como universal, tanto político como profundamente personal. El resultado es una obra que no solo representa un punto culminante en su carrera, sino también un documento de transformación personal y artística. Un 10 instantáneo que deja temblando a cualquier ser vivo con 10 gramos de corazón.

Hakushi Hasegawa - Mahōgakkō

(Brainfeeder, 34 min. 12 hipnóticos tracks)

Hakushi Hasegawa, la última incorporación al sello Brainfeeder, ha creado con "Mahōgakkō" una obra que desafía las expectativas convencionales de la música electrónica experimental. Su aproximación, comparable al arte japonés del kintsugi, consiste en unir fragmentos aparentemente inconexos -noise, polirritmos, jazz suave y J-pop- en un todo coherente y sorprendente. Después de años de misterio sobre su identidad, que llevó a especular si se trataba de un colectivo de artistas, Hasegawa emerge como un productor singular capaz de extraer orden del caos más absoluto, diferenciándose del hyperpop por su genuina sinceridad y entusiasmo, sin recurrir al cinismo o la ironía.

El álbum, que marca su debut en el sello de Flying Lotus, despliega un maximalismo (maximalismo premium) electrónico meticulosamente diseñado a lo largo de doce tracks. Temas como "Forbidden Thing (Kimmotsu)" y "Boy's Texture" destacan por su capacidad de fusionar elementos dispares -desde pianos programados a velocidades imposibles hasta beats agresivos- en estructuras musicales coherentes. Aunque algunos tracks pueden parecer interludios experimentales, la mayoría demuestra una extraordinaria habilidad para construir composiciones que, si bien rebosan de contenido, mantienen una lógica interna que refleja la complejidad de la experiencia humana, permitiendo que cada oyente establezca sus propias conexiones con el material, como si cada escucha fuera una pieza única de kintsugi.

También escuché y vale la pena que les des una oreja:

Joan as Police Woman - Lemons, Limes and Orchids

Underworld - Strawberry Hotel

Poppy - Negative Spaces

Pero en fin. Pedro Ferriz con su cabecita de plastilina que hubiera rodado por el polvo una y otra vez, no es relevante. Lo relevante aquí es:

Estos son los discos que escuché esta semana y te ruego pongas en tu Spotify ahora.

MEMORIALS - Memorial Waterslides

(Fire Records, 45 min. 10 tracks)

Memorials, la colaboración entre Verity Susman (ex Electrelane) y Matthew Simms (Wire), representa la culminación de quince años de trabajo conjunto que finalmente cristalizó como proyecto formal en 2022. Después de crear bandas sonoras para Louise Bourgeois, Sonia Gonzalez y Kevin Hegge, y realizar una gira con Stereolab, el dúo presenta "Memorial Waterslides", su primer álbum de estudio con Fire Records. Este trabajo se distingue de sus lanzamientos anteriores por ser más cohesivo y experimental, explorando territorios entre el psych, la electrónica temprana, el folk y el jazz, con influencias que van desde Sun Ra hasta Stereolab.

Como si del “Low” de Bowie se tratara, el álbum se dispara por su naturaleza intrincadamente construida, desde la apertura psicodélica de 'Acceptable Experience' hasta el melancólico cierre de 'The Politics Of Whatever'. A lo largo del disco, temas como la mortalidad y el paso del tiempo se entrelazan con arreglos musicales que van desde el folk minimalista ('Name Me') hasta explosiones de free jazz ('Memorial Waterslide II'). Canciones destacadas como 'Lamplighter', 'Cut It Like A Diamond' (mi favorita con todo ese halo a Stereolab) y 'I Have Been Alive' demuestran la capacidad del dúo para combinar experimentación con sensibilidad pop, creando un álbum que, aunque está impregnado de melancolía y añoranza, celebra la creatividad y demuestra el abundante potencial de la banda.

Seefeel - Everything Squared

(Warp, 26 min. 6 HERMOSOS tracks)

Seefeel, el proyecto de Mark Clifford y Sarah Peacock, regresa después de 13 años con "Everything Squared", un trabajo que desafía la etiqueta de "acto legacy" al presentar una evolución significativa en su sonido. Desde sus inicios en los 90 (yo los conocí hasta finales de los dos miles), cuando mezclaban elementos de shoegaze y electrónica sin encajar completamente en ninguno de estos géneros, la banda se ha caracterizado por su capacidad para reinventarse constantemente. Y reinventarse bien. Este nuevo mini-álbum mantiene esa tradición, presentándose como una obra igualmente hermosa y a la deriva en el tiempo y el espacio.

La producción del álbum marca una diferencia notable respecto a sus trabajos anteriores, con una nitidez sonora renovada que beneficia especialmente a las vocales de Peacock. Temas como "Sky Hooks" demuestran esta evolución, donde las voces procesadas se encuentran con acordes expansivos en un equilibrio perfecto, mientras que canciones como "Lose The Minus" y "End Of Here" exploran la melancolía a través de guitarras difusas y percusiones metálicas ahogadas. La influencia del dub sigue presente en su música, especialmente en temas como "Multifolds" y "Antiskeptic", aunque reinterpretada de manera abstracta y contemporánea.

El trabajo de Clifford y Peacock (con contribuciones de bajo de Shigeru Ishihara en dos temas) logra mantener el ambiente fantasmagórico característico de la banda mientras explora nuevos territorios sonoros. La claridad en la producción, junto con la atención meticulosa al detalle en cada sonido, resulta en lo que podría considerarse el mejor sonido que la banda ha logrado hasta ahora, creando un álbum que se conecta con la experimentación contemporánea del sound system que ellos mismos ayudaron a inspirar.

Sofie Royer - Young-Girl Forever

La gran sorpresa de mi año: Sofie Royer, una mujer del siglo XXX, explora la eterna juventud y el consumismo moderno en su nuevo álbum "Young-Girl Forever", inspirado en el texto anarquista francés "Preliminary Materials for the Theory of a Young-Girl" de Tiqqun. La artista austriaca, quien ha expresado sentirse "permanentemente atrapada en un proceso de maduración", utiliza esta sensación para crear un álbum que examina astutamente y con mucho filo, la cultura de influencers, la autenticidad y la banalidad aspiracional de las redes sociales. Como violinista clásica convertida en DJ de Boiler Room, artista, pintora y modelo, Royer incorpora múltiples formas de arte en su música, desde referencias cinematográficas de Rohmer y Bertolucci hasta una construcción artística de su propia imagen, similar al trabajo de Amalia Ulman.

El álbum apuesta por una evolución más pulida respecto a "Cult Survivor" (tremenda joya de la pandemia), incorporando autotune y líneas de sintetizador elegantes que logran un equilibrio entre lo eufórico y lo melancólico. La música abarca diversos géneros, desde el cabaret hasta el italo disco, con influencias de Morricone, Todd Rundgren, Jane Birkin y 10cc, reflejando sus raíces austro-iraníes y su vida internacional. Canciones imposibles como 'Young-Girl (Illusion)', con su energética batería electrónica, y versiones como 'Sage comme une image' de Lio, demuestran la capacidad de Royer para crear pop inteligente y divertido sin sacrificar la profundidad conceptual. El resultado es un triunfo que cumple con su objetivo de crear música más bailable y optimista, marcando una evolución significativa en su carrera artística.

Being Dead - Eels

El dúo de Austin formado por Falcon Bitch y Shmoofy nos azota en la cara "EELS", un álbum que comienza con una inesperada declaración de amor a Godzilla y continúa explorando territorios igualmente absurdos, humorísticos y conmovedores. A diferencia de su debut "When Horses Would Run" (2023), que se centraba en la mitología del Oeste americano, este nuevo trabajo ofrece una propuesta más suelta y pegajosa, donde cada canción de tres minutos tiene el poder de impactar emocionalmente como una primera calada de mota. La banda combina elementos de punk, kitsch vaquero y surf rock, destacando especialmente por el juego vocal entre sus dos miembros, quienes alternan partes graves y agudas en arreglos precisos aunque aparentemente descuidados.

"EELS" mantiene un sutil interés por lo sureño, aunque menos explícito que en su predecesor, y explora una inocencia irónica y camp a través de personajes jóvenes al borde de descubrir las dificultades de la edad adulta. Temas que me gustaron un montón como "Dragons II", "Big Bovine" y "Problems" (es perfecta, no le sobra y ni le falta nada) demuestran la capacidad del dúo para combinar narrativas aparentemente realistas con una cucharada de desmadre a sus fervientes interpretaciones. La banda demuestra un encanto irresistible y una habilidad al estilo Pavement para hablar con doble sentido, creando música que, a pesar de apuntar frecuentemente a la comedia, siempre, siempre logra tocar el corazón.

Marta Movidas - Martillo

(Sonido Muchacho S.L.U. 32 min. 10 tracks)

Marta Movidas emergió durante la pandemia como un proyecto musical que fusiona el pop japonés con elementos del pop electrónico contemporáneo. Después de su álbum debut 'Os castigaré' y el EP 'Yunque', presenta ahora 'Martillo', un trabajo que mantiene la influencia japonesa tanto en su música como en su estética visual, con ilustraciones de Elora Pautrac y Jaquelin Ruther inspiradas en la obra de Naoko Takeuchi. El álbum, mezclado por Masahiro Shinbo, incorpora una variedad de estilos musicales que incluyen punk, drum&bass, música disco y pop, creando una propuesta ecléctica y dinámica.

A lo largo de sus 32 minutos, 'Martillo' corre por diversas emociones y estilos musicales bajo la producción de Bearoid. Las canciones van entre momentos de desesperanza, como en 'Hay dos puertas con dos guardias a la entrada', y optimismo, bien aplicado (que hasta da risa) en 'Qué le digo a mis amigos'. El álbum culmina de manera sorprendente con 'Guadaña de iridio', una pieza que combina elementos de música tradicional española con producción contemporánea, creando un puente único entre lo clásico y lo moderno. La capirotada musical de este álbum refleja la formación de Marta España como periodista musical, quien incorpora referencias que van desde el electropop hasta la música folclórica española. Un disco imprescindible si te gusta a la par, como a mí, Fangoria y los openings de anime.

"Pongámoslo de esta manera, chicos: No necesitan escuchar una canción de Ministry para volverse políticos. Deberían ser políticos por sí mismos. Solo somos un proyecto paralelo a la sociedad. Simplemente haz lo que tienes que hacer, yo hago lo que me toca.”
— Al Jourgensen

Christopher Owens - I Wanna Run Barefoot Through Your Hair (True Panther, 50 min. 10 tracks)

Christopher Owens, el ex líder de Girls, atravesó un período extremadamente difícil después de 2015, cuando un accidente en motocicleta lo dejó postrado en cama y sin poder costear su atención médica. Esta situación desencadenó una serie de pérdidas devastadoras en su vida: su prometida, su trabajo, su apartamento, su mascota y su guitarra favorita. En su momento más bajo, intentó reunirse con su antiguo compañero de Girls, Chet "JR" White, pero las sesiones fueron realmente inproductivas y White falleció poco después a los 40 años. Afortunadamente, la vida de Owens dio un giro positivo al casarse con una nueva pareja y establecerse en Nueva York.

En "I Wanna Run Barefoot Through Your Hair", somos cómplices de su travesía por estos momentos difíciles, presentando su trabajo en solitario más cuidadoso y deliberado. El disco, que contiene 10 canciones distribuidas en aproximadamente una hora, muestra una evolución notable en su voz, ahora más profunda y áspera, resultado de sus experiencias personales. El álbum cuenta con las guitarras del gran Derek Barber y presenta un sonido que recuerda al rock clásico de los 70s y toques de gospel, reminiscente de "Father, Son, Holy Ghost" de Girls. A pesar de su tempo generalmente lento (muy lento y aletargado a veces) y un tono más sombrío comparado con sus trabajos anteriores, el disco demuestra que la chispa creativa de Owens sigue intacta, sugiriendo un prometedor segundo acto en su carrera musical. El revamp de un artista esencial para entender los dos mil dieces.

Dame Area - Toda la verdad sobre Dame Area ( Humo Internacional, 36 min. 9 tracks)

El dúo catalán Dame Area, formado por Silvia Konstance y Viktor Lux Crux, tiene sus raíces en el legendario club Màgia Roja de Barcelona, un espacio que transformó la vida de Konstance y definió la esencia musical del grupo. Este venue DIY fue fundamental para la formación de la banda: Lux Crux fue uno de sus fundadores y DJ residente, mientras que Konstance, originaria de un pequeño pueblo del norte de Italia, descubrió allí su pasión por la música experimental y ruidosa. Tras el cierre del club en 2019 y la pandemia, la banda emergió con una energía renovada, realizando cerca de doscientos conciertos en vivo y lanzando cinco álbumes completos en pocos años.

"Toda la Verdad sobre Dame Area" representa la primera vez que logran capturar en estudio la energía cruda de sus presentaciones en vivo. El disco, que contrasta con su trabajo anterior más melódico "Toda la mentira sobre Dame Area" (que también me voló la cabeza), presenta una combinación brutal de percusión metálica grabada en vivo, gritos, feedback y elementos post-industriales. La voz punketera y visceral de Konstance, junto con construcciones musicales dinámicas y una instrumentación minimalista pero efectiva, crean una experiencia sonora que mantiene vivo el espíritu del Màgia Roja. Temas destacados como 'Striscia', 'Tú Me Hiciste Creer' y 'Si No Es Hoy Cuando Es' demuestran la capacidad del dúo para crear música confrontacional y destructiva que, al mismo tiempo, transmite la determinación y camaradería de construir algo nuevo juntos.

Nihiloxica - Source of Denial (Crammed Discs, 39 min. 11 tracks)

Nihiloxica es una fusión extraordinaria entre el colectivo de percusión Bugandan Nilotika Cultural Ensemble y los músicos electrónicos británicos pq y Spooky-J, creando una amalgama musical única y brutal, en la intersección entre lo tradicional y lo experimental. Sin embargo, la banda ha enfrentado enormes desafíos, particularmente en lo relacionado con la movilidad internacional y los procesos de inmigración. En 2022, se vieron forzados a cancelar una gira completa en Inglatera debido a problemas con las visas, evidenciando las terribles barreras (monsergas diríamos acá) que enfrentan los músicos ugandeses que trabajan en proyectos globales.

Como respuesta a estas experiencias, la banda creó "Source of Denial", un álbum que desafía directamente los sistemas de inmigración británicos y globales. El disco, producido en la sede de Nyege Nyege en Kampala, combina una intensa fisicalidad en su interpretación musical con elementos innovadores, como voces de IA que recrean llamadas con centros de inmigración. El álbum incluye temas destacados como 'Asidi', que muestra la cohesión del grupo, 'Postloya', una épica con percusiones que hacen temblar las ventanas, y 'Banganga', centrada en polirritmos que no le piden nada a los maestros de Congotronics. La obra culmina con una mezcla de estática y tonos repetitivos que simulan la experiencia de estar en espera de una llamada telefónica, simbolizando las tácticas utilizadas para obstaculizar el intercambio cultural, aunque el mensaje final es esperanzador: a pesar de los obstáculos, el arte siempre encuentra su camino.

Dialect - Atlas of Green (RVGN Intl. 38 min. 12 tracks)

Cuando el disco acabó, yo pensé: “Vaya, creí que iba a ser puro ruido”. Pero la verdad es que Andrew PM Hunt, conocido por sus proyectos Ex-Easter Island Head, Outfit y Land Trance, ha hecho álbum que imagina un futuro arqueológico donde los fragmentos del pasado son reinterpretados para crear (lo que él considera y yo me tragué entero), la música del mañana. Esta obra representa una nueva dirección en su proyecto Dialect, alejándose de sus trabajos anteriores que exploraban la ansiedad ecológica y el terror existencial, para adentrarse en un futuro lejano donde un músico llamado Green reconstruye mitos y música a partir de los restos de nuestra sociedad olvidada. La inspiración proviene de obras como la novela "Always Coming Home" de Ursula K. Le Guin y los escritos del filósofo Federico Campagna, enfocándose en culturas post-tecnológicas y la preservación de la sociedad a través del tiempo.

El álbum se caracteriza por su fluida continuidad entre canciones, donde los límites son imperceptibles y las transiciones ocurren a través de mutaciones dentro de cada pieza. La música combina glitches digitales, silbidos y gorjeos de pájaros, creando una experiencia sonora única que mezcla elementos dispares como fragmentos de grabaciones de campo, líneas de bajo funk y melodías folk reimaginadas. Los temas que más me gustaron como 'New Sun', 'Spiral Cartography' y 'Green's Dream' demuestran la habilidad de Hunt para crear paisajes sonoros íntimos y hermosos, donde los detalles más pequeños tienen tanto peso como los collages expansivos. A pesar de su concepto grandioso, el álbum mantiene una cualidad íntima y atemporal, como un artefacto esperando ser redescubierto en las ruinas de nuestro mundo.

The Cure - Songs of A Lost World (Polydor, 49 min. 8 tracks)

El nuevo álbum de The Cure (una de mis bandas favoritas de toda la vida), se presenta como una obra atemporal que está profundamente marcada por el paso del tiempo. Robert Smith mantiene intacta su distintiva voz, ese tono entre sollozo telenovelero y caricia furtiva que ha caracterizado a la banda durante décadas, pero ahora la utiliza para explorar temas más maduros y políticos sobre la finalidad y la guerra. El álbum, que consta de solo ocho canciones (algo no visto desde "Pornography"), representa un alejamiento del sonido más pop que caracterizó a la banda en los 80 y 90, optando por un enfoque más contemplativo y atmosférico donde los teclados de Smith y O'Donnell tienen un protagonismo especial.

El álbum mantiene una diversidad dentro de su tono sombrío: desde la majestuosidad espaciosa de 'Alone' hasta la intensidad cíclica de 'Drone:Nodrone'. Las canciones que más más más me gustaron son 'Warsong', que demuestra la capacidad de la banda para canalizar la ira y la extremidad emocional, y 'I Can Never Say Goodbye', una conmovedora reflexión sobre la muerte del hermano de Smith. El álbum culmina con 'Endsong', una pieza de más de diez minutos que encapsula la grandeza sónica en ruinas. A pesar de su naturaleza melancólica y su enfoque en la finalidad, el disco logra mantenerse urgente y convincente, ofreciendo una nueva perspectiva en la extensa discografía de The Cure sin intentar recrear su sonido juvenil. Y eso enamora a cualquiera, creo. Creo.

También escuché y les recomiendo mucho:

Dawn Richard & Spencer Zahn - Quiet in a World Full of Noise

Midland - Fragments of Us

y

Pixey - Million Dollar Baby

"No tenemos un plan maestro, solo impulsos sobre los que actuamos. Nunca nos propusimos irritar pero sé que molestamos a la gente porque parecemos ser muy conocedores — simplemente porque por toda nuestra experiencia en el negocio, sabemos mucho más que un grupo de jóvenes de 19 años que son completamente instintivos e ingenuos"

— Bill Drummond.

Broadcast — Spell Blanket: Collected Demos 2006 - 2009 (Warp Records, 1h 4 min, 36 tracks)

La trayectoria de Broadcast se truncó de manera abrupta con la muerte inesperada de Trish Keenan, su líder y vocalista, quien falleció en 2011 debido a una neumonía causada por el virus AH1N1. Los que seguíamos su carrera sabíamos que Broadcast se caracterizaba por crear paisajes acústicos que evocaban a grupos como The Incredible String Band o The Fairport Convention. Y, extrañamente, combinaban lo mejor del Krautrock con la electrónica de Kruder and Dorfmeister. Tras cuatro discos impresionantes, el legado de Trish Keenan se ha consolidado como uno de los más preciados en el panorama de la música electrónica lo-fi británica. Este compilado, que incluye rarezas y demos de temas como "The Games You Play" y piezas de corte más robótico como "Petal Alphabet" y "I Want to Be Fine", quizás no sea el disco ideal para quienes buscan introducirse a la banda, pero sí es una ventana esencial a un capítulo significativo de la historia de la psicodelia electrónica, que quedó huérfana hace más de una década. Un material imprescindible.

Arab Strap — I’m Totally Fine With It Don’t Give a Fuck Anymore (Rock Action Records, 46 min, 12 tracks)

Nunca fui fan, pero siempre les tuve demasiado respeto cuando había que citarlos para lo que necesitara, y esto se traduce en la manera en que las bandas o artistas tratan temas como la sexualidad o las drogas, desde el punto de vista escocés. Pero me emociona lo que han logrado alcanzar en este álbum con un título tan rimbombante. Estamos ante un disco que habla sobre la vida moderna, la interconectividad y el atroz aburrimiento. Grandes temas como "Molehills" o la maravillosa "Strawberry Moon", con esta manera tan natural de utilizar bajos post-punk y drum machines baratas. Y finalmente, creo que me he dado cuenta de que mi problema había sido nunca clavarme en las letras. Y en eso, Aidan Moffat es un cabrón. 10/10.

Dehd — Poetry (Fat Possum, 41 min. 14 tracks)

El trío de Chicago conformado por Emily Kempf, Jason Balla y Eric McGrady, se han sacado un 10 con apenas 40 minutos de dream pop descarnado que sólo podría salir de la hechura de Fat Possum. Un disco en el que las guitarras son protagonistas con esta profunda nostalgia a lo mejor de K Records de los 90’s. 14 canciones sobre amor correspondido, amistades peligrosas, y la siempre latente imposibilidad de comprender al otro. Tenía muchos años de no escuchar temas pop tan buenos como “Shake” o la maravillosa “Light On” que me hizo mover la cabeza hasta que casi me da tortícolis. Un disco brutal para tiempos brutales.

Amen Dunes — Death Jokes (Sub Pop Records, 46 min, 14 tracks)

Cansado de los típicos discos sobre el apocalipsis, me encontré con uno bastante inusual: 46 minutos de travesuras al estilo Tom Waits con un toque distintivamente punk DIY, donde se autoproduce hasta el más mínimo detalle. Control absoluto. En su comunicado de prensa, Damon McMahon, el cerebro detrás de este proyecto, dice entender al hombre moderno: desea ser libre, pero teme romper las reglas; está terriblemente aburrido, aunque tiene un mundo de entretenimiento al alcance de su mano; pretenden hacernos creer que nos escuchan, pero en realidad nos empujan a destruirnos unos a otros. Así es *Death Jokes*. 14 pistas impresionantes que abordan temas como la policía, la gentrificación, el sueño americano y la urgencia palpable de que todo lo que existe debe ser verificado. Un 10 incómodo pero brutal.

También escuché y puede que les gusten:

Pale Saints — In Ribbons: Fundamental para todos aquellos amantes de la new wave noventera de la 4AD

Beth Gibbons — Lives Outgrown: Otro de esos discos inesperados; bien producido, grandes guitarras, más Cantenbury que Trip hop.

“Leías entrevistas con Siouxsie y te daba miedo: esa reina de hielo fría y austera. Siouxsie, Poly Styrene, Chrissie Hynde, Debbie Harry, The Slits, estas mujeres no eran fáciles de manejar. Lo importante era que ellas eran las compositoras, era su banda. Mientras que antes, lo más probable era que un hombre escribiera las canciones. A las mujeres no se les dio más poder, exigieron más poder. No se vestían para agradar a los hombres ni cantaban canciones sexualmente sugerentes. Contaban sus propias historias. Para mí, eso fue una de las rupturas importantes del pasado del punk.”
— Bobby Gillespie

Lo vamos a extrañar un montón.

Pero, aunque este triste episodio de un escritor tan importante pueda parecer relevante, en realidad no tiene importancia alguna aquí. Lo realmente importante, y por lo que estás leyendo este correo o este post, es para saber que...

Estos fueron los discos que más me emocionaron de esta semana que acaba de pasar:

Mannequin Pussy — I Got Heaven (Epitaph, 30 min. 2024)

Con una portada así, todo puede pasar. Fue lo primero que pensé cuando apareció este disco en mi Discovery de Spotify. Una tremenda pandilla de chicas de Pensilvania con cuatro discos en su alacena, enojadas, hipermotivadas, hartas, brutalmente honestas, y con un sonido que me recuerda al In-Utero de Nirvana y muchas veces también al primer Pixies. Descarnado, veloz, y a la vez suave y sensible. Cuando tienen la oportunidad de bajar la rabia, giran 360 grados a un sonido más Hole en canciones como “Nothing like” y “Sometimes”, pero cuando se lo proponen, y se saben que lo suyo es el terrorismo Cro-Mags, se sacan temas increíbles como “Ok? Ok! Ok? Ok!” (cantada estupendamente por el bajista Colins Regisford) y “Aching”, una de las canciones más sinceras sobre el orgasmo que he escuchado en años. Un álbum de una intensidad y salvajismo de montaña rusa.

Cindy Lee — Diamond Jubilee (Realistik Studios, 152 min. 2024)

Dos horas 32 minutos de viaje. Una misión apoteósica. Un catálogo que conectara con las nuevas generaciones cuando asomen su cabeza al exterior luego de escuchar el Velvet Underground and Nico. Una galería interminable de sencillos tan poderosos que evocan múltiples sensaciones, pero están creados con instrumentos tan rudimentarios que harían sonrojar a todo el sello K Records. Como heredero del indie lo-fi y del Tom Waits de la época post Island Years, "Diamond Jubilee" de Cindy Lee sirve como vitrina de lo que el rock estadounidense ha estado gestando en la sombra durante las últimas dos décadas. Suena, como ya mencioné, a una amalgama de influencias que van desde Tom Waits, Mount Eerie, y The Frogs, hasta Phoebe Bridgers, Sharon Van Etten y Townes Van Zandt. Una torch song por cada track tus hijos te dio.

Tyla — Tyla (FAX Records, 38 min. 2024)

Un amigo me pasó una playlist de amapiano hace un par de meses y en ella había un remix de “Water” el primer single grande de Tyla Laura Seethal, mejor conocida como Tyla, artista de 22 años de Johannesburgo. Quizá el único comentario valido esta obra cumbre me atropelló sin aguava y no me dejó ver ni de reojo las placas. Un álbum impecable que lleva este género africano al terreno del R&B, conectando más con la primera Rihanna y la Solange de Tyler The Creator. Es frío, refinado, misterioso, increíblemente electrónico y a la vez tan acústico a la primera escucha, que a menudo uno no sabe si están manipulando máquinas o si es realmente un quinteto de jazz improvisando en un rincón. Junto a “Water” la preceden grandes temas como “Butterflies”, “On and On”, y “Priorities” donde Tyla, con su voz envolvente e hipnótica, narra historias sobre honestidad, amor correspondido y reacción ante el dolor de los demás. Estoy completamente enganchado.

The Fat White Family — Forgiveness is yours (Domino Recording, 40 min. 2024)

Los verdaderos emperadores del “no podrían nunca tomarnos en serio ni aunque les pagásemos” han regresado después de un descanso espiritual de varios años que en el camino casi los deja sin integrantes. Ya sin el co-fundador Saul Adamczewski y el tecladista Nathan Saoudi, su frontman Lias Saoudi, se las ha ingeniado casi en soledad para elaborar un álbum en el que la locura, el desenfreno, la sátira y la poligamia son la rueda que mueve (desde su perspectiva de excesos), el mundo post-brexit. Desde la genial “Bullet of dignity” con sus arreglos de sítar falsos y su funk electrónico, hasta su sencillo “Work”, una de las más grandes payasadas modernas en tono de parodia a The Weeknd, los oriundos de Londres son deleznables, expertos en hacer de la neurosis una canción, y ultra cancelables por definición. Forgiveness is yours es ese gran disco que necesitabas pero que en realidad no sabías que necesitabas.

Bullion — Affection (Ghostly International, 40 min. 2024)

A la primera escucha, el álbum del artista de Londres, Nathan Jenkins mejor conocido como Bullion, pareciera no tener un gancho por su perfeccionismo casi enfermo en cada uno de los tracks y su estructura banal new age de pop dos milero. Lo que lo vuelve sumamente valioso y atractivo, al final, es esta sensación de éxtasis en conceptos inamovibles para cada tema: no hay conflicto, no hay historias, no hay aventura; todas y cada una de las canciones dibujan un paisaje propio que parece sacado de un sueño. La familia, los sacrificios, la amistad, el trabajo árduo, todas ideas que, volviendo al primer punto, en una primera escucha confuden. Es un disco perfecto que que invita a volver a escucharlo una y otra vez. Hay temas con Carly Rae Jepsen (la increíble Rare) y el tema abridor con Panda Bear (la brutal A city’s never). Un caso de uso para cualquiera que quiera entrarle a la electrónica y salir completamente limpio. ¿Será un estoico que lee a Marco Aurelio?

También escuché y están bien buenos:

Iron Maiden — Somewhere in time (Uno que nunca escuché de niño y que me sorprendió mucho, temas como “Wasted Years” me impresionaron)

Six Organs of Admittance — Time is glass (Regresó la guitarra de ultratumba con todo y moraleja)

"La habitación del hombre moderno es austera, pero en su simplicidad irradia riqueza y sofisticación. Solo hay una cama o colchón y un iPad. Ninguno de los accesorios de antaño que indicaban inteligencia, interés artístico o curiosidad por el mundo son evidentes."
— Ian Svenonius

Pero Severo y su conversión al thrash no es relevante, lo relevante es…

Estos fueron los álbumes que más más más me gustaron esta semana que acaba de pasar:

Nia Archives — Silence is Loud (A HIJINXX, 2024, 35 min.)

Pocos artistas han logrado mezclar el espíritu caótico del clubbing de los 90 con historias emocionales y confesionales anecdóticas para triunfar a lo grande en plataformas como TikTok e Instagram. La nativa de Leeds, Nia Archives, de 24 años, autodenominada revivalista del jungle, aprovecha la mejor herencia del Garage UK y el breakcore (Goldie, Origin Unknown o Photek) para crear una máquina de baile imparable, que la vincula con coterráneas igualmente impresionantes como Pink Pantheress o Sherelle. En temas como “Unfinished Business” y “Forbidden Feeling”, los picos culminantes del disco, logra fusionar grandes líneas de bajo y bases techno en formas de baile nostálgicas que rozan incluso el bossa nova (“F.A.M.I.L.Y.”) y el pop sueco de los dos miles (“Blind Devotion”). Una artista que, al igual que te hace bailar, te transporta de la mano a momentos del MTV nocturno de 1994.

St. Vincent — All Born Screaming (Total Pleasure Records, 2024, 41 min.)

Aunque Pitchfork no le haya dado la calificación perfecta, este álbum merece un diez. Lo que Annie Clark ha logrado aquí es simplemente extraordinario. Y eso que lo digo como alguien que apenas conoce su carrera. Annie Clark, hasta donde sé, ha llevado un nivel de bateo desde 2007 impecable, figurando como una artista excepcional y una guitarrista fenomenal. En "All Born Screaming", el álbum que Annie Clark produce por sí misma, encontramos homenajes destacados a PJ Harvey en temas como "Reckless" (mi favorito) y "Broken Man", así como momentos brutalmente impredecibles como "Flea" (uno de los puntos altos del álbum) y "Big Time Nothing". Este disco no solo es una joya, sino que también sirve como una ventana natural hacia la mente tanto violenta como romántica de una de las artistas más importantes del siglo XXI. Un viaje que merece la pena emprender para cualquiera que desee explorar las profundidades de la creatividad musical contemporánea.

Grandaddy — Blu Wav (Dangerbird Records, 2024, 44 min)

Con Grandaddy, a principios de los años 2000, comprendí que había artistas capaces de utilizar la parodia para fusionar y reconciliar escenas musicales dispares en su propio nicho. En este caso, la tecnología espacial de actos como el de Alan Parsons y la americana más auténtica de Gram Parsons. Ambos Parsons, ¿quién lo habría pensado? Con álbumes como "The Sophtware Slump" y "Sumday", los nativos de Modesto, California, cultivaron una base de seguidores que ahora se reconoce como Ambient Americana. En "Blue Wav", Jason Lytle y su banda no solo logran impregnar toda su melancolía y las historias de ciencia ficción campestre, sino que lo hacen a través de 13 tracks que exploran tópicos como los trenes, la soledad, la familia, la tecnología obsoleta y el futuro incierto. Si logramos sobrevivir a pistas como "You're gonna be fine and I'm going to hell", estaremos en la siguiente página de esa novela distópica que solo ellos han logrado escribir.

English Teacher — This Could Be Texas (An Island Records, 2024, 50 min.)

Conocí a English Teacher hace apenas dos años, cuando los vi en un clip de Jools Holland, en donde se les presentaba como la nueva sensación británica. Desde entonces, su evolución ha sido notable, y en "This Could Be Texas", Lily Fontaine y su banda consolidan su posición como uno de los actos más emocionantes del panorama musical actual. En estos 50 minutos de música, fusionan lo mejor del indie prog rock, el post-punk y la indietrónica de finales de los dos miles, creando pasajes cargados de elementos oscuros y reflexivos. Temas como "The Best Tears of Your Life" encapsulan la esencia de la vida cotidiana de las nuevas generaciones, explorando temas como las luchas familiares, las crisis económicas y los desafíos de salud mental de una manera brutal y conmovedora. English Teacher se alinea más con sus contemporáneos Black Country New Road que con las bandas indie clásicas, y esto se refleja en la profundidad y relevancia de su narrativa. Un álbum que destaca tanto por su simplicidad como por la amplitud de su mensaje.

También escuché pero ya no me dio tiempo de abundar en ello:

Nemzzz — Do not Disturb (GRIME brutal desde Manchester)

Chico Blanco — Forever 21 Vol.2 (De Granada, España. Una amalgama de géneros que van del hip hop al house)

Pearl Jam — Dark Matter (Ya instalados en la creencia de que están viejos, un disco increíble que suena duro, bien producido, y con grandes guitarras).

Adiós,

cuídense.

"El pop siempre ha sido lo suficientemente vacío como para que la gente proyecte sus propias experiencias en él, y eso es lo que hace que sea tan universal."

- John Lydon