Ma però! … Non si dice? Vero!

ma però allora nemmeno Sinone è un personaggio dell’Odissea e tantomeno dell’Iliade, se mai dell’Eneide, e che con Ulisse mai ci parlò. Quindi licenza poetica per licenza poetica…

Ed è questo il punto: di licenze, il buon Christopher, se ne è prese davvero tante per la realizzazione di questo film. E non le sto certo ad elencare tutte. Lo stanno già facendo in tutte le recensioni e in ogni blog che si rispetti. E a dirla tutta non è certo la prima volta che un regista o uno sceneggiatore si prendano licenze anche ampie riguardo la storia da cui traggono la loro opera. E nemmeno è un delitto.

Certo poi un conto è la licenza, un conto è la trasfigurazione di qualcosa che in tutti noi è ampiamente sedimentata fin da bambini. Quindi:

È giusto togliere la scena nella quale Ulisse dice a Polifemo di chiamarsi Nessuno?

È giusto eliminare il personaggio di Nausicaa come se non fosse mai esistito? E di conseguenza i Feaci e il loro Re Alcinoo, che del resto è colui che fornisce a Ulisse le navi per il rientro a Itaca; non proprio uno qualunque?

È giusto che Agamennone non dica mai una parola e assomigli a Batman un attimo prima di dire: “Sono Batman!”?

Ce ne sarebbero ancora altre. Non mi dilungo.

A me personalmente sarebbe bastato che Nolan avesse scritto all’inizio o alla fine del film: “liberamente tratto dal poema epico Odissea”. A quel punto poteva fare qualsiasi cosa evitando le critiche che lo circondano.

Ma alla fine noi andiamo al cinema per poi per forza criticare ogni aspetto di ciò che vediamo? Sì anche, però come più volte detto su questa rubrica noi dobbiamo alzarci a luci accese ponendoci la semplice domanda: mi sono divertito? Mi sono commosso? Ho passato due o tre ore piacevoli? Ho speso bene i miei soldi?

Allora la mia risposta all’Odissea di Nolan è certamente sì. Mi sono divertito, mi sono commosso, ho passato tre ore piacevoli e credo di aver speso bene i miei soldi.

Perché nel momento in cui ci si abbandona a una cinematografia così imponente, così spettacolare, maneggiata con maestria tecnica di altissimo livello e una recitazione che, al netto di un certo americanismo di maniera a volte un po’ accentuato, è comunque efficace e in alcuni casi anche ben scavata da regista e attori. Tutte superstar hollywoodiane ci mancherebbe e abbastanza ben scelte. A me personalmente su tutti John Leguizamo nel ruolo di Eumeo. Poco centrata, invece, la scelta di Lupita Nyong’o per il personaggio di Elena, non tanto per la scelta della sua etnia, che anzi è piuttosto originale, ma perché la sua presenza e rappresentazione sono veramente poca cosa, e quel poco frammentato da un dialogo del tutto improvvisato e banale.

Alcune scene sono indimenticabili: Circe che trasforma gli uomini in maiali, tra l’altro senza nessun utilizzo di CGI ma realizzate con un fantastico trucco prostetico; altre, ad esempio quella dei Lestrigoni che sembrano i robot guardiani di Battlestar Galactica, abbastanza ridicole.

Qui non si danno voti: si accendono le luci, e una luce si accenda su un prodotto comunque grandioso e che ci ha permesso di ripassare e farci rivivere con palpitazione, anche se in forma non precisa, una delle opere intellettuali più importanti della storia dell’umanità.

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Tu che quando eravamo solo poco più che bambini ci hai fatto credere davvero che incontrare gli alieni sarebbe stato possibile un giorno e soprattutto facile: bastava suonare quelle meravigliose 5 note (Re, Mi, Do, Do, Sol, rispettivamente con la seconda nota un’ottava sotto) che significavano Ciao e loro ci avrebbero risposto Ciao, e poi via tutti assieme su quella bellissima astronave luminosa. Certo, poi hai voluto rendere tutto un po’ fiabesco regalandoci la saga del mostriciattolo dai grandi occhioni che telefonava a casa … ok non ci ha creduto nessuno; però che magia avevi fatto, che film, che classe, che attori. Quarantaquattro anni suonati dopo invece hai deciso di rovinare tutto; primo: con un film visivamente bruttino, secondo: con attori che recitano veramente male, terzo: con una cgi che sconfina nel ridicolo e quarto, peggio di tutto, una sceneggiatura che traballa ovunque, infarcita di moralismi stantii, cripto messaggi pseudo religiosi e alieni che sì, sono in grado di viaggiare nel tempo e nello spazio attraverso gli anni luce per venire sulla terra per fare cosa non si sa, ma poi si fanno arrestare, recludere e torturare dagli umani come un qualunque povero esule terrestre. I buoni son buonissimi e i cattivi cattivissimi, e questo si sa, è Spielberg, ma affidare al paciosissimo Colin Firth (il meraviglioso premio oscar per il Discorso del re e molto altro ancora) il ruolo di super villain quando è perfettamente chiaro che non ci crede lui per primo manco per un solo fotogramma, è cattiveria pura, questa sì, sincera.

La povera Emily Blunt ce la mette tutta, ma proprio tutta, a spalancare occhi e bocca correndo come una matta al fianco di un semisconosciuto Josh O’Connor, il secondo dopo Blunt scelto sulla terra dai benedetti alieni per comunicare con loro, attraverso un linguaggio che sembra il grugnito che facciamo quando ci va di traverso un tozzo di pane. Bastavano le famose 5 note, non sarebbe stato tutto più elegante?

Non vado oltre ma la scena con i fintissimi cervi e bamby annessi che si avvicinano alle finestre di una casa non si sa se minacciosi o speranzosi avrebbe funzionato meglio se fossero entrati con orsi polari al seguito per gustarsi una coca cola. Non ve la spiego la scena o il resto o il finale del film perché dovete andate a vederlo, e voi direte perché dovremmo andare a vederlo dopo quello che hai scritto? Perché dai, qualche scena fatta bene in fondo c’è, qualche struggimento lo comunica, un minimo di climax si instaura.

Ma soprattutto va visto così come tra poco si deve comprare il disco in uscita dei Rolling Stones: perché come Spielberg anche loro hanno 80 anni o giù di lì e anche se né loro né lui sono più gli stessi di una volta, è innegabile che abbiano contribuito a cambiare in maniera sostanziale la cultura musicale e cinematografica degli ultimi 50 anni. Meritano a prescindere e a scatola chiusa il nostro massimo rispetto e quel quasi niente che costa vedere ed ascoltare le loro opere recenti.

Ci ha provato, legato come era a una sceneggiatura edulcorata, a restituirci l’umana visione dell’extraterrestre che da quel pianeta veniva. Ci ha provato e in parte anche riuscito, ma in fondo i suoi ultimi film son stati la trilogia di The Equalizer, e lì si trattava di far menare tutti da Denzel Washington (in pensione in tutti i sensi) senza che ci fosse chissà quale rimando psicanalitico. Ma Michael? Si poteva affrontare MJ alla leggera? Si poteva edulcorare tutto facendo del prodotto una sorta di fiaba/musical e stare tutti senza pensier godendoci due ore di puro godimento scenico e musicale senza troppo chiederci: ma quella cosa lì perché non l’hanno detta, quell’altra perché non l’hanno fatta? Si poteva fare, eccome, e così è stato, con buona pace di Janet Jackson che dal progetto si è totalmente defilata e che nel film non solo non appare ma manco viene citata. Ma qui andremmo per le lunghe e non è esiziale. Ciò che mi preme è invece parlare di Jafaar Jackson, che è letteralmente fenomenale e che sembra a tratti venire anche lui da un mondo alieno. Il figlio di Jermaine, quarto figlio di Joseph Jackson e bassista dei Five, riesce nella non semplice impresa di calarsi nei panni dello zio supremo con una naturalezza che non si spiega solo con la genetica e infatti si spiega anche con un durissimo lavoro durato qualche anno, su fisico, voce, postura, canto e tutto quanto serviva per non sedersi al cinema e dire ma questo chi è? È Michael non c’è dubbio, e una volta stabilito ciò, tutto può funzionare, sempre a patto che ci si voglia scordare quanto prima detto. L’apparizione di JJ è tuttavia anticipata per almeno mezzora dal racconto di MJ bambino, delle botte prese dal padre padrone ma soprattutto del suo incredibile precoce talento che lo porterà ben prima della maggiore età a divenire una star, preparazione del divenire una leggenda. E qui, però, il bambino Michele non lo interpreta Jaffar e nemmeno la cgi, bensì un certo Juliano Valdi, anni 11, americano, di professione piccolo fenomeno. Anche JV ha imparato a cantare e ballare esattamente come Michael di cui a differenza di Jaffar non sapeva naturalmente nulla ma è riuscito nell’impresa di una immedesimazione persino commovente. Su tutte la scena nella quale convince di quale pasta sia fatto il futuro MJ il capo della Motown, Barry Gordy, il quale ad occhi umidi lo ringrazia e capisce che da quel momento il mondo del mercato discografico mondiale sarebbe cambiato per sempre.

Menzione speciale per Colman Domingo nella parte di papà Jackson: Se mai una sola volta nella vita avete pensato di mandare a quel paese un padre, beh dopo Colman/Jospeh il vostro al ricordo vi sembrerà un santo!

Andate al cinema sedetevi e non pensate ad altro che ascoltare e guardare, vi divertirete. E quando arriverà il momento della ricostruzione del video di Thriller, a chiunque avesse avuto nel 1982 almeno 12 anni, sarà un momento da non riuscire a stare fermi in poltrona!

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Qualcuno davvero si sarebbe mai immaginato che George il re della Jungla, (forse uno dei più brutti film della storia) con il suo sguardo allucinato - che Rick O’Connel e il suo ciuffo impenitente a caccia di una Mummia (idem con bende) avrebbero un giorno vinto un oscar e interpretato in questi giorni il protagonista di uno dei filmetti più indovinati dell’anno? Ebbene sì. Ma per arrivarci, Brendan Fraser, ha dovuto trasformarsi da uno dei fisici più perfetti di Hollywood in quello di un “balena”, che guarda caso è proprio il titolo del film e il ruolo con il quale il mega mascellone canadese, ormai 57enne, si è portato a casa la statuetta dorata. The Whale - questo il titolo -, recuperatelo e scoprirete come un attore di quasi serie B sia riuscito nella straordinaria impresa di diventarne uno di piena eccellenza e soprattutto sconvolgendo il suo aspetto fisico. Ma anche, e soprattutto, imparando a recitare davvero.

Noi, come annunciato, parleremo invece di Rental Family - Nelle vite degli altri, ancora in sala a Brescia. In questo film intenso, Brendan Fraser interpreta un attore americano a Tokyo che fatica a dare un senso alla propria vita finché non trova un impiego insolito come interprete di falsi amici e parenti presso un’agenzia giapponese di “famiglie in affitto”. A mano a mano che interagisce con il mondo dei suoi clienti, inizia a stringere legami veri, riscoprendo il fine ultimo e la bellezza autentica dei rapporti umani. E questa è l’estrema sintesi. Trovate la trama ovunque e non faremo spoiler. Quello che vorrei invece sottolineare è, a parte naturalmente elogiare Brendanone, che pure qui si porta in giro un 150 chiletti circa, la grazia con la quale Hikari (aka Mitsuyo Miyazaki), una regista giapponese in forte ascesa, ha messo in scena un film che tocca diverse corde. Ironia, dramma, un pizzico di sentimentalismo, tagli di regia piuttosto riusciti e, oltre al citato e bravissimo Fraser, anche un contorno di attori e attrici nipponici a noi pressoché sconosciuti ma davvero molto bravi. E poi il finale. Si apre il dibattito, se andate a vederlo fatemi sapere la vostra interpretazione. Io ci sto ancora pensando su, mentre molte luci si accendono in sala per questo bel regalo dal sol levante.

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Per chi scrive naturalmente, ma lo sarà per molti. Che il nome del titolo si scriva con la n o con la l alla quarta lettera (così come ci dice l’esergo del film) poco importa. Questa è la storia di una famiglia, delle sue gioie (tante) e del suo dolore (immenso).

E se il dolore di una madre per la perdita di un figlio non trova posto in nessuna scala di misura forse solo una donna allora poteva raccontarlo. Anzi due, in questo caso. Maggie o’Farrell, scrittrice irlandese che dell’Hamnet letterario é l’autrice e la cinese naturalizzata americana Chloé Zhao, il premio Oscar alla regia nel 2021 per Nomaland. La potenza dei loro linguaggi si è sommata per dare vita a un capolavoro che, tuttavia, non sarebbe stato tale se una terza donna non avesse tradotto il tutto attraverso una recitazione incredibilmente ispirata. La (ancora per poco) non notissima attrice irlandese Jesse Buckley non solo ci riesce, ma regala una interpretazione tra le migliori di sempre. Ha già vinto molti primi, tra cui il Golden Globe, l’oscar glielo stanno praticamente già mettendo fuori dalla porta di casa.

C’è anche un padre, un marito. Un altro attore irlandese, altrettanto magistrale. E se poi consideriamo che deve interpretare il ruolo di William Shakespeare in procinto di scrivere l’Amleto, beh… chapeau! Anzi, hats off, direbbe lui. Sì, perché è di questo che parla il film: della famiglia Shakespeare. Dell’inizio di un amore, della creazione di un nucleo familiare e, infine, di un lutto. Ma allo stesso tempo anche della genesi di una delle opere teatrali più importanti di sempre. Siamo qui al cospetto di due capolavori in uno: mai come questa volta riusciamo davvero a capire cosa animasse quel genio incomparabile.

Non dirò di più. Non per il rischio di fare spoiler, ma perché gli ultimi venti minuti di questo film meritano solo di essere visti. Non commentati, né prima né dopo, ma lasciati scorrere nella nostra anima, come fossero le acque dell’Avon.

Luce in sala ringrazia:

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Voglio iniziare questa recensione partendo da Anna Ferzetti, la splendida interprete di Dorotea De Sancits, figlia di Mariano, l’immaginario (ma non troppo) presidente della Repubblica italiana nell’ultima (bellissima) fatica di Paolo Sorrentino. Quante volte si sarà sentita fischiare le orecchie per via del fatto di essere, prima ancor che una brava attrice, la moglie di Pierfrancesco Favino? Molte, anche da parte mia. Il tutto aggravato dal fatto di essere anche figlia di Gabriele Ferzetti, attore e volto assai noto soprattutto alle nostre mamme e nonne. Ma questa volta Anna la scena se la prende tutta da sola e nulla ha da invidiare alle più note gigionesche performance del marito; con una interpretazione tutta in sottrazione, come il ruolo del resto le richiede, ma anche commovente e a tratti dura, semplicissima e complessa insieme. Diretta da uno che farebbe recitare bene anche una capra, la Ferzetti ci regala un ruolo e una donna indimenticabili. Certo, recitare al fianco di sua ‘mostruosità’ Toni Servillo aiuta, non c’è dubbio, e i due insieme gareggiano in bravura. Il rapporto padre/figlia si lega e si confonde con quello di presidente/assistente, i due civettano, litigano, si sopportano a volte a stento ma sono indispensabili l’uno all’atra, entrambi segnati dalla scomparsa della donna della loro vita, Aurora, l’amata e apparentemente fedifraga moglie di Mariano. La trama è semplice, quasi banale, un presidente entrato nel semestre bianco è alle prese con il dilemma delle firme da apporre alla bozza di una proposta di legge sull’eutanasia e le possibili concessioni della grazia da accordare a due condannati per omicidio Precisamente, un uomo che ha ucciso la moglie affetta da patologia neurodegenerativa e una donna che ha ucciso il marito violento nel sonno. Ma può mai esserci qualcosa di banale in un film di Sorrentino? No, mai. Per quanto il film sembra avere un incedere lento, non c’è inquadratura che non invogli a vedere immediatamente la successiva, fosse anche solo una boccata dopo l’altra della unica sigaretta concessa dalla severa figlia al padre e che quest’ultimo fuma sulla terrazza del Quirinale sempre in compagnia di un corazziere apparentemente anonimo e che invece presto si rivela una sorta di consigliere filosofo. Non mancano altre figure di contorno tutte centrate e godibili e tra queste su tutte il ministro della giustizia, interpretato da? Non lo dico e mi rivolgo agli amici di sempre: dovrete riconoscerlo (non è facilissimo) e riportarlo nel film che forse più di ogni altro abbiamo amato (e citato) in gioventù. Non andate quindi ad autospoileravi ma godetevelo assieme ad uno dei più bei film del ‘nostro’ grandissimo partenopeo internazionale!

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Ma ce lo si gode il film, e ci rinfresca la memoria storica, che non guasta mai. Certo, sappiamo tutto del periodo e del processo, ma questa volta ci viene proposto mettendo in risalto il rapporto tra lo psicologo militare Douglas Kelley (Malek) e il nazistone Hermann Göring (Russel Crowe) del quale il doc deve stabilire la sanità mentale e allo stesso tempo fornire lo spunto accusatorio decisivo al giudice Robert H. Jackson (Michael Shannon). E il duetto è imperdibile. Entrambi perfetti nel ruolo. Malek (sempre difficile separarlo da Freddy Mercury almeno per i primi 10 minuti) sgrana gli occhi ipertrofici come mai prima quando si trova al cospetto del male incarnato e negazionista del ciccione in divisa (così lo definisce lui a un certo punto per farlo un po’ incazzare) e se, per buona parte della storia, sembra anche rimanerne affascinato, dopo aver visto gli orrori dei campi nel filmato proposto in udienza capisce invece di trovarsi di fronte al male assoluto, a il re dei manipolatori e a un uomo privo di qualsiasi desiderio di redenzione. Magistrale la scena nella quale i due si confrontano; Kelley incredulo e frustrato di fronte alla ennesima posizione di negazionismo e Göring trincerato dietro a una improbabile e patetica giustificazione: l’ho fatto per la patria. Il regista qui indugia sui primi piani dei due: Malek mostra occhi e denti da animale ferito, Crowe, immenso in corporatura ed espressività, trasmette il gelo della malvagità, rendendoci scomoda la poltroncina. Bravi, che dire. Oscar probabile, almeno a uno dei due.

Molto in ruolo anche i personaggi di contorno, il già citato e tormentato procuratore generale Jackson/Shannon al quale corre in aiuto nel momento di maggior difficoltà processuale un ispirato Richard E. Grant, superbo caratterista inglese, qui nel ruolo di procuratore aggiunto. A fare da spalla a Malek il giovane e talentuoso Leo Woodall, nel ruolo del traduttore per lo psicologo (Guardatelo nella ottima serie Prime Target) e, anche se in ruoli minori, centrate le parti di John Slattery, il direttore del carcere, e di Colin Hanks, psicologo aggiunto e antipatico nonché figlio di cotanto padre, Tom.

Accendiamo le luci, consci che non si tratta di un docu film e nemmeno di un capolavoro, ma due ore in compagnia grandi professionisti della pellicola!

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Il film e il titolo sono tratti dall’autobiografia cruda e inquietante di Antonio Zagari killer di spicco e uomo d’onore. Uno dei rari documenti di prima mano sulla ’ndrangheta: perché rari sono i fuoriusciti che hanno raccontato questo mondo, che da fenomeno di criminalità locale è oggi diventato la più potente mafia del mondo. Zagari ha poco più di vent’anni quando ci viene presentato e dopo aver ucciso, rapinato, rapito, finisce in galera a metà anni ‘70. Qui incontra un desiderio mai provato prima: scrivere. Scrive di se stesso, del fratello Enzo, della propria famiglia calabrese trapiantata in Lombardia, soprattutto nel Varesotto, dai primi ‘50, della ferocia del padre che lo inchioda a un modo di vivere ineludibile, segnato nel destino di chi nasce in un determinato contesto, quello della ‘ndrangheta.

Ma come sempre con la trama ci fermiamo qui, il film è in sala pronto per essere bevuto in due ore che volano. Così come ‘volano’ alte le interpretazioni citate e su cui ci soffermiamo. Iniziamo con Gabriel Montesi, decisamente in rampa di lancio, dopo tanti anni da ottimo caratterista, (indimenticabili le interpretazioni in Favolacce dei fratelli d’Innocenzo e in Siccità di Virzì). Romano, molto romano, ma che per la parte del protagonista si esprime con un mix di varesotto e calabrese perfetti e persino suadenti, incorniciando il tutto con baffoni alla Abatantuono e capelli alla Caparezza; capace di alternare ai tratti dello spietato assassino quelli di un marito e padre di famiglia dolce e innamorato. Difficile non parteggiare, non immedesimarsi pur sapendo di essere di fronte a un criminale vero, anche se pervaso dal dubbio.

Cosa che invece non viene per niente naturale fare con suo padre Giacomo, che Vinicio Marchioni rende insopportabile, spietato, cattivo dentro e fuori. Ricordate il suo spietato Freddo in Romazo criminale? Ecco, l’interpretazione di Vinicio lo ricorda molto anche se in questo caso aggiunge un calabrese stretto e ineccepibile che in alcuni momenti del film viene persino sottolineato. In ogni sua scena trasmette inquietudine, malessere, senso di pericolo, soprattutto quando al suo fianco recita Papaleo, capo n’drina, a sua volta inquietante e straordinario, in un ruolo da villain che gli è desueto ma che perfettamente gli riesce. I due, assieme, si potenziano, e aggiungono alla storia una drammaticità realistica e inusuale, all’interno di un film che non si fa mancare anche qualche momento leggero, e qualche sentimentalismo. Ad un cast di protagonisti in stato di grazia si aggiungono quelle dell’ottima Selene Caramazza, fidanzata e poi moglie di Antonio, (assolutamente da rivedere nella serie italiana Bad Guy al fianco di Luigi Lo Cascio) e di Andrea Fuorto, il fratello minore Enzo, dapprima giovane scanzonato e ingenuo e alla fine affiliato ed eroinomane, ma sempre profondamente amato da Antonio, all’interno di un rapporto che da fraterno si tramuta in paterno, a sostituzione di quello che per entrambi è inesistente ed intollerabile. Un volto e un talento, quello del giovane abruzzese, da tenere d’occhio.

Dunque accendiamo le luci? Direi quasi tutte, se non fosse per qualche ‘splatterismo’ di troppo, ma del resto pressoché inevitabile in un racconto di questo genere.

Cari amici, oggi, Luce in Sala è lieta di ospitare, con grande piacere e affetto, l’intervento dell’amica Chiara Lancini sul film ‘Le città di pianura di Francesco Sossai’. Buon divertimento!

Due amici maturi, consolidati e complici, si destreggiano vagando nella periferia veneta alla ricerca dell’ultimo bicchiere da condividere.

Pare che non arrivi mai il momento di salutarsi e di abbandonare l’idea di cercare il goccetto di fine giornata/serata. La sete, metafora del desiderio/bisogno di stare insieme, non rispetta la teoria economica dell’Utilità Marginale: non c’è alcuna volontà di metter la parola fine al piacere di stare in compagnia . Le situazioni si susseguono e il domani non presenta mai un conto da pagare, anzi già il conto è stato pagato in passato, in termini di disillusione personale e sociale.

Il tutto è vissuto con grande ilarità ed autoironia, offuscato da una buona dose di tasso alcolico.  Carlo e Dorian non vogliono staccare la spina, restano aggrappati all’evasione alcoolica: vivono il protrarsi della situazione ebbra, procrastinando il domani. Cercano il senso della vita, eppure  l’avevano trovato ma,  fra un bicchiere ed una confidenza, un ricordo e una visione nostalgica, un brindisi e una nuova teoria “filosofica” abbozzata e ripensata … non ricordano più il punto di arrivo.

Ad un certo punto in modo del tutto casuale, coinvolgono Giulio, un giovane studente che riesce ad apprezzare con timidezza e ritrosia iniziale, la vita malsana e confusa dei due amici, restando sorprendentemente invischiato ed ammaliato da un gatto&volpe senza cattiveria e malizia.

Quel viaggio intrapreso senza meta precisa, a tratti deprimente, attraverso luoghi squallidi, è supportato dalla curiosità del ragazzo di scoprire sia storie passate dei maturi compagni di viaggio, sia dall’incognita delle ore a venire. Si crea una connessione fra loro tre, con uno vicendevole scambio di conoscenze e una solidarietà mai giudicante. Ho apprezzato musica ed  immagini (non da rivista patinata o da spot pubblicitario), ed empatizzato con i protagonisti, attori spontanei e naturali. A volte basta un incontro per cambiare prospettiva e prendere coraggio per affrontare la vita quotidiana. Il film è così credibile realistico e coinvolgente che mi sono svegliata con un cerchio alla testa!

Eh sì, mi chiedo, nella lingua dei protagonisti … ma perché la potenza immaginifica di un regista del calibro di GuillermonE del Toro si è dovuta piegare alle logiche commerciali dell’onnipotente Netflix (per avere i soldi per produrre il film, vabbè) e trasformare l’opera della tradizione gotica che più profondamente è penetrata nell’immaginario collettivo mondiale trasformandola in un ‘fiabone’ fumettistico e di richiamo pseudomarvelliano? L’ involuzione ‘del Toro’ era già iniziata con il deludente “La forma dell’acqua”. Ma con questo film di un Frankenstein che amerebbe riprodursi, il messicano sembra definitivamente in preda ad un attacco di climaterio virile. Perché solo così si può spiegare un simile scempio dell’originale e la totale mancanza di senso del ridicolo. La storia di Frankenstein è già abbastanza chiara di per sé. Il mostro non ha bisogno di sembrare uno zombi cucito male per far passare i temi di isolamento e alienazione. E poi diciamola tutta: il ragazzone che lo interpreta, il quotatissimo Jacob Elordi, è talmente bello di suo che non si riesce ad imbruttirlo in nessun modo, soprattutto quando si confronta con il suo creatore, alto mezzo metro di meno (anche nella realtà),

interpretato da un volonteroso Oscar Isaac (sudamericano di origine proprio come il suo regista) ma che con un barone di un cantone della svizzera tedesca dell’ottocento c’entra come i gradi della magistrale scena di apertura al polo nord: zero. Lo vogliamo paragonare che so al Victor Frankenstein di Peter Cushing in ‘La vendetta di Frankenstein’ del 1958 per dirne uno?

Non contento di aver fatto del mostro di sua genialità Mary Shelly un modello dell’alta moda (persino gli stracci gli stanno bene addosso (del resto Jacob viene da quel mondo lì) decide di affidare l’unico ruolo femminile a tal Mia Gypsy Mello da Silva Goth detta brevemente Mia Goth (e anch’essa sudamericana per metà) forse attirato dal cognome in tema ma altrettanto forse non adattissima al ruolo.

Fa niente. A salvare ogni regista in difficoltà oggi come oggi ci pensa sempre e solo lui!: il geniale Christoph Waltz (appena visto in Dracula) nel ruolo del mecenate Henrich Harlander, e finalmente un interprete che, nelle zone in cui si svolge la storia, almeno ci è nato. A mio parere potevano far fare a lui tutti e tre i ruoli principali che tanto con l’abbondanza di cgi usata dal Guglielmo nel film sarebbe venuto piuttosto bene.

Ci sono anche dei pregi?

Certo, certo. Le scene al polo nord, con la nave danese bloccata nel ghiaccio e assediata dal mostro in cerca del suo papà sono accattivanti e permeate di maestria fotografica e la seconda parte del film, quella raccontata dal punto di vista della creatura, è dotata di un certo lirismo e impreziosita dall’interpretazione di David Bradley, eccezionale caratterista britannico qui vecchio, cieco, filosofo e maestro del mostro ma noto ai più per l’interpretazione di Argus Gazza, il custode di Howgarts nella saga potteriana.

Si può vedere?

Certo, certo, era meglio farlo al cinema, ma visto che ormai un sessanta/sessantacinque pollici in salotto non se lo fa mancare nessuno direi che anche l’esperienza televisiva può rendere omaggio quantomeno a una scenografia magari più fiabesca che gotica ma sicuramente immaginifica e potente.

Vi lascio con la parafrasi di una battuta di Igor/Wilder in Frankenstein Junior recentemente visto e commentata al Cineforum Luzzago di Brescia:

“Quando la sorte ti è contraria e mancato ti è il successo, smetti di far castelli in aria e va a piangere sul …Netflix”

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Comunque, nonostante i problemi veri e presunti di Matilda al microfono e un paio di battute di Besson (in inglese) ma di gusto parigino la cosa funziona abbastanza. E così dopo un selfie di gruppo con tutta la sala che alza le braccia al cielo i due si dileguano tra le tenebre per lasciare la scena a colui che delle tenebre è il signore: il Conte Dracula.

Che dire del film? Che si fa decisamente vedere ma certamente non è catalogabile nel genere horror, thriller, suspense o similia e questo già lo denuncia il titolo completo: Dracula-l’amore perduto. Quindi letteralmente una storiona d’amore in salsa gotica e colma di licenze poetiche ma che in fondo non è lontana dall’idea originaria di Bram Stoker che appunto d’amore (se pur dark) voleva parlare con il suo straordinario romanzo del 1897. Quindi la trama dai, la conosciamo tutti. Se mai l’accento va spostato sull’ottima interpretazione di Caleb Landry Jones (lo ricorderete volare fuori dalla finestra del suo ufficio in Tre manifesti a Ebbing Missouri di Martin McDonagh) il cui volto, forse tra i più originali del panorama hollywoodiano, è perfetto per la parte, persino quando è sepolto dal trucco prospettico nelle fasi di invecchiamento. Trucco, sguardi movenze e recitazione che rimandano decisamente al Dracula di Gary Oldman, nell’insuperato film di Francis Ford Coppola. Ma Caleb non è solo sulla scena. Oltre alla già citata De Angelis, vampira sexy e decisamente adhd, l’altro personaggio femminile, la dolce Mina, è ben interpretato da Zoey Bleu, il cui nome varrebbe già un oscar, ma non è d’arte bensì di battesimo. Di cognome fa Sidel ma quella famosa è la mamma, Patricia Arquette. Il ruolo dell’ammazzavampiri è invece donato da Besson a Christoph Waltz, ormai richiestissimo ovunque, qui un po’ sottotono e spettinato, ma vabbè, quando si prende la scena il colonnello Hans Landa la riempie di par suo. Fotografia di gran livello (memorabile nella scena della cavalcata sul campo di neve disseminato di tagliole), costumi altrettanto e anche un’ottima colonna sonora. Besson poi ci mette il suo, e non si fa mancare nulla, ridondando, reinventando a modo suo e cospargendo qua e là la sceneggiatura (che ha scritto) di nemmeno troppo sottesa ironia di fondo.

Quindi inaugurerei con questo post l’abitudine di dare ai film di cui parliamo una votazione che esprimeremo in luci di sala. Per il Dracula di Besson mi spingo ad accenderne tre su cinque perché in fondo a colui che ci ha regalato il Quinto elemento una luce in più di stima e di rispetto non si può non dare!

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Bel film, belle persone, bell’ambiente. Un ‘fantastico’ modo di passare la fine di un week end autunnale parlando di cose di cinema. Nei post a venire verrà riportato il materiale utilizzato per la serata con qualche approfondimento in più.

“Non andartene docile in quella buona notte,
vecchiaia dovrebbe ardere e infierire quando cade il giorno;
infuria, infuria contro il morire della luce.”

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