Quando eu decidi que terminaria meus dias como profissional do audiovisual, eu sabia que não seria fácil. Era maio de 2021, pandemia ainda no auge, fui demitido do emprego de assessor parlamentar de um gabinete na Câmara Municipal de São Paulo (tenho uma filha para criar, não julguem). Acordei no dia seguinte, sentei na beirada da cama, olhei pra janela e pensei: “bom, e agora?”.

Me dei conta de que não procurava emprego desde 2005 e não sabia bem por onde começar. Não existiam mais os classificados de emprego dos jornais. Eu já sabia que agências online tipo Catho não funcionavam. Fui até o LinkedIn, que eu não usava desde que fiz o cadastro na plataforma, e vi que tinha virado uma rede social. Fiquei confuso, nervoso, tenso. Afinal de contas, por onde eu começaria?

Passaram-se mais uns dias e então eu decidi arriscar: vou tentar seguir carreira solo. Nenhum papo de “empreendedorismo”. Fiz um raciocínio lógico: dificilmente naquele contexto (e talvez em qualquer outro) eu conseguiria um emprego decente. Não dava para saber se o mundo realmente seria melhor depois que passássemos por tudo aquilo (agora sabemos que piorou). Como eu tinha que sobreviver, resolvi começar tentando pela única coisa que eu sabia fazer: fotografar.

Eu já fazia bicos como fotógrafo desde 2012 em eventos que caíam no final de semana ou em algum horário à noite que não conflitasse com meu emprego. E tinha alguns poucos clientes. Foram as primeiras portas que eu tive coragem de bater e mandar um “oi, agora eu estou começando meu negócio de fotografia. Se precisar, me chame”. Tive uma resposta super positiva. De cara, o Edu Agni, dono da Mergo, escola de UX com quem eu já vinha fazendo alguns trabalhos desde 2018, marcou uma sessão de retratos. Foi meu primeiro sim. Na semana seguinte, já com meu CNPJ aberto, a Damn Gang, grupo de corrida de rua, me chamou para fotografar um evento da Nike, ainda controlado e com poucas pessoas e distanciamento. Em outubro fechei contrato com o Google em um dos projetos mais incríveis em que eu já trabalhei e que eu vou contar em outubro, quando essa história vai completar 5 anos.

Naquele cenário onde praticamente ninguém da minha área estava trabalhando, eu pensei: “opa, acho que vai dar certo”. Afinal de contas, quem começa fechando contratos com a Nike e o Google com menos de 6 meses de vida de CNPJ? Veio 2022, o mundo começou a voltar ao normal e os trabalhos foram aumentando. Estava voando solo, com dificuldade, mas estava voando. Os trabalhos estavam aparecendo e logo eu estava sobrevivendo por conta própria. Decidi não pensar muito e só seguir o fluxo. Os pedidos de orçamento só aumentavam. E realmente foi dando certo.

E então chegamos a janeiro de 2026. De cara aconteceu algo que pareceu um mau presságio. Cheguei da viagem de final de ano e, assim que liguei o celular, tinha um áudio de um cliente. Pensei: “boa, pedido de orçamento já na primeira semana do ano”. Dei play e ele, aos gritos, me cobrava por um trabalho que eu havia feito 3 meses antes, por coincidência, no dia do meu aniversário. Gelei. Pensei: “será que eu esqueci de entregar?”. Nesse ponto, a meditação me ajudou. Em minutos me concentrei, fui racional e me organizei. Abri meu e-mail, conversas de WhatsApp e me tranquilizei: eu havia, sim, entregue o trabalho no dia seguinte à realização do evento. O erro havia sido interno na empresa dele. Respondi explicando com calma que eu havia feito a entrega, enviei prints com as comprovações e datas, mas talvez para não admitir que havia errado e exagerado na cobrança, ele demorou alguns dias para dizer que “o caso estava encerrado”. Semanas depois, ele me pediu um orçamento. Eu agradeci e disse gentilmente que não me sentia mais confortável em trabalhar com ele. E que preferia não indicar outro profissional.

Eu não sabia, mas eu já estava vivendo o pior primeiro semestre do meu CNPJ. Janeiro terminou com zero trabalho realizado. Fevereiro: carnaval, novamente zero pedidos de orçamento. Em março, um trabalho realizado que eu havia fechado em dezembro de 2025. Em abril, acontece uma grande feira de negócios em que, nos 3 anos anteriores, eu atendi o cliente por um excelente orçamento. Esse ano eles não me procuraram. Em maio, dois trabalhos, sendo que um deles foi o meu primeiro fracasso em que eu fui 100% responsável, e que eu também vou contar em uma edição futura dessa newsletter, porque aprendi muito sobre mim nessa experiência. Junho, zero trabalhos.

Nesse ponto você já pode imaginar que eu estava desesperado. Sim, eu estava. A ponto de, pela primeira vez nesses cinco anos de voo solo, eu pensar seriamente em desistir “desse negócio de ficar tirando foto”. Eu tenho uma filha de 14 anos e um financiamento de imóvel. Aqui vale dizer: tenho um cliente fixo, a ECLOG, que foi justamente o meu cinto de segurança em meio a essa turbulência fortíssima que eu estava vivendo. Não fosse por eles, inclusive pelo exemplo, porque eles também viveram uma reviravolta muito pior do que a minha, eu realmente teria quebrado. Jamais esquecerei tudo o que eles fizeram (e fazem) por mim.

E então chegamos a julho. Tudo muito difícil. A meditação já dando sinais de que não daria conta por muito mais tempo. Futuro incerto e (muito) nebuloso pela frente. E então, do nada, chega o primeiro pedido de orçamento. E outro. E mais outro. E mais outro. E um projeto gigante. E quem já tinha fechado entra em contato e pede mais um orçamento grande e já aprova sem discussão. Todos os outros são aprovados com praticamente nenhum pedido de ajuste. Em duas semanas minha agenda para agosto e setembro fica praticamente lotada. O sétimo mês do ano termina comigo já em ritmo de correria, a ponto de eu sequer ter tempo de vir ao Substack pela primeira vez em quase dois anos.

Se eu sei o que houve no primeiro semestre? Não, eu não sei. Conversando com outros colegas da minha e de outras áreas, ouço histórias parecidas e uma justificativa unânime: “ano de Copa é sempre assim”. Parece fazer sentido. Porque o primeiro pedido de orçamento chegou justamente na segunda-feira pós-final da Copa do Mundo. Pode ter sido. Fico na dúvida porque a natureza dos trabalhos em que estou envolvido agora não me parece que foram represados no primeiro semestre e liberados agora. A maioria são eventos que estavam marcados para esse período do ano.

Eu sei que não devo acreditar em pensamento mágico e, no mundo profissional, é melhor ter os pés no chão e ser o mais racional possível. Mas a única imagem que me vem à cabeça é de uma turbulência. Me lembro perfeitamente do calor dos primeiros dias de verão em dezembro de 2025, do céu azul e do ano seguinte promissor que eu acreditava que teria depois do que estava terminando e havia sido muito bom. E então, o ano vira, e ainda com o “céu de brigadeiro”, o avião começa a chacoalhar forte, sobe e desce abruptamente. Ser humano que sou, até fico tenso e preocupado. Mas, como comandante dessa aeronave, recupero a confiança e sigo voando o avião ciente de que turbulência não derruba avião.

Essa metáfora é também uma pequena homenagem ao Lito Souza, do canal Aviões e Músicas no YouTube, que neste momento está passando pela maior turbulência de sua vida. Que dê tudo certo pra ele.

A próxima edição vai demorar (um pouco)

Eu tenho alguns textos de gaveta para ser publicados. Mas como faz algum tempo que escrevi, prefiro reler porque com certeza eu já não sou mais aquela pessoa. Por isso não vou colocar tudo em programação automática para publicar.

Digo isso porque entre os dias 4 e 13 de setembro eu estarei responsável pela cobertura audiovisual do estande da Espanha na Bienal do Livro. Esse é o trabalho grande que me referi no texto principal. Serão dias muito corridos e minha dedicação será exclusiva, logo, ainda vou ficar um tempo longe do Notes e também sem publicar por aqui.

Se for visitar a Bienal, dê uma passadinha no estande espanhol e diga alô. Ou olá¡

Antes do fim

Não poderia deixar de falar do quanto eu fiquei feliz por ter sido listado na edição sobre fotografia da newsletter oficial do Substack Brasil, a . Ainda deu tempo de compartilhar no Notes, mas eu não sei se eu consegui dizer o quanto eu fiquei feliz quando vi que estava na lista. Inclusive esse acontecimento entrou no contexto da saída do período turbulento e também foi um sinal de que finalmente os dias mais complicados estavam passando.

Fico feliz quando alguém fala do meu trabalho e das coisas que eu faço. Ainda mais no Substack, que é a plataforma que eu escolhi como a minha principal rede social. Sim, eu ainda uso o Instagram, mas de forma muito mecânica, pré-programada e com auxílio de um robô que criei no ChatGPT (um dia eu conto melhor sobre isso).

Num período em que as coisas ainda estavam começando a clarear, foi bom demais poder comemorar o destaque. Sim, eu comemorei muito. Fico feliz quando alguém fala/escreve sobre o meu trabalho. É um impulso e um incentivo enorme. Sem contar que se trata da publicação oficial da plataforma. E escrita pela Gaía Passarelli, primeira pessoa que eu vi falar sobre a plataforma ainda no falecido Twitter e me fez vir pra cá.

E aqui já deixo meu obrigado à e a todas e todos vocês que seguem assinando essa newsletter.

Radar

Radar: Substack para quem é da foto

Essa é a quarta edição da Radar, uma ronda quinzenal pelas caixas de entrada, feeds, Notes e arredores do Substack Brasil. Meu nome é Gaía e sou a diretora local de parcerias da plataforma — além de escrever newsletter por aqui há mais de cinco anos…

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a month ago · 66 likes · 6 comments · Gaía @ Substack

Aviso: O ChatGPT foi utilizado para fazer a revisão ortográfica, preservando a estrutura, o ritmo, as repetições e a oralidade do texto dessa newsletter. Foram corrigidos erros de pontuação e alguns pontos gramaticais em que a frase estava incorreta ou havia um erro de digitação.

Então aproveitei a energia que o livro me deu e tomei coragem de encerrar essas séries que estavam paradas. Disse para mim mesmo que não valia a pena continuar “só pra terminar”. No fundo, no fundo, eu estava procurando uma desculpa para fazer um “grand finale” de algo que eu mesmo deixei morrer.

Tomada a decisão, aceitei o fim, agradeci pelos aprendizados, virei a página e comecei a escrever as duas séries fotográficas às quais vou dedicar alguns bons anos.

Uma série sobre uma cidade

A primeira se chama “Um paulistano em Uruguaiana”. Já estive três vezes naquela cidade em 2025 e vou voltar mais duas vezes esse ano. E devo continuar voltando nos anos que virão. Das minhas primeiras idas, eu fiz uma curadoria e separei mais de 100 fotos e vídeos. Algumas dessas imagens eu já postei no Notes e outras fizeram parte da edição dessa newsletter em que me dediquei a falar sobre o tema da fotografia de viagem. O objetivo final da série é produzir uma exposição na praça da cidade com essas imagens de como um “forasteiro” que mora em uma cidade a mais de 1.000 km de distância enxerga a cidade. Esse projeto será baseado em compartilhamento de fotos nas redes sociais, especialmente Facebook (tem uso muito forte na cidade) e Instagram. Os perfis já estão abertos e as postagens começam nos próximos dias.

Uma das minhas referências é o texto “Luz Invisível” escrito por Luis Fernando Veríssimo para o livro de Marcio Scavone, o meu mestre na fotografia. No primeiro workshop que ele fez em seu estúdio, passou o vídeo a seguir para assistirmos. Fiquei totalmente atraído por ele e já revi milhares de vezes ao som da narração de Paulo Autran. Contando a história de um misterioso fotografo que chega em uma cidade se oferecendo para fazer retratos das pessoas.

E por proximidade, uma outra série que o Marcio fez na Serra Gaúcha para o livro “Laços de Família: Etnias do Brasil” que ele mostrou nesse mesmo workshop sempre povoou meu imaginário como fotografo. De alguma forma isso ficou registrado em mim e esse trabalho também inspira essa série.

211

A segunda série, na verdade, é um projeto editorial chamado “211”, em que eu trabalho fotos, minidocs em vídeo e ensaios em texto como observador do movimento de corrida de rua. A bem da verdade, ele deriva de uma série de fotografias que fiz em 2018 e 2019, quando documentei a cena das “running crews” paulistanas. A ideia agora é aprofundar a minha investigação pelo viés sociocultural através de imagens. Ou seja: não se trata de mais um perfil que fala de tênis, dá dicas de corrida, etc. A minha proposta é mostrar o que acontece por fora do esporte, o que pensam alguns personagens que nunca são vistos, mostrar o que as pessoas não enxergam (ou não querem enxergar) nesse movimento. Esse projeto, sim, será baseado em uma newsletter aqui no Substack, que começará a ser publicada nessa semana. E, caso você queira conhecer mais, assine aqui.

A outra razão para a criação da 211 é a uberização da fotografia de corrida de rua. Com o crescimento do número de participantes nas corridas de rua, cresceu também o número de pessoas que aderiram a plataformas como Fotop e Foco Radical, que nasceram para intermediar a compra e venda de fotos nesses eventos, mas acabaram se tornando a Uber e a 99 da fotografia, levando à desvalorização da mão de obra e ao desaparecimento quase que completo da qualidade do trabalho entregue. Logo, atletas que procuravam fotógrafos como eu e alguns colegas, que se dedicavam a documentar esse esporte, optam hoje por pagar R$ 5,00 por uma foto mal feita por uma pessoa que está ali apenas para apertar um botão.

Mas as coisas mudam e é isso. Sigo por outro caminho sem deixar de fazer o que gosto. E estou feliz com as decisões que tomei. Estou trabalhando bastante para que ambos os projetos deem certo. Deixo aqui meu convite para que você, que gosta do que eu faço, acompanhe também essas minhas novas empreitadas.

Ah, e essa newsletter continuará sempre ativa. Assim como o Notes.

Obrigado e até a próxima.

Observação: esse texto foi revisado ortograficamente pelo ChatGPT, mantendo a íntegra do que escrevi, sem mudança de estilo ou ajustes de fluidez do texto.

“A grande arte pode vir da mesmice e da segurança? E qual o propósito de ser artista se negamos nosso ponto de vista pessoal e exclusivo? Aqueles que escolhem viver como artistas aceitam o filtro como uma dádiva. Rejeitá-lo seria trágico. A luz refratada que ele projeta é a nossa paisagem singular de possibilidade artística. Como uma obra de arte pode ser um prazer que carrega culpa?”

Rick Rubin, em O ato criativo.

Ficou famoso — pelo menos aqui em São Paulo —, em meados dos anos 1990, um estúdio de fotografia e agência de modelos chamado Glamour. Eles tinham uma propaganda bastante agressiva nas rádios populares, que anunciava, a cada intervalo, sessões de fotos para mulheres que sonhavam em ser modelos fotográficas.

Foi uma febre. Era difícil não conhecer alguma mulher, de qualquer idade, que não soubesse do que se tratava ou que não quisesse fazer uma sessão de fotos “na Glamour”. Tive uma namorada, na época, que raspou o fundo do cofre, foi até uma das unidades — sim, era uma rede — e fez as fotos. Lembro-me de como ela ficou empolgada com o resultado.

Você também pode ver como eram essas fotografias. Uma busca rápida no Google por “book Glamour” mostrará alguns exemplares daquele período. Não os reproduzo aqui por questões de direitos autorais (e de bom gosto).

Era meados dos anos 1990. As supermodelos — grupo composto principalmente por nomes como Naomi Campbell, Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Kate Moss, Christy Turlington e Linda Evangelista — caminhavam, ou melhor, desfilavam pela Terra. Estavam em toda parte: de anúncios publicitários a videoclipes, como a obra-prima “Freedom! ’90”, de George Michael, dirigida por David Fincher, na qual algumas delas apareceram juntas.

Ser modelo era um sonho praticamente inatingível para aquelas mulheres comuns, a maioria esmagadora sem nenhuma aptidão para a profissão, mas que queriam ser fotografadas e viver aquela fantasia por pelo menos algumas horas — o tempo de duração de uma sessão. Elas davam tudo de si para ficarem belas nos retratos.

Naquela época, a fotografia ainda era caríssima. O digital começava a engatinhar. Eu mal sabia o que era uma câmera fotográfica, mas, conversando com profissionais daquele período, ouvi que falar sobre fotografia digital nos anos 1990 era mais ou menos como falar sobre inteligência artificial em 2019. Parecia uma promessa muito remota. Poucos acreditavam que estariam vivos para vê-la acontecer.

Por isso, pessoas comuns interessadas em fotografar profissionalmente encontravam um abismo gigantesco pela frente caso quisessem ingressar na profissão.

Essa quadra da história compôs o caldo cultural que fez do retrato, especialmente o feminino, um objeto de desejo. De um lado, estavam as mulheres que queriam se ver retratadas, fosse para viver “um dia de modelo”, para fortalecer a própria autoestima ou para presentear seus companheiros. De outro, os fotógrafos que sonhavam em ser como J. R. Duran, Marcio Scavone, Angelo Pastorello e tantos outros grandes nomes da profissão.

Escrevo essas palavras e sinto um leve cheiro de mofo, porque nada disso existe mais.

Entre os meus interesses na fotografia está — ou talvez estivesse — o retrato de mulheres. Lembro-me do impacto que senti quando assisti pela primeira vez ao vídeo de “Freedom! ’90”. Queria vê-lo outra vez. Depois outra. E outra. Queria saber quem eram aquelas mulheres fantásticas e como conseguiam ficar tão incríveis naquele vídeo.

Eu não sabia que aquilo era fotografia. Não sabia que Peter Lindbergh as fotografava. A fotografia não era um interesse e muito menos uma possibilidade. Dentro da minha realidade naquele momento, se alguém me dissesse que eu deveria estudar fotografia, seria o equivalente a dizer hoje a um jovem que ele deveria estudar física quântica.

Depois de dois anos fotografando, comecei a me arriscar nos retratos. Estudei com Marcio Scavone e aprendi como esse trabalho deveria ser realizado. Fiz muitos retratos.

Era 2014, e ainda era possível convidar alguém para ser fotografado. A pessoa se sentia honrada e se dispunha a ficar diante da lente de um profissional para ter o próprio retrato. Também era possível convidá-la para uma sessão de fotos ao ar livre.

Não percebi, mas começava silenciosamente um movimento formado pela combinação de três fatores que acabaria com o interesse das pessoas pelo retrato: a evolução das câmeras dos smartphones, a popularização do Instagram e o surgimento das influenciadoras digitais.

Eu vi tudo isso acontecer. O que não previa era que a soma desses fatores resultaria na perda de interesse das pessoas em serem fotografadas.

Vou me deter no último dos três pontos: ser influenciadora digital é o equivalente contemporâneo a ser modelo nos anos 1990. Estamos vivendo um movimento semelhante ao de 30 anos atrás. As mulheres que iam à Glamour em busca de um sonho são, de certa maneira, as mesmas que hoje abrem uma conta no Instagram e começam a falar diante da câmera do smartphone, sonhando em se tornar as novas Virginias, Deolanes ou Kim Kardashians.

A principal diferença em relação àquele momento da história está na intermediação. Hoje, ela não existe. Ninguém precisa ir até uma agência: basta abrir a câmera do celular.

Ao longo dos últimos anos, as mulheres foram perdendo o interesse em posar. Estão satisfeitas com a selfie. Além disso, é muito mais seguro fazer um autorretrato em casa do que se expor diante de um homem desconhecido, que pode assediá-la ou até cometer um crime contra ela, como já vimos em diversos casos envolvendo criminosos que usaram a profissão de fotógrafo para praticar abusos.

Lembram-se do argumento usado pelo Maníaco do Parque para atrair suas vítimas? Ele se apresentava como fotógrafo e oferecia uma sessão de fotos no Parque do Estado. Pois bem: era o final dos anos 1990. A desconfiança é mais do que justa e legítima.

Também é preciso dizer o óbvio: são as mulheres que decidem como desejam ser vistas e elas têm o direito de serem reconhecidas para além da beleza de seus corpos.

Sim, estou generalizando o argumento. Caso você seja mulher e tenha chegado até este ponto do texto, saiba que não se trata de um pensamento machista. O retrato é apenas uma entre milhões de formas de expressão artística das quais uma mulher pode ou não decidir participar.

Tenho total clareza de que minha vontade de fotografar mulheres, sendo eu um homem hétero e cisgênero, coloca-me em uma posição de desconfiança. Não tenho crises de consciência em relação a isso. Sei que existem homens que fotografam mulheres por puro fetiche e não me incomodo de ser inicialmente visto com desconfiança nesse aspecto da minha carreira.

Não me sinto culpado porque não sou esse tipo de fotógrafo. A enorme quantidade de mulheres que fotografei até aqui, inclusive nuas — em espaços públicos ou na minha própria casa —, prova que meu interesse sempre foi a arte. Portanto, não sinto culpa alguma.

No meio de tudo isso, porém, estão fotógrafos como eu, que amam fazer retratos, estudaram muito para isso e simplesmente não conseguem mais praticar esse tipo de fotografia como hobby.

Ainda faço muitos trabalhos corporativos. Hoje mesmo, aprovei um orçamento para realizar uma sessão de fotos com uma arquiteta. Mas acabou aquele tempo em que eu acordava e pensava: “Quero fazer um retrato hoje. Vou convidar alguém”.

Sempre havia uma pessoa que se sentia honrada e até emocionada ao receber o convite. Hoje, passo meses tentando encontrar alguém que aceite ser fotografada. Em 2026, até agora, apenas Paula Maria, autora de Te Escrevo Cartas, aqui no Substack, topou.

Tudo o que escrevi até aqui é uma constatação, não uma reclamação. O mundo mudou e é isso. Ainda assim, sinto falta de convidar uma mulher para uma sessão, fotografá-la, sentar-me diante do computador e passar horas selecionando as melhores imagens. Sinto falta de cuidar do tratamento digital, olhar a fotografia pronta, enviá-la à pessoa que fotografei e, finalmente, ler, ouvir ou ver sua reação diante do trabalho concluído.

Mas repito: o mundo mudou.

Durante algum tempo, acreditei que o problema fosse eu. Pensei que talvez não estivesse fotografando bem ou que houvesse algo errado com o meu trabalho.

Foi então que me deparei com o depoimento do fotógrafo e youtuber norte-americano Manny Ortiz. Ele conta que, entre os motivos pelos quais decidiu fechar seu estúdio no centro da cidade e reabri-lo na garagem de casa, está o fato de convidar algumas mulheres para serem fotografadas e elas simplesmente não aparecerem.

E não estou falando de um youtuber qualquer. Ele é um dos maiores nomes dessa área, e seu conteúdo é composto basicamente por retratos de mulheres. Ortiz também aponta outros problemas, como a queda no engajamento das fotos e dos vídeos que publica no Instagram.

Ou seja: não acontece somente comigo.

De qualquer maneira, continuarei tentando fazer retratos de mulheres.

Citando novamente Rick Rubin, em O ato criativo:

“A única responsabilidade do artista é com a própria obra. Não há outros requisitos. Somos livres para criar o que quisermos.”

E, entre outras coisas, quero criar retratos de mulheres.

Simplesmente porque quero.

Obrigado assinante

Como sempre, agradeço a você que assina essa newsletter. Já são mais de 500 pessoas interessadas no que penso e tenho a dizer sobre fotografia. Não é pouco. Por isso sou sempre grato a quem optou, por livre e espontânea vontade, em receber o meu material.

De coração, muito obrigado. E até a próxima.

Fui gentilmente convidado pelo Paulão — Paulo César Martin, jornalista e apresentador do podcast ABFP — para ir ao show da banda Redd Kross no Cine Joia, na última sexta-feira, dia 26 de junho. Claro que aceitei. E, claro também, perguntei o que sempre pergunto em qualquer ocasião em que me convidam para programas assim: “Posso levar minha câmera?”. Não podia.

Um breve parêntese: eu sou fotógrafo 100% do tempo. Às vezes, quando levo minha câmera para um programa como esse, a pessoa que me convidou diz: “Relaxa, vai curtir”, preocupada com a possibilidade de eu estar ali trabalhando. Não estou. Tenho consciência disso. Estou justamente me divertindo.

Então fui até o local do show. Cheguei no final da apresentação da primeira banda da noite. Vi e ouvi as duas últimas músicas. Quando a banda estava saindo do palco, olhei em volta e vi colegas fotógrafos com suas câmeras, devidamente autorizados. Inclusive encontrei o PC Pereira, excelente fotógrafo que fez alguns retratos meus para uma reportagem da revista Pequenas Empresas & Grandes Negócios, na qual falei sobre a minha trajetória no audiovisual em 2023.

Bateu uma inveja, não vou negar. Então olhei para o meu celular e pensei: “Por que não?”.

Eu uso um aplicativo desenvolvido pela Adobe chamado Project Indigo. Ele está em fase beta desde o ano passado, mas amplia muito a capacidade da câmera do celular — no meu caso, um iPhone 15 Pro Max. Resolvi, então, fotografar. As condições de luz de um show não são as ideais para o sensor minúsculo de qualquer smartphone. Mas é aí que entra o entendimento do que você tem na mão. Sabendo o que o aplicativo me permite e como a câmera reage, valia a pena correr o risco. Na pior das hipóteses, ficaria tudo uma grande porcaria e eu jogaria as fotos fora.

Bem, como você está vendo, deu certo. A excelente banda Alphawhores entrou no palco, ajustei a configuração da câmera no aplicativo e comecei a fotografar. Fui experimentando as distâncias e, percebendo que os resultados estavam aceitáveis, me empolguei e fotografei mais. O Redd Kross começou o show e eu me aproximei do palco. Não temi a mudança de luz que a banda fez e segui fazendo mais fotos.

Chegando em casa, fui tratar os negativos digitais e fiquei bastante contente com o resultado. Não vou negar que teria me sentido mais seguro sobre o que conseguiria entregar se tivesse levado minha câmera. Mas foi muito divertido ficar um pouco inseguro até chegar em casa e ver as fotos em tela grande.

Eu sempre digo: a câmera do seu celular é mais do que suficiente na maioria das situações. Use-a, experimente, tente. Ela está sempre com você.

Conheci Nadia Starikoff em 2018. Fui apresentado a ela pela Carol Mondin, poetisa. Um dia, Carol me procurou dizendo que uma artista plástica, amiga sua, Nadia, iria inaugurar uma exposição chamada “Aurorar”, no Memorial da América Latina, em São Paulo, e precisaria de um fotógrafo para fazer a cobertura do evento. Fui, fiz as fotos e Nadia adorou o resultado.

Meses depois, já em 2019, as duas me procuraram novamente com uma proposta incrível. Nadia faria uma pintura no corpo da Carol e gostaria que eu fotografasse o processo. Fiquei maluco com a ideia e corri para o ateliê dela em um domingo pela manhã. Foi fantástico ver a artista criando ao vivo, e saí de lá com uma das minhas séries de fotos preferidas.

Dois anos depois, em maio de 2021, quando a pandemia de COVID-19 começava a dar os primeiros sinais de arrefecimento, Nadia me procurou novamente. Ela faria uma nova exposição, “Jardins do Imaginário”, dessa vez com Valéria Borges, que também é artista plástica, e elas queriam fotos da galeria com os quadros e um vídeo que serviria como uma espécie de teaser. Era uma espécie de “soft opening” que, naqueles tempos, significava que não haveria ninguém presente, apenas as artistas, e, ao longo do tempo, a entrada seria controlada.

Em tempo: para colocá-lo aqui na newsletter, foi a primeira vez que revi esse vídeo depois de cinco anos. Fiquei impressionado com o quanto evoluí como videomaker e editor. Naquele momento, eu estava fazendo meus primeiros trabalhos em vídeo. Mas o meu olhar continua o mesmo.

Meses depois, ainda naquele ano de 2021, Nadia e Valéria me pediram para documentar a preparação dos quadros e a abertura da exposição “Flor e Ser”. Novamente, foi um trabalho muito bom de se fazer. Sinto um prazer imenso em fotografar os bastidores de uma produção para que, através das imagens, o público veja algo que praticamente ninguém viu.

Na última sexta-feira, dia 22 de maio, estive novamente em uma abertura de exposição de Nadia, “Sedimentar”. Ela falou aos presentes sobre a nova fase da vida e sobre o que aquelas obras representavam nesse processo. Novamente, vi Carol escrevendo uma poesia ao vivo, assim como na primeira exposição, em 2018. Nadia estava radiante.

Resgatando as fotos que coloco aqui nesta newsletter, fiquei pensando na passagem do tempo. Nas coisas que aconteceram na vida profissional e pessoal nesses últimos oito anos. Em quem eu era em junho de 2018. No que eu vivia e em como aquilo se refletia no meu olhar, na minha intencionalidade e, por consequência, nas fotografias que fiz. No que eu quis contar e em como contei. E passando por todos os encontros que tive com Nadia, suas parceiras de criação e sua obra.

Passaram-se oito anos desde “Aurorar” até “Sedimentar”.

Nem sempre isso será possível, especialmente em trabalhos corporativos. As regras de compliance das empresas preservam a imagem de seus funcionários e, por mais que os direitos autorais das fotografias sejam meus, envolvem camadas de discussões pelas quais eu escolhi não discutir.

Mas sempre que possível, eu vou trazer essas histórias para cá. Começando hoje.

A mulher mais poderosa do futebol mundial

Quinta-feira, 14 de maio de 2026. Estava em um cliente quando recebi a mensagem do Márvio dos Anjos, jornalista e colega de muitos anos de listas de discussão — agora grupos de WhatsApp — e, já há algum tempo, meu cliente. Ele perguntou: “Tá disponível amanhã?”. Respondi que sim e ele me disse que precisaria de mim em um evento no Pacaembu. Perguntei então qual era a missão e ele me disse: “Você vai fotografar a empresária do Haaland.”

Para quem não é familiarizado com o futebol: Erling Haaland é um jogador de futebol nascido na Inglaterra, mas de nacionalidade norueguesa. É considerado um dos melhores do mundo na atualidade, eleito melhor do mundo por diversas publicações e organizações várias vezes.

Honestamente, a informação de que eu iria fotografar essa pessoa não mexeu comigo. Uma coisa que eu sempre tive em mente é que todas as pessoas são iguais diante da câmera. São personagens com histórias que eu devo contar de acordo com o contexto. Já trabalhei com política partidária, por exemplo. E jamais me intimidei ou “tremi” diante de qualquer pessoa. O que acontece em alguns casos é essas pessoas muito poderosas ficarem intimidadas diante da câmera, o que me dá uma vantagem considerável. Ou, como nesse caso, a pessoa ficar segura de que sua imagem estará bem cuidada porque quem está ali é um fotógrafo profissional.

Sexta-feira, 15 de maio de 2026. Cheguei no horário combinado à São Paulo Innovation Week, que estava sendo realizada dentro do estádio do Pacaembu. Lá, o Márvio completou o briefing: ela era uma das estrelas do evento e a sua palestra estava sendo muito aguardada. Minutos depois, ele recebeu uma mensagem no WhatsApp e me disse: “Ela chegou”. Percebeu que até agora não mencionei o nome “dela”? Pois bem, você pode até achar estranho, mas às vezes isso para mim funciona bem. Quanto mais poderosa é a pessoa que vou fotografar, menos quero saber sobre ela. Especialmente ver fotos dela feitas por outros fotógrafos. Assim, não me deixo influenciar e posso fazer a coisa toda do meu jeito.

Fomos para a área VIP e encontramos Rafaela Pimenta, advogada e empresária brasileira, recentemente incluída na lista Forbes 50 Over 50 Global de 2026, responsável pela carreira de grandes jogadores e considerada a mulher mais poderosa do futebol mundial. Márvio nos apresentou, ela apertou firmemente a minha mão olhando nos meus olhos. Sorrimos um para o outro e o match de energia profissional funcionou. Fiquei feliz. Ali eu soube que meu trabalho daria certo, mesmo antes do primeiro clique.

Tem outra coisa que acontece bastante nesse tipo de trabalho: muita gente em volta. Assessores, gente que está acompanhando a celebridade, todos dando muito palpite de como eu devo fazer o meu trabalho. Minutos depois, eu me vi sozinho com ela. Márvio e as pessoas que a acompanhavam foram andar pela feira. Rafaela não me fez nenhuma exigência. Não me disse que tinha um lado preferido para ser fotografada. Não me pediu que não a fotografasse de baixo para cima ou de cima para baixo. Não pediu que eu fizesse isso ou aquilo. Apenas fomos.

Circulamos pela feira. Ela foi encontrando pessoas conhecidas. Cumprimentou e conversou com todos, sempre com muita gentileza. Ao longo dessas interações, fui conhecendo um pouco da maneira de ser profissional dela, demonstrando como uma pessoa extremamente importante como ela pode ser, ao mesmo tempo, de trato absolutamente simples, direto e tranquilo. Fez sentido a facilidade que eu estava sentindo em fazer o meu trabalho, porque era daquela mesma forma que Rafaela estava me tratando.

A decisão pelo retrato dos olhos fechados

Enquanto eu voltava pra casa, fui ler sobre a história de Rafaela. Uma das que mais me impactou foi a reportagem do site da ESPN onde ela relata que, muito tempo atrás, quando se apresentou em um clube de futebol, o dirigente disse que pensava que ela era uma “prostituta brasileira”. Ela também relata outras situações pelas quais passou.

Não é difícil imaginar que isso aconteceria em um dos meios mais machistas existentes. Não deve ter sido fácil. Por isso, quando comecei o processo de edição do material (escolha do que fica e do que é descartado), me deparei com uma das fotos da sequência. A que eu pedi para refazer. Olhando a foto em tamanho grande no meu computador, imaginei que, às vezes quando ela fecha os olhos, talvez ela se lembre desses momentos desafiadores pelos quais passou. E então o leve sorriso surge quando ela percebe onde chegou. Então fez sentido pra mim não só manter essa foto, como fazer um corte e uma segunda versão desse retrato. Mais aproximado e eliminando tudo o que tem em volta. É o retrato que abre essa newsletter.

Zero problemas

Em nenhum momento ela teve comportamento de “estrela”. O totem com o logo do evento e eu achei por bem fazer um retrato dela lá. O objeto estava na arquibancada e ela precisava subir. Pedi e ela disse: “Claro!”. Ela me deu a bolsa, eu a ajudei a se equilibrar no salto para ficar na posição que eu queria. Cliquei e, quando baixei a cabeça para olhar o resultado na câmera, ela começou a descer. Eu queria mais um clique porque notei que ela estava com os olhos fechados. Pedi gentilmente que ela voltasse. Ela me disse: “Sem problemas.” Voltou e eu fiz mais alguns cliques.

Nessas ocasiões, passa pela minha cabeça, como um filme, as dezenas de pessoas que jamais terão o mesmo nível de importância da Rafaela e que se recusam a refazer um clique. Cheguei mais uma vez à conclusão de que, na minha experiência, quanto mais poderosa a pessoa realmente é, mais fácil é o meu trabalho. Foi assim ao longo das quatro horas que fiquei fotografando e filmando a participação de Rafaela no evento. Ao nos despedirmos, agradeci pela oportunidade e pela gentileza. Ela me agradeceu de volta, dizendo: “Eu que agradeço por você ter sido tão paciente.”

Voltei para casa, tratei as fotos e entreguei-as para o Márvio na noite do mesmo dia. Olhando para o conjunto das fotos, percebi uma mulher atenciosa, que se divertiu e que em nenhum momento se estressou com absolutamente nada. Que não demonstrou nervosismo diante da multidão que foi assisti-la, que não negou fotos para ninguém, que ouviu com atenção e respondeu a pedidos de conselhos de jovens estudantes que se aproximaram dela dizendo: “Quero ser empresário como você”. Uma jovem se aproximou dela dizendo que pediu para sair do trabalho mais cedo só para poder assisti-la. Ela estava como alguém que encontra uma grande estrela, um ídolo. Disse que a empresária brasileira era a sua referência profissional. Rafaela novamente abriu um enorme sorriso, conversou com ela, lhe deu alguns conselhos e, ao final, fizeram uma foto juntas. A jovem ficou muito feliz.

Rafaela, sou eu que fico grato pela paciência.

Simplicidade com intenção

Nesse ano eu venho falando muito aqui no Substack sobre intencionalidade na fotografia. E isso começa quando eu escolho os equipamentos que vou utilizar. Em situações como essa, a segurança precisa estar à frente de qualquer decisão. E por segurança, eu falo sobre configurar a câmera de forma que a minha margem de erro esteja muito reduzida. Eu vou para o trabalho antecipando e sabendo o que eu quero como resultado final.

Levei na mochila a minha câmera 6D MKII. É uma câmera 35mm que tenho um desempenho excelente em baixa luz e eventos são lugares onde a iluminação é quase sempre ruim. Também levei duas objetivas: a EF 24-105mm f/4L e a EF 70-200mm F/2.8L . A primeira foi a que eu usei na maioria das fotos que você viu acima e em 70% do trabalho. A segunda objetiva eu usei em 90% do tempo em que ela esteve no palco. Para iluminar eu levei o meu speedlight (flash) Canon 600EX junto com um rebatedor branco/prateado. Completando o kit, usei a câmera do iPhone 15 Pro Max para fazer alguns retratos mais fechados e também uma série de vídeos verticais para ela utilizar no Instagram stories.

Em trabalhos assim a criatividade depende, na maioria dos casos, das circunstâncias do momento. Eu tinha pouco tempo com a Rafaela, por isso eu dependi de encontrar uma situação para ter algo com a minha assinatura (o retrato dela em frente ao “W”) e estar concentrando em entregar o que o meu cliente pediu. Por isso a escolha desses equipamentos: simplicidade com intencionalidade. Esse é o nome do jogo.

Obrigado assinante

Como sempre, agradeço a você que assina essa newsletter. Já são quase 500 pessoas interessadas no que penso e tenho a dizer sobre fotografia. Não é pouca coisa. Por isso sou sempre grato a quem optou, por livre e espontânea vontade, em receber o meu material.

De coração, muito obrigado. E até a próxima.

A popularização das corridas de rua no Brasil começou no início do século XXI, com o aumento gradual do número de participantes em provas, o maior acesso a tecnologias como aplicativos para registrar treinos, o aumento de provas etc. Mas, depois da pandemia de COVID-19, o número de praticantes aumentou e segue aumentando exponencialmente. Todos os dias, centenas de milhares de pessoas saem de casa para correr. Isso gerou oportunidades para diversos mercados relacionados a esse esporte, entre eles, a fotografia. Pessoas ávidas por postar nas redes sociais o seu esforço diário em busca de validação passaram a consumir todos os dias fotografias que antes raramente eram compradas nas provas. E isso tem levado a uma verdadeira uberização da prática fotográfica.

A minha motivação para escrever este texto foi o vídeo abaixo, que mostra duas pessoas muito perto de chegarem às vias de fato por causa de um espaço na rua, supostamente porque ali se consegue um bom ângulo. As cenas são lamentáveis sob qualquer ponto de vista. Mais ainda do meu, como fotógrafo que também faz fotos de corredores. Mas não dessa forma.

Estou envolvido com corrida de rua como atleta amador desde 2011. Em 2016, me interessei em fotografar pessoas correndo. Mas não como eu via nas provas. Aquilo nunca me chamou a atenção e, com todo respeito a quem fazia e faz esse trabalho, acho bem pouco interessante esse tipo de trabalho. Frequentando os eventos do hoje extinto NRC-SP (Nike Run Club São Paulo), conheci o trabalho do fotógrafo e publicitário Cadu Vigilia, que fazia as coberturas dos treinos. Sua abordagem minimalista me fez pensar: “isso é interessante, quero fazer.” E foi assim que incorporei a fotografia de corredores ao meu portfólio. Jamais tive interesse em ficar sentado em um banco com a câmera apontada para um determinado lugar e ficar apertando o botão da câmera milhares de vezes e colocar as fotos para vender. Mas sempre mantive o respeito por quem faz isso, o que venho perdendo desde algum tempo atrás.

E foi assim que embarquei nessa aventura de fotografar pessoas correndo. Esse trabalho me rendeu a oportunidade de trabalhar diretamente com a Nike, me proporcionou viajar para alguns lugares do Brasil para fotografar atletas, rendeu um documentário fotográfico sobre grupos de corrida de rua da cidade de São Paulo em 2018, bem como conhecer muitas pessoas interessantes. É uma das partes de que eu mais gosto do meu portfólio e pela qual eu tenho muito carinho.

Porém, como eu disse no começo deste texto, no retorno ao normal pós-pandemia, houve uma explosão de pessoas correndo. Isso levou a que agências de fotografia especializadas nessa área recrutassem mais pessoas para fazerem fotos não somente nas provas, mas também em treinos, algo que nunca tinha acontecido antes em larga escala como agora. As ruas da Universidade de São Paulo reúnem o maior número de corredoras e corredores aos finais de semana. E é quase impossível você não ver alguém sentado ou no chão, ou em um banquinho, com uma câmera apontada para a frente, fazendo fotos para serem vendidas dali a poucas horas para pessoas sedentas por compartilharem seus esforços nas redes sociais, acompanhadas de legendas como “no pain, no gain” e outros textos do gênero.

Narcisismo + busca desenfreada por engajamento + pessoas precisando ganhar qualquer trocado = depreciação da fotografia de corrida de rua. Eu tenho um perfil dedicado às minhas fotos de corrida. Sempre que vou lá atualizar, sou inundado por imagens mal feitas, sem nenhum tipo de tratamento, fora de foco (por erro e não por escolha) e todo o tipo de trabalhos ruins. É uma conta que não fecha. O narcisismo de quem corre e a busca desenfreada pelo like fazem com que a pessoa que fez a foto simplesmente suba tudo o que ela fez em uma plataforma e deixe que o atleta faça a escolha do que ficou bom ou não. É a urgência. Afinal de contas, a pessoa acordou às 5h, terminou o treino às 6h e, às 6h15, o post precisa estar no ar.

Diante disso, sempre que estou trabalhando nesses ambientes, vejo todo tipo de bizarrice. Como um fotógrafo que estava sentado em um banquinho e, ao seu lado, estava um laptop com um cabo conectado à câmera. Sim, é isso mesmo que você pensou: ele estava fotografando e, sem olhar absolutamente nada, estava disponibilizando aquilo tudo na plataforma para as pessoas escolherem. Recentemente, um perfil no Instagram compartilhou um vídeo em que dois “profissionais” saíam no tapa por causa de um determinado lugar que teria o melhor ângulo. Na rua. Espaço público.

Mas o maior absurdo que vi foi em uma prova. Eu estava lá contratado por um atleta para fotografar o seu grupo de corredores. Eu já estava espantado de ver a quantidade de gente com câmeras por todo o percurso fazendo fotos. Incluindo uma família inteira: mãe, pai e filhos (crianças), cada um com uma câmera na mão, “tirando” fotos. Quando então me deparei com uma mãe amamentando uma criança, enquanto era aplaudida por corredores que passavam por ela. Estava frio e garoava. Fotografei a cena e segui em frente, incrédulo.

Chegando em casa, postei a foto na minha conta no Instagram com a legenda: “Uma mãe amamenta seu filho enquanto fotografa ao mesmo tempo. Corredora passa e a aplaude, dando os parabéns. Fotografia de corrida de rua, março de 2025.” As pessoas que me seguem naquela conta não entenderam a minha crítica. Compartilharam, celebraram a foto e, assim como a corredora, aplaudiram.

Faltou o entendimento de que aquela mãe estava em condições péssimas de trabalho, alimentando o seu filho debaixo de garoa e frio. Não conseguiram perceber a que nível chegou o trabalho de fotografia. Uma atividade que exige atenção, presença e consciência se tornou aquilo que muitos de nós, profissionais, mais temíamos: uma ação mecânica. Essa mãe não estaria ali se não precisasse. Ela estaria em sua casa, abrigada, cuidando de seu bebê. Mas por que ela estava ali, naquelas condições? E por que todas as pessoas que passaram por ela, e as que viram a fotografia que eu fiz, aplaudem?

O meu incômodo não é pelo fato de uma suposta concorrência ter aumentado. Até porque eu nunca me propus a ficar nesses lugares fazendo isso, quando ainda eram poucos os profissionais que faziam. Na fotografia de corrida, eu só trabalho por encomenda ou convido alguma pessoa para fazer uma sessão de fotos quando quero acrescentar algo ao meu portfólio. Não sei quais condições levaram essas pessoas a buscarem na fotografia um “troco” de final de semana. O que me entristece é a má qualidade do resultado. São trabalhos ruins, sem personalidade e que estão inundando as timelines das pessoas, que ficam com a impressão de que aquilo é boa fotografia. Não é.

É por casos de pessoas que ficam apertando o botão da câmera e de outros que estão se estapeando em plena luz do dia porque querem sentar em um lugar para vender um trabalho de má qualidade que eu fico triste por essa área, que poderia render, pelas mãos de boa parte dessas pessoas, trabalhos incríveis que valorizassem todo o mercado de fotografia de corrida de rua.

Não tem atenção, não tem presença e não tem consciência. É triste para a fotografia. Muito triste.

Obrigado!

Obrigado por ler e assinar essa newletter. cada vez que recebo uma notificação que uma nova pessoa se interessou por ler o que penso sobre fotografia, fico feliz e motivado a continuar escrevendo.

Até a próxima.

Quando trabalhei na Escola do Futuro, um antigo laboratório de pesquisa em inclusão digital e educação comunitária da Universidade de São Paulo, a Drica Guzzi, uma das melhores chefes que tive ao longo da minha carreira, disse certa vez que era importante participarmos de prêmios e concursos porque eram um bom validador do trabalho que estávamos fazendo. Não foi exatamente com essas palavras, mas foi assim que entendi e absorvi.

Na época, eu ainda não era fotógrafo profissional. Era apenas um amador com uma Cybershot no bolso. Por isso, não levei esse pensamento diretamente para a fotografia, mas sim para o trabalho que fazíamos na universidade. Ganhamos prêmios e, sempre que isso acontecia, eu via o efeito positivo que aquilo tinha no nosso dia a dia.

Quando me assumi profissional e comecei a me aprofundar nas práticas de alguém que trabalharia com fotografia e que buscava algum diferencial para não ser só mais um, lembrei das palavras da Drica e comecei a procurar concursos de fotografia. Era o ano de 2012 e havia muitos. Desde os voltados para amadores até os gigantescos concursos para profissionais. Havia também concursos menores, cujo prêmio era ter sua foto publicada em veículos de grande circulação, como jornais e revistas o que não deixava de ser um reconhecimento bastante relevante, ainda mais para quem estava começando.

Comecei então a participar. Mandava fotos, me inscrevia onde fosse possível. Não sem estratégia. Um dos aprendizados que tive na Escola do Futuro era que, ao nos inscrevermos em um concurso, deveríamos ler atentamente o regulamento e nos adaptarmos a ele, e não tentar convencer os jurados de que o que fizemos era o correto. Afinal, regulamentos servem para isso.

As primeiras tentativas não deram em nada. Mas logo comecei a ter fotos selecionadas para as últimas etapas de concursos e prêmios. Não chegava às finais, mas estar entre as escolhidas me motivava muito. Era o lado bom de “bater na trave”.

Pouco mais de um ano depois, vieram as primeiras vitórias. O jornal O Estado de São Paulo publicou uma foto minha na edição impressa sobre um dia de caos no metrô. Fiquei muito feliz. Mostrei para todo mundo no trabalho. Em seguida, o antigo portal Yahoo! também publicou uma foto. E a saudosa revista National Geographic publicou outra foto minha, em janeiro de 2014, como vencedora do concurso “Photo Of The Day”. Gritei na janela de casa. Ninguém entendeu nada. Mas era a National Geographic, um dos monumentos da fotografia mundial, que, naquele dia, entre milhares de imagen, olhou a minha e disse: é essa.

Tudo isso foi me motivando cada vez mais. Fui ganhando outros concursos de menor expressão, mas fui vencendo. Um dos pontos altos foi ter sido um dos vencedores do concurso “Olho de Torcedor”, promovido pela Samsung e pelo coletivo Mobgraphia, que teve como prêmio a publicação da foto em um livro, além de o trabalho passar a integrar o acervo do Museu do Futebol.

Continuei evoluindo na profissão, sem deixar de lado meu lado competitivo/concurseiro. Porém, por volta de 2018, comecei a perceber que algo havia mudado nos concursos de fotografia. O avanço e a consolidação do Instagram como plataforma de engajamento começaram a afetar os critérios. As comissões julgadoras passaram a ser substituídas por campanhas para que os concorrentes pedissem likes e seguidores. Ou seja: já não era mais sobre a qualidade da foto, mas sobre o quanto você era capaz de gerar engajamento para o perfil do concurso.

Fui desanimando. Aos poucos, deixei de participar, até parar completamente de enviar minhas fotos para disputar prêmios. Jornais e revistas deixaram de abrir espaços com esse caráter. Veio a pandemia, e diversos concursos tradicionais também desapareceram.

Em 2024, notei um ressurgimento de concursos à moda antiga. Ainda raros, mas presentes. Eu ainda carregava a experiência anterior, então observei com cautela — até decidir me arriscar novamente, no final de 2025. Li o regulamento, me animei, acreditei no trabalho que estava enviando. Não fui classificado. Ainda assim, fiquei feliz por participar.

No começo deste ano, surgiram mais dois concursos com ótimas propostas, bons regulamentos e bancas consistentes. Me animei novamente. Preparei as fotos dentro das especificações e enviei. Perdi de novo.

Fui ver as imagens vencedoras e fiquei incomodado. É claro que sempre vamos achar que o nosso trabalho é melhor, e que merecíamos vencer (se você não pensa assim, talvez nem devesse entrar em concurso). Ainda assim, o espírito esportivo prevalece: parabenizei os vencedores e segui em frente.

Duas semanas atrás, entrei em um novo concurso. Proposta excelente, regulamento consistente. Me animei mais uma vez. Passei uma tarde escolhendo as fotos (é difícil ser curador de si próprio) e enviei.

Dias depois, recebi um e-mail da organização informando que, entre as cinco fotos enviadas, uma havia sido selecionada para a próxima fase. Me animei ainda mais. Depois de muitos anos, senti que poderia voltar a vencer.

O resultado saiu no dia anterior a este texto. Não fiquei entre os vencedores.

Não vou mentir: fiquei muito frustrado.

Aprendi na meditação que devemos olhar para aquilo que nos incomoda — e não fingir que não aconteceu. Existe aprendizado na derrota.

O primeiro sentimento que não segurei foi o de que talvez eu já não seja tão bom fotógrafo assim. Pode soar como autocomiseração — até infantilidade —, mas foi real.

O segundo foi o arrependimento por ter participado. Também pode parecer infantil, e talvez seja. Mas me parece mais ligado à vergonha. Fiquei imaginando os três jurados olhando para o meu trabalho e dizendo: “esse não”.

Mas a pergunta que fica é: será que não sou bom o suficiente?

Ou talvez a pergunta devesse ser outra: será que não estou me sentindo seguro o suficiente?

Continuo com a convicção de que faço fotos, antes de tudo, para mim. Depois compartilho. Se as pessoas gostam, fico feliz. O porquê de os jurados não gostarem, eu provavelmente nunca saberei.

Tenho mais um concurso pela frente. Proposta e regulamento muito bons. Mas, diante da derrota recente, confesso que pensei em desistir.

Autopreservação? Covardia? Infantilidade? Fragilidade? Talvez um pouco de tudo.

A foto que separei é uma das que mais gostei de fazer no último ano. Mas será que os jurados vão ver da mesma forma?

Porque, no fim, em concursos de fotografia, não basta você gostar da foto. Os jurados precisam gostar também.

Olhando em retrospectiva, evoluí muito desde a época em que vencia concursos. E fico pensando o quanto isso pode ter alterado a forma como hoje me coloco nessas disputas.

Enfim, sigo meditando para encontrar a resposta.

Obrigado a todas e todos

Obrigado a você que assina essa newsletter ou que interage com as publiçoes de fotos que faco com mais frequênci no Notes. Tem sido um grande incentivo para que continue produzindo novas fotos.

Obrigado e até a próxima edição.

A etimologia da palavra dieta deriva do grego “díaita”, que significa “maneira de viver”. Ao longo dos séculos e por causa de diversas traduções e adaptações culturais, ela se tornou um substantivo que se refere à maneira como as pessoas se alimentam ou a um regime de restrição.

A frase “você é o que consome” faz sentido na fotografia, e é a dieta que eu sempre recomendo, principalmente para quem está começando a fotografar ou até para quem já fotografa e quer mudar seu estilo e ter novas ideias.

– O que mudar na sua dieta visual atual

Nosso olhar é influenciado e educado por aquilo que vemos com maior frequência. Por isso, a escolha do que você vai consumir visualmente deve ser feita de forma atenta e consciente. Nada disso é aleatório. Você escolhe ver muito determinado tipo de imagem, e isso vai aparecer na hora em que você for fazer uma foto, de forma intencional.

Faça uma reflexão: o que você mais tem visto diariamente? Que tipo de foto? Que tipo de vídeo? É esse conteúdo que vai se tornar sua referência. Se você come em fast-food todos os dias, essa alimentação é a sua referência e virá carregada com tudo aquilo que esse tipo de alimentação traz. O mesmo vale para imagens.

Isso é importante, independentemente de você fotografar ou apenas gostar de fotografia. Sem referências “saudáveis”, você vai consumir “qualquer coisa”. E vai achar muito bom.

– A minha dieta visual

Todos os dias eu vejo sites de fotografia. Sim, eles ainda existem. Passo pelo menos uma hora entre 500px, Behance e VSCO. Nesses três sites eu consumo fotografia contemporânea de excelente qualidade, de todos os estilos que faço profissionalmente e por hobby.

Também visito todos os dias os sites LensCulture, British Journal of Photography e National Geographic. Alguns deles não têm atualização diária, mas sempre há alguma série nova sendo publicada ou mesmo no arquivo do que já foi publicado e que vale a pena rever.

Aos finais de semana, assisto no mínimo a quatro filmes. Como guia, utilizo o Letterboxd, onde acompanho listas, recomendações de grandes diretores e o journal, que se aprofunda em alguns temas e também traz recomendações de filmes. Assisto a filmes porque o trabalho de fotografia feito neles (iluminação, cor e enquadramento de cena) influencia a maneira de fotografar. Sem contar que alguns grandes fotógrafos dirigiram filmes, como Agnès Varda e Gordon Parks. Stanley Kubrick também era um excelente fotógrafo.

O impacto disso na minha fotografia é total. Sempre consigo identificar referências nas fotografias que faço. E isso é resultado direto de tudo o que consumo.

Faça essa reflexão. Você é o que consome.

Estava com a edição da minha newsletter com a segunda parte da nossa jornada de fotografia com intenção pronta para publicar quando li a extensa reportagem que o jornal The Guardian publicou sobre como a plataforma tem faturado com newsletters que promovem conteúdo de ódio. Para ler, clique aqui.

Não que eu pensasse diariamente nisso, mas não me surpreendi de forma alguma. E o motivo é simples: o Substack é uma empresa de tecnologia como qualquer outra. Sem comprovação ou qualquer tipo de pesquisa, eu posso afirmar que, pelo menos em relação à comunidade de usuários brasileiros, a maioria migrou, e ainda migra, para cá como resultado do cansaço de redes como Instagram e Twitter.

Essa ação, somada à maneira como a maioria das pessoas se comporta nessa plataforma, com bastante educação, interesse, mantendo diálogos e produzindo conteúdos de qualidade, criou a falsa sensação de que o Substack é uma espécie de Shangrilá, ou uma Terra Prometida digital. Pra mim, nunca foi. Em 2023, o jornalista Jonathan M. Katz escreveu o texto “Substack has a Nazi problem” no site da revista The Atlantic. O próprio The Guardian já tinha abordado o assunto em 2024.

Estou na internet desde que aqui era mato digital. Meu primeiro acesso foi em 1995. Vi todas as transformações possíveis até aqui. E eu também migrei para cá devido a esse cansaço das plataformas pertencentes às big techs. Porém, eu jamais me iludi de que aqui seria um lugar livre dos mesmos problemas das outras redes. A única vantagem real temporária do Substack é que ele é pequeno e insignificante perante as outras redes, das quais ou saímos ou abandonamos parcialmente. Atualmente, o Twitter declara ter 600 milhões de usuários ativos. A Meta afirma ter 3 bilhões de usuários ativos no Instagram. Segundo a reportagem, o Substack declara ter 50 milhões de usuários. É menos de 10% da rede pertencente a Elon Musk e um grão de areia perante a antiga rede de fotos.

Essa sensação de estar criando uma comunidade livre de problemas está presente em muitos que frequentam aqui. Quando um post que passa na minha timeline no Notes elogia o Substack como se fosse esse lugar idílico, eu tenho vontade de responder dizendo: “ei, acorda pra vida”. Mas penso: “quem sou eu pra julgar?”. E sigo em frente. Talvez a timeline dela seja como a minha, onde somente conteúdos interessantes passam por ela. Sair de onde saímos faz com que o sentimento de que ainda é possível ser feliz na internet aflore.

Encaremos a realidade com os nossos dois pés virtuais no chão de bytes: o Substack é uma empresa de tecnologia, e não uma comunidade hippie. E, se é uma empresa, ela vai buscar lucro de todas as formas. Ela tem custos altíssimos para funcionar. Funcionários para remunerar. E ela, assim como nenhuma outra, vai se pagar apenas com boas intenções ou “conteúdo de qualidade”. Agora é sobre conteúdo de ódio. Em seguida, virá a venda para outra big tech; depois (com a venda ou não), virá muita publicidade no Notes e no meio das nossas newsletters (virá, podem me cobrar); e, por fim, chegará a nossa frustração com mais um espaço que era tão legal no começo, mas “virou o que virou”.

O Substack não é a melhor rede social que existe, nem melhor do que todas as outras. Pode estar sendo agora, devido ao cansaço que sentimos e à comparação em relação às demais. Ele é apenas uma micro rede social pronta para piorar assim que for possível. E não existe lugar seguro na internet, a menos que você crie o seu. E olhe lá.

Somos nômades digitais que migramos de plataforma assim que ela piora muito. Por enquanto, vou ficar aqui, e isso não significa apoiar conteúdo de ódio. Assim como o fato de as pessoas permanecerem no Instagram não significa apoio aos posicionamentos recentes de Mark Zuckerberg. O mesmo vale para o ato de ouvir músicas e podcasts no Spotify, que não significa endosso ao projeto de Daniel Ek em construir drones para fins militares.

Mas estejamos com nossas malas sempre prontas para nos mudarmos assim que esse lugar piorar.

Volto depois do carnaval

Como eu disse a edição normal dessa newsletter já está pronta. Mas, ao invés de enviá-la na próxima segunda-feira, em pleno carnaval, vou enviá-la na outra segunda-feira dia 23 de fevereiro.

Essa edição da minha newsletter marca o início de uma série em que vou falar sobre fotografar com intenção. Não se trata de filosofia barata. Tive essa ideia porque eu mesmo estou muito cansado de consumir conteúdo extremamente técnico sobre fotografia ou de lidar com um volume gigantesco de material sobre equipamentos: melhor câmera, melhor lente, etc.

Caminhando para o meu décimo quarto ano como profissional, e tendo visto tanta coisa acontecer nessa área nesse meio tempo, afirmo sem medo: equipamento ajuda, sim, e muito. Porém, não é o mais importante. Ter a última câmera, a última lente lançada (ou o último smartphone) não é tão determinante quanto conhecer e compreender o ato de fotografar.

A minha crença ultrapassa — mas não descarta nem despreza — o estudo da fotografia. Inclusive, a minha graduação é em fotografia. Estudei e participei de centenas de horas de cursos com grandes fotógrafos, como J.R. Duran, Cristiano Mascaro, Maureen Bisilliat, Bob Wolfenson e Marcio Scavone, a quem já citei em uma newsletter anterior como uma das maiores influências na minha fotografia. Portanto, para além do estudo técnico, acredito em uma prática baseada em sentido.

Outra inspiração para essa produção é a minha experiência com práticas de atenção plena. Em 2025, passei mais de 156 horas, o equivalente a mais de seis dias, em atividades de meditação. Isso mudou a maneira como encaro praticamente tudo na minha vida. E com a fotografia não foi diferente. Ao olhar para as fotos que produzi no ano passado, fica claro o quanto a prática de atenção plena fez diferença para mim. Essa prática vai atravessar o conteúdo desta série.

É essa a abordagem do que vou compartilhar com vocês. Sintam-se à vontade para me escrever com dúvidas e questionamentos. Ficarei muito feliz em ajudar.

Capítulo 1

Onde você está quando está fotografando?

Em 2026, vivemos em um mundo onde a nossa atenção é disputada a cada milésimo de segundo. Notificações de aplicativos, barulhos diversos, cores chamativas, propagandas em todos os lugares. A chamada “economia da atenção” funciona a pleno vapor, e acabamos aprendendo a conviver com isso.

Até alguns anos atrás, eu poderia escrever que isso acontecia principalmente nas grandes cidades. Hoje, isso não é mais verdade. Cidades menores também têm passado por esse processo. No ano passado visitei algumas delas e, sim, em muitos momentos, há estímulos demais tentando capturar a nossa atenção.

Para fotografar, porém, é preciso atenção. Muita atenção. É preciso deixar tudo de lado e direcionar o foco para encontrar uma cena, enquadrá-la e registrá-la. Isso vale para qualquer tipo de fotografia, mas aqui estou me detendo especialmente na fotografia feita na rua, incluindo paisagens.

É muito raro eu acertar uma foto de forma abrupta. Ao longo de todos os anos em que fotografo, isso deve ter acontecido uma ou duas vezes. Em todas as outras ocasiões, só consegui fotografar porque estava atento e presente naquele momento. Como comentei acima, na rua existe todo tipo de distração. E, se você não estiver com a intenção de fotografar, se não estiver prestando atenção ao ambiente e às cenas que estão acontecendo, a foto simplesmente não vai acontecer.

Para conseguir uma boa fotografia, você precisa saber como presta atenção — ou em quê costuma prestar atenção. Quando sai de casa com a intenção de fotografar, é preciso olhar para o que está acontecendo ao redor e nada mais. É nesses momentos que você percebe, por exemplo, uma pessoa andando com um cachorro em uma espécie de contraluz; então pega a câmera do celular e faz a foto. Ou, se estiver em uma estação de trem, percebe algo diferente e registra.

Portanto, o meu conselho é simples: vá fotografar com intenção. Seja um prato de comida na sua casa, uma cena de rua ou uma paisagem. Quando pensar em fotografar, esteja presente. Se possível, tente visualizar antes como você quer que aquela foto fique no final. Em seguida, faça o enquadramento e aperte o botão. Eu sei que, em cenas de rua, na sua cidade ou em viagem, muitas vezes o instinto prevalece. Ainda assim, esteja presente, observe e faça a foto.

No próximo capítulo, vou falar sobre fotografar sem fotografar e como isso faz diferença na hora em que você finalmente faz a imagem.

A fotografia com mais de mil curtidas

Graças a vocês que me assinam ou me seguem no Notes, essa foto hoje tem mais de 1.100 curtidas. Nunca, em nenhuma plataforma que utilizei na internet para mostrar minhas fotografias, um trabalho meu recebeu, e continua recebendo, tanta atenção. Inclusive, recebi mais de dez pedidos de compra da cópia para impressão, vindos de diferentes lugares do Brasil. Se você fez parte disso, meu agradecimento é sincero.

Por toda essa atenção, acho que vale contar como essa foto aconteceu. Eu a fiz em janeiro de 2014, durante uma viagem de férias de final e começo de ano com a minha filha (então um bebê de quase dois anos) e a mãe dela. Fomos para Recife, Olinda, Ipojuca (Porto de Galinhas) e Maragogi. Foi uma viagem importante porque foi a primeira vez que visitei a cidade natal da minha mãe, recifense, nascida no bairro de Casa Amarela.

Naquela época, eu era muito influenciado e consumia bastante o material da tristemente encerrada revista National Geographic. Minha escola de fotografia de viagem vinha das revistas, guias e livros publicados por eles. Seguindo uma das recomendações, estudei previamente os lugares por onde pretendia passar. O Google Maps já contava com recursos integrados ao Google Earth, e pude “caminhar” virtualmente pelas ruas. Assim, escolhi onde queria fotografar e decidi que faria uma série apenas com portas de casas antigas.

Quem conhece Olinda sabe das suas ladeiras. Minha filha estava no carrinho, e vivíamos o típico calor pernambucano. Já tínhamos almoçado e resolvemos voltar para o hotel, em Recife. Para isso, precisávamos descer da parte alta e histórica da cidade até a parte baixa. Durante esse deslocamento, eu observava atentamente as portas para a minha série.

Foi nesse momento que, olhando pela rua, vi um menino descendo a ladeira correndo, perigosamente, pela calçada com degraus. Eu estava em frente a uma casa que não entraria na série, pois não a achei interessante. Ainda assim, ela era neutra o suficiente para tentar fazer a foto. Não houve tempo para configurar a câmera para congelar o movimento, nem para ativar o modo de disparo contínuo. Foi apenas uma tentativa. E deu certo.

Na época, quando cheguei em casa após a viagem, olhei para a foto e não gostei muito. Eu queria ter fotografado o menino mais próximo do centro do quadro. Assim, a imagem ficou arquivada no meu HD por treze anos. Porém, com todos esses anos de experiência, ao revisitar fotos antigas para publicar no Notes, me reencontrei com ela e pensei: uau, ficou legal essa foto.

E foi assim que ela foi parar na timeline de quase 18 mil pessoas, e cerca de 10% delas gostou tanto que resolveu interagir de alguma forma.

Obrigado a todas e todos

Em dezembro, houve um aumento expressivo de novos assinantes. Acredito que isso tenha acontecido, em parte, por causa do final do ano, que trouxe um número grande de novos usuários migrando de outras plataformas para cá. Fico feliz com isso e espero que gostem do que vão ler e ver por aqui.

Obrigado e até a próxima edição.

Nos últimos dias, tive três ideias para esta que é a última edição de 2025: dicas para fotografar suas férias, memórias fotográficas e plataformas para publicar fotografias em 2026. Escrevi os textos, coloquei nos rascunhos e deixei para escolher no dia da publicação.

Mas, fazendo uma reflexão, optei por um quarto tema: um agradecimento a quem é assinante, a quem me segue no Notes ou a quem interagiu com alguma das fotos que publiquei. Faço isso porque colocar minha atenção aqui no Substack foi a melhor coisa que fiz como fotógrafo em 2025. Comecei aqui em 2022, parei em 2023 e 2024 e, no dia 1º de janeiro, decidi que esta seria “a” rede social que eu usaria.

Não fiz isso pensando em ser grande por aqui. Fiz porque sou veterano de internet (comecei em 1998) e cansei das outras plataformas pelos motivos que todos sabem. Por isso, também não adoto nenhuma estratégia de engajamento, crescimento ou truques para aumentar o meu número de assinantes, seguidores, likes, restacks etc. Eu apenas posto no dia e na hora que eu quero. Por ser fotógrafo e videomaker profissional, sou obrigado a “estar presente” em todas as outras redes mais conhecidas, e faço isso. Mas não estou ativo. Apenas “jogo” conteúdo lá e saio. Minha dedicação é zero.

Foi assim que percebi que o que escrevo sobre fotografia e as minhas fotos têm chegado a cada vez mais pessoas. Vejo isso pelas notificações quando acesso a plataforma e também pelos avisos de novos assinantes que chegam por e-mail. Não leio os dados estatísticos. Não sei dizer quanto cresci percentualmente. Não tenho interesse em ficar olhando para esses dados. Quero usar isso aqui como era antigamente. Respeito quem produz conteúdo voltado para criadores, mas não tenho interesse. Meu objetivo aqui no Substack é compartilhar livremente o que penso sobre fotografia e mostrar fotos que fiz. Se você gostar também, vou ficar feliz.

E todas essas interações foram me motivando a fotografar mais na rua. Fazia muitos anos que eu não fotografava tanto na rua. O desânimo aconteceu porque eu não me adaptei às mudanças de algoritmo, que deixaram de ser realmente sociais. Fui parando porque achava que não havia para quem mostrar. Conforme fui publicando aqui e no Notes, voltei a me motivar, a fotografar mais, e a motivação retornou. Como eu sempre digo, a felicidade de saber que existem pessoas que eu não conheço pessoalmente e que gostam genuinamente do que eu fotografo não tem preço.

E essa é a razão desta edição de agradecimento. A todas as pessoas que leram o que escrevo, viram as fotos que publico e pensaram: “quero receber mais disso”. A todas as pessoas que, no Notes, dão likes, compartilham e comentam algumas fotos. E também às pessoas que trocam e-mails comigo, aprofundando a reflexão sobre algumas imagens. Vocês me motivaram a fotografar na rua novamente. A todas e todos vocês, muito obrigado.

Volto com esta newsletter na segunda semana de janeiro.

Já tem alguns anos que eu participo de manifestações de causas pelas quais eu tenho simpatia. Isso te a ver com o fato de eu ter sido um jovem que, embora bem informado, não me envolvi nesse tipo de ação. Parte porque a minha geração foi jovem no final dos anos 1980 e começo dos anos 1990, período em que existiam sim grandes mobilizações mas que pelo contexto da época a minha geração engajou. Sim, eu fui da geração dos “cara pintadas”, mas eu não me motivei em participar. Pelo menos para o meu eu jovem, morador do Conjunto Habitacional José Bonifácio no bairro de Itaquera, periferia de São Paulo, parecia muito coisa de “mauricinho e patricinha” (quem lembra dessas expressões?).

Depois de velho e já fotógrafo, comecei a ir manifestações e percebi que era uma forma de eu me engajar em pautas que me mobilizavam ou pelas quais eu tenho simpatia. E, sem dúvida, o combate à violência contra as mulheres é uma delas. E aqui não utilizo minha filha como “token”. Claro que é para que ela possa viver em um mundo onde ela não corra o risco de ser morta por ser mulher, mas é também porque se trata de uma atrocidade um ser humano ser morto por causa do seu gênero. É abominável, odioso.

Na última sexta-feira, ouvindo o podcast Medo e Delírio em Brasília eles deram espaço para uma das mulheres que faz parte do movimento Levante Mulheres Vivas que estava divulgando o primeiro ato delas que aconteceria em diversas cidades e também na avenida Paulista em São Paulo. Mesmo cansado da jornada de fim de ano com muitos trabalhos de cobertura de eventos, me organizei para ir porque era muito importante. O momento é terrível. Não há dúvidas de que vivemos sim uma epidemia de feminicídios onde homens matam mulheres de forma cada vez mais violenta. Somente ontem, poucas horas e a poucos quilômetros do local do ato, uma mulher foi brutalmente assassinada pelo marido que não aceitava o fim do casamento. Tudo isso na frente da filha de apenas 11 anos. E que de certa forma se torna já nessa idade mais uma vítima desse ato brutal.

Fotografei os cartazes com pedidos de socorro e apelos para que nós homens héteros cisgenero interrompamos essa violência. Pra mim foi impossível não trazer comigo além das fotos em si, as imagens principalmente de crianças que carregavam cartazes. Meninas como aquela que presenciou o pai esfaqueando a mãe dela a alguns quilômetros dali.

Acredito muito que um dos papéis sociais da fotografia é nos colocarmos à disposição de registrarmos e espalharmos a mensagem. Esse é um mundo onde todos temos câmeras nos bolsos. Mas nós que somos profissionais temos capacidade de colocar o nosso olhar para criar documentos fortes e expressivos que façam com que as pessoas compartilhem essas mensagens que estavam nos cartazes. Se uma dessas imagens fizer um homem parar, refletir e mudar seu comportamento, talvez tenhamos ajudado a salvar uma ou mais vidas de mulheres que estava destinadas a morrer.

Todas as fotografias publicadas aqui são de minha autoria e foram feitas no espaço público no contexto do ato em defesa das mulheres organizado pelo movimento Levante Mulheres Vivas.

EXPOSIÇÃO AGNES VÀRDA

Visitei a exposição “Fotografia AGNÈS VARDA Cinema” no IMS-SP. Mostra excelente que mostra o lado mais voltado pra fotografia da diretora belga. Foi muito bom passear pelas fotografias que ela fez em países como Cuba, China, Cuba, Estados Unidos, França e Portugal.

Estava muito cheio, o que me deixou feliz por ver mais uma exposição de fotografia com tanto público assim. Fiquei pensando se o cansaço de tantas fotos ruins compartilhadas por aí e o excesso de imagens criadas por IA não está tendo um efeito sobre isso.

OBRIGADO PELA LEITURA

É impossível não terminar mais essa edição da minha newsletter agradecido. Praticamente todo dia chega uma pessoa nova como assinante, outras me seguem no Notes, além dos comentários sempre elogiosos que recebo nas fotos que compartilhar. Isso me faz ter vontade de escrever e compartilhar meus pensamentos sobre fotografia e a s minhas fotos também.

Então, muito obrigado.

O ano era 2014 e eu tinha pouco mais de dois anos como fotógrafo “sério” e não mais apenas uma atividade amadora. Eu estava sedento por me aprofundar em tudo o que havia sobre fotografia, incluindo a produção de séries, projetos e ensaios. Eu queria ter algo para chamar de meu, uma ideia original e ser reconhecido por ela. Algo totalmente autoral.

Eu sou apaixonado por música. Do tipo que lia a revista Bizz nos anos 1980, ouvia a saudosa rádio Brasil 2000 no começo dos anos 1990 e chegou a ter milhares de CDs em casa (doei tudo). Hoje apresento um podcast junto com mais dois amigos falando sobre música, o Discopatas, disponível em todas as plataformas de streaming.

Voltando a 2014, fiquei pensando em como eu poderia juntar as duas coisas que eu gostava muito: fotografia e música. E não achava nada, não conseguia pensar em nada. Foi quando vi uma reportagem sobre o maior colecionador de discos do Brasil. Era uma reportagem do New York Times que o mostrava dentro de um depósito lotado de discos. Então pensei: “peraí, o vinil está voltando. Acho que fotografar essas pessoas que gostam desse formato seria ótimo”.

Sem exagero, dei um pulo do sofá e falei em voz alta: é isso, vou fotografar colecionadores de discos de vinil. Na mesma hora fui para o computador e mandei um e-mail na Poplist, da qual eu fazia parte e ainda faço. Na época era um grupo de e-mails e hoje é um grupo de WhatsApp, onde muita gente tinha discos. Anunciei a ideia. Todos gostaram e alguns toparam participar. Mas os que toparam não eram de SP. Mesmo assim, o interesse pela ideia me deixou animado e fui falar com mais pessoas.

E assim nasceu “Colecionadores de Vinil”, com esse nome mesmo. Comecei a receber sugestões de nomes de pessoas que tinham coleções e fui atrás. O primeiro a topar foi o Luciano Kalatalo, grande incentivador não só da ideia do projeto como da minha própria fotografia. Até hoje, de vez em quando, ele me manda algum link com ideias de projetos que podem ser replicados ou que sejam interessantes.

Eu estava muito motivado. Fui atrás de outros dois conhecidos (Roberto e Alessandro) que moravam perto de mim e que também tinham suas coleções e praticamente invadi as casas deles para fazer as fotos. Já tinha três sessões feitas em menos de uma semana. Foi incrível.

Então, no auge da empolgação, tive uma sensação esquisita. Pensei: essa ideia é boa demais, será que alguém já não fez isso antes? Fui ao Google e pesquisei. Não havia nada feito no Brasil. Mas existia uma série sendo feita desde 2008 nos EUA pelo fotógrafo Elion Paz. Era exatamente a mesma ideia. Nunca senti um desânimo tão grande. Pensei em desistir. E realmente cheguei a desistir. Enviei um e-mail para as pessoas que eu já tinha fotografado dizendo algo como: “infelizmente não vou poder publicar as fotos, tem um cara nos EUA que já faz isso há aproximadamente cinco anos, então estou desistindo…”

Ninguém concordou. Novamente, o Luciano Kalatalo, entusiasta da ideia, me mandou uma mensagem dizendo “não desiste cara, não tem nada a ver isso. Manda um e-mail para o cara e explica…”. Aceitei o conselho porque, apesar de ter desanimado, eu gostava muito do que estava fazendo e até então achava que era inédito.

Então enviei um e-mail para o Elion Paz. Me apresentei, expliquei o que estava fazendo e perguntei se, para ele, estava ok eu continuar desde que eu me restringisse ao Brasil. Olhando o site dele, havia fotos de colecionadores de outras partes do mundo, mas não havia brasileiros. Não tive resposta. Encontrei uma fan page do projeto no Facebook. Deixei comentários e enviei mensagens privadas. Nada.

Fiquei pensando por uns dias e então resolvi que iria continuar. Eu estava em paz com a minha consciência. Eu não tinha ideia de que havia alguém fazendo algo semelhante. Resolvi seguir em frente e comecei a publicar as fotos que já tinha feito. Segui marcando com outros colecionadores.

Olhando em retrospecto, “Colecionadores…” foi uma das coisas mais legais que eu fiz. Tive contato com pessoas muito legais e ouvi histórias incríveis sobre a relação delas com seus discos. Fiz entrevistas que me dão orgulho porque, mesmo eu não sendo jornalista, ficaram muito bem feitas. Mesmo tantos anos depois eu gosto de ler todas elas.

Ok, mas o que aconteceu com a série? Todos os anos, desde que fiz as últimas fotos em 2015, eu penso: “vou retomar”. E acabo não retomando. Não sei explicar o porquê. Sempre acontece algo e deixo de lado. E acho que resolvi falar desse assunto nesta edição da newsletter como uma forma de me estimular a voltar a fazer as fotos, marcar com novos colecionadores e colecionadoras e encerrar a série como eu gostaria: uma exposição.

Quem sabe você, leitora ou leitor, colecione discos e aceite me receber na sua casa ou onde seus discos estejam guardados para fazermos algumas fotos e você me contar a história da sua coleção. Ou talvez você conheça alguém que seria legal e toparia fazer parte da série.

A série com as fotos e as entrevistas está no meu antigo site e você consegue ver aqui.

E se você mora em São Paulo (ainda não tenho recursos para viagens nesse projeto) e tem uma história interessante com a sua coleção de discos me manda um e-mail: robson.silva@gmail.com

OBRIGADO PELA LEITURA

Obrigado por ler mais esta edição da minha newsletter. Agradeço também a você que acompanha minhas postagens no Notes. É por causa dessa interação que eu escrevo por aqui.

A frase no subtítulo foi escrita pelo fotógrafo Marcio Scavone no livro “Copo de Luz”, onde ele reúne boa parte do seu pensamento e reflexões sobre fotografia. Eu o considero meu mestre. Sempre digo que eu fui um fotógrafo antes e passei a ser outro depois de conhecê-lo, suas fotografias e seu pensamento. Muito do que eu produzo na fotografia vem dele.

A reflexão da foto em cor ou em preto e branco me veio quando publiquei a foto que eu chamei de “O homem dos balões”. Fiquei horas em dúvida sobre se ela deveria ser preto e branco ou em cores. Eu sempre penso as minhas fotos de rua em tons monocromáticos. Assim como Scavone e diversos outros fotógrafos, eu acho que a cor é distração e só deve ser utilizada em último recurso, quando não tem jeito mesmo. Como no caso da foto do homem com os balões. Em preto e branco ele desaparecia. Em cores ele “aparece”.

A fotografia nasceu preto e branco. Desde a sua invenção, quando a primeira imagem foi fixada, a imagem era monocromática. E foi assim do final do século XIX até meados do século XX, quando a fotografia em cores começa a se tornar viável e se populariza. Logo, o fato de uma fotografia não ser em cores não a torna mais artística. É apenas uma forma de expressão.

Porém, esse conceito se misturou com o passar do tempo. Imagens em cores passaram a dominar o dia a dia das pessoas. E o preto e branco foi sendo relegado, primeiro, a um tipo de filme mais barato que ninguém queria. Depois, foi ficando reservado aos fotógrafos mais “artísticos”.

Quando a fotografia digital se populariza no início dos anos 2000, ele praticamente desaparece, embora a opção de fotografar em monocromático sempre tenha sido mantida pelos fabricantes em formato de filtros, com raras exceções, como a Leica M, que não tem a opção em cores, um dos fatores que a colocam como uma câmera exclusiva e um item de luxo. O modelo M11 custa aproximadamente US$ 18.000,00.

Na minha fotografia de rua eu enxergo tudo em preto e branco antes de mais nada. Uma das coisas que me incomoda nos celulares é ter que instalar um aplicativo para enxergar a imagem em preto e branco quando estou fotografando. Quando vou para o computador, eu começo o tratamento em preto e branco e, salvo em alguns casos, mudo para cor.

A título de informação: eu sempre fotografo em negativo digital (raw ou dng) e nunca em .jpg. É assim que eu tenho a liberdade garantida de mudar a minha escolha na pós-produção. Mas eu sempre fotografo como eu enxergo o mundo: em preto e branco. Porque eu acredito que existe uma variedade infinita de tons monocromáticos que são ricos de significado. O mundo já é muito colorido. Vivemos olhando telas coloridas o tempo todo. O uso da cor nas imagens é como se houvesse uma legenda explicando aquilo que ela é ou pretende ser. Limita a imaginação. Às vezes não é possível escapar dela. Mas me sinto muito mais confortável fotografando um mundo com mais paz e quietude. Um mundo em preto e branco.

“As locomotivas são pretas.
O carvão é preto.
Os trilhos são negros.
A noite é negra.
O que que eu vou fazer com a cor?”

O. Winston Link

OBRIGADO PELA LEITURA

Como sempre, eu agradeço a você pela leitura dessa newsletter. Cada comentário aqui, por e-mail ou no Notes me motiva a compartilhar semanalmente meus pensamentos sobre fotografia. Vamos manter essa conversa.

Isso aconteceu porque ela veio aqui em casa e eu falei: “Vou te mostrar as fotos da viagem que fiz”. Conectei o tablet na TV e mostrei uma seleção de 36 fotos (tal qual o rolo de filme) que ainda não publiquei, além do vídeo que fiz com o drone. A reação foi ótima. Ficamos horas comentando sobre as cidades, gastronomia, situações e paisagens. Adorei a experiência e resolvi repeti-la com mais um casal de amigos no final de semana seguinte. O resultado foi o mesmo: surpresa por não saberem da viagem e diversão ao vermos as fotos.

Já Mariana, minha filha, sabia que eu tinha ido viajar. Quando nos encontramos, fiz o mesmo: mostrei as fotos e passamos o nosso tempo juntos conversando e dando início a um possível planejamento para viajarmos juntos pelo interior do Brasil no ano que vem. Sim, porque ao ver as imagens e me ouvir contar sobre essas outras cidades que fotografei, ela disse: “Pai, parece que todos os lugares que você foi eram fora do Brasil”. Do alto dos seus 13 anos e da vivência de menina urbana nascida em São Paulo, ela começa a perceber que nosso país é muito mais diverso do que a escola ou as redes sociais mostram.

Nos demoramos muito tempo tentando entender por que no Rio Grande do Sul chamam banana nanica de banana caturra. Ou por que nós chamamos de banana nanica e não de banana caturra. E não, não fomos ao ChatGPT. Fomos ao velho Google e procuramos vídeos no YouTube, porque sim.

Fico pensando em que momento da história recente nós aceitamos que, se não publicamos, não existimos, não fizemos, não aconteceu. Claro que não estava fazendo nenhuma pesquisa antropológica. Eu apenas fiz aquilo que nós, humanos, sempre fizemos desde que a fotografia se popularizou no início do século XX: escolhi as fotos e mostrei.

Um outro amigo me disse que o que eu tinha feito, na verdade, era um “evento exclusivo”. Evento exclusivo…

Eu bem que poderia ter postado todas as fotos que fiz. Nada me impedia de fazer isso. Mas a lógica do estar online mudou. Não somos pessoas, e sim “creators”. Logo, se eu fizesse uma série de publicações, teria que tê-las tagueado corretamente, investido algum dinheiro em posts patrocinados para que as plataformas fizessem essas fotos (talvez) chegarem a pessoas conhecidas.

Tem sido uma experiência muito boa reter a atenção das pessoas no mundo offline com fotos. E, por mais que tenha mostrado sempre as mesmas 36 fotos e o mesmo vídeo, eu mesmo acabo me lembrando de coisas diferentes em cada uma dessas oportunidades. Vou continuar fazendo isso sempre. E recomendo que você faça o mesmo. É uma ótima experiência.

Obrigado!

Sou grato a você que tem lido essa newsletter. Eu só escrevo porque sei que alguém lê. Por isso vale a pena. Muito obrigado e até a semana que vem.

Cheguei em casa, descarregamos o cartão e fui olhar o que tinha feito. Quando vi essa imagem, tive uma boa sensação. Gostei do que vi.
Eu nunca tinha ouvido falar em Photoshop ou em pós-processamento de imagem. Eu vi a foto e gostei do jeito que ela ficou.

Não que dali em diante eu tenha ficado alucinado para ter uma câmera. Nem pensei mais naquilo. Apenas gostei da sensação e, quando tive outras oportunidades de usar aquela câmera, eu pegava e usava, sem pretensão alguma, a não ser ver a foto depois e pensar: “que legal”.

Em 2007, comprei minha Sony Cybershot, minha primeira câmera digital. Nesse momento, eu já gostava de fotografia como hobby. E a decisão de fazer mais fotos veio como uma evolução natural do desejo de sentir novamente aquela sensação de olhar uma foto e pensar: “que legal”.

E assim foi, mesmo depois de eu começar a fotografar profissionalmente (o momento em que me ofereceram dinheiro em troca de uma foto), em 2012. E é assim até hoje.
Sou fotógrafo profissional, formado em Fotografia e pós-graduado em áreas relacionadas; às vezes dou aulas e palestras. Mas mantenho a fotografia como hobby.
Ter me tornado fotógrafo profissional aconteceu por acaso: as pessoas começaram a me oferecer dinheiro para eu fazer isso e eu fui.

Em 2021, quando me vi sem emprego e já com uma idade mais avançada, resolvi arriscar e começar meu próprio negócio. Mas sem jamais deixar de lado os momentos em que eu pudesse fotografar por prazer.

Meu pai era motorista, o antigo chofer. Trabalhou para a presidência de um grande banco e se aposentou nessa função. Era o trabalho dele.
Mas ele gostava muito de carros. Estava sempre mexendo no dele ou no de algum vizinho; sempre havia algo a fazer no veículo nos fins de semana. O capô estava sempre aberto. Era um dos hobbies dele.

Inconscientemente, me tornei igual a ele. Quando não estou fotografando porque alguém está me pagando, estou fotografando na rua por prazer, para chegar em casa, abrir a foto no computador e pensar: “que legal”.
Esse é meu hobby na fotografia.

Não faço fotografia de rua para “monetizar”, para ganhar seguidores ou seja lá o que for. Faço fotografia de rua porque eu gosto. Simples assim.
E o processo é esse mesmo: faço as fotos, levo para casa e faço todo o tratamento no computador. Primeiro escolho a que ficou melhor, depois passo pelo Lightroom, faço ajustes no Photoshop e olho.
Se gostei, compartilho com outras pessoas, incluindo vocês, que leem esta newsletter.

Acredito que o que torna uma atividade um hobby é o descompromisso. Então, embora hoje eu siga um processo mais sofisticado do que simplesmente clicar, como fazia em 2003, meu objetivo final não é guiado por qualquer outra coisa além do prazer de ver aquela foto.
Deixaria de ser hobby se, por exemplo, eu estivesse correndo atrás de números. Só quero me expressar artisticamente e compartilhar isso com outras pessoas. Ponto.

Você nunca me verá celebrando números de visualizações, curtidas, comentários, seguidores ou assinantes (já fui assim, não recomendo).
Porque esse é meu hobby, e eu não vou deixar que a cultura da correria acabe com isso.
Toda foto que compartilho aqui ou no Notes é porque eu gostei muito dela e fiquei feliz em fazê-la. E convido outras pessoas a verem.

Essa parte da fotografia é meu hobby, meu momento de relaxar com uma câmera automática (que hoje está no meu celular).
Assim como tenho outros hobbies, cozinhar, ouvir e discutir sobre música, ler livros. Tudo isso faço sem esperar ganhar algo em troca, a não ser o prazer de fazer essas coisas.

E eu acredito que, se você lê esta newsletter, também goste de fotografia simplesmente porque gosta. E está tudo bem.

E você? O que está fazendo por prazer? Qual é o seu hobby?

Obrigado!

Muito obrigado a você que continua lendo e assinando esta newsletter.
Nunca me canso de dizer (ou pensar) como é bom saber que ainda existem pessoas que gostam de ver fotografias e de ler a respeito.

Obrigado de coração e até a semana que vem.

Sempre achei curioso esse termo: “fotografia de viagem”. Acredito que ele transforma todos nós em exploradoras e exploradores do início do século XX, que enviavam imagens para a revista National Geographic documentando lugares do mundo “nunca vistos”. É uma visão colonialista, a meu ver.

Porque, para quem mora no destino para onde estamos indo, aqueles dias são apenas mais um dia em suas rotinas. Então me pergunto, quando aponto a câmera para alguma cena em algum lugar distante de onde moro e vivo meu cotidiano: o que exatamente estou fazendo? Fotografia de rua? Ou a tal fotografia de viagem?
Não sei. Mas estou pensando (bastante) sobre isso.

Quinta-feira, 2 de outubro

Embarquei com destino a Uruguaiana, na Rodoviária do Tietê em São Paulo, pontualmente às 18h30. Fotografei o ônibus porque sempre faço isso quando viajo. Quando meu pai era vivo, eu costumava mandar uma foto para ele do veículo, comentando sobre a viagem. Sempre penso nele nesses momentos.
Peguei meu assento, coloquei o fone de ouvido e fui assistir a um filme.

O mesmo faço nas paradas. Foi o caso desta unidade da rede Graal, que ainda fica no município de Pariquera-Açu, no estado de São Paulo. Acho esses lugares muito interessantes e, do ponto de vista de estrutura, estão melhorando e aumentando de tamanho a cada ano.

Sexta-feira, 3 de outubro

No outro dia pela manhã, a segunda parada: em Porto Vitória, no Paraná. Uma manhã fria, com garoa fina e uma neblina intensa. Na primeira vez que estive ali, em julho deste ano, estava um dia gelado e um amanhecer muito bonito, que me motivou a decolar com o drone e fazer algumas imagens.
Desta vez, foi o fog que me animou. Achei o clima interessantíssimo e me deu outra perspectiva desse lugar.

Volto para o meu assento e penso em como esses lugares são muito menos “de parada” e mais “de passagem”. Lugares transitórios, ou não lugares.

À tarde, nova parada, desta vez para o almoço, na cidade de Carazinho, já no Rio Grande do Sul: 40 minutos. Circulo pela rodoviária procurando uma cena e não vejo nada. Dou outra volta e vejo um homem que aparentemente se sentou para descansar na solidão silenciosa da rodoviária.

No final da tarde, por causa de um imprevisto, é feita uma parada maior do que a programada na cidade de São Luiz Gonzaga. O filme que eu estava assistindo estava um pouco chato (Uma Noite em Miami), resolvo pausá-lo e desço para comprar um refrigerante. No corredor ao lado, vejo um homem que aparentemente está comprando uma passagem. Achei a cena interessante e consigo fotografá-lo.

Domingo, 5 de outubro

No dia anterior (sábado, 4) eu não fotografei. Dediquei-me a descansar, pegar o kit da corrida (camiseta e número de peito) e evitar andar muito.

Cheguei 20 minutos antes da largada e, para passar o tempo, resolvi fotografar. Levei comigo um iPhone 11, que tem uma câmera excelente e me permitiu fazer boas imagens. Não sou de fazer fotos e vídeos durante uma corrida, mas a manhã estava deslumbrante e foi impossível não registrar alguns momentos — principalmente o instante em que cheguei à imigração e passei correndo.
Sim, atravessei para outro país correndo uma corrida de rua.

A prova foi muito dura. A temperatura chegou a 36 °C e eu “quebrei” na marca dos 12 km. Mas fui até o fim alternando entre caminhada e corrida, e concluí antes do tempo limite de 3 horas.

Segunda-feira, 6 de outubro

Ainda com muitas dores, saio para fazer uma caminhada pela cidade porque preciso me mexer. O dia estava gelado, muito nublado e com sensação térmica de 11 °C, o oposto do dia anterior.
Desta vez, circulo pela cidade com a intenção de fotografar. Consigo fazer algumas imagens e volto a refletir sobre a questão da fotografia de viagem quando vejo um homem “vestido a caráter” e o fotografo.

Terça-feira, 7 de outubro

O dia amanheceu o oposto do anterior: sol e céu azul. Já totalmente recuperado das dores da prova, saio para fotografar a cidade novamente e, desta vez, levo o drone para fazer fotos do alto.
Faço vídeos também, pensando em editar um pequeno filme. Penso também em filmar algumas cenas, mas prefiro não fazer isso e, com os dois pés no chão, concentro-me em prestar atenção às cenas do cotidiano de Uruguaiana.

Quarta-feira, 8 de outubro

Motivado pelas imagens que fiz no dia anterior, acordo cedo e saio novamente pela cidade. Tenho o sentimento de que estou me integrando mais a ela.
Uruguaiana é pequena (cerca de 110 mil habitantes), o que facilita essa sensação. Repito ruas e descubro novos lugares e ângulos.
É mais um dia de sol e céu azul, e presto mais atenção em como a luz ilumina essa cidade.

À tarde, uso o drone para fotografar e filmar o pôr do sol no Rio Uruguai. Gostei muito dessas imagens.

Quinta-feira, 9 de outubro

Resolvi começar a mudar um pouco o foco das minhas fotos. Saio um pouco das cenas de fotografia de rua para começar a fotografar algumas construções da cidade, casas e prédios.
Circulando nos dias anteriores por Uruguaiana, percebi uma dinâmica interessante: casas de madeira que remetem ao início e meados do século XX, construções de arquitetura mais elaborada no centro e alguns edifícios mais “modernos”.

Também descobri a antiga estação de trem de Uruguaiana e fui visitá-la.

Estar em uma cidade tão pequena me motivou a voar mais com o drone, o que resultou em mais fotos e vídeos aéreos.

Sexta-feira, 10 de outubro

Passei a manhã e o início da tarde em Paso de los Libres, na Argentina.
Depois de ter circulado pela cidade correndo na prova do domingo anterior, voltei para caminhar e fazer algumas fotos com mais calma.

Libres, como é popularmente chamada, é uma cidade ainda menor que Uruguaiana, da qual é considerada “irmã”. Tem pouco mais de 50 mil habitantes. Lá, eles respeitam o horário da siesta. Ou seja, entre 13h e 17h a cidade fica completamente vazia. Sabendo disso, cheguei às 10h da manhã e pude ver o exato momento em que a cidade literalmente “parou”.

Também sobrevoei a cidade com o drone, fazendo fotos e vídeos. Inclusive pude ver Uruguaiana do alto, do ponto de vista da cidade argentina.

Sábado, 11 de outubro

Admito que, depois de vários dias, eu estava um pouco sem ideias para fotografar e, pela primeira vez, tive a sensação de já ter visto tudo por estar em uma cidade pequena.

Ainda assim, saí no período da tarde para comprar algumas lembranças para minha filha. Desde 2020, Uruguaiana é conhecida como a capital dos free shops. Existem dezenas de lojas como essas espalhadas pelo centro da cidade. Até pensei em fotografá-las para uma série, mas não encontrei o fio da meada e desisti.
Mesmo sem estar com a intenção de fazer imagens, dei sorte e consegui fotografar essa pessoa na Praça Barão do Rio Branco.

Domingo, 12 de outubro

Meu último dia em Uruguaiana. Talvez por isso, senti-me motivado a sair cedo e dar uma última volta fazendo fotos.
O tempo mudou e começou a chover meia hora depois que comecei a caminhar.

À tarde, porém, o tempo melhorou. O sol reapareceu e me deu a oportunidade de voltar ao rio, na praça onde descobri ser tradição dos uruguaianenses tomar mate (chimarrão) e assistir ao pôr do sol.

Dirijo-me à rodoviária e embarco de volta para São Paulo. Ao longo das 32 horas da viagem (seriam 28, mas o ônibus quebrou), pensei muito sobre o que levamos quando fotografamos em lugares aos quais não pertencemos e onde não vivemos o cotidiano.
Nosso olhar muda. Tudo é contaminado positivamente.
Como estrangeiros, tentamos traduzir e encaixar em nosso olhar aquilo que não entendemos.

A América Sou Eu — Gordon Parks no IMS-SP (primeira visita)

Visitei a mostra de Gordon Parks no Instituto Moreira Salles (IMS-SP). Fantástico. E já confirmo que será a primeira de uma série de passagens pela exposição. Tem muita coisa para ver nos dois andares onde os trabalhos do fotógrafo norte-americano estão expostos.
Minha ideia é ir uma vez por mês e olhar com calma os espaços.

Por enquanto, deixo como destaque uma pequena fotografia que está em uma das vitrines, junto com revistas e outros itens. É uma imagem de Stokely Carmichael feita pelo fotógrafo Januário Garcia em frente a um monumento a Zumbi dos Palmares, em 1986.

Um grande fotógrafo negro, retratando um dos líderes do Movimento dos Direitos Civis nos Estados Unidos diante de um monumento de um dos maiores mitos da negritude brasileira, sendo essa imagem pertencente à Fundação Gordon Parks.

Só essa tridimensionalidade histórica desse pequeno retrato, pequeno no tamanho, mas gigante no significado, já vale a sua (primeira) visita.

Agradecimento

Todos os dias chega pelo menos um(a) assinante novo(a), e eu só tenho a agradecer.
Não vou mentir: fico surpreso em imaginar alguém lendo as coisas que escrevo sobre fotografia e clicando no botão assinar.
Ao mesmo tempo, me dá muita motivação saber que há tantas pessoas que gostam das minhas fotografias e do que escrevo.

Novamente, muito obrigado!

Semana passada, um perfil deixou a seguinte pergunta no espaço de comentários de uma foto que eu postei no Notes:

“Você pede autorização para fotografar as pessoas na rua?”

Achei que seria um bom tema para discutir aqui na newsletter com vocês, e de certa forma poderia ser uma continuação da edição onde falei sobre a série de fotografias de pessoas se beijando no espaço público.

Primeiro, vamos à lei (ora, a lei). A Constituição brasileira coloca o direito à privacidade que todos nós temos acima dos demais interesses. O art. 5º, inciso X dispõe que são invioláveis “a intimidade, a vida privada, a honra e a imagem das pessoas, assegurado o direito à indenização pelo dano material ou moral decorrente de sua violação.”

Também o inciso V protege “honra e imagem” como direitos da personalidade, e o inciso XXVIII trata da “proteção às obras intelectuais”, que remete aos direitos autorais.

Ou seja, na prática, fotografar uma pessoa que esteja na rua/espaço público, de acordo com a lei, é proibido. Mas, e como fica a liberdade de criação e expressão artística?

Bem, ocorre que a liberdade de expressão também é um direito garantido na Constituição. Como você pode imaginar, chegamos a uma espécie de zona cinzenta — que é justamente onde quem faz fotografia de rua no Brasil acaba navegando.

Existe jurisprudência dizendo que “não configura violação ao direito à imagem a publicação de fotografia tirada em local público, ilustrando matéria não depreciativa, em que não há identificação ou referência à pessoa do fotografado.”

Assim como uma pessoa processou um fotógrafo por ter sido objeto de uma fotografia de rua publicada no Facebook, e o juiz decidiu que a ação era improcedente porque a foto não se demonstrou uma ofensa ou uso ofensivo.

Meu critério é jamais expor pessoas ao ridículo ou mostrá-las em situações desfavoráveis.

Recentemente, durante a viagem que eu fiz a Uruguaiana, eu passava pela rua quando vi uma mulher na sacada do andar de cima de uma casa. Ela estava de robe e, calmamente, tomava o seu chimarrão. Seria uma foto muito interessante. Porém, por ela estar de robe, achei melhor abrir mão da foto — mesmo considerando que a chance de ela encontrá-la fosse mínima.

E o que acontece se a pessoa que eu fotografei encontrar a foto publicada e decidir exercer o seu direito à privacidade? Nunca aconteceu comigo.

Mas, se acontecer, minha primeira atitude será tirar a foto do ar — que é o que também manda a jurisprudência. Do contrário, estarei “convidando” a pessoa a uma disputa judicial, o que eu jamais teria interesse em fazer.

Pedir autorização para fazer fotografia de rua tira completamente o propósito da prática. Você vê a cena e precisa fazer a imagem antes que a pessoa se mova. Logo, não faz sentido.

Ir até a pessoa e dizer: “oi, olha só, eu fiz uma foto sua” também é muito difícil.

Eu fotografo de longe, na maioria dos casos. Me aproximar das pessoas implicaria, muitas vezes, correr atrás delas — o que me faria perder outras imagens que muitas vezes acontecem na sequência.

Sou fotógrafo há 13 anos e já tenho uma certa bagagem que me permite ter noção do que é ou não expor alguém ao ridículo ou algo assim.

Inclusive, não é o que eu busco nas minhas imagens. Na fotografia de rua, eu procuro me expressar artisticamente. Logo, faço isso com muito respeito às pessoas que, mesmo sem saber, me ajudam a compor fotografias que eu olho e penso: “essa foto ficou boa”.

Na próxima semana

Essa edição da newsletter foi escrita durante a minha viagem de volta de Uruguaiana no Rio Grande do Sul para São Paulo. Fiquei 10 dias na cidade gaúcha e, se você me segue no Notes, percebeu que postei algumas imagens que fiz lá. Tive muito tempo livre, explorei a cidade fotografando do chão e do alto por drone. E é sobre essa experiência que será a newsletter da semana que vem.

Obrigado a você que assina essa newsletter e a você que passou a assiná-la na última semana. Saber que eu tenho leitoras e leitores me motiva a escrever.

A verdade é que essa ação já era esperada há alguns anos. O que atrasou a medida foi um post da Kyle Jenner em 2022, reclamando que o app da Meta estava se tornando o TikTok, numa clara alusão ao fato de que o Instagram estava priorizando mais vídeos do que fotos.

Naquela época, o movimento de Mosseri direcionando o Instagram para rivalizar com o TikTok, transformando-o em uma plataforma de vídeos verticais, era evidente e incomodava muitos usuários que ainda tinham interesse em postar e ver fotos. Mas a plataforma chinesa estava tirando público deles, o Reels não conseguia rivalizar e algo precisava ser feito.

A irritação dos usuários foi cristalizada na postagem de Kyle, a segunda maior conta da plataforma na época, que claramente repercutiu mal e obrigou Mosseri a publicar um vídeo dizendo: “calma, fotos ainda importam, etc.” Pesou também o histórico da influenciadora que, com uma publicação de uma linha (“Então, ninguém mais abre o Snapchat? Ou só eu... que triste isso”.) fez o Snapchat perder quase US$ 5 bilhões em um único dia em 2018.

Dois anos e centenas de mudanças de algoritmo depois, o CEO da plataforma aproveita a comemoração pelos 3 bilhões de usuários ativos para dizer abertamente que o Instagram não é mais uma rede de fotografias, e sim uma plataforma de vídeos verticais e trocas de mensagens privadas.

É o fim de uma era e não deixa de ser mais um prego no caixão da fotografia como a conhecíamos. Depois da IA varrendo do planeta uma parte das práticas fotográficas, agora um espaço popular onde você ainda poderia mostrar suas fotos deixa de existir com esse objetivo.

É a primeira vez em quase 30 anos de internet que a fotografia digital se encontra sem um espaço popular. Se lembrarmos a história, começamos ali em 2002 no Fotolog, depois veio o Flickr em 2004 e o próprio Instagram em 2010. E sim, eu sei que existiram e existem outras iniciativas como Tumblr, VSCO, Vero e o próprio Substack, entre outras — mas nenhuma delas chegou perto da popularidade dos citados anteriormente. É também a primeira vez em que não acontece uma migração de fotógrafos de uma plataforma para outra, como aconteceu nos casos do Fotolog e do Flickr. Agora, a empresa decidiu diminuir o espaço e a visibilidade das fotografias para quem usa o aplicativo.

E o que restou para nós que gostamos de fotografar e/ou que queremos um lugar onde muitas pessoas vejam nossas fotos?

Por enquanto, nos resta aceitar que esses lugares não existem mais. E que, quem ainda gosta de ver fotografias se tornou uma espécie de colecionador de discos de vinil — que, ao longo dos anos em que o CD e depois o MP3 aniquilaram a indústria de discos, ainda garimpava em sebos e nas últimas lojas que resistiram, continuaram vendendo e até estimularam o retorno de alguns fabricantes de vinil e lançamentos. Mas jamais voltou — ou voltará — a ser o que foi até o final dos anos 1980.

E é aqui que essa newsletter entra: como uma lojinha de discos de vinil com uma portinha escondida no fundo de uma galeria. Seguirei “sendo resistência”, publicando minhas fotos aqui e no feed do Notes (enquanto ele existir).

Não deixa de ser curioso que a fotografia tenha durado apenas 25 anos como mídia relevante no online.

Gordon Parks no IMS

Começou no dia 04/10/2025 no IMS-SP a exposição “Gordon Parks - A América sou eu".

Segundo a nota do instituto, é uma “retrospectiva com cerca de 200 obras do fotógrafo, entre imagens feitas entre as décadas de 1940 e 1970, filmes, periódicos e livros. O conjunto registra a história da população negra nos EUA, dos movimentos sociais à vida cotidiana, com retratos de figuras como Malcolm X, Martin Luther King e Muhammad Ali, além de séries sobre infância e cotidiano.”

Eu vou pelo menos uma vez por mês até o final da exposição. Vamos?

Agradecimento e fim da sessão “fotografia de cinema”.

Continuam chegando novas(os) assinantes toda semana por aqui nesse micro espaço onde “insisto e resisto” em falar de fotografia. Muito obrigado por clicar em “assinar” e decidir receber a minha newsletter.

Até por isso decidi encerrar a seção “Fotografia de cinema”. É importante para mim como videomaker e também como fotógrafo estudar sobre a cinematografia. Mas, o espaço da fotografia já é quase nenhum então vou colocar minhas anotações no meu perfil do Letterboxd e no Medium.

Um grande abraço e até semana que vem.