Varanda - “às vezes um sonho” (Sesc Minas Musical)

Acompanhado de um longo poema claramente inspirado por Fiona Apple no título, Varanda apresenta seu segundo álbum guiado pelo inconsciente idílico dos sonhos. Para a construção de “às vezes um sonho…”, junto da produção de Fernando Rischbiter, a banda se inspira no som atmosférico de bandas como Yo La Tengo e Stereolab. Entre lindas faixas, como “Sereno” com participação de Fernanda Takai, “Labirinto” e “Anjo de Papel”, o sonho ganha um duplo sentido para além do inconsciente para o sonho, de fato, conquistado. Desde seu primeiro disco, “Beirada” de 2024, a Varanda viajou pelo Brasil excursionando este álbum e até se apresentou no Lollapalooza. O que era sonho ganha a forma verdadeira, e a temática imaginária é costumada lindamente neste novo trabalho. — ★★★★

Erykah Badu & the Alchemist - “Before the World Blows” (Control Freaq)

Erykah Badu finalmente está de volta com um novo álbum de estúdio. Seu aguardado comeback é uma parceria em disco com o renomado produtor de rap The Alchemist. “Before the World Blows” é o primeiro trabalho de estúdio de Badu desde a mixtape “But You Caint Use My Phone” de 2015 e o primeiro álbum desde “New Amerykah Pt. 2: Return of the Ankh”. A longa espera vale logo nos primeiros minutos deste trabalho, compensada nas primeiras faixas “Echoes” e “I Just Play a Part”, com o puro suco de neo-soul — soul predominantemente acústico com groove e influência de hip hop — que a artista sempre soube fazer. O problema em “Before the World Blows” está em sua metade, em que a progressão das faixas fica mais repetitiva, especialmente entre “Next to You” e “Abracadabra”. O álbum recobra força em seu final, encerrando com chave de ouro na parceria com Kamasi Washington em “Black Box”. — ★★★★

長谷川白紙 [Hakushi Hasegawa] - “素直な気持ちアルバム [Honest Feeling Album]” (Brainfeeder)

Para a criação de seus álbuns, Hakushi Hasegawa não encontra limites nas produções de cada uma de suas obras. “Honest Feeling Album”, seu quarto álbum de estúdio, elu consegue atingir seu auge na fusão de elementos experimentais e acessíveis. Hasegawa mistura glitchs e improvisações de free jazz com melodias doces de j-pop e da cena shibuya-kei. É uma montanha russa guiada por sua curiosidade pelo antes não-testado e criado. Sua inventividade é muito bem apresentada com uma fluidez eclética impressionante — na tracklist, uma faixa de free jazz é muito bem sequenciada por “The Owner of Sweetness”, um clássico j-rock barulhento e melódico. “Honest Feeling Album” é mais um atestado da inventividade sem igual de Hasegawa. — ★★★★½

Interpol - “This Mirror Weighs a Ton” (Partisan)

Interpol, nos últimos oito anos, vinha em uma série de discos enfadonhos tanto em suas composições — sem inovação nenhuma, sempre debaixo da sombra de “Turn On the Bright Lights” — quanto em suas execuções dos instrumentais repetitivos. Isso muda, por ora, com “This Mirror Weighs a Ton”, primeiro disco da banda na Partisan Records após vinte anos com a Matador Records e o primeiro em que a banda demonstra vivacidade desde, eu diria, “El Pintor” de 2013. A inovação é sutil mas arrasadora. O álbum, produzido por Andrew Wyatt, conhecido pelo seu trabalho com Miley Cyrus e Rosalía, insere elementos e detalhes eletrônicos, orquestrais e percussivos ao bom e velho post-punk indie que a banda sempre fez. Um exemplo dessa virada de chave — e um reencontro com um som vivo — é a primeira faixa, “This Mirror Weighs a Ton”, um transe em ritmo de trip hop, etéreo e noturno; um ambiente familiar para o grupo, mas com novos elementos em seu entorno aplicados com muito bom gosto. — ★★★★

Alabama Shakes - “I Must Be Dreaming” (Island)

Muita coisa aconteceu desde “Sound & Color”, álbum anterior do Alabama Shakes lançado em 2015, até “I Must Be Dreaming”, mais novo lançamento do grupo de soul rock 11 anos depois. A banda venceu Grammys pelo seu segundo disco, entrou em hiato por seis anos, um dos membros foi demitido resultando na formação atual do AS como um trio. Este novo álbum prossegue com a mixagem crua, a performance vocal rasgada e urgente e toda uma continuação das tradições do blues importadas para o rock. Junto disso, “I Must Be Dreaming” apresenta um reflexo do zeitgeist estadunidense durante o governo Trump, perfeitamente referenciado em “American Dream”. Em outros momentos, o disco permanece em um lugar sentimental de baladas soul sobre as vivências amorosas de Howard com sua esposa. O soul melódico ganha mais espaço que o blues estridente de “Hold On” e “Don’t Wanna Fight”. Isso acaba interferindo na energia de “I Must Be Dreaming”, diminuída pelo romantismo mas não menos interessante. — ★★★★

iKEDA - “Bangs n Braces” (Orbit Artist Group)

O EP novo da cantora e compositora de electropop inglesa iKEDA mostra que criar algo fresco e fascinante não precisa ter como base o ineditismo. Todas as canções de “Bangs n Braces” utilizam texturas já criadas por artistas como M.I.A., Uffie, SOPHIE, Shygirl… E isso não é um impedimento para que iKEDA, em seu segundo trabalho de estúdio, se aprofunda e construa por conta própria um universo de festa cheio de synths desnorteantes. “Bangs n Braces” é comparável ao trabalho de Cece Natalie, Ninajirachi e Slayyyter — todos com a meta de manutenção do electropop dos anos 2000. Nenhuma delas, iKEDA inclusa nisso, inventou algo a partir de suas criações. Mesmo assim, foram capazes de produzir algo sólido e divertido. — ★★★★½

The Linda Lindas - “Gotta Get Out” (Reprise)

The Linda Lindas é uma banda de quatro meninas que sua carreira é uma sinopse de filme coming-of-age. Como se uma banda do estilo do filme “Linda Linda Linda” de 2005 fosse real com meninas adolescentes fãs da atitude política do punk rock como forma de sobreviver a juventude. “Gotta Get Out” é um novo capítulo desta jornada: as quatro jovens agora se encontram em uma grande gravadora, a Reprise — em um contrato que as reserva os direitos das masters de suas gravações. Apenas uma das jovens não atravessou os 18 anos e todas já atravessaram a pequena cena colegial como célebres roqueiras globais. Um exemplo disso, em “Gotta Get Out” tem um feat. com Hayley Williams. O disco demonstra um amadurecimento artístico claro, em que as quatro integrantes da The Linda Lindas conseguem percorrer caminhos para além do punk e do power pop característico. Certamente seu melhor progresso até então, mesmo que ainda tenha muito caminho pela frente em seu desenvolvimento artístico. — ★★★½

Singles

Olivia Rodrigo - “serena joy” (Geffen)

Não escutei a faixa bônus de “you seem pretty sad for a girl so in love” até um dia antes de escrever esta resenha. Mas é possível dizer que esta faixa está entre as melhores e mais explosivas canções de Olivia Rodrigo em sua breve carreira solo. “serena joy” é um hino às Michelle Bolsonaros, às Carla Zambellis e às Damares Alves. Mulheres que são capazes de cavar uma cova para um coletivo sem perceber que estão perto do buraco e estão prestes a serem empurradas junto com quem tanto julgam. A data de lançamento nos streamings coincide com a semana de estreia do festival feminista de Rodrigo, o Daisy Chain Fields, que aconteceu no sábado, 29 de agosto, e levantou mais de 10 milhões de dólares para instituições voltadas para as mulheres. O single é um dedo no meio com bastante graça e ironia às ditas mulheres de bem, em uma letra sagaz e performada de forma robótica por Olivia. Além disso, o instrumental é uma versão mais “DEVO” de “expectations”, penúltima canção de seu último disco. — ★★★★★

Marina Sena - “TAIOBEIRAS (folha grande)” (Sony)

Marina Sena já demonstrou em algumas vezes interesse em criar música com base nas tradições musicais de Minas Gerais. “TAIOBEIRAS (folha grande)” é a primeira demonstração pública deste desejo — uma canção que ela já havia apresentado um trecho em uma entrevista em Goiânia e descrita como sua música mais “interior”. Distante das programações eletrônicas, este novo single é guiado totalmente pela viola mineira junto de instrumentos percussivos e a própria voz de Marina. Infelizmente, esta beleza de canção foi lançada como campanha para a nova coleção da artista com a loja de departamentos Bershka, braço da Zara. Isso acaba perdendo um pouco do brilho não-comercial que é a proposta da música em si, mas não perde a qualidade. — ★★★★

Pabllo Vittar & Urias - “Body Type” (MATADEROS)

Com “Body Type”, segundo single do sétimo álbum de Pabllo Vittar, “Lost in Lust”, o seu próximo trabalho de estúdio começa a mostrar uma silhueta do que está por vir. Provavelmente um álbum aprofundado na dance music, como uma versão mais concisa de “Noitada” de 2024. “Body Type” é mais divertida e audível que “Rockstar”, o pior single da carreira de Vittar. “Mais divertida e audível” e esta nova faixa fica por isso mesmo; entrega o “arroz com feijão” da farofada pop que ela tanto almeja para tocar sábado a noite da ZIG Duplex. O grande destaque em “Body Type”, porém, está em Urias, que faz uma espécie de rap em seu verso e rouba a cena, trazendo mais dignidade à canção. — ★★★

Recomendação: 中谷美紀 [Miki Nakatani] - “食物連鎖 [Food Chain]” (For Life, 1996)

Escutei esta preciosidade na última terça-feira junto de uma sequência de trabalhos em que Ryuichi Sakamoto estava envolvido. Já conhecia a música de Miki Nakatani por seu último álbum, “私生活 [Shiseikatsu]”, que encerrou sua carreira de cantora para se dedicar totalmente à atuação. “食物連鎖 [Food Chain]”, repito, é uma preciosidade do pop mais refinado dos anos 1990. A produção, por conta da lenda Sakamoto, incorpora o downtempo e r&b guiado por batidas 4/4 que o produtor trabalhou perfeitamente em álbuns solo como “Sweet Revenge” de 1994 e “Smoochy” de 1996. O time de colaboradores é extraordinário, também. Taeko Ohnuki, uma referência do city pop, Yasuharu Konishi, fundador do Pizzicato Five, e os brasileiros Arto Lindsay e Vinicius Cantuária. Além disso, a carreira de Nakatani foi um dos últimos trabalhos pop produzidos por Sakamoto, que a partir dos anos 2000 se dedicou à tarefa da composição instrumental clássica e ambient. Esse encontro especial resultou três ótimos álbuns pop chiques e sofisticados, utilizados de pretexto para Nakatani trabalhar com Sakamoto, mais do que um ofício musical.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Julia Holter - “Materia” (Domino)

Julia Holter é uma das principais artistas do famigerado subgênero “Art Pop” — definido pela suas experimentações e inovações trazidas para música pop, incorporando outros estilos como jazz, música eletrônica, música clássica e experimental. Seu último álbum, “Something in the Room She Moves”, seu trabalho mais autobiográfico, destacava-se em sua discografia pelos detalhes nas ambiências e influências de jazz e pós-minimalismo. Isto prossegue em “Materia” que, no primeiro contato, pode ser considerado um projeto de “b-sides” de seu último disco, mas que vai muito além disso. O disco, em suas sete faixas, se aprofunda de vez no jazz minimalista em “Materia 2”— uma das duas reapresentações de “Materia” de “Something in the Room She Moves” — e na música ambient — em “Clepsydra” e no épico silencioso “My Twin”. — ★★★★½

Chelsea Wolfe - “The Dark” (Loma Vista)

No início de 2024, Chelsea Wolfe, uma das maiores deusas da música gótica atual, lançou um excelente trabalho que divergia de tudo que ela havia feito até então. “She Reaches Out to Reaches Out to She” é um álbum com produção final de Dave Sitek, que ajudou a artista a inserir uma sonoridade eletrônica — como drum and bass e trip hop — à sua estética gótica. O que foi uma experimentação bem sucedida no seu disco de 2024, em “The Dark”, seu mais novo álbum, passa longe. Este novo trabalho é como uma mistura de rock tradicional para a artista, baladas folk confessionais e um pouco de doom metal atmosférico. Infelizmente, “The Dark” é um banho de água fria após os riscos tomados em seu álbum anterior, mas que não impede Wolfe de apresentar uma ótima combinação de canções obscuras e belas. — ★★★★

Weezer - “[Gold Album]” (Warner)

Weezer sempre terá, como norte em sua criação artística, canções pop com guitarras raivosas e letras com um espírito geek alienado socialmente. Isso permanece para o grupo de Rivers Cuomo desde que “Pinkerton”, uma excelente experimentação cult, fracassou em vendas e, a partir dos anos 2000 — do “Green Album” em diante —, a banda decidiu permanecer na fórmula do “Blue Album”. Isso deu errado muitas vezes — “Make Believe” e “Raditude” —, mas também pode ser que essa receita renda boas canções — “White Album” e, agora, “Gold Album” são exemplos interessantes disso. Assim como no álbum branco de 2016, um comeback que revitalizou uma chama para o Weezer durante os anos 2010, o disco dourado não é sobre inovação, e sim sobre o empenho que os membros ainda se esforçam em demonstrar. — ★★★★

Turmallina - “Enquanto o Mundo Dorme” (Independente)

Nos últimos tempos, uma boa parte da cena de rock triste tem desapontado pela sua procura incessante por parecer demais com bandas gringas — especialmente o Slowdive. Isso não acontece com o álbum de estreia do grupo paulistano Turmallina, “Enquanto o Mundo Dorme”, que sai quatro anos após seu primeiro EP, o adorável e reverberante “Aurora” de 2022. Sob produção de Rafael Penna, este primeiro disco foge em alguns momentos da fórmula “shoegaze+dream pop” e consegue caminhar muito bem por melodias pop e ritmos post-punk dançantes. Uma ótima estreia, Turmallina consegue escapar de obviedades na criação melódica de um rock indie melancólico e capaz de fazer o ouvinte cantarolar após a primeira ouvida. — ★★★★

Jorja Smith - “What Are the Odds” (FAMM)

Na segunda metade dos anos 2010, Jorja Smith era uma revelação do r&b britânico. Claramente influenciada por Amy Winehouse e Sade, a artista lançou pérolas do neo-soul desta época em seu primeiro álbum “Lost & Found” de 2018. Nos trabalhos seguintes, como “Falling or Flying” de 2023 e, agora, “What Are the Odds” de 2026, a artista foge do que seria a mesmice que a catapultou ao estrelato. Uma decisão respeitável de testar outras sonoridades mas que, nestes discos específicos, Jorja se demonstra perdida em decisões estéticas superficiais. “What Are the Odds” poderia ser uma reinvenção do neo-soul orgânico para o eletrônico influenciado pelo grime e uk garage urbano. Até certo ponto, Smith entrega hits capazes de embalar as pistas de dança mas que não fogem do básico, provocando seu trabalho menos inspirado até aqui. — ★★★

GB - “Herzsprung” (AD 93)

Uma das mais gratas surpresas de 2026 até aqui. Gustav Berntsen, um jovem músico dinamarquês, conhecido na música como GB, lançou na última semana sua estreia no pequeno e prestigiado selo inglês AD 93 — conhecido por lançar álbuns alternativos de Joanne Robertson e Martha Skye Murphy. “Herzsprung” é diferente de seu primeiro álbum autofinanciado “Gusse Music” marcado pelo foco principal em texturas no lugar de estruturas convencionais. Aqui, Berntsen soa deliciosamente pop, em um misto relaxante de sua conterrânea ML Buch com nomes americanos como Wilco e The American Analog Set. — ★★★★½

Singles

Rico Dalasam - “Ser Feliz de Novo” (MODO DIVERSO)

O cantor, compositor e escritor dá início a nova fase de sua carreira voltada para um olhar de retrospectiva a sua formação musical. Esta primeira cartada de sua pesquisa está em “Ser Feliz de Novo”, regravação de um clássico do pagode romântico dos anos 2000 presente no repertório do grupo Bokaloka e gravada também por Belo. A canção original começa com uma leve guitarra de r&b que já transiciona no refrão para o samba. Na versão de Rico, com muito bom gosto, o artista transfere a mesma guitarra para uma programação eletrônica de hip hop soul, se apropriando da original para sua própria linguagem. Em entrevistas, Dalasam afirma que foi criado com o pagode como desejo de escrita musical antes do rap. Esse reencontro com seu passado é lindamente apresentado neste primeiro single, com uma contagiante performance vocal do artista. — ★★★★

Carly Rae Jepsen - “Motivation”

Há duas edições atrás, na Ruído #52, falei sobre como essa nova era de Carly Rae Jepsen, “Day and Night”, era um exemplo com três singles de mais pura excelência pop. Pois bem, isso quebra um pouco com esta quarta amostra de seu próximo álbum. “Motivation” é uma faixa house com pianos repetitivos e saltitantes e uma composição sobre sua nova família — Carly está casada com o produtor Cole M. Greif-Neill e teve uma filha recentemente, que está presente na canção. O conjunto de tudo é fofo, mas que não está páreo para a excelência e finesse dos três primeiros singles. — ★★★½

Shygirl - “Alyse” (Because)

“Club Shy”, conjunto de dois EPs em que Shygirl provava que poderia ser uma diva pop de “farofas” para as pistas, foram seus projetos menos ousados até o momento. Isso muda com a chegada de um álbum inédito que está por vir, sem nenhum anúncio próprio além de “Alyse”, excelente novo single lançado na última semana. A faixa começa em um tom silencioso como uma balada folk pastoral com a artista sussurando ao microfone. Até que a música explode a partir de breakbeats industriais claramente inspirados pela música do grupo britânico The Prodigy. Esse tipo de risco não era visto na música de Shygirl desde sua excelente mixtape “Alias”, lançada durante a pandemia. “Alyse” acaba por inaugurar não só um novo disco mas uma nova fase para a carreira da cantora. — ★★★★½

Aniversariantes: Björk - “Vespertine” (One Little Independent, 2001)

Björk lançou “Vespertine”, sua grande obra-prima, há 25 anos. A posição de “melhor trabalho” pode ser contestável, levando em conta grande parte de sua discografia solo em álbuns como “Post”, “Homogenic” e “Vulnicura”, excelentes obras de arte da música pop de vanguarda. Mas “Vespertine” sempre terá um lugar especial na primeira posição pela sua harmonia na combinação de tudo em sua volta. Este foi seu primeiro álbum inteiramente produzido pela artista — com colaborações de Marius de Vries, Guy Sigsworth, Thomas Knak e da dupla Matmos. A artista encontrou uma receita perfeita para este trabalho na junção de harpas, coros de vozes e programações eletrônicas minimalistas (“microbeats”). Tudo isso envolta de sua paixão pelo seu então marido, o artista Matthew Barney, que fez Björk escrever canções avassaladoras sobre amor, sexo e união.

Recomendação: 王菲 [Faye Wong] - “寓言 [Yùyán/Fable] (EMI, 2000)

Faye Wong é, incontestavelmente, a rainha do pop chinês por todas as suas quebras de barreiras feitas em sua carreira a partir da segunda metade dos anos 1990. De sua fusão com o dream pop e produções alternativas em “胡思亂想 [Random Thoughts]” de 1993 em diante, a artista, com mais liberdade criativa, conseguiu tomar riscos para além das músicas de karaokê em Hong Kong — foco principal do cantopop. “寓言”, ou “Fable” — seu oitavo álbum em mandarim e 17° no total — inaugura o novo milênio com algo diferente em suas sonoridades. A primeira faixa é guiada pela fusão de uma programação eletrônica de trip hop e orquestrações dignas de um filme do 007. As cinco primeiras faixas formam um ciclo de canções inspiradas em jazz, inspiradas no budismo e em contos de faixas. O resto do trabalho é mais radiofônico, mas que não tira o reforço da riqueza deste disco, um dos melhores de Faye Wong.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Phoebe Bridgers - “Lost Weekend” (Dead Oceans)

Complicado deparar com um álbum de uma das minhas artistas favoritas dessa década e ter que escrever sobre ele sem absorver o tal disco por completo. Irei tentar: “Punisher” foi um álbum que, durante a pandemia, caiu como uma luva para todo o zeitgeist depressivo de um isolamento por ser um trabalho que tocava no tópico de isolamento (para além do físico, um isolamento da alma). Mesmo que a solidão seja outra detalhada em faixas do álbum de 2020, sua aclamação e recepção calorosa do público em lockdown foi facilitada por essa conexão sintomática. Seis anos depois, Phoebe Bridgers viveu sua vida: terminou um relacionamento, começou outro, retomou o supergrupo com suas amigas compositoras que começou em 2018, ganhou Grammys com isso. Além disso, ela perdeu o pai com quem tinha uma relação complicadíssima. Muito mudou não só para a artista como para o mundo. Com o lançamento de “Lost Weekend”, surgiram inúmeras críticas e análises apontando mais uma vez Bridgers como um ícone da música singer-songwriter contemporânea — um mérito que não tiro dela. Isso fica evidente em alguns pontos deste que é seu terceiro álbum: as crescentes em “Kill Me” e “I Can’t Wait”; o refrão pop contagiante em “Lost Boys” e “Liberty Tree”; e a construção de ambiência em “The Outside” e “As Above”. Mesmo assim, “Lost Weekend” consegue ser mais do mesmo para os padrões de Phoebe, o que ainda é acima da média para o seu segmento. — ★★★★

Maglore - “Fluxo Natural” (LOCO)

“Fluxo Natural”, sexto álbum da banda baiana Maglore, é um refresco para o rock nacional. Distante das guitarras distorcidas e psicodélicas que são usadas, recentemente, sem prudência e cópias e mais cópias do shoegaze do norte global, o grupo liderado por Teago Oliveira, mais uma vez, prossegue na leveza e doçura do soft rock dos anos 1970. Referências diretas à Lô Borges, Gilberto Gil e Caetano Veloso dão voz à adorável sequência de “V”. “Fluxo Natural” também é um trabalho esperançoso em que os membros aceitam que ciclos se encerram para que outros possam ser abertos. — ★★★★½

L’Rain - “Fata morgana” (Mexican Summer)

Nesta sexta-feira, foi lançado, para mim, o álbum do ano de 2026. L’Rain, nome artístico da novaiorquina Taja Cheek, lançou nos últimos anos uma série de álbuns de estúdio — verdadeiras obras de arte — que disparam uma crescente e “Fata morgana”, seu mais recente projeto, é seu auge. Cada canção deste novo disco se aprofunda em sonoridades que ela estudou em “Fatigue” e “I Killed Your Dog” — atmosferas eletrônicas, jazz esparso e guitarras focadas em criar texturas longe de estruturas convencionais. É um álbum tão rico sonoramente que fica na vontade do ouvinte que Cheek criasse um álbum para cada uma das facetas que ela desenvolve em “Fata morgana”. — ★★★★★

Ivana Wonder - “Primeiro Ato” (Joia Moderna)

“Primeiro Ato” é, finalmente, a estreia em disco da cantora, compositora e drag queen Ivana Wonder. Isso pois a artista conquistou os palcos de São Paulo nos últimos tempos e trabalha neste disco desde 2018. O álbum é curto com oito músicas e 28 minutos, mas o recado fica dado de quem é Ivana Wonder neste pequeno espaço de tempo. A artista mistura o art rock de David Bowie com a dramaticidade do samba-canção de Maysa de forma contagiante. É uma fossa chique, que leva o ouvinte a se imaginar com lágrimas de rímel caindo num copo de champagne. — ★★★★½

Os Amantes - “Amar, AMOR!” (OCITOCINA)

Confesso não me aproximar com firmeza na carreira pop-eletrônica de Jaloo e ter o mesmo afinco que conhecidos meus que são verdadeiros fãs. Porém, com Os Amantes, seu experimento com o brega misturado com um indie pop com a cara dos anos 2000, é como se sua voz soasse mais solta e despretensiosa. “Amar, AMOR!”, segundo álbum de Jaloo em seu projeto paralelo com o duo Strollo, é uma ótima continuação ao material de “Os Amantes”, álbum auto-intitulado de estreia lançado há cinco anos. Este segundo disco é mais firme em suas referências e mais coeso entre o pop rock, a new wave e o brega paraense. — ★★★★

Power Snatch - “EP2” (Post Atlantic)

Pelo visto, a Hayley Williams, do Paramore, está aproveitando o hiato de sua banda para criar outros tipos de música para além de seu grupo com Taylor York e Zac Farro. Power Snatch é seu duo indie, junto do produtor Daniel James, livre de qualquer pretensão à hits e vendas — os dois EPs que ela lançou até o momento estão disponível apenas via Bandcamp e Youtube. “EP2” é mais um trabalho com influências do rock indie dos anos 1990, acompanhado por drum loops de trip hop — que me lembra Pavement, Sneaker Pimps e Saint Etienne. — ★★★★

Singles

Tinashe - “Melatonin” (A Nice Life)

Em uma interação recente no X entre Tinashe e um fã, a artista concorda que seu próximo álbum, “Popstar”, é um desprendimento do que se espera dela como uma artista encaixotada no r&b alternativo. Duas das primeiras faixas divergem de seu histórico com influências de hip hop — com exceção de “Crash Out”, uma clássica faixa da artista. Isso continua a mudar no single “Melatonin”, lançada na última sexta-feira, um techno pesado e surpreendente. A ironia está em ser considerado um álbum pop mas que, na verdade, é um momento de desprendimento criativo da Tinashe que é lindo de se ver. — ★★★★★

Troye Sivan - “She’s the Best” (Tokky)

“She’s the Best” é uma canção completamente diferente de tudo que Troye Sivan já lançou. Os versos da faixa, guiados por uma batida de trip hop, são meio-falados — algo recente de uma influência spoken word sussurada do pop atual. Mas o que permanece como mais chamativo da faixa que abre a sua nova era é a fuga do amor e romance entre homens que sempre guiou sua música. “She’s the Best” é uma carta de amor às mulheres que cercam sua vida. Em uma contracorrente de misoginia entre gays cada vez mais escancarada, esta nova canção é um alívio. — ★★★★

Recomendação: Virginia Astley - “Hope in a Darkened Heart” (WEA, 1986)

Virginia Astley é uma artista britânica que ganhou status cult com seu álbum de estreia, “From Gardens Where We Feel Secure” de 1983, um trabalho mais inclinado para a música ambiente instrumental. Mas hoje recomendo seu segundo álbum em que Astley inclina-se à música pop com alma bucólica. Produzido por Ryuichi Sakamoto e com participação de David Sylvian, recém saído da Japan, “Hope in a Darkened Heart” é o que o título sugere: uma coleção de músicas prósperas mas que carregam uma melancolia em seus timbres pacíficos. Astley conquista admiradores até hoje como Caroline Polachek, que regravou com Lauren Auder “Some Small Hope”, parceria original entre Virginia e Sylvian.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Papangu - “Celestial” (Deck)

“Celestial” é mais um atestado da linda crescente dos membros da banda de rock progressivo paraibana Papangu. É o terceiro projeto que eles encarnam e subvertem os clichês do rock e metal progressivo misturado com o jazz e a vanguarda da música nordestina. É uma amalgama de referências fortalecida pela química dos integrantes que dialogam com os instrumentos de forma harmoniosa que, em alguns momentos, nem precisam de letras monumentais. O diferencial de “Celestial” está no toque cristalino dos arranjos, menos experimental e metálico que destacam uma beleza diferente das dissonâncias de “Holoceno”. — ★★★★½

Ravyn Lenae - “Blue Island” (Atlantic)

Ravyn Lenae faz o ideal para uma artista após o grande holofote que sua carreira ganhou nos últimos anos. Com o sucesso de “Love Me Not” em 2024, que atingiu a 5° posição da parada da Billboard, a artista, em seu terceiro álbum, decide mudar os rumos do que poderia ser previsível na continuação de “Bird’s Eye”. Porém, a escolha certeira de Ravyn faz com que ela demonstre coragem para aprimorar seu repertório sem diversificar demais sua identidade. “Blue Island” procura referências do r&b e pop dos anos 1980, de Prince a Patrice Rushen, em um trabalho diferente do que se é feito da estética retrô oitentista. — ★★★★

Roy Montgomery & Martha Skye Murphy - “Nebular” (AD 93)

A colaboração entre o célebre guitarrista neozelandês Roy Montgomery e a vocalista britânica Martha Skye Murphy em “Nebular” é uma das mais singulares registros de ambient de 2026. A combinação da guitarra psicodélica de Montgomery com os vocalises angelicais de Murphy tem um ar etéreo que está em falta na música atmosférica. É uma mistura gótica, etérea e esparsa que é reminiscente de Elizabeth Fraser e Cocteau Twins — uma comparação usada a torto e a direito de forma pretensiosa, mas, aqui, a voz de Martha tem seu timbre idêntico à vocalista de “Heaven or Las Vegas”. — ★★★★½

FLO - “Therapy at the Club” (EMI)

As talentosas meninas da FLO retornam com um segundo álbum confuso e sem um direcionamento conciso em “Therapy at the Club”. O disco tem alguns singles interessantíssimos voltados para a pista de dança, como “Leak It” que grita r&b do começo dos anos 2000 e também “Remedied” e “Touché”. O que realmente é uma falha neste segundo trabalho de estúdio, após o ótimo “Acess All Areas” de 2024, é uma curadoria mais precisa no que caberia para fazer esse outro projeto coeso das artisas. Isso se perde com a horrível interpolação de “Pump Up the Jam” em “Pose”, um electro torto que mais parece uma demo, e as bregas “Sober” e “Therapy at the Club”. — ★★★½

Hana Stretton - “tiarn” (Independente)

Hana Stretton, cantora e compositora folk dos Estados Unidos que lança seu segundo álbum de estúdio, faz música folk em que as composições não são o principal objeto de expressão. Sua música é carregada de ambiência e interferências de gravações externas da natureza em um tom quase documental. Os registros são os substitutos das palavras, postas ao segundo plano junto até mesmo da voz de Stretton que, em alguns momentos, é uma presença parecida com um pensamento. As palavras são sussurradas de um jeito que quase não há a presença do timbre da artista, o que cria uma sensação de devaneio única para o folk atual. — ★★★★½

Singles

Susanne Sundfør - “I It Am” (Bella Union)

Fiquei muito entusiasmado com a notícia de um novo álbum da cantora e compositora norueguesa Susanne Sundfør. No dia antes do anúncio de música nova, após três anos sem um novo lançamento, eu estava escutando seu último álbum “Blómi” de 2023 — um belo trabalho intimista e nostálgico dedicado à seu avô. Em “I It Am”, a artista segue algo inesperado: um álbum com enbasamento religioso inspirado nos escritos de Juliana de Norwich, uma das primeiras autoras mulheres de língua inglesa e no livro “Revelações do Amor Divino. “I It Am” é a tradução em música de um desses escritos, musicados pela própria Susanne. A canção segue o caminho dos trabalhos recentes da artista, prezando principalmente pela composição comparado à instrumentais extravagantes. O single é solitário e não transmite uma ideia clara do que está por vir, mas é uma bela faixa. — ★★★★

Carly Rae Jepsen - “Don’t Leave Me on the Dancefloor” (School Boy)

“After All” e “On Wires”, dois primeiros singles de “Day and Night”, próximo álbum de Carly Rae Jepsen previsto para ser lançado em setembro, foram a demonstração do que está por vir na primeira metade do disco duplo. Um pop refinado, com destaque para uma instrumentação acústica de guitarras e baterias. Agora, com seu mais novo lançamento, “Don’t Leave Me on the Dancefloor”, Jepsen retorna ao seu lugar familiar: a pista de dança, ambiente presente em seus últimos dez anos de carreira. O que diferencia essa nova faixa de seu grande repertório pop chiclete é a maturidade de suas referências —ABBA, Madonna, Donna Summer, Kylie Minogue — que já estão na manga há tanto tempo que criam uma obra deliciosa e feita sem aparente esforço. — ★★★★½

Recomendação: Madonna - “Ray of Light” (Maverick, 1998) + Blur - “13” (Food, 1998)

Na sexta-feira, 07, foi confirmada a morte do produtor inglês William Orbit por meio de sua conta do Instagram. O músico, na verdade, fez sua passagem no dia 23 de julho de 2026. Eu relembro, nessa sessão, dois dos principais álbuns que ele produziu em sua carreira. “13” do Blur é uma das obras-primas do grupo britânico, feito após a dissolução do movimento britpop e que incorporava elementos eletrônicos e experimentais ao universo de Damon Albarn e Graham Coxon. O intermédio de Orbit foi essencial para que Blur se desvinculasse na cena ufanista inglesa e tivesse um olho para a vanguarda. Mas o trabalho mais marcante de um disco que foi mais marcante que “13” durante a notícia da passagem de Orbit, com certeza, é “Ray of Light” de Madonna. Um álbum transcendental em que todas as músicas demonstram uma luminosidade sem igual. A partir de elementos dos anos 1990, Madonna e Orbit iriam trabalhar em canções para além do gênero — trip hop, techno, drum and bass, house — e também para além da música. “Ray of Light” é uma experiência até hoje e até hoje é um monolito na carreira da Rainha do Pop.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Ludovic - “Ludovic” (Balaclava)

Ludovic foi, e é, uma das bandas mais cultuadas à sair da cena de rock independente — quando nem havia o termo “Rock Triste” — durante os anos 2000. Com apenas dois álbuns, Jair Naves e companhia conseguiram formular o que seria feito anos à frente no indie rock atual na mistura de post-punk, hardcore e emocore. A banda encerrou as atividades em 2008 e retornou há pouco tempo com uma série de singles e, agora, um novo álbum de estúdio com lançamento pela Balaclava Records — um selo que é fã da banda com vários grupos que bebem da fonte de Naves. “Ludovic”, o álbum, tem bons momentos que revitalizam a identidade da banda com letras amargas, guitarras pesadas e energia gótica. Porém, este novo trabalho parece preso no tempo e pouco inovador para o que os integrantes, vinte anos mais maduros desde seu segundo álbum, “Idioma Morto” de 2006, pareciam estar. — ★★★★

Arca - “XXXXX” (XL)

A pentalogia “KiCK” foi o pináculo comercial de Alejandra Ghersi, nossa diva experimental Arca, com cinco álbuns que fizeram a produtora de música eletrônica uma das mais procuradas para além do universo alternativo. Cinco anos depois de finalizada essa era de lançamentos, a artista venezuelana, com seu mais novo trabalho de estúdio, “XXXXX”, meio que retorna às suas origens de álbuns como “Mutant” de 2015 e da mixtape “Entrañas” de 2016. Meio precipitado falar que é um dos melhores projetos lançados por Ghersi — não está páreo às fusões com o rap industrial de “KiCK III” ou na era pop melancólica do álbum de 2017. Mas “XXXXX” pode ser um dos discos mais marcantes de Arca. — ★★★★

The Durutti Column - “Renascent” (London)

Dezesseis anos depois do soturno “A Paean to Wilson”, Vini Reilly e The Durutti Column retornam com um novo álbum de estúdio. “Renascent” é, de fato, um renascimento após uma década e meia de Reilly quase que em um ostracismo, durante os anos 2010, causado por problemas de saúde — o guitarrista sofreu um derrame em 2011 — e financeiros. O álbum lançado na última sexta-feira é uma retomada ao som clássico da banda, que mistura new age, rock e música ambiente, exercido em álbuns como “LC” de 1981 e “Vini Reilly” de 1989. Não é um trabalho sobre inovações pois tudo que foi criado sonoramente em “Renascent” já foi feito em todos os discos da banda. Esse disco é um novo cartão de visita e um recomeço para Vini Reilly e o The Durutti Column; uma forma de convidar mais uma vez a experienciar os virtuosos acordes e improvisos da guitarra transcendente de Reilly. — ★★★★

Ariana Grande - “Petal” (Babydoll)

Depois do sonífero que foi “Eternal Sunshine”, último álbum de Ariana Grande, e do xarope pra tosse do lead single “Hate That I Made You Love Me”, eu não tinha esperanças para o que seria “Petal”, oitavo álbum da artista. O interesse, porém, cresce nos primeiros minutos do disco, na faixa “Kiss Me”, um pop atmosférico com sintetizadores arpeggi e letra envolvente. Esse tipo de “risco” (entre muitas aspas pois não é nada demais uma artista pop do calibre de Ariana proporcionar uma produção dessa mascarada de “experimental) se repete com o uk garage “Oh Well” e a poderosa faixa-título. O que decepciona em “Petal” é o resto que pode ser definido como mais do mesmo: mistura de r&b e pop, um pouco de trap e uma aparente cópia de “Blinding Lights” no ato final. — ★★★

Jão - “Memórias Póstumas” (Universal)

O cantor e compositor paulistano Jão passou dois anos longe do olhar público e por algum motivo ficou com medo disso ser tempo suficiente para sua fã-base o esquecer. Seu novo álbum, “Memórias Póstumas”, já é uma das grandes estreias da história do Spotify Brasil e suas letras confessionais, antes mesmo de serem lançadas, fizeram o artista esgotar datas anunciadas de seu retorno aos palcos. O contexto do disco com nome do maior clássico da literatura brasileira? O “póstumo” se dá à morte de seu pai, em junho de 2025, e isso fica escancarado em algumas das letras. “Algumas”, pois tirando isso o álbum é um lugar comum do próprio básico de Jão — um pop rock efusivo, cópia de um som pop que Nando Reis faz há mais de trinta anos, para ser cantado em arenas corado por lágrimas de adolescentes histéricas. Claramente, o lugar comum traz algumas letras bregas e vergonhosas (como o trecho “pães/mães” que tem circulado nas redes sociais). Mas o que pega é a falta de risco de Jão no que parecia ser seu trabalho mais dilacerante. — ★★

Maurício Pereira - “O Dia da Girafa” (OCorre Lab)

Pode-se dizer que “O Dia da Girafa” é o trabalho mais libertário de Maurício Pereira. Escrito durante a pandemia, o título é uma referência ao dia mais longo do ano no hemisfério Norte e marca o solstício de verão. O cantor e compositor, vocalista da banda Os Mulheres Negras junto de André Abujamra, sempre esteve restrito a um lugar de “vanguarda” na música popular brasileira e nunca associado a uma categoria mais simples e ampla de seus ídolos. As letras feitas durante o isolamento contra a covid-19 — um diário poético em que sentimentos falam mais alto que acontecimentos cotidianos — fazem “O Dia da Girafa” ser mais poesia do que crônica. — ★★★★

Raquel Dimantas - “Cosmo Dorme” (Coala)

Quatro anos desde sua estreia com o simpático “8 Hits!”, Raquel Dimantas retorna com mais uma novo repertório de canções esquisitinhas e psicodélicas. “Cosmo Dorme” continua com o som lisérgico do primeiro disco de 2022, mas agora, com a inspiração da maternidade de Raquel, a produção ganha outras camadas. O álbum começa com uma faixa com toques de easy listening dos anos 1950. É um trabalho mais enxuto e minimalista comparado a explosão sonora de “8 Hits!”, mas mesmo assim não menos interessante. — ★★★★

Singles

Slayyyter - “Brand New Chanel$” (RECORDS)

Depois de lançar um dos álbuns de 2026, Slayyyter prepara terreno para seu próximo trabalho que tem a mesma ambientação de “Wor$t Girl in America”. “Brand New Chanel$” tem como paralelo o primeiro single de “WGIA$”, “Beat Up Chanel$” e ambas tem uma distinção perfeita. Enquanto “Brand New” é hedonista, acalorada e punk, “Brand New” é catártica para ser cantada em plenos pulmões — a letra é sobre uma infidelidade com um ex-namorado de Slayyyter. Não seria exagero dizer que “Brand New Chanel$” é disputável como a melhor canção desta grande era da artista. — ★★★★★

Maglore - “Sonho Real / Raio de Sol” (Deck)

Quem também está de volta é a Maglore, banda baiana de pop rock que não lança um álbum de estúdio desde “V” em 2022. O retorno começa com dois adoráveis singles que encapsulam o som doce e ensolarado da banda que busca inspirações do Clube da Esquina e dos Beatles. “Sonho Real” é mais upbeat charmoso e romântico e “Raio de Sol” traz uma letra poética sobre um amor infinito que usa dos dias de sol em que dá para ver a lua diurna. O próximo álbum chega daqui duas semanas e, segundo a Maglore, é um álbum bem diverso em sua sonoridade. Esses primeiros singles são uma demonstração sólida do que está por vir. — ★★★★

Lulina - “Cobras com asas” (YB)

“Cobra com asas” é o segundo single do próximo álbum de Lulina, excelente nome indie recifense que lançou a também ótima “Outras vezes” no final de maio. Em ritmo festeiro quase como uma marchinha de carnaval ou um coco recifense, a canção tem letra filosófica e existencial sobre algo recorrente no pensamento coletivo — o sentido das coisas e da vida. É uma bela letra combinada com o vigoroso instrumental com arranjos de Henrique Albino. — ★★★★

Recomendação: Susumu Hirasawa - “SIREN” + “Technique of Relief”

Pesquisei no histórico do Substack se eu, em 50 edições de Ruído Cinza, já havia recomendado alguma vez o trabalho do Susumu Hirasawa — e pelo visto não. Este é um dos artistas mais consagrados da música pop moderna japonesa. Seu trabalho enquanto artista musical é mais conhecido no mundo todo pela composição de trilhas sonoras para animes como “Berserk”, “Paprika” e “Millennium Actress”. Mas o que mais me chama a atenção em toda sua carreira — que passa por cinco décadas, bandas desde a new wave até o synthpop — é seus álbuns solo dos anos 1990 e 2000. Nem tudo está disponível no streaming ocidental, então recomendo dois dos álbuns mais conhecidos de sua trajetória. Sua sonoridade mescla a simplicidade da new age, o épico de bandas marciais e o eletrônico do synthpop industrial dos anos 1990.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Charli xcx - “Music, Fashion, Film” (Atlantic)

“Nada irá nos salvar, nem a música, moda ou cinema”. Charli xcx é uma artista que finalmente encontrou sua perfeição na forma de criar música com “Brat” em 2024. O que ela decide fazer que pode ser ainda mais genial que um álbum inteiro dedicado à dance music e ao fluxo de pensamento em estar bêbada e dr0gada numa rave? Matar essa ideia em um álbum de rock errático e existencial como “Music, Fashion, Film”. A produção é digna do indie rock dos anos 2000 — algo novo para a colaboração entre Charli, A.G. Cook e Finn Keane que estavam antes habituados ao edm. A artista encontra na dissonância das guitarras e a atmosfera grunge e blasé do rock para se distanciar de tudo que havia feito até então não só com o “Brat”, mas também com “Crash” e toda sua fase PC Music. — ★★★★½

Anitta - “Equilibrivm II” (Republic)

Segunda parte do álbum lançado em março, “Equilibrivm II” é uma ótima continuação que não se resume a apenas um apêndice do que já foi apresentado. A sonoridade é quase a mesma: pop influenciado pela ancestralidade afro-brasileira, música de afro-bloco misturado ao afrobeats — nada de único, mas que funciona pelo grau de emoção que Anitta entrega na maioria das faixas. Comparado ao primeiro volume, esse segundo consegue ser mais focado no que foi a nata do “pop de raízes” de “Equilibrivm” em faixas como “Desgraça” e “Mandinga”. As parcerias com Mart’nália e Alceu Valença e “Ogum Me Rodeia” e “Contemplação” são os principais atrativos do disco no qual a artista se entrega a fazer algo diferente do que ela já fez. Isso se anula um pouco perto do final em que ela atribui um tom pasteurizado de pop latino genérico como em “Azul”, canção clássica do Djavan cantada pavorosamente em espanhol. É claramente reconhecível aspectos de “Equilibrivm” em muito do pop brasileiro dos últimos — de Marina Sena, MC Tha, Urias e Linn da Quebrada. O que faz disso tão especial está na verdade que Anitta constrói esse universo. — ★★★½

The Strokes - “Reality Awaits” (RCA)

Em 2020, no início da pandemia, The Strokes lançou o que seria um marco na sua carreira: “The New Abnormal”, um comeback exemplar em que pouco se reinventa a proposta do grupo novaiorquino e que tinha como principal atrativo a vontade de todos os membros em trabalharem. Esse disco é até hoje um sucesso (“The Adults Are Talking” tem mais streams no Spotify que “Last Nite”, por exemplo). Agora, em 2026, a banda parece querer replicar isso, convidando novamente Rick Rubin para produzir “Reality Awaits”. É um outro trabalho que busca das mesmas referências dos anos 1980, só que agora com um tom robótico na voz com uso cansativo de autotune de Julian Casablancas. Para além disso, o principal erro de “Reality Awaits” é a falta de presença de todos os integrantes na execução dos instrumentais no disco mais enfadonho da carreira da banda (mais que o “Comedown Machine”). — ★★½

Nia Archives - “Emotional Junglist” (HIJINXX)

O segundo álbum de estúdio de um artista sempre é um momento para que ele expanda artisticamente o que ele fez de melhor no seu primeiro trabalho. Mesmo que ela tenha o drum and bass como temática definitiva em seu primeiro disco e EPs, Nia Archives em seu segundo álbum, “Emotional Junglist”, utiliza esse projeto para incrementar sua sonoridade que vai do indie rock ao post-punk e o indie eletrônico dos anos 2000. O disco é mais uma prova de que Nia é uma das mais fortes produtoras do gênero de música eletrônica. — ★★★★

Tyla - “A*Pop” (Epic)

Como eu disse acima sobre o álbum da Nia Archives — sobre a função de um segundo álbum para uma artista pop. Isso, infelizmente, não se concretiza para a sul-africana Tyla que, em seu “A*Pop”, demonstra ainda estar afundada no afro-pop de “Water” e “Push 2 Start”. Esse novo álbum chega a ser repetitivo na maioria das faixas em um mix de r&b e afrobeats que já se tornou previsível para a artista. O que salva “A*Pop” são alguns dos momentos em que Tyla troca as batidas de amapiano por diferentes produções como o house africano — gqom — como na ótima “Kiss” e o dancehall na parceria com Zara Larsson “She Did It Again”. — ★★★½

WILLOW - “The Thread” (Three Six Zero)

Desde a adolescência, WILLOW tentava se encontrar artisticamente: seja no pop alternativo edgy dos anos 2010, o folk e até mesmo o emo. Ela meio que entendeu o que gosta de fazer com o ótimo “empathogen” em que mistura indie rock com jazz e soul. Isso se perdeu no pretensioso álbum “petal rock black” lançado em fevereiro desse ano — um disco oco, marcado por improvisos ao vivo sem propósito. Todo o charme de “empathogen” retorna para o talvez ainda melhor “The Thread” que ecoa o math rock de bandas como Dirty Projectors e também o fresco pop dos anos 1980 de Tears for Fears e Prefab Sprout. — ★★★★

Portraits of Tracy - “Q: From Where Do Our Primal Instincts Originate? A: MTV!” (Independente)

Portraits of Tracy, projeto musical da artista trans Tracy Geneviève Amare, é um dos trabalhos da música alternativa recente que é mais preciso manter o olho para cada novo lançamento. O seu primeiro álbum, “Drive Home” de 2023, é um ótimo trabalho que mistura rap, storytelling e música alternativa — quase totalmente criado no celular e lançado de forma independente. O hit do single “The Party”, com quase 20 milhões de plays no Spotify, possibilitou o maior orçamento de seu mais novo, ambicioso, político e nostálgico EP. — ★★★★½

Singles

Pabllo Vittar & Villano Antillano - “Rockstar” (MTDRS)

Estava com saudade de Pabllo Vittar, que ficou um tempo sem nenhum lançamento (quase dois anos desde “Batidão Tropical, Vol. 2”). Esse sentimento foi abafado pela decepção com esse novo single, “Rockstar”, que estará presente em seu próximo álbum de estúdio, “Lost in Lust”, programado para ser lançado em outubro. É uma faixa desconexa sem pé nem cabeça com uma estrutura bagunçada pior que algumas composições de Pedro Sampaio. O feat. com a rapper portoriquenha Villano Antillano se encontra perdido na maçaroca que é um dos piores singles de Pabllo Vittar. Espero que o álbum seja diferente. — ★

Aniversariantes: Fiona Apple - “Tidal” (Clean State, 1996)

Há 30 anos, uma das maiores cantoras e compositoras a estrearem no século XX lançava seu primeiro álbum de estúdio. Descoberta por acaso com apenas 15 anos, Fiona Apple, uma adolescente emotiva e talentosa, escrevia sobre suas questões, traumas e desilusões como ninguém. Lançado pela subsidiária Clean State da Sony, “Tidal” tem produção de Andrew Slater para todas as 10 composições autorais de Apple em um álbum refinado e maduro com toques de jazz e blues apesar da idade precoce da artista, influenciada por Maya Angelou e Billie Holliday. A maré do título “Tidal” casa perfeitamente com a carga dramática em canções como a confessional “Never Is a Promise”, a desoladora “Sullen Girl” e a feroz “Criminal”, o maior sucesso comercial de Apple até hoje.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Kelela - “new avatar” (Warp)

“new avatar” não é exatamente a coleção de indie rock psicodélico nos moldes dos surpreendentes singles “linknb” e “idea 1” que Kelela lançou nos últimos meses. Na verdade, metade do disco é isso mesmo: experimentações com guitarras misturadas com as raízes do r&b — gênero do qual a artista orgulhosamente reconhece como o mais experimental e inventivo da atualidade. “new avatar”, misturando o uk garage de “the bridge” e “don’t piss me off” com o rock psicodélico de “crystalize” e “goin down”, acaba criando uma unidade com a performance e personalidade de Kelela que, mesmo em instrumentações distintas, tem uma mesma alma que as liga. Isso cria mais um coeso trabalho de Kelela, que está em seu terceiro álbum de estúdio. — ★★★★½

Bruno Berle - “Sem fronteiras” (Far Out)

Bruno Berle lançou um disco que poderia se chamar “No Reino dos Afetos 3” e isso não seria o menor problema. “Sem fronteiras”, apesar de ter suas particularidades — alguns destaques são “Você sabe que eu te amo”, com sua ambiência guiada pela guitarra brasileira, e “Não posso viver sem você” que tem uma melodia pop deliciosa. Berle, que escreveu “Sem Fronteiras” sobre suas experiências viajando pela Europa com a dobradinha de “No Reino dos Afetos”, não apresenta versatilidade em seu terceiro disco. Porém, o artista alagoano se destaca ao criar refrões populares e deixa de fazer melodias instrumentais repetitivas. — ★★★★

Jack White - “Frozen Charlotte” (Third Man)

Em sua carreira solo, Jack White sempre pareceu tentar se afastar da agressividade de suas bandas The White Stripes e The Raconteurs. Apesar de algumas canções cruas em discos como “Lazaretto”, a experimentação sempre foi o principal foco. Isso foi diferente com seu último e mais aclamado disco solo, “No Name” de 2024, que é um escândalo de álbum de hard rock, blues e o bom e famigerado rock de garagem que o artista é conhecido. Essa dose de urgência se repete em “Frozen Charlotte” que é praticamente uma continuação adequada ao último registro do artista. — ★★★★

Xiu Xiu - “Eraserhead Xiu Xiu” (Polyvinyl)

Falar que um filme ou uma música é “lynchiano” já se tornou batido. Porém, Xiu Xiu, um dos mais interessantes grupos de música experimental, capta perfeitamente a dissonância lúdica das trilhas do diretor surrealista. Apesar do título, “Eraserhead Xiu Xiu” é uma criação inédita para o duo Jamie Stewart e Angela Seo guiada pela trilha de “Eraserhead”, primeiro longa de Lynch com score do próprio com Alan Splet. Esse disco é reproduzido junto de um show imersivo que aconteceu em novembro de 2025 em Varsóvia, Polônia. Esse trabalho do Xiu Xiu, diferente do jazz-rock industrial de “Plays the Music of Twin Peaks” de 2016, está mais ligado a texturas obscuras e industriais de discos como “Ignore Grief” de 2023. — ★★★★

Frost Children - “Tweaker Poem” (RCA)

Após lançarem seu melhor álbum de estúdio em 2025 e produzirem quase que inteiramente o mais novo e ótimo álbum da Kim Petras, Frost Children, a dupla formada por Angel e Lulu Prost, estreiam em uma gravadora grande. “Tweaker Poem”, novo EP do duo, marca uma virada para a carreira das artistas de edm e hyperpop no selo RCA. Elas despontaram nos últimos anos com álbuns como “Speed Run” de 2023 e principalmente “Sister” de 2025 que ampliou seu público a ponto de alguns fãs perseguirem a dupla de produtoras. Isso rendeu um EP fervilhante com seis faixas que caminham entre o trance e o hardcore eletrônico com letras sobre obsessão e a idolatração de artistas. — ★★★★

Naomi Scott - “F.I.G.” (ALTER)

Muito bom esse disco lançado há quase 4 meses e que eu só peguei agora para escutar. “F.I.G.” é a estreia como artista pop de Naomi Scott, que trabalhou sempre como uma “atriz que canta” e nunca lançou nenhum disco que não pertencesse à um de seus filmes. O álbum conta com uma penca de referências ao pop sofisticado e refinado dos anos 1980 que foram replicados no início dos anos 2010 por Dev Hynes e Solange. É um álbum que peca em ser derivativo em estilo mas que não deixa de ser interessante e diferente do que está acontecendo no pop atual. — ★★★★

Aniversariantes: Akina Nakamori - “Fushigi” (Reprise, 1986)

Hoje, 13 de julho, a maioral do pop japonês Akina Nakamori completa 61 anos. Em agosto, sua obra-prima gótica e experimental “Fushigi” completa 40 anos de lançamento. Este foi o primeiro álbum de uma das mais antigas idols que eu peguei para escutar e, desde a primeira ouvida, fico impressionado com toda a construção. São dez faixas obscuras e dark em que não dá para escutar exatamente tudo que Nakamori canta por conta das camadas de reverb em sua voz. Isso combinado com a atmosfera gótica, ritmos e guitarras de post-punk e influência da darkwave — trazidos pelos arranjos da banda japonesa Eurox — impulsionou Akina para além de ser uma idol do Kayokyoku para, de fato, uma artista, em seu primeiro disco auto-produzido.

Recomendação + Aniversariante: The Durutti Column - “Fidelity” (Crépuscule, 1996)

Por um equívoco, achei que o álbum novo do The Durutti Column, “Renascent”, iria ser lançado nessa semana. Porém, foi adiado para o final do mês, no dia 31. Eu acabei pegando alguns dos discos da banda de Vini Reilly para ouvir e me preparar e o que ficou mais guardado no meu coração entre os ótimos álbuns foi “Fidelity” de 1996. Reilly já tinha explorado a música eletrônica atmosférica em outro disco, “Obey the Time” de 1990, mas, aqui, ele se aprofunda nos drum loops carregados do trip hop e até experimenta os ritmos da house music. Com certeza, um de seus trabalhos mais marcantes que foi redescoberto como uma joia na vasta discografia do artista britânico.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Madonna - “CONFESSIONS II” (Warner)

“A pista de dança não é somente um lugar, é um portal; um espaço ritualistico em que movimentos substituem linguagens”. Madonna, em “One Step Away”, resume perfeitamente sua relação com a dance music e quão importante é fazer uma continuação de “Confessions on a Dance Floor” de 2005, junto do produtor Stuart Price. Resumidamente, é um trabalho mais ambicioso que o disco de 21 anos atrás, em que se aventura mais por meio dos trances, das viradas da house music em um álbum que não soa como nada que está presente no pop dançante de 2026, 2025, ou até mesmo dos anos 2000, 1990, 1980… Acredito que isso seja o mais impactante e interessante em um trabalho importante da Madonna é como a poeira do tempo não é algo existente. “Confessions on a Dance Floor” (com o revival disco apelidado de nu-disco), “Erotica” (com o new jack swing e o r&b britânico), “Ray of Light” (trip hop e trance pop) e até mesmo sua estreia com “Madonna” de 1983 (synthpop e freestyle), são discos que conversam com o que acontecia em suas épocas mas que podem marcar outros tempos sem o menor problema. Isso se perdeu com álbuns lançados durante os anos 2010, em que Madonna — acredita-se com pressões de seu contrato com a Live Nation e Interscope — parecia pressionada à fazer o que estava em voga na música eletrônica, no pop, r&b, e até mesmo no hip hop em cada momento. “Madame X”, mesmo sendo o mais ambicioso da trinca de “MDNA” e “Rebel Heart”, é um dos mais insuportáveis de se escutar atualmente pelo excesso de trap, vocais com grills nos dentes de Madonna e combinações insalúbres com música latina, afro-portuguesa e o pop do Major Lazer/Diplo. “CONFESSIONS II” é quase um alívio por ter, em grande parte das composições e arranjos, créditos principais somente à rainha do pop e Stuart Price — com algumas participações pontuais de artistas como Arca, Martin Garrix, Sabrina Carpenter, Feid, Stromae, Lola Leon. Isso cria uma consistência neste álbum que não se vê na Madonna há mais de duas décadas e a artista demonstra vigor e garra que exemplificam o por quê dela ser eterna. “A gente tem a sorte de viver na mesma era do que ela”, disse Fernanda Young uma vez durante um Saia Justa dos anos 2000 e é verdade. — ★★★★½

Nirosta Steel - “MY SKYSCRAPER” (ULYSSA)

Steven Hall era uma figura desconhecida para mim até o início da última semana. Na segunda-feira, ele lança um curioso álbum de uma hora e vinte minutos de duração com músicas que tiveram início de sua composição há mais de 40 anos. Um grande detalhe de um de seus colaboradores é o que mais chama a atenção: Arthur Russell, célebre artista underground, com quem Hall trabalhou até sua morte em decorrência de complicações de HIV/AIDS. Parte de sua carreira é dedicada à memória de Russell e “My Skyscraper” é um ponto alto disso. Russell aparece como baterista e programador em algumas das canções, mas o disco não se resume somente a presença do renomado artista. Hall também fala sobre suas experiências no leste asiático — em Taiwan, ele lançou o álbum ao vivo “Cool Fire”, o primeiro disco abertamente queer a ser comercializado na China; além disso, ele trabalhou com bandas de pop chinês com at17. É quase uma biografia desse artista fascinante que sempre esteve por trás das cortinas ou em lugares menores e finalmente recebe seu holofote. — ★★★★½

Singles

Beyoncé - “Morning Dew (Donk)” (Parkwood),

Beyoncé, outra rainha, lançou na manhã de sábado, 4 de julho, um “novo” single. “Morning Dew (Donk)” é uma canção gravada junto de Pharrel Williams durante a produção do “Beyoncé” de 2013 — época ilustrada na imagem de capa — e que foi finalizada recentemente — acredito que a bridge seja uma nova adição, levando em conta a diferença do timbre da voz da Bey. A fonte da capa é do “Renaissance” e a música é um lançamento especial em comemoração do aniversário de 20 anos do “B’Day”. Apesar dessa confusão, a faixa é um r&b suave, sexy e gostoso de escutar. — ★★★★½

Liniker - “Melhor notícia” (Breu)

Liniker retorna às origens do soul rock de seus trabalhos com os Caramelows em “Melhor Notícia”. Esse single foi lançado na véspera de seu aniversário de 31 anos e é como um encerramento da sua era “Caju”, álbum que a consagrou como estrela do pop nacional. Ou, então, um novo começo e o que pode ser um novo disco que a artista deixa de lado a MPB e a fusão entre o pop e o r&b brazuca para a sonoridade de uma banda. Só tenho certeza que “Melhor Notícia” é uma baita canção romântica e apaixonada de uma das maiores vozes do Brasil atualmente. — ★★★★

PJ Harvey - “Voyager” (Partisan)

(Esqueci completamente de comentar essa na semana passada, mas vamos lá) PJ Harvey retorna com uma impressionante nova faixa que anuncia uma virada em sua arte. “Voyager” é, na verdade, um single que serve de trilha para uma turnê científica do físico Brian Cox, mas que vai muito além disso. A canção tem como eu lírico a Voyager 2, uma sonda que está no espaço desde 1977. Essa temática científica não é somente o que impulsionou Harvey a escrever esta belíssima letra; “Voyager” fala sobre a nova microscópica presença do universo e a solidão de apenas ser um grão de areia ou um pontinho azul de luz. — ★★★★½

Recomendação/Aniversariante: Daniela Mercury - “Feijão com Arroz” (Epic, 1996)

Eu acreditava que esse disco foi lançado em julho de 1996 mas, na verdade, é de setembro do mesmo ano… Mesmo assim eu quero comentar sobre a rainha do axé, Daniela Mercury, que foi anunciada como uma das vencedoras do Grammy Latino de excelência ao conjunto da obra. Uma artista que sempre lutou pela valorização da música baiana e brasileira e que sempre utilizou de seu privilégio enquanto artista branca para a propagação da arte afro-brasileira além do Brasil — ilustrada perfeitamente na capa, em que Daniela está abraçada a um modelo negro. “Feijão com Arroz” é seu trabalho mais fantástico após o amadurecimento do samba-reggae de seus três primeiros trabalhos solo. Nele, consiste clássicos como sua versão (e definitiva) de “À primeira vista” do Chico César, “Feijão de Corda”, “Rapunzel”, “Vai chover”… Há, além de hits, uma maior complexidade nos arranjos detalhados como o sintetizador de “Rapunzel” que vagamente não é possível ouvir sem atenção. Isso aumentou o prestígio da artista, que continuou explorando outras texturas como a música eletrônica em “Sou de qualquer lugar” e (o meu favorito) “Carnaval Eletrônico”.

Recomendação: Daúde - “Neguinha te amo” (Real World, 2003)

Muita gente foi descobrir quem era a cantora carioca Daúde no final do ano passado com seu álbum colaborativo, “Pelos olhos do mar”, em parceria com Lia de Itamaracá e lançado pelo Selo Sesc. Eu incluso, pois recentemente fui atrás de sua discografia — metade dela longe das plataformas de streaming. Encontrei seu primeiro álbum em um garimpo na Feira da Praça XV e fiquei encantado com sua versão de “Chove Chuva” de Jorge Ben Jor. Mas o grande disco de sua carreira é “Neguinha te amo”, lançado pelo selo de world music de Peter Gabriel na Europa e, no Brasil. O excelente trabalho que vai do acid jazz ao UK Garage é produzido em conjunto com o britânico Will Mowat e traz, em seu repertório, letras de Jorge Ben, Baden e Vinicius e Paulinho Moska.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Adame DJ - “Músicas para Ouvir no After” (ONES AND ZEROS)

“Músicas para Ouvir no After”, disco inédito do capixaba Arame DJ, é uma festa. Após lançar uma penca de EPs nos últimos anos e uma reveladora participação no último álbum de remixes da Pinkpantheress, o DJ apresenta um álbum extraordinário que não se reserva apenas ao “tuim” do funk paulistano experimental. Em faixas que trafegam entre as repetições do techno, a pungência do hard dance e até mesmo o bate estaca do gabber, Adame se reserva de qualquer limitação de álbuns de funk que se mantém somente no estilo brasileiro, se abastecendo de inúmeras referências. — ★★★★½

Beth Orton - “The Ground Above” (Partisan)

Em seu oitavo álbum de estúdio, “Weather Alive” de 2022, Beth Orton ressurgiu como uma fênix após experiências envolvendo a doença de Crohn em um de seus mais belos e etéreos trabalhos. Agora em 2026, em mais um projeto autoproduzido, a artista britânica de 55 anos continua na sucessão de excelentes discos nessa década. “The Ground Above”, diferente do trabalho de 2022, é menos minimalista e amplia algumas das temáticas sonoras como as referências do jazz, rock e até música clássica de câmara, como na incrível faixa-título que dá início à tracklist. — ★★★★

Chanel Beads - “Your Day Will Come” (Jagjaguwar)

Chanel Beads é o projeto liderado pelo novaiorquino Shane Lavers que ganhou reconhecimento pelo seu álbum de estreia de 2024 “Your Day Will Come”. Conhecido pelas inúmeros reverbs e camadas sonoras, agora, em 2026, ele retorna com um outro álbum com o mesmo nome de seu antecessor mas com um maior tempo de duração — 42 minutos comparados aos meros 27 do disco de 2024. Isso promove uma maior consistência em cada uma das canções que exploram melhor o seu universo parecido com o trabalho antecessor, seja em refrões pop, batidas funkeadas e atmosferas góticas. — ★★★★

Madeon - “Victory” (Mom + Pop)

Pelo visto, esse revival da sonoridade indie sleaze não vai acabar tão cedo e o novo álbum do produtor francês de electro house, Madeon, é a prova disso. Entre produções que ecoam o passado de Soulwax, Klaxons e Cobra Starship, o artista, em seu terceiro disco, vê nas guitarras pesadas e nas batidas four-on-the-floor uma nova (e antiga) exploração para seu catálogo — antes, com dois álbuns que encapsularam o electro dos anos 2010. Após um hiato de sete anos desde seu último trabalho, Madeon retorna com urgência e desespero, em certos momentos, mas que resulta em uma das suas canções mais vivas. — ★★★★

Ryan Beatty - “Sweet Fortune” (Warner)

Em 2023, Ryan Beatty saiu do indie pop triste para o indie folk triste com seu terceiro disco, “Calico”, que teve participações de Ethan Gruska (conhecido por suas parcerias com Phoebe Bridgers) e Justin Vernon, do Bon Iver. Em “Sweet Fortune”, seu quarto álbum, ele retoma essa estética incrementando com elementos de country pop e soft rock à lá Carpenters, que resultam em uma das melhores canções de 2026: o single “Secret Language”. O que dilui um pouco da experiência de “Sweet Fortune” está em seu ato final em que a ausência de instrumentações marcantes quebra um pouco da experiência. — ★★★½

Singles

Linn da Quebrada & Fernando Catatau - “Nuvem Negra” (Altafonte)

Ainda em 2026, é difícil entender a tamanha importância de Linn da Quebrada para a música brasileira — assim como Caetano, Gal, Gil, Milton, Rita, Bethânia levaram décadas para serem entendidas como entidades de nossa cultura. Mas ainda assim, ela continua impactante com seu mais novo single em parceria com o também excelente Fernando Catatau em “Nuvem Negra”, bela regravação de letra do Djavan popularizada por Gal Costa em “O Sorriso do Gato de Alice” de 1993. Sua reinterpretação em ritmo de brega é mais um atestado de que Lina não é somente agora mas para a posteridade. — ★★★★½

Phoebe Bridgers - “Lost Boys” (Dead Oceans)

Em junho, se completou seis anos desde que escutamos pela primeira vez “I Know the End”, faixa que encerra o avassalador “Punisher” da cantora e compositora Phoebe Bridgers. Poucos dias depois, ela anuncia o sucessor deste seu segundo trabalho que elevou sua carreira ao status de conseguir fazer uma apresentação surpresa no Madison Square Garden com ingressos a US$1. “Lost Boys”, de primeira, não é, porém, uma das canções mais impactantes, comparadas à “Smoke Signals” e “Garden Song”, para serem escolhidas como cartão de visita para uma nova era. — ★★★★

Carly Rae Jepsen - “On Wires” (Interscope)

Carly Rae Jepsen pode fazer o que ela quiser de mais incrível agora, e seu próximo álbum, “Day and Night”, duplo, ambicioso e conceitual, é a prova disso. O primeiro single, “On Wires”, é um pop rock psicodélico e explosivo e que possui um dos melhores refrões que ela já lançou não pela simples letra “I Want You”, mas pela catarse de todos os elementos. Essa faixa faz parte do primeiro disco, “Day”, desse próximo álbum — um lado mais solar inspirado no pop psicodélico dos anos 1970 — e, o que ela alcança aqui, só faz ferver a curiosidade. — ★★★★½

Charli xcx - “Wink Wink” (Atlantic)

Charli xcx realmente não quer que adivinhemos qual vai ser o próximo passo dela. A gente sabe que a Charli está trabalhando com guitarras, ritmos de post-punk, roupas de couro… mas o grande tesão disso é a imprevisibilidade. Seu novo single, “Wink Wink”, começa com um spoken word da artista em uma espécie de poesia slam do bom estilo de Lou Reed, até a inserção das guitarras que poderiam ser uma b-side do CSS. Mas o principal ponto de “Wink Wink” está na letra irônica que poderia ter sido escrita pela Madonna em seus áureos tempos punk/no wave em Nova York. Nos versos, Charli fala sobre a falso puritanismo que esperam de mulheres quando amadurecem e precisam perder seu lado mais sexy, enquanto fala que “pessoas podem mudar” mas isso não é necessário. — ★★★★

Julia Holter - “Fantasy / The Laugh Is In the Eyes” (Domino)

Me sinto a Denise Stoklos falando da Björk quando o assunto é Julia Holter e sua capacidade em criar música pop por caminhos tortuosos e não óbvios. Dois anos depois de “Something In the Room She Moves”, seu excelente último álbum, ela está prestes à lançar “Materia”, um apêndice ao material de seu disco sobre maternidade, fertilidade e mortalidade apresentado em 2024. Dois dos singles já estão disponíveis e conversam perfeitamente com seu último disco com as ambiências aquáticas e psicodélicas e influências de jazz e post-rock. — ★★★★½

Recomendação/Aniversariantes: Gilberto Gil - “Luminoso” (Biscoito Fino, 2006)

Gilberto Gil completou 84 anos no último dia 26 de junho. Seu álbum “Luminoso”, daqui a alguns meses, completará 20 anos de lançamento e é um trabalho especial por mostrar que Gil não precisa de arranjos mirabolantes e uma mega banda para apresentar sua alma em performances voz e violão. Esse disco diverge do que o artista vinha lançando na virada do milênio, com discos que mesclavam reggae, samba e forró. É um disco que celebra sua riqueza artística com canções desde os anos 1960 até 1999, quando aconteceu a gravação.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Amanda Sarmento - “Eclipse” (ONYINYE)

É muito interessante o crescimento do número de artistas nacionais dessa nova geração que seguem a linha do r&b, como Afreekassia, Ryan Fidelis, Melly e agora, com seu álbum de estreia, Amanda Sarmento. A cantora e compositora carioca, após alguns singles e EPs lançados nos últimos três anos, apresenta um debut consistente e eclético. Com direção musical de Iuri Rio Branco e contribuições de Mahmundi e KRLO, Sarmento apresenta um trabalho eclético que mistura música eletrônica, trap e soul. Em seu início, ele demora a engatar, apesar do excelente single “Quente”, que tem a cara do pop rap dos anos 2000 de Nelly e Eve. A partir de “Eu já sofri demais”, maravilhosa parceria com Ruas MC, Amanda se solta e desabrocha bangers sem limites. — ★★★★

Tierra Whack - “WHACK’S MUSEUM” (Interscope)

Confesso, aqui, que nunca fui fã da música de Tierra Whack, mesmo entendendo toda a sua proposta artística que mescla o pop e o rap de forma inventiva. Mas a música em si nunca me pegou. Sua mais nova mixtape, “WHACK’S MUSEUM”, primeira após um morno álbum, “WORLD WIDE WHACK”, tem seus bons momentos que se aprofunda no rap torto e abstrato que lembra Earl Sweatshirt e MF Doom, mas também canções mais pop e trap. Mas, ainda sim, “WHACK’S MUSEUM” parece mais um experimento sonoro do que música com identidade, de fato. — ★★★½

MOMO. - “Tum Tum Tum” (Agogo)

Comparado à seu último álbum, “Gira” de 2024 que seguia de forma mais aprofundada no rock psicodélico e no jazz, Marcelo Frota, conhecido como MOMO., em seu mais novo álbum, se conecta com uma linguagem mais pop. “Tum Tum Tum” tem apenas oito canções e aproximados 26 minutos de duração. O artista começa com “Egum Eô”, um samba-rock no bom estilo Ben Jor, e as próximas faixas como “Vermelho e Rosa”, a parceria com Marcos Valle em “Morena” e o feat. com Nina Miranda em “Canto de Aldeia”, misturam samba com pop psicodélico. O resultado é uma grata e leve surpresa, um álbum gostoso para se ouvir em dias ensolarados. — ★★★★

João Carvalho - “Uma Festa no Centro do Vazio” (Independente)

Uma grata surpresa em uma semana escassa de lançamentos é o rico “Uma Festa no Centro do Vazio”, álbum de estreia solo do membro da El Toro Fuerte João Carvalho. Esse disco é inspirado por um trabalho voluntário com comunidades ribeirinhas e afetadas pela mineração de Minas Gerais e Espírito Santo, em uma viagem e um processo de três anos. Isso cria uma narrativa de se encontrar no interior geográfico e de si próprio que resulta em um belíssimo álbum de rock cristalino e psicodélico, com parcerias de Clara Bicho e Fernando Motta. — ★★★★

Big Freedia & SOPHIE - “Released at Last” (We Are: The Guard)

Big Freedia, enfim, revira o baú de suas parcerias com a saudosa SOPHIE para o lançamento do EP “Released at Last”. Eu não cheguei a escutar os vazamentos das sessões de dez anos atrás, mas, ao escutar esse compacto, tive a impressão de que houve um motivo para que estas canções fossem descartadas e nunca lançadas propriamente por nenhuma das duas. O feat. com o trio MUNA, com certeza, foi adicionado de última hora, com uma breve menção a Alex Consani em um dos versos. Já as duas outras faixas são dolorosamente repetitivas e esquecíveis. — ★★½

Singles

FKA twigs & Lil Yachty - “On Your Mind” (Atlantic)

Slayyyter anunciou nesta última semana que está trabalhando em mais um álbum na linha de “Wor$t Girl in America” e que está cansada dessa onda de eras separadas e fechadas. Acredito que FKA twigs compartilhe deste sentimento pois acaba de lançar mais um single, supostamente, da era “EUSEXUA”. (Digo “supostamente” pois acredita-se que tem novo disco vindo aí) “On Your Mind” é mais uma faixa que aproxima a artista do “pop farofa”; aqui, influenciada pelo jersey club com linhas de baixo pungentes. A parceria com Lil Yachty é sólida e acrescenta curiosidade aos próximos passos da artista. — ★★★★

Bruno Berle - “Não Posso Viver Sem Você” (Far Out)

Este é o segundo single do terceiro álbum de Bruno Berle, “Sem Fronteiras”, que será lançado na segunda sexta-feira de julho. É mais uma demonstração de sua expressão minimalista e intimista e seu modo reconfortante de falar sobre o amor e outras experiências pessoais. Aqui, “Não Posso Viver Sem Você”, começa com um piano elétrico e sintetizador de seu colaborador e conterrâneo batata boy, e a canção cresce até a bela regência de uma orquestra de câmara. — ★★★★½

Recomendação + Aniversariantes: Chico Buarque - “Vida” (Philips, 1980)

A temporada do signo de gêmeos encerrou e eu preciso homenagear mais um aniversariante que eu compartilho o meu sol astrológico. Na semana passada, teve Maria Bethânia e hoje gostaria de falar de Chico Buarque, que completou 82 anos na sexta-feira (19). Seu álbum que o insere nos anos 1980, “Vida”, é um de meus prediletos de sua carreira. Algumas das composições presentes aqui ficaram conhecidas nas vozes de cantoras como Bethânia em “De todas as maneiras” e “Vida”, e Clara Nunes com “Morena de Angola”. Porém, Chico e suas interpretações não perdem o brilho neste belíssimo álbum, um de seus discos mais sólidos antes da febre sintética da segunda metade da década.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Olivia Rodrigo - “you seem pretty sad for a girl so in love” (Geffen)

Olivia Rodrigo, em seu terceiro álbum de estúdio, amadurece sua sonoridade e seus sentimentos que faz de “you seem pretty sad for a girl so in love” um trabalho de amor e pós-amor quase perfeito. Para a artista, a dramaticidade e o 8 ou 80 de suas emoções são inegociáveis, tanto que ela cria uma estrutura do álbum que o divide entre lado A — sobre a paixão, a visão de um futuro com o amado — e B — o término, o abandono e o ressentimento — de forma sublime. Já no som que ela cria junto do parceiro de produção Dan Nigro, a artista avança em instrumentais e refrões maduros de pop rock e se afasta dos anos 1990 de Hole e That Dog. e encontra inspiração em The Sundays e The Cure, que Robert Smith, inclusive, está presente em “what’s wrong with me”. Mesmo carregado de emoções a flor da pele, há uma dose de realismo no contraste entre cada um dos lados. Na primeira música, “Drop Dead”, Olivia fala sobre como ela não quer que o rapaz termine sua cerveja. Em “Cigarette Smoke”, o rapaz não só termina a cerveja como o relacionamento acaba e ela não consegue se livrar de todo o ressentimento das emoções que ela tinha no começo. Forças, Olivia. — ★★★★

Kelsey Lu - “So Help Me God” (Dirty Hit)

Desde os primeiros minutos de “So Help Me God”, segundo álbum da cantora, compositora e violoncelista Kelsey Lu, a artista decide assumir todos os riscos criativos imagináveis para ela. Seu primeiro lançamento desde “Blood” de 2019, ou seja, sete anos sem um álbum, a artista agora está em uma gravadora menor comparada a Columbia na qual editou seu primeiro disco. São apenas 10 canções que atravessam o jazz do estilo minimalista e orquestrado da gravadora ECM, a música erudita contemporânea e algumas referências ao pop eletrônico como o synthpop de “Running for Pain”. Pode-se dizer que “So Help Me God” é imprevisível em todas as propostas, como as duas últimas músicas “Better Than That”, um trap com Sampha, e “Cutting Off the Head of a Ghost”, um rockzão. Essas distinções promovem uma impressionante inovação para Lu. — ★★★★½

Katy da Voz e as Abusadas - “Sandra Eletrônica” (Independente)

“Sandra Eletrônica” é mais um atestado da genialidade de Katy da Voz, Palladino Proibida e Degoncé Rabetão, trio que integra a Katy da Voz e as Abusadas. Lançado junto do mês do orgulho LGBTQIAPN+ e com canções apresentadas durante a Parada do Orgulho que aconteceu em São Paulo no dia 7 de junho, este novo EP, “Sandra Eletrônica”, continua com os acertos de “A VISITA” de 2025. Com apenas quatro músicas, mais um set que mistura todas as faixas inéditas, o trio não segura as rédeas do exagero, do grotesco, do que é caótico e camp em um trabalho de hard techno escandaloso e vulgar, no melhor sentido. — ★★★★½

Tujiko Noriko - “Pon” (Mego)

Cantora, compositora e produtora de pop experimental japonesa Tujiko Noriko nunca fez um som fácil. Mesmo com algumas capas adoráveis, como a desse álbum recente com um gatinho, é como se, em discos como “Make Me Hard” e “From Tokyo to Naiagara”, a artista subvertesse o que seria acessível para algum fã de pop indie e eletrônico. Neste novo registro, “Pon”, inspirado em seu falecido gato que viveu com ela durante a infância, a artista utiliza de atmosferas sobrecarregadas de delays que misturam lúdico com obscuro. Noriko trabalha em seus versos como “não-estruturas”, ou seja, se desvincula completamente de uma convencionalidade e dá mais atenção a criação de texturas sonoras com refrões como um adereço a mais. Mesmo assim, em um álbum que mais parece uma nebulosa eletrônica, há um quê de humanidade no que Tujiko Noriko constrói em “Pon”. — ★★★★

YHWH Nailgun - “Magazine” (4AD)

“Magazine” é o segundo álbum do quarteto de rock experimental novaiorquino YHWH Nailgun. Comparado à seu primeiro disco lançado em 2025, “45 Pounds”, a banda dobra o tom assombrado e metálico com influências de post-punk e rock industrial. O que dobra também é a urgência criativa dos artistas que, em comparação aos 20 minutos de “45 Pounds”, agora diminuem o tempo de duração de “Magazine” para 11 minutos. É um trabalho mais assustador, imediato e, também, mais interessante. — ★★★★

Marina Liori - “Vontade Pura” (Tratore)

Sexy, elegante e exuberante. É assim a estreia da cantora e compositora mineira Marina Liori com seu EP “Vontade Pura”, lançado no dia 10 de junho. A artista com uma gama de referências sofisticadas de soul ao funk que remetem à Gal Costa e Sade levanta a curiosidade do que está por vir em seus próximos passos artísticos. A maioria das quatro faixas, como “Água na Boca”, “Camaleão” e “Nesse Quase” projetam uma sensualidade muito cativante. Mas, o ponto principal deste pequeno projeto está em “Suco de Fruta”, um gostoso e safado boogie. — ★★★★

Singles

Interpol - “This Mirror Weights a Ton / See Out Loud” (Partisan)

Interpol, de repente, lembrou que é (ou já foi) uma banda interessante com o anúncio de “This Mirror Weighs a Ton”, próximo álbum de estúdio que sairá em agosto, e o lançamento de um single duplo. “This Mirror Weighs a Ton”, o primeiro single e primeira faixa na tracklist do álbum, é uma das canções mais etéreas e atmosféricas da banda e que não caem na mesmice criada nos últimos discos do Interpol, “Marauder” de 2018 e “The Other Side of Make-Believe” de 2022. A segunda música, “See Out Loud”, é o feijão com arroz que mistura o som de indie rock dos anos 2000 com post-punk criado pelo grupo de Paul Banks desde seus primórdios. — ★★★★

ursamenor - “da janela”/“meia volta” (YB)

Banda mineira formada pelo trio Camila, Iara e Mariana, ursamenor promete com seu primeiro EP que será lançado nos próximos meses. Por enquanto, essa banda de indie rock agridoce e melódico já lançou dois excelentes singles pela YB: “Meia Volta” lançada no início de maio e “Da Janela” apresentada no dia 11 de junho nas plataformas digitais. As duas músicas tem sonoridades — influências de The Cure e Alvvays são evidentes — e temáticas existências em suas letras — o sentimento de querer fugir e sentir a falta de algo indefinível que poderia gerar uma completude na alma — se conectam em duas belas faixas. — ★★★★

Recomendação/Aniversariantes - Maria Bethânia - “Imitação da Vida” (EMI, 1997)

A abelha rainha da MPB vai completar 80 anos na próxima quinta-feira, 18. Há alguns anos me tornei apaixonado pela sua dramaticidade, teatralidade e força interpretativa em álbuns de estúdio como “Drama: Anjo Exterminado”, “Álibi”, “Mel” e “Âmbar”. Nunca me aventurei por seus discos ao vivo —algo meu de não enxergar na performance ao vivo em áudio algo muito visceral quando a presença visual. Então, nessa espécie de hiperfoco, fui atrás de algumas pérolas e posso afirmar que ela, sim, é muito mais livre e teatral em um espetáculo com platéia. “Imitação da Vida” é um dos mais impressionantes que eu escutei dela, até o momento. É um show com o repertório de “Âmbar”, de 1996 — um disco que ela interpreta novos compositores daquele momento, como Adriana Calcanhotto, Arnaldo Antunes e Chico César. Se eu já sou apaixonado nessa versão de estúdio, eu fiquei mais fissurado com a entrega libertária de Bethânia ao vivo. Nunca assisti à um de seus shows mas sei que, quando isso acontecer, vai ser uma experiência extracorpórea.

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Clau Aniz - “Mácula”

Oito anos separam “Mácula” de “Filha de Mil Mulheres”, primeiro álbum da cantora, compositora e produtora fortalezense Clau Aniz. Um atraso de produção que envolveu uma pandemia e a inserção de Aniz no mercado de trilhas cinematográficas. “Mácula”, porém, valeu toda a espera. Enquanto “Filha de Mil Mulheres” é mais lento, com canções e solos de guitarras extensos, “Mácula” opta pela urgência e mais ideias em torno da música eletrônica, do jazz e até do erudito. Mesmo com apenas 34 minutos, este novo trabalho consegue concluir todas as ideias de uma sonoridade abstrata, mecânica e quebradiça além da brevidade e é um dos melhores trabalhos nacionais de 2026. — ★★★★½

Tara Clerkin Trio - “Somewhere Good” (World of Echo)

Trio britânico de post-rock, Tara Clerkin Trio utilizou seu primeiro álbum, “Tara Clerkin Trio”, e os EPs “In Spring” de 2021 e “On the Turning Ground” de 2023, como base para algo maior que estava por vir. Assim se criou o segundo álbum da banda. “Somewhere Good” alavanca o trio que vagueia entre o jazz, o rock experimental, a psicodelia e o eletrônico de forma caleidoscópica, para dentro de parâmetros pop de bandas como Stereolab e Broadcast. O que chama a atenção neste segundo disco é o equilíbrio entre o hermético e o melódico que, para o trio de Tara Clerkin, Sunny-Joe Paradisos e Patrick Benjamin é uma união única entre o som de Bristol e o jazz de câmara, os beats lo-fi e o drone, o indie pop e o post-rock. — ★★★★½

Bedouine - “Neon Summer Skin” (Bedouine)

A primeira trilogia de álbuns da cantora e compositora síria-americana Bedouine eram como uma mesma colcha de retalhos sobre sua vida como uma imigrante refugiada, seus amores e sua proximidade com a linguagem folk de Joan Baez e Joni Mitchell. Cinco anos desde seu último álbum, “Waysides” de 2021, “Neon Summer Skin”, seu quarto e mais recente lançamento, foi construido para além do intimismo folk de “Bedouine” de 2017 e “Bird Songs of a Killjoy” de 2019. Aqui, a artista se aproxima do soft pop de The Carpenters e, uma referência mais recente, Weyes Blood. Tem boas músicas e momentos inesperados como a estrutura grandiosa em “On My Own” e o relato de sua mãe armênia sobre o genocídio de seu país em “Canopies”. — ★★★★

Maria Luiza Jobim - “Rosa no Céu” (Das Duas)

“Rosa no Céu” é apresentado, por Maria Luiza Jobim, como seu álbum mais orgânico e humano, comparado aos dois primeiros trabalhos de sua discografia solo conduzidos por sintetizadores. Neste trabalho, a brisa calma e aconchegante do entardecer, traduzido perfeitamente nos tons de rosa misturados ao laranja da capa, é dominante. Na sonoridade, construída junto da produção de Marcelo Camelo, está a forte presença de arranjos de orquestra gravados na Rússia em um disco gravado em Portugal, atual residência de Maria Luiza. Isso, combinada as belas letras sobre os detalhes do rotineiro de Jobim como namorada, mãe, artista, preenchem perfeitamente mais um ótimo trabalho da cantora e compositora. — ★★★★

horsegiirL - “Nature Is Healing” (RCA)

À primeira vista, a DJ alemã com cara de cavalo horsegiirL parece mais uma alucinação devido ao uso de ketamina. Mas, na verdade, a artista com sua identidade desconhecida já está com seu nome em lineups de festivais ao redor do mundo, inclusive do Brasil na última edição do Lollapalooza Brasil, e “Nature Is Healing”, seu primeiro disco, promete catapultá-la mais ainda ao estrelato da música eletrônica. Neste disco, há drum and bass, trip hop, new age, mas o que resume bem este trabalho — como a carreira toda de horsegiirL — é o efeito pós-PC Music dos artistas influenciados por SOPHIE, A.G. Cook e Hannah Diamond, de construir sua sonoridade a partir do trance do final dos anos 1990. Nestes momentos de transcendência é que “Nature Is Healing” — um álbum longo e, em algumas canções, derivativo — se sobressai. — ★★★½

Death Cab for Cutie - “I Built You a Tower” (Anti-)

A banda de Washington liderada por Ben Gibbard, depois de lançar alguns álbuns chatíssimos durante os anos 2010, como “Kintsugi” e “Thank You For Today”, ao lançar um trabalho que é o “arroz com feijão” do indie rock que nem “I Built You a Tower”, é capaz de satisfazer fãs antigos. De novo, o grupo trabalha com John Congleton, com quem trabalhou em “Asphalt Meadows”, ótimo comeback de 2022 e prossegue na linha mais ruídosa do rock indie. Não há nada de novo em “I Built You a Tower” — é ingenuidade esperar um novo “Transatlanticism” nessa altura do campeonato — mas Gibbard e sua trupe apresentam um trabalho coeso e sólido. — ★★★½

Singles

Kelela - “point blank” (Warp)

Depois de dois singles em que se aproximava do rock de forma brilhante, Kelea, para a terceira amostra do que será “new avatar”, seu terceiro álbum, a artista retorna a sonoridade familiar do breakbeat e drum and bass. Mas não pense que ela fez algo decepcionante, algo praticamente impossível levando em conta todos seus EPs, mixtapes e álbuns até o momento. “point blank” é a segunda faixa do próximo álbum de Kelela e fica atrás da guitarreira psicodélica de “idea 1”. O grande detalhe desta nova canção, que melhora a vibe já estabelecida da artista, é o loop de kicks que lembra um techno dos anos 1990. — ★★★★½

Tinashe - “Too Easy” (Nice Life)

Tinashe iniciando sua nova era com uma sonoridade eletrônica pulsante e saltitante, na ideia, é algo mais que bem vindo. Porém, infelizmente, Nashe faz de “Too Easy”, ao primeiro momento, uma vinheta de menos de dois minutos, nos moldes de uma b-side da Pinkpantheress — artista que dita as regras, atualmente, do pop + r&b eletrônico e que já recebeu suas flores de Tinashe. “Too Easy”, que discordo que pareça algo que as Katseye lançaria (não acho que ela mereça essa ofensa), parece mais uma ideia que faltou maior elaboração. Mesmo que na última dupla de discos que Tinashe lançou, “BB/ANG3L” e “Quantum Baby”, tenha cada um menos de 22 minutos, faixas curtas demais precisam deixar uma grande impressão quase que instantânea e isso não acontece, exatamente, em “Too Easy”. — ★★★

Taylor Swift - “I Knew It, I Knew You” (Walt Disney)

Para seu novo single e trilha de “Toy Story 5”, Taylor Swift retorna à sua infância e também aos primeiros anos no country pop. “I Knew It I Knew You” consegue contagiar por seu ar nostálgico de fãs de “Fearless” de 2008 ou até mesmo de “Taylor Swift”, sua estreia de 2006. A grande diferença está na co-produção já familiar de Jack Antonoff, que estava saturada em “The Tortured Poets Department” de 2024, mas que se demonstra revigorada aqui após o desastre de “The Life of a Showgirl”, em que Swift trabalhou com Max Martin e Shellback no ano passado. — ★★★½

Madonna - “Love Sensation” (Warner)

Madonna continua a mostrar que ela pertence à pista de dança em mais um single de “Confessions II”. “Love Sensation” continua a dar pistas que a continuação de “Confessions on a Dance Floor” de 2005 que o foco será explicitamente a house music, diferente do revival disco lançado há 21 anos. Assim como “Bring Your Love”, feat com Sabrina Carpenter, este não é um dos takes mais ousados da Rainha do Pop no quesito house pop dançante e eufórico, mas é uma bela música que, acredito que, fará sentido no álbum completo. — ★★★★

Vinicius Corrêa tem 25 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Bebé - “Dissolução” (LOCO)

A principal beleza de acompanhar a carreira de Bebé Salvego, agora em seu terceiro álbum solo, é a progressão de como ela conduz sua arte a cada novo trabalho. Seu último disco, “Salve-se” de 2024, estreitava laços com o pop eletrônico e espacial e, agora, em “Dissolução”, Bebé retoma a elementos acústicos de seu primeiro disco “Bebé” de 2021 de outra maneira. Aqui, a artista, tomando conta da produção sozinha pela primeira vez com o apoio de seu irmão Felipe, renova o acústico com influências de jazz, rock, e MPB. O título “Dissolução” (o ato de ruptura de algum tipo de vínculo) não é por acaso e pode ser interpretado além de algum relacionamento amoroso — algo presente em letras do álbum. Mas a dissolução aqui está mais a ver com liberdade em ser si mesma como mulher e artista. Em uma indústria capaz de dissolver tudo que ela tem a entregar, Bebé nada contra a corrente mais uma vez. — ★★★★½

Melly - “MAIS FORTE QUE A DÚVIDA” (SLAP)

Com sua estreia em 2024 com “Amaríssima”, a cantora e compositora baiana Melly conquistou a todos com um álbum de r&b brasileiro, sentimental e delicado. Dois anos depois, a artista retorna com “Mais Forte que a Dúvida”, um trabalho mais pop e que não perde a autenticidade que Melly ficou conhecida anteriormente. Aqui, a cantora navega pela mpb classuda, pelo pagode baiano e até a disco music. Mesmo assim, “Mais Forte que a Dúvida” é menos charmoso que a estreia lançada há dois anos, mas que, certamente, têm pontos altos como o boogie “A voz do Coração” que encerra o disco. — ★★★★

Pedro Mizutani - “Nova Bossa: Aquele Abraço aos Ratos Vivos” (Nice Guys)

Cantor e compositor carioca de 24 anos, Pedro Mizutani ficou conhecido há alguns anos como um recente expoente da bossa nova direcionada ao público indie com EPs como “Aperana”, “Pensando Baixo” e “Mostrando os Dentes”. Isso muda com a chegada de seu novo álbum “Nova Bossa: Aquele Abraço aos Ratos Vivos”. Mizutani chega a enganar o ouvinte na “Intro” com uma levada de bossa nova, substituída pela segunda faixa “Escassez”, um gostoso pop rock funkeado à lá Jorge/Olivetti. Mas a principal linha conduzida por Mizutani em seu debut é o indie rock que lembra Radiohead e Big Thief, com influências do folk e do violão brasileiro da MPB. “Nova Bossa…”, então, consegue ser inovador para o artista em um trabalho completo, ao contrário dos EPS que mais pareciam demos e estudos dentro de um quarto. — ★★★★

Boards of Canada - “Inferno” (Warp)

Certos artistas, como a Fiona Apple, My Bloody Valentine e, agora, o duo escocês Boards of Canada, levam tanto tempo para retornar por simplesmente precisarem de algo a dizer em cada novo trabalho. Treze anos desde seu último álbum, “Tomorrow’s Harvest”, Mike Sandison e Marcus Eoin apresentam “Inferno” como mais uma experiência auditiva do que simples música eletrônica. O que a dupla de irmãos tem a dizer em 2026? O apocalipse iminente e o inferno que pressagia cada pecador sob o comando de um Deus vingativo — algo que alude a todo fim do mundo que está a poucos minutos de acontecer. Isso é feito a partir de cortes de vozes de entrevistas com líderes de culto, menções a Nostradamus e um trecho de “Hare Krishna” e ao inferno indiano Naraka. O modus operandi continua o mesmo para a dupla: sintetizadores hipnóticos, batidas e grooves ora sincopadas ora repetitivos e uma ambiência sombria e mística. Mesmo que não tenha um grande diferencial, o cerne de “Inferno” está na fé e na crença do ouvinte além de querer desvendar tudo que acontece nos 69 minutos de duração. — ★★★★½

Paul McCartney - “The Boys from Dungeon Lane” (Capitol)

Como era Paul McCartney antes dos Beatles? Isso é respondido no mais novo álbum de Macca, “The Boys from Dungeon Lane”, que é, para o ouvinte, quase um álbum de retrato da infância e adolescência de Paul em Liverpool. A história de seus pais, como conheceu George Harrison, suas primeiras namoradas; tudo é contado com o primor narrativo de clássicos do artista como “Ram” de 1971. Mas, para o lado introspectivo da pessoa Paul que já foi criança, adolescente e filho, “The Boys of Dungeon Lane” é mais que abrir o baú de suas memórias e capitalizar uma nostalgia vazia. O álbum é um exercício de consolo à sua criança interior de que tudo vai dar certo no futuro. — ★★★★

Bento Gil - “Silêncio Azul” (Gege)

Com apenas 22 anos, Bento Gil, um dos 12 netos do patriarca da família Gil, apresenta ao público sua estreia na carreira musical. “Silêncio Azul” foi gravado e produzido junto da família de Bento, com sua mãe, Bárbara Ohana, como produtora, o primo João Gil e o tio José Gil como instrumentistas e participações do avô Gilberto e do violoncelista Jaques Morelenbaum. Nada disso tira o mérito do jovem em seu primeiro disco em sua maioria voz e violão que conseguem recriar imagens delicadas como pinturas de aquarela de amores veranis. Porém, a grande parte de “Silêncio Azul” não demonstra uma grande nova personalidade da MPB recente além disso, mas não anulando o potencial de Gil. — ★★★½

feeble little horse - “bitknot” (Saddle Creek)

O eletrônico e o analógico são uma coisa só no terceiro e mais novo álbum da banda de indie rock barulhento feeble little horse. “bitknot” foi lançado inesperadamente na terça-feira, 26 de maio, e prossegue com uma direção estudada no excelente single “This Is Real”, lançado em maio de 2025. A inserção de elementos eletrônicos — nomeados “laptop twee” que fundem a fofura do indie pop com a eletrônica — é evidente logo no ínicio do disco em “Doorway”. Isso se repete em alguns outros momentos de “bitknot”, mas o que fica para o ouvinte na obra de feeble little horse, no geral, é o caminho tortuoso de construir refrões pop perfeitos, melódicos e abrasivos na mesma medida. — ★★★★½

Iceage - “For Love of Grace & the Hereafter” (Mexican Summer)

“Queríamos tentar nos livrar de qualquer peso desnecessário”. Foi assim que o vocalista e líder da Iceage, Elias Rønnenfelt, definiu o processo criativo por trás de “For Love of Grace & the Hereafter”, sexto álbum do grupo dinamarquês e o primeiro em cinco anos. O resultado é a coleção de faixas mais acessíveis e pegajosas do grupo conhecido como um representante do pós-punk nórdico. O peso em questão era todo o blues recorrente em discos como “Plowing Into the Field of Love” de 2014. A energia pop pode desagradar fãs mais antigos da banda e este pode não ser o seu auge criativo, mas é certamente um dos mais cativantes. — ★★★★

Kim Petras - “Detour”

Indie Sleaze não só voltou mas é também uma das principais trends musicais de 2026, presente na estética de álbuns de Slayyyter, Tiffany Day, Underscores e, agora, Kim Petras. “Detour”, assim como “Wor$t Girl in America”, revigora a discografia de Kim Petras, incorporando a aparência suja e urgente do electro house. Mas, diferente de Slayyyter, Petras tem um olhar mais aprofundado ao agora e não ao passado do indie sleaze de Justice e Crystal Castles, mas para o que o electro tem a oferecer de artistas como Frost Children — produtoras de “Detour”. Mesmo que mais básico e menos experimental que “WGIA”, a artista de “Alone” e “Unholy” consegue redirecionar a sua carreira, fadada ao fracasso de dois discos sob tutela de Dr. Luke. — ★★★★

Ryan Fidelis - “Tons de Marrom” (Cuervo)

“Tons de Marrom”, segundo álbum do cantor, compositor e produtor de r&b Ryan Fidelis, é um trabalho que expande o leque criativo de referências do jovem artista. Assim como o antecessor de 2025, “Alma”, Ryan toma as direções de tudo e produz, arranja e compõe inteiramente o disco. Porém, o músico ousa ainda mais em um trabalho cinematográfico, acompanhado de um curta-metragem, e participações especiais de MAUI e YOÚN. O pequeno problema de “Tons de Marrom” é, assim como grande parte dos trabalhos do gênero r&b, de repetição estilística e andar em ciclos — algo que chega até a ser contornado com influências de boogie e samba. Mas isso não interfere na sensualidade e paixão transmitida por Fidelis. — ★★★★

Exclusive os Cabides - “Feliz e Triste ao Mesmo Tempo” (Independente)

O grupo catarinense Exclusive os Cabides busca nos ritmos chacoalhantes do indie pop dos anos 1980 para a construção de seu novo EP, o ótimo “Feliz e Triste ao Mesmo Tempo”. Os riffs lembram o movimento C86 que aconteceu no Reino Unido durante a década de 1980, que acontecia junto ao gênero twee pop, conhecido pela autoconsciência fofa e irônica — transmitido pela Exclusive desde o primeiro verso do EP: “eu saí de casa e eu vi ela/depois de uma semana eu já chamava ela de magrela”. Essa fofura sarcástica se funde bem a já conhecida esquisitice psicodélica da banda em um de seus melhores trabalhos. — ★★★★

Singles

Charli xcx - “SS26” (Atlantic)

“SS26” é o segundo single do que tende a ser o próximo álbum de Charli xcx, “XCX8”. Mais uma vez com a estética roqueira, esta nova amostra é menos polvorosa e experimental quanto “Rock Music” lançada no início de maio. Enquanto a anterior era mais um experimento satírico de rock, “SS26” tem o foco mais narrativo do esvaziamento artístico de 2026 em um momento pós-Brat de 2024. Mesmo com uma profundidade maior, “SS26” acaba que é menos interessante e ousada estilisticamente comparada a “Rock Music”. — ★★★½

Olivia Rodrigo - “The Cure” (Geffen)

Olivia Rodrigo tem uma questão com a escolha de seus lead singles. Em “Guts” de 2023, a artista escolheu para abrir a temporada de sua segunda era “Vampire”, uma ótima faixa que, mesmo com uma lógica de ter sido escolhida, não é, de longe, uma das melhores canções de seu segundo álbum — oficialmente desbancada pelo segundo single “Bad Idea Right?”. Isso se repete com “The Cure” — potencialmente uma das melhores canções que Rodrigo lançou até o momento —, desbancando “Drop Dead” (que também é uma doçura). Diferente de quase tudo que Olivia lançou até o momento, “The Cure” tem uma letra cortante sobre tentar encontrar no amor um “antídoto” para a autopunição e o auto-ódio. O instrumental é guiado por um violão acústico caótico que vai crescendo, transformando a faixa em um hino de rock de arena. É quase um “Fake Plastic Trees” para meninas adolescentes. — ★★★★★

Ariana Grande - “Hate That I Made You Love Me” (Babydoll)

“Hate That I Made You Love Me” é a volta dos que não foram. Ariana Grande retorna dois anos desde “Eternal Sunshine”, um de seus trabalhos menos inspirados, e esta é sua primeira música desde a cansativa temporada de promoção de “Wicked”. A letra, assim como “yes and” de seu álbum anterior, tem a ver com as expectativas impostas na sua própria imagem por terceiros — no caso de Ariana, a imprensa e seus próprios fãs. Porém, este single consegue ser mais básico que o que Grande trabalhou em “Eternal Sunshine”. A produção, mais uma vez de Max Martin e ILYA, parece uma mira ao pop psicodélico de Tame Impala e The Marías, mas soa, infelizmente, como “Fortnight” de Taylor Swift. — ★★★

The Durutti Column - “Liars” (London)

Houve uma certa movimentação recente de descoberta do som de Vini Reilly, líder da influente banda de post-rock e post-punk do começo dos anos 1980, The Durutti Column. Isso decorreu a partir de recentes reviews da Pitchfork e também uma participação em uma música do álbum recente do Blood Orange, que introduziu a guitarra caleidoscópica de Reilly a uma nova geração. Na última semana, o artista, agora aos 72 anos, retorna após um hiato de mais de 15 anos desde o último álbum da banda com um novo single. “Liars” saiu com o anúncio do mais novo álbum “Renascent” e é mais uma demonstração da inquietude artística de Reilly, com versos rimados e quase falados que lembram um rap, guiados por uma batida eletrônica alucinante e sintetizadores herméticos. — ★★★★

Maurício Pereira - “Casamata de Amoreiras” (OCorre Lab)

“Casamata de Amoreiras” é o primeiro single do próximo álbum de inéditas do cantor e compositor paulistano Maurício Pereira. Com uma letra introspectiva e metafórica sobre um homem isolado que não enxerga que o “amor possa ser mais que um rolo”, o artista compõe junto de Rômulo Fróes. outro grande cantautor. O isolamento da letra é acrescentado, como um oxímero, à força colaborativa da canção e também da produção de Basile, baterista da O Terno, e Chico Bernardes, filho caçula de Maurício e também cantautor. Em “Casamata de Amoreiras”, single que antecede um disco que será lançado “após a Copa do Mundo”, Pereira reflete sobre a autorreflexão da poesia de um homem trancafiado em si próprio. — ★★★★½

Lulina - “Outras Vezes” (YB)

Por último, venho falar sobre o novo single da Lulina, cantora e compositora pernambucana radicada em São Paulo e proeminente nome do indie brasileiro desde os anos 2000. Prestes à lançar seu mais novo álbum, o primeiro gostinho é uma parceria com Ana Frango Elétrico em “Outras Vezes”. Uma tema decorrente nessa e outras composições de Lulina é um amor torto e imperfeito. Em “Outras Vezes”, Lulina (ou o eu-lírico) é “Com você/O que a hora pedir/O que der pra existir/Eu sou pra você”, explorando uma maleabilidade sarcástica, sob a produção de Gustavo Ruiz que dá um tom esquisito de lounge music, com flauta de Jorge Continentino e trombone de Marlon Sette. — ★★★★½

Vinicius Corrêa tem 24 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Ítallo - “Catatau”

“Catatau” é, até o momento, o álbum mais maduro do cantor e compositor alagoano Ítallo França em sua carreira. Este novo trabalho é lançado dez anos após seu primeiro disco, “Casa” de 2016. Nascido em Arapiraca, região metropolitana do Agreste alagoano, e agora estabelecido como artista em São Paulo, o músico continua a olhar para suas origens: “Catatau” é um título que remete à um personagem do Zé Colmeia e, na capa, é estampado o rosto de Ítallo criança. Não é um trabalho sobre sua infância, exatamente, mas de onde o artista veio é algo importante na construção de quem ele é hoje: como ele enxerga a tecnologia, a política, o samba, o futebol. As letras são crônicas cotidianas neste sentido, como a descoberta do universo da geração Z a partir do K-Pop ou a nostalgia de 2002. Para isso, Ítallo cria uma narrativa encantadora. Já a sonoridade enriquece este disco com toques de jazz e samba refinado e classudo em mais um belo disco. — ★★★★

Tangolo Mangos - “Pedágios y Caronas” (Deck)

“Garatujas”, primeiro álbum da banda soteropolitana Tangolo Mangos lançado em 2023, era uma apresentação à turma de Felipe Vaqueiro por meio do virtuosismo influenciado pelo rock progressivo e suas estruturas complexas. Agora, em “Pedágios y Caronas”, o que antes tinha quase uma hora de duração, o segundo álbum é mais enxuto com apenas 30 minutos. Sua primeira metade é uma pedrada frenética e agitada, que vai do garage rock à new wave e até ao ska rock. A segunda metade de “Pedágios y Caronas” retoma com a complexidade progressiva, como na suíte “Gerais do Vieira” e “Gerais do Rio Preto”, que não desfazem a extasiante primeira metade se sobressair. “Pedágios y Caronas” é, portanto, uma deliciosa ampliação, através da inventividade, do que a Tangolo Mangos fez em seu primeiro disco de forma mais concisa e direta.— ★★★★½

Os Garotin - “Força da Juventude”

“Força da Juventude” é a continuação perfeita ao material apresentado na estreia de 2024 do trio de r&b carioca Os Garotin. O que era um cartão de visita em “Os Garotin de São Gonçalo”, álbum agraciado com um Grammy Latino, agora já é algo enxergado com naturalidade e mais malemolência no trio Anchietx, Cupertino e Léo Guida. Agora, os rapazes tem um grande elenco distribuído em parcerias condizentes com o trabalho: de nomes atuais da música brasileira como BK’, Liniker e Marina Sena; a referências consagradas como Arthur Verocai e Lenine. O que felizmente fortalece “Força da Juventude” é que Os Garotin não caem na autocópia. É um projeto que consegue ser ainda melhor que o disco vencedor do Grammy, tanto em letras como “deixa eu te encontrar” e “uma noite só”, como em toda a estética. — ★★★★½

Zélia Duncan - “Agudo Grave”

“Agudo Grave” é o 15° álbum de estúdio da cantora e compositora fluminense Zélia Duncan, e é um trabalho que comemora seus 45 anos em atividade. Duncan é uma artista que se mantém fiel a sua essência — encontrada em “Agudo Grave” na poética introspectiva e nas influências folk de sua sonoridade. Ao mesmo tempo, é uma cantora e compositora que nunca se mantém na zona de conforto e do que se espera de um álbum seu. Isso é fortalecido neste trabalho com a produção, arranjos e instrumentações de sopro de Maria Beraldo, com quem colaborou com Zélia na canção “Matagal” de seu álbum “Colinho”. O inconformismo é algo que segura mais o álbum, em letras excelentes que vão de vencer “a contramão dançando”, até citações diretas ao agronegócio, as inteligências artificiais e outro possível governo Bolsonaro. — ★★★★

Cidade Dormitório - “Cinema Bélico?” (Matraca)

“Cinema Bélico?”, quarto álbum de estúdio dos sergipanos da Cidade Dormitório, é o melhor e mais ousado projeto do grupo até então. Após completar dez anos em atividade em 2025, o novo projeto é um passo adiante do “rock triste” de álbuns anteriores. Agora, a banda se encarrega de uma sonoridade eclética — que lembra Pink Floyd, Deerhunter e Jupiter Apple — com letras filosóficas e surrealistas. Ao mesmo tempo que aumenta seu repertório de influências e de experimentações, “Cinema Bélico?” é também o trabalho mais divertido da Cidade Dormitório, com elementos eletrônicos e até interpolação com “Estrelar” de Marcos Valle. — ★★★★

Genesis Owusu - “REDSTAR WU & THE WORLDWIDE SCOURGE” (OURNESS PTY)

Genesis Owusu, artista ganês radicado na Austrália, está puto. E com total razão. “REDSTAR WU & THE WORLDWIDE SCOURGE”, ou a “praga mundial”, é uma reação agressivíssima e violenta a tudo de pior que está acontecendo, ainda acontece e irá acontecer de 2026 a diante. Genocídio do povo palestino, governo Trump, inteligências artificiais, Elon Musk e o mundo dominado por multibilionários… É um nível acima do dance-punk de “Struggler”, seu disco anterior de 2023, que amplia a ferocidade com alguns raps e rimas selvagens. “REDSTAR WU” é um grande passo para Owusu, em que seu dever é o primor de qualquer artista de refletir o zeitgeist em sua arte. — ★★★★

Julieta Venegas - “Norteña” (Altafonte)

Desde o início de sua carreira solo, com álbuns como “Aquí” e “Bueninvento”, a cantora e compositora mexicana Julieta Venegas tem um olhar que dissolve a música latina com referências pop, rock, indie e eletrônica. Aos 55 anos e quase 30 desde seu primeiro disco solo, Julieta lança “Norteña” que é um retorno à suas origens musicais da infância em Tijuana, na Costa Noroeste do México em fronteira com a Califórnia. É um disco quase que inteiro do gênero norteño, que engloba polka, cumbia e ranchera. Um time de colaboradores mexicanos compõem o disco em sequências arrasantes, como em parcerias com Natalia Lafourcade e Memê, vocalista do Café Tacvba. O problema de “Norteña” está em como o disco é finalizado, com a balada “Amigas” e o mariachi “Te celebramos”. Esses momentos, infelizmente, não condizem com o que Julieta construiu lindamente nas 10 faixas anteriores de “Norteña”. — ★★★★

Singles

Tove Lo - “I’m Your Girl Right” (Chemical X)

Lead single de seu sexto álbum de estúdio, a sueca Tove Lo apresenta “I’m Your Girl Right?”. Assim como “No One Dies From Love” de “Dirt Femme”, álbum de 2022, a artista entrega mais uma poderosa primeira demonstração de uma nova era. Ao contrário do som sintético e colorido do álbum anterior, a artista está mais obscura — na capa de “Estros”, seu próximo álbum, ela está ajoelhada a um jazigo com um gato preto. A letra da canção reflete um pouco dessa identidade: os versos falam sobre um amor inseguro e cheio de dúvidas e provocações e Lo irá até as últimas consequências para que não seja abandonada. Um ótimo contraponto à seu disco anterior está na instrumentação mais carregada, com uma sirene repetindo no refrão e um batidão four on the floor barulhento e contagiante. — ★★★★

Eartheater - “Paradise Rains” (Chemical X)

O novo single de Eartheater, presente em seu próximo álbum, “Heavenly Body: If I'm the Bottle You're the Message” tem uma história curiosa por trás da letra. O tema central da canção é sobre a gestação da artista, que começou, segundo sua obstreta, no dia em que ela se mudou para sua fazenda de sua infância, na Pensilvânia. Obter a fazenda era o seu sonho, e encontrá-la, por acaso, em um site de imóveis foi uma sorte. A experiência de engravidar na antiga fazenda foi algo que aconteceu também com sua mãe, gestando o irmão mais velho da cantora. Essa coincidência (ou destino) é o que conduz a grandiosa e orquestral “Paradise Rains”, um acerto para apresentar esta nova era. — ★★★★½

The Strokes - “Falling Out of Line” (RCA)

Se “Going Shopping”, primeiro single do próximo álbum do The Strokes, “Reality Awaits”, pecava pelo uso excessivo das distorções de vozes de Julian Casablancas, esta segunda canção, “Falling Out of Love”, extrapola tudo. Uma faixa de seis minutos cansativa com influências de country rock, “Falling Out of Love” tem um letra melosa e cafona sobre um retorno à cidade natal do artista com sua nova parceira. Os avanços da promoção de “Reality Awaits” — agora com uma turnê que passará pelo Brasil no festival Primavera Sound, em São Paulo, que acontece em dezembro — premeditam um desastre. — ★½

Aniversariantes: Chico Science & Nação Zumbi - “Afrociberdelia” (Chaos, 1996)

Há 30 anos, “Afrociberdelia”, segundo e último álbum de Chico Science, junto da Nação Zumbi, foi lançado. Não dá para mensurar qual de seus discos fez mais história — este ou “Da Lama ao Caos” de 1994. Ambos foram igualmente importantes para levar o underground de Recife para o mundo. “Afrociberdelia”, lançado dois anos depois de seu antecessor, é menos cru e com maiores referências da música eletrônica, desde o uso de samples aos remixes do final do CD. No repertório, “Maracatu Atômico”, regravação de uma canção do Jorge Mautner, é o momento mais icônico do disco até hoje. “Afrociberdelia” vendeu mais de 100 mil cópias e foi o último registro da passagem meteórica de Science, que completaria 60 anos em 2026, na música brasileira.

Recomendação: Tetê Espíndola - “Vozvoixvoice” (Independente, 2001)

Há algum tempo, admiro o trabalho da Tetê Espíndola, mas nunca ouvi muitos de seus álbuns além dos lançados até “Gaiola” — sua fusão pop de 1985, pós-“Escrito nas Estrelas”. Pois fui atrás de alguns de seus discos menos conhecidos e me deparo com a viagem por sua voz cantando a natureza, “Vozvoixvoice” de 2001. Gravado em Paris junto do produtor Philippe Kadosch, a voz de Tetê é o principal instrumento condutor de uma orquestra experimental e de canções folk abstratas. Seja imitando a fauna brasileira ou cantando acompanhada da craviola, é seu disco mais grandioso e complexamente belo.

Vinicius Corrêa tem 24 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Juçara Marçal & Thais Nicodemo - “Dessemelhantes” (YB)

Idealizado primeiro no palco e só depois concretizado como um disco, “Dessemelhantes” é a forte união de Juçara Marçal nos vocais e Thais Nicodemo no piano. Este é um trabalho de intérprete nada ortodoxo de canções de Kiko Dinucci, Maria Beraldo, Negro Leo, entre outros, com versões acizentadas e experimentais. Na capa, uma arte que simboliza a ideia do disco: tipografias sobrepostas que são e não são legíveis. São nove interpretações que utilizam do piano preparado de Nicodemo com pregadores e metais — no estilo de John Cage ou Julius Eastman — e aplicam um tom esquisito e único à obra. Juçara já utilizou de sua voz nas mais variadas cozinhas sonoras — no voz e violão de “Padê”; instrumentações de samba-jazz em “Metá Metá” de 2011; e nas guitarras distorcidas de “MM3” e “Delta Estácio Blues” — e o piano metálico e industrial de Nicodemo também corresponde a sua voz perfeitamente. — ★★★★½

Seu Jorge - “The Other Side” (Black Service)

“The Other Side” não é o primeiro trabalho de Seu Jorge como intérprete —vide “The Life Aquatic Studio Sessions” de 2005 e “Seu Jorge and Almaz” de 2010. Muito menos é sua primeira amostra de sofisticação — mesmo em registros mais descontraídos como “Musicas Para Churrasco”, Jorge consegue ser chique. O grande ponto deste álbum, que teve início de suas gravações em 2009 e encerradas em 2018 e finalmente lançadas em 2026, está em como o artista se insere na cinematográfica atmosfera da bossa orquestrada. No repertório, estão composições de Milton Nascimento, Márcio Borges, Arthur Verocai e até Nick Drake numa belíssima colaboração com Beck Hansen. “The Other Side” é, por fim, um trabalho extremamente original e encantador que apresenta um novo lado de Jorge e que adapta sua voz grave perfeitamente a uma sonoridade delicada. — ★★★★

Lykke Li - “The Afterparty” (Neon Gold)

Lykke Li lança, enfim, seu álbum final. Não se tem, a princípio, certeza dessa notícia, mas sua discografia seria fechada com chave de ouro com “The Afterparty”. Depois de lançar álbuns mais experimentais e menos concisos — suas aventuras no trap pop com “so sad so sexy” de 2018, e o sonífero folk de “EYEYE” de 2022 —, Li embarca nas pistas de dança na primeira metade de seu sexto álbum. “Lucky Again” remete às glórias do remix de “I Follow Rivers” e “Late Night Feelings”. A segunda metade do projeto é como um “depois” da festa, com baladas folk e grandiosas orquestrações. Os singles lançados nos últimos meses são os principais atrativos de “The Afterparty”, deixando a expectativa de um retorno a inspiração de “Wounded Rhymes” de 2011. Porém, faixas como “Famous Last Words” e “Future Fear” voltam a breguice de seu álbum anterior. — ★★★½

Aldous Harding - “Train on the Island” (4AD)

Aldous Harding, cantora e compositora neozelandesa com mais de dez anos em atividade, é um enigma. Suas letras abstratas, suas performances ao vivo estranhas e seu jeito de cantar que varia a cada música — é tudo um universo quase que indecifrável. Sua arte seria algo impermeável se ela não fosse capaz de transformar sua estranheza em músicas deliciosas em discos como “Designer” de 2019 e “Warm Chris” de 2022 e agora “Train on the Island” de 2026, talvez seu melhor e mais conciso projeto até então. Há graça e leveza em letras como a que dá abertura ao disco: “Eu não estou com medo como você não é gay/E você não é velho, como eu estou no espectro”. Mas o trecho que define esse disco e a mística de Harding é, em “Riding That Symbol”: “Estou apenas usando este símbolo/Ninguém sabe do que eu gosto”. O significado de suas composições só ela conhece, e isso que dá o tom de curiosidade à sua música. — ★★★★½

Broken Social Scene - “Remember the Humans” (Arts & Crafts)

Os canadenses da Broken Social são erroneamente considerados uma banda. Liderado pelo vocalista Kevin Drew, o BSC pode ser considerado mais um coletivo musical — sem uma formação típica e com participantes que são mais colaboradores que membros intrínsecos do grupo em si. Isso fica claro na regularidade de cada um de seus lançamentos: antes de “Remember the Humans”, lançado na última sexta-feira, 08, seu álbum anterior, “Hug of Wonder”, saiu há nove anos, em 2017. Mesmo fora das formações ortodoxas de um grupo de indie rock, o Broken Social Scene tem uma sonoridade eclética e poderosa muito singular e bem estabelecida na cena, presente em todos seus discos desde “You Forgot It In People” de 2003 e que são replicadas em quase todos os seus trabalhos. Isso não é diferente no seu novo lançamento, mas que, felizmente, é elevado pelo de arranjos de orquestras. — ★★★★

Juliana Linhares - “Até Cansar o Cansaço” (Independente)

“Até Cansar o Cansaço” é um manifesto contra o tédio e a comodismo. Na faixa título do segundo álbum em carreira solo da Juliana Linhares, uma canção de rock-disco e funk, a artista propõe a dança para se agitar em momentos difíceis e evitar a permanência “afundada no scroll”. Até em momentos românticos como o single “Depois do Breu”, um forró moderno, encontrar o amor é uma resistência em meio a conflitos. Isso é fortalecido mais uma vez pela sonoridade enraizada na música nordestina do baião, xote e até do rock a lá Zé Ramalho. Mais uma vez com direção musical de Marcus Preto e produção de Elísio Freitas, “Até Cansar o Cansaço”, em suas onze canções, é um ótimo trabalho sobre esperança e leveza em meio ao caos. — ★★★★

João Gomes, Mestrinho & Jota.pê - “Dominguinho Vol. 2” (Sony)

Lançado em 2025, a parceria entre João Gomes, Mestrinho e Jota.pê foi um sucesso ao encapsular orgulho da música e cultura nordestina e a espontaneidade de um encontro sem ensaios e sem grandes pretensões. O resultado foi o contrário, com uma turnê que passou por estádios pelo Brasil e com datas internacionais e venceram um Grammy Latino de “Melhor Álbum de Raízes em Língua Portuguesa”. “Dominguinho Vol. 2” prossegue o enredo do primeiro volume com o tom exato: um encontro em um centro histórico do Nordeste (antes em Olinda, desta vez, em Salvador) e um repertório quase que improvisado. Porém, esta continuação é menos interessante que o início de tudo pela falta de algo inesperado que aconteceu em 2025. Termina-se a audição de “Dominguinho Vol. 2” com o déjà-vu e uma recapitulação passo a passo do que já foi feito. — ★★★½

Loraine James - “Detached from the Rest of You” (Hyperdub)

Mais novo álbum da produtora britânica de música eletrônica Loraine James, “Detached from the Rest of You” é o ponto mais abstrato que a artista atingiu até então. Definido ironicamente como seu “álbum de diva pop do IDM”, o álbum foge da sonoridade voltada para os clubs e foca em um tom mais introspectivo e austero. O álbum conta com participações nos vocais de Anysia Kim — com quem James possui um álbum colaborativo lançado em 2025 —, Alan Sparhawk, vocalista do Low, e Miho Hatori, vocalista da Cibo Matto. Todas as colaborações fortalecem esse disco e incrementam a abordagem mais densa do trabalho. — ★★★★

Singles

Charli xcx - “Rock Music” (Atlantic)

“Rock Music” é, aparentemente, o lead single do próximo álbum de Charli xcx. Este já é um dos atos mais ousados de sua carreira pós-“Brat” de 2024, no qual a artista ganhou maior controle criativo em sua gravadora. Gostaria de comparar esta repetitiva e barulhenta canção com uma das maiores “trollagens” da música popular do século passado: Lou Reed, um dos hérois de XCX, com “Metal Machine Music” de 1975 — um “dedo do meio” a qualquer expectativa de um artista que está na missão de provocar algo a quem o aprecia ou detesta. “Rock Music”, mesmo não sendo puramente noise como o álbum de Reed, é um “foda-se” de Charli após sua última bem-sucedida era. Para se manter fiel a si, é necessário um instinto para criar uma espécie de ruído nos seus receptores. Isso ocorre não só nos barulhos das guitarras ou na repetição de “ro-o-o-o-o-o-o-ock”, mas também na brevidade da canção de um minuto e 55 segundos, sem um batidão pungente “four on the floor”, que combinaria com a energia da faixa. Nesse quesito, Charli surpreende. — ★★★★

Bruno Berle - “Manhã” (Far Out)

Conhecido pela dobradinha de “No Reino dos Afetos” de 2021 e 2023, Bruno Berle está de volta com um novo single. “Manhã”, na verdade, é uma regravação de uma canção da dupla de Maceió João Menezes e MarVin Vieira, de um álbum chamado “Areia e Voz” de 2018. Nos últimos dois anos, Berle esteve viajando longe de Maceió, com turnês internacionais pela Ásia, Europa e Estados Unidos. Mas seus álbuns se mantém fieis ao introspecção caseira e acalentadora de suas origens. A imagem da “manhã” descrita po Menezes e Vieira, agora sob tutela de Berle, tem um significado ímpar na voz do intérprete. No momento, Bruno vive em São Paulo e construindo um renome na música brasileira contemporânea junto de nomes como Nyron Higor, batata boy e Phylipe Nunes Araújo. — ★★★★

Kelela - “linknb” (Warp)

“linknb”, single inédito de Kelela que foi lançado junto do anúncio de seu próximo álbum, “new avatar”, a artista americana mantém o ritmo funkeado mesmo que sob técnicas diferentes de seu famigerado r&b atmosférico. Agora, Kelela, em sua nova era, constrói um universo nos parâmetros do indie rock saído direto dos anos 1990, mas ainda assim misturando guitarras simples com breakbeats do jersey club. A canção tem apenas um minuto e 55 segundos e é a oitava faixa da tracklist que inclui participações especiais de Fousheé e PinkPantheress. O que mais chama atenção além de um ambiente desconhecido pelos fãs da artista de enxerga-la fazendo rock são as guitarras agitadas e a batida frenética combinada com a aura cool que Kelela transmite. Mesmo curtíssima, “linknb” demonstra com clareza o que a artista construiu, mesmo que só um pouquinho. — ★★★★

Aniversariantes: Radiohead - “A Moon Shaped Pool” (XL, 2016)

Em “A Moon Shaped Pool”, Radiohead troca os glitchs e o eletrônico de seu álbum anterior, “The King of Limbs” de 2011, pela riqueza atmosférica do silêncio. É o trabalho mais orquestral da banda de Thom Yorke e Jonny Greenwood, com arranjos tocados pela London Contemporary Orchestra. Nono álbum da banda e o último lançado até o momento, “A Moon Shaped Pool” foi concebido em um momento de luto do vocalista, Yorke, da morte de sua esposa, Rachel Owen. Também foi construído, dez anos atrás, com letras políticas sobre mudanças climáticas e autoritarismo que, acidentalmente, coincidiu com o primeiro governo de Donald Trump nos Estados Unidos. Mas o silêncio ou a proximidade da falta de som e o foco em texturas e timbres é o que torna “A Moon Shaped Pool” um marco para Radiohead. — ★★★★★

Recomendação: Metrô - “Déjà-vu” (Trama, 2002)

Já conhecia a banda Metrô de seu álbum “Olhar” de 1985, um dos mais subestimados da new wave brasileira. Há muito tempo, meu grande amigo Andrei me recomendou este disco, “Déjà-vu” de 2002, por eu gostar bastante da sonoridade pacífica do downtempo; mas eu sempre deixei passar. Num dos meus garimpos recentes pela Rua Sete de Setembro no Centro do Rio encontrei este álbum e resolvi levar. Na minha audição, reparei a grandiosidade deste trabalho que foi o álbum final da banda de Virginie Boutaud que compacta tudo que era sofisticado que acontecia na música eletrônica naquele momento: trip hop, drum and bass com bossa nova e house e techno minimalista. Em grande parte, é um álbum de covers de clássicos da música brasileira de Ary Barroso, Caetano Veloso e Jorge Ben Jor. Na ficha técnica, estão presente nomes de Lucas Santtana, Otto, Preta Gil e Nelson Jacobina.

Vinicius Corrêa tem 24 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Alice Caymmi - “Caymmi” (DALUZ)

“Caymmi” é a reunião de Alice, neta do grande mestre e compositor da música popular brasileira Dorival Caymmi, com sua ancestralidade. Em uma entrevista de divulgação deste disco, Alice diz que sempre tentou lutar para se diferenciar de seu sobrenome — em discos como “Alice” e “Imaculada”, a artista soava como mais uma artista sem muito diferencial. Mas que hoje enxerga como uma parte de si, resultando em um trabalho que reinterpreta o cancioneiro de seu avô e traduzindo para um imaginário pop contemporâneo, trazendo “Modinha para Gabriela” e “O que é que a baiana tem?” para o pop reggae e “Acalanto” para o trip hop. Em “Caymmi”, Alice imprime em seu própria página pop e de seu próprio modo a tinta de sua família e letras de seu avô em um disco tropical e litorâneo. — ★★★★

FBC - “Tambores, cafezais, fuzis, guaranás e outras brasilidades” (Independente)

Cada um dos últimos quatro álbuns do rapper mineiro FBC seguiram estéticas específicas e temáticas: “Baile” de 2020, o mais clássico, é uma homenagem ao miami bass dos primórdios dos bailes funk dos anos 1980; “O amor…” é um resgate da disco music brasileira; “Assaltos e Batidas” é também uma homenagem nostálgica só que para o boom bap e o rap dos anos 1990. Agora com “Tambores, cafezais, fuzis, guaranás e outras brasilidades”, o artista busca no rock, punk e metal mais uma forma de transmitir, assim como seu antecessor, rimas políticas e uma frontalidade raivosa. O disco em si possui ótimas músicas com riffs pesados e performances vocais condizentes com o estilo. Porém, este material, assim como os últimos discos do FBC, não transmite uma unicidade do artista e a experiência é como escutar uma cópia do Planet Hemp, comparável com “Jardineiros” de 2022, último álbum do grupo de rap rock carioca com temas políticos, inclusive, parecidos. — ★★★★

American Football - “American Football (LP4)” (Polyvinyl)

Quase trinta anos desde sua estreia e mais de uma década desde seu retorno com um segundo álbum, American Football, a banda de midwest emo de Mike Kinsella, atinge a maturidade tanto pessoal quanto artística. O quarto LP do grupo, “American Football (LP4)”, é, até então, o seu trabalho mais denso e sombrio. Enquanto o primeiro álbum apresenta uma leveza juvenil incomparável, o segundo disco, lançado em 2014, tenta replicar de forma fajuta os feitos da estreia da banda de Chicago. “LP3”, lançado em 2019, era um passo adiante com mais camadas das guitarras etéreas e lírica madura de Kinsella. “LP4” eleva os reverbs, equilibrando o dream pop com as famigeradas guitarras simétricas da banda. — ★★★★

Tori Amos - “In Time of Dragons” (Fontana)

Ao longo de sua carreira, a cantora, compositora e virtuosa pianista Tori Amos fez da criação de seus álbuns, por meio de conceitos mirabolantes, uma forma de materializar o espírito do tempo que o disco foi produzido e lançado. “In Time of Dragons” mostra de um jeito escancarado a obscuridade dos Estados Unidos e a tirania de Donald Trump e seus comparsas, retratados como lagartos demoníacos no universo criado por Amos. Musicalmente, são algumas das melhores canções que Tori lançou em bastante tempo — os anos 2000 e 2010 foram bastante irregulares em sua carreira. O problema de “In Time of Dragons” está em sua duração de quase uma hora de vinte minutos — algo também recorrente em sua discografia. — ★★★½

Rancore - “Brio” (Balaclava)

Quinze anos desde seu último álbum, o grupo paulistano Rancore lança “Brio”, que deve ser seu melhor trabalho de estúdio. Deixando o som emo e hardcore de lado e buscando influências em bandas de post-punk como Feelies e The Fall, a banda atinge a maturidade sonora em um material de dez canções ecléticas, diferente do aglomerado de faixas hardcore dos álbuns anteriores. Nas letras, temas filosóficos e políticos profundos também impulsionam este como o melhor registro da banda. “Brio” mostra que o hiato pode ser necessário para mudar a direção do grupo em um retorno entusiasmado e canções com mais substância. — ★★★★

Zara Larsson - “Midnight Sun: Girls Trip” (Sommer House)

“Midnight Sun”, em menos de um ano de lançamento do álbum, virou a chave da carreira da sueca Zara Larsson, que estava em um limbo com o fracasso de “Venus” de 2024. Agora, com um melhor direcionamento artístico e mais autoridade no que vai lançar, a artista estende o universo solar e veranil com um disco de remixes com diversos nomes como Shakira, Robyn, JT, PinkPantheress e, inclusive, Malibu, recente nome da música ambiente. O grande apelo de álbuns de remixes atuais são a coesão que o artista tenta imprimir com o material original e criar um disco inédito, mesmo que a partir de regravações. “Midnight Sun: Girls Trip” consegue ser, inclusive, ainda melhor que o disco de 2025, pois aqui a criatividade consegue ir além. — ★★★★

Kacey Musgraves - “Middle of Nowhere” (Lost Highway)

Durante um período de autorreflexão, a cantora e compositora Kacey Musgraves retorna ao country após dois álbuns, “starcrossed” de 2021 e “Deeper Well” de 2024, que acentuaram suas influências folk. Estes últimos discos lançados na primeira metade da década de 2020, apesar de ter boas canções, não chegam ao nível das letras irônicas e afiadas de trabalhos como “Same Trailer Different Park” de 2013. “Middle of Nowhere”, infelizmente também não recupera a qualidade lírica, mas é um ótimo regresso à sua conhecida identidade — mesmo não fazendo essencialmente country, Musgraves ainda é conhecida como tal. — ★★★½

Ana Roxanne - “Poem 1” (kranky)

Uma das mais deslumbrantes artistas de ambient desta geração, Ana Roxanne lança “Poem 1”, seu primeiro disco solo em seis anos. Em um estado completamente diferente de seu antecessor, a artista se encontra em um momento de fragilidade emocional, que resultou em seu projeto mais desolador até então. Melodias pacíficas de new age são substituídas por letras sombrias e reflexivas. Diferente dos instrumentais em discos anteriores, as composições é o principal aspecto de “Poem 1”. Junto de pequenas orquestrações minimalistas e liríca poética, este é mais um excelente disco de Ana Roxanne. — ★★★★½

Vinicius Corrêa tem 24 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Mombojó - “Solar” (Independente)

Em mais de dez anos, Mombojó não lança nenhum trabalho de inéditas — tirando projetos em trilha sonora, um disco paralelo com Laetitia Sadier do Stereolab e “Carne de Caju”, que homenageia Alceu Valença, o último álbum da banda recifense foi “Alexandre” de 2014. “Solar” marca este retorno com um trabalho ensolarado que traduz perfeitamente o clima das praias de Recife. É também o disco mais acessível da banda, longe das grandes improvisações trocadas por refrões pop e batidas dançantes, como a faixa “Abaixo a Realidade” com participação de Letrux. —

Friko - “Something Worth Waiting For” (ATO)

O primeiro álbum da banda Friko de Chicago, Estados Unidos, “Where We've Been, Where We Go From Here”, lançado em 2024, era marcado por uma carga melancólica e introspectiva. Em seu segundo trabalho de estúdio, “Something Worth Waiting For”, o grupo apresenta canções de indie rock hínicas e catárticas nos moldes de bandas como Broken Social Scene e Arcade Fire, acrescentada de pequenas e adoráveis orquestrações. Mesmo que fora da órbita da originalidade, Friko consegue propor um ótimo álbum para o indie rock em 2026, em um gênero em que as renovações são poucas e que sustenta por quão cativante a sonoridade consegue ser. — ★★★★

Kehlani - “Kehlani” (Atlantic)

Nunca tive o contato com a Kehlani e de escutar algum de seus discos, mas tenho consciência da relevância dela para o nicho do r&b contemporâneo desde os anos 2010. Este novo trabalho, o quinto álbum de sua carreira, começa interessante com parcerias de Brandy, Lil Wayne e Clipse que misturam o orgânico do neo-soul e o sintético do trap. Porém, há o desgaste de uma tracklist longa que se repete no som meloso do r&b sem grandes inovações no universo criado pela artista ao longo de uma hora. — ★★★

Metric - “Romanticize the Dive” (Metric)

“Romanticize the Dive” foi divulgado como um trabalho do grupo canadense Metric que olha em retrospecto para os momentos iniciais da banda. Essa descrição é esquisita quando se encara o disco após a audição. É como se a banda de Emily Haines e James Shaw se mantivesse nas mesmas referências sonoras e de como fazer música — rock indie com essência pop e riffs e ritmos dançantes. Porém, isso não é um problema, pois “Romanticize the Dive” consegue ter seu carisma e cativação no ponto exato que Metric faz há uns dez anos. — ★★★½

Quiet Light - “Blue Angel Sparkling Silver 2” (True Panther)

Quiet Light, nome artístico de Riya Mahesh, é uma artista emergente do Soundcloud que acabou de assinar com a True Panther, selo de nomes do pop alternativo como Grace Ives e Oklou. O que, pela prévia da capa de “Blue Angel Sparkling Silver 2”, parece mais uma querida do indie atmosférico e eletrônico, é na verdade um dos trabalhos mais etéreos de ambient eletrônica de 2026. É como o encontro de Oklou e Beverly-Glenn Copeland. Antes deste precioso álbum, ela havia apresentado de forma totalmente independente pequenos discos ao longo da primeira metade da década. Este mais recente é seu melhor cartão de visita para apresentar Mahesh à um nicho maior. — ★★★★

Fresno - “Carta de Adeus” (Elemess)

Décimo primeiro álbum da Fresno,, “Carta de Adues” é o trabalho mais orgânico da Fresno em que cada um dos instrumentos soam como de fato são e com menos presença de ferramentas digitais. O que poderia ser uma renovação para a banda, com mais de trinta anos de atividade e uma base de fãs grandiosa, “Carta de Adeus” é um trabalho mais do mesmo. Guiado pela ideia das despedidas — que, ilusoriamente, parece um capítulo final para a banda, o que não é um caso —, o disco com apenas dez faixas é como uma continuação direta da sonoridade do também fraco “Eu Nunca Fui Embora” de 2024. — ★★★

Singles

Beck - “Ride Lonesome” (Iliad)

Depois de uma década de trabalhos esquecíveis, Beck Hansen lançou na última segunda-feira, 20 de abril, uma ponta de esperança em forma de single. “Ride Lonesome” é como uma continuação direta da solidão country de “Sea Change”, seu melhor álbum lançado em 2002. O que poderia ser apenas um throwback devido aos últimos fracasssos de crítica em lançamentos durante a década de 2010, Beck consegue apresentar honestidade em uma bela faixa simples e pastoral. — ★★★★

Kim Petras - “Need for Speed” (BunHead)

Em 2026, Kim Petras está livre da Republic Records que, durante a primeira metade dos anos 2020, financiou um dos grandes downgrades do pop com atrocidades como “Slut Pop” e “Problematique”. Petras parece estar de volta com tudo agora de forma independente, em seu selo autoral, Bunhead, e preparando terreno para “Detour” que deve sair em 2026. “Need for Speed” é como uma filha de seus primeiros singles lançados entre 2017 e 2019: um bubbegum pop eletrônico, hedonista e descompromissado. Destaque, também, para a dupla Frost Children mais uma vez na produção desta nova leva de singles de Kim Petras. — ★★★★

Lucas Filmes - “Quanto Amor/Pai” (pra cima)

Em maio de 2025, o pai do cantor e compositor Lucas Filmes faleceu após uma batalha contra o câncer. O luto e a perda são o que guiaram a criação do bélissimo single duplo das faixas “Quanto Amor” e “Pai”. A primeira canção é um detalhamento sobre os últimos anos de seu pai — desde primeiras operações até a recuperação e então o retorno do câncer até seu falecimento. A precisão de detalhes e a sinceridade na narrativa é simplesmente bonita e emocionante na forma de discorrer sobre a memória durante o luto. “Pai”, a segunda faixa, é uma carta escrita durante o momento inicial da batalha do pai de Lucas. O amor deixado por seu pai é traduzido perfeitamente neste compacto duplo. — ★★★★

Recomendação Aleatória: Shakira - “Fijacion Oral, Vol. 1” (Columbia, 2005)

Tive que recomendar a grandiosa e rabiosa loba Shakira neste final, em preparativos para o seu show em Copacabana no sábado. “Fijacion Oral Vol. 1” é a maturidade de Shakira, após dez anos trabalhando intensamente, com a conquista de sua carreira internacional com ótimos três discos lançados entre 1995 e 2001. A artista colombiana retorna ao espanhol em um trabalho eclético mas, em sua maioria, com o tom certo de um pop rock maduro e gostoso de se ouvir. Aqui, a artista firma uma parceria com o rei do rock argentino Gustavo Cerati e também demonstra suas influências de música eletrônica (o hino electropop “Las de La Intuición) e do reggaetón com “La Tortura”.

Vinicius Corrêa tem 24 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Bia Soull - “Pornografia Auditiva” (Warner)

O título é auto-explicativo. No primeiro álbum de estúdio da artista paranaense, a “putaria come solta”. As 13 faixas que compoêm o projeto, não há uma canção que o sexo e a vulgaridade não são descritas da forma mais deliciosamente cômica. A criatividade de Bia Soull é, porém, o grande destaque, comunicando aventuras e fantasias eróticas ligadas a papéis de gênero contra a masculinidade frágil — exemplificada perfeitamente em “Malandro Touchscreen” sobre a experiência de “fio terra” com seu parceiro. A produção dos instrumentais também são um show de criatividade: Bia consegue navegar pela leveza pop dançante e, em certos momentos, com a mesma naturalidade e dominância, sons abrasivos do funk mandelão e até mesmo do techno. — ★★★★

Jessie Ware - “Superbloom” (EMI)

“Superbloom” poderia ser uma terceira e última parte de uma trilogia disco diva de Jessie Ware, iniciada pelo já clássico “Whats Your Pleasure” de 2020, um dos melhores discos da década e marcante para o período de pandemia. Essa sonoridade glamourosa prosseguiu com “That! Feels Good” de 2023, que ia mais afundo na música disco dos anos 1970. “Superbloom” é como um irmão mais novo e idêntico ao antecessor. Isso parece demonstrar um desgaste da artista que, mesmo em uma sonoridade e performances que condizem com sua identidade atual, soa de início repetitivo. Ainda assim, “Superbloom” é um trabalho digno e classudo que ainda apresenta a música disco viva. — ★★★★

Vita - “Vita’s House” (Altafonte)

“Vita’s House” é um ótimo cartão de visita para a carreira solo da ex-Irmãs de Pau. Enquanto a estreia de Isma, “Made in Cohab”, lançada em janeiro de 2026, a artista embarcava em mais influências do rap, em “Vita’s House”, Vita se aprofunda nas pistas das noites paulistanas regadas pelas batidas tribais e o funk mandelão. Na maior parte da longa tracklist, o funk e o som Ballroom se misturam, algo bem semelhante a sonoridade da antiga dupla de Vita. Mas este ponto de partida ainda é um trabalho interessante sobre a noite, festas, sexo e força travesti. — ★★★★

Anitta - “Equilibrivm” (Republic)

“Equilibrivm” é, de cara, o trabalho mais bem amarrado de toda a carreira de Anitta. Fortemente influenciado por sua religião, o Candomblé, mas também no cerne do contato com a espiritualidade — algo recorrente nesses últimos anos da vida da artista, que mergulha cada vez mais na religiosidade. Na sonoridade, “Equilibrivm” atravessa estilos brasileiros como o axé e samba-reggae e influências de música afro-brasileira e de tribos indígenas. Tudo isso misturado ao pop e r&b característico de Anitta, aqui com referências diretas a moda dos afrobeats. O problema com esse disco está em sua metade, embargada por músicas em espanhol que não conversam com os pontos altos do trabalho. Em álbuns como “Versions of Me”, Anitta privilegiava uma busca por validação do mercado internacional ao invés da artisticidade e, em “Equilibrivm”, faixas como “Pinterest” e “Varias Quejas” dão flashbacks da falta de identidade que ela havia demonstrado. — ★★★½

Nine Inch Noize - “Nine Inch Noize” (Interscope)

Nos últimos dois sábados, foram apresentadas, no Coachella 2026, os shows colaborativos entre Trent Reznor e Atticus Ross, do Nine Inch Nais, e Alexander Rhida, o Boys Noize. A combinação explosiva já acontece desde a remixagem da trilha de “Challengers”, filme de Luca Guadagnino, e se repetiu com “Tron: Ares” de 2025. “Nine Inch Noize”, apresentado no festival americano, foi um dos concertos mais marcantes deste ano para o Coachella, que mistura telões vermelhos, dança e performance artística da destruição industrial do NIN. O álbum “Nine Inch Noize”, porém, consegue infelizmente ser decepcionante por faltar a originalidade e energia do ao vivo. As canções reinventadas e regravadas pelo trio continuam impressionantes, mas “Closer” ao vivo nos sábados à noite via Youtube prosseguem melhor que as versões de estúdio. — ★★★½

Singles

Madonna - “I Feel So Free” (Warner)

Após uma década esquecível ao se tratar de álbuns de estúdio, Madonna está de volta de verdade. “Confessions II”, com lançamento previsto para junho, é a continuação direta do álbum de 2005 — um dos marcos da longevidade de Madonna, na época com mais de vinte anos de carreira. “I Feel So Free”, lead single deste álbum, é o retorno aos trabalhos com Stuart Price e, também, as pistas de dança e a house. A canção é quase uma irmã de “Future Lovers”, ambas faixas psicodélicas e hipnóticas que remetem ao som de Giorgio Moroder. O empenho e a garra de Madonna se manifestar pelo poder da dança, espaço aonde a sua carreira nasceu, é glorioso. — ★★★★

Olivia Rodrigo - “Drop Dead” (Geffen)

É curioso a Olivia Rodrigo, que acabou de anunciar o término com o ator Louis Partridge, lançar de lead single do seu terceiro álbum de estúdio, “you seem pretty sad for a girl so in love”, uma faixa sobre… estar apaixonada e sobre a combinação entre ambos. Em alguns casos, a artista se sentiria inclusive no direito de descartar o material e apresentar versos doloridos e melodias melancólicas. “Drop Dead” não é o caso, e que bom. É uma das canções mais grandiosas de Rodrigo, do nível de pop rock de arena comparável com Belinda Carlisle e The Go-Go’s. — ★★★★

Massive Attack & Tom Waits - “Boots on the Ground” (PIAS)

A colaboração entre os heróis do trip hop Massive Attack e um dos maiores cantautores americanos do século XX Tom Waits consegue ser, ao mesmo tempo, surpreendente e previsível. Em quatro minutos e vinte de duração, “Boots on the Ground” é o já esperado casamento entre o blues psicótico de Waits com os beats hipnóticos do grupo de “Mezzanine”. Mesmo assim, é um choque a reunião de ambos — Waits não lança uma canção inédita em mais de uma década —, que prepara terreno para, enfim, um novo disco do Massive Attack. E, mesmo a sonoridade ser um lugar comum, “Boots on the Ground” surpreende pela sua densidade em temas políticos e antiautoritários. — ★★★★

Vinicius Corrêa tem 24 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

BUHR - “Feixe de Fogo” (Sound Department)

Em sua última trinca de álbuns, “Longe de Onde”, “Selvática” e “Desmanche”, BUHR destacava em seus repertórios a agressividade, crueza e caos, em certos momentos, desolador. Em seu primeiro álbum após um período de sete anos — junto de uma pandemia, em que trabalhou em outras áreas artísticas adjacentes —, BUHR retorna com “Feixe de Fogo”. O caos permanece, mas a crueza dá espaço à uma sensibilidade pop vista antes em “Eu Menti Pra Você”, que introduziu a artista, antes conhecida como Karina Buhr, ao mundo da música indie brasileira. — ★★★★

My New Band Believe - “My New Band Believe” (Rough Trade)

“My New Band Believe” é o álbum homônimo da banda de Cameron Picton, baixista do black midi. Diferente do caos apocalíptico instaurado por uma das maiores bandas da cena de Windmill, este novo projeto apresenta Picton, além de líder do grupo, em um ambiente mais pastoral, influenciado pelo folk orquestral. A brutalidade é trocada por uma teatralidade poética digna de Van Dyke Parks ou Todd Rundgren. Essa criação de uma nova identidade funciona de forma exemplar; “My New Band Believe” certamente é uma das grandes estreias de 2026, até então. — ★★★★½

Silva - “ROLIDEI” (Som Livre)

Tive a experiência, antes de escutar esse trabalho novo do Silva, de visitar alguns álbuns dos quais eu não conhecia — ou conhecia de forma negativa. “Claridão” e “Vista pro Mar” continuam como álbuns sublimes de synthpop brazuca do mais alto nível. Já “Júpiter” e “Silva Canta Marisa” são alguns dos álbuns mais anêmicos em estilo que já escutei do pop dos últimos dez anos. “Brasileiro” é uma representação do ser brasileiro vivido pelo umbigo da juventude tilelê da Zona Sul carioca; “Cinco” idem. Porém, “ROLIDEI” me pega desprevenido em sua simpatia. Ainda há uma simplicidade de arranjos, mas o minimalismo exagerado é substituído por instrumentação reggae e ska radiofônica e charmosa. É um trabalho simples e agradável para dias ensolarados, apenas isso, e essa consciência ergue “ROLIDEI” como um belo “aceitável”. — ★★★

Luísa Sonza - “Brutal Paraíso” (Sony)

Gravei um vídeo em meu TikTok resenhando, brevemente, sobre este novo álbum da Luísa Sonza, mas vou resumir como foi essa experiência por aqui também. De início, “Brutal Paraíso” chega a surpreender com “Fruto do Tempo”, uma canção de cantautora rebuscada demais — que parece a Camila Cabello ou a Melanie Martinez cantando Vinicius de Moraes. Mas o disco se firma, a princípio, em uma simplicidade simpática em sua tracklist; “Amor, que Pena” e o feat. uk garage com o Xamã são alguns dos melhores takes deste calhamaço de disco. 23 músicas, mais de uma hora de duração em um trabalho que não é interessante. Em sua maioria, são canções pop bobas disfarçadas de autoindulgência da própria artista. Luísa é, provavelmente, paparicada, assim como outros artistas pop, ao ponto de só escutar elogios de seu próprio time e soar genial com funks genéricos, pop rock básico e baladas carregadas de coação emocional (as cinco últimas canções são como um culto evangélico do mais charlatão). — ★★

Singles

Kelela - “Idea 1” (Warp)

Em “In the Blue Light”, último disco lançado por Kelela, a artista, conhecida majoritariamente por sua sonoridade r&b com forte apelo eletrônico, impressionou por sua versatilidade em se adaptar a instrumentações orgânicas. Isso, talvez, recobrou as origens desconhecidas de Kelela — antes de suas mixtapes, EPS e álbuns aclamados, ela foi vocalista de uma banda de metal progressivo junto de um ex-namorado. “Idea 1” surge dessa experimentação nostálgica, incorporada com seu senso estético criado ao longo dos anos, com performances vocais etéreas e melismáticas trabalhada em cima de guitarras psicodélicas e reverberantes. — ★★★★★

The Strokes - “Going Shopping” (RCA)

Com muita expectativa depois de lançar um grande comeback em 2020, com o ótimo “The New Abnormal”, Julian Casablancas e The Strokes retornam com uma faixa, infelizmente, mediana. Comparado ao primeiro single do álbum anterior, a excelente e monolítica “At the Door”, “Going Shopping” é um lugar comum para a banda de “Is This It”. A produção e banda se voltam para uma new wave descartável comparado a riffs marcantes e aura psicodélica do último álbum. E a grande cereja que marca essa catástrofe são os vocais preguiçosos de Casablancas, que utilizam de autotune não como estética, mas como muleta. — ★★

Anitta & Shakira - “Choka Choka”

O que surpreendeu na última semana foi a aguardada parceria entre Anitta e Shakira. O mais novo single do álbum “Equilibrivm” é divertida em sua despretensão em misturar os ritmos latinos e hispânicos dos trabalhos recentes de Shakira — influenciados pelo dembow e reggaeton — com o funk carioca de Anitta. Assim como “Funk Generation”, o álbum mais elaborado de Anitta até o momento, “Equilibrivm” parece estar no caminho certo. — ★★★½

Lady Gaga & Doechii - “Runway”

Um grande problema em trilhas sonoras originais feitas por artistas pop é como uma música pode soar perfeita para um filme ou série, e que acaba não agindo por conta própria como um projeto a parte. “Runway” é um exemplo disso, uma canção óbvia com referências de house e rap dos anos 1990 com batidão ballroom. A música, trilha de “O Diabo Veste Prada 2”, provavelmente será inserida em uma cena de desfiles em alguma fashion week com Andy e Miranda presentes. “Runway”, contudo, é um desperdício. — ★★½

Vinicius Corrêa tem 24 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.

Arlo Parks - “Ambiguous Desire” (Transgressive)

“Ambiguous Desire” é o trabalho mais noturno da carreira de Arlo Parks até então. Seus primeiros discos, “Collapsed in Sunbeams” e “My Soft Power”, se destacam pelo som do bedroom pop mais ensolarado. Aqui, a artista, que produz junto de Baird mais uma vez, encontra nas noites, festas noturnas e batidas de uk garage uma renovação para sua natureza introspectiva. Ainda estão presentes as letras introspectivas e a melancolia natural de Parks, mas ela encontra nos artifícios noturnos, luzes neon e a conexão com amigos (e desconhecidos) em festas uma nova fonte de inspiração. — ★★★★

Thundercat - “Distracted” (Brainfeeder)

Thundercat aposta na descontração para seu quinto e primeiro álbum de estúdio em seis anos. “Distracted” nasce da combinação entre a hiper estimulação atual com o vício em tecnologia junto da introspecção moderna. O som deste trabalho é mais pop, com canções dançantes influenciadas pela disco e house, além da clássica fusão entre o jazz, soul e psicodelia da qual Stephen Bruner artista é conhecido. “Distracted”, porém, é um disco imemorável para o produtor — algo que parece perto da mesmice, sem muitos riscos comparado à trabalhos anteriores. — ★★★½

Febem, Fleezus & CESRV - “Brime!!” (Beatwise)

Um raio nem sempre cai duas vezes no mesmo lugar, mas pode ser que chegue perto. “Brime!!” é a sequência da já clássica parceria de 2020 entre os rappers Febem e Fleezus e o produtor CESRV, que mistura o sintetizadores distorcidos e rimas agressivas do grime britânico com a energia e atmosfera do funk paulistano. Esta segunda parte, com apenas seis músicas, é feita com naturalidade, mas não tem o ar de novidade trazido no primeiro EP. — ★★★★

Wendy Eisenberg - “Wendy Eisenberg” (Joyful Noise)

Há uma semana, cantor e compositor conceitual Wendy Eisenberg era um desconhecide para mim. Isso muda excepcionalmente com seu novo álbum auto-intitulado, uma coleção estonteante de canções folk autorreflexivas em que Wendy enxerga, pela primeira vez, seu verdadeiro eu. Intercalando entre americana, folk rock e a concentração de timbres e atmosferas do post-rock, Eisenberg se encontra livre de projeções externas e questionamentos alheios, resultando em uma descoberta de si própria, feita de forma lúdica e, por vezes, psicodélica. “Wendy Eisenberg”, um disco auto-intitulado não por caso, é um manifesto sobre a própria existência da artista. Isso resulta em um dos trabalhos de cantautor mais reveladores e maravilhosos desse início de 2026. — ★★★★½

Atrasados

Bill Callahan - “My Days of 58” (Drag City)

Em atividade desde a década de 1990, Bill Callahan é um dos cantores e compositores da música independente estadunidense mais consistentes. Desde a época em que se apresentava como Smog, até se apresentar com seu próprio nome, o artista demonstra sempre um tom exato em cada um de seus trabalhos: canções autorreflexivas sobre o próprio dia a dia, sonoridade americana e folk e paisagens sonoras vespertinas e caseiras. Isso não é diferente em “My Days of 58”, no qual Callahan demonstra que o tempo em que pertence fazendo discos — este sendo seu oitavo álbum com seu próprio nome — não seria um obstáculo. A fonte ainda rende para o compositor, em que explora a paternidade, a velhice e a ideia de mortalidade. — ★★★★½

Maria BC - “Marathon” (Sacred Bones)

“Marathon”, terceiro álbum da revelação do dream folk Maria BC, é um amadurecimento de ideias impostas em seus dois primeiros discos. A artista apresenta um enfoque maior em composições, ao contrário das atmosferas concentradas em “Spike Field”, seu último álbum de 2023. “Marathon” é mais consistente com letras mais objetivas sobre autodestruição, resistências internas e externas — especialmente ligadas a desastres climáticas. O principal fator deste álbum, então, são as narrativas impostas por BC, que seriam meditações no meio da escuridão noturna de uma fria madrugada. — ★★★★½

Fcukers - “Ö” (Ninja Tune)

Duo de house pop novaiorquino, Fcukers lança seu álbum de estreia “Ö” livre de ambições sonoras. É um trabalho que navega entre diversas vertentes da house e uk garage — deep, electro, tech house, bassline, 2-step —, sempre através de performances “meio-faladas” e letras que exalam álcool e suor de pista de dança. Em sua simplicidade, é perceptível um ótimo começo, mesmo que objetivo demais em cada capítulo de sua narrativa noturna. — ★★★★

Recomendação: Karine Alexandrino - “Solteira Producta” (Independente, 2002)

Mais um dos grandes nomes que me aparecem enquanto tateio o Rateyourmusic. Karine Alexandrino é um nome subestimadíssimo da cena alternativa fortalezense. “Solteira Producta” é o primeiro da trilogia de álbuns que lançou entre 2002 e 2015 — os únicos, até o momento, de sua carreira. Este primeiro volume mistura um romantismo exagerado, com sonoridade que mescla a psicodelia sessentista, pop experimental e trip hop. Excelente disco que parece ter premeditado uma vastidão de cantoras alternativas ao longo das próximas décadas.

Vinicius Corrêa tem 24 anos, é repórter de música, crítico musical e colunista da Agência UVA. Tem gosto eclético e variado, e está sempre disposto a descobrir artistas, bandas e estilos diferentes. Nas horas vagas, gosta de comprar discos e CDs e preparar listas específicas de discos.