En la SER, las primeras horas de Hoy por Hoy han sido un compendio de lo que podemos esperar del equipo que capitanea Aimar Bretos. Por un lado, respeto a la tradición de la marca —ritmo trepidante, muchas voces, opinión expresada más a través de la selección de temas que de la palabra— y una evidente revitalización del tono general. El programa ya hoy ha sonado más joven, menos sermoneante, sin perder —o eso me ha parecido— el clarísimo sesgo de izquierdas.

En la banda derecha, Carlos Herrera, a quien hay que agradecer que haya inaugurado temporada sobre el terreno (al menos cerca de él), ha redoblado su apuesta por la opinión descarnada. Ha comenzado el curso tachando a Sánchez de mala persona y ha sugerido que el Gobierno podría estar buscando aplicar algún tipo de estado de excepción para poder aplazar las elecciones. Ahí es nada. Eso sí, la voz rotunda, la sobriedad inimitable, los silencios que construyen una complicidad extraordinaria con la audiencia… ahí es imbatible.

Tampoco ha evitado Herrera la confrontación directa con sus competidores, como si quisiera demostrar que está en plena forma y que se vayan olvidando los que le van preparando la casilla de salida. Ha sacado pecho de haber sido el primero en anunciar que estaría en Ceuta en el arranque de la temporada y ha ironizado con el hecho de que Bretos haya sido el único comunicador en quedarse este lunes en Madrid para entrevistar a Pedro Sánchez.

Porque Rafa Latorre también ha estado en Ceuta. Aunque él no ha comenzado el nuevo Más de uno en un auditorio, como Herrera, sino pisando playa. Más cerca del gran evento informativo del verano. Ha comenzado con una tranquilidad realmente envidiable, habida cuenta del gran reto que tiene por delante. Ha leído lo que decía, pero poco; sonreía al hablar —lo cual es el mejor truco radiofónico que puede existir— y ha puesto sobre la mesa los ingredientes marca de la casa: más descripción que opinión, más argumentos que adjetivos, más pausa que prisa.

Así las cosas, la temporada se presenta con un aliciente que va más allá de la batalla por la audiencia: comprobar cómo se asientan los estilos de una nueva generación de comunicadores que ya no está llamando a la puerta, sino ocupando algunos de los principales micrófonos de la radio española. Bretos y Latorre representan ese relevo; Herrera ha comenzado el curso empeñado en demostrar que nadie debería darlo todavía por hecho.

Y todo ello a las puertas de un año electoral, cuando la pelea no será solo por la audiencia o por imponer un estilo, sino también por decidir hasta qué punto cada micrófono quiere contar la contienda política o participar en ella.

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Lo interesante está alrededor.

PRISA ha presentado para esta temporada un dispositivo de más de 200 profesionales en el que participan la SER, El País, AS y Post United. Radio, prensa, vídeo, redes sociales, contenidos bajo demanda, herramientas interactivas y una comunidad digital que, solo en el caso de Post United, alcanza los 14,8 millones de seguidores.

No es simplemente una radio que, después de emitir un partido, recorta algunos momentos y los sube a internet. Es algo bastante distinto: una misma cobertura concebida desde el principio para existir de muchas formas y en muchos lugares.

Está claro que el objetivo de la SER es frenar el clarísimo liderazgo de COPE en los formatos audiovisuales.

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3x3 #143. La radio, más allá de la percepción

AudioGen 3x3 la escribimos y editamos Jorge Heili, Luismi Pedrero y Agustín Espada. Desde 2022 compartimos cada semana noticias, reflexiones y recomendaciones sobre la industria de la radio y el podcast para reivindicar el valor del audio…

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3 months ago · 12 likes · AudioGen.fm

De llevar la radio a internet a producir para todas partes

Durante mucho tiempo entendimos la transformación digital de la radio de una manera bastante sencilla. Primero estaba la emisión y después había que trasladarla a internet. De hecho, pasó mucho tiempo hasta que Internet comenzó a tener un lenguaje propio.

La lógica seguía siendo, en buena medida, la misma: la radio producía y lo digital distribuía. Pero esa frontera se está desdibujando.

Una entrevista puede emitirse en directo por FM, verse simultáneamente en vídeo, escucharse horas después como pódcast, convertirse en una noticia escrita, fragmentarse en seis clips verticales y generar una conversación en redes. Ninguna de esas versiones tiene por qué ser necesariamente secundaria.

Para alguien que descubre esa entrevista en TikTok, TikTok no es la promoción de la radio. Es el lugar donde ha ocurrido la entrevista. El problema es que hay emisoras en las que una buena parte de sus profesionales siguen pensando que trabajan solo para la antena profesional y que “lo otro” no va con ellos.

La radio ya no controla la puerta de entrada

Aquí aparece probablemente el cambio decisivo.

Durante décadas, la radio controlaba casi completamente el acceso a sus contenidos. Si querías escuchar Carrusel Deportivo, encendías la radio y buscabas la SER. La relación entre emisora, programa y oyente era extraordinariamente directa.

Ahora alguien puede encontrarse un comentario de Carrusel en Instagram sin haber escuchado nunca el programa, llegar a una entrevista de El Larguero mediante YouTube o consumir diariamente fragmentos de sus contenidos sin sintonizar una sola vez la antena convencional.

La radio sigue produciendo el contenido, pero ya no decide necesariamente dónde comienza la relación con el oyente.

Y eso cambia muchas cosas.

• Cambia cómo se mide la audiencia.

• Cambia qué significa tener éxito.

• Cambia la importancia de una marca.

• Cambia el trabajo de una redacción.

• Y probablemente terminará cambiando también qué entendemos por un programa de radio.

¿Un programa o una pequeña factoría de contenidos?

Pensemos en una retransmisión deportiva. Antes su producto fundamental era bastante fácil de identificar: cuatro, cinco… o doce horas de emisión en directo.

Hoy esas mismas horas pueden producir decenas de piezas diferentes. Una narración de un gol, una reacción, una entrevista, una discusión entre comentaristas o una declaración inesperada pueden adquirir después una vida independiente de la emisión de la que proceden.

Eso obliga también a modificar la manera de producir. Todas las emisoras van incorporando equipos específicos que se encargan de rastrear esos momentos mágicos de la emisión susceptibles de incrementar su viralidad (perdón) en el ámbito digital.

La emisión deja así de ser únicamente un producto terminado para convertirse también en materia prima. Y además, una materia prima que escapa a la lógica del guion, ya que esos momentos son impredecibles y, casi siempre, fruto de la improvisación más absoluta.

Entonces, ¿sigue siendo radio?

Yo diría que sí.

Pero quizá no por las razones que utilizábamos antes. La radio ya no puede definirse únicamente por un aparato, una frecuencia o incluso por la ausencia de imágenes. Si lo hiciéramos, tendríamos dificultades para explicar qué son muchos de los grandes programas radiofónicos actuales.

Lo que permanece es otra cosa: el directo, la conversación, la compañía, la prescripción, unas voces reconocibles y una determinada manera de relacionarse con la actualidad. Y, lo más importante, permanece la naturaleza sonora del medio y, a la vez, su esencial vocación de flexibilidad.

Por eso el despliegue de PRISA para esta Liga resulta interesante más allá del fútbol y puede marcar un puntop de inflexión en la estrategia de la emisora respecto a su programa derportivo estrella.

Quizá la transformación digital de la radio no consista finalmente en conseguir que la gente vuelva a encontrarnos donde siempre estuvimos, sino en aceptar que tendremos que encontrarnos con ella en muchos lugares distintos. Y conseguir que, entre todos ellos, se siga reconociendo nuestra voz.

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Esta vez será diferente. Dos de las grandes cadenas, Onda Cero y la SER, renuevan sus principales programas, los que concentran buena parte de su audiencia y definen su identidad. COPE apuesta por la continuidad de sus principales comunicadores y Radio Nacional de España, que por su propia naturaleza juega en otra liga, sigue buscando un rumbo reconocible.

Estas son, a mi juicio, las tres claves de la nueva temporada. Tres asuntos a los que habrá que seguir la pista.

1. Una nueva generación llega al prime time

Con la excepción de Íñigo Alfonso, esta temporada será la primera en la que profesionales de una nueva generación, entre los 40 y los 50 años, asuman el mando del prime time de la radio española. Alsina era un puente entre generaciones, pero es evidente que Aimar Bretos, José Luis Sastre, Rafa Latorre y Marta García Aller pertenecen a una época distinta a la de Juan Ramón Lucas, Carlos Herrera, Federico Jiménez Losantos o Àngels Barceló.

Será, por tanto, una oportunidad para comprobar si estos profesionales, que a buen seguro renovarán lenguajes y estilos, conectan con una audiencia cada vez más envejecida, con medias de edad en el entorno de los 55 años. Es evidente que las empresas buscan con estos nombramientos nuevas bolsas de oyentes y, sobre todo, públicos que se encuentran más allá de la escucha en directo.

En el caso de la SER, la apuesta es más arriesgada si cabe. Como líder de audiencia desde hace décadas, tiene mucho más que perder.

Rafa Latorre tiene por delante, por su parte, dos retos igualmente difíciles:

• Mantener la sobriedad formal y la profundidad argumental de Alsina;

• y hacerlo, además, sin poder “matar al padre”, que seguirá en el segundo tramo del programa.

2. ¿Estabilidad o falta de ideas?

COPE afronta la temporada con la misma duda de todos los años: ¿será el último curso de Carlos Herrera? La emisora lleva tiempo planificando el día después de la salida de su gran estrella, el hombre que la ha llevado a cotas de audiencia históricas. Se han hecho muchas apuestas, se ha probado a distintos perfiles y parece que, al final, será Jorge Bustos quien, acompañado por Alberto Herrera en el segundo tramo, esté llamado a heredar uno de los micrófonos más personalistas de la radio española.

Su lenguaje ácido, ilustrado y escéptico puede funcionar en la confrontación directa con Rafa Latorre. Falta por saber si será capaz de convencer también al oyente clásico de COPE, acostumbrado a una radio analógica, caliente y mordaz.

De momento, este año COPE saca pecho y, ante los cambios de la competencia, alardean de continuidad.

El caso de RNE es difícil de entender.

Nadie sabe muy bien qué rumbo lleva la emisora desde que decidió retirar a Íñigo Alfonso. Da la impresión de que va poniendo parches, pagando viejas deudas y sin decidir si quiere ser una emisora diferente al resto —por presupuesto y plantilla, debería serlo— o competir en el mismo terreno que las demás. Y, sin embargo, bajo esa marca siguen cobijándose algunas de las joyas del periodismo radiofónico español: de Radio Clásica a Documentos RNE; de las ficciones sonoras de su Lab al periodismo sobrio y ágil de Tablero Deportivo, al que esta temporada se incorpora, procedente de Radio Marca, Pablo López.

Quizá sea precisamente aquí donde RNE tenga por delante una discusión que va mucho más allá de nombres y programas: qué significa ser una radio pública en un ecosistema en el que la radio ya no compite solo por la audiencia, sino también por la atención y por el mercado del audio digital.

El debate acaba de estallar en Reino Unido. El 6 de agosto, una coalición de 18 empresas británicas de medios, entre ellas Global, Bauer, News UK y Telegraph Media Group, pidió al Gobierno que impidiera a la BBC introducir publicidad en sus pódcast y contenidos de audio distribuidos a través de plataformas de terceros. El argumento es interesante porque va más allá de la vieja discusión sobre si una radiotelevisión pública debe vender publicidad. Lo que sostienen estas compañías es que la BBC podría utilizar su enorme capacidad de producción, financiada principalmente mediante el canon, para competir después en el mismo mercado publicitario del que viven operadores comerciales y productores independientes.

La discusión británica debería interesarnos también en España. RNE dispone de una capacidad de producción, un archivo, una red territorial y unos recursos difícilmente comparables con los de cualquier operador privado. La cuestión no es solo cuánta audiencia consigue, sino qué hace con esa posición singular.

3. Año de elecciones: ¿mantendrá la radio su capacidad de influencia?

La radio generalista ha tenido siempre en España una enorme influencia política. Sus programas y tertulias han acompañado algunos de los episodios fundamentales de nuestra historia reciente. La radio fue clave en el 23-F; volvió a representar, en buena medida, a las dos Españas durante los años finales del felipismo y desempeñó un papel central en las horas posteriores a los atentados terroristas del 11-M.

También supo explicar, quizá como ningún otro medio tradicional, la volatilización del mapa político que comenzó en 2011 y ha continuado durante estos intensos años de Pedro Sánchez. El curso que arranca será el de las elecciones autonómicas y, muy previsiblemente, el de las elecciones generales.

¿Será capaz esta nueva radio de afrontar el ciclo electoral manteniendo su capacidad de influencia? Lo tiene difícil. Cada vez hay más competidores en el ecosistema digital, cada vez más jóvenes construyen su visión de la actualidad a través de líderes de opinión ajenos a los medios convencionales y Las mentiras siguen campando a sus anchas en los reels y los grupos de WhatsApp

Tal vez por eso esta temporada sea algo más que un cambio de nombres. La radio española afronta al mismo tiempo un relevo generacional, una discusión pendiente sobre el papel de lo público y una prueba de su influencia en un ecosistema informativo mucho más fragmentado que aquel en el que construyó su poder.

Bretos, Sastre, Latorre o García Aller no solo tendrán que demostrar que pueden heredar los grandes micrófonos. Tendrán que averiguar cuánto pesan todavía esos micrófonos.

Porque esa es, en el fondo, la pregunta que atraviesa las tres claves: si estamos simplemente ante una nueva temporada de radio o ante el comienzo de una radio nueva.

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La industria del pódcast lleva algún tiempo empeñada en convencernos de que el futuro tiene forma de plató. Dos o tres cámaras, focos, una mesa amplia, micrófonos de gran tamaño y unas estanterías cuidadosamente desordenadas al fondo. El programa puede escucharse, naturalmente, pero parece que esa posibilidad ha quedado relegada a una especie de función secundaria: lo verdaderamente importante es que también pueda mirarse.

El debate no admite respuestas sencillas. El vídeo ha permitido que muchos programas encuentren audiencias a las que nunca habrían llegado mediante las aplicaciones tradicionales de audio. Facilita el descubrimiento, circula bien por las redes sociales y convierte una conversación de una hora en decenas de fragmentos susceptibles de ser compartidos. Sería absurdo negar su importancia. Yo, desde luego, no solo no la niego, sino que utilizo ese potencial en Hoy en el Podcast.

Pero también sería un error asumir que grabar un pódcast consiste ya, necesariamente, en encender una cámara.

En un artículo publicado esta semana, la consultora Losh Moodaley propone una manera especialmente útil de abordar la discusión: dejar durante un momento de hablar de tendencias y empezar a hablar de dinero. ¿Cómo?, ¿solo de dinero? ¿Y la creatividad? ¿Y ese romanticismo de la narrativa sonora? Un momento, no te precipites.

Moodaley lleva más de quince años trabajando en entretenimiento, comercio minorista y deporte, y actualmente asesora a pódcast independientes para que desarrollen modelos de patrocinio directo con las marcas. Su mirada, por tanto, no es la de una creadora preocupada principalmente por el lenguaje o la narrativa, sino la de una especialista en monetización. Y precisamente por eso resulta interesante. Y eso no significa que su análisis no pueda aplicarse a proyectos que tengan claro que la forma debe estar siempre al servicio del fondo.

Su tesis puede resumirse de una manera sencilla: el vídeo no debe considerarse únicamente un formato, sino un mecanismo de adquisición de audiencia. Cada cámara, cada hora de edición y cada pieza recortada para las redes constituye una inversión destinada a conseguir nuevos oyentes. La pregunta relevante no es, por tanto, si el vídeo proporciona más visibilidad. Casi siempre lo hace. La pregunta es cuánto cuesta obtenerla y cuánto dinero produce después cada una de las personas captadas.

La distinción parece obvia, pero contradice buena parte del discurso dominante en la industria.

Las plataformas animan a los creadores a incorporar vídeo porque el vídeo les conviene.

• A YouTube le interesa aumentar el tiempo de visualización.

• A Spotify le interesa retener al usuario dentro de su aplicación.

• Apple busca reforzar su oferta y no quedarse atrás en una competición que ya no se libra únicamente por la escucha.

Todas ellas necesitan más contenido audiovisual, más minutos de consumo y más posibilidades de insertar publicidad.

El creador, sin embargo, tiene otras cuentas.

Moodaley cita un informe de Podcast Marketing Academy y Lower Street según el cual pasar de una producción exclusivamente sonora a una producción con vídeo multiplica por 3,6 el coste medio por episodio. El coste mensual estimado pasaría de 388 a 1.267 dólares. Producir una hora de atención también se encarece: de 0,56 dólares en audio a 0,99 en vídeo.

No es difícil entender por qué. El audio permite grabar en condiciones relativamente flexibles. El vídeo exige cuidar la iluminación, el encuadre, la escenografía, la continuidad visual, el vestuario y, en ocasiones, incluso el maquillaje. Multiplica los archivos, complica la edición y obliga a pensar no solo en lo que se dice, sino también en cómo se ve cada segundo. En mi caso, debo reconocer que los primeros episodios de Hoy en el Podcast fueron una tortura: dediqué horas y horas a cuestiones ajenas al contenido. Y, encima, con resultados técnicos muy pobres.

¿Cuáles son las ventajas? Fundamentalmente, que el creador obtiene una mayor capacidad de circulación. Pero esa ventaja no siempre compensa el desembolso.

Moodaley denomina “umbral del vídeo” al punto en el que esa inversión empieza a ser rentable. En un programa que depende exclusivamente de la publicidad programática, calcula que el audio puede cubrir sus costes con alrededor de 12.000 descargas por episodio. Para que un programa en vídeo alcance un equilibrio semejante, necesitaría aproximarse a las 50.000 visualizaciones por entrega. Por debajo de esa cifra, sostiene, es el creador quien está subvencionando la estrategia de crecimiento.

La cifra debe tomarse como una referencia, no como una ley universal. Los costes salariales, las tarifas publicitarias y los hábitos de consumo varían de un mercado a otro. Tampoco es igual grabar una conversación con una única cámara fija que producir un programa audiovisual con varios planos, grafismo y edición compleja.

Pero la idea de fondo sigue siendo válida:

Aumentar la audiencia no significa necesariamente mejorar el negocio.

Un programa puede duplicar sus reproducciones y seguir perdiendo dinero si el valor económico de cada nuevo oyente es muy bajo. En cambio, un pódcast dirigido a un nicho profesional puede justificar la producción audiovisual con una audiencia mucho menor si cada oyente puede acabar contratando una formación, asistiendo a un evento o comprando un servicio.

El vídeo, por tanto, no arregla un modelo de negocio débil. Como escribe Moodaley, es más bien un negocio sólido el que crea las condiciones para que invertir en vídeo tenga sentido.

Hasta aquí, el argumento económico. Pero, como te decía antes, el debate no termina en la hoja de cálculo.

Cuando una industria incorpora una nueva tecnología, tiende a presentar sus ventajas como inevitables y sus inconvenientes como resistencias propias del pasado. Ocurrió con las redes sociales, con el vídeo vertical y con la obsesión por medirlo todo mediante datos de alcance. Ahora empieza a ocurrir con el pódcast audiovisual.

El riesgo no es que algunos programas se graben con cámaras, sino que acabemos considerando incompleto todo contenido que no pueda verse. Como si fuera de menor categoría, una especie de quiero y no puedo.

Conviene recordar en este sentido que el pódcast no nació como una televisión barata. Su principal valor consiste precisamente en que no reclama la mirada. Se escucha mientras caminamos, conducimos, cocinamos o viajamos en metro. Puede acompañarnos sin ocupar por completo nuestra atención y permite que el oyente complete mentalmente aquello que no ve.

La ausencia de imágenes no es una limitación que haya que corregir. Es una de las propiedades expresivas del medio.

Hay entrevistas y tertulias que ganan con el vídeo. El gesto, la ropa o la reacción de un invitado aportan información y cercanía. A mí, por ejemplo, me parece que la cara de Iñaki Gabilondo cuando le pregunto si se siente reconocido en su biografía es muy significativa.

Pero otros formatos pueden salir perjudicados. El documental sonoro, la ficción, el ensayo narrativo o el diario íntimo se apoyan en la capacidad de evocación del audio. Introducir una cámara en ellos puede resultar tan innecesario como proyectar imágenes durante la lectura de una novela para evitar que el lector se aburra.

Incluso en el terreno de la conversación conviene recordar que la presencia de las cámaras modifica lo que ocurre. Los participantes se vuelven conscientes de su cuerpo, de su postura y de su expresión. El creador deja de pensar únicamente en el oyente y empieza a pensar en el espectador. El ritmo se acelera. Los silencios parecen más incómodos. La conversación se acerca, poco a poco, a las convenciones de la televisión.

No es necesariamente peor. Pero sí es otra cosa.

El caso español

En España, el debate está además condicionado por las dimensiones del mercado. La mayoría de los pódcast independientes no alcanza una escala suficiente para vivir de la publicidad programática. Muchos proyectos se sostienen gracias al trabajo no remunerado de sus creadores, a acuerdos modestos con marcas o a la capacidad del programa para reforzar otras actividades profesionales.

Por eso, trasladar sin más las estrategias del mercado estadounidense puede resultar ruinoso. Un programa español no dispone de la misma audiencia potencial, ni del mismo mercado publicitario, ni de una tradición semejante de membresías y patrocinios directos.

Humildemente, me permito plantear algunas propuestas.

La primera medida debería ser dejar de recomendar el vídeo como una obligación general. Antes de instalar cámaras, cada proyecto tendría que responder a tres preguntas:

1. Qué público espera conseguir

2. Cuánto le costará conseguirlo

3. De qué forma piensa convertir esa atención en ingresos o en algún otro resultado concreto.

La segunda pasa por desarrollar modelos híbridos más modestos. No todos los episodios necesitan una realización completa. Un programa puede seguir siendo esencialmente sonoro y grabar en vídeo únicamente determinadas entrevistas, especiales o encuentros en directo. También puede producir piezas visuales específicas para las redes sin convertir cada conversación en un programa de televisión.

La tercera propuesta afecta a las marcas. El mercado español necesita abandonar poco a poco la obsesión por la cifra bruta de descargas y aprender a valorar la calidad de las comunidades. Un pódcast pequeño, pero escuchado por un público muy definido y fiel, puede ser más valioso para un patrocinador que otro con una audiencia mayor y dispersa. Mientras las agencias sigan comprando únicamente alcance, muchos creadores se verán empujados a perseguir visualizaciones que no fortalecen realmente su proyecto.

También sería conveniente que las productoras y los medios separasen los presupuestos. La inversión en vídeo no debería ocultarse dentro de la partida general del pódcast, como si fuese una ampliación menor. Es una producción adicional, con costes y objetivos propios, que debe evaluarse de manera independiente.

Y quizá la industria española debería cuidar algo que a veces parece demasiado elemental: mejorar primero el sonido. Todavía existen programas que incorporan cámaras antes de resolver problemas básicos de guion, grabación, edición o distribución. La imagen puede ocultar durante algún tiempo la debilidad de un formato, pero no puede sustituir una buena conversación ni una historia bien contada.

El debate, en todo caso, permanece abierto. Hay programas para los que el vídeo será indispensable y otros para los que resultará una distracción cara. Algunos creadores encontrarán en YouTube a su audiencia principal. Otros seguirán creciendo gracias a la recomendación, las aplicaciones de audio o las comunidades de pago.

Lo importante es no confundir una posibilidad con un destino y, mucho menos, asumir que este es inevitable.

El vídeo ofrece herramientas extraordinarias para promocionar, distribuir y rentabilizar un pódcast. Pero el audio conserva una cualidad que ninguna pantalla puede reemplazar: la capacidad de construir intimidad sin pedirnos que miremos.

Quizá dentro de unos años dejemos incluso de discutir qué es un pódcast y aceptemos que bajo ese nombre conviven productos sonoros, audiovisuales y formatos híbridos. Hasta entonces, conviene mantener cierta cautela ante quienes anuncian la muerte de todo aquello que no se adapta de inmediato al último movimiento de las plataformas.

El audio no está muerto. Ni siquiera parece especialmente enfermo.

Simplemente ha dejado de ser el único invitado en la habitación.

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La radio y la literatura han ido de la mano desde los inicios del medio. Quizá porque la voz permite encarnar las historias, dar una tercera dimensión a la palabra escrita. La risa suena y el llanto se siente de un modo distinto: salen de la imaginación y se instalan en los oídos. O quizá por la compleja relación que la radio mantiene con el tiempo, tan cercana y tan lejana a la vez, y con la realidad, que viaja de la palabra pronunciada a la imagen proyectada.

“Cuando escuchamos la radio somos testigos de la guerra eterna entre la idea y la apariencia, entre tiempo y eternidad”.

- Herman Hesse en El lobo estepario

En España, Radio Nacional ha mantenido durante décadas un compromiso con la creación literaria que merece ser reconocido. Desde las primeras radionovelas hasta las más recientes adaptaciones, la radio pública ha hecho honor a su nombre con iniciativas que, por su propia naturaleza, escapan a las lógicas de la radio comercial.

Basta con recordar algunos ejemplos.

• Directores como Juan José Plans, Joaquín Amichatis, Chicho Ibáñez Serrador o Carlos Faraco realizaron radioteatros memorables, como Escalofrío, Escalera de caracol o Historias para imaginar. RTVE recuperó parte de ese patrimonio hace un par de años, permitiendo que nuevas generaciones descubrieran aquellas producciones.

• En lo que hoy conocemos como ficción sonora, la cadena pública sigue jugando en otra liga. Hace tres añoss estrenó en el Festival de Teatro Clásico de Almagro Entre bobos anda el juego, de Francisco de Rojas Zorrilla, con un inmenso Pedro Casablanc. En la edición de este año han hecho lo propio con El Buscón, una adaptación de Arturo Echevarren dirigida por Benigno Moreno.

  “Tenemos la suerte de venir a este Corral de Comedias, que la gente lo disfrute viéndonos en el fondo hacer un programa de radio y a la vez lo emitimos en directo. Eso es algo que no hace nadie más porque es complicado”.

  - Benigno Moreno, director de El Buscón

• También merece un lugar destacado la extraordinaria adaptación radiofónica de los Episodios nacionales, de Benito Pérez Galdós, una de esas producciones que justifican por sí solas la existencia de un servicio público de radiodifusión.

Pero la relación entre literatura y radio va mucho más allá de las adaptaciones. La radio presenta novedades editoriales, entrevista de forma constante a los autores y reserva espacios para explorar tanto los grandes clásicos como las voces menos conocidas. Libre todavía de la tiranía del impacto inmediato, puede permitirse un ritmo que hoy resulta casi revolucionario: el de la conversación pausada y la escucha atenta.

Quizá el mejor ejemplo reciente de esa capacidad de la radio para detenerse y mirar con profundidad sea el reportaje que Documentos RNE ha dedicado a Francisco de Quevedo.

En Quevedo: el ingenio como arma y escudo, Olga Baeza y Mayca Aguilera rescatan la dimensión literaria del escritor sin ocultar sus enfrentamientos con Góngora ni su carácter belicoso. Simplemente colocan el foco donde corresponde: en la grandeza de su obra. Y lo hacen acompañadas por catedráticos, editores, actores y escritores.

Una auténtica delicia.

Quizá esa sea una de las mayores virtudes de la radio cuando se acerca a la literatura: que no sustituye al libro, sino que despierta las ganas de abrirlo.

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El estudio parte de una idea sencilla: prestar atención no solo a los discursos, sino a las propias grabaciones. La autora analiza catorce documentos sonoros conservados de la Guerra Civil y se fija en aspectos que rara vez protagonizan este tipo de investigaciones: el tono de las voces, la música, los silencios, los aplausos o la manera de dirigirse a los oyentes. En definitiva, intenta averiguar cómo se construía un mensaje radiofónico en plena guerra. Su conclusión es que la radio fue mucho más que un medio para informar.

La convirtió en “un actor relevante en la construcción pública de la guerra, en la legitimación de cada bando y en la organización simbólica de la retaguardia”.

Uno de los aspectos que más me ha interesado del artículo es que pone en juego el estilo comunicativo de ambos bandos. Los analiza, los compara y, así, nos permite entender no solo el fondo de sus consignas, sino también su particular modo de difundirlas. En las emisiones republicanas predominan las arengas políticas, los testimonios, las apelaciones directas a la población y voces tan distintas como las de Lluís Companys, Dolores Ibárruri o Manuel Azaña. En las nacionales, por el contrario, aparecen con más frecuencia los partes oficiales, la exaltación del liderazgo, los himnos, los aplausos y una puesta en escena mucho más ritualizada.

La investigación recuerda permanentemente a los trabajos que ha hecho sobre la radio en este periodo el gran historiador -y buen amigo, todo sea dicho- Javier Cervera . En 1998 publicó La radio: un arma más de la Guerra Civil en Madrid. Si Gómez López escucha cómo sonaban aquellas emisiones, Cervera explica qué ocurría al otro lado del receptor. Su estudio traslada la atención desde los estudios de radio hasta las casas, los refugios, los cafés o las oficinas de una ciudad cercada.

Su punto de partida sigue siendo difícil de mejorar.

“La radio puede ser en campaña una poderosa arma de guerra para transmitir órdenes secretas, sorprender las del enemigo o lanzar noticias falsas que produzcan desconcierto en el adversario”.

Dicho de otro modo: la mentira como arma de destrucción masiva.

Añadía Cervera de hecho en ese texto que, en una guerra civil, “la radio adquiere tanta o más importancia que en el campo de batalla en las retaguardias”.

Eso fue Madrid entre 1936 y 1939. Cada noche, miles de personas esperaban el parte de guerra. La información que recibían condicionaba el estado de ánimo de una ciudad sometida al asedio. Los dirigentes republicanos acudían con frecuencia a los micrófonos para mantener la moral, mientras las autoridades intentaban impedir que circularan noticias procedentes del otro lado del frente. La radio organizaba la espera, alimentaba la esperanza y trataba de evitar el desánimo.

Cervera rescata una descripción de Julián Zugazagoitia que resume muy bien el poder que llegó a adquirir la voz del locutor Augusto Fernández, encargado de leer el parte diario en Unión Radio. Su forma de contar la guerra tenía un poder tan alto de transmutación” que podía convertir “la mala noticia en buena, y la buena, el pequeño éxito de un sector, en victoria resonante y decisiva”.

Pero la radio nunca pudo encerrarse dentro de las fronteras de cada bando. Las ondas atravesaban el frente sin pedir permiso. Muchos madrileños escuchaban clandestinamente las emisiones procedentes de Burgos o Salamanca y después difundían esas noticias entre familiares, vecinos o compañeros de trabajo. A veces eran simples conversaciones; otras, rumores cuidadosamente alimentados por la quinta columna para erosionar la moral republicana. Cervera resume ese mecanismo con una frase muy gráfica:

“Escuchaba uno, difundía a varios y estos segundos a otros y así el bulo o rumor se iba extendiendo por todos los rincones de la retaguardia madrileña”.

Las autoridades conocían perfectamente el problema. En una reunión de la Junta de Defensa de Madrid, el responsable de Prensa y Propaganda advertía de que, al terminar la programación de Unión Radio, una emisora franquista comenzaba a emitir “y todos la oyen pues Unión Radio es la que escucha todo Madrid”. La solución consistió en prolongar la emisión republicana para impedir que los oyentes cambiaran de dial.

Es difícil leer estos dos trabajos sin pensar en el presente. Cambian los soportes, cambian las tecnologías y cambian los formatos, pero la lógica permanece. Ayer fueron los partes de guerra y las emisoras clandestinas; hoy son las redes sociales, los canales de mensajería o los vídeos de pocos segundos. La disputa sigue siendo la misma: ocupar antes que nadie el espacio informativo y construir un relato capaz de imponerse sobre los demás. Gracias a Dios, el contexto histórico es radicalmente diferente

La Guerra Civil fue, entre muchas otras cosas, la primera gran guerra española librada también a través de las ondas. Conviene recordarlo ahora que volvemos a discutir, casi un siglo después, sobre desinformación, propaganda y manipulación de la opinión pública. Antes de los algoritmos ya existían las voces capaces de sostener una ciudad… o de sembrar el miedo.

Después de semanas en las que los mentideros mediáticos ardían entre conspiraciones, filtraciones interesadas y rumores cruzados, la realidad ha acabado imponiéndose: Carlos Alsina no sustituirá a Àngels Barceló al frente de Hoy por Hoy. Reconozco que esa posibilidad siempre me pareció algo cercana a la distopía radiofónica, aunque, a estas alturas, uno ya sabe que en este oficio ocurren cosas que hace apenas unos años habrían parecido imposibles.

Sin embargo, algo de verdad sí había en todo ese ruido. Y es el deseo de Alsina de abandonar la parte más áspera y exigente del prime time informativo de Más de Uno. A partir de la próxima temporada, el periodista madrileño asumirá el tramo más magazine del programa y dejará el peso del bloque estrictamente informativo a quien parece su heredero natural: Rafa Latorre.

La operación responde, en parte, a una lógica empresarial bastante evidente. Después de curtirse junto a Alsina y de consolidar progresivamente La Brújula como una de las grandes referencias del análisis político nocturno, parece razonable que Latorre se enfrente ya a la Champions de la radio española: las mañanas.

Tiene solvencia intelectual, personalidad editorial y una capacidad notable para construir un discurso argumentado sin necesidad de elevar el tono. Y encaja como un guante en esa idea de “radio ilustrada” que Onda Cero lleva años cultivando frente al modelo más emocional o más ideologizado de otros competidores. De todo ello tuve ocasión de charlar con él en uno de los episodios de Hoy en el podcast de los que guardo mejor recuerdo.

Ahora bien, el reto no será menor. Porque las mañanas no solo exigen análisis; también requieren cercanía, intuición popular, capacidad de conversación y cierto sentido del espectáculo. La gran dificultad de la radio generalista siempre ha consistido precisamente en eso: en combinar profundidad y compañía, reflexión y ritmo, inteligencia y calor humano.

Alsina, por su parte, deja el centro del ring radiofónico con la satisfacción de haber renovado como nadie —probablemente desde los tiempos de Luis del Olmo— el lenguaje de las mañanas en España. Su estilo pausado, elegantemente irónico, contundente en el fondo y exquisitamente educado en las formas ha demostrado que todavía era posible hacer una radio política sofisticada sin caer ni en el griterío ni en la caricatura permanente.

Sus monólogos han devuelto a la radio algo que parecía perdido: el gusto por la narración, el uso intencional de los silencios y una cuidada arquitectura verbal. Mientras otros apostaban por la velocidad, la indignación o el impacto constante, Alsina eligió otro camino, más difícl, más lento, moralmente superior. Y eso tiene un valor extraordinario.

Creo sinceramente que Alsina ya ocupa un lugar indiscutible entre los grandes comunicadores de la historia de la radio española.

Y en la SER, ¿ahora qué?

Mientras tanto, en la Cadena SER, los tambores de cambio llevan sonando al menos dos temporadas. Barceló ha conseguido mantener el liderazgo de Hoy por Hoy en un contexto extremadamente competitivo, y eso merece ser reconocido. No era sencillo sostener el reinado teniendo enfrente a un Carlos Herrera que, ola tras ola del EGM, parecía dispuesto a asaltar definitivamente el trono de las mañanas.

El suyo ha sido un liderazgo sobrio, más coral que personalista, muy coherente con la tradición histórica de la SER. Ha sabido combinar cierta espontaneidad con la estructura clásica de la cadena y ha sostenido la antena en años especialmente convulsos política y socialmente.

Ahora bien, también creo que en determinadas ocasiones no ha sabido —o no ha querido— despegarse suficientemente del poder político. Y probablemente ese siga siendo el pecado más grave que puede cometer un periodista: parecer demasiado cómodo cerca del Gobierno de turno.

Entre los posibles sucesores aparecen dos nombres que encajarían perfectamente en el modelo actual de la cadena: José Luis Sastre y Aimar Bretos.

Ambos representan una nueva generación de comunicadores, ambos manejan con naturalidad los nuevos lenguajes audiovisuales y ambos tienen un inconveniente difícil de ignorar en el contexto actual de la SER: son hombres. Y eso, en una cadena especialmente sensible a determinados equilibrios simbólicos y editoriales, podría influir en la decisión final. Aunque movimientos paralelos —como situar a una mujer al frente de Hora 25— podrían despejar ese camino.

Porque ahí está el verdadero desafío de esta nueva etapa: mantener la influencia cultural y política de la radio de mañana en un ecosistema radicalmente distinto. Hoy las cadenas compiten simultáneamente con la televisión, con YouTube, con Twitch, con TikTok, con los daily podcasts y con un consumo fragmentado que obliga a repensar incluso la propia noción de programa en directo.

La radio sigue conservando algo único: la capacidad de acompañar. Pero ya no basta únicamente con acompañar. Ahora también necesita circular, compartirse, recortarse, viralizarse y adaptarse a nuevas formas de escucha que exigen ritmos y códigos distintos.

Quizá por eso estemos asistiendo a un relevo generacional especialmente importante -sumemos a la ecuación la apuesta de COPE por Jorge Bustos-.

Las grandes cadenas parecen haber entendido que ya no basta con administrar prestigio heredado.

Necesitan voces capaces de dialogar con una audiencia más joven sin romper del todo el vínculo emocional y cultural que durante décadas convirtió a la radio matinal en uno de los grandes centros de poder e influencia en España.

Lo de Alsina y lo de Àngels, en realidad, no habla solo de dos comunicadores. Habla del final progresivo de una época. Y del intento —todavía incierto— de construir la siguiente.

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Esta es la historia de por qué fracasé en Substack. Y por qué, a pesar de todo, no cambiaría nada.

• Primero, porque pensé que era más listo que los demás.

• Segundo, porque me faltó foco.

• Y tercero, porque me pudo la impaciencia.

Normalmente se habla de los éxitos, de las buenas cifras, de los datos y las métricas. En nuestro mundo de la comunicación esto es especialmente llamativo: parece que vales según cuántas personas comparten tu contenido, aunque muchas ni siquiera lo hayan leído.

Yo caí en esa trampa.

Pero, sinceramente, creo que es hora de bajarse de esa rueda. O, al menos, de intentarlo.

Y no lo digo porque haya fracasado en mi intento de monetizar en Substack, sino porque verdaderamente me he dado cuenta de que lo que me hace feliz no es saber cuántas personas le dan a un botón sin haber leído lo que he escrito, sino esas pocas que, después de hacerlo, me mandan un WhatsApp o un comentario.

Y eso es mucho más valioso; parafraseando a Josep Maria Esquirol: mucho más humano.

En un momento de mi vida pensé que, con trabajo y esfuerzo, en unos pocos meses podría llegar a sitios lejanos. Pero no fue así. Al menos, no llegué a esos territorios luminosos del retorno económico.

Mi experiencia haciendo SHOY, la newsletter en la que diariamente compartía lo que decían los principales comunicadores de radio de este país, fue una experiencia maravillosa. Me exigió muchas horas de trabajo y me llegaron mensajes muy bonitos, pero no fui capaz de medir mis fuerzas, como algunas personas ya me habían advertido.

Aun así, guardo en mi corazón esos comentarios y el impacto que tuvo en algunos lectores.

También fracasé por falta de foco.

No fui capaz de construir un horizonte realista en el que no solo midiera mis fuerzas, sino también el coste que suponía en el conjunto de mi vida.

Y, finalmente, me pudo la impaciencia. Quise conseguir todo demasiado rápido. Hablé con personas que sabían de esto mucho más que yo -al menos de algoritmos y marketing digital- y, aunque me dieron consejos valiosos, no fui capaz de encontrar la manera de ofrecer lo que yo quería ofrecer.

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Independientemente del dinero que pudiera generar, creo que es momento de parar a tiempo y abrirme a nuevas experiencias, a nuevos proyectos.

Puse todo mi empeño en Hoy en el Podcast, una aventura preciosa que me sigue regalando algo maravilloso: una voz. Una voz en el mundo de la radio y el podcast. Una reflexión sobre cómo el audio puede ser una forma de conectar a las personas, en lugar de separarlas. Algo especialmente valioso en este mundo polarizado y, a veces, frío en el que vivimos.

No me arrepiento de este fracaso. Ni siquiera de llamarlo así, aunque podría encontrar otras palabras, seguramente menos duras.

De verdad, aprendí muchísimo de la experiencia. Y agradezco a la gente que, de un modo u otro —ya sea con sus comentarios, su apoyo o sus críticas— me ayudó a crecer.

Ahora sigo escribiendo, de vez en cuando, contenidos que creo que pueden aportar algo al mundo de la radio, del podcast y de la comunicación.

Intento utilizar la inteligencia artificial como una herramienta de ayuda, de consulta, de revisión… pero nunca publico nada que no haya sido escrito enteramente por mí.

Y así seguiré, intentando aportar mi pequeño granito de arena en esta aventura de Hoy en el Podcast.

Y en el otro desafío que ahora comienzo: la apertura de una librería en la ciudad en la que vivo, de la que quizá os cuente algo más adelante.

Gracias a todos.
De verdad.

Apple se apunta al video. Eramos pocos y parió la manzana.

La compañía ha anunciado una actualización significativa para Apple Podcasts: la plataforma permitirá integrar podcasts de vídeo mediante tecnología HLS, el sistema de transmisión de audio y vídeo por internet desarrollado por Apple en 2009 y que hoy es uno de los estándares más utilizados para distribuir contenidos en streaming. El objetivo final es que, como ya ocurre en Spotify, el usuario pueda alternar con un gesto entre escuchar o ver un episodio dentro de la propia aplicación.

Según ha explicado Eddy Cue, vicepresidente sénior de servicios de la compañía, el objetivo es ofrecer “una experiencia mucho más simple y atractiva” para disfrutar de los programas favoritos, además de abrir nuevas vías de monetización para los creadores.

La noticia, presentada como un hito en la evolución del medio, refleja una tendencia que lleva años consolidándose: la creciente hibridación entre audio y vídeo en el ecosistema del podcast. Primero fue el empuje de plataformas visuales como YouTube. Después llegó la apuesta de Spotify por los llamados videopodcast. Ahora Apple se suma a esa lógica de convergencia.

Pero la pregunta que surge es inevitable: si el podcast puede ser indistintamente audio o vídeo, qué significa hoy realmente la palabra podcast.

Durante casi dos décadas, la respuesta era clara. El podcast era una forma de comunicación sonora distribuida por internet, basada en la suscripción y el consumo bajo demanda. Su rasgo distintivo no era solo tecnológico, sino también cultural: el podcast era, sobre todo, un espacio de escucha.

La investigación académica ha explicado bien ese origen. El término “podcasting” fue acuñado en 2004 por el periodista Ben Hammersley y pronto se consolidó como una nueva forma de distribución de contenidos sonoros en la red. La posibilidad de escuchar episodios cuando y donde se quisiera —al margen de horarios y emisoras— fue una de las grandes innovaciones del formato.

Ese rasgo explica también su forma de consumo. A diferencia del vídeo, el podcast se escucha mientras se hacen otras cosas: tareas domésticas, desplazamientos, trabajo o ejercicio. En un estudio citado por Nadia Alonso-López, Carlos López-Olano y José Gamir-Ríos, casi un 30 % de los oyentes afirma escuchar podcasts mientras realiza labores domésticas y cerca del 20 % mientras trabaja.

La escucha, en otras palabras, se integra en la vida cotidiana de una forma que el visionado difícilmente puede replicar.

Sin embargo, el ecosistema mediático ha cambiado.

El mismo estudio académico detecta que este nuevo formato tiene características bastante definidas: la mayoría son espacios conversacionales, de temática generalista, grabados en sets profesionales y con realización multicámara, con episodios que suelen durar entre una y dos horas.

Es decir: más que una evolución del podcast clásico, el videopodcast se parece cada vez más a un programa de conversación televisivo adaptado a internet.

Esta transformación no es necesariamente negativa. El vídeo permite ampliar la difusión de los contenidos y atraer nuevas audiencias. Muchos creadores utilizan fragmentos visuales para promocionar sus episodios en redes sociales o para reforzar la relación con su comunidad.

Yo mismo lo hago con los episodios de Hoy en el Podcast.

El problema aparece cuando la lógica visual empieza a redefinir el propio medio.

En el episodio 18 de Hoy en el Podcast, el profesor Luis Miguel Pedrero advertía de este riesgo con claridad. A su juicio, el podcast corre el peligro de desenfocarse como medio. No porque exista vídeo, sino porque el audio empieza a evaluarse con criterios que pertenecen al universo visual.

Las métricas más visibles del nuevo ecosistema —vistas, impresiones, reproducciones en YouTube— proceden del lenguaje del vídeo. Y cuando esas métricas se utilizan para medir el éxito del audio, el medio pierde parte de su especificidad.

Pedrero plantea así una idea provocadora: el problema no es el vídeo en sí, sino la contaminación de las lógicas de la imagen sobre el lenguaje sonoro.

El podcast nació como una forma de comunicación profundamente íntima. A diferencia de la radio tradicional, donde el oyente forma parte de una audiencia masiva, el podcast establece una relación más directa entre quien habla y quien escucha. Es una conversación que se produce casi siempre a través de unos auriculares, en un contexto de escucha personal.

Esa relación —una voz que habla y un oyente que escucha— es el mayor activo del formato. Lo es del podcast y lo es de la radio.

Cuando el contenido se diseña pensando principalmente en la cámara, esa relación cambia. La conversación deja de dirigirse solo al oído del oyente y empieza a orientarse hacia la mirada del espectador. El resultado puede seguir siendo interesante, pero ya pertenece a otra lógica narrativa.

Por eso el debate que contribuye a mantener la decisión de Apple es más profundo de lo que parece. No se trata simplemente de añadir una nueva función a una aplicación. Se trata de decidir qué queremos que sea el podcast en los próximos años.

Tal vez la respuesta no pase por rechazar el vídeo ni por defender una pureza imposible. La hibridación de formatos forma parte de la historia de todos los medios.

Pero sí conviene recordar algo elemental: el podcast no nació como un vídeo que también se puede escuchar. Nació como una forma de comunicación sonora que permitió redescubrir el poder de la voz.

Si esa identidad se diluye, el podcast seguirá existiendo como etiqueta industrial. Pero quizá dejará de ser el medio singular que convirtió la escucha en una experiencia íntima y cotidiana.

Y entonces la pregunta volverá a aparecer, tarde o temprano: si todo es podcast, qué queda del podcast.

Sus autores son Toni Sellas (Universitat de Vic – Universitat Central de Catalunya), Aiser Leoz-Aizpuru (Universidad de Deusto), Paloma López-Villafranca (Universidad de Málaga) y Teresa Piñeiro-Otero (Universidade da Coruña).

El trabajo analiza 121 podcasts originales producidos en 2024 por cinco corporaciones (3Cat, À Punt, EITB, CRTVG y Canal Sur), atendiendo a variables de producción, géneros, temáticas, idioma, distribución, comercialización y coproducción. La combinación de análisis cuantitativo con escucha directa de los títulos incluidos en la muestra refuerza la consistencia metodológica del estudio. Me parece, además que es una forma de superar aproximaciones meramente descriptivas o basadas en datos agregados. Vamos, que no es un CTRL-C+CTRL-V.

Uno de los hallazgos más significativos es la dimensión productiva alcanzada por las radios autonómicas: en 2024 generaron más de la mitad del podcast nativo digital del sector radiofónico español. A mí este dato me ha sorprendido gratamente, ya que sitúa a los entes territoriales en una posición estructural dentro del desarrollo de la industria del audio digital en España.

Y aquí viene la principal conclusión del estudio: El podcasting autonómico deja de ser una extensión marginal de la programación lineal para convertirse en un eje estratégico de producción cultural.

Por géneros

Desde el punto de vista formal, el predominio del macrogénero conversacional (66,1% de la muestra) confirma la centralidad de la entrevista y el coloquio como formatos vertebradores del audio público digital. Esta tendencia puede interpretarse en clave de continuidad con la tradición radiofónica, pero también como una decisión editorial orientada a la consolidación de comunidades estables y a la sostenibilidad en el tiempo de los proyectos. Y, por qué no decirlo, responde también al hecho de que ese tipo de producciones son mucho más baratas.

El estudio señala, además, un equilibrio entre estrenos, nuevas temporadas y modelos always on, lo que revela una estrategia combinada de renovación y permanencia.

En el plano temático, la categoría “cultura, educación y sociedad” concentra el mayor número de producciones (40 títulos), lo que refuerza la función cultural atribuida históricamente a las emisoras autonómicas. A ello se suma una presencia significativa de ficción, contenidos infantiles, salud y deportes, configurando un arco temático amplio y coherente con el mandato de servicio público. La apuesta por la ficción y por los contenidos dirigidos a públicos infantiles en corporaciones como 3Cat y EITB resulta especialmente relevante, ya que enlaza con tradiciones previas (radioteatro, producción cultural en lengua propia) y las proyecta hacia el entorno digital.

Podcast y lenguas propias

La producción en catalán, gallego, valenciano o euskera alcanza el 100% en tres de las corporaciones analizadas y el 82% en el caso vasco. El podcasting se configura así como instrumento de normalización lingüística en el ámbito digital, ampliando el alcance de las políticas culturales territoriales hacia los entornos bajo demanda.

Además, el estudio viene a aportar datos relevantes sobre el modelo de distribución en esta era de las paltaformas que vivimos.

El 83% de los podcasts se encuentran disponibles en abierto en todas las plataformas principales.

Esta estrategia de accesibilidad universal contrasta con las dinámicas de exclusividad y segmentación observadas en operadores privados. La escasa presencia de publicidad directa (77% de los títulos sin fórmulas publicitarias identificables) sugiere, además, un modelo de financiación fundamentalmente público, menos condicionado por lógicas comerciales inmediatas.

Un aspecto especialmente valioso del estudio es el análisis de las coproducciones. Casi el 44% de los podcasts (53 de 121) se desarrollaron en colaboración con agentes externos. Es decir, que lo público y lo privado conviven aquí con aparetente normalidad.

Este dato permite comprender el papel de las corporaciones autonómicas como dinamizadoras del ecosistema productivo local. Las alianzas con productoras, entidades culturales, universidades o instituciones territoriales no solo diversifican la oferta, sino que contribuyen a consolidar una red industrial y cultural en torno al audio digital.

El artículo no elude, sin embargo, algunas limitaciones estructurales. La dirección de los podcasts continúa mayoritariamente en manos masculinas (51,2%), con un 31,4% liderado por mujeres, lo que evidencia un margen de mejora en términos de paridad. Asimismo, los autores reconocen la ausencia de un enfoque longitudinal y la falta de datos económicos públicos que permitan evaluar la sostenibilidad financiera del modelo a medio y largo plazo

En conjunto, la investigación demuestra que el podcasting autonómico puede entenderse como una prolongación adaptada del mandato de servicio público en el entorno digital. ¿Las claves?

• Producción abierta

• Diversidad temática

• Refuerzo lingüístico

• Coproducción territorial

• Relativa autonomía frente a las lógicas de monetización intensiva

Todo ello apunta a la configuración, subraya el texto, de un modelo reconocible y coherente.

La cuestión que queda abierta no es tanto la existencia de este modelo, que los datos confirman, como su continuidad estratégica. La consolidación del podcasting público dependerá de la estabilidad institucional, la inversión sostenida y la capacidad de las corporaciones para mantener una identidad editorial propia en un entorno dominado por grandes agregadores globales.

Lo que es evidente es que el estudio ofrece, por primera vez, una base empírica sólida para abordar ese debate con datos y no únicamente con intuiciones sectoriales.

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Es esa palabra. Justo esa. Dicha por ese señor cuyo nombre no olvidarás nunca. Estabas haciendo una tortilla de patata. Tuviste que dejar el aceite en la mesa y apagar el fuego. Te sentaste en el taburete de la cocina. No recuerdas el resto del programa. Solo esa palabra. La que te hizo pensar y dudar. La que te empujó a leer aquel libro y te llevó, sin saber cómo, hasta esa otra canción.

Aquella canción que descubriste otra tarde de invierno, en el coche, camino de ese trabajo que detestabas. Era la melodía que necesitabas en ese momento, y no otra. Te entró de repente en un lugar desconocido del alma y, desde entonces, esbozas una sonrisa inconsciente cada vez que la escuchas.

Como aquella entrevista al presidente del Gobierno en la que pidió perdón. Solo ha ocurrido una vez, que tú recuerdes. Un político disculpándose es como un hipopótamo en el Mercadona: un imposible. Pero sucedió aquella mañana. Cómo olvidarlo. Casi te cortas al afeitarte. La pregunta fue buenísima, de esas que te impiden girar la cabeza o tomar la dirección contraria.

Y qué decir de aquella tarde de verano en la que escuchaste ese gol infinito. Esa voz quebrada que se rompía en mitad del grito apasionado de todo el país. Todos unidos en esa cadencia luminosa en la que se convirtió la narración de un gol para la historia.

¿Y ese día en el que la emisora de tu tierra dejó de ser una radiofórmula? No olvidas a Orenes, que se nos fue, ni a la Acevedo; ni a Fernando, Alberto o Roberto, que te siguen contando lo tuyo.

Cómo olvidar el día en que sonó la canción que bailaste en tu boda.
El día en que casi nos dieron un golpe de Estado.
Ese en que te explicaron que habíamos llegado a la luna.
Ese otro en el que descubriste la verdadera identidad de Ama Rosa.
O aquel en el que te creíste que nos invadían los extraterrestres.
O aquellas primeras elecciones de 1933 que pudiste seguir en directo.
O esa primera vez —ay— en la que pensaste que soñabas al escuchar salir una voz de aquella enorme caja de madera.

Por todos esos días.
Por todos esos recuerdos que no son solo tuyos.

Gracias.
A mi querida radio.

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*Artículo publicado originalmente en El Español de CLM

Durante mucho tiempo, el audio hablado ha avanzado sin hacer demasiado ruido. Si lo piensas, es lógico: el ruido solo distorsiona.

El caso es que el audio digital ha ido creciendo mientras otros miraban a otros lados más espectaculares, ha generado formatos nuevos y ha construido una comunidad profesional sin apenas certezas institucionales. Quizá por eso resulta tan relevante el paso que acaba de dar la Academia del Audio: no tanto por el gesto en sí, sino por el momento en que llega.

Hay una idea que sobrevuela todo este movimiento y que merece ser pensada con calma: el audio ya no necesita ser explicado como fenómeno emergente. Está aquí, tiene público, tiene lenguaje propio y ha demostrado una capacidad de innovación que muchos sectores culturales más asentados hace tiempo que dejaron atrás. Sin embargo, ese recorrido no ha ido acompañado de un marco que lo reconozca y lo proteja como parte del ecosistema cultural. Y ahí aparece la grieta.

Lo que plantea la Academia ante el Ministerio de Cultura conecta con una sensación compartida por muchos profesionales del sector: la de trabajar en un territorio que funciona, pero al que se le exige comportarse como si aún estuviera probándose. Producciones ambiciosas, proyectos periodísticos complejos, ficciones sonoras con vocación autoral, audiolibros que amplían el campo literario… todo eso existe y circula, pero no siempre encuentra un encaje claro en las políticas culturales. El desajuste empieza a ser estructural.

El audio es comunidad

Hay otro elemento que conviene subrayar y que dice mucho del momento que vive el audio: la conciencia colectiva. La iniciativa nace de un trabajo compartido entre agentes muy distintos que han entendido algo esencial. Sin organización no hay interlocución, y sin interlocución no hay reconocimiento posible.

Que actores relevantes del sector hayan decidido respaldar públicamente este paso indica que el audio empieza a pensarse a sí mismo como industria, no solo como suma de proyectos.

Mirar fuera ayuda a entenderlo mejor. En otros países europeos el audio lleva tiempo sentado en las mesas donde se decide qué es cultura y qué no, qué se apoya y qué queda fuera. España llega más tarde a ese debate, pero llega con un sector más maduro de lo que a veces se quiere admitir.

La Academia del Audio, además, no se limita a levantar la mano. En poco tiempo ha articulado una estructura que trabaja en varios frentes: análisis, estándares, formación, encuentro entre profesionales. Eso es lo que diferencia una queja coyuntural de un proyecto de largo recorrido.

Quizá el valor más interesante de todo este proceso esté en su vocación de espacio común.

El audio en español es diverso por naturaleza y, a veces, incluso contradictorio.

Conviven grandes plataformas y productores independientes, medios tradicionales y narradores que trabajan desde los márgenes, perfiles técnicos y voces autorales. Pensarlo como un todo exige renuncias, acuerdos y una cierta generosidad. Pero también abre la puerta a un futuro más estable.

El debate de fondo no es si el audio merece reconocimiento cultural. Esa discusión, en realidad, ya está superada por los hechos. La pregunta es otra: si las instituciones están dispuestas a actualizar su mirada al ritmo al que el sector ha actualizado su manera de contar. El movimiento iniciado por la Academia coloca esa cuestión en primer plano. Y obliga a todos —administración incluida— a tomar posición.

El audio ha aprendido a caminar solo. Ahora empieza a exigir algo más elemental: que se le mire de frente.

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En este episodio especial de Hoy en el Podcast me siento a conversar con Iñaki Gabilondo, una de las figuras clave del periodismo español de las últimas décadas, en una entrevista grabada en el estudio de la productora Formato Podcast.

Hablamos de radio, de poder, de responsabilidad y de memoria. Del tiempo en el que los comunicadores eran estrellas y de cómo Internet lo cambió todo. De Hoy por Hoy, de las guerras mediáticas, de la presión del directo y del peso de saber que millones de personas te escuchan cada mañana.

Gabilondo reflexiona sobre la ética en el uso de la palabra, sobre la polarización política, sobre el papel de los medios en la convivencia democrática y sobre la importancia de las formas, no solo de las ideas.

Recuerda momentos decisivos de su carrera, explica por qué pidió perdón públicamente en antena y comparte cómo vivió entrevistas históricas como la de Felipe González en el caso GAL.

Un diálogo sobre el oficio de informar, el paso del tiempo y la necesidad de saber cuándo dar un paso atrás para que otros ocupen el centro.

La T2 merecía un cierre a la altura. Creo que este episodio lo es.

Como siempre, puedes escuchar el programa en tu plataforma de audio favorita y en mi canal de Youtube.

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No, este episodio no es uno más. Es el último de la segunda temporada de Hoy en el Podcast y, por muchas razones, tenía que ser así. Cerrar con alguien que ha pensado la radio durante décadas, que la ha hecho y que, sobre todo, ha sabido cuándo callar. El invitado es Iñaki Gabilondo.

La conversación se grabó en los estudios de la productora Formato Podcast, con calma y sin el reloj apretando. Y se nota. Hablamos de la radio que fue y de la radio que es, del tiempo en el que los comunicadores eran estrellas y del presente, marcado por la fragmentación, Internet y la pérdida de centralidad. Pero también de algo que no ha cambiado: la responsabilidad de quien habla cada mañana sabiendo que al otro lado hay millones de personas escuchando.

“La radio se adapta muy bien a la realidad: huele los cambios de la sociedad y se coloca en ellos como una mano en un guante”, me explica.

Gabilondo reflexiona sobre el poder del periodista, sobre la diferencia entre prudencia y autocensura, y sobre la ética en el uso de la palabra.

Iñaki Gabilondo: “Siempre he creído que cuando una persona tiene muchas horas de comunicación con el oyente, lo mejor que puede hacer es no pretender disfrazarse.”

Insiste en algo que atraviesa toda la charla: no solo importa qué se dice, sino cómo se dice. Porque el periodista no solo informa; también enseña —aunque no quiera— a discrepar, a convivir y a mirar al otro.

El episodio recorre momentos clave de su trayectoria: Hoy por Hoy, las grandes batallas mediáticas, la guerra de Irak, el 11-M y la entrevista a Felipe González en pleno caso GAL. Pero no desde la nostalgia, sino desde la experiencia. Desde la conciencia de haber cometido errores, de haber pedido perdón cuando tocaba y de no sentirse orgulloso de la ira, aunque las razones fueran comprensibles.

Le pregunto por algunos de los comunicadores de la radio actual. Y no se esconde.

Sobre Carlos Alsina

“Está en otro modelo, ya no en el estrellato de antes, pero con una categoría profesional altísima.”

Sobre Carlos Herrera

“Ha hecho un viaje hacia un protagonismo político muy marcado, que creo que incluso a él mismo le habrá sorprendido.”

Sobre Federico Jiménez Losantos

“Me resulta muy decepcionante que un hombre tan culto cometa el primer pecado que nunca debe cometer un hombre culto: despreciar a quienes cree menos cultos que él.”

Políticos y periodistas

A lo largo de la conversación, Gabilondo reflexiona con mucha claridad sobre la relación que ha mantenido con el poder político y sobre cómo ha protegido su independencia.

Explica que nunca quiso formar parte de las cocinas ni de los conciliábulos, y que evitó deliberadamente cualquier proximidad que pudiera condicionar su mirada. “No he ido a comidas de trabajo con políticos nunca. No he querido ir”, dice, convencido de que esa distancia fue una de sus mayores garantías profesionales.

La conversación se detiene también en uno de los momentos más recordados de su carrera: la entrevista a Felipe González en pleno caso GAL. Gabilondo explica que fue consciente desde el primer minuto de la enorme tensión política y social del momento, y de que no podía permitirse una entrevista cómoda ni abierta. Por eso diseñó una conversación directa, sin escapatorias, en la que el tiempo jugaba un papel decisivo.

“Él (Felipe González) sabía que yo no podía preguntarle otra cosa, y yo sabía que no podía dejarle escapar”.

Hay también una reflexión muy honesta sobre el paso del tiempo. Sobre cuándo un periodista debe dejar la pista central. Sobre el riesgo de ocupar más espacio del debido. Y sobre la necesidad de que otras voces —más jóvenes, más conectadas con el presente— tomen el relevo. No como retirada, sino como responsabilidad.

Este episodio cierra la segunda temporada de Hoy en el Podcast.

Puedes escuchar el episodio en mi canal de YouTube y en todas las plataformas de audio.

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Lo hago conversando con José Ignacio Wert, periodista y autor de una tesis doctoral extraordinaria que reconstruye con precisión lo ocurrido en 1992, cuando Antena 3 Radio fue entregada a su principal competidor en una operación empresarial que alteró para siempre el mapa mediático español.

En la conversación hablamos de poder, de dinero y de decisiones estratégicas tomadas lejos de los micrófonos. Pero también:

• De por qué una cadena que había logrado disputar el liderazgo a la SER desapareció en cuestión de meses.

• De los silencios, las presiones y las responsabilidades que rodearon aquel proceso.

• Y también de lo que se perdió por el camino: pluralidad, talento y una forma distinta de entender la radio.

Wert explica con detalle el contexto económico y empresarial que llevó al Grupo Godó a desprenderse de Antena 3 Radio, la influencia de otros grandes actores del momento y las razones por las que nadie —o casi nadie— pudo o quiso impedir aquella operación.

Este episodio es una conversación necesaria para entender el presente de los medios en España y para preguntarse hasta qué punto las grandes decisiones empresariales siguen condicionando hoy la información que recibimos.

Ya disponible en mi canal de YouTube y en todas las plataformas de audio.

Y por supuesto, aquí en Substack.

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En este episodio de Hoy en el Podcast converso con José Ignacio Wert, periodista e investigador, sobre uno de los episodios más polémicos de la historia reciente de la radio en España: la compra en 1992 de Antena 3 Radio por parte del Grupo PRISA y su posterior desaparición.

Un proceso que acabó siendo conocido como el antenicidio y que ha condicionado la configuración del mapa mediático español.

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A partir de su tesis doctoral —El proyecto del Grupo PRISA para Antena 3 Radio (1992–1994): más allá del antenicidio—, Wert reconstruye con detalle qué ocurrió realmente en aquellos dos años clave, desmonta algunos relatos consolidados y sitúa el foco en las decisiones empresariales, los conflictos internos, el contexto político de los últimos gobiernos de Felipe González y el papel —activo o pasivo— de los reguladores.

Hablamos del enfrentamiento entre editores y gestores, de la salida de las grandes voces de Antena 3 Radio hacia COPE, de cómo la operación benefició al conjunto de las radios de PRISA y de por qué aquella absorción contribuyó a configurar el mapa radiofónico que todavía hoy conocemos.

La conversación se abre también al presente: el modelo de la radio de las estrellas, la fortaleza de las marcas frente a los comunicadores, la entrada de los consultores en la toma de decisiones editoriales y la pregunta inevitable de si algo así podría volver a ocurrir hoy.

Un episodio para entender la radio como empresa informativa, el poder de las decisiones empresariales sobre el pluralismo y las consecuencias —duraderas— de aquel día en que Antena 3 Radio dejó de existir.

El nuevo episodio de Hoy en el Podcast parte de una pregunta que sigue siendo incómoda casi tres décadas después del asesinato de Miguel Ángel Blanco: ¿qué ha cambiado más desde 1997, España o el periodismo español? No como ejercicio nostálgico, sino como forma de pensar el presente del oficio a partir de uno de los episodios más traumáticos de nuestra historia reciente.

A partir de ahí entramos en Cuatro días en blanco y negro, la miniserie sonora en la que reconstruyen aquellos días desde una mirada poco habitual: la de los periodistas que estuvieron allí, en Ermua, contando lo que pasaba mientras trataban también de entenderlo. Periodistas jóvenes, algunos becarios, otros en sus primeros años de profesión, enfrentados a una situación límite sin redes sociales, sin métricas en tiempo real y sin ese ruido permanente que hoy lo contamina todo.

Hablamos del impacto emocional de aquella cobertura, del cansancio físico y psicológico, y de cómo ese acontecimiento marcó a una generación de periodistas y cambió su forma de mirar el oficio. De por qué decidieron contar esta historia desde lo humano y no desde la política, evitando a los protagonistas de siempre para centrarse en quienes vivieron aquellos días desde la calle, la redacción y el directo.

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Cómo contar una historia

La conversación entra también en el trabajo narrativo: cómo se construye un documental sonoro, la importancia de la secuencia temporal, el uso del silencio, la música y los momentos de mayor intensidad emocional. Y, sobre todo, los límites éticos.

Cómo contar sin subrayar. Cómo emocionar sin manipular. Cómo permitir que el oyente llegue a sus propias conclusiones sin empujarlo.

Más allá de esta miniserie, hablamos del espíritu de Historias a pie de micro: contar historias de personas concretas para hablar de temas universales sin convertirlos en consignas. De la diferencia entre hablar “de temas” y contar vidas. De por qué el periodismo narrativo funciona mejor cuando renuncia a dar lecciones y se limita a observar con honestidad.

La charla se abre, además, a una reflexión sobre la industria del pódcast y del documental sonoro en España: la dificultad de su viabilidad económica, el debate sobre las métricas, el papel de las marcas, la tensión entre audio y vídeo y la necesidad de defender el valor del tiempo y de la escucha atenta en un ecosistema saturado de estímulos.

Un episodio para pensar el periodismo, la memoria y la narración sonora sin prisas, desde el respeto al oficio y a quienes lo ejercen.

Ya disponible en YouTube y en todas las plataformas de audio.

En este episodio converso con Luis Blanco y Chema Martínez Pastor, responsables de la productora Formato Podcast y creadores de Historias a pie de micro, uno de los proyectos más sólidos de periodismo narrativo sonoro en España.

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La conversación parte de una pregunta incómoda pero necesaria: ¿qué ha cambiado más desde el asesinato de Miguel Ángel Blanco en 1997, España o el periodismo español? A partir de ahí, analizamos cómo se vivieron aquellos días desde dentro de las redacciones, sin redes sociales, sin métricas en tiempo real y con una carga emocional que marcó para siempre a muchos periodistas que entonces empezaban.

Hablamos en profundidad de Cuatro días en blanco y negro, la miniserie sonora que reconstruye aquellos días desde una mirada poco habitual: la de los periodistas de a pie que estuvieron allí, en Ermua, contando lo que ocurría mientras también intentaban comprenderlo. Un ejercicio de memoria profesional y personal que evita la grandilocuencia política para centrarse en lo humano, en el impacto emocional y en cómo aquel episodio cambió la forma de entender el oficio.

La charla se abre también al presente del audio narrativo: cómo se construyen historias, qué límites éticos impone un relato tan cargado de significado, el papel de los silencios, la música y la estructura, y por qué contar personas sigue siendo más honesto —y más eficaz— que “hablar de temas”.

Cerramos con una reflexión sobre la viabilidad del documental sonoro, las dificultades de la industria del pódcast en España, el debate sobre las métricas, el papel de las marcas y la tensión permanente entre audio, vídeo y atención.

Un episodio para pensar el periodismo, la memoria y la narración sonora con calma, sin atajos y con respeto al oficio.

Escucha el episodio en tu plataforma de audio favorita. También puedes verlo en mi canal de YouTube.

Cuando uno habla con Jorge Bustos no sabe muy bien si tirar por el artículo, la literatura o la radio. Aunque todo ese universo en el que se mueve el periodista de El Mundo y de COPE tiene algo en común: la palabra como fuerza motora del mundo.

En eso consiste, quizá, nuestro oficio. El de escribir, el de hablar en la radio, el de elegir una palabra y no otra sabiendo que no hay marcha atrás. De todo eso hablamos en el episodio 35 de Hoy en el Podcast.

Bustos explica con precisión algo que solo se aprende con horas de vuelo: que la radio y la columna no admiten el mismo lenguaje. En el papel se puede sopesar, pulir, buscar el adjetivo exacto; en la radio manda la agilidad mental y la naturalidad. No porque el oyente merezca menos, sino porque un lenguaje literario trasladado sin filtros al micrófono sonaría impostado.

Confundir los registros es uno de los grandes errores del periodismo contemporáneo, y él lo vive como una gimnasia diaria: vigilar cuándo se está poniendo “demasiado radiofónico” o “demasiado columnista”.

Hablamos también del directo, del piloto rojo y de esa tensión necesaria entre la naturalidad y la responsabilidad. Bustos insiste en algo clave: pensar siempre en el oyente común. No en el político, ni en el magistrado, ni en el empresario que quizá también esté escuchando, sino en la persona corriente a la que acompañas cada mañana y a la que debes ayudar a entender lo que pasa sin caer ni en el lugar común ni en la exageración.

La radio, dice, tiene algo de interpretación. Hay un guion, hay un trabajo enorme detrás, pero luego está ese “volar sin motor” que solo aparece cuando el comunicador se atreve a habitar el directo.

El estudio como escenario, el programa como una función diaria que nunca se repite igual. Ahí está una de las magias del medio.

La charla entra después en la polarización política, en el ruido amplificado por las redes y en la responsabilidad de los periodistas de jerarquizar, filtrar y no echar más leña al fuego.

Bustos no habla desde el miedo, sino desde la decepción y el enfado cívico. Reivindica la necesidad de auditar al poder, también —y especialmente— cuando gobiernan los tuyos, y alerta contra el éxito rápido del conflicto permanente, que da atención inmediata pero no construye trayectorias largas ni credibilidad.

El futuro de Carlos Herrera

Hay un momento especialmente revelador cuando reflexiona sobre los grandes comunicadores de la radio española y lo que ha aprendido de cada uno. La claridad analítica, el espíritu indómito, la pulcritud sonora, el carácter.

Y, muy especialmente, la figura de Carlos Herrera.

Aquí aparece uno de los ejes más interesantes del episodio. Bustos no oculta su ambición. Quiere ganar, quiere crecer, quiere hacer buena radio. Pero al mismo tiempo expresa con absoluta naturalidad su deseo de seguir aprendiendo durante mucho tiempo al lado de Herrera, a quien considera en uno de los mejores momentos de su carrera.

Habla de él como un “realizador radiofónico”, alguien capaz de jerarquizar la información con una inflexión, un silencio o un carraspeo. Y reconoce que cuanto más tiempo comparte programa con él, más consciente es de todo lo que todavía le queda por absorber.

No hay prisa por heredar nada. Esa es la impresión que me deja esta charla. No hay ansiedad por el relevo. Hay respeto, observación y una idea muy clara: estar al lado de un maestro no resta, suma. Y hacerlo desde la ambición bien entendida —la que no empuja, sino que acompaña— es una de las mejores escuelas posibles.

El episodio termina con una reflexión casi íntima sobre el veneno de la radio. Bustos confiesa que él quería ser novelista y columnista, pero que ahora, cuando llega el fin de semana y no hay micrófono, siente que algo falta.

La radio, una vez entra, ya no se va del todo. Eso lo sabemos todos los que hemos pasado aunque sea medio minuto delante de un micrófono.

Ya disponible en YouTube y en todas las plataformas de audio.

En este episodio de Hoy en el Podcast converso con Jorge Bustos, jefe de Opinión de El Mundo y una de las voces principales de Herrera en COPE, sobre el lugar que ocupa hoy la palabra en la radio y la responsabilidad de opinar en directo.

Hablamos del lenguaje radiofónico frente a la escritura, de la dificultad de encontrar la palabra justa cuando no hay marcha atrás, del respeto al micrófono y del peso que tiene hablar cada mañana para cientos de miles de personas. Bustos reflexiona sobre la radio como un oficio interpretativo, casi teatral, donde el guion nunca llega intacto a la antena y el comunicador actúa como mediador entre la información y el oyente.

La conversación recorre también el momento político español, la polarización, la erosión democrática y el papel del periodismo como contrapoder, sin caer en el ruido ni en la indignación automática. Aparece la decepción, más que el miedo, y la necesidad de mantener el criterio sin convertir el enfado en espectáculo.

Hay tiempo, además, para hablar de radio: del aprendizaje junto a Carlos Herrera, de lo que admira de Alsina, Barceló o Federico Jiménez Losantos, y de qué tipo de comunicador va a necesitar la radio generalista en los próximos años.

Un episodio sobre el peso de la palabra, el tiempo, la responsabilidad y el periodismo dicho en voz alta.

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