Welcome to the summer edition of “Spotlighting Museums”! ☀️

In this issue our curator of the 2026 programme, Julie Aldridge, introduces us to Ellie Wyant. She is Senior Communications Manager at the National Gallery, London.

Before we dive into the National Gallery’s wide-reaching collaboration with content creators – have you seen our new website for the Relevant Museum yet? Everything you need to know about the current programme and previous years is now available online.

Who might help us build visibility and make meaningful connections?

In the Relevant Museum programme, we’ve been exploring not just how or where we might communicate to raise visibility, but:

• “Who might already have the trust and attention of our potential audience?”

• “Who might help us connect?”

In May, Ellie Wyant, Senior Communications Manager (Social and Communities) at National Gallery, UK, joined us for a fascinating online conversation. She shared insights about how the Gallery has been successfully working with a diverse mix of content creators across several different social media channels to celebrate their collection and help them reach and engage beyond their existing networks across the globe.

This newsletter shares a few insights and top tips emerging from our conversation.

Working with content creators to build interest in temporary exhibitions

The National Gallery allocates budget to work with 2–3 creators for each temporary, paid exhibition. The content that the creators produce provides fresh perspectives on the exhibitions.

Posted on both the creators social media channels and the Gallery’s channels, the content helps people who might never have thought about the Gallery being of value to them to discover something meaningful within the collection.

The 200 Creators programme

Ellie shared the story of the National Gallery’s innovative 200 Creators Project. Working collaboratively with a broad mix of content creators, this initiative was designed to celebrate their 200th birthday and to enable new audiences to discover the relevance for them.

They launched an open call on their website and hosted an “ideas lab” event in the Gallery for interested creators. This gave them the opportunity to meet National Gallery staff, see behind-the-scenes activity and visit out-of-hours to explore the Gallery’s collection of some of the world’s greatest paintings. Creators then pitched ideas about how they might create and share content with their online communities.

They created a network of 200 creators encouraging them to post approx. 10 times throughout the year (although not required) and selected 20 creators to work closely with who each received a £4,000 fee to produce a series of videos to post on their social media channels and the Gallery’s channels. The 20 creators were supported with access to curators, scientific staff, conservation etc.

The impact of 200 Creators for the National Gallery

Content created has been varied and fascinating from a potter recreating some of the pots shown in paintings in the collection, to comparisons between artwork and narratives in books, to a popular post about why we call blue “blue”.

The programme has had a significant impact on reach and engagement with new global audiences, attracting:

• 40 million+ total views in year one

• And 9.2m in year two when they’ve worked with 50 creators (4 paid) instead of 200 as they moved beyond the 200th birthday year.

The content created is often something that the Gallery couldn’t create themselves, with captivating edits highlighting new stories and observations that have captured attention and inspired people in so many different ways. There were:

• 2 million total engagements in year one

• 200K in year two.

Year One creators have now become alumni and are engaging with the Gallery into the future.

If you’re interested in working with content creators, Ellie suggests looking for:

• Those with high engagement with their online community, those who already have the trust and attention from their audience.

• People with a strong creative direction who might be able to provide a new perspective and capture peoples imagination.

• Those who will create content that their audience knows them for but with a new spin/perspective inspired by the collection.

Ellie emphasised the need to ensure a true collaboration with creators. Providing a clear brief and working with them to ensure the content they produce both celebrates your collection and is shared in a way that the audience will enjoy.

A good content creator knows their audience well and has a strong understanding of what people want to see and what type of content or storytelling might engage.

Longer-term ideas to explore:

What projects do you have coming up that could include creators?

• Consider working with content creators for your upcoming exhibitions to help you reach new audiences beyond your own existing networks.

• Plan for creators alongside your wider marketing strategy. Identifying events or activities where you can work with content creators to share your story with more people.

• Consider putting together your own network of creators.

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Thank you Ellie and Julie for this inspiring insight how the gallery is using innovative formats to engage with new and existing audiences. Our program year with Julie comes to an end in November. If you’d like to continue hearing from her, feel free to subscribe to her newsletter.

Innovation and change within museum practice are also part of the following training courses. Are you interested in Cultural Leadership? This might be interesting for you:

• The “Führungswerkstatt Bremen” is an innovative leadership programme for Lower Saxony and Bremen, designed specifically to address the needs of the museum sector and to strengthen leadership within it (Application until 31 July 2026).

• The Cultural Leadership Fellowship Programme organised by the Institut für Kultur- und Medienmanagement of the Hochschule für Musik und Theater Hamburg prepares people with some initial leadership experience in the cultural sector for the complex demands of today’s cultural organisations and equips them with the tools to actively shape change.

• In collaboration with the Institute of Applied Psychology at ZHAW, ICOM Switzerland is offering, for the first time, a five-day leadership course for (new) managers in the Swiss museum sector.

I wish you all a wonderful summer!

Marleen Grasse

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Deutsche Übersetzung

Willkommen zur Sommerausgabe von „Spotlighting Museums“ ! ☀️

In diesem Newsletter stellt uns unsere diesjährige Programmkuratorin, Julie Aldridge, Ellie Wyant vor. Sie ist Senior Communications Managerin bei der National Gallery in London.

Bevor wir in die reichweitenstarke Zusammenarbeit der National Gallery mit Content-Creator:innen eintauchen – haben Sie schon die neue Website für das relevante Museum gesehen? Hier sind jetzt alle Infos zum aktuellen Programm und den vorherigen Jahren online verfügbar.

Wer könnte uns dabei helfen, unsere Sichtbarkeit zu steigern und sinnvolle Verbindungen zu knüpfen?

Im Rahmen des relevanten Museums haben wir nicht nur untersucht, wie oder wo wir kommunizieren könnten, um unsere Sichtbarkeit zu erhöhen, sondern auch:

• „Wer genießt bereits das Vertrauen und die Aufmerksamkeit unseres potenziellen Publikums?“

• „Wer kann uns dabei helfen, Kontakte zu knüpfen?“

Im Mai führte Ellie Wyant, Senior Communications Manager (Social and Communities) an der National Gallery in London, online ein spannendes Gespräch mit uns. Sie teilte Einblicke, wie das Museum erfolgreich mit vielfältigen Content-Creator:innen über verschiedene Social-Media-Kanäle hinweg zusammenarbeitet, um seine Sammlung zu präsentieren und dabei zu helfen, über die bestehenden Netzwerke hinaus ein weltweites Publikum zu erreichen und zu begeistern.

Dieser Newsletter fasst Erkenntnisse und Tipps aus unserem Gespräch zusammen.

Mit Content-Creator:innen zusammenarbeiten, um Interesse an Sonderausstellungen zu wecken

Die National Gallery stellt für jede eintrittspflichtige Wechselausstellung Mittel bereit, um mit zwei bis drei Content-Creator:innen zusammenzuarbeiten. Die von den Creator:innen produzierten Inhalte bieten neue Perspektiven auf die Ausstellungen.

Die Inhalte werden sowohl auf den Social-Media-Kanälen der Content-Creator:innen als auch auf den Kanälen des Museums veröffentlicht und ermöglichen Menschen, die vielleicht nie darüber nachgedacht haben, dass die National Gallery einen Mehrwert für sie haben könnte, etwas Bedeutungsvolles in der Sammlung zu entdecken.

Das „200 Creators“-Programm

Ellie berichtete über das innovative „200 Creators“-Projekt der National Gallery. In Zusammenarbeit mit einer breit gefächerten Gruppe von Content-Creator:innen wurde diese Initiative ins Leben gerufen, um den 200. Geburtstag des Museums zu feiern und neuen Zielgruppen die Möglichkeit zu geben, die Relevanz der National Gallery für sich zu entdecken.

Auf der Website wurde ein Open Call geteilt und vor Ort fand für interessierte Content-Creator:innen ein „Ideenlabor“ statt. Hier hatten sie Gelegenheit, Mitarbeiter:innen der National Gallery kennenzulernen, einen Blick hinter die Kulissen zu werfen und das Museum außerhalb der Öffnungszeiten zu besuchen, um die Sammlung mit einigen der weltweit bedeutendsten Gemälde zu erkunden. Anschließend stellten die Content-Creator:innen Ideen vor, wie sie Inhalte erstellen und mit ihren Online-Communities teilen könnten.

Die National Gallery baute ein Netzwerk aus 200 Kreativen auf und ermutigte sie, im Laufe des Jahres etwa zehn Beiträge zu veröffentlichen (obwohl dies nicht verpflichtend war); außerdem wählten sie 20 Kreative für eine enge Zusammenarbeit aus. Sie erhielten jeweils ein Honorar von 4.000£ , um eine Serie von Videos zu produzieren, die auf ihren und den Social-Media-Kanälen der National Gallery veröffentlicht wurden. Die 20 Kreativen wurden durch den Zugang zu Kurator:innen, wissenschaftlichen Mitarbeiter:innen, Restaurator:innen usw. unterstützt.

Die Wirkung von „200 Creators“ für die National Gallery

Der erstellte Content war vielfältig und spannend – von einem Keramiker, der Gefäße nachbildete, die in Gemälden der Sammlung abgebildet sind, über Vergleiche zwischen Kunstwerken und Erzählungen in Büchern bis hin zu einem beliebten Beitrag darüber, warum wir Blau „blau“ nennen.

Das Programm hatte eine große Wirkung auf die Reichweite und die Interaktion mit neuen globalen Zielgruppen und erreichte:

• über 40 Millionen Aufrufe im ersten Jahr

• und 9,2 Millionen im zweiten Jahr. Da das 200-jährige Jubiläumsjahr bereits vorbei war, arbeitete das Museum mit 50 statt 200 Content-Creator:innen (davon 4 bezahlt) zusammen.

Der Großteil des erstellten Contents hätte so vom Museum selbst nicht produziert werden können – mit mitreißenden Aufnahmen wurden neue Geschichten und Beobachtungen hervorgehoben, Aufmerksamkeit erregt und Menschen auf viele verschiedene Arten inspiriert. Es gab:

• insgesamt 2 Millionen Interaktionen im ersten Jahr

• 200.000 im zweiten Jahr.

Die Creator:innen des ersten Jahres wurden zu Alumni und arbeiten auch in Zukunft mit der National Gallery zusammen.

Wenn Sie daran interessiert sind, mit Content-Creator:innen zusammenzuarbeiten, empfiehlt Ellie auf folgende Kriterien zu achten:

• Personen mit hoher Interaktion in ihrer Online-Community, die bereits das Vertrauen und die Aufmerksamkeit ihres Publikums genießen.

• Personen mit einer starken kreativen Ausrichtung, die möglicherweise eine neue Perspektive bieten und die Fantasie der Menschen anregen können.

• Personen, die Content erstellen, für den ihr Publikum sie kennt, die jedoch einen neuen Zugang oder Perspektive einbringen, die von der Sammlung inspiriert ist.

Ellie betonte die Notwendigkeit, eine echte Zusammenarbeit mit den Content-Creator:innen sicherzustellen. Ein klares Briefing und Zusammenarbeit stellen sicher, dass die produzierten Inhalte sowohl die Sammlung würdigen als auch so geteilt werden, dass das Publikum Freude daran hat.

Ein:e gute:r Content-Creator:in kennt das eigene Publikum gut und hat ein ausgeprägtes Verständnis dafür, was Menschen sehen wollen und welche Art von Inhalten oder Storytelling sie ansprechen könnte.

Langfristige Ideen zum Ausprobieren:

Welche Projekte stehen an, bei denen Content-Creator:innen einbezogen werden könnten?

• Zusammenarbeit mit Content-Creator:innen für kommende Ausstellungen, um neue Zielgruppen jenseits bestehender Netzwerke zu erreichen.

• Einbindung von Content-Creator:innen im Rahmen der übergeordneten Marketingstrategie. Identifikation von Veranstaltungen oder Aktivitäten, bei denen mit Content-Creator:innen zusammengearbeitet werden kann, um Geschichten einem größeren Publikum zu vermitteln.

• Den Aufbau eines eigenen Netzwerks von Content-Creator:innen prüfen.

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Vielen Dank an Ellie und Julie für den inspirierenden Einblick, wie die National Gallery innovative Formate nutzt, um neue und bestehende Zielgruppen anzusprechen. Im November geht unser Programmjahr mit Julie zu Ende. Wer weiterhin von ihr hören möchte, kann gerne ihren eigenen Newsletter abonnieren.

Innovation und Change in der Museumspraxis sind auch Teil der folgenden Weiterbildungsprogramme. Sie haben Interesse an Cultural Leadership? Diese Angebote könnten spannend für Sie sein:

• Die Führungswerkstatt Bremen ist ein innovatives Führungskräfte-Programm für Niedersachsen und Bremen, das gezielt auf die Anforderungen des Museumssektors reagiert und Führung in diesem Bereich stärkt (Bewerbung bis zum 31.7.2026 möglich).

• Das Cultural Leadership-Stipendienprogramm des Instituts für Kultur- und Medienmanagement der Hochschule für Musik und Theater Hamburg bereitet Menschen mit erster Führungserfahrung im Kulturbereich auf die komplexen Anforderungen heutiger Kulturorganisationen vor und gibt ihnen Werkzeuge an die Hand, um Wandel aktiv zu gestalten.

• In Zusammenarbeit mit dem Institut für Angewandte Psychologie der ZHAW bietet ICOM Schweiz erstmals einen 5-tägigen Führungskurs für (neue) Führungskräfte im Schweizer Museumssektor.

Ich wünsche Ihnen einen wunderbaren Sommer!

Marleen Grasse

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Welcome back to Spotlighting Museums!

This issue is brought to you by Julie Aldridge – audience development expert, long term collaborator from the very beginning of the “Relevant Museum” and our curator of the 2026 programme.

To become ‘the most inclusive, imaginative and caring museum you’ll ever visit’

This beautiful ambition from Manchester Museum was the starting point for an inspiring conversation that kick-started the “Relevant Museum” programme this year. How might we embed relevance within our museums? How might we matter more to more people?

Esme Ward, Director of Manchester Museum (European Museum of the Year 2025), met with us in March to chat about the Museum’s journey towards relevance and belonging.

She shared a story of empathy, trust and love; of accountability, ethics, and perhaps most of all, relationship building. This newsletter shares a small sample of her inspiring story.

A Museum on a Mission

In 2023, Manchester Museum, one of the UKs largest university museums, reopened after a large capital project. The team set themselves a challenge – how might they not only transform the building but, driven by their values and a new ethics of care, transform their relationships?

Their values drive everything that they do:

• ‘A commitment to inclusion means greater collaboration and co-production, and foregrounding diverse perspectives, so that we are relevant to the communities we serve.’

• ‘A commitment to imagination means engaging with big ideas, bringing people together to tell stories and address the issues that matter most to them.’

• ‘A commitment to care means caring for place, for people, their ideas and relationships, as well as for collections, so that we might build understanding, empathy and love for our world and each other.’

Here are just some of the many actions that the Museum is taking to create the conditions for the Museum to be a place where people feel they belong:

• creating a new welcoming and accessible entrance and, listening to advocates with lived experience, adding a host of new co-designed inclusive spaces – including a beautiful prayer room, stylish picnic area, quiet room, therapy room (for mental health practitioners) and fully accessible Changing Places toilet.

• thinking in public, with their communities, grappling with how to work and be better. For example, before opening the South Asia Gallery, the UK’s first gallery dedicated to exploring South Asian diaspora culture and contribution, they hosted a huge meal with over 100 community members and worked together to imagine what it might be.

• opening up space and resources to support local communities taking action on the issues they care about e.g. the Top Floor is an Environmental Action and Social Justice Hub, ensuring the Museum is a resource for everyone in the city and beyond.

• offering multi-lingual galleries, including a Chinese Culture Gallery – devoted to building understanding between the UK and China.

• launching the Museum Celebrates programme, a collaboration with Faith leaders, charities and community organisations, bringing thousands of people (across generations and the city) together, in moments of friendship and shared joy.

• creating Africa Hub (and associated digitisation) as an open invitation seeking new knowledge and stories locally and globally. Acknowledging the limits of their understanding and making room for new perspectives – one side of the gallery has collections accompanied by three words repeated over and over: ‘NOT YET KNOWN’. In contrast, the other side of the gallery is co-curated with the Greater Manchester Igbo community where much is known – with stories, performance, places and meanings celebrated and told.

The impact their approach is having (and they’re ‘just getting started’!)

Since Manchester Museum reopened:

• Over 2 million people have visited the museum, doubling previous records.

• Visitors now reflect the communities that the Museum serves – 25% are under 25, over a third are from the global majority, half have never visited the Museum before.

• And for 15% of the visitors, Manchester Museum was the very first museum they had ever stepped foot in.

How might you create the conditions for people to feel they belong at your museum?

The team at Manchester Museum refer to their values as ‘commitments’ – not just words on paper, but actions they are committed to following.

They take listening seriously, regularly ask themselves questions about who they need to listen to more and how they might respond to what they’re hearing.

Within our online session Esme shared some of the questions they’re asking themselves and the participants split into groups to explore them for their own organisations.

A final thought from Esme:

A huge thank you to Julie and Esme for reminding us what museum work is really about: caring about our audiences, listening to them and creating spaces where they feel they belong.

We look forward to welcome you back to the next issue of Spotlighting museums end of July, when Julie will introduce us to Ellie Wyant, Senior Communications Manager at the National Portrait Gallery, London – the second speaker Julie brought into the “Relevant Museum” programme this year. If you’d like to read more from Julie, you can subscribe to her newsletter here.

Also, we would like to point you to these events from our network:

• “Gemeinsam Digital – Tagung für kleinere Museen und ihr Publikum im digitalen Wandel”, 23–24 June 2026, MFG Baden-Württemberg, Stuttgart.
  The Stadmuseum Aarau and the Europäisches Hansemuseum Lübeck will be taking part.

• Annual Congress of Swiss Museums “Das lernende Museum”

  20–21 August 2026, VMS, Vaduz, Liechtenstein

  „Relevant Museum“ will be represented by Christine Müller Stalder, Andreas Geis and Peter Fritz.

• Open Call: “Engage in dialogues”, Applications deadline by 31 August 2026
  Call for proposals from the “Agentur für Internationale Museumskooperation”: Funding is available for exchange programmes for museum professionals that discuss current issues in museum work, reflect on existing practices, develop and test new approaches, and establish and expand partnerships.

Until then – keep listening, keep caring!

Marleen Grasse

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Deutsche Übersetzung

Willkommen zurück bei „Spotlighting Museums“!

Diese Ausgabe wird Ihnen präsentiert von Julie Aldridge – Expertin für Publikumsentwicklung, langjährige Begleiterin des „Relevanten Museums“ seit den Anfängen des Programms und unsere Jahreskuratorin 2026.

„Das inklusivste, fantasievollste und fürsorglichste Museum, das du jemals besuchen wirst“

Diese wunderbare Vision des Manchester Museum war der Ausgangspunkt für ein inspirierendes Gespräch, das in diesem Jahr den Startschuss für „Das relevante Museum“ gab. Wie können wir Relevanz in unseren Museen verankern? Wie können wir für mehr Menschen wichtiger werden?

Esme Ward, Direktorin des Manchester Museum (Europäisches Museum des Jahres 2025), traf sich im März mit uns, um über den Weg des Museums hin zu Relevanz und Zugehörigkeit zu sprechen. Sie erzählte eine Geschichte von Empathie, Vertrauen und Liebe; von Verantwortungsbewusstsein, Ethik und, vielleicht am wichtigsten, vom Aufbau von Beziehungen. Dieser Newsletter gibt einen kleinen Einblick in ihre inspirierende Geschichte.

Ein Museum mit einer Mission

Im Jahr 2023 wurde das Manchester Museum, eines der größten Universitätsmuseen Großbritanniens, nach einem umfangreichen Bauprojekt wiedereröffnet. Das Team stellte sich einer Herausforderung: Wie könnte es nicht nur das Gebäude, sondern – angetrieben von seinen Werten und einer neuen Ethik der Fürsorge – auch seine Beziehungen neu gestalten?

Ihre Werte bestimmen alles, was sie tun:

• „Ein Bekenntnis zur Inklusion bedeutet mehr Zusammenarbeit und gemeinsame Gestaltung sowie die Hervorhebung vielfältiger Perspektiven, damit wir für die Gemeinschaften, denen wir dienen, relevant bleiben.“

• „Ein Bekenntnis zur Kreativität bedeutet, sich mit großen Ideen auseinanderzusetzen, Menschen zusammenzubringen, um Geschichten zu erzählen und die Themen anzugehen, die ihnen am wichtigsten sind.“

• „Ein Bekenntnis zur Fürsorge bedeutet, sich um Orte, Menschen, ihre Ideen und Beziehungen sowie um Sammlungen zu kümmern, damit wir Verständnis, Empathie und Liebe für unsere Welt und füreinander aufbauen können.“

Hier sind nur einige der Maßnahmen, die das Museum ergreift, um die Voraussetzungen dafür zu schaffen, dass das Museum ein Ort ist, an dem sich die Menschen zugehörig fühlen:

• Einen neuen, einladenden und barrierefreien Eingang sowie – unter Einbezug von Betroffenen – co-designte inklusive Räume schaffen. Dazu gehören ein wunderschöner Gebetsraum, ein ansprechender Picknickbereich, ein Ruheraum, ein Therapieraum (für Fachkräfte im Bereich der psychischen Gesundheit) und eine vollständig barrierefreie sogenannte „Changing Places“-Toilette.

• Gemeinsam und öffentlich mit den Communities darüber nachdenken, wie man besser werden und besser arbeiten kann. Das Museum veranstaltete beispielsweise vor der Eröffnung der South Asia Gallery, der ersten Ausstellung im Vereinigten Königreich, die sich der Erforschung der südasiatischen Diaspora-Kultur und deren Beitrag widmet, ein großes Essen mit über 100 Community-Mitgliedern und entwickelte gemeinsam eine Vision für die Ausstellungsräume.

• Bereitstellung von Räumlichkeiten und Ressourcen, um lokale Communities dabei zu unterstützen, Maßnahmen zu den Themen zu ergreifen, die ihnen am Herzen liegen – so ist beispielsweise das oberste Stockwerk ein Zentrum für Umweltschutz und Social Justice Hub, der sicherstellt, dass das Museum eine Ressource für alle Stadtbewohnerinnen und -bewohner und darüber hinaus ist.

• Mehrsprachige Ausstellungen, darunter eine Dauerausstellung über chinesische Kultur – die dem Aufbau von Verständnis zwischen Großbritannien und China dient.

• Start des Programms „Museum Celebrates“, ein Kollaborationsprojekt mit Vertreterinnen und Vertretern religiöser Gruppen, Wohltätigkeits- und Community-Organisationen, das Tausende von Menschen (generations- und stadtübergreifend) in Momenten der Freundschaft und gemeinsamer Freude zusammenbringt.

• Einrichtung des „Africa Hub“ (und Digitalisierung) als offene Einladung, lokal und global nach neuem Wissen und neuen Geschichten zu suchen. Die Grenzen des Wissens anerkennend schafft das Museum Raum für neue Perspektiven und zeigt in einer Seite der Ausstellung Sammlungen, die von drei immer wiederkehrenden Worten begleitet werden: „NOT YET KNOWN“ (Übers.: noch nicht bekannt). Im Gegensatz dazu wird die andere Seite der Ausstellung gemeinsam mit der Igbo-Community von Greater Manchester kuratiert, bei der viele Informationen bekannt sind – Geschichten, Darbietungen, Orte und Bedeutungen werden gefeiert und erzählt.

Die Wirkung dieser Ansätze zeigt sich seit der Wiedereröffnung des Manchester Museum deutlich (und das Museum fängt gerade erst an!):

• Über 2 Millionen Menschen haben das Museum besucht, doppelt so viele wie zuvor.

• Die Besucherinnen und Besucher spiegeln die Communities wider, denen das Museum dient – 25 % des Publikums sind unter 25 Jahre alt, über ein Drittel stammt aus der globalen Mehrheit, die Hälfte hat das Museum noch nie zuvor besucht.

• Und für 15 % der Besucherinnen und Besucher war das Manchester Museum das allererste Museum, das sie jemals betreten haben.

Wie kannst du Voraussetzungen schaffen, damit sich Menschen in deinem Museum zugehörig fühlen?

Das Team des Manchester Museum bezeichnet seine Werte als „Commitments“ – nicht nur Worte auf dem Papier, sondern Handlungen, zu deren Umsetzung es sich verpflichtet hat.

Die Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter hören gut zu, fragen sich regelmäßig, wem sie mehr Gehör schenken müssen und wie sie auf das Gehörte reagieren können.

In unserer Online-Sitzung teilte Esme einige der Fragen, die sich das Team selbst stellt. Die Teilnehmerinnen und Teilnehmer des DrM teilten sich in Gruppen auf, um diese für ihre eigenen Organisationen zu erörtern.

Fünf Fragen, die du dir und deinen Kolleginnen und Kolleginnen stellen kannst, inspiriert vom Manchester Museum:

Ein abschließender Gedanke von Esme:

Ein großes Dankeschön an Julie und Esme Ward, dass sie uns daran erinnert haben, worum es bei der Museumsarbeit wirklich geht: sich den Gästen zuwenden, ihnen zuhören und Räume schaffen, in denen sie sich wirklich willkommen fühlen.

Wir freuen uns darauf, wenn ihr Ende Juli wieder bei der nächsten Ausgabe von „Spotlighting Museums“ dabei seid. Dann wird Julie uns Ellie Wyant vorstellen, Senior Communications Managerin der National Portrait Gallery in London – die zweite Impulsgeberin, die Julie in diesem Jahr für das DrM-Programm gewinnen konnte. Wer öfter von Julie lesen möchte kann hier ihren Newsletter abonnieren.

Außerdem möchten wir auf diese Veranstaltungen aus unserem Netzwerk hinweisen:

• Gemeinsam Digital – Tagung für kleinere Museen und ihr Publikum im digitalen Wandel, 23.–24. Juni 2026, MFG Baden-Württemberg, Stuttgart.
  Mit dabei unter anderem das Stadtmuseum Aarau und das Europäische Hansemuseum Lübeck.

• Jahreskongress der Schweizer Museen „Das lernende Museum“

  20.–21. August 2026, VMS, Vaduz, Liechtenstein
  „Das relevante Museum“ wird mit Christine Müller Stalder, Andreas Geis und Peter Fritz vertreten sein.

• Open Call: „Engage in dialogues“, Bewerbung bis 31. August 2026
  Ausschreibung der Agentur für Internationale Museumskooperation: Gefördert werden Austauschformate für Museumsfachleute, die aktuelle Fragen der Museumsarbeit diskutieren, bestehende Praktiken reflektieren, neue Ansätze erarbeiten und erproben sowie Partnerschaften auf- und ausbauen.

Bis dahin – hört weiter zu, bleibt „caring“!

Marleen Grasse

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In the 57th issue of Spotlighting Museums, Diana Fehr, founder and director of the MuseoSpace Foundation (see also Spotlighting Museums, vol. 20 und vol. 40), and programme lead Piotr Michalowski discuss their foundation’s work. The focus is on community-driven museums and concrete measures for participatory engagement models. How can “living archives” help communities preserve the invisible and the ephemeral?

I look forward to guiding you through the upcoming issues of Spotlighting Museums. Perhaps we’ve met before at the Relevant Museum?

Preserving the Invisible – Reviving Memories, Objects and the language of Time

“Memory is inextricably linked to time. Time causes a specific valorization of an object, inextricably linking it to transience and of the inevitable ‘succession.’ Defining and describing that an object requires a specific language—for some more poetic and emotional, for other ones colder, ‘factual,’ yet always connected to one’s own subjective memory of people, events, and feelings evoked by a specific object. This understanding of the connection between an object and its memory opens the gateway to what lies beyond the ‘here and now,’ to transcendence, to symbolism.”1

MuseoSpace: reaching stakeholders, time & space

The above mentioned quote resonates with the goals we promote, and those are to enable communities to design their own participatory-led processes of collecting ephemeral moments, memories and emotions – essential to better understand each other and to plan the joint process of bottom-up local creative ecosystems.

MuseoSpace (MSS) is devoted to the phrase that the cultural democratization is a highly important component of community development. Core reflection on this matter was provided already in the very first “Voices of culture” structured dialogue session between the European Commission and the cultural sector, which took place in Florence in 2015, where the “Participatory governance of cultural heritage” report (2015) was coined, that gave the nexus of the participatory practices, widely spread ever since – as a believed factor stimulating social bond, taking responsibility and action, and fundamentally supporting the development of the local creative ecosystems.

However, it is not always easy to translate findings into actionable solutions. We know that idea should come first, but then it should have a space to grow, and stakeholders ready to develop it in a certain interval of time. None of this is possible when the institution’s opening hours are strict, the ‘passive mode’ is on, and the management has mostly time for administration and its repetitive patterns, and merely about engagement, networking and creating social bonds.

But what really drives us? The answer is enclosed in the contemporary inclusive museology debates and meaningful quote: “Museums Must Be Social or Not at All”, coined by Lucia Calvo’s in her article’s title from July 2024 in CCCBLab, on how cultural organisations are changing to become open, diverse and inclusive spaces, – active democratization through culture. We clearly see as well that same logic driving The JENA Declaration, which is providing climate and sustainability incentives (rather than punishments), and those small little steps we all can take to collectively achieve much greater readiness towards the SDGs – same can be applicable to museums. Instead of gaps, we try to highlight best practices, that is why we contributed to “Tell Those in Charge” Transdisciplinary Report, part of the 2025 Youth Addendum to the Porto Santo Charter, which states that “cultural participation can advance both community empowerment and democratic engagement, showcasing the diverse ways in which it can contribute to different forms of democracy”. Our Innovation Community is using its creative skills and cross-sector network that invests, supports, initializes, develops programs and raises awareness for policymakers to incorporate culture- driven innovation into their policymaking.

Participatory practices enclosed in gamification, cultural heritage and accessibility to arts

To better highlight those described intentions, it is worth mentioning that the MSS is a partner to the ongoing i-Game (Horizon Europe project), which has an aim to build a community for the co-creation of games with high impact on innovation, sustainability, social cohesion, and growth (see also Spotlighting Museums, vol. 51). The platform is facilitating the co-creation of games by different interested parties in ecosystems of CCIs, to enhance innovation with a positive impact on social cohesion and sustainability. Our role is partly related to monitor, evaluate, and manage the impact that video games have on different sectors, mainly targeting culture and creative industries, like museums and the fashion/textile industry. As workpackage lead of the pilots, we are mostly responsible for implementing participatory practices through co-creation sessions.

To expand on a very important parallel trajectory (parallel track), which is supporting youth in cultural heritage management, we have recently completed (in November 2025) the project called “Democratizing Cultural Participation: An International Analysis of Innovative Practices Supporting Youth Engagement and Intergenerational Collaboration in Cultural Heritage”. This activity was supported by the Excellence Programme of the Jagiellonian University in Krakow, in which the Institute of European Studies took the lead of the activities within the transnational consortium. The project facilitated collaboration across 4 European geographies: North (Finland), South (Greece), West (the Netherlands) & Central and Eastern Europe (Poland), and its aim was to establish an international, interdisciplinary network of researchers and practitioners, dedicated to promoting youth and intergenerational engagement in cultural heritage, while advocating for the democratization of cultural participation. The project was able to examine and compare inclusive, non-hierarchical practices in cultural heritage initiatives, each conducted with its own methodology, cultural context, and genuine models of community involvement.

To complete the narrative, one more related project with MSS onboard (European Cooperation Projects 2025-27, small scale) will be launched in April 2026 and is called Invisible Painting. This transnational cooperation activity aims to reimagine how contemporary abstract art can be interpreted and experienced through inclusive, multisensory methods. It has an ambition to create a shared interpretative model that empowers blind and partially sighted individuals as equal participants and co-creators, while also making abstract art more accessible and emotionally engaging for wider audiences—especially those who feel excluded from traditional art discourse. These elements will be developed and tested through co-creation processes and public events in Poland (WOAK in Toruń is a project Lead), Slovenia (KD Franca Bernika Domžale) and the Netherlands, and made available online via an interactive learning platform. The project has received the ENCC UpGrant in 2024 on Building Inclusive Narratives, and after the pilot testing, it will now become a European up-scaled practice.

Next steps – building tracks between the past, presence and the future

While expressing our visions, on how we believe the new museum paradigms might be captured in the daily practices of the communities, we will be launching in 2026 our new programme, which is defined as a ‘living archive’ for human resilience. We aim to capture the spirit of human endurance, creativity, and adaptability, preserving not just stories of survival, but the practices and ideas that shape our collective future. What we practice and imagine today becomes the life we live tomorrow, and through the living archive, every act of resilience – big or small – is honoured, shared, and transformed into inspiration for generations to come. It is a space where memory meets possibility, and where the lessons of the past fuel the imagination of what is yet to be. The programme is also like a ‘living museum’ for our times – a space where imagination, research, and participation meet to explore what the present means and how it becomes the future.

It can be argued that there are many platforms sharing case studies… But our trajectory shifts from conceiving a static repository to developing a dynamic practice-transfer ecosystem, with transferability as the central tenet. The objective extends beyond the mere presentation of completed projects – it encompasses a systematic inquiry into the processes, contextual conditions, stakeholder constellations, and mechanisms by which knowledge can be reused or adapted in diverse settings. In this framework, the archive attains a living character, as each reinterpretation or implementation of a practice constitutes an additional stratum of knowledge. Thus, the archive will not be a closed system, but one that continuously evolves in response to new applications and insights.

This new, horizontal and engaging programme emphasizes capacity building, curiosity, a sense of responsibility, and, in parallel, ensures that community members are engaged, they collaborate with researchers (according to the Citizen Science principles), but more importantly – they collaborate with each other.

The programme is developed by MSS and initialised in collaboration with Dr. Shradha Chandan (post-doc researcher, delivering a framework of the Living Transfer Archive), Dr. Claudia Zeiske (researcher working internationally across arts, place-based practice and social engagement), Chris Solarski (artist and creator, specializing in cultural game jams exploring cultural heritage, identity and self-expression through play) – and MSS’s cultural experts: Diana Fehr (CEO of MSS) & Piotr Michalowski (Creative Programme Lead at MSS), both responsible for coordination and community-engagement activities.

We are looking forward to engaging in a cooperation with – should the time & space allow it!

Diana Fehr & Piotr Michalowski

Many thanks to Diana and Piotr for sharing their insights!

From 2021 to 2023, I took part in the ‘Relevant Museum’ programme. How museums can remain relevant to visitors today and in the future, and how we can facilitate new ways of engaging with museum collections, was also a central question of the international NEO Collections project, which I coordinated at the MK&G Hamburg over four years. With a background in graphic design and a Master’s degree in Art and Design Studies, I work as a freelance cultural mediator and project manager, focusing on design, design history and digital culture.

I look forward to seeing both new and familiar faces here in the newsletter and to exchanging ideas with you. Warm regards, and see you in the next issue of Spotlighting Museums!

Marleen Grasse

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Deutsche Übersetzung

In der 57. Ausgabe von Spotlighting Museums berichten Diana Fehr, Gründerin und Leiterin der MuseoSpace Stiftung (siehe auch Spotlighting Museums, vol. 20 und vol. 40), und Programmleiter Piotr Michalowski über ihre Stiftungsarbeit. Im Fokus stehen community-orientierte Museen und konkrete Maßnahmen für partizipative Beteiligungsmodelle. Wie können „lebendige Archive“ Gemeinschaften dabei helfen, das Unsichtbare und Vergängliche zu bewahren?

Ich freue mich, Sie durch die kommenden Ausgaben von „Spotlighting Museums“ zu begleiten. Vielleicht kennen wir uns ja schon vom Relevanten Museum?

Das Unsichtbare bewahren – Wiederbelebung von Erinnerung, Objekten und Zeit

„Das Gedächtnis ist untrennbar mit der Zeit verbunden. Die Zeit bewirkt eine bestimmte Bewertung eines Objekts und verbindet es untrennbar mit der Vergänglichkeit und der unvermeidlichen „Abfolge“. Um ein Objekt zu definieren und zu beschreiben, bedarf es einer bestimmten Sprache – für manche poetischer und emotionaler, für andere kühler, „sachlicher“, doch stets verbunden mit der eigenen subjektiven Erinnerung an Menschen, Ereignisse und Gefühle, die ein bestimmtes Objekt hervorruft. Dieses Verständnis der Verbindung zwischen einem Objekt und seiner Erinnerung öffnet das Tor zu dem, was jenseits des „Hier und Jetzt“ liegt, zur Transzendenz, zur Symbolik.“2

MuseoSpace: Interessensgruppen, Zeit und Raum erreichen

Das oben genannte Zitat steht im Einklang mit den Zielen, für die wir uns einsetzen: Wir möchten Gemeinschaften in die Lage versetzen, ihre eigenen partizipativen Prozesse zur Erfassung flüchtiger Momente, Erinnerungen und Emotionen zu gestalten – was unerlässlich ist, um einander besser zu verstehen und den gemeinsamen Aufbau lokaler kreativer Ökosysteme von unten nach oben zu planen.

MuseoSpace (MSS) ist der Überzeugung, dass die Demokratisierung der Kultur ein äußerst wichtiger Bestandteil der Community-Entwicklung ist. Eine zentrale Reflexion zu diesem Thema erfolgte bereits in der allerersten strukturierten Dialogrunde „Voices of culture“ zwischen der Europäischen Kommission und dem Kultursektor, die 2015 in Florenz stattfand. Dort entstand der Bericht „Participatory governance of cultural heritage“ (2015), der den Zusammenhang der seitdem weit verbreiteten partizipativen Praktiken aufzeigte – als einen Faktor, der soziale Bindungen fördert, zur Übernahme von Verantwortung und zum Handeln anregt und die Entwicklung lokaler kreativer Ökosysteme grundlegend unterstützt.

Es ist jedoch nicht immer einfach, Erkenntnisse in umsetzbare Lösungen zu verwandeln. Wir wissen, dass zunächst eine Idee da sein muss, die dann aber Raum zum Wachsen braucht und dass die Beteiligten bereit sein müssen, sie innerhalb eines bestimmten Zeitraums weiterzuentwickeln. All dies ist nicht möglich, wenn die Öffnungszeiten der Einrichtung streng geregelt sind, der „Passivmodus“ aktiviert ist und die Leitung ihre Zeit hauptsächlich für Verwaltungsaufgaben und deren sich wiederholende Abläufe aufwendet, anstatt sich um Engagement, Vernetzung und den Aufbau sozialer Bindungen zu kümmern.

Doch was treibt uns wirklich an? Die Antwort findet sich in den aktuellen Debatten zur inklusiven Museologie und in dem vielsagenden Zitat: „Museen müssen sozial sein oder gar nicht“, das Lucia Calvo im Titel ihres Artikels im Juli 2024 im CCCB Lab geprägt hat. Darin geht es darum, wie sich kulturelle Einrichtungen wandeln, um offene, vielfältige und inklusive Räume zu werden – aktive Demokratisierung durch Kultur. Wir erkennen ganz klar, dass dieselbe Logik auch hinter der The JENA Declaration steht, die Anreize (statt Strafen) für Klimaschutz und Nachhaltigkeit bietet, sowie hinter den kleinen Schritten, die wir alle unternehmen können, um gemeinsam eine weitaus größere Bereitschaft zur Umsetzung der SDGs zu erreichen – dasselbe gilt auch für Museen. Anstelle von Lücken versuchen wir, bewährte Praktiken hervorzuheben. Deshalb haben wir zum „Tell Those in Charge” Transdisciplinary Report beigetragen, der Teil des 2025 Youth Addendum to the Porto Santo Charter, ist. Darin heißt es: „Kulturelle Teilhabe kann sowohl die Stärkung der Gemeinschaft als auch das demokratische Engagement fördern und zeigt die vielfältigen Wege auf, wie sie zu verschiedenen Formen der Demokratie beitragen kann.“ Unsere Innovationsgemeinschaft nutzt ihre kreativen Fähigkeiten und ihr sektorübergreifendes Netzwerk, das investiert, unterstützt, Initiativen ins Leben ruft, Programme entwickelt und das Bewusstsein der politischen Entscheidungsträger schärft, damit diese kulturgetriebene Innovationen in ihre Politikgestaltung einbeziehen.

Partizipative Praktiken im Rahmen von Gamification, Kulturerbe und Zugang zur Kunst

Um diese beschriebenen Absichten besser hervorzuheben, sei erwähnt, dass die MSS Partner des laufenden i-Game (Horizon-Europe-Projekt) ist, dessen Ziel es ist, eine Community für die gemeinsame Entwicklung von Spielen zu schaffen, die einen starken Einfluss auf Innovation, Nachhaltigkeit, sozialen Zusammenhalt und Wachstum hat [siehe auch Spotlighting Museums, vol. 51]. Die Plattform erleichtert die gemeinsame Entwicklung von Spielen durch verschiedene Interessengruppen in Ökosystemen der Kultur- und Kreativwirtschaft, um Innovationen mit positiven Auswirkungen auf den sozialen Zusammenhalt und die Nachhaltigkeit zu fördern. Unsere Rolle besteht zum Teil darin, die Auswirkungen von Videospielen auf verschiedene Sektoren zu beobachten, zu bewerten und zu steuern, wobei der Schwerpunkt auf der Kultur- und Kreativwirtschaft liegt, wie beispielsweise Museen und der Mode-/Textilindustrie. Als Arbeitspaketleiter der Pilotprojekte sind wir in erster Linie für die Umsetzung partizipativer Praktiken durch Co-Creation-Sitzungen verantwortlich.

Um einen sehr wichtigen parallelen Ansatz – die Förderung junger Menschen im Bereich des Kulturerbe-Managements – weiter auszubauen, haben wir kürzlich (im November 2025) das Projekt „Demokratisierung der kulturellen Teilhabe: Eine internationale Analyse innovativer Praktiken zur Förderung des Engagements junger Menschen und der generationsübergreifenden Zusammenarbeit im Bereich des Kulturerbes“ abgeschlossen. Diese Aktivität wurde vom Exzellenzprogramm der Jagiellonen-Universität in Krakau unterstützt, wobei das Institut für Europastudien die Leitung der Aktivitäten innerhalb des transnationalen Konsortiums übernahm. Das Projekt ermöglichte die Zusammenarbeit in vier europäischen Regionen: Nordeuropa (Finnland), Südeuropa (Griechenland), Westeuropa (Niederlande) sowie Mittel- und Osteuropa (Polen). Sein Ziel war es, ein internationales, interdisziplinäres Netzwerk aus Forschenden und Praktiker*innen aufzubauen, das sich der Förderung des Engagements von Jugendlichen und der generationsübergreifenden Zusammenarbeit im Bereich des Kulturerbes widmet und sich gleichzeitig für die Demokratisierung der kulturellen Teilhabe einsetzt. Das Projekt ermöglichte es, inklusive, nicht-hierarchische Praktiken in Initiativen zum Kulturerbe zu untersuchen und zu vergleichen, die jeweils mit ihrer eigenen Methodik, ihrem eigenen kulturellen Kontext und authentischen Modellen der Bürgerbeteiligung durchgeführt wurden.

Um das Bild abzurunden, wird im April 2026 ein weiteres verwandtes Projekt unter Beteiligung von MSS (Europäische Kooperationsprojekte 2025–27) mit dem Titel „Invisible Painting“ gestartet. Diese transnationale Kooperationsaktivität zielt darauf ab, neu zu überdenken, wie zeitgenössische abstrakte Kunst durch inklusive, multisensorische Methoden interpretiert und erlebt werden kann. Sie hat das Ziel, ein gemeinsames Interpretationsmodell zu schaffen, das blinde und sehbehinderte Menschen als gleichberechtigte Teilnehmer und Mitgestalter stärkt und gleichzeitig abstrakte Kunst für ein breiteres Publikum – insbesondere für diejenigen, die sich vom traditionellen Kunstdiskurs ausgeschlossen fühlen – zugänglicher und emotional ansprechender macht. Diese Elemente werden durch Mitgestaltungs- und öffentliche Veranstaltungen in Polen (Projektleitung: WOAK in Toruń), Slowenien (KD Franca Bernika Domžale) und den Niederlanden entwickelt und getestet und über eine interaktive Lernplattform online verfügbar gemacht. Das Projekt erhielt 2024 den ENCC UpGrant zum Thema „Building Inclusive Narratives“ und wird nach der Pilotphase nun zu einer europaweit ausgeweiteten Praxis.

Nächste Schritte – Brücken schlagen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft

Während wir unsere Visionen darüber darlegen, wie sich die neuen musealen Paradigmen unserer Meinung nach in der täglichen Praxis der Gemeinschaften widerspiegeln könnten, werden wir 2026 unser neues Programm starten, das als „Lebendiges Archiv“ für menschliche Resilienz definiert ist. Unser Ziel ist es, den Geist menschlicher Ausdauer, Kreativität und Anpassungsfähigkeit einzufangen und dabei nicht nur Überlebensgeschichten zu bewahren, sondern auch die Praktiken und Ideen, die unsere gemeinsame Zukunft prägen. Was wir heute praktizieren und uns vorstellen, wird zum Leben, das wir morgen führen, und durch das lebendige Archiv wird jeder Akt der Resilienz – ob groß oder klein – gewürdigt, geteilt und in Inspiration für kommende Generationen verwandelt. Es ist ein Raum, in dem Erinnerung auf Möglichkeiten trifft und in dem die Lehren der Vergangenheit die Vorstellungskraft für das beflügeln, was noch kommen wird. Das Programm ist auch wie ein „lebendiges Museum“ unserer Zeit – ein Raum, in dem Fantasie, Forschung und Partizipation aufeinandertreffen, um zu ergründen, was die Gegenwart bedeutet und wie sie zur Zukunft wird.

Man könnte argumentieren, dass es viele Plattformen gibt, auf denen Fallstudien geteilt werden… Unser Ansatz geht jedoch über die Konzeption eines statischen Repositoriums hinaus und zielt auf die Entwicklung eines dynamischen Ökosystems für den Praxistransfer ab, dessen zentraler Grundsatz die Übertragbarkeit ist. Das Ziel geht über die bloße Präsentation abgeschlossener Projekte hinaus – es umfasst eine systematische Untersuchung der Prozesse, kontextuellen Bedingungen, Akteurskonstellationen und Mechanismen, durch die Wissen in unterschiedlichen Kontexten wiederverwendet oder angepasst werden kann. In diesem Rahmen erhält das Archiv einen lebendigen Charakter, da jede Neuinterpretation oder Umsetzung einer Praxis eine zusätzliche Wissensebene darstellt. Somit wird das Archiv kein geschlossenes System sein, sondern eines, das sich als Reaktion auf neue Anwendungen und Erkenntnisse kontinuierlich weiterentwickelt.

Dieses neue, horizontale und partizipative Programm legt den Schwerpunkt auf den Aufbau von Kompetenzen, Neugier und Verantwortungsbewusstsein und sorgt gleichzeitig dafür, dass die Mitglieder der Community einbezogen werden, mit den Forschenden zusammenarbeiten (gemäß den Prinzipien der Bürgerwissenschaft) und – was noch wichtiger ist – untereinander kooperieren.

Das Programm wurde von MSS entwickelt und in Zusammenarbeit mit Dr. Shradha Chandan (Postdoktorandin, die ein Rahmenkonzept für das „Living Transfer Archive“ erarbeitet), Dr. Claudia Zeiske (Forscherin, die international in den Bereichen Kunst, ortsbezogene Praxis und soziales Engagement tätig ist), Chris Solarski (Künstler und Entwickler, spezialisiert auf kulturelle Game Jams, die sich spielerisch mit Kulturerbe, Identität und Selbstdarstellung auseinandersetzen) sowie den Kulturexpert*innen von MSS ins Leben gerufen: Diana Fehr (Geschäftsführerin von MSS) und Piotr Michalowski (Leiter des Kreativprogramms bei MSS), die beide für die Koordination und Aktivitäten zur Einbindung der Gemeinschaft verantwortlich sind.

Wir freuen uns auf eine Zusammenarbeit – sofern es Zeit und Raum erlauben!

Diana Fehr & Piotr Michalowski

Vielen Dank an Diana und Piotr für die Einblicke!

Von 2021 bis 2023 war ich beim Programm „Das relevante Museum“ dabei. Wie Museen heute und zukünftig für Besucher*innen relevant bleiben und wie wir neue Zugänge zu Museumssammlungen ermöglichen können war auch eine zentrale Frage des internationalen Projekts NEO Collections, das ich über vier Jahre am MK&G Hamburg koordiniert habe. Mit meinem Hintergrund in Grafik-Design und einem Master in Kunst- und Designwissenschaften beschäftige ich mich als freie Kulturvermittlerin und Projekt-Managerin mit Design, Designgeschichte und Digitalität.

Ich freue mich auf neue und bekannte Gesichter hier im Newsletter und den Austausch mit Ihnen. Herzliche Grüße und bis zur nächsten Ausgabe von Spotlighting Museums!

Marleen Grasse

LinkedIn, Website

Willkommen zur 56. Ausgabe unseres Newsletters „Spotlighting Museums“. Dieses Mal greift Helen Warnholtz den Themenbereich der 42. Ausgabe auf, und beleuchtet die emotionale Wirkung im Umgang mit Objekten.

Neben ihrem Masterstudium in Literatur- und Kulturtheorie an der Universität Tübingen, unterstützt sie uns seit 2025 als studentische Projektassistenz in dem Programm „Das relevante Museum”. In ihrer Forschung widmet sie sich der Rezeption von Subjektivität, durch narrative Kunst. Aktuell analysiert sie Multiperspektivität im Kontext eines revidierten Verständnisses von Empathie. Sie erarbeitet die Auswirkungen auf damit einhergehende Wertesysteme.

Im Folgenden bringt sie ihre Erkenntnisse mit den aktuellen Debatten und Fragestellungen innovativer Museumsarbeit in Verbindung und legt den Schwerpunkt auf die Stärkung empathischen Bewusstseins durch multiperspektivische Vermittlung.

Sie stellt das künstlerische Forschungsprojekt „Talking Objects” vor. Die Initiatorin des Projekts, Isabel Raabe und Dr. Mahret Ifeoma Kupka, Kuratorin des internationalen Teams, haben uns dazu zwei Fragen beantwortet.

Multiperspektivische Vermittlung und Empathie

Wie wir einem Objekt gegenübertreten, wird durch seine Präsentation beeinflusst. In welchem Kontext begegnen wir dem Objekt? Welche Informationen werden uns bereitgestellt? Steht es vielleicht in einer Vitrine? All diese Dinge lenken den Blick, mit dem wir auf das Objekt schauen, welche Geschichte wir mit ihm verbinden und schlussendlich, welche Emotionen es bei uns hervorruft.

Begegnen wir einem Objekt durch eine klassische Form der Präsentation und Kontextualisierung, können wir dazu verleitet werden, das Objekt eindimensional zu betrachten und eine universelle Bedeutung herauszulesen. Die damit einhergehenden Emotionen können folglich eine Antwort auf diese einseitige Interpretation sein. Empathische Praxis wird in diesem Fall zum Versuch der Identifikation durch das Nachempfinden dieser universalen Interpretation des Objekts. Emotionen bergen jedoch die Besonderheit, dass sie in uns liegen und individuell unterschiedlich sind. Wir können sie weder sehen noch anfassen, wodurch es für uns unmöglich bleibt, fremde Emotionen vollständig nachzuempfinden. Dies legt nahe, bei empathischer Einfühlung weniger den Anspruch zu erheben, die Emotionen unseres Gegenübers nachempfinden zu können und stattdessen die Emotionen unseres Gegenübers durch das aufmerksame Betrachten seiner Individualität und Unterschiedlichkeit von uns selbst zu begreifen. Kunstvermittlung kann solch ein Empathieverständnis fördern, wenn dessen Ausrichtung die Aufmerksamkeit auf diese Bewusstwerdung der Unterschiedlichkeit von subjektiven Emotionen lenkt.

Multiperspektivische Darstellungsformen von Objekten sind hierfür ein Ansatz, der das Potential birgt, die Aufmerksamkeit des Publikums von der Ergründung einer universellen Wissensaussage auf die Art der Betrachtung selbst zu lenken, indem sie unterschiedliche Wahrnehmungen und Emotionen gleichrangig zulassen.

Poly-Perspektivische Objektbetrachtung bei „Talking Objects“

Das Projekt „Talking Objects” wurde 2020 von Isabel Raabe initiiert und von einem Kurator:innenteam aus Kenia (Chao Tayiana Maina), Senegal (Malick Ndiayé) und Deutschland (Dr. Mahret Ifeoma Kupka und Isabel Raabe) geleitet. Das von der BKM, dem Auswärtigen Amt, der Heinrich Böll Stiftung, der KfW und des Goethe Instituts geförderte Forschungsprojekt ist in zwei Projektbereiche gegliedert: Das „Talking Objects Archive” und das „Talking Objects Lab”. Die Hauptthemen des Projekts umfassen die Dekolonisierung von Erinnerung und Wissen, die Neubewertung von Objekten aus kolonialen Kontexten, Kraft durch Chancen künstlerischer Perspektiven und Fragen an klassische museale Formen des Bewahrens und Präsentierens (Quelle: talkingobjectslab.org/about). In Zusammenarbeit mit African Digital Heritage (Nairobi) und Designern von visual intelligence (Berlin) und dem Institut Fondamental d‘Afrique Noire/IFAN (Dakar) entwickelte das vierköpfige Kurator:innenteam das „Talking Objects Archive”. Das seit dem 17. Januar 2025 gelaunchte digitale Archiv ist eine öffentlich zugängliche Plattform, die sich auf Objekte aus europäischen und afrikanischen Museumssammlungen stützt und in diesem Rahmen Strategien für ein umfassenderes Verständnis von Wissen entwickelt. Das „Talking Objects Lab” begleitet das „Talking Objects Archive” und ist kuratiert von Dr. Mahret Ifeoma Kupka, Isabel Raabe, Malick Ndiayé, Njoki Ngumi und Chao Tayiana Maina. Das fünfköpfige Team, bestehend aus Mitgliedern aus Kenia, Senegal und Deutschland veranstaltet, hauptsächlich in diesen drei Ländern, Think Tanks, Symposien, Künstler-Residenzen, künstlerische Interventionen und Ausstellungen, die sich der Dekolonisierung von Erinnerung und Wissen widmen.

Durch die Erforschung dekolonialen Wissens im Umgang mit Objekten stellen sie eindimensionale, eurozentristische, universalistische Wissenssysteme in Frage. Durch das Anerkennen von Lücken und fehlenden Erzählungen, begreifen sie Wissen und Forschung als einen fortlaufenden Prozess eines dynamischen Netzwerks vielfältiger Bedeutungen. Das Ergründen dieser vielfältigen Bedeutungen wird hier als Heilung von kolonialem Trauma verstanden, die eine ganzheitliche, unhierarchische Betrachtung herstellt.

Isabel Raabe und Dr. Mahret Ifeoma Kupka beantworteten uns zur Ergänzung ein paar Fragen zur Rolle von Emotionen und deren Vermittlung, bei der Erforschung dekolonialen Wissens.

H.W.: „„Talking Objects“ stellt klassische museale Formen der Bewahrung und Präsentation infrage, indem es ein Netzwerk vielfältiger Bedeutungen schafft. Welche Rolle nimmt bei dieser Betrachtungsweise der Objekte das Publikum ein, und inwiefern werden sie emotional eingebunden?”

I.R. & M.I.K.: „Bei Talking Objects ist das Publikum kein stiller Beobachter, sondern Teil des Ganzen. Wenn Objekte nicht nur eine festgelegte Geschichte erzählen, sondern viele Bedeutungen zulassen, entsteht Wissen erst im Austausch. Dekolonisierung heißt für uns auch: Es gibt keine Hierarchie des Wissens. Jede Perspektive, jede Erinnerung und jede persönliche Geschichte ist wertvoll. Das Publikum bringt eigene Erfahrungen und Gefühle mit – und genau dadurch werden die Objekte lebendig. Die emotionale Einbindung entsteht nicht durch Erklärung, sondern durch Offenheit: Die Objekte dürfen unterschiedlich gelesen werden, und diese Vielstimmigkeit ist ausdrücklich erwünscht.”

Beispielhaft für solch vielfältige Bedeutungen ist die daraus entstandene Projektreihe „Writing Objects”, kuratiert von Celina Baljett Basra und Isabel Raabe. In der Reihe setzten sich zwölf Berliner Autorinnen mit einem Objekt auseinander, das sie selbst aus dem Werkbundarchiv, dem Kunstgewerbemuseum oder dem Museum Europäischer Kulturen wählten. Am 18. September 2025 präsentierten neun dieser Autorinnen ihre Texte, die die subjektive Betrachtung des Objekts, im Zusammenhang kollektiver und persönlicher Erinnerung behandeln. Zusammen ergeben die Texte ein vielstimmiges Gemeinschaftsprojekt musealer Erinnerungskultur, das politische und gesellschaftliche Fragen aktivieren soll (Quelle: talkingobjectslab.org/writing-objects). Seit dem 23. September 2025 findet sich hier der Audiomitschnitt der Lesung.

H.W.: „„Talking Objects” arbeitet mit einem Wissensbegriff, der ein dynamisches Netzwerk von vielfältigen Bedeutungen und Interpretationen beschreibt. Ein Beispiel ist die Reihe „Writing Objects”, die subjektive Objektbetrachtungen bei der Ergründung eines Wissensnetzwerkes berücksichtigt. Welche Bedeutung haben hier Emotionen bei der Wiederherstellung eines ganzheitlichen Wissens?”

I. R. & M.I.K: „„Talking Objects” arbeitet mit einem pluralen, ganzheitlichen Wissensbegriff. Subjektive Wahrnehmungen und Emotionen sind dabei kein Beiwerk, sondern zentral. Formate wie „Writing Objects” zeigen, dass Gefühle helfen, Verbindungen herzustellen, die rationales Wissen oft ausblendet. Ein „Ganzwerden“ von Wissen bedeutet auch, Verletzungen anzuerkennen. Koloniale Traumata können nicht einfach geheilt werden – sie müssen zuerst verstanden und ernst genommen werden. Emotionen öffnen hier Räume für Empathie und Verantwortung. So können neue, ethischere Beziehungen zwischen globalem Norden und globalem Süden überhaupt erst gedacht und aufgebaut werden.”

Durch den dekolonialen Ansatz eines dynamischen Wissensnetzwerkes bricht das Forschungsprojekt mit eindimensionalen Formen der Präsentation und ermöglicht eine Aufmerksamkeitsverschiebung von Wissenstransfer durch Objekte, hin zu einem Bewusstsein für vielschichtige Betrachtungsweisen. Durch Projektreihen wie „Writing Objects” werden hier unterschiedliche subjektive Wahrnehmung eines Objekts herausgearbeitet. Es entsteht ein Netzwerk von Texten vielschichtiger Interpretationen, bei denen die subjektive Wahrnehmung und die Emotionen der Autorinnen eine zentrale Rolle einnehmen. Solch eine Vermittlung ist hier exemplarisch für die Förderung eines Empathieverständnisses, das den Besuchenden ermöglicht, ihr Bewusstsein für die Unterschiedlichkeit von Emotionen und dessen Bedeutungsschaffung zu stärken und koloniale Traumata ganzheitlich zu verstehen.

Ich hoffe, dass ich Ihnen mit diesem Artikel zum Thema Emotionalität und Wirkung einen inspirierenden Impuls in Bezug auf die Einflussnahme multiperspektivischer Vermittlungsformen und dessen empathischer Wirkung geben konnte. Ich danke der NORDMETALL-Stiftung für diese Möglichkeit und sehr herzlich auch Isabel Raabe und Dr. Mahret Ifeoma Kupka für die Zusammenarbeit und ihre spannenden Einblicke in die Projektarbeit von „Talking Objects”.

Herzliche Grüße

Helen Warnholtz

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English Version

Welcome to the 56th edition of our newsletter ‘Spotlighting Museums’. This time, Helen Warnholtz picks up on the theme of the 42nd edition and highlights the emotional impact of interacting with objects.

In addition to her master’s degree in Literature and Cultural Theory at the University of Tuebingen, she has been supporting us since 2025 as a student project assistant in the ‘Relevant Museum’ programme. Her research focuses on the reception of subjectivity through narrative art. She is currently analysing multiperspectivity in the context of a revised understanding of empathy. She is evaluating it‘s effects on associated value systems.

In the following, she links her findings to current debates and questions in innovative museum work, focusing on strengthening empathic awareness through multiperspective communication.

She presents the artistic research project ‘Talking Objects’. The initiator of the project, Isabel Raabe, and Dr Mahret Ifeoma Kupka, curator of the international team, answered two questions for us.

Multi-Perspective Communication and Empathy

How we encounter an object is influenced by its presentation. In what context do we encounter the object? What information is provided to us? Is it perhaps displayed in a showcase? All these things influence the way we look at the object, the story we associate with it and, ultimately, the emotions it evokes in us.

If we encounter an object through a classic form of presentation and contextualisation, we may be tempted to view the object one-dimensionally and read a universal meaning into it. The emotions that accompany this can therefore be a response to this one-sided interpretation. In this case, empathic practice becomes an attempt at identification through empathising with this universal interpretation of the object. However, emotions have the peculiarity that they lie within us and vary from person to person. We can neither see nor touch them, which makes it impossible for us to fully identify with other people’s emotions. This suggests that, when empathising, we should focus less on claiming to be able to fully identify the emotions of our counterpart and instead seek to understand their emotions by attentively observing their individuality and differences from ourselves. Art education can promote such an understanding of empathy if it’s focus directs attention to this awareness of the diversity of subjective emotions.

Multiperspective forms of representation of objects are one approach that has the potential to shift the audience’s attention from exploring a universal statement of knowledge to the way of viewing itself, by allowing different perceptions and emotions to be given equal weight.

Poly-Perspective Object Viewing in ‘Talking Objects’

The ‘Talking Objects’ project was initiated in 2020 by Isabel Raabe and led by a team of curators from Kenya (Chao Tayiana Maina), Senegal (Malick Ndiayé) and Germany (Dr. Mahret Ifeoma Kupka and Isabel Raabe). Funded by the BKM, the Foreign Office, the Heinrich Böll Foundation, KfW and the Goethe Institute, the research project is divided into two project areas: ‘Talking Objects Archive’ and ‘Talking Objects Lab’. The main themes of the project include the decolonisation of memory and knowledge, the re-evaluation of objects from colonial contexts, the power of artistic perspectives, and questions about traditional museum forms of preservation and presentation (source: talkingobjectslab.org/about). In collaboration with African Digital Heritage (Nairobi), designers from visual intelligence (Berlin) and the Institut Fondamental d’Afrique Noire/IFAN (Dakar), the four-member curatorial team developed the ‘Talking Objects Archive’.

Launched on 17 January 2025, the digital archive is a publicly accessible platform based on objects from European and African museum collections, developing strategies for a more comprehensive understanding of knowledge within this framework. The ‘Talking Objects Lab’ accompanies the ‘Talking Objects Archive’ and is curated by Dr. Mahret Ifeoma Kupka, Isabel Raabe, Malick Ndiayé, Njoki Ngumi and Chao Tayiana Maina. The five-member team, consisting of members from Kenya, Senegal and Germany, organises think tanks, symposia, artist residencies, artistic interventions and exhibitions dedicated to the decolonisation of memory and knowledge, mainly in these three countries.

By exploring decolonial knowledge in relation to objects, they challenge one-dimensional, Eurocentric, universalist knowledge systems. By acknowledging gaps and missing narratives, they understand knowledge and research as an ongoing process of a dynamic network of diverse meanings. Exploring these diverse meanings is understood here as a healing of colonial trauma, creating a holistic, non-hierarchical perspective.

Isabel Raabe und Dr. Mahret Ifeoma Kupka answered a few additional questions for us about the role of emotions and their communication in the exploration of decolonial knowledge.

H.W.: ‘Talking Objects’ challenges traditional museum forms of preservation and presentation by creating a network of diverse meanings. What role does the audience play in this approach to objects, and to what extent are they emotionally involved?’

I.R. & M.I.K.: ‘At ‘Talking Objects’, the audience is not a silent observer, but part of the whole. When objects do not just tell a fixed story, but allow for many meanings, knowledge only arises through exchange. For us, decolonisation also means that there is no hierarchy of knowledge. Every perspective, every memory and every personal story is valuable. The audience brings its own experiences and feelings with it – and that is precisely what brings the objects to life. Emotional involvement does not come about through explanation, but through openness: the objects can be interpreted in different ways, and this diversity of voices is expressly desired.’

An example of such diverse meanings is the resulting project series Writing Objects, curated by Celina Baljett Basra and Isabel Raabe. In the series, twelve Berlin-based authors engage with an object they themselves selected from the Werkbundarchiv, the Kunstgewerbemuseum or the Museum Europäischer Kulturen. On 18 September 2025, nine of these authors presented their texts, which deal with the subjective view of the object in the context of collective and personal memory. Together, the texts form a polyphonic collaborative project of museum memory culture that aims to activate political and social questions. (Source: talkingobjectslab.org/writing-objects) Since 23 September 2025, the audio recording of the reading has been available here.

H.W.: ‘‘Talking Objects’ works with a concept of knowledge that describes a dynamic network of diverse meanings and interpretations. One example is the ‘Writing Objects’ series, which takes subjective observations of objects into account when exploring a knowledge network. What significance do emotions have here in the restoration of holistic knowledge?’

I. R. & M.I.K: ‘‘Talking Objects’ works with a plural, holistic concept of knowledge. Subjective perceptions and emotions are not incidental, but central. Formats such as ‘Writing Objects’ show that feelings help to establish connections that rational knowledge often ignores. Becoming ‘whole’ in terms of knowledge also means acknowledging injuries. Colonial traumas cannot simply be healed – they must first be understood and taken seriously. Emotions open up spaces for empathy and responsibility. Only then can new, more ethical relationships between the global North and the global South be conceived and established.’

Through the decolonial approach of a dynamic knowledge network, the research project breaks with one-dimensional forms of presentation and enables a shift in attention from knowledge transfer through objects to an awareness of multi-layered perspectives. Through project series such as ‘Writing Objects’, different subjective perceptions of an object are elaborated here. The result is a network of texts with multi-layered interpretations in which the subjective perceptions and emotions of the authors play a central role. Such communication is exemplary here for promoting an understanding of empathy that enables visitors to strengthen their awareness of the diversity of emotions and their creation of meaning, and to understand colonial trauma holistically.

I hope that this article on emotionality and impact has provided you with inspiring ideas about the influence of multi-perspective forms of communication and their empathetic effect. I would like to thank the NORDMETALL-Foundation for this opportunity and also Isabel Raabe and Dr. Mahret Ifeoma Kupka for their collaboration and their exciting insights into the project work of ‘Talking Objects’.

Warm regards

Helen Warnholtz

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Herzlich Willkommen zur letzten Ausgabe von Spotlighting Museums in diesem Jahr. Die letzten Monate des Jahres sind traditionell eine Zeit des Rückblicks und der Berichte. Doch was macht Museen wirklich erfolgreich und wie lässt sich dieser Erfolg überzeugend kommunizieren?

Besucher:innenzahlen und wirtschaftliche Kennwerte geben darauf nur begrenzt Antworten. Der Erfolg von Museen liegt viel eher in ihrer gesellschaftlichen Wirkung. Genau dieser Frage – den Erfolgsfaktoren und der Gestaltungskraft von Museen – widmeten sich in den vergangenen Monaten zwei Fachtagungen, an denen wir mit dem Projekt Museum Development Goals teilnehmen durften. In diesem Newsletter geben wir Ihnen Einblicke und Impulse aus diesen Diskussionen.

Wirkung sichtbar machen mit den Museum Development Goals

Die Museum Development Goals (MDGs) setzen genau hier an: Ihr zentrales Anliegen ist es, die gesellschaftliche Wirkung von Museen sichtbar, verständlich und anschlussfähig zu machen. Das Projekt der NORDMETALL-Stiftung in Kooperation mit ICOM Deutschland übersetzt die komplexen, teilweise unsichtbaren Aufgaben und Wirkweisen von Museen in 18 Ziele, die auf der Museumsdefinition des International Council of Museums (ICOM) basieren. Wir berichteten bereits bei Spotlighting Museums in Ausgabe 41 über das Projekt.

Die MDGs bieten Museen einen gemeinsamen Orientierungsrahmen, um Wirkung zu reflektieren, zu kommunizieren und weiterzuentwickeln – nach innen wie nach außen. Im Fokus stehen dabei nicht nur klassische, gut sichtbare Tätigkeiten wie Sammeln, Ausstellen oder Vermitteln, sondern ebenso zentrale Wirkungen hinter den Kulissen, etwa Inklusion, Nachhaltigkeit oder Wissensaustausch. So erweitern die MDGs den Blick auf das, was Museen leisten.

Die Gestaltung der Ziele erfolgt partizipativ über sogenannte Patenschaften: Museen operationalisieren einzelne Ziele gemeinsam mit einer der projektbeteiligten Wirkungsmanagerinnen, Sarah Ulrich oder Verena Kofler, und entwickeln eine eigene Wirkungslogik. Leitfragen sind dabei: Was bedeutet dieses Ziel konkret für unser Museum? Welche Maßnahmen zahlen darauf ein? Und wann betrachten wir unser Handeln als erfolgreich?

Schritt für Schritt entsteht so eine wachsende Sammlung von Good-Practice-Beispielen, die anderen Museen den Einstieg in wirkungsorientiertes Arbeiten erleichtert.

Erfolgsfaktoren von Museen

Was macht ein Museum erfolgreich? Diese Frage stand im Mittelpunkt der 17. Museumsmanagement-Tagung, des Arbeitskreises Museumsmanagement, in Zusammenarbeit mit dem Museumsverband Niedersachsen Bremen und dem Braunschweigischen Landesmuseum, am 3. und 4. November 2025. Rund 100 Museumsfachleute diskutierten in Vorträgen, Podien und Workshops über Erfolgsfaktoren im Museum. Begleitend wurde der Tagungsband „Erfolgsfaktoren von Museen. Werte. Strategien. Wirksamkeit“ veröffentlicht.

Eingehende Orientierung bot das Forschungsprojekt „Erfolg im Museum“ des Instituts für Museumsforschung. Die zentrale Botschaft von Maria Stölzer: Es gibt keine universelle Erfolgsformel.

Erfolg im Museum entsteht nach ihren Ergebnissen im Spannungsfeld von Wirkung, Legitimation und Steuerung. Drei Faktoren sind dabei entscheidend:

• Zielklarheit: Wofür steht das Museum?

• Strategie und Steuerung: Wie werden Ziele verfolgt?

• Lernfähigkeit: Wie entwickelt sich das Museum weiter?

Erfolgsmessung wird dabei erst dann wertvoll, wenn sie Veränderung ermöglicht. Erfolg ist kein Zustand, sondern ein kontinuierlicher Prozess: Von Zielen über Indikatoren und Messung, hin zu Reflexion, Anpassung – und neuen, weiterentwickelten Zielen. Voraussetzungen hierfür sind eine offene, vertrauensvolle Lernkultur, ausreichende Ressourcen sowie eine Haltung, die Messung nicht als reine Rechenschaftspflicht, sondern als Quelle von Selbstwirksamkeit versteht. Kurz gesagt: Erfolg messen heißt nicht zählen, sondern lernen.

Museen haben gesellschaftliche Gestaltungskraft

Unter dem Titel „On Fire – Über die Kraft der Museen“ trafen sich vom 03. bis 05. Dezember rund 400 Teilnehmende aus Deutschland und der internationalen Museumsfachwelt im Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg. Drei Tage lang stand der intensive Austausch darüber im Mittelpunkt, welche Kraft Museen heute entfalten können – und wie sie als vertrauensvolle Orte zur Gestaltung gesellschaftlicher Prozesse beitragen.

Auch hier war das Projekt Museum Development Goals (MDGs) präsent und brachte eine konkrete Perspektive auf Wirkungsorientierung und Verantwortung von Museen in den fachlichen Diskurs ein. Ein besonderer Impuls ging von der MDG-Wirkungsspur aus: Interaktive Stationen im Museum luden dazu ein, gesellschaftliche Wirkung zu entdecken, eigene Sichtweisen einzubringen und miteinander ins Gespräch zu kommen – ganz im Sinne eines offenen, dialogischen Museumsverständnisses. Außerdem konnten Teilnehmende der Tagung sich das Plakat „Wie wirken Museen?“ mitnehmen, um die Diskussion im eigenen Haus weiterzuführen.

Die Diskurse auf beiden Tagungen machen deutlich: Erfolg im Museum entsteht dort, wo Zielklarheit, Haltung und Lernfähigkeit zusammenspielen. Wirkungsmessung entfaltet ihr Potenzial dann, wenn sie nicht Kontrolle bedeutet, sondern Reflexion, Dialog und Weiterentwicklung ermöglicht.

Die Museum Development Goals bieten dafür einen praxisnahen, gemeinsamen Rahmen – und unterstützen Museen dabei, ihre Wirkung überzeugend zu kommunizieren.

In diesem Sinne wünschen wir Ihnen zum Abschluss einen anregenden und gelungenen Jahresausklang, erholsame Feiertage und einen kraftvollen Start in ein wirkungsvolles Jahr 2026.

Vielen Dank für Ihr Interesse an unserem Newsletter Spotlighting Museums! Wir freuen uns sehr, wenn wir Sie im neuen Jahr weiterhin begleiten dürfen.

Herzliche Grüße

Sandra Richter, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

Welcome to the final edition of Spotlighting Museums in 2025. The last few months of the year are traditionally a time for reflection and reporting. But what really makes museums successful, and how can this success be communicated convincingly?

Visitor numbers and economic indicators provide only limited answers to these questions. The success of museums lies much more in their social impact. It is precisely this question – the success factors and creative power of museums – that has been the focus of two specialist conferences in recent months, in which we were able to participate with the Museum Development Goals project. In this newsletter, we provide you with insights and ideas from these discussions.

Visualising impact with the Museum Development Goals

The Museum Development Goals (MDGs) address precisely this point: their central aim is to make the societal impact of museums visible, comprehensible, and relatable. The project, run by the NORDMETALL Foundation in cooperation with ICOM Germany, translates the complex and sometimes invisible tasks and modes of operation of museums into 18 goals based on the International Council of Museums (ICOM) museum definition. We already discussed the project in Spotlighting Museums in issue 41.

The MDGs offer museums a common framework for reflecting on, communicating and further developing their impact – both internally and externally. The focus is not only on classic, highly visible activities such as collecting, exhibiting or communicating, but also on key behind-the-scenes effects such as inclusion, sustainability and knowledge exchange. In this way, the MDGs broaden the view of what museums achieve.

The goals are designed in a participatory manner through so-called sponsorships: museums operationalise individual goals together with one of the impact managers involved in the project, Sarah Ulrich or Verena Kofler, and develop their own impact logic. The key questions are: What does this goal mean specifically for our museum? What measures contribute to it? And when do we consider our actions to be successful?

Step by step, a growing collection of good practice examples is being created, which makes it easier for other museums to get started with impact-oriented work.

Success factors for museums

What makes a museum successful? This question was the focus of the 17th Museum Management Conference, organised by the Museum Management Working Group in collaboration with the Museum Association of Lower Saxony and Bremen and the Braunschweig State Museum, on 3 and 4 November 2025. Around 100 museum experts discussed success factors in museums in lectures, panel discussions and workshops. The conference proceedings, “Success Factors for Museums. Values. Strategies. Effectiveness,” were published to accompany the conference.

The research project “Success in Museums” by the Institute for Museum Research provided in-depth guidance. Maria Stölzer’s central message: there is no universal formula for success.

According to her findings, success in museums arises from the interplay between impact, legitimacy and control. Three factors are crucial in this regard:

• Clarity of objectives: What does the museum stand for?

• Strategy and control: How are goals pursued?

• Learning ability: How is the museum developing?

Measuring success only becomes valuable when it enables change. Success is not a state, but a continuous process: from goals to indicators and measurement, to reflection, adaptation – and new, further developed goals. This requires an open, trusting learning culture, sufficient resources and an attitude that sees measurement not as a mere accountability requirement, but as a source of self-efficacy. In short, measuring success is not about counting, but about learning.

Museums and their social influence

Under the title “On Fire – On the Power of Museums”, around 400 participants from Germany and the international museum community met at the Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg from 3 to 5 December. For three days, the focus was on an intensive exchange about the power that museums can unleash today – and how they contribute to shaping social processes as places of trust.

Here, too, the Museum Development Goals (MDGs) project was present and contributed a concrete perspective on impact orientation and the responsibility of museums to the professional discourse. The MDG Impact Trail provided a particular stimulus: interactive stations in the museum invited visitors to experience social impact first-hand, contribute their own perspectives and engage in conversation with one another – in keeping with an open, dialogical understanding of museums. In addition, conference participants were able to take home the poster “What is the impact of museums?” to continue the discussion in their own institutions.

The discussions at both conferences made it clear that success in museums arises where clarity of purpose, attitude and learning ability come together. Impact measurement unfolds its potential when it does not mean control, but rather enables reflection, dialogue and further development.

The Museum Development Goals offer a practical, common framework for this – and support museums in communicating their impact in a convincing manner.

With this in mind, we wish you a wonderful end to the year, a relaxing holiday season and an energetic start to a powerful 2026.

Thank you for your interest in our Spotlighting Museums newsletter! We look forward to continuing to accompany you in the new year.

Kind regards

Sandra Richter, NORDMETALL-Stiftung

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Cooking with Mama, Politics of Love, Kunsthaus Hamburg

Herzlich willkommen zu unserer Oktoberausgabe. Lernen Sie #seeyouagain kennen, ein Programm für Hamburger Museen, das kleine finanzielle Freiräume für die Erprobung neuer Ansätze in der publikumszentrierten Museumsarbeit anbietet, getragen durch die enge Zusammenarbeit von sechs Stiftungen.

Hamburg hat mit rund 1.500 engagierten Stiftungen die höchste Stiftungsdichte in Deutschland. Jede Stiftung hat ihre eigene Genese, Strategie und Ziele. Noch viel zu selten findet im operativen Stiftungsalltag das voneinander Lernen und miteinander Wirken Platz. Dabei sind es gerade die großen und kleinen Allianzen, die Potential haben, Zukunftsvisionen gemeinschaftlich zu verfolgen.

Für den Museumssektor setzen sich unter anderem die Alfred Toepfer Stiftung F.V.S., die Claussen-Simon-Stiftung, die Gabriele Fink Stiftung, die Körber-Stiftung, die NORDMETALL-Stiftung und die ZEIT STIFTUNG BUCERIUS ein. Seit fünf Jahren treffen sich die sechs Stiftungen regelmäßig zu einem vertrauensvollen Austausch. Sie wollen die Arbeit im Museumsfeld der jeweils anderen besser kennenlernen, Formen der Zusammenarbeit erkunden und Verantwortung gemeinsam übernehmen. Ziel ist es, Museen der Stadt wirksam zu unterstützen. Im ersten informellen Austausch zwischen Stiftungsvertreter:innen und Museumsleitungen wurden 2020 drei zentrale Handlungsfelder identifiziert:

Ein direktes Resultat mehrerer institutionsübergreifenden Austauschformate zeigt sich in der co-kreativen Entwicklung des Programms #seeyouagain, das 2024 erstmals an den Start ging.

Das Programm, das finanziellen Freiraum anbietet, neue Ansätze in der publikumszentrierten, teilhabeorientierten Museumsarbeit zu erproben, richtet sich an Mitarbeitende der Vermittlung von Hamburger Museen, die sich an #seeforfree beteiligen. #seeforfree ist eine stadtweite Aktion am Reformationstag (31. Oktober): Seit 2018 öffnen an diesem Tag mittlerweile über 50 Museen, Ausstellungshäuser sowie Lern- und Gedenkorte bei freiem Eintritt. Der von der Bürgerschaft beschlossene Tag will Brücken zwischen Religionen und Weltanschauungen schlagen und allen Hamburger:innen kostenlosen Zugang zu Kunst und Kultur ermöglichen.

Für die #seeyouagain-Teams ist er zugleich Bühne und Testfeld: Ergebnisse werden sichtbar, neue Zielgruppen erreicht. In Anlehnung und Anschluss an diesen, vom Museumsdienst Hamburg für die Behörde für Kultur und Medien durchgeführte Tag, bieten die sechs genannten Stiftungen sechs Museen jeweils 5.000 EUR an, um vor allem unterrepräsentierte Gruppen anzusprechen und zu wiederkehrenden Gästen zu machen.

Wie kann Zusammenarbeit neu gedacht und wie können nachhaltige Bindungen zu diversen Gruppen etabliert werden? Mit welchen Ansätzen oder kleinen Veränderungen kann Diversität, Inklusion und Partizipation gelebter Museumsalltag werden? Wie können diese wachsenden Partnerschaften auf die Museen zurückwirken? In der Museumsstadt Hamburg entstehen dazu zukunftsgerichtete Ideen, bei deren Realisierung die Stiftungen unterstützen wollen.

Rückblick 2024 – Drei Beispiele von #seeyouagain

Bereits im ersten Jahr entstand eine Vielfalt unterschiedlicher Angebote, die von sechs Museen umgesetzt wurden: das Altonaer Museum, die Deichtorhallen Hamburg, das KomponistenQuartier, das Kunsthaus Hamburg, das Mahnmal St. Nikolai sowie das Universitätsmuseum. Wir möchten an dieser Stelle drei der realisierten Projekte aus der ersten Förderrunde kurz vorstellen:

Kunsthaus Hamburg Cooking Performance – „Politics of Love“

Künstler Hiwa K lud mit einer mobilen Küche an drei Hamburger Orten zum gemeinsamen Kochen – jeweils mit lokalen Partner:innen und Communities. Rezepte wurden mit Geschichten verknüpft, vom westafrikanischen Eintopf bis zum Borschtsch. Rund 120 aktive Teilnehmer:innen und viel Laufpublikum machten die Stationen zu Orten des Austauschs und des Miteinanders: Das Projekt brachte Menschen verschiedener Hintergründe zusammen, förderte Gespräche über Zugehörigkeit, Erinnerung und Gemeinschaft – und machte so die Themen des Ausstellungsprojekts „Politics of Love“ auf sinnliche, alltagsnahe Weise erfahrbar.

Mehr Informationen hier.

Die Vierländer Kate – Wir ziehen ein!

Das Altonaer Museum belebt ein fast 300 Jahre altes Bauernhaus, das künftig nicht nur museales Exponat, sondern ein lebendiger Ort der Begegnung und des Austauschs werden soll. Die Workshops im Themenbereich Wohnen und Zusammenleben reichen von DIY-Möbelbau mit Recyclingmaterial bis zu performativen Erkundungen. Ziel ist es, die Vierländer Kate langfristig als Begegnungs- und Projektort zu etablieren – begleitet durch breite Kommunikation und Beteiligung.

Mehr Informationen hier.

Hands-on History – Das Mahnmal St. Nikolai in Deutscher Gebärdensprache (DGS) entdecken

Das Museum des Mahnmals St. Nikolai informiert mit seiner Dauerausstellung über die Geschichte des Ortes und die Ereignisse rund um die „Operation Gomorrha“. Neben klassischen Führungen bietet das Museum seit Kurzem offene Kurzführungen, Sonderausstellungsangebote und partizipative Gedenkaktionen, die gemeinsam mit Schüler:innen und Lehrenden entwickelt werden. Ziel der Vermittlungsarbeit ist es, Geschichte lebendig, inklusiv und zukunftsorientiert zu vermitteln.

Das Projekt richtet sich an DGS-Nutzer:innen im deutschsprachigen Raum und insbesondere an Menschen aus Hamburg, die einen regionalen Bezug zum historischen Ort und seiner Geschichte haben.

Acht kurze Videos in Deutscher Gebärdensprache (mit Untertiteln) erschließen die Geschichte des Mahnmals – dauerhaft in der Ausstellung und online. Das Angebot richtet sich an gehörlose und hörgeschädigte Besucher:innen und stärkt barrierearmen, selbstbestimmten Zugang zu Erinnerungskultur. So wird eine Zielgruppe angesprochen, die bisher in der Vermittlungsarbeit unterrepräsentiert war.

Mehr Informationen hier.

Ausblick 2025 – Zwei neue Vorhaben

Für das laufende Jahr stellen wir stellvertretend für die sechs Partner Altonaer Museum, Hamburger Kunsthalle, Deichtorhallen Hamburg, Energieberg Georgswerder, Mahnmal St. Nikolai und MARKK. Museum am Rothenbaum folgende Projekte vor:

„Inklusive Wege in die Kunst“ – Barrierefreie Zugänge in den Deichtorhallen Hamburg

Die Deichtorhallen Hamburg bauen Barrieren für blinde und sehbehinderte Besucher:innen systematisch ab – vom Weg zum Haus bis in die Ausstellung. Ein zentraler Baustein sind barrierearme Wegbeschreibungen in Text- und Audioform, die online bereitgestellt werden. Entwickelt und erprobt werden sie gemeinsam mit Mobilitätstrainer:innen und in enger Abstimmung mit dem Blinden- und Sehbehindertenverein Hamburg (BSVH), damit sie in der Praxis wirklich tragen.

In den Ausstellungen entsteht parallel ein inklusives Vermittlungsformat mit taktilen, akustischen und olfaktorischen Zugängen. 3D-Modelle, strukturierte Oberflächen, Duftproben und begleitende Tonspuren machen zentrale Werke erfahrbar; das Team schärft seine Kompetenzen für inklusive Angebote. Ziel ist die dauerhafte Verankerung dieser Zugänge im Programm – mit klaren Routinen, Qualifizierung und fortlaufender Verbesserung. Hier kann #seeyouagain anteilig mit unterstützen.

Queere Perspektiven auf die Sammlung und Sonderausstellungen der Hamburger Kunsthalle

Mit dem Format der „Dragführungen“ möchte die Hamburger Kunsthalle queere Perspektiven auf ihre Sammlung und Sonderausstellungen sichtbar machen und zugleich ein breites, diverses Publikum ansprechen. In 90-minütigen Rundgängen führen wechselnde Drag Artists gemeinsam mit Kunstvermittler:innen dialogisch und performativ durch die Ausstellungen. Dabei werden zeitgenössische und queere Blickwinkel auf ausgewählte Werke eröffnet, bisher übersehene Narrative beleuchtet und neue Lesarten ermöglicht.

Die Führungen schaffen Begegnungsräume, in denen unterschiedliche Lebensrealitäten zusammenkommen und Austausch über Kunst, Identität und Vielfalt entsteht. Regelmäßige Termine binden die LGBTQIA+-Community als Mitgestalter:innen, Teilnehmer:innen und Publikum ein und stärken ihre Vernetzung. Langfristig sollen Zugänglichkeit und Sensibilität wachsen – und Diversität in Ausstellungs- wie Sammlungspraxis der Kunsthalle fest verankert werden.

Mehr Informationen hier.

#Seeyouagain wird getragen von dem gemeinsamen Bekenntnis, unterschiedliche Publikumsgruppen neu anzusprechen. Es ermöglicht und erprobt im Zusammenwirken von Stiftungen miteinander und gemeinsam mit Museen, eine tiefere Verbindung mit dem Publikum. Dabei spielen neben der Förderung vor allem das Kennenlernen aller Beteiligten und der Austausch an Erfahrungen eine zentrale Rolle.

Allen, die heute am 31. Oktober die Hamburger Museen im Rahmen von #seeforfree besuchen, viel Freude!

Herzliche Grüße

Katja Stark, NORDMETALL-Stiftung

Carola Jochens, Gabriele Fink Stiftung

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English Version

Cooking with Mama, Politics of Love, Kunsthaus Hamburg

A warmly welcome to our October edition. Discover #seeyouagain, a programme for museums in Hamburg that offers small financial grants to try out new approaches to audience-centred museum work, supported by close cooperation between six foundations.

With around 1.500 dedicated foundations, Hamburg has the highest density of foundations in Germany. Each foundation has its own origins, strategy and goals. All too rarely do foundations find opportunities to learn from and work with each other in their day-to-day operations. Yet it is precisely these large and small alliances that have the potential to pursue shared visions for the future.

Among others, the museum sector is supported by the Alfred Toepfer Foundation F.V.S., the Claussen-Simon Foundation, the Gabriele Fink Foundation, the Körber Foundation, the NORDMETALL Foundation and the ZEIT STIFTUNG BUCERIUS. For five years, the six foundations have been meeting regularly for a collegial exchange. They want to get to know each other’s work in the museum field better, explore potential forms of cooperation and take on responsibility together. The aim is to effectively support Hamburg’s museums. In the first informal meeting of foundation representatives and museum directors in 2020, three central fields of action were identified:

One direct result of several cross-institutional exchange formats is the co-creative development of the #seeyouagain programme, which was launched for the first time in 2024.

The programme, which offers financial freedom to try out new approaches in audience-centred, participation-oriented museum work, is aimed at employees of Hamburg museums who participate in #seeforfree. #seeforfree is a city-wide campaign on Reformation Day (31st October): since 2018, more than 50 museums, exhibition venues, learning centres and memorial sites have been opening their doors free of charge. The day, which was decided by the city parliament, aims to build bridges between religions and world views and give all Hamburg residents free access to art and culture.

For the #seeyouagain teams, it is both a stage and a testing ground: results become visible and new target groups are reached. In line with and following on from this day, which is organised by the Museum Service Hamburg for the Ministry of Culture and Media, the six foundations mentioned above are offering six museums €5.000 each to reach out primarily to underrepresented groups and turn them into returning guests.

How can cooperation be rethought and how can sustainable ties to diverse groups be established? What approaches or small changes can make diversity, inclusion and participation part of everyday museum life? How can these growing partnerships have an impact on museums? In the museum city of Hamburg, forward-looking ideas are emerging, and the foundations want to support their implementation.

Review 2024 – Three examples from #seeyouagain

In the first year alone, a wide variety of different offerings were created and implemented by six museums: the Altonaer Museum, the Deichtorhallen Hamburg, the KomponistenQuartier, the Kunsthaus Hamburg, the St. Nikolai Memorial and the University Museum. We would like to take this opportunity to briefly present three of the projects realised in the first funding round:

Kunsthaus Hamburg Cooking Performance – “Politics of Love”

Artist Hiwa K invited people to cook together at three locations in Hamburg using a mobile kitchen – each time with local partners and communities. Recipes were linked to stories, from West African stew to Borschtsch. Around 120 active participants and a large passing audience turned the stations into places of exchange and togetherness: the project brought people from different backgrounds together, promoted discussions about belonging, memory and community – and thus made the themes of the exhibition project “Politics of Love” tangible in a sensual, everyday way.

More information here.

Die Vierländer Kate – We’re moving in!

The Altonaer Museum is reviving an almost 300-year-old farmhouse, which in future will not only be a museum exhibit, but also a lively place for encounters and exchange. The workshops on the theme of living and coexisting range from DIY furniture building with recycled materials to performative explorations. The aim is to establish the Vierländer Kate as a long-term meeting place and project location – accompanied by broad communication and participation.

More information here.

Hands-on History – Discover the St. Nikolai Memorial in German Sign Language

The St. Nikolai Memorial Museum’s permanent exhibition provides information about the history of the site and the events surrounding “Operation Gomorrah”. In addition to traditional guided tours, the museum has recently started offering short open tours, special exhibitions and participatory commemorative events developed in collaboration with schoolchildren and teachers. The aim of the educational work is to convey history in a lively, inclusive and future-oriented way.

The project is aimed at German Sign Language users in German-speaking countries and, in particular, at people from Hamburg who have a regional connection to the historical site and its history.

Eight short videos in German Sign Language (with subtitles) explore the history of the memorial – permanently in the exhibition and online. The offer is aimed at deaf and hearing-impaired visitors and strengthens barrier-free access to remembrance culture. This addresses a target group that has previously been underrepresented in educational work.

More information here.

Outlook for 2025 – Two examples from #seeyouagain

For the current year, we are presenting the following projects on behalf of the six partners: Altonaer Museum, Hamburger Kunsthalle, Deichtorhallen Hamburg, Energieberg Georgswerder, Mahnmal St. Nikolai and MARKK. Museum am Rothenbaum.

“Inclusive Paths to Art” – Barrier-free access to the Deichtorhallen Hamburg

The Deichtorhallen Hamburg are systematically removing barriers for blind and visually impaired visitors – from the path to the building to the exhibition itself. A central component of this is accessible route descriptions in text and audio form, which are made available online. These are developed and tested in collaboration with mobility trainers and in close consultation with the Hamburg Association for the Blind and Visually Impaired (BSVH) to ensure that they are truly effective in practice.

At the same time, an inclusive educational format with tactile, acoustic and olfactory access is being developed for the exhibitions. 3D models, textured surfaces, scent samples and accompanying audio tracks make key works tangible; the team is honing its skills in inclusive offerings. The aim is to permanently anchor these access points in the programme – with clear routines, training and ongoing improvement. #seeyouagain can provide proportional support here.

Queer Perspectives on the Collection and Special Exhibitions of the Hamburger Kunsthalle

With the format of “drag tours” the Hamburger Kunsthalle aims to make queer perspectives on its collection and special exhibitions visible while appealing to a broad, diverse audience. In 90-minute tours, different drag artists, together with art educators, guide visitors through the exhibitions in a dialogical and performative manner. In the process, contemporary and queer perspectives on selected works are opened up, previously overlooked narratives are illuminated, and new interpretations are made possible.

The tours create spaces for encounters where different realities of life come together and exchanges about art, identity and diversity arise. Regular events involve the LGBTQIA+ community as co-creators, participants and audience members, strengthening their networks. In the long term, the aim is to increase accessibility and sensitivity – and to firmly anchor diversity in the Kunsthalle’s exhibition and collection practices.

More information here.

#Seeyouagain is driven by a shared commitment to reaching out to different audience groups in new ways. It enables and explores a deeper connection with the audience through collaboration between foundations and museums. In addition to funding, getting to know all those involved and exchanging experiences play a central role.

We wish everyone visiting Hamburg’s museums today, 31st October, as part of #seeforfree a wonderful time!

Kind regards

Katja Stark, NORDMETALL Foundation

Carola Jochens, Gabriele Fink Foundation

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Willkommen in der Herbstausgabe von Spotlighting Museums. Eingeladen ist Dr. Anke Schad-Spindler, die Teil der Geschäftsführung und wissenschaftliche Leitung des Forschungs- und Beratungsinstituts EDUCULT, Wien, ist. Sie verantwortet die externe Evaluation unseres Programmes „Das relevante Museum“ und hat für Sie die Kernpunkte zusammengefasst.

Anke Schad-Spindler

Das Thema Evaluation hat sich in den letzten Jahren von einer Kontrollfunktion zu einer Möglichkeit entwickelt, Programme mehrperspektivisch zu betrachten, dazu in Austausch zu gehen, wirkungsorientiert Rückschau zu halten und Erfahrungen in die Weiterentwicklung einzubeziehen. In der produktions- und ergebnisgetriebenen Gegenwart gönnt sich „Das relevante Museum“ 2025 ein Jahr der Reflexion im laufenden Betrieb. In diesem Kontext wurde ich als wissenschaftliche Leiterin von EDUCULT seitens der NORDMETALL-Stiftung in Absprache mit dem Programmpartner Stiftung für Kunst, Kultur und Geschichte, SKKG, beauftragt, eine unabhängige Sicht auf das Programm zu erstellen. Ohne die große Offenheit und breite Bereitschaft der Beteiligten aus den Museen wäre dies nicht gelungen – das Engagement für die Evaluation in Interviews, Diskussionsrunden und einer Online-Befragung ist bereits Indiz dafür, dass das Programm relevant ist.

Mehr als eine Weiterbildung

„Frei zu denken, das ist wirklich der Raum, den das relevante Museum schafft.“

So beschreibt ein*e Museumsmitarbeiter*in ihre Erfahrung mit dem Programm. „Das relevante Museum“ will vor allem eines: Museen aus Deutschland, der Schweiz und Österreich dabei unterstützen, sich neu zu erfinden – als Orte des Austauschs, der Demokratie und der Teilhabe. Und es setzt am Kern der Wertschöpfung an – nicht bei den Objekten und Gebäuden, sondern bei den Menschen, die Museen machen.

Anders als klassische Förderprojekte versteht sich „Das relevante Museum“ als prozessorientiert. Ein kuratiertes Programm, regelmäßige Coachings, Workshops und Austauschformate geben den Teilnehmenden die Möglichkeit, innezuhalten und jenseits des hektischen Alltags neue Perspektiven einzunehmen. Die Qualität dieser Begleitung durch die Stiftungen, Trainer*innen und Kurator*innen wird als sehr hoch eingeschätzt. Hinzu kommt der wertvolle Austausch auf Peer- bzw. Praxisebene. Rund 85 % der insgesamt 41 Befragungsteilnehmenden sagen, dass das Programm sie spürbar in ihrer beruflichen Entwicklung gestärkt hat. Besonders geschätzt wird, dass die Impulse nicht wie häufig nach einem Projektende versanden, sondern kontinuierlich weiterwirken können, wenn Museen und ihre Teams über mehrere Jahre in das Programm eingebunden sind:

„Gerade das ist der Game Changer, dass man dauerhaft an den Themen dranbleibt.“ (Fokusgruppe Teilnehmende).

Ein lebendiges Netzwerk

Jeweils rund 90 % der Teilnehmenden berichten, dass sie durch das Programm neue Kontakte geknüpft oder Inspirationen von anderen Häusern gewinnen konnten. Besonders hervorgehoben wird der länderübergreifende Dialog. Statt einem auch im Museumsfeld wahrgenommenen Konkurrenzdenken, steht Austausch im Mittelpunkt – sei es beim mehrtägigen Arbeitstreffen im Schloss Hasenwinkel oder in digitalen Coffee Breaks. Durch diese Formate wird eine oft arbeitsteilige Realität in den Häusern überschritten:

„Das Besondere ist, dass man mit Personen aus verschiedenen Arbeitsfeldern der Museen zusammenkommt“, so ein*e Teilnehmer*in.

Wo das Programm wirkt

„DrM schafft Räume, in denen man sich mit anderen, aber auch intern mit strategischen Fragen auseinandersetzen kann“ (Online-Befragung).

Teilnehmende berichten unter anderem, dass sie unterstützt und angeregt durch das Programm den Fokus auf strategische Prozesse richten und Leitbilder, Konzepte und Kommunikationswege weiterentwickeln konnten. Begleitet durch Coachings, wird über diese Auseinandersetzungen auch die abteilungsübergreifende bzw. interne Zusammenarbeit gestärkt: Insgesamt 60 % bemerken hier eine Verbesserung. Eine Ermutigung, neue Formate und Methoden auszuprobieren, beobachten 88 %. Das Programm sei ein

„sicherer Ort, wo man Out of the Box denken kann, ohne leisten zu müssen und ausprobieren kann, ohne fehlerfrei sein zu müssen“ (Online-Befragung).

Wie gelingt Veränderung?

Institutionelle Veränderungsprozesse bleiben dennoch herausfordernd. Die angespannte Personalsituation ist dabei für knapp 70 % der Teilnehmenden ein Thema, mit dem sie mehr oder weniger zu kämpfen haben. Effizienzdruck und das Gefühl, viele Aufgaben gleichzeitig umsetzen zu müssen, kann zu einem Gefühl der Überforderung führen. Neben externer Begleitung ist hier auch der Rückhalt der Museumsleitung gefordert. Bei den Teilnehmenden ist dieser überwiegend gegeben, aber vereinzelt – für rund 10 % – mangelt es hier an Unterstützung. Wichtig ist auch, dass Personen aus verschiedenen Teams und Abteilungen ins Programm einbezogen werden, um breite Mitwirkung zu erreichen und spezifische Expertisen für Veränderungsprozesse zu verbinden:

„Relevanz […] ist eine Aufgabe für die ganze Einrichtung“ (Interview Teilnehmer*in).

Was bedeutet Relevanz für Museen?

In der Evaluation wurden alle Beteiligten gefragt, wie sie ein relevantes Museum definieren. Die Antworten zeugen von einer intensiven Auseinandersetzung mit dieser Frage, die im Evaluationsbericht ausführlich dargestellt wird.

Blick nach vorn

Die Evaluation zeigt: Das Programm macht bereits vieles richtig. Formate wie das Arbeitstreffen in Hasenwinkel, Exkursionen, Einzel- und Teamcoachings sowie der Mix aus Input, Arbeitsphasen und Austausch werden als besonders wirkungsvoll wahrgenommen. Sie schaffen Vertrauen, inspirieren durch Praxisnähe und fördern Netzwerkbildung. „Relevanz in Vielfalt und Unterschiedlichkeit erreichen“ (Online-Befragung), das ist ein laufender Prozess. Darum ist es wichtig, dass es für das Programm Raum zur Weiterentwicklung gibt, so der Tenor. Die Beteiligung von Museen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz wird als sehr gewinnbringend erlebt – insbesondere für den Blick über nationale Praxisgrenzen hinaus. Ermöglicht wird dies durch das kooperative Vorgehen der Stiftungen. Seitens der Stiftungen gilt es zu prüfen, wie eine strategische Weiterentwicklung gestaltet werden soll. Die befragten Teilnehmenden sprechen sich etwa dafür aus, Museen in ländlichen Regionen oder Nordostdeutschland (z. B. Mecklenburg-Vorpommern) stärker einzubinden, um unterschiedliche Ausgangslagen und politische und gesellschaftliche Herausforderungen sichtbarer zu machen, einander zu unterstützen und voneinander lernen zu können.

Für die Zukunft wünschen sich die Beteiligten beispielsweise mehr Gelegenheit für inhaltliche Vertiefung, Tandem-Formate zwischen Museen und ein großes gemeinsames Symposium. Auch kritische Themen wie Demokratiegefährdung, Diversität (nach außen und nach innen) oder Künstliche Intelligenz sollen stärker adressiert werden. Hier geht es auch um die soziale Verantwortung als öffentliche Kulturinstitution, wie diese Aussage verdeutlicht:

„Eine identifizierbare Haltung halte ich in heutigen Zeiten für unerlässlich. Außerdem sollte die Diversität, die angestrebt wird, sich nicht nur nach außen orientieren, sondern von innen beginnen. Ein relevantes Museum besitzt für mich auch Mitarbeitende diverser Hintergründe und weniger prekäre Arbeitsbedingungen. Und auch für jüngere Generationen sollten wir relevante Inhalte bieten und mehr mit Nachbar*innen und Communities zusammenarbeiten, um zu erfahren, was sie von Museen heute erwarten.“ (Online-Befragung)

„Das relevante Museum“ zeigt: Relevanz entsteht nicht durch neue Ausstellungsformate oder Vermittlungsprogramme allein, sondern durch eine Haltung und gemeinsames Museum-Machen. Museen werden dann wichtig, wenn sie Menschen (Mitarbeitende und Publikum) einladen, sich einzubringen, wenn sie zuhören und den Mut haben, auch unbequeme Fragen zu stellen.

Den vollständigen Evaluationsbericht finden Sie hier.

Wir danken Dr. Anke Schad-Spindler für den Überblick und die wunderbare Zusammenarbeit. Ermutigt gehen wir den eingeschlagenen Weg weiter. Auf Grundlage der Evaluationsergebnisse sowie der beim jährlich stattfindenden Treffen in Schloss Hasenwinkel erarbeiteten Workshopresultate entwickeln wir das Programm fort und lassen Sie an unseren zukunftsgerichteten Entscheidungen hier bei Spotlighting Museums teilhaben.

Zum Abschluss möchte ich Sie noch auf folgende Konferenzen aufmerksam machen

6. bis 9. Oktober 2025 in Cardiff, Vereinigtes Königreich, Museum Association, „Belonging”

Museen, ihre Sammlungen und Geschichten gehören allen, und alle Communities haben das Recht auf Repräsentation, Teilhabe und Mitbestimmung. Zugehörigkeit ist nicht nur ein Prinzip, sondern ein grundlegendes Menschenrecht.

In einer Zeit globaler politischer, wirtschaftlicher und sozialer Umbrüche und Polarisierung wird auf der Konferenz diskutiert, wie Ideen von Community, Solidarität und Freundschaft Menschen in Museen zusammenbringen und diese zu so besonderen und ansprechenden Orten machen. Alle weiteren Informationen finden Sie hier.

26. bis 28. Oktober 2025 in Horsens, Dänemark: Network of European Museum Organisations (NEMO), „Who cares? Museums, wellbeing, and resilience”

Die Europäische Museumskonferenz von NEMO „Who cares? Museen, Wohlbefinden und Resilienz“ findet vom 26. bis 28. Oktober 2025 in Horsens, Dänemark, statt. Mehr als 200 Museumsfachleute, Kulturschaffende, Gesundheitsfachleute und alle, die sich dafür interessieren, wie Museen das Wohlbefinden und die Resilienz fördern können, kommen in Horsens, Dänemark zusammen. Alle weiteren Informationen finden Sie hier.

Schön, dass Sie uns weiter begleiten. Vielen Dank, dass Sie reingeschaut haben. Und wenn Sie jemanden kennen, der zu unserer Spotlighting Museums Community gut passen könnte, leiten Sie dieser Person gern diese Ausgabe weiter.

Herzliche Grüße sendet

Katja Stark, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

Welcome to the autumn edition of Spotlighting Museums. Our guest is Dr. Anke Schad-Spindler, who is part of the management team and scientific director of the EDUCULT research and consulting institute, based in Vienna. She is responsible for the external evaluation of our programme “Relevant Museum” and has summarised the key points for you.

Anke Schad-Spindler

In recent years, the topic of evaluation has evolved from a control function to an opportunity to view programmes from multiple perspectives, to engage in dialogue, to look back with a focus on impact, and to incorporate experiences into further development. In today’s production- and results-driven world, “Relevant Museum” 2025 is allowing itself a year of reflection while continuing to operate. In this context, as scientific director of EDUCULT, I was commissioned by the NORDMETALL Foundation, in consultation with the programme partner Stiftung für Kunst, Kultur und Geschichte, SKKG, to provide an independent view of the programme. This would not have been possible without the great openness and willingness of those involved from the museums – their commitment to the evaluation in interviews, discussion rounds and an online survey is already an indication that the programme is relevant.

More than further training

“Free Thinking – that is truly the space, which Relevant Museum creates.”

This is how one museum employee describes their experience with the programme. “Relevant Museum” aims to do one thing above all else: support museums in Germany, Switzerland and Austria in reinventing themselves – as places of exchange, democracy and participation. And it focuses on the core of value creation – not on the objects and buildings, but on the people who make museums.

Unlike traditional funding projects, “Relevant Museum” sees itself as process-oriented. A curated programme, regular coaching sessions, workshops and exchange formats give participants the opportunity to pause and take on new perspectives beyond their hectic everyday lives. The quality of this support provided by the foundations, trainers and curators is rated very highly. Added to this is the valuable exchange at peer and practical level. Around 85 % of the 41 survey participants say that the programme has noticeably strengthened their professional development. They particularly appreciate the fact that the impetus does not peter out after the end of a project, as is often the case, but can continue to have an effect if museums and their teams are involved in the programme over several years:

“That’s the game changer, the fact that you can stay on top of the issues in the long term” (focus group participants).

A vibrant network

Around 90 % of participants report that the programme has enabled them to make new contacts or gain inspiration from other institutions. The cross-border dialogue is particularly highlighted. Instead of the competitive mindset often perceived in the museum sector, the focus is on exchange – whether at the multi-day working meeting at Hotel Hasenwinkel or during digital coffee breaks. These formats transcend the reality of the division of labour that often exists in museums:

“The special thing is that you get to meet people from different fields of museum work,” said one participant.

Where the programme has an impact

“‘Relevant Museum’ creates spaces where you can discuss strategic issues with others, but also internally” (online survey).

Participants report, among other things, that the programme has supported and encouraged them to focus on strategic processes and further develop mission statements, concepts and communication channels. Accompanied by coaching, these discussions also strengthen cross-departmental and internal cooperation: A total of 60 % notice an improvement here. 88 % observe an encouragement to try out new formats and methods. The programme is described as a

“safe place where you can think outside the box without having to perform and try things out without having to be flawless” (online survey).

How can change be achieved?

Institutional change processes remain challenging, however. The tense staffing situation is an issue that almost 70 % of participants struggle with to a greater or lesser extent. Pressure to be efficient and the feeling of having to perform many tasks at once can lead to a feeling of being overwhelmed. In addition to external support, the backing of museum management is also required here. This is largely provided for the participants, but in isolated cases – for around 10 % – there is a lack of support. It is also important that people from different teams and departments are involved in the programme in order to achieve broad participation and combine specific expertise for change processes:

“Relevance [...] is a task for the entire institution” (participant interview).

What does relevance mean for museums?

In the evaluation, all participants were asked how they define a relevant museum. The answers testify to an intensive examination of this question, which is presented in detail in the evaluation report.

Looking ahead

The evaluation shows that the programme is already doing many things right. Formats such as the working meeting in Hasenwinkel, excursions, individual and team coaching, and the mix of input, work phases and exchange are perceived as particularly effective. They create trust, inspire through their practical relevance and promote networking. “Achieving relevance in diversity and difference” (online survey) is an ongoing process. That is why it is important that there is room for further development of the programme, according to the general consensus. The participation of museums from Germany, Austria and Switzerland is seen as very beneficial – especially for looking beyond national boundaries. This is made possible by the cooperative approach of the foundations. The foundations need to examine how strategic development should be structured. The participants surveyed are in favour of involving museums in rural regions or north-eastern Germany (e. g. Mecklenburg-Vorpommern) more closely in order to make different starting points and political and social challenges more visible, to support each other and to learn from each other.

For the future, the participants would like to see more opportunities for in-depth content, tandem formats between museums and a large joint symposium. Critical issues such as threats to democracy, diversity (both external and internal) and artificial intelligence should also be addressed more thoroughly. This also concerns social responsibility as a public cultural institution, as this statement makes clear:

“I consider an identifiable stance to be essential in today’s world. Furthermore, the diversity we strive for should not only be outward-looking, but should also begin from within. For me, a relevant museum also has employees from diverse backgrounds and less precarious working conditions. We should also offer relevant content for younger generations and collaborate more with neighbourhoods and communities to find out what they expect from museums today.” (Online survey)

The “Relevant museum” shows that relevance does not come about through new exhibition formats or educational programmes alone, but through an attitude and a collaborative approach to museum-making. Museums become important when they invite people (staff and visitors) to get involved, when they listen and have the courage to ask uncomfortable questions.

Dr. Anke Schad-Spindler is part of the management and scientific leadership of the research and consulting institute EDUCULT, based in Vienna (www.educult.at).

The full evaluation report will be available here in the next couple of days.

We would like to thank Dr. Anke Schad-Spindler for the overview and the wonderful collaboration. Based on the evaluation results and the workshop results developed at the annual meeting at Schloss Hasenwinkel, we are continuing to develop the programme and will share our decisions here at Spotlighting Museums with you.

Finally, I would like to draw your attention to the following conferences

6th to 9th October 2025 in Cardiff, United Kingdom, Museum Association, “Belonging”

Museums and their collections and stories belong to everyone, and all communities have the right to representation, participation and agency. Belonging is not just a principle but a basic human right.

At a time of global political, economic, social upheaval and polarisation, we discuss how ideas of community, solidarity and friendship bring people together in our museums to make them such special and engaging places. Further information can be found here.

26th to 28th October 2025 in Horsens, Denmark: Network of European Museum Organisations (NEMO), “Who cares? Museums, wellbeing, and resilience”

The European Museum Conference of NEMO “Who cares? Museums, wellbeing, and resilience” will take place from 26th to 28 October 2025 in Horsens, Denmark. More than 200 museum professionals, cultural practitioners, health professionals and anyone interested in how museums can promote wellbeing and resilience will gather in Horsens, Denmark. Further information can be found here.

We are delighted that you accompany us. Thank you for your interest in reading our newsletter. And if you know anyone who might be a good fit for our Spotlighting Museums Community, please feel free to forward this issue to them.

Kind regards

Katja Stark, NORDMETALL Foundation

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Herzlich willkommen zur August-Ausgabe von Spotlighting Museums, in der wir einen Blick auf aktuelle Entwicklungen und Akteure der Besucherforschung werfen.

„Erreichen wir mit unserer Arbeit unsere Besucherinnen und Besucher? Wie motivieren wir sie, zu uns zu kommen? Wie wecken wir Interesse, Freude und Begeisterung? Wie binden wir die Besucherinnen und Besucher langfristig?“

Diese Fragen aus dem Leitfaden „Hauptsache Publikum!“ (2019) des Deutschen Museumsbunds markieren einen Kern musealer Arbeit, den wir in diesem Newsletter wieder aus verschiedenen Blickwinkeln beleuchten: das Museum konsequent vom Publikum her zu denken. Publikumsforschung kann dabei Antworten auf zentrale strategische Fragen bieten. Sie hilft Museen, die Bedürfnisse ihrer Besucherinnen und Besucher besser zu verstehen, Ausstellungen und Veranstaltungen gezielt auszurichten und Qualität langfristig zu sichern. Besucherforschung ist damit ein wichtiges Instrument, um strategische Prozesse zu unterstützen und Ziele zu überprüfen.

In vielen Museen gehört sie längst zu den üblichen Aufgabenfeldern, dennoch wird ihr Potenzial noch nicht überall ausgeschöpft. Mehr Austausch, eine stärkere Vernetzung und eine Kultur des Lernens können helfen, die Praxis weiterzuentwickeln. Denn Besucherorientierung ist kein einmaliges Projekt, sondern ein kontinuierlicher Prozess, der Offenheit für Feedback, den Mut zur Veränderung und eine konstruktive Fehlerkultur erfordert.

Bundesweite Vernetzung

Geschäftsführerin Josefine Dreesen stellt uns das Netzwerk Besucher*innenforschung e.V. (NWBF) für diesen Newsletter folgendermaßen vor: Die Initiative ist ein bundesweit tätiger Verein, der seit seiner Gründung 2022 eine zentrale Rolle bei der Koordination und Stärkung der Besucher*innen- und Publikumsforschung im Kulturbereich einnimmt, in dem er sich für die strukturelle Verankerung der Besucher*innenforschung als strategische Zukunftsaufgabe in Kultureinrichtungen einsetzt.

Das NWBF schafft Räume für fachlichen Austausch, Wissenstransfer und Zusammenarbeit zwischen Museen und Forschungseinrichtungen. Zu den Gründungsinstitutionen zählen unter anderem die DASA Arbeitswelt Ausstellung in Dortmund, der Deutsche Museumsbund, das Institut für Museumsforschung, sowie mehrere Leibniz-Forschungsmuseen.

Ein zentrales Ziel des Netzwerks ist es, bestehende Forschung sichtbarer zu machen, Ergebnisse zugänglich zu gestalten und Fachakteurinnen und -akteure zu vernetzen. Dafür organisiert das Netzwerk jährlich zwei zentrale Veranstaltungen: eine Fachtagung im Frühjahr zur informellen Vernetzung sowie eine zweitägige Jahrestagung im Herbst in Kooperation mit wechselnden Museen und Partnerinstitutionen.

Am 13. und 14. November 2025 findet im K20 der Kunstsammlung NRW die Jahrestagung „Zwischen Anspruch und Wirkung – Partizipation im Museum erforschen“ statt, in Kooperation mit der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen und dem Museumsverband Nordrhein-Westfalen. Die Tagung nimmt in den Blick, wie sich die Auswirkungen partizipativer Arbeit auf Besucherinnen und Besucher, Institutionen und gesellschaftliche Entwicklungen erfassen, bewerten und für die Weiterentwicklung musealer Praxis nutzen lassen.

Langfristiges Monitoring des Publikums

Neben dem im Netzwerk für Besucher*innenforschung involvierten Akteuren sind noch weitere Institutionen im Feld der Publikumsforschung zentral. Das Institut für Kulturelle Teilhabeforschung betreibt seit Jahren wegweisende Forschung, unter anderem mit dem Programm „KulturMonitoring (KulMon)“. KulMon ist das erste Non-Profit-System für standardisierte Besucherbefragungen in Europa. Seit 2008 haben sich über 120 Kultur- und Freizeiteinrichtungen beteiligt, zunächst in Berlin, seit 2019 auch bundesweit. Das Programm bietet eine gemeinsame Datenbasis durch einheitliche und regelmäßige Befragungen. So lassen sich die Erkenntnisse über das Publikum der verschiedenen Häuser miteinander vergleichen und wertvolle Synergien herstellen. Die Forschungsergebnisse veröffentlicht das Institut regelmäßig, unter anderem im Sammelband „Besucher*innenforschung 2024“.

Austausch und Weiterentwicklung

Auch das Leibniz-Kompetenzzentrum Bildung im Museum bringt die Entwicklung im Bereich Besucherforschung in Museen voran. Mit der Leibniz Platform for Advancing and Supporting Visitor Research in Museums (LePAS) entsteht derzeit eine zentrale Plattform für Besucherforschung in Deutschland. LePAS möchte Werkzeuge zur Gewinnung verlässlicher, standardisierter Besucherdaten sammeln und weiterentwickeln und diese auf einer benutzerfreundlichen Forschungsplattform bereitstellen.

Das LePAS-Projekt besteht daher aus drei Komponenten:

1. Ein modulares Set verlässlicher und valider Forschungsinstrumente, die museums- und besucherrelevante Fragestellungen aus unterschiedlichen Bereichen abdecken.

2. Eine Plattform zur Datenerhebung und -analyse, die eine einfache Erstellung und Verwaltung von Besucherbefragungen sowie die Durchführung grundlegender beschreibender und vergleichender statistischer Analysen ermöglicht.

3. Ein umfassendes Schulungsprogramm, das Museen befähigt, nicht nur Daten zuverlässig zu erheben, sondern auch eigene Fragestellungen evidenzbasiert zu bearbeiten.

Dieser Ansatz ermöglicht verlässliche Vergleiche zwischen Museen in verschiedenen Dimensionen, wie z. B. Besucherstruktur, psychologische Merkmale oder Lernverhalten in unterschiedlichen Umgebungen.

Vom Wissen zur Wirkung

In der Mai-Ausgabe von Spotlighting Museums hatten wir bereits von der neuen Publikation „Leaning into Value – Becoming a User-Focused Museum“ von John Falk berichtet. Die evidenzbasierte Herangehensweise an die Entwicklung eines besucherorientierten Museums ergänzen Falk und das Programm Museums as Progress nun um ein Workshopangebot. Dieses zielt ab auf den nächsten Schritt: Erkenntnisse wertvoll kommunizieren. Der Value Articulation Intensive (VAI) Workshop beschäftigt sich damit, eine Sprache des Wertes zu entwickeln. Von der Analyse der eigenen Wertversprechen über die Übersetzung von Forschungsergebnissen in prägnante Narrative, bis hin zum Testen und Verfeinern der Botschaften, soll das VAI ein Praxislabor sein.

Im Newsletter „The Progress Report“ des Programms Museums as Progress gibt John Falk einen ersten Einblick, wie Strategien für erfolgsversprechende Narrative aussehen können und schlägt dabei vor, universelle menschliche Bedürfnisse anzusprechen, Museen als Teil der gesellschaftlichen Infrastruktur zu positionieren, den finanziellen Wert zu betonen und Nicht-Teilnahme als verpasste Chance darzustellen.

Das Feld der Besucherforschung in Museen entwickelt sich ständig weiter. Nicht nur werden Publikationslisten und Werkzeugkästen erweitert, zunehmend liegt der Fokus auf institutionsübergreifendem Austausch, Vernetzung und kollaborativem Weiterentwickeln. Insgesamt ist Besucherforschung ein Weg zur Besucherorientierung und kann helfen, Museen zukunftsfähig und gesellschaftlich relevant zu gestalten.

Save the Date

13. bis 14. November 2025

„Zwischen Anspruch und Wirkung – Partizipation im Museum erforschen“

Netzwerk Besucher*innenforschung

Ort: Düsseldorf, K20 der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, die virtuelle Teilnahme ist z.T. möglich

https://besucherinnenforschung.de/jahrestagung-2025/

27. bis 28. November 2025

„Diversity and Discourse: Engaging Museum Visitors in the 21st Century”

4. Internationale Tagung des Leibniz Kompetenzzentrums Bildung im Museum

Ort: Berlin, Leibniz-Gemeinschaft

https://leibniz-bim.de/tagungen

Vielen Dank für Ihr Interesse an dieser Newsletter-Ausgabe von Spotlighting Museums.

Schreiben Sie uns gern und machen uns aufmerksam auf Projekte zur aktuellen Besucherforschung, die wir unbedingt kennen sollten.

Herzliche Grüße

Sandra Richter, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

Welcome to the August edition of Spotlighting Museums, in which we take a look at current developments and players in audience research.

“Does our work reach our audience? How do we motivate them to come to us? How do we spark interest, joy and enthusiasm? How do we engage visitors in the long term?”

These questions from the German Museum Association's guide “Hauptsache Publikum!” (2019) highlight a core aspect of museum work that we keep examining from different perspectives in this newsletter: thinking about the museum from the audience's point of view. Audience research can provide answers to key strategic questions. It helps museums to better understand the needs of their visitors, to tailor exhibitions and events to their specific requirements and to ensure long-term quality. Audience research is therefore an important tool for supporting strategic processes and reviewing objectives.

In many museums, it has long been part of the usual range of tasks, yet its potential is not yet being fully explored everywhere. More exchange, stronger networking and a culture of learning can help to further develop the practice. After all, visitor orientation is not a one-off project, but a continuous process that requires openness to feedback, the courage to change and a constructive culture of failure management.

Nationwide Networking

Managing Director Josefine Dreesen introduces the Netzwerk Besucher*innenforschung e.V. (NWBF) (Audience Research Network) to us for this newsletter as follows: The initiative is a nationwide association that, since its foundation in 2022, has played a central role in coordinating and strengthening audience research in the cultural sector by promoting the structural anchoring of audience research as a strategic task for the future in cultural institutions.

The NWBF creates spaces for professional exchange, knowledge transfer and cooperation between museums and research institutions. Its founding institutions include the DASA World of Working Exhibition in Dortmund, the German Museum Association, the Institute for Museum Research, and several Leibniz research museums.

A central goal of the network is to make existing research more visible, make results accessible and connect experts. To this end, the network organises two central events each year: a symposium in the spring for informal networking and a two-day annual conference in the autumn in cooperation with different museums and partner institutions.

On 13th and 14th November 2025, the annual conference “Between aspiration and impact – researching participation in museums” will take place at K20, the Kunstsammlung NRW, in cooperation with the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen and the Museumsverband Nordrhein-Westfalen. The conference will focus on how the effects of participatory work on visitors, institutions and social developments can be recorded, evaluated and used for the further development of museum practice.

Long-term monitoring of the audience

In addition to the experts involved in the Audience Research Network, more institutions in the field of audience research play a key role. The Institute for Research on Cultural Participation - IKTf has been conducting pioneering research for years, including the KulturMonitoring (KulMon) programme. KulMon is the first non-profit system for standardised visitor surveys in Europe. Since 2008, over 120 cultural and leisure institutions have participated, initially in Berlin and, since 2019, nationwide. The programme offers a shared database through standardised and regular surveys. This allows insights into the audiences of the various institutions to be compared and valuable synergies to be created. The institute publishes its research findings regularly, including in the anthology Visitor Research 2024.

Exchange and further development

The Leibniz Competence Centre for Education in Museums is also advancing developments in the field of audience research in museums. With the Leibniz Platform for Advancing and Supporting Visitor Research in Museums (LePAS), a central platform for audience research in Germany is currently being created. LePAS aims to collect and further develop tools for obtaining reliable, standardised visitor data and make it available on a user-friendly research platform.

The LePAS project therefore consists of three components:

1. A modular set of reliable and valid research tools that cover museum- and visitor-relevant questions from different areas.

2. A platform for data collection and analysis that enables the easy creation and management of visitor surveys and the performance of basic descriptive and comparative statistical analyses.

3. A comprehensive training programme that enables museums not only to collect data reliably, but also to address their own questions in an evidence-based manner.

This approach enables reliable comparisons between museums in various dimensions, such as visitor structure, psychological characteristics or learning behaviour in different environments.

From knowledge to impact

In the May issue of Spotlighting Museums, we reported on the new publication “Leaning into Value – Becoming a User-Focused Museum” by John Falk. Falk and the Museums as Progress programme are now complementing their evidence-based approach to developing a visitor-oriented museum with a workshop programme that focuses on the next step to be taken: communicating research findings in a valuable way. The Value Articulation Intensive (VAI) workshop focuses on developing a language of value. From analysing one's own value propositions to translating research findings into concise narratives to testing and refining messages, the VAI is intended to be a practical laboratory.

In the newsletter The Progress Report of the Museums as Progress programme, John Falk provides an initial insight into what strategies for promising narratives might look like, suggesting addressing universal human needs, positioning museums as part of the social infrastructure, emphasising financial value, and presenting non-participation as a missed opportunity.

The field of audience research in museums is constantly evolving. Not only are publication lists and toolboxes expanding, but there is also an increasing focus on cross-institutional exchange, networking and collaborative development. Overall, audience research is a path to visitor orientation and can help make museums sustainable and socially relevant.

Save the Date

13th to 14th November 2025

“Between aspiration and impact – researching participation in museums”

Audience Research Network

Location: Düsseldorf, K20 of the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, virtual participation possible in some cases

https://besucherinnenforschung.de/jahrestagung-2025/

27th to 28th November 2025

“Diversity and Discourse: Engaging Museum Visitors in the 21st Century”

4th International Conference of the Leibniz Centre of Excellence for Museum Education

Location: Berlin, Leibniz Association

https://leibniz-bim.de/en/conferences

Thank you for your interest in this edition of the Spotlighting Museums newsletter.

Please feel free to write to us and let us know about any current audience research projects that we should be aware of.

Kind regards

Sandra Richter, NORDMETALL-Foundation

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Herzlich Willkommen zur Juli-Ausgabe von Spotlighting Museums. Passend zur Urlaubszeit teilen wir Inspirationen aus der diesjährigen Studienreise des Netzwerkes „Das relevante Museum“ nach Dänemark. Vom 24. bis 27. Juni reisten Beteiligte aus Stiftungen und Museen nach Kopenhagen und Aarhus, um Beispiele guter Praxis der Besucherorientierung zu erkunden.

Weitere internationale Beispiele inspirierender Besucherorientierung finden Sie in unseren Reise-Berichten aus den vergangenen Jahren in die Niederlande und nach Großbritannien.

Nach der wunderbaren Zusammenarbeit bei der Studienreise in die Niederlande hat uns in diesem Jahr wieder Diana Fehr von MuseoSpace begleitet. Ein Ziel der Reise war es auch, länderübergreifende Netzwerke zu verbinden. So konnten wir das EU-Projekt i-game aus erster Hand kennenlernen und die dazugehörige Game Development Plattform ausprobieren. Diese führt Schritt für Schritt durch den kreativen Prozess der Spielentwicklung.

Game Thinking war 2024 unter Kurator Christoph Brosius der Schwerpunkt im Programm „Das relevante Museum“. Die Studienreise bot nun Gelegenheit, an dieses Thema anzuknüpfen und weitere spannende Projekte in diesem Bereich wie AMI und EPIC-WE kennenzulernen.

Vertiefend widmen wir uns im Folgenden den dänischen Institutionen auf unserer Reise, die Orte der Begegnung und Gemeinschaft schaffen.

Ein Museum wie ein Zuhause

Das Louisiana Museum of Modern Art in Humlebæk, Dänemark, verkörpert seit seiner Gründung 1958 durch Knud W. Jensen beispielhaft, wie Besucherorientierung von Anfang an mitgedacht werden kann. Als eines der ersten Museen Dänemarks für zeitgenössische und moderne Kunst verfolgte das Louisiana Museum ein klares Ziel: Das Museum soll sich wie ein Zuhause anfühlen, wie der Besuch der Kunstsammlung eines entfernten Verwandten. Geschaffen wurde dafür ein ästhetisches Zusammenspiel zurückhaltender, moderner Architektur, zeitgenössischer Kunst und eindrucksvoller Natur, wodurch das Museum zum Wohlfühlort wird.

Heutiger Museumsdirektor Poul Erik Tøjner bringt die zentrale Philosophie auf den Punkt: Das Museum möchte „Gemeinschaft zwischen Menschen über Raum und Zeit hinweg schaffen“.

Neben dem Kunstgenuss überzeugte uns vor allem das umfangreiche Vermittlungsangebot: Leiterin der Bildung und Vermittlung Elisabeth Bodin zeigte uns den dreistöckigen Kinder-Flügel, der seit 1994 mit Werkstätten und Leseraum zum Ausprobieren und Mitmachen einlädt. Auch hier geht das Grundverständnis bereits auf den Gründer Jensen zurück, der Kinder als „die Zukunft des Museums“ verstanden wissen wollte. Darüber hinaus werden partizipative Projekte wie die „Young Nights“ ermöglicht, bei denen Jugendlichen selbst Veranstaltungen mit eigener Musikauswahl, Getränken und offenen Werkstätten organisieren. Mit seinem außergewöhnlich großen Members Club von 60.000 Mitgliedern schafft das Museum zudem eine starke Bindung zu seiner eigenen Community.

Diese Philosophie des „Zuhause-Gefühls“ prägt auch das Freilichtmuseum Den Gamle By, welches sich das Motto „Our home in time“ gibt. Das Museum bildet eine ganze Stadt mit begehbaren Wohnräumen, originalgetreu eingerichteten Läden und Straßenzügen aus verschiedenen Epochen ab. Besucher:innen können durch die alte Handelsstadt (1600–1900), die Moderne (1900–1927), die Ära Wohlfahrt und Liberalismus (1950–1974) und durch die Gegenwart (2000–2014) spazieren und in das jeweilige Leben eintauchen. Mit dem Konzept der „Living History“, wobei Schauspieler:innen als historische Personen auftreten, wird Geschichte hier lebendig und sinnlich erfahrbar.

In diesem Jahr hat Den Gamle By unter der neuen Direktorin Julie Rokkjaer Birch ihre Strategie für die nächsten fünf Jahre herausgegeben. Die Zukunftsvision basiert auf drei zentralen Prinzipien: Professionalität, wirtschaftliche Nachhaltigkeit und gesellschaftliche Relevanz. Ziel ist es, sowohl als führende touristische Attraktion zu überzeugen, als auch als sozialer Akteur in der Gesellschaft wirksam zu sein. Das Museum möchte mit seiner Arbeit aktiv zur nationalen Erzählung beitragen. Werte wie Neugier und Inklusion sowie großzügige Gastfreundschaft prägen das Selbstverständnis des Hauses: Ein vielfältiges Publikum soll sich willkommen fühlen und Erlebnisse mitnehmen, die ihre Erwartungen übertreffen.

Ein offenes Haus

Einen anderen Weg der herausragenden Gastgeberschaft beschreitet das Design Museum Danmark unter Direktorin Anne-Louise Sommer. Geleitet von der Überzeugung, dass ein Museum ein offener, inklusiver Ort ist, der aktiv auf die Gesellschaft wirkt, hat sie das Museum seit ihrer Berufung 2011 grundlegend transformiert. Sichtbares Zeichen dieser Haltung ist unter anderem der frei zugängliche Museumsgarten, der zum Verweilen einlädt und für vielfältige Veranstaltungen genutzt wird.

Die Öffnung hat das Design Museum nicht nur inhaltlich, sondern auch institutionell geprägt. Das Museum versteht sich heute als ein Team, in dem alle Mitarbeitenden mit eingebunden sind. Zudem wurde die Ausstellungsproduktion grundlegend neu aufgestellt: Noch 2011 wurden jährlich über 20 Ausstellungen gezeigt, wodurch wertvolle Ressourcen gebunden waren. Mittlerweile wurde dieser Rhythmus deutlich reduziert und trotzdem viel Wert auf Flexibilität gelegt: Das Museum setzt auf mittelfristig angelegte, wechselnde Ausstellungskapitel mit einer Laufzeit von drei bis fünf Jahren, die durch wenige, akzentuierte Sonderausstellungen ergänzt werden. Diese Struktur ermöglicht eine regelmäßige Aktualisierung der Inhalte.

Die Besucherzahlen belegen eindrucksvoll den Erfolg des Transformationsprozesses: Waren es 2011 noch rund 63.000 Besucher:innen, zählte das Museum 348.000 zahlende Gäste im Jahr 2024. Besonders bemerkenswert: 43 Prozent des Publikums sind unter 30 Jahre alt.

Mit Blick auf die Zukunft plant das Design Museum ein weiteres ambitioniertes Projekt: das Videnshus, ein Wissenszentrum, das Lernen auf allen Ebenen ermöglichen soll, vom Kindergarten bis zur universitären Forschung. Geplant sind unter anderem eine Bibliothek, ein Lesesaal, offene Werkstätten und multifunktionale Lernräume. Das Wissenshaus soll bis Ende 2026 fertiggestellt sein und das Museum um eine zentrale Bildungsdimension erweitern.

Persönliche Verbindung

Eine besonders eindrucksvolle Erfahrung unserer Reise war der Besuch der Human Library in Kopenhagen. Die vor 25 Jahren von Ronni Abergel gegründete Initiative schafft Räume für offene Gespräche über vorurteilsbehaftete und stigmatisierte Themen.

Heute ist die Human Library in 85 Ländern – unter anderem Deutschland und der Schweiz – aktiv und schafft mit einem globalen Netzwerk aus Freiwilligen Orte der Begegnung und des Lernens. Das Konzept: Menschen mit persönlichen Erfahrungen von Ausgrenzung, Diskriminierung oder schwierigen Lebensumständen stellen sich als sogenannte „menschliche Bücher“ zur Verfügung. Für 30 Minuten können sie in einem geschützten Rahmen, der zum Zuhören, Fragenstellen und echtem Verstehen einlädt, „ausgeliehen“ werden. Dabei geht es darum, sich von persönlichen Vorurteilen zu befreien und eine andere Lebensrealität kennenzulernen. Das Leitmotiv der Initiative lautet treffend: „Unjudge someone.“

Wir durften Gespräche führen mit Menschen, die Sucht überwunden haben, Fluchterfahrung besitzen oder offen über ihre sexuelle Identität sprachen. In diesen kurzen Begegnungen entstand eine überraschend intime und zugleich respektvolle Atmosphäre, die nachwirkt.

Die besuchten Institutionen zeigen: Erfolgreiche Gastgeberschaft entsteht durch Authentizität, Offenheit und Wertschätzung. Ob durch eine besondere Atmosphäre wie im Louisiana Museum, strategische Ausrichtung wie im Den Gamle By, institutionelle Öffnung wie im Design Museum Danmark oder persönliche Gespräche wie in der Human Library, Menschen fühlen sich willkommen. Inspiriert und beflügelt sind wir zurückgereist und nehmen die Erlebnisse mit in unsere Institutionen.

Learning from Others

Die Kulturstiftung der Länder hat das Programm „PRISMA – Programm zur Stärkung der Diversität und kulturellen Teilhabe an Museen“ ins Leben gerufen. Öffentlich getragene Museen aus ganz Deutschland können sich bewerben, am 15-monatigen Prozess teilzunehmen. Die beteiligten Museen erwarten Werkstätten, individuelle Beratung, Peer-to-Peer-Vernetzung und eine Konferenz. Weitere Informationen: https://www.kulturstiftung.de/prisma/

Wir sind sehr gespannt, mehr über den Prozess zu erfahren!

Vielen Dank für Ihr Interesse an der aktuellen Ausgabe von Spotlighting Museums! Wenn Ihnen die Ausgabe gefallen hat, empfehlen Sie uns gerne weiter.

Ich wünsche Ihnen einen schönen Sommer.

Herzliche Grüße

Sandra Richter, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

Welcome to the July issue of Spotlighting Museums. Just in time for the holiday season, we’re sharing inspiration from this year’s study trip of the “Relevant Museum” network to Denmark. From 24^th to 27^th June, participants from foundations and museums travelled to Copenhagen and Aarhus to explore examples of good practice in visitor orientation.

You can find more international examples of inspiring visitor orientation in our travel reports from previous years to the Netherlands and the United Kingdom.

After the wonderful collaboration on the study trip to the Netherlands, Diana Fehr from MuseoSpace accompanied us again this year. One of the aims of the trip was also to connect cross-border networks. This gave us the opportunity to learn about the EU project i-game first-hand and try out the associated game development platform. This guides users step by step through the creative process of game development. Game Thinking was the focus of the 2024 programme "Relevant Museum" curated by Christoph Brosius. The study trip provided an opportunity to build on this theme and learn about other exciting projects in this field, such as AMI and EPIC-WE.

In the following, we take a closer look at the Danish institutions we visited on our trip that create room for encounter and community.

A Museum Like a Home

Since its founding in 1958 by Knud W. Jensen, the Louisiana Museum of Modern Art in Humlebæk, Denmark, has exemplified how visitor orientation can be incorporated into the design from the very beginning. As one of Denmark's first museums for contemporary and modern art, the Louisiana Museum pursued a clear goal: the museum should feel like home, like visiting the art collection of a distant relative. To achieve this, an aesthetic interplay of understated, modern architecture, contemporary art and impressive nature was created, making the museum a place of well-being.

The current museum director, Poul Erik Tøjner, sums up the central philosophy: The museum wants to "create community between people across space and time".

In addition to enjoying the art, we were particularly impressed by the extensive educational programme: Elisabeth Bodin, Head of Education, showed us the three-storey children's wing, which has invited visitors to explore and participate since 1994 with its workshops and reading rooms. The underlying philosophy goes back to the museum’s founder, Jensen, who believed that children should be seen as “the future of the museum.” In addition, the museum facilitates participatory projects such as the “Young Nights,” where young people organize their own events with music of their choice, drinks, and open workshops. With its exceptionally large Members Club of 60,000 members, the museum also creates a strong bond with its own community.

This philosophy of "feeling at home" also characterises the Den Gamle By open-air museum, which has adopted the motto "Our home in time". The museum recreates an entire town with walk-in living spaces, faithfully restored shops and streets from different eras. Visitors can stroll through the old market town (1600–1900), the modern era (1900–1927), the era of welfare and broad-mindedness (1950–1974) and the present day (2000–2014) and immerse themselves in the life of each period. With the concept of "living history", in which actors portray historical figures, history comes alive and can be experienced with all the senses.

This year, Den Gamle By, under its new director Julie Rokkjaer Birch, has published its strategy for the next five years. The vision for the future is based on three central principles: professionalism, economic sustainability and social relevance. The aim is to be both a leading tourist attraction and an effective social player in society. Through its work, the museum seeks to actively contribute to the national narrative. Values such as curiosity and inclusion, as well as generous hospitality, shape the museum's self-image: a diverse audience should feel welcome and take away experiences that exceed their expectations.

An Open House

The Design Museum Denmark, under director Anne-Louise Sommer, is pursuing a different path to outstanding hospitality. Guided by the belief that a museum is an open, inclusive place that actively engages society, she has fundamentally transformed the museum since her appointment in 2011. One visible sign of this attitude is the freely accessible museum garden, which invites visitors to linger and is used for a variety of events.

This process of opening has shaped the Design Museum not only in terms of content, but also institutionally. Today, the museum sees itself as a team in which all employees are involved. In addition, exhibition production has been fundamentally reorganised: in 2011, more than 20 exhibitions were shown annually, tying up valuable resources. Since then, this pace has been significantly reduced, while maintaining a strong emphasis on flexibility. The museum now focuses on medium-term, rotating exhibition chapters lasting three to five years, complemented by a small number of carefully curated special exhibitions. This structure allows for the regular updating of content.

Visitor numbers impressively demonstrate the success of the transformation process: while there were around 63,000 visitors in 2011, the museum counted 348,000 paying guests in 2024. It is particularly remarkable that 43 percent of the audience is under 30 years old.

Looking to the future, the Design Museum is planning another ambitious project: the Videnshus, a knowledge centre that will enable learning at all levels, from kindergarten to university research. Plans include a library, a reading room, open workshops and multifunctional learning spaces. The knowledge centre is scheduled for completion by the end of 2026 and will add a central educational dimension to the museum.

Personal Connection

A particularly impressive experience on our trip was a visit to the Human Library in Copenhagen. Founded 25 years ago by Ronni Abergel, the initiative creates spaces for open discussions about prejudiced and stigmatised topics.

Today, the Human Library is active in 85 countries, including Germany and Switzerland, and creates places of encounter and learning with a global network of volunteers. The concept: people with personal experiences of exclusion, discrimination or difficult life circumstances make themselves available as so-called "human books". For 30 minutes, they can be "borrowed" in a safe space that encourages listening, asking questions and genuine understanding. The aim is to free oneself from personal prejudices and get to know a different reality of life. The initiative's motto is named: "Unjudge someone."

We had the opportunity to talk to people who have overcome addiction, experienced displacement or spoke openly about their sexual identity. These brief encounters created a surprisingly intimate and respectful atmosphere that left a lasting impression.

The institutions we visited showed that successful hospitality is based on authenticity, openness and appreciation. Whether through a special atmosphere like at the Louisiana Museum, strategic orientation like at Den Gamle By, institutional openness like at the Design Museum Denmark or personal conversations like at the Human Library, people feel welcome. We returned home inspired and energised, taking these unique experiences with us into our institutions.

Learning from Others

The Cultural Foundation of the German Federal States (Kulturstiftung der Länder) has launched the programme "PRISMA – Programme for Strengthening Diversity and Cultural Participation in Museums". Publicly funded museums from all over Germany can apply to take part in the 15-month process. The participating museums can expect workshops, individual advice, peer-to-peer networking and a conference. Further information: https://www.kulturstiftung.de/prisma/

We’re very excited to learn more about the process!

Thank you for your interest in the latest issue of Spotlighting Museums! If you enjoyed this issue, please feel free to recommend us to others.

I wish you a wonderful summer.

Kind regards,

Sandra Richter, Nordmetall Foundation

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Willkommen zur Juni-Ausgabe von Spotlighting Museums! Tom Koch, Kurator 2025 des Programmes «Das relevante Museum», nimmt Sie mit auf eine Reise zum Thema Zugehörigkeit und Gestaltung.

Es ist ein menschliches Bedürfnis, dieses Gefühl, Teil von etwas zu sein. Aber kann man das Gefühl der Zugehörigkeit auch gestalten?

Unser Thema Design for Belonging schließt nahtlos an das Konzept der Nutzer*innenzentrierung an, um das es in der letzten Ausgabe ging – und knüpft an die Frage an, wie Museen bewusste Gestaltungsprozesse einsetzen können, um Zugehörigkeit zu ermöglichen. In ihrem Buch «Design for Belonging» zeigt die US-amerikanische Designerin und Stanford-Professorin Susie Wise, dass Zugehörigkeit zwar nicht erzeugt werden kann, aber durchaus als Ergebnis bewusster Gestaltungsprozesse entstehen kann. In einem Workshop mit dem Netzwerk «Das relevante Museum» hat sie erläutert, wie Museen Designprinzipien gezielt einsetzen können.

Momente, die zählen

Fangen wir mit dem an, was wir eigentlich vermeiden wollen, und doch so oft erzeugen: das Gefühl, sich fremd zu fühlen und nicht dazu zu gehören. Dieses Othering kennen wir alle – der erste Tag in der neuen Schule; die Party, auf der man keinen kennt; das Fußballfachgespräch im Freundeskreis, bei dem wir nur ‚Bahnhof‘ verstehen. Ein Gefühl der Unsicherheit, des Anderseins, ein Dummy unter Insidern. In der Besucher*innenforschung wird immer wieder gezeigt, dass sich besonders junges Publikum in der Hochkultur fremd fühlt und deshalb selten kommt, sei es aufgrund der Sprache, der Kleidung oder des Verhaltens (Bitte kein Applaus zwischen den Sätzen). Othering ist also eine ernsthafte Herausforderung für viele Kultureinrichtungen.

„Museum people know that they are building places for a wide range of people to learn and grow. It's the nature of the beast. And yet, many people do not feel as much belonging as they could in museums.“ (Susie Wise)

Zugehörigkeit entsteht laut Wise in sogenannten Moments of Belonging. Diese neun Schlüsselmomente beschreiben Phasen, die man durchläuft – von der Einladung bis zum Auseinandergehen.

Für Museen stellt sich dabei zum Beispiel die Frage: Wie formulieren wir unsere Einladung? Wie fühlt es sich an, den ‚Musentempel‘ zum ersten Mal zu betreten? Wird man bei der Orientierung unterstützt oder wird erwartet, dass man sich auskennt? Kann man sich beteiligen oder soll man Abstand halten? Im Code-Switching etwa geht es um den Moment, in dem wir unser Verhalten ändern müssen, um dazu zu gehören oder wenigstens nicht negativ aufzufallen – zum Beispiel von draußen (laut, schnell, oberflächlich) nach drinnen (leise, langsam, andächtig). Es kann ein großer, mentaler Aufwand sein, sich derart bewusst oder unbewusst umzustellen, besonders für Museumsneulinge. Auch interessant: Wie gehen wir mit Widerspruch um? Wie ‚reparieren‘ wir einen Konflikt? Und wie gestalten wir das Verlassen des Museums? Wird man abends mit einer Durchsage förmlich aufgefordert, das Museum zu verlassen oder von wirklich freundlichem Personal eingeladen, bald wieder zu kommen? Häufig sind es diese Kleinigkeiten…

Ein Hebel für Veränderung

Hat man die Momente identifiziert, bietet Susie Wise eine ganze Reihe sogenannter Design-Hebel (Levers of Design) an, um das Erlebnis bewusst zu gestalten, von den Räumen bis zur Kleidung.

Ein paar konkrete Beispiele: Das Museum im dänischen Schloss Frederiksborg ermöglicht es Kindern, in den Kleidern der höfischen Sprösslinge durch die Säle zu schlendern. Wo andernorts eher lieblose Sperrholzwände mit Aussparungen zum Erinnerungsfoto „einladen“, wird hier glaubhaft signalisiert: „Du bist gemeint, das hier ist für Dich“. Die Stuttgarter Staatsgalerie machte Besuchende zu Detektiven, als sie 2020 Banksys berühmtes „Schredderbild“ (Love is in the Bin) durch die Sammlung wandern ließ. In der Weserburg Museum für moderne Kunst in Bremen wurden einige Werke mithilfe von Illustrator*innen zu sprechenden Comichelden, die Kinder und Jugendliche durch die Ausstellung begleiteten. In diesen Beispielen wurden den Besuchenden mithilfe der Design-Hebel Kleidung, Rolle oder Kommunikation Angebote gemacht, die zu einem Gefühl der Zugehörigkeit führen könnten.

Ein anderer Blickwinkel

Laut Susie Wise liegt der erste Schritt darin, die Moments of Belonging zu erkennen und nach bewussten oder unbewussten Schlüsselmomenten – auch des Otherings – zu fahnden.

„If the professionals can take up the work of designing for belonging, thinking and learning about who feels belonging in their exhibition spaces and who does not, and why, then they really make more inclusive museum experiences.“

Einen Einstieg kann die Belonging Journey Map liefern. Sie kann im Museumsteam, aber auch gemeinsam mit dem Publikum genutzt werden, um nach Momenten der Zugehörigkeit zu suchen (z. B. durch eine Feedbackmöglichkeit am Ausgang).

Im zweiten Schritt können die Levers of Design helfen, gezielt nach Gestaltungsmöglichkeiten zu suchen. Dafür kann eine einfache Frage gestellt werden: „Wie könnten wir…“.

Am Beispiel von Schloss Frederiksborg könnte die Frage gelautet haben: „Wie könnten wir das Gefühl von Zugehörigkeit für Kinder und ihre Eltern fördern, indem wir auf Partizipation schauen und dafür Kleidung nutzen?

Design for Belonging kann übrigens auch für Mitarbeiter*innen oder Kooperationspartner*innen genutzt werden - denn auch sie durchlaufen die Phasen des Prozesses. Es dürfte der Organisationskultur jedenfalls guttun, wenn der Arbeitsplatz Museum unter einem Blickwinkel der Zugehörigkeit betrachtet wird.

Fazit: Gestaltung mit Wirkung

Zugehörigkeit mag ein Gefühl sein, das man nicht direkt herstellen kann. Sie ist aber auch kein Zufall, sondern kann entstehen, wenn Schlüsselmomente des Besuchserlebnisses durch gezielte Design-Hebel so gestaltet werden, dass sich Menschen darin wiederfinden. Design for Belonging bietet dafür ein praxisnahes Modell, das sich hervorragend auf den Museumsalltag übertragen lässt. Vielleicht noch wichtiger könnte es sein, sich von Susie Wise zu einer Haltung inspirieren zu lassen, in der das Erleben und die Gefühle des Publikums im Mittelpunkt der Arbeit stehen.

Herzliche Grüße,
Tom Koch, Jahreskurator 2025 des Programmes “Das relevante Museum“

50 Ausgaben Spotlighting Museums – Zeit für einen Blick zurück und einen nach vorn!

Seit 2021 beleuchten wir mit Spotlighting Museums spannende Menschen, Projekte und Ideen rund ums Museum. Welche Themen würden Sie sich für die nächsten 50 Ausgaben wünschen? Schreiben Sie uns – oder abonnieren Sie den Newsletter, um nichts zu verpassen!

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Hier ein kleiner Rückblick auf die erste, zehnte, zwanzigste, dreissigste und vierzigste Ausgabe:

Spotlighting Museums, vol. 1
16. März 2021, Katja Stark.
Innovation im Museum - Innovation in Museums

Spotlighting Museums, vol. 10
28. Januar 2022, Katja Stark
Neue Perspektiven - New Perceptions

Spotlighting Museums, vol. 20
29. November 2022, Katja Stark
Innovationsräume gestalten - MuseoSpace - Designing Space for Innovation

Spotlighting Museums, vol. 30
31. Oktober 2023, Christine Müller Stalder
Teilhabe – mit Kindern Orte der Zukunft gestalten / Participation - designing places for the future with children

Spotlighting Museums, vol. 40
31. Juli 2024, Sandra Richter
Community Building in den Niederlanden – Community Building in the Netherlands

Herzliche Grüsse aus Winterthur und vielen Dank, dass Sie Spotlighting Museums begleiten,

Christine Müller Stalder, Stiftung für Kunst, Kultur und Geschichte (SKKG)

English Version

Spotlighting Museums, vol. 50

Design for Belonging - Museums and the Feeling of Belonging

Welcome to the June issue of Spotlighting Museums! Tom Koch, Curator 2025 of the "Relevant Museum" programme, takes you on a journey on the subject of belonging and design.

It is a human need, this feeling of being part of something. But is it possible to shape this feeling of belonging?

Our topic of Design for Belonging ties in seamlessly with the concept of user-centredness, which was the focus of the last issue - and ties in with the question of how museums can use conscious design processes to enable belonging. In her book "Design for Belonging", US designer and Stanford professor Susie Wise shows that although belonging cannot be created, it can certainly be the result of conscious design processes. In a workshop with the network "Relevant Museum", she explained how museums can utilise design principles in a targeted manner.

Moments that Count

Let's start with what we actually want to avoid and yet so often create: the feeling of being a stranger and not belonging. We are all familiar with this Othering - the first day at a new school; the party where you don't know anyone; the football talk among friends where we only understand what's going on. A feeling of insecurity, of being different, a dummy among insiders. Visitor research has shown time and again that young audiences in particular feel alienated in high culture and therefore rarely come, be it because of the language, clothing or behaviour (no applause between sentences, please). Othering is therefore a serious challenge for many cultural institutions.

"Museum people know that they are building places for a wide range of people to learn and grow. It's the nature of the beast. And yet, many people do not feel as much belonging as they could in museums." (Susie Wise)

According to Wise, belonging arises in so-called Moments of Belonging. These nine key moments describe the phases that people go through - from the invitation to the parting.

For museums, questions arise, such as: How do we formulate our invitation? How does it feel to enter the 'temple of the muses' for the first time? Will you be helped to find your way around or are you expected to know your way around? Can we participate or should we keep our distance? Code-Switching, for example, is about the moment when we have to change our behaviour in order to fit in or at least not attract negative attention - for example, from outside (loud, fast, superficial) to inside (quiet, slow, reverent). It can take a lot of mental effort to consciously or unconsciously change your behaviour in this way, especially for newcomers to museums. Also interesting: How do we deal with contradiction? How do we 'repair' a conflict? And how do we organise leaving the museum? Are you formally asked to leave the museum in the evening with an announcement or are you invited to come back soon by really friendly staff? It's often these little things...

A Lever for Change

Once you have identified the moments, Susie Wise offers a whole series of so-called design levers (Levers of Design) to consciously shape the experience, from the rooms to the clothing.

A few concrete examples: The museum at Frederiksborg Castle in Denmark allows children to stroll through the halls in the clothes of courtly offspring. Whereas elsewhere, rather loveless plywood walls with cut-outs "invite" visitors to take a souvenir photo, here it is credibly signalled: "You are meant, this is for you". The Staatsgalerie in Stuttgart turned visitors into detectives when they let Banksy's famous "shredder painting" (Love is in the Bin) wander through the collection in 2020. At the Weserburg Museum of Modern Art in Bremen, some works were transformed into talking comic-heroes with the help of illustrators, who accompanied children and young people through the exhibition. In these examples, the design levers of clothing, role or communication were used to offer visitors opportunities that could lead to a sense of belonging.

A Different Perspective

According to Susie Wise, the first step is to recognise the Moments of Belonging and to search for conscious or unconscious key moments - also of Othering.

"If the professionals can take up the work of designing for belonging, thinking and learning about who feels belonging in their exhibition spaces and who does not, and why, then they really make more inclusive museum experiences."

The Belonging Journey Map can provide an introduction. It can be used in the museum team, but also together with the audience, to search for moments of belonging (e.g. through a feedback option at the exit).

In the second step, the Levers of Design can help to specifically search for design options. A simple question can be asked: "How could we...".

Using Frederiksborg Castle as an example, the question might have been: "How could we promote a sense of belonging for children and their parents by focussing on participation and using clothing for this?

Design for Belonging can also be used for employees or cooperation partners - because they also go through the phases of the process. In any case, it should be good for the organisational culture if the museum workplace is viewed from the perspective of belonging.

Conclusion: Design with Effect

Belonging may be a feeling that cannot be created directly. However, it is also not a coincidence, but can arise when key moments of the visitor experience are using targeted design levers in such a way that people recognise themselves in them. Design for Belonging offers a practical model for this that can be easily transferred to everyday museum life. Perhaps it could be even more important to be inspired by Susie Wise to adopt an attitude in which the experience and feelings of the audience are at the centre of the work.

Kind regards
Tom Koch, Annual Curator 2025 of the programme "Relevant Museum"

50 Issues of Spotlighting Museums - Time to Look Back and Forward!

Since 2021, Spotlighting Museums has been shedding light on exciting people, projects and ideas relating to museums. What topics would you like to see in the next 50 issues? Write to us - or subscribe to the newsletter to make sure you don't miss anything!

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Here is a brief look back at the first, tenth, twentieth, thirtieth and fortieth issues:

Spotlighting Museums, vol. 1
16 March 2021, Katja Stark.
Innovation in the museum - Innovation in Museums

Spotlighting Museums, vol. 10
28 January 2022, Katja Stark
New Perspectives - New Perceptions

Spotlighting Museums, vol. 20
29 November 2022, Katja Stark
Designing innovation spaces - MuseoSpace - Designing Space for Innovation

Spotlighting Museums, vol. 30
31 October 2023, Christine Müller Stalder
Teilhabe - mit Kindern Orte der Zukunft gestalten / Participation - designing places for the future with children

Spotlighting Museums, vol. 40
31 July 2024, Sandra Richter
Community Building in the Netherlands - Community Building in the Netherlands

Best wishes from Winterthur and thank you for accompanying Spotlighting Museums,

Christine Müller Stalder, Foundation for Art, Culture and History (SKKG)

Willkommen in der Maiausgabe von Spotlighting Museums, in der wir einen Blick in „Leaning into Value – Becoming a User-Focused Museum“ werfen, der neuesten Publikation des renommierten Museumsexperten John H. Falk.

Für alle, die neu dabei sind: Herzlich willkommen! In unserem Programm „Das relevante Museum“ steht die Besucherorientierung im Zentrum und damit alles, was auf sie einzahlt: In unseren Ausgaben von Spotlighting Museums berichten wir über unseren gemeinsamen Prozess von zwei Stiftungen und 18 Museen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz, laden andere dynamische Netzwerke ein, ihr Wissen weiterzugeben und beleuchten besucherzentrierte Ansätze aus der Praxis. Regelmäßig schauen wir dabei auch in die Forschung.

Heute geht die dreitägige Konferenz „Connected Audience“ im Berliner Theater Strahl zu Ende. Knapp 200 Teilnehmende aus 19 Nationen kamen zusammen, um sich vorrangig mit der Ansprache und Einbindung von jungen Menschen zu befassen. Das „Institut für Kulturelle Teilhabeforschung“ brachte internationale Expertinnen und Experten aus Forschung, Praxis und Kulturpolitik zusammen und wird die Ergebnisse publizieren. Einer der Hauptpartner der Konferenz ist das US-amerikanische „Institute for Learning Innovation“. Gründer dieses Forschungs- und Beratungsinstituts ist John H. Falk, der sich seit Jahrzehnten mit Fragen der Nutzerzentrierung beschäftigt. Seine umfangreiche Publikationsliste legt davon Zeugnis ab.

2022 haben wir in unserer 17. Ausgabe von Spotlighting Museums John H. Falks Buch „The Value of Museums: Enhancing Societal Well-Being (2022)“ vorgestellt, in dem er den Mehrwert und die langfristige maßgebliche Wirkung eines Museumsbesuchs beleuchtet. Im Interview erläuterte er, wie Museen auf das Wohlbefinden Einzelner, von Communities und der Gesellschaft, einzahlen. Für ihn sind dabei vier Dimensionen entscheidend: die Körperliche, die Soziale, die Intellektuelle und die Persönliche.

Seine neuste Publikation „Leaning into Value: Becoming a User-Focused Museum (2025)“ knüpft daran an und richtet sich vor allem an Museumsleitungen. Mit seinem „Value Realisation Framework“ gibt er praxisorientierte Unterstützung für Transformationsprozesse von einem eher werkzentrierten Museum hin zu einem menschen- bzw. nutzerfokussierten Museum. Falk war in seiner umfangreichen langjährigen Forschung zu der Erkenntnis gekommen, dass allein eine bereichernde Erfahrung eines Museumsbesuches, und damit die Basis für eine positive Erinnerung, die Menschen zu einer Rückkehr und einer Bindung an die Institution motivieren kann. Ein gutes Verständnis der Nutzerbedarfe innerhalb des „Museum Experience Cycle“ muss daher im Vordergrund stehen, anstatt sich von einem auf eigenen Präferenzen und Intuition beruhenden Experience Design leiten zu lassen.

In den zahlreichen Gesprächen und Interviews mit über 50 internationalen Museumsexpertinnen und -experten, die Falks Buch zugrunde liegen, wird für ihn deutlich, dass Konsens im Museumssektor zu herrschen scheint darüber, dass Museen sich in Zeiten von Unsicherheiten und Polykrisen verändern sowie kollaborativer und inklusiver ausgerichtet sein müssen. Dieser Prozess wird auch nicht irgendwann abgeschlossen sein, vielmehr wird die Auseinandersetzung mit Veränderungen, unabhängig von Rolle und Position, Teil des Alltags aller sein.

Seine zehn Grundsätze, die für ihn der Schlüssel zu einem nutzerzentrierten Museum sind, entwickelt er weiter und benennt sie wie folgt:

Die Relevanz eines zukunftsorientierten Museums ist damit weniger von der Ausrichtung an der eigenen Mission oder Zielsetzung oder der Lieferung von Inhalten, als vielmehr von der möglichen Bereicherung der Lebenswelt der Menschen abhängig.

Entscheidend für den Erfolg eines Museums ist die Wirkung, die es bei seinem Publikum erzielt. John H. Falk skizziert anhand dieses Verständnisses einen Handlungsrahmen, der zeigt, wie Museen ihren Erfolg daten- und evidenzbasiert messen können. Weiter beschreibt er, wie sich das Museum in enger Verbindung mit seinen tatsächlichen und potenziellen Nutzern, Mitarbeitenden, Führungs- und Fördergremien in einem fortwährend kollaborativen Prozess der Co-Kreation weiterentwickeln muss, um tatsächlich zukunftsfähig zu bleiben. Im Rahmen dieses dynamischen Prozesses, dem „Value Realisation Process“ richtet das Museum Strukturen, Angebote und Services an den erfassten Bedürfnissen und Interessen der Nutzer aus. Dies sichert, im Ergebnis ein vielfältigeres Publikum zu erreichen und damit einen gesellschaftlichen Mehrwert zu kreieren.

Diese vier Phasen des Prozesses beschreibt er folgendermaßen:

Calibrate – Anpassen

Die Organisation lässt sich auf ständigen Wandel der Nutzerbedürfnisse ein und adaptiert seine Angebote. Das erfordert die Änderung der Ausrichtung in Fokus und Erfolgsmessung, hin zu einem „User-First-Frame of Mind“. Damit ist die Zielbeschreibung nicht mehr vorrangig an den Fragen der Sammlung und Konservierung des Kulturerbes ausgerichtet, sondern an den Bedarfen und Werten der Nutzer.

Articulate – Artikulieren

Alle werden befähigt, den eigenen Mehrwert immer wieder neu zu finden, zu benennen und zu kommunizieren und auf diesen dann in allen Bereichen der Organisation einzuzahlen. Das bedeutet, dass die gesamte Organisation, in all ihrer Komplexität, in den Prozess einbezogen wird.

Create – Kreieren

Ein werteorientiertes Ökosystem entsteht, zu dem Nutzer, Mitarbeitende, Leitungen und Förderung gehören. Die „User Experience“ wird dann weniger in kurzfristigen Interaktionen als in längerfristiger Bindung und echten vertrauensbasierten Beziehungen und Erfüllung von gesellschaftlichen Bedürfnissen gedacht.

Validate – Validieren

Die Aktivitäten und Services werden empirisch untersucht, verstärkt oder messbar weiterentwickelt. So ist es möglich, den gesellschaftlichen Mehrwert von Jahr zu Jahr im „Value Realisation Process“ zu steigern. Dabei geraten bekannte Parameter für Erfolg – wie die erreichte Anzahl von Personen oder realisierter Veranstaltungen – in den Hintergrund, zugunsten von verhaltens- oder lebensverändernden Auswirkungen, der Steigerung des Wohlbefindens, der bereichernden sozialen Erfahrungen wie Kooperation, Zugehörigkeit oder Zusammenhalt.

Dieser dynamische, sich wiederholende Prozess kann Museen ermutigen, ihre gesellschaftliche Relevanz kontinuierlich neu zu denken – nicht als statisches Ziel, sondern als fortlaufende, gemeinschaftliche Aufgabe mit und für ihr Publikum.

Das Programm „Museen als Partner für Fortschritt“ (MaP³)

Seit Jahresbeginn begleitet John H. Falk mit seiner Expertise das „Museums as Progress Programm (MaP³)“. Das Programm verfolgt einen forschungsorientierten Ansatz, um Museen bei der Entwicklung und Umsetzung einer nutzerorientierten Strategie zu unterstützen. Ein Führungskräftenetzwerk ist das Herzstück dieses Programms. Zentral sind die Zusammenarbeit und das Lernen unter Gleichgesinnten. Das Bewerbungsportal für US-amerikanische Museumsexperten ist aktuell für den zweiten Durchlauf geöffnet. Der nächste Jahrgang startet im Januar 2026. Wir werden die Entwicklungen neugierig für Sie verfolgen.

Was gibt es bei uns Neues im Programm? Was bewegt unsere Museumspartner?

Das Freilichtmuseum Molfsee lädt zum 60. Geburtstag ein. Die Landeseinrichtung bei Kiel begeht das Jubiläum seit April mit der Pflanzung von 60 neuen Bäumen und schließt mit einer Feier am 19. Juni 2025 unter dem Titel „Staub und Konfetti“ an. Zwei neue Dauerausstellungen werden an diesem Tag eröffnet: „Gespeichert. Das Freilichtmuseum im Fokus“ im historischen Speicher Piehl und „Wind. Launischer Begleiter, stete Kraft“ in der Windmühle aus Hollingstedt. Wir gratulieren sehr herzlich!

Was ist bei den programmtragenden Stiftungen los?

Mein Kollege von der SKKG, Andreas Geis und ich waren, eingeladen von Eike Holst von der Hamburger Firma Consensa, bei der Frühjahrestagung des Arbeitskreis Verwaltungsleitung und der Fachgruppe Kulturhistorische Museen und Kunstmuseen. Diese Veranstaltung ging auf in der Tagung „Museen stärken Demokratie“ des Deutschen Museumsbundes in Chemnitz. Zu Gast in den Kunstsammlungen Chemnitz haben wir, eingebettet in einen Workshop, „Das relevante Museum“ vorgestellt.

Gleichzeitig stehen wir kurz vor der Präsentation der Evaluationsergebnisse unseres fünfjährigen Programmes. Durchführende Forschungs- und Beratungsorganisation ist educult aus Wien. Die Resultate werden aufzeigen, inwieweit sich unsere Selbstpositionierung als lernendes System, in dem wir uns gemeinschaftlich dafür einsetzen, für möglichst viele unterschiedliche Menschen bedeutsame Museumserlebnisse zu erschaffen, dem Realitätscheck standhalten kann.

Unsere Erkenntnisse teilen wir selbstverständlich mit Ihnen. Wir danken Ihnen für Ihr Interesse. Begleiten Sie uns weiter und wenn Sie jemanden kennen, der zu unserer Spotlighting Museums Community gut passen könnte, leiten Sie dieser Person Ihre eigene Lieblings-Ausgabe weiter. Alle Ausgaben lassen sich im Archiv abrufen.

Ich grüße Sie herzlich aus Norddeutschland

Katja Stark, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

Welcome to the May edition of Spotlighting Museums, where we take a look at “Leaning into Value – Becoming a User-Focused Museum”, the latest publication by renowned museum expert John H. Falk.

For those joining us for the first time: Welcome! In our programme “Relevant Museum”, visitor orientation is at the heart of everything we do. This includes all the factors that support it. In our newsletter Spotlighting Museums, we share insights from our joint process involving two foundations and 18 museums from Germany, Austria, and Switzerland. We invite other dynamic networks to share their knowledge and highlight user-centered approaches in practice. We also regularly delve into relevant research.

Today marks the end of the three-day “Connected Audience Conference” at Theater Strahl in Berlin. Nearly 200 participants from 19 countries gathered to focus primarily on engaging and including young people. Organized by the “Institute for Research on Cultural Participation” in Berlin, the event brought together international experts from research, practice, and cultural policy. The results will be published. One of the key partners of the conference is the “Institute for Learning Innovation” in the US The institute was founded by John H. Falk, who has been dedicated to user-focused approaches in museums for decades. His extensive list of publications speaks for itself.

In our 17th edition of Spotlighting Museums in 2022, we featured Falk’s book “The Value of Museums: Enhancing Societal Well-Being (2022),” where he explores the added value and long-term impact of museum visits. In our interview, he explained how museums contribute to the well-being of individuals, communities, and society. He identified four key dimensions: physical, social, intellectual, and personal.

His newest publication, “Leaning into Value: Becoming a User-Focused Museum (2025),” builds on this foundation and is primarily aimed at museum leadership. With his “Value Realisation Framework”, Falk provides practical guidance for transitioning from an object-centered to a people- or user-focused museum. His long-term research led him to conclude that a museum visit's enriching experience and the resulting positive memory, can motivate people to return and form a lasting bond with the institution. A good understanding of user needs within the “Museum Experience Cycle” must therefore take priority, rather than being guided by experience design based on personal preferences and intuition.

In the numerous conversations and interviews with over 50 international museum experts on which Falk's book is based, he finds broad consensus in the sector: in times of uncertainty and multiple crises, museums must evolve to become more collaborative and inclusive. This transformation is not a one-time event, but an ongoing process that everyone, regardless of role or position, must continuously engage in.

Falk further develops his ten principles, which he sees as key to creating a user-focused museum:

The relevance of a future-orientated museum is therefore less dependent on its alignment with its own mission or objectives or the delivery of content, and more on the potential enrichment of people's lives.

The decisive factor for the success of a museum is the effect it has on its audience. John H. Falk outlines a framework for action based on this understanding, showing how museums can measure success through data and evidence. He further explains how museums must evolve in close collaboration with actual and potential users, staff, leadership, and funders in an ongoing co-creative process to remain future-ready. Within this dynamic “Value Realisation Process”, the museum aligns its structures, offerings, and services with users’ identified needs and interests. This approach helps reach more diverse audiences and creates greater societal value.

He defines the four phases of this process as:

Calibrate
The organisation embraces the constant evolution of user needs and adapts its offerings accordingly. This requires a shift in focus and success metrics toward a user-first frame of mind. The primary goal is no longer the collection and conservation of cultural heritage but responding to users’ needs and values.

Articulate
Everyone in the organisation is empowered to identify, articulate, and communicate their unique value—and to contribute to it in all areas. This means the entire organisation, in all its complexity, is involved in the process.

Create
A values-based ecosystem emerges, involving users, staff, leadership, and funders. The user experience is seen not just as a series of short-term interactions, but as a longer-term commitment built on trust, relationships, and meeting societal needs.

Validate
Activities and services are empirically assessed, strengthened, or developed further in measurable ways. This allows the societal value of museums to increase year by year through the Value Realisation Process. Traditional success metrics – such as the number of people reached or events realised – fade into the background, giving way to outcomes like behaviour or life changes, enhanced well-being, and enriching social experiences such as cooperation, belonging, or cohesion.

This dynamic process encourages museums to continually rethink their social relevance – not as a static goal, but as an ongoing, collective endeavor with and for their users.

The “Museums as Progress” (MaP³) Partner Programme

Since the beginning of the year, John H. Falk has been bringing his expertise to the “Museums as Progress Programme (MaP³)”. This research-oriented initiative supports museums in developing and implementing user-focused strategies. A leadership network lies at the heart of the programme, emphasizing collaboration and peer learning. The application portal for US-based museum professionals is currently open for the second round. The next cohort will begin in January 2026. We’ll be following its developments with great interest.

What's New in Our Programme? What's Happening with Our Museum Partners?

The Molfsee Open-Air Museum invites you to its 60th birthday. The state-run institution near Kiel has been celebrating the anniversary since April with the planting of 60 new trees and will conclude with a celebration on June 19, 2025, entitled “Dust and Confetti.” Two new permanent exhibitions will open on this day: “Stored. The Open-Air Museum in Focus” in the historic Piehl warehouse and “Wind. Capricious Companion, Constant Force” in the windmill from Hollingstedt. We send our heartful congratulations!

What's Happening at the Foundations Supporting the Programme?

My colleague from SKKG, Andreas Geis, and I were invited by Eike Holst from the Hamburg-based company Consensa to attend the spring conference of the Working Group on Administrative Management and the Specialist Group on Cultural History Museums and Art Museums. This event was part of the conference “Museums Strengthen Democracy” organized by the German Museum Association in Chemnitz. As guests at the Kunstsammlungen Chemnitz, we presented “Relevant Museum” as part of a workshop.

At the same time, we are about to present the evaluation results of our five-year programme. The research and consulting organisation responsible for the evaluation is educult from Vienna. The results will show to what extent our self-positioning as a learning system, in which we work together to create meaningful museum experiences for as many different people as possible, can stand up to the reality check.

We will of course share our findings with you. Thank you for your interest. Please continue to follow us and if you know anyone who might be interested in our Spotlighting Museums Community, please forward your favorite issue to them. All issues can be accessed in the archive.

Warm regards from northern Germany

Katja Stark, NORDMETALL Foundation

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Wie bleibt ein Museum in turbulenten Zeiten standhaft – und gleichzeitig beweglich? Wie gelingt es, nicht nur Widerstandsfähigkeit zu zeigen, sondern sich auch flexibel auf neue Bedingungen einzustellen?

Willkommen zur April-Ausgabe von Spotlighting Museums! Nachdem sich Sandra Richter im letzten Newsletter dem Thema Resilienz gewidmet hatte, richten wir unseren Blick heute auf die andere Seite der Medaille: die Anpassungsfähigkeit. Stabilität und Beweglichkeit - das klingt nach einem Widerspruch, und doch ist es genau das „Yin und Yang“, denen moderne Organisationen folgen.

Tom Koch, unser diesjähriger Kurator des Programms „Das relevante Museum“, zeigt auf, wie Museen von agilen Prinzipien profitieren können, was es dabei zu beachten gilt, und was Museen von einem Fußballverein lernen können.

Haben Sie, liebe Leserin und lieber Leser, beim Wort „Agilität“ ein kleines inneres Zucken verspürt? Das wäre Ihnen keineswegs zu verdenken, denn der Begriff läuft zunehmend Gefahr, zur hohlen Phrase zu werden. Dabei lohnt es sich, genauer hinzuschauen: Was steckt wirklich hinter Agilität? Allem voran geht es um eine Einstellung oder eine Haltung, dem agilen Mindset. Das agile Mindset folgt zwölf Prinzipien:

Abb. 1: Die zwölf Prinzipien des agilen Managements

Agil arbeiten im Museum?

Agile Organisationen sagen beherzt „Ja“ zu agilen Werten wie menschlicher Interaktion, exzellenter Leistung, Zusammenarbeit mit Besuchenden und der Bereitschaft zur Veränderung. Klingt überzeugend – wer mag dem schon widersprechen? Doch diese Werte bringen weitreichende Konsequenzen mit sich. Sie fordern Selbstorganisation und Eigenverantwortung statt Hierarchie und Weisung („Sag mir, was ich tun soll“), Loslassen statt Festhalten („Früher war alles besser“), Besucherzentriertheit statt Belehrung („Rezipiere und sei dankbar“), Vertrauen statt Kontrolle („Das bestimme immer noch ich“) und eben Veränderung statt Stillstand („Das haben wir schon immer so gemacht“).

Dass Agilität in Museen nicht ohne Weiteres umzusetzen ist, zeigt das Beispiel des Berliner Stadtmuseums. Auch andere Stimmen fragen sich: Ist Agiles Management mehr Hype als Befreiung? Und kann aus einer traditionellen Hierarchie ein Netzwerk selbstorganisierter Teams entstehen?

Die Antwort: Selbstverständlich muss nicht agil gearbeitet werden. Agiles Management ist vor allem dort gefragt, wo Anforderungen unklar und das Vorgehen unerprobt ist, wo Herausforderungen nicht nur kompliziert, sondern komplex, und mit konventionellen Mitteln nicht mehr zu bewältigen sind – dort kann eine Agilität eine echte Chance sein.

Selbst Beweglichkeit braucht einen Rahmen

Was leicht vergessen wird: Auch eine agile Organisation braucht Orientierung, braucht einen Rahmen und einen Leitstern, das sogenannte „Agile Zielbild“. Im Wesentlichen liegt die Herausforderung darin, die häufig qualitativ formulierten normativen und strategischen Ebenen (siehe hierzu bspw. der Leitfaden des DMB) in eine konkrete Planung zu übersetzen und mithilfe von messbaren Zielen zu operationalisieren. Eine hilfreiche Methode hierfür ist OKR – „Objectives & Key Results“.

Abb. 2: Die Leitbildpyramide im agilen Management

Das Beispiel Werder Bremen

Was können Museen von einem Fußballclub über strategische Zielarbeit lernen? Eine ganze Menge – wie wir im diesjährigen Programm „Das relevante Museum“ am Beispiel von Werder Bremen gesehen haben. Raphael Vogt, Leiter der Stabsabteilung Strategie, hat den Verein mit 125-jähriger Tradition als Agile Coach zu einer agilen Organisation geformt.

Was hat Werder getan? Am Anfang stand eine einfache, aber wichtige Erkenntnis: Zukunftsfähigkeit entsteht nicht, wenn man sich ausschließlich vom Dringenden (Tagesgeschäft) treiben lässt. Wer sich strategisch ausrichten will, muss sich bewusst Zeit für das Wichtige nehmen. Genau das hat Werder Bremen getan – die Organisation hat es geschafft, strategische Themen in konkrete Maßnahmen zu übersetzen: Die Ziele der Gesamtorganisation werden in Bereichsziele und weiter in Teamziele heruntergebrochen und schließlich den einzelnen Mitarbeitenden zugeordnet. Das Besondere: Im Gegenstromverfahren fließen die Rückmeldungen der Teams wieder zurück nach oben. So werden die „Top-Down-Ziele“ gewissermaßen wieder „Bottom-Up“ zusammengesetzt.

Mithilfe der OKR-Methode werden die Ziele „portioniert“ und in Drei-Monats-Zyklen bearbeitet. Nichts wird auf die lange Bank geschoben, alles bleibt im Fluss. In einem festen Rhythmus wird alle drei Monate in einem zweitägigen Workshop zunächst reflektiert, was gut lief und was die Ziele für den kommenden Zyklus sein sollen. So wird die Organisation „verzahnt“ und alle wissen, woran sie sind. Keine Doppelstrukturen, keine Ad-Hoc-Ziele, keine Silos. Dafür mehr Fokus, Transparenz und gemeinsames Lernen.

Raphael Vogt berichtet:

„Es klingt zunächst nach viel Aufwand, aber Dank des Planungsprozesses haben wir den täglichen Abstimmungsaufwand (und damit unnötige Meetingzeit) drastisch reduziert. Die kurzen Zyklen ermöglichen größere Anpassungsfähigkeit, Reaktionsgeschwindigkeit und Fokussierung auf das, was wichtig ist.“

Abb. 3: Raphael Vogt

Die richtigen Dinge tun

Agilität heißt nicht: schneller arbeiten. Es heißt: besser zusammenarbeiten.

Agilität heißt nicht: jede Änderung sofort umsetzen. Es heißt: strategisch umsetzen.

Agilität heißt nicht: in alle Richtungen bewegen. Es heißt: in Richtung der Ziele bewegen.

Diese Tipps hat uns Raphael Vogt mit auf den Weg gegeben:

1. Alle zusammen. Die Veränderung zur agilen Organisation ist keine Kleinigkeit, sie erfordert einen ganzheitlichen Ansatz.

2. Agile Führung. Agilität beginnt mit der Bereitschaft, Verantwortung abzugeben. Agile Organisationen sind kein guter Ort für Machtmenschen (und umgekehrt).

3. Konflikte gehören dazu. In Veränderungsprozessen kommt es zu Reibungen. Das ist ok. Gegenseitiges Vertrauen, dass der Weg notwendig und richtig ist, bildet die Grundlage für starke kollegiale Beziehungen.

4. Eine Kultur des Lernens. Agil zu sein heißt auch, Schritt für Schritt besser werden zu wollen. Dafür ist eine interne Lernkultur (und auch ein bisschen Zeit, Raum und Geld) notwendig.

5. Ja zu Veränderung. Um alle mitzunehmen, ist ein zielgerichtetes Veränderungsmanagement genauso unverzichtbar wie die Fähigkeit, zu motivieren und zu mobilisieren, zum Beispiel mit Agile Coaches.

6. Geben Sie sich Zeit. Der Aufbau von Zielsystemen, selbstorganisierten Teams und Lernkultur erfordert Zeit, um „Agilitätsmuskeln“ aufzubauen und alte Gewohnheiten abzulegen.

Fazit

Agilität kann ein echter Hebel für Veränderung sein. Gerade Museen, die sich in einem komplexen Umfeld bewegen, können von agilen Prinzipien profitieren. Und das muss nicht gleich die große Transformation sein: Agile Arbeitsweisen lassen sich auch in kleinen Schritten umsetzen.

Wer sein Museum ganzheitlich zu einer agilen Organisation machen möchte, sollte mit einem verbindlichen Leit- bzw. Zielbild beginnen – eines, das nicht nur gut klingt, sondern auch greifbar wird und sich in Teams, im Alltag der Mitarbeitenden in konkrete Ziele übersetzen lässt. Diese Ziele sollten in kurzen Zyklen überprüft und aktualisiert werden. Eine lebendige Lernkultur hilft dabei, Erfahrungen zu teilen, und sich Schritt für Schritt zukunftsfähiger aufzustellen.

Herzlichen Dank, Tom, für deinen Beitrag und die anregenden Impulse rund um das Thema Agilität. Mit deiner Arbeit als Jahreskurator bringst du neue Perspektiven in unser Programm Das relevante Museum – und lädst dazu ein, aktuelle Herausforderungen aus einem anderen Blickwinkel zu betrachten.

Zum Schluss möchten wir noch zwei Museen aus dem Netzwerk „Das relevante Museum“ ganz besonders gratulieren, die in diesem Jahr ihr 10-jähriges Bestehen feiern:

Das Stadtmuseum Aarau hat am 26. und 27. April 2025 zum großen Museumsfest eingeladen – Anlass war die Eröffnung des Erweiterungsbaus vor genau zehn Jahren. Unter dem Motto „heldenhaft“ wurde mit zahlreichen Aktivitäten gefeiert. Wer nicht dabei sein konnte, hat die Gelegenheit, die Ausstellung „geliebt, gelobt, gehypt“ zu besuchen. Weitere Informationen zum Programm finden Sie hier.

Auch das Europäische Hansemuseum in Lübeck begeht ein Jubiläum – mit einem Festwochenende am 17. und 18. Mai, an dem bunt gefeiert wird – YIPPIE YEAH! Sie werden 10! Mehr Informationen gibt es hier. Bei diesen Neuigkeiten möchten wir auch auf das „Das Lübecker Manifest für Museen“ hinweisen, in dem die Lübecker Museen ein Zeichen für Demokratie setzen.

Wir gratulieren herzlich – und wünschen weiterhin viel Erfolg, Inspiration und Relevanz!

Auch diese Ausgabe von Spotlighting Museums lädt dazu ein, Museumsarbeit aus neuen Blickwinkeln zu betrachten – mit Beispielen, die zeigen, wie Vernetzung, Austausch und gemeinsames Lernen Veränderung möglich machen.

Wenn Sie Menschen kennen, die sich ebenfalls für diese Themen interessieren, empfehlen Sie unseren Newsletter Spotlighting Museums gern weiter und teilen Sie diese Ausgabe.

Herzliche Grüße

Christine Müller Stalder, Stiftung für Kunst, Kultur und Geschichte (SKKG)

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English Version

How does a museum remain steadfast in turbulent times - and flexible at the same time? How can it not only show resilience, but also adapt flexibly to new conditions?

Welcome to the April issue of Spotlighting Museums! After Sandra Richter focussed on the topic of resilience in the last newsletter, today we turn our attention to the other side of the coin: adaptability. Stability and flexibility - it sounds like a contradiction in terms, and yet it is precisely the "ying and yang" that modern organisations act on.

Tom Koch, our curator of this year's The Relevant Museum programme, shows how museums can benefit from agile principles, what needs to be considered and what museums can learn from a football club.

Have you, dear reader, felt a little inner wince at the word "agility"? You can't be blamed, because the term is increasingly in danger of becoming a hollow phrase. But it's worth taking a closer look: What is really behind agility? First and foremost, it's about an attitude or mindset - the agile mindset. The agile mindset follows twelve principles:

Fig. 1: The twelve principles of agile management

Agile working in a museum?

Agile organisations say a bold "yes" to agile values such as human interaction, excellent performance, collaboration with visitors and a willingness to change. Sounds convincing - who would argue with that? But these values have far-reaching consequences. They call for self-organisation and personal responsibility instead of hierarchy and instructions ("Tell me what to do"), letting go instead of holding on ("Everything used to be better"), visitor-centricity instead of instruction ("Receive and be grateful"), trust instead of control ("I still decide") and change instead of stagnation ("We've always done it this way").

The example of the Berlin City Museum shows that agility is not easy to implement in museums. Other voices are also asking: is agile management more hype than liberation? And can a network of self-organised teams emerge from a traditional hierarchy?

The answer: Of course you don't have to work in an agile way. Agile management is particularly needed where requirements are unclear and the approach is untested, where challenges are not just complicated but complex and can no longer be overcome by conventional means - this is where agility can be a real opportunity

Even mobility needs a framework

What is easily forgotten: An agile organisation also needs orientation, a framework and a guiding star, the so-called "agile target image". Essentially, the challenge lies in translating the often qualitatively formulated normative and strategic levels (see, for example, the DMB guidelines) into concrete planning and operationalising them with the help of measurable objectives. A helpful method for this is OKR - "Objectives & Key Results".

Fig. 2: The mission statement pyramid in agile management

The example of Werder Bremen

What can museums learn from a football club about strategic target work? Quite a lot - as we saw in this year's Relevant Museum programme using the example of Werder Bremen. Raphael Vogt, Head of the Strategy Department, has transformed the club with a 125-year tradition into an agile organisation as an agile coach.

What did Werder do? It all started with a simple but important realisation: sustainability does not come from being driven solely by the urgent (day-to-day business). If you want to be strategically orientated, you have to consciously take time for the important things. This is exactly what Werder Bremen has done - the organisation has managed to translate strategic issues into concrete measures: The goals of the overall organisation are broken down into divisional goals and further into team goals and finally assigned to individual employees. The special feature: The feedback from the teams flows back to the top in a counter-current process. In this way, the "top-down objectives" are put back together "bottom-up", so to speak.

With the help of the OKR method, the goals are "portioned" and worked on in three-month cycles. Nothing is put on the back burner, everything remains in flux. In a fixed rhythm, a two-day workshop is held every three months to reflect on what went well and what the goals for the next cycle should be. In this way, the organisation is "dovetailed" and everyone knows where they stand. No duplicate structures, no ad hoc goals, no silos. Instead, there is more focus, transparency and shared learning.

Raphael Vogt reports:

"It sounds like a lot of effort at first, but thanks to the planning process, we have drastically reduced the daily coordination effort (and therefore unnecessary meeting time). The short cycles enable greater adaptability, speed of response and a focus on what is important."

Fig. 3: Raphael Vogt

Doing the right things

Agility does not mean working faster. It means working better together.

Agility does not mean implementing every change immediately. It means implementing strategically.

Agility does not mean moving in all directions. It means moving in the direction of goals.

Raphael Vogt has given us these tips:

1. All together. The change to an agile organisation is no small feat, it requires a holistic approach

2. Agile leadership. Agility begins with the willingness to relinquish responsibility. Agile organisations are not a good place for power players (and vice versa).

3. Conflicts are part of it. Friction arises in change processes. That's ok. Mutual trust that the path is necessary and right forms the basis for strong collegial relationships.

4. A culture of learning. Being agile also means wanting to improve step by step. This requires an internal learning culture (as well as a little time, space and money).

5. Yes to change. In order to get everyone on board, targeted change management is just as essential as the ability to motivate and mobilise, for example with agile coaches.

6. Give yourself time. The development of target systems, self-organised teams and a learning culture requires time to build up "agility muscles" and get rid of old habits.

Conclusion

Agility can be a real lever for change. Museums in particular, which operate in a complex environment, can benefit from agile principles. And it doesn't have to be a major transformation: Agile working methods can also be implemented in small steps.
If you want to turn your museum into a holistic agile organisation, you should start with a binding mission statement or vision - one that not only sounds good, but is also tangible and can be translated into concrete goals in teams and in the day-to-day work of employees. These goals should be reviewed and updated in short cycles. A lively learning culture helps to share experiences and to position the company for the future step by step.

Thank you very much, Tom, for your contribution and the inspiring ideas on the topic of agility. With you work as annual curator, you bring new perspectives to our Relevant Museum programme - and invite us to look at current challenges from a different angle.

Finally, we would like to congratulate two museums from the “The Relevant Museum” network in particular that are celebrating their 10th anniversary this year:

On 26 and 27 April 2025, the Stadtmuseum Aarau hosted a big museum festival to mark the opening of the extension exactly ten years ago. Numerous activities were organised to celebrate under the motto "heroic". Those who were unable to attend had the opportunity to visit the exhibition "loved, praised, hyped". Further information on the programme can be found here.

The European Hanseatic Museum in Lübeck is also celebrating its anniversary - with a weekend of colourful celebrations on 17 and 18 May - YIPPIE YEAH! You will be 10! More information can be found here. With this news, we would also like to draw attention to “The Lübeck Manifesto for Museums”, in which the museums of Lübeck set an example for democracy.

Congratulations - and we wish you continued success, inspiration and relevance!

This issue of Spotlighting Museums also invites you to look at museum work from new perspectives - with examples that show how networking, exchange and shared learning make change possible.

If you know people who are also interested in these topics, please recommend our Spotlighting Museums newsletter to them and share this issue.

Kind regards

Christine Müller Stalder, Foundation for Art, Culture and History (SKKG)

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Willkommen in der März-Ausgabe von Spotlighting Museums! In Zeiten multipler Krisen braucht es Räume, die Orientierung, Reflexion und Zuversicht bieten. Museen können genau solche Orte sein – indem sie mit ihrer Arbeit nicht nur bewahren, sondern aktiv gesellschaftliche Resilienz stärken. Doch was braucht eine Institution selbst, um widerstandsfähig zu bleiben? Wie kann organisationale Resilienz gezielt entwickelt werden?

Museen als Orte der Resilienz, die erfolgreich durch Krisen navigieren, wurden nicht zuletzt auf der letzten Tagung des Deutschen Museumsbundes in den Fokus gestellt. Als Ergebnis wurde im vergangenen Jahr die Checkliste „Krisenfeste Museen“ veröffentlicht, die einen kompakten Einblick in Maßnahmen zur Stärkung der Resilienz im Museum bietet. Auch in der Veranstaltungsreihe ICOM Mondays vom deutschen Nationalverband werden immer wieder Einblicke in Krisen und Lösungsansätze im internationalen Museumsektor gegeben, als nächstes am 7. April mit Elizabeth Merrit, Vice President for Strategic Foresight der American Alliance of Museums.

„In turbulenten Zeiten kommt auf die Kultur eine größere Verantwortung zu. Sie wird zu einer neuen Form der Kommunikation, einer Festung für die demokratischen Prinzipien.“1

Diese treffende Einschätzung findet die georgische Kulturmanagerin Ana Riaboshenko im Artikel „Resilienz durch Kultur“ vom Generalsekretär des Goethe-Instituts, Johannes Ebert, in der Zeitschrift Kultur und Politik. Mit dieser Verantwortung gehen selbstverständlich neue Herausforderungen einher, die auch die erfahrensten Institutionen an ihre Grenzen bringen können. Wir möchten in diesem Newsletter beleuchten, inwieweit Museen ihre Resilienz steigern können und somit bestmöglich auf Krisen vorbereitet sind.

Was macht Museen resilient?

Organisationale Resilienz ist eine erlernbare Fähigkeit, mit Krisen umzugehen und langfristig handlungsfähig zu bleiben. Das bedeutet nicht, einfach durchzuhalten oder in Krisen unerschütterlich zu bleiben. Vielmehr geht es darum, Wandel als Konstante anzuerkennen, Strukturen anzupassen und sich aktiv weiterzuentwickeln. Ein Zurück zum Zustand vor der Krise ist oft weder möglich noch sinnvoll – entscheidend ist, das transformative Potenzial von Herausforderungen zu nutzen.

Vertiefend hat Dr. Josefa Kny in der Online-Vortragsreihe #ImpulseStiften zentrale Forschungsergebnisse von Betterplace Lab zu Resilienz in der Zivilgesellschaft vorgestellt. Auf deren Resilienzverständnis beruht auch der nachfolgende Artikel, wobei jedoch der Transfer zum Museum hergestellt werden soll. Der Vortrag zum Nachschauen findet sich hier: https://www.impulse-stiften.de/archiv/

Demnach basiert Resilienz in Organisationen auf verschiedenen Ebenen:

Individuell: Die Belastbarkeit und Flexibilität der Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter

Intersubjektiv: Zusammenarbeit, Teamkultur und Kommunikationsstrukturen

Strukturell: Organisatorische Prozesse und institutionelle Anpassungsfähigkeit

In den Publikationen wie „Nicht kleinzukrisen – Was die Zivilgesellschaft resilient macht“ oder der übersichtlichen „Starthilfe. Resilienz in zivigesellschaftlichen Organisationen“ unterscheidet Betterplace Lab fünf zentrale Faktoren der Resilienz von Organisationen:

Sinn & Werte – Eine klare Mission und verankerte Werte als Orientierung

Führung & Struktur – Flexible Entscheidungsprozesse und geteilte Verantwortung

Soziale Bindung – Starke interne und externe Netzwerke

Antizipation & Lernkultur – Anpassungsfähigkeit durch Wissen und Reflexion

Materielle Ressourcen – Nachhaltiges Wirtschaften und finanzielle Resilienz

Sinn & Werte

Ein resilientes Museum zeichnet sich durch eine klare Mission und verankerte Werte aus, die in Krisenzeiten Orientierung und Stabilität bieten. Ein starkes Sinnverständnis und ein tragfähiges Leitbild stärken die Handlungsfähigkeit, den Zusammenhalt und die gesellschaftliche Relevanz des Museums. Durch die bewusste Definition, aktive Umsetzung und regelmäßige Reflexion ihrer Werte erhöhen Museen ihre Widerstandskraft und bleiben wichtige Akteure des Wandels.

Wie eine gemeinsame museale Haltung aussehen kann, wird beispielsweise deutlich bei der Themenwahl der diesjährigen Jahrestagung des Deutschen Museumsbundes: „Museen stärken Demokratie“. Der Sektor diskutiert eine gemeinsame Haltung und kann somit klare Werte formulieren.

Führung & Struktur

Resiliente Museen verfügen über klare Entscheidungsstrukturen, die auch in schwierigen Situationen Verlässlichkeit schaffen. Dabei geht es in keinem Fall darum, die Entscheidungsmacht zu bündeln, sondern im Gegenteil klare Rollen und verteilte Verantwortungen zu etablieren, die einer Organisation zur Handlungsfähigkeit verhelfen. Dazu zählt auch die Eigenverantwortung der Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter zu stärken und eine Diversität von Perspektiven für sensible Lösungsfindungen einzubeziehen. Wie eine Führungsaufgabe resilient gestaltet werden kann, stellte Prof. Martin Zierold in einer Lunch Break mit dem Titel „Cultural Leadership. Führung in unruhigen Zeiten“ des Berliner Museumsverbandes dar.

In dieser Hinsicht haben non-profit Organisationen häufig einen Vorteil gegenüber dem for-profit Sektor, weil sie flexibler agieren und mit Veränderungen besser umgehen können, ergab die Studie „Resilienzkulturen. Was Non-Profit- und For-Profit-Organisationen im Umgang mit Krisen voneinander lernen können“.

Soziale Bindung

Starke soziale Bindungen, sowohl auf persönlicher als auch auf organisationaler Ebene, zahlen ebenfalls auf die Resilienz ein. Für die Zusammenarbeit in Museen kann das bedeuten, den Fokus auf wertschätzende Zusammenarbeit zu legen, gemeinsame Kommunikationsvereinbarungen zu treffen und Formate zu entwickeln, die der gegenseitigen Unterstützung, Wissensaustausch, Motivation und Inspiration dienen. Über die Kraft guter Verbindungen haben wir bei Spotlighting Museums bereits in Ausgabe 29 berichtet.

Ebenfalls können soziale Bindungen zu anderen Museen, Kulturinstitutionen und lokalen Gemeinschaften die Standhaftigkeit einer Organisation stärken. Beispielsweise Netzwerke wie „Das relevante Museum“ stärken die Resilienz einer Organisation, indem Verbündete eine gemeinsame Zielvorstellung bedienen und sich gegenseitig mit Ideen unterstützen.

Antizipation & Lernkultur

Resiliente Museen antizipieren zukünftige Herausforderungen: Sie reflektieren vergangene Krisen – seien es Pandemie, Finanzkrise oder gesellschaftliche Umbrüche – und nutzen dieses Wissen, um sich strategisch auf kommende Veränderungen vorzubereiten. Einen Einblick in konkrete Krisenvorbereitung gibt Susann Harder, Präsidentin von Blue Shield Deutschland, im Artikel „Handlungsfähig in der Krise. Überstand und Bedeutung der Notfallplanung in Museen“ (S.38-43) in der Museumskunde. Demnach müssen Kapazitäten geschaffen werden, um vergangene Herausforderungen zu reflektieren: Was hat in früheren Krisen funktioniert? Welche Schwachstellen wurden sichtbar? Darüber hinaus lassen sich Szenarien für die Zukunft entwickeln. Durch gezielte Methoden, wie Zukunftswerkstätten oder Planspiele, können Museen mögliche Entwicklungen durchdenken und Strategien ableiten. Eine resiliente Organisation fördert eine positive Fehler-Kultur, in der neue Wege ausprobiert und Misserfolge konstruktiv analysiert werden. Ein weiteres Beispiel für vorrausschauende Museumsarbeit gaben Benjamin Andrae und Theresa Scholle von METRUM bei der Lunch Break „Resilienz im Museum: Fokus Ausstellungen“ beim Berliner Museumsverband.

Materielle Ressourcen

Resiliente Museen streben eine nachhaltige Finanzierungsstrategie an und bilden finanzielle Rücklagen, um Krisen besser zu bewältigen. Ein entscheidender Faktor ist hierbei die Diversifizierung der Einnahmequellen – von Fördermitteln bis hin zu Kooperationen. Dies reduziert Abhängigkeiten und schafft finanzielle Stabilität. Gleichzeitig sind Puffer für unvorhersehbare Herausforderungen essenziell. Nachhaltige Investitionen in Infrastruktur und Digitalisierung stärken zudem die Zukunftsfähigkeit. Energieeffiziente Lösungen und digitale Formate können langfristig Kosten senken.

Resiliente Museen gestalten Zukunft

Die vorangegangenen Beispiele zeigen, dass bereits heute einige Museen wertvolle Impulse zur Stärkung ihrer Resilienz setzen. Auch wenn die Krisen der Gegenwart herausfordernd sind, liegt in der präventiven Resilienzsteigerung eine große Chance und kann uns Anlass geben, hoffnungsvoll nach vorn zu blicken. Denn Resilienz ist keine unüberwindbare Aufgabe, sondern eine erlernbare Fähigkeit, die Museen gezielt entwickeln können.

Museen, die sich aktiv mit ihrer Rolle, ihren Strukturen und Netzwerken auseinandersetzen, sind nicht nur besser auf Unsicherheiten vorbereitet, sondern bleiben auch in turbulenten Zeiten handlungsfähig. Resilienz bedeutet dabei weit mehr als Anpassung – sie ist der Schlüssel zur aktiven Gestaltung des Wandels. Indem Museen ihre Werte bewusst definieren, ihre Strukturen flexibel halten und sich mit starken Partnern vernetzen, werden sie zu treibenden Kräften einer zukunftsfähigen Gesellschaft. Packen wir es an!

Save the date

ICOM Monday (Anmelden)
Gast: Elizabeth Merritt, American Alliance of Museums’ Vice President for Strategic Foresight, 7. April 2025, 17:00-18:30 Uhr, Online

DMB Jahrestagung 2025: Museen stärken Demokratie (Programm)
4. bis 7. Mai 2025, Chemnitz

Vielen Dank für Ihr Interesse an der aktuellen Newsletter-Ausgabe. Tauschen Sie sich gerne mit uns aus und berichten Sie uns, wie Sie die Resilienz in Ihrem Museum stärken (möchten). Wir freuen uns auf Ihre Nachricht!

Herzliche Grüße

Sandra Richter

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English Version

Welcome to the March issue of Spotlighting Museums! In times of multiple crises, we need spaces that offer orientation, reflection and confidence. Museums can be just such places – by not only preserving cultural heritage but also actively strengthening social resilience through their work. But what does an institution itself need to be resilient? How can organisational resilience be developed?

Museums as places of resilience, which successfully navigate through crises, were the subject of the last conference of the German Museums Association (Deutscher Museumsbund). As a result, the checklist ‘Crisis-proof museums’ (in German) was published last year, providing a concise insight into measures to strengthen resilience in museums. The ICOM Germany's series of events, ICOM Mondays, also regularly provide insights into crises and solutions in the international museum sector. The next event is taking place on 7 April with Elizabeth Merrit, Vice President for Strategic Foresight at the American Alliance of Museums.

“In times of turbulence, culture takes on greater responsibility. It becomes a new form of communication, a stronghold for democratic principles”¹

This accurate assessment is made by the Georgian cultural manager Ana Riaboshenko in the article ‘Resilience through Culture’ (in German) by the Secretary General of the Goethe-Institut Johannes Ebert in the magazine ‘Kultur und Politik’. With this responsibility, new challenges naturally arise, which can push even the most experienced institutions to their limits. In this newsletter, we want to explore how museums can strengthen their resilience and thus be best prepared for crises.

What builds resilience in museums?

Organisational resilience is the ability to learn how to deal with crises and to remain capable of action in the long term. This does not mean simply holding out or remaining unshakable in crises. Rather, it is about recognising change as a constant, adapting structures and actively developing. Returning to the way things were before the crisis is often neither possible nor reasonable – the key is to use the transformative potential of challenges.

Dr Josefa Kny presented key research results on resilience in civil society from the Betterplace Lab in the online lecture series #ImpulseStiften (in German). The following article is also based on this understanding of resilience, but is transfered to the museum sektor.

Accordingly, resilience in organisations is based on different levels:

Individual: the resilience and flexibility of employees

Intersubjective: cooperation, team culture and communication structures

Structural: organisational processes and institutional adaptability

In publications such as ‘Don't make it small – What makes civil society resilient’ or the concise ‘Start-up aid. Resilience in civil society organisations’ (both in German), the Betterplace Lab distinguishes five central factors of organisational resilience:

Purpose & Values – A clear mission and established values as orientation

Leadership & Structure – Flexible decision-making processes and shared responsibility

Social Connection – Strong internal and external networks

Anticipation & Learning Culture – Adaptability through knowledge and reflection

Material Resources – Sustainable economic management and financial resilience

Purpose & Values

A resilient museum is characterised by a clear mission and firmly established values that provide orientation and stability in times of crisis. A strong sense of purpose and a viable mission statement strengthen the museum's ability to act, its cohesion and its social relevance. By consciously defining, actively implementing and regularly reflecting on their values, museums increase their resilience and remain important agents of change.

The theme of this year's annual conference of the German Museums Association (Deutscher Museumsbund), ‘Museums strengthen democracy’, is a good example of what a collective museum position might look like. By discussing a common position, the sector can formulate clear values.

Leadership & Structure

Resilient museums have clear decision-making structures that create reliability even in difficult situations. This is never about bundling decision-making power, but rather about establishing clear roles and distributed responsibilities that help an organisation to function. This also includes strengthening the personal responsibility of employees and incorporating a diversity of perspectives for finding solutions to sensitive issues. In a lunch break entitled ‘Cultural Leadership. Leading in Turbulent Times’ (in German), organised by the Museumsverband Berlin, Prof Martin Zierold explained how a leadership role can be shaped to be resilient.

In this regard, non-profit organisations often have an advantage over the for-profit sector because they can act more flexibly and deal with change better, according to the study ‘Resilience Cultures’ (in German).

Social Connection

Strong social connections, both at the personal and organisational level, also contribute to resilience. For collaboration in museums, this can mean focusing on appreciative collaboration, making joint communication agreements and developing formats that serve mutual support, knowledge exchange, motivation and inspiration. We explored the power of good connections at Spotlighting Museums in issue 29.

Likewise, social ties to other museums, cultural institutions and local communities can strengthen an organisation's steadfastness. In particular, networks such as ‘The Relevant Museum’ strengthen an organisation's resilience by uniting allies around a common vision and supporting each other with ideas.

Anticipation & Learning Culture

Resilient museums anticipate future challenges: they reflect on past crises – be they pandemics, financial crises or social disruptions – and use this knowledge to prepare strategically for coming changes. Susann Harder, president of Blue Shield Germany, in the article ‘Staying in control during a crisis: the importance of contingency planning in museums’ (in German). According to this, capacities must be created to reflect on past challenges: What worked in previous crises? What weaknesses became apparent? In addition, scenarios for the future can be developed. Museums can use targeted methods such as future workshops or simulation games to think through possible developments and develop strategies. A resilient organisation promotes a positive culture of learning from mistakes, in which new approaches are tried out and failures are analysed constructively. Benjamin Andrae and Theresa Scholle from METRUM gave another example of forward-looking museum work at the Lunch Break ‘Resilience in Museums: Focus on Exhibitions’ (in German) at the Berlin Museums Association.

Material Resources

Resilient museums aim for a sustainable financing strategy and build up financial reserves to better cope with crises. A key factor here is the diversification of revenue sources – from funding to partnerships. This reduces dependencies and creates financial stability. At the same time, buffers for unforeseen challenges are essential. Sustainable investments in infrastructure and digitisation also strengthen future viability. Energy-efficient solutions and digital formats can reduce costs in the long term.

Resilient museums shape the future

The preceding examples show that some museums are already providing valuable impulses to strengthen their resilience. Even though today’s crises are challenging, proactive resilience-building presents a great opportunity and gives us reason to look to the future with hope. After all, resilience is not an insurmountable task but a learnable skill that museums can deliberately develop.

Museums that actively engage with their role, structures, and networks are not only better prepared for uncertainties but also remain capable of action in turbulent times. Resilience is much more than mere adaptation—it is the key to actively shaping change. By consciously defining their values, keeping their structures flexible, and connecting with strong partners, museums can become driving forces for a sustainable society. Let's get started!

Save the date

ICOM Monday (Register)
Guest: Elizabeth Merritt, American Alliance of Museums' Vice President for Strategic Foresight
7 April 2025, 5:00-6:30 p.m., online

DMB Annual Conference 2025: Museums strengthen democracy (programme)
4-7 May 2025, Chemnitz

Thank you for your interest in this issue of the newsletter. We hope you will share your thoughts with us and tell us how you (would like to) strengthen resilience in your museum. We look forward to hearing from you!

Kind regards,

Sandra Richter

Herzlich willkommen zur Februar-Ausgabe von Spotlighting Museums! Wir geben einen ersten Einblick in unser Jahresprogramm „Das relevante Museum 2025“.

Es ist so weit: Unser gedrucktes Programm ist frisch eingetroffen! Die Teilnehmenden haben ihre digitale Version bereits erhalten. Am 4. März startet unsere diesjährige Ausgabe von „Das relevante Museum“, kuratiert von Kulturmanager und Hochschullehrer Professor Dr. Tom Koch.

Museumsexpert:innen aus 18 Museen kommen am Dienstag erstmals in dieser Konstellation digital zusammen. In den kommenden Monaten arbeiten sie in ihren Teams von bis zu fünf Personen an individuellen Vorhaben ihres Museums und tauschen sich in verschiedenen Formaten vertrauensvoll mit insgesamt 57 Kolleg:innen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz zur Besucher:innenorientierung aus. Einzelne sind schon seit der ersten Veranstaltung in Hamburg im April 2019 dabei, andere starten jetzt durch - geprägt wird der Auftakt von Wiedersehensfreude und einem offenen Willkommen.

Gemeinsam reflektieren, weiterentwickeln, wachsen

Dieses Jahr steht ganz im Zeichen der Reflexion und der Vertiefung: Das schließt den Rückblick auf all die Impulse und Inhalte der gemeinsamen fünf Jahre ein und geht weiter bis hin zur externen Evaluation dieses Zeitraumes durch die Organisation educult. Dabei schauen wir: Wie haben sich unsere Haltungen, unser Bewusstsein und unser Handeln verändert?

Tom Koch setzt neben Reflexion auch auf neue Impulse:

Future Skills und Community Building – zwei inspirierende Workshops. Und zwei Impuls-Sessions mit spannenden Gästen: Im März ist Raphael Vogt, Strategy & Project Management Officer beim Fußballbundesligisten Werder Bremen dabei, im Juni Dr. Susie Wise, die Führungskräfte in den Bereichen Equity Design und Innovationspraktiken coacht und bekannt ist für das Framework und die Publikation „Design for Belonging“. Beide werden wir in den kommenden Monaten näher in unserer Newsletterreihe vorstellen.

Blick in die Museen & Austausch im Programm

In den monatlichen Coffee Breaks geben die teilnehmenden Museen Einblicke in ihre Arbeit. Die Liste aller Museen, die 2025 teilnehmen, finden Sie hier.

Auch in diesem Jahr gibt es wieder eine gemeinsame Reise. Im Juni geht es nach Kopenhagen und Aarhus in Dänemark. Unsere Highlights und wichtigsten Learnings teilen wir gern mit Ihnen in der Juliausgabe von Spotlighting Museums. Schauen Sie rein!

Begleitung & Coaching: Erfahrene Expert:innen an unserer Seite

Alle teilnehmenden Teams arbeiten, zumeist in neuen abteilungsübergreifenden Konstellationen, an einem selbstgewählten Vorhaben. Gemeinsam haben wir das Ziel, für möglichst viele unterschiedliche Menschen bedeutungsvolle Museumserfahrungen zu kreieren.

Damit dies noch besser gelingen kann, wird jedes Team durch zwei individuelle Coachingsessions unterstützt. Begleitet werden wir von diesen Beratern und Beraterinnen:

Abhay Adhikari aus Rotterdam, der 2020 in unserem Programm Workshopleiter, 2021 Jahreskurator war und uns seit 2024 als Coach unterstützt.

Christoph Brosius aus Berlin, der 2024 Programmkurator war und mit uns den Werkzeugkoffer des Game Thinking im Museum erprobte.

Sarah Hövermann aus Düsseldorf, Agile Coach, Organisationsentwicklerin und Beraterin, die unsere neueste Bereicherung ist.

Rachel Wang aus London, die im Programm 2019 Speakerin, 2023 Jahreskuratorin war und seit 2024 Coach ist.

Schloss Hasenwinkel: Das große Jahrestreffen

Einmal im Jahr treffen sich bis zu 52 Teilnehmende für drei Tage in Schloss Hasenwinkel in Mecklenburg-Vorpommern. Hier reflektieren wir nicht nur das Programmjahr, sondern entwickeln es auch strategisch weiter, feiern die Erfolge und diskutieren zentrale Fragen wie: Was macht eine gesunde Beziehung zwischen Organisation und Publikum aus? Welche Ideen und Wünsche gibt es für das kommende Jahr? Erste Vorschläge werden dort gesammelt und feststehende Ideen präsentiert.

Wer das gesamte Programm einmal einsehen möchte, findet es hier.

Unsere Werte und unser Team

Das relevante Museum ist deshalb so nachhaltig erfolgreich, weil alle Teilnehmenden offen sind für Neues und sich den gemeinsamen Werten verschreiben. Dazu zählt der wertschätzende Umgang miteinander, das klare Bekenntnis, mit Interesse aneinander das Programm aktiv mitzugestalten und weiterzuentwickeln, in einem vertrauensvollen Rahmen über Erfahrungen, auch Hürden und Sackgassen, zu sprechen und erfolgreiches miteinander freudvoll zu würdigen.

Unterstützend, planend, organisierend und mittendrin ist das Team „Das relevante Museum“, das aus Kirsten Wagner, Sandra Richter und mir von der NORDMETALL-Stiftung, sowie Christine Müller Stalder und Andreas Geis von der Stiftung für Kunst, Kultur und Geschichte (SKKG) in Winterthur besteht. Ab März vervollständigt uns Helen Warnholtz als studentische Kraft.

In der Zwischenzeit hat unser Grundverständnis von institutionsübergreifender Zusammenarbeit und unsere Erfahrungen damit uns mit so vielen anderen Aktiven verbunden. Wir bedanken uns für das große Interesse, die positiven Rückmeldungen und die inspirierenden Gedanken. Begleiten Sie uns weiterhin auf unserem Weg.

Herzlichen Dank!

Katja Stark, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

Welcome to the February edition of Spotlighting Museums! We provide a first overview of the year in our programme “Relevant Museum 2025”.

There we go: our printed programme has just been delivered! Participants have already received their digital version. On 4th March, our edition of “Relevant Museum 2025” will start, curated by cultural manager and university lecturer Professor Dr. Tom Koch.

Museum experts from 18 museums will come together digitally for the first time in this constellation on Tuesday. Over the next few months, they will work in their teams of up to five people on individual projects for their museums and exchange ideas in various formats with 57 colleagues from Germany, Austria and Switzerland on visitor orientation in a spirit of trust. Some have been involved since the first event in Hamburg in April 2019, while others are just getting started – the kick-off is characterised by a sense of joy at seeing each other again and an open welcome.

Reflecting, developing and growing together

This year is all about reflection and going deeper: this includes looking back at all the impulses and content of our five years together and continues with an external evaluation of this period by the educult organisation. We are looking at how our attitudes, awareness and actions have changed.

In addition to reflection, Tom Koch is also focusing on new impulses:

Future Skills and Community Building – two inspiring workshops. And two impulse sessions with exciting guests: in March, Raphael Vogt, Strategy & Project Management Officer at Bundesliga Football Club Werder Bremen, will be there, and in June Dr Susie Wise, who coaches leaders in the fields of equity design and innovation practices and is known for the framework and publication “Design for Belonging”. We will be introducing both guests in more detail in our newsletter editions over the coming months.

A look at the museums & exchange in the programme

During the monthly coffee breaks, the participating museums provide insights into their work. You can find a list of all the museums taking part in 2025 here.

This year, we are once again planning an educational journey . In June, we will be visiting Copenhagen and Aarhus in Denmark. We are happy to share our highlights and most important learings with you in the July issue of Spotlighting Museums. Take a look!

Support & coaching: experienced experts at our side

All participating teams are working on a project of their choice, mostly in new cross-departmental constellations. Our common goal is to create meaningful museum experiences for diverse audiences.

To help us achieve this, each team will be supported by two individual coaching sessions. This year we are supported by these consultants:

Abhay Adhikari from Rotterdam, who was a workshop leader in our programme in 2020 and curator in 2021, and has been supporting us as a coach since 2024.

Christoph Brosius from Berlin, who was the programme curator in 2024 and tested the toolbox of game thinking in the museum with us.

Sarah Hövermann from Düsseldorf, organisational developer and consultant, who has joined us this year.

Rachel Wang from London, who was our speaker in 2019, curator in 2023 and has been a coach since 2024.

Schloss Hasenwinkel: Our annual meeting

Once a year, up to 52 participants meet for three days at Schloss Hasenwinkel in Mecklenburg-Vorpommern. Here, we not only reflect on the past programme year, but also develop it strategically, celebrate successes and discuss key questions such as: What characterises a healthy relationship between the organisation and its audience? What ideas and wishes do we have for the coming year? Thoughts and suggestions are collected and the first established ideas presented.

If you would like to see the entire programme (in German!), you can find it here.

Our values and our team

The relevant museum is so successful because all participants are open to new ideas and committed to shared values. These include treating each other with respect, a clear commitment to actively designing and developing the programme with an interest in each other, talking about experiences, including hurdles and dead ends, in a trusting environment, and joyfully appreciating success together.

The “Relevant Museum” team, which includes Kirsten Wagner, Sandra Richter and me from the NORDMETALL Foundation, as well as Christine Müller Stalder and Andreas Geis from the Foundation for Art, Culture and History (SKKG) in Winterthur, is there to support, plan, organise and get involved. From March, Helen Warnholtz will be joining us as a student assistant.

In the meantime, our basic understanding of cross-institutional collaboration and our experiences with it have connected us with many other committed people. We thank you for the great interest, the positive feedback and the inspiring thoughts. Please continue to accompany us on our journey.

Thank you very much!

Katja Stark, NORDMETALL Foundation

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Herzlich willkommen zu unserer ersten Ausgabe des neuen Jahres, in der wir Sie mit in die Schweiz nehmen und unseren Spotlight auf Thesen zur Partizipation richten. Eva Grädel, Leiterin Partizipation & kulturelle Teilhabe im Zentrum Paul Klee und Martin Handschin, freischaffender Kulturvermittler, verantworten das in der Schweiz verortete Netzwerk P. Sie haben für uns zusammengefasst, wie es zu der Bewegung für mehr Partizipation im Museum kam und wo sie steht.

Seit 2021 widmet sich eine lose Gruppierung von Museums-Akteur:innen der Förderung neuer Formen von Partizipation an Schweizer Museen und des zugehörigen Diskurses. Wie gehen andere Museen und Praktiker:innen partizipative Projekte an? Welchen Herausforderungen sehen sie sich gegenüber und wie begegnen sie ihnen? Am Anfang von Netzwerk P stand das Projekt paul&ich, ein partizipatives Pionierprojekt des Zentrum Paul Klee in Bern, dessen Leitung Eva Grädel innehatte. paul&ich verfolgte das Ziel, das Mehrspartenhaus in einem gross angelegten partizipativen Prozess gemeinsam mit der Bevölkerung lokal stärker zu verankern. Schon kurz nach Projektstart entstand das Bedürfnis nach einem Austausch mit anderen Museen und Praktiker:innen, die sich mit ähnlichen Herausforderungen und Themen auseinandersetzten. Zugleich bestand von Seiten der paul&ich-Förderpartner Migros-Pionierfonds der Anspruch, die im Projektrahmen gemachten Erfahrungen zu teilen. Nicht zuletzt standen die Mittel zur Verfügung, um einen solchen Austausch zu initiieren und moderieren.

Die daraus folgende Einladung zum Austausch traf in der Szene einen Nerv. Erste digitale Austauschtreffen zeigten, dass sich zahlreiche andere Institutionen sowie Praktiker:innen aus der freien Szene ähnliche Fragen stellten und nach Möglichkeiten suchten, andere und neue Positionen zu Partizipation im Museum kennenzulernen. Die Zeit schien reif für eine Fortsetzung des Dialogs zum Thema Partizipation am Museum, der mit nationalen Tagungen des Stapferhaus Lenzburg 2012 und des Nationalen Kulturdialogs 2017 und 2019 angeregt worden war.

Wo stehen wir in der Schweiz in Sachen Partizipation im Museum? Und wohin wollen wir? Das waren die zentralen Fragen, die uns - in der Zwischenzeit war auch Martin Handschin zum Netzwerk dazu gestossen - in der Initialphase des Netzwerks antrieben. Wegweisend war dabei der Workshop P, den wir im Frühling 2022 organisierten.

Die zwei Workshoptage im Zentrum Paul Klee waren dem «Warum» gewidmet, der sowohl individuellen als auch institutionellen Motivation, partizipativ zu arbeiten. Im Austausch untereinander sowie im Spiegel von inspirierenden internationalen Positionen, haben wir uns über unseren Antrieb und unsere Visionen für Partizipation im Museum ausgetauscht. Ziel von Workshop P war es von Anfang an, gemeinsam Thesen zur Partizipation im Museum zu formulieren.

Im Laufe des Workshops hat sich gezeigt, dass wir je drei Thesen zu drei Stichworten formulieren möchten: WARUM machen wir uns für Partizipation am Museum stark? WAS zeichnet Partizipation für uns aus? WIE gelingt es uns, Partizipation am Museum zu stärken? So entstanden zum Schluss der zwei Tage 9 Thesen zu Partizipation im Museum:

These 1 – Durch Partizipation leben Museen Diversität und stehen für die plurale Gesellschaft ein.

These 2 – Das Museum schafft durch Partizipation neue Beziehungen, Nähe und Zugehörigkeiten – für seinen spezifischen Ort in seinen Beziehungen zur Welt.

These 3 – Museen als öffentliche Institutionen machen sich für Partizipation stark, weil mit ihr das Recht auf Teilhabe in allen Museumsbereichen umgesetzt werden kann. So kommen sie ihrer gesellschaftlichen Verantwortung nach.

These 4 – Partizipation setzt ein aufrichtiges Interesse aneinander voraus, das Grundlage für einen wertschätzenden Austausch ist. Dieser findet in einem klar ausgehandelten geschützten Rahmen statt. Jede einzelne Expertise zählt.

These 5 – Partizipation erfordert geistigen und physischen Raum, sowie Zeit.

These 6 – Partizipation wirkt demokratisierend, weil sie Machtstrukturen aufbricht und Deutungshoheit teilt. Dank dieser Haltung stehen Menschen genauso wie (Sammlungs-) Objekte im Zentrum.

These 7 – Das subversive Nutzen von Spielräumen und anders gesetzte Prioritäten schaffen Raum für Partizipation.

These 8 – Partizipation ist Teil des Leistungsauftrags und benötigt angemessene Erfolgskriterien.

These 9 – Wir stärken die Partizipation, indem sie die Institutionen durchdringt, sich in Strategien, Strukturen und Ressourcen zeigt und im Arbeitsalltag realisiert wird.

Die 9 Thesen bildeten seither einen der Grundsteine unseres Handelns. Als erstes wollten wir den Dialog dazu über den Kreis an Praktiker:innen hinaus ausweiten und feststellen, welche Reaktionen die Thesen auslösen. Dazu haben wir den dreiteiligen Podcast Dialog P mit Entscheidungsträger:innen aus Museen, Kulturpolitik und Förderung realisiert. Die zweite zentrale Handlungsachse von Netzwerk P blieb die Vernetzung von Menschen aus der Praxis.

Mit der laufenden Loslösung von Netzwerk P vom Zentrum Paul Klee wurden die Aktivitäten des Netzwerks zunehmend breiter durch die Community abgestützt. So haben erfreulicherweise sowohl Kulturpolitik als auch die Forschung und die Förderung immer wieder die Zusammenarbeit mit dem Netzwerk gesucht. So wurde etwa die in These 8 formulierte Forderung nach angemessenen Erfolgskriterien von partizipativen Museumsprojekten von der Stiftung für Kunst, Kultur und Geschichte (SKKG) im Rahmen eines mehrtägigen Design Thinking-Prozesses aufgegriffen. Diese Initiative wiederum wurde sowohl vom Bundesamt für Kultur (BAK) als auch vom Institut für Sozialanthropologie und Empirische Kulturwissenschaft der Universität Zürich (ISEK) mit Fokus auf Fragen der Wirkungsmessung weiter verfolgt. Die Vernetzung mit dem ISEK führte in der Zwischenzeit zur Lancierung einer aus Praktiker:innen und Forschenden bestehenden Arbeitsgruppe zum Thema «Wirkungsforschung am Museum» , in deren Kontext auch die Entwicklung der Kachel «Partizipation» im Rahmen des von der NORDMETALL-Stiftung initiierten Projekts Museum Development Goals vorgesehen ist. Weiter erarbeiten wir mit dem Verband Kulturvermittlung Schweiz ein Praxistool zur Planung und Umsetzung partizipativer Projekte. Dies sind nur einige Beispiele dafür, was in den vergangenen drei Jahren seit der Formulierung der 9 Thesen passiert ist. Dass unsere Initiative eine solche Resonanz auslösen würde, haben wir damals nicht zu hoffen gewagt. Nun möchten wir das Potential von Netzwerk P weiter entfalten. Ziel für die unmittelbare Zukunft ist es, das Netzwerk weiter zu stärken. Zum einen möchten wir eine durch die Community getragene Struktur schaffen, zum anderen neue Vernetzungs- und Kollaborationsformate testen, um auf diesem Weg Partizipation im Museum weiter zu stärken – sehr gerne auch im Austausch mit Gleichgesinnten über die Landesgrenzen hinaus!

Ein herzlicher Dank geht an Eva Grädel und Martin Handschin.

Wer mit ihnen Kontakt aufnehmen möchte, schreibt an info@netzwerk-p.ch.

Weitere Informationen: www.netzwerk-p.ch

Gern nehmen wir Sie auch in Zukunft mit und berichten, wie es mit dem Netzwerk P weitergeht, aber auch, wie sich erfolgreiche Netzwerke verknüpfen, verbinden und gegenseitig bereichern und verstärken.

Wenn Sie jemanden kennen, den dies auch interessiert, empfehlen Sie gern unseren Newsletter “Spotlighting Museums” weiter und teilen diese Ausgabe.

Herzliche Grüße

Katja Stark, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

Welcome to our first issue of the new year, in which we take you to Switzerland and turn a spotlight on participation in museums. Eva Grädel, Head of Participation & Engagement at Zentrum Paul Klee, and Martin Handschin, a freelance cultural facilitator, are responsible for the Swiss-based Network P. They have summarised for us how the movement for more participation in museums came about and where it stands.

Since 2021, a loose grouping of museum stakeholders has been dedicated to promoting new forms of participation in Swiss museums and the associated discourse. How do other museums and practitioners approach participatory projects? What challenges do they face and how do they address them? The paul&ich project, a pioneering participatory project by the Zentrum Paul Klee in Bern, which was headed by Eva Grädel, was the starting point for Netzwerk P. paul&ich pursued the goal of strengthening the local ties between the multi-genre center and the population in a large-scale participatory process. Shortly after the project began, the need arose to exchange ideas with other museums and practitioners dealing with similar challenges and topics. At the same time, the Migros Pioneer Fund, which supports the paul&ich project, wanted to share the experiences gained in the project. Not least, the funds were available to initiate and moderate such an exchange.

The resulting invitation to exchange ideas struck a chord in the scene. The first digital exchange meetings showed that numerous other institutions and practitioners from the independent scene were asking similar questions and looking for opportunities to get to know other and new positions on participation in museums. The time seemed ripe to continue the dialogue on participation in museums, which had been stimulated by national conferences of the Stapferhaus Lenzburg in 2012 and the National Culture Dialogue in 2017 and 2019.

Where do we stand in Switzerland in terms of participation in museums? And where do we want to go? These were the central questions that drove us in the initial phase of the network - in the meantime Martin Handschin had joined the network. The path was led by the workshop P, which we organized in spring 2022.

The two-day workshop at the Zentrum Paul Klee was dedicated to the “why”, to both individual and institutional motivation to work in a participatory way. We exchanged ideas about our motivation and our visions for participation in museums, both among ourselves and in the context of inspiring international positions. From the outset, the aim of Workshop P was to formulate theses on participation in museums together.

During the workshop, it became clear that we would like to formulate three theses each on three keywords: WHY do we advocate participation in museums? WHAT characterizes participation for us? HOW can we strengthen participation in museums? At the end of the two days, we had come up with 9 theses on participation in museums:

Proposition 1 – Through participation, museums embrace diversity and advocate for a pluralistic society.

Proposition 2 – Through participation, museums create new relationships, closeness and a sense of belonging – for their specific location in their relationships with the world.

Proposition 3 – Museums as public institutions are committed to participation because it can be used to implement the right to participate in all areas of the museum. In this way, they fulfill their social responsibility.

Proposition 4 – Participation requires a sincere interest in each other, which is the basis for an appreciative exchange. This takes place in a clearly negotiated, protected framework. Every single expertise counts.

Proposition 5 – Participation requires mental and physical space, as well as time.

Thesis 6 – Participation has a democratizing effect because it breaks down power structures and shares interpretive sovereignty. Thanks to this attitude, people are at the center, just like (collection) objects.

Thesis 7 – The subversive use of leeway and different priorities create space for participation.

Thesis 8 – Participation is part of the performance mandate and requires appropriate success criteria.

Proposition 9 – We strengthen participation by permeating the institutions, showing it in strategies, structures and resources and realising it in everyday work.

Since then, the 9 propositions have formed one of the cornerstones of our work. First of all, we wanted to expand the dialogue beyond the circle of practitioners and determine how the propositions would be received. To do this, we created the three-part podcast Dialog P with decision-makers from museums, cultural policy and funding. The second central axis of action of Netzwerk P remained the networking of people from the field.

As Netzwerk P increasingly detached itself from the Zentrum Paul Klee, the network's activities received broader support from the community. Encouragingly, cultural policy-makers, researchers and funding bodies repeatedly sought to collaborate with the network. For example, the demand formulated in thesis 8 for appropriate success criteria for participatory museum projects was taken up by the Foundation for Art, Culture and History (SKKG) as part of a multi-day design thinking process. This initiative was in turn taken up by both the Federal Office of Culture (FOC) and the Institute of Social Anthropology and Empirical Cultural Studies at the University of Zurich (ISEK), with a focus on questions of impact measurement. The networking with the ISEK has since led to the launch of a working group on the topic of 'Impact research in museums', which consists of practitioners and researchers. The development of the 'Participation' tile as part of the Museum Development Goals project initiated by the NORDMETALL Foundation is also planned in this context. Furthermore, we are working with the Swiss Association for Cultural Education to develop a practical tool for planning and implementing participatory projects. These are just a few examples of what has happened in the three years since the nine theses were formulated. At the time, we would never have dared to hope that our initiative would have such a response. Now we want to further develop the potential of Network P. The goal for the immediate future is to further strengthen the network. On the one hand, we want to create a structure that is supported by the community and, on the other, we want to test new networking and collaboration formats to further strengthen participation in the museum – and we are also keen to exchange ideas with like-minded people across national borders!

Many thanks go to Eva Grädel and Martin Handschin.

If you would like to contact them, please write to info@netzwerk-p.ch.

Further information: www.netzwerk-p.ch

We would be happy to take you with us in the future and report on how the P network is developing, but also on how successful networks link, connect and mutually enrich and strengthen each other.

If you know someone who might be interested in this, please feel free to recommend our newsletter “Spotlighting Museums” and share this issue.

Kind regards,

Katja Stark, NORDMETALL Foundation

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Herzlich Willkommen! Dies ist für 2024 die letzte Spotlighting Museums Ausgabe. Wir laden Sie heute zum Reflektieren und Innehalten ein. Dabei schauen wir auf das gelingende Miteinander, das uns Dinge bewegen und verändern lässt und gesund und zufrieden macht. Dieses Mal geht es um die Inner Development Goals, 23 Kompetenzen und Fähigkeiten, die inneres menschliches Wachstum begünstigen.

In der Neuauflage ihres Handbuches „Evaluation im Kulturbetrieb. Werteorientierung, Wirkungsmessung, Impact.“ umreißt Prof. Dr. Gesa Birnkraut die Inner Development Goals (IDG) folgendermaßen:

„Die IDGs sind eine Nonprofit Organisation, die als open source fungiert. Basis der Arbeit ist es, Ziele aufzustellen, die jedem Individuum, aber auch Organisationen hilft durch das eigene Verhalten und die eigene Haltung die SDGs besser und schneller zu erreichen. Dazu gehören fünf Bereiche mit insgesamt 23 Fähigkeiten und Qualitäten. Die fünf Bereiche gehen von dem Bezug auf sich selbst (Sein) hin zur Fürsorge für andere und die Welt (Beziehung) bis zum Vorantreiben von Wandel (Handeln).“

Sie führt aus, wie sich die IDGs als Zielsystem auf den Kulturbereich und deren Haltungen auswirken.

„Besonders der Bereich des Handelns hat einen intensiven Bezug zur Wirkungsmessung und zum kontinuierlichen Umgang mit wicked problems und einem iterativen Handlungsansatz. Die IDGs gehen dabei auf jedes Individuum ein, aber sie legen einen intensiven Schwerpunkt auf das Thema Führung. Nur wenn die Leitungsebene versteht, was Wandel, Verantwortung und Wirkung be­deutet, kann die jeweilige Kultureinrichtung nachhaltig geführt werden.“ (3. Aufl., S. 27)

Dutch - Updated.pdf - Google Drive (Deutsche Fassung mit allen Ausführungen)

Ausgangspunkt für die Non Profit Organisation Inner Development Goals mit Ursprung und einer jährlichen Konferenz in Schweden waren die 17 Sustainable Development Goals, die 2015 von den Vereinten Nationen festgelegt wurden. IDG setzt dabei einen wichtigen Fokus auf die innere transformative Entwicklung als „Missing Link“. Eine weltweite, weiter fortgeführte Befragung hat 23 Kompetenzen und Fähigkeiten herauskristallisiert, die sich in einen IDG-Framework von fünf Dimensionen fassen lassen, von denen wir zwei exemplarisch weiter ausführen:

1. SEIN – Beziehung zu sich selbst

Die Pflege unseres inneren Lebens und die Entwicklung und Vertiefung unserer Beziehung zu unseren Gedanken, Gefühlen und unserem Körper helfen uns, präsent, absichtsvoll und nicht reaktiv zu sein, wenn wir mit Komplexität konfrontiert sind.

Innerer Kompass Ein tief empfundenes Gefühl der Verantwortung und des Engagements für Werte und Ziele, die dem Wohl des Ganzen dienen.

Integrität und Authentizität Die Verpflichtung und Fähigkeit, aufrichtig, ehrlich und integer zu handeln.

Offenheit und Lernbereitschaft Eine Grundhaltung der Neugier und die Bereitschaft, verletzlich zu sein, sich auf Veränderungen einzulassen und zu wachsen.

Selbsterkenntnis Fähigkeit, in reflektierendem Kontakt mit den eigenen Gedanken, Gefühlen und Wünschen zu sein; ein realistisches Selbstbild und die Fähigkeit zur Selbstregulierung

Gegenwärtigkeit Die Fähigkeit, im Hier und Jetzt zu sein, ohne zu urteilen und in einem Zustand der offenen Präsenz.

2. DENKEN – Kognitive Fertigkeiten

Kritisches Denken, Bewusstsein für Komplexität, perspektivische Fähigkeiten-Sinnstiftung, langfristige Orientierung und Vision

3. BEZIEHUNG – Fürsorge für andere und die Welt

Wertschätzung, Fürsorge und das Gefühl der Verbundenheit mit anderen, z. B. mit Nachbarn, künftigen Generationen oder der Biosphäre, helfen uns, gerechtere und nachhaltigere Systeme und Gesellschaften für alle zu schaffen.

Wertschätzung Mit einem grundlegenden Gefühl der Wertschätzung, Dankbarkeit und Freude auf andere und die Welt zugehen.

Verbundenheit Ein ausgeprägtes Gefühl, mit einem größeren Ganzen verbunden zu sein und/oder Teil eines solchen zu sein, wie z. B. einer Gemeinschaft, der Menschheit oder einem globalen Ökosystem.

Bescheidenheit In der Lage sein, in Übereinstimmung mit den Bedürfnissen der Situation zu handeln, ohne sich um die eigene Wichtigkeit zu kümmern.

Einfühlungsvermögen und Mitgefühl Die Fähigkeit, anderen, sich selbst und der Natur mit Freundlichkeit, Einfühlungsvermögen und Mitgefühl zu begegnen und das damit verbundene Leiden zu bewältigen.

4. ZUSAMMENARBEITEN – Soziale Kompetenzen

Kommunikative Fähigkeiten, Mitgestaltungsfähigkeiten, integrative Denkweise und interkulturelle Kompetenz, Vertrauen-Fähigkeiten zur Mobilisierung

5. HANDELN – Wandel vorantreiben

Mut, Kreativität, Optimismus, Beharrlichkeit

Geschäftsführer Jan Artem Henriksson erklärt hier die IDGs. Sie können wählen, wie ausführlich Sie informiert werden möchten: IDG Framework Videos EN & SW – Google Drive

Etwa 600 Hubs weltweit wirken darauf hin, dass die 23 IDGs in Unternehmen, Bildungseinrichtungen und NGOs implementiert werden. Ziel ist es, den Nachhaltigkeitszielen durch die IDGs mit Verhaltensänderungen und Kulturwandel, anderen Geschäftspraktiken und starke Bindungen eine fruchtbare Basis zu bereiten.

In der Schweiz ist bereits eine lebendige Community etabliert. Ein Hamburg Hub wächst seit diesem Sommer, hat sich der Übersetzung der IDG-Inhalte ins Deutsche gewidmet und eine Website gelauncht. Der Hub dient der Vernetzung und will Tools und Beispiele guter Praxis im deutschsprachigen Raum sichtbar machen.

Wir sind überzeugt: Museen zahlen auf diese fünf Dimensionen bereits stark ein. Auch in unserem Programm „Das relevante Museum“ haben wir eine bestimmte Kultur etabliert, die an vielen Stellen die IDGs reflektieren. Wir arbeiten kollaborativ an der Zukunftsgestaltung der Museen und wir folgen einem Wertekompass im Umgang miteinander. Offene (Openness and Learning mindset), mutige Menschen (Courage) finden sich hier zusammen, die sich gemeinsam lernend, mit Beharrlichkeit und Ausdauer (Perseverence) für Beziehungen unterschiedlicher Menschen mit ihrem Museum einsetzen (Connectedness).

Im kommenden Jahr werden wir immer wieder auf die IDGs zu sprechen kommen. Unser Programmangebot für 2025 steht, die Einladungen an 20 Museen in Deutschland, Österreich und der Schweiz sind verschickt.

Wir sind sehr stolz, dass Professor Dr. Tom Koch uns als Jahreskurator begleiten wird.

Bis 2021 war Tom Koch als kaufmännischer Leiter der Weserburg Museum für moderne Kunst selbst Teilnehmer von „Das relevante Museum“. Seit seiner Berufung an die Hochschule Emden/Leer arbeitet der gelernte Betriebswirt und Kulturmanager daran, dass aus BWL-Studierenden nicht nur gute Managerinnen und Manager werden, sondern auch verantwortungsbewusste und weitsichtige Menschen, die anstelle des eigenen Profits das große Ganze im Blick behalten und die Ambiguität der Welt willkommen heißen, statt nach einfachen Antworten zu suchen.

Unser Programmjahr 2025 legt den Schwerpunkt auf Reflexion und Vertiefung. Nach fünf Jahren voller inspirierender Impulse und Projekte, wollen wir über Ansätze sprechen, mit denen wir die Themen der letzten Jahre strukturiert aufgreifen und umsetzen können. Wir wollen uns Zeit nehmen, auch hier innezuhalten und das Erlebte bewusst wirken zu lassen.

Wir halten Sie auf dem Laufenden, was wir im kommenden Jahr miteinander entdecken, inwieweit wir Veränderung in Haltung, Bewusstsein und Handeln an uns feststellen und auch beschreiben können.

Sie fühlen sich inspiriert und wollen die IDGs direkt etwas tiefer erkunden? Nehmen Sie sich über die freien Tage etwas Zeit: Für sich selbst, sortieren Sie ihren inneren Kompass, praktizieren Sie Gegenwärtigkeit (Dimension Sein. Beziehung zu sich selbst) oder wählen Sie Übungsfelder für Wertschätzung, Verbundenheit, Einfühlungsvermögen und Mitgefühl (Dimension Beziehung. Fürsorge für andere und die Welt.)

Anregungen finden Sie z.B. hier: Methoden & Tools - IDG Hub Hamburg

Von Herzen erfüllende, stärkende Tage wünscht

Katja Stark, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

A warm welcome! This is the last Spotlighting Museums edition for 2024. We invite you to reflect and pause a little today. We will look at the successful collaboration that allows us to make a difference and change things and that makes us healthy and content. This time, it's about Inner Development Goals, 23 competencies and skills that promote inner human growth.

In the new edition of her handbook „Evaluation im Kulturbetrieb. Werteorientierung, Wirkungsmessung, Impact.“ Prof. Dr. Gesa Birnkraut outlines the Inner Development Goals (IDG) as follows:

“The IDGs are a non-profit organisation that functions as open source. The basis of the work is to set goals that help each individual, but also organisations, to achieve the SDGs better and faster through their own behaviour and attitude. These include five areas with a total of 23 skills and qualities. The five areas range from relating to oneself (being) to caring for others and the world (relationship) to driving change (action).”

She explains how the IDGs affect the cultural sector and its attitudes as a system of objectives.

“In particular, the area of action has an intensive relationship to impact measurement and to the continuous handling of wicked problems and an iterative approach to action. The IDGs address each individual, but they place an intensive emphasis on the topic of leadership. Only when the management level understands what change, responsibility and impact mean can the respective cultural institution be sustainably managed.” (3rd edition, p. 27)

The starting point for the non-profit organisation Inner Development Goals, which originated in and holds an annual conference in Sweden, were the 17 Sustainable Development Goals set by the United Nations in 2015. IDG places an important focus on inner transformative development as the “missing link”. A worldwide, ongoing survey has identified 23 competencies and skills that can be summarised in an IDG framework which consists of five dimensions, two of which we will mention in more detail as examples:

1. Being - Relationship to Self

Cultivating our inner life and developing and deepening our relationship to our thoughts, feelings and body help us be present, intentional and non-reactive when we face complexity.

Inner compass Having a deeply felt sense of responsibility and commitment to values and purposes relating to the good of the whole.

Integrity and authenticity A commitment and ability to act with sincerity, honesty and integrity.

Openness and Learning mindset Having a basic mindset of curiosity and a willingness to be vulnerable and embrace change and grow.

Self-awareness Ability to be in reflective contact with own thoughts, feelings and desires; having a realistic self-image and ability to regulate oneself.

Presence Ability to be in the here and now, without judgement and in a state of open-ended presence.

2. Thinking - Cognitive Skills

Critical thinking, Complexity awareness, Perspective skills, Sense-making, Long-term orientation and Visioning

3. Relating - Caring for Others and the World

Appreciating, caring for and feeling connected to others, such as neighbours, future generations or the biosphere, helps us create more just and sustainable systems and societies for everyone.

Appreciation Relating to others and to the world with a basic sense of appreciation, gratitude and joy.

Connectedness Having a keen sense of being connected with and/or being a part of a larger whole, such as a community, humanity or global ecosystem.

Humility Being able to act in accordance with the needs of the situation without concern for one's own importance.

Empathy and compassion Ability to relate to others, oneself and nature with kindness, empathy and compassion and address related suffering

4. Collaborating - Social Skills

Communication skills, Co-creation skills, Inclusive mindset and intercultural competence, Trust, Mobilization skills

5. Acting - Enabling change

Courage, creativity, optimism, persistence

Executive Director Jan Artem Henriksson explains the IDGs here. You can choose how much detail you want to be informed about:

IDG Framework Videos EN & SW – Google Drive

Around 600 hubs worldwide are working to ensure that the 23 IDGs are implemented in companies, educational institutions and NGOs. The aim is to use the IDGs to prepare a fertile basis for the sustainability goals through behavioural and cultural change, different business practices and strong connectedness.

In Switzerland, a vibrant community has already been established. A Hamburg hub has been growing since this summer, has dedicated itself to translating the IDG content into German and has launched a website. The hub serves to promote networking and aims to make tools and examples of good practice visible in German-speaking countries.

We are convinced that museums are already making a strong contribution in these five dimensions. In our programme “Relevant Museum” we have also established a certain culture that reflects the IDGs in many areas. We work collaboratively to shape the future of museums and we follow a set of values in our interactions with each other. Open-minded, courageouse people (openness and learning mindset) come together here, working on the goal to build relationships between different people with their museum (connectedness) through learning, persistence and perseverance (perseverance).

In the coming year, we will be talking about the IDGs more often. Our programme for 2025 is in place, and invitations have been sent to 20 museums in Germany, Austria and Switzerland.

We are very proud that Professor Dr Tom Koch will be joining us as our annual curator.

Until 2021, Tom Koch was the finance director of the Weserburg Museum for Modern Art, and thus a participant in “The Relevant Museum”. Since his appointment at the University of Applied Sciences Emden/Leer, the trained business economist and cultural manager has been working to ensure that business administration students not only become good managers, but also responsible and far-sighted people who, instead of focusing on their own profit, keep the big picture in mind who welcome the ambiguity of the world instead of looking for simple answers.

Our programme for 2025 will focus on reflection and deepening. After five years full of inspiring impulses and projects, we want to talk about approaches that will enable us to take up and implement the topics of the last few years in a structured way. We want to take time to pause here too and let the experiences sink in.

We will keep you updated on what we discover together in the coming year, and to what extent we explore and describe changes in our attitudes, awareness and actions.

Do you feel inspired and want to explore the IDGs a little deeper right away? Take some time over the holidays: for yourself, sort out your inner compass, practice presence (dimension of Being. Relationship to Self) or choose fields of practice for appreciation, connectedness, empathy and compassion (Dimension of Relationship. Caring for Others and the World).

You can find suggestions here, for example: Methods & Tools - IDG Hub Hamburg (German)

I wish you fulfilling and relaxing days

Katja Stark, NORDMETALL Foundation

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Kurz vor dem Beginn der Adventszeit heißen wir Sie willkommen bei der 43. Ausgabe von Spotlighting Museums. Reisen Sie mit uns in die Schweiz. Blicken Sie mit uns auf AMI (Art + Museums Interacting), einem Projekt der Max Kohler Stiftung. AMI Community Managerin Michaela Blaser stellt uns das Projekt heute vor.

Die Max Kohler Stiftung und das amerikanische Game Design Studio FableVision haben gemeinsam Projekt AMI ins Leben gerufen. Über einen Zeitraum von 24 Monaten entwickelten acht Museen hintereinander in intensiven 30-tägigen Design-Sprints spielbasierte Prototypen, die nicht nur die Lust des Publikums auf Museen wecken sollen, sondern auch die Museumsarbeit selbst in den Fokus nehmen. Der Name ist somit Programm.

Ausgangspunkt für AMI war eine Umfrage der Max Kohler Stiftung im Jahr 2017, die zeigte, dass sich Museen in der Vermittlung vor allem mehr Zusammenarbeit in konkreten Projekten und Austausch mit anderen Institutionen wünschen. Jan Lässig vom Aargauer Kunsthaus formuliert es so:

«Ein regelmässiger Austausch, der nicht zu viel Ressourcen absorbiert, wäre toll. Für mich ist das nach wie vor eine Schwachstelle in unseren Kulturbetrieben. Jeder Betrieb schaut mehr oder weniger nur für sich.»

Eine grosse Herausforderung dafür nennt Julia Beyer aus der Fondation Beyeler:

«Der Zeitfaktor ist unserer Erfahrung nach die grösste Herausforderung. Es besteht im Alltag sehr wenig Zeit für fachlichen Austausch zwischen den Museen. Ein gemeinsames Projekt hilft, dann ist man an der gleichen Sache.»

Daraus entstand die Vision für AMI: eine Plattform, die es Museen ermöglicht, in einem gemeinsamen Prozess nicht nur ihre Projekte und Ideen auszutauschen, sondern auch Prototypen zu entwickeln, die wiederholbar, skalierbar und für andere Häuser nutzbar sind.

Prototyping als Werkzeug der Zusammenarbeit

Das 30-Tage-Prototyping inklusive Besuchertestings ist das Herzstück von AMI. Die kurzen Entwicklungszyklen verlangen von den Teams effizientes Arbeiten und Konzentration auf das Wesentliche.[1]

«Im Projekt AMI hat unser Vermittlungsteam auf eine neue Art zusammengearbeitet und viel über mögliche Spiele, Prototypen und Ansätze diskutiert. Bei Uneinigkeiten wurde nach passenden Lösungen gesucht. Besonders die Sprints waren intensive Phasen, in denen schnelle und klare Kommunikation sehr wichtig waren. Andere Abteilungen des Museums stellten sich als Testgruppen zur Verfügung, was für uns sehr hilfreich war.»,

berichtet Leonie Vogt aus dem Team des Aargauer Kunsthaus und Michael Koritschan aus dem Museum Rietberg erzählt:

«Das Bewusstsein und Aushalten für Prototyping ist nun etwas verbreiteter. Die Zusammenarbeit über die Abteilungsgrenze hinaus wurde gefördert.»

Die offene Kommunikation und die Bereitschaft zur abteilungsübergreifenden Zusammenarbeit haben nicht nur die Prototypen verbessert, sondern auch die Sichtbarkeit der Kunstvermittlung innerhalb der Institutionen gestärkt:

«Durch das Prototyping sind wir proaktiver auf andere Abteilungen und Personen zugegangen und haben von unserer Arbeit berichtet – etwas, das sonst im Alltagsgeschäft oft zu kurz kommt.»,

ergänzt Claudia Hürlimann vom Kunstmuseum St. Gallen.

Eine Community im Austausch

Die Museen arbeiten nicht nur innerhalb ihrer eigenen Institution eng zusammen, sondern tauschen ihre Erfahrungen auch mit den anderen Museen aus. Um sie dabei zu unterstützen, versendet Michaela Blaser, Community Managerin von AMI, monatlich Einladungen zu PlayTest Veranstaltungen vor Ort oder digitalen Show and Tells an eine Mailinglist von mittlerweile 150 Interessierten. Diese Treffen mit anschliessendem Apero schaffen ein lebendiges Netzwerk und direkte Kontakte werden geknüpft.[3] Auch der regelmässige Perspektivwechsel innerhalb der Community ist ein wesentlicher Bestandteil von AMI. Mal sind die Museumsteams aktive Prototypenentwickler, mal schlüpfen sie in die Rolle des Testpublikums. So erhalten die Teams wertvolles Feedback zur Verbesserung ihrer Programme, erleben Vermittlungsangebote aus der Perspektive des Publikums und erfahren beiläufig, was in anderen Museen läuft.

Cari Frisch vom MoMA in New York gibt einen Einblick:

«We had fruitful discussions with SFMoMA about their experience participating at the onset of the project. At the end of our prototyping phase, we enjoyed sharing the shape our project took with Swiss museum staff.»

und Julia Beyer von der Fondation Beyeler unterstreicht

«Meiner Einschätzung nach ist diese Vernetzung zwischen Museen in der Praxis vor allem zwischen den Kolleg:innen in den jeweils fachlich ähnlichen Abteilungen langfristig fruchtbar. Dieser Austausch stärkt die eigene Arbeit und schärft den Blick für Gemeinsamkeiten und Möglichkeiten der Kooperation.»

Verknüpfte Netzwerke: Über den Prototyp hinaus

Die Zusammenarbeit im Rahmen von AMI endet nicht mit dem Abschluss eines Prototyping Sprints. Die entwickelten Prototypen stehen der gesamten Museumscommunity als Open Source zur Verfügung, so dass jedes Museum – unabhängig von Grösse und Ressourcen – diese Konzepte adaptieren und weiterentwickeln kann.

Einer der Prototypen, der derzeit für eine weitere Institution adaptiert wird, ist «Grabbit», ein Spiel in Anlehnung an die beliebte Fernsehsendung «Dingsda», bei dem Kinder Begriffe beschreiben und Erwachsene diese erraten müssen: Zwei Spieler:innen treten jeweils gegeneinander an. Vor den Spieler:innen liegen verschiedene Bildausschnitte. Auf einem Bildschirm läuft das Video eines Kindes, das einen der Bildausschnitte beschreibt. Die beiden Spieler:innen müssen nun so schnell wie möglich das beschriebene Bild ausfindig machen. Der zweite Prototyp des Museum Rietberg kann derzeit als fertiges Spiel in der Ausstellung «Ragamala. Bilder für alle Sinne» gespielt werden. Das SFMoMA in San Francisco adaptiert das Spiel gerade für seine Ausstellung «Get in the Game: Sports, Art, Culture» und die AMI Community arbeitet mit dem Museum Rietberg in Zürich an einer CMS-Version des Spiels. Diese wird es Institutionen weltweit ermöglichen, die Inhalte frei zu wählen und einen Grossteil des Produktionsaufwandes ersparen. Dies fördert nicht nur die Wiederverwendung bereits entwickelter Angebote, sondern auch eine nachhaltige Zusammenarbeit zwischen den Museen.[4]

Auch das Kunstpersönlichkeits-Quiz des Aargauer Kunsthaus, das auf humorvolle Weise die eigenen Reaktionen auf ausgestellte Kunstwerke analysiert, wird bereits in der Vermittlung des Museum Haus Konstruktiv eingesetzt und weitere Interessenten sind an einer Übernahme des Prototyps für ihre Institution interessiert. Die Prototypen und Ideen leben weiter, werden von anderen Häusern adaptiert und in neue Kontexte eingebettet. Mit dieser offenen Struktur schafft AMI nicht nur kurzfristige Impulse, sondern auch eine Basis für langfristige, nachhaltige Kooperationen, von denen die gesamte Museumslandschaft profitieren kann.

Sie möchten mehr erfahren und einzelne Prototypen in Ihrem Museum adaptieren? Bei Interesse schicken Sie eine Anfrage an friends@projectami.com.

Sie möchten bei einem PlayTest vor Ort dabei sein und sind kurzentschlossen? Der letzte PlayTest für dieses Jahr findet am 6. Dezember im Kunstmuseum St. Gallen statt.

Alle Informationen zu den Events finden Sie hier.

Wir bedanken uns sehr herzlich bei den Züricher Kolleginnen der Max Kohler Stiftung. Und auch bei unserer internationalen Leserschaft für ihr Interesse an neuen Partnerschaften im Museum und fruchtbaren Kooperationsprojekten zwischen Museen.

Herzliche Grüße gehen in alle Himmelsrichtungen hinaus

Katja Stark, NORDMETALL-Stiftung

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[1+4] Kellian Adams Pletcher: A Museum Community Starts with Friends Building Open Source Prototypes for Audience Engagement with Project AMI. In: Active Disruption. American Alliance of Museums (2024) https://www.aam-us.org/programs/publications/exhibition-journal/fall-2024-active-disruption/ .

[2] Kellian Adams Pletcher: Project AMI: Why Play? Why Now? Why Switzerland?, https://medium.com/@kellian_7661/project-ami-why-play-why-now-why-switzerland-8e4079f14fca .

[3] Zur Qualitätsentwicklung durch Testspiele siehe Michaela Blaser: Qualitätsentwicklung durch Testspiele mit dem Publikum. How-to: Spielerische Vermittlung von Museumsinhalten. In: Standbein Spielbein 122, 2/2024, S. 54-60.

English Version

Shortly before the beginning of the Advent season, we welcome you to the 43rd issue of Spotlighting Museums. Travel with us to Switzerland. Join us in exploring AMI (Art + Museums Interacting), a project of the Max Kohler Foundation. AMI Community Manager Michaela Blaser introduces the project to us today.

The Max Kohler Foundation and the American game design studio FableVision have jointly launched the Project AMI. Over a period of 24 months, eight museums took turns to develop game-based prototypes in intensive 30-day design sprints. The aim is not only to whet the audience's appetite for museums, but also to focus on the work of museums themselves. The name says it all.

The starting point for AMI was a survey conducted by the Max Kohler Foundation in 2017, which showed that museums would particularly like to see more collaboration on specific projects and more exchange with other institutions. Jan Lässig from the Aargauer Kunsthaus puts it this way:

“It would be great to have regular exchanges that don't absorb too many resources. For me, this is still a weak point in our cultural institutions. Each institution looks more or less only after itself.”

Julia Beyer from the Fondation Beyeler mentions a major challenge in this regard:

“In our experience, the biggest challenge is the time factor. In our day-to-day work, there is very little time for professional exchange between museums. A joint project helps, because then we are all working on the same thing.”

This is where the vision for AMI comes in: a platform that enables museums to not only exchange their projects and ideas in a joint process, but also to develop prototypes that can be repeated, scaled and used by other institutions.

Prototyping as a tool for collaboration

The 30-day prototyping process, including visitor testing, is at the heart of AMI. The short development cycles require the teams to work efficiently and to focus on the essentials.[1]

“In the AMI project, our mediation team worked together in a new way and discussed many possible games, prototypes and approaches. When disagreements arose, we looked for suitable solutions. The sprints in particular were intensive phases in which fast and clear communication was very important. Other departments of the museum made themselves available as test groups, which was very helpful for us,”

reports Leonie Vogt from the Aargauer Kunsthaus team, and Michael Koritschan from the Museum Rietberg adds:

“Awareness and tolerance of prototyping is now somewhat more widespread. Cross-Departmental Collaboration has been encouraged.”

Open communication and a willingness to work across departments have not only improved the prototypes, but have also strengthened the visibility of art education within the institutions:

“Prototyping has enabled us to approach other departments and people more proactively and report on our work – something that often gets neglected in the day-to-day business,”

adds Claudia Hürlimann from the Kunstmuseum St. Gallen.

A Community in Dialogue

The museums not only work closely together within their own institution, but also share their experiences with the other museums. To support them in this, Michaela Blaser, AMI's community manager, sends out monthly invitations to local PlayTest events or digital Show and Tells to a mailing list that now includes 150 interested parties. These meetings, which are followed by an Apero, create a lively network and enable direct contacts to be established.[3] The regular change of perspective within the community is also an essential part of AMI. Sometimes the museum teams are active prototype developers, sometimes they take on the role of the test audience. This way, the teams receive valuable feedback to improve their programmes, experience educational offerings from the audience's perspective and casually find out what's going on in other museums.

Cari Frisch from MoMA in New York provides an insight:

“We had fruitful discussions with SFMoMA about their experience participating at the onset of the project. At the end of our prototyping phase, we enjoyed sharing the shape our project took with Swiss museum staff.”

And Julia Beyer from the Fondation Beyeler emphasises

“In my opinion, this networking between museums is particularly fruitful in the long term when it comes to the practical work of colleagues in departments that are similar in nature. This exchange strengthens one's own work and sharpens the view for similarities and opportunities for collaboration.”

Linked Networks: Beyond the Prototype

The collaboration within the AMI framework does not end with the completion of a prototyping sprint. The developed prototypes are available to the entire museum community as Open Source, so that every museum – regardless of size and resources – can adapt and further develop these concepts.

One of the prototypes that is currently being adapted for another institution is “Grabbit”, a game based on the popular German TV show “Dingsda”, in which children describe objects and adults have to guess them. Two players compete against each other. Various image details are displayed in front of the players. A video of a child describing one of the image details is shown on a screen. The two players must now find the described image as quickly as possible. The second prototype by Museum Rietberg is currently available to play as a finished game in the exhibition “Ragamala. Images for All the Senses” SFMoMA in San Francisco is currently adapting the game for its exhibition “Get in the Game: Sports, Art, Culture” and the AMI community is working with Museum Rietberg in Zurich on a CMS version of the game. This will enable institutions worldwide to select the content freely and save a large part of the production effort. This not only promotes the reuse of already developed content, but also sustainable collaboration between museums.[4]

The Art Personality Quiz from the Aargauer Kunsthaus, which humorously analyses one's own reactions to exhibited works of art, is already being used in the Education Department of the Museum Haus Konstruktiv and other interested parties are keen to adopt the prototype for their institution. The prototypes and ideas live on, are adapted by other institutions and embedded in new contexts. With this open structure, AMI not only provides short-term impetus, but also a basis for long-term, sustainable co-operation from which the entire museum landscape can benefit.

Would you like to find out more and adapt individual prototypes in your museum? If you are interested, please send a request to friends@projectami.com.

Would you like to attend an on-site PlayTest and you arespontaneous? The last PlayTest for this year will take place on 6th December at the Kunstmuseum St. Gallen.

You can find all information about the events here.

We would like to express our gratitude to our Zurich colleagues at the Max Kohler Foundation. And also to our international readership for your interest in new partnerships in museums and cooperation projects between museums.

Warm greetings go out in all directions

Katja Stark, NORDMETALL Foundation

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[1+4] Kellian Adams Pletcher: A Museum Community Starts with Friends Building Open Source Prototypes for Audience Engagement with Project AMI. In: Active Disruption. American Alliance of Museums (2024) https://www.aam-us.org/programs/publications/exhibition-journal/fall-2024-active-disruption/.

[2] Kellian Adams Pletcher: Project AMI: Why Play? Why Now? Why Switzerland?, https://medium.com/@kellian_7661/project-ami-why-play-why-now-why-switzerland-8e4079f14fca.

[3] Zur Qualitätsentwicklung durch Testspiele siehe Michaela Blaser: Qualitätsentwicklung durch Testspiele mit dem Publikum. How-to: Spielerische Vermittlung von Museumsinhalten. In: Standbein Spielbein 122, 2/2024, S. 54-60.

Please find the English Version below

Herzlich willkommen zu unserer Oktober-Ausgabe, in der wir uns den Emotionen widmen. Schauen Sie mit uns auf die Ausstellung des vierten DOMIDLabs, das in Köln beheimatete Dokumentationszentrum und Museum über die Migration in Deutschland.

Mit unserem Newsletter „Spotlighting Museums“ reflektieren wir vor allem den kollaborativen Prozess in unserem Programm „Das relevante Museum“. Gleichzeitig steht die besucherzentrierte Museumspraxis, das Ausprobieren neuer Partnerschaften und das Wirken von Museen auf die Gesellschaft im Zentrum. In Ausgabe 17 stellten wir John Falks „The Value of Museums. Enhancing Societal Well-Being“ vor, in dem er die Wirkung von Museumsbesuchen auf der intellektuellen, physischen und sozialen Ebene anspricht. Auf der persönlichen Ebene können Museen Erstaunen, Interesse und Neugier wecken. Sie können Verbundenheit, Wertschätzung, Zugehörigkeit und Harmonie mit Mensch und Umwelt fördern. Museen bieten Gelegenheiten, die Identität und ein größeres Bewusstsein der eigenen Sinnhaftigkeit zu stärken. Dank der Neurowissenschaften verfügen wir über ein wachsendes Wissen über die Bedeutung von Emotionen für unser persönliches und gesellschaftliches Wohlergehen: Vorlieben, Wünsche und Werte jedes und jeder Einzelnen sind von Gefühlen geprägt, auf deren Grundlage kommuniziert und auch rationale Entscheidungen für die Zukunft gefällt werden. Das Bewusstsein für Emotionen und Wohlergehen wächst auch im Museumsarbeitsalltag. Welche sowohl Resilienz fördernde als auch (re-)traumatisierende Wirkungen der Umgang mit der Sammlung, dem Ausstellen und Vermitteln haben können und welche Verantwortung  und Fürsorge (Caring Museum) damit einhergeht, erwachsen aus unterschiedlichen aktuellen Diskursen. 2019 widmete sich mit „Connected Audience“ in Berlin eine ganze Konferenz der Bedeutung von Emotionen. Mit dabei waren u.a. Sheila Watsons Beitrag „Museums as emotional Places“ oder Lisa Baxters Emotion Lab. Einen eigenen Well Being Manager wie die Manchaster Art Gallery haben vermutlich wenige Museen. Dies kann als ein Baustein, u.a. hin zur traumainformierten Organisation gesehen werden.

Wir danken Sandra Vacca, Dr. Azziza B. Malanda und Carmen Steins vom Projektteam DOMiDLabs für die Einblicke in ihre aktuelle Arbeit in Köln.

Die DOMiDLabs-Ausstellung „Handle with Care – Eine Ausstellung über Erzählungen, Gefühle und Perspektiven aus der Migrationsgesellschaft“ ist das Ergebnis des vierten und letzten Labors (Labs) Vorsicht Trigger! – Sensible Objekte und Themen multiperspektivisch ausstellen.

DOMiD, das Dokumentationszentrum und Museum über die Migration in Deutschland, eröffnet 2029 das bundesweite Migrationsmuseum im Kölner Stadtteil Kalk. Letzte Woche, am 22. Oktober 2024 wurde der Name für das zukünftige Museum verkündet. Es heißt Museum Selma.

„Wir haben nach einem einzigartigen Namen gesucht, der leicht zu merken ist, international funktioniert und zu dem Konzept unseres Migrationsmuseums passt“, erklärt DOMiD-Marketingleiter Timo Glatz.

„Der Name Museum Selma verbindet eine keltische Bedeutung von ‚schöne Aussicht‘ mit arabischen Wurzeln, die ‚Harmonie‘ und ‚Frieden‘ bedeuten. Wir haben uns bewusst entschieden, einen Frauennamen zu verwenden, um gerade beim häufig männlich wahrgenommenen Phänomen der Migration die weibliche Perspektive zu stärken”, ergänzt Glatz.

Seit über 30 Jahren sammelt, bewahrt, erzählt und vermittelt DOMiD Migrationsgeschichte(n). Die ständig wachsende Sammlung ist aus der Zivilgesellschaft heraus entstanden und umfasst derzeit mehr als 150.000 Objekte und Dokumente, welche die vielfältige Geschichte der Migration in Deutschland dokumentieren.

Um zu erproben, wie sich die Stadtgesellschaft am Museum beteiligen und in dessen zukünftige Gestaltung einbringen kann, wurde das experimentelle Projekt DOMiDLabs: Labore für partizipative Museumsgestaltung gemeinsam mit der Kulturstiftung des Bundes ins Leben gerufen.

In ihrem vierten und damit aktuellen Lab drehte sich alles um Gefühle – positive wie negative – die Erzählungen, Objekte und Themen aus der DOMiD-Sammlung auslösen. Dabei standen mit Blick auf das entstehende Migrationsmuseum folgende Fragen im Mittelpunkt: Wie können in einer Ausstellung Objekte und Geschichten, die starke Gefühle auslösen, sensibel ausgestellt werden? Wo wird diesen Gefühlen begegnet und mit welchen Sinnen werden sie erlebt? Wie können wir als Museum einen gestalterischen und räumlichen Umgang mit ihnen finden?

Diese abschließende Lab-Ausstellung „Handle with Care” lädt nun dazu ein, eine kleine Auswahl an Objekten und Dokumenten der Sammlung kennenzulernen oder neu zu entdecken. Vielleicht wecken sie Erinnerungen, vielleicht öffnen sie neue Perspektiven auf bekannte Themen oder Situationen oder erzeugen Gefühle wie Stolz, Melancholie, Freude, aber auch Trauer, Nostalgie, Angst, Wut und Scham. Besucher und Besucherinnen können sich von all dem überraschen lassen und die in der Ausstellung vorgestellten Geschichten ­– vielleicht sogar auch die eigenen –  weitergeben. Denn: Erzählen ist Erinnern…

„Handle with Care” ist partizipativ entstanden. Gemeinsam mit Menschen aus der Stadtgesellschaft wurden gestalterische, räumliche und sprachliche Strategien für einen sensiblen Umgang mit emotionalen Inhalten erforscht. Folglich werden in der Ausstellung unterschiedliche Text- und Objektplatzierungen, Formulierungen, Lichtverhältnisse und Begleitmaterialien getestet.

Bei DOMiDLabs kamen zwischen 2021 und 2024 in vier Laboren unterschiedliche Arbeitsgruppen zusammen – Menschen der Stadtgesellschaft, Szenograf:innen, Ko-Kurator:innen und das DOMiDLabs-Projektteam. Auf diese Weise bildete DOMiDLabs mit seinen vier Laboren eine Schnittstelle aus Szenografie, Kuration, Partizipation und Publikumsforschung. Fragen, mit denen sich die jeweiligen Lab-Teams beschäftigten, waren unter anderem: Wie können sich Menschen im Museum begegnen? Wie kann eine Ausstellung es ermöglichen auf aktuelle Debatten zu reagieren? Wie wird in einer Ausstellung (gestalterisch) mit Lücken umgegangen? Am Ende eines jeden Labs stand eine Ausstellung, die an unterschiedlichen Kölner Kulturorten gezeigt und von Besucher:innen getestet, kommentiert und durch das DOMiDLabs-Projektteam auf Erfolg evaluiert wurde. Das Gelernte aus den vier Labs fließt in die Vorbereitung des Migrationsmuseums ein.

Die Ergebnisse der Zusammenarbeit sind noch bis zum 28. November 2024 in Köln bei GOLD+BETON und Gemeinde Köln in der Ebertplatzpassage zu sehen – und zu kommentieren.

Mehr Informationen zu Öffnungszeiten und Rahmenprogramm hier.

Wer die inhaltlichen und baulichen Entwicklungen des Museum Selma bis zur Eröffnung 2029 mitverfolgen möchte, klickt sich regelmäßig auf die neue Website.

www.museum-selma.de.

Wir werden in Zukunft immer wieder zu sprechen kommen auf Themen wie Fürsorge oder Wirkung von Museen auf das Wohlbefinden. Wenn Sie Erfahrungen, Anregungen oder Ideen dazu haben, nehmen Sie gern Kontakt auf. 

Herzliche Grüße

Katja Stark, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

Welcome to our October issue, in which we explore the topic of emotions. Join us in taking a look at the exhibition of the fourth DOMIDLabs, the Cologne-based documentation centre and museum about migration in Germany.

In our newsletter “Spotlighting Museums”, we reflect above all on the collaborative process in our programme “The Relevant Museum”. At the same time, the focus is on visitor-centred museum practice, trying out new partnerships and the impact of museums on society. In issue 17, we presented John Falk's “The Value of Museums. Enhancing Societal Well-Being”, in which he addresses the impact of museum visits on the intellectual, physical and social levels. On a personal level, museums can sparkle amazement, interest and curiosity. They can foster empathy, appreciation, belonging and harmony with other people and the environment. Museums provide opportunities to strengthen identity and a greater sense of one's own meaningfulness.

Thanks to neuroscience, we have a growing knowledge of the importance of emotions for our personal and societal well-being: The preferences, desires and values of each and every individual are shaped by feelings, which form the basis for communication and for rational decisions for the future. Awareness of emotions and well-being is also growing in the day-to-day work of museums. The effects that dealing with collecting, exhibiting and communicating can have on resilience and (re-)traumatisation, and the responsibility and care (Caring Museum) that goes with them, are emerging from various current discourses. In 2019, an entire conference in Berlin was dedicated to the meaning of emotions with “Connected Audience”. Sheila Watson's “Museums as emotional Places” or Lisa Baxter's Emotion Lab were among the contributions. Few museums probably have their own Well-Being Manager like the Manchaster Art Gallery. This might be seen as one element, among others, towards becoming a trauma-informed organisation.

We would like to thank Sandra Vacca, Dr Azziza B. Malanda and Carmen Steins from the DOMiDLabs project team for providing insights into their current work in Cologne.

The DOMiDLabs exhibition, “Handle with Care – An Exhibition about Narratives, Feelings and Perspectives from the Migration Society”, is the result of the fourth and last laboratory (Labs) “Caution Trigger! – Exhibiting Sensitive Objects and Topics from Multiple Perspectives”.

DOMiD, the documentation centre and museum about migration in Germany, is opening the nationwide migration museum in Cologne's Kalk district in 2029. The name of the future museum was announced last week, on 22nd October 2024. It is called Museum Selma.

“We were looking for a unique name that is easy to remember, works internationally and fits the concept of our migration museum,” explains DOMiD marketing director Timo Glatz.

“The name Museum Selma combines the Celtic meaning of “beautiful view” with Arabic roots that mean “harmony” and “peace”. We deliberately chose a female name to strengthen the female perspective on the phenomenon of migration, which is often perceived as male,” adds Glatz.

For over 30 years, DOMiD has been collecting, preserving, telling and communicating migration stories. The constantly growing collection has emerged from civil society and currently comprises more than 150.000 objects and documents that reflect the diverse history of migration in Germany.

The experimental project DOMiDLabs: Laboratories for Participatory Museum Design was launched together with the German Federal Cultural Foundation to test how the urban society can participate in the museum and contribute to its future design.

In its fourth and current lab, everything revolved around the feelings – both positive and negative – that the stories, objects and topics from the DOMiD collection trigger. With the emerging migration museum in mind, the following questions were the focus of the discussion: How can objects and stories that trigger strong feelings be exhibited in a sensitive way? Where do these feelings arise and with which senses are they experienced? How can we as a museum find a creative and spatial way of dealing with them?

This final Lab exhibition, “Handle with Care” invites you to get to know or rediscover a small selection of objects and documents from the collection. Perhaps they will evoke memories, perhaps they will open up new perspectives on familiar topics or situations, or perhaps they will evoke a range of good feelings such as pride, melancholy, joy, but also sadness, nostalgia, fear, anger and shame. Visitors can let themselves be surprised by all of this and pass on the stories, presented in the exhibition – perhaps even their own. After all, telling stories is remembering...

“Handle with Care” was created in a participatory way. Together with people from the urban community, creative, spatial and linguistic strategies for a sensitive approach to emotional content were explored. Consequently, different text and object placements, formulations, lighting conditions and accompanying materials are being tested in the exhibition.

At DOMiDLabs, different working groups came together in four labs between 2021 and 2024 – people from the urban community, scenographers, co-curators and the DOMiDLabs project team. In this way, DOMiDLabs, with its four labs, formed an interface of scenography, curation, participation and audience research. The questions addressed by the respective lab teams included: How can people meet in a museum? How can an exhibition enable visitors to respond to current debates? How can gaps be (creatively) dealt with in an exhibition? At the end of each lab, there was an exhibition that was shown at different cultural venues in Cologne and tested and commented on by visitors, who then evaluated it for success with the DOMiDLabs project team. The knowledge gained from the four labs is incorporated into the preparation of the migration museum.

The results of the collaboration can be explored at GOLD+BETON and the Cologne City Council in the Ebertplatzpassage in Cologne until 28th November 2024.

More information about opening hours and the supporting programme can be found here.

If you would like to follow the developments in the content and construction of the Museum Selma until its opening in 2029, visit the new website regularly.

www.museum-selma.de

In the future, we will continue to discuss topics such as the caring museum or the effect of museums on well-being. If you have any experiences, suggestions or ideas in this regard, please feel free to contact us.

Kind regards

Katja Stark, NORDMETALL-Stiftung

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Herzlich willkommen zur September-Ausgabe von Spotlighting Museums! In dieser Ausgabe möchten wir Ihnen ein Herzensprojekt vorstellen: Die Sichtbarmachung der gesellschaftlichen Wirkung von Museen. Gemeinsam mit ICOM Deutschland lädt die NORDMETALL-Stiftung aktuell Museen dazu ein, die Museum Development Goals (MDGs) zu entwickeln. Anhand dieser Systematik sollen Museen ihre gesellschaftliche Wirkung einfacher erfassen und kommunizieren können.

Die gesellschaftliche Relevanz von Museen zu stärken ist für uns ein zentrales Thema – sowohl in diesem Newsletter als auch in der Stiftungsarbeit. Dazu zählt auch, die wertvolle Arbeit der Museen und ihre Wirkung sichtbarer zu machen. Im April letzten Jahres berichteten wir über einen Think Tank der NORDMETALL-Stiftung, bei dem diskutiert wurde, wie Museen ihre Arbeit jenseits von Besucherzahlen reflektieren können. In Zusammenarbeit mit ICOM Deutschland haben wir nun eine dieser Ideen weiterentwickelt: Die Museum Development Goals (MDGs), die Museen dabei unterstützen, ihre gesellschaftliche Wirkung sichtbar zu machen.

Gesellschaftliche Wirkung entfalten

Der Begriff „gesellschaftliche Wirkung“ bezieht sich auf nachhaltige Veränderungen, die durch Projekte oder Initiativen in der Gesellschaft erzielt werden. Nach dem Social Reporting Standard (SRS) werden gesellschaftliche Wirkungen als „Veränderungen bei den Zielgruppen, in deren Lebensumfeld und/oder der Gesellschaft“ definiert, die als Folge der erbrachten Leistungen beobachtbar sind.1 Diese Veränderungen treten durch gezielte Maßnahmen oder Projekte auf und sind Ausdruck einer verbesserten oder veränderten gesellschaftlichen Lage.

Das Bewusstsein für die eigene Wirkung beginnt meist mit der Identifikation eines gesellschaftlichen Problems, das gelöst oder gelindert werden soll. Die eigene Wirkungskette lässt sich anhand der folgenden Schritte nachvollziehen:

1. Gesellschaftliches Problem: Das Verständnis dafür entwickeln, welches Problem gelöst oder welche Situation verbessert werden soll.

2. Ziele und Visionen: Klare Ziele setzen, die auf eine konkrete gesellschaftliche Verbesserung abzielen.

3. Ressourcen (Input): Die Mittel, die für die Erreichung des Ziels eingesetzt werden (Finanzen, Personal, Materialien) bestimmen.

4. Leistungen (Output): Die Aktivitäten und Angebote, die umgesetzt werden, z.B. Projekte, Veranstaltungen oder Kampagnen.

5. Ergebnisse (Outcome): Direkte Erfolge und unmittelbare Veränderungen bei den Zielgruppen, z. B. verbessertes Wissen oder veränderte Verhaltensweisen.

6. Wirkung (Impact): Tiefergehende, nachhaltige Erfolge und strukturelle Veränderungen auf gesellschaftlicher Ebene.

Museen wirken

Museen verstehen sich als Institutionen im Auftrag der Gesellschaft und entfalten eine spürbare gesellschaftliche Wirkung. Eine kürzlich veröffentlichte repräsentative Studie im Auftrag des Deutschen Museumsbundes unterstreicht dies auch in der öffentlichen Wahrnehmung. Demnach werden die Institutionen von den Befragten vor allem als Hüter des gesellschaftlichen Erbes gesehen (82% Zustimmung). Nahezu ebenso wichtig ist ihre Fähigkeit, Orientierung zu bieten und ein besseres Verständnis der Gesellschaft zu ermöglichen (71% Zustimmung). Besonders für junge Menschen (unter 35 Jahren) ist es von großer Bedeutung, dass Museen sich aktiv an gesellschaftlichen Debatten beteiligen und uns mit Realitäten konfrontieren, die wir oft ausblenden. Diese Ergebnisse zeigen deutlich: Der gesellschaftliche Auftrag der Museen ist nicht nur den Institutionen selbst, sondern auch der Öffentlichkeit bewusst.2

Wir haben mit Projektpartnerin und Wirkungsexpertin Sarah Ulrich darüber gesprochen, wie ein Museum seine gesellschaftliche Wirkung konkret entfalten kann:

"Ein Museum kann auf vielfältige Weise in die Gesellschaft wirken: Indem es beispielsweise forscht, sammelt, bewahrt und ausstellt, hat es eine Wirkung darauf, wie wir uns als Gesellschaft erinnern. Indem es barrierefreie Räume für Erfahrungen, Bildung, Freude, Reflexion und Austausch eröffnet, hat es Wirkung auf die individuelle und die gesellschaftliche Entwicklung."

Die Museum Development Goals (MDGs)

Die Museum Development Goals (MDGs) bilden in diesem Zusammenhang einen Rahmen, mit dem Museen ihre gesellschaftliche Wirkung gezielt erfassen und darstellen können. Diese Wirkung leitet sich vom Selbstverständnis und dem Handeln eines Museums ab, weswegen sich die MDGs direkt an der aktuellen Museumsdefinition orientieren. Die MDGs heben die zentralen Aspekte dieser Definition in 18 Kacheln hervor.

Sarah Ulrich: „Die Museum Development Goals lehnen sich begrifflich und optisch zwar an die Sustainable Development Goals der Vereinten Nationen an, verstehen sich aber keineswegs als Gegenentwurf, sondern mehr als eine Art zusätzlicher „Filter“, der dabei hilft, den Beitrag, den Museen in Bezug auf die großen Gesellschaftlichen Herausforderungen unserer Zeit (siehe SDGs) haben, spezifisch entlang dessen sichtbar zu machen, was ein Museum im Kern ausmacht. Deshalb liegt den MDGs ja auch die ICOM Museumsdefinition zugrunde: Museen haben Social Impact und zwar indem sie Museen sind. Die MDGs sind ein Framework, das es Museen erlaubt, die überwältigenden, gesellschaftlichen Herausforderungen mit ihrem wesentlichen Tun in Bezug zu setzen und damit besser zu erkennen, wo die Möglichkeiten und Grenzen ihrer gesellschaftlichen Wirkung liegen.“

Das Ziel ist es, ein Instrument zu schaffen, das Museen bei der Analyse und Darstellung ihrer Wirkung unterstützt, Selbstreflexion und strategische Entwicklung fördert und eine fokussierte Kommunikation von Maßnahmen und Ergebnissen ermöglicht. Dabei wird besonderer Wert auf eine kollaborative Entwicklung gelegt: Museen sind nicht nur Zielgruppe, sondern aktive Partner in der Gestaltung. Jede der Kacheln wird in Patenschaft mit einem Museum aus dem deutschsprachigen Raum entwickelt.

Durch den partizipativen Ansatz wird angestrebt, eine gemeinsame Sprache für die gesellschaftliche Wirkung von Museen zu entwickeln und ihre Rolle als Orte des Lernens, der Reflexion und des gesellschaftlichen Wandels nachhaltig zu stärken.

Sichtbar machen

Die MDGs dienen als ein Kommunikationsinstrument, das sowohl intern als auch extern hilft, die Aufgaben und Werte eines Museums klar zu beschreiben und die gesellschaftliche Wirkung gezielt zu beleuchten. Neben der präzisen Aufschlüsselung der Begriffe werden zudem Best-Practice-Beispiele vorgestellt, die als Inspiration und Orientierung dienen.

In Kürze wird hierfür am 10. Oktober die neue Projektwebseite www.museum-development-goals.org gelauncht – neben Projekteinblicken und der aktuellen Entwicklung erfolgt hierüber auch die Einladung zu Veranstaltungen. Regelmäßig werden in Coffee Breaks Expertinnen und Experten aus dem Feld der Wirkungsmessung eingeladen, inspirierende Projekte vorzustellen. Wir freuen uns, falls Sie sich mit uns austauschen und diskutieren möchten.

Hinweis: Es gibt zudem noch wenige freie Plätze für Museen, die sich aktiv an der Entwicklung der Museum Development Goals beteiligen möchten. Interessierte können sich unter mdg@icom-deutschland.de anmelden.

Safe the Date

• Di, 29. Oktober 2024, 9:00-9:30 Uhr: Coffee Break mit Thomas Overdick, Museumsverband für Niedersachsen und Bremen e.V. – Vorstellung des Museumsgütesiegels

• 7.-8. November 2024: Projektpräsentation auf der MUTEC – Internationale Fachmesse für Museums- und Ausstellungstechnik

• Di, 28. Januar 2025, 9:00-9:30 Uhr: Coffee Break mit Kathrin Grotz, Institut für Museumsforschung – Vorstellung des MOI-Museum of Impact

Vielen Dank für Ihr Interesse am aktuellen Newsletter. Kontaktieren Sie uns gerne, wenn Sie sich für das Projekt Museum Development Goals interessieren und entdecken Sie in Kürze die neue Webseite!

Herzliche Grüße,

Sandra Richter, NORDMETALL-Stiftung

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English version

Welcome to the September issue of Spotlighting Museums! In this month's issue, we would like to introduce you to a project close to our hearts: Making the social impact of museums visible. Together with ICOM Germany, the NORDMETALL Foundation is currently inviting museums to develop the Museum Development Goals (MDGs). This system is intended to make it easier for museums to identify and communicate their social impact.

Strengthening the public relevance of museums is a key issue for us - both in this newsletter and in our foundation work. This also includes making the valuable work of museums and their impact more visible. In April last year, we wrote about a think tank organized by the NORDMETALL Foundation, which discussed how museums can reflect on their work beyond visitor numbers. In collaboration with ICOM Germany, we have now developed one of these ideas further: The Museum Development Goals (MDGs), which support museums in making their social impact visible.

Developing social impact

The term “social impact” refers to sustainable changes that are achieved in society through projects or initiatives. According to the Social Reporting Standard (SRS), social impact is defined as “changes in the target groups, their living environment and/or society” that can be observed as a result of the services provided.3 These changes occur as a result of targeted measures or projects and are an expression of an improved or changed social situation.

Awareness of one's own impact usually begins with the identification of a social problem that needs to be solved or alleviated. The following steps can be used to trace your own impact chain:

1. Social Issue: developing an understanding of what problem is to be solved or what situation is to be improved.

2. Goals and Visions: Set clear goals aimed at a concrete social improvement.

3. Resources (Input): Determine the means that will be used to achieve the goal (finances, personnel, materials).

4. Outputs: The activities and offers that are implemented, e.g. projects, events or campaigns.

5. Results (Outcome): Direct successes and immediate changes in the target groups, e.g. improved knowledge or changed behavior.

6. Impact: Profound, sustainable successes and structural changes at a societal level.

Museums have an impact

Museums see themselves as institutions on behalf of society and have a tangible social impact. A recently published representative study commissioned by the German Museums Association also underlines this in terms of public perception. According to the study, the institutions are primarily seen by respondents as guardians of society's heritage (82% agreement). Almost as important is their ability to provide orientation and enable a better understanding of society (71% approval). It is particularly important for young people (under 35) that museums actively participate in social debates and confront us with realities that we often ignore. These results clearly show that not only the institutions themselves but also the public are aware of the social mission of museums.4

We spoke to project partner and impact expert Sarah Ulrich about how a museum can have a concrete social impact:

“A museum can have an impact on society in many different ways: For example, by researching, collecting, preserving and exhibiting, it has an impact on how we remember as a society. By opening up barrier-free spaces for experience, education, enjoyment, reflection and exchange, it has an impact on individual and social development.”

The Museum Development Goals (MDGs)

In this context, the Museum Development Goals (MDGs) provide a framework for museums to specifically record and present their social impact. Their impact is defined by a museum's self-image and actions, which is why the MDGs are directly based on the current definition of a museum. The MDGs highlight the central aspects of this definition in 18 tiles.

Sarah Ulrich: “Although the Museum Development Goals are conceptually and visually based on the Sustainable Development Goals of the United Nations, they are by no means a counter-draft, but rather a kind of additional ‘filter’ that helps to make the contribution that museums make to the major social challenges of our time (see SDGs) specifically visible along the lines of what a museum is at its core. This is why the MDGs are based on the ICOM definition of museums: museums have social impact by being museums. The MDGs are a framework that allows museums to relate the overwhelming social challenges to their essential activities and thus better recognize where the possibilities and limits of their social impact lie.”

The aim is to create a tool that supports museums in analyzing and presenting their impact, promotes self-reflection and strategic development and enables focused communication of measures and results. Particular emphasis is placed on collaborative development: Museums are not just the target group, but active partners in the design. Each of the tiles is developed in sponsorship with a museum from a German-speaking country.

The participatory approach aims to develop a common language for the social impact of museums and to sustainably strengthen their role as places of learning, reflection and social change.

Making impact visible

The MDGs serve as a communication tool that helps both internally and externally to clearly describe the tasks and values of a museum and to specifically highlight its social impact. In addition to a precise breakdown of the terms, best practice examples are also presented to serve as inspiration and orientation.

The new project website www.museum-development-goals.org will be launched shortly on October 10 - in addition to project insights and current developments, it will also be used to invite people to events. Experts from the field of impact measurement are regularly invited to present inspiring projects at coffee breaks. We would be delighted if you would like to join us for an exchange and discussion.

Please note: There are still a few places available for museums that would like to actively participate in the development of the Museum Development Goals. Interested parties can register at mdg@icom-deutschland.de.

Safe the Date

• Tue, October 29, 2024, 9:00-9:30 am: Coffee Break with Thomas Overdick, Museumsverband für Niedersachsen und Bremen e.V. - Presentation of the Museumsgütesiegels

• November 7-8, 2024: Project presentation at MUTEC - International Trade Fair for Museum and Exhibition Technology

• Tue, January 28, 2025, 9:00-9:30 am: Coffee Break with Kathrin Grotz, Institute for Museum Research - Presentation of the MOI-Museum of Impact

Thank you for your interest in the current newsletter. Feel free to contact us if you are interested in the Museum Development Goals project and discover the new website soon!

Best regards,

Sandra Richter, NORDMETALL Foundation

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Herzlich Willkommen zur Juli-Ausgabe von Spotlighting Museums. Passend zur sommerlichen Stimmung möchte ich Ihnen von unseren Reiseerlebnissen berichten: Im vergangenen Monat haben einige der Teilnehmenden des Programms „Das relevante Museum“ eine inspirierende Exkursion in die Niederlande unternommen, um sich Best Practices der Publikumsorientierung anzuschauen.1

Internationale Exkursionen etablieren sich als optionaler Bestandteil des Programms, bei dem wir sowohl uns bekannte Partner als auch neue Institutionen besuchen. Letztes Jahr berichteten wir an dieser Stelle bereits von der Wiedereröffnung der National Portrait Gallery in London.

Der diesjährige Ausflug in die Niederlande mit insgesamt 14 Personen aus norddeutschen und Schweizer Museen, sowie der Stiftung für Kunst, Kultur und Geschichte und der NORDMETALL-Stiftung, hat uns nach Leiden, Amsterdam, Hilversum, Haarlem und Rotterdam geführt. Mit der Lupe Des relevanten Museums haben wir uns vor allem mit publikumszentrierter und teilhabeorientierter Museumsarbeit beschäftigt. Ich möchte Ihnen gern einen Einblick in unsere Erlebnisse und Erkenntnisse geben.

Media Museum Beeld & Geluid – Herzlich Willkommen

Bereits an unserem ersten Stop im Media Museum Beeld & Geluid in Hilversum wurden wir herzlich in den Niederlanden willkommen geheißen: Jede Besucherin und jeder Besucher wird dort persönlich empfangen. Während unseres Besuchs wurde zudem ohne Zögern auf unsere Bedürfnisse eingegangen und uns kurzfristig englische Unterstützung für die niederländischen Texte zur Seite gestellt. Das Museum vermittelt auf abwechslungsreich spielerische Weise Medienkompetenz. Besonders beeindruckend war die verwendete Technik, die mithilfe von Gesichtserkennung die Inhalte personalisiert.

MuseoSpace – Netzwerke aufbauen

Der wertvolle Austausch mit der niederländischen Stiftung MuseoSpace, der auf Stiftungsebene bereits etabliert war und die wir bereits in einem früheren Newsletter ausführlich vorgestellt haben, konnte durch unseren Besuch in Leiden weiter vertieft werden. Gründerin und Innovationsmanagerin Diana Fehr sowie Vorstandsmitglied Annette Van Raamsdonk gewährten uns nicht nur einen umfassenden Einblick in ihre Arbeit, sondern unterstützten uns auch mit ihrer fundierten Sektorexpertise und Ortskenntnis. Ihr Ziel ist es, das Innovationspotential in Kultureinrichtungen durch Zusammenarbeit in Netzwerken und Expertise zu stärken. Jüngst wurde von MuseoSpace die Museum Innovation Community ins Leben gerufen, eine Plattform, auf der sich engagierte Museumsmacherinnen und -macher über die Innovationskraft des Kultursektors austauschen können und mit der Das relevante Museum ebenfalls als strategischer Partner verbunden ist. Die Vernetzung zu MuseoSpace bildet einen wertvollen Beitrag zum überregionalen Austausch im Museumsnetzwerk.

Lisa Baxter – Experience Design

Dank der Einladung von MuseoSpace hatten wir die Gelegenheit, Lisa Baxter kennenzulernen, die als Beraterin im Kultursektor tätig ist und „The Experience Design“ gegründet hat. Sie hat uns die Bedeutung einer emotional journey im Museum nähergebracht. Ähnlich der visitor journey wird der Museumsbesuch ganzheitlich gedacht, doch stehen zusätzlich Empathie und emotionale Intelligenz im Mittelpunkt der Erfahrung.

Gemeinsam mit Museo Space hat Lisa Baxter das Toolkit „Museum Visitor Experience Design“ entwickelt. Das Handbuch führt schrittweise durch die Entwicklung eines gelungenen Besuchererlebnisses und betont dabei die Bedeutung von Neugierde und Empathie gegenüber dem Publikum. Wir empfehlen Ihnen, einen Blick darauf zu werfen.2

Lesen Sie zum Experience Design auch gerne noch einmal den letzten Spotlighting Museums Newsletter von Christoph Brosius über Abraham Burickson.

De Buurt Camp – Community Building

Einen inspirierenden Impuls außerhalb der Museumswelt erhielten wir in Amsterdam vom Maarten Hupkes, Direktor des DeBuurt Camps. Die Organisation hat sich auf Community Building und Stärkung der Nachbarschaft spezialisiert. In ihrem erfolgreichsten Projekt laden sie Anwohnerinnen und Anwohner ein, Campingurlaube in ihrer eigenen Nachbarschaft zu gestalten. Dafür werden städtische Parks für einen bestimmten Zeitraum als Campingplätze freigegeben und zu besonderen Begegnungsorten, in denen Menschen aus der Umgebung mit den unterschiedlichsten Hintergründen zusammenkommen.

Das DeBuurt Camp bildet dafür Freiwillige aus, die zu Ansprechpartnern im Camp werden und die Verantwortung für die Gestaltung der Campingorte und des Zusammenseins mittragen. Gleichzeitig ist in der Nachbarschaft jede und jeder dazu eingeladen, etwas beizutragen. Das Projekt hat sich so erfolgreich etabliert, dass mittlerweile in mehr als 60 Nachbarschaften gecampt wird. Evaluationen zeigen, dass das Vorhaben das Zugehörigkeitsgefühl zum eigenen Stadtteil steigert. Viele derjenigen, die sich bei DeBuurt Camp treffen, engagieren sich auch danach weiterhin für ihre Nachbarschaft.

Imagine IC – Partizipatives Aushandeln des Kulturerbes

Ein weiterer inspirierender Stop auf unserer Reise war die Kulturerbe-Einrichtung Imagine IC in Amsterdam, die sich als Verbund aus Museum, Archiv und Begegnungsort versteht. Leiterin Danielle Kuijten und Community Manager Jules Rijssen haben uns ihre erfolgreiche Praxis vor Ort vorgestellt. Imagine IC lädt verschiedenste Communities ein, kulturelles Erbe gemeinsam zu verhandeln. Dabei wird sehr viel Wert auf eine gute Gesprächskultur und Beziehungspflege gelegt.

Imagine IC agiert auch als Schnittstelle zwischen den Communities und den etablierten musealen Institutionen Amsterdams, indem sie vorschlagen, welche Objekte und Geschichten in den anerkannten Sammlungen noch fehlen. Selbst besitzt Imagine IC keine eigene Sammlung, sondern stellt Leihgaben von Privatpersonen aus. Das Besondere daran: Die geliehenen Gegenstände können, auch für kürzere Zeiträume, wieder zurückgenommen werden. Es wird eine geteilte Verantwortung zwischen dem Netzwerk und der Institution gepflegt, um eine Balance zwischen den Eigentümern und den Hütern des Erbes zu schaffen.

Besonders beeindruckt hat mich, wie viel Wert auf die Beziehungspflege gelegt wird und mit welcher Selbstverständlichkeit dabei auch zufällige Gespräche in der Nachbarschaft fester Bestandteil im Arbeitsalltag sind. Die Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter bei Imagine IC sind im Deep Listening ausgebildet und schaffen auch für schwierige Gespräche und Themen, die die Community bewegen, aber in der Öffentlichkeit zu wenig Aufmerksamkeit finden, Raum. Durch eine wertschätzende Beziehung werden so verschiedene Menschen an die Institution gebunden.

Diese Einblicke in verschiedenste niederländische Institutionen gaben wertvolle Impulse in das Netzwerk, wie eine Community aufgebaut werden kann, z.B. durch Netzwerkarbeit wie bei MuseoSpace, durch das Entwickeln eines wertvollen Besuchserlebnis, wie Lisa Baxter es lehrt oder das Aktivieren der Nachbarschaft, wie DeBuurt Camp es praktiziert. Imagine IC wiederum zeigt uns mit wie viel Wertschätzung die Beziehung zu Communities gepflegt und vertieft werden kann.

Vielen Dank für Ihr Interesse an dieser Ausgabe von Spotlighting Museums. Ich wünsche Ihnen weiterhin einen angenehmen Sommer und freue mich darauf, Sie im August wieder bei uns begrüßen zu dürfen.

Herzliche Grüße

Sandra Richter, NORDMETALL-Stiftung

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English Version

Welcome to the July issue of Spotlighting Museums. In the spirit of summer, I would like to share some of our travel experiences with you: Last month, some of the participants in the Relevant Museum programme went on an inspiring trip to the Netherlands to see best practices in audience development.3

International excursions are becoming an optional part of the programme, where we visit both familiar partners and new institutions. Last year, we already featured the reopening of the National Portrait Gallery in London here.

This year's trip to the Netherlands with a total of fourteen people from museums in northern Germany and Switzerland, as well as the Stiftung für Kunst, Kultur und Geschichte (Foundation for Art, Culture and History) and the NORDMETALL Foundation, took us to Leiden, Amsterdam, Hilversum, Haarlem and Rotterdam. With the lens of the Relevant Museum, we focused primarily on audience-centred and participation-oriented museum work. I would like to give you an insight into our experiences and findings.

Media Museum Beeld & Geluid – A warm Welcome

Right from our first stop at the Media Museum Beeld & Geluid in Hilversum, we received a warm welcome to the Netherlands: every visitor is greeted personally. During our visit, our requests were met without hesitation and we were provided with English support for the Dutch texts at short notice. The museum teaches media literacy in a fun and varied way. The technology used to personalise the content with the help of facial recognition was particularly impressive.

MuseoSpace – Creating new networks

The valuable exchange with the Dutch foundation MuseoSpace, which was already established at foundation level and which we have already presented in detail in a previous newsletter, was further deepened by our visit to Leiden. Founder and innovation manager Diana Fehr and board member Annette Van Raamsdonk not only gave us a comprehensive insight into their work, but also supported us with their in-depth sector expertise and local insight. Their aim is to strengthen the potential for innovation in cultural institutions through collaboration in networks and expertise. MuseoSpace recently launched the Museum Innovation Community, a platform on which committed museum professionals can exchange ideas about the innovative power of the cultural sector and to which the Relevant Museum is also connected as a strategic partner. Networking with MuseoSpace makes a valuable contribution to international exchange in the museum network.

Lisa Baxter – Experience Design

Thanks to the invitation from MuseoSpace, we had the opportunity to meet Lisa Baxter, who works as a consultant in the cultural sector and founded The Experience Design in the UK. She explained to us the importance of an emotional journey for visitors to a museum. Similar to the visitor journey, the museum visit is conceived holistically, but empathy and emotional intelligence are also at the centre of the experience.

Together with MuseoSpace, Lisa Baxter has developed the Museum Visitor Experience Design toolkit. The handbook guides you step-by-step through the development of a successful visitor experience, emphasising the importance of curiosity and empathy towards the audience. We highly recommend you take a look at it.

You can also find out more about experience design in the recent Spotlighting Museums Newsletter by Christoph Brosius about Abraham Burickson.

De Buurt Camp – Community Building

We received an inspiring impulse beyond the museum sector in Amsterdam from Maarten Hupkes, director of DeBuurt Camp. The organisation specialises in community building and strengthening the neighbourhood. In their most successful project, they invite local residents to organise camping holidays in their own neighbourhood. This is achieved by opening urban parks as campsites for a certain period of time and turning them into special gathering places where people from a wide variety of backgrounds can come together.

The DeBuurt Camp trains volunteers for this purpose, who then become the contact people at the camp and share responsibility for organising the campsites and the get-togethers. Nevertheless, everyone in the neighbourhood is invited to contribute. The project has established itself so successfully that more than sixty neighbourhoods are now involved in camping. Evaluations show that the project increases the sense of belonging to one's own neighbourhood. Many of those who meet at DeBuurt Camp continue to get involved in their neighbourhood afterwards.

Imagine IC – Participatory Heritage Work

Another inspiring stop on our trip was the cultural heritage institution Imagine IC in Amsterdam, which sees itself as a combination of museum, archive and gathering place. Director Danielle Kuijten and Community Manager Jules Rijssen introduced us to the special practice on site. Imagine IC invites a wide variety of communities to negotiate cultural heritage together. Significant importance is given to a good culture of dialogue and relationship building.

Imagine IC also acts as an interface between the communities and Amsterdam's established museum institutions by suggesting which objects and stories are still missing from the recognised collections. Imagine IC itself does not have its own collection but exhibits items on loan from private individuals. The special thing about this is that the borrowed objects can be taken back, even for shorter periods of time. There is a shared responsibility between the network and the institution to create a balance between the owners and the guardians of the heritage.

I was particularly impressed by how much emphasis is placed on maintaining relationships and how naturally casual conversations in the neighbourhood are an integral part of everyday work. The employees at Imagine IC are trained in deep listening and also create space for difficult conversations and topics that move the community but receive too little public attention. Through an appreciative relationship, different people are committed to the institution.

These insights into various Dutch institutions gave valuable impulses into the network on how a community can be built, e.g. through networking as at MuseoSpace, by developing a valuable visitor experience as Lisa Baxter teaches or by activating the neighbourhood as DeBuurt Camp does. Imagine IC, on the other hand, shows us how to maintain and deepen relationships with communities with great appreciation.

Thank you for your interest in this issue of Spotlighting Museums. I wish you a pleasant summer and look forward to welcoming you back in August.

Warm regards,

Sandra Richter, NORDMETALL Foundation

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