Desde adolescente, sempre gostei desse universo. Não apenas do resultado, mas do processo. Aprender sobre formulações, entender como diferentes ingredientes agem na pele, descobrir por que uma cor funciona melhor do que outra, testar novas formas de aplicar maquiagem ou finalizar o cabelo. Existe algo quase terapêutico nisso para mim. Talvez tenha sido justamente esse fascínio que me levou, anos depois, a falar sobre moda e beleza nas redes sociais.

Enquanto algumas pessoas encontram descanso pintando, cozinhando ou fazendo crochê, eu encontro escovando o cabelo com calma depois de um dia difícil, fazendo minha rotina de skincare ou testando um batom novo sem ter para onde sair. Não existe sensação melhor do que terminar de alinhar cada fio quando a mente está completamente bagunçada. Ainda assim, por muito tempo senti culpa por gostar disso. Como se me interessar profundamente por maquiagem, cabelo ou cosméticos significasse automaticamente reforçar um sistema que sempre cobrou demais das mulheres.

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Essa culpa ficou ainda maior depois que li O Mito da Beleza, de Naomi Wolf. No livro, ela argumenta que transformar a beleza em um “hobby” é uma das formas mais eficientes de suavizar uma obrigação histórica. Afinal, hobbies são opcionais. Você pode decidir nunca mais jogar tênis, fazer cerâmica ou aprender francês sem sofrer grandes consequências. Já com a beleza, a lógica costuma ser diferente. Quando uma mulher deixa de participar desse “hobby”, muitas vezes paga um preço real: pode ser vista como menos profissional, menos cuidadosa ou simplesmente menos bonita dentro dos padrões esperados. Soma-se a isso o custo invisível de tempo, dinheiro e energia mental. A rotina de cosméticos, dietas, procedimentos e lançamentos constantes ocupa um espaço enorme na vida das mulheres, enquanto a promessa de finalmente “chegar lá” nunca se concretiza. Sempre existe um novo produto, uma técnica melhor, um tratamento mais eficiente.

Depois de fechar o livro, confesso que me senti quase cúmplice. Era como se eu entendesse perfeitamente a estrutura descrita por Wolf e, ainda assim, continuasse encontrando prazer genuíno nesse universo. Uma espécie de síndrome de Estocolmo estética.

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Foi então que me lembrei de um vídeo que vi no TikTok. Uma menina contava que sua irmã mais velha era considerada a mulher mais bonita que ela conhecia. Não necessariamente porque tinha os traços mais marcantes, mas porque, desde a adolescência, passava horas aprendendo sobre maquiagem, cabelo, cuidados com a pele e estilo. Enquanto isso, a autora do vídeo dizia ter dedicado seu tempo a ler todos os livros de fantasia que encontrava. Aquela história ficou na minha cabeça porque mostrava algo que raramente discutimos: beleza também é conhecimento. Existe técnica, estudo, repertório, tentativa e erro. Assim como alguém aprende fotografia, culinária ou jardinagem porque gosta do assunto, alguém também pode estudar colorimetria, formulações cosméticas ou visagismo simplesmente por curiosidade.

Foi aí que comecei a olhar para essa culpa com um pouco mais de nuance. A escritora bell hooks defendia que práticas tradicionalmente associadas ao feminino não precisam ser descartadas apenas porque foram apropriadas por estruturas de poder. Mulheres também podem encontrar prazer e criatividade nesses espaços. Reconhecer que existe uma indústria lucrando com nossas inseguranças não significa que toda experiência de cuidado com a aparência seja necessariamente alienante.

Acho que o ponto de ruptura está na liberdade. Quando a beleza deixa de ser uma escolha e passa a ser uma obrigação para existir socialmente, ela perde seu potencial de prazer. Mas transformar qualquer interesse feminino em motivo de culpa também me parece uma armadilha. Isso significa abrir mão de um universo inteiro de criatividade, técnica e experimentação simplesmente porque ele foi historicamente associado à cobrança estética.

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Hoje, enxergo a beleza muito mais como linguagem do que como meta. Gosto de aprender sobre maquiagem da mesma forma que gosto de aprender sobre moda: porque me interessa entender como imagens, cores, texturas e formas comunicam quem somos. O prazer está em experimentar, descobrir e criar — não em perseguir uma versão perfeita de mim mesma.

É por isso que, para mim, o limite entre hobby e obrigação não está na quantidade de produtos sobre a bancada, mas na autonomia. Quando o cuidado nasce da curiosidade, do descanso ou da vontade de brincar com a própria imagem, ele amplia nossas possibilidades de expressão. Quando nasce do medo de não ser suficiente, ele deixa de ser um passatempo e passa a ser apenas mais uma cobrança disfarçada de autocuidado.

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Sou a Ana Paula, tenho 28 anos e sou apaixonada por moda, beleza e comunicação desde que me entendo por gente, e sigo assim até hoje, publicitária de formação e pós graduada em marketing de moda e em fashion business, atuo na área e crio conteúdo nas redes sociais sobre o tema.
O The Ana Edit é meu espaço onde traduzo moda, comportamento e cultura para mulheres que gostam de entender o “porquê” das coisas — e não apenas acompanhar tendências.
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E, como na moda nada é por acaso, essa tendência não surgiu do nada. Ela bebe diretamente da tradição surrealista dos anos 1930. Naquela época, a lendária estilista Elsa Schiaparelli colaborava com Salvador Dalí para criar chapéus em formato de sapato e vestidos estampados com lagostas. Os calçados que desafiam a lógica são uma evolução direta dessa ideia de transformar objetos cotidianos em arte vestível.

Na prática, esses modelos funcionam como uma espécie de “joia para os pés”: o restante do visual pode ser composto por uma camiseta branca e um jeans básico, porque o calçado já assume naturalmente o protagonismo da produção.

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O retorno dessa estética é explicado por uma combinação bastante clara de fatores de mercado, psicologia do consumo e comportamento digital.

Primeiro, ela representa o esgotamento do quiet luxury e da longa temporada de cores neutras e designs minimalistas que dominou os últimos anos. Ao mesmo tempo, responde ao desejo coletivo por escapismo em meio à policrise global.

Também vale considerar o impacto desses modelos nas redes sociais. Sapatos inusitados despertam o famoso double take — aquela segunda olhada automática causada pela surpresa —, criando imagens altamente compartilháveis e disputando a atenção de um público cada vez mais saturado de informação. Mas, mais importante do que viralizar, eles despertam o desejo de novos consumidores de entrar para o universo daquela marca.

Durante muitos anos, as bolsas foram consideradas a principal porta de entrada para o mercado de luxo. Hoje, com os preços atingindo patamares cada vez mais altos, os sapatos passaram a ocupar esse espaço.

Para as marcas, os chamados produtos de entrada têm um papel estratégico: vender o sonho para consumidores que ainda não conseguem investir em um item de maior valor, mas desejam fazer parte daquele universo e compartilhar seus códigos.

É justamente aí que os sapatos surrealistas ganham força. Eles permitem que as marcas contem sua história logo no primeiro contato com o consumidor, mantendo vivo o fenômeno do if you know, you know. Você não está usando um logo escancarado, mas quem acompanha moda reconhece imediatamente que aquele salto em formato de cogumelo pertence ao universo da Chanel.

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Essa mudança também revela uma transformação importante na forma como consumimos luxo. Durante muito tempo, as bolsas funcionaram principalmente como objetos de status: comunicavam acesso, poder de compra e reconhecimento imediato da marca. Os sapatos, por outro lado, assumem um papel diferente. Eles funcionam como objetos de expressão, permitindo que o consumidor demonstre repertório estético e identificação com o universo criativo da maison. Em um mercado onde o desejo está cada vez menos ligado ao logo e cada vez mais à narrativa, o produto de entrada deixa de ser apenas o item mais acessível da marca para se tornar aquele que melhor traduz sua identidade.

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Desde adolescente, eu sentia que algo diferente me esperava no futuro. Nunca soube explicar exatamente o quê, mas existia uma convicção silenciosa de que eu conseguiria ir além. Eu me recusava a acreditar que minhas possibilidades eram limitadas; pelo contrário, elas pareciam inesgotáveis. A sensação de que tudo ainda podia acontecer era o que me motivava diariamente — em todos os aspectos da vida.

E foi assim que vivi até os meus vinte e poucos anos.

Hoje, já bem mais perto dos 30 do que dos 20, sinto que esse processo de amadurecimento tem tentado me tornar uma pessoa mais séria. Aos poucos, parece que a vida vai nos afastando da fantasia e daquela vontade quase ingênua de desejar algo extraordinário, como se sonhar alto fosse uma característica da juventude que inevitavelmente precisa ser abandonada.

Às vezes me sinto um pouco como a Wendy, em Peter Pan: obrigada a deixar para trás um mundo de possibilidades infinitas para dar lugar a uma vida segura, previsível e socialmente aceitável.

Recentemente li A Redoma de Vidro (Sylvia Plath) e me identifiquei mais do que gostaria com a famosa metáfora da figueira; Sem dar muitos spoilers, A protagonista Esther Greenwood compara sua vida a uma figueira onde cada galho oferece um futuro brilhante — como ser mãe, poetisa, professora ou viajar pelo mundo. Incapaz de escolher um único caminho por medo de perder todos os outros, ela se senta na forquilha da árvore, morrendo de fome, enquanto os figos amadurecem, apodrecem e caem.

Quando terminei essa passagem me vi ali, sentada embaixo da árvore vendo minhas possibilidades dentro de cada figo apodrecendo. Não necessariamente por não saber o que escolher, mas por sentir que não podia mais me permitir querer comer os figos, por puro medo do que viria com isso.

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E acho que esse é um sentimento muito adulto.

Socialmente existe uma idade esperada em que começamos a tratar nossos sonhos como planos B impossíveis, o famoso “se absolutamente tudo der errado, farei isso”. Antes de perguntar o que queremos, perguntamos o que é viável. Antes de imaginar, calculamos. Antes de tentar, pensamos em tudo o que pode dar errado.

Especialmente para nós, mulheres, amadurecer quase sempre significa aprender a antecipar consequências. Planejar. Prevenir. Não desperdiçar tempo. Não errar demais.

Porém, quanto mais eu me afasto da fantasia, mais distante eu me sinto de mim mesma. O medo de não conquistar e me forçar ao comodismo no fim tem sido mais amargurante do que passar uma vida tentando. As frustrações do caminho machucam, é claro. Mas, curiosamente, elas doem menos do que a sensação de abandonar uma versão de mim antes mesmo de tentar conhecê-la. É como se cada obstáculo viesse acompanhado de uma placa dizendo: “Viu? Era melhor ter escolhido o caminho seguro.” E convenhamos: dá muito medo ignorar essas placas.

Já ouvi a analogia que nossa vida é um reflexo do que mais damos atenção para. Pensando assim, é certo comigo mesma podar meus próprios figos?

Muitas pessoas interpretam a metáfora da figueira de Sylvia Plath de outra forma. Em vez de permanecer sentada sob a árvore observando os frutos caírem, elas propõem uma pergunta diferente: porque devemos sentar embaixo da árvore se podemos ser a árvore?

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Se somos a árvore, os figos não apodrecem. Todas as possibilidades habitam em mim enquanto eu estiver viva. Algumas deixam de fazer sentido, outras aparecem quando menos esperamos, mas nenhuma precisa existir apenas porque tínhamos vinte anos.

Claro que esse pensamento carrega uma boa dose de otimismo. Talvez até de fantasia.

Mas, sinceramente? Tenho começado a achar que fantasia não é o oposto da maturidade. Talvez seja justamente o que impede que ela endureça demais. Esse vídeo da Charli Chats sobre o poder político que viver uma vida mais lúdica tem me trouxe uma ótica nova.

Então, se funcionou para a Dua Lipa acreditar nas próprias manifestações e chegar onde está vibrando energia positiva, bons looks e boas relações, talvez eu também possa trocar a tarefa de podar minha figueira pela de regar o jardim.

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Ao mesmo tempo em que exibir bom gosto e repertório cultural nunca foi tão valorizado na internet, ser misterioso voltou a ser cool. Ter experiências de nicho e não revelar tudo reaparecem como uma tentativa de recuperar a exclusividade e a autenticidade que pareciam perdidas no excesso de exposição online.

Em uma sociedade hiperconectada, ter tempo fora das telas se tornou não só um privilégio mas também novo código de luxo silencioso. Especialmente para Millennials e Gen Z, que em breve serão a maioria com poder aquisitivo no mercado, estar offline é quase um símbolo aspiracional.

Quem já tem acesso a tudo agora quer o que o dinheiro não compra: ser interessante e ter repertório.

Na nova pirâmide do luxo, usar iPhone sem capinha, frequentar clubes seletos, mostrar que você passa pouco tempo online e mesmo assim conhece os melhores lugares surgem como novos marcadores de status.

E os números confirmam essa mudança: Pela primeira vez em 15 anos, o mercado global de bens de luxo enfrenta desaceleração. Consumidores estão preferindo investir em experiências em vez de bens materiais (Bain & Company, 2025). O desejo deixou de ser apenas sobre possuir para saber viver bem.

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Essa transformação também impacta as redes sociais. O oversharing perde força e o gatekeeping deixa de ser visto apenas como esnobismo e passa a funcionar como curadoria e, em certa medida, como “autoproteção cultural”. Não se trata mais de compartilhar tudo, mas de escolher o que merece ser compartilhado. Menos informação, mais curadoria.

As pessoas continuarão consumindo, mas com novas variáveis em mente: qualidade, durabilidade, valor de revenda e pertencimento. Para as marcas, estar “no hype” já não é suficiente. O consumidor quer comunidade, narrativa e um motivo real para permanecer interessado.

Proporcionar experiências que criem sensação de nicho — e atuar como catalisador cultural — se torna essencial. O capital cultural passa a ser tão relevante quanto o produto primário. Um estudo da Harvard Business Review aponta que clientes emocionalmente conectados a uma marca são 52% mais valiosos do que os demais, pois a conexão aumenta frequência de compra e recomendação.

Não por acaso, vemos movimentos como o clube do livro da Miu Miu, a Bvlgari patrocinando instituições culturais, marcas de luxo assinando hotéis, The Row proibindo celulares em desfiles e o crescimento dos clubes privativos e mais recentemente, marcas como Dior e Coach apostando em capas de livros em suas bolsas e charms. Mais do que vender produtos, essas marcas constroem contextos.

Nesse cenário, o valor deixa de estar apenas no acesso e passa a estar na curadoria. Em um ambiente onde praticamente tudo pode ser encontrado online, o diferencial não é mais descobrir algo — mas saber selecionar, interpretar e contextualizar aquilo dentro de um repertório cultural próprio. Para marcas e creators, isso indica uma mudança importante: a influência deixa de ser medida apenas por alcance ou viralização e passa a depender da capacidade de construir universos culturais relevantes, onde produto, experiência e narrativa coexistem.

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Mais do que vender itens desejáveis, o desafio será oferecer pertencimento, repertório e significado. No futuro próximo, quem souber equilibrar bem essa equação — entre mostrar o suficiente e preservar o que ainda é exclusivo — tende a conquistar o consumidor que busca algo cada vez mais raro na internet: sensação de descoberta e identidade própria.

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Hi! Sou a Ana Paula, tenho 27 anos e minha paixão por comunicação começou cedo acompanhando blogs e canais de moda. Hoje, trabalho com marketing de moda e beleza, pesquisa de tendências e crio conteúdo para as redes sociais. O The Ana Edit é meu espaço para compartilhar uma curadoria de moda, tendências e comportamento sob o meu olhar de forma mais profunda, leve e pessoal.

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“O romance definitivamente não morreu, e está mais vivo do que nunca.”

Cheguei a essa conclusão observando sinais cada vez mais claros na cultura: na moda, na música e na forma como o entretenimento tem resgatado narrativas afetivas mais intensas. Depois da pandemia, parece que criar conexões verdadeiras se tornou mais difícil; se relacionar exige mais esforço, mais vulnerabilidade e, muitas vezes, mais coragem. Não à toa, o romantismo volta à cena agora: ele reflete um desejo coletivo por experiências afetivas profundas, reais e significativas, ainda que em formatos diferentes dos que conhecíamos antes.

Na moda, esse movimento já vinha sendo anunciado. Estéticas como coquette e cottage core, que ganhou força em 2020, revelavam um retorno à feminilidade romântica e um impulso claro de escapismo em meio a um cenário pandêmico e incerto. Hoje, esse romantismo amadureceu e ganhou novas formas: o estilo hiperfeminino aparece nas grandes semanas de moda misturando laços, rendas e babados a silhuetas mais estruturadas e contemporâneas — criando uma estética sonhadora, mas totalmente ancorada no presente.

Um dos exemplos mais simbólicos foi a estreia de Matthieu Blazy na alta-costura da Chanel. Desde o teaser animado com animais circulando pelo ateliê ala Cinderela, até o cenário do desfile — um jardim encantado em tons de rosa, com cogumelos gigantes e referências sonoras a A Bela Adormecida da Disney — tudo apontava para uma fantasia delicada e cuidadosamente construída. Mas o ponto central não é apenas sonhar com esse universo: é o desejo de trazê-lo para a realidade e vestir o encantamento no cotidiano.

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Essa mesma narrativa aparece no cinema com a nova adaptação de Wuthering Heights, estrelada por Margot Robbie e Jacob Elordi, que estreia estrategicamente no Valentine’s Day nos Estados Unidos. Longe de um romance leve ou idealizado, o filme aposta em um amor intenso, turbulento e quase obsessivo, um romantismo mais sombrio, emocionalmente complexo e profundamente humano. Os looks de Margot durante a divulgação reforçam essa leitura: dramáticos, sensíveis e nada óbvios, eles ajudam a contar essa história sem cair no clichê do romance água com açúcar.

Na música, o romantismo contemporâneo também ganha espaço. Olivia Dean, vencedora do Grammy 2026 como Best New Artist, se destacou com o álbum The Art of Loving (2025), no qual explora o amor em suas múltiplas formas de maneira íntima, vulnerável e atual. Suas canções falam de afeto sem idealizações excessivas, mais sobre sentir, errar, tentar e permanecer aberto às relações, mesmo em tempos emocionalmente complexos.

Se vemos o romance sendo resgatado, reinterpretado e celebrado naquilo que vestimos, assistimos e ouvimos, é natural que ele volte a ocupar espaço também na forma como nos relacionamos. Talvez esse novo romantismo não prometa finais perfeitos — mas ele nos convida, ao menos, a tentar sentir de novo. Por aqui, seguimos observando (e vivendo) para descobrir até onde isso pode nos levar.

Com um aumento de 452% nas buscas no TikTok só na última semana (BBC), 2016 voltou ao centro da conversa de forma quase nostálgica com filtros VSCO, tendências da época e músicas que marcaram uma geração. Mas por que 2016? E por que agora?

Como uma Gen Z mais velha que foi adolescente nessa época, revisitar esses anos traz um sentimento de escapismo confortável e, sendo bem honesta, bastante compreensível. Apesar das trends já existirem, o estilo pessoal parecia muito mais presente. Arrisco dizer que as pessoas simplesmente se importavam menos com a própria imagem (pelo menos da forma como se importam hoje.)

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Era um momento em que a internet “ainda era mato”, o feed do Instagram era cronológico e postar era, acima de tudo, divertido. Fotos do rolê com as amigas, da comida favorita, uma selfie meio torta tentando imitar uma foto tumblr. Existia até a famosa golden hour do Instagram as 19h, mas, ainda assim, tudo parecia mais sobre conexão do que sobre performance.

Falar de 2016 — e da década passada como um todo — é quase impossível sem falar dos millennials e, agora em 2026, dessa nostalgia coletiva do boom do Tumblr, da música indie e de estéticas como grunge, soft goth e a twee aesthetic (tipo a Jess de New Girl). Um imaginário que carrega o otimismo de uma época que, em retrospecto, parecia mais simples, especialmente quando comparada à ansiedade constante de uma sociedade pós-pandêmica, atravessada por crises econômicas, políticas e ambientais.

Olhando para o agora, tudo parece precisar de um propósito maior, uma mensagem muito bem calculada. Seu photodump precisa comunicar exatamente a vibe certa; caso contrário, você corre o risco de “flopar”. As tendências se tornaram mais massificadas, os padrões mais inalcançáveis e, em algum momento do caminho, todo mundo começou a ter a mesma cara — e o mesmo jeans. Vamos ser sinceras: não é cansativo?

Segundo a WGSN, 2026 será o ano do redirecionamento. Um movimento que atravessa não só a moda, mas também relações pessoais, política, economia e tecnologia. Existe um desejo coletivo por uma vida mais leve — e, com isso, uma priorização real do bem-estar. Isso pode se manifestar tanto em finalmente colocar uma rotina de exercícios em prática quanto em postar nas redes sem a pressão de acertar a “vibe perfeita”.

E é aí que está o ponto central: cansados do jeito que estamos vivendo, olhar dez anos para trás vira uma forma de escapismo — não para repetir exatamente o passado, mas para resgatar o que ele representava. Talvez 2016 não esteja voltando porque era perfeito, mas porque foi um dos últimos momentos em que existir online parecia leve. Antes de tudo virar métrica e carregar um peso enorme. No fim das contas, essa nostalgia não é sobre filtros ou playlists antigas; é sobre o desejo de voltar a se expressar de forma espontânea e sem performance.

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Escapismo Náutico

Seja para quem vai viajar no verão ou para quem vai ficar pela cidade, as cores, estampas e acessórios da temporada evocam o clima praiano e náutico como forma de escapismo. Menos sobre pés na areia, mais sobre um look listrado para usar num barco. Estampas de cartão-postal, sardinhas, listras e tons de vermelho, azul-marinho, bege e branco dominam a estética.

Summer Goth e Boho Chic Glam

Preto, renda e veludo no verão? O summer goth adapta a estética gótica para o calor por meio de tecidos leves — como renda, linho e tule — e cortes fluidos, como vestidos longos, saias e transparências. Já o boho chic segue na mesma linha, mas com tons terrosos mais escurecidos e uma leitura mais glam, como vimos em Isabel Marant, Chloé e Valentino.

O mix desses estilos parece uma renascença do Tumblr nos anos 2020, criando um contraste romântico e interessante quando combinado à estética gótica.

A volta do maximalismo

Pela primeira vez em três anos, a quantidade de peças lisas nos desfiles começou a diminuir em relação às estampadas. Isso reflete uma vontade coletiva por uma moda mais experimental, exuberante e divertida — e também pode ser um indicador de recessão econômica, como comentei nesse post.

Animal print, franjas, plumas e jacquard ganham força, assim como detalhes mais opulentos nos aviamentos. Botões, pedrarias, rebites e bordados aparecem como protagonistas, transitando entre diferentes ocasiões.

Feminilidade em alta

Caso o mix boho-gótico não seja pra você, vale apostar no estilo hiperfeminino, com laços, babados, cintos e renda em tons pastéis quase adocicados. Rosa bebê (soft pink) e estampas florais mais românticas e luxuosas aparecem com desenhos bem definidos — independentemente do tamanho da padronagem.

Summer 26: Fashion is fun again

No fim, o verão 26 parece menos sobre seguir regras e mais sobre experimentar coisas novas. Escolher o que faz sentido pra você, misturar referências e se permitir brincar com a moda volta a ser o ponto central!

The Shelf: favoritos de 2025

2025 foi um ano em que eu testei muitos produtos de beleza novos, especialmente blushes e produtos de boca, e esses foram os que mais me peguei procurando na minha penteadeira na hora de me maquiar e recomendaria de olhos fechados. Caso queiram uma review de uma categoria de produtos específica, amaria trazer pra cá!

Paleta de sombras Océane
Essa é a paleta mais versátil que você pode ter. Usei ela praticamente todos os dias, desde produções casuais até um olho esfumado mais elaborado para sair a noite. A pigmentação, esfumabilidade e durabilidade dessas sombras valem muito o custo benefício.

Blush Nudestix | Cor Deep Maple, Eh
Como disse, 2025 foi um ano onde eu testei muitos blushes, e esse com certeza é o meu favorito disparado. Sinto que todos falam muito do sunkissed mas pra mim esse tom é um hidden gem na cartela da marca. É um terracota na medida certa, te deixando corada e bronzeada ao mesmo tempo, perfeito para quem tem a pele oliva.

Corretivo Too Faced Born This Way
O melhor corretivo de alta cobertura que você vai encontrar no mercado sem deixar a pele ressecada. Tenho uma review completa dele aqui.

Batom MAC Sleek Satin | Cor Paramount
Esse é o tom de batom que a Mônica usa em friends e, pra mim, é um vermelho amarronzado universal para todos os tons de pele.

Lápis Labial MAC | Cor Chestnut


Linha Wella Ultimate Luxe Oil
Adquiri essa linha numa promoção ano passado e foi um dos melhores investimentos que fiz em 2025. Do aroma ao brilho e maciez que deixa no cabelo, recomendo muito, especialmente se você tem cabelo ondulado/cacheado que nem o meu (2c/3a).

Granado | Colônia Bossa
Se você gosta de um aroma fresh para o verão, essa é a melhor linha da granado! Além disso, a fragrância combina muito bem com meus outros perfumes, perfeito para fazer layering.

É como se a vida tivesse virado um pitch deck e nós fôssemos a marca tentando convencer alguém de que mudamos de verdade.

Ao observar o comportamento social deste ano, é nítido: 2025 foi um ano de novas perspectivas sobre trabalho, rotina, desejos e limites. Para muita gente, foi o pontapé para rever tudo. E se você também está mais perto dos 30 do que dos 20, provavelmente já viu seu círculo social entrar em ciclos sucessivos de “melhor versão”: correr meias maratonas, fazer yoga às 6h, cortar açúcar, cortar álcool ou qualquer coisa que soe como “fraqueza”.

O que me incomoda é que esse discurso muitas vezes fala mais sobre performar mudanças do que viver mudanças. E agora, no fim do ano, isso fica ainda mais evidente.

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A lógica do ritual como performance

Para as mulheres, esse papo raramente é só sobre “dar uma repaginada”. Quase sempre aparece acompanhado de uma rotina estética exaustiva, uma dieta restrita, novos rituais, novas regras — e a sensação de que nada que você fazia antes era “correto”.

Hoje, autocuidado virou sinônimo de produtividade.

O que começou timidamente com a estética clean girl em 2023, tons polidos, maquiagem leve e cabelos sleek, rapidamente se transformou numa espécie de ditadura onde o caos não é permitido. “Disciplina”, “foco” e “eficiência” se tornaram o novo objetivo final. É como se o pacote da nova identidade viesse pronto: basta seguir o manual.

No livro O Mito da Beleza, Naomi Wolf explica como a indústria lucra explorando inseguranças femininas, especialmente ao vender a ideia de renascimento constante. Produtos que “revitalizam”, “renascem”, “nutrem”, “restauram”. A linguagem é quase religiosa: você purifica, se reforma, se torna “digna”. E como Wolf argumenta, muitas mulheres reprimem sua fome física e emocional — e isso reaparece na obsessão por “nutrir” a pele com tudo aquilo que elas não se permitem consumir na vida real.

Essa necessidade feminina de “renascer” também conversa com o medo de se tornar obsoleta na sociedade. No documentário Miss Americana, Taylor Swift fala sobre como artistas mulheres sentem que precisam se reinventar constantemente para continuarem relevantes — sempre encontrando novas formas de se mostrarem merecedoras da atenção do público e da indústria. Quantas vezes você ouviu homens dizendo que precisam de um rebranding pessoal?

Renovar com propósito

Não me entendam mal: não sou contra mudanças. Na verdade, meu ponto é justamente o oposto. Somos seres mutáveis, feitos para evoluir conforme vivemos e aprendemos. Então talvez o verdadeiro rebranding não seja sobre parecer outra pessoa, mas sobre parar de performar qualquer pessoa.

Buscar evoluir não deveria ser um processo profundo de autoconhecimento?

Afinal, a “melhor versão” de nós mesmas não pode ser uma versão que não tem nada a ver conosco.

Entender seus defeitos, qualidades, limitações — isso deveria ser o núcleo da mudança. Os novos hábitos e o novo visual são apenas reflexo disso.

Em sessões com minha terapeuta, já conversamos sobre como em diferentes fases da minha vida sinto a vontade de mudar o cabelo ou ajustar meu estilo. E ela sempre reforça que isso é natural: a roupa é nossa indumentária para o mundo; ela acompanha a mensagem que queremos transmitir.

Sem querer parecer clichê, talvez seja sobre parar de tentar ser a “melhor versão” e, pela primeira vez, ser apenas… você. Inteira, imperfeita, suficiente. Talvez 2026 não precise de um novo “eu”. Só de um eu que finalmente se veja.

The List

Continuando com as novas editorias aqui na newsletter, The List é um espaço para eu trazer dicas culturais (exposições, filmes, playlists, cafés, etc). Hoje não podia deixar de indicar o filme Eternity, estrelado por Elizabeth Olsen, Callum Turner e Miles Teller. Num cenário de vida após a morte onde você têm uma semana para decidir onde passar a eternidade, Joan é confrontada em escolher entre o homem com quem passou a vida e seu primeiro amor, que morreu jovem e a esperou por décadas no além.

Apesar da temática, o filme é extremamente leve e divertido, com muitos momentos em que você não sabe o que a protagonista irá fazer. Fazia tempo que não via uma comédia romântica boa desse jeito, recomendo muito!

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Estamos no início de Dezembro e por aqui isso é sinônimo de algumas coisas: verão, natal e confraternizações de fim de ano. Seja aquele amigo secreto na empresa, uma lembrancinha para sua amiga ou aquele presente especial para um ente querido, essa é a época do ano em que escolhemos fazer malabarismos financeiros para garantir que ninguém fique de fora (nem nós mesmas).

Particularmente, eu vim de uma família em que no Natal não temos grandes surpresas; para não ter erro, sempre perguntamos antes o que o outro quer ganhar e vice versa. Mas, conforme fui crescendo, percebi como o ato de presentear pode ser algo especial e mais divertido. Escolher a dedo algo que você achou a cara da pessoa, fazer um embrulho diferente e as vezes até escrever uma cartinha deixam a experiência mil vezes mais legal, fora a ansiedade de ver ela abrindo o presente sem interromper gritando “é coisa tal!!!!!”.

Sabendo disso, e, a pedidos da minha amiga Gabi Nuzzi (pincéis & costura), criei um Gift Guide para alguns perfis diferentes, com orçamentos variados para você se inspirar (ou quem sabe mandar para alguém como dicas rs). Disclaimer: a ideia está no item, você pode encaixá-la na sua realidade!

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1. Presentes rápidos e sem erro

Eu sou a maior Granado Lover que vocês verão nesse substack! Pra mim, os kits presenteáveis são a escolha perfeita para alguém que você não conhece muito bem, porque além de extremamente cheirosos, as embalagens são um show a parte, e eu gosto que mesmo no natal elas fogem do clichê verde-vermelho-papai noel, e muitas são feitas para serem reutilizadas depois. E, para aquela amiga que ama maquiagem, os kits de natal da Benefit são perfeitos e com um ótimo custo benefício para quem quer testar a marca.

• Kit Granado Mala Rosa Sublime (R$ 227)

• Kit Granado Lata Vintage Música Roda Mágica (R$ 158)

• Kit Benefit what’s that lash? (R$ 159)

2. Para a cool girl

Para a cool girl da sua vida, pensei em opções menos óbvias que roupa ou sapato: uma câmera analógica descartável para registrar tudo, um caderno diferentão para as anotações caóticas ou uma necessaire estilosa com acessórios ou pincéis.

• Câmera descartável (R$199)

• Necessaire (R$ 139)

• Journal Ilustralle (R$ 96)

• Livro de moda (R$ 184,90)

• Cinto ARES (R$ 347)

• Óculos de sol LIKA Zerezes (R$ 595)

3. Para a homebody

Eu tenho a impressão que apesar de todo mundo amar ficar em casa e ter um momento de descanso, quase nunca priorizamos as roupas que usamos dentro de casa. Esses presentes funcionam bem sozinhos ou em kits, dependendo do seu orçamento: um pijama bonito, um bom roupão diferente e confortável, uma máscara para fazer skincare e até uma vela pra trazer essa atmosfera relaxante.

• Pijama Hope (R$ 349,90)

• Roupão (R$ 89,99)

• Vela Perfumada Patchouli Vanilla - Arabesc | L’envie (R$ 175)

• Eye patches Oceane (R$ 15,90) *obs: cupom ANALEONEL para 10% Off

• Bowl pipoca conceito ê (R$ 218)

4. Para a wellness girl

Quem não tem uma mulher na wellness era que atire a primeira pedra. Além do clássico conjunto fitness, itens que se encaixam nos rituais de autocuidado são ótimas escolhas. De bônus, pensei em um “vale aula”: ela pode ir sozinha ou acompanhada, e você pode escolher o estúdio ou deixar aberto para decidirem juntas.

• Kit guacha (R$ 159,90) *obs: cupom ANALEONEL para 10% Off

• Kit de matcha (R$ 76,31)

• Gymbag/ tote bag La's Clothing (R$ 239,90)

• Kit óleos essenciais (R$ 119,90) *obs: cupom ANALEONEL para 10% Off

Field Notes

Quero trazer algumas editorias novas para complementar as newsletters semanais e, começando por Field Notes, aqui será um espaço para reflexões rápidas sobre comportamento, moda e cultura que não quero deixar passar.

Nestas últimas semanas, dois acontecimentos chamaram minha atenção:

Chanel Métiers D’Art 2026:

Em sua segunda coleção para a Chanel, Matthieu Blazy reforçou o posicionamento da sua versão da mulher Chanel: elegante e clássica, porém que consegue ser despretenciosa. O desfile aconteceu no metrô de Nova Iorque, e, pra mim, foi a melhor sacada para apresentar uma coleção tão diversa; assim como os looks apresentados, o metrô nova iorquino é um ponto de encontro de diversas personas diferentes, da mulher indo resolver os compromissos do dia a uma celebridade indo para um evento. Isso tira aquela impressão engessada que temos da Maison de “quem usaria Chanel num dia normal?”

Fun Fact: Em francês, “métiers d’art” significa “profissões de arte” e é o nome dado ao desfile pre-fall da Chanel desde 1984, que homenageia a expertise e o trabalho artesanal dos ateliers adquiridos pela casa. Cada um é especialista em um savoir faire (habilidade) único, como bordados, plissados, flores, plumas, chapéus, tweeds e sapatos feitos à mão.

Aquisição da Versace e saída de Dario Vitale

Apenas dois dias após o anúncio da aquisição da Versace pelo Grupo Prada, veio a notícia da saída de Dario Vitale da direção criativa — após apenas nove meses e um único desfile. Confesso que, embora não tenha amado sua coleção, me pergunto se a decisão não foi precipitada. Curiosa para ver quem assume a marca daqui para frente.

Novos diretores criativos abrem espaço para novas visões dentro das marcas, resgatando (ou não) os códigos clássicos e suas formas de interpretá-los. Além disso, essa temporada de estreias marca o fim do troca-troca que vimos neste ano — e finalmente podemos entender como a indústria está se reorganizando para reconquistar um público que não se impressiona mais com o óbvio e tem deixado de consumir produtos para investir em experiências de luxo.

A sensação geral que tive foi a de um luxo se tornando mais emocional e humano; dessa vez, o que vimos foi menos sobre “que marca desfilou o quê” e mais sobre posicionamento — e sobre novas histórias que começam a ser contadas sobre o que significa ser uma marca de luxo daqui pra frente. Porém, os resultados disso só veremos daqui a alguns meses.

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O luxo começa pelos detalhes

Uma tendência clara entre as grandes casas foi a aposta nos luxury leather goods — bolsas, carteiras e sapatos que funcionam como porta de entrada para o universo da marca. Mas, mais do que o produto em si, o foco está em como ele comunica a história maior. Na grande maioria dos casos, esses produtos são responsáveis por mais de 60% do faturamento das marcas — e são os itens que precisam despertar não só desejo, mas também sustentar a narrativa.

E é aí que entra o storytelling: para um consumidor que quer entender o que a peça representa, o novo luxo precisa ser coerente do início ao fim da sua pirâmide. Afinal, se o objeto de desejo não sustenta a narrativa, o conceito inteiro desaba.

Chanel entre arte, viralização e legado

Em tempos em que o algoritmo premia o exagero, as marcas estão tentando descobrir como equilibrar a busca por relevância imediata com a construção de um legado duradouro. Na Chanel, Matthieu Blazy abriu seu novo capítulo com essa reflexão em mente.

Em entrevista à BOF (Business of Fashion), ele declarou que tinha duas opções para seu debut: jogar no seguro com uma estética clean e moderna, como um “primeiro passo” na cadeira, ou apostar todas as suas fichas como se fosse seu último desfile. E foi a melhor escolha que poderia ter feito.

O resultado foi uma leitura sensível e moderna, trazendo um frescor à herança de Gabrielle Chanel e deixando claro que a Chanel de Blazy não quer parecer perfeita, mas sim real.

O primeiro look, um conjunto de alfaiataria cinza despojado com um blazer cropped, introduziu perfeitamente essa nova era, remetendo ao estilo tomboy dos anos 1920 que a própria Gabrielle usava. Os tweeds tradicionais permanecem, mas com novas tramas e silhuetas que não víamos há algum tempo — um detalhe que gostei muito foram as saias lápis com os joelhos cobertos, uma preferência da própria Chanel.

As pérolas e a famosa camélia também estavam lá, mas com um frescor que, pra mim, rompeu a imagem engessada da maison. Particularmente, acredito que a Chanel brilha quando brinca com a estética tomboy e de personalidade, misturada a elementos clássicos.

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Dior e o retorno ao sonho

Um dos desfiles mais aguardados (especialmente por mim), o de Jonathan Anderson, trouxe em seu debut algo que poucos conseguem: honrou a história sem se prender a ela.

Com mudanças sutis — como o logo em caixa baixa e o “D” ligeiramente estendido na tipografia original —, o convite de louça e o vídeo-manifesto que abriu o desfile ajudaram a contextualizar essa história. JW trouxe de volta a feminilidade sonhadora de Dior, mas com um toque estranho, quase surreal — whimsical, dreamy but a little twisted.

Silhuetas em A, mules delicadas e bolsas com laços discretos atualizaram os acessórios da marca, além dos chapéus em formato de pirata que remetiam à era Galliano (e, na minha opinião, havia até um quê de Peter Pan em tudo isso). A coleção parecia uma conversa entre o passado e o presente da marca — e o público respondeu com uma ovação que misturava alívio e encantamento.

Bottega Veneta e o luxo do silêncio

Enquanto algumas casas ainda tentam encontrar sua nova voz ou resgatar o que uma vez já foram, Bottega Veneta segue falando baixo, porém consistente.

A estreia de Louise Trotter reafirmou a identidade da marca, que mantém seu legado e posicionamento firmes: texturas ricas, um couro que parece durar uma vida e composições que, só de olhar, você sabe de que marca são.

Nenhum look gritava por atenção, mas todos pareciam pedir para serem tocados. É o tipo de luxo que não precisa de holofote — ele se impõe na calma.

Em meio a crises políticas e migratórias mundialmente, a América Latina tem mostrado ao mundo sua força criativa, plural e adaptável. Aos poucos, a narrativa está mudando: ser latino não é apenas identidade, é também inspiração estética, cultural e até de consumo.

Segundo a WGSN, até 2035 o hemisfério norte deixará de ser o grande centro propagador de tendências. Isso abre espaço para que o hemisfério sul — e especialmente a LATAM — assuma o papel de novo polo cultural e criativo.

Para nós, esse movimento se traduz como um verdadeiro renascimento. A ideia de que “o que vem de fora é melhor” já não encontra tanto espaço, e isso aparece nos números: 84% da Gen Z latina declara sentir orgulho de sua origem. Esse orgulho não é um retorno ao passado, mas uma recusa aos estereótipos definidos por terceiros e a chance de reescrevermos como queremos mostrar nossa cultura ao mundo.

Esse sentimento também molda a forma como consumimos. Em contraste com os padrões do hemisfério norte, o consumidor latino valoriza adaptação, alternativas locais e até novos meios de pagamento (como pix, por exemplo.) . Medidas como o tarifaço de Trump só reforçam a busca por fortalecer marcas e economias regionais.

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Cultura que reverbera no mundo

Música, arte e moda são talvez os campos mais visíveis dessa virada. Em 2023, o Spotify mostrou que as músicas em inglês caíram de 52% para 31% no top 100 global. Na Espanha e na América Latina, a queda foi ainda maior: de 25% para 14%. Nomes como Anitta e Bad Bunny não apenas conquistam espaço, mas também mudam a dinâmica do jogo. A decisão de Benito de não incluir os EUA em sua turnê mundial foi um recado claro: a relevância cultural latina não precisa de validação externa.

De Made in LATAM para Created in LATAM

Na moda, o cenário é semelhante. A América Latina é reconhecida pela excelência em manufatura — algodão, lã, fibras sintéticas, bordados, crochês, tapeçarias — mas raramente colocada como protagonista de tendências. Isso gera um contraste curioso: quando marcas internacionais replicam nossas criações, elas ganham status.

Um exemplo recente foi o chinelo de couro da The Row, vendido por 890 dólares, que se tornou “o calçado do verão europeu”. Nas redes, não faltaram comparações com as nossas Havaianas, usadas por brasileiras no dia a dia muito antes de serem traduzidas em versão “minimal chic” em Copenhagen. O mesmo vale para os crochês e bordados que viralizam quando aparecem em looks de it girls de Nova York — mas nem sempre recebem a mesma valorização quando vistos em feiras locais.

A questão não é se fechar ao que vem de fora, mas sim reconhecer e celebrar o que exportamos. Quando um item nascido na América Latina dita tendência global, precisamos reforçar sua origem e não esperar que a chancela venha de outro lugar.

Quando a globalização dá certo

Mas nem tudo é sobre apropriação equivocada — algumas marcas vêm entendendo como traduzir a riqueza cultural da América Latina de forma autêntica e respeitosa. A FARM, por exemplo, conseguiu expandir globalmente sem perder sua essência, levando estampas tropicais e narrativas brasileiras para vitrines de Nova York e Paris, mas sempre mantendo o DNA carioca no centro. A Granado segue o mesmo caminho: transformou a tradição centenária em produto aspiracional, com embalagens icônicas e uma presença consistente em mercados internacionais.

Já no sentido inverso, quando a H&M desembarcou no Brasil, a estratégia foi cuidadosamente pensada para dialogar com o público local. A campanha “Ritmos do Brasil” celebrou a diversidade cultural do país, trazendo celebridades brasileiras, cores vibrantes e ativações que iam além da loja, criando um storytelling que conectava moda acessível com identidade nacional. Esses exemplos mostram que o segredo está em respeitar a origem, valorizar a autenticidade e traduzir a cultura de forma global sem perder o sotaque local.

Além disso, essa semana vem despertando o interesse da Geração Z nos últimos anos por ser um dos berços das tendências de moda, seja nos desfiles ou no street style, que trazem à tona o equilíbrio entre criatividade, luxo acessível e responsabilidade social.

Fiz uma curadoria das principais tendências que passaram por lá — aquelas que já conseguimos incorporar no guarda-roupa ou, pelo menos, ficar de olho para o verão:

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Estampa de bolinha

Praticamente uma confirmação de que essa tendência veio pra ficar: a estampa apareceu muito no street style aplicada em saias transparentes, blazers e conjuntos. Outro ponto interessante é que ela não segue um padrão, brincando bastante com o tamanho das bolinhas e com as cores. Isso reforça que polka dots são atemporais e podem ser chic — aquele famoso “elegante sem ser careta”.

Listras

Antes que você pense “listras como tendência? uau, que revolucionário”, aqui elas apareceram com uma releitura contemporânea bem divertida. Diferente das listras em polinhos à la Miu Miu que vimos recentemente, surgem agora de forma mais chamativa e em formatos variados: verticais, horizontais, diagonais, em cores vibrantes e até combinadas com outras estampas.

Dica: Se você também for fã dessa tendência, sugiro dar uma olhada nas novidades da Hering, especialmente nas camisetas listradas. Comprei esse modelo marrom e azul e estou aguardando ansiosamente um dia de sol para usar por aí rs.

Sobreposições inusitadas

A redenção da Ashley Tisdale dos anos 2000 aconteceu! Apesar de eu não ser a maior fã dessa tendência, é inegável que ela está rolando: saias sobre calças, tecidos transparentes combinados com jeans... A sobreposição é uma forma de experimentar silhuetas diferentes e repensar o styling tradicional.

Chapéu de crochê e acessórios statement

Esse acessório combina apelo nostálgico e habilidade artesanal, sendo a prova de que moda reflete comportamento. Como já mencionei no edit sobre moda em tempos de recessão econômica, o fim das microtendências e a situação atual pedem uma moda mais autoral, com personalidade. Hobbies como o crochê trazem esse toque artesanal como escape e combinam com a pegada vintage que tanto gostamos.

Historicamente, os chapéus de crochê têm origem nas toucas usadas no final do século 19/início do século 20 para proteger cachos durante a noite. Com o tempo, evoluíram para bonés decorados das flappers nos anos 1920, toucas de banho nos anos 1950 e viraram acessório statement de estrelas pop e hippies nos 1970.

A melhor forma de apostar nessa tendência é incorporá-la em looks inesperados — com jeans ou vestidos leves de primavera. Confesso que estou curiosa para testar essa com um vestido midi mais boho. E vocês?

Havaianas em Copenhagen?

Sim! Devemos reforçar sempre que o sapato da vez é brasileiro e defender nossa moda nacional. Para muitos, Havaianas ainda são vistas como um calçado informal, de casa ou de praia (quantos restaurantes já vimos com placas “proibido entrar de chinelo”?). Mas, desde que a The Row lançou sua versão em couro, quem torcia o nariz agora se inspira no “minimalismo gringo”. Até quando vamos menosprezar o que temos dentro de casa?

O boom das Havaianas no verão europeu é um marco significativo para a exportação da moda brasileira. Não é segredo que chinelos estão em alta por lá, então em Copenhagen não seria diferente: praticamente unânime a escolha por Havaianas ou chinelos de couro nesta temporada. Usados de forma ousada, as fashionistas apostaram neles com suéteres, calças e sobreposições — ótimas inspirações para a nossa transição do inverno para a primavera.

Lace moderno

Os slip dresses de cetim têm marcado presença já há algumas temporadas, mas dessa vez vêm acompanhados de detalhes de renda que roubam a cena e em cores além do clássico preto e branco. Outra diferença está no styling: fugindo totalmente da vibe pijama, os looks aparecem combinados com peças esportivas (como jaquetas de nylon), sobreposições com jeans e texturas contrastantes.

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Quantas vezes nos vemos presas a culpas que nem são nossas? Pressionadas por expectativas que nos impuseram, especialmente quando se trata de autoestima e produtividade?

Como mulher, sinto que não fomos feitas para viver uma vida tranquila. Corrida? Sim. Priorizando os desejos dos outros? Com certeza. High achievers que sempre querem mais? Também. Tenho certeza de que você pensou em algumas mulheres da sua vida com esses exemplos — mas consegue lembrar de pelo menos uma que vive com calma, tranquilidade e se permite pequenos prazeres?

Desde que tive esse estalo, decidi fazer o que estivesse ao meu alcance para deixar minha vida mais prazerosa — ou melhor, deliciosa. Recomendo muito o episódio “Como viver deliciosamente bem”, do podcast Gostosas Também Choram, da Lela Brandão. Nele, ela fala sobre como fomos condicionadas a sentir culpa por centrar nossas rotinas no prazer, em vez de nos sentirmos merecedoras dele. Ela também compartilha formas práticas de viver deliciosamente.

Até então, eu achava que esse era o único jeito de viver — lidando de forma passiva com o que vinha, tipo: “é isso que temos, paciência”. Nunca me ocorreu que eu poderia escolher diferente para mim, para o meu corpo e para o meu estilo de vida.

Ainda é cedo para dizer que estou vivendo meu potencial ao máximo, mas estou caminhando para isso. Quando penso na rotina especificamente, é fácil se sentir mental e fisicamente fadigada. Vivemos um tempo de estímulos em excesso, interações constantes e dopamina barata — scrollando sem saber o que estamos procurando.

Para não cair de novo nesse lugar (como estou agora), venho tentando implementar hábitos que me fazem sentir genuinamente bem. Nem que seja uma dose pontual de dopamina de qualidade durante a semana para dar uma animada.

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✦ Bem-vindos ao meu dopamine menu

Gosto da ideia de encarar essas atividades como um cardápio, que posso escolher conforme a necessidade — ou montar um menu completo para ter um dia perfeito e stress-free.

Entrada

(atividades rápidas e pequenos hábitos que fazem a diferença)

• Acordar sem despertador no fim de semana

• Tomar um café da manhã gostoso (o meu combo ideal: avocado toast + matcha)

• Tomar um banho premium

• Lavar meus pincéis e limpar minhas maquiagens

• Vestir um look que ainda não usei

Prato principal

(coisas que demoram mais, mas curam qualquer tristeza no corpo)

Workout
Por incrível que pareça, é verdade que uma rotina com alimentação equilibrada, exercícios físicos e sono de qualidade realmente muda a gente. E, por favor, isso não é um incentivo a acordar às 4h da manhã para correr, ok? Aqui somos a favor do equilíbrio — e sem pressão.
Sempre tive dificuldade de me encontrar em academia ou achar uma modalidade que funcionasse pra mim. Comecei com pilates e, aos poucos, fui evoluindo. Hoje faço musculação três vezes por semana e sinto muita diferença, principalmente nos meses em que reduzo a frequência.

Late brunch
Sou fã de café da manhã em qualquer horário, então nada como um brunch tardio em boa companhia para melhorar meu humor.

Bopping around
Essa aqui é minha carta coringa: vale desde visitar uma rua cheia de lojinhas até ir a uma exposição, brechó, loja de decoração ou fazer aquela passada despretensiosa no shopping. Pode ser minha lua em Libra, mas ver coisas bonitas (mesmo sem comprar nada) já melhora meu humor em 1000%.

Leitura + cochilo
(Bônus se for logo depois do almoço)

Sobremesa

(aquele agradinho no meio da semana)

• Pausa para um docinho

• Ver algo conforto (filme ou vídeo no YouTube)

• Scrolling do bem: Substack + Pinterest

• Máscara facial + fazer as unhas

Adicionais

(não interferem no menu, mas completam a experiência)

• Aquela playlist

• Um bom podcast

• Journaling

• Acender uma vela cheirosa

Esse menu é totalmente mutável conforme a fase ou necessidade. Mas posso afirmar: sinto uma diferença enorme no meu bem-estar quando não aplico ao menos alguns desses hábitos. E espero, daqui em diante, seguir aprimorando essa técnica até poder dizer com todas as letras: sim, eu vivo uma vida absolutamente deliciosa.

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Antes de qualquer coisa, precisamos olhar para o início: quando, onde e por que o termo it girl foi criado?

Por incrível que pareça, o termo it girl é bem antigo. Foi usado pela primeira vez nos anos 1920 para descrever Clara Bow — sim, a da música da Taylor Swift. Clara era uma das atrizes mais renomadas do cinema mudo na sua época e estrelou o filme It, cujo enredo girava em torno da ideia de que algumas pessoas simplesmente têm “isso” — uma característica única que, apesar de impossível de descrever, torna alguém irresistível.

Desde então, a mídia continuou usando o termo para descrever mulheres que, mesmo sem essa intenção, despertam o interesse do público pelo jeito de se vestir, pensar ou ser — muito mais por estilo e personalidade do que por aparência.

De certo modo, podemos dizer que cada década foi marcada por ao menos uma grande it girl e, até os anos 2010, o perfil dessas mulheres era bem diferente do que vemos hoje. Como já disse, ser bonita nunca foi o fator principal — o que contava mesmo era a personalidade. O estilo autêntico, o estilo de vida (os lugares que frequenta, hobbies, amizades e uma presença irreverente na mídia) despertavam aquela vontade coletiva de ser elas.

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Fashion Status: It Girls na moda

Um ponto importante sobre as “it girls de antigamente” é o papel que elas ocupavam na moda e seu poder de influência. O que elas vestiam era objeto de desejo não apenas do público, mas também da própria indústria.

Analisando mais a fundo, as tendências têm um ciclo de vida com uma curva de adoção própria — da criação até seu encerramento. O papel das it girls aparece logo no início desse ciclo, entre os chamados “inovadores”.

Por serem mulheres com estilo irreverente, interessadas em arte, moda e bem conectadas com a indústria, elas tinham acesso privilegiado a peças diferentes daquelas vistas no mainstream. E mais que isso: tinham a intuição aguçada de identificar o que poderia virar tendência. Parte do it factor era justamente influenciar a grande massa a adotar determinados estilos — afinal, se elas usam, vira desejo.

Alexa Chung — the major It Girl

Para você entender melhor o meu ponto, vamos falar um pouco da Alexa Chung, minha it girl favorita — e o porquê de ela ainda carregar esse título.

Alexa é apresentadora e modelo britânica que fez muito sucesso nos anos 2000 apresentando o programa It’s On with Alexa Chung, estrelando campanhas como modelo e também por namorar Alex Turner, vocalista do Arctic Monkeys.

Pra mim, o maior diferencial da Alexa sempre foi seu humor sarcástico na medida certa e seu estilo pessoal, muito influenciado pelo gosto musical (indie, alternativo e rock clássico). Seu lifestyle é a mistura ideal entre moda, música e arte — ela sempre foi presença garantida em festivais, desfiles e cercada por amigos do meio criativo.

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Não tem como negar que ela era o momento! Queridinha de Karl Lagerfeld, presença constante nas semanas de moda e, inclusive, inspiração para uma bolsa icônica que levava seu nome: a Mulberry Alexa — um verdadeiro hit da época. Collabs, canal no YouTube, livro, marca própria... ela fez de tudo ao longo dos anos.

Seu truque de styling mais marcante era a mistura de peças delicadas — como rendas, vestidos florais e suas famosas sapatilhas — com elementos mais pesados, como jaquetas de couro, camisetas de banda e jeans.

De personalidade autêntica a copia e cola

Com esse contexto de origem e os argumentos que definiam o que é ser uma it girl, fica mais evidente como o termo se banalizou. Se antes dependia de uma personalidade única (e muitas vezes fora da curva), hoje virou quase uma fórmula pronta.

Mesmos rostos, mesmos cabelos, mesmas roupas, mesmos pensamentos.

Chamar alguém de it girl virou menos sobre autenticidade e mais sobre quem consegue marcar todas as caixinhas. Uma busca rápida no Pinterest já mostra esse novo conceito: uma imagem impecável, dentro do padrão, regada a autocuidado e frases motivacionais sobre performance.

Sem parecer uma velha julgando os mais jovens com o clássico “na minha época era melhor”, a pergunta que fica é: essas são as novas it girls? Ou será que, com a digitalização da vida, já não há mais espaço para o conceito original?

Na minha opinião, apesar do choque de gerações, o termo realmente foi diluído — mas ainda vejo esperança na nova geração. E aposto todas as minhas fichas na Romy Mars. Desde que a vi no TikTok, soube que ela tinha aquele “it”. E aparentemente, talento musical também não falta. Afinal, sendo filha de Sofia Coppola e Thomas Mars (Phoenix), dificilmente daria errado.

De resto… só nos resta observar.

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Esse período de incerteza não só freia contratações e investimentos, como também abre portas para inovação, agilidade e novos comportamentos para observarmos com atenção. Especialmente quando olhamos como a moda responde em momentos de crise sendo um dos maiores meios de comunicação e de reflexo cultural e social.

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Consumo mais racional e menos impulsivo

Com o custo de vida ainda mais alto e menos segurança financeira, o consumidor que já havia mudado seus hábitos pós-pandemia seguirá com uma personalidade cada vez mais econômica e consciente, buscando mais propósito e qualidade de vida; Para os que se preocupam em manter uma renda estável, a lógica do comprar menos, mas melhor, se fortalece.

Agora, investir em peças com mais qualidade, versatilidade e durabilidade ganham espaço no bolso e nos conteúdos consumidos online, e veremos que ter um mindset shopaholic não será uma atitude mais aplaudida.

Hot girls on a budget: Além do consumo de moda mais consciente, a mudança nos hábitos de consumo também já é tendência em ascensão nas redes: no buy e low buy challenges, project pans e reflexões sobre consumo excessivo já são tópicos de conversas e estarão ainda mais presentes em nosso feed.

O termo recession blonde - um tom de cabelo loiro que requer baixa manutenção no salão - já ultrapassou 4.41B de pesquisas no tiktok e promete ser a cor de cabelo do verão 2025 no hemisfério norte, por exemplo.

Menos tendências, mais identidade

Nos últimos anos a moda era ditada por um tsunami de tendências passageiras, estéticas manufaturadas e facilmente descartáveis para você ver > comprar > testar e refazer o ciclo até encontrar alguma que realmente gostasse (o que era muito fácil, já que muitas não duravam nem 3 meses, rs). Sejamos sinceras, quem não aderiu a pelo menos uma delas que atire a primeira pedra…

No entanto, conforme os anos essa hiperconexão gerou um esgotamento mental em todos. A overdose de conteúdo chegou também para as microtendências e o cansaço somado a incerteza econômica criaram espaço para uma moda mais pessoal, atemporal e com propósito. As pessoas querem se sentir representadas e desenvolverem suas próprias identidades, e não apenas seguir o que está viral.

editor's note: Tenho para mim que o próximo boom depois da personalização das bolsas, labubus e bobbie goods, a recessão econômica pedirá por hobbies com menos investimentos e que mexam com nossa criatividade. O retorno dos DIYs como algo cool e mainstream com certeza está bem próximo. hello buzzfeed & youtube, long time no see!

Moda, recessão e o poder da estética como armadura

Momentos de incerteza econômica fazem com que as pessoas busquem na imagem uma forma de compensar a instabilidade e transmitir códigos visuais de autoridade, controle e profissionalismo, através do power dressing e tendências como office siren e corporate core.

Estudos mostram que, durante recessões, as pessoas tendem a adotar uma estética mais “poderosa” como forma de se proteger — ou se afirmar. Um exemplo clássico é o chamado High Heel Index: a altura dos saltos femininos costuma aumentar em momentos de instabilidade. Foi assim na crise de 2008, quando os saltos chegaram a sete polegadas, e voltou a se repetir mais recentemente, com o retorno das plataformas e saltos marcantes nas passarelas durante a pandemia.

O mesmo acontece no vestuário com as ombreiras. Ícone absoluto da moda dos anos 80 — década marcada por recessão, inflação e muita ambição corporativa —, elas sempre voltam quando o clima econômico aperta. Blazers com cortes retos, ombros estruturados e tecidos firmes comunicam uma coisa: presença. Um visual que diz, sem dizer, “eu sou necessária aqui, pense duas vezes antes de me tirar da mesa.”

E talvez essa seja uma das formas mais interessantes de observar o impacto da economia no consumidor. Porque, mesmo quando o bolso aperta, o desejo de projetar confiança continua. E a moda, como sempre, responde rápido. Afinal, quando tudo parece fora de controle, o look pode ser a última coisa que ainda está nas nossas mãos.

Você já se viu tendo alguma dessas reflexões sobre consumismo ou como seu estilo foi impactado com uma mudança econômica na sua vida? Percebi que já estive em várias dessas caixinhas e a que mais me pega é usar o power dressing ao meu favor, especialmente em ambientes corporativos; Nada me dá mais sensação de confiança do que usar um bom blazer num dia importante.

Como sempre, deixem nos comentários suas reflexões sobre o assunto e se inscreva para não perder os próximos edits!

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Se você, assim como eu, faz parte da geração que cresceu assistindo às comédias românticas dos anos 2000, provavelmente também sonhou com os empregos das protagonistas. Andie Anderson (Como Perder um Homem em 10 Dias), Andy Sachs (O Diabo Veste Prada), Jenna Rink (De Repente 30) e até mesmo Mia Thermopolis (O Diário da Princesa) nos mostraram uma realidade em que todas trabalhavam em áreas criativas, desfilavam pelas ruas de Nova York com looks impecáveis e um copo de café na mão, prontas para mais um dia com chefes exigentes mas sempre com uma lição de moral no final.

Não dá pra negar: esses filmes influenciaram — e muito — a escolha de carreira de várias mulheres. Publicidade, jornalismo, rádio e TV, relações públicas... todas se tornaram profissões-desejo. E se você for como eu, acabou se tornando uma garota da comunicação (no meu caso, marketing de moda).

Mas a verdade é que, quando finalmente entramos no mercado de trabalho, percebemos que a realidade está bem longe da ficção. Se crescemos acreditando nos “empregos dos sonhos”, por que, justo na nossa vez, nada parecia igual?

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A Geração Z já é conhecida por ser a mais solitária e infeliz no trabalho — com níveis alarmantes de estresse e esgotamento. Falta de incentivo, poucas oportunidades de crescimento e empresas inflexíveis são só alguns dos motivos. Mas além da resposta óbvia ("a vida não é um filme"), essa frustração me fez querer entender: de onde vem essa expectativa? E por que ela dói tanto quando não se realiza?

Crescemos no auge do capitalismo, com a ideia de que o trabalho deveria ser o centro da nossa vida. Estudar, conquistar um bom emprego e trabalhar até a aposentadoria era visto como o caminho seguro — e amplamente validado pela mídia da época. Em O Diabo Veste Prada, Andy abre mão da sua vida pessoal e da saúde mental pra alcançar sucesso profissional, seguindo os passos da icônica Miranda Priestly.

E falando por experiência própria: a transformação da Andy — quando ela ouve o conselho do Nigel e resolve “levar a sério” o trabalho — mexeu com a química do meu cérebro. A cena dela andando pelas ruas de Nova York ao som de Vogue, desfilando um look melhor que o outro com as botas Chanel... ali, pra mim, estava o retrato do sucesso. Ser boa no que faz, ser reconhecida, e ainda por cima estar linda enquanto isso.

Mas claro, quando os momentos difíceis chegaram, com muito menos glamour e bem mais boleto, a realidade me pegou rapidinho — assim como aconteceu com ela.

É aí que entra o ponto: quando me vi num emprego tão ruim quanto o da Andy, romantizar a rotina com looks bonitos e o clássico “fake it until you make it” parecia a única forma de sobreviver. Pensar que, um dia, aquilo tudo valeria a pena me ajudava a aguentar o caos, a gastrite e o burnout. ⭐ In the name of fashion ⭐

Só que nem sempre dá pra simplesmente pedir demissão. Vivemos tempos de incerteza econômica, e a menos que você seja herdeira ou se torne milagrosamente uma creator de sucesso, a realidade é dura pra maioria de nós.

E, curiosamente, isso se reflete na moda: quanto pior a economia, mais os códigos visuais do poder voltam com força. Alfaiataria, cortes retos, ombreiras — tudo isso comunica autoridade, estabilidade e presença. Um “statement” silencioso de: sou essencial aqui, pense duas vezes antes de me mandar embora.

Não à toa, tendências como office siren, corporate girlie e os vlogs de rotina em multinacionais estão bombando. No fim das contas, romantizar o trabalho virou uma forma de escape — e também de motivação. Afinal, se nós não nos motivarmos, quem vai?

Essa ambiguidade leva nós como boas nativas digitais a performar cada vez mais no online: se temos a rotina perfeita, o emprego dos sonhos e ainda postamos vídeos aesthetic sobre nossas vidas, não tem porque focarmos no contrário…. não?

No final do dia, assim como a Andy percebeu que era possível ter uma vida mais equilibrada trabalhando como jornalista, crescer é entender que talvez tudo que a gente precise fazer é encontrar esse meio termo. Nós merecemos ter um emprego legal e decente, mas isso não pode tomar toda nossa personalidade

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Primeiro de tudo, um panorama geral da temporada:

Na última temporada de moda, vimos a ascensão de uma estética mais recatada em muitos desfiles, com silhuetas modestas, cores sóbrias e modelos mais velhas como uma tentativa de se comunicar com uma consumidora mais madura e de maior poder aquisitivo, a medida que a Geração Z tem diminuído seu interesse por artigos de luxo e o setor apresentou uma queda de 2% em 2024, sendo um dos anos mais fracos pra categoria e afetando a maioria dos grupos de luxo (exceto o grupo prada, Miuccia segue no topo).

Outro ponto interessante é a quantidade de peças transicionais nos desfiles. Apesar de serem coleções de outono/inverno, vimos muita pele amostra com regatas, alças finas, mini saias, etc,o que nos leva a considerar como é necessário ter esses itens que funcionam entre estações no armário e como as mudanças climáticas têm afetado cada vez mais as estações do ano. (Até porque dependendo da região que você mora, praticamente não temos mais inverno.)

#trendalert: depois de anos usando peças oversized - especialmente na alfaiataria - a cintura volta a ser demarcada! desde vestidos acinturados e com amplitude na saia fazendo alusão ao new look de Dior, quanto nos modelos de blazers, que contornam mais a cintura e se moldam ao corpo.

Seguindo o resumo das passarelas da WGSN, conseguimos resumir as tendências em 5 estéticas diferentes:

1- Country Chic

Diferente do cottage core que já vimos, essa estética é mais rústica e traz uma nostalgia reconfortante ao invés de um escapismo para outro lugar. A paleta de cores, estampas e o design foram pensados para pessoas que realmente passam mais tempo ao ar livre nos campos durante o outono/inverno, com destaque para os desfiles da Burberry e Missoni.

Cores: Marrom (do sépia ao caramelo), acompanhado por tons de frutas vermelhas e verde oliva, que juntos transmitem aconchego e remetem a essa estética no campo inglesa. O xadrez clássico incorpora vermelho e branco para dar contraste.

Materiais e Texturas: Tricôs texturizados, camurça, veludo cotelê e mix de materiais. Além das botas de cano longo que complementam o visual. (e são minhas favoritas!!)

2- Not so quiet Luxury

O quiet luxury têm sido balanceado com mais opulência nos looks, o que mantem essa estética clássica e atemporal mas mostra essa fase de transição na moda para algo mais inovador (e necessário também, vamos concordar). Marcas como Dolce & Gabbana, Versace e Fendi apostaram em cortes sofisticados e tecidos luxuosos em peças atemporais e sofisticadas, como saias e vestidos mais longos, atraindo a atenção do público mais maduro que gostam de ousar na moda nos detalhes.

Sabe aquelas senhoras super descoladas que saem juntas que sempre vemos no pinterest? Então, esse estilo é exatamente para elas.

Cores: Cinza, marrom sépia, bordô, mostarda e verde esmeralda.

Silhueta: Corte mais justo ao corpo, com cintura marcada. Vestidos acinturados com amplitude nas saias.

Materiais: Lã e tweed, alfaiataria estruturada com mix de couro. Estampa de poá também foi bastante utilizada.

3- Dark Romance & Indie Sleaze

Seria esse o retorno das tumblr girls e góticas suaves? Alguns desfiles como Isabel Marant, Blumarine e Marine Serre nos lembravam que a moda de 2010 está de volta e com ela, o indie sleaze, que conversa muito bem com a estética romântica dark, com peças no estilo grunge contrastando com as rendas, transparências e camisolas, que aparecem bastante, mas dessa vez com um toque mais romântico e fantasioso do que sexy, com bastante pele amostra! Estampas floridas com fundos escuros, muito preto, vermelho cereja, bordô e azul escuro.

Cores: Predominância do preto, além de vermelho cereja, bordô e azul escuro.

Materiais e Detalhes: Rendas, transparências, blusas finas e camisolas, criando um equilíbrio entre rebeldia e romantismo.

Estampas: Florais mais dramáticos.

A Ana de 16 anos esperou tanto esse momento! Vocês pretendem aderir a meia calça de renda? Eu gosto muito do visual mas fico na dúvida de sustento o look rs

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4- Boho Maximalista

Após o sucesso do Boho Chic na última temporada, ele volta de forma repaginada e diverso, incorporando referências dos anos 70 e 80 de forma bem mais maximalista do que antes.

Cores: Tons terrosos combinados com tons de inverno mais vibrantes, como o amarelo girassol.

Peças-chave: Batas e camisas românticas com elementos decorativos, como ombros estruturados e babados. Casacos grandes de pelo (falso), estampas animal print, tapeçaria e florais.

Materiais: Veludo, camurça e pele falsa.

5- Alfaiataria Repaginada

Os desfiles de Maison Margiela, Saint Laurent, Miu Miu e o retorno as passarelas da Calvin Klein mostraram que a alfaiataria segue em alta, só que mais estruturada, cheia de personalidade e descomplicada. Aqui também vemos a influência do Power Dressing dos anos 80 nos looks; Blazers com ombros marcados, volume nas mangas e cinturas mais ajustadas, destaque também para a saia lápis de comprimento midi. A paleta segue a mesma ideia do ano passado com o boom do Office Siren, mas com destaque pro midnight blue, um azul marinho bem escuro e super elegante.

Cores: tons sóbrios, destaque para o cinza e o midnight blue.

Peças-chave: Saias midi, blazers com ombros marcados e cintura ajustada, camisas com abotoamento duplo e mangas volumosas de forma feminina, além de escarpins clássicos.

Até o próximo edit! xx

Oi, besties!

Não sei vocês, mas a temporada de festivais me deixa animada mesmo que eu acabe não indo em nenhum rs. Sempre fui aquela fangirl clássica, e pra mim, shows vão muito além de ver o artista ao vivo—é uma experiência completa! Desde a ansiedade de garantir o ingresso até escolher o look perfeito, conhecer gente na fila e, claro, sentir a energia única de um público inteiro vibrando junto. Se eu pudesse, viveria disso!

Além disso, a relação entre moda e festivais é super rica e cheia de referências icônicas, trazendo identidade, expressão e estilo de vida.

O Woodstock (1969) é considerado o primeiro grande festival em que a moda foi usada como mecanismo de autoexpressão; Ele aconteceu em meio ao movimento hippie e foi um símbolo da contracultura dos anos 60. No evento, as roupas refletiam valores como liberdade, paz e rejeição às normas tradicionais, com muitas franjas, vestidos esvoaçantes, tie-dye e peças artesanais. Esse espírito de estilo livre influenciou profundamente a moda dos festivais até hoje.

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E é claro que falar desse tema e não mencionar a influência do estilo boêmio é praticamente impossível, o boho chic tem raízes no movimento hippie dos anos 60 e 70 e se tornou sinônimo de moda de festival, especialmente durante os anos 2000/2010s, impulsionado por eventos como Coachella e Glastonbury. Vestidos fluidos, batas, botas western, franjas, chapéus, crochê e acessórios maximalistas. E sejamos sinceras, esse foi o GRANDE motivo da minha paixão por esse estilo rsrs

Hoje, a moda de festivais está mais experimental, misturando referências de décadas e gêneros musicais. Mas, pra mim, o mix de boho com toques de rock chic continua imbatível e é o que nos leva ao nosso guia de como sobreviver a festivais:

1. O que vestir

Prioridade nº1: conforto sempre! Você vai andar, dançar e passar horas no evento, então evite roupas que te deixem desconfortável ou sapatos que destruam seus pés. (Nada de salto fino, amiga, sério.)

Minha fórmula infalível:
- Bota ou coturno confortável
- Shorts ou calça leve
- Peça fluida na parte de cima
- Jaqueta estilosa e fácil de carregar

2. O que levar:
   Alguns itens essenciais vão salvar sua experiência:

• Capa de chuva boa (daquelas com botões, nada descartável)

• Garrafa de água lacrada e snacks

• Band-aid/protetor de calcanhar

• Lip balm (preciso nem explicar, né?)

• Canga pra sentar no chão (todo ano esqueço e me arrependo!)

• Óculos de sol

3. Maquiagem:
Uma boa preparação de pele faz toda a diferença na durabilidade da make. Um primer fixador ou blindagem ajuda tudo a ficar no lugar (e não esquece o protetor solar!). Gosto de brincar com cores diferentes do meu dia a dia, mas sem nada muito artístico — até porque minha habilidade não permite!

4. Curadoria de Vibes:

Se você é como eu, o pré-rolê às vezes é mais legal que o próprio evento! Sempre coloco setlists dos artistas que vou ver ou músicas que me animam enquanto me arrumo. Você tem algum ritual pré-festival?

Agora você está pronta para curtir um festival do melhor jeito possível! Quero saber: quais são seus indispensáveis? E o que você está pensando em usar no Lollapalooza? Me conta nos comentários!

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Segundo estudos, a pandemia agravou a aceleração tecnológica e a “necessidade” de estarmos conectados 24/7, nos deixando super estimulados pela quantidade de informações que consumimos em tão pouco tempo e não conseguimos processar.

Outro efeito disso é o sentimento de solidão coletiva que temos sentido; estamos sempre conectados mas mesmo assim cada vez mais sozinhos. Não é irônico?

Me peguei pensando nisso quando percebi que sim, o que minha psicóloga diz é verdade e eu fico bem mais tranquila quando fico fora do celular o máximo de tempo possível. (quem diria né? rs)

Com o tempo notei que aqui na internet a vida offline virou o real luxo e é o que acaba nos definindo como pessoas cool nas redes. Não é atoa que estamos vendo cada vez mais pessoas aderindo a novos hobbies, como crochê, leitura, cerâmica e até mesmo pintar livros fofos (coisa que eu estou muito tentada a adquirir).

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De acordo com a WGSN, em 2025 uma das maiores tendências é a priorização da saúde e bem-estar, então o conceito de JOLO - joy of logging off parece que realmente veio pra ficar.

E, se você precisa de mais um incentivo pra desligar o telefone por um tempinho, o mundo da moda e cultura pop já têm aderido essa mudança pra gente se inspirar, como marcas criando pop ups e promovendo encontros presenciais e celebridades compartilhando suas leituras e hobbies prediletos. A minha favorita é a Dua Lipa com sua newsletter service 95, onde ela dá dicas gastronomia, lugares para visitar, filmes e conteúdos para consumir e têm seu próprio clube do livro! She is the moment.

Para mim o melhor disso tudo é a oportunidade de autoconhecimento: quanto menos tempo ficamos online, menos nos comparamos e percebemos o que gostamos de verdade. Um dos meus objetivos de 2025 é me reencontrar com as coisas que eu gostava de fazer e acabei parando, especialmente que não envolvem uma tela! (Mas isso fica de tópico do próximo edit)

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