Come per gli altri giochi del grande cubo viola finiti nel servizio, il punto dolente sono i controlli. Sunshine in particolare vive sui grilletti analogici, che sui Joy-Con semplicemente non esistono: il controller GameCube wireless per Switch 2 risolve la questione, ma se giocate con un pad normale serve un po’ di pratica e qualche piccolo accorgimento.

Io questa pazienza non l’ho avuta, e quindi ho riacceso la famigerata Super Mario 3D All-Stars e l’ho ricominciato su un secondo file.

Perché l’ho fatto? Perché ero su un volo per Barcellona sul quale sono rimasto seduto, fermo in aeroporto per un’ora abbondante a causa del traffico aereo, perché ho avuto quel classico momento nostalgico che prende gli Uomini col Nintendo quando un gioco così torna disponibile, e perché Super Mario Sunshine è il mio gioco di Mario in 3D preferito di sempre.

Un’affermazione piuttosto forte, lo ammetto, perché in effetti è uno di quei capitoli che generalmente alla gente non piace: è troppo strano, è troppo legnoso, è troppo… rotto.

Se poi pensiamo che fra i videogiochi in tre dimensioni sull’idraulico baffuto abbiamo a disposizione i due Galaxy e Odyssey, è piuttosto evidente che qualcuno non dovrebbe pensare a Sunshine come al suo titolo preferito, se non per qualche strana connessione nostalgica nella sua testa. È altrettanto chiaro che, se state leggendo questo testo, è perché qualcosa di bello quel titolo lo faceva, e sono qui per spiegarvi come mai dovreste dargli una chance.

Sunshine arriva come “seguito” di Super Mario 64, il gioco che ha cambiato per sempre il mondo dei platform 3D, uno di quei titoli che si possono dire importanti per l’evoluzione dei videogiochi, insomma.

Pensate un po’ a come Nintendo debba aver vissuto il carico di responsabilità nel proporre una nuova iterazione di Mario in tre dimensioni dopo aver rivoluzionato il mondo. Che poi è un po’ quello che ha fatto quando ha pensato di pubblicare Majora’s Mask, che, strano ma vero, è il mio The Legend of Zelda preferito, più o meno per gli stessi motivi che mi portano ad amare così tanto Sunshine. Ma di questo magari ne parliamo in un altro momento.

Dicevamo che Sunshine arriva dopo Mario 64, a cui, come tantissimi altri videogiochi, deve molto: la struttura di gioco è pressoché identica. Un hub centrale, questa volta l’Isola Delfina, svariati livelli in cui entrare con obiettivi diversi per ottenere le stelle, che in questo caso sono dei Soli, ma il concetto è lo stesso.

Viene mantenuto anche lo stesso sistema di progressione, per cui a ogni ingresso nei livelli è possibile selezionare il Sole che si vuole ottenere per avere nuovi passaggi sbloccati e andarlo a prendere. E sì, ci sono i Soli per le 100 monete in ogni livello. E sì, ci sono anche quelli delle monete rosse. Fin troppi.

Proprio in questa struttura, quella delle monete, Sunshine mostra il fianco: ogni livello ha più di un Sole legato alla raccolta delle monete rosse, e sono sfide che spesso non hanno né arte né parte, altre volte hanno una difficoltà senza nessun senso e altre ancora le completi senza nemmeno accorgerti di averlo fatto.

Come se non bastasse, ci sono le monete blu: 240, sparse fra hub centrale, livelli e sottolivelli, da scambiare dieci alla volta. Fanno 24 Soli su 120, un quinto del gioco. Non esagero se vi dico che si tratta di un’idea completamente sbagliata.

Un po’ come l’ottenimento di tutti i pezzi della Triforza in Wind Waker: non si sa bene perché l’abbiano pensata e inserita, ma è così, e ce la dobbiamo far andare bene.

Ma quindi, se tutto quello che ho descritto l’ho descritto come brutto e mal disegnato, cosa mi porta a sentire Sunshine come il mio Mario 3D preferito?

Ecco: non ho ancora detto che Mario in questo capitolo ha a disposizione lo Splac 3000, uno zainetto con serbatoio sulle spalle con cui sparare acqua.

Con questo strumento Mario ha accesso a tutta una serie di attacchi e movimenti inediti: può levitare usandolo come jetpack, può correre molto velocemente usandolo come turbo, può saltare molto in alto usandolo come un razzo e infine può attaccare i nemici con lo spruzzo, un’idea molto bella che si scontra contro una serie di nemici che si ripetono fin troppo spesso, purtroppo.

Lo Splac 3000 non cancella le abilità “fisiche” di Mario, ci si incastra sopra e finisce per ridefinire il modo in cui controlliamo il nostro idraulico: scivolare a pancia in giù sul bagnato per andare più veloce, per dire, esiste solo perché prima quel terreno lo avete allagato voi, e vale lo stesso per un’altra serie di movimenti avanzati che andrete a padroneggiare giocando.

Un po’ l’antesignano di Cappy in Odyssey, con la differenza che Cappy è più fluido, intuitivo e funziona leggermente meglio coi controlli.

In più, l’idea che sia un serbatoio d’acqua, che si consuma con l’utilizzo, genera un piccolo sistema di stamina a cui stare attenti nei movimenti. Non vi punirà quasi mai, è bene dirlo, ma è interessante che esista.

Allo Splac si aggiunge Yoshi, che torna come cavalcatura per Mario con un twist in più: dandogli da mangiare la varia frutta cambia il succo che può sparare, e ogni tipologia di succo fa qualcosa, dal trasformare i nemici in piattaforme allo sciogliere determinati oggetti per poter proseguire.

Insomma, Sunshine mette sul piatto un sistema di gioco unico e decisamente fuori dagli schemi: eccessivo, strano e diverso. Passare dal controllare Mario al controllare Mario tramite un “esoscheletro” (è forte il paragone, lo so) è una rottura del gameplay classico a cui siamo abituati, e o la ami o la odi.

Lo stesso Yoshi, che di solito è il modo più semplice per allungare un salto, qui è più uno strumento con cui risolvere i puzzle di gioco: ha un timer addosso e si scioglie appena tocca l’acqua, quindi va usato con la testa. Di nuovo, una rottura nella dimensione di Mario a cui siamo abituati.

Lo paragonavo, per estro ed eccessività, a Majora’s Mask, non a caso: entrambi sono seguiti che rompono uno schema. Entrambi propongono una rottura che non vedremo riproposta mai più nella storia delle serie di appartenenza, ma allo stesso tempo entrambi sono capitoli a cui le serie devono molto.

Da Majora’s Mask arriva l’idea che uno Zelda possa permettersi di essere cupo e adulto, quella che poi Twilight Princess ha portato al grande pubblico, e da Sunshine arriva l’idea che a Mario serva un compagno di moveset, che negli anni sarebbe diventato Cappy.

Ed è per questo che sono estremamente affezionato a entrambi i titoli, ed è per questo che sono i miei preferiti nelle loro saghe.

Sunshine ha saputo regalarmi un Mario “nuovo”, rotto, è vero, ma con un’idea che all’epoca mi ha fatto strabuzzare gli occhi. Quando penso a Mario in 3D penso sempre a Sunshine, perché è lui che ha rotto gli schemi e ha proposto qualcosa di assurdo.

Quelli classici arrivano dopo, perché anche se rasentano la perfezione, come Galaxy, niente è paragonabile allo Splac 3000 e a quei pomeriggi passati a capire come usarlo.

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Quanti altri fanno compagnia a Salvatore e sono fan di Super Mario Sunshine?

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Si chiama “Sterling Point - L’isola dei segreti” e, proprio mentre stavo per liquidarla come una delle tante serie che servono a fare legna e nient’altro, un volto familiare mi ha rapito.

«Ma chi è questa ragazza col faccino dolce che sarebbe perfetta per fare l’elfa di una famosa serie di videogiochi Nintendo a cui dà il nome?», ho pensato nel pre-trailer dell’header di Prime Video.

Ma è Bo Bragason! Proprio la Zelda del prossimo film diretto da Wes Ball e co-prodotto da Sony (…) e Nintendo!

E allora mi sono detto «E c’abbiamo Sterling Point, e pijamoce Sterling Point!». Mi sono segnato su una nota del telefono il titolo di questo articolo che avrei scritto, e ho premuto play su questa serie che non fa niente per non sembrare un prodotto di quarta categoria.

E visto che Nintendo ci sta tenendo all’oscuro di uno dei progetti multimediali più attesi della storia recente, andiamo con questo lavoro di antropologia dello show business e diamo un’occhiata a chi è stata scelta per interpretare Zelda.

Perché è un personaggio importante e, appena la vedremo in movimento, sarà sostanzialmente il primo giudizio sul progetto di Wes Ball. In buona sostanza, la prima volta che vedremo Bo Bragason col costume di scena e la sentiremo parlare, capiremo se questo film sarà un cult del trash oppure qualcosa di almeno degno.

In quello che è diventato un assurdo spin-off di una delle rubriche di Uomini col Nintendo, che forse sarebbe potuto essere il vero titolo di questo articolo ma ormai abbiamo cominciato quindi niente.

Ma quindi ‘sta Bo Bragason?

La storia di Sterling Point segue la diciassettenne newyorkese Annie Jacobson (Ella Rubin), la quale scopre di aver ereditato dal nonno materno, insieme al fratello gemello Connor, una piccola isola situata nella regione canadese del Muskoka: Sterling Point. Decisa a fare luce sul passato della propria famiglia, Annie parte da sola per l’isola. Lì scopre l’esistenza di Ramona, una sorella biologica mai conosciuta, finendo per immergersi in un’estate ricca di misteri, segreti di famiglia e nuove relazioni sentimentali.

Ora, ci sono un po’ di dettagli interessanti da considerare. Annie è una ragazza adottata insieme a Connor, che è il classico fratello-svampito-che-però-offre-la-saggezza. Come in ogni serie odierna che si rispetti, vivono tutti in una casa a New York dal valore equiparabile al PIL di un paio di piccoli stati canaglia e, anche se non è stata ammessa alla scuola che voleva, non avrà certo problemi nella vita.

Tuttavia decide di andare in Canada per iniziare a dipanare questo mistero di sceneggiatura che si sarebbe potuto risolvere con un paio di ricerche, e al massimo l’intervento di un legale. Ma se Stanis la Rochelle ti copre 2 serie da 24 puntate con due faccette, qui bisogna pur mandare avanti una prima stagione di 8 puntate da 50 minuti l’una.

E allora Annie arriva in Canada dove, oltre a un sempre ottimo Jeffrey Dean Morgan che ha evidentemente bisogno di pagare un paio di elettrodomestici nuovi, incontra anche Oona, ovvero la nostra Bo Bragason.

Oona è quel tipo di personaggio che io chiamo Lesbica Basic®.

Ovvero una donna omosessuale che è chiaramente lesbica, ma proprio tanto lesbica. Fa tutto quello che serve per sembrare lesbica da un chilometro e viene scritta in modo che anche il più distratto degli spettatori capisca immediatamente che sia lesbica.

Perché il personaggio di Bragason si muove e parla come i personaggi di Ryan Reynolds nell’era pre-Deadpool. Un mix tra un cinquantenne divorziato che gira per Riccione ad agosto, e un preadolescente che ha scoperto da poco cosa si può fare con quella roba penzolante e sudaticcia che ha tra le gambe.

Oona dice a tutte le donne che sono bellissime, fa i baciamano e lancia allusioni sessuali con la potenza cinetica delle carte di Gambit, per rimanere in tema Marvel. Si veste pure in un modo un po’ trasgre e appariscente, con un sacco di capi di abbigliamento maschili, così chi si risveglia dall’abbiocco col tablet in faccia si ricorda subito che Oona è lesbica.

A un certo punto c’è la madre 50-60enne di un personaggio, amico di scuola di Annie che per qualche motivo è anche lui sull’isola dei segreti, che bevendo un bicchiere gigante di vino e riferendosi a Oona, dice:

Mentre Annie accoglie nel suo gruppo di amici anche tutti i token possibili che Prime Video vuole inserire nel minor numero di personaggi possibili, come un ragazzo latinoamericano omosessuale adottato da due madri (combo!), Sterling Point mi dice sostanzialmente che dovrò allacciare le cinture e godermi il viaggio.

Ma soprattutto Bo Bragason che, a parte avere un personaggio terrificante, sembra una brava attrice.

Oltre a saper recitare, abilità che non tutti i suoi colleghi di Sterling Point possono vantare, ha una bella prossemica e quell’inflessione britannica perfetta per il fantasy secondo Hollywood. Inoltre il suo timbro vocale ricorda a volte in maniera impressionante quello di Patricia Summersett, l’attrice che dà la voce a Zelda dal 2017 in poi.

Ci dev’essere qualcosa di utile in questa prima puntata e mezza di Sterling Point che mi sono visto solo per voi, amici e amiche e Persone col Nintendo. No?

Il fatto che, grazie al potere dell’immaginazione e della profezia che si autoavvera, anche da una Lesbica Basic® si può percepire la magia di una cosa come The Legend of Zelda che arriva al cinema.

Forse lo farà male, malissimo, o addirittura bene, ma intanto immaginare Bo Bragason con il costume di scena di Zelda a rimorchiare le milf nel Canada dei ricchi, vi dirò, funziona.

Cosa impariamo da questa storia, quindi? Due cose, credo.

La prima è che ho trovato il mio guilty pleasure da guardare per chiudere questa noiosissima estate. La seconda è che Bo Bragason, secondo me, ce la può fare come Zelda.

Certo bisogna farle dire cose sensate. In un mondo che non sembra Poggio Salcazzo Comics & Games. Magari in un film decente. Per quello possiamo solo aspettare, anche perché Nintendo sembra non abbia proprio voglia di farci vedere il primo trailer del live action di The Legend of Zelda.

Ci sarà un motivo? Speriamo di no.

Di questo film atteso da tutti, anche da me dai, ne ho parlato un po’ al volo quando è uscita l’unica foto di scena.

Un’altra riflessione la trovate invece su Videoludens, il progetto editoriale indipendente dell’amica Stefania Sperandio. Il tema è: Link deve parlare? Bello, no? Andate a leggere l’articolo, forza.

Su Instagram, invece, ho raccolto tutti i nomi emersi finora del cast. Tra l’altro un post già vecchio perché pare ce ne siano altri in lizza, ovviamente.

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E quei prezzi non erano un’impressione. Basti pensare al Gold Mario, esclusiva Walmart del 2015: andò esaurito in un quarto d’ora, e finì rivenduto su eBay a 200 dollari contro i circa 13 di listino. O al terzetto Marth, Villager e Wii Fit Trainer, tra i primi a essere tolti di produzione: un set è arrivato a 320 dollari all’asta. Cifre folli, per dei giocattoli.

Per chi non sapesse cosa siano, posso provare a spiegarveli così: sono i pupazzetti per gli Uomini col Nintendo.

Il gioco fuori dal gioco

Provando a essere più serio, sono quella geniale intuizione di Nintendo di creare un oggetto da collezione che avesse anche una sua utilità in gioco.

Debuttano nel novembre 2014, in coppia con Super Smash Bros. per Wii U, terzo grande esperimento “toys-to-life” dopo gli Skylanders di Activision e i Disney Infinity. In soldoni sono statuette, più o meno dettagliate, tramite le quali ottenere la relativa ricompensa digitale all’interno del gioco di appartenenza.

Ed è così che, usando un amiibo di Super Smash Bros. dentro il gioco di riferimento, potevi sbloccare un lottatore con le fattezze della statuetta e addirittura sfidarne un clone che imparava dai tuoi combattimenti — un guerriero tascabile con cui allenarti e migliorare di continuo.

Una figata. Senza mezzi termini.

Il mio amiibo di Zero Suit Samus, il primo che ho comprato, era con me più o meno ovunque: ogni pausa all’università era una buona scusa per una partita a Smash, e quindi una buona scusa per rendere la mia statuina sempre più forte, livellandola. Il sistema era geniale, quasi come avere con sé la miniatura di un gioco di ruolo che sale fisicamente di livello, e non solo sul foglio di carta dove segniamo le statistiche.

Va detta una cosa, per onestà: quel combattente allenabile è quasi l’unica funzione davvero profonda che gli amiibo abbiano mai avuto.

Era la promessa del giocattolo — una promessa che, fuori da Smash e da qualche oggetto di Zelda, non è quasi mai stata mantenuta.

Sempre più belli

Col passare del tempo, da quella piccola idea con quelle piccole statuette, gli amiibo sono entrati nelle case di più o meno tutti gli Uomini col Nintendo — e di tutti i collezionisti senza il Nintendo. E le cifre lo raccontano bene: 5,7 milioni venduti nei primi due mesi, 21 entro fine 2015, 50 nel 2018, oltre 77 milioni spediti al 2022. Un boom tutto concentrato all’inizio — dieci milioni e mezzo in appena sei mesi del 2015 — e poi un lungo, lunghissimo altopiano.

E più le serie avevano successo, più le statuette guadagnavano in dettagli, idee e dimensioni. Basti pensare allo Yoshi di lana di Woolly World, che trovo ancora una delle idee più belle di sempre, venduto sia in versione piccola (con tutte le colorazioni di lana possibili) sia in versione grande. Fino ad arrivare agli amiibo di oggi, che sono delle action figure stupende, di rara bellezza: dettagliatissime, pose dinamiche, insomma oggetti che fanno la loro porca figura sulle mensole di casa.

Gli ultimi arrivati — la serie di Mario Galaxy, il Donkey Kong di Bananza, il Mario elefante di Wonder, i nuovi calamarotti di Splatoon — sono decisamente su un altro pianeta rispetto a quelli con cui Nintendo aveva iniziato. Tanto che il 2025 è stato salutato come l’anno della “rinascita” degli amiibo.

Sempre meno utili

Ma se da un lato i pupazzi hanno guadagnato in dettagli, pose, forma e dimensioni, dall’altro i titoli hanno perso quasi del tutto la magia del contenuto.

Siamo passati dalla statuetta che sale di livello e diventa un combattente sempre più forte a statuine che non fanno quasi nulla, se non darci una mezza skin o qualche risorsa che avremmo comunque ottenuto giocando.

E non è un sospetto malevolo: l’amiibo di Donkey Kong Bananza, scansionato, ti regala il vestito da Diva di Pauline e delle tessere KONG dorate — cioè un costume e delle risorse che il gioco ti lascia sbloccare anche senza la statuina. La rinascita, insomma, è tutta del soprammobile: bellissimo, ricercatissimo, e sostanzialmente muto dentro il software.

Ed è da qui che parte questa riflessione (o finisce, visto che siamo quasi in chiusura, credo). Che è successo?

Gli amiibo sono diventati sempre più parte dell’immaginario collezionistico e sempre meno di quello dei videogiocatori? Altamente probabile, visti i prezzi folli a cui si trovano alcuni di questi.

Credo che le due cose vadano tristemente a braccetto: all’aumento dei prezzi e alla scarsa reperibilità — complice anche la scelta di Nintendo di lasciarli esaurire, che le riduce i costi e crea un senso di urgenza nei fan — è conseguito il disinteresse dei giocatori, che ha portato a un impatto sempre minore della statuina sul software, fino a ridurla al classico DLC delle skin, solo venduto in forma fisica e vera.

Il Warhammer che Nintendo non farà mai

Una roba per cui, quando il gioco smetterà di esistere o di funzionare, la nostra skin vivrà per sempre sulla mensola di casa. Un’idea piuttosto romantica, partorita da un cervello fin troppo romantico quando si parla di un prodotto a cui sono così legato.

Eppure sogno quel giorno in cui Nintendo farà il suo Warhammer: il suo Super Smash Bros. RPG in cui i personaggi da schierare sono proprio gli amiibo. Che torneranno a vivere, a salire di livello, a farmi pensare “corro a comprare il Mario elefante perché è un tank pazzesco da aggiungere alla mia schiera”.

Perché sì, è vero che sono bellissimi sopra la mensola vicino alla TV, ed è vero che — almeno alcuni — sono skin che posso toccare. Ma è altrettanto vero che ogni volta che li guardo provo un briciolo di nostalgia e di tristezza.

La nostalgia di quella volta, tra i banchi dell’università, in cui la mia Zero Suit Samus stava combattendo contro il Link Cartoon del mio compagno di banco, per decretare chi avesse allevato meglio la propria statuina.

Bello cazzo.

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Voi che rapporto avete con gli amiibo? Avete la collezione intera o vi siete stufati di comprarli? Fatecelo sapere.

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Ciao! Il testo che segue è una parte della trascrizione di uno degli episodi del podcast “Uomini col Nintendo”. Se ti va di ascoltare la puntata completa mentre ti dedichi a cose più utili, clicca qui o poco più sotto.

Di recente è uscito il primo spin-off di una nuova saga di Nintendo, nata nel periodo più oscuro della sua storia recente, che però si è guadagnata già una trilogia in pochi anni e, appunto, un quarto gioco “laterale”.

È Splatoon, un videogioco sparatutto, multiplayer a squadre. La cosa più lontana da quelli che sono i videogiochi Nintendo ma, in qualche modo, comunque “nintendoso”.

Un franchise che si è guadagnato subito una nicchia di fan molto più che affezionata, che ha saputo vendere bene al punto di arrivare a ben tre giochi in pochi anni, quando altri franchise sono ancora lì a prendere la polvere da generazioni.

E, in un’operazione ancora meno da Nintendo che mai, su Switch 2 è arrivato Splatoon Raiders, spin-off single player che vorrebbe fare il looter shooter splattando qua e là tra calamari e inchiostro.

Un titolo che, anche in questo caso, si è già guadagnato subito il suo posto.

Perché, nel momento in cui sentirete questa puntata, Splatoon Raiders è il secondo videogioco più amato dell’anno dagli utenti su Metacritic.

Il primo ad oggi è Resident Evil Requiem.

Ci sarebbe molto da dire su questa prima posizione ma non lo faremo adesso.

Quello che faremo invece è farci la domanda che sentite spesso da queste parti.

“Ma quindi ‘sto Splatoon Raiders?”

Ascoltate la puntata qui sotto:

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Voi ci state giocando a Splatoon Raiders? Come vi sta sembrando?

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Questo articolo è di Salvatore Pilò, che potete ascoltare con una certa regolarità nel podcast. Vi direi di seguirlo da qualche parte se volete, ma lui non vuole. Quindi eccoci qui.

Mi sono sempre chiesto chi è che utilizza le feature “particolari” di Nintendo Switch durante lo sviluppo di un videogioco. E per feature particolari intendo quelle funzionalità che vengono sbandierate al lancio della console: il touch screen della prima Switch, i controlli mouse della seconda.

Ricordo chiaramente tutti i momenti in cui ho giocato qualcosa su Switch che avrebbe beneficiato infinitamente dei controlli touch, e che invece non li supportava affatto. Quasi come se chiunque sviluppasse si fosse dimenticato di quelle funzioni, o avesse semplicemente scelto di dimenticarsene.

Ho anche un amico che lavora come animatore (fa una cosa che si chiama rigging, in realtà, ma non saprei spiegarvi cos’è se non con dei pupazzetti) in un’importante azienda di sviluppo italiana. Gli ho chiesto come mai il loro gioco, che con quel dannato touch screen andrebbe a nozze, non implementasse i controlli touch. Mi ha risposto che lo avrebbero anche fatto, ma che usare quelle funzioni in fase di sviluppo era così complicato che tutti sceglievano di ignorarle. Incredibile.

E per anni mi sono chiesto per quale motivo esistessero, allora. E perché l’unica console al mondo su cui potrei pensare di giocare a Civilization non dovesse supportare il miglior modo di giocarci al di fuori di un PC. Maledizione.

Poi arriva il trailer di Nintendo Switch 2. Il touch screen resta, e resta inutilizzato, ma accanto a lui spunta una nuova feature incredibile: i controlli mouse. Chissà quanti titoli la useranno, mi chiedevo.

Sulla carta sono una figata, e nella famigerata demo a pagamento sono in effetti i protagonisti dei minigiochi più interessanti. Ma al di là di quelli, dove altro avrei potuto godermeli?

Con grande sorpresa: vengono sfruttati da più di un titolo. Anche se non lo sai, e probabilmente non lo saprai mai, a meno di leggere le informazioni di prodotto, che non legge nessuno, o di fare per sbaglio un movimento strano col Joy-Con mentre sei sul divano. A patto, chiaramente, di stare usando i Joy-Con liberi e non il Pro Controller, come fa la maggior parte della gente con cui parlo.

Cos’è Demeo e che c’entra il mouse

Questo, ad esempio, è il caso di Demeo x Dungeons & Dragons: Battlemarked. Sembra uno di quei titoli meme a cui aggiungeresti volentieri un “featuring Dante from the Devil May Cry series & Knuckles”, e invece è proprio il titolo vero del videogioco di cui vi sto per parlare.

Demeo è fondamentalmente un gioco in cui, come su un tavolo vero, si muovono i pupazzetti, si tirano i dadi e si fanno le avventure nei dungeon. Proprio quella cosa che giocano i protagonisti di Stranger Things, ma senza i draghi nei dungeon.

Nasce come titolo per visori VR, così da far finta di usare i pupazzetti sul tavolo con i vostri amici, usando le mani vere ma senza i pupazzetti veri, e poi viene convertito, fortunatamente, in un videogioco vero in cui usi il mouse per fare le cose.

E il gioco è bellissimo. Il feeling è esattamente quello che immaginate leggendo la mia professionalissima descrizione qui sopra, e se ci giocate con gli amici è ancora meglio, perché si creano tutte quelle bellissime dinamiche da tavolo da gioco, ma in chiamata su Discord. È così che giocano gli uomini col Nintendo che abitano distanti.

Ed è molto difficile: con Valentino, pur avendoci giocato poco, abbiamo subito ogni sorta di ingiustizia da parte dei dadi e del gioco, morendo spessissimo, con conseguente rabbia (più da parte mia che sua) e tante altre belle cose.

Ecco, se vi state chiedendo “ma questo tipo di gioco si sposerebbe benissimo con Dungeons & Dragons”, non siete i soli. Qualcuno da Wizards of the Coast deve esserselo chiesto uguale, e così nasce Demeo x Dungeons & Dragons: Battlemarked: esattamente Demeo, ma dentro i Forgotten Realms.

Ed è, senza troppi fronzoli, una figata pazzesca.

Avete a disposizione varie avventure ambientate qua e là, diversi eroi con cui costruire il party, diversi set di dadi da sbloccare — perché come ogni giocatore di ruolo sa, è il colore del dado che fa la differenza — tutto il sistema di abilità, classi e livelli che ormai conoscete a menadito, e delle storie tutto sommato interessanti.

Posso quasi azzardare che se Baldur’s Gate 3 è il miglior videogioco basato su Dungeons & Dragons mai creato, Demeo x vattelapesca è la miglior trasposizione virtuale dell’esperienza.

Il problema dei controlli

E questa esperienza, vista tutta la premessa iniziale, la trovate anche su Nintendo Switch, dove i controlli fanno estremamente schifo. O meglio: a me non piacciono.

Sono consapevole che il mondo sia pieno di persone capaci di giocare col puntatore su console, e che la cosa la apprezzino pure — altrimenti la serie di Civilization avrebbe smesso di esistere su console da un pezzo. Ma io non ci riesco proprio: non ho la coordinazione necessaria, non riesco a muovermi agilmente nell’interfaccia, non riesco a cliccare davvero quello che voglio. Insomma, mi frustro.

Ed è per questo che i controlli mouse di Switch 2 mi affascinavano. Che fosse arrivato finalmente anche per me il momento di godermi cose come Demeo dal divano, invece che dallo studio?

Ecco, no.

Avvio il gioco, eseguo il tutorial, e niente mi avverte che questi controlli mouse esistono. Mi spiega come usare l’analogico per muovere la telecamera, l’analogico per ruotarla, l’analogico per spostarmi, l’analogico per selezionare — mentre io continuo a chiedermi quanti analogici ci siano su un Joy-Con, e cosa io abbia fatto di male per meritarmi una cosa così astrusa.

La scoperta

Però D&D mi piace, anche se non gioco su un tavolo vero da anni, e Demeo è davvero una bella esperienza. Per cui vado avanti a completare la prima avventura dal divano, imprecando a ogni misclick — fino a quando un’imprecazione più movimentata del solito non mi fa ruotare il Joy-Con e comparire un cursore sullo schermo.

Sì, esistono. E nel gioco non ne trovo traccia, al punto che non capisco nemmeno come usarli: solo uno dei due Joy-Con fa da mouse, mentre l’altro serve ad azioni diverse, come lo zoom. Nelle impostazioni non trovo niente. Provo a leggere qualsiasi testo all’interno del gioco. Provo persino a rifare il tutorial coi Joy-Con in modalità mouse. Niente. Cerco di capire il mapping delle azioni per tentativi, mentre un orso cerca di sbranarmi nel bosco.

Ci riesce.

E finalmente Demeo x Dungeons & Dragons: Battlemarked mi appare per quello che è, cioè un gioco incredibile sulla portatile di Nintendo — perché improvvisamente riesco a giocarci bene anche io.

E qui arriva la parte che mi fa più male. Mentre scrivevo questo pezzo, ho scoperto che Battlemarked supporta anche il touch screen. Che si trascinano le pedine col dito. Che il dado lo si lancia con un colpetto. Nessuno mi aveva detto niente nemmeno di quello.

E mi chiedo per quale astruso motivo il gioco non dica niente in merito. Solo per me si tratta di una funzionalità essenziale nel genere?

In ogni caso, ora sapete che si può fare. Sapete che Demeo è un titolo incredibile se vi piacciono i pupazzetti nei dungeon, e che questa versione crossover coi draghi vi intrigherà senza alcun dubbio — sia che veniate dai tavoli, sia che abbiate scoperto i Forgotten Realms con Baldur’s Gate. E potete giocarlo col mouse di Nintendo.

Non ci sono letteralmente più scuse.

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Ringraziamo Jaime di Resolution Games per averci fornito un codice Switch 2 di Demeo X Battlemarked. Conflitto di interessi totale tombale copertine con l’IA e tutta quella roba lì. Così l’ho girato prontamente a Salvatore con l’idea di tirare fuori una riflessione del genere. Sottoscrivo il suo giudizio sul gioco che anche a me ha divertito tantissimo. L’anno scorso ho recensito la versione PC, trovate l’articolo su atacore.it.

Domanda a cui vi chiedo di rispondere sinceramente: voi ricordavate che i Joy-Con 2 funzionano anche come mouse?

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Ciao! Il testo che segue è una parte della trascrizione di uno degli episodi del podcast “Uomini col Nintendo”. Se ti va di ascoltare la puntata completa mentre ti dedichi a cose più utili, clicca qui o poco più sotto.

Se seguite un po’ il mondo dei videogiochi forse avrete sentito, o almeno intuito, che le cose non stanno andando benissimo.

Dal 2022 a oggi hanno perso il lavoro 43.500 persone nell’industria. Per elencare gli studi che sono stati chiusi in questi anni ci vorrebbe una puntata intera.

PlayStation non sforna più esclusive da un po’ e i suoi studi sembrano in difficoltà. Xbox ha deciso di non provarci neanche e, giusto qualche settimana fa, ha calato la mannaia su praticamente tutti gli studi che aveva acquisito negli ultimi anni.

E poi c’è Nintendo.

Che nel 2024 era diventata l’azienda più ricca di tutto il Giappone, e a giugno di quest’anno ha alzato gli stipendi dei suoi dipendenti. E non è neanche la prima volta che lo fa, tra l’altro.

Il tutto mentre vende oltre 20 milioni di Switch 2 nonostante un lancio molto più tiepido della generazione precedente. Una cosa di cui abbiamo parlato più volte in questo podcast, e allora è arrivato il momento di farsi una domanda.

Dov’è il trucco?

La crisi dei videogiochi vista da Nintendo, con Business in Gaming

Ascoltate la puntata qui sotto:

Vi ricordo che potete recuperare tutte le puntate del podcast su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast.

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Ringrazio ancora Domenico per essere stato ospite e la sua straordinaria competenza. Lo potete seguire su YouTube con il progetto Business in Gaming, e trovare tutte le sue killer presentation tra cui quella dedicata a Nintendo, a questo indirizzo.

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Questo articolo è di Salvatore Pilò, che potete ascoltare con una certa regolarità nel podcast. Vi direi di seguirlo da qualche parte se volete, ma lui non vuole. Quindi eccoci qui.

Non ho fatto in tempo a gioire per l’arrivo di un nuovo Zelda in due dimensioni, senza il nome di Zelda, con un roditore come protagonista e con una spruzzata di soullike (trovate un approfondimento proprio su queste pagine), che Square decide di pubblicare The Adventures of Elliot: The Millennium Tales (Elliot e basta, d’ora in avanti), che potremmo riassumere con una frase semplice e allo stesso tempo “complessa”. Ovvero: Breath of the Wild in due dimensioni.

E sì, sento già tutti, compresi quelli che lo hanno giocato, ad affilare le penne e accendere le torce (per vederci meglio, eh) arrivare nella sezione commenti a dire che sto esagerando. Un po’ è vero, un po’ è anche falso.

Ed è un po’ vero perché è la maniera più semplice di spiegare lo scheletro di Elliot, che rubacchia, nemmeno troppo velatamente, le caratteristiche principali della sua ossatura proprio al grandissimo open world di Nintendo, nonostante non ne riesca ad abbracciare pienamente la magnificenza.

Un peccato, specie se pensiamo che un Breath of the Wild in due dimensioni esiste sul serio ed è un progetto che probabilmente rimarrà per sempre fra le mura di Nintendo, in cui si è proprio sperimentato tutto il motore fisico del gioco per testare tutte le interazioni chimiche fra gli elementi.

Quindi si sarebbe potuto effettivamente copiare in toto il sistema, ma poi forse qualcuno avrebbe storto il naso: perché va bene che in Elliot ci siano i sacrari con delle prove per potenziarsi (che si chiamano letteralmente sacrari), va bene che il tuo intero combat system strizzi l’occhio a ogni capitolo della saga leggendaria, però occhio a non replicare esattamente tutto quello che Breath of the Wild aveva fatto.

E va davvero bene così, perché nonostante Elliot sia una piccola copia-carbone dei tanti elementi cardine che hanno reso una leggenda quella di Zelda, è anche vero che su questo scheletro Square ha costruito qualcosa di più, scolpendo un’opera che non esito troppo a definire la mia personalissima grande sorpresa del 2026.

Una sorpresa, perché mi aspettavo esattamente quello che si aspettavano tutti: una nuova IP che vuole giocare facile e quindi mischia un sistema di gioco funzionante con quell’estetica HD-2D che sembrerebbe essere diventata la nuova pixel-art per i sommelier del videogioco.

E invece, a 30 ore abbondanti, mi sono ritrovato a platinare il gioco (e io non platino mai i giochi, a meno che non mi sia legato sentimentalmente troppo, ed è successo solo tre volte) e ad asciugarmi le lacrime in quattro momenti diversi dell’avventura.

Perché se c’è una cosa che Elliot fa veramente bene, ma tanto tanto bene, è raccontare una storia.

Una storia lunga mille anni

La storia che ci racconta è quella di questo avventuriero, Elliot appunto, orfano che si ritrova a vivere in un’epoca in cui i mostri attaccano continuamente gli esseri umani, che trovano sollievo solo grazie alla magia della principessa, unico essere vivente conosciuto ad essere in grado di utilizzarla.

Ed Elliot, come tanti, sogna di girare il mondo. Ed Elliot, come pochi, sogna di riuscire ad aiutare tutti, perché non esiste difficoltà che non possa essere affrontata con il sorriso e con la gioia di aver dato una mano a qualcuno.

Su queste premesse viene scritto il protagonista: il classico eroe cavalleresco senza macchia e senza peccato, un personaggio piuttosto piatto ma funzionale nella scrittura del mondo e di tutti i suoi co-protagonisti.

Nel gioco, infatti, viaggeremo attraverso diverse linee temporali, indagando sul passato del regno, su come la magia sia arrivata e sia andata via, scavando nelle personalità degli uomini più influenti della storia e collaborando attivamente a cambiarla.

Incontreremo moltissimi personaggi, ognuno con la sua storia, con i suoi interessi, le sue emozioni e i suoi sentimenti, tutti intrecciati fra loro all’interno di una trama che non ho paura di definire meravigliosa. Ogni personaggio ha qualcosa da raccontare, nel bene e nel male, e ne scopriremo le mille sfaccettature nell’arco dei mille anni in cui ci troveremo a viaggiare.

Nonostante il titolo non brilli moltissimo, nel pratico, su questi viaggi temporali che hanno la sola valenza ludica di far sembrare più grande la mappa, ho trovato l’espediente utilizzato in modo ineccepibile proprio per raccontare la storia del mondo: una narrazione frammentata, i cui pezzi possiamo raccogliere visitando in questo o quel momento una data epoca.

E no, non ci sono descrizioni da leggere di oggetti nascosti, non c’è nessuna “lore” da ricostruire: si tratta piuttosto di una storia lineare raccontata seguendo un flusso temporale non lineare.

Ecco quindi che, per apprendere la natura della principessa, dovremo tornare prima indietro nel tempo, poi ancora, poi tornare avanti, e così via, in modo da avere accesso a tutte le informazioni necessarie a delinearne i caratteri.

E in questo Square fa una cosa stupenda per il genere: ogni personaggio ha in testa un fumetto su cui appare una spunta nel momento in cui ha esaurito i dialoghi fino a quel momento; spunta che scompare non appena ha qualcosa di nuovo da dirci, evitando al giocatore quel tedioso dover riparlare con ogni personaggio dopo ogni evento per scoprire se c’è qualcosa di nuovo.

L’idea è davvero semplicissima, ma l’impatto in termini di quality of life è notevole. Soprattutto per un titolo che è perfettamente conscio sia di non star creando niente di particolare in termini di gameplay, sia di avere fra le mani una bellissima storia da raccontare.

Ed è proprio in virtù di questi due pilastri che vi consiglierei di comprare e godervi Elliot (che poi su Switch è una meraviglia): perché sarebbe un peccato perdersi la storia che vuole raccontare, e perché — nonostante il suo gameplay non ci consegni niente di nuovo — è sempre un piacere poter giocare un titolo che funziona così bene. Anche se non si chiama Zelda.

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Di Salvatore potete leggere la sua incredibile storia di quando ha litigato fortissimo con Nintendo. Poi hanno fatto pace, tutto cliccando qui.

E se anche voi siete nostalgici degli Zelda in 2D, qualche tempo fa ho fatto una bella classificona totale tombale: la trovate qui.

Per il resto, ci sentiamo come sempre sul podcast che trovate su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast.

Voi invece ci state giocando a The Adventures of Elliot: The Millennium Tales? È troppo da nostalgici? Fateci sapere.

Ciao! Il testo che segue è una parte della trascrizione di uno degli episodi del podcast “Uomini col Nintendo”. Se ti va di ascoltare la puntata completa mentre ti dedichi a cose più utili, clicca qui o poco più sotto.

Il 2 luglio scorso è tornata la serie di Rhythm Paradise su console Nintendo, dopo 10 anni dall’ultima volta.

Un videogioco stranissimo, di quelli che hanno accompagnato la storia delle console della Grande N e che, dalle nostre parti, ha avuto una storia ancora più particolare.

Come accadeva spesso all’epoca, infatti, in Europa la serie arrivò nel 2009 non con il primo videogioco della serie, ma con il secondo, su Nintendo DS.

E quando accadono queste cose il mio cervello inizia a fare una serie di operazioni inutili che mi distraggono da quelle ben più importanti, come ricordarmi che quello fu uno dei primi videogiochi che io abbia mai piratato nella mia vita.

Sì perché si parla tanto di come PlayStation, soprattutto in Italia, abbia dovuto una grande parte del suo successo al fatto che era facilmente piratabile.

A quei teli distesi sulle vie dei mercatini di paesi, con videogiochi a poco prezzo che, quando andava bene, forse erano davvero quello che mostravano in quella copertina stampata da una inkjet sottomarca. E quando andava male erano dei rip-off incredibili di videogiochi di altre console, e in alcuni casi bellamente dei film porno e basta.

Ai negozianti che, come un prodotto qualunque ma con giusto quel filo di segretezza e passa parola per evitare di essere illuminati dalle fiamme gialle, proponevano ai giocatori e alle loro famiglie di installare delle cosine utili dentro le loro PlayStation.

Ma anche Nintendo ha avuto la sua grande era della pirateria. Un’epoca surreale perché arrivata con la console più di successo di quegli anni ma soprattutto perché tutto avveniva bellamente, alla luce del sole.

Con la R4, una cartuccia all’apparenza come le altre che, nel bene o nel male, ha fatto la storia di Nintendo.

L’epoca delle emozioni gratuite

Ascoltate la puntata qui sotto:

Vi ricordo che potete recuperare tutte le puntate del podcast su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast.

E, già che ci siete, potete supportare il progetto tramite la famigerata pagina Ko-Fi in cui potete fare una donazione.

Voi come l’avete vissuta questa storia della R4? Se l’avete vissuta.

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Ciao! Il testo che segue è una parte della trascrizione di uno degli episodi del podcast “Uomini col Nintendo”. Se ti va di ascoltare la puntata completa mentre ti dedichi a cose più utili, clicca qui o poco più sotto.

Ne abbiamo parlato, l’abbiamo predetto come Dr Strange che osserva i futuri possibili in cui Nintendo prova per l’ennesima volta a rilanciare franchise che nessuno compra, e finalmente è arrivato.

Star Fox per Nintendo Switch 2. Remake dell’iconico Star Fox 64, classe 1997, ancora oggi forse uno dei migliori se non il migliore del franchise di mercenari spaziali furry.

Della storia della serie ne abbiamo parlato già in due succose puntate che vi consiglio di recuperare ovviamente.

Episodi che a questo punto avranno bisogno quasi di un post-mortem, perché prima o poi dovremmo aggiungere anche il lavoro di Velan Studios uscito il 25 giugno scorso.

Ma se Star Fox è un franchise che non è mai decollato, se in pochi lo ricordano con affetto e in tanti con nostalgia, perché è tornato su Switch 2? Cosa sta pianificando Nintendo? È solo un lungo piano quinquennale partito con la comparsata nel film di Mario Galaxy che finirà con l’ennesimo esperimento videoludico?

Prima di saperlo bisogna resistere alla dominazione da parte delle intelligenze artificiali e gestire i fallout della possibile terza guerra mondiale.

Per ora ci limitiamo a farci la domanda che ci facciamo di solito da queste parti quando esce un nuovo videogioco.

Ma quindi ‘sto Star Fox?

Ascoltate la puntata qui sotto:

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Voi ci state giocando a Star Fox? Vi piace? È la vostra prima volta?

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La notizia è un disastro, da qualunque punto la si analizzi. Non per i nostalgici o per i collezionisti, ma per chi vorrebbe vedere sopravvivere i videogiochi in generale.

Sul perché le aziende virano verso il mercato digitale, vi lascio l’ottimo articolo dell’amica Stefania che parla del caso GTA 6. Le cui riflessioni e numeri si espandono facilmente a tutto il settore:

Videoludens

Va bene, dopo il caso GTA 6 parliamo di copie fisiche e digitali

Che il mercato dei videogiochi stia vivendo, ormai da parecchi anni, una decisa virata verso l’acquisto in digitale, non è una cosa che scopriamo oggi. Con l’accesso online delle console, e la conseguente diffusione degli store digitali proprietari, la tendenza si è accentuata. È anche più notevole su PC, dove quasi non fa più notizia: considerando che …

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2 months ago · 23 likes · 7 comments · Stefania Sperandio

I problemi di un mercato digitale sono molti, e mi stupisce che a non capirli non siano tanto gli utenti finali, che in più di un’occasione hanno dimostrato di non avere la piena contezza di come e su cosa investono i loro soldi, ma chi questo settore lo vive da anni, se non decenni.

Gli abbracci digitali. Ma porcaccia di quella miseria.

Tutto si riduce al fatto che non ci sono alternative. Se Sony deciderà di far uscire God of War: The Return of Kratos (non esiste ancora, ma dopo le polemiche per Laufey arriverà sicuro) nel 2028 a 120€ nella sua edizione base, quella sarà l’unica proposta disponibile, punto. Non ci saranno sconti di catene, promozioni preordine, mercato dell’usato e compagnia bella.

Per non parlare della mancata proprietà, dell’impossibilità di prestare o rivendere un titolo digitale, o anche fare un semplice rimborso. Ad oggi, la maggior parte delle piattaforme digitali non prevedono rimborsi di alcun tipo. Steam lo permette con non più di due ore di gameplay di un gioco acquistato, ma tante altre come Nintendo non li permettono.

Vi ricordo due casi che sono accaduti e che abbiamo raccontato da queste parti, perché c’è tanta gente nuova (a proposito, grazie!) che non bazzicava Uomini col Nintendo qualche mese fa:

• Quella volta che Salvatore ha litigato con Nintendo

• Quella volta che non ho potuto farmi rimborsare l’acquisto di un videogioco sionista

Intendiamoci: il mercato digitale è il futuro, che ci piaccia o no. Io stesso non ho (ancora) nessun videogioco fisico per Switch 2. Ma non può essere l’unico futuro disponibile.

Se i videogiochi spariscono nel mondo reale, spariscono anche nella memoria collettiva.

Nonostante la manfrina che ripetiamo un po’ tutti in loop, quella dei “videogiochi che fatturano più di musica e cinema” e dei “videogiochi che sono arte”, la verità è che è ancora un medium che vive del passaparola e del sentito dire. Delle pubblicità a video e dei cartelloni qua e là, della persona che ti consiglia il gioco perché gliel’ha consigliato quell’altro che l’ha sentito dire da quella parte.

E arriveranno tutti gli altri, ovviamente.

Xbox, se non muore prima, sarà la prossima. Nintendo forse ancora prima, visto che già sta spingendo verso il digitale con l’introduzione delle Game Key Card e il suggerimento dei 10€ risparmiati su eShop ripetuto in chiusura di ogni spot.

Non voglio che mi si prenda per nostalgico, non lo sono. Ma quando i consumatori non hanno più alternative è un problema, vero. Non sono “abbracci digitali” (ripigliatevi, porca puttana).

Mi fa sorridere che, nel 2023, Nintendo chiedeva alle persone di non soffiare nelle cartucce (fonte). Che teneri.

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Signora mia dove andremo a finire se non ci fosse il Pikachu di Corfù.

Perché sì, we are so back per la terza volta con la rubrica più autoconsapevolmente scema del mondo dei videogiochi.

I Consigli del Pikachu di Corfù

• Aprile 2026

• Maggio 2026

Un reminder per chi non c’era: questa rubrica serve a scavare in quel delirio che è l’eShop su Nintendo Switch 2.

Tra giochi porno fatti con l’IA e cloni di cloni di cloni, escludendo i titoli più importanti che vi consiglia il vostro content creator preferito, Il Pikachu di Corfù vi guida alla ricerca di giochi che vi perdereste e sarebbe un peccato.

Quindi sì ovviamente non sto facendo finta che non siano usciti giochi come Final Fantasy VII Rebirth o che arriverà Star Fox, ma sono queste le onde che cerca il nostro indomabile capitano.

L’estate non inizia senza il Pikachu di Corfù, quindi anche a giugno mi sono fatto guidare dalla sua intraprendenza frutto di una divisa da marinaretto certamente approvata da The Pokémon Company.

Perciò a seguire lista di giochi da segnarvi.

I consigli del Pikachu di Corfù | Giugno 2026

To a T

Data di uscita: 11 giugno
Che roba è: Un gioco mattissimo a episodi pieno di minigiochi in cui si vive la vita di un tredicenne con il corpo a forma di T.
Prezzo: €18,99 - Link eShop

Demeo x Dungeons & Dragons: Battlemarked

Data di uscita: 16 giugno
Che roba è: Dungeons & Dragons in versione digitale, perché tanto non avete più tempo di giocarci dal vivo. Divertentissimo e davvero bello, con la versione Switch 2 arriva anche il cross play, se volete saperne di più l'ho recensito su Atacore a questo indirizzo.
Prezzo: €28,99 - Link eShop

Junkster

Data di uscita: 16 giugno
Che roba è: Un platform in cui si costruiscono cose, con un’estetica molto figa ispirata ai fumetti vintage. Una robetta mi sa.
Prezzo: €9,99 - Link eShop

And Roger

Data di uscita: 17 giugno
Che roba è: Una brevissima avventura narrativa con delle tematiche molto forti. Non è per tutti, ma costa pochissimo ed è una bella storia, ma tosta.
Prezzo: €4,99 - Link eShop

The Last Salvage Squad

Data di uscita: 18 giugno
Che roba è: Un Doom-like con uno stile che ricorda il Virtual Boy e un’estetica anime marcissima. Se non vi esplodono le retine sembra una figatona.
Prezzo: €9,75 - Link eShop

Dark Scrolls

Data di uscita: 22 giugno
Che roba è: Un action platformer mega caotico che è Super Mario World se fosse un gioco di menare, perfetto per il multiplayer.
Prezzo: €9,99 - Link eShop

The Necromancer’s Tale

Data di uscita: 24 giugno
Che roba è: Un gioco di ruolo in stile Disco Elysium con visuale isometrica nei panni di un negromante.
Prezzo: €23,99 - Link eShop

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E se avete degli altri consigli da condividere con la community, scriveteli nei commenti!

Non fate i timidi altrimenti Substack pensa che questa newsletter sia inutile. Che poi lo è, ma almeno vendiamoci cara la pelle.

Questo articolo è di Salvatore Pilò, che potete ascoltare con una certa regolarità nel podcast. Vi direi di seguirlo da qualche parte se volete, ma lui non vuole. Quindi eccoci qui.

Ho un debole per i titoli di The Legend of Zelda in 2D. Mi piacciono al punto che, quando ne esce uno, lo preferisco quasi sempre a quelli in tre dimensioni.

E sì, nonostante abbia amato Breath of the Wild e Tears of the Kingdom, e nonostante Majora’s Mask resti per il sottoscritto il punto più alto e inarrivabile della saga, i capitoli bidimensionali hanno un fascino che difficilmente riesco a spiegare.

Immaginate, quindi, quanto possa essere triste per me sapere che non esce un vero capitolo di questo filone da secoli. Echoes of Wisdom non lo conto perché, nonostante tutte le sue belle idee, gli è mancato il coraggio di fare quel qualcosa in più che me lo avrebbe reso indimenticabile.

L’ultimo vero grande Zelda in 2D è A Link Between Worlds, che non è solo l’inizio di quelli che oggi definiamo gli “Zelda moderni”, ma rappresenta anche il punto più alto mai raggiunto dalla serie in questo formato: perfetto in ogni suo più piccolo dettaglio.

Tutta questa lunghissima premessa per dire che oggi, finalmente, abbiamo un nuovo Zelda in 2D.

Solo che non è Zelda e non è Nintendo. Si chiama Mina the Hollower ed è il The Legend of Zelda in 2D che non abbiamo mai avuto.

Il perché si tratti di un videogioco notevole lo potete capire da soli giocando tre minuti della demo disponibile. Io proverò invece a spiegarvi perché si tratta di un titolo che segna un nuovo standard per il genere, anche se preferirei che spendiate questi 20 euro e lo scopriate da soli, perché di giochi così, purtroppo, ne escono davvero pochi.

Mina the Hollower basa il suo gameplay su pochissime e apparentemente semplici intuizioni che, a modo loro, riescono a rivoluzionare e innovare una formula ludica che spesso fatica a emergere in un mare di produzioni tutte uguali tra loro.

Gli elementi sul tavolo sono la schivata, il sistema di “anime” tipico dei Souls (qui sono le ossa), i classici falò (qui chiamati Sublab) e il sistema di armi secondarie.

Sì, ho nominato due meccaniche “soulsiane” per un titolo per cui ho speso interi paragrafi a dire che è lo Zelda in 2D di cui avevamo bisogno.

È vero, e sono giorni che con Valentino e altri Uomini col Nintendo discutiamo della cosa, perché oggi è davvero difficile, almeno per me, capire quale sia la linea oltre la quale un action diventa un Souls.

Insomma, qual è l’insieme minimo di elementi che un action deve avere per cambiare etichetta?

Perché, al netto di tutto, oggi gli action si sono evoluti attingendo a piene mani da quel sottogenere, diventato quasi più mainstream dell’action stesso. E forse la risposta è proprio questa: quella linea ha smesso di esistere, ed è inutile cercarla.

Provate a pensare a un action-adventure degli ultimi cinque anni che non integri almeno una delle meccaniche tipiche dei Souls: è quasi impossibile (o almeno, io non ci sono riuscito).

Persino gli Zelda moderni hanno alcune derivazioni soulsiane in certi momenti. Per cui, che vi piacciano o meno queste contaminazioni, credo sia il caso di accettare che l’action moderno debba inevitabilmente dialogare con i Soulslike. E quindi anche uno Zelda 2D moderno finisce per arrivare agli stessi compromessi.

Ma lasciarsi contaminare da questa ondata evolutiva non significa necessariamente appiattirsi seguendo i dogmi inamovibili di un genere. E infatti Mina usa con estrema intelligenza ognuna delle meccaniche citate.

È vero che abbiamo un sistema di schivata (e, con un’arma in particolare, anche un sistema di parry, anche se l’ho esplorata troppo poco per parlarvene in modo approfondito), ma il modo in cui Yacht Club Games ha deciso di implementarlo è semplicemente unico.

Mina, in quanto Hollower, può muoversi sottoterra. Lo fa tuffandosi nel terreno e creando un tunnel sotterraneo (per il giocatore significa premere A e tenerlo premuto). Possiamo restare sottoterra solo per un tempo limitato: dopo qualche secondo Mina riemerge automaticamente.

Questo significa che possiamo usare questo movimento sull’asse Z per passare letteralmente sotto un nemico, emergere alle sue spalle e colpirlo. Il tempo di permanenza nel sottosuolo e quello necessario per raggiungerlo diventano di fatto una sorta di stamina.

Ma andare sottoterra non rappresenta solo la schivata per Mina. È anche, e soprattutto, un nuovo modo di muoversi. Riemergendo, infatti, Mina è in grado di effettuare un salto di due caselle rispetto a quello normale da una sola. Questo significa che sia nei combattimenti sulle piattaforme sia nell’esplorazione tradizionale la “schivata” della protagonista assume una profondità e un significato completamente diversi.

Elencarvi ogni singola interazione resa possibile da questa semplice evoluzione della schivata significherebbe fare notte e, soprattutto, privarvi della stessa gioia che ho provato io quando ho capito come accedere a una zona secondaria della mappa proprio grazie a una di queste possibilità.

Passiamo alle ossa, o come vengono comunemente chiamate sul web, alle anime. Rappresentano contemporaneamente la valuta di gioco e l’esperienza necessaria per salire di livello e aumentare una delle tre statistiche di Mina: attacco, difesa e attacco magico.

Come da tradizione Souls, alla morte le perdiamo... ma c’è una differenza.

Mina possiede, oltre alla barra della vita, anche delle Scintille. Si parte con una e si può arrivare fino a quattro nel corso dell’avventura. Le Scintille rappresentano di fatto le vite del personaggio.

Quando moriamo perdiamo una Scintilla e solo nel momento in cui moriremo senza averne più nemmeno una perderemo anche tutte le ossa accumulate.

Le Scintille possono essere recuperate nel luogo della morte, a meno che un nemico non le abbia assorbite. Tuttavia, esattamente come Mina, anche i nemici hanno un numero limitato di slot per contenerle. Questo significa che se possediamo tre Scintille e veniamo sconfitti da un boss che ha soltanto due slot disponibili, questi potrà sottrarci al massimo due Scintille, garantendoci, a patto di recuperare la terza nell’arena, di non perdere mai le nostre ossa.

Ma c’è di più. Alcune zone della mappa sono accessibili solo “spendendo” delle Scintille. Questo ci porta ad affrontare sezioni di gioco in cui non avremo a disposizione le nostre vite extra, trasformandole in una risorsa fondamentale non solo per il combattimento e per l’economia del gioco, ma anche per l’esplorazione.

Ed è proprio qui che si manifesta l’incredibile originalità di Mina the Hollower: nel suo continuo riutilizzare ogni meccanica sia nel combattimento sia nell’esplorazione, creando una continuità che, francamente, non ho mai visto in nessun altro videogioco.

Anche il sistema delle armi secondarie segue la stessa filosofia. Ogni arma, alimentata da una risorsa simile al mana, possiede contemporaneamente un utilizzo offensivo e uno esplorativo.

Per esempio, con il trapano possiamo effettuare uno scatto in avanti per perforare i nemici. Se però lo utilizziamo durante un salto, otteniamo un dash che ci permette di superare burroni ancora più ampi.

Lo stesso vale per l’ombrello, per il cavallo meccanico e perfino per la canna da pesca, che non serve soltanto a pescare collezionabili, ma anche ad agganciare un nemico e trascinarci verso di lui. Se il bersaglio si trova a diverse caselle di distanza, copriremo immediatamente quello spazio.

È proprio questo suo modo di rendere tutto funzionale a tutto il resto che lo rende un videogioco speciale. E se avesse limato ancora qualche piccolo dettaglio, per quanto mi riguarda avrebbe sfiorato la perfezione.

È inutile continuare a elencarvi singoli momenti incredibili o le mille situazioni in cui una meccanica o uno strumento possono sorprendere il giocatore.

Posso soltanto chiudere dicendovi che, se come me sentite la mancanza di un grande The Legend of Zelda in due dimensioni, la vostra attesa è finalmente finita. Perché sì, Mina nasce ed esiste proprio sulla struttura di The Legend of Zelda.

E se invece sentite la mancanza di un grande gioco d’avventura “come quelli di una volta”, ma reinterpretato con sensibilità moderne, giocate questa perla e ricordatevi perché amate questo hobby.

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Di Salvatore potete leggere la sua incredibile storia di quando ha litigato fortissimo con Nintendo. Poi hanno fatto pace, tutto cliccando qui.

E se anche voi siete nostalgici degli Zelda in 2D, qualche tempo fa ho fatto una bella classificona totale tombale: la trovate qui.

Per il resto, ci sentiamo come sempre sul podcast che trovate su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast.

Voi invece ci state giocando a Mina the Hollower? Io devo ancora recuperarlo, provate a convincermi che di Salvatore non mi fido.

Ciao! Il testo che segue è una parte della trascrizione di uno degli episodi del podcast “Uomini col Nintendo”. Se ti va di ascoltare la puntata completa mentre ti dedichi a cose più utili, clicca qui o poco più sotto.

È proprio vero che il tempo vola quando ci si diverte, perché il 5 giugno 2025 usciva Nintendo Switch 2.

Un lancio, quello di Switch 2, che è avvenuto in condizioni sicuramente interessanti, come diceva quel vecchio proverbio.

Un anno fa ci preoccupavamo dei dazi di Donald Trump che minacciavano, tra le altre cose, anche la produzione di hardware tecnologico. Tra la paura di prezzi elevatissimi e una scarsa reperibilità, per fortuna scongiurata, la stessa console aveva già lasciato un po’ l’amaro in bocca a molti perché per la prima volta, Nintendo non innovava con una nuova proposta di hardware.

Di questo abbiamo già parlato molto in una delle prime puntate di questo podcast, ovvero “Ma quindi ‘sta Switch 2?”.

Ora è tempo di fare un po’ il punto. Rileggere lo script di quella puntata e capire com’è andato questo primo anno di Switch 2 per Nintendo.

Ma anche il mio primo anno con Nintendo Switch 2. Perché l’acquisto è stato forse un po’ sconsiderato, e adesso è tempo di guardarmi allo specchio.

O meglio ancora, nel riflesso dello schermo spento.

La decostruzione del primo anno

Ascoltate la puntata qui sotto:

Vi ricordo che potete recuperare tutte le puntate del podcast su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast.

E, già che ci siete, potete supportare il progetto tramite la famigerata pagina Ko-Fi in cui potete fare una donazione.

Com’è andato il vostro primo anno di Switch 2, invece?

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C’è la Vita Vera® di mezzo, chiaramente, come anche quella brutta cosa per cui bisogna contribuire alla società attraverso una prestazione professionale in cambio di una retribuzione.

Per fortuna che una di queste è la collaborazione con VGP Play.

È la prima piattaforma dedicata al mondo dei videogiochi e della tecnologia, prodotta da Video Games Party.

E lo dico in totale conflitto d’interessi perché, come vi dicevo, ci lavoro.

Un portale gratuito in cui potete trovare una marea di documentari e interviste dei professionisti di tutto il mondo che hanno fatto, e fanno, la storia di questo settore.

Il progetto di Nicola Pisano e del suo incredibile team mi vede coinvolto come editor.

Il che significa che creo una storia dal materiale originale per andare in montaggio e mi occupo della localizzazione delle interviste. In questi mesi ho avuto già la possibilità di lavorare a molte interviste, ma questa è pur sempre la newsletter del podcast sui giochini di Nintendo, quindi ce n’è una in particolare che, secondo me, dovreste guardare subito.

Quella a Giles Goddard, Dylan Cuthbert e Takaya Imamura.

La storia di una contaminazione professionale e culturale che ha portato al miracolo tecnico di Star Fox su SNES. Il genio della programmazione da garage che conquista Nintendo, e che trasforma per sempre le vite dei due inglesi portandoli prima a scoprire la cultura giapponese, e poi a viverla quotidianamente.

Ma anche la storia del faccione di Mario in Super Mario 64 tutto da pasticciare e deformare nel menù. Se volete sapere com’è nata quell’idea, ve lo racconta Goddard.

La flemma british di Cuthbert è invece perfetta per un intimo racconto di vita vissuta, con Miyamoto di mezzo, che serve a farci capire com’era vivere in Giappone in quel periodo in cui 1) non ci andavano tutti gli influencer del mondo con i viaggi organizzati e 2) si faceva qualcosa di davvero pioneristico per l’industria dei videogiochi.

Non voglio aggiungere altro perché l’intervista è molto densa, e ci sono tante curiosità e retroscena su Nintendo da un punto di vista smaccatamente britannico.

Tra cui una fondamentale analisi dello strano humor di Shigeru Miyamoto.

Se amate i videogiochi secondo me vi state perdendo qualcosa di importante. E pure gratis.

Per noi persone nintendare c’è davvero tanta roba su VGP Play.

Tra le tante vi segnalo anche l’intervista a Tom Kalinske, genio del marketing e pioniere della console war che ha lanciato SEGA negli USA, sfidando lo stradominio della Grande N.

Se lavorate nella comunicazione, o in generale vi incuriosisce cosa c’è nella parte (spesso) più divertente e creativa del capitalismo, avete una lezione di marketing di alto livello, gratis.

E se poi non siete stufi di Star Fox, vi ricordo che potete completare il racconto di questa stramba saga anche con le due puntate del podcast su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast. Che sono gratis pure quelle e, insomma, non si butta via niente.

Se avete visto o vedrete le interviste di VGP Play, fatemi sapere che ne pensate!

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Ve la racconto giusto con una spruzzata di genere, ma non c’è niente di inventato.

Una giornata di lavoro come tante davanti al PC. Il monitor sfarfalla con un ritmo svogliato. Come me, ormai assuefatto a scrivere e scrivere ancora per chi non cerca più parole ma frasi fatte.

Poi una notifica dalla mail. O “Il Grande Gancio a cui appendere il Malessere”, come lo chiamo io.

Il mittente lo chiameremo Detective Pikachu.

L’oggetto della mail è uno sparo nella notte. L’inizio di una grande Storia.

Una spirale di oscurità in cui il detective si stava addentrando, ma non la più buia della sua carriera. Quella sarebbe arrivata qualche tempo dopo.

Ma la prima volta in cui Detective Pikachu mi aggiornò sul caso era un afoso giorno di settembre del 2023.

Un clima irreale. Ma non più della storia in cui mi stavo infilando.

«Vi contatto perché ho disperato bisogno di avere un altro punto di vista sull’argomento da parte di altri fan Nintendo», esordiva il testo del detective, così disperato da aver fatto un invio di massa.

Non è un ti metto nel loop, è una spirale. Una di quelle che mettono a dura prova anche il più coriaceo degli investigatori. Ma il monito stava per diventare ancora più oscuro.

Parole pesanti come video dei content destroyer. La lucidità sempre più lontana.

Il reame dell’incubo sempre più vicino:

«Le cose stanno così: da fan Nintendo ultimamente mi sento parecchio insicuro a prescindere da quanto apprezzo i giochi, perché negli ultimi anni fin troppe volte sono stato preso di mira da centinaia (senza usare mezze misure) di fanboy probabilmente Sony e attaccato con parole meschine sul web per il solo fatto di aver espresso pubblicamente apprezzamento sui giochi Nintendo usciti su Switch. Mi sembra quasi che ultimamente i giocatori odierni abbiano occhi solo per i giochi Sony: “Gioca Sony o non giocare affatto” questa è la mentalità dell’utenza videoludica media odierna, e la cosa mi scoraggia parecchio. Sono particolarmente legato alle varie saghe Nintendo, e il fatto di essere visto come un criminale solo per questa preferenza e per non avere interesse verso i giochi di Sony... mi fa stare male. Talmente male che sto seriamente pensando di mollare il gaming.

Forse la mia potrebbe essere un’esagerazione, ma sono stato veramente vittima fin troppe volte di fanboy Sony che sinceramente non so che fare.

Avrei bisogno di un consiglio da altri fan Nintendo, e ne ho disperato bisogno…»

Non avevo mai visto Detective Pikachu in queste condizioni. Non avevo mai visto nessun essere vivente dotato di raziocinio in queste condizioni, a dire il vero.

Forse stava scherzando? Magari mi stava giocando un elaborato tiro. D’altronde, chi potrebbe raccontare una storia in modo così esageratamente greve senza accorgersi della locura imperante?

Ma se fosse stato davvero in pericolo? Non mi sarei mai dato pace se fossero state versate delle emoji del sangue.

Dovevo prenderlo seriamente, o almeno provarci. Detective Pikachu meritava questo ed altro. Forse?

Così mi versai una tazza di caffè decaffeinato, perché comunque ho gli anni che ho e dopo una certa ora quello normale fa male, e lasciai alle dita il compito di farsi strada sulla tastiera per dare seguito alla Storia. All’epoca non avevo ancora un elaborato sistema di prompt dedicato alle risposte superflue.

Gli dissi di abbandonare i social network prima di tutto. Il mondo reale è già un luogo buio e non serve trovarne altri che sono assediati da persone la cui scintilla vitale è ormai esplosa nel recesso più brutale del web. Forte della mia esperienza al fronte, gli ricordai che il suo ruolo non è quello di lottare sui social network per difendere delle multinazionali, ma di vivere secondo i dettami della verità e vivere delle Storie narrate dai videogiochi.

La buona notizia è che le mie parole sembravano aver avuto effetto. La brutta notizia è che, evidentemente, Detective Pikachu non stava scherzando.

Mi rispose dopo diversi giorni, tuttavia:

«Credo che a sto punto non ho altra scelta. Prenderò le distanze dai social e via. Mi era rimasto solo Twitter a dire la verità, ma lo usavo principalmente per un fumetto fanmade in corso riguardo una serie, e volevo prima finire quello prima di lasciarlo. Ma poi avevo sempre quell’impulso di leggere altre cose pentendomene subito dopo. Ho visto troppo odio verso i videogiochi e le serie d’animazione che più mi stanno a cuore, e non lo reggo più. Così ho deciso di rinunciare a quel fumetto e di lasciare Twitter adesso, e con esso anche l’ultimo social che mi era rimasto.

Alla fine credo sia stata la scelta migliore. Spero che in questo modo starò meglio eventualmente.»

Non sentii più Detective Pikachu per un po’ di tempo. Pensavo che avrebbe risolto agilmente il caso, come ha sempre fatto.

Ma ve l’ho detto prima, no? Questa non è una mail in loop, è una spirale.

Continua nella Parte 2.

E non finirà lì.

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Quello che avete letto è tutto vero, riesumato direttamente dalla mia casella di posta elettronica. E il bello deve ancora venire.

Parlando di Pikachu, vi ricordo che c’è anche la rubrica con il vostro topastro elettrico tarocco preferito. Quale? Ovviamente i Consigli del Pikachu di Corfù, la trovate qui.

Ciao! Il testo che segue è una parte della trascrizione di uno degli episodi del podcast “Uomini col Nintendo”. Se ti va di ascoltare la puntata completa mentre ti dedichi a cose più utili, clicca qui o poco più sotto.

Avere un po’ di anni di videogiochi alle spalle significa che, ogni tanto, te li vedi anche passare davanti.

In questo mondo di giochini elettronici succede sostanzialmente in due casi: i grandi anniversari, come i 40 anni di questo o i 30 di quell’altro, oppure i remake.

Non quelli che arrivano a pochi anni di distanza per spremere quei videogiocatori che sono stati convinti a comprare una console next-gen, senza videogiochi next-gen da metterci dentro.

Ma quelli che arrivano a tanti anni di distanza dall’uscita dell’originale. In questo caso di un titolo che fa parte di quella decina scarsa di videogiochi che rappresentano le sacre scritture di questa industria.

Ovvero The Legend of Zelda: Ocarina of Time, di cui dall’inizio dell’anno si parla di un remake per Switch 2.

Classe 1998, ha cambiato il mondo dei videogiochi per sempre e incastrato la saga di Zelda in una formula di cui si è liberata solo nel 2017. Il primo quasi remake è del 2011, per Nintendo 3DS.

Il secondo, se fosse confermato, sarà del 2026. Quando un altro The Legend of Zelda ha cambiato il mondo sempre nel 2017, ovvero Breath of the Wild.

Ma che poi, che ci dobbiamo fare con ‘sto remake. Ci serve davvero il ritorno di The Legend of Zelda Ocarina of Time?

Perché dobbiamo sempre tornare indietro nel tempo?

Ascoltate la puntata completa qui sotto:

Vi ricordo che potete recuperare tutte le puntate del podcast su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast.

E, già che ci siete, potete supportare il progetto tramite la famigerata pagina Ko-Fi in cui potete fare una donazione.

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Ciao! Il testo che segue è una parte della trascrizione di uno degli episodi del podcast “Uomini col Nintendo”. Se ti va di ascoltare la puntata completa mentre ti dedichi a cose più utili, clicca qui o poco più sotto.

Se seguite Uomini col Nintendo dall’inizio, sapete che questo progetto è nato per provare a trovare una quadra all’interno del complesso ecosistema di videogiochi della Grande N.

Che significa? Che dobbiamo capire perché stiamo sempre in fissa coi giochi Nintendo per bambini, anche se siamo grandi e con i peli del culo bruciati, per citare un poeta.

E su Switch 2 è uscito uno di quei videogiochi che ci dà l’assist perfetto per parlarne: Yoshi and the Mysterious Book.

Qualche giorno fa è arrivato il nuovo “platform”, tra virgolette in questo caso, del dinosauro verdino e patatino e ancora una volta siamo sempre lì. Un videogioco chiaramente per bambini, che però fa andare in fissa gli adulti.

In giro prende voti discordanti, bassi, medi e altissimi, anche i fan di Nintendo sono parzialmente scettici verso questa produzione.

E allora torniamo alla domanda che ha dato il via a una delle rubriche del podcast.

“Ma quindi ‘sto Yoshi?”, con Salvatore Pilò

Ascoltate la puntata completa qui sotto:

Vi ricordo che potete recuperare tutte le puntate del podcast su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast.

E, già che ci siete, potete supportare il progetto tramite la famigerata pagina Ko-Fi in cui potete fare una donazione.

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Ogni tanto mi perdo nel doomscrolling tra il dietro le quinte degli artisti che parlano di produzioni pur non capendo nulla. Nei videogiochi, che ve lo dico a fare, siete comunque all’interno di un progetto che si chiama Uomini col Nintendo.

Se penso a Super Mario Galaxy, una delle canzoni che mi genera un riflesso pavloviano e mi riporta indietro nel tempo è il tema della Galassia Dolceape.

Al punto che, come per il vento sulla pelle che vi dicevo nella puntata su The Wind Waker, quel primo giro di chitarra mi fa sentire la sensazione delle mani che sfregano sulla plastica del Wiimote.

Parlando ancora di Wind Waker ricordo la prima volta in cui ho ci messo gli occhi sopra in prima persona ed è partito il “Title Theme”. Nonostante l’impazienza di giocare a quella strana avventura di Link lasciai scorrere tutta la canzone fino alla fine, ipnotizzato dalla sua bellezza, prima di premere Start. Tre volte.

La saga di Zelda ha fatto della musica uno dei suoi elementi portanti. Al di là delle colonne sonore dedicate per ogni capitolo, gli strumenti musicali ed il potere magico delle canzoni hanno sempre contraddistinto le avventure di Link, in qualche modo. La bacchetta di Wind Waker, l’ocarina di quel gioco di cui sta arrivando il remake ma nessuno vuole dirlo, e l’orchestra di Link’s Awakening il cui concerto conclude la storia.

C’è una colonna sonora di un videogioco che potrei associare a quasi ogni momento della vita, e mi viene in mente quasi sempre almeno una traccia quando immagino qualcosa.

Negli anni le musiche dei videogiochi sono decollate come Mario con il costume da ape, diventando dei veri e propri movimenti musicali da far impallidire il cinema, sopratutto non si dimenticano di essere videogiochi.

Esperimenti come la sezione della Oldest House di Control (guardatevi il dietro le quinte su YouTube perché è fuori di testa), oppure esperimenti più “artistici” come la colonna sonora di Clair Obscur: Expedition 33 che di fatto racconta e anticipa le svolte più importanti della trama.

Nel suo piccolo, perché di solito non si impone nel creare arrangiamenti musicali maestosi, in questo senso anche Nintendo con gli ultimi suoi grandi franchise ha deciso di inserire un tema principale cantato: mi riferisco a “Jump Up, Super Star!” per Super Mario Odyssey, la citata “Lifelight” di Super Smash Bros. Ultimate, e “The Edge of Dawn” per Fire Emblem: Three Houses.

Mi capito di parlarne all’epoca con Alex Moukala, produttore discografico che avrete sicuramente incrociato su YouTube almeno una volta. In un mio vecchio articolo (se siete curiosi lo recuperate qui) parlammo proprio di questa mia ossessione, e tra le tante belle riflessioni quella più interessante è che «la storia che viviamo e le musiche che sentiamo, nella nostra testa, parlano di noi.»

Bello, no?

E allora ho voluto sentire quelli di GameChops per capire come sono arrivati a fare un album per dormire basato su Super Mario Galaxy.

Nintendo Sounds Better With You

Penso che conosciate GameChops. Sono quelli che fanno le musiche versione lofi e chill di tanti classici dei videogiochi, soprattutto Nintendo ma non solo. Se siete dei videgiocatori, probabilmente il vostro feed di Spotify vi avrà suggerito almeno una volta una loro reinterpretazione.

Di recente queste talentuose persone hanno pubblicato “Piano & Sleep: Mario Galaxy” che, come suggerisce il nome, è una playlist di brani di Super Mario Galaxy 1 e 2 «pensati per aiutare gli ascoltatori a rilassarsi, concentrarsi, o accompagnarli nel sonno», per citare comunicato dell’annuncio.

La cosa più interessante che mi sono sempre chiesto di GameChops, e che ho chiesto a loro già che c’ero perché insomma questa cosa del giornalismo vediamo ancora se mi ricordo come si fa tipo Micheal Jordan in Space Jam, è come facciano a produrre le tracce ispirate a Nintendo sapendo quanto sia un’azienda protettiva, e talvolta aggressiva, nei confronti delle trasposizioni non ufficiali.

Il fondatore di GameChops, Chris Davidson, mi spiega che il processo di licenza per coprire musica di giochi Nintendo è diventato più semplice, addirittura: «Otteniamo le licenze per coprire i brani tramite il nostro distributore musicale, quindi una parte di ogni vendita e stream torna a Nintendo o al detentore del copyright dei brani che copriamo. Facciamo sempre le nostre ricerche e accreditiamo sempre i compositori in tutto quello che pubblichiamo.»

Quindi, che so, se volete fare la vostra versione heavy metal della colonna sonora di Pikmin, fatevi sotto.

Anche perché se il producer Curly è riuscito a riadattare “Slider” di Super Mario 64 in una canzone per dormire, significa che con il talento la musica può diventare davvero qualsiasi cosa.

Curly mi ha spiegato che “Slider” ha subito la trasformazione più grande per arrivare a quello che è nella playlist:

«La melodia e gran parte dell’armonia restano, ma l’energia che le sostiene è completamente diversa. Se è proprio quello spirito di fondo a rendere una canzone diversa da un’altra, più delle note stesse, allora è la cosa più vicina a “un’altra canzone” che una cover possa diventare.»

Una trasformazione che è toccata anche a Bowser’s Galaxy Generator, altra canzone decisamente energica che ha fatto venire il mal di testa a Curly, «ho dovuto raccogliere molto feedback e fare molte revisioni, tagliando anche l’intro originale, prima che sentissi che il brano stesse trovando il suo posto.»

E il tema della Galassia Dolceape non c’è, quello che mi più mi rimane impresso quando penso a Galaxy. Immagino che la trasformazione non fosse sufficiente, magari non c’era la possibilità di renderla effettivamente una traccia troppo “chill”.

Ma che succede quando prendi una colonna sonora così iconica, la prima completamente orchestrata e ancora oggi tra le migliori selezioni musicali per Super Mario, e la fai diventare una ninna nanna?

Per rispondere a questa domanda ci vorrebbe proprio la proverbiale notte che porta consiglio. Per fortuna adesso abbiamo anche la colonna sonora giusta.

Ringrazio Scarlet Moon Promotions e GameChops per la disponibilità e la chiacchierata. Potete ascoltare la playlist su tutte le piattaforme di streaming, tra cui Spotify: la trovate qui.

Sulle quali, vi ricordo, potete ascoltare anche tutte le altre puntate del podcast Uomini col Nintendo. Su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast. Anche le mie fanno addormentare forse, ma per motivi diversi.

Di Super Mario Galaxy abbiamo parlato in almeno un paio di occasioni:

• del gioco ne ha parlato Salvatore Pilò a questo indirizzo

• del film pure, ma insieme a me

Quali sono le vostre tracce preferite di Super Mario Galaxy? E di GameChops?

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Ma ci sono delle cose, poche, che non mi fanno andare in autocombustione per eccesso di cringe nel sangue. Mi azzardo a dire “che mi fanno sentire fiero”.

Tra queste c’è il fatto di aver realizzato il desiderio di firmare una recensione “vera” di un The Legend of Zelda principale.

Una cosa che mi ha portato, tre la tante, a prendermi del disonesto in diretta, con un pubblico di migliaia di persone, senza contraddittorio.

Nel 2023 esce The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom.

E, come a ogni uscita della saga Nintendo, il pubblico dei videogiocatori informati che combattono il sistema continua a chiedersi come sia possibile che un gioco per bambini con una grafica da bambini prenda voti più alti dei videogiochi da adulti.

È da tutta la vita che assisto allo scetticismo più diffuso riguardo il franchise di The Legend of Zelda, anche da molti addetti ai lavori. Dal 2017, quando il brand ha assunto una nuova identità e diffusione globale, è aumentato in maniera considerevole anche tra i content creator che si occupano più o meno occasionalmente di videogiochi.

Tra questi c’è Dario Moccia, per cui sono necessarie delle premesse. La prima è che lui è un grandissimo fan di The Legend of Zelda, pertanto conosce la saga da ben prima che fosse di tendenza. L’altra è che spesso parla di videogiochi sui suoi canali, nella maggior parte dei casi esprimendo opinioni personali, gusti e suggestioni, e occasionalmente rivolgendo anche un pensiero critico più diffuso riguardo il mondo videoludico.

Come ha fatto nel caso di Tears of the Kingdom, di cui ha parlato dopo averlo finito. Una cosa che molti suoi colleghi non fanno, così come la stragrande maggioranza dei detrattori online.

In un estratto del suo canale, durante una live in cui parla delle sue impressioni, al minuto 18:16 (lo trovate qui sotto), dice una cosa interessante:

Riascoltare queste parole non mi fa più effetto, è un ricordo quasi nostalgico. Come quando ricordi un vecchio errore e ci ripensi sorridendo. Ma quando vidi questo spezzone di live ammetto che un po’ mi diede fastidio. Mi sentii sconfitto.

Un po’ per il giudizio squalificante basato praticamente sul nulla e relativo unicamente a un voto numerico che segue a una recensione anche corposa. Un po’ per il fatto che ha avuto l’occasione di farlo con un pubblico di migliaia di persone online, senza un contradditorio. Non che sia una novità, perché queste sono le regole del gioco. Ma un conto è ascoltare l’ennesimo rant che parla di corruzione, review guide e viaggi pagati, un conto è prendersi del disonesto e doverselo mettere in tasca stando pure zitto.

Ma, come dicevo, oggi non è un problema. Ormai è andata, va bene così. Riesumo questo episodio perché, dopo 3 anni, la situazione sul dialogo dei videogiochi è un inferno in confronto a questo, e continua a farmi riflettere.

La mia recensione di The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom la potete recuperare a questo indirizzo. Uscì l’11 maggio 2023 e, a 3 anni dalla sua pubblicazione, con i suoi oltre 30 mila caratteri mi lascia senza parole.

Non perché mi affascini, tutt’altro. La sua bellezza è tutta funebre, perché mi ricorda ancora una volta quanto la morte sia definitiva.

Il trapasso è quello del dialogo nella comunicazione sui videogiochi. Ne danno il triste annuncio ogni giorno tutte le persone che producono contenuti di vario tipo al riguardo.

Se di fronte alle corpose analisi, la mia e quella di Lorenzo Mancosu di Multiplayer.it che fu l’altro 10 dato dalle testate italiane all’epoca, la riduzione è che non siamo onesti perché il gioco “lagga” (che a voler essere precisini non è manco il termine giusto) e tutto il resto è una “supercazzola”, allora davvero faccio fatica a capire il perché debbano ancora esistere le recensioni. Ma in generale i pensieri.

Voglio essere chiaro su questa faccenda, perché mi preme molto: i gusti sono sacrosanti e le opinioni sono come le ascelle. Quella che cito di Dario Moccia è stata anche in media la più pacata, quindi figuratevi cosa può essere successo nelle ore e nei giorni successivi alla pubblicazione della recensione.

Chiunque può e deve venirmi a dire che la recensione era sbagliata per X motivi. Quei pochi che l’hanno fatto con educazione e rispetto, li ho apprezzati. Ma gusti e ascelle sono due cose diverse. Non so se il paragone ha senso, ma ci siamo capiti.

Nella nostra storia si traduce così: i videogiochi che laggano non possono prendere 10, quindi chi ha dato 10 a The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom è disonesto.

Cadiamo tutti in questi tipi di ragionamenti. Fa parte dei meccanismi di difesa che il nostro cervello mette in atto per lasciarci sopravvivere in serenità. Mi perdonino i neuroscienziati e gli psicologi per questo riassunto brutale. Riconoscerli e “schivarli” è uno sforzo immane che tendenzialmente non è richiesto, anche se in alcuni casi sarebbe se non doveroso, almeno apprezzabile.

E quindi sto rosicando perché mi hanno detto che il mio articolino fa cagare? Magari fosse così.

Nel 2023 non era neanche così infuocato il tema del conflitto d’interessi, e i content destroyer ancora non si erano tirati su uno stipendio con il lavoro altrui.

C’erano giusto le ormai decennali discussioni sulla corruzione, gli insulti e le minacce, ma tutta roba che ormai accolgo con lo spirito del Comico di Watchmen. Dopo aver ricevuto 200 commenti di insulti su Facebook per aver detto che Resident Evil Requiem non mi è piaciuto, temo giusto le pec dell’Agenzia delle Entrate.

Non oso immaginare come sarebbe recensire oggi Tears of the Kingdom. Scegliere di stare un’ora al telefono con Stefania Sperandio (di questa storia abbiamo parlato in Nintendari #1) per parlare di come 10 sia il voto giusto da dare. Pubblicare il pezzo tra una call e l’altra, per poi assistere ai commenti furiosi che si moltiplicano e settimane di reaction e contenuti di risposta.

Volete sapere la verità? Che forse vedo scritta e dico a me stesso per la prima volta: sono sollevato di non fare praticamente più recensioni sotto embargo.

Mi è piaciuto farlo per anni. Mi correggo: ho amato farlo.

Mi sono tolto tante soddisfazioni. In mezzo a più di un decennio di insulti ho anche ricevuto il giusto affetto da alcuni miei “maestri” e persone che stimo. Ma il pensiero di dover recensire, che so, una roba come GTA 6 mi fa venire i brividi. Solidarietà preventiva a chi lo farà.

Che ci facciamo con le recensioni dei videogiochi, allora? Credo niente, e più passa il tempo più ne sono convinto.

Probabilmente è giusto così, perché il mondo cambia e così le nostre abitudini. Il confronto e la chiacchiera lasciano il posto all’imposizione delle proprie idee a tutti i costi.

Se non altro c’è una cosa che rimane a prescindere da tutto, ed è la mia esperienza di quella recensione.

Il timore che Tears of the Kingdom potesse nascondere qualcosa di spiacevole e non eguagliare il bagliore di Breath of the Wild. La bellezza nello scoprire che non era così. La gioia delle sorprese continue. La commozione per quell’ultima ora e mezza che, per me, è tra le migliori cose che Nintendo abbia mai immaginato per The Legend of Zelda.

Di Tears of the Kingdom si è detto tutto, ma soprattutto che è un “more of the same”. Frase ormai svuotata del suo significato a forza di incollarlo sotto ogni bacheca e post. Va bene così, è giusto che ognuno abbia le sue idee.

Per fortuna che a prescindere da questo è un capolavoro. Ancora oggi, dopo tre anni. Anche se lagga.

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E voi dopo 3 anni come siete messi con Tears of the Kingdom? Sentiamoci in modo onesto.

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Questa breve premessa è tutta una cosa di setup e payoff, abbiate pazienza che tra poco arriva tutto quanto.

Ero lì che giocavo e penso “oh, che figo sto mazzo, quasi quasi lo compro pure io e lo potenzio”.

Agevolo diapositiva del mio subconscio memetico:

Giochiamo, scombate e cattiverie varie, cartine su cartine, e mi arrivano una serie di messaggi sul telefono, che per tutta la serata ho adibito a segnapunti per le partite.

Uno di questi è del nostro Salvatore Pilò, dentro alla chat che abbiamo con Paolo Sirio, che è la tipica chat che ha ogni trio di maschi bianchi cisgender su Whastapp. Robe di sticker strani, meme, giri di screenshot e ogni tanto chiacchiere sui videogiochi.

Dall’anteprima vedo:

“E mo che è successo?”, penso tra di me chiudendo l’app di Amazon in cui stavo controllando il prezzo del mazzo di Magic di cui sopra.

Tempo due minuti, mi aggiorno un attimo e si aggiorna pure il mio subconscio memetico:

Perché sì, Amici, Amiche, Uomini, Donne e Persone col Nintendo, è finalmente successo: si è avverata la nostra prima profezia!

Star Fox è tornato esattamente come avevo immaginato nella seconda parte di «A riveder le Star Fox», ovvero il racconto in due parti della saga del vostro podcast di videogiochi preferito.

Passato l’entusiasmo, in attesa di completare i preordini, ci sono delle riflessioni molto belle da fare.

Intanto che ho avuto la pelle d’oca per tutto il trailer, perché Star Fox ha sempre quel fascino lì: musiche, inquadrature, gli scambi di battute tra quei quattro guasconi interstellari. E, ancora una volta, un nuovo episodio di Star Fox viene utilizzato per mostrare i muscoli della console, puntando fortemente sull’aspetto tecnico.

Certo, bisognerebbe notare che questo è il secondo remake ufficiale di Star Fox 64, e sostanzialmente il quinto videogioco della serie che ha gli stessi pianeti e lo stesso gameplay. Ma era inevitabile che, per un remake, Nintendo partisse dal miglior gioco della saga. Bisogna sostanzialmente far conoscere questa serie al pubblico, considerato che i giocatori di Switch 2 non sanno manco cos’è Star Fox, se non qualcosa di cui si parla nei podcast sui giochini di Nintendo.

Quello che bisogna capire, relativamente ai nuovi fan, ora è:

• Il pubblico se lo accollerà un on rail shooter così vintage?

• I videogiocatori informati che combattono il sistema e valutano i videogiochi un tanto al chilo, se lo accolleranno un titolo a 49,99€ in digitale che dura anche 5 ore nella route più facile, senza andare a sfogare la propria rabbia nei gruppi Facebook di Commodore Zone e Game Time?

Il 25 giugno sarà il giorno del giudizio per i videogiochi arcade di una volta. Io, intanto, mercoledì guardando il trailer mi sono fatto un piantino di nascosto mentre i miei amici mettevano via le carte.

Star Fox è tornato. Ho beccato la mia prima previsione in questo progetto da content creator/podcaster/cialtrone. Non l’ho vista in diretta, ma non importa.

Volete sapere la cosa buffa? Io quel pomeriggio mi sono fatto pure una partita a Star Fox 64 su Nintendo Switch Online.

«Trust your instincts!»

Se volete i numeri del lotto ci mettiamo d’accordo.

Di questo ennesimo rilancio di Star Fox ho parlato in maniera più approfondita su Atacore.it, dove scrivo con una certa (poca) regolarità di un sacco di cose anche non relative a Nintendo. Cliccate qui per leggerlo.

A breve vi potrò raccontare anche delle belle altre novità a tema Star Fox. Se amate i documentari, preparatevi.

Per il resto vi ricordo che potete recuperare tutte le puntate del podcast, anche le due su Star Fox, su Spotify, Podcast Addict, Spreaker, YouTube, Amazon e Apple Podcast. E, già che ci siete, potete supportare il progetto tramite la famigerata pagina Ko-Fi in cui potete fare una donazione.

Ma voi che ne pensate di questo Star Fox? Ci avete giocato all’epoca? Lo scoprirete ora? I personaggi furry vi hanno spaventato?

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