17/Mayo/1941 - 19/Agosto/2026

Camilo llegó a este mundo siendo profundamente añorado. Fue el primer varón de una familia bendecida con el fulgor de muchas mujercitas. Nació como un bebé robusto y risueño, junto con una hermana melliza. Al fin las plegarias de los Akl fueron escuchadas y su presencia fue un faro que despertó amor tanto en sus padres como en sus hermanas.

Nació y vivió sus primeros años en tierras ajenas a sus padres libaneses, que hicieron de Colombia su nuevo hogar. Forjando una hermosa familia en el barrio Palermo de Bogotá, donde compartió risas y juegos con sus hermanas y amigos cercanos del barrio. Una vez me contó sobre su preciado caballito de madera balancín, un juguete que se encontraba en el famoso ático de juegos. Este dejó tal impacto en él que inclusive lo recordaba con inmenso cariño en sus últimos meses.

Criado entre dos mundos, el Líbano y Colombia, desarrolló una mirada curiosa y amplia de la vida. Desde muy joven mostró ansias de vivirla a plenitud y buscaba protagonizar aventuras memorables que después pudiera recordar y narrar como hazañas. Una de las más entrañables fue su temporada como buzo de apnea en el Líbano, donde descendía al mar para cazar esponjas y venderlas en el puerto.

Se casó muy joven con Sonia Dávila, y de esta unión nacieron Alexandra y Juan Pablo, a quienes consintió en exceso y brindó toda su ternura. Durante esos años, Camilo se convirtió en un gran jinete y llegó a ser campeón nacional. Sus hijos lo recuerdan yendo a entrenar todas las mañanas, saltando con Belle, su perra gran danés.

En Colombia, país de geografía abrupta y vertiginosa, descubrió lo que sería su gran pasión: la aviación, que sin duda alguna le regaló innumerables anécdotas. Como aviador, apreció Colombia desde los aires y se deleitó con sus amplios horizontes y monumentales cordilleras. A través de la aviación desplegó su característico servicio a los demás, apoyando brigadas de asistencia médica a poblaciones alejadas del centralismo estatal. Esta inclinación por servir a los demás se manifestaba en todos los ámbitos de su vida, pues era, ante todo, un hombre caballeroso, atento a que quienes acogía se sintieran a gusto y tuvieran de todo en abundancia.

En las misiones de la Patrulla Aérea Civil Colombiana conoció a Natalia Gómez, mi madre. Una joven enfermera cautivada por la generosidad y encanto que recibió de aquel señor risueño de mirada abierta. El destino los unió y ambos de manera genuina se enamoraron con prontitud, uniendo sus lazos en los Altos de Chavón. Natalia se convirtió en la luz de sus ojos y el fruto que dio esa relación en su razón de ser. El amor que tuvo por sus hijas, Mimis y Val, fue tan vasto como los cielos que amaba navegar: intenso hasta abrumar, pero siempre bañado en almíbar.

Camilo, en latín, significa «niño noble» que se dedica al servicio de los demás. En árabe, Kamil, «perfección», «completo». Algo que lo caracterizó sin duda fue su nobleza de corazón; su generosidad no conocía límites y siempre estaba dispuesto a extender su bondad, inclusive a aquellos que no la merecían. Camilo gozaba la vida y disfrutaba al máximo de los deleites que esta le ofrecía, sin importar lo monótonos o mundanos que resultasen. Por ejemplo, tomarse una Coca-Cola bien fría. Estos pequeños momentos eran los que más destacaban su humanidad, con sus contradicciones y complejidad.

Tenía un agudo sentido de la estética y procuraba rodearse de belleza y estimulación visual. La finca El Caimán, ubicada cerca del histórico municipio conocido como Orocué, fue el refugio donde disfrutaba de todo aquello que le brindaba vigor a su espíritu: la aviación y la belleza de aquel característico verdor e inmensidad de la naturaleza. Era también un hombre profundamente sensible y romántico, pues a través de los detalles inmortalizaba preciosas memorias que guardaba en el cajón del escritorio de su oficina en Chapinero. Entre ellas, dibujos que mi hermana y yo le hacíamos o nuestros mechones cobrizos y chocolatosos.

Miró la vida con ojos de niño y, a pesar de sus años, lograba sorprenderse y apreciar pequeños detalles que a otros les resultaban irrelevantes. Su amplia sonrisa y contagiosas carcajadas aliviaban incluso los días amargos, pues lograban despertar en las personas un sentido de dulzor y de ternura.

Siempre dijimos que Camilo fue bendecido con una estrella, pues no importaba qué tan duras fueran las pruebas que la vida le imponía, siempre lograba sobreponerse. Creo que incluso llegó a tomar esta bendición por sentado, y su mirada inocente y su optimismo le nublaban el juicio.

Esta estrella también significó para este hombre amado y añorado el infinito afecto de sus padres y familiares. En sus últimos años experimentó este afecto en abundancia, en compañía de los seres que más amaba, intensificando su vínculo y apego por sus adoradas hijas. Pasó a otra vida rodeado de energía femenina otorgada a su cuidado y no hay duda de que sus padres, que tanto le rogaron a Dios por su existencia, lo acompañaron en esas últimas horas incómodas. Ayudándolo a tomar vuelo hacia el cielo infinito que tanto le inspiraba.

María Camila, niña noble y entregada, almidonaste de mil maneras la vida de papá. Tu lealtad hacia él fue el don máximo que esta bendición le pudo otorgar. Su eterna gratitud hacia ti fue materializada ese día, demostrando el mayor milagro de Dios: el ciclo de la vida. Y esa fue la vida de Don Camilo, un milagro, donde la vida y la muerte no son una dicotomía, sino una simbiosis necesaria para el devenir.

Gracias, papá, por tantas anécdotas, por crear espacios donde nos unías para compartir tus relatos, tu empalagoso dulzor y ganas de vivir. Perdurarán por siempre en nuestras memorias y narraciones.

Vuela al cielo infinito, perenne en libertad.

Con todo mi cariño,

Val.

¡Tenemos una nueva sección en el newsletter! Hace tiempo que he estado pensando en la importancia de conocer y destacar actores que operan en el sector cultural, las industrias creativas y la política, y hablar sobre sus historias y biografías. Para entender cómo funcionan las industrias, gremios e instituciones, es importante mapear los actores que operan en estas: como diseñadores, creativos, expertos y tomadores de decisiones.

Esta nueva sección lo que busca es destacar a los non-usual suspects, es decir, ir más allá de los perfiles usuales de la influencia digital. Es por esto que esta nueva sección se titula Cartografía Creativa. Habíamos dado inicio a este espacio con Beatriz Orozco y para dar continuidad a esta sección, tenemos en nuestro mapa a Manuela Rodríguez, consultora de arte, curadora y cofundadora de The LAAC.

Valeria Akl (V.A); Manuela Rodríguez (M.R).

V.A: ¿Cómo llegaste al arte y qué te llevó a emprender en este sector?

M.R: El arte siempre estuvo conmigo. Crecí muy cerca de ese mundo y una persona de mi familia trabajaba vendiendo arte y, de alguna manera, tenía esa vida que yo me imaginaba para mí. Pero cuando llegó el momento de escoger una carrera, me dio miedo y empecé a estudiar derecho. Hice casi dos años hasta que tuve que admitir: esto no es para mí.

Después me fui a España a estudiar actuación y fue allá donde hice un ejercicio que terminó cambiándome la vida. Pensé: si hoy no sé exactamente qué quiero hacer, voy a hacer el camino backwards. Cerré los ojos y me pregunté dónde quería estar en diez años. Y me vi haciendo, prácticamente, lo que hago hoy. Entonces la pregunta dejó de ser “¿qué quiero estudiar?” y pasó a ser “¿qué tengo que hacer para llegar hasta allá?”.

Estudié Artes Visuales, después me especialicé en curaduría y en gestión cultural, y ahora estoy haciendo mi maestría. Ha sido un camino bastante construido alrededor de esa primera imagen.

Emprender llegó después. Al principio no sabía qué tanta alma de emprendedora tenía, pero sí sabía que quería construir una vida con libertad: una vida en la que pudiera ser muy creativa, desarrollar proyectos distintos, moverme y trabajar desde diferentes lugares.

También hubo algo mucho más práctico: la precariedad del sector. No veía una ruta laboral demasiado clara que me permitiera construir la vida que quería. Cuando conocí a Laura, mi socia, encontré a alguien con ideas muy complementarias a las mías y con muchos más años de experiencia laboral en el sector. Emprender juntas terminó siendo la opción más lógica.

V.A: Fundaste The LAACC como un holding cultural, algo poco común en el sector. ¿Cómo se sostiene económicamente un ecosistema cultural sin depender solo de mecenas o del Estado (y en Colombia, donde también el apoyo estatal es precario para el sector cultural)? ¿Qué le falta entender a la política pública sobre esto?

M.R: The LAACC se convirtió en un holding precisamente porque nació dentro de un ecosistema precario. Cuando tienes pocos recursos, hacer una sola cosa significa también tener muy pocas oportunidades. Y algunos de los modelos tradicionales del sector, como una galería, requieren costos fijos muy altos. Nosotras no teníamos una gran inversión inicial: nuestro capital era nuestro conocimiento, nuestro talento y nuestra capacidad de trabajo. Entonces pusimos eso a producir.

Desde el primer día nos hemos sostenido como una empresa: prácticamente el 100% de nuestros ingresos vienen de contratos y del sector privado. El apoyo estatal no solamente es limitado, sino que además puede ser difícil de conseguir para proyectos con ánimo de lucro como el nuestro.

Creo que hay algo que a veces les falta entender tanto a la política pública como al propio sector cultural: las personas que trabajan en cultura también necesitan construir una vida económicamente sostenible.

Muchas veces encontramos modelos que subsidian la producción de una obra o la ejecución de un proyecto, pero no necesariamente la subsistencia de la persona que lo hace posible. Nosotras estamos muy interesadas en investigar otros modelos: ¿cómo hacemos para que ser artista, gestor, curador o trabajar dentro del sector cultural también pueda ser rentable?

Una de nuestras respuestas ha sido llevar el arte hacia sectores donde sí existe capital. En lugar de pensar que el arte solamente puede existir dentro de instituciones, galerías o espacios culturales, nos preguntamos: ¿cómo lo llevamos a un proyecto medioambiental?, ¿a una fundación?, ¿a un banco?, ¿a una empresa?, ¿a otra industria?

Hemos trabajado con sectores completamente diferentes porque creemos que el arte puede generar valor económico, social y cultural fuera de sus espacios tradicionales. Parte de nuestra sostenibilidad ha consistido justamente en abrir esas puertas y demostrar que el arte no es solamente algo que necesita financiación: también es una herramienta capaz de generar valor.

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V.A: Cuando la gente piensa en gestión cultural, imagina museos y galerías, pero tú trabajas con colecciones corporativas, mercado secundario, subastas. ¿Cuál es tu radiografía actual del ecosistema del arte latinoamericano y qué crees que no se está hablando aquí, pero que debería?

M.R: Creo que estamos viviendo un momento muy positivo para el arte latinoamericano. Cada vez tiene mayor presencia y demanda en escenarios internacionales. Pero esa oportunidad también está dejando muy expuesta una de nuestras grandes debilidades: la falta de articulación.

Tenemos mercados fragmentados, poco regulados y con grandes vacíos de información e infraestructura. Muchas cosas todavía funcionan de una manera bastante informal: cada actor opera por su cuenta y existe poca articulación entre instituciones, mercado primario, mercado secundario, plataformas, coleccionistas y demás actores.

En mercados más consolidados existen estándares, procesos y estructuras mucho más claros. En Latinoamérica todavía tenemos mucho camino por recorrer en términos de normativa, información, transparencia y debido proceso. Y sin esa infraestructura es muy difícil que el crecimiento sea realmente exponencial.

Entonces creo que estamos frente a una oportunidad enorme: la demanda existe. Hay un interés internacional real por el arte latinoamericano. Ahora el reto es nuestro: organizarnos, sincronizarnos, generar alianzas y construir la infraestructura necesaria para poder responder a esa demanda de manera sostenible.

V.A: ¿Háblame de cómo vives tu estilo personal, con qué resuenas en cuanto a lo visual, estéticamente, crees que la moda consciente aporta a tu bienestar?

M.R: Mi estilo es bastante ecléctico. Crecí en una familia donde quizá la moda no era necesariamente el centro de la conversación, pero la estética estaba presente todo el tiempo a través de la arquitectura, el diseño y el interiorismo. Mi mamá es diseñadora de muebles; mi abuelo también estuvo vinculado a ese mundo y crecí rodeada de personas con un interés muy profundo por los objetos y los espacios.

Eso hizo que desarrollara una fascinación particular por ciertos momentos de la historia, especialmente por el siglo XX: el modernismo, el mid-century, el Art Déco y toda esa estética que todavía tiene algo de nostalgia.

Mi estilo puede tener algo punk o rockero, pero al mismo tiempo aparecen elementos mucho más clásicos, casi Gatsby. Creo que conviven esas dos cosas.

Hay algo que me interesa muchísimo y es la belleza de aquello que aparentemente no sirve para nada. Yo siempre digo que estar vivo es un pequeño acto de magia y a veces olvidamos la importancia de las cosas que parecen banales: decorar una casa, escoger una prenda, ponerse una joya, mirar una obra. Ninguna necesariamente cambia el mundo por sí sola, pero nos recuerda que vivir es algo más que producir y sobrevivir.

Por eso, incluso cuando estoy vestida de una manera muy básica o neutra, casi siempre cargo algo que simplemente considero hermoso. Ahora que vivo en Londres, por ejemplo, uso muchísima joyería y piezas colombianas. Es una manera de cargar conmigo ciertas partes de quien soy.

Mi relación con la moda consciente llegó casi accidentalmente. Siempre he comprado mucha ropa vintage, pero originalmente no nació de un discurso de sostenibilidad, sino de la nostalgia. Desde muy pequeña buscaba prendas de otras épocas que simplemente ya no encontraba en las tiendas. Terminé entrando a mercados de segunda mano mucho antes de que comprar vintage fuera tan popular.

Lo que me sigue fascinando es justamente eso: la segunda mano te permite acceder a cosas que, si no fuera porque alguien decidió conservarlas, simplemente ya no existirían.

V.A: Cuéntame de ese vestido de seda de los años 30 que vimos en la feria vintage de Londres, el que soñabas usar en tu casa en la playa. ¿Qué encontraste en esa pieza (revelando el pasar de los años)? ¿De qué manera resuena con tu estilo personal?

M.R: Ese vestido me conectó inmediatamente con una imagen de la vida que siempre me ha fascinado. Hay un libro, Gypset, que habla de una filosofía muy particular: personas creativas, viajeros, artistas y personajes del jet set que construyeron vidas en las que el trabajo era importante, pero no ocupaba absolutamente todo.

Siempre me ha fascinado esa idea de una vida en la que hay espacio para trabajar, pero también para disfrutar, crear, viajar, hacer filantropía, donar tiempo, construir colecciones, recibir personas, estar cerca del mar.

Ese vestido de seda de los años treinta me transportó inmediatamente ahí. Me imaginé usándolo en una casa en la playa, en un momento de mi vida en el que no tenga que trabajar veinticuatro horas al día.

Hoy, con mi socia y yo viviendo en lugares distintos del mundo, a veces parece que una termina de trabajar justo cuando la otra empieza. Y siempre hemos dicho que queremos hacer esto porque lo amamos, porque nos apasiona y porque creemos profundamente en su capacidad de generar impacto, pero también porque queremos que eventualmente nos permita construir una vida muy libre que para nosotras es bienestar y felicidad.

Para mí eso no está separado del trabajo. Necesitamos tiempo libre para ser creativos. Necesitamos tiempo para preocuparnos por los demás. Cuando todo tu tiempo está dedicado a sobrevivir, es muy difícil pensar más allá de ti mismo.

Por eso ese vestido, aunque pueda parecer algo completamente banal, terminó representando algo mucho más grande: la vida hacia la que estoy trabajando. Una donde pueda dedicarme al arte, pero también tener silencio, quietud,disfrute y tiempo para poner mi energía al servicio de otras personas y de las cosas que me importan.

Para mí, el bienestar no está separado del impacto que uno puede tener. Cada esfuerzo que hago hoy busca también construir esos espacios en los que yo pueda crecer, para que aquello que quiero dejar en el mundo pueda crecer conmigo. En el tiempo libre están la perspectiva y la creatividad: entenderme pequeña en el mundo, dimensionar mis problemas, agradecer y entender qué tengo para dar.

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V.A: Tu formación es en artes visuales y en curaduría. ¿Ese ojo entrenado para leer una obra se te activa también cuando te vistes? ¿Piensas tu clóset con la misma lógica con la que armarías una exhibición?

M.R: Sí, definitivamente. Aunque en el afán cotidiano a veces se me olvide.

Creo que, aunque la belleza sea subjetiva, la mirada estética se entrena. De hecho, uno de los primeros consejos que le daría a alguien que quiere empezar a comprar arte es: mire mucho. Vaya a exposiciones, vea imágenes, conozca artistas, empápese. El gusto se construye.

Creo que con la moda sucede algo parecido.

Ese “ojo” que permite entrar a un espacio y, con muy pocas cosas, generar una composición que se siente especial viene de haber mirado muchísimo. Y para hacer eso también necesitas permitirte salir por momentos de lo productivo, lo funcional y lo práctico.

Preguntarte no solamente “¿qué necesito?”, sino “¿qué disfruto?”, “¿Qué me conmueve?”, “¿Qué quiero tener cerca?”.

Para mí, ahí también está el ojo del curador: en identificar valores más profundos de las cosas, incluso cuando son muy simples y no necesariamente prácticos.

Eso inevitablemente aparece cuando me visto. A veces junto dos cosas que en ningún contexto lógico deberían funcionar juntas y, sin embargo, funcionan. Y justamente ahí es cuando algo empieza a sentirse único y, sobre todo, propio.

V.A: ¿Hay alguna prenda, accesorio o pieza de vestir que hayas heredado o comprado en tus viajes y que funcione casi como una obra en tu colección personal, algo que valoras no solo por cómo se ve, sino por lo que representa?

M.R: Muchas. Soy una gran coleccionista de cosas y tengo una relación muy fuerte con los objetos simbólicos.

Creo que un objeto, por sí mismo, puede no significar absolutamente nada. Puede estar hecho de un material costoso o ser técnicamente muy fino, pero para mí su verdadero valor aparece en las historias y significados que vamos depositando sobre él.

En mi caso sucede especialmente con las joyas, entendiendo “joya” no necesariamente como alta joyería, sino como las cosas que decido colgarme en el cuerpo.

Desde que estoy en Londres, he traído conmigo muchos collares colombianos: tengo animales hechos por comunidades del Cauca, piezas elaboradas por mujeres de La Guajira y otros objetos que uso constantemente. Yo no pertenezco a esas comunidades, pero son trabajos que admiro profundamente y que siento que representan una parte de mi país que cargo con muchísimo orgullo.

Y los mezclo con algo completamente distinto: joyería muy tradicional heredada de mi familia, de mi abuela y mi bisabuela, anillos con pedrería, aretes clásicos. Esa mezcla probablemente representa bastante bien quién soy.

Hay una pieza especialmente importante: un anillo Art Déco que mi mamá me regaló para usar en el dedo anular de la mano derecha. Me dijo que era para recordarme que mi primer compromiso es conmigo misma, y que si algún día llevo un anillo en la otra mano, ese será mi segundo compromiso.

Sé que uno intenta no apegarse demasiado a las cosas, pero para mí estos objetos funcionan casi como talismanes. No son importantes solamente por cómo se ven, sino por todo lo que cargan.

V.A: ¿Qué le dirías a alguien que quiere construir una carrera en el sector cultural con criterio propio, no solo siguiendo tendencias?

M.R: Que construya criterio. Y que el primer criterio sea algo tan sencillo como que realmente le guste.

Hay que empaparse de todo: de la cultura propia, pero también intentar irse lo más lejos posible de ella; mirar cosas que uno entiende y cosas que no entiende; conocer referentes distintos; preguntarse constantemente dónde encuentra valor y dónde encuentra esa belleza que realmente lo conmueve.

Y después ser fiel a eso.

Que algo no esté en tendencia no significa que no sea bueno. Para mí, algo empieza a ser valioso cuando tiene la capacidad de moverte.

Pero también creo que tener criterio significa permitirte cambiar de opinión. A medida que uno mira, aprende y se expone a más cosas, inevitablemente se vuelve más selectivo. Lo que considerabas extraordinario hace cinco años quizá hoy ya no te lo parezca, y eso está bien.

No hay que casarse demasiado rápido con una definición de lo que es bueno. El criterio no es una conclusión, es algo que se construye durante toda la vida.

Si eres una empresa que busca abrirse camino en el mundo del arte, o un coleccionista, ten a Manuela en tu radar: síguela en LinkedIn, escríbele por Instagram y aprovecha su visión. En esta economía gig, lo que marca la diferencia es tejer relaciones y conocer a quienes mueven las industrias.

Si te gustó este post, cuéntame en los comentarios qué otros perfiles te gustaría ver destacados aquí.

Gracias, Manu, por tu tiempo y por compartir con nosotros un pedazo de tu conocimiento e historia.

¡Gracias por leer!

Un abrazo,
Valeria.

La semana pasada la influencer estadounidense Nara Smith causó polémica tras su aparición en el podcast Call Her Daddy. La creadora de contenido es conocida por sus videos de recetas muy elaboradas y arcaicas: cómo hacer Coca-Cola desde cero y por su estética cottagecore y de alta costura , con la que profesa un estilo de vida de esposa tradicional. En el episodio, sin embargo, Nara niega su asociación con ser una trad wife (o esposa tradicional), pues asegura que tanto ella como su marido trabajan y se reparten las labores del hogar.

Varios usuarios en redes sociales reaccionaron a estas declaraciones sintiéndose aludidos, incluso gaslighteados por la creadora de contenido, ya que desde sus inicios usaba el hashtag #tradwife. Muchos se preguntan ahora qué está pasando en el zeitgeist cultural para que quienes crecieron gracias a esta tendencia decidan alejarse de ella.

A nivel global, y en particular en Estados Unidos, se atraviesa un momento de fuerte polarización política, en el que la extrema derecha no solo se está manifestando en las políticas económicas, sino también en valores ultraconservadores asociados al cristianismo y a los roles de género tradicionales.

Mientras uno hace scroll en la pantalla, encontrarse con estos videos en primera instancia puede resultar hipnotizante, pues en realidad generan el mismo efecto que una película de Hallmark, un sentimiento de feel-good. La estética tradwife resulta atractiva pues narra una vida en el campo, lejos del ajetreo y la contaminación de las ciudades, dedicada a cocinar en casa, a la jardinería y al contacto con la naturaleza. Pero detrás de esa estética reconfortante, lo verdaderamente problemático es la romantización de la esposa abnegada: pues estas mujeres presentan el trabajo doméstico como algo innato a las mujeres y sencillo, cuando en realidad el trabajo doméstico requiere de tiempo, esfuerzo, sacrificio y cuidado.

Y la realidad es que Nara Smith tiene razón: en el sentido literal, ella no es una tradwife. Detrás de la pantalla hay una creadora de contenido que factura mientras performa una fantasía, no una ama de casa abnegada que depende de su marido. Las figuras más reconocidas de esta tendencia son precisamente ella y Hannah Neeleman, conocida como Ballerina Farm: Nara está casada con el modelo y mormón Lucky Blue Smith, mientras que Neeleman está casada con el hijo del dueño de JetBlue y pertenece a una comunidad mormona. Es decir, que además de trabajar como creadores de contenido, tienen una red de apoyo sustanciosa que les permite tener varias fuentes de ingresos. Un caso muy diferente al de millones de amas de casa que viven en situaciones precarias.

Y mientras estas mujeres han deleitado a sus seguidores con esta fantasía, Caro Claire Burke escribió Yesteryear, una novela que ha causado conmoción en BookTok y se ha posicionado como best-seller a nivel global. El fenómeno que ha generado ha sido tan grande que inclusive Anne Hathaway ya compró los derechos para producir una película. Esta novela es una sátira que toca temas relacionados con el feminismo y estimula la reflexión sobre la cultura de la influencia digital y las trad wives. Caro Claire Burke se inspiró específicamente en Hannah Neeleman para crear su personaje principal, Natalie Heller Mills, una mujer ante todo cristiana que en apariencia tiene la “vida perfecta” ante sus millones de seguidores.

Pero algo que resuena mucho de toda esta situación es la noción que especialmente circula por redes sociales de que toda decisión que tome una mujer es feminista, por el simple hecho de que ella, en su libertad, la tomó. Y este es, en particular, el debate que surge cuando se habla de las trad wives: que son mujeres que decidieron ser amas de casa, y ese hecho es esencialmente feminista. Este fenómeno se conoce como el Choice Feminism (comparto aquí un paper académico que lo resume a la perfección, muy recomendado si te gustaría entender esto más a fondo). Básicamente, se entiende el feminismo de elección como una orientación hacia la política feminista, no como una ideología. El término lo acuñó Linda Hirshman para nombrar la creencia posfeminista de que el movimiento ya nos liberó a las mujeres para elegir lo que queramos: desde usar tacones y maquillarse hasta no tener hijos, contratar una empleada doméstica o adoptar un rol laboral tradicional.

Para este pronunciamiento de Smith en el mencionado podcast, se ve con claridad cómo se despliega el choice feminism al apreciar la libertad de elección y evitar juzgar el contenido de esas elecciones. Esto es exactamente lo que hace Nara Smith cuando defiende su estilo de vida diciendo que ella y su marido se reparten las labores del hogar. Pues convierte una estética con carga ideológica en una simple preferencia personal, inmune a la crítica política.

Entre los años 90 y 2000, el posfeminismo se asentó en la cultura popular, pues se normalizó la idea de que el feminismo ya había logrado todos los objetivos en cuanto a independencia financiera, sufragio y derechos sexuales femeninos. No obstante, esto normalizó los micromachismos que las mujeres hemos tenido que vivir a diario. Y en los 2010, cuando comenzaron a surgir importantes debates de los movimientos feministas como la interseccionalidad, el consumo responsable, la violencia doméstica, la violencia estética y el derecho al aborto, el público general, en especial aquellos pertenecientes a esferas retrógradas y conservadoras, comenzó a percibir estos movimientos como “juzgones”.

Para lavar esta percepción del feminismo, aquellos que abogaban por el feminismo de elección nublaron algo importante, como que nuestras elecciones (así vengan de un libre albedrío) están moldeadas por fuerzas económicas, sociales e históricas. Y Ferguson, en su paper, expresa que justamente el choice feminism (al igual que las trad wives) vende una fantasía. Una fantasía de un mundo sin política,donde nadie ofende ni se ofende por nada, pues todas las elecciones son igualmente válidas.

En la novela Yesteryear justamente esto se puede apreciar: Natalie es un personaje que no cae bien, que tiene muchas capas de complejidad y contradicción, y mientras ella narra sus elecciones y trata de justificarse ante los lectores, es fácil darse cuenta de que no es un personaje confiable, pues su perspectiva está atravesada por sus sesgos internos, su contexto cristiano y conservador y por sus propios micromachismos y privilegios. No hablaré más de Yesteryear porque recomiendo que se lean la novela y además, próximamente organizaré en mi comunidad Poder Glamour & Gloria un club de lectura para que analicemos el libro junto al fenómeno de las tradwives.

Según Ferguson, el feminismo de la elección “desincentiva a las mujeres a ser políticamente activas” porque convierte todo en asunto privado. Les invito a observar esto detenidamente mientras hacemos scroll en nuestras pantallas o escuchamos conversaciones ajenas. Es verdad que cada quien tiene derecho a hacer su vida como se le dé la gana, pero tenemos que ser observadores de los discursos que se nos presentan en redes sociales, empacados en un lenguaje aspiracional, y más aún en una coyuntura donde en las esferas digitales (podcasts, reels, etc.) se está hablando de que las mujeres no necesitan del sufragio, pues su marido perfectamente puede tomar las decisiones políticas de la casa.

Esto está ocurriendo en Estados Unidos, donde influencers, la manosfera y figuras religiosas influyentes abogan por revocar la Decimonovena Enmienda de la Constitución de ese país, transformando el sufragio individual en un sufragio familiar, donde sea el marido quien tome las riendas en este asunto. Y no se sorprendan si esta fiebre empieza a brotar en Colombia, donde ya se ha comenzado a idealizar la figura de la esposa abnegada y tradicional. Basta con mirar a las primeras damas: Taliana Vargas (primera dama de Cali), quien en repetidas ocasiones se ha pronunciado en contra de la libre elección reproductiva, o la nueva primera dama de la nación, Ana Lucía Pineda, que aparentemente encarna ese estereotipo de esposa obediente.

En estos momentos no debemos dar por sentados los derechos que les costaron tanto a las mujeres que nos antecedieron, quienes en su época fueron percibidas como caprichosas y demandantes por exigir derechos elementales como el sufragio o el acceso al sistema financiero. Estos derechos nos otorgan libertades y entregarle nuestra libertad a un tercero (bien sea un marido, un familiar) no siempre termina bien; es una lotería. Así que hay que dudar de idealizar un pasado que, en la realidad, significó opresión y límites para la vida cotidiana de las mujeres.

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Terremoto en Colombia

Ayer Colombia sufrió un terremoto con epicentro en el departamento del Chocó que afectó a la región del Pacífico y ciudades como Cali, Manizales y Pereira sufrieron graves secuelas. Estas son algunas de las fundaciones y charities que están recibiendo donaciones para socorrer a quienes se quedaron sin hogar o tienen seres queridos desaparecidos:

• La Cruz Roja Colombiana está movilizando recursos para brindar una respuesta humanitaria ante la crisis. Aquí puedes donar.

• Para apoyar en la búsqueda de desaparecidos, acude a Colombia te Busca.

• La Patrulla Aérea Civil Colombiana brinda asistencia médica y brigadas en vuelos para los municipios y corregimientos más abandonados. Dona aquí.

For this week’s newsletter, after asking you, dear readers, if you were interested in learning about fashion curation and archives, I decided to build the Cabinet of Curiosities around pieces that I’ve seen in different fashion archives and museums. Hope you like this selection, and if you have any pieces or themes that you consider should be highlighted in another Cabinet, please do share them in the comments. Hope you like this new layout inspired by a Larousse vintage book.

1. Marie Antoinette Shoes: Manolo Blahnik made these shoes for the production of the Sofia Coppola movie Marie Antoinette (2006), crafted with Lyon silks and using fabrics by Stephen Walters. These shoes were exhibited at the V&A Marie Antoinette exhibition. Blahnik’s designs played a central role in the film.

2. Emilio Pucci Bottom: this piece belongs to the V&A collection, and it’s circa 1960 - 1969. The piece is made from 100% cotton, notable today, when most swimwear is polyester and PET. It's also fun to see Pucci's signature prints: vivid, funky, and pure 1960s groove.

3. Chapulín Campos Football Outfit: This football gear was designed by the Mexican football athlete Jorge Campos, and he wore it in the World Cup of 1994. As mentioned in one of my previous newsletters, he had to fight against Ubro to be able to wear this outfit.

4. Marilyn Monroe’s Dress: This gown shocked the nation when Monroe wore it to sing "Happy Birthday, Mr President" to John F. Kennedy in 1962. Often considered the first "naked dress" for its nude, second-skin colouring, it was adorned with over 6,000 hand-sewn rhinestones; scandalous for its time. More than a dress, it's a piece of 20th-century history. Kim Kardashian wore it to the 2022 Met Gala, sparking controversy over damage to the fragile garment. Its before-and-after was exhibited at the National Portrait Gallery's Marilyn Monroe exhibition. And it shows why historical pieces are not meant to be worn, but to be conserved.

5. Kenzo Bikini: This two-piece, also part of the V&A collection, dates to the 1980s. Designed in Paris from a cotton-lycra blend, it shows how far textiles have evolved.

6. Star Wars Stormtrooper: Part of the V&A's permanent collection, this costume is from The Empire Strikes Back (1980). Designed by John Mollo, a military uniform expert, to look authoritarian while functioning as wearable armour.

7. Schiaparelli evening coat: Also from the V&A’s permanent collection, this wonderful coat was designed by Elsa Schiaparelli herself and is an emblem of her legacy, creativity and humour. This 1937 coat was made in collaboration with the French artist Jean Cocteau (1889-1963).

8. Queen Alexandra’s Dress: Exhibited at Buckingham Palace as part of The Edwardians, this ensemble was worn by Queen Alexandra at her coronation; the first to use electric lights, hence the dress's gold to honour the technological milestone. Time has dulled the gold, but the piece remains in excellent condition.

9. Under Armour Swim Cap: In 2015, athlete Yusra Mardini fled the Syrian civil war with her sister. When their inflatable boat began to sink in the Aegean, the sisters jumped into the water and pulled everyone to safety. Yusra went on to compete for the first-ever Refugee Olympic Team at Rio 2016, returning for Tokyo 2020. Their journey later inspired the 2022 biopic The Swimmers. This piece was exhibited in Splash! A Century of Swimming and Style at the Design Museum, curated by Amber Butchart.

10. The Lamb of God: This is a painting by Spanish painter Zurbarán. The piece belongs to the Museo del Prado, and it was used as a cover for the book Lapvona by Ottessa Moshfegh.

11. Nigerian “Naija” World Cup: also part of the permanent collection of the V&A, and it was designed by Nike for the 2018 men’s World Cup. The shirt was an instant bestseller; 3 million were pre-ordered worldwide, and when it was available in stores it immediately sold out.

12. Burberry Towel Jacket: this piece from the 1980’s was also exhibited in n Splash! A Century of Swimming and Style at the Design Museum, but it belongs to the Westminster Fashion Archive.

¿Qué es la curaduría de moda y para qué sirve?

La moda es una práctica que como seres humanos ejercemos todos los días. Somos seres vestidos y las ropas no solo hablan de nuestra individualidad sino que son un espejo que muestra los contextos, identidades, economías y estéticas. Y aunque la moda frecuentemente es asociada con lo comercial y el consumo, esta merece ser preservada, estudiada y curada, pues en gran medida posee valor material y cultural.

En esta era de imágenes, contenido de formatos cortos e influencers, es fácil experimentar la moda como algo netamente asociado al consumo y al estatus. A través de nuestras pantallas compartimos nuestras pintas, opinamos sobre los looks de otros y adquirimos estándares basándonos en el gusto, que es algo muy subjetivo. La moda históricamente también ha propulsado la fuerza industrial de diferentes regiones. Colombia, por ejemplo, empezó su proceso de industrialización gracias a empresas como Coltejer, que trajeron una importante bonanza económica para el país. Mal que bien, la moda se ha ganado la fama de ser la hija perfecta del capitalismo pues no solo responde muy bien a las dinámicas de producción, sino que es muy astuta al crear una noción de falsa novedad ante los consumidores para incentivar el consumo.

Ahora, ¿por qué importa preservar algo tan mundano y comercial? Inevitablemente entramos en el eterno debate de si la moda es arte o es diseño. Ni los académicos han podido ponerse de acuerdo con esta postura, pues algunos ven las ropas como esculturas intencionadas para ser usadas, mientras que otros ven la moda como una actividad estrictamente funcional y centrada en lo mercantil. Sin embargo, el hecho de que sea funcional o decorativo no tiene mucha relevancia; lo que importa en realidad es que, en esencia, la moda nos habla de costumbres, rituales, culturas e identidades.

Con esto no quiero decir que todas las piezas pertenecientes al sistema de la moda sean dignas de ser conservadas o tengan una trascendencia en cuanto a significado o valor cultural y material. Pero echar en saco roto la moda y clasificarla de superficial y otorgada al consumo tampoco es una manera de observarla. La moda es un terreno contradictorio, y por eso es urgente analizarla con perspectiva y análisis crítico para entender su propósito y su porqué tanto en nuestro día a día como en los artificios y caprichos.

La curaduría de moda es un oficio que en las esferas digitales con frecuencia se confunde con seleccionar prendas para incluirlas en un almacén. En varias oportunidades he visto creadores de contenido que se autoproclaman «curadores de moda», cuando en realidad el ejercicio que están haciendo es el buying. En realidad, la curaduría de moda es un proceso que requiere de métodos de investigación, clasificación y organización de piezas, accesorios, indumentaria y textiles para narrar una historia cultural o artística. Más que todo, la curaduría se hace en museos, galerías o espacios otorgados a la exposición de piezas. Esta puede tener lugar en espacios comerciales, pero la principal intención es la narración y contextualización de una temática.

Las exhibiciones de moda generalmente giran en torno a legados culturales, firmas de moda, diseñadores, culturas y fotógrafos. Pero estas también pueden abordar otras temáticas tales como subculturas y deportes, entre otras.

La próxima semana les compartiré un listado de exhibiciones de moda y de archivos de moda, junto con los museos que las han realizado. También hablaré de los museos latinoamericanos que tienen colecciones de indumentaria.

Muchas gracias por leer.

Con cariño,
Valeria.

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As you may know, if you have been reading my previous newsletters, I am writing a fashion book about swimwear and in my research and deep dives, I have found brands, artistic references, books and items that I found to be relevant for building a narration

1. Hunza G is a swimwear brand I discovered one day. I went to Selfridges and was browsing the resort swimwear section. It also has a store in Marylebone, and what I liked about their pieces is that they have fun and fuzzy textures, something quite unusual in the market. Also, they have very vibrant colours, like this one-piece bubble-gum pink.

2. John William Waterhouse’s A Mermaid is an astonishing painting located in the permanent collection at the Royal Academy in London. Her beauty and the silver colouring of her tail are breathtaking; the artist was inspired by Alfred Lord Tennyson's poem The Mermaid (1830), and it was painted in 1900.

3. The Speedo LZR Racer, the one-piece swimsuit worn by Michael Phelps and other athletes during the 2008 Beijing Olympic Games. This garment was made from a lightweight fabric that mimics shark skin; it was designed to reduce friction, repel water and compress the body, giving swimmers hydrodynamic advantages that enabled them to break world records spectacularly. Its impact was such that the International Swimming Federation FINA eventually banned it from competition, considering it a form of technological doping. Its historical significance is such that it now forms part of the permanent collection at the Victoria & Albert Museum in London.

4. Réalisation Par is an Australian label using 100% silk in most pieces, and it's worth the price, especially next to brands charging $300 for polyester. They just opened a new Marylebone boutique in London, with a fresh, inviting interior. This polka-dot dress has a Marilyn Monroe feel: vintage silhouette, modern execution.

5. This Missoni aquamarine dress is a top-of-mind item for anyone who wants to have a whole resort dream set. Missoni is an Italian luxury brand known for its kits and colourful prints.

6. This Waimari dress is perfect for those who love to emulate a 60’s vibe. A Colombian resortwear brand that handmakes each piece. And this aquamarine dress (they also have it in pink and white) is perfect for a beach party.

7. This Slim Aarons photography depicts a one-of-a-kind lido, and you can find it at this gallery for a very good price. Aarons was an American photographer best known for capturing the mid-century “jet set,” celebrities, and high society. After serving as a WWII combat photographer, he vowed to focus on “attractive people doing attractive things in attractive places,” producing a timeless visual record of wealth and leisure.

8. These aviator goggles by Speedo are a fun swimming accessory for your workouts. If you love swimming, then this is a must!

9. I found this lovely 1950s Old Hollywood Glam purse at a vintage market called Frock Me! Vintage Fair, and the vintage experts who sell it are Bimp Tulip Vintage. They also have lovely purses and clutches from the 50s with that Old Hollywood Glam aesthetic; make sure to check them out!

10. Les Néréides is a French brand known for its creative floral jewellery pieces. I thought it was pertinent for this Cabinet of Curiosities as the brand is named after the nymphs of the sea, a.k.a mermaids. And this precious brooch is otherworldly, directly taken from under the sea.

11. Lido Land: In this lively exploration of Britain’s lidos, Tom Fort reveals how these open-air swimming pools are far more than leisure spaces—they are mirrors of the country’s social history, political ideals, and cultural change. Blending travel writing with historical anecdotes, he uncovers the fascinating stories, eccentric characters, and shifting social norms that have shaped the UK’s beloved lidos across the decades.

12. Aquamarine, the cult classic from the 2000s, a movie about love and friendship. But most importantly, about mermaids. Check how Aqua’s nails change colours, or how her wonderful starfish earrings whisper to her amazing affirmations (I wish I had those).

13. Besides being a writer, I also paint and enjoy doing greeting cards and postcards for loved ones. If you enjoy handmade creations, feel free to check my Etsy shop. I also have made-to-order options, so don’t hesitate to reach out.

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¡Gracias por leerme!

Con amor,
Val

La vigésima tercera edición del Mundial de la FIFA, que ha tenido lugar en tres países, ha de nuevo convocado la euforia y la pasión de los fanáticos de este deporte, quienes han acompañado religiosamente a sus selecciones favoritas desde la tribuna y desde sus pantallas. Orgullosamente usando las camisetas de los equipos correspondientes y viviendo con pasión tanto los triunfos como las derrotas. Aunque a la mayoría de los espectadores se les ve con las camisetas correspondientes a los equipos actuales, hay quienes portan ediciones de selecciones anteriores, desplegando a través de sus ropas su fidelidad a su selección favorita. Muchos de estos han de ser coleccionistas con un amplio conocimiento sobre las historias y hazañas de los equipos y sus camisetas. Otros, en cambio, puede que porten la camiseta, sin pensar mucho en el valor cultural y material que esta puede conllevar.

El fútbol, un deporte históricamente asociado a lo masculino, ha mantenido una relación estrecha con la moda y la estética. Las camisetas no solo expresan la identidad y la pertenencia a un equipo; también funcionan como objetos culturales capaces de revelar relaciones de poder, intereses económicos y contextos políticos.

Ejemplos contundentes son la camiseta del equipo alemán Schalke 04, que durante muchos años portaba el logotipo de Gazprom, una empresa rusa de gas con fuertes vínculos con la dictadura de Vladímir Putin. Del mismo modo, las camisetas también pueden evidenciar los vínculos entre el fútbol y el crimen organizado. Tal fue el caso del club colombiano Envigado, cuya camiseta del 2012 llegó a llevar el rostro de Gustavo Upegui, fundador del equipo, asesinado en 2006. Posteriormente, tanto su hijo, quien asumió la propiedad del club, como la institución fueron sancionados por el gobierno de Estados Unidos debido a sus presuntos vínculos con el narcotráfico.

Un hecho reciente es el significado que se le dio a la camiseta de la selección Colombia, la cual fue directamente vinculada a la campaña del reciente presidente electo. En época electoral, una jueza local de Bogotá emitió un fallo prohibiendo al entonces candidato de la Espriella lucir la camiseta de la selección Colombia. Lo que motivó a quienes apoyaban la campaña del ahora presidente a asistir a las urnas portando la misma camiseta de la selección.

El periodista y autor británico Joey D’Urso, en su libro Más que una Camiseta: Cómo las Camisetas de Fútbol Explican la Política Global, el Dinero y el Poder, menciona la universalidad del fútbol y afirma que “(...) nada puede ser verdaderamente universal en un mundo dividido por el idioma, la religión y la geografía. Pero el fútbol se acerca mucho a serlo, más que cualquier otra cosa. Una camiseta de fútbol, en todas sus variantes, es quizá el objeto más cercano a lo universal, algo que podemos utilizar para ayudarnos a comprender el mundo”.

Un caso que merece destacarse es el de un jugador cuyo talento no se limitó a las canchas, sino que se extendió al diseño. En 1993, Jorge Campos, también conocido como el “Chapulín Campos”, fue reconocido como el mejor arquero y sobresalió no solo por su destreza atlética, sino también por su creatividad al diseñar sus propios uniformes. Llegó incluso a desafiar a Umbro, el gigante que patrocinaba a su equipo, hasta que la firma cedió y le permitió vestir sus propias creaciones, con la condición de que llevaran un parche con el nombre de la marca.

Uno de sus conjuntos, usado por el propio Campos durante la Copa Mundial de 1994, fue exhibido en el Museo de Artes Decorativas de París en 2023, en la exhibición titulada “Mode et sport, d’un podium à l’autre”, curada por Sophie Lemahieu. La pieza diseñada por Campos, expuesta en la exhibición, se distingue por sus llamativos diseños geométricos y coloridos, que evocan las raíces mexicanas del jugador. La exhibición se ejecutó en conmemoración de los Juegos Olímpicos de París de 2024, y el fútbol, al ser un deporte olímpico, naturalmente obtuvo un papel importante en esta exposición.

Este breve ejemplo enfatiza la estrecha interconexión entre la moda y el deporte. Entre otros, como las firmas de moda de lujo que han manifestado un interés creciente en establecer su presencia en el fútbol. Un caso destacado incluye la alianza con la reconocida firma Dior, la cual patrocinó al equipo Paris Saint-Germain en el 2021, además del impactante desfile que Yves Saint Laurent presentó durante la inauguración de la Copa Mundial de 1998 en Francia.

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Dentro de la industria de la moda, la indumentaria deportiva es la que más innovaciones en materiales presenta. Un caso emblemático es el del Speedo LZR Racer, el traje de baño enterizo usado por Michael Phelps y otros deportistas durante los Juegos Olímpicos de Pekín 2008. Esta prenda fue fabricada con un tejido ligero que imita la piel de tiburón; diseñada para reducir la fricción, repeler el agua y comprimir el cuerpo, otorgando a los nadadores ventajas hidrodinámicas que les permitieron romper récords mundiales de forma impresionante. Su impacto fue tal que la Federación Internacional de Natación terminó prohibiéndola en competencias, al considerarla una forma de dopaje tecnológico. Su relevancia histórica es tal que hoy forma parte de la colección permanente del Victoria & Albert Museum de Londres.

En cuanto a lo referente a la preservación y colección de piezas pertenecientes al fútbol, este es un terreno fértil con un inmenso valor material e inmaterial. Fanáticos alrededor del mundo han construido colecciones privadas inmensas y un caso emblemático en Colombia ha sido el señor Gustavo Arbeláez. Un paisa que rompió un récord Guinness con su colección aproximada de 8000 camisetas de fútbol de clubes y selecciones del mundo.

Y aunque las colecciones privadas son una manera válida de preservar piezas con valor material cultural, el fútbol es un fenómeno que no solo ha conmovido a millones de colombianos, sino que también ha sido un espejo revelador de la historia de nuestro país. Preservar y exhibir estas piezas es contribuir a la conservación del patrimonio nacional; las instituciones públicas y culturales deben preocuparse por hacer un ejercicio arduo de investigación y archivación de este tipo de indumentaria.

Recientemente, la marca Adidas ha exhibido en distintos centros comerciales de la capital camisetas históricas firmadas por los mismos atletas que las portaron. Sin embargo, esta iniciativa se ha quedado corta a la hora de resaltar la historia y el contexto detrás de cada pieza, lo que revela una intención principalmente comercial para conmemorar el mundial. La manera en que las piezas han sido exhibidas resulta un tanto precaria: enmarcadas en vidrio con marco negro, dispuestas sobre caballetes desplegados sin mayor orden ni una línea narrativa coherente, por los pasillos de estos centros comerciales.

En otras palabras, las ropas no solamente son bienes comerciales y de consumo; estas pueden revelar acontecimientos históricos y prácticas de distintos contextos sociales y culturales. Investigarlas, conservarlas y realizar una curaduría alrededor de estas es necesario para entender su valor simbólico y además contribuir al patrimonio de naciones y marcas. Lo que Adidas propone en los centros comerciales de la capital es la otra cara de la moneda: una vitrina sin curaduría, camisetas convertidas en decoración de paso más que en objetos de memoria. Ese contraste es precisamente la advertencia que deja este ejercicio. En un mundo plagado de producción constante de ropa, se hace más necesario tener un discernimiento sobre aquellas piezas que contribuyen al imaginario cultural; porque la diferencia entre archivar y simplemente exhibir es la diferencia entre patrimonio y mercancía.

Vuelvo a emerger de la penumbra… Estos meses me he encontrado a mí misma en el encierro trabajando intensamente en dos libros y un book review que publicaré en un journal académico. Uno de mis libros será un memoire y el otro libro es mi fashion book sobre vestidos de baño. Espero ir contándoles con más detalles sobre estas hazañas, pero tengan por seguro que en este espacio compartiré mis hallazgos sobre vestidos de baño, inclusive les recomendaré marcas de swimwear y resortwear tanto latinoamericanas como internacionales. También estaremos hablando sobre archivos y moda vintage alrededor del swimwear, así que espero me acompañen en este viaje y aprendan mucho conmigo.

Y sin querer botar más excusas, también me encontraba ocupada por temas personales y enviando aplicaciones para PhD. Sí, PhD, esto era algo que hacía años me estaba llamando y decidí lanzarme al agua para ver qué pasaba. Obviamente les estaré informando de todas las novedades. Pero sin más anuncios parroquiales, demos inicio a lo que vinimos:

Tenemos una nueva sección en el newsletter. Hace tiempo estaba pensando que era importante hablar de las personas, contar historias sobre aquellos actores que operan dentro de la cultura, las industrias de consumo y dentro de la política. Para entender industrias, gremios e instituciones, es importante hacer un mapeo de actores como diseñadores, creativos, expertos y tomadores de decisiones. Esta nueva sección lo que busca es destacar a los non-usual suspects, es decir, ir más allá de los perfiles usuales de la influencia digital. Es por esto que la nueva sección se titulará Cartografía Creativa. Y para inaugurar esta sección, tenemos en nuestro mapa a Beatriz Orozco, Brand Manager en Recos Textiles.

Cartografía Creativa: una conversación con Beatriz Orozco

Beatriz Orozco lleva años moviéndose entre México y Francia con una pregunta constante: ¿qué nos dice la ropa sobre quiénes somos? Brand Manager en Recos Textiles, consultora, conferencista y lectora voraz de tendencias, su mirada combina el rigor del análisis con el placer genuino por la industria. Conversamos sobre su trayectoria, sus obsesiones y lo que ve venir.

Valeria Akl (V.A); Beatriz Orozco (B.O).

V.A: ¿Cómo llegaste a la industria textil y de moda? ¿Hubo un momento en que supiste que ahí era donde querías estar?

B.O: Soy la tercera generación de mi familia en trabajar en esta industria, pero creo que, aunque no hubiera comenzado desde ese lado, el mundo de la moda me fascinaba desde que tengo memoria. Siempre quise trabajar en esta industria; uno de mis sueños era trabajar en el extranjero. Estudié diseño de moda con especialidad en calzado, seguido por un MBA Fashion Business en IFA Paris. Siempre he sido aficionada a estudiar historia de la moda y textiles; fue por eso que elegí Francia. Empecé mi carrera trabajando en área de desarrollo de producto para marcas de moda, en los últimos años cambié a estar del otro lado ahora en la industria textil especialmente trabajando con materiales de innovación.

V.A: Tu trayectoria tiene un eje México–Francia muy marcado. ¿Cómo te ha formado ese movimiento entre dos industrias de moda tan distintas? ¿Qué aprendes en cada una que la otra no te puede dar?

B.O: La industria de la moda en México sigue siendo joven; sin embargo, ha tenido un enorme crecimiento en los últimos años. Es muy emocionante lo que está pasando en México. Paris siempre será la capital de la moda, tiene una historia y un heritage sin igual, sin embargo, tanto en México como en otros países que antes no volteábamos a ver, la moda se ha democratizado y para las marcas jóvenes ya no es necesario esa “aprobación” por así decirlo o ese status que ciudades como Paris daban a las marcas. En la actualidad, las marcas de lujo se han convertido en algo accesible; varias repiten las mismas estrategias y han creado una especie de fatiga visual. Hoy en día la moda está más democratizada y el público está sediento de novedad y autenticidad, lo que ha creado un espacio para una nueva industria y marcas jóvenes y originales. También el público en los dos países es totalmente distinto.

V.A: Trabajas como brand manager, pero también has estado del lado del producto, de las ventas y de la consultoría. ¿Qué te da esa visión 360 a la hora de construir una marca o leer un mercado?

B.O: Creo que el hecho de haber trabajado en varias áreas de la industria me ha dado el conocimiento de cómo operan las marcas de moda desde diferentes ángulos. Por ejemplo, en la relación entre un cliente y un proveedor, muchas veces la gente no tiene idea de todos los procesos por los que tiene que pasar antes de tener el producto final en sus manos. Muchos de los fracasos de las marcas vienen de no poder entender qué está pasando del otro lado, por ejemplo, en una relación entre compradores y proveedores o en las expectativas entre las marcas y los clientes. En las marcas más exitosas los directivos conocen bien las operaciones de todos los departamentos. En el libro de ZARA que salió en el año 2014, aunque sería un modelo de negocio casi imposible de replicar hoy en día, explica cómo el fundador Amancio Ortega conocía y fue construyendo todos los procesos desde la elección de las telas hasta la expansión retail a detalle.

V.A: Dices que abordas la moda desde una perspectiva cultural, social e histórica. ¿Puedes darnos un ejemplo concreto de cómo eso cambia la manera en que lees una tendencia o tomas una decisión profesional?

B.O: Esta conexión de la moda con la cultura y la historia ha sido siempre mi parte favorita. Creo que para todos los consumidores de moda sería importante aprender por qué las marcas de lujo llegaron a serlo, entender qué hay detrás de los productos que están comprando y no solo hacerlo por moda y por pertenecer. En el caso de los profesionales, es un deber estar informados de en qué contexto social, político y cultural nos estamos moviendo, ya que está más relacionado de lo que podemos imaginar: todos los movimientos sociales de la historia han resultado en nuevas tendencias de vestir como forma de expresión. Desde esta perspectiva, encontramos la respuesta a por qué vendemos o no y las motivaciones de los compradores. Cada vez es más sabido que las marcas más exitosas son las que logran conectar emocionalmente y culturalmente con el público en un contexto determinado.

V.A: Hoy en día, ¿qué tendencias de consumo en moda y textiles te parecen genuinamente interesantes, y cuáles crees que son ruido?

B.O: El campo más interesante para mí es en el que trabajo, el de los materiales de innovación, el de cómo empresas alrededor del mundo están dándole otra vida a materias primas en las que antes ni se había pensado, utilizando materias primas de ciertas industrias para una distinta. Es parecido a la revolución de los materiales sintéticos que comenzó en los años 50 y 60, esta vez desde un contexto totalmente distinto. Esto apenas comienza y va a pasar mucho tiempo antes de que estos materiales existan en productos terminados y estén al alcance de todos. En lo personal, nunca he sido fan o seguidora de tendencias efímeras creadas por las redes sociales; creo en la moda lenta y en crear y desarrollar un estilo personal poco a poco, coleccionar piezas especiales y usarlas a morir, y que esto logre expresar quién eres. Estoy amando que cada vez los consumidores sean más conscientes y se interesen por conocer la historia detrás de las marcas y de dónde vienen los productos.

V.A: Has sido jurado y conferencista en eventos académicos internacionales. ¿Qué pasa cuando entras a ese espacio? ¿Qué conversaciones encuentras ahí que no encuentras en la industria y viceversa?

B.O: Creo que en general es importante seguir preservando los espacios físicos para este tipo de encuentros; estamos muy clavados en las redes sociales y nos olvidamos de que en este tipo de lugares es donde está la verdadera gente influyente, diseñadores, creativos, expertos y tomadores de decisiones. Pero también amo que las redes sociales nos dejan encontrar perfiles que nos inspiran, nos aportan y, en general, conectar con gente con nuestros mismos intereses sin barreras.

V.A: ¿Qué le dirías a alguien que quiere construir una carrera en moda con criterio propio, no solo siguiendo tendencias?

B.O: Le diría que hoy en día hay un mundo de oportunidades, con las redes sociales es muy fácil conectar con personas con las que nos gustaría trabajar, que se apoyen de las redes sociales para conectar con gente o para aprender, las redes sociales han democratizado el conocimiento, si tienes oportunidad de ir a una universidad de moda es excelente, sirven para abrir las puertas a buenas conexiones y empleos, sin embargo existen muchos campos de estudio no creativos desde los cuales puedes trabajar en la industria.

Si tienes una marca de moda o estás pensando en emprender en este campo, no dejes de tener en tu radar a Beatriz, agrégala a LinkedIn, escríbele por Instagram y acude a su orientación y perspectiva. En esta economía gig, lo importante es relacionarte y conocer a los actores que operan en tu industria. Si te gustó este post, no dudes en dejar un comentario con sugerencias o ideas de perfiles que te gustaría ver destacados en este espacio. Muchísimas gracias a Beatriz por su disposición y por compartirnos un pedazo de su conocimiento.

Un abrazo,

Valeria.

Este mes se conmemoraron los cien años del nacimiento de la actriz, y el National Portrait Gallery en Londres realizó una exhibición de sus retratos, haciendo énfasis en las colaboraciones que mantuvo con fotógrafos de la época, como Cecil Beaton, Philippe Halsman, Eve Arnold, Milton H. Greene, Alfred Eisenstaedt, Tom Kelly, André de Dienes, Sam Shaw, Bruno Bernard, entre otros. Norma Jeane, el nombre de pila de la célebre actriz, nació en Los Ángeles el 1 de junio de 1926; su madre, Gladys Mortensen, era una mujer soltera que padecía problemas de salud mental y enfrentaba dificultades financieras. Lo que la obligó a renunciar a su hija, dejándola en hospicios. Una vez llegó a la fama, aconsejada por su agencia de modelaje, cambió su nombre de pila por un nombre artístico.

La exhibición curada por Rosie Broadley, curadora senior de la colección del siglo veinte de la institución, buscó devolverle el lado humano a Monroe destacando a Norma pero también reconociendo esa esencia y carisma que la hacían una persona tanto enigmática como magnética. El orden de la exhibición estaba dividido por cada fotógrafo que retrató al artista, aportando anécdotas detrás de escena que hablaban sobre la relación que Monroe forjaba con cada uno de ellos. Así mismo destacaba las iniciativas empresariales de Monroe, como la productora que fundó junto a su entonces esposo, donde desarrollaron la película The Misfits (1961) con Clark Gable. Finalmente, la exposición ahondó en el legado de Monroe y el alcance de la influencia que su imagen llegó a tener en el mundo del arte y de la cultura popular.

Aunque otorgada a la vida de este gran ícono, la exposición sirve como un espejo que nos recuerda el contexto presente. Sin Monroe tal vez no existiría el concepto de la influencia como lo conocemos hoy en día, pues ella entendió la importancia de la imagen para permear los imaginarios culturales. Su performance como Monroe, una persona que se podría argumentar distinta a Norma Jeane, jugaba con las apariencias, mostrándonos un fragmento de su realidad que dejaba al público deseando más. Por ejemplo, sus característicos rizos de rubio platinado no eran naturales, y la actriz se sometía a tinturas fuertes para mantener su icónica imagen y permanecer dentro de los estándares de belleza de Hollywood.

El mundo de la influencia surgió en la década de los dos mil con el auge de figuras públicas como las Kardashian y Paris Hilton. Esta nueva forma de celebridad estaba asociada a la falta de talento y a ser famoso por ser famoso. Aunque Monroe sí era extremadamente talentosa, su contribución a las dinámicas que proliferaban la imagen cimentaron la cultura de la celebridad en Estados Unidos y abrió paso a la influencia. Inclusive la misma Kim Kardashian, quien se ha posicionado como un símbolo sexual del siglo XXI, emuló a Marilyn Monroe usando el mismo vestido que la actriz portó para cantarle feliz cumpleaños al presidente Kennedy. Aunque el vestido Jean Louis de Monroe no se encontraba en esta exhibición, sí había una referencia al deterioro que le causó Kim Kardashian cuando lo sacó del archivo para portarlo durante la gala del MET.

A pesar del esplendor y los almidones de la vida de Monroe, la exhibición también invita a las audiencias a ver las dificultades que la actriz tuvo que atravesar como su difícil infancia, su batalla contra la depresión y las difíciles relaciones que tuvo en su carrera profesional y personal. En uno de los muros de las galerías se lee la siguiente frase:

“Fui criada de manera distinta a la de un niño americano promedio. El niño americano promedio espera ser feliz… la felicidad jamás fue algo que tomé por sentado o esperé”.

Marilyn Monroe.

A new blockbuster exhibition has come to the Victoria & Albert Museum in collaboration with Maison Schiaparelli. Curators Sonnet Stanfill, Lydia Caston and Rosalind McKever have come together to bring this exhibition to life, showcasing archival Elsa Schiaparelli pieces and contrasting them with her successor, current creative director Daniel Roseburry.

When entering the exhibition, I was immediately overwhelmed by aromas and could identify them as key scents of the house's perfumes. In other words, the exhibition carefully placed and displayed key products from the Maison, making it a marketing machine that promotes the brand. Luxury fashion exhibitions oftentimes have been questioned by fashion critics and scholars, as the purpose of conservation and curation often operates in favour of commercial purposes instead of knowledge and art, which was clear in this case since the start of the tour.

A fun fact to note is that Elsa Schiaparelli actually started her career designing sportswear pieces, especially for swimwear (a subject that I am currently researching and writing a book about). But the exhibition did not display any of these pieces, making me question if, in fact, there are any articles recorded in the archive from that era? The exhibition did mention Schiaparelli’s start in sportswear, but rapidly moved on towards her haute couture era and Daniel Roseberry’s work.

The contrast is actually interesting to see; it is clear that Roseberry has made sure to maintain Schiaparelli’s heritage alive, through key symbols and surrealist themes, while subtly incorporating his Texan roots in the collections. But from my point of view, as a fashion and cultural scholar, it is evident that Rosebury’s interpretation is missing Schiaparelli’s humorous and colourful sense, as the current creative direction is opting for an almost monochromatic palette where black and gold are the main characters in the story.

Schiaparelli, as an individual, was not afraid to explore with materials and display her creativity in non-traditional ways. Her exploration to go beyond dress codes and restrictions was shown from a young age. Inspired by sportswear, she created pants for her late 1930’s collections (at a time when pants were not customary for women), she pushed boundaries by implementing big and fun-shaped buttons, as well as zippers.

She was a creator who, through her clothes, was not afraid of playing with irony and experimenting with artistic movements such as surrealism. Repetitive motives around humour, like the circus, harlequin and exaggerated shapes, were seen in her garments. She even made a hat in the shape of a shoe, which the V&A proudly possesses in its collection. Her creativity was contagious, inspiring socialités to wear her daring designs and awakening Coco Chanel’s sickening envy.

Pablo Picasso even recorded Schiaparelli’s work in one of his paintings, which was displayed in the exhibition. Schiaparelli was a singular creative and made sure to surround herself with artists and thinkers, which kept her work nurtured and innovative.

Although the exhibition was clearly used by the house as a marketing strategy, I definitely recomend it. The preservation of Elsa’s creations is impressive, and the curation is also well thought out and experiential.

El Diablo, Literal, Se Viste de Moda

Lauren Sanchez y su esposo Jeff Bezos debutan como anfitriones de la gala organizada por el Costume Institute del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Una selección que ha sido blanco de críticas, pues Bezos está afiliado con la extrema derecha, es evasor de impuestos y además su empresa Amazon ha sido denunciada en varias oportunidades por explotación laboral a sus empleados. Entre muchas cosas más.
Estas afiliaciones han hecho que stakeholders de interés como el alcalde de Nueva York se abstengan de asistir al evento. Muchos internautas argumentan que la gala del MET se ha transformado en un potlatch de despilfarros y excesos. Donde una institución que debería ser apoyada por el Estado se ve obligada a recurrir al auspicio de billonarios.
Anna Wintour era vista como un árbitro del “buen gusto”, pero ahora, con la posibilidad de la compra de Condé Nast por parte de Bezos, su autoridad se ha visto desafiada.
Evidenciando que personas incipientes como Bezos y Sánchez a través del dinero pueden comprar su lugar como insiders de la moda.
El diablo, literal, se viste de moda.

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The internet has drastically changed how we interact with information and how we communicate. For the first time in history, netizens were able to publish information, skipping traditional gatekeepers such as editors and media outlets. Philosopher Byung-Chul Han describes the digital sphere as an information tsunami, where information is everything, it’s everywhere, and it happens all at once. For him, the tsunami of information has ended narration, replacing storytelling with story-selling.

In today’s media landscape, it is increasingly difficult to identify trusted information. And this is due to content curation, AI, and social media influencers who are constantly tracking our data and selling us something. Communicating effectively is harder in an attention-driven economy, where endless feeds and algorithmic filtering make information slip by quickly and lose public focus. As a result, ensuring that a message resonates and stays top-of-mind is a major challenge for brands, companies, users and even our politicians.

In the current political climate and crowded media landscape, gaining visibility is increasingly challenging. Making symbolic capital and fashion profoundly relevant and a useful tool to be remembered and recognised. Politicians and public figures, for example, need to represent themselves visually, which is why personal branding (symbolic capital and semiotics) is so crucial.

As political figures seek legitimacy, recognition and validation, cohesive branding and visual symbols are essential. Platforms such as Instagram and TikTok act as symbolic value enhancers: politicians use their functional assets to stage political performances, showcase their identities, and create strategic visual narratives that convey their values and positions on key issues.

Here, the concept of celebrity plays a leading role, as it grants the person who possesses this quality with memorabilia, recognition, and connections to others. Traits that any politician must aspire to be successful during election times, and even during their time in office. The sociologist Daniel Boorstin defined a celebrity as someone “known for his well-knownness”, tying fame to storytelling and accomplishment. But since the 60s, fame has increasingly been separated from achievement, and by the 21st century, media democratisation via technology (cameras, smartphones) amplified this.

Famous for being famous celebrities, such as the Kardashians, exemplify this shift.

Neal Gabler draws a key distinction here: for him, the difference between fame and celebrity rests on publicity and narrative construction. A political figure may not be a celebrity in the traditional sense, yet in a media environment where politics is consumed as entertainment, conventional politicians increasingly become entertainers, and through entertainment, they earn democratic legitimacy.

Under Trump’s administration, for example, the White House has filled its official communication channels (like Truth Social) with memes and deepfakes, emulating a kitsch aesthetic reminiscent of Putin’s online presence, where values associated with traditional masculinity, strength and power are on display (Rowley, 2019). The slopaganda is not only occurring in the United States, but also in Latin America, where figures such as Gustavo Petro, the president of Colombia, and Nayib Bukele, the president of El Salvador, are using AI images in their socials to connect with the masses. Whether jumping on content trends or strategically incorporating them into their communications strategy, AI is here to stay in the digital realm.

What do you think about all of this? Have you seen politicians acting like celebrities lately?

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Discover my Etsy Shop

As some of you may have noticed, the job market is awful at the moment. Economists point out the increase in tariffs, the K-shaped economy, the ongoing war in the Middle East (and the ones yet to come), and AI.

In the age of AI, I've been reflecting on the importance of artistic expressions, media literacy, critical thinking, and cultural analysis (the ability to discern trends over long-term changes in the zeitgeist). And also the importance of humanity: having human meaningful connections, collaborating, creating things with our own hands.

This inspired me to pursue one of my great passions: watercolour painting and showcase my pieces. In my spare time, I devote myself to this craft, which nourishes my soul and lifts my spirit. Another of my great passions is botany and pressing the flowers I collect whilst je flâne down the streets. This is also very much reflected in my watercolour paintings.

I've been so committed to painting and pressing flowers (filling up my journals) that I've decided to open my own Etsy shop.

Allow me to introduce La Flâneuse Relics, a name that pays homage to my relentless obsession with wandering and to being a woman who finds her strength in walking. And to the objects she encounters on her expeditions.

Feel free to browse and support my work! I am uploading a new piece every week.

There is a strong association between the mermaid and femininity, which is no accident. Though mermen and tritons exist, the figure remains stubbornly female, bound by an ancient cultural logic that ties women to water, dark forces and the moon. Living in unknown depths, the mermaid becomes a mirror for everything femininity has long been made to repres…

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La moda es un fenómeno que constantemente está en búsqueda de la novedad, de dejar el pasado atrás y mirar siempre hacia el futuro. Pero la paradoja de la moda es que, a pesar de insistir en la novedad, siempre se cita a sí misma y a su pasado, y logra hacerlo ver como algo “novedoso”. Precisamente esta necesidad de cambio constante ha alimentado la producción de la moda a una velocidad cada vez más rápida, donde el apetito por lo innovador no termina de saciarse. Cada temporada vemos cómo las tendencias se imponen en las pasarelas de las capitales hegemónicas de la moda y estas rápidamente se filtran hacia las tiendas de consumo masivo como el fast fashion. Y una vez estas prendas pierden su característica novedad, son olvidadas y menospreciadas.

El tiempo es un concepto que ha sido teorizado por muchos pensadores de la historia de la humanidad; es un término que no posee una definición precisa y en muchas ocasiones se ha considerado relativo. Este fenómeno está presente en nuestras vidas sociales, psicológicas y físicas y no hay nada que podamos hacer para impedir que avance. Walter Benjamin vio en la moda un espejo que nos permite comprender el proceso de cambio de nuestras sociedades e historia. La moda es consciente de la noción del tiempo, ya que cita el pasado, anhela el futuro y tiene una presencia sólida en el presente.

En su texto Convolute B: fashion (2002) Benjamin afirma que:

La confrontación con las modas de generaciones anteriores es una cuestión de mucha mayor importancia de lo que solemos suponer. Y uno de los aspectos más significativos del vestuario histórico es que [...] emprende tal confrontación [...] La cuestión del vestuario se adentra profundamente en la vida del arte y la poesía, donde la moda se conserva y se supera al mismo tiempo (Benjamin 2002).

La moda está en constante lucha con el tiempo, ya que quiere dejar atrás el pasado, estar en el presente y seguir mirando hacia el futuro.

Moda vintage

La moda vintage, en contraste con su esencia, representa una reverencia hacia el pasado; es la idea invertida de la ‘novedad’. Es el arte de desenterrar y preservar las prendas que atesoran no solo la memoria material, sino también la cultural de épocas pasadas. Al igual que un vino, con el paso del tiempo, la moda vintage se enriquece, adquiriendo un nuevo estado y una identidad que la vuelve irresistible para aquellos que saben apreciar su singularidad.

Sin embargo, es importante distinguir la moda vintage de la ropa de segunda mano, ya que a menudo se entrelazan en la percepción común. La moda vintage no es simplemente ropa usada; es un testimonio tangible que requiere un conocimiento especializado para discernir y apreciar detalles específicos, como el año o el período en que fue confeccionada o utilizada y la calidad de los materiales que forjan las prendas. Es un ejercicio de aprecio por el diseño y la confección de cada prenda, otorgándole un valor que trasciende lo efímero de las tendencias y el hambre de novedad.

Dentro de la comunidad de la moda vintage, existen muchos debates en torno a lo que se puede clasificar como vintage, pero en términos generales, toda pieza que tenga más de 25 años puede ser clasificada como vintage. Aunque la moda vintage ha cobrado relevancia en años recientes como respuesta al fenómeno de la moda rápida, esta práctica de vestir prendas de épocas pasadas no es nueva. Los movimientos contraculturales, como los hippies, hacían un proceso de bricolaje con piezas de diferentes épocas y culturas. Los jóvenes de los años 60 buscaban sobre todo prendas únicas en mercados de segunda mano donde volvían a traer a la vida las mismas prendas que sus abuelos usaron.

La cultura británica, por ejemplo, ha tenido una larga historia del consumo de ropa de segunda mano. Los Beatles, por ejemplo, para su álbum Pepper (1967) usaron únicamente ropa de segunda; el styling de las fotografías, por ejemplo, lo hizo el famoso artista británico Peter Blake. El uso de ropa vintage ofrece diversas ventajas, destacando la notable superioridad en cuanto a la calidad de los materiales y tejidos respecto a los materiales actuales.

Esto se debe a que hoy en día, el uso de plásticos en las prendas es muy frecuente, mientras que en épocas pasadas, donde las prendas solían abastecerse de tejidos naturales, resistentes a las inclemencias del tiempo. Jenss Heike en su libro Fashioning Memory: Vintage Style and Youth Culture (2015) menciona que la moda vintage es una ventana abierta para vestir ropa única, ropa que no se consigue fácilmente. Se trata de tener y usar lo que nadie más puede; se trata de verse maravilloso sin verse como todos los demás.

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Mi experiencia con la moda vintage

El haber hecho mi maestría en London College of Fashion, UAL, me dio una perspectiva nueva de la moda vintage, y esto despertó aún más mi curiosidad por las ropas de periodos pasados y por todo su proceso de preservación y restauración. Fashion Cultures en el London College of Fashion es una maestría muy completa que me trajo mucha formación sobre la manera como consumimos y sobre cómo la moda da indicios sobre los contextos socioculturales. Más que nada, esta maestría me ayudó a darme cuenta de que a pesar de haber estudiado ciencia política y tener esa vena analítica, también habita en mí una creatividad que deseaba ser explorada y expresada.

Habitar Londres y ser flâneuse en una ciudad tan histórica y multicultural me ha permitido descubrir nuevas maneras de pensar, de mirar y de disfrutar. En una ciudad tan histórica y cosmopolita, siempre hay algo nuevo que apreciar y aprender; además, hay infinidad de espacios donde encontrar ropa vintage y antigua de alta calidad.

Hace poco me compré un libro sobre Fashion London que ilustra los puntos clave para vivir esta ciudad alrededor de la moda. Pronto les compartiré mi Take sobre las recomendaciones del libro en versión reseña y guía para que los tengan en su top of mind.

Tip: una gran ventaja de la moda vintage es que es de alta calidad. La ropa que se fabrica hoy en día es muy mala, pues los tejidos son mezclas con fibras plásticas como el poliéster. Y sobra decir que las piezas vintage son únicas, mientras que las producidas masivamente no.

Tip 2: No confundan segunda mano con vintage… Hay una gran diferencia.

Además de los museos dedicados a la curaduría y conservación de la indumentaria como el Victoria & Albert, existen también tiendas especializadas en moda vintage. Pero uno de los espacios que más me cautivó fue la casa de subastas Kerry Taylor Auctions, especializada en moda vintage y trajes antiguos. Aquí tuve la oportunidad de hacer una práctica y ayudar en la catalogación de prendas suntuosas y presenciar el famoso vestido de Lady Di, el Travolta Dress. Al manipular estas magníficas prendas, entendí que en realidad la ropa del pasado es de una calidad infinitamente mejor que la de ahora, tanto es así que tenían vestidos victorianos intactos.

Por otra parte, también me encantaba asistir a las ferias de moda vintage, como Clerkenwell Vintage Fashion Fair y Frock Me Vintage! Unas ferias vintage donde se pueden encontrar en un solo lugar piezas seleccionadas por diferentes coleccionistas especializados en moda vintage en el Reino Unido. Aquí me compré un abrigo de piel de 1950 y unos pendientes de 1960 y me topé con tesoros de marcas de lujo como Chanel, Dior y Lanvin.

En abril les compartiré mi experiencia visitando estas ferias y las piezas que adquiera, así que esperen una entrada de esto muy pronto.

Gabinete de Curiosidades

María Antonietta: Legado & Tendencias 2026

Y hablando de Walter Benjamin y el salto hacia el pasado… No sé si alguna vez se ha visto esta obra maestra de la cineasta Sofía Coppola; justamente en esta escena de la película vemos materializada esta teoría. La moda viajando en el tiempo, en este caso, la moda del pasado hace referencia al futuro con la puesta en escena de unos Converse en medio de ropas y zapatos pertenecientes a la época de la pre-Revolución Francesa.

María Antonieta parece haberse convertido en la musa del momento. Durante las últimas semanas de la moda, varios diseñadores retomaron su universo estético, especialmente en las colecciones de eveningwear que aún dialogan con una cierta fantasía aristocrática.

En New York Fashion Week aparecieron repetidamente paletas pastel, panniers y referencias a las siluetas del siglo XVIII. Esta temporada, Nina Ricci también retomó este imaginario, apelando a una feminidad romántica, delicada y ligeramente teatral que remite a los códigos visuales asociados con la reina.

Pero la fascinación no se limita a la moda. Las blockbuster exhibitions como la exposición dedicada a María Antonieta en el V&A y la muestra que celebra el 20avo aniversario de la película Marie Antoinette de Sofia Coppola en Versalles demuestran que su historia sigue siendo profundamente relevante para nuestra imaginación cultural.

Más que una figura histórica, María Antonieta se ha convertido en un símbolo que la moda, el cine y la cultura visual siguen reinterpretando una y otra vez.

Aquí pueden leer mi take sobre la exposición de María Antonieta en el V&A:

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Me encantaría saber más de ustedes. ¿Qué opinan?

The released series by Ryan Murphy about the IT couple of the 90’s has caught the attention of the whole internet these days. The story is reminiscent of the pair’s old-money aesthetic and a mysterious allure that attracts the curiosity of young audiences, who were not present when the couple was alive.

Their lives and deaths remain both fascinating and tragic, and the series successfully captures a star-crossed lovers narrative by including the struggles theyface due to his last name and the expectations surrounding it. Indeed, they were constantly followed, photographed, and harassed by the press. The series even depicts a scene where they are having an intense argument altercation? in a public park, and paparazzi immediately document the heated discussion.

Their retro vibe and old-money aesthetic resonate with users and content creators, who have uploaded videos recreating outfits the couple wore in real life. Carolyne’s style, for example, is known for its minimalism with simple ’90s silhouettes, slip dresses, high-end brands such as Prada, Hermès, Helmut Lang, Yohji Yamamoto, and others. She wore basic high-end pieces that made her style look polished and relevant through time. In fact, Bessette-Kennedy worked as a publicist for Calvin Klein. Bessette-Kennedy was known for wearing Levi’s 517 jeans, often paired with her distinctive headbands, which she bought from the New York apothecary C.O. Bigelow.

She had an eye and a vision for fashion and was not afraid to use it for the brand’s campaigns by selecting models such as Kate Moss (fashion icon in the 90’s). She even had an on-hand, behind-the-scenes influence for George, JFK’s political & pop culture magazine.

Kennedy junior’s style is more preppy, complemented with reverse caps, ties and dad shoes, New Balance shoes. Fashion writer Tatjana Freund has mentioned in an Esquire article:

“JFK Jr. wasn’t especially fashion-forward. He was just a cool, famous guy who wore clothes he liked and wore them in a way unique to him. We can look back, and his outfits seem novel, nostalgic”.

Rudy Mance, the series’ costume designer, dove deep into fashion house archives, as well as platforms like eBay, Etsy, Instagram, and private collectors, to source pieces that evoke a distinctly 1990s nostalgia. Her work has definitely done its magic, as users online are frenetically recreating the couple’s outfits, which are working as gates of escapism.

In a volatile political and economic climate, nostalgia offers a form of comfort. Revisiting the aesthetics of the past allows audiences to momentarily step outside the anxieties of a present where political and economic uncertainties are the new normal. In a world where authenticity and creativity have been hijacked by AI and ephemeral trends online,​​ the past begins to appear aspirational.

Fashion itself currently feels caught in a moment of stagnation, endlessly recycling silhouettes and references from previous decades. There is no more innovation than in the past 25 years; styles have not changed significantly. The result is a collective longing for an era that appears more tangible, more authentic, and somehow closer to human creativity than the algorithmic present.

The couple’s mysterious deaths and tragic ending have only added fuel to the online conversation. Long-standing conspiracy theories surrounding the Kennedy family, also known as the “Kennedy curse”, continue to fascinate audiences and have resurfaced across platforms like Reddit and TikTok. Even smaller cultural details have sparked discussion: some users have pointed out that John F. Kennedy Jr., a Sagittarius, died in what they jokingly describe as a “very Sagittarius way,” turning astrology into yet another lens through which the story is interpreted.

This mix of tragedy, mythology, and nostalgia has helped the series resonate far beyond its plot, feeding a digital ecosystem of theories, memes, and aesthetic recreations.

So what do you think? Have you watched the series? And if so, would you be tempted to channel the couple’s iconic outfits, both online and in everyday life?

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Gabinete de Curiosidades

En un mundo cada vez más peligroso, ¿qué nos queda?

Objeto: Mi Bitácora de Acuarela

Recibí esta bitácora de Moleskine como regalo esta Navidad y me ha convertido en la persona más feliz del mundo, pues esta me ha permitido compilar mis piezas en un solo lugar sin tener varias hojas regadas por mi habitación. La técnica de la acuarela me ha permitido darle color a mi universo propio. Es una técnica sencilla; la pintura no mancha, pues es a base de agua, y hay algo en esta técnica que ayuda a regular el sistema nervioso.

Seleccioné esta libreta como objeto digno de mostrar en este newsletter, pues hace parte de mi proceso como escritora. Ya me imagino que se estarán preguntando qué tiene que ver la pintura con la escritura… y la verdad son expresiones diferentes, pero pintar en acuarela se ha convertido en parte de mi proceso creativo para escribir. Cuando estoy pintando en acuarela, siento que mi espíritu se alimenta, mis pensamientos fluyen de manera orgánica y es en ese espacio donde me llegan ideas para plasmar en el papel.

Desde siempre he sido una persona análoga, me gusta hacer las cosas de manera manual, de hecho prefiero escribir a mano pues escribir en el laptop o en el celular me cuesta. En lugar de hacer lo que debo hacer, que es escribir, comienzo a editar, saboteando el flow que se necesita para materializar las ideas en palabras y tener un material sobre el que trabajar.

Me gustaría saber si ustedes alguna vez han pintado en acuarela, cuál ha sido su experiencia y si también la implementan como fuente de creatividad para la escritura. Los leo en los comentarios.

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In the age of social media, images have spread like wildfire. Everywhere you look is an image, and images are everywhere, overstimulating our sight and our brains. When we walk down the high street or even when we wake up and reach our smartphones, we scroll through their glossy screens, and we find infinite feeds of vibrant images. In this context of the digital space, people have become more aware of how they register on camera, how to properly style their outfits, pose, how to apply their makeup and even how lighting will work favourably.

More so, people, especially women, are more aware of their bodies. The digital sphere and social media are confusing places that generate many anxieties as they are designed to keep users engaged by sending stimuli that sends dopamine to our brains. What digital spaces and the image have generated is a consciousness of self, identity and how we register in front of the camera. Within this identity awareness, sexuality is an aspect that is very much present in feeds and screens. An aspect which is upheld against women and young girls, setting expectations around looks, desirability, approval and fitting into society.

When the internet era began, for the first time in visual culture history, something unexpected happened: women were able to portray themselves as they pleased. They no longer depended on a male connoisseur who determined beauty standards or taste, as had happened throughout the history of art. As blogging began to earn momentum in the early 2000s, fashion outsiders and enthusiasts began to share images of their personal style, daily lifes and preferences.

These images, taken by young women with no experience in the fashion industry, gave them agency over how they portrayed and presented themselves to the world. There was a huge shift because in fashion Media history, womanhood had been interpreted by the eye of a male photographer, artist or editorial director. With the technological innovations the 21st century brought, and the arrival of smartphones, producing images was easier than ever. The arrival of visual social media networks such as Instagram represented a significant space for identity construction.

Dr Agnès Rocamora has compared the smartphone screen to a mirror:

“through which women’s position as spectacular objects is both reproduced and challenged, whilst the blogs also constitute a space for the circulation of alternative visions of femininity.”

In other words, the screens of our smartphones function as contemporary mirrors, enabling us to see, curate, and document ourselves through the lens of the rear camera. In the age of social media, life is increasingly mediated through images: from selfies to “thirst traps” (defined by Urban Dictionary as seductive photographs or flirtatious messages posted online with the intention of eliciting public expressions of desire). These images are rarely neutral; they are carefully composed to accentuate particular bodily attributes and construct a desired persona. Within this visual economy, the bikini becomes an especially potent garment. It offers the perfect alibi: a socially sanctioned context that legitimizes bodily display. The bikini thus operates as both clothing and weapon, enabling exposure with subtlety.

As a form of content, thirst traps function as algorithmic accelerators. In an ecosystem governed by opaque and constantly shifting engagement logics, they often serve as a reliable way to “revive” visibility when posts are underperforming or consistency has not been quite there. What appears almost magical is in fact structural: platforms reward content that captures attention quickly and sustains interaction.

This dynamic is intertwined with the neurochemical architecture of social media. Platforms are designed to keep users hooked through behavioural psychology strategies. The “like” operates as a micro-symbol of social approval and validation, triggering small bursts of dopamine that reinforce participation. Within this economy of attention, the body becomes clickable and commodified.

Women, in particular, are structurally positioned within this system in ways that encourage self-display. Luring poses, meditated angles, and styling become tools through which followers are invited to affirm and validate images. What reads as individual choice is often shaped by a broader visual culture that equates visibility with desirability (and desirability with value).

Ans yes, sexuality is an important topic in the social media world. Through sexy bikini pictures, women in some way are reclaiming their agency in portraying their image and identity as they want to be perceived. And let’s face it, sexuality on many occasions can lift a few eyebrows, especially if we are talking about female sexuality. Which is something that has been discussed through all the waves of feminism, where there has existed an idea of female sexuality and how much freedom and control one can have over it in a world shaped by patriarchal structures.

The questions remain: is having the ability to choose inherently feminist if a woman is the one making it? Are we changing any structural barriers faced by other women by posing provocatively for social media and proclaiming to be a feminist?

Would love to read your opinions in the comments, as this is a topic that can cause many standpoints.

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Poder Glamour & Gloria: Curso & Coffee Break Virtual

Poder Glamour & Gloria no es solamente un podcast; este espacio está evolucionando para convertirse en una comunidad digital especializada en eventos virtuales y más adelante, presenciales.

Te queremos invitar a este curso, en el cual vamos a ahondar en cómo lo que consumimos (moda, alimentos, cultura visual, contenido, etc.) finalmente termina por consumirnos.

Para esto, abordaremos temas como el terrorismo, la vigilancia, las redes sociales y el reality TV y nos dedicaremos a entender la cultura visual como una administradora del miedo, la identidad y el control en el siglo XXI.

Si te interesa desarrollar una mirada más fina sobre estas conexiones, esta sesión es para ti.

📅 Jueves 12 de marzo
💻 Modalidad virtual
💰 $50.000 COP / 10 USD

Me gustaría que esta no fuera solo una charla, sino un espacio para pensar juntas.

Si te interesa, puedes inscribirte AQUÍ!

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Este espacio es para conocernos en una pausa virtual, tomar un café e intercambiar lecturas sobre temas de actualidad relacionados a la política, cultura popular & consumo.

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En una fría, pero soleda tarde londinense, me adentré por Marylebone y me dirigí hacia la formidable galería The Wallace Collection para deleitarme con sus primorosas piezas como El Columpio y el famoso cuadro de Eleonora de Toledo, y ver la exhibición de Caravaggio sobre su famosa obra: Cupido.

La exhibición, ubicada en una de las salas subterráneas del museo, transporta al espectador a la Roma del siglo XVII, una época donde ocurrió una bonanza cultural e intelectual y vio el surgir de este artista de origen milanés. Caravaggio se mudó a Roma amparado por el auspicio de Vicenzo Giustiniani, un banquero y coleccionista de arte con una próspera fortuna.

En esta ciudad el artista forjó sus obras más importantes como la del Apóstol Mateo y su icónico Cupido. Su arte sin duda se benefició de una vida movida y social que Roma le proporcionaba, donde asistía a tertulias en tabernas y se codeaba con intelectuales de aquella época.

El Victorioso Cupido fue una pieza realista, pues su técnica se nutrió de precisión y observación intensa. Cuentan que las alas del Cupido fueron pintadas usando el plumaje y la anatomía de un águila. Caravaggio de manera dedicada estudió el animal con detalle para lograr capturar su esencia en la representación del hijo de Venus y Marte. Su modelo fue el asistente de su taller, un niño apodado Cecco.

El chisme que me dejó atónita mientras leía las descripciones establecidas por la curaduría de la exhibición, revelaba que Cecco no solo posaba para Caravaggio, ni solo era su pupilo, el artista abusaba sistemáticamente de él y lo sometía a tortuosos afectos en contra de su voluntad mientras este apenas tenía doce años.

Tras leer esto además de llegar a la reflexión obvia de si uno debe de separar la obra del artista, en realidad lo que me hizo adentrarme en mis pensamientos fue ver el patrón de lo incrustada que está la pederastia en la historia y la sociedad actual.

Y sí, Caravaggio vivió hace varios siglos, en una época donde la niñez era una idea difusa y poco reconocida. Pero el tema del momento: el interminable caso de la red de pedofilia del embustero financiero Jeffrey Epstein, no deja de sacudir al mundo entero. La desclasificación de los archivos de este caso reforzó la evidencia sobre cómo la corrupción y la complicidad de varios actores (aunque hubiese sido por omisión) la sostenían a esta red.

Ilustrando a la perfección lo podrida y doble moral que es la élite global. Pues utilizan su poder para escudarse de la justicia y empleándolo al proyectar una imagen pública que los posiciona como caritativos (por sus “generosas” donaciones para fines filantrópicos) e intachables. Eso mismo hizo Caravaggio en su época, se codeaba con élites intelectuales para gozar de buena fama.

Caravaggio pasó a la historia como uno de los artistas más importantes y sus entramados pedófilos apenas quedaron como recuerdos poco relevantes en su obra. No obstante, en pleno siglo XXI, donde sí se reconoce la infancia como una faceta humana dignada de ser protegida, donde el tráfico de personas es ilegal a nivel internacional y la pederastia es un delito, cuesta entender cómo personas tan visibles y poco discretas lograron burlar las autoridades para continuar con sus desenfrenos y excesos.

Y como el pequeño Cecco, las víctimas de estos depredadores poderosos son una y otra vez invisibilizadas mientras que sus abusadores permanecen estoicos en su privilegio.

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Nano Banana Pro dejó a los usiarios de internet descolocados y en varios posts en redes sociales como X, Tik Tok y Reddit se leen afirmaciones pesimistas y llenas de preocupación, pues las nuevas imágenes que produce este servidor ya no tienen esa aura robótica, sino que parecen fotografías tomadas con una cámara.

Los últimos años hemos apreciado varios sucesos en las esferas digitales que nos han puesto a dudar: ¿qué es real, qué es performático? En nuestras pantallas aparecen lustrosas imágenes aesthetic, personas bellas que nos muestran estilos de vida inalcanzables, deepfakes y ahora con Nano Banana Pro, será nuestro deber como usuarios verificar varias fuentes para asegurarnos que la información que estamos consumiendo sea verídica.

Catharina Doria, la creadora de contenido especializada en ética de AI compartió en un tutorial sobre cómo navegar las redes sociales para mantenernos anclados a la realidad. Ahora con la versión mejorada de Nano Banana Pro, Doria surgió algunos trucos como reverse search o buscar tres fuentes que contengan la imagen. La ola de AI toma cada vez más fuerza, y su presencia en las redes sociales se ha convertido en un paisaje. Tanto es así que inclusive los más desprevenidos se percatan de cuál post suena robótico y en aplicaciones más visuales como Instagram y Tik Tok es casi imposible no encontrarse con una imagen o video producida por la inteligencia artificial.

Es increíble que ya estemos viviendo en la época relatada por varias obras de ciencia ficción. 2001: A Space Odyssey nos dio una degustación de la inteligencia artificial en los años 60s (vean el video de abajo para tener más contexto).

George Orwell, por otra parte relató en su obra 1984 cómo la sociedad vacila entre la realidad y cómo esa realidad es regulada por una autoridad. Hace poco asistí a un evento donde, la reina de la ficción, Margaret Atwood fue la principal panelista. Atwood mencionó que la ficción era el mejor termómetro para ilustrar hasta donde puede llegar nuestra sociedad. Y considerando los ejemplos mencionados y la mismísima obra de esta autora: El Cuento De La Criada, podemos apreciar que la realidad no está alejada de la ficción.

La saturación del contenido con AI se ha vuelto insoportable para varios usuarios pues en los últimos meses ha ocurrido un fenómeno bastante interesante: las personas han dejado de publicar en las redes y han optado por reducir su tiempo en pantalla, pues los feeds infestados con contenido generado por IA generan bastante desconfianza.

La paradoja es que las redes sociales ya no son sociales. Inicialmente surgieron como plataformas donde las personas veían imágenes de sus allegados familia y amigos; Con fotos espontáneas compartiendo momentos cringe. Ahora el panorama es muy diferente, pues la mayoría del contenido está pensado para influenciar y generar ventas. Aumentando la sensación de que ya nada es espontáneo o genuino sino que cada post es una estrategia premeditada y calculada.

Este agotamiento se ve en el declive del screentime que ha bajado 22% en el último año. Además dos tercios de los Gen Z creen que las redes sociales les generan mucho daño tras haberlas utilizado, muchos afirmando sentir ansiedad y depresión.

Tanto Meta como Snap, X e inclusive Tik Tok, han reportando una reducción de su uso. En sus estadísticas, Meta ha revelado que solo el 17% del tiempo usado en Facebook y el 7% en instagram los usuarios consumieron contenido relacionado con sus allegados y amigos.

Es decir, las redes sociales y nuestros feeds se han convertido en espacios donde interactuamos con memes, imágenes generadas con Inteligencia Artificial. Añadiendo el hecho que en estos espacios digitales, donde cada vez vemos menos a nuestros seres queridos, forjamos relaciones parasociales con influencers y celebridades a las que no conocemos, pero creamos conjeturas sobre sus vidas alrededor de su contenido. Estas relaciones parasociales nos permiten comulgar con el estilo de vida de estos influencers al consumir los productos que estos promocionan en sus espacios.

La reducción del tiempo en pantalla junto con la reducción de post de los usuarios es un signo de amenaza para estas compañías pues puede significar pérdidas económicas. Además los usuarios ya no se sienten seguros en estos espacios, especialmente en un clima donde el conservadurismo, el rage bait, la inseguridad cibernética y la desinformación están proliferando.

Recientemente se desató un escándalo en la red social X, luego de que se denunciara que Grok, la inteligencia artificial de Elon Musk integrada a la plataforma, está siendo utilizada para sexualizar imágenes de mujeres sin su consentimiento. Además de la manipulación de imágenes de mujeres adultas, también se han reportado casos especialmente graves en los que se generan imágenes de menores de edad en contextos sexualizados. El machine learning the Grok se alimenta de toda la base de datos de odio que compone lo que antes era Twitter. Es bien sabido que esta red ha impulsado la agenda conservadora de la extrema derecha para posicionarla en la cultura mainstream y con esto naturalmente arrastraron los discursos de odio y misoginia.

Rage bait + discursos misóginos + el impulso de una agenda extremista + la capacidad de cometer delitos permaneciendo impune componen la mezcla perfecta para el caos. esto demuestra que no hay que confiar en las redes ciegamente ni en la inteligencia artificial, pues todo lo que está conciliado allí es propiedad de esas grandes corporaciones.

Aquellos rasgos como imágenes personales e inclusive la voz pueden ser fácilmente replicados y utilizados. Pensemos en TikTok, cada vez que se sube un video cualquier usuario puede usar el audio de la voz que se escucha para crear un otro video con este. Otro caso bastante sonado ah sido el de Emily Ratajkowski la modelo de ropa interior quién fue víctima de un robo de su propia imagen al compartirla en instagram. Cuando un artista decidió vender su foto en una galería Emily no pudo obtener regalías pues una vez la compartió en los feudos de Meta, renunció a sus derechos.

Byung-Chul Han ha analizado las disrupciones que han ocasionado las esferas digitales para algo tan humanamente básico como la narración. El filósofo menciona que en el espacio digital los datos son más valiosos que las narraciones, afirmando:

“Cuanto más datos se compilen acerca de una persona tanto mejor se la podrá vigilar manejar y explotar económicamente. El Phono Sapiens cree que solo está jugando, pero en realidad lo están explotando. el Smartphone como campo de juegos Resulta ser un panóptico digital”.

Ese panóptico digital, conlleva la normalización del voyeurismo, de la pornografía de las imágenes, de la vida privada. Las esferas digitales nos han convertido en pervertidos disociados de la realidad, esclavos de señores feudales que minan nuestros datos.

Viviendo bajo la ilusión de que estas redes nos conectan cuando en realidad nos alejan de nuestras comunidades locales, de nuestros amigos y de nuestros seres queridos. Nos estamos convirtiendo en una generación sórdida, ensimismada, suplantando la conexión real y humana por la aprobación del yo, el like. Cada vez estamos más solos, angustiados bajo tsunamis de información, suplantando la socialización por pantallas.

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Club de lectura

Este encuentro está diseñado para ir más allá del resumen de reportes y abrir conversaciones informadas sobre poder, sostenibilidad, energía y negocios en la industria de la moda.

¿Cómo funciona?

Material de lectura
Antes del encuentro, recibirás por correo el reporte State of Fashion 2026 de Business of Fashion x McKinsey, junto con una guía de lectura con los ejes temáticos que abordaremos.
En ese mismo correo recibirás la información logística del evento (link de acceso).

Preparación individual
La idea es que cada participante llegue con sus propias notas, preguntas y reflexiones.

Encuentro grupal
El evento tendrá una estructura híbrida entre:

• Una conversación guiada tipo panel, con una experta invitada en sostenibilidad y energía.

• Un club de lectura abierto, donde las preguntas y aportes del grupo serán parte central de la discusión.

Juntos exploraremos las tensiones entre crecimiento económico, sostenibilidad, transición energética y los límites reales del sistema.

Información práctica

• Fecha: 10 de Enero 2026

• Hora: 11:00 am (hora Colombia)

• Formato: Webinar

Importante

Este encuentro es gratuito, pero requiere un compromiso de lectura previa. La calidad de la conversación depende del involucramiento de todas las personas participantes.

Inscríbete Aquí

Han pasado unas semanas desde que múltiples titulares (y buena parte de los creadores de contenido) declararon que había sido “la peor semana” en la carrera de Sydney Sweeney. Su más reciente película, Christy (2025), apenas logró recaudar 1,3 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, una cifra decepcionante para una producción de 15 millones.

Y este no es un hecho aislado: es la tercera película de Sweeney en el año que no logra destacarse en taquilla. Esto ha reactivado un debate conocido pero persistente:
¿la cultura de la cancelación realmente afecta las carreras de celebridades y las marcas… o ya perdió su efecto?

Recordemos el contexto: el escándalo de American Eagle

A mediados de este año, Sweeney protagonizó una campaña para American Eagle con el slogan “Sydney Sweeney has great jeans” (“Sweeney tiene grandes jeans/genes”).

El doble sentido, y la lectura inevitable de que jugaba con la idea de “buenos genes”, generó una oleada de críticas: pues su fenotipo representa lo hegemónicamente blanco, porque la frase se interpretó como un guiño insensible a discursos eugenésicos y porque la marca no supo prever el tono, contexto y sensibilidad de la conversación cultural actual. Un contexto donde los ideales conservadores y de la extrema derecha están aflorando y normalizandose, esto lo vemos con episodios como el retorno de Trump al poder, el endurecimiento migratorio en diferentes paises, la idealización de la figura de la trad-wife, etc.

En un post anterior analizamos este caso con más detalle e ilustramos qué había en juego, por qué incomodó y qué revelaba del clima cultural actual.

Una entrevista que empeoró la situación

En la semana del estreno de Christy, Sweeney apareció en GQ.
Muchos internautas criticaron que la entrevista fue “demasiado complaciente” pues hubo pocas preguntas incómodas y un tono que parecía más PR que periodístico.

Cuando la periodista mencionó la controversia y el descontento general (sobre todo respecto a la incomodidad que despierta el hecho de que personas blancas hagan chistes sobre “genes superiores”) Sweeney simplemente lo desestimó.
Dijo que quienes se molestaron estaban “exagerando”.

Ese comentario, lejos de apaciguar las críticas, reavivó el malestar en redes.

De actriz de culto a símbolo para la mirada masculina

El ascenso de Sweeney se forjó en papeles complejos, arriesgados y con gran acojida de un público femenino. Algunos ejemplos son:

• Sharp Objects

• The Handmaid’s Tale

• Euphoria

• Reality

Estos papeles requerían de vulnerabilidad, densidad emocional y complejidad moral, lo que ejemplificó el talento de Sweeney y su capacidad como actriz.

Pero tras el éxito de Euphoria, Sweeney hizo un giro de 360 grados, pues se dedicó a orientar su marca hacia una audiencia masculina, sexualizandose y generando colaboraciones que buscaban un alto impacto comercial.

En varias oportunidades la actriz ha mencionado lo dificil que es generar un sustento estable y pago justo en Hollywood, por esta misma razón a recurrido a aliarse con marcas para generar mayor notoriedad en ella y mayores ganancias monetarias. El problema es que este giro ha cambiado radicalmente su público objetivo que ha tenido efectos en las taquillas.

American Eagle también sintió el impacto

Aunque la campaña con Sweeney dio inicialmente un pico de valorización y exposición, con el tiempo las acciones de la empresa han perdido valor, y recientemente la marca dio un nuevo giro aliandose con Martha Stewart para “lavar esa mancha”.

Creadores de contenido de TikTok como Laamateur han circulado la idea de que Sydney Sweeney es “inmune a la cultura de la cancelación” porque, a pesar de la controversia, su popularidad en redes sigue siendo alta. Para mi, esta “inmunidad” de Sweeney es más bien una ilusión algorítmica pues su contenido circula, pero no moviliza al público hacia sus proyectos ni películas

Al apelar al favoritismo masculino conservador y promocionar una película como Christie (sobre una mujer lesbiana, víctima de abuso doméstico), Sweeney queda atrapada entre dos públicos que no sienten que ella les hable directamente.

Así mismo, la marca personal de Sweeney confunde a su público al presentar alianzas comerciales poco claras con marcas de ultra lujo como Armany Beauty y al mismo tiempo con marcas populares Dr. Squatch. Es decir, su imagen es un enigma pues está en todas partes todo el tiempo pero de manera desordenada y sin coheción.

Me atrevo a decir que lo que vemos con Sydney Sweeney no es necesariamente el fracaso de la cultura de la cancelación. Tampoco es una prueba de su total irrelevancia. Lo que parece estar ocurriendo es algo más sutil: la cancelación ya no destruye carreras, pero sí erosiona la confianza.

Ustedes qué opinan?

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Gabinete de Curiosidades

Objetos: el vestido de Jackie Kennedy (O’) vs el vestido de Marilyn

Hace unos días, por el Instagram de mi proyecto y comunidad, Poder Glamour & Gloria hablaba sobre este famoso suit de Chanel que usó la primera dama de Estados Unidos el 22 de noviembre de 1963 en Dallas. Ese fatídico día, Jackie O’ salió ante los medios con su vestido ensangrentado, y subsecuentemente, el vestido se materializó en el estado herido.

La falda terminó manchada con fragmentos de la sangre de la cabeza de John F. Kennedy. El cuerpo del Presidente, la “cabeza del Estado”, derramada sobre una falda femenina: una imagen insoportable para una nación tan poderosa como lo ha sido históricamente Estados Unidos. Ese traje se convirtió en un documento material del colapso del poder, de la vulnerabilidad del cuerpo político. En él, el Estado aparece feminizado, herido y completamente vulnerado.

Cuando hablamos del “cuerpo estatal”, no nos referimos solo a instituciones o fronteras, sino a los símbolos culturales que encarnan su fuerza o fragilidad. Ese día, el traje de Jackie dejó de ser una pieza de moda y pasó a ser un archivo que representa un trauma nacional.

Aunque existen fotos, el traje real permanece oculto y no podrá ser visto por el público hasta el año 2103. Quienes tienen acceso a esta pieza deben hacer parte de una institución educativa y pedir abrumadores permisos para apreciarla. Exponer esta pieza sería poner el dedo en la yaga, vislumbrando la vulnerabilidad del poder masculino, lo que para muchos, desataría una histeria colectiva.

Según la académica Rhonda Garelic, el traje de Jackie O’ encarna una mezcla de dicotomías y es un recordatorio explícito de la amenaza real del terrorismo doméstico y la fragilidad estatal y presidencial.

Por otra parte tenemos el vestido histórico de la actriz Marilyn Monroe, la primera versión de lo que hoy conocemos como el naked dress, pues el cuerpo de Marylin quedó casi que completamente visible con la iluminación del escenario, exponiéndola literal y simbólicamente.

Garelic afirma que el naked dress hoy en día (y también en la época de Monroe) funciona como una indumentaria complaciente, pues en esta era de la guerra contra el terrorismo, el aumento de dispositivos de seguridad como escáneres corporales en aeropuertos ha reforzado la exposición del cuerpo.

El naked dress retratado en imágenes funciona como un escáner que refleja la normalización de la exposición y de la vigilancia.

Y en esta era de la vigilancia normalizada, las plataformas como Instagram y TikTok nos invitan a compartir cada aspecto de nuestras vidas, del mismo modo en que la moda del naked dress nos anima a exponer el cuerpo. La vigilancia ya no es solo impuesta, sino estilizada y deseada.

Si el traje de Jackie documenta un colapso, el vestido de Marilyn ofrece una fantasía de estabilidad:

Un cuerpo femenino intacto, erotizado, domesticado al servicio de un poder masculino funcional.

Marilyn no solo era actriz; era la encarnación de una sexualidad explosiva, una Bombshell. El vestido moldeaba y contenía esa explosión: era un regalo performático para el Presidente, un refuerzo de su virilidad pública.

En términos simbólicos, mientras el vestido de Jackie feminiza al Estado al mostrar su vulnerabilidad, el vestido de Marilyn reafirma un Estado masculino, fuerte, operativo. El cuerpo expuesto de Marilyn, paradójicamente, es un escudo: legitima el poder presidencial a través de la espectacularidad.

Es una feminidad contenida, predecible y complaciente. Por eso mismo, este vestido ha sido exhibido en numerosas ocaciones y se le ha permitido inclusive a personas influyentes, portarlo en eventos de amplia reportería.

Pregunta

Circula una teoría en internet que dice que los hombres piensan en el Imperio Romano varias veces a la semana. No por razones académicas, sino porque se les ha quedado tatuado como un símbolo de conquista, poder, nostalgia o simplemente… obsesión cultural.

Y entonces me puse a pensar:

¿Qué es eso que vive en nuestra mente con la misma intensidad?
Esa estética que no podemos soltar, esa figura histórica, esa época, esa pregunta sin resolver que nos visita en los trayectos en bus o en la ducha.

¡Todos tenemos un Imperio Romano!

¿Cuál es el tuyo?

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Compartiré mi Imperio Romano la próxima semana.

Invitación de la semana: Mesa Redonda de Poder, Glamour & Gloria

Estoy preparando la primera Mesa Redonda de Poder, Glamour & Gloria, un encuentro virtual para hablar (con calma y curiosidad) sobre cultura, moda, poder, política y todo lo que está definiendo nuestra actualidad.

• Duración estimada: 60–75 minutos

• Modalidad: virtual vía Google Meet

• Fecha: Sábado 29 noviembre /2025

Si quieres unirte a esta primera edición, te invito a llenar este formulario (toma menos de 2 minutos): aquí!

Gracias por leerme!

Con cariño,
Valeria.

Audrey Hepburn famously said:

And I couldn’t agree more. Paris is indeed a wonderful city, walkable, relatively small, full of museums, galleries, exquisite shops, and neighbourhoods, which are relatively close to each other (unlike London, which feels vast and sprawling).

Though it is the subject of many chlichés like the city of love / the city of lights, and sometimes burdened by the lofty expectations that lead to what’s known as Paris Syndrome, the city’s magic lies precisely in its imperfections. Paris feels like a dream you can walk through, one that has long captivated artists, designers, and writers alike. No doubt many creatives, such as Paul Poiret and John Singer Sargent, were blessed with ideas while they lived here, as there is something new to explore, some new corner longing to be discovered by the flâneur or, shall I say, flâneuse that drifts with curiosity through its streets.

Paris also holds a special place in my heart. I’ve lived many chapters of my life here while visiting family and friends. It’s in this vibrant city that my taste for art and culture truly blossomed, and where my intellectual fascination with fashion and politics first began to take shape.

So, as a self-proclaimed Paris insider (or outsider with good taste), here’s my personal guide to the must-visit places in this extraordinary city.

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Arts & Culture

1. Le Musée des Arts Décoratifs: This is one of the world’s most important museums dedicated to fashion, decorative arts, and curatorial innovation. Its permanent collection features an impressive array of furniture from different periods of French history, alongside outstanding temporary exhibitions focused on fashion and design.

   For this opportunity, I had the wonderful chance to visit the Paul Poiret exhibition. Here you can watch my take on the exhibition.

2. Gothic & Medieval: If you’re drawn to Gothic architecture and Medieval art, make sure to visit the Musée de Cluny in the 5th arrondissement, as well as Notre-Dame Cathedral, which has recently reopened to the public, and it is more beautiful than before the fire, a must-see indeed.

Fashion & Beauty

1. Cathedrals of Consumption: Academics have called department stores Cathedrals as they represent a similar culty atmosphere that churches have. Here are some of my favourite in Paris:

   

   1. Le Bon Marché: The very first department store in history, Le Bon Marché is an unmissable Paris landmark. Don’t forget to admire its iconic escalators, beautifully decorated according to the season.

      1. Make sure to visit La Grand Epicerie if you want to find high-quality French ingredients such as spices, mustards and other goodies.

   2. El Bazar de L’Hôtel de Ville, o BHV: Another legendary Parisian department store, BHV is beloved not only for its fashion and beauty departments but also for its impressive selection of stationery, hardware, and home décor. It’s the perfect place to find both practical essentials and charming curiosities. Recently, it was the focus of controversy as they are admitting the first Shein (ultra-fast fashion) store.

   3. Galleries Lafayette: Often described as a cathedral of consumption thanks to its breathtaking stained-glass dome, Galeries Lafayette is one of the city’s most stunning shopping destinations. Its carefully curated second-hand fashion section is particularly worth visiting — you’ll find pre-loved pieces from ultra-luxury brands at surprisingly accessible prices.

2. City Pharma: this pharmacy is located near Mabillon. Known for its unbeatable prices and extensive selection, it’s a paradise for French and international dermocosmetic brands — from Avène and La Roche-Posay to Bioderma and Nuxe. Be prepared for crowds, but rest assured, you’ll leave with the best deals in town and perhaps a few extra serums you didn’t know you needed. Plus, you can do the Detax in-store, so you don’t have to wait in lines at the airport.

3. From Future: Colourful, practical, and effortlessly chic, this French brand is celebrated for its essentials crafted from 100% natural materials such as silk, cotton, and cashmere. Its pieces combine timeless simplicity with a youthful twist. If you’re looking for high-quality wardrobe staples that feel both refined and playful, this is the place to find them.

4. American Vintage: Effortlessly cool and quintessentially French, American Vintage has become a go-to brand for those who value understated elegance and everyday comfort. Known for its soft fabrics, relaxed silhouettes, and bold colour palette, the label captures the art of looking polished without trying too hard.

Magazines, Books & Stationery:

1. Le Kiosque de 36 Rue de Sèvres: Right across from La Grande Épicerie at Le Bon Marché stands a charming newsstand that feels like a treasure chest for magazine lovers. Le Kiosque de 36 Rue de Sèvres offers an exceptional selection of international titles spanning economics, global politics and business; but its real gem is the vast array of fashion magazines. From Vogue US to Vogue Philippines, and niche publications like The Gentlewoman and Another Magazine, this kiosk is a paradise for anyone who finds inspiration in glossy pages and printed culture.

2. The Red Wheelbarrow Bookstore: a cosy haven for English-language readers in Paris. This independent bookshop exudes warmth and literary charm, offering a carefully curated selection of novels, essays, and poetry. Whether you’re looking for a contemporary release, a classic, or simply a quiet moment surrounded by books, it’s the perfect place to linger. Ideally followed by a coffee next door at Treize.

3. Rougier & Plé: This art supply store, beloved by students and professionals alike, carries everything from fine watercolours and sketchbooks to speciality materials for design and craft. Wandering through its aisles feels like stepping into an artist’s playground.

Yummy Eats:

1. Les Relais de L’Entrecote: Este restaurante es un clásico parisino, y es famoso por solo tener un menú, el cual se compone de papas fritas, carne en su salsa especial, ensalada, bebidas y variedad de postres. Los comensales tienen derecho a repetir, lo cual es maravilloso porque la salsa de la carne genera una deliciosa armonía entre las papas y la carne. Recomiendo también llegar con tiempo anticipado, pues las filas que se forman también son abrumadoras.

2. Maison Sauvage: una excelente opción para brunch elevado, pues tienen el mejor pain perdu (también conocidas como tostadas francesas). Adicionalmente el lugar es acogedor y está adornado por una hermosa enredadera de flores que cuelgan de los tejados.

3. Chapon: especializados en alta chocolatería, aquí podrán encontrar chocolates de varios orígenes con principios sociales y ambientales (bean to bar). Pero lo que no te puedes perder de acá es su esplendorosa Mousse au Chocolat, absolutamente cremosa y esponjosa.

4. Fauchon: Synonymous with French luxury and gastronomy. Located in Place de la Madeleine, it offers an exquisite selection of pastries, teas, chocolates, and gourmet delicacies, all presented with impeccable style. Whether you stop for a coffee, pick up a gift box, or simply admire the artistry behind its displays, Fauchon is a feast for both the eyes and the palate.

5. Mariage Frères: Founded in 1854, this elegant maison offers an extraordinary collection of fine teas from around the world. My favourite is Paris in Love, as it’s a blue tea that changes colour when you add a drop of lemon, it’s like magic. Its tea rooms, with their polished wood interiors and impeccable service, invite you to slow down and savour the art of French tea culture — a true ritual of elegance and calm amid the city’s bustle.

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Gabinete de Curiosidades

Un objeto y una historia

En mi paso por Le Bon Marché, me encontraba deambulando el primer piso de la Grande Épicerie, donde generalmente se encuentra todo lo que tiene que ver con la categoría de hogar. Distraidamente estaba admirando unas hermosas vajillas cuando desde la distancia, mis ojos se detuvieron en un hermoso conejito color camel.

Me acerqué de inmediato. Quería tocarlo, sentir su textura, mirar de cerca sus detalles. El conejo era firme, redondo y su suave pelaje estaba hecho de alpaca. El botón de su nariz era suave y sus ojitos brillaban intensamente.

Como arte de magia, el conejito me conmovió inmensamente, recordándome a esa Valeria de 6 años y su cuento favorito para ir a la cama: El Conejo de Felpa de Margery Williams.

En esa historia, un niño recibe un conejo de felpa como regalo de Navidad y, con el tiempo, lo ama tanto que se vuelve inseparable de él. Cuando el niño enferma de un virus contagioso, los médicos aconsejan a sus padres quemar todos los objetos con los que el pequeño tuvo contacto. Pero el conejo, profundamente amado, es transformado por un hada en un conejo de verdad, logrando así salvarse de la hoguera que lo hubiese convertido en cenizas.

Para quienes se estén preguntando, el conejo es fabricado por Weich Couture Alpaca. Aquí lo pueden conseguir.

Pregunta de la semana

La noticia de que Teen Vogue dejará de publicarse como medio independiente marca, en muchos sentidos, el fin de una era. No solo desaparece una revista, sino también un espacio donde la moda y la política se cruzaban abiertamente. Teen Vogue fue, durante varios años, un referente como medio, pues no subestimaba a su audiencia, sino que invitaba a jovencitas a preguntarse no solo por el estilo sino a hablar de poder, identidad y representación. Su integración a Vogue.com parece señalar un regreso a contenidos menos “radicales” como han calificado medios conservadores como Evie Magazine, más comerciales, y menos políticos; una tendencia que se ha repetido en gran parte de los medios de moda.

Entonces, mi pregunta es:
¿Crees que todavía hay espacio para un periodismo de moda con mirada política, o la industria ha decidido que las conversaciones “serias” ya no venden?

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Last week I attended the exhibition of this great British photographer in the National Portrait Gallery in London, and these are my thoughts:

From a working-class background, Cecil Beaton entered the glitz and glamour of high society through his creative gift and peculiar lens — one that found beauty in everyday life.

Now, the National Portrait Gallery in London is hosting an exhibition that celebrates Beaton not only as a fashion photographer but also as a war correspondent. A man of many faces, Beaton once confessed: “I don’t want people to know me as I really am, but as I am trying and pretending to be.” He was a master of theatricality — constantly experimenting with costume, identity, and the art of becoming the Beaton version he wanted to be.

As an artist, he quickly earned notoriety. In London, he was introduced to patrons of the arts, and in a short span of time — through hard work, luck, and personal charm — became part of the young and fashionable upper-class set that delighted in his imaginative photographs.

But Beaton wasn’t just a photographer. He painted and sketched portraits of high-society figures, his use of colour and composition always distinctive. His sensibility for fantasy transformed his work: gowns, props, and lighting effects gave his images the illusion of being cast in silver rather than mere black and white. My favourite series? The Silver Showgirl Debutantes, where he not only photographed but also designed the costumes and the set itself.

Still, his life wasn’t all glitz and glamour. The exhibition also transports you to Wilsford Manor, his countryside retreat — a space of solitude that also hosted some of the century’s most brilliant minds, from Lucian Freud to Greta Garbo (with whom he had an on-and-off long-term affair).

During his reign as the king of Vogue, Beaton deepened his experimentation and cultivated friendships with fashion icons like Coco Chanel and Elsa Schiaparelli.

As a war correspondent, Beaton maintained a sharp eye for beauty even amidst tragedy. His photographs often captured uniforms and the devastating collateral damage that war leaves behind — yet, through his lens, even destruction carried a strange grace. One image that particularly struck me shows a woman gazing at a pile of rubble, impeccably dressed and poised. It’s a haunting reminder that Beaton’s sense of style and refinement never deserted him, even in wartime.

Later, his flair for visual storytelling translated beautifully to film — most famously in My Fair Lady (1964), where he designed the opulent costumes and sets worn by Audrey Hepburn. His work earned him an Academy Award, sealing his reputation as an artist who could turn both war and glamour into spectacle.

As this newsletter is bilingual, I share with you this video created by Vogue España, where you can learn more details about his life.

Gabinete de Curiosidades

Personaje: Lorelai Gilmore

La serie de los 2000 Gilmore Girls es ese refugio nostálgico al que volvemos cuando buscamos una sensación feel-good después de un día largo o en una tarde fría. Lorelai Gilmore, madre de Rory, parece más su hermana mayor que una figura de autoridad. Tuvo a su hija a los 16 años y, de alguna forma, quedó suspendida en la adolescencia.

Atrapada entre el deseo de independencia y las expectativas familiares, Lorelai nunca ha atravesado del todo los ritos de la adultez: sus padres aún la tratan como una jovencita, trabaja en el mismo lugar desde su adolescencia y sus relaciones sentimentales carecen de estabilidad.

Su historia encarna lo que muchos llaman un adult coming-of-age: una madurez que llega tarde, o que se reinventa constantemente. Para una generación marcada por la crisis del costo de vida, la volatilidad económica, la precarización laboral y la incertidumbre política, Lorelai se convierte en un espejo. Su vida nos recuerda que nunca es demasiado tarde —ni demasiado temprano— para crecer.

En lo personal, recuerdo, vívidamente de chiquita, llegar a mi casa del colegio a ver Gilmore Girls. Era mi serie favorita, pues me conmovía ver la cercana relación de Rory con Lorelai, tras haber perdido a mi mamá y Gilmore Girls para mi representaba un pequeño escape del inmenso vació que estaba viviendo. Actualmente tengo la misma edad de Lorelai cuando inicia la serie y la verdad es que me identifico mucho con ella. No exactamente por que actúo de un modo inmaduro, sino porque como Lorelai, mi vida siento que no ha progresado mucho en mi etapa adulta.

Decidí darle un nuevo inicio a mi vida y hace unos cuantos meses me mudé a Reino Unido para darme la oportunidad de buscar nuevas oportunidades y desarrollarme como profesional en marketing y brand strategy. Lo cierto es que el mercado laboral es muy incierto y complejo actualmente y no he logrado encontrar un trabajo estable; me encuentro haciendo empleos freelance tratando de desenvolverme en una nueva vida donde aunque muy feliz y emocionada, he tenido que atravezar muchos momentos de soledad y reflexión.

Cuando la serie se estrenó en el año 2000, Lorelai tenía 32 años, es decir que pertenecía a la generación X, no obstante, su historia resuena profundamente con los milennials y los Centennials, pues estas generaciones se han enfrentado a complejidades fuera de su control como el no poder costear una casa a una corta edad, donde el mercado laboral es geriátrico y exige expectativas muy altas con salarios muy bajos. Haciendo difícil el encontrar trabajo o tener una carrera estable. Esa idea de que en la adolescencia y en los 20’s es cuando nos descubrimos y los 30s una etapa donde nuestra adultez estará establecida, es falsa. Lorelai inmediatamente resuena con las generaciones de hoy en día, que apenas están descubriendo Gilmore Girls, pues su historia de ser un adolescente de 32 años los hace sentirse identificados.

Además, a pesar de que Lorelai parece estar atrapada en esta adultez no desarrollada, no quiere decir que no esté progresando pues ha desplegado su ética laboral en el hotel donde trabaja y cada día se descubre, crece y aprende algo de sí misma. ¡Lorelai Gilmore, es mi inspiración!

Aquí les dejo un video ilustrativo del personaje:

Pregunta de la semana

Lula y Trump buscan un punto medio. Petro y EE. UU. se distancian.
Ambos encarnan visiones distintas de liderazgo latinoamericano frente a la histórica hegemonía de EE. UU. en la región.

Pero Trump no ve el sistema internacional como un espacio de diplomacia, sino como un mercado de oportunidades: un tablero de transacciones donde cada país es un activo, cada alianza un contrato, y cada gesto una inversión. Su visión heredada del mundo inmobiliario, transforma la política exterior en un juego de rentabilidad simbólica y quien no coopere es ninguneado.

Ese enfoque está redibujando las fronteras de influencia en América Latina: mientras levanta muros metafóricos con unos, abre la puerta a la incidencia de China con otros.

¿Qué crees que explica estas diferencias?
¿El pragmatismo de Lula, el tono desafiante de Petro o la lógica transaccional de Trump?

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This week in London I had the wonderful opportunity to attend a panel organized by The Trouble Club, where the journalist Emily Maitlis addressed the uncomfortable truths about systemic pedophilia and her responsibilities as a journalist.

The infamous case of Jeffrey Epstein and Prince Andrew naturally came to topic. Emily was the journalist who exposed Prince Andrew’s hypocrisy and contradictions in her now-historic Newsnight interview in 2019 — a moment that redefined public accountability for the British monarchy.

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That interview has resurfaced in public conversation after Prince Andrew was recently forced to relinquish his royal titles, following the posthumous publication of Virginia Giuffre’s memoir, in which she recounts her abuse and the complicity of powerful men.

Here are some of the most striking takeaways from Emily’s reflections at the event.

1. “The interview of the century” wasn’t luck — it was persistence.
Maitlis explained that her team had been bidding for Prince Andrew’s participation since 2018. When they sent an outline of the topics to be covered, someone from the Duke’s team crossed out the word “Epstein.” Her editor immediately saw it as a red flag.

2. Timing and fate collided.
By mid-2019, Epstein had been arrested — and less than two months later, he was dead. That moment reignited the negotiation. The Prince’s team agreed to revisit the idea, and Emily’s team convinced him that Newsnight was the platform to do it.

3. Prince Andrew’s arrogance sealed his downfall.
When asked about logistics, he reportedly told Emily’s producer: “You can ask me three questions.” She insisted on a full hour. He reluctantly agreed to 50 minutes. Hours before filming, he tried to cancel — but a producer reminded him it was “too late to back out.”

4. Lies, contradictions, and the breaking point.
Upon re-watching the interview, Maitlis noticed a moment that still haunts her: Prince Andrew claimed that he had “broken off” his friendship with Epstein in December 2010 — while walking together in Central Park. To Maitlis, that statement revealed everything: “He minded the scrutiny, not being friends with a pedophile.”

In reality, the friendship continued. Two months later, Andrew emailed Epstein suggesting they “play again soon.”

5. A scandal that still consumes royal oxygen.
Maitlis reflected that the monarchy is once again gasping for air under the weight of renewed scandal. King Charles is reportedly urging Andrew to leave the Royal Lodge; even Sarah Ferguson — who also exchanged emails with Epstein — may have to move out.

6. The Epstein files remain a dark mystery.
Emily also referenced the journalist Amy Wallace, co-author of Virginia Giuffre’s memoir, who appeared on her podcast. Wallace said: “The victims have already done their job — what remains are the Epstein files.”

These files allegedly contain recordings Epstein used as collateral to bribe his powerful guests — politicians, royals, businessmen. Both the US and UK have opened new lines of investigation, though much remains opaque due to corruption.

7. Trump’s role in the narrative.
Maitlis noted that Donald Trump once claimed he would release the Epstein files upon taking office — only to later dismiss the scandal as a Democratic hoax. His proximity to Epstein, and the abrupt change in rhetoric, continue to fuel speculation.

The Newsnight interview endures not only because it humiliated a prince, but because it revealed how power, denial, and privilege intertwine.
As Maitlis suggested, journalism at its best doesn’t simply report power — it unmasks it.

Gabinete de Curiosidades

Pregunta

¿Y si las conversaciones de Poder, Glamour & Gloria cobraran vida?

¿Y si en lugar de solo escuchar podcasts, nos sentáramos juntxs —con una taza de té y una buena dosis de curiosidad— a hablar sobre lo que realmente está pasando en el mundo?
Cultura, moda, poder, política, salud… y todo lo que se cruza entre ellos.

Así nace la idea de las Mesas Redondas de Poder, Glamour & Gloria, encuentros virtuales moderados por mí, pensados para conversar sin prisas, sin filtros y con entusiasmo sobre actualidad.

Antes de lanzar la primera edición, quiero escucharte:

• ¿Qué temas te interesan más?

• ¿Qué horarios te funcionarían?

• ¿Cómo imaginas este nuevo espacio de conversación?

👉 Responde esta breve encuesta y ayúdame a darle forma a las primeras Mesas Redondas

El Contrapunto

El Potlatch del Siglo XXI

Desplegar glamour y capacidad de consumo, ha sido empleado como una estrategia para otorgar legitimidad a un grupo dominante en la política, en lo social u en lo económico. En la historia del arte se observan numerosos ejemplares donde la imagen y la rimbombancia se emplean para otorgar poder. Esto recuerda a la opulencia de Luis XIV, quien al encarnar el estado francés mostraba su poder glamour y gloria a través de su cargada indumentaria.

El querer demostrar riqueza para obtener validación de otros, resulta algo trival, casi que instintivo (podría argumentarse) que se ha presentado en distintas civilizaciones a lo largo de la historia. El antropólogo Franz Boas, observó rituales económicos en comunidades indígenas del noroeste del Pacífico (British Columbia, Canadá). En este ritual conocido como potlatch, los líderes regalaban o destruían grandes cantidades de bienes (comida, cultivos, pieles, ganado, etc.) para ganar prestigio y “humillar” a aquellos rivales de otras tribus que no podían igualar su generosidad. En apariencia era un acto de redistribución, pero en realidad creaba jerarquías de estatus. Otros antropólogos como Marcel Mauss interpretaron el potlatch como un intercambio simbólico y económico en el que la “mejor persona” obtenía reconocimiento a través del derroche.

El despliegue de la afluencia económica y el exhibicionismo del consumo en los recientes años de la historia no solo ha sido reservado para los políticos, se ha convertido en un arma normalizada que le otorga estatus a diferentes personajes, desde influencers, élites, hasta usuarios que desean atraer atención digital.

Ashley Mears, la socióloga y modelo norteamericana, da una excelente interpretación del potlatch en las sociedades del capitalismo tardío: para ella las rrss son un escenario global de potlatch digital, donde el deroche se materializa en hauls, bañarse en champaña, mostrar jets, relojes, ropa o viajes en Instagram o Tik Tok. Este potlatch ocurre frente a una audiencia que mide el valor individual por la capacidad de gastar y exhibir. Así, influencers, usuarios, creadores de contenido, celebridades y nepobabies participan en un intercambio simbólico de prestigio: dar, mostrar, exhibir, regalar experiencias o lujos para recibir atención, validación y estatus.

Para Mears, la diferencia es que en el contexto digital este gasto no busca utilidad, sino visibilidad: no incentiva a la reciprocidad, sino que busca producir reconocimiento y poder simbólico por razones personales y de ego.

El fenómeno de la influencia en Colombia ha tomado mucha fuerza en las últimas décadas, tanto así que investigaciones de entidades como SmartPR, han encontrado que ser influencer se ha convertido en la profesión más deseada por niños y jóvenes en el país. Este dato, más que anecdótico, funciona como un espejo de los valores que orbitan nuestra cultura contemporánea: el apetito voraz por la comodidad, el lujo y el dinero fácil.

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Esta semana fuimos testigos de dos casos que evidencian que la influencia no es un oficio inocente. Al ser una práctica escasamente regulada, se ha convertido en vehículo para actividades dudosas e incluso criminales —desde la evasión de impuestos hasta el lavado de activos, secuestro o inclusive tortura—.

Colombia carga con una mancha casi imposible de borrar: el narcotráfico, no solo como economía ilícita, sino como estética y aspiración social. En las redes se promueve un imaginario donde la ostentación económica —con frecuencia de origen incierto— es celebrada como símbolo de éxito. Se trata de una economía del deseo en la que la riqueza se exhibe como espectáculo y la audiencia participa como público devoto.

La escritora , reflexionó recientemente sobre las implicaciones éticas de presumir, una afluencia desbordada en un país tan desigual como Colombia. Hablaba del caso de una influencer de su ciudad natal, Cartagena de Indias —una ciudad atravesada por profundas heridas coloniales—, quien respondió que su propósito era “inspirar” a sus seguidores, ofreciéndoles un escape de fantasía y tranquilidad. Pero bajo esa fantasía se esconde un ritual moderno de derroche y prestigio: donde el exceso, más que una muestra de bienestar, es una forma de poder. Y donde se obvia la adquisición de dinero como algo que sólo quienes se “atreven a soñar” y a “manifiestarle” al universo, pueden lograr.

La manifestación y el acto de “pensar positivo” es otro tema que valdrá la pena abordar en una siguiente entrega, pues en este se exhimen variables que aseguran el éxito económico personal o de un negocio, como la estabilidad financiera, la posición social, conexiones, etc.

Lauren Greenfield, la cineasta y antropóloga en su filmografía ha mostrado las dinámicas del potlatch en contextos del norte y sur global en el siglo XXI. En sus obras como Generation Wealth ,The Queen of Versailles y The Kingmaker, la ostentación no es solo un acto de consumo: es un lenguaje semiótico. Un ritual donde el gasto se convierte en discurso moral, político y aspiracional. En Colombia, este guion global adquiere matices propios: el dinero se muestra, se presume y se canoniza como símbolo de redención social (así detrás de escenas tenga una dudosa procesencia o las personas se estén endeudando para sostener el ritmo de vida que presumen).

Pero, como en las imágenes de Greenfield, tras la superficie del lujo se adivina una misma fragilidad: la de una sociedad que confunde abundancia con valor y visibilidad con poder.

¿De dónde me leen y qué los trajo a este espacio?

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¡Los leo!

Con amor,
Valeria x