Il centenario della morte di Valentino

Il cinema e il videonoleggio come “terzi luoghi”

Secondo il sociologo Ray Oldenburg, i “terzi luoghi” sono, dopo la casa e il posto di lavoro, il luogo dove si passa il tempo libero. Sono terreni neutrali, livellatori (diminuiscono le differenze di classe e di status), accessibili liberamente, accoglienti e frequentati da persone abituali. La conversazione è l’attività principale. Nella storia americana, i teatri e poi i primi cinema sono stati luoghi di questo tipo, nelle grandi città, dove erano accessibili a basso prezzo.

Piccola parentesi: Anche nei piccoli centri, sale comunali, polifunzionali, fungevano da spazi di aggregazione, spesso molto diverse dai cinema urbani, puramente commerciali e consumistici. Di questo parla il mio articolo accademico appena uscito (inglese, ma ad accesso libero. Ci sono anche le foto).

Più tardi, il film divenne l’attrazione principale, erodendo la funzione comunitaria, secondo il sociologo Richard Butsch. Specialmente, aggiungo io, quando negli anni Settanta sempre di più il cinema è assurto a luogo ‘culturale’ più d’élite. Con l’arrivo delle videocassette sorsero i primi videonoleggi. E se anche questi fossero intesi come ‘terzi luoghi’? è quello che fa lo studioso Joshua Greenberg in questo articolo. Nelle sue ricerche ha intervistato diversi gestori di videonoleggi e ha visto che chi lavorava lì faceva il ruolo del barista dei terzi luoghi di Oldenburg: esperto del prodotto (i film) e conoscitore delle esigenze della propria clientela. I clienti stessi potevano entrare a far parte della cerchia dei nerd del cinema se ne sapevano abbastanza, e si creava una comunità, dove appunto si parlava.

Greenberg menziona anche il lato oscuro: i commessi che asseriscono la propria dominanza sul cliente: facendo a gara a noleggiare il film più brutto o prendendoli in giro. Era una cultura maschia e adolescenziale. Mi viene in mente il film Clerks, l’esordio di Kevin Smith, capolavoro di comicità, fatto solo di commessi del videonoleggio che parlano, in pratica. Nello stesso periodo, i primi anni Novanta, esordiva anche l’ex videonoleggiatore Tarantino.

Oggi i videonoleggi sono spariti e le sale non riescono a recuperare il trauma post-covid. Il senso di comunità, ancora peggio. Non è un caso che le nuove sale abbiano ripreso quell’appellativo di terzi luoghi per se stesse, come il cinema Troisi di Roma.

Willy Wonka

Qui c’è un articolo sulle teorie del complotto su Willy Wonka (Charlie, il bambino, potrebbe essere il figlio predestinato del capitano d’azienda Wonka e tutto il film un concorso di lavoro pilotato, ad esempio). Ed è importante perché ho scoperto che la canzone “Pure imagination” (2005), una di quelle hit che tutti quelli della mia generazione ascoltavano ma di cui non si parlava molto — passava a ripetizione su MTV e AllMusic insieme agli altri due episodi sempre del disco di Stylophonic — è la cover della canzone “Pure imagination” (1971) della Fabbrica di cioccolato. Come quando ho scoperto, pochi giorni fa, durante un concerto di cover di Cocciante, che “Per dieci grammi in più” di Dj Gruff in realtà riprende “Per un amico in più” (la canzone di Gruff è a sua volta un fantasma perché è introvabile: quasi tutti la conoscono perché è remixata nell’inizio di Ehi Paul di Mr. Tools & BBo) (quasi tutti: nel senso quasi tutti i giovani degli anni Zero).

Valentino

Il 23 agosto è stato il centenario della morte di Rodolfo Valentino, ricorda Il Post. Il suo status divistico era diventato più grande di qualsiasi prima di lui. Pare ci fossero centomila persone ai funerali.

La la la

Per i dieci anni di La La Land, il musical più famoso degli ultimi anni è ri-uscito in qualche sala: per l’occasione è stato corretta la mano di Ryan Goslin sul poster che turbava il suo disturbo ossessivo compulsivo. Qualcuno dice che è stato un film importante, a Venezia si terrà il film-concerto, però quanti davvero lo rivedrebbero?

Il futuro dei filmati d’archivio

Un altro potenziale effetto della fusione Paramount-Warner riguarda gli archivi televisivi. La storia recente — e i documentari che ne parlano — si fondano sulle immagini dell’epoca trasmesse dai canali di notizie come CBS e CNN, che passerebbero nelle mani del trumpiano Ellison. Più in generale, i detentori degli archivi audiovisivi negli ultimi anni si sono fatti più circospetti specialmente in un posto come l’America dove Trump ha la causa facile. Naturalmente è un problema che riguarda tutti i paesi, dove le immagini della Storia sono in mano a privati che le fanno magari molto care (e anche enti pubblici, vedi la Rai o l’Istituto Luce quanto ti fanno pagare per filmati di repertorio!).

Camp Miasma: adolescenza, sesso e morte

La riforma del cinema italiano

Il testo parlamentare della riforma del cinema italiano è sulla buona strada per essere approvato. Sarà discusso il 9 settembre. La proposta del relatore (FdI) è principalmente quella di istituire un’Agenzia che sostituirà o integrerà la Direzione Generale Cinema e Audiovisivo. Non è chiaro quanta autonomia avrà questa agenzia, dato che sarà sottoposta a grande controllo. E questo è un problema perché il settore ha bisogno di grande chiarezza, secondo un articolo di ArtTribune. In particolare per le questioni economiche: pare ad esempio che gli incentivi alle sale passeranno da tax credit a contributi diretti, rendendo più incerte le tempistiche e le modalità di assegnazione. C’è anche incertezza sull’indennità di discontinuità per i lavoratori dello spettacolo e sulle tempistiche: l’agenzia inizierà dal gennaio 2028, ma la spesa è autorizzata a partire dal 2027. Infine, sparisce la “valutazione d’impatto” della Legge (a cui avevo partecipato!), uno strumento che è sempre rimasto un po’ nascosto e che, secondo il presidente di IsiCult, non ha mai avuto molto impatto.

Addio Fulvio Lucisano

È morto il grande produttore Fulvio Lucisano. Aveva prodotto l’esordio alla regia di Massimo Troisi, Ricomincio da tre, ma anche quello di Fausto Brizzi, Notte prima degli esami. Con la sua casa di produzione Italian International Film, fondata nel 1958, aveva anche prodotto Fantozzi, Vanzina, Wertmuller e tanti altri film di successo.

Al cinema: Camp Miasma

Un ottimo articolo di Rolling Stone scritto da presenta il film Camp Miasma: adolescenza, sesso e morte. Film metacinematografico, cinefilo, autobiografico, parla di una cinefila che deve dirigere un nuovo sequel di un franchise in chiave queer (perché lei lo è) (anche la regista lo è). Difficile da spiegare probabilmente, meglio vederlo. Sul New York Times c’è una scena commentata dalla regista dell’incontro romantico tra la regista e l’attrice del primo film del franchise ‘Camp Miasma’ che vorrebbe tornare a far recitare.

Spring Breakers 2

A proposito di sequel, si farà Spring breakers 2. Se il primo era la trasformazione delle disney girls Selenza Gomez e Vanessa hudgens in bad girls A24, questo è la bad Disney girl Bella Thorne che prende il controllo dirigendo il sequel. Non c’è Harmony Korine, da cui dipendeva ovviamente l’estetica del film. Questo sarà diverso, dice Thorne che “This time, things are different. They are crazy. There’s a lot of craziness, there’s a lot of litness. There is so much litness in this movie. I don’t want to get in trouble, but what I can say is it is so litty, litty McTitties. From start to finish, it’s lit as fuck. We are having fun. If you want to go to the theater and have fun, you’re going to have fun with this movie, that’s for sure.” Non so se sto diventanto boomer io o i giovani conoscono veramente due parole.

Che fine ha fatto Vimeo?

Da novembre Vimeo termina il suo servizio on demand. Inoltre sta venendo acquisito da Bending Spoons, la silicon valley italiana (Milano). Negli ultimi anni l’azienda — dopo essere diventata famosa per Immuni — ha acquisito Komoot, WeTransfer, Evernote, Issuu, Meetup, AoL (!). Spesso, gran parte dello staff viene licenziato, e così è successo a Vimeo.

Selezioni Festival Venezia e Toronto

Qui c’è la selezione ufficiale della Mostra del cinema di venezia (menziono solo Nanni Moretti perché sì), dal 2 al 12 settembre, qui quella del Toronto Film Festival (10-20 settembre).

Un normale podcast di cani

Il problema del cinema italiano

Il Post dice che non si parla di un problemino che c’è in Italia: è vero. Escono troppi film, gli esercenti lo dicono: sono costretti a cambiare film rapidamente, a noleggiare film buono e film cattivo insieme e soprattutto i film non vengono adeguatamente comunicati. Una persona in media non saprà nulla della metà dei film in programmazione, se apre, non so, myMovies (media totalmente inventata). È inutile cambiare spesso film come se le persone andassero, come una volta, spesso al cinema. Ora si va se il film vale la pena, se è un evento, se so di cosa parla, se è garantita una certa qualità. Se ne è discusso alle giornate di cinema di Riccione, una delle due convention professionali annuali.

Zendaya & Tom Holland & Tom Holland

Gli sposi Tom Holland e Zendaya nell’ultimo mesetto hanno fatturato (figa). Protagonisti sia di Odissea che di Spiderman, entrambi i film hanno ampiamente superato il miliardo a testa. In Italia quasi che Checco Zalone si deve preoccupare (scherzo). Insieme, i due film hanno prodotto il weekend più redditizio della storia del cinema americano, mentre nel mondo Spiderman è stato il weekend d’apertura più redditizio dopo Avengers Endgame (attenzione: queste cose non contano mai l’inflazione).

Ah dopo che Musk aveva insultato Tom Holland per l’Odissea, e però non si capiva se intendesse l’attore o lo storico che aveva apprezzato il film, il podcast The Rest is History (di cui sono fan) che è appunto diretto da Tom Holland (storico) ha fatto un episodio in cui Tom Holland discute l’Odissea con Tom Holland (attore). Ah, noto solo ora che stanno citando il meme di spiderman (so many layers!!). Per qualche strano motivo ho visto anche Frank Matano che intervista Tom Holland e dove alla fine dice una barzelletta che fa ridere.

E invece se vi siete stufati dell’Odissea e delle radici della nostra cultura!! perché non vi vedete altri film radici di altre culture?? Non lo sapete che quest’anno esce il film Ramayan che parla del Ramayana, ovvero l’Odissea indiana? Dovreste, dato che il film è costato molto di più dell’Odissea!!. Una persona evidentemente indiana e informata ne parla qui. A me le immagini sembrano bruttine, da videogioco.

AI slop

Questa settimana escono si Robin Hood - Il prezzo del sangue (meglio il titolo originale: The Death of Robin Hood) che La fine di Oak Street. Per quest’ultimo, Warner Bros. ha pensato bene di fare un finto podcast di 90 secondi dove il cane del film viene intervistato da altri due cani. I commenti non hanno preso bene l’uso totalmente evitabile dell’AI per creare immmondizia promozionale a basso sforzo che, tra l’altro, c’entra poco con quello che dovrebbe essere il film (un horror con i dinosauri). A questo punto perchè non fare i film interi con l’AI? Ma è quello che sta facendo Fairground, una startup che ha intenzione di fare tra le altre cose proprio una serie su Robin Hood. Pochi giorni fa, la piattaforma di streaming Roku (che sta venendo acquisita da Fox), ha lanciato un canale (gratis con pubblicità) curato da Fairground che trasmette contenuti AI tutto il giorno, tutti i giorni, senza nessuna coerenza interna. Qui un report di qualcuno che lo ha guardato.

I giovani i giovani ma i giovani cosa?

C’è sempre, in qualche articolo, da qualche parte, scritto che 1. nonostante tutto blablabla il cinema non è morto ma continua a sopravvivere e 2. i giovani di cui si dice che sono nativi digitali e con l’attenzione di un criceto in realtà stanno loro salvando il cinema. Luoghi comuni senza senso in realtà dato che 1. dire che il cinema sopravvive significa solo non vederne i cambiamenti e 2. i giovani sono sempre andati al cinema e hanno costituito spesso la maggior parte del box office da sempre. (Ma poi i giovani chi? Si parla sempre di genZ, ma in realtà nella top10 ci sono sempre i film per bambini come Super Mario, Minions, Toy Story, Zootropia, Oceania — sì lo so che ci vanno pure i trentenni però dai). Mettendo da parte queste considerazione un po’ ideologiche e cliché, scaturite non si sa perché sempre dalla sorpresa di vedere i giovani al cinema a vedere Obsession e Backrooms (certo, se vai sempre ai cinema per vecchi non vedi i giovani), la realtà appare invece un po’ diversa secondo l’Atlantic. Se nel 2007 i 18-29 americani vedevano 9 film l’anno, nel 2025 ne vedevano 4,5. Se l’abitudine di uscire nei primi anni duemila e andare al centro commerciale spesso inlcudeva anche un cinema, oggi ci si sposta solo se il film è abbastanza chiacchierato. Come al solito, la volontà di vedere che va tutto bene non ti va vedere la realtà: che il cinema sta morendo (è questa la narrazione della newsletter quindi va bene così)!!

La tomba di Dobby

Cosa ci insegna la storia dei fan di Harry Potter che hanno protetto la tomba di Dobby (l’elfo buono o quello che era) (in realtà un memorial fatto dai fan dopo il film: gli elfi non esistono) dall’installazione di un cavo sottomarino che porta l’elettricità tra Irlanda e Galles? Che chi installa i cavi sottomarini ha un cuore d’oro. “We got back with the planners and we discussed exactly how to reroute the cable”. Oppure non ci insegna niente. Una delle due cose. Alla fine, il cavo è più vicino a delle tombe dell’età del bronzo. Per chi ne vuole sapere di più, qui c’è la vita di Dobby (spoiler: Dobby muore). La tomba:

C’è in corso il festival di Locarno. Qui ci sono cinque film da tenere d’occhio (“tenere d’occhio” dei film ;);))

Off-topic post-titoli di coda: l’Italia ha un problema psicologico con le macchine.

Poster polacco di Un buon prezzo per morire (1963)

Di nuovo poster

Stephen Follows ha analizzato manualmente un migliaio di poster e ha mostrato che circa la metà non allineano il nome con la faccia dell’attore. Il motivo è che, da contratto, i nomi più forti vanno in alto a sinistra. Però spesso nel poster l’attore più importante è al centro. Cosa succede quando i due protagonisti sono alla stessa importanza: mettono uno a sinistra e l’altro a destra ma un po’ più in alto (vedi immagine sotto). Un’analisi che complica in modo inutilmente quantitativo una questione semplice (ma ne è cosciente).

Intanto, Adrian Curry su Mubi Notebook posta una selezione di bei poster. Bello quello polacco di The Running Man (Un buon prezzo per morire, Carol Reed, 1963). Ha anche un account instagram dove mette un poster al giorno.

Il cinema fa bene

Dice Anec, l’associazione degli esercenti cinematografici, che, secondo una ricerca inglese, andare al cinema fa bene alla salute fisica e psicologica, soprattutto agli anziani.

Oltre l’Odissea

Una recensione dell’Odissea su Film Comment del film ricorda che un libro di poesie di Jonas Mekas, il grande regista sperimentale lituano-americano conosciuto per i suoi film-diario, si chiama “There is No Ithaca”e che si identificava con Ulisse. A proposito, è uscito un libro di appunti di Mekas, tradotto in italiano, dove si vedono le sue riflessioni su diverse questioni dell’epoca, anni 60-70 in particolare. Il recensore del manifesto si occupa del confronto con Pasolini, che aveva apprezzato un progetto di Mekas dove affidava una cinepresa a vari giovani afroamericani.

Anche se visivamente il film dell'Odissea non era poi così spettacolare, e forse perché dopo Oppenheimer avevo aspettative molto basse, ho apprezzato la rilettura concettuale del poema tutta centrata sul profanamento della legge di Zeus, cioè dell’ospitalità. Succede con i proci a Itaca, succede forse anche con Calipso, succede con Polifemo, succede con Circe, e soprattutto succede con il cavallo di Troia che è un dono che inganna e profana l’ospitalità. E, in questo modo, la civiltà si autodistrugge, si imbarbarisce, i micenei diventano i popoli del mare. Certo, è una interpretazione moderna dell’Odissea, grazie tante che Ulisse non era così tormentato e autoconsapevole, c’era più violenza e gli dèi intervenivano di più.

Ma invece di lamentarsi perché i personaggi parlano in slang americano, nessuno si è chiesto davvero perché lo fanno? Mi è sembrato strano che le recensioni americane non si siano chieste, forse perché troppo abituate alle americanate, il perché di tanta americanità nel film, così evidente. Ci vuole una recensione italiana per capire l’ovvio, cioè che il film parla degli americani. L’Occidente che per esportare i propri principi, non rispetta più i propri principi. La storia è l’uomo che si rende conto. Nella rece dei 400calci c’è anche una possibile interpretazione del ruolo di Sinone.

Veterani strafatti di Loto, gli aedi che sono trapper alla Travis Scott (anzi, proprio lui), Calipso tutta botoxata e in costume, Circe una moralista vendicativa che ce l’ha con gli uomini, Ulisse che a dispetto di dieci anni di stenti in zattera pere un fitness influencer, Menelao con l’accento newyorchese. Svegliaa1!11!1 Forse solo se metti Giancarlo Esposito a recitare Cicerone e Adam Driver a fare Cesare, gli metti i nomi mezzi inglesi, fai una scenografia kitchissima antico-moderno, forse, forse ci arrivano che è una metafora…

La questione della Legge di Zeus mi fa chiedere, quanto di questo c’era nel poema originale? Le colpe di Ulisse, il profanamento dell’opsitalità… Pare che quello che non è riuscita a fare la scuola, ovvero far leggere i classici, lo è riuscita a fare il film. O piuttosto sono youtuber, tiktoker e redditor che quando hanno scoperto che il film era tratta da un “libro” bisognava capire cosa c’è di vero, di cambiato, ecc. Meglio il libro o il film è sempre un buon argomento di polemica. In ogni caso, da chi non sapeva dell’esistenza del poema omerico a chi lo sta leggendo con gusto, pare che qualcuno lo stia effettivamente leggendo, riporta il Wall Street Journal.

A proposito, il New York Times consiglia un tot di libri per saperne di più sull’Odissea e in generale sul mondo antico. Molti di questi esistono sicuramnte in italiano, come il libro divulgativo sugli eroi greci di Sthephen Fry o come la rilettura fantascientifica di Dan Simmons, dove divinità postumane decidono nel futuro di rimettere in scena la guerra di Troia rievocando uno studioso del ventesimo secolo, o come la storia della guerra di Troia di Barry Strauss.

Roma

Che succede a Roma con il cinema in piazza, Gualtieri, Carocci, ecc? Questione complessa e in divenire. Valerio Carocci ha attaccato o spronato il PD a opporsi alle riqualificazioni di lusso in particolare dell’ex cinema Metropolitan (via del Corso). Poi dice che lo hanno minacciato (qui la lunghissima invettiva) e lui ha minacciato di candidarsi con una lista civica alle elezioni (non è chiaro se la crisi sia rientrata). Altri pezzi del puzzle: qui un ritratto di Carocci che onestamente non dice molto; qui invece un lunghissimo, molto interessante, articolo di Cristian Raimo che rimette in prospettiva storica le occupazioni a Roma (il cinema America era nato ocme un’occupazione, naturalmente). Troppo complesso ora per parlarne nel dettaglio.

Dazed and Confused - La vita è un sogno (Richard Linklater, 1993)

I film più americani di sempre

Dieci critici del New York Times scelgono ognuno il film più americano (link aperto!), per celebrare i 250 anni del paese. Non è la solita lista fatta tanto per sfruttare l’anniversario, i film sono interessanti. Intanto perché ci sono due dei miei film preferiti-preferiti. Uno è Dazed and Confused — un film che nasconde la profondità dietro discorsi su come George Washington credeva agli alieni, fumava erba e faceva parte di una setta, o nella famosa battuta “alright, alright, alright” che recita Matthew McConaughey alla sua prima apparizione cinematografica. Il film racconta l’ultima serata del liceo, “tra i vecchi costumi e le nuove correnti culturali, tra patriottismo e ribellione, tra libertà senza limiti e l’impossibilità di andare da nessuna parte. È proprio in questo attrito che emerge in modo innegabile l’essenza americana della commedia drammatica di Richard Linklater del 1993”.

L’altro è The Florida Project (Sean Baker, 2017), tutto ambientato in un motel nelle vicinanze di Disneyland in Florida, dove abitano madre giovane e sua figlia, che passa il tempo a giocare sullo sfondo di una vita difficile ma che (il film) riesce a sprizzare felicità da tutti i pori.

Nella lista c’è poi Scarface del 1932, “finanziato da un leggendario magnate originario del Texas (Howard Hughes), diretto da un grande autore Hollywoodiano (Howard Hawks), scritto da un celebre giornalista di Chicago (Ben Hecht), per lanciare un ex idolo del teatro yiddish di New York (Paul Muni), che interpreta un ritratto romanzato dell’uomo più famigerato del Paese all’epoca (Al Capone)”. E altri film ancora, tra cui due titoli meno conosciuti ma estremamente interessanti, e un film di un grande autore italiano. Ah, e Il petroliere, naturalmente.

L’Odissea e dove vederla in formato panoramico: guida rapidissima

L’Odissea è stata girata in formato IMAX 65mm (70mm in proiezione). IMAX storicamente ha realizzato documentari immersivi, ma da qualche anno e specialmente grazie ai film di Christopher Nolan, il formato viene usato per film narrativi d’azione. L’Odissea è il primo film narrativo a essere girato completamente in IMAX.

Il formato IMAX è un sistema nel quale i fotogrammi sono disposti in orizzontale, per questo ogni fotogramma ha 15 perforazioni sopra e sotto. Il risultato è un’immagine quadratosa (l’aspect ratio, cioè rapporto tra base e altezza, è di 1,43:1). Il problema, naturalmente, è che pochissimi cinema sono attrezzati per IMAX 70mm: in Italia, nessuno; in Europa, Bruxelles, Montpellier, Londra, Manchester, Praga.

Restano allora due opzioni per vedere il film: in una sala attrezzata per il 70mm non-IMAX, oppure in una sala IMAX digitale. Per la prima opzione, c’è questa lista. In Italia, la Cineteca di Bologna, Cinergia di Conegliano, l’Arcadia di Melzo, il Metropolitan di Napoli, il Quattro Fontane di Roma offrono tutti la proiezione in 70mm. Per la seconda opzione, si può consultare il sito di IMAX: ci sono gli UCI di Porta di Roma, Orio, Verona, Genova, l’Happy MaxiCinema di Afragola e il Notorious di Sesto San Giovanni.

Via Reddit, dove si dicute di cosa sia meglio

Qual è meglio tra i due? Il sito del film permette di vedere il trailer nei diversi formati, così da comparare l’aspect ratio. IMAX digitale è meno tagliato rispetto al 70mm, ma quest’ultimo ha la risoluzione, il “sapore” e la luminosità della pellicola. Dipende anche molto dalla sala: un 70mm visto in uno schermo “normale” è probabilmente meno impattante di un IMAX digitale visto su uno schermo IMAX. Ho chiesto a Claude che si è espresso per l’IMAX. Io avevo preso il biglietto per la sala Energia dell’Arcadia, che ha lo schermo più grande d’Italia e uno degli audio migliori. Da Milano, le alternative sono la sala IMAX di Notorious, però in italiano…, oppure, probabilmente la migliore soluzione, la sala IMAX di Orio a Bergamo con lo schermo gigante, quasi uguale alla sala Energia, dove in inglese è soltanto alle 9 di mattina.

The Odissey, in uscita il 16 luglio

Gli Ellison, Trump e gli affari di famiglia

Qual è il rapporto tra gli Ellison, i proprietari di Paramount Skydance, e Trump? David Ellison era all’evento UFC Freedom 250, l’evento di MMA che si è tenuto sul prato della Casa Bianca (!), il quale è stato trasmesso in streaming da Paramount, che ha tutti i diritti della UFC.

Ci sono molti altri affari tra Ellison e presidente. Dopo aver donato milioni alla camoagna elettorale, nel 2025 Oracle, l’azienda cofondata da Larry Ellison, è stata scelta come struttura portante del piano governativo per la costruzione di centri dati dedicati all’intelligenza artificiale. Oracle ha anche fatto parte di un gruppo di investitori che ha acquisito il controllo delle operazioni statunitensi di TikTok in un accordo mediato dal governo.

Nel 2025, la società di produzione di David Ellison acquisì Paramount con il benestare di Trump, il quale pochi gioni fa ha approvato l’acquisizione di Warner Bros. Ne parla un articolo del Wall Street Journal (link aperto).

A Riccione si decide cosa vedremo al cinema

Questi giorni ci sono state le Giornate di Cinema a Riccione, l’incontro industry annuale. Si è parlato dei film in uscita e dei listini per i prossimi mesi: Nanni Moretti, Gianni Amelio, Alina Marazzi, il film tratto da La citta dei vivi di Nicola Lagioia, Paolo Strippoli, l’esordio cinematografico di Valerio Lundini. Si è parlato dei problemi delle commedie italiane e di come posizionare le uscite. Artribune propone un breve report.

Le serie di Netflix durano meno di un abbonamento

Netflix ha un calo sulle serie. Gli utenti si lamentano, a seguito di un report di Bloomberg, di vedersi cancellati le serie dopo solo una stagione o di dover aspettare anni tra una stagione e l'altra, perdendo interesse. Gli episodi escono a un rito lentissimo rispetto al periodo della televisione lineare. La cosa strana è che qiesta è dproprio la strategia di investimento dell azienda, che punta sulle novità, ma poco sul lungo termine.

Il valore della critica

Un critico di Indiewire spiega molto bene qual è il valore della critica. La questione è quella dell'Odissea e dell'assenza di anteprime per gli influencer. Gli influencer usati come “cavallo di Troia” per spingere il contenuto ssi social già mesi prima dell'uscita pongono un problema. Ormai sappiamo che tutto è falso nei social media: polemiche, giudizi, reazioni. Il trucco allora funziona una volta e poi basta, vome dimostra Disclosure Day. Raccontato sui social come il miglior Spielberg degli ultimi venti anni, ha subito una doccia fredda dal pubblico vero. I crtici, invece, hamno l'anteprima solo il giorno prima all uscita della recensione. Allora è apprezzabile la mossa di Universal (la stessa distribuzione di Disclosure Day, btw) di concedere più tempo ai critici (che hamno vosto l’anteprima due giorni fa) e non dare la priorità ai content creator. Questo fa bene a tutti, per un solo motivo: cè bisogno di giudizi di cui ci si possa fidare. Altrimenti succede lo stesso con le serie di Netflix, dove un flusso continuo di sbobba marketizzata come imperdibile semplicemente fa perdere l interesse. Ancora una volta lo shortermismo, la visione esclusivamente fondata sul breve termine, mostra i suoi limiti.

I film fanno male

Lo storico David Thompson ha scritto una storia dei film, dai Lumière ad Anora, ma non sembra contento del cinema, secondo la recensione che ne fa l’Atlantic. In particolare, per Thompson il cinema avrebbe un troppo stretto rapporto con la violenza, sarebbe inferiore alla letteratura, e si perde nella fantasia o spettacolarità, spesso, invece di rappresentare il mondo quotidiano. Sono critiche strane da attribuire al cinema, e le resppnsabilità politiche andrebbero bene anche o sopratttutto per la televsione o i social (ma anche il cinema eh, perchè no). Il punto è che dipende l uso che se ne fa. La recensione dell’Atlantic.

Intelligenza artificiale e cinema: a che punto siamo?

Stephen Follows fa il punto sull’AI nel cinema. Le cose che funzionano di più e sono accettate per la postproduzione, anche moralmente, sono quelle più noiose e ripetitive (pulizia audio, color correction). Per ora, gli umani mantengono il controllo sulla creatività, specie in campi specifici come la musica e gli effetti audio.

Tre cinema parigini hanno lanciato la Ciné-Clim, ingresso gratuito al cinema dalle 13 alle 16 per under 25, over 65 e persone a mobilità ridotta. In generale pare che gli ingressi al cinema siano aumentati in Francia, per il caldo e per la “semaine du cinéma” (biglietto a 5 euro). Se, dagli anni Settanta in poi, il cinema era in crisi perché la gente voleva stare o a casa o fuori (bar, discoteca, piazza….), ora, nel contesto dell’apocalisse climatica, quella fresca stanza buia assume tutto un altro valore, anche come presidio sociale.

Still Walking (2008)

Cinema Revolution, di nuovo

A proposito, dal 19 giugno al 20 settembre, tutti i film italiani ed europei in uscita costano 3,50. Qui si trova la lista dei film in uscita, quelli che rientrano nell’iniziativa sono indicati. Tutto questo è possibile grazie al Ministero della Cultura che con un suo investimento rimborsa tre euro per ogni biglietto agli esercenti aderenti. Si è quindi deciso di replicare il successo dell’anno scorso. (A differenza dell’anno scorso sono però esclusi i film inglesi).

Chi è Hirokazu Kore-Eda?

Continuano ad arrivare al cinema i film di Kore-Eda, l’autore giapponese più apprezzato dagli europei per la sua poetica tranquilla e minima che si sposa con i temi della famiglia, della vita quotidiana, dell’infanzia, della morte e dei ricordi. Ora Still Walking (2008) e After Life (1998). Ma chi è Kore-Eda? Ne parla Manlio Castagna su Cinecittà News, ripercorrendo brevemente i suoi film dal 1995 in poi.

Nolan contro gli influencer

Pare che per l’uscita dell’Odissea, la Universal e Christopher Nolan abbiano deciso di non fare un’anteprima per i content creator. Ne parla Giulio Zoppello su Esquire Italia. Ora che si parla molto di come tutto il feed (i contenuti social) sia fake, di come gli influencer non siano giornalisti né abbiano idee sincere, di come la cultura sia da anni campo per battaglie politiche pretestuose, forse è proprio questa la strada da percorrere.

In sala oggi

Se non avete voglia di film vecchi, di giapponesi d’autore, di Spielberg, di film per bambini (sì Toy Story è per bambini), di cose nostalgiche per millennial (Jackass), l’unica cosa un minimo d’azione che rimane da vedere al cinema è Good Luck, Have Fun, Don’t Die, anche solo perché è diretto da Gore Verbinski (The Ring, Pirati dei caraibi, Rango) o anche solo perché c’è Sam Rockwell (Moon, Tre manifesti a Ebbing, Sette psicopatici). Non l’ho visto ancora ma ho letto due recensioni italiane, una negativa e una positiva.

A24 e Google in partnership

L’intelligenza artificiale di Google, DeepMind, e A24, hanno firmato un accordo per una partnership di ricerca, con il primo che ha investito 75 milioni nel secondo. Si vorranno sviluppare strumenti per lo sviluppo di film, come ad esempio gli storyboard. A24 è una casa di produzione che porta una grande quantità di spettatori solo grazie al suo nome, marchio di garanzia, un po’ come Disney. Se gli spettatori perdono fiducia nell’indipendenza dello studio, sarebbe un disastro. Sono già iniziate le critiche. Proprio ora che A24 sta producendo il suo più alto budget, l’adattamento del videogioco Elden Ring diretto da Alex Garland, il regista più A24 di tutti.

Due ritratti: Don Bluth e Mel Brooks

Per la sezione letture estive, Film Comment propone un ritratto di Don Bluth, l’animatore di Fievel, Charlie-Anche i cani vanno in paradiso, Anastasia e di come era ossessionato da Walt Disney e di come si sia dovuto adattare alla nuvoa ondata di animazione che si opponeva a Disney stesso. L’altro è dell’Atlantic su Mel Brooks, che è diventato centenario il 28 giugno. Brooks appare come un esuberante al limite della follia, sempre sfidando e odiando la morte.

250 anni di America in 100 anni di cinema

Il Wall Street Journal (link aperto) racconta la storia degli USA tramite i film. Dall’immigrato Charlot del 1917 alla vita urbana della Folla di King Vidor, la donna moderna di Susanna, la geopolitica di Casablanca ai grandi ideali che dovrebbero fondare la nazione, come si vede in L’uomo che uccise Liberty Valance, alla conquista dello spazio di Uomini veri, fino all’autocritica di The New World, la colonizzazione dell’America vista da Terrence Malick.

Idioti (1998)

I soldi del cinema ritrovato

Alias dedica una serie di articoli ai protagonisti delle produzioni del Cinema Ritrovato, dal restauro di Aurora di Murnau al comunista eretico Ritwik Ghatak, dal centenario della nascita di Marilyn Monroe a Pelechian.

Milena Gabanelli ha scritto una breve storia della rassegna, di come sono restaurati i film e cita una stima del famoso “indotto” (15 milioni per la città di Bologna nei giorni del festival). Belle infografiche.

Norvegia 🧊

Il famoso scrittore norvegese Karl Ove Knausgard parla del film norvegese Sentimental Value e del regista norvegese Joachim Trier. Si parla di Evard Munch, trauma e sublime, tutte cose norvegesi.

C’entra anche Lars von Trier e il film Idioti, il suo capolavoro. In maniera simile a Munch, secondo Knausgard, von Trier mostra la regressione dalla forma, dalle convenzioni. Il film è girato secondo le regole del Dogma95, camera a mano digitale e poche finzioni, per farla breve. Gli attori fanno finta di essere disabili mentali senza mai uscire dal personaggio e rompendo tutte le convenzioni della vita normale. La reazione è proprio quella descritta da Knausgard: “I laughed initially, until the laughter stuck in my throat and my discomfort grew greater and greater.”

L’ossessione per Obsession e il suo successo

Luca Avigo su Rolling Stone scrive che forse Obsession non è così bello come si dice. Più che altro tra box office imprevisto e la favoletta di YouTube che crea i nuovi autori (tipo questo strano articolo che si contraddice da solo), ci si è interrogati poco sul nucleo tematico. Sono d’accordo: la questione sociale dell’ossessione, del consenso, degli incel eccetera eccetera in realtà non ci sono, ma più che altro c’è gore e una buona recitazione.

A proposito, a seguito di una art director che si lamentava di aver ricevuto 6741$ netti su un incasso totale del film di circa 300 milioni di dollari, ci si è iniziati a chiedere come funziona il ritorno dei soldi (anche detto ‘waterfall’, cascata) sul film costato 750mila dollari. L’esperta di produzioni indie Mynette Louie ha fatto una stima sugli incassi americani di Obsession. Sui 126 milioni di incassi, circa la metà vanno alle sale cinematografiche. Al distributore, Focus Features (la divisione d’autore di Universal), tra minimo garantito e 25% dell’incasso netto, vanno un 25 milioni. I produttori, tolti i costi degli agenti di vendita e le loro percentuali, hanno un guadagno di circa 25 milioni, diviso tra l’investitore e i veri e propri produttori. Qui sotto ci sono gli excellini: attenzione si tratta di stime e mancano i guadagni delle tv e piattaforme, e i bonus sugli incassi netti che potrebbero essere stati contrattati dagli attori o dai membri della crew.

Gli piacciono i treni

Kazuo Ishiguro, scrittore inglese di orgine giapponese e vincitore del premio Nobel, parla dei suoi film preferiti ambientati sui treni

Idea: Robin Hood ma è cattivo

Ho deciso che concludo sempre con un trailer perché mi piacciono i trailer. Non se ne parla molto, ma in Usa è uscito The Death of Robin Hood (in italiano Robin Hood il prezzo del sangue, vabbè, ed esce ad agosto). Al che mi sono chiesto che strano non ci sono molti film di Robin Hood dato che è un personaggio di pubblico dominio e non è una Intellectual Property. Forse per quello.

Le prime rappresentazioni teatrali sono del Quattrocento, le prime biografie del Seicento e nello stesso periodo c’è la ballata “La morte di Robin Hood” d a cui è tratto il film. Al cinema, a parte il classico con Errol Flynn degli anni Trenta e quello famoso della Disney, ci sono quello con Kevin Costner e quello con Russel Crowe che non ho visto e che mi sembrano un po’ minchiate.

Invece questo nuovo Robin Hood c’è Hugh Jackman ed è della A24. L’idea è che Robin Hood è un brigante per davvero davvero e che la leggenda è finta. Il regista è Michel Sarnosky, quello che ha fatto Pig con Nicolas Cage la cui notevole trama su Wikipedia è la seguente (dicono sia bello):

Biglietti a 3,50€

Dal 15 al 18 giugno, grazie all’iniziativa “cinema in festa”, a cui aderiscono quasti tutti i cinema, tutti i film costano 3,50.

Annunci di lavoro per fare clipping, via Vulture.

L’antitrust che non è antitrust

L’Atlantic rimette in prospettiva storica l’acquisizione di Warner Bros da parte di Paramount. Già cento anni fa, Paramount era pronta a fare lo stesso acquisto, ma poi la crisi del 1929 fece cambiare loro idea. Dal 1948, il decreto Paramount è sinonimo di antitrust (aveva dato un duro colpo alle mire monopolistiche di produttori che possedevano anche i circuiti di sale cinematografiche), ma poi fu abbandonato. Il 12 giugno 2026, dopo otto mesi di indagine, il dipartimento della giustizia americano (divisione antitrust) ha invece approvato una delle acquisizioni meno antitrust della storia. Non si tratta solo di cinema naturalmente, ma vuol dire che a breve sotto la proprietà Paramount (con la partecipazione di fondi sovrani dei sauditi e dei qatarioti) saranno riuniti anche canali come CNN, Discovery, CBS e piattaforme come HBO+ Paramount+. Il motivo dato dal ministero è che la fusione potrebbe “aumentare la concorrenza” ovvero rendere competitivi gli ultimi arrivati allo streaming al cospetto di Netflix, Prime e Disney.

I due Ellison, il padre Larry (la sesta persona più ricca del pianeta) e suo figlio ora casualmente amministratore delegato di Paramount Sky Dance sono conosciuti per essere trumpiani intimi, al punto che ci sono forti sospetti che l’amministrazione si sia intromessa nel fermare l’acquisto di Warner Bros. da parte di Netflix. Oltre alla destrificazione di CBS da parte di Paramount e la promessa che David ha fatto a Trump di fare la stessa cosa con il ‘nemico’ CNN.

Ma la cosa più dibattuta è: può una fusione produrre più dinamismo e più offerta? Il capitalismo è conosciuto piuttosto per creare scarsità artificiale: è questo che aumenta il valore dell’offerta. Scarsità nella scelta per i consumatori di film (sia in sala che in streaming) e scarsità di lavoro. A questo va incontro Hollywood in generale, anche al di là di questa fusione. A questo si oppongono i lavoratori e diversi antitrust statali stanno ancora facendo le loro indagini. Anche l’Europa dirà la sua a breve. Il Congresso americano, teoricamente, potrebbe opporsi.

Lo smantellamento di Hollywood

La prima questione è il lavoro. Non bisogna immaginarsi un mondo fatto solo di megaricchi e star. Ci sono tanti creativi, attori e quantaltro che fanno fatica e per questo la questione Hollywood è politicizzata. Cosa pensano Del Toro o Scorsese sulla creatività è solo la superficie. La sostanza sta nelle trattative sui rinnovi che si fanno in questi giorni tra produttori e sindacati di attori, tecnici, sceneggiatori. Si parla di sostituzione da parte dell’AI, assistenza sanitaria, lavoro. Si sta molto attenti a non replicare la situazione del 2023, dove sei mesi di sciopero bloccò completamente Hollywood, causando ritardi enormi nella produzione di blockbuster che sono appena finiti.

Le conseguenze della deindustrializzazione di Hollywood sono incerte. Dal 2022 l’impiego di costumisti, artigiani, attori e professionisti vari è calato del 30%. Le riprese cinematografiche e televisive sono sempre di più fatte all’estero e la California deve competere con quei tax credit.

E poi naturalmente c’è Netflix, che dopo aver dato false speranze agli esercenti con l’uscita di Narnia, ha ribadito che si tratta di un’eccezione, che no, in realtà, preferisce non lavorare con quei registi che insistono troppo per l’uscita in sala.

Creativi nella gig economy

Gli sceneggiatori per sopravvivere si danno alla gig-economy. Uno di loro ha scritto uno spaventoso reportage su Wired dove per mantenersi allena l’intelligenza artificiale, insieme a migliaia di colleghi. Racconta di un’esperienza alienante dove i team leader — ventenni appena usciti dal college — comunicano solo tramite Slack, l’app di messaggi per ambienti di lavoro, o su Discord. In momenti random della giornata o della notte vegnono lanciati dei “task” e chi se li appropria per primo può lavorarci, e guadagnare.

Un altro bullshit job che viene lanciato su Discord e simili è quello del ‘clipping’. Sono campagne di marketing non identificabili come tali, dove migliaia di persone prendono video di concerti, film, eventi, qualsiasi cosa e ne fanno centinaia di clip da pochi secondi e li spammano su Instagram TikTok YouTube. Queste campagne pubblicitarie costano pochissimo, sono fatte da persone vere, che non passano per bot o per utenti sponsorizzati, e teoricamente sono illegali. In sostanza, tutto quello che ci indigna o ci interessa su internet è fake.

Tutto in verticale

Anni fa le persone venivano rimproverate perché facevano i video in verticale, me lo ricordo molto bene. Il luogo comune era che “i video si fanno in orizzontale”. Dove sono ora questi rimproveratori? A doomscrollare video in verticale, secondo me. Video stupidi, divertenti, video per indignare, clip sportive, pubblicità e una quantità di cose appositamente senza senso che servono solo a farti restare lì, come un deficiente.

Ora, le piattaforme dove si guardano i video orizzontali (film e serie tv) ora hanno tutte una sezione di video in verticale, di clip. Persino Google adesso ha una scheda “video brevi” quando si fanno le ricerche. In questi casi il video in verticale è usato come marketing, come un assaggio del prodotto intero. Dalla clip poi eventualmente ti sposti sul film.

In maniera opposta, TikTok ha prodotto una propria serie narrativa che si chiama infelicemente Screen Time. Infelicemente perché è un po’ troppo palese l’intenzione a farti rimanere incollato allo schermo. In modo simile, ci sono tutta una serie di micro-serie o micro-drama che sono fatti apposta per essere guardati in verticale. App come ReelShort, DramaBox, GoodShort, FlexTV, Dramawave propongono spesso modelli freemium: guardi un pezzo poi per vedere il resto devi pagare. Per capire sono sono questi — soap opere in tutto e per tutto — c’è un articolo di Marcello Guardo.

Tutto in una notte, microdrama

Un articolo di Forbes fa il punto sui diversi tipi di contenuto verticale: 1. le clip per scoprire contenuti (come sulle piattaforme di streaming). 2. le storie che servono a tenerti dentro l’app, come con TikTok. 3. il modello a pagamento delle app di microdrama. 4. il modello marketing spalmato ovunque, come nel clipping o in quei microdrama a pagamento che lasciano episodi gratis in giro. Quest’ultimo ha anche un esempio italiano: Tutto in una notte, lanciata da Maria de Filippi “sui social”.

Artavazd Pelechian - Quattro stagioni (1975)

Rassegne e microcinema ovunque

Avrete notato come ormai escono una quantità di film vecchi. Solo questa settimana in distribuzione normale c’erano La principessa Mononoke, Kill Bill 1&2, Bianca, Stand by Me. Funziona perché sono bei film, che tra i nuovi non sono poi così tanti (e la nostalgia, ovvio).

A Los Angeles addirittura c’è stato il convegno di tutti i programmatori di “repertory”, come lo chiamano lì. I programmatori si sono radunati al Vidiots, un videonoleggio chiuso nel 2017 e diventato cinema nel 2023. La parabola del luogo è già significativa, ma poi indica un’altra cosa. Si tratta di spazi che contestualizzano i film, fanno un lavoro di curatela e offrono opportunità di socializzazione, tutti aspetti che vanno contro il regno dell’algoritmo e delle sue raccomandazioni, come scrive IndieWire.

Spazi piccoli, curatoriali, flessibili, multifunzionali, vivi: sono quelli dei microcinema: un articolo di Diego Terna e Luca Fabris ne fornisce tantissimi esempi, dal “Cinemittu” di Longone Sabino, l’autoproclamato cinema più piccolo d’Italia, al nuovissimo spazio Noise del Cinemino di Milano. Sempre micro, ma di lusso, è il nuovo micromultisala Majestic che aprirà nei prossimi giorni a Roma nel Palazzo Odescalchi.

Il cinema ritrovato

Ma la rassegna che di tutte è principe non solo in Italia è quella che ci sarà dal 20 al 28 giugno, ovvero il festival Il cinema ritrovato.

Le iconiche proiezioni in Piazza Maggiore, cineconcerti, film accompagnati dal commento, film in 3d degli anni Cinquanta, incontri con famosi registi, lezioni aperte, mostre gratuite. Ieri è uscito il programma completo.

E ovviamente film restaurati: ci sarà il film “maledetto”, perché blasfemo e censurato, I Diavoli di Ken Russell, recentemente restaurato e riportato a Cannes. Un altro autore di culto sarà proiettato a Bologna, l’armeno-sovietico Artavazd Pelechian, teorico del “montaggio a distanza”, studente del VGIK (la scuola dei più famosi registi sovietici) e inattivo dal 1993. L’intera filmografia di Pelechian ammonta a tre ore, tra corti, medi e lunghi.

Oggi Steven Spielberg, ad agosto David Robert Mitchell

Dicono che è l’estate dei film originali, ovvero non saghe. (Infatti!! Jackass, Toy Story 5, Oceania, Spider-Man…). Ovviamente ci si riferisce a l’Odissea e poco altro. Tra questi, oggi esce un nuovo film di Spielberg sugli alieni (originale…), che lui è convinto esistano, li incotreremo, Roswell e storie, il vero protagonista è l’empatia e altre sviolinate che si trovano sul Corriere della sera.

Un film fantascientifico che si spera originale è La fine di Oak Street (uscita 12 agosto), diretto da David Robert Mitchell: ci sono i dinosauri e non c’entra il Jurassic Park di Spielberg! Mitchell è quelo che nel 2014 aveva fatto It Follows, ovvero un horror a basso costo che per quello che ricordo è uno di quei film che hanno se non lanciato almeno contribuito a tutto l’hype degli horror d’autore. Poi aveva fatto Under the Silver Lake che è una sorta di Vizio di forma (il detective californiano fattone perso tra teorie del complotto, intrighi strani, mondo dello spettacolo…) ma più surreale, molto bello. Questo nuovo è il primo film dal 2018, ma ora che è tornato di moda l’horror indipendente ecco che ha annunciato anche il seguito (ma perché!) di It Follows… They Follow.

La polemica Vincent Bollorè

Subito prima di Cannes c’era stata una lettera contro l’editore Vincent Bollorè, proprietario di Canal+ e altro. Come racconta Internazionale, seicento figure del cinema si esprimevano ocntro la concentrazione, al che Canal+, che produce la maggior parte del cinema francese, rispose di aver creato una lista nera. Questo aveva creato un segnale che confermava i timori del cinema francese, dati anche i proclami dei politici di estrema destra alleati di Bollore’ e data la vicenda editoriale (di cui parla la New York Review of Books).

Dopo aver fatto fortuna nella logiscita, negli anni Bollorè ha costruito un impero mediatico che oltre a Canal+ (che ha il canale d’informazione CNews diventato di destra, un po’ come la Paramount di David Ellison e il canale CBS), ha una grossa fetta di UGC, la più grande rete di sale cinemtografiche francese, la maggioranza di Lucky Red (distributore cinematografico italiano) e controlla Hachette, il più grande editore francese, tra le molte altre cose.

Mentre la destra sembra attaccare il cinema da più parti — in Italia il taglio del tax credit degli ultimi anni, in Spagna si temono le dichiarazioni dell’estrema destra, mentre anche in California si è parlato di tax credit alle elezioni (cotnrariamente alla vulgata per cui non ci sono sussidi statali in america) — , una lettera aperta firmata da 4700 professionisti, da Francis Ford Coppola a Sandra Huller e altri, chiede all’Unione Europea di proteggere i finanziamenti alla produzione cinematografica, ora che il programma MEDIA sta per essere sostituito da un nuovo programma chiamato AgoraEU.

Un film tutto fatto con l’intelligenza artificiale

Il festival di Cannes ha bannato dalla competizione i film dove l’intelligenza artificiale è il motore principale della sceneggiatura o delle performance attoriali e gli Oscar hanno messo restrizioni forti, come avevo riportato. Ma al Marché du film è stato presentato in una proiezione privata un film fatto interamente con l’AI, riporta il Wall Street Journal. Ma non è così semplice come chiedere alla macchina di generare un film da 90 minuti. Per fare il film ci sono volute due settimane fatte di decine di migliaia di prompt, che in media erano lunghi 3000 parole (!) e generavano 15 secondi di materiale. La maggior parte di questo materiale andava buttato perché non era coerente con i precedenti o aveva degli errori. Per questo i prompt erano super specifici ed erano, naturalmente, anch’essi generati con l’AI.

Hell Grind, un film interamente generato con l’AI

La recitazione postmoderna di Nicolas Cage in Spider-Noir

Spider-Noir è la versione noir dell’uomo ragno ambientata nella New York degli anni Trenta. La serie è più molto più noir che supereroi, con la storia, i dialoghi, l’illuminazione e i suoni che ricalcano proprio i film noir del periodo (ma si può scegliere, c’è anche la versione a colori che è anch’essa particolare, molto satura). Già così potrebbe essere divertente ma il punto è che c’è Nicolas Cage. Mischiare cultura alta e bassa è il suo lavoro. Lo pseudonimo Cage (recentemente è diventato il suo cognome ufficiale) viene infatti sia da John Cage che da un personaggio Marvel, Luke Cage.

Dimenticate Tobey Maguire o qualcunque altro Spiderman che avete in testa perché qui quello che per ragioni di copyright si chiama “The Spider” è un mix tra Humphrey Bogart e Brundle-mosca, oppure un mix di 70% Bogart e 30% e Bugs Bunny (parole sue). O più precisamente ancora, un ragno che imita Bogart. L’idea sarebbe questa: i ragni non hanno muscoli, ma muovono i propri arti con un sistema idraulico. E in modo meccanico si muovevano gli attori dell’espressionismo tedesco come Max Schreck, quello che interpretava il Nosferatu del 1922. L’espressionismo a sua volta ha ispirato il noir americano. Da quanto è stato morso, il personaggio di Cage ha dovuto re-imparare comportarsi da umano. E come? andando al cinema a ripetizione a vedere Humphrey Bogart. PER QUESTO Nic Cage recita sopra le righe. PER QUESTO fa facce buffe, risate fuori contesto, strani movimenti delle gambe, frasi a effetto che sono riprese tutte da film come Il mistero del falco.

Spider-Noir, l’unico motivo per cui ho fatto il mese di prova di Amazon Prime

Sì, ma questo non spiega perché Nicolas Cage recita sempre così. Il motivo lo spiega lui stesso in questa bella intervista di David Marchese sul New York Times. Qui si apprende che oltre ai Looney Tunes e Max Schreck, le sue ispirazioni sono gente come David Bowie, Miles Davis, Marcel Duchamp, Andy Warhol, James Dean, Marlon Brando, i supereroi, i dipinti di Francis Bacon. Ogni performance cita e decontestualizza e ricontestualizza, anche quando i registi non sono d’accordo. Lui fa quello che avrebbe fatto Roy Lichtenstein, che portava i fumetti nelle gallerie d’arte.

Questa profonda consapevolezza della circolazione della cultura ne fa il più postmoderno degli attori. È così che sono nati capolavori come Mandy, il Cattivo tenente di Werner Herzog o Face/off dove Cage diventa John Travolta e viceversa. Questa autoconsapevolezza arriva fino a lui: in uno dei suoi ultimi film, Dream Scenario, il protagonista appare continuamente nei sogni degli altri, come a riflettere esplicitamente sullo status di Cage in quanto meme.

Da un lato uno dei maggiori artisti del Novecento, dall’altro Francis Bacon

La differenza tra Backrooms e Obsession

Una rassegna di cinema non può non segnalare che tutti stanno parlando di Backrooms, di Obsession e della “nuova generazione” di filmmaker, contro la stanca ripetizione di cliché alla Star Wars. E infatti i due horror hanno quasi raggiunto Mandalorian & Grogu al box office (sicuramente in Italia lo supereranno). Ma in realtà, come nota Christian Zilko su IndieWire, c’è una differenza tra i due horror. Sì sono entrambi youtuber giovani (20 e 26 anni) ma uno, Obsession, è un contenuto originale, prodotto con mezzo milione di euro e che ha avuto successo al Toronto Film Festival, poi acquistato da Universal e poi ha ricevuto grandi apprezzamenti in sala. Backrooms è un prodotto fin dall’inizio da A24, che ha deciso di reclutare un diciassettenne che si era fatto conoscere per dei video sul trend delle backroom, e poi ha promosso il film grazie al trend (vedi la recensione del liminale™ sui 400calci). In entrambi i casi si può dire che non si tratta semplicemente del pubblico di youtube o reddit portato al cinema, ma di prodotti nuovi originali che hanno funzionato al cinema (soprattutto Obsession).

Via @0ni_giri

RIP Edgar Morin

Venerdì è morto Edgar Morin, intellettuale di spicco francese, alla veneranda età di 104 anni. Tra le altre cose, è stato una figura importante per il cinema, a partire dal libro Il cinema o l’uomo immaginario. Saggio di antropologia sociologica nel 1954. Un libro che è considerato tra i classici della teoria culturale del cinema, che l’affronta a partire dai meccanismi sociali e psicologici dell’identificazione, e non della critica. Ancora più importante, direi, fu il suo film fatto con Jean Rouch, il regista-antropologo, Chronique d’un été. Questo è uno dei capolavori della storia del cinema, perché ha inventato il cosiddetto cinema-verité. Morin e Rouch, nell’estate del 1960, fermano i parigini e fanno loro domande sul senso della vita e sulla società. Nell’inquadratura finiscono intervistati, intervistanti e si vede anche il momento in cui il film viene proiettato agli stessi intervistati. Il film ha cambiato completamente il cinema documentario e ha ispirato film come Comizi d’amore di Pasolini o il più recente Futura di Rochrwacher, Munzi e Marcello. Un ricordo di Edgar Morin lo ha scritto Chiara Simonigh su Fata Morgana Web.

Questa settimana iniziano Milano Film Fest e AriAnteo

Domani inizia il Milano Film Fest, alla sua seconda edizione (qui il programma). Mentre, sempre a Milano, è già iniziata la rassegna di cinema all’aperto dell’Anteo (qui il programma) (ci sono anche prime visioni).

Due videogiochi in cui gestisci i cinema

Sì ma nei videogiochi. Ho provato due videogiochi di questo tipo, entrambi in accesso anticipato. Movierooms è un videogioco gestionale sviluppato da MadPumpkins, uno studio indipendente italofrancese. Il gioco ripercorre la storia del cinema: i primi due livelli sono in Francia all’epoca dei Lumière, il secondo a Roma durante il fascismo. Lo stile è quello dei gestionali tipo RollerCoaster Tycoon o Tropico (mi sa che sono riferimenti vecchi lol). L’altro gioco è Cinema Simulator 2025 che invece è ambientato nella contemporaneità ed è un gestionale in prima persona. Appena iniziato è molto frenetico, perché devi pulire, mantenere l’ordine, ordinare i film dal pc, vendere i biglietti, le ibibite i popcorn, molto stressante. Poi pian piano ci si espande. Carini, non occupano troppo tempo, speriamo che siano sviluppati di più.

Un film su Chris Marker!

A Cannes è stato presentato un film su Chris Marker, uno degli autori cinematorgafici più imporatnti di sempre e più originale. Non è propriamente un film biografico, cosa impossibile per qualcuno come Marker, di cui non si è sicuri neanche di data e luogo di nascita e di cui esistono pochissime foto. Piuttosto è un film “basato” sulla sua vita, che dialoga con l’archivio che ha lasciato. Narrato da Charlotte Rampling, il film riflette su identità, memoria, potere delle immagini e degli oggetti, temi perfettamente in linea con l’uomo oggetto del documentario. Qui c’è la recensione di Sentieri Selvaggi scritta da Riccardo Baiocco. L’opera di Marker è troppo grande per ricordarla anche in parte, qui c’è una brevissima introduzione a cura di Ivelise Perniola, che tempo fa scrisse un bellissimo libro su di lui.

Notre Salut (Emmanuel Marre, 2026)

Cannes, i migliori film

Sabato sera c’è stata la premiazione dei vincitori del festival. Ecco una piccola selezione di film di cui ho sentito parlare di più:

• Fjord, la palma d’oro, è stato chiamato scherzosamente “la famiglia nel fiordo” (la Repubblica, che sempre deve umiliarsi, ha deciso di farci davvero un titolo). Una famiglia rumena emigrata in Norvegia si vede togliere l’affidamento dei figli per i modi educativi poco progressisti.

• La migliore regia è andata a due film: La Bola Negra è un film spagnolo tratto dall’opera di Federico Garcia Lorca, dove diverse linee narrative di personaggi omosessuali si intrecciano, tra l’ascesa del fascismo negli anni Trenta e la vicenda di uno storico che fa ricerca su quegli anni.

• L’altro è invece Fatherland, la storia di Thomas Mann che torna in Germania Est dopo la guerra insieme a sua figlia, diretto da Pawel Pawlikosky, che aveva fatto già film molto simili, sempre molto amati, girati in bianco e nero (Cold War e Ida).

• Di ambientazione guerresca novecentesca è anche il film con la migliore sceneggiatura, Notre Salut, la storia del nonno del regista, convinto sostenitore del regime di Vichy. Si tratta a quanto pare di uno dei film più interessanti per il fatto che è stato girato come se fosse un vlog o un documentario stile The Office. Sullo stesso periodo c’erano altri due film, quello di Laszlo Nemes su Jean Moulin (Moulin) e La Bataille de Gaulle (fuori concorso), che però sono stati meno apprezzati.

• Tra quelli da segnare c’erano anche All of a Sudden (le due protagoniste hanno vinto — entrambe! — il premio per la migliore itnerpretazione femminile), Club Kid, Paper Tiger, The Dreamed Adventure (premio della giuria) e Minotaure (Grand Prix, il secondo premio più importante), una storia ambientata in una cittadina di provincia russa, tra coscrizione forzata per la guerra d’Ucraina e dramma familiare.

• Infine, c’è già nei cinema italiani Amarga Navidad di Pedro Almodovar, un film metacinematografico di un autore che scrive la storia di un’autrice in crisi le cui opere non sono rilevanti e sono ormai mediocri ma in fondo scrivere/girare è un atto di introspezione e dunque ci sono scene appositamente mediocri, un film fatto apposta per essere recensito da Internazionale, però è stato apprezzato e potrebbe valerne la pena.

Kill Grogu e tutti gli altri giocattoli

Da quando Disney ha acquistato Lucasfilms nel 2012 e prodotto la terza trilogia ufficiale tra il 2015 e il 2019. Questa fu mal recepita e Disney si diede alle serie televisive ad alto budget, tutte uscite sulla piattaforma Disney+. Il nuovo film, Mandalorian and Grogu (Grogu sarebbe il mini-yoda), sembra soltanto lo spin-off della prima serie, quella del mandaloriano, che aveva avuto successo e poi era declinata rapidamente. Ma non era una serie per bambini, casomai per famiglie, che è molto diverso. Qui la recensione dei 400calci.

Con Disney+, l’universo delle guerre stellari è esploso in una quantità di prodotti diretti a audience diverse. La linea narrativa principale, quella degli Skywalker, non è più tanto importante (ovvio, l’hanno rovinata) e ora è impossibile orientarcisi. Non a caso Mandalorian era una sitcom: ogni episodio un avventura, con probabile riciclo di vecchi personaggi che intervengono a caso.

Altre cose a caso: nel film c’è Jeremy Allen White che fa il figlio di Jabba the Hutt e Martin Scorsese che fa un barista alieno. Nel prossimo film ci sarà Ryan Gosling il cui ultimo film è un uomo nello spazio che parla con un animaletto alieno (Project Hail Mary: il film più brutto che abbia mai visto e quindi giustamente ha avuto moltissimo successo). Assunto!! Quest’estate arriveranno altri film giocattolosi, quello di He-Man e Toy Story 5.

Il problema è che a differenza dei film per bambini, Star Wars ha il problema dei vecchi fan che rosicano e che quindi si sono messi a immaginare tutti i possibili modi per uccidere mini-yoda: KILL GROGU!!

Se la spieghi non fa ridere, ma comunque: il post sopra prende in giro Disney che aveva sospeso Jimmy Kimmel dal proprio canale ABC per aver criticato la strumentalizzazione dell’omicidio di Charlie Kirk. Tra l’altro, pochissimi giorni fa è andata in onda l’ultima puntata dello show di Stephen Colbert perché la trumpianissima Paramount dice che non c’è budget. Il vero motivo è ammesso da Trump stesso che ha pubblicato un notevole video di sé che getta Colbert nel cassonetto. Ha poi annunciato che arriverà la stretta anche sugli altri personaggi televisivi critici del regime.

Vecchie tecnologie

La FIAF (Federazione degli archivi filmici), insieme al George Eastman Museum, ha lanciato Film Atlas, un catalogo di tutti i formati di pellicola, colonna sonora e colore inventati. Ad esempio si apprende che tale Carlo Rossi inventò nel 1910 un sistema duplex in cui due fotogrammi orizzontali occupano il posto che occuperebbe un solo fotogramma 35 mm. La pellicola fa quindi due giri, risparmiando spazio e costi. C’è anche un filmato di Milano dalle guglie del duomo, conservato in questo raro formato.

Valie Export, Tapp und Tastkino, 1968 (lett. cinema da tastare).

È morta l’artista performativa Valie Export, ne fa un ritratto Finestre sull’arte.

Sul Manifesto, si trova invece il ritratto di Marc’O, artista e regista francese scomparso questo mese, un personaggio che ha attraversato i vari mondi dell’arte francesi, dal lettrismo al surrealismo a Guy Debord e ai registi della Nouvelle Vague.

YouTuber che fanno film horror

Oggi esce Backrooms, film horror nato da una leggenda di internet, quella per cui se non stai attento finisci ‘oltre le pareti’, come se la realtà glitchasse come in un videogioco. ne parla su "Complotti!". Anche Obsession sta andando bene. Entrambi sono horror diretti da giovani youtuber passati al cinema, così come lo era anche Iron Lung, il film non uscito in Italia ma che ha incassato 50 milioni in America pochi mesi fa.

Odissea

Uscito il secondo trailer dell’Odissea di Christopher Nolan. Film di Nolan sono sempre molto attesi per la qualità delle immagini: Imax e location spettacolari. Qualche polemica è stata suscitata dal cast (una nera e un trans) dai soliti noti (Elon Musk) perché non sono “realistici” e i fan sono “sensibili”, come se esistessero dei fan di lunga data dell’Odissea allo stesso modo di Star Wars. Bisognerebbe rispettare la grecità, dice Musk, anche se non accenna minimanente al fatto che le rirpese sono state fatte anche in Marocco, Islanda, Scozia, ecc.

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L’arte della locandina cinematografica sta morendo?

Gabriele Niola fa la spiega sul perché le locandine delle commedie italiane sono tutte uguali. Spoiler: perché si ha paura di cambiare. Il format è quello delle commedie anni Novanta: titolo rosso, sfondo bianco, attori grandi. La locandina de La vita è bella fa sganasciare per quanto è fuori tema. Recentemente, invece, va molto lo stile a riquadri che viene dalle commedie sofisticate americane. Solo Follemente si è permesso di innovare ma solo perché con tutti gli attori che devono comparire per contratto rischiava l’effetto ‘album di figurine’.

Ci sono così tante somiglianze tra poster? E invece, quali sono le locandine migliori dell’anno scorso?

Di come nelle locandine ci sia una divisione tra poster ‘artistici’ e poster funzionali, parla anche Andrea Fiamma su Link che interpella alcuni artisti italiani che devono vedersela con l’AI e l’economia dell’attenzione.

A fine 2025, sono scomparsi due grandi nomi dell’illustrazione cinematografica, Drew Struzan (Star Wars, E-T, Indiana Jones, Harry Potter) e Renato Casaro (Balla coi lupi, C’era una volta in America, Conan il Barbaro). Se clicchi sui nomi puoi vedere qualche poster.

A febbraio, è scomparso anche Philip Castle, il disegnatore del poster di Arancia meccanica e Full Metal Jacket. Pochi anni fa Amazon Prime aveva cancellato la scritta “born to kill”, che dava il senso del film, dalla locandina di quest’ultimo. Se ne parla sul numero di maggio di Sight&Sound, dove l’autore ricorda anche i grandi illustratori polacchi Jan Lenica e Waldemar Świerzy. Si spera che con la scomparsa di questi artisti non ci si appiattisca su immagini denotative.

Purtroppo le brutte notizie per gli amanti dei poster non finiscono qui, dato che pochi giorni fa è scomparso anche uno dei pochi illustratori-artigiani rimasti, Tony Stella, che si ispirava proprio a Struzan e gli altri. Aveva lavorato molto inizialmente per la riedizioni di vecchi film e in seguito per film indipendenti e recentemente anche per Indiana Jones.

Sotto la pancia del festival di Cannes

Mentre i critici quest’anno si dividono sui film che vengono presentati, ma senza che nessun film susciti un eccessivo clamore, sotto il festival (letteralmente, al piano inferiore del Palais des Festivals) si tiene il Marché du film. Si tratta del più grande mercato cinematografico al mondo che coinvolge non solo i film del festival, ma anche quelli passati in altri festival oppure ancora allo stadio di progetto. Sedicimila professionisti si aggirano per gli stand delle agenzie per stipulare contratti di distribuzione, decidendo zone, percentuali, minimi garantiti… Elisa Giudici ha intervistato un’italiana che ci lavora, mentre Giulio Zoppello ne fa un approfondimento su Esquire Italia.

Eppure pare ci siano dei problemi. Hollywood ha fatto un boicottaggio soft di Cannes, e anche i grandi streamer erano poco presenti. Quelli che contano sono rimasti meno, hanno fatto incontri mirati e già pianificati, c’era meno entusiasmo, meno feste. Soprattutto, pare che i distributori siano più cauti e vogliano film che siano chiaramente comunicabili. Film d’autore che siano anche di genere, con un’identità forte, spettacolari. Non basta più il riconoscimento critico, specie per il pubblico più giovane.

Secondo FilmTake, passati gli anni dell’espansione delle piattaforme, il mercato del cinema indipendente è in una crisi strutturale. Data la diminuzione dei preacquisti (che finanziano le produzioni), il cinema indipendente si trova a dover usare più capitali privati di individui. Oppure a rilanciare il cinema radicalmente indipendente. Infatti è stato rilanciato il Dogma25. L’iniziativa, che ora si è espansa dalla Danimarca alla Germania, riprendeva il movimento Dogma95 di Lars von Trier e Thomas Vinterberg per un cinema puritano: no effetti speciali, no set, no film di genere ecc. Le regole del Dogma25 sono simili, a partire da “no internet”(!!).

Anche Kristen Stewart, che a Cannes recita nel film Full Phil di Quentin Dupieux, uno dei registi più ribelli e assurdisti che ci siano (bellissimi i film: i più recenti sono su Mubi), si è stufata degli studios e dice che le prossime cose che farà le metterà direttamente su YouTube. Una citazione dalla notevolissima intervista:

“I want to make weird shit. And I’m fully OK doing that in a kind of insulated, bizarre way. But I don’t want to do the thing where I wait five years for someone to give me $1 million to make something. I’m going to make it fucking tomorrow. Because also like, what the fuck. I’ve been working for a long time — I’m just going to sit here doing the same thing over and over amassing wealth? No. It’s a ridiculous way to live your life.”

Hot-washing, BookTok e draghi — cinema, serie e letteratura

Le serie e i film sono un potentissimo motore trainante dell’editoria. Secondo una ricerca fatta per Netflix, serie e film sono la seconda fonte di scoperta dei libri (sia nuove uscite che non), dopo i punti vendita fisici. Pare che il 68% dei lettori legga per scoprire le differenze tra libro e adattamento (solo a me sembra una motivazione un po’ particolare??).

Secondo la ricerca, il genere di punta è il “romance” (per esempio le serie Bridgerton o Heated Rivalry, che sono enormi successi ). In particolare, il sottogenere del “romantasy”, che infiamma in particolare sul BookTok, la parte di TikTok dedicato ai libri. Cos’è non lo so, ma dovrebbe essere il romance con i draghi. Gli streamer osservano il BookTok ma non hanno ancora trovato la quadra economica (i draghi costano).

A proposito, è uscita una nuova washing-parola da aggiungere alla lista, solo per descrivere il Cime tempestose con Margot Robbie e Jacob Elordi: hot-washing. Maris Kreizman, che ha coniato il termine su LitHub, lo descrive così:

“Il fenomeno dell’hot-washing si verifica quando un’opera originale complessa viene ‘edulcorata’ grazie alla scelta di attori e attrici considerati convenzionalmente attraenti, che vengono presentati in modo tale da entrare in netto contrasto con l’opera originale; e ciò sta rovinando molti recenti adattamenti letterari i cui personaggi dovrebbero invece apparire un po’ più realistici. Immaginate se Il diario di Bridget Jones venisse rifatto nel 2026 con Sydney Sweeney nel ruolo della protagonista.”

(Immagina essere Sweeney e essere menzionata come stereotipo negativo ogni singolo giorno).

Paul Schrader, lo sceneggiatore di Taxi Driver ma anche regista di moltissimi film importanti e notorio fan dell’intelligenza artificiale, ha scritto su Facebook che si è lasciato con la sua ragazza artificiale. Ma è davvero tragico, perché ha 80 anni e ha da pochissimo perso la moglie.

Nuovo film di Martin McDonagh

Importante! Il trailer del nuovo film che Martin McDonagh ha girato l’anno scorso. A me sembra che McDonagh non venga citato abbastanza quando in realtà ha fatto solo capolavori: In Bruges, 7 psicopatici, Tre manifesti a Ebbing, Gli spiriti dell’isola. L’unico premio rilevante che ha vinto è un Oscar per il suo primo cortometraggio.

Wild Horse Nine, che esce a novembre in America, racconta di due agenti della CIA che vanno sull’isola di Pasqua a pianificare il colpo di stato contro Salvador Allende. I due agenti sono John Malkovich e Sam Rockwell, il loro capo è Steve Buscemi, e poi c’è Tom Waits e Parker Posey. Ripeto, solo capolavori.

L’esordio di Parker Posey in Dazed and Confused (La vita è un sogno)

Dall’archivio

Dal Corriere della sera del 1985 (succedono sempre le stesse cose).

Dry Leaf (Alexandre Koberidze, 2025)

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Meryl Streep, Anne Hathaway e Emily Blunt, per Il diavolo veste Prada 2, sarebbero state pagate 12,5 milioni di dollaroni a testa, che potrebbero arrivare a 20 per via dei bonus sugli incassi al botteghino. Su un costo totale del film di 100 milioni. Ne ha incassati 430. Perché? Perché la campagna marketing è stata una delle più grandi della storia per Disney, andando a colpire soprattutto i millennial. Infatti la più grande porzione di spettatori era fatta di 25-35enni (il primo weekend erano il 29%). Molti di questi millenial nostalgici sono in Italia, dato che è il secondo incasso dopo gli USA, insieme al Regno Unito (25 milioni a testa).

Cinema col telefono

Il georgiano Alexandre Koberdidze ha girato un film con un telefono vecchio di 15 anni. Ora che tutti fanno film con l’iPhone, spesso ci sidimentica che si tratta di una “blackbox” su cui non si ha tanto controllo, con il rischio di un livellamento estetico. Il film di Koberidze con il suo stile lo-fi assomiglia invece a un dipinto impressionista. Immagini bloccose, compresse, colori saturi e smorti insieme, 240 pixel di risoluzione, 15 fotogrammi per secondo, per raccontare un road movie dove una fotografa sparita viene cercata dal padre. Viene subito alla mente Michelangelo Antonioni, anche lui sperimentatore negli aspetti sia visivi che narrativi. C’è anche un personaggio invisibile. Ne parla la NY Review of Books, facendo anche un colto excursus su cinema sperimentale e paesaggio (James Benning, Masao Adachi…). Un’intervista a Koberidze racconta di alcuni concreti pensieri che si fanno durante la creazione artistica: le sensazioni viscerali come guida, la scelta del soggetto, i finanziamenti statali (e i contrasti dovuti alla recente situazione: qui un articolo molto dettagliato per approfondire la recente situazione). Uscito ad agosto 2025 al festival di Locarno dove ha ricevuto una menzione speciale. Dal trailer sembra una figata. Unico neo che ormai colpisce un po’ tutti i film: durata un po’ eccessiva. Tra un mesetto uscirà in Francia. Speriamo anche in Italia.

Cannes

Ieri è iniziato il festival di Cannes, qui la selezione dei titoli.

Vincere la Palma d’Oro aiuta il film al botteghino? La risposta è sì, a differenza di Berlino e Venezia. Perché: perché è più prestigioso, perché i film scelti a Berlino e soprattutto a Venezia avrebbero guadagnato comunque (sono più spesso blockbuster, americani e scelgono i film considerati più belli). Quindi, la scelta della giuria di Cannes è una scelta forte e una scelta di cui ci si fida.

Vediamo se anche quest’anno ci sarà di mezzo NEON, che ha distribuito in America le ultime sei palme d’oro: Parasite, Titane, Triangle of Sadness, Anatomia di una caduta, Anora e Un semplice incidente. Senza contare gli altri premi, per esempio per L’agente segreto, Sentimental Value… Spesso NEON investe nel film molto prima della premiere a Cannes. Quest’anno, l’azienda si è già assicurata i diritti di diversi film in concorso. Curiosità, la quota di maggioranza di NEON è di Dan Friedkin, lo stesso che possiede l’AS Roma.

I film di Cannes con i voti più alti di IMDb, in arancione i vincitori. Da StephenFollows.com

Tornerà il cinema Fiamma di Roma

Ad agosto partiranno finalmente i lavori per il nuovo cinema Fiamma, chiuso dal 2017, che comprende acnhe gli spazi adiacenti dell’ex discoteca Open Gate. Il cinema avrà due sale e avrà principalmente una multiprogrammazione d’essai, nuove uscite d’autore, rassegne, corti, produzioni indipendenti, anche in 35mm. Il fatto innovativo è che nello spazio interrato, scrive Coming Soon, vi saranno: “il Teatro Ristorante (ex sala Fiammetta), ambiente immersivo e flessibile per eventi e performance dal vivo. Attorno si sviluppano la Biblioteca del Cinema (40 postazioni e 3 cubicles audio-video), una sala cinema da 15 posti, tre spazi per editing e post-produzione, oltre a ristorante-club e aree espositive che intrecciano programmazione e convivialità”. D’altronde le sale cittadine che hanno più successo (il Modernissimo di Bologna, La Compagnia di Firenze, il Troisi di Roma) seguono questo modello: unire ricerca, evento, spazio sociale in luoghi cinematografici ma polifunzionali. Il progetto è dello studio Alvisi Kirimoto, la gestione dell’Associazione Culturale PlayTownRoma (gli organizzatori di Alice nelle Città), la proprietà del Gruppo Caroli.

David di Donatello

Gli “Oscar italiani” li chiamano e come quelli sono noiosi, lunghi, pieni di frase fatte e prese di posizione buone per scatenare commenti, polemiche, risate, critiche. Sono un evento televisivo (come gli Oscar), dove i film interessano poco. Comunque hanno dato mille premi a Le città di pianura che è anche ri-uscito al cinema, un film che è piaciuto secondo me perché un po’ diverso dal repertorio italiano solito. Il protagonista è Pierpaolo Capovilla che è un cantante, soprattutto con il Teatro degli Orrori. Qui racconta la sua esperienza con la cerimonia.

L’AI invade Hollywood

Gli Oscar hanno messo delle regole più precise. Tra queste, il fatto che i film vincitori dei principali festival mondiali possono concorrere nella categoria Miglior Film Straniero, e che i film candidati non siano inviati da uno Stato, in modo da rendere più facile la candidatura di film ostili ai propri governi o non selezionati da questi.

L’altro cambiamento riguarda l’AI: sceneggiature e performance attoriali devono essere dimostrabilmente umane. Intanto un’organizzazione ha lanciato la certificazione “Human Made Mark” per certificare i film fatti dall’uomo. Il Post passa in rassegna decine di iniziative simili, che etichetteranno i prodotti mediali come si fa con il cibo o altro. Intanto, Steven Soderbergh dice di voler usare “un sacco di AI”.

Disney, nonostante l’accordo con OpenAI (l’azienda di Chatgpt) sia saltato, sta spingendo moltissimo in questa direzione. Il nuovo ad Josh D’Amaro — che ultimamente se la deve vedere con la trumpiana agenzia per le comunicazioni, che ha preso di mira il canale ABC — ha scritto un manifesto in cui si intuisce, tra le altre cose, che l’AI sarà al centro della piattaforma. Disney+ si dirige infatti verso un’esperienza utente fatta di raccomandazioni, acquisti, prenotazioni ben oltre il contenuto audiovisivo. Per ora ha lanciato un feed di video brevi verticali, come anche Paramount e Netflix, per adeguarsi a YouTube e TikTok, che sono i veri competitor. L’AI servirà a creare video, richieste personalizzate per l’utente, sommari. Anche i dipendenti vengono spinti a usare molto di più l’AI, e ci sono stati diversi licenziamenti.

I Cahiers du cinéma propongono alcuni estratti di articoli che hanno fatto i loro 75 anni di storia. Abbonamento necessario per leggerli completi.

Un report da Visions du réel

Un film italiano, The Bulding Site, richiama anch’esso il rumore visivo di una vecchia macchina da presa digitale, però simulandolo. Il film racconta il degrado di un elegante palazzo nel centro di Palermo e ha ricevuto il premio speciale della giuria giovanile al festival svizzero Visions du réel. Il documentario vincitore è stato From Dawn to Dawn, che racconta la vita di un malavitoso cinese in Spagna, fratello del regista. Il premio speciale è andato a un altro film georgiano, A Fire There, che racconta tre vite ordinarie che fanno parte della comunità armena nel sud della Georgia. Tutti i vincitori.

Desert Warrior

I sauditi hanno fatto un megafilm di propaganda insieme a Hollywood dove gli arabi del passato combattono contro, indovina un po’, i persiani. Girato in Arabia Saudita nell’area della nuova città futuristica di Neom. Un po’ come quando l’Italia doveva conquistare la Libia e allora faceva i film sulle guerre puniche. La lavorazione ha impiegato diversi anni, per contrasti creativi tra i produttori (pare fosse coinvolto lo stesso principe MBS) e il regista. È costato 150 milioni ed è stato un flop assoluto. Probabilmente non è così brutto come dicono, ma risente di un tempismo quantomeno inopportuno.

Questo invece è Cinema assoluto.

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My Undesirable Friends part I: Last Air in Moscow

Internet ci rende stupidi?

A proposito di banalità, a The Atlantic si sono stufati dei film che ipersemplificano i romanzi per usarli come materiale di adattamento a basso costo. “Forget superheroes, video games, and legacy sequels—a summer-reading list offers plenty of well-known titles that could boost ticket sales.” Ce l’hanno soprattutto con Cime tempestose, la cui trama originale sarebbe ridotta a un abbozzo, a un riassunto da studente, solo per mettere in mostra Margot Robbie e Jacob Elordi.

È sempre stato così, oppure il cinema poteva raggiungere la complessità della grande letteratura? In ogni caso, pare che i film stiano diventando più semplici. Il Post fa il riassunto di una questione di cui si parla da qualche mese, scatenata in particolare da un pezzo intitolato Casual Viewing, scritto da Will Tavlin su Netflix — articolo lunghissimo e bellissimo che consiglio tantissimo. Racconta la storia di Netflix dalla lotta contro il tirannico Blockbuster, come in una versione DVD di Davide contro Golia, fino all’ascesa al potere. (Ricorda la stessa epica fondativa di Apple contro IBM, sarà che le tech company sono affascinate da miti semplificati). Tavlin smonta diversi aneddoti e luoghi comuni, dalla origin story di Reed Hastings costretto a pagare 40$ per aver dimenticato di riconsegnare un DVD al rilascio di una nuova serie per intero solo sulla base dei dati sugli utenti, House of Cards, ovvero il prodotto che consacrò definitivamente Netflix nel 2013. Soprattutto Tavlin descrive quella che è la filosofia pratica della piattaforma: di nutrire il proprio pubblico grazie all’algoritmo per tenerlo abbonato, senza curarsi della promozione dei singoli film. Netlflix promuove solo se stessa. Il risultato, comunque, non è particolarmente innovativo: la maggior parte dei film sono fatti per spettatori distratti dal telefono, tutti simili, fatti male e banalmente esplicativi, al punto che uno dei tag tra le migliaia che formano la galassia dei microgeneri di Netflix è proprio “casual viewing”.

Ah, e ora Netflix si sta “tiktokkizzando”: dal 30 aprile nel mondo anglofono ha infatti lanciato un feed verticale per la versione mobile dove gli utenti vedranno clip dei film in catalogo così da “scegliere” il film da vedere. Che poi, se non ne scegli nessuno, va bene uguale.

A questo punto, perché non accettare i film fatti con l’AI anche al festival di Venezia?

L’importanza della promozione

Se Netflix ha ucciso il marketing e manda i film più piccoli a consumarsi nei gironi dell’autoplay di utenti addormentati, Indiewire lancia una serie di riflessioni sull’importanza delle strategie di lancio per i film indipendenti. Secondo l’autore, per convincere un utente ad andare a vedere un film servono 7 ore di contenuti mediali, 11 incontri con i materiali promozionali, 4 diversi media (eventi, audio, video, testo).

La comunicazione è anche alla base del successo della nota casa di produzione A24, che ha costruito un’identità riconoscibile. Fin dall’inizio, i film vengono legati a un merchandising e a un certo hype. è così che si salva il cinema cosiddetto indipendente? Ne parla un articolo di Link - Idee per la tv.

Meglio il film in sala?

In tutto questo pare che quest’anno i cinema — intesi come il luogo effettivamente dedicato al vedere i film — stiano tornando di moda. Pare che le piattaforme abbiano saturato il mercato, lo si è visto anche in Italia con il lancio di HBO Max. Dopo gli aumenti di prezzi e i tagli alla produzione, l’unico modo per Hollywood di fare più soldi sarebbe quello di tenere di più i film in sala. Gli esercenti lo chiedono da tempo. E infatti neanche un mese fa la Universal ha detto che aumenterà la “finestra di programmazione” a 45 giorni, ovvero le piattaforme dovranno aspettare un pochino più a lungo. La Sony ha anche redarguito i multiplex per fare troppa pubblicità prima dei film, togliendo spazio ai trailer.

Addirittura Netflix ha acconsentito a un’uscita in sala per il nuovo film di Greta Gerwig (Lady Bird, Piccole donne, Barbie) Narnia: il nipote del mago, per la prima volta in uscita wide ed esclusiva theatrical. Ci sarà una finestra cinematografica di ben 49 giorni dal 12 febbraio 2027 (il 10 ci sarà l’uscita Imax) al 2 aprile, date globali. Dopo il fallito acquisto di Warner Bros., Netflix prosegue la sua hollywoodizzazione, comprando teatri di posa a Los Angeles, distribuendo nei cinema e facendo film per bambini.

Ci si chiede anche cosa si può fare per risollevare l’esercizio cinematografico. Per IndieWire ci sono cinque possibili aggiustamenti, che sono stati discussi alla recente convention CinemaCon: 1. fare più film, più vari e di qualità. 2. trasformare i cinema in spazi multi-intrattenimento. 3. migliorare qualitativamente le sale. 4. maggiore collaborazione tra distributori ed esercenti, specie sul versante della comunicazione. 5. applicare prezzi dinamici, che varino in base al film, oltre che all’orario. Punti su cui vale la pena tornare più avanti.

A Bristol si è inaugurato un cinema-laboratorio, o “smart-cinema” dove misurare le risposte biometriche degli spettatori. Netflixxazione della sala?

Warner Bros.

Un altro episodio della telenovela hollywoodiana più famosa del momento: gli azionisti della Warner Bros. hanno approvato la proposta di Paramount e pare che l’affare andrà in porto, a meno di clamorose opposizioni da parte delle autorità antitrust. (Non è qui il caso di ricordare come l’ad di Paramount sia fan e amico di Trump e Netanyahu e abbia in programma di cambiare i giornalisti di CNN, di proprietà di WB, come ha già fatto con CBS, o sì?). Non è stata invece approvata la buonuscita dell’ad di WB, il paria David Zaslav, che sarebbe dovuta essere parte dell’accordo. Si era fatto notare soprattutto per aver cancellato diversi progetti per sole ragioni fiscali, tra cui il tanto atteso Coyote vs. Acme, il cui progetto è stato ripreso da un’altra azienda e il cui trailer è appena uscito. Notevole che Acme sia esplicitamente identificata con WB (di nuovo il mito di Davide e Golia).

Al cinema e non

Questi giorni sono usciti due vecchi film di Sion Sono che all’epoca non trovarono distribuzione normale, Suicide Club (2002) e The Whispering Star (2015), un autore di culto. A maggio e giugno torneranno in sala altri vecchi film di un altro importante autore nipponico, Hirokazu Kore-Eda. Nel frattempo il botteghino è stato travolto da Il diavolo veste Prada 2, con risultati ben oltre le aspettative ( è un periodo di grandi successi inaspettati), anche se i critici lo hanno, ehm, criticato e definito il “fast fashion del cinema”. A Milano (Fondazione Prada) sta arrivando al cinema, dopo il passaggio ai festival e l’acquisizione da parte di Disney+, Ghost Elephants, l’ultima produzione di Werner Herzog <3.

È invece arrivato direttamente su Mubi, da un mese, uno dei film più importanti dell’anno, My Undesirable Friends part I: Last Air in Moscow. La regista Julia Loktev, immigrata russa in USA, ha filmato nel corso del 2022 il lavoro di alcune giornaliste a Mosca, da quando vengono bollate come “agenti stranieri” fino alla repressione più schiacciante in seguito all’invasione dell’Ucraina. Durante le cinque ore di film, si assiste come in diretta al giro di vite di uno stato sempre più autoritario. Le giovani giornaliste sono filmate nella loro vita di tutti i giorni, in modo molto intimo, quasi invadente, da questa russo-americana dotata di iPhone. Parlano, piangono, reagiscono agli eventi di ora in ora peggiori, con la frustrazione di fare il possibile ma di non avere davvero potere. Il film è diviso in cinque sottocapitoli ed è stato pensato per essere visto a episodi, non necessariamente in sala come un Bela Tarr qualsiasi. In un’interessante intervista spiega come sia stata ispirata al padre del cinema diretto Frederick Wiseman, recentemente scomparso, specie nel suo modo di costruire i documentari “a scene”.

I film spesso restano poco al cinema, se escono, e poi svaniscono, tranne pochi casi. Aprendo la programmazione, magari su MyMovies, non ho idea dei tre quarti dei film presenti in sala, ed è probabile che quelli più interessanti passino senza farsi notare. Poi finiscono nel calderone delle piattaforme, nel migliore dei casi, o spariscono del tutto, nel peggiore. Manca la comunicazione, tranne in pochi casi di grandi autori o considerati tali.

Stando così le cose, mettere ordine tra ciò che vale la pena guardare e ciò che non ne vale la pena diventa importante. Non tanto per decretare cosa sia “il migliore”, ma per orientarsi in un sistema opaco, in cui l’offerta è frammentata e il tempo di attenzione sempre più ridotto. Per trovare la qualità. Una volta si diceva che, sul web, il potere lo aveva chi ha il potere di filtrare. Con gli algoritmi, quel potere lo abbiamo dato via. Ma il cinema in sala ne ha ancora bisogno: la critica è morta e non è stata ben sostituita neanche dalla promozione social.

Le classifiche fatte “dai nostri redattori” possono apparire come esercizi sterili e narcisisti: ‘sono andato molto al cinema, nei festival’ (dicendo implicitamente: dove voi non andate). Al lettore, però, questo interessa poco, perché quei film spesso non li potrà vedere. O perché sono film che non usciranno, o perché sono film che sono già usciti e non può ritrovare, o perché usciranno – forse – tra qualche mese, quando li avrà dimenticati. Eppure le classifiche, o le liste, producono un particolare piacere nell’ordinare, nel combattere l’entropia. Su questo sono stati scritti fiumi di inchiostro.

La pulsione giudicante di fine dicembre, effettivamente, lascia il tempo che trova. Anche perché si tratta di un periodo importante per la sala cinematografica, dove la cesura del primo gennaio appare artificiosa. In ogni caso, è proprio da gennaio che le classifiche diventano davvero utili. Primo, perché tanti film che i recensori hanno visto ai festival stanno per uscire. Secondo, perché sono uno strumento per informarsi, pensare e scegliere con calma. Sempre meno persone — è un trend decennale — vanno al cinema senza sapere cosa guardare; sempre meno persone spendono tempo per seguire l’attualità del mondo cinematografico, immersi come siamo nel feed di video stupidi e notizie superficiali.

Vedere le classifiche come un luogo del dibattito, dove si argomenta a favore o contro tale film, va bene per i nerd (i cosiddetti cinefili). Il pubblico, invece, ha bisogno di una bussola, e le classifiche possono essere una guida nello scovare la qualità, non perché il pubblico è ignorante, ma perché non ha tempo o voglia.

Ora ne vedrò alcune. Per il resto rimando alla metaclassifica di MetaCritic, che fa già questo lavoro ma che si basa solo sui film usciti in USA ed è difficile da capire per noi.

1. La classifica del New York Times: il cinema come conversazione pubblica

Mi piace il New York Times. La grafica è curata, da giornale americano, elegante. I film scelti sono molto conosciuti, belli, reperibili per la maggior parte.
I peccatori di Ryan Coogler, al primo posto, vede Michael B. Jordan interpretare due gemelli neri durante le norme razziali degli anni Trenta. Affronta il tema della appropriazione culturale in modo carnale, dando una svolta inaspettata al film. Un po’ troppo spinto, forse, il messaggio, un po’ troppo horror la svolta, forse. Sicuramente è un film particolare e divertente che vale la pena vedere. Uscito ad aprile, in Italia è passato un po’ inosservato, mentre in USA ne hanno parlato per mesi, spesso considerato, appunto, il miglior film. Si può noleggiare su diverse piattaforme.
Una battaglia dopo l’altra, di Paul Thomas Anderson, è invece più universalmente considerato il prodotto migliore, anche in Italia, forse per la fama del regista. Ed effettivamente, Anderson va semplicemente visto sempre, per cui non c’è molto da dire. Anche se non il suo film migliore, personalmente. Anche questo, uscito e facilmente reperibile sulle piattaforme.
The Mastermind e Generazione romantica sono due film anch’essi usciti in sala in Italia. Uno dovrebbe essere su Mubi, l’altro lo è stato. Il secondo è un capolavoro di Jia Zhangke — che conferma la mia idea di un Linklater cinese — costruito con gli spezzoni di film realizzati dal regista nel corso degli ultimi vent’anni, ripercorrendo la storia della donna, sua moglie, spesso protagonista di quei film, e della Cina in generale. C’è anche La voce di Hind Rajab, sui soccorritori della bambina palestinese che avrebbe secondo tanti dovuto vincere la Mostra del cinema di Venezia. Infine, un film discusso anche in Italia è quello di Jafar Panahi, ormai famosissimo regista iraniano, a ragione considerato un maestro, con Un semplice incidente, un film molto più lineare dei suoi precedenti, ma anche più crudo e diretto nella sua rappresentazione del regime.
Stanno invece per uscire in Italia due film molto promettenti, L’agente segreto di Kleber Mendonça Filho, già autore del bellissimo Bacurau, e Marty Supreme di uno dei due fratelli Safdie (l’altro fratello ha invece fatto The Smashing Machine, con grande interpretazione di The Rock, però assolutamente non a livello dei film firmati dai due). È presente anche Sorry, Baby, che esce il 15 gennaio in Italia.
Gli altri film sembrano molto interessanti, specie il documentario russo sulla repressione My Undesirable Friends, ma non usciranno a breve o forse mai, se non in qualche festival o proiezione speciale.
Questa è una classifica che non chiede allo spettatore un grande sforzo. Ricapitola, con una lista ridotta, una serie di film che, bene o male, esiste già nello spazio pubblico.

2. La classifica dei Cahiers du Cinéma: il cinema come ricerca

Com’è giusto che sia, la classifica dei Cahiers è più ricercata e molti film sono introvabili. In testa c’è Pomeriggi di solitudine, un documentario sulla corrida e su un famoso torero fatto da Albert Serra, un regista che non è nuovo alle classifiche annuali, specie per il suo precedente film, Pacifiction. Il film è uscito in Italia solo per tre giorni, ma compare in tante classifiche, anche italiane. Ci sono poi Una battaglia dopo l’altra e Sì (Ken), un film israeliano che racconta di due artisti che si vendono ai soldi e al potere, diventando dei giullari di corte e delle persone orribili. L’ho potuto vedere al Filmmaker Festival ma non è uscito regolarmente in sala. È un film strano, come mi aspetterei da una rivista che premia l’innovazione formale, però estremamente lungo, con un messaggio chiaro e sempre in bilico tra strano-artistico e strano-amatoriale fatto male. Va a gusti.
Poi ci sono i film di Christian Petzold, Mirrors No. 5, e di Richard Linklater, Nouvelle Vague, di cui mi permetto di dire capolavoro senza aver visto, che dovrebbero uscire in sala (di Nouvelle Vague si parlava di uscita diretta su Netflix, ma poi sembra che uscirà in sala).
Gli altri, a parte L’agente segreto, sono film a malapena usciti in Francia, di cui non so niente e che sono molto difficili da reperire. Tra gli altri, colpisce l’assenza di Panahi. Non penso si possa prescindere dai Cahiers, con la loro forte identità.

3. La classifica di Sight & Sound: il cinema come consenso critico

Fatta a partire da un sondaggio tra critici internazionali, la classifica della rivista del British Film Institute vede ai primi posti nuovamente Una battaglia dopo l’altra, I peccatori, The Mastermind, L’agente segreto, Sorry, Baby. Al quarto posto c’è invece Sirât, un film attualmente al cinema in Italia che racconta della ricerca da parte di un padre di sua figlia, persa in un rave nel deserto marocchino.
Il resto della classifica — 50 film — è utile per individuare qualche film interessante, o medio, tra quelli già usciti (come Eddington del famoso regista di horror Ari Aster, o No Other Choice, dell’altrettanto famoso Park Chan-wook e ancora al cinema) o tra quelli che devono uscire, come il film georgiano fatto con il telefonino, Dry Leaf, il nuovo misterioso film di Bi Gan, Resurrection, famoso per Un lungo viaggio nella notte, un vero viaggio fatto di lunghissimi long take. Oppure L’uomo nel bosco, film francese psicologico presente in diverse classifiche, di Alan Guiraudie, in uscita il 16 gennaio.
Questa è una classifica che serve a pescare e a mettere nella propria lista dei desideri.

4. Le classifiche italiane

Le riviste italiane si caratterizzano, a volte, per la grafica brutta e la poca presenza online. E inoltre lavorano con tempistiche diverse, legate alle uscite italiane, ovviamente (un problema che esiste da sempre e che non sarà mai risolto). Alcune mettono film che non ho amato molto seppur fatti bene (Nosferatu, Emilia Perez, Queer), tranne, da recuperare (da me), Presence di Steven Soderbergh, o La mia famiglia a Taipei che è sceneggiato da Sean Baker, regista di alcuni capolavori recenti. Tra gli italiani, vanno segnalati Un film fatto per Bene, un film (molto) di Franco Maresco e ispirato a Carmelo Bene, Fuori di Mario Martone su Goliarda Sapienza, Le città di pianura, film molto discusso e molto veneto, con un certo successo, e il film su Napoli di Gianfranco Rosi, Sotto le nuvole, il nostro documentarista nazionale che, dopo aver vinto diversi festival internazionali, continua a lavorare per conto suo e in silenzio.

Le classifiche dovrebbero guidarci tutto l’anno. Ma dovrebbero andare di pari passo con l’accessibilità dei film e con la creazione di eventi culturali (festival, rassegne, retrospettive) che permettano davvero di vedere ciò di cui si parla, e anche di rivedere film ormai passati. Sempre più spesso, infatti, si va in sala per vedere film non nuovi. Pensandoci, perché non dovrebbe essere così? Non credo che si tratti solo di nostalgia, ma anche di avere una garanzia: io so che Mamma ho perso l’aereo o Il signore degli anelli sono bei film, divertenti.

Senza lavoro di organizzazione culturale, le liste restano desideri astratti, nel peggiore dei casi per privilegiati. E invece potrebbero diventare strumenti vivi, capaci di farci vedere anche il cinema che oggi resta invisibile, risucchiato nel turbine di uscite o, peggio, rimasto sommerso, e non distribuito.