Ser pai não começa e nem termina no momento em que uma criança recebe uma certidão de nascimento. Ainda assim, no Brasil, milhões de histórias familiares carregam a ausência paterna desde o primeiro documento de uma vida.

Entre janeiro de 2016 e julho de 2024, o Brasil registrou 23,1 milhões de nascimentos. Desse total, pouco mais de 1,2 milhão de crianças foram registradas somente com o nome da mãe, segundo dados divulgados pelo Conselho Nacional de Justiça (CNJ), com base no Portal da Transparência do Registro Civil.

O número chama atenção não apenas pela dimensão, mas pelo que ele representa: são mais de um milhão de crianças que, no momento do registro, não tiveram a paternidade reconhecida no documento.

É preciso, entretanto, fazer uma distinção. A ausência do nome do pai na certidão não é sinônimo automático de abandono. O pai pode ser desconhecido, a paternidade pode estar em processo de reconhecimento ou outras circunstâncias podem explicar a ausência. O próprio sistema de registro permite que a mãe indique o suposto pai para que seja iniciado um procedimento de averiguação de paternidade.

Mesmo com essa ressalva, os números ajudam a revelar uma questão maior: a desigualdade na divisão das responsabilidades parentais.

Uma família que muitas vezes depende de uma só pessoa

Os dados do Censo Demográfico 2022, do Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística (IBGE), mostram que 7,8 milhões de mulheres viviam sem cônjuge e com filhos, representando aproximadamente 13,5% das unidades domésticas. Entre os homens, eram cerca de 1,2 milhão, ou 2,0%.

Isso não significa que todas essas mulheres estejam criando os filhos sozinhas por abandono paterno. Famílias monoparentais podem surgir por diversos motivos, como separação, viuvez, escolha pessoal ou outras circunstâncias.

Mas a diferença entre os números revela uma característica importante da organização familiar brasileira: é muito mais comum encontrar mulheres como responsáveis por famílias sem cônjuge e com filhos do que homens nessa mesma situação.

A questão, portanto, não é simplesmente perguntar onde estão os pais. É perguntar quem fica responsável quando um dos adultos deixa de exercer sua parte da parentalidade.

A ausência também pode acontecer dentro de casa

Quando se fala em abandono paterno, é comum imaginar apenas o pai que desapareceu fisicamente. Mas a ausência pode assumir outras formas.

Um pai pode morar na mesma cidade e quase nunca aparecer. Pode pagar a pensão e não participar da vida do filho. Pode estar presente em fotografias, mas ausente nas decisões.

É nesse ponto que aparece o conceito de abandono afetivo, que não deve ser confundido simplesmente com a ausência do nome do pai no registro.

A legislação brasileira passou a tratar expressamente do tema. A Lei nº 15.240, de 28 de outubro de 2025, alterou o Estatuto da Criança e do Adolescente (ECA) para caracterizar o abandono afetivo como ilícito civil. O texto estabelece que compete aos pais prestar assistência afetiva aos filhos, incluindo orientação, solidariedade, apoio e presença física quando solicitada pela criança ou pelo adolescente e possível de ser atendida.

A mudança representa uma transformação importante: a parentalidade deixa de ser compreendida apenas como obrigação de sustento material e passa a enfatizar também o dever de cuidado.

O peso que fica para quem permanece

Quando um dos pais se afasta, a responsabilidade não desaparece. Ela precisa ser assumida por alguém.

Em muitos casos, esse alguém é a mãe.

O Censo 2022 mostra que as famílias formadas por mulheres sem cônjuge e com filhos representam uma parcela significativamente maior do que aquelas formadas por homens sem cônjuge e com filhos.

Isso significa que a discussão sobre abandono paterno também é uma discussão sobre sobrecarga.

Existe o trabalho remunerado, o trabalho doméstico, o acompanhamento escolar, os cuidados de saúde, a organização da rotina e a responsabilidade emocional. Quando essas tarefas ficam concentradas em uma única pessoa, o impacto ultrapassa a relação entre pai e filho e alcança toda a estrutura familiar.

Por isso, falar sobre paternidade responsável não deveria ser apenas uma discussão sobre sentimentos. É também uma discussão sobre tempo, dinheiro, cuidado, presença e responsabilidade.

Um problema que os números não conseguem medir completamente

Existe, porém, uma dificuldade fundamental: nem toda ausência pode ser transformada em estatística.

Uma certidão consegue mostrar se existe ou não um nome. Um cadastro consegue registrar um nascimento. Uma pesquisa pode identificar a composição de uma família.

Mas nenhum desses instrumentos consegue medir completamente quantas vezes um pai deixou de atender uma ligação, quantas reuniões escolares perdeu ou quantas perguntas de uma criança ficaram sem resposta.

É justamente por isso que os 1,2 milhão de registros somente com o nome da mãe devem ser entendidos como um indicador, e não como uma contagem definitiva de pais que abandonaram seus filhos. O próprio CNJ utiliza esses dados para discutir a ausência paterna no registro e seus efeitos sociais, mas a estatística não permite concluir que todas essas crianças sofreram abandono afetivo.

Paternidade não deveria ser apenas um nome

Em 2024, o Brasil registrou 2.376.901 nascimentos, segundo as Estatísticas do Registro Civil divulgadas pelo IBGE.

Cada um desses números representa uma história familiar diferente.

Algumas terão dois pais presentes. Outras terão apenas um responsável. Algumas serão formadas por avós, mães, pais, padrastos, madrastas ou diferentes combinações familiares. O próprio Censo 2022 mostra que a família brasileira está cada vez mais diversa: pela primeira vez, os casais com filhos deixaram de representar a maioria das famílias brasileiras.

O problema, portanto, não está em uma criança crescer em uma família diferente do modelo tradicional.

O problema está quando uma responsabilidade que deveria ser compartilhada é abandonada por quem também deveria exercê-la.

Há uma estranha obsessão da humanidade em catalogar pessoas. Desde cedo aprendemos que tudo precisa de um nome, um diagnóstico, uma definição. O aluno é inteligente ou preguiçoso. O adulto é bem-sucedido ou fracassado. A mulher é delicada ou difícil. O homem é forte ou fraco. E quem insiste em escapar dessas gavetas costuma receber outro rótulo, talvez o mais antigo de todos: louco.

Foi por isso que uma das frases mais memoráveis do Chapeleiro Maluco atravessou gerações com tanta facilidade: “As melhores pessoas são as loucas.” Não porque ela glorifique a insanidade, mas porque desafia a ideia de que existir só faz sentido quando se vive dentro daquilo que convencionamos chamar de normal.

Talvez a normalidade seja uma das maiores ficções já inventadas.

Ela muda de século para século, de cultura para cultura e, às vezes, de uma década para outra. Houve um tempo em que mulheres que liam demais eram consideradas histéricas. Artistas eram vistos como vagabundos. Cientistas que contrariavam a religião eram perseguidos. Escritores eram censurados por imaginar futuros diferentes. A história tem um curioso hábito de chamar alguém de louco antes de chamá-lo de visionário.

No fundo, talvez a diferença entre um e outro seja apenas o tempo.

Lewis Carroll, autor de Alice no País das Maravilhas, compreendia como poucos o absurdo escondido na lógica cotidiana. Seu universo nunca tratou apenas de uma menina perdida em um mundo fantástico; tratava de um mundo que só parece fantástico porque olhamos para ele através dos olhos de quem ainda não aprendeu a aceitar incoerências como rotina.

O Chapeleiro, nesse cenário, não é apenas um personagem excêntrico. Ele é a personificação da liberdade intelectual. Faz perguntas que ninguém faria, quebra regras invisíveis e ri de convenções que todos obedecem sem sequer questioná-las. Sua loucura não está na falta de razão, mas no excesso de imaginação.

E talvez seja exatamente isso que mais assuste.

Vivemos uma época em que a originalidade é celebrada apenas até certo ponto. As redes sociais incentivam que sejamos únicos, desde que essa singularidade seja facilmente consumível, vendável e aprovada por algoritmos. Existe uma estranha contradição em uma sociedade que idolatra a criatividade enquanto pune qualquer comportamento que realmente fuja do esperado.

Nesse cenário, a frase do Chapeleiro ganha um novo significado. Ela deixa de ser apenas uma citação romântica compartilhada em legendas e passa a funcionar como uma provocação: quem realmente define o que é ser normal?

Ao mesmo tempo, é preciso cuidado para não transformar sofrimento em poesia. Existe uma diferença importante entre excentricidade e transtornos mentais. Durante muito tempo, a cultura popular romantizou a ideia do “gênio perturbado”, como se a dor fosse combustível obrigatório para a criatividade. Não é.

Depressão, transtorno bipolar, esquizofrenia ou ansiedade não tornam ninguém mais interessante. São condições de saúde que merecem respeito, tratamento e acolhimento, não uma aura de glamour construída pela ficção.

Talvez a verdadeira beleza da frase esteja justamente em outro lugar.

Talvez as melhores pessoas não sejam aquelas que perderam a razão, mas aquelas que nunca permitiram que o medo do julgamento limitasse sua capacidade de imaginar.

Porque toda transformação começa parecendo absurda.

Toda grande ideia nasce parecendo impossível.

E toda pessoa que muda o mundo, antes de ser admirada, costuma ser chamada de estranha.

Talvez seja esse o verdadeiro legado do Chapeleiro Maluco: lembrar que a fronteira entre genialidade e loucura nunca foi desenhada pela razão, mas pelo olhar de quem observa.

E, convenhamos, o mundo sempre teve dificuldade em compreender aqueles que ousam pensar além das margens.

A música registra transformações sociais, expressa comportamentos, influencia costumes e ajuda a construir a forma como enxergamos o mundo. No Brasil, onde a música ocupa um espaço central na cultura popular, suas letras também participam da construção de imaginários sobre gênero, relacionamentos e sexualidade. É justamente por isso que discutir a representação das mulheres nas canções brasileiras não é censura, mas reflexão.

A objetificação feminina permanece como um dos padrões mais recorrentes na música popular brasileira. Em diferentes gêneros, é comum encontrar letras que apresentam a mulher como prêmio, conquista, objeto de desejo ou símbolo de status masculino. Embora esse tipo de narrativa seja frequentemente tratado como uma característica natural da cultura musical, sua repetição contribui para normalizar estereótipos que reduzem a mulher à aparência física ou à satisfação do desejo masculino.

Estudos acadêmicos vêm demonstrando que essa representação não ocorre de maneira isolada. Pesquisas sobre letras da música popular brasileira apontam que as personagens femininas costumam ser descritas com base em atributos corporais e sexuais, enquanto suas emoções, perspectivas e individualidade recebem menor destaque. Em muitos casos, a mulher deixa de ocupar a posição de sujeito da narrativa para tornar-se um elemento de validação da masculinidade ou um recurso estético da composição.

A relevância desse debate torna-se ainda mais evidente quando observamos o cenário da violência de gênero no Brasil. Segundo a 5ª edição da pesquisa Visível e Invisível: a Vitimização de Mulheres no Brasil, realizada pelo Fórum Brasileiro de Segurança Pública em parceria com o Datafolha, 37,5% das brasileiras com 16 anos ou mais relataram ter sofrido algum tipo de violência nos 12 meses anteriores à pesquisa, o equivalente a 21,4 milhões de mulheres. Trata-se do maior índice registrado desde o início da série histórica.

Embora não seja possível estabelecer uma relação direta entre letras de músicas e a violência contra as mulheres, pesquisadores da Comunicação, da Psicologia e dos Estudos de Gênero defendem que produtos culturais influenciam a construção de valores, comportamentos e estereótipos sociais. A música não cria o machismo, mas pode contribuir para sua naturalização quando determinadas narrativas são reproduzidas continuamente sem questionamento.

Esse fenômeno se torna ainda mais relevante quando se considera o alcance da indústria musical. O Brasil está entre os maiores mercados de streaming do mundo, e milhões de pessoas consomem diariamente músicas que se tornam trilhas sonoras da vida cotidiana. Quando determinados discursos aparecem de forma repetitiva em canções de grande alcance, eles deixam de ser apenas manifestações artísticas individuais e passam a integrar o repertório cultural compartilhado pela sociedade.

Isso não significa afirmar que músicas sobre sexualidade ou desejo sejam, por si só, problemáticas. A expressão da sexualidade é um elemento legítimo da produção artística e faz parte da liberdade criativa. A questão central está na forma como essa sexualidade é construída. Existe uma diferença significativa entre retratar mulheres como sujeitos de seus próprios desejos e reduzi-las a corpos disponíveis para o consumo masculino.

Nos últimos anos, o debate tornou-se ainda mais complexo com o crescimento de artistas mulheres que utilizam a própria sexualidade como forma de expressão e autonomia. Para parte da crítica, esse movimento representa uma ruptura com a lógica tradicional, permitindo que mulheres ocupem espaços antes controlados por homens. Para outros pesquisadores, entretanto, permanece a dúvida sobre até que ponto essa estratégia desafia os padrões estabelecidos ou apenas adapta antigos mecanismos de objetificação às demandas contemporâneas da indústria cultural.

Independentemente dessa discussão, um aspecto permanece evidente: a repetição constante de determinados discursos influencia a forma como as relações de gênero são percebidas. A cultura não cria comportamentos de maneira isolada, mas participa da construção de valores sociais. Letras que associam mulheres exclusivamente ao prazer masculino, à disponibilidade sexual ou ao valor estético reforçam visões limitadas sobre a identidade feminina e contribuem para a manutenção de desigualdades já presentes na sociedade.

Essa preocupação encontra respaldo em pesquisas sobre violência de gênero. O 18º Anuário Brasileiro de Segurança Pública revelou que os índices de violência contra as mulheres permanecem elevados no país, evidenciando que o machismo estrutural continua sendo um desafio social. Embora não exista uma relação direta de causa e efeito entre uma música e um comportamento violento, diferentes estudos na área da comunicação e das ciências sociais demonstram que produtos culturais ajudam a consolidar normas, expectativas e estereótipos que moldam percepções coletivas.

Questionar essas representações não significa defender censura ou limitar a liberdade artística. Pelo contrário, significa reconhecer que toda produção cultural pode (e deve) ser analisada criticamente. A música possui o poder de emocionar, divertir e representar diferentes realidades, mas também carrega mensagens que merecem ser debatidas.

A discussão, portanto, não deve girar em torno da proibição de determinadas músicas, mas da capacidade de ouvi-las de forma crítica. Em uma sociedade profundamente influenciada pela cultura popular, compreender as mensagens presentes nas canções é um passo importante para reconhecer quais valores estamos reproduzindo.

Durante muitos anos, as mulheres ocuparam um espaço bastante limitado nos videogames. Quando não eram donzelas esperando para serem resgatadas, eram frequentemente construídas para atender ao olhar masculino. Corpos desproporcionais, roupas extremamente reveladoras e poses sensuais tornaram-se características recorrentes de personagens femininas, reforçando a ideia de que seu principal papel era agradar visualmente o jogador.

Exemplos não faltam. Ivy Valentine, da franquia SoulCalibur, tornou-se um dos maiores símbolos da hipersexualização feminina nos jogos de luta. Sua armadura revelava grande parte do corpo, enquanto suas animações e enquadramentos focavam em sua aparência física e não em suas habilidades em combate. Da mesma forma, Mileena, da série Mortal Kombat, apesar de ser uma guerreira extremamente poderosa, foi retratada por muitos anos com figurinos mínimos e um design que priorizava a sensualidade, mesmo quando sua própria narrativa explorava deformidade, violência e conflito de identidade.

Já em 2015, Quiet, de Metal Gear Solid V: The Phantom Pain, reacendeu esse debate. A personagem luta praticamente sem roupas durante todo o jogo, e a justificativa apresentada pelo diretor Hideo Kojima (de que ela respiraria pela pele e, por isso, precisaria permanecer com o corpo exposto) foi amplamente criticada por pesquisadores, jornalistas e jogadores como um exemplo de sexualização disfarçada de explicação narrativa.

Durante décadas, esse tipo de representação foi amplamente aceito pela indústria e pelo público. No entanto, conforme os videogames passaram a construir protagonistas femininas mais complexas, diversas e realistas, parte da comunidade gamer passou a reagir negativamente a essa mudança. A ironia é evidente: quando mulheres eram tratadas como objetos de desejo, raramente havia grandes controvérsias. Mas, quando passaram a ocupar o centro da narrativa como protagonistas completas com diferentes corpos, personalidades e histórias, tornaram-se alvo de críticas que frequentemente ultrapassam o próprio jogo.

Pesquisas sobre representação de gênero nos videogames apontam que, embora a objetificação feminina tenha diminuído nas grandes produções ao longo das últimas décadas, ela ainda influencia a forma como parte do público espera que personagens mulheres sejam retratadas. Quando uma protagonista rompe esse padrão, a reação costuma extrapolar discussões sobre narrativa ou jogabilidade e passa a refletir disputas culturais sobre gênero e representatividade.

Um dos exemplos mais emblemáticos é Ellie, protagonista de The Last of Us. A personagem é apresentada como lésbica. Embora a orientação sexual de Ellie seja tratada de forma natural pela narrativa, sua representação gerou uma onda de ataques nas redes sociais e contribuiu para o chamado review bombing do jogo, quando usuários publicam avaliações negativas em massa motivadas por questões ideológicas, e não necessariamente pela qualidade da obra. Pesquisadores que analisaram esse fenômeno concluíram que a polarização em torno de The Last of Us Part II foi fortemente influenciada por disputas culturais e políticas, mostrando que parte das críticas extrapolava aspectos técnicos do jogo.

O preconceito também ficou evidente na reação à adaptação televisiva da franquia. Episódios que retratam os relacionamentos de Ellie com Riley e, posteriormente, com Dina, foram alvo de comentários homofóbicos e tentativas de desqualificar a série por sua representatividade LGBTQIA+. Atrizes e produtores responderam publicamente às críticas, reforçando que essas histórias refletem experiências humanas reais e fazem parte da construção da personagem desde os jogos.

O caso de Ellie demonstra como personagens femininas ainda enfrentam uma cobrança desproporcional quando fogem dos padrões historicamente estabelecidos pela indústria. Sua identidade como mulher e lésbica tornou-se, para parte do público, motivo de rejeição antes mesmo de qualquer avaliação sobre sua narrativa, personalidade ou desenvolvimento. Isso evidencia que quando uma personagem não é feita para satisfazer o olhar masculino, ela é criticada.

Outro exemplo que é mais recente é a personagem Laufey, da franquia God of War. Após sua apresentação como protagonista de um novo título da série, parte das discussões nas redes sociais deixou de focar na história ou na jogabilidade para concentrar-se em sua aparência e no simples fato de uma mulher assumir o papel principal. Enquanto muitos fãs demonstraram entusiasmo pela oportunidade de explorar uma personagem já importante para a narrativa da franquia, uma parcela da comunidade passou a associar sua presença a discursos sobre “politização” dos videogames. Em fóruns e redes sociais, a personagem tornou-se alvo de comentários depreciativos antes mesmo do lançamento do jogo, ilustrando como protagonistas femininas frequentemente enfrentam um nível de ódio que personagens masculinos raramente recebem.

Esse fenômeno não é isolado. Diversas pesquisas apontam que mulheres são avaliadas por estereótipos de gênero com muito mais frequência do que homens dentro do universo dos games. Um estudo publicado na revista Computers in Human Behavior concluiu que o desempenho de jogadores homens tende a ser julgado pelos resultados obtidos, enquanto mulheres são avaliadas com maior frequência a partir de preconceitos e estereótipos sobre sua capacidade.

Outro aspecto preocupante é que essa hostilidade ultrapassa a ficção. Estudos sobre esportes eletrônicos e comunidades online mostram que mulheres continuam sendo as principais vítimas de assédio, ataques de gênero e comportamentos tóxicos durante experiências de jogo. Pesquisadores apontam que esse ambiente afasta novas jogadoras, limita sua participação em comunidades e contribui para perpetuar a ideia de que videogames seriam um espaço “naturalmente masculino”.

A boa notícia é que essa realidade vem mudando. A indústria dos videogames nunca contou com tantas protagonistas femininas quanto hoje, e elas estão cada vez mais distantes dos estereótipos que marcaram as décadas passadas. Mulheres podem ser heroínas, vilãs, mães, líderes, guerreiras, cientistas ou sobreviventes. Podem ser musculosas, delicadas, jovens, maduras, heterossexuais, lésbicas ou bissexuais. Acima de tudo, podem ser personagens complexas, com qualidades, defeitos e histórias que vão muito além de sua aparência.

Os videogames são uma das maiores formas de entretenimento do mundo e, como qualquer manifestação cultural, acompanham as transformações da sociedade. À medida que novas histórias são contadas e diferentes experiências ganham espaço, também cresce a oportunidade de construir personagens mais humanas e representativas. Essa diversidade não diminui os jogos; ao contrário, amplia suas possibilidades narrativas e permite que mais pessoas se reconheçam nas histórias que vivem através de um controle.

No fim, talvez a pergunta nunca tenha sido se mulheres podem protagonizar grandes franquias. A indústria já respondeu isso há muito tempo. A verdadeira questão é porque, em pleno século XXI, uma parte do público ainda se incomoda quando elas deixam de ser apenas um rosto bonito em segundo plano para se tornarem as verdadeiras protagonistas da história.

Toda vez que a moda revive uma década, ela também revive tudo o que veio com ela.

Não são apenas as calças de cintura baixa, os óculos coloridos ou as bolsas pequenas que voltam. Aos poucos, reaparecem também os padrões de beleza que marcaram aquela época e, junto deles, velhas inseguranças que muitas mulheres passaram anos tentando abandonar.

Os anos 2000 ficaram conhecidos por uma estética muito específica. Celebridades eram fotografadas diariamente, revistas estampavam listas de “corpos perfeitos” e qualquer mínima mudança de peso virava manchete. Ser extremamente magra não era um padrão, era uma exigência.

Hoje, mais de vinte anos depois, as redes sociais estão cheias de vídeos romantizando o “corpo dos anos 2000”, as calças de cintura baixa voltaram às vitrines e expressões como “skinny legend” e “skinny bitch” circulam novamente pela internet. Em muitos conteúdos, a magreza extrema aparece como sinônimo de elegância, disciplina e sucesso, quase como se toda a discussão sobre diversidade corporal nunca tivesse existido.

Essa romantização nunca vem de forma explícita. Ela raramente diz “você precisa emagrecer”. Em vez disso, aparece em vídeos de rotina, em comentários elogiando quem “perdeu alguns quilos”, em comparações de antes e depois e em uma enxurrada de conteúdos que associam um corpo muito magro à ideia de autocontrole, beleza e até sucesso.

Não há nada de errado em ser magra. Assim como não há nada de errado em querer emagrecer quando essa é uma decisão consciente, saudável e alinhada às necessidades de cada pessoa. O problema começa quando um único tipo de corpo volta a ser tratado como o ideal, fazendo com que todas as outras formas de existir pareçam inadequadas.

Durante os anos 2000, essa pressão teve consequências reais. Muitas pessoas cresceram acreditando que precisavam ocupar menos espaço para serem aceitas, o que contribuiu para uma relação cada vez mais difícil com a comida e com o próprio corpo. Transtornos alimentares, como anorexia nervosa, bulimia nervosa e transtorno da compulsão alimentar, passaram a fazer parte da vida de milhares de pessoas e continuam sendo problemas sérios de saúde física e mental. Embora esses transtornos tenham causas complexas e não sejam provocados por um único fator, a pressão estética e a valorização de um padrão corporal único podem aumentar o sofrimento de quem já é vulnerável.

Por isso, quando vemos a magreza extrema sendo romantizada novamente, vale lembrar que não estamos falando apenas de uma tendência de moda. Estamos falando de mensagens que influenciam a forma como as pessoas enxergam a si mesmas, especialmente adolescentes e mulheres jovens, que muitas vezes ainda estão construindo sua autoestima.

A moda tem o direito de revisitar décadas passadas. Tendências vão e voltam o tempo todo, e isso faz parte da cultura. O que não deveria voltar é a ideia de que existe apenas um corpo digno de admiração.

Nós podemos gostar da estética dos anos 2000, das músicas, das bolsas, da maquiagem e até das calças de cintura baixa sem repetir os padrões que fizeram tanta gente acreditar que nunca era suficiente.

Talvez a maior lição que essa nostalgia possa nos ensinar seja justamente essa: revisitar o passado não significa reproduzir seus erros. Beleza nunca deveria depender do tamanho de um corpo, e nenhuma tendência vale o preço de fazer uma geração inteira voltar a sentir vergonha de existir do jeito que é.

Nos últimos anos, é notável como o minimalismo e a estética “clean girl” tomou conta dos feeds. Cores neutras, cabelo lambido e maquiagem leve, o sonho de quem busca “menos é mais”. Mas será que é mesmo? Ou estamos apenas vestindo uma nova forma de tédio disfarçada de elegância?

O minimalismo nasceu como uma forma de rebeldia ao excesso, uma tentativa de voltar ao essencial. No começo, ele representava liberdade: um afastamento das tendências passageiras e do consumo desenfreado. Só que, ironicamente, virou exatamente o oposto. O “look básico e sofisticado” virou uniforme, e a autenticidade se perdeu no feed padronizado do Instagram.

Por trás dessa estética feminina e delicada, há também um discurso de conservadorismo disfarçado de bom gosto. A ideia de que “menos é mais” passou a ditar o que é considerado elegante, apagando tudo que é exuberante, colorido ou diferente. A moda, que sempre foi espaço de expressão e rebeldia, começa a se retrair, como se a ousadia fosse um erro de estilo. A neutralidade virou sinônimo de classe, e a sobriedade, um novo tipo de censura estética.

O minimalismo, em sua versão mais comercial, se encaixa perfeitamente em um mundo que teme o excesso, o ruído e o diferente. E assim, o que era para ser libertador se torna conservador, um símbolo de conformidade vestido de sofisticação.

A moda sempre foi sobre expressão, sobre gritar quem somos através do que vestimos. Mas o novo minimalismo parece ter esquecido disso. O que era uma busca por equilíbrio se tornou mais um produto, embalado em um feed de “clean girls” e “soft minimalism”.

Não se trata de odiar o minimalismo. É sim um estilo bonito, mas quando ele vem de propósito, não de medo. Mas talvez seja hora de questionar: será que estamos escolhendo o simples porque ele nos representa, ou porque ele é seguro, “aceitável” e combina com um ideal estético cada vez mais conservador?

No fim das contas, o problema não está em usar bege, coques e roupas de academia. Está em vestir o vazio, e chamar isso de estilo.